11 Anniversary issue
RESEÑAS
MIIKEL ERENTXUN EL BAILONGO CARIBOU
the national
IT TAKES AN OCEAN NOT TO BREAK
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ARTÍCULOS COMMUNITY MUNDIAL DE ROCK STONE TEMPLE PILOTS
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11 Anniversary issue
RESEÑAS
MIKEL ERENTXUN EL BAILONGO CARIBOU
STONE TEMPLE PILOTS WHAT’S REAL AND WHAT’S FOR SALE
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ARTÍCULOS
MUNDIAL DE ROCK THE NATIONAL PRINCE OF PERSIA
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R FOR START
EDITORIAL Los aniversarios pueden ser una cosa engañosa. Sí, es el momento de conmemorar esa fecha especial, pero también hay que reflexionar en lo malo, lo que no se ha podido conseguir y lo que se puede mejorar. R for Release celebra su primer año de vida. Estamos agradecidos con todos aquellos que han aportado algo a la revista, desde aquellos que sólo la han visto una vez y no regresan, hasta quienes se toman la molestia de escribirnos para decirnos sus opiniones. Gracias. Para celebrar esta ocasión tenemos dos portadas con dos bandas que reúnen el propósito de R for Release: en una tenemos a Stone Temple Pilots banda consagrada para aquellos rockers de hueso colorado; en la otra esquina tenemos a The National, una banda no tan nueva pero que a últimas fechas está llegando a niveles masivos gracias su tercer disco, uno lleno de oscuridad, dolor y sentimiento. Como se ha vuelto costumbre también tenemos películas, tv, reseñas de discos conocidos y no tan conocidos; algunos eventos que hubo en la ciudad y más. Nos vemos raza… gracias por venir.
Héctor Pérez Editor-in-Chief
RforRELEASE | TheAestheticRockMagazine JUNIO 2010 | ISSUE 11
Time to take it slow...
EDITOR IN CHIEF
Héctor Pérez
hector@r-for-release.com STYLE CORRECTOR
Simón Cárdenas
simon@r-for-release.com ART DIRECTOR
Alfonso Ramos
downpour@r-for-release.com DESIGN DIRECTOR
Fonrouge
fonrouge@r-for-release.com WEBMASTER
84dpi
www.84dpi.com CONTACT MANAGER
Jorge Valdez
jorge@r-for-release.com PRESS CONTACT
Krlos Prieto
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Rocha
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Daniel Pizarro Paqui Salvador Fuentes Christian Alanis Daniel Guzmán
Luis Gonzalez Natt Szendro Guillermo Cruz Krlos Prieto Paulina Palacios
FOTOGRAFIAS: Krlos Prieto Mayoliya Ayala Yussel Estrada Salvador Fuentes www.flickr.com/photos/frf_kmeron
CONTACTO
ESCRÍBENOS
contacto@r-for-release.com
R for Release es una publicación mensual de rock, movies y más. Cada artículo es responsabilidad de su autor(a). www.r-for-release.com
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CONTEN
GEEK IS THE NEW SEXY
LIVE
GADGETS
THANK YOU!
FOR THOSE ABOUT TO ROCK!
LIVE
LIVE
LO QUE VIENE
LIVE
LIVE
COLABORADORES
ROCK EVENTS JUNIO 10 ABRIL
MERAUDER
PAUL McCARTNEY
MIKEL ERENXTUN
CARIBOU+ TORO Y MOI
BAILONGO
NIDOS PORTADA
R FOR RANDOM
SILVER SCREEN
PORTADA
R FOR REVIEWS
EXIT MUSIC (FOR A FILM)
ARTICULO
GIMME COFEE AND TV
THE NATIONAL
STONE TEMPLE PILOTS
FUT Y ROCK
R FOR RIP
STP, THE DEAD WHEATER...
PRINCIPE DE PERSIA
WHERE THE WILD THING ARE
COMMUNITY
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GADGETS FOR ROCKERS
GEEK IS THE NEW SEXY POR:
ROCHA
TLIGHT. LA LÁMPARA MAS TALENTOSA. Esta lámpara de mesa, aparte de tener una apariencia minimalista y decorativa está hecha de acero inoxidable, es la única que cuenta con una base para iPod, puerto USB y toma-corriente para cargar tu laptop (tristemente de momento no hay adaptador para MacBook). Imagina este gadget en tu mesa de trabajo durante la noche: Te ilumina, carga tu celular, iPod, y computadora de una manera organizada y elegante. El precio es de $90 USD y viene en 8 colores metálicos. Es ahorradora de energía (consume 1W en modo standby) http://tlight.cc
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FLIP SLIDEHD La video cámara más fácil de usar nos presenta su modelo Slide HD que entre sus bondades nos permite capturar hasta 4 horas de video en alta definición, una pantalla de LCD que nos da una vista previa de lo que tiene almacenado y una interfase muy simple e intuitiva. Puede desplegar tus vídeos conectándola a tu HDTV vía conexión HDMI. Comparte fácilmente tus vídeos en Facebook, MySpace o YouTube desde la aplicación FlipShare que viene ya preparada. Disponible en color blanco que puede ser personalizado con el diseño que más te guste de la galería de imágenes de Flip Video. Su precio es de $280 USD http://www.theflip.com
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FOR THOSE ABOUT TO ROCK!
Guillermo Cruz
Mayoliya Ayala
Yussel Estrada
Originario de la ciudad de Oaxaca, Oaxaca y egresado de la UANL, 24 añitos, amante de la cheve y el Twitter (@memocv), criticón y programador por gusto, trabajador por necesidad. Fan de todo lo que esté relacionado con la música. Mis bandas del momento son los Arctic Monkeys, The National y un poco de Plastilina Mosh, mañana quién sabe.
Mi obsesión por los “Trolls” hace que me pinte el cabello de colores. Me gustan los animales, en especial las vacas. Mis grupos favoritos son los Yeah Yeah Yeah’s y Joy Division, una combinación extraña, lo sé. Tengo una admiración por Natalia Curtis. Me agrada la película EL JOVEN MANOS DE TIJERA. Es raro, no me gusta la mayonesa ni los camarones. Mi perrito se llama “Piti”. ¡Me hierven las manos por tomar fotografías! www.flickr.com/photos/mayoliya
Estudiante de fotografía. Siempre buscando formas de innovar su pensamiento y sus imágenes. Amante de la música, en especial del rock. Me gusta dispararle al tiempo con mi cámara porque sé que algún día esos segundos serán mis recuerdos.
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SEX &ENTERTAIN CAFÉ TACVBA LA MUSIQUE POP ZONA GANJAH THE PHARMACY ANDRÉS CALAMA LOS CAFRES 3,4,5 y 6 de junio
Lugar: La Fe Music Hall, Monterrey
www.ticketm
9 de junio
Lugar: Hipódromo de Las Américas
México, D.F.
