Release 15

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RESEÑAS

KISS BUNBURY CALAMARO THE CRANBERRIES

CORONA CAPITAL

IN A WAVE YOU SAY GOODBYE...

DICIEMBRE 2010

CINE

SEGUIR SIENDO

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KISS

LIVE

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OUR FEELINGS

EDITORIAL

THE CRANBERRIES

LIVE

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BUNBURY

LIVE

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CUCA

LIVE

LIVE

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CORONA CAPITAL

PORTADA DICIEMBRE 10

CALAMARO

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CULTURA PROFETICA

LIVE

MACHETE

SILVER SCREEN

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KOL, LINKIN PARK, ETC

R FOR REVIEWS

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FOBIA

LIVE

SEGUIR SIENDO

EXIT MUSIC (FOR A FILM)

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ARE YOU SERIOUS?

HECHO EN MTY

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EL SON DEL DOLOR

R FOR RANDOM

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THE WALKING DEAD

GIMME COFEE AND TV DICIEMBRE 10

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R FOR START

EDITORIAL

RforRELEASE | TheAestheticRockMagazine DICIEMBRE 2010 | ISSUE 15

Release are fucking dead!

EDITOR IN CHIEF

Supongo que al iniciar una banda los integrantes tienen metas, sueños: tocar en algún escenario en particular, hacer alguna colaboración con alguien en particular, hacer sus discos o videos de cierta forma. A pesar de que nosotros no somos una banda sí tenemos algunas inquietudes parecidas, y en cada número podemos darles salida.

En este número reseñamos a bandas y artistas sumamente importantes para nosotros, gente como Calamaro y Bunbury han sido piezas fundamentales en la educación sentimental de un servidor; así como algunas de las bandas que se presentaron en el Corona Capital y The Cranberries son del agrado del resto de la banda que hace R for Release. En gustos se rompen géneros. Mención aparte se merece todo el viaje que representa ir a un concierto con tus mejores amigos.

Con este se cumplen diceséis números de R for Release y se acerca el final del año, aquí nos vemos.

Héctor Pérez

hector@r-for-release.com STYLE CORRECTOR

Simón Cárdenas

simon@r-for-release.com ART DIRECTOR

Alfonso Ramos

downpour@r-for-release.com WEBMASTER

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PRESS CONTACT

Krlos Prieto

www.flickr.com/photos/krlosprieto GUY TECH

Rocha

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Fonrouge

fonrouge@r-for-release.com ADVERTISING

ventas@r-for-release.com ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

R FOR RELEASE Editores

Daniel Guzmán Hvrtado Guillermo Cruz Daniel Pizarro

FOTOGRAFÍAS:

Krlos Prieto Mau Macías

CONTACTO

ESCRÍBENOS

contacto@r-for-release.com

R for Release es una publicación mensual de rock, movies y más.

Cada artículo es responsabilidad de su autor(a). www.r-for-release.com ~ for ~

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LIVE

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23 DE OCTUBRE @ ESCÉNICA

TODO CON EXCESO

POR: SIMÓN CÁRDENAS FOTOS: KRLOS PRIETO

EL ROCK PESADO NO SIEMPRE tiene que ser solemne, ni las celebraciones de aniversarios. Así lo demostró la Cuca en su fiesta de 20 años ante los regios. Con Maligno calentando los motores, los de Guadalajara salieron al escenario con el repertorio listo para brincar por más de dos horas. José Fors y compañía demostraron el porqué su estatus de leyenda en el rock nacional, burlándose del pop y de ellos mismos mientras repartían riffs pesados y letras muy terrenales. Alabaron a Maligno argumentando que son la mejor banda del país y con ellos palomearon rolas de Black Sabbath, además de interpretar a Led Zeppelin y tocar canciones de proyectos alternos.

Los primeros 20 años de la Cuca han sido sinuosos y llenos de éxitos y lucha, veamos qué les deparan los próximos 20. ~ for ~

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Entre pirotecnia, fuego, plataformas, maquillaje y mucho Rock n’ Roll presenciamos el show más caliente sobre la Tierra: KISS.

AUDITORIO BANAMEX @ 28 DE SEPTIEMBRE

CRAZY CRAZY NIGHT POR: HVRTADO FOTOS: CORTESÍA AUDITORIO BANAMEX

Ingresaron a las filas del rock en 1973 lanzando su primer álbum de estudio “Kiss” en 1974, seguido de “Hotter Than Hell” (1974) y “Dressed To Kill” (1975).

Después de 11 años y 24 discos de oro por ventas, regresaron en octubre de 2009 con el imponente “Sonic Boom”, décimo noveno álbum de estudio, retomando el sonido que los ha caracterizado todos estos años, incluyendo temas como “Russian Roulette”, “Say Yeah!” y el primer sencillo “Modern Day Delilah”.

“Sonic Boom Over Europe” es el nombre de la gira que recientemente DICIEMBRE 10

acaban de realizar por el viejo continente, fueron 35 fechas plagadas de energía y rock n roll.

Actualmente se lleva a cabo por Norteamérica la gira “The Hottest Show on Earth” que dio inicio en julio de este año, recorriendo todos los Estados Unidos, agregando 3 fechas en territorio mexicano: Monterrey, Guadalajara y la Ciudad de México abrieron sus puertas para recibir al cuarteto formado en Nueva York.

Los fanáticos regios no se hicieron esperar y desde muy temprano abarrotaron las filas en el Auditorio Banamex en Fundidora, recinto que

les abrió las puertas por primera vez y que se mostró con lleno total. Sin duda uno los momentos más remarcables de la noche fue al presenciar a Gene Simmons escupiendo fuego al final de la canción “Firehouse”, los sentimientos fluyeron al escuchar al público cantando a una sola voz: “God gave rock n roll to you”.

Paul Stanley, Gene Simmons, Tommy Thayer y Eric Singer es la alineación actual y no cabe duda que han vuelto a tomar su lugar en la música, aquel que les fue otorgado en la década de los 80: KISS siempre es sinónimo de espectáculo y mucho, mucho rock n roll. ~ for ~

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LIVE

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AUDITORIO NACIONAL @ 18 DE OCTUBRE

JAMÁS TE RECUERDO… EL VIAJE ESTABA HECHO, YA ESTÁBAMOS EN LA CIUDAD DE MÉXICO. QUEDARSE UN PAR DE DÍAS MÁS EN LA CIUDAD DE LA LLUVIA NO SONABA NADA MAL. ADEMÁS, ENRIQUE BUNBURY SE PRESENTABA EN EL AUDITORIO NACIONAL, UNA OPORTUNIDAD ASÍ NO PUEDE RECHAZARSE. POR: ALICIA LANDÁZURI Y SIMÓN CÁRDENAS

¿Cuántas veces hemos visto a Enrique Bunbury en vivo? ¿Cuatro, cinco, más? Lo conocimos con Héroes del Silencio hace tantos años ya, lo hemos visto en sus diferentes etapas de solista: enfundado en traje rojo cantando rancheras, portando lentejuelas cual showman de Las Vegas, dirigiendo freakshows y retomar el camino del rock en el “Hellville De Luxe”. Pero esta vez es diferente. Estamos en el DF, una ciudad importante, no solo para nosotros; también para él. En Monterrey Bunbury cuenta con una legión de fans incondicionales que le celebran cada uno de sus discos y aventuras musicales, pero la capital es de las ciudades que el propio cantante ha marcado como trascendentales. Teníamos una idea de qué era lo que esperábamos, pero estar aquí es otra historia.

