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RESEÑAS
SCORPIONS PASSION PIT SUMMER SLAUGHTER THE ATARIS ARTÍCULOS
INTERPOL, THE IMPORTANCE OF BEING INDIE
ENTREVISTAS
THE SOUNDS, ADANOWSKY
CINE
AIRHEADS, RESIDENT EVIL: AFTERLIFE
HELL-OW
SÉ QUE TE VUELVO A ENCONTRAR...
SEPT 2010
CINE
AIRHEADS, RESIDENT EVIL: AFTERLIFE
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EDITORIAL
PASSION PIT
OUR FEELINGS
LIVE
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R4ROCK EVENTS
HELLOW FEST
¿QUIÉN ESTÁ HACIENDO QUÉ?
EN PORTADA
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COLABORADORES
THE SOUNDS ADANOWSKY
FOR THOSE ABOUT TO ROCK!
ENTREVISTAS
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SCORPIONS
SUMMER SLAUGHTER TOUR
LIVE
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LIVE
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LIVE
THE*ATARIS
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GIMME COFFEE & TV
MODERN FAMILY
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ARTÍCULO
ROCK PLACES
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THE IMPORTANCE OF BEING INDIE
FOUFUNES ÉLECTRIQUES
R FOR RANDOM
ARTÍCULO
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BRANDON FLOWERS, THE DRUMS, MOGWAI
AIRHEADS
FIC
R FOR REVIEWS
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ARTÍCULO
INTERPOL
MI DECLARACIÓN DE INDEPENDENCIA
EXIT MUSIC (FOR A FILM)
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SILVERSCREEN
RESIDENT EVIL: AFTERLIFE SEPTIEMBRE 10
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R FOR START
EDITORIAL
RforRELEASE | TheAestheticRockMagazine septiembre 2010 | ISSUE 14
A veces tan triste, a veces tan libre
EDITOR IN CHIEF
Hace poco se anunció la visita de Arcade Fire a la ciudad de Monterrey. La emoción llegó a nosotros como lluvia de septiembre, una muy buena banda -de ésas que algunos creemos que nunca veremos en vivo por no tener visa- se presentaría por primera vez en la ciudad. Sin embargo, casi tan rápido como se anunció… se canceló la visita. Y aunque la versión oficial es que esto fue debido a cuestiones de logística algunos nos ponemos a pensar teorías de la conspiración y atamos cabos que nos dicen que la inseguridad es la causa detrás de esto. Deseo que estemos equivocados, pero más deseo que esto ya no se presente y que la violencia, que nos afecta a todos, termine. En otras cuestiones: ya casi se acaba septiembre. El mes del bicentenario, en el que se dieron gritos de diversos tipos: reclamos, vivas, yeahs y demás. Nuestro país quizá no sea el más grande, más rico o mejor gobernado, pero es nuestro. Ojalá y cuando hayan dado el grito no hayan pensado en las imágenes que nos daba la televisión o los políticos, espero que hayan gritado por ustedes, lo que en verdad importa de México: la gente. Yo conmemoro, pero sin celebración.
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ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO
Daniel Guzmán Luis González Natt Szendro Daniel Pizarro Tamara Góngora
José Pablo Acevedo Lily Cruz Mau Macías
FOTOGRAFÍAS:
Krlos Prieto Fernando Vega Fabritzio Serati Lily Cruz Mau Macías
CONTACTO
ESCRÍBENOS
contacto@r-for-release.com
R for Release es una publicación mensual de rock, movies y más. Cada artículo es responsabilidad de su autor(a). www.r-for-release.com ~ for ~
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gotchaexpress
soon
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Rock Events The Cranberries 24 y 25 de septiembre Lugar: Arena Monterrey Jumbo 25 de septiembre Lugar: Woodstock Plaza, Monterrey
La Cuca 23 de octubre Lugar: Escénica, Monterrey
Kiss 28 de septiembre Lugar: Auditorio Banamex, Monterrey
Sussie 4 23 de octubre Lugar: Woodstock Plaza, Monterrey
Lamb of God 6 de octubre Lugar: Rock America, Monterrey White Lies 15 de octubre Lugar: Escénica, Monterrey
Noche de Ídolos 29 de octubre Lugar: Jaguar House, Monterrey
Enrique Bunbury 16 de octubre Lugar: Auditorio Banamex, Monterrey
Ska-P 9 de noviembre Lugar: Auditorio Banamex, Monterrey
Festival Corona Capital 16 de octubre Lugar: Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez, D.F.
Midnight Juggernauts 20 de noviembre Lugar: Escénica, Monterrey
Lacrimosa 16 de octubre Lugar: Escénica, Monterrey
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James 19 de octubre Lugar: Auditorio Banamex, Monterrey
Andrés Calamaro 5 de noviembre Lugar: Auditorio Banamex, Monterrey
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4 THOSE BOUT’ 2 ROCK
COLABORADORES Tamara
Góngora
Estudiante de Ciencias del Lenguaje en la Facultad de Filosofía y Letras. Ama la música y el baile. Desde pequeña ha tenido inclinaciones muy fuertes hacia el teatro.
Mauricio
Macías
Cuando no estoy viendo que nuevo lugar conocer, trabajo como publicista en Monterrey y la ciudad de México. Según la Real Academia Española soy una persona ecléctica, para este número fui al show de The Ataris para dar mis impresiones, también compartí mi opinión de los resonados festejos del Bicentenario de la Independencia y Centenario de la Revolución Mexicana, plática de café.
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The future is in the air… Scorpions Arena Monterrey @ 4 de septiembre
Por: R for Release Fotos: Fernando Vega
La mayoría de las despedidas son tristes. Pero a veces podemos hacer de la última vez que vemos a alguien una ocasión para recordar. Precisamente esto fue lo que hicieron Scorpions con sus miles de seguidores regios el pasado 4 de septiembre. No todavía no eran ni las 9 de la noche cuando las luces se apagaron y la banda salió ante los regios para dar, el que prometen, será su último concierto en esta ciudad, pues están en su gira de despedida. “The best is yet to come”, “Wind of change” y “Rock and Roll Forever” fueron algunas de las canciones que los presentes y la banda originaria de Hannover, Alemania cantaron. Dicen que poder decir adiós es crecer, teniendo eso en mente podemos decir que Scorpions se van como los grandes. ~ for ~
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Passion Pit You must believe to hear me sing this POR: NATT SZENDRO FOTO: KRLOS PRIETO
Una noche de jueves, alrededor de las 10 de la noche, era justo el momento más esperado tras dos meses de haberse anunciado que Passion Pit, el quinteto originario de Cambridge, Massachusetts, se presentaría en nuestra ciudad. La temperatura favoreció a que ese día no fuéramos víctimas de los calores habituales que el verano en Monterrey trae consigo. Las noticias anunciaban que los malitos no hacían de las suyas por las calles, así que el contexto en general propiciaba un ambiente de calma y armonía para poder disfrutar del concierto. Como teloneros se presentaron dos bandas locales, Yusático y los happyfiers de D3ndr0n; estos segundos tuvieron varios invitados a escena como Pato Machete y Priscila de Quiero Club, logrando calentar los ánimos para cuando la banda principal pisara el escenario. En punto de las 12 empezó el show, los chicos de Passion Pit entran a cuadro y entonan canciones de su disco Manners: “Moth’s Wings”, “Make Light”, “The Reeling”, “To Kingdome Come”, “Little Secrets” y “Swimming in the Flood” fueron algunas de las
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canciones que pudieron corear todos los asistentes que se dieron cita ese día en el conocido lugar del centro de Monterrey. Como encore utilizaron el cover que le hicieron a la canción “Dreams” de The Cranberries y ahí fue donde se alcanzó el mayor bullicio de los espectadores. Personalmente el concierto me fue bastante indiferente, no hubo sorpresa alguna, los chicos ejecutan bien y sabían a lo que iban… pero en general creo que fue uno de “esos conciertos” que pasan inadvertidos. Los seguidores de la banda se sabían todas y cada una de las letras, siendo el único repertorio un sólo disco y algunas canciones incluidas en su primer EP, Chunk Of Change, lo cual podía facilitar la tarea al momento de estudiar para ir al ansiado evento. En fin, el concierto duró mucho menos de lo que yo me tardé en hacer llegar a mi editor esta reseña, creo que es un poco mi sentir al respecto. Pero sin querer caer en filos innecesarios, he de decir como siempre digo, si este tipo de bandas pueden lograr que lleguen a Monterrey algunas otras, bienvenidas sean. ~ for ~
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Parque de Béisbol Monterrey @ 28 de agosto
Hellow Fest
Por: Simón
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Cárdenas y Natt Szendro Fotos: Krlos Prieto
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Por tercer año consecutivo se llevó a cabo el Hellow Fest. Un festival que se está haciendo de nombre a nivel nacional e internacional. En esta ocasión hubo algunos elementos que volvían de ediciones anteriores, pero también hubo cosas nuevas que cambiaron la jugada.