www.ticketm
11 de junio
Lugar: GARAGE
http://www.e
16 de junio
Lugar: Café Iguana
www.cafeigu
16 de junio
Lugar: Garage
www.enelgar
17 y 18 de junio
Lugar: Teatro Metropólitan
México, DF
www.ticketm
25 de junio
Lugar: Café Iguana
www.cafeigu
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NMENT
master.com.mx
master.com.mx
P + HOLIDAY
enelgarage.com/
uana.com.mx/
rage.com
ARO
master.com.mx
uana.com.mx
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Special thanks to:
Manuel Cadena, Aliber Carrera y WFCC, Natalia Valerio, Rocha, Alaska Alaska, Aarón Ra nanda Santos, Gaby Ramírez, Ramiro Garza González, Dulce, La Pola, Phany Ponce, Rodrig drés Mendoza, Joacim Tristán y DJ Yesca, Osvaldo Valdez, Puk Cerda, Reid Haithcock, Tole Graphikslava, Odvidio Reyna, Pablo Carrillo, Gabriela Salinas y Mitosis O1O, Alejandro An Aérea, Karen Delgado, Juan Camilo Caicedo Forero, Fernando Vega, Álvaro Rendón, Luis G Ula Ula; Christian Alanís, Daniel Guzmán y Jorge Borrani: los Malangie; Marcelo de la Ros co Negro, Paulina Palacios, Daniela Saucedo, Salvador Fuentes, Daniel Patlán, Gabriela Go Cruz, Carlos Limas y Francisco Benítez del TEP; René Almanza y Arte Cocodrilo, Nrmal, Ka nica Valdés, Lic. Héctor Santos, Carlos Robledo, el ART; Nallely Enriquez, Another Compan García Cerda, Neto Llanez, María Fernanda Rojo, Incube Project, Quiero Posh, The Brown F de Filosofia y Letras, Carls Jr., Saskia y La casa, Gotcha Express Chi, we wish the best
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amos, Lily Cruz, Krlos Prieto, Beto Palacios, David Saldaña, Alan Christopher Garza, Fergo Silva Okusono, Tomás Hache, Edith Valle, Paqui, Boscop Benavente, Daniel Pizarro, Anedo, Methane, Tomás Valdez, José Pablo Acevedo, Jesús Aburto y la República Hermana de naya, Carolina Casale Rossi, Gabsee Guzmán, Luis Orea, Ricardo Ramos Navarro y Fuerza González, Martegod, Natt Szendro y Burbuja Radio, Douglas Sepúlveda, Pipa de Colores y sa, Josué Candia, David Oranday, Isaac Navejas st. Belial, Andrés Alonso, Hvrtado, Satyrionzález, Miguel Melgarejo y Toc Toc, Oliver Syrett, Aldo de León y Alternando, Guillermo ani Kanaka, César Mata y Escénica Live; Arena Monterrey, Café Iguana, Showtime, Veróny; Vanesa Duarte, Planet Terra, Mayoliya Ayala, Attak!, Judith Acosta, Hugo Pérez, Diego Fox Studio, Estudio La Casa, El Narval, Designaholic, Renato Guerra, La Rocka, Facultad
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STILL OWNS CROWN THE
TEXTO Y FOTOS: Salvador
Fuentes
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Merauder vuelve a Monterrey después de 5 años, éste fue un show no sólo anticipado, sino necesario. Cuando me pongo a pensar en la era dorada del NLHC pienso en el Roche y entre las bandas que todos oían, ya sea borrachines, edgers, callejeros, metal cores, posis, etc, todos amaban a Merauder, así que naturalmente cuando Merauder llama, Monterrey acude. Me dio gusto ver gente que tenía años sin ver en este show, prueba de lo mismo que vengo diciendo. En cuanto a la asistencia creo fue de lo mejor, al menos de este último par de meses, el Ibex se veía debidamente concurrido. Empezó El Arma Es La Palabra, aunque uno de sus dos vocalistas faltó, los chavos supieron dar un buen show ofreciendo su propuesta hardcore-punk con mensaje inteligente. Siguió Vengeance Is Mine, en mi opinión de las mejores bandas actuales en la escena, y no porque sean miembros de mi última banda, pero su música es una buena mezcla
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I am the master killer - fall to me pray for a way out which you can`t see I the master killer strike you down can`t be detected, I own the crown
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de hardcore callejero y moshcore con letras simples, sinceras y al grano. Después toco el turno a Última Víctima del D.F. y sin duda ofrecieron como siempre un show enérgico, con una alta dosis de breaks y aceleres para moshear y hacer circle pit a más no poder. Finalmente Merauder tomó el escenario por ahí de la media noche... ánimos altos y anticipación ferviente le dieron la bienvenida al maquiavélico intro/sampler de coros orquestrales con el que abrieron para patearnos el trasero a ritmo de “Ahora”, del nuevo disco God Is I, el cual imagino causa furor garantizado en países de habla hispana, un himno a la resistencia y la unidad latina. Cabe recalcar que la aparición de Jorge (voz) con la máscara del samurai no oficialmente conocido como “Master Killer” fue un detalle que al menos a un par nos prendió ese extra necesario para decir “hell yeah!”. El set se compuso primordialmente de canciones clásicas
del Master Killer, como “Time Ends”, “Life Is Pain”, “Mirror Shows Black”, “Downfall Of Christ” y “Take By Force” a excepción de un par de temas de God Is I como “Until” y “Built On Blood”, para cerrar con “Master Killer” a una audiencia y un pit que bien pudieron pertenecer a un amotinamiento de cárcel. En el encore nos dieron gusto tocando “Crossfire”. Aquí faltaron temas clásicos como “Five Deadly Venoms” y “Bluetality” los cuales sí tocaron la última vez que vinieron, pero al parecer tuvieron que reemplazar miembros a última hora, así que quedamos sin injuria y se agradece el esfuerzo en cualquier caso. En resumen un excelente show, sin percances ni disgustos de ninguna índole, como debe de ser. Buena vibra y música brutal para desahogarse de la rutina. ~ for ~
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Sir Paul McCartney. Foro Sol @ 27 de Mayo
Take a sad song and make it better… POR: PAULINA PALACIOS FOTOS: HTTP://WWW.FLICKR.COM/PHOTOS/BULLETINSOFT
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Como a muchos otros lugares de la ciudad de México, al Foro Sol se puede llegar en metro...
Inmediatamente al salir de la línea café, se ve la puerta de entrada número cinco de la ciudad deportiva. Muy apenas podía creer que en cuestión de unas horas, estaría dando oídos, en vivo y a todo color, a Sir Paul McCartney. De pequeña, las primeras canciones que canté fueron las de The Beatles y las de Crí Crí. Escuchar cantar a 55,000 personas letras que yo misma entonaba, incluso antes de entenderlas, es una experiencia inigualable. Si me preguntasen, no podría decir qué fue lo que más disfruté del concierto. El escenario era majestuoso. Sir Paul hizo su aparición vestido como aquel clean cut Beatle que a nuestras mamás, tías e incluso algunas abuelas, hizo gritar. Y como si fueran los sesenta, gritamos todos. McCartney estuvo durante todo el concierto visiblemente emocionado. Cantó más de 40 canciones, tres horas seguidas de rock and roll limpio, con la misma voz que escuchaba salir del tornadiscos de papá. Para mí, el giro del concierto fue JUNIO 10
escuchar “The long and winding road”. Después de ésta, ya nada fue igual. Sir Paul y sus tirantes rojos, la luna que llenó de nostalgia todo el ambiente y que hizo suspirar a todos los sesentones, cuarentones y jóvenes que estábamos ahí sólo para escucharlo. Más de uno enloquecimos. “Something” cambió el ánimo del concierto. La mirada de George se vio en la pantalla del centro del escenario, y Sir Paul cantó con su ukulele. Cuando terminó, pensé: “¿y ahora, cómo le va a hacer para quitarnos esta tristeza?”. Al momento, un amigo se acerca y me dice: “Quien no haya llorado con esta canción, no tiene corazón”, y creo que tiene razón. No hubo una persona a la que no le vi por lo menos una lágrima. Sublime. Esto justamente es lo que produce la música. Hace que en cada uno de nosotros, a través de caminos que pocos podemos reconocer, se muevan nuestros objetos internos, invisibles, escondidos. La música siempre encuentra la manera de hacer que todo aquello que hemos enterrado en nosotros emerja, a través de una lágrima, una mirada, un
suspiro o un abrazo. Paul cantó para Linda y todos los enamorados, para su amigo John y por su amigo George. Improvisó una canción para México, hizo un pequeño homenaje a Hendrix, hubo fuegos pirotécnicos, aplausos y coros cantados por miles de personas emocionadísimas. Hablando un español bastante decente, Sir Paul fue magnífico con el auditorio. Cantó canciones infantiles, dejó que una chilanga voluptuosa se subiera a bailar con él, se tapó los oídos en señal de asombro, se sentó en su piano deteniendo el concierto, miró al horizonte con la mano en la mejilla, sólo para disfrutar el momento, ondeó la bandera mexicana, autografió una guitarra para uno de los afortunados sentados hasta delante, cantó y bailó como si de nuevo tuviera veinte años. Si hace décadas, The Beatles dejaron de presentarse por que solamente había gritos en sus conciertos, Sir Paul ahora puede presumir que en Chilangolandia no sólo hubo gritos, sino 55,000 cristianos cantando “Hey Jude”, “Let it be”, “Eleanor Rugby”, “Back in the USSR”, “Live and let die”, “Lady Madonna”, “Yesterday”, “Get Back”, y quien sabe cuantas canciones más que han atravesado generaciones enteras, sexos, razas y posiciones sociales. El jueves 27 de mayo será un día emblemático, inolvidable. Todo lo que sentimos esa noche es lo que le da el valor a lo que es la música, lo que define su propósito y su significado. ~ for ~
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MIKEL ERENXTUN ESCÉNICA @ 29 DE MAYO
UNA POR: Simón
Cárdenas FOTOS: Krlos Prieto
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Para los festivales al aire libre no hay nada como los días soleados, para las buenas canciones melancólicas lo mejor es una noche lluviosa. Mikel Erentxun, ex vocalista de Duncan Dhu se presentó por primera vez en la ciudad el 29 de mayo, demostrando que el pop español le tiene años de ventaja al hecho en México. A las 22:30 Mercedes Ferrer salió al escenario a calentar los ánimos de los asistentes, armada solamente con su guitarra eléctrica y su voz, la española entonó melodías como “Eres un imán” y jams de “Come Together” de The Beatles. En vivo su música se acerca a un blues rocanrolero y femenino. Seis canciones después se despidió agradeciendo a los regios por celebrar su cumpleaños de forma adelantada con ellos.
acuerda de ti”, seguida de “A pleno sol”, ambas de su disco Acróbatas.
A las 23:30, las luces se apagaron de nueva cuenta, vestido de saco y pantalón negro y con camisa roja, Mikel empezó a tocar sus canciones, acompañado de las Malas Influencias su música es muy básica: guitarras, bajo y batería, además de su característica voz. Una tras otra se escucharon canciones como “Angela”, “Todo es siempre igual”, “El mejor de mis días”, “Estampida” y “California”, las emociones subían y bajaban, después de presentar una nueva canción, “Halcones” le siguió el turno al primer gran momento de la noche: “Quien se
También hay que entender que un concierto de este cantautor no puede estar completo sin recurrir a sus éxitos en agrupación, por lo cual también escuchamos “Esta luz no se apagará”, su versión de “Theres a Light that Never Goes Out”, original de The Smiths.