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El Auditorio Nacional es uno de los centros de espectáculos que ofrece más ofertas de entretenimiento: desde eventos de las televisoras nacionales hasta conciertos de artistas locales y extranjeros, en una ciudad con más de 20 millones de habitantes siempre hay la cantidad de personas interesadas para llevarlos a cabo. Esta es la primera vez que lo vemos por dentro, su estructura es la de un teatro, se puede constatar que desde cualquier punto se puede tener una buena visión del escenario. Hoy abundan los sombreros vaqueros y las playeras con el rostro del cantante, incluso nosotros portamos camisas con su nombre. Ir a un concierto es un ritual y para ello hay que vestirse como tal.

La gente ha llegado a tiempo y para cuando las luces se apagan el recinto luce casi lleno, es la cuarta de cinco fechas que el cantante llevará a cabo en este lugar. Cerramos los ojos. “Las consecuencias” empiezan a sonar en el recinto, enfundado en su traje negro, Bunbury empieza a cantar desde una plataforma en el centro del escenario. Antes de iniciar la gira había comentado que en esta ocasión quería recintos más pequeños en los que la gente pudiera disfrutar el recital de una forma más personal y tranquila, incluso sentados.

Pero nadie le hace caso. Todos estamos de pie cantando las canciones de su nuevo disco, porque eso es lo que está haciendo: las primeras canciones que suenan son de su más reciente material. “Ella me dijo que no” se escucha mientras un Bunbury, serio, se concentra en la letra, en cantar, lo mismo ocurre con “De todo el mundo”. Sí, este disco suena más personal, más calmado, no tiene gritos heroicos, al menos en un principio, porque -como siempre hemos comentado- las canciones ganan en vivo, lo sabemos, lo hemos visto. También hemos hablado de los covers, como “Frente a Frente” esa canción que ya no puedo asociar con otra vez que no sea la de Bunbury, y la escuchamos toda con su voz, no lo acompañan grabaciones en la parte de Miren Iza. Él canta toda la letra, bueno, él y todo el auditorio, incluidos nosotros. Primera diferencia con Monterrey, Bunbury habla con el público diciendo lo importante que es este escenario para él, y otra cosa: se le nota contento, sonriente, lejos de la actitud de divo que los medios muchas veces le dan.

“Enganchado a ti” es del “Flamingos” y antes la usaba para despedirse, pero eso ha cambiado, a pesar de que suena estruendosa no cae en el acto de alargarla, apenas acaba la letra y la música de acompañamiento la termina. Todavía faltan más recuerdos, como ese que llega desde “Pequeño” con “El extranjero”. Acto seguido vuelve a contar una historia, la de un disco que nació del gusto de crear música por parte

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de diversas personas, un proyecto que nació con fecha de muerte, sospechamos de qué se trata y nos emociona, pero nos emociona más cuando invita a Carlos Ann al escenario para interpretar “Desmejorado”, esa canción de “Bushido” que suena como a Bunbury, pero no suena a Bunbury. Y nos preguntamos si en Monterrey la cantó, si lo invitó también, pero de momento solo podemos hacer suposiciones. Siempre nos ha gustado “Alicia”, canción que lleva tu nombre y cuyos versos resumen la historia de amor de muchas personas.Por eso la cantamos.

El reencuentro con los Héroes llega en la forma de “Iberia sumergida” con arreglos bunburyanos, el boxeo que siempre coreografío a la canción reaparece y recordamos esas canciones de una de las bandas más emblemáticas del rock en español. Con “Que tengas suertecita” y “Solo si me perdonas” recordamos que al tipo que vemos no solo le funcionan sus sencillos, cada una de sus canciones es recordada por sus seguidores. “No soy mala hierba, solo hierba en mal lugar” es de las líneas que más me gustan del cantante, por eso disfruto -disfrutamos- “Sácame de aquí”, casi tanto como “Infinito” esa canción que le dio el reconocimiento de la crítica y el público, el ejemplo de que no es necesario ser mexicano para escribir una ranchera dolorosa (emo dirán algunos conocidos).

“Apuesta por el rock n roll” es la canción que le sirve al de Zaragoza para despedirse por primera vez del público.

El regreso es con “El hombre delgado que no flaqueará jamás” cuyos arreglos se dividen en dos: una primera parte sin guitarra, para después explotar en la mitad. La siguiente canción es una sorpresa, “El anzuelo” suena electrónica, volteamos sorprendidos y recordamos “Radical Sonora”, contrario a lo que se pueda pensar Bunbury se ve a gusto, bailando incluso con la canción, excelente reinvención de una buena pieza. “Lady Blue” termina este encore, imposible no entender la metáfora del espacio como la soledad. Sí, todo se fue con el huracán.

“Aunque no sea conmigo” es un bolero que suena como deben sonar las canciones de desamor: lenta, tranquila, dolorosa, y por la misma línea va “Nunca se convence del todo a nadie de nada”, canción que cierra su último disco, pero no el concierto, aún no. Al final llega “El viento a favor”, esta vez no la canté, pero no importó, el coro era de miles.

Se acaba el concierto, pero no la noche. El primero estuvo lleno de sonrisas, sorpresas y emociones. La noche promete lo mismo. ~ for ~

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LA TRAVESÍA PARA EL CORONA CAPITAL EMPEZÓ DESDE EL MOMENTO DE ADQUIRIR LOS BOLETOS, EN UN PRINCIPIO SE ANUNCIÓ QUE ESTOS COSTARÍAN MENOS SI SE COMPRABAN ANTES DE SEPTIEMBRE, SIN EMBARGO AL PARECER LAS ENTRADAS QUE SE TENÍAN CONTEMPLADAS SE ACABARON DE FORMA CASI INMEDIATA, ALGUNOS ALCANZAMOS TODAVÍA EL PRECIO CON DESCUENTO. BIEN POR NOSOTROS, DESPUÉS DE ESO LOS PREPARATIVOS CONTINUARON, CUÁNDO IRSE, A DÓNDE LLEGAR, CÓMO LLEGAR. COSAS SECUNDARIAS CUANDO EL PUNTO FINAL ES VER A PIXIES E INTERPOL, TODA UNA EXPERIENCIA.

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LE BUTCHERETTES MINUS THE BEAR TWO DOOR CINEMA CLUB FURLAND THE TEMPER TRAP REGINA SPEKTOR JAMES PIXIES

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Parte del staff se fue desde el viernes, la otra parte se desmañanó en el aeropuerto y llegó el mismo día. Ah… el D.F., esa ciudad tan querida por algunos y tan odiada por otros, la paranoia de la inseguridad, del comportamiento de los defeños del cómo ven a los regios, etcétera. Después de establecernos, almorzar y reconocer el terreno, llegamos al Corona Capital, el camino desde el metro hasta la entrada al festival resultó ser largo, pudimos ver los camiones que llegaron de diferentes partes del país: eso es algo que sí tenemos en común todos: qué envidia los que viven en el D.F. y tienen cientos de eventos a los cuales asistir.