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Las primeras dos ediciones del Hellow Fest se llevaron a cabo en la Huasteca, un escenario natural que ha sido sede de diversos conciertos, la verdad es que el lugar daba una vibra bastante singular al evento, sin embargo este año las cosas cambiaron y el Hellow se mudó de casa, y aunque en un principio se mencionó al Parque Fundidora como el lugar donde se llevaría a cabo, el recinto elegido al final fue el Parque de Béisbol Monterrey. Un espacio más pequeño en comparación a la Huasteca, pero más cerca, sin el polvo que empanizó a la concurrencia en la edición anterior y con un pasto bastante agradable.
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Otro punto importante a considerar para este año: el lineup. La primera edición del festival era un mosaico de bandas locales y nacionales -con la excepción de Los Amigos Invisibles. Fue una sorpresa ver a bandas conocidas en ese nuevo escenario. En el 2009 se volvió a repetir el mismo tipo de line up, el 90% de las bandas eran nacionales, algunas bastante populares como Kinky o Molotov, “clásicas” como Fobia y nuevas propuestas como Technicolor Fabrics y Bengala. Para este año la curaduría corrió a cargo de Zoé, quizá la banda mexicana más conocida en estos momentos, a muchos podrá gustarles o no gustarles su música, pero la verdad es
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que se han ganado su lugar en el panteón del rock nacional. Aparte de tocar de forma estelar serían los encargados de reclutar a las otras bandas que se presentarían ese día. Además de ellos el cartel incluyó a The Sounds, Devendra Banhart, Generationals, The Soft Pack, Crocodile, Felix Cartal, Dorian, Lemons, Rey Pila, She’s a Tease, Black Lips, Posso The DJ, The Glimmers y Adanowsky. La mayoría de las bandas de carácter internacional de comprobada calidad pero quizá no tan conocidas por la gente que no está clavada en la música indie.
En fotos: El House nunca se vio tan bien como conLa mitad de Posso The DJ. El Hellow Fest se convirtó en la mayor congregación de Ray Ban que se ha visto en la ciudad y Crocodile fue de los artistas en representarlos. Adanowsky sufrió de una cuerdad rota, al público no le importó.
bienvenida a aquellos que llegaron desde temprano para disfrutar de todas las bandas, aunque el público era poco la banda regia tocó con calidad y ánimos. Acabados los acordes de los uniformados, las guapas chicas de Posso The DJ ya estaban en el escenario moviendo sus manos para programar las secuencias house que la gente aún no se animaba a bailar, pues el sol seguía en todo su esplendor. El clima fue benevolente pues a pesar de que se sintió calor no se compara con el que ha hecho en otras ocasiones en la ciudad.
El día esperado llegó y nos dimos cita para presenciar en su nuevo espacio al Hellow Fest. Al igual que en las anteriores ediciones los horarios de las bandas se respetaron con extrema precisión, por lo que a las 3:30 en punto Los Lemmons ya estaban tocando en el escenario de Red Bull, el cual se encontraba justo en la entrada del Parque, dando la
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The Black Lips trajeron energía, prendidez y desmadre al Hellow Fest. The Glimmers pusieron una selección de música para bailar bastante ecléctica desde rolas como “Nada” de Zoé hasta “Killing in the name” original de Rage Against the Machine.
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Crocodile es la primer banda del main stage por lo cual es la primera en hacer que la gente se mueva a verlos, la verdad es que los escenarios no están tan separados uno de otro, por lo cual la movilidad es muy rápida. Su propuesta es bastante básica y efectiva, cuentan con dos chavas en sus filas lo cual llama la atención de los presentes. Con sus obligados lentes negros tocan a lo largo de media hora. Dato de trivia, platicando con ellos nos enteramos que el bajista tiene raíces regias y que ha pasado los últimos días en casa de sus parientes. She’s a Tease rapea, baila e invita a viejos amigos al escenario. Con cada banda que toca aumenta el número de gente que presencia los actos. The Generationals toca muy bien, pero la banda sigue sin prenderse, obviamente mueven los pies, algunos luchan por estar hasta adelante, pero no vemos grandes muestras de fanatismo. Antes de despedirse el vocal menciona que “hay muchas bandas buenas aquí el día de hoy, por eso nos da gusto estar aquí”. Como podemos ver el cartel del Hellow es bastante atractivo aunque la mayoría aún no lo veamos así. Rey Pila es el nuevo proyecto de Diego Solórzano, quien aprovechó su presentación para mostrar las canciones de su nuevo disco, recién salido al mercado. La mejor respuesta
del público es cuando interpreta “No Longer Fun”, sencillo que ya tiene semanas de estar girando en la radio y canales de videos. Varios estábamos esperando que desempolvara alguno que otro éxito de Los Dynamite, pero, como el coronel, nos quedamos esperando. Para mi sorpresa los de Dorian juntaron a un buen número de gente que se sabía sus canciones, su estilo es parecido a lo que hace, hasta cierto punto, Zoé. Habrá que ponerle atención a estos españoles para que ver qué más tienen para ofrecer. La hora de la presentación de Adanowsky coincidió con la hora en que el sol empezaba a caer, por lo cual un mayor número de gente empezaba a llegar al festival. El hijo del director de El Topo apareció ante los regios para tocar su material por primera vez, pues en su anterior visita había venido en su faceta de DJ. La gente responde al carisma del tipo y canta sus canciones y su material de estudio se oye diferente ya con el acompañamiento de una banda. Hay que moverse un poco antes de que termine porque la siguiente banda es The Soft Pack. Esta banda de San Diego, antes conocida como The Muslims, trae toda la intensidad en sus rolas, incluso el baterista toca sin estar sentado. Desgraciadamente el sonido falla y rolas tan prendidas como “C’mon” y “Answer To Yourself” no se escuchan como debieran.
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Zoé presentó su show en 3D, pero lo mejor fue su música. A The Soft Pack le falló el sonido en un par de ocasiones por lo que su presentación no se disfrutó al cien por ciento. The Sounds ofreció una de las mejores actuaciones en la historia del festival.