En las canciones de Erentxun no hay muchas sorpresas ni distorsiones, pero complacen al oído como se supone que la poesía debe hacer. En México quizá lo encasillamos como el cantante de Duncan Dhu, pero en España se ha formado una sólida carrera como solista, quizá porque allá el género es más aceptado, para muestra están los ejemplos de bandas como Pereza, o los solistas Quique González o Nacho Vegas, que sin ser las superestrellas de rock, hacen discos de alta calidad.
esta melodía, al terminarla se marcó el primer encore de la noche, el cual terminó con “A un minuto de ti”, su mayor éxito radial en nuestro país como solista. “100 Gaviotas” y “Esos ojos negros” activaron los recuerdos de los presentes. Con el ambiente encendido alguien le tiró una camisa de los Rayados, que el cantante rápidamente se puso. Alguien debió advertirle que en Monterrey no hay rayados sin tigres (y viceversa) por lo que se escucharon algunos abucheos, pero nada grave. Para terminar, entonó “En algún lugar” canción imperdible del recuerdo colectivo del rock en tu idioma. Mikel y los regios se despidieron contentos de haberse conocido, ambos hicieron promesa de volver, afuera seguía lloviendo, pero ya no importaba tanto. ~ for ~
“La herida” y “Detalle del miedo” siguieron en el setlist. Desafortunadamente el micrófono falló al iniciar “Cartas de amor” la canción más esperada por el que escribe, por lo que nos perdimos los primeros versos de
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// POR: NATT SZENDRO FOTOS: KRLOS PRIETO//
ESCÉNICA @ 22 DE MAYO//
CARIBOU + TORO Y MOI//
MELODY DAY//
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08 En la noche del 22 de mayo del 2010, alrededor de 600 personas nos encontrábamos congregadas para el concierto de una de las agrupaciones canadienses más hypeadas del momento, Caribou. La casa productora Nrmal fue la encargada de traer al grupo liderado por Daniel Snaith, a un precio bastante accesible y de esa manera abrir los oídos de los regios a nuevas propuestas musicales. Tuvieron como telonero a Chad Bundick con su proyecto Toro y Moi, quien dio por iniciado el show para calentar motores alrededor de las 00:30 horas del día siguiente. Dentro de su setlist se encontraron canciones como RESEÑAS “Blessa”, “Low Showlder”, “Minors” y STEVE AOKI “You Hid”. Cabe destacar que Chad ha PHOENIXestado acompañando a Caribou en su
gira por Norteamérica en los pasados meses y también acompañó al grupo canadiense en su presentación en el festival Mutek de la Ciudad de México. Después de aproximadamente una hora de show por parte de Toro y Moi, empezó Caribou. En el escenario se podía ver la distribución estratégica de cada uno de sus miembros y al fondo una pantalla en donde se proyectaban imágenes que componen el arte de su más reciente disco. Tocaron casi todo el repertorio de Swim, disco lanzado el pasado 19 de abril, que contiene, a diferencia de su anterior álbum, Andorra, muchos más tintes electrónicos y beats más rápidos, también tocaron un par de canciones más de Swim, poniendo en tono a
los asistentes de ese día en el Escénica. En el setlist se encontraron incluidas “Odessa”, “Jamelia”, “Found Out”, “Kaili” y “Melody Day”, cerrando con “Sun”, una velada llena de dinamismo e imágenes que podrían haber sido sacadas de algún viaje ácido. Como encore utilizaron “Eli”, también de Andorra y así fue como terminó oficialmente la madrugada del 23 de mayo. En lo personal me quedé con un muy buen sabor de boca y con la promesa implícita de que Monterrey, poco a poco, ganará terreno en cuanto a presentaciones de calidad y a un bajo costo. Aplausos para quienes pueden seguir haciendo esto posible. Amén. ~ for ~
CALLE 13 ENTREVISTAS
RICARDO CUCAMONGA CHRSTIAN MENDOZA
METALLICA
THAT WISH WE DESIRED
MAR 2010
ARTÍCULOS
SIDE PROJECTS MASSIVE ATTACK TRIP HOP
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BAILONGO ESCÉNICA @ 28 DE MAYO
Y QUE SE HACE EL … BAILONGO…
POR: Jorge
Valdez FOTOS: Krlos Prieto, Yussel Estrada, Mayoliya Ayala
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… … JUNIO 10
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Después de varios cambios de lugar e incluso de fecha, por fin se realizó el BAILONGO 2010. El pasado 28 de mayo se reunieron bandas de distintas nacionalidades: argentinos, colombianos y mexicanos tocaron y bailaron a ritmo de géneros tan diversos como guapachosos. Se está haciendo costumbre en este evento la diversidad de géneros reunidos en un mismo lugar. En su segunda edición y con un Escénica a medio llenar, se respiraba un ambiente netamente pambolero, playeras de tigres y rayados se dejaron ver por todo el lugar, incluso algunos cánticos de apoyo a los equipos locales se escuchaban en pequeños grupos divididos por los seguidores ambos equipos. Uno a uno salieron las agrupaciones contagiando a los presentes con su buena música, la cual es ideal para la fiesta. El Instituto Mexicano del Sonido, Toy Selectah y Bomba Estéreo fueron sólo una parte de las agrupaciones que se presentaron para poner a bailar a los asistentes. La banda argentina de Damas Gratis fue la encargada de cerrar la fiesta; un gran número de asistentes se reunieron frente al escenario para corear el nombre de la agrupación, la más esperada de la noche. Los frenéticos asistentes cantaban a todo pulmón cada uno de los temas de la agrupación, convirtiendo el lugar en una gran fiesta llena de baile, música y por supuesto, fútbol.
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SORROW FOUND ME WHEN I WAS YOUNG The National es una banda neoyorquina formada en 1999 por los hermanos Dessner, los hermanos Devendorf y Matt Berninger, quien se ocupa de las vocales. El grupo musical ha crecido gradualmente durante once años y se ha logrado posicionar en un lugar privilegiado de la escena musical. Este posicionamiento ha sido consecuencia de un acercamiento bastante peculiar a la música, junto con un esfuerzo casi sobrehumano de promover sus discos en constantes tours. Por: Daniel Guzmán
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FAMOUS ANGELS NEVER COME THROUGH ENGLAND A pesar sus once años, The National no consiguió llamar la atención hasta el 2005, año en que publicaron Alligator, un álbum agresivo y obscuro que recibió grandes elogios en las críticas y se coló en muchas listas de lo mejor del año, sin embargo, la audiencia del grupo no se desarrollaría hasta un par de años más tarde. Boxer, del 2007, fue el trabajo que hizo a The National merecedor de un grupo de fans que comenzó a desarrollarse sólidamente. Todo esto es relevante porque The National acaba de publicar su anticipado High Violet, y les está yendo bastante bien. Mencionamos que su éxito es consecuencia de sus largas giras de conciertos, pero sería injusto reducir el crédito a sus presentaciones en vivo. The National se encierra en el estudio trabajando cada detalle de sus canciones exhaustivamente, los títulos y las letras pasan numerosos cambios antes de publicarlas. La banda busca perfeccionar todo al máximo, pero, ¿en qué consiste todo este “perfeccionamiento”? Para meternos en detalles, hay que salirnos por un momento del esquema tradicional. The National hace música, y la música es una rama del arte. De esta manera podemos visualizar la música de un grupo musical al mismo nivel en el que se encuentra una SEPTIEMBRE 09
pintura, una película o un libro. Dentro del arte ha habido gran número de corrientes e ideologías en base a lo que el primero debe de transmitir. Mientras que a través de la historia podemos ver a aquellos que se enfocaron a transmitir felicidad o perfección, ha habido otros cuantos que le han apuntado a capturar y reflejar otro tipo de sentimientos, desde la frustración, las ansias o la desesperación. The National pertenece obviamente a este segundo grupo. Más específicamente, la banda enfoca su trabajo en las obsesiones masculinas y en los fracasos que se tienen al tratar de alcanzarlas. Éstos son temas que uno como hombre ha tenido dificultad para enfrentar a través de la historia, y a su vez, son temas que han sido el objeto de muchos estilos de expresión artística. La naturaleza de hablar de las confusiones internas que orillan a uno al estado de desesperación se ha manejado en varios campos del arte. Son sentimientos que en parte son un tabú para tratar en público, pero que han estado presentes en todo el mundo y en toda la historia. Me atrevo a decir que The National está haciendo hoy en día lo que Edvard Munch hizo en 1895 y lo que Rembrandt hizo en 1658. El Grito de Munch captura, en una pintura cuya inspiración desconocemos, a un hombre gritan-
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I SET A FIRE JUST TO SEE WHAT IT KILLS
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do, desesperado existencialmente. 340 años antes, Rembrandt hizo su autorretrato, un hombre con una mirada débil, casi llorando. De ésta si tenemos un poquito más de contexto: un hombre una vez famoso, ahora en bancarrota y en soledad. ¿Suenan conocidos estos temas? Tratar de equiparar a The National con dos maestros de la historia del arte no debe de parecer injustificado desde el marco que los estamos analizando. Un pintor busca el equilibrio en su obra, y puede pasar días y meses buscando por la tonalidad perfecta de colores para poner en un rinconcito del cuadro. Poniendo atención a las texturas musicales de The National, podemos entender que la banda funciona de una manera muy similar. Lo importante de entender aquí es la temática de la obra. No sólo líricamente sino también en el sentimiento y la idea que se logra capturar y transmitir. Matt Berninger habla de soledad y desinterés, pero nos da todo un contexto, una historia detrás de estas ideas. Otro ejemplo comparable, desde la perspectiva ya explicada, es The Wrestler de Darren Aronofsky (2008). Esta película narra la historia de Randy Ram, un luchador una vez famoso, pero ahora olvidado por su público. Randy Ram enfrenta, entre varios otros, los siguientes temas: su hija ya no lo quiere, se da cuenta que realmente no tiene amigos y que vive
