Primavera_50 by Revista El rayo verde

Cine Club "Calle Mayor" C/ Mayor 32, 34001 Palencia Tfno: 686 58 70 78 www.cineclubcallemayor.blogspot.com E-mail: cineclubcmayor@hotmail.com

DESPEDIDA

Con la programación del tercer trimestre concluimos un curso, el 50, muy especial. Destacable porque llevamos medio siglo proyectando cine en versión original. Reseñable porque hemos sobrepasado la cifra de 300 socios que con su presencia, cada semana, nos anima a que el Cine Club perviva en el tiempo. Memorable porque continuamos con una tarea agradable y un propósito encomiable, el de ver cine casi inédito en nuestra pequeña ciudad. A lo largo de esos últimos nueve años hemos recibido muchas palabras de ánimo, críticas pasajeras y algún que otro elogio, que nos otorgaban una alegría pasajera y una íntima satisfacción por el trabajo desarrollado. Pero el tiempo pasa, y hay que renovarse. Este año se convocan unas elecciones muy importantes, porque del interés del socio está pendiente el futuro de esta asociación cultural. Varios de los cargos de la actual Junta directiva cesan de su cargo, orgullosos del legado que dejan. Atrás queda aquel año 2004 en el que el Cine Club estuvo a punto de desaparecer. En la memoria quedará el esfuerzo, el tiempo empleado y la dedicación de personas como Juan, que se ha encargado de hacer una programación independiente que sin buscar el agrado de todos, era estable y muy interesante, al ofrecernos títulos de difícil acceso y con un estupendo criterio. También Antonio, en la sombra, ha llevado el apartado administrativo, ha saneado unas cuentas deficitarias y ha asegurado la pervivencia económica de la asociación, con una política que sorteaba el derroche año tras año, y con la que está cayendo… Otros como Ricardo han estado y seguirán estando en la puerta, aceptando peticiones de los socios, preocupándose porque todo vaya bien, entendiendo el Cine Club como una familia donde todos son bien recibidos a la mesa. Y Charo, y Jose Luis y alguno más del que me olvido, que estaban ahí cuando se les necesitaba. A todos ellos, desde estas líneas y desde mi cargo de presidente, GRACIAS. Ahora el socio tiene la oportunidad de asumir la presidencia de un Cine Club, que debido a la indiferencia de unos, la comodidad de otros pero el interés de todos esperemos que continúe por muchos años. Es el momento de que las cosas sigan como siempre o que surjan cambios a mejor. El socio tiene que entender y asumir que el Cine Club es de todos, que todas las opiniones son válidas, que hemos intentado hacerlo lo mejor posible y que aunque unos dan la cara y dedican su tiempo a que las proyecciones se desarrollen lo mejor posible es tarea de todos valorar el esfuerzo de los demás y que conviene solucionar los problemas desde la comprensión y la crítica constructiva. Disfrutad de las películas de este trimestre, que al igual que las 1885 precedentes, se han seleccionado para que sean de vuestro agrado, acercando nuevas filmografías, invitando a la reflexión o llevándonos a lugares inexplorados. Y desde los que dejamos el cargo pero seguiremos viendo buen cine, muchas GRACIAS a todos y cada uno de los socios. Nos vemos el próximo Lunes.