Con un poco de retraso nos dirigimos al escenario Corona mientras en el Capital She´s a Tease terminaba su acto. Two Door Cinema Club empezó con mucha gente a pesar de lo temprano de la hora, tocaron prácticamente todo su disco y dejaron claro que su estilo de rock bailable con sintetizadores sigue vigente. En cuanto acabaron su acto nos dirigimos a hidratarnos, era temprano para la cerveza así que refrescos y agua fueron la opción, curioso que hasta el agua te la servían en vasos, lo cual puede ayudar a tener más control para la basura, pero retarda más los servicios que de por sí se toman su tiempo. Flyleaf demostró que la oferta en el festival era muy variada y que el sonido era bastante bueno pues los gritos de su cantante resonaban mientras los otros escenarios estaban en silencio. Decidimos que era el momento para echarle un vistazo al stage más lejano, DICIEMBRE 10

el Corona Light, donde Rey Pila presentaba su propuesta. De camino a verlo nos dimos cuenta de la gran variedad de alimentos que se vendían, desde las clásicas hamburguesas, hot dos y pizzas, pasando por las cervezas, refrescos, aguas hasta paletas de hielo (las de tamarindo no estaban tan buenas y casi nos cuestan perder a una miembro del equipo) y donas, sí, donas de chocolate.

El stage donde Diego Solórzano brincaba y cantaba estaba al final de un largo pasillo por lo cual el sonido de los otros dos no llegaba hasta él. De regreso al escenario Corona el sonido de la música de Furland empezaba a sonar, curiosamente mientras nos acercábamos pensaba que su sonido me recordaba a un Soda Stereo (con toda la proporción guardada) cuando el cantante gritó “Cerati!!!” e intercalaron “Ella usó mi cabeza como un revolver” en su set, detalle lindo dirían algunos, oportunista dirán otros.

Adanowsky se presentó cantando en español, francés y con una respuesta mucho mejor a la que tuvo en tierras regias.

El sol no ayudó mucho durante la presentación de The Temper Trap, pues como si fuera la hora del conejo no se podía ver mucho. Excepto aquellos que estaban en la sombra. Muchos conocimos a este banda debido a su participación en el soundtrack de “500 Days Of Summer” con “Sweet Disposition” pero en verdad su propuesta es muy interesante: la mayoría de los integrantes cantan en diversas canciones y la estructura de sus rolas presentan arreglos fuera de lo normal, desde introducciones

llena de percusiones pasando por canciones instrumentales y más.

Nos quedamos sin escuchar su canción más conocida pues en el escenario Capital estaba por presentarse White Lies, quienes el día anterior se presentaron en Monterrey y no pudimos ver.

Detalle importante, The Temper Trap aún no terminaban su presentación cuando White Lies empezaron a tocar, detalle que trastocó el resto de los horarios.

Hay bandas que no proponen nada nuevo pero que son capaces de reinterpretar un género, este es el caso de White Lies quien con apenas un disco han ganado elogios en el panorama musical.

“Farewell to the Fairgrounds” inició su presentación mientras que “To Lose My Life” hizo que todo el Corona brincara. Presentaron avances de su nuevo disco y con “Unfinished Business” y “Death” terminaron su presentación.

Regina Spektor es una interprete siempre agradable al oído, con algunos problemas en el audio demostró su pericia en el piano y en la guitarra eléctrica, dejando como postre “Fidelity” ese éxito coreable que fue respondido por todos los presentes. Pausa para comer y mientras Echo & The Bunnymen revivían los ochenta, los problemas por el abasto de cerveza empezaban, algo insospechado en un evento en el que el mayor patrocinador es una marca de cerveza. Las largas filas no solo eran para comprar bebidas y alimentos, los baños también se encontraban llenos.

James congregó a un importante número de gente mientras Foals derrochaba energía y The Soft Pack cerraban el Escenario Light;

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DIRTY KARMA SHE’S A TEASE FLYLEAF ADANOWSKY WHITE LIES ECHO & THE BUNNYMEN INTERPOL

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60 TIGRES NAPOLEON SOLO TRIANGULO DE AMOR BIZARRO REY PILA CHIKITA VIOLENTA DELPHIC DAPUNTOBEAT FOALS THE SOFT PACK

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los originarios de Manchester hicieron bailar al público pues hasta invitaron a sus fans a subir al escenario a brincar con ellos.

Era el momento de Interpol. Un grupo grande no podía avanzar tanto entre la multitud, por lo cual mi compañera y yo nos metimos entre la gente y a punta de codazos y malas caras nos acercamos lo más que pudimos.

Lo suficiente para tener una buena visión de las pantallas: poco es tanto cuando poco necesitas.

Iniciaron su setlist con “Success” primera canción de su nuevo disco y de ahí siguieron en una montaña rusa de canciones nuevas y conocidas, lentas y rápidas. La actitud punk de “Say Hello to the Angels” la sutileza de “Narc”, “Lights” y “Stella was a diver and she was always down”.

No faltaron sus canciones más conocidas como “Evil”, “C´mere”, y “Barricade”. Entre los detalles que se agradecen estuvieron “Hands Away” y “Untitled”, para cerrar la noche utilizaron “Obstacle 1” y “Slow Hands”, dicen aquellos que estaban a lo lejos que el piso tembló mientras la gente brincaba con esta última, yo no lo sentí porque era parte de la masa que saltaba. Por último con un marcado acento chilango Paul Banks nos dijo “Ahora sí, vamónos

a ver a Pixies”, la verdad es que no hacía falta que él no los dijera.

La banda que encabeza Black Francis era el otro plato fuerte de la noche, su importancia en la música actual es la misma que la de Joy Division o The Cure; sin poses y con la humildad que los caracteriza se dedicaron a tocar éxito tras éxito, de forma continúa, “Wave of mutilation”, “Here comes your man”, “Velouria”, “Caribou”, no faltó ningún éxito, quizá demasiados parecidas a las versiones de estudio, pero eran los Pixies en vivo, no es necesario decir más.

Para el final, el frío ya calaba en los huesos, faltaba la caminata para llegar a las salidas más el cansancio de todas esas horas de pie. Pero valió la pena. ~ for ~

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THE CRANBERRIES ARENA MONTERREY @ 24 Y 25 DE SEPT.

POR: FONROUGE FOTOS: KRLOS PRIETO

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Por fin había llegado el momento, después de que cancelaron en el mes de febrero y nos dieron un segundo show para compensar ese incidente, por fin podría ver a una de las bandas íconos de los noventa, la cual conocí una tarde mirando Imevision: transmitieron ‘Zombie’ en un bloque de videos, junto con ‘Sober’ de Tool y otros.Era la primera vez que los veia ya que nunca fui a ningun “Desvelados Tour” para verlos al DF y por ese motivo me compré los boletos de los dos shows, si hay personas que van a ver peliculas 7 veces al cine ¿porqué no verlos a ellos en dos ocasiones?

Son apenas un poco después de las 21:00 cuando las luces de la Arena por fin se han apagado, la gente -que en su mayoría supera los 25 añosgrita entusiasta esperando este suceso, el regreso de una de las bandas

que los marcó en su adolescencia, el regreso de esta banda irlandesa a los escenarios tras 7 años de separación. Empiezan a escucharse los riffs de “Animal Instict”, y entonces sale Dolores O´Riordan, The Cranberries por fin están tocando en Monterrey, en una noche en la cual la lluvia nos sorprendió (y que al día siguiente sólo empeoró) los fans nos presentamos a los shows en los que interpretaron sus exitos como: “Salvation”, “Ode to my family” y “Electric Blue Eyes”, entre otros, además de un nuevo tema: “Kill You”. Un show que duró 1.5 horas y dejó a muchos con ganas de más. La diferencia más notable entre ambos shows fue que en el segundo la banda interpretó “Ordinary Day” del primer disco solista de O´Riordan, única diferencia de dos grandes conciertos. ~ for ~

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CALAMA AUDITORIO BANAMEX @ 5 DE NOVIEMBRE

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AR

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PORQUE NUNCA TE OLVIDO POR: HÉCTOR PÉREZ FOTOS: KRLOS PRIETO

“RECUERDEN, RECUERDEN, EL CINCO DE NOVIEMBRE. CONSPIRACIÓN, PÓLVORA Y TRAICIÓN. NO VEO LA DEMORA Y SIEMPRE ES LA HORA PARA EVOCARLA SIN DILACIÓN”.