El punto de cambio en el Hellow fueron los Black Lips, quienes con su onda punketa-partydesmadre pusieron a la gente a bailar, tirar vasos, tirar cerveza, hacer slam y más. Tal vez muchos no conocían sus canciones, pero esto no fue impedimento para que la banda disfrutara de su actuación. Para este momento la oscuridad se había hecho presente y el calor ya no pegaba tanto, era el momento de ir a comer algo o de tirarse en el pasto. El único detalle es que el siguiente acto eran The Glimmers, quienes pusieron a bailar a la raza con diversos remixes. Es interesante comentar las diferentes reacciones de la gente ante la selección de música: muchos, sobre todo los jóvenes, gritaron y se emocionaron al oír versiones de The Killers y de Zoé, pero clásicos como Prodigy y Rage Against the Machine resultaron menos coreados. Generaciones van, generaciones vienen… Exactamente a las 9:30, y una vez más hay que mencionar la puntualidad en los actos, Maja Ivarsson y compañía tomaron el escenario. The Sounds era de las bandas más esperadas y su presentación en vivo no defraudó. “Tony The Beat” fue la rola que escogieron para iniciar su actuación, la verdad es que podremos haber leído de sus conciertos, haber visto videos en YouTube y demás, pero la experiencia de verlos en vivo es muy superior, Maja exuda sexualidad en cada paso de baile, así sea que esté brincando, moviendo sus brazos o gateando hacia sus compañeros, obviamente también llamó la atención su atuendo, pues era imposible no ver sus buenas piernas. Pero más allá de eso la música fue lo más impactante. “Painted by Numbers”, “Seven Days A Weeks” y “Beatbox” fue de lo más coreado, no solo de su actuación, sino de todo el evento. Con la promesa de volver pronto a la ciudad estos suecos dejaron el escenario dejando una de las mejores presentaciones que ha tenido el Hellow en sus diferentes ediciones. SEPTIEMBRE 10
Devendra Banhart fue el siguiente en tomar el escenario, y la verdad es que pegó un poco el cambio: de saltar y gritar con la adrenalina de The Sounds a la onda más folky y tranquila del ex greñudo. En su presentación hizo gala de improvisación, de un sonido más guitarrero que puso a bailar a muchos de los asistentes. Temas como “Baby”, “Carmensita” y “Lover” fueron coreadas por los presentes, a quienes les dijo adiós con “Just Like a Child”. Algunos aprovecharon esta presentación para recargar pilas, tomarse una limonada, o simple y sencillamente acostarse en el pasto para aguantar la fiesta. Otra vez el cambio de instrumentos y el acercamiento de la gente al escenario. Era el turno de Zoé, los estelares de la noche. La banda a que muchos aman y que muchos odian. Ah, pero también era el momento de ponerse los lentes 3D, el cual muchos no vieron por no tener las gafas adecuadas para este fin, más allá de los visuales la banda demostró la madurez musical que han alcanzado, desde las canciones lentas como “No Hay Dolor”, pasando por “Vía Láctea” en la que saben la reacción que causan sus versos o “No Me Destruyas” y temas amelcochados como la bien llamada “Miel” o “Corazón Atómico”. Qué tan importante es la banda que hasta se da el lujo de hacer encore en un festival. El público esperaba este acto y lo disfrutó desde el inicio hasta el final de “Love”. Para terminar la noche, Felix Cartal puso a bailar a aquellos que no se fueron y que tenían ganas de seguir la party. Con lo que se dio el punto final de otro Hellow Fest. La experiencia fue buena e interesante, las bandas cumplieron y el público asistió, lo demás depende de cada uno. ~ for ~
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disquera decidiera no lanzarlo hasta que lo creyeran conveniente. Por ejemplo a la compañía no le hubiera parecido que viniéramos a tocar aquí (al Hellow Fest) porque (ellos) no tienen presencia aquí. Y nosotros queremos ir a todo el mundo. ¿Qué bandas de latinoamericanas conocen? Es una pregunta que nos hacen muy seguido, la verdad es que sí oímos algunas pero no sabemos sus nombres. Hemos oído a Zoé, tocan bien. Más que nada nos gusta la música tipo “old school”. Ustedes hacen música “feliz”, pero las letras a veces son muy melancólicas o tristes, ¿a qué se debe eso? Creo que eso se debe a que somos personas esquizofrénicas. Nos gusta la música movida, ir a los clubs y andar de fiesta, nos gusta la música de fiesta y por otro lado no nos gustan las canciones tontas de amor, aunque a veces escribimos canciones tontas. Cuando escribes la letra de una canción es cuando puedes expresar una emoción. Y las emociones son más fuertes cuando estás molesto o triste. Y la verdad es que nos gusta esa contradicción.
The Sounds Ustedes acaban de formar su propio sello, ¿cómo es la experiencia de la independencia? Nosotros queríamos tener más control sobre las cosas que queríamos grabar, queríamos más libertad para hacer las cosas. No queríamos que la disquera nos dijera lo que podíamos o no hacer con el disco, cuándo y dónde venderlo o que lo grabáramos y la
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Tanto el nombre de su disco (Crossing The Rubicon) como el de la primera canción (“No One Sleeps When I´M Awake”) son frases celebres, ¿lo hicieron intencionalmente, tiene algún mensaje en especial? Eso depende completamente de ti. Uno nunca sabe. ~ for ~
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Adanowsky No es la primera vez que vienes a la ciudad, pero sí la primera que vienes a tocar con tu banda, no con un DJ set… Así es, el DJ set está bien para ganarme la vida, pero no como artista. La única satisfacción que tienes al ser DJ es escuchar las canciones que te gustan con alto volumen. A mí lo que me hace vibrar es escribir y tocar mis canciones. Sabina dice que México lo atormenta, ¿tú tienes alguna relación en especial con el país? Lo caótico me gusta. La violencia que hay en el país no me gusta pero me atrae, es un país en guerra constante, es trágico, es terrible lo que está pasando pero eso le da una fuerza increíble, es un país de revolucionarios, todos luchan. Ojalá y ya se arregle todo; pero de la pobreza, de lo caótico salen cosas fuertes, artísticas, movimientos… la gente quiere salir de ahí.
Eso que mencionas lo podemos ver en la lírica, pero en la música te vas por otros caminos, no tan actuales. ¿Crees que le va mejor ese tipo de música a estas letras? Yo lo que más escucho es música de los 40, 50, 60 y 70. Era una cosa más análoga, había más tiempo, se tenía más tiempo para hacer música. En esta ocasión yo me tomé un mes y medio para hacer el disco y tuve la ventaja de hacerlo en mi estudio, lo cual es una ventaja porque no hay presión de que te quiten el estudio. Y quise hacer un disco que se pudiera escuchar en la casa, sin violencia, la gente necesita música inspiradora. Ahora que mencionas esto de los discos para escucharse en la casa, ¿cómo funcionan esos discos en un festival como el Hellow Fest? Lo que hice fue que agregué un guitarrista más, doblé las guitarras y aceleré los ritmos, no lo cambié tanto pero lo arreglé de nuevo para que suene tipo “Come Together” de los Beatles, es lo que me gusta: que el disco y el escenario sean dos cosas diferentes, que la gente se sorprenda. ~ for ~
Ahora que mencionas las situaciones difíciles, tú cantas más que nada desde el dolor en muchas de tus canciones… Quizá por eso México me aceptó, porque como dices yo canto del dolor, pero yo me río del dolor, así como los mexicanos, que sufren pero se beben un tequila y se ríen del dolor. ¿Las situaciones difíciles y el dolor son el mejor lugar para escribir? El mejor lugar es donde te sientas bien, la mayoría de este disco lo escribí en Francia después de una ruptura amorosa; yo la quise mucho y estaba en estado de pureza: había dejado de beber, no fumaba, no me drogaba y quise plasmar ese estado de pureza y quise hablar del amor, no como siempre lo vemos si no de una forma profunda y honesta, lo que es difícil. Yo no escribí canciones de amor porque quisiera escribir canciones de amor, escribí canciones de amor porque estaba enamorado.