CREER EN LA FICCIÓN. Entrevista a MIGUEL GOMES Con tan sólo tres largometrajes, Miguel Gomes se ha convertido en una de las figuras más interesantes del circuito de festivales, pero paradójicamente su cine no se parece en nada a lo que uno imagina cuando piensa en un cine "de festival". Lejos de las tendencias minimalistasrealistas muchas veces reinantes, el cine de Gomes patea el tablero apostando por una de las fuerzas más poderosas con que cuenta el cine: nada más y nada menos que el poder de la ficción. De estas y otras cosas hablamos con él en esta entrevista sobre Tabú, su última película. El Ángel Exterminador: ¿Cómo surgió el proyecto de Tabú? Miguel Gomes: No surgió, fue surgiendo. No hubo un momento específico en que el proyecto se me apareciera del todo, pero hubo varios en que se me aparecieron partes. Uno de esos momentos fue cuando una pariente mía contó lo que le pasaba con una vecina mayor y un poco paranoica. Se quejaba de la empleada africana que su hija (bastante ausente) había contratado para que se ocupara de ella. Al darse cuenta de que mi pariente se había convertido en su confidente, la criada empezó a desconfiar de ella y surgió un antagonismo un poco ridículo, porque era evidente para todos que las acusaciones de la señora eran producto de su senilidad. Estas historias inspiraron a los personajes y las relaciones de la primera parte de Tabú. Otro momento importante fue cuando descubrí que una de las canciones que utilicé en Aquel querido mes de agosto era una versión posterior de un tema original compuesto por portugueses en Mozambique a principio de los años '60. Algunos miembros de la banda ya habían fallecido, pero me puse en contacto con otros que me mostraron fotografías de sus actuaciones y me contaron historias de esa época, que recordaban con nostalgia. EAE: Una de las primeras frases que se escuchan en Tabú es: “Uno no puede escapar de su corazón”. Todos los personajes están atravesados por el recuerdo. Y como en toda película vinculada con la memoria, el tiempo es fundamental. No sólo el salto temporal entre ambas partes, sino su ritmo, cómo transcurre el

tiempo en cada una, y cómo lo viven sus personajes (y con ellos los espectadores). ¿Cómo pensaste esto, a la hora de estructurar la película? MG: Quería tener una Lisboa invernal, fría, en la primera parte del film. Y que el tiempo transcurrido durante esa semana de invierno se asemejara al clima siempre lento, suspendido, de una tempestad a punto de estallar. El recuento se hace día a día, al contrario de la segunda parte, donde todo se acelera; los meses pasan en un instante. Pero algo de la lentitud de la primera parte pasa a la segunda, sobre todo en la voz off de Ventura, y así esperaba que consiguiéramos ver dos tiempos funcionando simultáneamente en esa segunda parte: el tiempo desacelerado de la vejez en Lisboa y el tiempo rápido, pasional, de la juventud en África. EAE: Algo que notamos, pensando también en tus películas anteriores, es que en todas ellas, en algún momento, se produce un quiebre que cambia las reglas del juego. La primera parte da origen a una segunda, que a su vez reinventa a la primera. ¿Pensaste en esto, antes o después de hacerlas? ¿Con qué lo relacionas? MG: En Tabú esa estructura en díptico estaba prevista desde el comienzo (a diferencia de Aquel querido mes de agosto, donde surgió por casualidad). Creo que en todos los largos que he hecho hasta ahora había una primera parte que pedía una segunda, un nuevo film. Una segunda parte que no es más que un deseo o una necesidad de la primera parte. EAE: Tabú recupera un cine del pasado; el cine mudo, por supuesto, pero también el cine clásico: el cine de las divas, los exploradores, el cine de aventuras… Pero no lo hace (como pasa muchas veces) de manera distanciada, irónica, llena de guiños y referencias directas que el espectador tiene que reconocer para disfrutar de la película. Se apropia de eso pero desde otro lugar: es como si recuperara más bien su espíritu, reinventando sus formas; por otra parte, es una película que cuenta una historia, con personajes “vivos”, no sólo una película que hace referencia a otras películas. ¿Cómo