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Andrés Calamaro. Ese cantante que llegó a mi vida hace relativamente poco pero que se ha convertido en una presencia constante.

Sí, me declaro fan del Salmón.

Debo admitir que no conocía el Auditorio Banamex, y la verdad es que no me decepcionó, si las bandas logran ganarle a los promotores y consiguen que la entrada sea general se podrán vivir muy buenos conciertos, pero incluso a mediación se puede tener una visión muy buena, mucho más cercana a otros recintos de mayor capacidad. La cita era a las 8:30, un poco temprano, pero el concierto inició faltando cinco minutos para las 9. En el pedestal del micrófono del cantante podíamos observar un calamar de peluche, pariente sintético del pulpo Paul.

La música empezó cuando los músicos empezaron a sonar notas ruidosas, aparentemente desafinadas y sin orden, “Jumpin Jack Flash” de los Rolling Stones fue la canción inicial, no completa porAGOSTO 10

que “El Salmón” canción a la que le debe su apodo, terminó la pieza, agradable sorpresa que no sólo se ve bien en el Auditorio Banamex, sino que también se escucha muy bien. “Los Divinos” es la siguiente canción y la primera que se escuchará de su nuevo disco, ese que aún no termina de convencer a pesar de las decenas de veces que lo escuchamos. Calamaro no tiene problemas con su pasado, lo cual queda claro cuando toca “Mi Enfermedad”, original de Los Rodríguez, continúa con “Carnaval

de Brasil” y uno quiere cantar y seguir la melodía, pero los nuevos arreglos a veces lo impiden pues cambian el ritmo a seguir. El cantante suena un poco desafinado, quizá está demasiado feliz de estar en Monterrey y celebró un poco más. No lo sabemos. Después de interpretar “Revolución Turra” -y tomar como medio litro de aguaCalamaro se amarra la pañoleta que traía en el cuello para convertirse en una especie de “Karate Kid” rockero. ¿Qué importan las reglas que dictan que los grandes éxitos van al final? Una de dos: a Calamaro no le importan o todas sus canciones son grandes éxitos, y esto lo digo porque entonó “Sin Documentos” (la cual no me gusta pero me la sé).

Siguen las sorpresas porque toca “Output/Input” una de las muchas canciones que componen El

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Salmón y que no se había apreciado en su visita anterior. El nuevo disco vuelve a sonar con “Tres Marías” mientras el video de la canción aparece en las pantallas y vemos a desfilar a gente como Miranda!, Vicentico y demás. Punto malo para el Auditorio Banamex: intentamos bailar esta cumbia y el espacio resultó muy pequeño, habrá que aguantarse las ganas de unir el cuerpo con la persona amada para después del concierto.

Antes de entonar la siguiente rola el Salmón agradece a todos los grupos de “música popular” que le han hecho versiones, esto nos indica que la canción será “Mil Horas”; el ritmo tropicalón sigue con “Tuyo Siempre” y termina este set.

Hay pequeñas canciones a las que uno le tiene cierto amor especial, “Comida China” es una de esas rolas que uno disfruta de forma solitaria, y escucharla en vivo hace que la vida valga la pena. “Mi Gin Tonic” es otra vez una canción

querida pero que no podemos cantar por los nuevos arreglos, esos que impiden reconocer a primera instancia “All You Need is Pop”; está bien, hubo sorpresas agradables y canciones que a lo mejor no moríamos por escuchar en vivo. ¿Y las canciones tristes, también hay que recurrir a ellas?

A veces creo yo. Y este era un día para canciones tristes, por eso había que cantar con sentimiento “nunca jamás quiere decir tal vez”; “debería de dejarte, irme lejos no volver”; “me pides paciencia, te pido perdón”. Calamaro expresa su amor a México con “Te solté la rienda” (que en estudio canta con Bunbury).

Desde su primera visita a Monterrey Calamaro me debía “Te quiero igual”, deuda que queda saldada cuando la interpreta y pude tomar tu mano. A los ritmos que escuchamos esa noche se agregó el reggae cuando cantó los primeros versos de “No Woman, No cry”, original de Bob Marley. Después de tocar “Los Chicos” el momento de la noche llegó con “Paloma”. ¿Qué más puedo decir?

Después del encore “Estadio Azteca” fue coreada por todos los que estábamos en el recinto, a la que siguieron los versos de Violeta Parra de “Gracias a la Vida”, introducción perfecta para “Crímenes Perfectos”, sí todos hemos tenidos el corazón roto, quizá por eso la enlazó con “Volver” ese tango que resultó ser el inicio de “Flaca”. ¿Te acuerdas? Aparentemente llegó el final, las luces se encendieron y los músicos y el cantante se despidieron, pero después de unos toques a un cigarro al que no se le veía la marca Calamaro llamó a sus músicos para tocar “Alta Suciedad” y finalizar, ahora sí, con “Canal 69”.

Uff. ~ for ~

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CULTURA PROFÉTICA

TODA LA SANGRE SE ME HACE MIEL POR: SIMÓN CÁRDENAS FOTO: MAU MACÍAS

Decir que Cultura Profética es una banda de reggae sería, hasta cierto punto, insultante. Estos puerto rriqueños son más que una banda de un solo género; sí, tocan reggae pero sus canciones se mueven en diferentes aspectos y texturas, sus letras lo mismo nos hablan de amor (con una sensibilidad dolorosa) que de cuestiones políticas y sociales. Así pudimos comprobarlo en su reciente visita a la ciudad en la que un Escénica lleno de fans se reunió a cantar cada una de las canciones.

Ya fueran de sus discos anteriores, o bien, cortes nuevos como “La espera” o “Ilegal” la banda siempre tuvo un coro de cientos que celebraban cada una de sus interpretaciones. La voz de Willie Rodríguez es reconocible por su tesitura y suave fraseo. Las notas nunca estuvieron de más o de menos.

Quizá Cultura Profética empezó como una banda de reggae, pero hoy son mucho más que eso. ~ for ~

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FOBIA

Sin miedos 29 de octubre @ Woodstock Plaza Por: Simón Cárdenas Fotos: Krlos Prieto

NO ES NECESARIO TENER DISCO NUEVO PARA QUE UNA BANDA COMO FOBIA PUEDA ATRAER A SUS SEGUIDORES, aunque para verlos haya que salir de la ciudad, lo cual quedó demostrado el pasado 29 de octubre cuando Leonardo, Cha!, Iñaki, Paco y Jay tocaron una vez más en la ciudad. Repasando éxitos como “El diablo”, “Descontrol”, “Revolución sin manos” y más lograron que la gente saliera a ca rretera, lo cual agradecieron con el estreno de una canción que aparecerá en su próximo disco, el cual, mencionaron, saldrá el próximo año. ~ for ~

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EL SON DEL DOLOR

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ESTE NO HA SIDO un buen año para el rock en español, al menos en cuestión de salud. Quizá los excesos están cobrando las facturas, quizá solo sea mala suerte, el caso es que en estos últimos meses las cosas no han pintado bien para algunos músicos.