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Summer Slaughter Tour @Café Iguana 27 de agosto
Por: Luis
González Fotos: Fabrizio Serati
Llega a Monterrey el Summer Slaughter Tour -que si bien no vino con el full crew de bandas con las que estaba originalmente formado- entregando a la gente de Monterrey la oportunidad de ver a 4 muy buenas bandas hardcoreras del momento que nunca habían venido a México: Veil of Maya, As Blood Runs Black, The Faceless y Winds of Plague. SEPTIEMBRE 10
La primera fue Veil of Maya, de quienes, para ser sincero, esperaba mucho más. No soy muy fan de las bandas que sólo tienen un guitarrista, ya que fuera de poner toda la presión (así como darle todo el crédito) a éste, siento que se limita el potencial de la banda en conjunto. Algo que sí se sacaron de la manga fue el bajo de siete cuerdas que usaron; creo que en mi vida había visto uno en vivo, pero en shows de este tipo le da el toque “excesivo” que todos amamos. Fuera de la canción de “Unbreakable”, que es una canción excelente y de las más conocidas de esta banda, creo que fue una presentación decente, pero fácilmente opacada por las bandas subsecuentes. Posteriormente, vino As Blood
Runs Black, que para mí se llevó la noche. Después del disco Allegiance en el 2006, esta banda sufrió varios cambios en su alineación e inclusive estuvieron en busca de vocalista por bastante tiempo, por lo que si me interesaba ver si todavía tenían ese “algo” que los diferenciaban en su momento. Saltó al escenario la nueva banda teniendo como miembros originales solamente al bajista y el baterista, y otro guitarrista que sólo los acompaña en sus presentaciones en vivo, pero dieron un show como si hubiesen tocado juntos desde hace años. El vocalista, a simple vista, parecía inofensivo con su aproximado metro y medio de estatura, pero nos cacheteó con su capacidad pulmonar y sus habilidades vocales
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para llevarse el show con su ánimo y buena vibra. Más tarde el Café Iguana retumbó con la distintiva frase “Bring the motherfucking ruckus!” de la canción “In Dying Days” que tocaron a la perfección y que, sin duda, suena mejor en vivo. Otro dato interesante para la noche de los bajos extravagantes fue que este bajista se presentó con un bajo de 6 cuerdas y una forma muy peculiar de tocarlo, siendo en su mayoría puro tapping. Tocaron un par de canciones nuevas y terminaron con la clásica canción “My Fears Have Become Phobias” que todos disfrutamos en su totalidad. Al finalizar dieron un buen gesto al salir de backstage junto con los artículos promocionales para posar en fotos y platicar con sus seguidores, mientras The Faceless calentaban las extremidades para su presentación. The Faceless, que bandón. En lo personal me considero una persona más gustosa de escuchar hardcore y metalcore con breaks marcados, pero
The Faceless es excelente. Tocan con una limpieza inigualable, los arreglos de guitarra son excelentes, la batería, simplemente exquisita y acertada y el vocalista, aunque no use mucho rango de gritos, tiene una presencia impresionante en el escenario. Me gustó mucho que hayan implementado voces limpias en algunas de sus canciones; así muestran la versatilidad en su género y atentan contra lo “pesado” que exige el género, para dar todavía más impacto y armonizar todos los cambios arrítmicos que usan. Es de las bandas más respetadas en este género, mismo que se han ganado a pulso y creo que todavía están para muchas cosas más. Pero todavía faltaba más y, obviamente, nadie se movió de sus lugares. Se presentó Winds of Plague como última banda pero, a como lo percibí entre la gente, era la más aclamada. WOP, formada por 5 hombres y 1 mujer tecladista, era la banda que
menos había escuchado pero que más me sorprendió al plantarse en el escenario y en cuestión de 2 canciones tenían a la gente vuelta loca. No puedo negar cierta similitud que les encuentro con Bleeding Through, por los oscuros riffs de metal con fondos de teclado, pero debo admitir que también se manejan excelentes breakdowns como es el caso de la canción “The Impaler”. El vocalista, por su parte, fue el único de los 4 que se presentaron que se bajó con la gente a cantar y eso me pareció muy buen gesto. En general muy buena presentación. Fue una noche para el recuerdo y, en verdad, me da mucho gusto que los productores sigan con la mentalidad y hagan el esfuerzo de traer bandas de este calibre. Esperemos sigan ese paso, y por mi parte, todavía espero con ansias el día en que lleguemos a ver a Suicide Silence o regrese Dillinger Escape Plan. ~ for ~
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FOTOS Y TEXTO: MAU MACÍAS
A cualquiera le hubiera costado trabajo imaginarse que al menos por una noche reviviera la escena del Punk Rock en Monterrey, pero The Ataris lo hizo posible.
Acordes discretos, batería rápida y melodías sencillas son suficientes para que lleguen cientos de personas al Escénica, si por un momento observas a la multitud pareciera que todos se conocen.
Cruzar la frontera de Estados Unidos a México quizás nunca fue tan difícil para una banda como lo fue para The Ataris, dos veces se quedaron en Texas mientras de cientos los esperábamos a aquellos shows a los que nunca pudieron llegar, pero valía la pena volver a intentar.
Ahora las canciones que todos escuchaban en sus discman en el camión rumbo a la prepa suenan en vivo en Monterrey, muchas veces pensé que a casi nadie le gustaba este tipo de grupos, parece que había en la ciudad cientos de personas como yo.
Cuando anunciaron (otra vez) que The Ataris vendría a Monterrey reinó la confusión, el “¿se cancelará como las veces pasadas?”, pero nadie quiso tomar riesgos y ante la venta de boletos a precio amigo que íban desde $50 a $100, toda la escena Punk Rock se armó de valor para sacarse la espina de ver al grupo en vivo.
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Se te puede olvidar que tan incómodos son los tenis Converse pero nunca canciones como “Your Boyfriend Sucks”, así que sales del Punk Rock Show con cierta satisfacción sólo deseando encontrar más viernes como éste. ~ for ~
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The importance of being Indie por: natt szendro
Sumergidos en la primera década del siglo XXI y a punto de empezar la segunda, una serie de movimientos culturales y de tradiciones, llegan hasta nuestra cotidianidad como forma de vida. Uno de estos movimientos culturales es el independiente, y éste ha permitido que, en conjunto con la globalización de los medios de comunicación, el terror a las grandes trasnacionales y el corporativismo, se convierta en el pan nuestro de cada día.
Musicalmente hablando: Indie? Alrededor de 1920, con el boom de los grupos del “mercado negro” de jazz y blues, se crearon pequeñas disqueras en dónde se le pudiera dar la difusión necesaria a este material, misma que las grandes compañías disqueras (Virgin y Columbia) no hacían por la cuestión racial en Estados Unidos. Eventualmente estas pequeñas empresas fueron absorbidas por las trasnacionales antes mencionadas; siendo éste el primer hallazgo de movimiento independiente. Años después se tuvo registro del primer grupo “rock” encargado
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de la distribución de su propio material, The Velvet Undreground en los años sesenta con su álbum debut homónimo. En los setenta el movimiento punk dio entrada a una pequeña ramificación del “ser independiente” con el “DIY” o “Do It Yourself – Hágalo usted mismo”, que a grandes rasgos encierra la creación y manufactura de todo tipo de cosas, desde ropa hasta revistas; y por supuesto la música (incluidos los discos y artículos promocionales), en dónde los artistas son los encargados de conseguir sus presentaciones, agendarlas y crearse oportunidades. Hacia los ochenta grupos de la escena del new wave y post punk apostaron por lanzar sus discos al estrellato por medio de disqueras pequeñas, y eventualmente optando por mejores contratos en disqueras más grandes. Siendo como ejemplo The Smiths, Happy Mondays, Sonic Youth y The Jesus and Mary Chain, entre otros. A la llegada de los noventa el movimiento grunge provocó que mucha más gente optara por sacar su material de manera autónoma, y de esa manera darse a conocer, siguiendo las mismas bases de su ideología, que iba en contra de lo que las grandes compañías disqueras esperaban de los grupos que enfilaba. Todo esto también para que el control del material y
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que el grupo/banda/artista/whtvr tuviera los derechos de sus producciones y el manejo de su promoción. A principios del siglo XXI, y como se mencionó anteriormente, con la globalización de los medios de comunicación, llámese a ésta principalmente: Internet, evocó a una nueva manera de exposición de los distintos grupos, sin discriminar en género. Espacios como myspace.com ayudaron al artista a sacar a la luz material que de otra manera no se podría conseguir, así como facilitar el salto a la “fama” de personas comunes y corrientes que optaron por subir sus grabaciones caseras a la web y de esa manera captar la atención para que la gente los conociera, sin tener que ser una banda del mainstream. Ya encarrilados a mitad de la década el ser independiente se convirtió en “indie” y el sonido de las bandas se empezó a homogeneizar, convirtiendo el indie ya no sólo en un modus operandi, si no en un estilo musical y un género. Eso dio paso a que no sólo existiera el indie tal cual, también de él surgieron ramificaciones como el “indie folk”, “indie pop”, “indie rock” entre otros, que no es más que la necesidad del público de encasillar lo que está escuchando a pesar que dentro de los mismos grupos las variantes tengan brechas grandes y no compartan los mismos elementos.