en el pasado. Como obra de arte, es un valor bastante similar al que podemos encontrar en Boxer o en High Violet de The National. Es curioso ver a su grupo de fans y seguidores, pero The National no tiene un público que a simple vista sea “identificable” con las ideas que trabaja. De hecho es un público bastante diverso, con jóvenes y mayores, hombres y mujeres de muchas partes del mundo. Yo le adjudico su éxito y su crecimiento a través de la década a un detallado trabajo en temas que a pesar que no hablamos, todos pensamos, y aunque no compartamos, sabemos que ahí están. Son ideas y sentimientos universales, en parte, prohibidos. El fracaso y la confusión forman parte del ser humano, y de vez en cuando, llega un artista que logra transformar estas derrotas en material visual o auditivo para que todos las entendamos, o al menos, las aceptemos. ~ for ~
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If You Die Before Me, Ask If You Could Bring A Friend Stone Temple Pilots POR:
SIMÓN CÁRDENAS
Según el cliché, el rock está acompañado de sexo y drogas. Durante los 90 una banda americana llenó la radio de éxitos, los conciertos de fans y las revistas con escándalos. Los Stone Temple Pilots son una banda de rock que hace lo suyo. Los Stone comenzaron como muchas grandes bandas, cuando se conocen el bajista Robert De Leo y el cantante Scott Weiland. Después de un tiempo, Dean De Leo toma la guitarra y Eric Kretz la batería, completando la alineación definitiva. La banda trabajó duro para grabar su primer demo alrededor de 1990 y apenas dos años después, con la producción de Brendan O’Brien, su primer álbum, Core. Aquí
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empieza la difícil relación que los Pilots han tenido con la crítica. Remontándonos a esos oscuros años llamados los 90 inmediatamente recordamos al grunge, en Seattle Nirvana estaba cambiando la música, acompañados por gente como Soundgarden, Mudhoney, Alice in Chains y, por supuesto, Pearl Jam. Es con la banda creadora de “Jeremy” que los Stone fueron comparados, sobre todo la voz de Weiland en
éxitos como “Sex Type Thing”, “Wicked Garden”, “Creep” y “Plush”; incluso en los videos podemos ver al cantante gesticulando de una forma bastante parecida a Eddie Vedder. A los fans no les importó esto, esas canciones aún destilan poder y testosterona. Con su disco bajo el brazo la agrupación empezó a tocar como si no hubiera mañana, abriendo conciertos para Rage Against The Machine y Megadeath,
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además de sus propios conciertos. La banda conoció el éxito de primera mano. Dos años después y apenas grabado en un mes, Purple, confirmó su éxito. Con canciones que se han convertido en clásicos como “Big Empty”, además de singles entre los que están “Interstate Love Song” y “Vasoline”. Estos temas hicieron que el disco vendiera tres millones de copias en apenas cuatro meses. Oh sí, el éxito había llegado. Junto con él también llegaron los problemas: Weiland fue arrestado por posesión de heroína y cocaína, y estuvo a punto de ir a la cárcel por tres años. En este momento se da la primera separación de la banda, tiempo en el cual aprovecharon para formar otros proyectos. La separación no duró mucho y en el 96 lanza-
ron Tiny Music… Songs From The Vatican Gift Shop, disco con el que la crítica empezó a reconocerlos como una banda “original”. Es verdad, su segundo y tercer disco se alejaron del sonido pesado de los riffs de su primer placa y Scott encontró nuevas tesituras en su voz, algo que será un constante en su música: la exploración de nuevas corrientes, sonidos… riffs clásicos, glam rock, hasta cosas más tropicalonas y con sabor. Sin embargo, las adicciones de Weiland demostraron ser un demonio difícil de vencer y de nueva cuenta se las vio con la ley. Otra vez se canceló el tour y el cantante entró a rehabilitación. Para 1999 la banda se reunió y No. 4, no sólo nos dio una de sus mejores portadas de disco, sino grandes canciones, “Sour Girl” se convirtió en un vídeo de alta rotación en MTV, los
Stone Temple Pilotos regresaron, y aunque mucha banda se bajó de su tren ellos siguieron haciendo lo suyo. Lo mismo va para Weiland que ese año pisó la cárcel. Shangri-La Dee Da marcó el final de su primera etapa, pues las tensiones entre Dean y Scott, debido a los problemas de Weiland con las drogas, los llevaron a casi agarrarse a golpes. Durante este tiempo los integrantes se dedicaron a sus proyectos personales: Kretz abrió su estudio de grabación, los De Leo produjeron discos y Weiland se unió a los ex Guns And Roses para la superbanda Velvet Revolver, con la que lanzó dos discos que fueron aceptados ampliamente. Debido a obligaciones de contrato la banda aún debía un par de discos, uno de ellos fue Thank You, una recopilación de sus éxitos en el que podemos ver SEPTIEMBRE 09
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una verdadera radiografía de la evolución de la banda. Las tensiones en Velvet Revolver y un acercamiento con sus ex compañeros llevaron a una reunión de los Pilots y el anuncio de la salida de Velvet Revolver por parte de Weiland. Antes de aventurarse con un nuevo disco la banda se probó con 70 fechas en vivo, incluido Monterrey junto con Nine Inch Nails. Las ideas para un nuevo álbum se acumulaban y los Stone las grabaron. El 2009 fue de grabación, post producción y recién salido al
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mercado tenemos Stone Temple Pilots, disco homónimo que refleja el reboot de la banda, un álbum cargado con sonidos que demuestran todas sus influencias, pero que sigue sonando a ellos. Aparentemente Weiland ha podido dejar sus demonios atrás, la muerte de su hermano por una sobredosis parece ser una gran causa de esto y la banda se ve más fuerte que nunca. Stone Temple Pilots es una banda de rock, con todo lo que esto implica. Un referente obligado para entender el
rock de estos tiempos preapocalípticos. Su música bien podría ser el soundtrack del fin del mundo, así que aprovechemos . ~ for ~
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¿Y SI EL MUNDIAL FUERA DE ROCK?
Está a punto de iniciar la máxima justa del balompié. El mundo espera con ansias el silbatazo inicial del Sudáfrica vs México para empezar con las emociones que acompañan la inigualable competición. Como siempre hay los favoritos, habrá las sorpresas, las decepciones y los caballos negros. Pero, ¿qué pasaría si algún día se organiza un campeonato mundial de rock?, en gustos se rompen géneros, pero es obvio que hay países que han aportado muchísimo a este singular ritmo, otros que han sorprendido en los últimos años y de alguno ni idea se tiene de que lo practiquen.
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En el grupo A se encuentra Sudáfrica, Francia, Uruguay y México. De Sudáfrica y Uruguay poco se conoce, no es que peque de localista, pero hasta donde sé no ha llegado un Tri o un Maná uruguayo a causar la sensación que este par de nefastas bandas mexicanas han logrado en prácticamente todo el continente americano. De Francia nos llegó la Mano Negra, actualmente Gojira es uno de los mejores exponentes del Metal y la legendaria banda Magma creó el movimiento Zeuhl dentro del rock progresivo. Así que en este grupo se van como A1 Francia y A2 México. Grupo B: Argentina, Corea, Nigeria y Grecia. Sin duda B1 son los gauchos, empezando por Charly Garcia y llegando a Soda Stereo, no es necesario nombrar más para acribillar sin problemas a sus rivales. Grecia nos dio al ilustre Vangelis, todo un icono del rock progresivo. Grupo C: Inglaterra y USA… ya ni para que mencionar a sus rivales de grupo. En ese orden avanzan los de la lengua de Shakespeare. Grupo D: Alemania, Australia, Serbia y Ghana. Los Alemanes siempre han sido muy activos, actualmente dudo que haya alguien que no sepa quien es Rammstein y quien le rasque más encontrará la fascinante corriente de Krautrock donde es bien conocido en sus inicios Kraftwerk. Australia dio a AC/DC, ya con eso se les perdona que de ahí hayan nacido Men at Work y Midnigt Oil. D1 Alemania, D2 Australia. Grupo E: Holanda, Dinamarca, Japón y Camerún. Sin duda el primero en avanzar en
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este grupo es Japón, probablemente no hay muchas bandas muy buenas en este país, pero no hay una banda grande que no haya ido a grabar un recital en directo desde ese archipiélago y nos haya cautivado. El segundo lugar se lo dejamos los países bajos, con muestras como The Gathering y los legendarios de Focus basta para avanzar a la siguiente fase. Grupo F: Italia, Eslovaquia, Paraguay y Nueva Zelanda. Sin problemas ni necesidad de dar detalles Italia avanza en primer sitio, el segundo es muy parejo, se lo dejaremos a los paraguayos que bien absorbieron influencias del gran movimiento argentino. Grupo G: Brasil, Corea del norte, Portugal y Costa de Marfil. De Brasil salió un de las bandas mas influyentes en el metal, Sepultura, con esa carta se gana el G1, el G2 se lo dejamos a Portugal. Grupo H: España, Suiza, Chile y Honduras. España como H1, el H2 si que está peleado, los Suizos han aportado mucho al metal, mientras Chile tiene muy buenas bandas como los Jaivas, los Tres y otras no tan buenas que se han hecho del gusto popular como La Ley. Le doy paso a otro de nuestro continente y metemos a Chile como H2.