Al momento de escribir esto Gustavo Cerati sigue en estado de coma después del ataque cerebral que sufrió en Venezuela, a pesar de que su disco “Fuerza Natural” ha ganado diversos premios y que sus fans no lo olvidan y siguen teniendo fe, la verdad (que nos duele decir) es que quizá nunca más volvamos a escucharlo tocar en vivo, como él mismo dijo: si algo está enfermo está con vida.

Quien corrió con mejor suerte fue Alejandro Marcovich, a quien se le detectó un tumor en el cerebro, pero afortunadamente fue tratado a tiempo, el otrora greñudo y pieza fundamental del sonido caifan ya se encuentra rockeando en los escenarios.

Otra que también ha caído víctima de la enfermedad es Rita Guerrero, cantante de Santa Sabina y poseedora de una de las voces más sensuales que el rock mexicano tendrá. Recientemente se hizo del conocimiento público que la intérprete sufre de cáncer de mama y sus amigos más cercanos han pedido a la comunidad que se solidarice con la cantante pues no tiene seguro médico y las cuentas del doctor son altas.

Si quieren saber más y apoyar a la también integrante del Ensamble Galileo visiten: http://www.facebook.com/profile.php?id=541668802#!/ note.php?note_id=160662080623207&id=1200532195

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COME AROUND SUNDOWN KINGS OF LEON Ya veo venir los comentarios que desacreditan el más reciente y quinto trabajo de la oriundos de Tennessee; predecible, conformista, inclusive mediocre, yo tengo mis dudas.

Puedo decir que estamos caminando sobre un terreno nuevo pero que tienes la sensación de Dejà vu. La fórmula es la misma, con nuevos ritmos y siguen la línea que los lanzó al estrellato con “Only By The Night”, pero ¿esto es algo malo? No sé, puedo argumentar “Come Around Sundown” dentro de sus 13 cortes presenta lo que bien podría ser la continuación de “Only By The Night” y que muy probablemente están en una zona de confort pero, de nuevo, esto no creo que sea algo malo, al contrario, los riffs suenan bien, actuales y creo que si eres fan del penúltimo trabajo de KoL no habrá falla cuando suene lo nuevo en tus oídos, hará clic.

“The End” es la encargada de abrir, de los mejores cortes del disco en mi opinión, el trabajo del bajeo se pulió de manera deliciosa, seguida por “Radioactive”, opción más obvia para ser el primer sencillo del disco: acordes dinámicos y ritmo acertado, siendo la antesala ideal para “Pyro”, tranquila y contundente, también hay complacencias para aquellos bohemios del “Aha Shake Heartbreak” como la bella “Black Down South” y “Pony Up”, se nota el estilo sureño y coros bien colocados. Lo que sí les puedo asegurar es que recordarán el último track “Pickup Truck”, tiene un gran trabajo en los acordes, la armonía de la banda se nota totalmente unificada, la voz, el ritmo, definitivamente es la canción campeona para cerrar con broche de oro.

Definitivamente la última opinión del disco la hace cada uno, y el historial de la banda es un factor fundamental para juzgar su más reciente material. Si eres fan de sus primeros trabajos y buscas más de esas dosis, muy probablemente la primera opción será descartarlo, yo digo: escúchalo, luego ódialo, ámalo y luego, vuélvelo a oír.

-Guillermo Cruz

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A THOUSAND SUNS LINKIN PARK Después que el boom del Nü Metal pasara, pocos se atrevían a decir en voz alta si gustaban de alguno de los tantos grupos que salieron de ese género y algunos se convirtieron en sinónimo de burla por aquellos “conocedores” musicales; sin embargo, uno de las bandas que permaneció en mi gusto fue Linkin Park, por su estilo que destacaba del resto, la gran voz de Chester Bennington y el marcado enfoque que tenían en el arte y diseño de todo lo que había a su alrededor, incluso puedo decir que “Hybrid Theory” y “Meteora” tienen lugar asegurado entre mis discos favoritos de la década pasada.

Con “A Thousand Suns” se puede notar la gran evolución que el grupo ha tenido a lo largo de los 7 años que han pasado desde “Meteora” y que no se apreció en “Minutes to Midnight”; existe un enfoque mayor en los sonidos electrónicos -sobretodo en las bases de ritmo- y se devuelve el protagonismo a la voz de Bennington, que muestra a su vez un control de voz mucho más interesante y sin recurrir tanto a los gritos que llegaban a plagar algunas de sus canciones anteriores, las letras se muestran mejor estructuradas y la experimentación que hacen en muchas de las canciones con distorsiones, samples e incluso con canciones instrumentales es algo que dejará un buen sabor de boca a aquellos que gusten del trabajo de la banda y no tomen tan a pecho el cambio musical que tuvieron.

Claro, no todo es bueno y tiene puntos bajos como “The Messenger”, canción acústica que desentona con el resto del disco; “Jornada del Muerto”, tema casi instrumental muy débil que no aporta gran cosa y algunas connotaciones políticas que podrían parecer innecesarias. Pero así como hay canciones que dejan que desear, existen temas como “The Catalyst”, “The Requiem”, “Burning in the Skies” y mi favorita “Waiting for the End” que demuestran que “A Thousand…” es sin duda un punto de partida en el sonido del grupo y el nacimiento de un nuevo Linkin Park que promete cosas mucho más interesantes; después de todo, si el grupo con el segundo disco más vendido de la década pasada no puede tener el beneficio de la duda, ¿entonces quien?

-Daniel Pizarro DICIEMBRE 10

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EVERYTHING IN BETWEEN NO AGE Madurar no es el término correcto, pero es el primero que se viene a la mente al escuchar “Everything in Between”, el nuevo disco de No Age. Sí, la banda está cambiando, ha estado experimentando con nuevos sonidos y tecnologías desde su último EP “Losing Feeling”, en el que los loops y los sintetizadores jugaron un papel importante.

Cuando los miembros de la banda empezaron a soltar la sopa diciendo que estaban jugando con sonidos y ruiditos electrónicos yo me asusté un poco. El estilo de No Age, siendo una banda a pura guitarra y batería, está más relacionado con el lo-fi y el sonido garage, por lo que la idea de incorporar loops a las rolas suena un poco loca. Es cierto que con “Everything in Between” se arriesgaron a tomar nuevos caminos, no tanta saturación auditiva, más loops y más sintetizadores, pero no es nada que temer, No Age sigue siendo No Age en todo lo que implica, y si lo que te gustaba de discos como “Nouns” o “Weirdo Rippers” era el ruido, aquí lo vas a encontrar también.

Para empezar, No Age es guitarra y batería como base, por lo que arreglos con sintetizadores no son más que eso: arreglos, pero funcionan para darle un sentido nuevo a su música.