Y luego? Bueno ¿y luego?, seguimos en lo mismo. El indie se conoce como el género de las bandas que ahora no necesariamente hacen su promoción o su manufactura por su cuenta, pero sí se pueden alinear a una disquera “independiente” que se encarga de eso, tal cual hace una disquera grande. Y eso al menos a mí hace que me pregunte, ¿a caso ya se perdió toda la ideología del “ser autónomo”? ¿O ya se desvirtuó el término y podemos optar a llamarnos una banda indie sin que lo seamos porque eso está de moda?
existiendo, y no ha dejado de abogar por los diferentes sonidos que existen en nuestro globo, que no sólo encontramos el rock dentro de lo independiente, si no que también existen grupos de Hip-Hop, Blues, Jazz, Rap, inclusive de Pop que han optado por esta manera de distribución ya que requiere de mucha menos exposición al principio y mucho menos dinero para hacerlo. No se requieren de grandes estudios de grabación, grandes productores, giras mundiales, distribución de los álbumes en las grandes tiendas de discos, etcétera.
Ser independiente, independientemente de la musica Y después de las hipótesis que ahondan en el movimiento en cuanto a la música, podemos retomar de nueva cuenta el tema del ser independiente como una forma de vida. En la actualidad, debido a la crisis económica que ha pegado en el bolsillo de todos los que, me atrevo a decir, estamos o están leyendo este artículo justo en este momento, han provocado que los medios para la búsqueda de nuevas oportunidades dentro del campo laboral hayan cambiado; es decir, los medios para buscar trabajo se han modificado de tal manera que uno puede optar por un trabajo por cuenta propia, ser quien decide en cuánto se valuará el trabajo, siempre y cuando sean tareas muy específicas. Y si después de haber sido contratado viene a la mente el término freelance, es porque en eso te has convertido: el ente que se encarga de decidir para quién o para qué trabajas. Y no sé si estén de acuerdo conmigo, pero eso no dista mucho de ser indie o ser una persona que hace todo por sí misma. De alguna manera la música tenía que influenciar directamente la manera en la que vivimos ¿no? ~ for ~
Cabe recalcar que el movimiento independiente tal cual sigue
AGOSTO 1O
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-31Por: José
Pablo Acevedo
El Festival Internacional De Cine (FIC) se presentó por sexta ocasión en Monterrey del 20 al 29 de agosto, siendo su principal sede, la Cineteca Monterrey y Cinépolis, que por primera vez abrió sus puertas al festival, en sus establecimientos en Garza Sada y Galerías donde se proyectaron la mayor parte de las películas en competencia. El Festival comenzó el viernes 20 a las 4 con la proyección de algunas películas en diferentes sedes, sin embargo no fue hasta después de las 10 de la noche cuando se dio la inauguración, evento que estaba programado para las 8 p.m. pero que por falta de organización por parte del Festival se aplazó por más de dos horas. Y como bienvenida se proyectó la nueva comedia romántica de Eugenio Derbez, No Eres Tú, Soy Yo. Uno de los platos fuertes para este Festival fue la inclusión de la Novena Semana de Cine Alemán que estuvo proyectándose la mayor parte de los días del festival en la Cineteca. La respuesta por parte del público fue buena en todas las funciones pero cabe resaltar que la película El Listón Blanco del austríaco Michael Haneke, fue la más vista por la gente ya que el público abarrotó las dos funciones por completo. Las películas en competencia estuvieron divididas en internacionales, mexicanas y regiomontanas, las
internacionales y mexicanas estaban conformadas por largometrajes de documental y ficción y cortometrajes de documental, ficción y animación. De los diez largometrajes mexicanos podemos resaltar los documentales Un Día Menos y En Los Pasos De Abraham, mientras que en ficción sobresalieron Martín Al Amanecer y La Mitad Del Mundo, siendo ésta última la merecedora al premio por parte del jurado de la audiencia como mejor largometraje mexicano. Para la clausura del FIC, la ceremonia, se dio en el Centro de las Artes ubicado en Fundidora. Y aunque hubo un pequeño incidente por parte de uno de los jurados al tratar de ser traductor del director Jens Junker, y en lugar de traducir repitió lo mismo en inglés, la ceremonia cerró bien con la de entrega de los premios correspondientes al jurado de la audiencia y al jurado internacional, la presentación de la imagen para el próximo festival y el estreno de un documental regio, 12 Onzas. Al final, el sexto FIC de Monterrey dejó un buen sabor de boca entre los asistentes ya que contó con muy buen material cinematográfico, presencia de directores tanto nacionales como internacionales, un encuentro de escritores, conferencias y el día de la industria cinematográfica. ~ for ~
Festival Internacional de Cine de Monterrey
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Flamingo Brandon Flowers Por: Daniel
Siguiendo con la epidemia de vocalistas que hacen discos solistas mientras su grupo está en descanso (Julian Casablancas, Paul Banks), Brandon Flowers nos trae Flamingo, su apuesta solista hecha de material destinado para el cuarto disco de The Killers, donde el cantante busca hacer una oda a su ciudad natal adoptando el sonido habitual de su banda mezclado con folk y country -parecido a lo que se pudo escuchar en Sam’s Town- un esfuerzo de salir de su zona de confort sin temer las represalias de su fanbase. Con productores de la talla de Stuart Price (Innerpartysystem, The Killers), Daniel Lanois (U2) y Brendan O’ Brien (Pearl Jam) era de esperarse que el disco resultara ser una mezcla digna de escuchar, pero desafortunadamente éste no es el caso, al menos en su mayoría. “Crossfire”, primer sencillo que sale de la placa es a mi parecer la mejor canción del disco y la que reúne lo mejor del estilo viejo y la nueva propuesta del cantante sin dejar fuera a los fans de siempre. “Hard Enough”, “Jilted Lovers & Broken Hearts” y “Only the Young” serían los otros tracks que destacan y que representan lo mejor del experimento, donde se le oye más
Pizarro
cómodo y no tan forzado, algo que pasa con “The Clock Was Tickin’”, que a pesar de no ser mala, no deja de sonar como un intento del vocalista de imitar la forma de cantar de los grandes del country. Es preciso decir que el disco tiene su caída en la segunda mitad, al tornarse muy lento y con pocos destellos, no es malo, simplemente decepciona un poco conociendo el historial y el calibre de las personas involucradas. Siendo fan de The Killers, tenía grandes esperanzas para este disco, mismas que lamentablemente no logra sobrevivir, ya que el resultado se siente como una mezcla a la que le faltó cuajar; claro, tiene grandes temas como “Crossfire” y los ya mencionados, pero con la calidad de los proyectos solistas que mencionaba al principio, se podría decir que a Flowers le faltó tal vez un poco de visión para alcanzar a justificar su proyecto en solitario; por lo que no me queda más que esperar que regrese pronto a The Killers, donde verdaderamente demuestra el gran talento que posee.