pensaste este “homenaje” al cine del pasado? Porque es interesante que nunca esté “por encima” de la historia. MG: En mis películas trato de recuperar algo que está perdido: nuestra creencia en la ficción como espectadores. Esa creencia se fue perdiendo porque existen cien años de historia del cine detrás de nosotros; es difícil mantener la inocencia. Y también porque nuestra disposición como espectadores para creer en los personajes, en las historias y en las imágenes es menor a medida que vamos creciendo y que la infancia se va transformando en un recuerdo lejano. Ahora, lo que quiero es restablecer ese pacto individual de creencia entre un espectador y una mentira llamada ficción. No creo que se gane nada intentando disfrazar la “mentira” –por eso estoy muy alejado del cine realista que es dominante hoy en día -; prefiero asumirla y trabajar la película hasta que el espectador pueda creer en ella emocionalmente, incluso sabiendo que se trata de una “mentira”. EAE: Como te decíamos en la pregunta anterior, Tabú no es una película que hable sólo de otras películas: se cuenta una historia, los personajes están “vivos”, se interpela al espectador desde lo intelectual pero también (y principalmente, creemos) desde la emoción. Es una película potencialmente “accesible” en ese sentido, que tiene muy en cuenta a sus espectadores. ¿Qué rol ocupa para vos el espectador a la hora de pensar una película? ¿Piensas en un “espectador modelo”? MG: Hay un espectador modelo: soy yo. Si hiciese un film para un espectador abstracto, o incluso para un espectador concreto que no fuera yo, creo que estaría traicionándome. Hay un mínimo de honestidad… EAE: Contaste que durante el rodaje de la segunda parte del film no trabajaste con un guión rígido; imaginamos, entonces, que el proceso de rodaje y el montaje fueron decisivos en la forma final de la película. ¿Cómo influyó esta experiencia de rodaje? Y ¿cómo fue el montaje del film? MG: En el rodaje en Mozambique sabíamos que la historia en general iba del punto A al punto D, pasando obligatoriamente por los puntos B y C. No teníamos muchas otras certezas, ni sabíamos qué escenas tendría la película. Improvisamos durante

el rodaje, y también sabíamos que teníamos el montaje para “reescribir” el guión del film, a través del recurso de la voz off de Ventura. Por eso el montaje fue una mezcla de montaje con escritura del guión, en la que participaron el montajista y el guionista. EAE: La música, como en tus películas anteriores, vuelve a ser central. Y no sólo las canciones son fundamentales: también la voz del narrador. ¿Cómo pensaste y trabajaste la banda de sonido? MG: En la primera parte quería tener muchos diálogos entre las señoras mayores y un sonido casi subliminal de cine de terror –sonidos graves, tormentas lejanas que le dieran al film un peso invisible-. También quería cierto despojamiento –sólo hay música en el cine al que va el personaje de Pilar-. En la segunda, quise que el peso de Lisboa nos llegase a través de la voz cansada de Ventura. Y que las imágenes que vemos apareciesen con un sonido que jugase con la fantasmagoría que vemos en ellas. O sea, crear un sonido que encontrase la distancia justa entre estar cerca de los personajes de la segunda parte (el sonido de la naturaleza, las canciones pop) y estar irremediablemente lejos de ellos (la ausencia de diálogos, la voz off del anciano). EAE: Tus películas plantean una alternativa interesante: son películas que, sin separarse del todo del todo del mundo, están muy lejos de las tendencias realistas-minimalistas que “dominan” los festivales. ¿Cómo las definirías, en ese sentido? ¿Cómo definirías el cine que te interesa hacer? MG: No lo definiría por adelantado. Creo que es una ventaja no tener que definirlo por anticipado, no ser un cine “de concepto”. EAE: ¿Ya estás pensando en algún próximo proyecto? MG: A causa de la crisis, pero sobre todo de la estupidez del poder político en Portugal, en este momento parece un espejismo querer hacer una película en un futuro próximo en mi país. Por Griselda Soriano y Luciana Calcagno. El ángel exterminador Nº 18. Buenos Aires 2012.