Este disco es No Age llevado a sus dos extremos: contiene las canciones más pop que la banda ha hecho y contiene su material más ruidoso, pero esto es lo que hace al disco diferente y equilibrado, realmente te están paseando en un zigzag que va de un lado a otro. “Glitter”, su primer single, es la rola más pop que la banda ha hecho, tiene aplausos, y vocales amigables, y es seguida por “Fever Dreaming”, rola en la que la banda define lo que es ruido y no mamadas. Este equilibrio funciona durante todo el disco. Una cosa importante a considerar es que el disco es un grower. No hay una primera impresión tan fuerte, pero conforme pasan varias oídas, uno va descubriendo canción por canción lo bueno que es el disco. Tal vez hasta mejor que el “Nouns”.

-Daniel Guzmán DICIEMBRE 10

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SIT DOWN, MAN DAS RACIST Hay una delgada línea entre un rapero gracioso y un payaso ridículo. El Eminem de los primeros tiempos es el primer ejemplo que se me viene a la mente, pues si recuerdan rolas como “My Name Is” o “The Real Slim Shady”, eran bastante chistosas, y eran puras letras que involucraban la cultura pop del momento.

Si van a oír hablar de Das Racist, probablemente oigan a la gente decir “son bastante graciosos”, y la neta, esto es verdad y probablemente una de sus mayores virtudes sea manejar esta delgada línea de la que hablo.

Al igual que Eminem, los chistes contenidos en las letras de Das Racist están llenos de cultura pop. En “Sit down, Man” escuchamos mencionar X-Men, Superman, y a Obama en la misma oración, y sólo puedes pensar “¡Qué ingenioso verso!”. El disco incluye referencias a Bart Simpson, Pee Wee Herman, Dwight Schrute (The Office), Justin Beiber, Pinnochio, Dio, Daniel Day Lewis, y la lista sigue. Se burlan de todas maneras de la cultura pop, son a la música lo que “Family Guy” es a las caricaturas.

Das Racist es el hip hop como nunca lo había oído en mi vida, lo pongo de esta manera: es el primer caso de antihip-hop. Lo último que quiere Das Racist es sonar como los raperos de hoy. Los comparo con alguien de su talla: Wale es otro rapero indie que se le ha intentado pegar a raza como Kanye West para agarrar auge, adoptar su estilo y seguir ganando fans, es decir, intenta entrar en el codiciado mundo del rap. Lo loco de Das Racist, es que están en una posición similar, sin respaldo de una gran disquera, pero ellos no intentan entrar en el mundo ya combatido del hip-hop, sino que intentan entrar en el del indie hipster, donde no hay muchos raperos que estén bien posicionados. “Sit down, Man” es, en teoría, un mixtape, pero técnicamente es un álbum casi 100% original, un mash-up de cultura pop, una mezcla de pistas de The Doors, Billy Joel, Jay-Z, (y muchos más) tergiversadas por completo. Y ¿saben cuál es la mejor parte? Es totalmente gratis.

-Daniel Guzmán

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HALCYON DIGEST DEERHUNTER Hay dos características que admiro de Bradford Cox como artista: Una es su capacidad de no repetirse, y la otra es su capacidad de innovar en cualquier tipo de música, incluso cuando ésta no suena precisamente nueva.

Hablo de Bradford y no de Deerhunter porque “Halcyon Digest” parece ser la congregación de todo lo que Cox ha hecho, no tanto el cuarto LP de su banda. Este disco parece un álbum más natural y espontáneo que todos los otros en los que Bradford ha participado. En “Logos” (de Atlas Sound) por ejemplo, podemos visualizar a Bradford escribiendo las rolas en su cuarto, grabándolas en una computadora y experimentando entre sonidos para que suene como lo que tiene en mente. La clave aquí es que en “Halcyon Digest” no parece haber esta experimentación para buscar un sonido específico, parece que estas canciones se escribieron para sonar como se oyen, y suenan perfecto, como si por fin Bradford encontrara ese sonido que había estado buscando durante los últimos cinco años. ¿Y a cuál es este sonido del que hablo? Pues suena a Bradford Cox más que nada, suena a su disco más personal, porque las canciones se sienten honestas y naturales. Hay un sonido muy sesentero, que contrasta con el aspecto futurista de los discos pasados de Deerhunter.

Cox se sale de cualquier posibilidad de caer en una zona de confort repetitiva o explotada. Los instrumentos usados aquí para complementar el sonido oldie que transmite es apantallante. Escuchen “Revival” con atención y por ahí van a distinguir un banjo, en “He Would Have Laughed” la canción se armoniza usando de la autoarpa, y el sólo de saxofón en “Coronado” no tiene madre. Éste podría o no ser el mejor disco de Bradford Cox, pero es sin duda el más accesible. Estoy hablando de un disco que podría gustarle tanto a tus papás como a tus sobrinos, que es a la vez un álbum de audífono y un álbum social. Tú escoge el lugar y el momento para escucharlo, “Halcyon Digest” es sin duda uno de los mejores discos de lo que va del año.

-Daniel Guzmán DICIEMBRE 10

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WRITE ABOUT LOVE BELLE & SEBASTIAN ¿Qué es lo primero que te viene a la mente cuando oyes a Belle & Sebastian? Jodida diversión en mi punto de vista, como lo dicta el título de su nueva entrega “Write about Love”, los escoceses vienen inspirados y en las manos, aliento y entrega traen los argumentos para situarnos en el humor de escribir sobre amor. Hay cosas interesantes que se pueden apuntar de este álbum, como que Tonny Hoffer vuelve como productor después del gran éxito del pasado “The Life Pursuit” del 2006, así como también participaciones importantes como la de Norah Jones, pero sin duda lo más interesante es notar que Stuart Murdoch y compañía reafirman una vez más su importante papel en la escena independiente.

Se puede notar la premisa que una vez Murdoch dictó, y es que Belle & Sebastian no busca complacer a las masas ni mucho menos, pero sin duda cuando le des play y escuches sonar por primera vez “I Didn’t See it Coming” muy probablemente pienses lo contrario, porque la armonía de los siguientes tracks se complementan y completan la historia que se teje desde el título del disco.

Puede ser que en un momento el ritmo del disco se vea mermado por melodías más lentas y melosas, inclusive melancólicas, pero con un riquísimo trasfondo musical –“Little Lou, Ugly Jack, Prophet John”. Las voces de Sarah Martin y Murdoch, como costumbre, son el adorno característico de la banda. Podría decirse que Martin siempre hace remembranza melancólica al trabajo de su antecesora, Isobel Campbell, con tintes más delicados pero semejantes.

Lo recomiendo para esta temporada de fiestas que se avecinan y que siempre traen consigo la melancolía (y el frío).

-Guillermo Cruz

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HECHO EN MONTERREY

¿QUÉ ES AREYOUSERIOUSPROJECT? Are You Serious es una asociación que se dedica a llevar a cabo proyectos de viaje. La idea es que la gente cambie su percepción sobre viajar, ya que muchos consideran que es una actividad meramente turística.

Nosotros queremos transformar los viajes en un factor de cambio. Nos gusta viajar, nos encanta la idea de conocer otros países y otras culturas, y uno puede sacar mucho provecho de aquí. Viajar te hace más tolerante con ideologías diferentes y más empático con los problemas de otros.

Nosotros buscamos que las ventajas y los conocimientos que uno gana al viajar sean transmitidos a un nivel social, más que individual.

Hemos estado trabajando lo que va del año en armar nuestro primer proyecto, que comenzará en febrero y durará entre 4 y 6 meses. El proyecto es un viaje a través de 12 países, que la gente podrá seguir en tiempo real a través de nuestras redes sociales y nuestra página oficial.