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The Drums The Drums Por: Daniel
Dentro de toda la ola de música indie, dream pop, cultura hipster y demás cosas que han llegado a la escena musical en los últimos meses, The Drums fue una de las grandes promesas que escuché el año pasado -en el EP, Summertime!- por lo que cuando anunciaron que editarían su primer LP en 2010 la expectativa que traía por el grupo se fue al techo. Como era de esperarse, su LP homónimo sobrevive al hype que tenía encima y se convierte en una muestra clara de que es posible tener letras tristes con melodía tan feliz y pegajosa como la de un comercial de helados. Desde que “Best Friend” abre el disco -con una letra que habla de cómo se extraña a un amigo que ya no está- empiezas a darte cuenta que The Drums maneja una calidad desmedida en el cuidado de la melodía y los coros pegajosos, cuestión que se repite en todos los cortes del disco, donde dichas melodías llenas de guitarras y sintetizadores -que se podrían definir como “felices” hasta cierto punto- conviven tanto con letras optimistas e ingenuas como con aquellas que hablan de corazones rotos y despedidas sin que llegue en ningún momento a desconcertar por la SEPTIEMBRE 10
Pizarro
rareza de la unión, además de incorporar algunos aspectos surf en algunas canciones (sobretodo en “Let’s Go Surfing”) y algunos coqueteos con el shoegaze a momentos. “Me and the Moon”, “Forever and Ever Amen” y “I’ll Never Drop my Sword” son los tracks que recomendaría si se busca un preview del sonido de la banda, aunque la totalidad del disco es excelente y no cuenta con algún track que decepcione o suene fuera de lugar, eso sí, hubiera sido grandioso si “Submarine” -track del EP- hubiera terminado en la selección final de temas y se le hubiera hecho arreglos y cambios parecidos a los que sí terminaron en el LP. Ya sea si buscas conocer lo más nuevo en el sonido indie o bien buscas un sonido fresco, The Drums son la banda que debes escuchar para saber cuál será el sonido que las bandas hipster wannabe copiarán el año entrante (como le pasó a Vampire Weekend). Excelente.
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Happiness Hurts Por: Natt
Mi mamá me dijo que dejara de escuchar a Hurts, por lo que yo le contesté que no podía porque me era realmente adictivo. Así empezaré la reseña de este disco, ya que me ha sido muy difícil dejarlo. No los invitaré a darle una oportunidad por lo bueno que es, probablemente esta sea una incitación al morbo que me causa que alguien más sea testigo de Happiness. Sabiendo que provocar morbo en la gente es probablemente una de las armas más poderosas que existen en nuestros días; si no pregúntense que es lo que van a hacer al acabar de leer esta reseña. Happiness es el álbum debut del dúo inglés de pop sintetizado, Hurts. Los elementos más intrigantes, de la banda conformada por Theo Hutchcraft y Adam Anderson, o al menos lo que resalta a la vista es el uso de una construcción lírica muy parecida a la que estamos acostumbrados de las boy bands de los noventa, pero hay un catch, y es que la estética tanto de la melodía como la imagen que podemos ver en ellos tiene mucho que ver con el new wave ochentero que New Order o inclusive puedo compararlos, hablando de imagen, con Locomía. Si,
Szendro
yo también me río pero, basta ver la foto de la portada. En cuanto a las canciones muchas han hecho que me den ganas de bailar, otras me han hecho llorar, otras me recuerdan mis amores de secundaria y también he odiado algunas otras. Es evidente que tienen un equipo de producción impresionante, incluyendo coros de gospel, así como ingenieros. Además las bases de las canciones tienen un sonido muy cálido, muy compacto. Creo que lo único que podrían llegar a odiar es la voz chillona, tipo boy band que tiene Theo. Denle una oportunidad, sobre todo a “Silver Living”, “Sunday”, “Better than Love” y a la colaboración que tienen con la artista australiana Kylie Minogue en la canción “Devotion”. Se los recomiendo mucho, y sí ustedes llegaran a tener una adicción parecida a la mía, tal vez podríamos hacer un grupo de adictos en recuperación en lo que llegase algún disco que se convierta en la próxima obsesión. SEPTIEMBRE 10
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Illumination Miami Horror Por: Natt
La tasa de exportación australiana en el género electrónico, sobre todo esta racha de sonidos bailables, pegajosos, mezclados con el pop y destacando la actitud independiente, se ha incrementado de manera impresionante en los últimos dos años. Originarios de Melbourne, Australia, el cuarteto liderado por el productor Benjamin Plant traen hasta nuestros oídos Illumination, el cual ha sido probablemente uno de los descubrimientos más sonados dentro del hype electrónico mundial. En él se contienen doce tracks que te llevan por un paseo de colores y matices musicales. Es imposible no mover el pie o la cabeza al escuchar “I Look To You”, “Holidays” y “Ultraviolet”, en estas últimas dos hay una colaboración muy especial con Alan Palomo, líder y vocalista de Neon Indian; este último dato fue el primer gancho que permitió acercarme a escuchar a Miami Horror. Dentro del disco hay muchos grandes temas como “Moon Theory”, “Echoplex” y la canción que ha hecho mis días un poquito más felices, “Imagination”. SEPTIEMBRE 10
Szendro
Recomiendo mucho el disco y espero les guste tanto como a mí, y si no me extiendo mucho más es porque tengo una adicción con Happiness de Hurts. C’est la vie.
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Special Moves Mogwai Por: Daniel
Para entender la importancia de Special Moves hay que tomar en cuenta el contexto en el que se encuentra el género post-rockero. A principios de la década pasada tuvimos bandas como Sigur Rós, Godspeed You! Black Emperor o Explosions in the Sky, que se ocuparon de poner el post-rock en el mapa como género musical. Desgraciadamente, el post-rock tiene barreras muy difíciles de romper. Es un género denso y requiere un análisis diferente a otra música. Esto ha imposibilitado que el ritmo pase de ser “indie” y “alternativo” a ser un producto de consumo para las masas. Por eso a pesar de que haya una gran oferta, la demanda ha disminuido al grado que se considera un género en extinción, porque a menos que estés dentro del grupo de fans del post-rock, no te vas a interesar por conocer más de diez bandas que toquen así. Hay algo de ironía que hay en el penúltimo disco de Mogwai sea el score del documental Zidane: A 21St Century Portrait. Lo loco aquí es que hablamos de un ícono de la cultura alternativa trabajando a la par con un producto pop, es decir, hecho para el consumo en masa. Esto funciona
Guzmán
como una estrategia para sacar al post-rock de las barreras que delimitan su “expansión” y que lo están extinguiendo. Aquellos que no son fans del post-rock la clasifican como una música de lectura o de fondo por ser instrumental. Special Moves es una estrategia que busca capturar la experiencia del post-rock en vivo para cambiar este prejuicio. Mogwai nunca había sonado tan ruidoso, tan vivo y tan presente. Lo chido del disco es que es una recopilación de los mejores éxitos interpretados más recio y fuerte que nunca. El ruido en rolas como “Mogwai Fear Satan” o “Like Herod” llega a niveles de distorsión no explorados por la banda antes. Y en rolas como “2 Rights Make 1 Wrong” exploran su perfil más ambiental de una manera igual de viva y sonora. Mogwai sólo está evolucionando junto con el mundo de la música, y estrategias como las que menciono aseguran la supervivencia dentro de un género que cada vez se demanda menos, y es por eso que sabemos que aunque el post-rock desaparezca, grupos como Mogwai van a ingeniárselas para quedarse. SEPTIEMBRE 10
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Training myself not to care
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Hay discos debuts que parecen compilados de éxitos, que más allá de los sencillos para la radio son una cadena de canciones memorables, pensemos por ejemplo en el Hot Fuss de The Killers, This Is It de los Strokes y, por supuesto, Turn On The Bright Lights de Interpol. Las raíces del revival rock de principios de la década se empezaron a gestar años antes, en los pequeños bares de Nueva York donde bandas como los Yeah Yeah Yeahs rockeaban cada semana. Estas bandas tenían influencias del sonido inglés de los 80 así como del grunge y alternativo de los 90, eran la respuesta a las modas que MTV transmitía, estilos de música que empezaron siendo originales y terminaron siendo clichés.