SEGUNDA FASE.
Según las llaves del torneo los octavos de Final quedarían así: Francia vs Grecia.- Francia y se dio el lujo de sacar a Gojira para el segundo tiempo.
Inglaterra vs Australia.- Aunque AC/DC se echó el equipo al hombro no pudo con esa maquina de hacer rock que es Inglaterra. Japón vs Paraguay.- La disciplina, avances tecnológicos y orden fueron letales en la cómoda victoria de los nipones sobre los paraguayos. Brasil vs Chile.- Duelo intenso, los brasileños agresivos, pero la trayectoria y éxito popular de los chilenos pudo más. Avanza Chile en un cerradísimo duelo manchado por las decisiones polémicas del silbante. Argentina vs México.- Caifanes no pudo aguantarle el paso a Soda Stereo y se lesionó arrancando el segundo tiempo, por otro lado, Alex Lora ni a mentadas de madre pudo detener a Charly García, jugamos como nunca pero perdimos como siempre. Alemania vs USA.- El mejor juego de esta ronda; los alemanes incisivos, pero los gabachos no se cansan de crear opciones y metértelas a como de lugar. Avanzan los gabachos ante el repudio de miles de fanáticos. Italia vs Holanda.- Duelo sobrio, que bien supo manejar la escuadra azurra con elegancia, paseándose por su corriente progresiva setentera que ha influenciado a propios y extraños. Con la mínima diferencia avanza Italia.
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España vs Portugal.- Se registra la goliza más escandalosa de esta fase. Los Españoles tiene muchos más recursos que supieron manejar y no tentaron el corazón ante un débil Portugal.
Italia vs España.- Esta vez la escuadra azurra no pudo con una de las selecciones que más variantes tiene. Su movida punk y explosión en los 80 bastaron para que España se impusiera.
CUARTOS DE FINAL
SEMIFINALES
Francia vs Inglaterra.- Los ingleses andan incontenibles, a pesar de que Francia se defendió bien el primer tiempo, para el segundo se vacío y no pudieron contener los embates de los punks, la intensidad del NWOBM y la juventud del britpop. Japón vs Chile.- Flojito el duelo que al final se llevan los chilenos con una destacada actuación de los Tres. Argentina vs USA.- De nueva cuenta los gringos ofrecen el mejor duelo de la fase. Los argentinos le pusieron corazón, los gringos recursos que es lo que tienen de sobra, finalmente el grunge y la corriente indie marcaron la diferencia en un juego que se recordará por siempre.
Ingalterra vs Chile.- Rival a modo para los ingleses, que con el simple hecho de haber sacado a King Crimson a la banca hicieron que toda la selección chilena abandonara el terreno para ir a pedirle autógrafos. USA vs España. Los de las barras y las estrellas han tenido el camino más complicado en esta segunda fase del mundial. Esta vez enfrentaron a una poderosa selección española, a la que le pesó la edad y la falta de buenos patrocinios. Estados Unidos se cuela a la final.
FINAL
INGLATERRA VS USA En este mundial es una final cantada y mucho muy pareja, cada quien decida a su ganador, para mí lo es Inglaterra. Y para el mundial real, también me gustan los ingleses para levantar la copa.
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R FOR RANDOM LA MUERTE TIENE PERMISO
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La tradición popular dice que la muerte no viene sola, que cuando alguien fallece siempre se “lleva” a algunas personas más. El rock no es la excepción, pues la Parca se ha visto bastante activa en estas semanas. Para empezar, el pasado 14 de abril el bajista y cantante de Type O Negative, Peter Steele falleció aparentemente de una falla cardiaca. En el comunicado de prensa, que la banda ofreció cuando se dio la noticia, se menciona que irónicamente el cantante disfrutaba de un largo periodo de sobriedad y había mejorado su salud, además de que estaba a punto de empezar a escribir para el sucesor de Dead Again, su último material en estudio. Un poco más de un mes después, el 16 de mayo, Ronald James Padavona, mejor conocido como Dio, perdió la batalla contra el cáncer estomacal. Pocos cantantes pueden jactarse de haber participado con bandas que son consideradas leyendas y darse el lujo de después dejarlos para seguir carrera en solitario. Cuando Ozzy Osbourne salió de Black Sabbath fue Dio quien asumió las tareas vocales de los creadores de “Paranoid”. Hay
que recordar que cuando Ozzy canta siempre suele hacer el símbolo de amor y paz en sus manos, Dio quería tener una especie de “firma” parecida, por lo que empezó a utilizar la señal que su abuela utilizaba para ahuyentar el mal de ojo, a la larga esta seña sería conocida como “los cuernos del diablo” y hasta el día de hoy cada vez que hay headbangeo vemos dicha señal. No hay que lamentarnos por Dio, ha regresado a casa. El terreno del nümetal también se vio afectado en sus filas. El 24 de mayo se dio la noticia de que fue encontrado el cuerpo sin vida de Paul Gray, bajista de Slipknot, en un motel de Iowa. La primera información mencionaba que no se habían encontrado traumas en el cuerpo del bajista, pero cerca de él se encontraron jeringas y pastillas, lo que parece indicar que su muerte se adjudicará a esa rara causa que se ha vuelto popular como “sobredosis accidental de medicamentos”. Gray era uno de los tres miembros originales que aún seguían activos en la banda. Será recordado por ser el bajista con la máscara de cerdo y golpear con furia tanto a su bajo como a sus compañeros. R is for RIP. ~ for ~
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STONE TEMPLE PILOTS
Después de no grabar material original desde hacía casi una década, el regreso al estudio de los Stone Temple Pilots está marcado por el cambio. El sonido de su disco homónimo está repleto de influencias clásicas, así como de nuevos sonidos. Al pasear entre los diferentes tracks del disco podemos oír referencias sonoras a grandes bandas como Led Zeppelin, Aerosmith: puro rock. Además, no dejan descansar ese sonido “stone temple pilot” que los caracteriza, algo que es bastante notorio en su primer sencillo: “Between The Lines”. Debido a las fechas de grabación, en esta ocasión los Pilotos no recurrieron a un productor, sino que los hermanos De Leo corrieron con el riesgo y salen muy bien librados. Scott Weiland escribe las letras desde la sobriedad –al parecer esta vez su rehabilitación va en serio- y toca temas como el amor y desesperanza. Otra sorpresa del álbum son las canciones de un tempo diferente al acostumbrado, rolas como “Cinnamon”, la cual es una agradable melodía pop
-tanto en música como en letra- o bien, “Maver” a la que se le pueden atribuir aires del estilo country. El estar de nuevo de gira, la separación, los proyectos solistas (Happy In Galoshes) y grupales (Velvet Revolver) les sentaron bien a los Pilots, su nuevo hijo es la prueba de eso.
Simón Cárdenas
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INFINITE ARMS
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Hay pocas bandas a las que les tengo un aprecio tan especial como a Band of Horses; su disco debut fue uno de los primeros acercamientos que tuve con el folk y varias de sus canciones tienen una rotación frecuente en mi iPod, por lo que Infinite Arms fue algo que esperaba bastante y después de escucharlo varias veces, me alegra confirmar que la banda no ha perdido su toque, a pesar de los cambios de lineup que ha tenido y los años que han pasado desde que aparecieron por primera vez. Infinite Arms es, sin duda, el disco mejor producido que han hecho hasta la fecha y donde Ben Bridwell luce mejor sus dotes su voz, sin duda el elemento más característico de la música de Horses, además de regresar a un sonido más folk -parecido al de Everything All The Time- algo que sin duda benefició bastante la manera de componer los tracks del disco y el producto final. Sin llegar al folk tradicionalista de Fleet Foxes o The Avett Brothers, Band of Horses siempre se ha distinguido por hacer un americana más light y accesible, desde la manera de escribir las letras a la estructura
de los sonidos y a raíz de ahí es que sus letras pueden ir desde la melancolía de recordar a aquel ser querido hasta la alegría de vivir y redención, un sube y baja de emociones que es muy común en este LP, donde canciones tranquilas como las estupendas “Infinite Arms” y “Evening Kitchen” pueden ser seguidas de ritmos más alegres y up como “Dilly” y “Northwest Apartment”, pero sin perder la homogeneidad en el sonido. Si bien no hay un gran salto en cuestión musical en comparación a sus discos anteriores, ni una canción que llegue a los niveles de la grandiosa “Monsters”, es bastante impresionante que a lo largo de 3 discos la propuesta de la banda no se ha diluido, sino que sigue causando el mismo sentimiento de alegría y sorpresa como la primera vez que escuche el Everything All The Time; tal vez no revolucionen la escena musical ni su legado, pero para mí, el que sigan generando los mismos sentimientos que la primera vez que los conocí es más importante que todo lo que pueda incorporar el productor o el instrumento novedoso del momento.