El objetivo de este viaje será difundir las nuevas ideas que están surgiendo en diferentes regiones del mundo que buscan impactar de manera positiva a la sociedad o al medio ambiente. El proyecto tendrá tres secciones, que podrán ser accesadas desde el website (www.areyouseriousproject.com): ARTrack, Ecotrack y Lifetrack.

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En Ecotrack presentaremos una iniciativa ecológica por ciudad. En Artrack presentaremos artistas jóvenes de diferentes ciudades del mundo, junto con sus obras y su proceso creativo. En Lifetrack exploraremos el contexto social y cultural de diferentes ciudades.

Mientras el viaje sucede, los seguidores podrán descubrir a través de estas tres secciones fotografías, videos y entrevistas.

¿De dónde nace la idea detrás de este proyecto?

La idea nació en el 2009. Antoine (mi socio, francés) llegó a México para un semestre de intercambio en la EGAP. Nos conocimos por couchsurfing.com, la red social que permite a los viajeros buscar hospedaje gratuito en casas de otros que ofrecen su sillón para recibir extranjeros.

Antoine y yo terminamos viviendo juntos, y nos dimos cuenta que teníamos planes similares: queríamos viajar alrededor del mundo en fechas similares.

La idea que tuvimos fue la siguiente: si en lugar de viajar como mochilero, armamos un plan de trabajo y lo vendemos, podemos hacer de nuestro viaje algo mucho más útil y tendríamos un impacto positivo en el planeta.

Entonces desarrollamos todo un plan de trabajo y una logística de viaje, y nos pusimos a buscar patrocinadores para sacar adelante el primer proyecto.

Desde enero 2010 hemos estado trabajando a tiem-

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po completo en Are You Serious. Hemos recaudado suficientes patrocinios para asegurar un proyecto de al menos 4 meses y medio, once países. El proyecto comienza en febrero y seguimos buscando más fondos para mejorar algunos aspectos de logística y tratar de abarcar más países en el recorrido.

¿Qué esperan lograr con esta idea?

Esperamos varias cosas. Por un lado, queremos impactar. Muchos dicen que vivimos en una época con muchos problemas, que no hay soluciones, que estamos destruyendo el planeta. Nosotros creemos que hay muchas soluciones en e l mundo, simplemente falta difundirlas. Lo que haremos será ir a buscarlas y exhibirlas públicamente para que la gente imite las iniciativas ecológicas que les presentamos, que vean las posibilidades de expresión a través del arte, y que a todos nos caiga el veinte de la diversidad global que existe.

Queremos también motivar a la gente a viajar como vamos a hacerlo nosotros. Estamos comunicando en twitter (@aysproject), en FB (fb.com/areyouseriousproject) y en el website oficial desde 4 meses antes del proyecto para que la gente vea cómo lo armamos.

La verdad es que somos dos jóvenes iguales a todos, no queríamos presentar el proyecto una semana antes que la gente lo viera ya armado. Queremos que vean cómo estamos terminando de sacar los patrocinios, cómo nos capacitamos en fotografía y video, DICIEMBRE 10

cómo encontramos desde antes todo lo que vamos a buscar, etc, con el fin de que más gente se anime a viajar activamente.

Ya deben de tener algunas ideas de qué es lo encontrarán, ¿alguna que quieras comentarnos?

Estamos siguiendo una línea muy peculiar para buscar a las iniciativas ecológicas. Lo que queremos es impactar directamente, entonces no sirve de mucho mostrar un campo con cientos de paneles solares que estén en Helsinki porque el público no puede hacer nada al respecto. Las iniciativas que buscamos deben de ser imitables por la gente. Por ejemplo, dentro de lo que hemos buscado, encontramos unas personas en Ghana que fabrican bicicletas con bambú, y te enseñan cómo lo hacen para que la gente fabrique las suyas. En Camboya encontramos un grupo de personas que usan las bolsas de plástico que te dan en Soriana o en el Se7en para hacer mochilas o accesorios cotidianos.

Para ARTrack, estamos buscando exponer artistas jóvenes. Para encontrarlos, estamos contactando universidades de arte invitándolas a participar en la sección ARTrack, recomendando uno o dos estudiantes cuyo perfil consideren apropiado para el proyecto. La intención es enfocarnos en artistas jóvenes porque lo que queremos explorar son los nuevos caminos que el arte va a tomar en las futuras generaciones de artistas.

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¿Quiénes son tus patrocinadores?

En marzo el MARCO decidió involucrarse en el proyecto como nuestro asociado principal, particularmente para apoyarnos con la sección de ARTrack.

En agosto el gobierno de San Pedro Garza García decidió involucrarse también. El proyecto formará parte del San Pedro Arte Fest 2011 (de abril y mayo).

También recibimos un donativo anónimo. Por ahora tenemos suficiente presupuesto para garantizar que el proyecto va a empezar y que durará entre cuatro y cinco meses. Seguiremos buscando patrocinadores hasta febrero 2011, fecha en la que comenzaremos a viajar, con el objetivo de mejorar algunos aspectos de logística y extender la duración del viaje a seis meses. ¿Cuál es la ruta que piensan tomar?

Como el propósito del proyecto es abarcar la diversidad cultural del mundo, necesitamos una ruta que pase por diferentes regiones y continentes.

Tenemos cuatro opciones. A diferencia de un proyecto de viaje como los que salen en la tele en Travel Channel o Nat.Geo, este proyecto no será solamente informativo, sino que queremos que sea interactivo, osea que el público tome un papel importante.

Para empezar con esta ‘interacción’, estamos dejando a la gente escoger la ruta. Tenemos cuatro opciones en el website (www.areyouseriousproject.com), y en diciembre vamos a anunciar cuál es la que ganó. En

la página oficial la gente está votando, e invitamos a los que no lo hayan hecho a hacerlo por la que más les interese. ¿Qué necesitan, en qué les puede ayudar la gente que está leyendo esto?

Como somos una asociación nueva, todos los miembros trabajan voluntariamente de acuerdo a su disponibilidad de horarios, menos Antoine y yo, que estamos dedicados a tiempo completo en esto. Hay tres aspectos en los que la gente puede ayudarnos: 1. comunicación y mercadotecnia, 2. Logística y hospedaje y 3. Edición y postproducción de videos.

Mucha gente nos habla y nos manda correos ofreciendo su ayuda, muchos ya nos han ayudado. Es muy chido ver a la gente motivada a apoyarnos voluntariamente.

A aquellos que quieran echarnos una mano, lo más sencillo que pueden hacer, pero que es de gran ayuda para nosotros, es hablar del proyecto, invitar a la gente a que nos siga y platicarles de nuestras ideas.

Nosotros queremos lograr un impacto pero para eso necesitamos un público, y es en eso en lo que estamos trabajando estos días.

Si desearan involucrarse de alguna otra manera, nos pueden contactar (en la página viene toda la info de contacto) para platicar con nosotros y con gusto les podemos explicar a detalle cómo pueden colaborar. ~ for ~

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MACHETE ES UN INDOCUMENTADO QUE SOBREVIVE EN LA FRONTERA DE TEXAS, UN DÍA LE OFRECEN EL TRABAJO DE “LIMPIAR” A UN SENADOR Y ACEPTA, PERO MACHETE ES TRAICIONADO Y UTILIZADO COMO CHIVO EXPIATORIO, A PARTIR DE ESE MOMENTO EL MEXICANO EMPEZARÁ LA BÚSQUEDA POR ENCONTRAR A LA PERSONA QUE LO TRAICIONÓ Y HACERLO PAGAR… OH SÍ.