Interpol
Entre estas bandas se encontraba Interpol, que tuvo su origen en la Universidad de Nueva York donde Daniel Kessler conoció a Carlos D y a Paul Banks, después de algunos cambios de alineación la batería quedó en manos de Sam Fogarino, quien ya tenía algo de experiencia en la escena musical. Las canciones que la banda manufacturaba eran una mezcla de sonidos suaves, guitarras que acariciaban el oído, cual The Smiths pero con unas letras crípticas que encerraban significados ocultos y una voz grave, oscura, que irremediablemente remitía a Ian Curtis. Por un lado se escuchaban suaves melodías como “Untitled” o “NYC”, pero también demostraban una energía contundente, riffs poderosos y rockeros se escuchaban en “PDA” y “Obstacle 1”. Su vestimenta de traje oscuro y cero sonrisas también se convirtieron en parte de su imagen. En esos años la banda se enfrentó a constantes comparaciones con Joy Division, sobre todo por la forma de cantar de Paul Banks, molestias aparte la banda se dedicó a hacer lo suyo: tocar en todos lados; hasta Robert Smith les vio tanto potencial que los invitó al Festival Curiosa. Antics fue su segundo disco. Canciones como “Evil”, “Slow Hands” y “C´Mere” se convir-
tieron en clásicos que provocan entonarlas en cualquier ocasión y lugar, además de esto lograron llevar a estatus de culto cortes como “Narc”, “Not Even Jail” o “Song Seven”. Y el mundo los conoció. Sus videos aparecían en MTV y se convirtieron en “la banda que debes escuchar”. Esto los llevó a dejar Matador, el sello que había sido su hogar durante los primeros discos. Escogieron Capitol, lo que les permitió tener más posibilidades para grabar su material y llegar a más lugares. Our Love To Admire fue su tercer disco. Los sencillos están presentes en “The Heinrich Manuever”, “Mammoth” y “No I in Threesome”, el disco generó reacciones diversas. Los fans incondicionales encontraron en el disco nuevas razones para seguir defendiendo a la banda, otras personas empezaron a comentar que la banda se había estancado. Que el sonido no avanzaba. No fue el éxito comercial ni de crítica. El último disco de Interpol parecía seguir su marcha normalmente, sin embargo hace unos meses se anunció que Carlos D, el bajista-filosofo-actor, dejaba a la banda. Al parecer los conflictos con la banda se remontaban a la gira de Our Love To Admire. Interpol se convirtió en trío y terminó su disco. Volvieron a llegar a las noticias cuando se anunció que dejaban Capitol Records para regresar a Matador. Al parecer la banda encontró demasiada presión en “convertirse en el próximo U2” y decidieron concentrarse en simplemente ser Interpol. Su nuevo disco suena a ellos, los sencillos ya se escuchan y reafirman su estilo: “Lights” se mueve en un ritmo lento, sensible; mientras que “Barricade” reparte riffs de inicio a fin. Además encontramos el sonido de las guitarras de Kessler y las cínicas letras de Banks. Sí, algunos dirán que no han cambiado ya, que se siguen repitiendo a ellos mismos. Quizá ya no pueden sorprendernos. Algo difícil cuando tus primeros discos son colecciones de éxitos. ~ for ~
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Families are like fudge: mostly POR: TAMARA GÓNGORA
¿Quién no se ha quejado de su familia? En algún momento, todos llegamos a pensar que nuestra familia es la más excéntrica, la más embarazosa y algunas veces hasta la peor de todas. Pues para quitarnos esa idea de la cabeza llega Modern Family, que cambia completamente la perspectiva que tengas porque… ¡sí, podría ser peor! La serie -que tuvo su estreno el año pasado en Estados Unidosacaba de comenzar sus transmisiones en México por FOX hace un par de semanas. Los directores de esta serie son Christopher Lloyd y Steven Levitan, siendo el primero una cara más familiar por haber interpretado al Doc Brown en la trilogía Back To The SEPTIEMBRE 10
Future. Levitan, por otro lado, ha sido director de varias comedias de televisión y ganó un Emmy en 1996 por la famosa serie Frasier. Modern Family nos muestra la vida de una gran familia compuesta a su vez por tres familias independientes. Primeramente, tenemos a la familia de Jay Pritchett (Ed O’Neill), quien está casado con una atractiva colombiana mucho más joven que él: Gloria (Sofia Vergara); ella tiene un hijo pre-adolescente, producto de una relación anterior. Jay tiene dos hijos, cada uno con su familia respectiva: por un lado, Claire (Julie Bowen), casada con Phil Dunphy (Ty Burrell) con quien tiene tres hijos; por el otro, ladp Mitchell (Jesse Tyler Ferguson), y su novio Cameron Tucker (Eric
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sweet, with a few nuts. Stonestreet), que comparten la adopción de una bebé vietnamita. Cada familia tiene sus propios problemas, lo que ocasiona grandes líos en las reuniones familiares: desde Jay aceptando la homosexualidad de su hijo y Claire tratando de entender el matrimonio de su padre, hasta ver a Gloria al borde de un colapso por un simple partido de fútbol. Este ensamble de actores y situaciones crea una comedia perfecta filmada a modo de documental, incluyendo comentarios de los personajes, las experiencias que han tenido y sus puntos de vista respecto a las situaciones que los rodean.
El programa fue un gran éxito en la televisión estadounidense, que en la pasada entrega de los premios Emmy obtuvo los galardones de Mejor Comedia, Mejor Actor Secundario (Eric Stonestreet) y Mejor Guión de Comedia. Algunos pensarán que esto no es razón suficiente para verla, pero vale la pena darle una oportunidad, ya que no es la clase de serie que aparece todos los días, está filmada en un formato original y logra retratar las situaciones de la vida cotidiana de una manera realista sin quitarle el toque cómico. Olvídate de los problemas y enfócate en la diversión, todos los martes a las 22:00 por FOX. ~ for ~
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Foufounes électriques Ubicado en la Rue St Catherines, en la parte central de Montreal Quebec, “Foufs” es el lugar donde legendarias bandas como Nirvana, Green Day, Smashing Pumpkins, Misfits, L7, Social Distortion y muchas más, se presentaron antes de convertirse en estandartes generacionales. Texto y Fotos: Lily
Cruz
Con respecto al nombre foufounes électriques (traseros eléctricos) sus fundadores comentan: “mujeres y hombres, todos tenemos trasero; eléctrico se escucha divertido y bailable”. En 1983 un grupo de amigos se propusieron crear un bar que a su vez fuera un centro cultural que impulsara diversas formas de arte como sus renovadas sesiones de “peinture en direct” en las cuales invitaban a artistas internacionales y locales a pintar sobre cualquier tipo de lienzo, desde papel y muros, hasta sobre personas, haciendo de esta experiencia todo un happening. Además se organizaban festivales de video, el DIY (hazlo tu mismo) fashion show, culminando con presentaciones de bandas tocando en vivo. A finales de los ochenta, con nuevo staff y nuevo escenario se renovó Foufounes, y ya iniciando los noventa se empezaron a organizar más shows, algunos de sus carteles incluían a bandas de la talla de Mudhoney, Nirvana y the Melvins ¡en el mismo mes! Incluso, se podía disfrutar de 31 shows en 31 días, pero tras un periodo de muchas renovaciones y pocos ingresos Foufs se vió en la necesidad de cerrar sus puertas. Para fortuna de todos esto sólo suceSEPTIEMBRE 10
dió por un periodo de seis meses, desde entonces y hasta ahora Foufs es un lugar de fundamental relevancia para la escena underground. Actualmente el lugar es enorme y considera absolutamente todo, incluso espacios abiertos para fumadores, en éstos se cuenta con calentadores, lo cual es muy útil durante el típico y muy frío invierno canadiense. Durante el verano la terraza está abierta para quienes prefieran estar en una área sin tanto ruido. En la planta baja de Foufs se encuentra el bar donde se exhiben muestras fotográficas y se escucha principalmente punk, hardcore y metal, también cuenta con guardarropa y al fondo hay mesas de billar. La planta alta es un espacio diseñado con escenario y pista, lo que lo convierte los fines de semana en El club. Para algunos podría sonar ya con intereses tipo empresa, pero sus precios no son altos para lo que ofrecen… en realidad Foufs es mucho más que un bar donde podrás beber sin preocuparte por la cuenta y lo más importante, con música fuerte, agresiva y un ambiente ecléctico y agradable. ~ for ~
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MI DECLARACIÓN DE INDEPENDENCIA POR: MAU MACÍAS
En cierta forma me sorprendió la apatía que en general tuvo la gente por los festejos del bicentenario de la Independencia de México y el centenario de la Revolución, pero si me pongo a pensar no tuvo que haberme sorprendido en realidad, el pueblo mexicano está cansado de la administración que lleva el gobierno de este país, eso ha alejado en cierta forma el patriotismo que años antes podíamos presumir tener. Mi opinión de México es muy extensa, nací y crecí en Monterrey, Nuevo León, afortunadamente me tocó vivir una época de prosperidad en el estado que sería tambaleada justo en la época en que comencé a entender cómo operaba un país, lo más difícil de ser mexicano es quizás dividir la realidad de México con lo que es México.