EL DIRECTOR ES LA ESTRELLA: LOS HERMANOS TAVIANI Directores de cine italianos, nacidos en San Miniato (Pisa), el 8 de noviembre de 1931 y el 20 de septiembre de 1929, respectivamente. Aunque Vittorio estudió leyes en la Universidad de Pisa y Paolo, artes liberales, ambos estaban llamados a desempeñar el mismo tipo de actividad. La culpa fue de Roberto Rossellini y su película Paisà, que impresionó tan profundamente a los dos hermanos que, a partir de aquel momento, determinaron que harían películas. Fue una decisión conjunta, y así ha sido toda su obra hasta la fecha. Su método de trabajo es muy sencillo, siempre que se parta de una perfecta sincronización y entendimiento. Dirigen alternativamente las escenas, observan, y nunca interfieren en el trabajo del otro. Sus primeros pasos los dan en una serie de cortometrajes al lado de Valentino Orsini, con quien habían desarrollado una serie de actividades cinematográficas en Pisa durante los primeros años cincuenta. Su primer largometraje fue L'Italia no è paese povero (1960), un proyecto que compartieron también con Orsini y el director holandés Joris Ivens. Orsini aún participaría en las dos siguientes películas de los Taviani, Hay que quemar a un hombre, la historia de un activista político que regresa a su Sicilia natal para arengar a los campesinos contra la Mafia, e I fuorilege del matrimonio (1963), protagonizada por Hugo Tognazzi y Annie Girardot. En los siguientes años, los hermanos Taviani adoptan la novela de León Tolstoi, Lo divino y lo humano, en San Miguel tenía un gallo / ¡No estoy solo! (1972) y vuelven a centrarse en la figura de un líder político, un viejo anarquista que intenta retirarse sin conseguirlo, en Allonsanfan (1973). No será hasta 1977, cuando les llegue el reconocimiento internacional con Padre padrone, protagonizada por Omero Antonutti. La película toma una historia real y la convierte en la cruda narración de los esfuerzos de un hombre joven por autoeducarse y así escapar al trato brutal al que le somete su padre, un pastor de Cerdeña. Padre Padrone conmocionó al público y a la crítica, y ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes a la mejor dirección. Isabella Rossellini protagoniza su siguiente película, El prado (1979), de cuya

banda sonora se encargó Ennio Morricone. Tres años después los Taviani estaban de nuevo presentes en los Festivales con La noche de San Lorenzo (1982), una aportación personal a la visión de la invasión nazi, que fue de nuevo protagonizada por Omero Antonutti, y que le proporcionó a los Taviani el Gran Premio del Jurado de Cannes a la mejor dirección, y en Estados Unidos, el premio NSFC a la mejor película y dirección. Siempre ahondando en los modos de narración, dirigen Kaos (1984), cuatro historias más un epílogo ambientadas en la Sicilia del siglo XIX. En ellas están mezclados los elementos cotidianos con un acontecimiento mágico. Good Morning, Babilonia (1987) se convertiría en una de sus películas más sentimentales, traspasando su entusiasmo a los dos protagonistas, dos hermanos italianos que viajan a Hollywood y descubren el cine trabajando en los decorados de Intolerancia, de Griffith. Con un reparto conocido: Greta Scacchi, Charles Dance, Joaquim De Almeida, y de nuevo Omero Antonutti, los Taviani intentaron encandilar al público americano, pero no resultó. La experiencia les devolvió a su cine de siempre, aunque ampliando su abanico de actores. Julian Sands y Charlotte Gainsboroug protagonizan Sole anche di notte (1990), la historia de un hombre que se recluye en un monasterio cuando descubre que su prometida fue la amante del rey. Uno de sus proyectos más románticos fue L'Affinità elettive (1996), basada en la novela de Goethe y protagonizada por Isabelle Huppert y JeanHughes Anglade. Tu ridi (1998) recupera de nuevo a Omero Antonutti, su actor preferido. Los Taviani, guionistas de todas sus películas poseen una claridad de ideas de la que pocos directores disponen. Para poder rodar juntos del modo en que lo hacen, descargan la mayor parte de su trabajo en los preparativos. Pero lo absolutamente indispensable es que poseen los mismos intereses y, entre ellos, uno de los principales es la reconstrucción de momentos históricos. Su última película César debe morir fue galardonada con el Oso de Oro en el Festival de Berlín de 2012. FUENTE: www.mcnbiografias.com

Sesión nº 1886

Lunes 1 de abril

Sesión nº 1887 TABÚ (Tabú) Miguel Gomes

TENGOKU TO JIGOKU (El infierno del odio) Akira Kurosawa

Ficha Técnica

Akira Kurosawa Hideo Oguni, Akira Kurosawa, Ryuzo Kikushima, Eijiro Hisaita Fotografía: Asakazu Nakai y Takao Saito Música: Masaru Sato