Daniel Pizarro
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FORGIVENESS ROCK RECORD
El debate de Broken Social Scene es el siguiente: ¿es éste un colectivo que nació, tuvo su clímax y decayó en la década del 2000-2010? La naturaleza de esta pregunta surge porque el mundo del indie ha dado varios giros desde que el colectivo publicó su último material, ¿es posible para un colectivo integrado por más de veinte miembros sobrevivir? ¿Después de 10 años de hacer himnos del indie, todavía aplica esta idea? Sorprendentemente, Kevin Drew y Brendan Canning lograron mantener el orden y dominar la situación. Forgiveness Rock Record, el primer disco de BSS como banda en cinco años, es un regreso triunfante. Si algo podía salir mal en un nuevo disco de BSS era la predominancia de alguno de los miembros, particularmente la de los líderes Drew y Canning. Sin embargo, tenemos como resultado un álbum equilibrado en el que más de veinte músicos de ideas diferentes trabajan juntos. “World Sick”, la rola que abre merece mención oficial como algo de lo más épi-
co que el colectivo ha hecho. Se maneja para pasar de jams instrumentales a una intensidad musical que parece que todo va a explotar. La rola pasea de lo tranquilo a lo intenso y viceversa como si nada, un trabajo difícil. Encontramos dream pop en “All to All”, “Meet Me In The Basement” es un cántico épico instrumental, “Highway Slippery Jam” es un folk-pop atmosférico. El estilo característico de los líderes predomina en rolas como “Texico Bitches” o “Forced To Love”. Lo más interesante es que a pesar de ser tan diferente, Forgiveness Rock Record funciona mejor como una pieza completa (a la Plastic Beach de Gorillaz) y es aquí cuando podemos apreciar que Broken Social Scene ha hecho un excelente trabajo al regresar.
Daniel Guzmán
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SEA OF COWARDS
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Muchos eventos giran alrededor del lanzamiento de un nuevo álbum, esta vez toca el turno de Mosshart, Fertita, Lawrence y White que regresan potentes. Sea Of Cowards es el título del segundo material del cuarteto, previsiblemente bajo el sello Third Man, y cuyo título involucra el sentir de White con respecto a la atmósfera que Internet ha creado alrededor de las personas que se escudan en un seudónimo para criticar y hacer lo que sea, sin sentir la responsabilidad de sus declaraciones -de ahí lo “cobarde”. Contrastando su opinión sobre Internet, la banda utilizó este mismo medio para ofrecer un streaming del Sea Of Cowards en vinilo a través de su página oficial durante 24 horas seguidas, mismo tiempo durante el cual varios amigos de la banda hacían aparición para repetir el disco de vez en vez, cosa que en lo personal me pareció comiquísimo y me emocionó mucho, creo que las constantes de la banda podrían resumirse en amistad y talento. El viaje que Mosshart y compañía nos ofrecen inicia con la poderosa “Blue Blood Blues” con las voces de White y Mosshart
haciéndola sin duda uno de los mejores tracks del disco. La armonía hipnotizante se hace presente con “The Difference Between Us”, seguida de la gradual pero potente “Die By the Drop” -primer sencillo del disco- que nos prepara para el preludio de la gran “Jawbreaker” y nos dirige al final del disco con “Old Mary” y sus fúnebres teclados. La primera vez que lo escuché pensé en la continuación del Horehound y la verdad es que la fórmula sigue siendo muy parecida, pero hey, ¿hay algo malo en eso? Personalmente creo que no, y menos tratándose de The Dead Weather. No hay duda que en 2010 existen muchos medios por los cuales llegar a una audiencia final, y que uno de los principales, después de la radio, es Internet. TDW es una banda del nuevo milenio que celebra la diversidad de estos medios y nos ofrece en este primer semestre -lleno de excelentes lanzamientos, por cierto- otra inyección poderosa de rock, celebremos pues, y súbanle el volumen.
Guillermo Cruz
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BLUE SKY NOISE
Lo volvieron a hacer. Quién hubiera pensado que miembros de bandas mentoras del hardcore noventero como Taken y This Day Forward hayan compaginado tan bien con el peculiarísimo ex–vocal de Saosion, Anthony Green, que con el pesar de muchos que no soportan su tono de voz, fue el elemento clave para crear a este eminente monstruo llamado Circa Survive. Blue Sky Noise, es un disco que lo lleva más allá que el novato Juturna y el psicodélico On Letting Go, con 12 íntegras e inesperadas melodías que encajan a la perfección con su letra y el juego en el rango vocal de Green. El bajo dejó de ser la pauta principal, haciendo balance perfecto con los arreglos de guitarra ahora sin tantos efectos, dando una buena sensación que no deja huecos en las canciones, ni da cabida a pasar desapercibida alguna de éstas. Muchos pueden no simpatizar con esta banda, pero nunca podrán ignorar el hecho que han crecido de forma notable y son únicos
en su especie, siendo esto algo de reconocerse en una actualidad donde pocas bandas alcanzan tanta calidad y diferenciación. Pasaron 3 largos años para escuchar algo nuevo de Circa Survive, pero valió la pena la espera y con este nuevo disco me doy por más que servido por un buen tiempo. Luis González
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HIGH VIOLET
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Cada año los medios enfocan su atención en uno o dos artistas que van a sacar nuevo disco, elevando las expectativas del público como consecuencia. El año pasado sucedió con Grizzly Bear. Hace tres años con los Arctic Monkeys. High Violet de The National se ha sentido más como un reto que como un simple follow-up a su exitoso Boxer (2007), la atención que ha recibido por parte de los medios ha establecido un nivel mínimo de calidad esperada por los fans: ¿Pudo The National hacer algo a la altura de sus discos previos? La respuesta es sí. De cierta manera, sí. Descritos como “adult-emo” o “una versión madura de Arcade Fire”, The National ha trabajado con artistas como Sufjan Stevens (en “Afraid of Everyone”) y Justin Vernon de Bon Iver (en “Vanderlyle Crybaby Geeks”) para perfeccionar al máximo su nuevo material. Es curioso, pero dentro de las texturas musicales, de los numerosos arreglos con instrumentos de viento y cuerdas, y las letras poéticas de Bernin-
ger, aún se puede sentir la presión que sintió la banda para hacer High Violet, un disco cuyas fronteras están más delimitadas que en el Boxer debido a las expectativas de los fans y los medios, de manera que se siente menos libre. Se cumple con toda expectativa y es exactamente lo que un disco de The National debería de ser. Joy Division y Bruce Springsteen siguen siendo puntos de referencia. Tiene sus baladas acústicas como “Runaway”, sus cánticos triunfantes como “England” y mantiene su distintivo sello de un obscuro indie rock (“Bloodbuzz Ohio”, “Lemonworld”). Tenemos el furioso e intenso abridor “Terrible Love”, lo más agresivo que ha hecho la banda desde “Mr. November”, ése es un lado de The National que no había salido en años y se extrañaba. No tan obscuro como Boxer y no tan agresivo como Alligator, High Violet es un puente entre sus dos discos anteriores y a su vez, uno de sus trabajos más accesibles.
Daniel Guzmán
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WHERE DID THE NIGHT FALL
Allá por 1998, un grupo llamado UNKLE -formado por James Levelle y Tim Goldsworthy- hizo su aparición y entregó Psyence Fiction, producción que vendría a convertirse en estandarte del género triphop y en uno de los mejores de esa década (y de mis favoritos personales). Dos discos bastante buenos, una recopilación algo insípida de composiciones inspiradas en el cine y 12 años después, nos llega Where Did The Night Fall, el que tal vez es el primero en mostrar que el concepto de UNKLE está, tristemente, contando sus días. Con la ayuda de Pablo Clements, Lavelle nos presenta un disco que suena a UNKLE pero se siente vacío, falto de personalidad y de la esencia que caracteriza al proyecto; tal vez sea la falta de grandes como Thom Yorke, DJ Shadow o Ian Brown como en los discos anteriores, o la falta de claridad de qué es lo que quieren hacer con el disco, ya que ni es trip-hop, ni electro rock, ni rock, ni alternativo, sino una mezcla extraña que no termina de cuajar y que dista mucho del control que el proyecto había tenido siempre,
de saber que género se iba a abarcar y empezar desde ahí. Es justo decir que Where Did The Night Fall no es un disco malo, sino que junto al legado de esta banda es el que más palidece y queda a deber, sobre todo si eres fan de lo que el grupo ha hecho y de los grandes himnos que ha creado. “On a Wire”, “Natural Selection” y “Falling Star” son tal vez las canciones más accesibles en un disco que necesita de varios repasos para poder empezar a disfrutarse, algo que siento deteriora bastante la experiencia y lo que más afecta al disco. Where Did The Night Fall es un disco que cumple, pero lamentablemente no llega a los niveles que UNKLE nos ha acostumbrado, si bien no es un desastre ni mucho menos, mi recomendación es que mejor escuches Psyence Fiction o Never, Never Land para comprender el valor del trip hop, porque entre éste y el más reciente de Massive Attack, es muy notorio que el género ya no es ni la sombra de lo que era.