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Me refiero a que México es un tesoro hermoso al que todos nos gusta apreciar, visitar y conocer, desafortunadamente quien cuida ese tesoro le saca sus monedas de oro a escondidas y hasta a la vista de todos, enriqueciéndose mientras los dueños de ese tesoro vemos como lo manchan, lo devalúan y lo reparten entre sus interesados. Yo no creo en más del 60% de la historia de este país, me niego a celebrar batallas que en realidad nunca se documentaron, personajes heroicos que superan cualquier guión de la ciencia ficción, no festejaré nunca junto al hombro de mi agresor, de hecho siempre estaré en su contra, mantendré mi postura de la diferencia entre la realidad de México y lo que es México. ¿Personajes para colgar en banderas? Me cuesta trabajo dar una opinión de una historia que dictan, mienten y desmienten, ¿Será posible admirar de la misma manera a Porfirio Díaz que a Emiliano Zapata? En lo “teórico idealista”, no ¿Pero cuál fue la verdad de los hechos? Quizás nunca se sabrá y sólo vale imaginárselo. Le voy más al personaje cotidiano e ideal de este país, admiro a Diego Rivera por documentar la esencia de los mexicanos, al taxista que cuelga una bandera de México en su ventana, a Chespirito por retratar a nuestra sociedad, a mis abuelos por enseñarme el valor de la familia, a Lila Downs y todo lo que representa, a los creadores de la lucha libre, de la cumbia y del mariachi, a todos esos nombres que han coloreado cada rincón de la República.
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El 15 de septiembre del año 2010 no celebré México por unirme a una masa “del pueblo”, ni a un juego social, yo festejo a México siempre que puedo, cada día, en cada viaje, yo festejo la inmensa cultura de Oaxaca, los ricos desiertos de Coahuila, las hermosas montañas de Nuevo León, la preservación de Yucatán, lo auténtico de Jalisco, lo paradisíaco de Quintana Roo, los bosques del Estado de México, la tranquilidad de Querétaro, la diversidad de Veracruz, la riqueza del Distrito Federal, lo cautivante de Morelos, lo tradicional de Puebla, los paseos por Hidalgo, la belleza de Guanajuato, eso es lo que yo celebro de México. Y siendo así, todos los días, ¡Viva México!
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Exit Music (For A Film)
Wrong, dickhead… Lemmy IS God. Por: Simón Cárdenas
The Lone Rangers son una banda más. Tocan en diversos clubs sin mucha suerte, escriben sus canciones e intentan ser firmados por una disquera, sin embargo esto no es fácil, sobre todo cuando cada vez que lo intentan son echados. Así que deciden que es momento de actuar y entran a una estación de radio para pedir que coloquen su demo al aire, pero las cosas dan un giro inesperado cuando sacan sus pistolas (de plástico y llenas de salsa picante) y se dan cuenta que han secuestrado la estación.
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Airheads es una de esas películas que pasan sin pena ni gloria, que no fueron un éxito comercial o con la crítica, pero que con el paso del tiempo se hace de una legión de seguidores que la hace de culto. Parte de esto se debe quizás al elenco, pues reúne a varios actores que en el momento de hacer la película eran hasta cierto punto “desconocidos” pero con el paso del tiempo se volvieron mucho más populares. Para empezar la banda de The Lone Rangers está formada por Brendan Fraser en su primer papel después de Con Honores; Steve Buscemi, quien ya había aparecido en cintas como Reservoir Dogs y Pulp Fiction, pero que aún no era conocido en un nivel más comercial; y por último, Adam Sandler, que era de los cómicos más prometedores de Saturday Night Live. Además de eso en la película podemos ver a diversos rockeros que hacen pequeños cameos: White Zombie aparece tocando en el Whisky a Go Go, podemos escu-
char a los entonces ultrapopulares de Beavis y Butthead, así como a Lemmy de Motorhead como un editor de periódico escolar entrado en años. En el soundtrack podemos escuchar a bandas como la ya mencionada White Zombie, Motörhead, Primus, Ántrax y The Ramones, además de bandas que ya nadie recuerda como 4 Non Blondes. La rola que The Lone Rangers interpreta (“Degenerated”) y que es un cover de Reagan Youth también se encuentra en la banda sonora. La película tiene todos los elementos de las comedias noventeras: está llena de clichés y situaciones bobas. Si la ven no duden en adquirirla pues es todo un reflejo de lo que ya no es, tanto en la forma de hacer cine, como en el tipo de música que se escucha, por no hablar de la forma en que las nuevas bandas se dan a conocer. ~ for ~
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A virus Silverscreen
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Resident Evil es una franquicia de videojuegos bastante exitosa. A este juego se le debe la popularidad del género de “Survival Horror” además de ser la referencia respecto a zombies para toda una generación. En estos tiempos de crossovers llega la cuarta entrega de esta -ahora- serie fílmica.
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Las primeras películas de Resident Evil demostraron ser entretenimiento puro, la excusa ideal para ver a Milla Jovovich en vestidos entallados pateándo zombies mientras éstos devoraban carne y mutaban en extrañas criaturas. La película consiguió atraer a las salas de cine no sólo a los fanáticos del videojuego sino también a aquellas personas que no eran jugadores. Debido al éxito se hicieron una segunda y tercera parte, en la cual se seguían agregando tanto a personajes como situaciones extraídas de los videojuegos. Por ejemplo, en la segunda entrega se presentó a Némesis (un verdadero dolor de cabeza en el juego), Jill Valentine y Carlos Olvera. Además de escenas directamente sacadas de los juegos.
las ha ido decreciendo con cada entrega. Los zombies han perdido presencia e importancia en las películas que cada vez se concentran más en Alice y la compañía Umbrella. Cuando precisamente los juegos se han alejado y evolucionado, tanto en gameplay como en historia. Resident Evil 4: Afterlife, retoma la historia exactamente donde termina la tercera parte, Alice creando clones de ella para atacar los cuarteles de Umbrella en Japón, después de esta escena nos encontramos con peleas tras peleas con zombies, otras criaturas y demás. No esperen una obra de arte, aquí no la encontrarán, pero hay que decirlo, estas películas nunca han intentado ser más que mero entretenimiento, hay que agradecer su honestidad y disfrutar del gore.
escaped, everybody dies. Sin embargo, la calidad de las pelícu-
Resident Evil 4: Afterlife
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Por: Simón Cárdenas
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