Dirección: Miguel Gomes Guión: Miguel Gomes y Mariana Ricardo Fotografía: Rui Poças Montaje: Telmo Churro y Miguel Gomes Música: A. Lopes, M. Martins y V. Pimentel

Japón, 1963. 143 m. B/N

Portugal-Alemania-Brasil-Francia, 2012. 110 m. B/N

Dirección: Guión:

Ficha Artística

TOSHIRO MIFUNE KYOKO KAGAWA YUTAKA SADA TAKASHI SHIMURA

TERESA MADRUGA LAURA SOVERAL ANA MOREIRA CARLOTO COTTA

Sinopsis Gondo, un hombre de negocios, recibe la noticia de que su hijo ha sido secuestrado. El rescate exigido es similar al que necesita para cerrar una importante negociación. Gondo está dispuesto a pagar pero, cuando se entera de que los secuestradores se han equivocado se enfrenta a un espinoso dilema moral.

Akira Kurosawa Nace en Tokio en 1910 y fallece en Tokio en 1998. Dirigió La leyenda del gran judo (1943), La más bella (1944), La nueva leyenda del gran Judo (1945), Los hombres que caminan sobre la cola del tigre (1945), Los que construyen el porvenir (1946), No añoro mi juventud (1946), Un domingo maravilloso (1947), El cazador de samuráis (1947), El ángel ebrio (1948), Un duelo silencioso (1949), El perro rabioso (1949), Escándalo (1950), Rashômon (1950), El idiota (1951), Vivir (1952), Los siete samuráis (1954), Crónica de un ser vivo (1955), Trono de sangre (1957), Los bajos fondos (1957), La fortaleza escondida (1958), Los canallas duermen en paz (1960), Yojimbo (1961), Sanjuro (1962), El infierno del odio (1963), Barbarroja (1965), Dodes ka-den (1970), Dersu Uzala (1975), Kagemusha (1980), Ran (1985), Los Sueños, de Akira Kurosawa (1990), Rapsodia en Agosto (1991) y Madadayo (1992).

Palmarés

Lunes 8 de abril

Sinopsis Un viaje del Portugal de hoy al África colonial a través de la historia de una temperamental señora, su doncella de Cabo Verde y una vecina de su mismo bloque en Lisboa. Cuando la anciana muere, las otras dos descubren un episodio de su pasado: un cuento de amor, aventuras y crimen ocurrido en África.

Miguel Gomes Nace en Lisboa en 1972. Estudió en la Escuela Superior de Teatro y Cine (ESTC: Escola Superior de Teatro e Cinema) de su ciudad natal. Muy pronto hizo crítica cinematográfica para Pùblico. Empezó como director de cine con un cortometraje, Entretanto, en 1999; manifestando una mirada coreográfica y musical sobre un trío de adolescentes. Continuó su dirección con otros tres cortos, del que destaca Cántico de las criaturas. La cara que mereces (2004) es su primer largometraje, que se desenvuelve en una especie de cuento sobrenatural. El segundo es Aquel querido mes de agosto, que narra los amores contrariados entre una cantante y su primo, en medio de largos tramos con música popular de la región de Coimbra. Finalmente, ha rodado Tabu, que narra unos amores imposibles y dramáticos, en un idílico Mozambique, y sus secuelas solitarias en la metrópoli al cabo de los años.

Palmarés Premio FIPRESCI y Alfred Bauer en el Festival de Berlin 2012.

Sesión nº 1888

Lunes 15 de abril

Sesión nº 1889

MAPA (Mapa) León Siminiani

Lunes 22 de abril DUPA DEALURI (Más allá de las colinas) Cristian Mungiu

Ficha Técnica Dirección: Guión: Fotografía: Montaje: Música:

Ficha Técnica

León Siminiani León Siminiani León Siminiani León Siminiani

Dirección: Guión: Fotografía: Montaje: Música:

España, 2012. 85 m. Color

Cristian Mungiu Cristian Mungiu Oleg Mutu Mircea Olteanu

Rumanía, 2012. 150 m. Color

Ficha Artística

Documental

COSMINA STRATAN CRISTINA FLUTUR VALERIU ANDRIUTA DANA TAPALAGA

Sinopsis Un joven director español es despedido de su trabajo en televisión. Para hacer realidad su sueño de hacer cine, viaja a la India con la intención de hacer su primer largometraje, pero pronto descubre que lo que realmente busca no está en la India sino en Madrid.