Daniel Pizarro
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INNERSPEAKER
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La primera vez que los escuche fue con el video de “Half Full Glass Of Wine”. Me sonó a la condensación de George Harrison, Syd Barrett, John Bonham y John Entwistle en 1967 grabando los demos de “In A Gadda Da Vida” y “Purple Haze”, mientras escogen entre Cream, Greatful Dead o Jefferson Airplane para nombrar su banda. ¿Demasiadas referencias? La verdad sí. Pero necesitaba separar cada elemento percibido para poder entender porque me parecía tan familiar. Sin embargo, por alguna extraña razón al mismo tiempo me resultaba algo nuevo. Lo más probable es que sea por el video en sí. A primera vista puede burlarse de ti haciéndote creer que es una canción escrita en 1969, pero en realidad salió en el 2008. Me voy a leer muy nena pero me acabo de enamorar de Tame Impala. La razón principal es que la voz de Kevin Parker no me hace pensar en nadie más que no sea George Harrison, al cual le tengo una admiración muy especial. ¿La razón? El experimento de Harrison en “Norwegian
Wood” del Rubber Soul (escrita por Lennon), marcó el antes y después en el nuevo sonido Beatle que se concretaría en 1966 con Revolver. Lo demás es historia. La verdad es que me empelotan las bandas que te hacen sentir como si estuvieras en otra época. Con Innerspeaker es como si te subieras al DeLorean y viajaras en LCD a los sesenta. Para agregarle más revoltijo, estos culitos australianos describen su música como “psychedelic hypno-groove melodic rock”. Éste es su LP debut y ha tenido muy buena aceptación. Tanto, que se están perfilando como una de las mejores bandas nuevas para 2010 y su disco, como de los mejores del año (otro más, y eso que apenas es mayo).
Christian Alanís
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CORRIDOS URBANOS
Otro producto nacional y recién salidito del horno. Corridos Urbanos es el primer material de Jorge Verdín a.k.a. Clorofila, miembro fundador de Nortec, artista plástico/visual y responsable del arte de varios álbums del colectivo. El sonido sigue la misma línea que ha manejado Nortec desde ya hace un buen de años, pero ahora podemos escuchar un rollo más clavado/experimentado en cuanto a los elementos, voces, influencias e instrumentos para su creación. Suena más a una banda entera que a una simple caja de sonido. “Este disco contiene: Influencias ochenteras, influencias de funk, mucho acordeón, cumbia electrónica, puro pinche ruido de Banda, beats y sintes analógicos, grabaciones clandestinas, sentimientos encontrados, arreglos de cuerdas disonantes, bajo con cuerdas de nylon, guitarras con un chingo de efectos, feedback de Space Echo, vocalistas de varios colores y sabores, momentos románticos, momentos posiblemente desagradables, recuerdos
del Club London y Palladium, ruidos mecánicos industriales seguidos de música lánguida y sensual entre otras cosas…”, escribe Verdín en su página. Se lee mucho pedo pero ya cuando lo oyes no es tan difícil. Es de esos discos que automáticamente te hacen pararte a bailar mínimo para mover la patita contra el piso. Lo chido es que no todo es para menearte. Por momentos suena bien ambiental, luego te meten algo de hip hop y funk super bajeado (David J, de Bauhaus es uno de los invitados). Añádanle los anteriormente mencionados sintetizadores + acordeón y parece que estás en una de esas fiestas donde no conoces a nadie pero las luces neón y los lentes oscuros te hacen sentir parte del desmadre. Me late para estar en una party nocturna de alberca con bebidas tropicales y cervezas demasiado heladas.
Christian Alanís
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ALL DAYS ARE NIGHTS: SONGS FOR LULU
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Sencillo; así describo el sexto álbum de este cantautor americano-canadiense que no necesitó más que su distintiva voz y un piano para darle seguimiento a una fructífera carrera musical. Wainwright se presenta sin barreras ni mascaras y nos da una imagen limpia y autentica de lo que ha vivido en los últimos años, desde el dolor de haber perdido a su madre hasta canciones que cuestionan el entorno en donde vive, pero usando una escritura un poco escueta, no algo común en sus pasados trabajos. También hace la adaptación de 3 sonetos de Shakespeare (10, 20 y 43) con arreglos de piano que cumplen con la atmósfera del álbum y le da un valor agregado el hacer referencia de obras de tan renombrado escritor. No sé si pueda calificarse como un punto negativo el dejar fuera otras opciones de creatividad al no usar más instrumentos, pero creo que el piano le cumple lo suficiente; sin embargo, no me dio ese impacto que esperaba y se me fue el tiempo del disco más rápido de lo
que hubiese querido. En conclusión, es un buen trabajo, pero creo que un poco lejos del potencial mostrado en anteriores como Poses o Release The Stars que sin duda se mantendrán como indiscutibles favoritos entre los seguidores de su música.
Luis González
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THIS IS HAPPENING
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Oficialmente el día 17 de este mes, LCD Soundsystem, proyecto a cargo de James Murphy y Tim Goldsworthy, llegó a las tiendas a nivel internacional. El disco contiene elementos que podrían definir sus miembros como “punk-funk neoyorkino”, base de sus dos discos pasados. En lo personal dividiría el disco en dos partes, la primera de ella sería en dónde cada uno de los tracks contiene los sonidos a los que estamos acostumbrados del dueto: coros repetitivos, teclados que invariablemente ponen nuestros pies a moverse, voz desenfadada y guitarras casi inexistentes. Me refiero a “Drunk Girls”, “You Wanted A Hit” y “Pow Pow”. La segunda parte que quedaría rezagada sería la del sonido electrónico New Rave que hemos estado escuchando los últimos meses, beats rápidos, acompañados de teclados juguetones y voces que juegan entre sí creando atmósferas festivas, canciones que van en crescendo para seguir con el clímax y después una leve y nada estrepitosa entrada
a la siguiente canción, dentro de esas mencionaría “Dance Yrself Clean”, “I Can Change”, “Somebody’s Calling Me” y “Home”. Es un disco altamente recomendable para melómanos en general, es un boleto garantizado para que la pasen a gusto y se enfiesten un poco al estilo New York.
Natt Szendro
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EYELID MOVIES
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Eyelid Movies es el disco del dueto neoyorkino conformado por Joshua Carter y Sarah Barthel, quienes son amigos desde la infancia y decidieron de buenas a primeras juntarse y brindarnos esta joya musical. La fecha de lanzamiento del álbum data de principios de este año, para ser exactos el 9 de febrero. Con un eclecticismo digno de aplaudirse, y digo digno de aplaudirse porque hay muchos casos de discos que por haberse aventurado a tocar ritmos de todos los tipos las críticas no les favorecieron, como Red de Guillemots. Pero no me saldré mucho del tema… prosigamos. Empieza el viaje con la pegajosa canción llamada “Mouthful of Diamonds”, sin duda uno de los tracks mejor logrados de todo el álbum, por la voz de Sarah, las guitarras sutiles, una mezcla de pop y un trip hop fresco, sonidos divertidos que juegan en nuestros oídos por haber aplicado la técnica del panneo. Le sigue, en mi opinión, la mejor de todo el disco, “When I’m Small”, con tintes totalmente apegados al trip hop melódico, bajos im-
presionantes coros que incitan al canto, calma y después un shock de ritmo en el coro, sonidos sintetizados que encierran la atmósfera de la canción en algo perfecto, y un clímax que la hace explotar. “Turn it off”, es otra canción que por la intervención de Joshua en la voz, la hace diferente, jugando con baterías acústicas, la sonoridad está más clavada en lo electrónico y contiene toques industriales. Para finalizar, los ocho tracks restantes también juegan con voces, bajeos, baterías electrónicas y acústicas, guitarras que se pueden comparar con las de la ex guitarrista de The XX, Baria Qureshi. Ambientes oscuros y un claro sentido de la estética musical es lo que integra este increíble disco. Si se notó que soy fan, es porque lo soy, no he sido un juez imparcial, lo sé, pero como siempre digo, la mejor manera de que ustedes sean partícipes de la música es escuchándola.
Natt Szendro
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GOTCHAEXPRESS
SOON
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WE’RE BACK TO SCHOOL GIMME COFFEE & TV
POR: Simón
Cárdenas
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Jeff Winger era un exitoso abogado, hasta que su grado de licenciatura es invalidado, resulta que no era de la Universidad de Columbia, sino del país de Colombia. Debido a esto tiene que regresar a la Universidad de Greendale a conseguir un título válido, es aquí donde empieza Community.
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COMMUNITY
Las universidades públicas en Estados Unidos son vistas como el patito feo de la educación profesional, el último lugar al que recurren aquellos que quieren una carrera, o bien aquellos que tienen que estudiar y no tienen los recursos para hacerlo en otro lado. Es por eso que Jeff empieza su educación en esta institución, junto con él encontramos a otros personajes. Britta Perry (Gillian Jacobs). Una chica que no tiene un rumbo definido para su vida y que después de estar en los Cuerpos de Paz se encuentra en bancarrota y tiene que empezar sus estudios. Tiene una relación sentimental de estira y afloja con JUNIO 10
Jeff, y a pesar de que en repetidas ocasiones dice que él no le interesa sus acciones dicen lo contrario. Abed Nadir (Danny Pudi). Palestinoamericano que estudia cine, conocedor empedernido de la cultura pop, es muy agradecido a sus amigos a pesar de que tiene una expresión bastante serena y parece que nada lo altera. Es capaz de imitar a cualquiera y conoce tan bien a su grupo de español que es capaz de anticipar qué cosa hará cada, desde besos hasta ataques de hombres lobo. Shirley Bennett (Yvette Nicole Brown). Recién divorciada y ferviente cristiana, está en la escuela con
la finalidad de poder comercializar sus brownies, así como llenar el vacío de tener una vida familiar completa. Es la chismosa del grupo y la mejor amiga de Britta. Annie Edison (Alison Brie). Debido a su adicción al Adderall perdió su beca para la Universidad, por lo que tuvo que recurrir a Greendale, donde además se encuentra el chavo del que ha estado enamorada desde la preparatoria (Troy Barnes). Es la más entusiasta del grupo, pues participa en el periódico escolar, así como en el equipo de debates. A medida que avanza la serie va perdiendo sus inhibiciones, para bien y para mal.