Hace un par de años los amigos Robert Rodríguez y Quentin Tarantino hicieron un proyecto llamado “Grindhouse”, el cual prácticamente era un tributo no solo a las películas ochenteras, sino a toda la industria

del cine de esa época: proyecciones de baja calidad, películas editadas, comerciales de productos ridículos, por no hablar de películas de serie b y, por supuesto, los avances de otras.

Entre estos se encontraba “Machete”, el cual tuvo tanta popularidad que los productores lo vieron como una sólida inversión, y ahora lo tenemos como largometraje.

La pregunta es si esto fue una buena idea, digo, de seguro muchos estarán hablando ya de que es una crítica al sistema de los Estados Unidos y su xenofobia, que es un súper héroe mexicano y demás. Pero veamos la película: el origen de Machete era el de una caricatura, por eso funcionaba en el trailer, se trataba de que fuera ridículo, fuerte, chingá, hasta mor-

tal, y el tono le quedaba, le quedaba perfecto. “Planet Terror”, por ejemplo, también se basaba en la farsa y en las situaciones extremas, pero “Machete” se queda a la mitad. No es una película “seria”, porque hay escenas y situaciones que salen del ritmo normal de una película, pero tampoco es una farsa porque a veces el discurso de frontera y el guión da demasiadas vueltas. No digo que sea una mala película, al contrario, todos aquellos fans del gore, decapitaciones, sangre y desnudos la encontrarán muy entretenida (aunque de repente se censure la violencia), por no hablar de los fans de Danny Trejo; pero creo que de haberse decidido por el camino de una película seria, o mejor aún, una farsa con todas las de la ley, hubiéramos tenido una excelente película. ~ for ~

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EXIT MUSIC (FOR A FILM)

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¿CUÁNTAS COSAS MÁS PUEDO GUARDAR? Una de las cartas fuertes del ciclo de cine “Rock en la Cineteca” (que reunió a más de 1,500 personas) fue sin duda el preestreno de Seguir Siendo, el documental que celebra los primeros veinte años de esta banda mexicana. La verdad es que la espera valió la pena, porque el producto final será agradecido por los fans de la agrupación, que yo creo que andará por el 90% de la población nacional.

Este documental no se centra en algo específico como la creación de un nuevo disco o una gira en particular, vaya, ni siquiera en el origen de la banda, sino se mueve por diversos caminos tratando de abarcar diferentes historias. Obviamente el primer orden que se sigue es el cronológico, los inicios de una banda diferente al resto de las agrupaciones de rock que existían a finales de los ochenta en el D.F., pasando por un poco de historia, del funcionamiento interno de la banda, cómo son sus giras, un poco del proceso creativo que tienen en conjunto, además de algunas presentaciones importantes en lugares tan diferentes como Japón, España y Estados Unidos.

POR: SIMÓN CÁRDENAS FOTOS: KRLOS PRIETO

Por medio de acercamientos a cada uno de los integrantes es donde podemos conocerlos un poco mejor, que es quizá lo que más interesa a los fans: algo que no se ve en las dos horas de concierto, en las sesiones fotográficas o en las entrevistas, sino cómo son en verdad esos cuatro personajes que son capaces de escribir canciones con las que tanto nos identificamos.

Tarea que a veces se queda corta, porque se ve que lo de los tacubos no son las confesiones; sí, podemos verlos interactuar y descifrar parte de su personalidad, incluso aparecen algunas confesiones y podemos percibir sus alegrías y demonios, pero si van a las salas de cine esperando encontrar una película en la que los veamos que se mientan la madre al momento de escribir una canción pues no lo encontrarán.

Comprimir 20 años de historia en una hora y media (y más cuando se tienen más de 400 horas de vídeo) es una labor titánica, pero la verdad es que Seguir Siendo sale bien librado. A muchos les gustará y muchos dirán qué algo faltó, pero si el deseo es celebrar a la banda que nos emociona, pues hagámoslo. ~ for ~

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the walking dead

In a world ruled by the dead, we are forced to finally to start living

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¿CUÁNTAS HORAS TIENE EL DÍA CUANDO NO PASAS LA MITAD DE ELLAS VIENDO LA TELEVISIÓN? ¿CUÁNDO FUE LA ÚLTIMA VEZ QUE TRABAJAMOS PARA CONSEGUIR ALGO QUE QUERÍAMOS? ¿HACE CUÁNTO QUE ALGUNO DE NOSOTROS NECESITABA ALGO DE LO QUE QUERÍAMOS? EL MUNDO QUE CONOCÍAMOS SE ACABÓ.

The Walking Dead es un comic original de Robert Kirkman que es publicado de forma mensual por Image Comics.

Su historia inicia donde suelen terminar las películas de zombies: cuando por fin se logra sobrevivir al ataque de los no muertos… pero y ahora ¿qué? Cómo es la vida en un mundo en el que los vivos son la minoría, cuando el gobierno, policía, ejército, sociedad, familia han dejado de existir.

El comic va en su número 77 y sigue demostrando calidad en guión y dibujo en cada edición. A lo largo de su publicación hemos visto que los zombies son el menor de

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los males por cuales preocuparse: canibalismo, dictaduras, asesinatos, incesto, locura. Todo es algo de lo que el comic nos ha recetado en estos años.

Sólo era cuestión de tiempo antes que alguien se animara a llevar el potencial de la historia en el cine o la televisión. La elegida fue la última, lo cual es una excelente opción, la historia de Rick Grimes y los sobrevivientes no es algo que se pueda resumir en dos horas; además hay que tener en cuenta que en el último año la televisión y el cine han pre-

sentado un boom por los vampiros.

La saga de Crepúsculo, The Vampire Diaries y True Blood, son series que le han quitado al vampiro su figura de monstruo convirtiéndolos en “bonitos amantes” y enfocándose en el sexo, lo cual no está mal, pero se aleja del terror. The Walking Dead presenta la otra cara de la moneda, el terror a morir, a ser, literalmente, devorado por los muertos.

Afortunadamente el hype que rodeó a esta emisión no ha demeritado en nada el producto final: la serie presenta una gran calidad en su guión

-el cual ha sido modificado y no es exactamente la historia número por número del comic, algo que se entiende pues son diferentes lenguajes los que se utilizan- con personajes humanos y temerosos, la dirección está en manos de personas que han trabajado en producciones de la talla de Sueños De Fuga y tiene la bendición de los creadores del comic.

La primera temporada es apenas de seis episodios (pero ya se anunció una segunda con 13 capítulos) lo que garantiza que el presupuesto se utilizará a lo grande. Los zombies son realmente asquerosos y tenebrosos, además de que los actores principales no fueron escogidos por “bonitos” sino porque saben actuar.

Otro factor interesante es que la serie fue estrenada simultáneamente a nivel mundial, apenas con un día de diferencia de Estados Unidos, lo que es una gran estrategia de publicidad, no más esperas de meses para que se hagan los doblajes, se compren las licencias y se promocionen en diversos países, además de ser una forma muy inteligente de dar batalla a la piratería.

The Walking Dead es de esas series que marcarán época en la televisión, su historia puede llegar a ser universal, más allá de si nos guste o no el género de zombies. Tal vez viéndola y entendiéndola podamos entender que los muertos que caminan podemos ser nosotros. ~ for ~

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