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Troy Barnes (Donald Glover). Ex jugador estrella en la secundaria, se lesionó intencionalmente para perder su beca universitaria. El mejor amigo de Abed, con talento innato para la plomería y la danza interpretativa. Pierce Hawthorne (Chevy Chase). El magnate de las toallitas húmedas, se inscribió en Greendale para tener compañía y popularidada, tiene siete ex esposas y 32 hijastros. Continuamente hace comentarios sexistas y racistas. Señor Ben Chang (Ken Jeong). El maestro de español del grupo, excéntrico y megalomaníaco, es capaz
de fingir su propia muerte con tal de obtener atención. Su apodo es “El Tigre Chino” y su método de enseñaza poco ortodoxo.
lizando un último gag: desde apuestas de lápices en la boca hasta a raps en español.
El grupo se reúne para estudiar español y de ahí surge la amistad entre sus miembros, su vida diaria en el campus, así como sus particulares personalidades son el detonante de las situaciones que vemos en cada episodio.
La serie ha resultado ser un éxito en Estados Unidos, actualmente se encuentra en su segunda temporada. El creador de la serie, Dan Harmon, ha trabajado con exitosos comediantes estadounidenses, lo cual ha llevado a graciosos cameos, como el de Owen Wilson y Jack Black.
La serie tiene agradables sorpresas como el regreso de Chevy Chase a la actuación y al éxito, las locuras del Señor Chang, así como los finales de cada capítulo en los que podemos ver a Troy y Abed rea-
Actualmente pueden sintonizarla los jueves a las 10 en el Canal Sony, denle oportunidad a este grupo de alumnos que se divierte como todos hubiéramos querido hacerlo en nuestros años universitarios. ~ for ~
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SILVERSCREEN
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TIME IS AN OCEAN ON A STORM Poco a poco los videojuegos están empezando a ser reconocidos como una parte importante de la cultura pop. Desde juegos emblemáticos como Mario BROS. o Pac Man, hasta franquicias como Final Fantasy, Halo o Metal Gear. Asimismo, cada vez es más común ver crossovers entre diversas áreas de entretenimiento: del comic al cine, a la televisión, de la consola a la pantalla grande. Éste es el caso de Prince Of Persia: The Sands Of Time. POR: Simón
Cárdenas
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También hay que ser honestos y reconocerlo, las adaptaciones que se han hecho de los videojuegos en el cine no han sido de lo mejor: desde bodrios ridículos como la película de Super Mario Bros., pasando por churros como Mortal Kombat o Street Fighter, hasta éxitos en taquilla como la franquicia de Resident Evil. Prince Of Persia es una serie de juegos que tiene más de veinte años de existencia y que ha pasado por diversas consolas. En un principio la historia era bastante simple: tomas el control del príncipe de Persia (sin nombre propio) y tienes que rescatar a tu novia del Visir. El juego es muy popular debido entre otras cosas al manejo que se le ha dado a factores como el uso del tiempo en el transcurso de tu
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aventura (en el primer juego tenías un límite de tiempo para completar tu misión) además del fluido movimiento del personaje tanto en sus acciones como en el combate. En 2003 apareció Prince Of Persia: The Sands Of Time para el Playstation 2, X Box y PC, este juego pronto se convirtió en el blanco de elogios por parte de la crítica y los jugadores. En esta ocasión tomas de nuevo el papel del príncipe de Persia, experto en el uso de la espada y con habilidades acrobáticas impresionantes, de nueva cuenta el tiempo será un factor importante, ya que la historia involucra a las arenas del tiempo, que le permiten a su poseedor manipular el tiempo a su favor, con base en esto puedes adelantar o regresar el tiempo. Dos secuelas de este juego le siguieron agregando seguidores a la serie además de complicar más la historia. Precisamente basada en esta storyline es que se ubica la película, con Jake Gylenhaal como el príncipe, que en esta ocasión lleva el nombre de Dastan, y con la producción en manos de Jerry Bruckheimer, quien estuvo detrás de la saga de Piratas del Caribe. Prince Of Persia: The Sands Of Time se apunta para ser un blockbuster veraniego. Mucho se ha comentado al respecto de esta película, que al ser una producción de Disney estará enfocada para el público menor y se aligerará la historia, que el reparto
no convence, que se sacrificará la historia… todas preocupaciones válidas. Sin embargo, hay que recordar que la primera película de Piratas del Caribe resultó ser una muy agradable sorpresa, pues los creadores de Mickey demostraron que estaban dispuestos a apostarle a nuevos públicos con nuevas formas de contar las historias. El director, Mike Newell, ha sido el encargado de llevar a cabo cintas como Donnie Brasco y El Amor En Los Tiempos Del Cólera en las que se ha enfocado más en los personajes que en las secuencias de acción, y la verdad es que el Gyllenhaal se parece mucho al príncipe en su encarnación del Prince Of Persia: Warrior Within, además de que en los cortos lo hemos visto realizar las acrobacias características de la serie. La última palabra la tendrá el público, es obvio que a los fans from hell nunca se les dará gusto, y es probable que la película se convierta en un éxito de taquilla por aquellos que no conocen el videojuego, no hay que ser tan clavados, son diferentes lenguajes y por lo tanto diferentes opiniones. ~ for ~
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EXIT MUSIC (FOR A FILM)
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WHERE THE WILD THINGS ARE
POR:
SIMÓN CÁRDENAS
SEPTIEMBRE 09
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Maurice Sendak escribió el libro infantil, Where The Wild Things Are en 1963, la historia cuenta la aventura de Max, un niño de ocho años que disfrazado de lobo se la pasa haciendo relajo en su casa molestando a su madre, quien lo manda a la cama sin cenar, una vez en su cuarto se interna en el bosque de su imaginación, donde se encuentra con las Wild Things, monstruos con los que se divierte, grita y pelea. En 2009 Spike Jonze hace su adaptación de este clásico infantil en la pantalla grande. La primera vez que supe de esta película fue el año pasado, recuerdo que lo que más me llamó la atención fueron las criaturas que aparecían brincando, golpeándose y gritando mientras “Wake Up” de Arcade Fire sonaba de fondo, los meses pasaron, los cárteles aparecieron en el cine, pero la película no llegaba, por el Internet supe que se ya se había estrenado en Estados Unidos y el resto del mundo, siguieron pasando los meses, pero la movie no llegaba a tierras aztecas. Ya me había resignado a rentarla cuando hace unas semanas se estrenó en la pantalla grande, qué puedo decir, la espera valió la pena. En esta adaptación nos presentan a Max, un niño solitario con una gran imaginación y gran creatividad, que se enfrenta a la indiferencia de su hermana y el cansancio de una madre soltera que intenta rehacer su vida. En lugar de mandarlo a la cama sin cenar, Max huye, se encuentra un bote y después de días de navegar llega a la Isla de las Wild Things, donde se corona como su rey.
En un principio se pensó en hacer una cinta animada al estilo de Toy Story, la Era Del Hielo o similares producciones de Pixar, sin embargo, cuando Spike Jonze tomó las riendas del proyecto se optó por representar a los monstruos con botargas, que mezcladas con animaciones digitales, dieron vida a unas criaturas hermosas y terroríficas a la vez, verdaderos monstruos. En la isla, Max se encuentra con diferentes monstruos que representan los diferentes aspectos de su vida: su contraparte, su hermana, sus amigos, sus estados de ánimo. En su intento de crear una vida perfecta basada en sus deseos se da cuenta de que no siempre lo que queremos es lo mejor, existimos en un contexto donde cada una de las piezas que forman nuestra vida tienen su razón de ser. No puede haber luz sin sombras, algo que Max entiende al convivir con las Wild Things. La crítica ha sido favorable con la película, pero algunos la han tachado como oscura y no apta para niños. Quizá este aspecto es el más agradable para los espectadores. Spike Jonze toma una historia para niños y la hace propia. Sí, es una película oscura. Triste. El viaje de Max es dramático y doloroso, sus acciones con sus nuevos amigos tienen grandes consecuencias, ha medida que pasa el tiempo con ellos se conoce más a sí mismo y a las personas que lo rodean. Crecer no es fácil, no estamos solos en este mundo, y las cosas cambian al ponerse en los zapatos ajenos. Karen O, vocalista de los Yeah Yeah Yeahs es la encargada de ponerle música a la película, para la que se acompañó de sus compañeros Nick Zinner y Brian Chase, así como otros músicos integrantes de Deerhunter, Dead Weather y The Racounters. Las canciones se mueven entre el lado folk y acústico, con su característica voz susurrando letras melancólicas, el complemento perfecto para las escenas de Max y sus amigos. Una película diferente, en la que se muestra que la inocencia de la niñez ha cambiado, y que crecer es uno de muchos dolores. ~ for ~
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