León Siminiani Nace en Santander en 1971. Estudió Filología Hispánica y Dirección de Cine en la Universidad de Columbia, Nueva York. Apasionado de las posibilidades del audiovisual, ha investigado distintos formatos y géneros. En su trabajo de ficción para cine destaca Dos más (2001), Archipiélago (2003) y Ludoterapia (2007). En no ficción destaca la serie de microdocumentales Conceptos Clave del Mundo Moderno cuyas cuatro primeras entregas; La oficina (1998), El permiso (2001), Digital (2003) y El tránsito (2009), se han alzado con más de 100 galardones internacionales. Asimismo Siminiani ha explorado formatos híbridos con piezas como Zoom (2005) o la serie Límites (2009). En 2011 estrenó un nuevo cortometraje de ficción titulado El premio. Mapa es su primer largometraje donde continúa investigando la fértil frontera donde se encuentran ficción y no ficción.

Sinopsis Después de haber vivido varios años en Alemania, Alina se reúne con una amiga en un aislado convento ortodoxo rumano. Su amistad se remonta cuando siendo niñas se conocieron en un orfanato. Alina pretende que su amiga regrese, pero ésta se niega porque ha encontrado refugio en la fe y las monjas constituyen su familia.

Cristian Mungiu Nace en Iasi (Rumania) en 1968. Tras estudiar literatura inglesa en la Universidad Alexandru Ioan Cuza en Iasi, Mungiu trabajo por varios años como maestro y periodista. Posteriormente, estudio dirección de cine en la Academia de Cine y Teatro de Bucarest. Después de su graduación, Mungiu realizó varios cortometrajes. En 2002, realizó su primer largometraje, Occident. La película fue muy bien recibida por la crítica, recibiendo varios premios en diferentes festivales de cine. En 2007, Mungiu escribió y dirigió su segundo filme, Cuatro meses, tres semanas y dos días. La película fue muy elogiada y fue elegida para participar en la sección oficial del Festival de Cannes 2007, donde ganaría la Palma de Oro. Fue la primera vez que un rumano ganó este premio. En 2009 coordinó el largometraje Historias de la edad de oro junto a otros cinco realizadores rumanos.

Palmarés

Mejor documental en el Festival de Cine de Sevilla.

Mejor guión y actriz en el Festival de Cine de Cannes 2012.

Sesión nº 1890

Lunes 29 de abril

Sesión nº 1891

NANA / LA VIDA ÚTIL

Lunes 6 de mayo TYSTNADEN (El silencio) Ingmar Bergman

(Nana / La vida útil)

Valérié Massadian / Federico Veiroj

Ficha Técnica Dirección: Guión: Fotografía: Montaje: Música:

Ingmar Bergman Ingmar Bergman Sven Nykvist Ulla Ryghe Bo Nilsson y J.S. Bach

Suecia, 1963. 96 m. B/N

Ficha Artística INGRID THULIN GUNNEL LINDBLOM JÖRGEN LINDSTRÖM HAAKAN JAHNBERG

Ficha Técnica Dirección: Guión: Fotografía: Montaje:

Valérie Massadian Valérie Massadian Léo Hinstin Dominique Auvray

Francia, 2011. 68 m. Color

Ficha Técnica Dirección: Guión: Fotografía: Montaje:

Federico Veiroj Inés Bortagaray Arauco Hernández Holz A. Hernández y F. Veiroj

Uruguay-España, 2010. 67 m. Color

Ficha Artística

MARIE DELMAS KELYNA LECOMTE ALAIN SABRAS

JORGE JELLINEK MANUEL MARTINEZ CARRIL PAOLA VENDITTO

Sinopsis Nana tiene 4 años y vive en una casa de piedras más allá de un bosque. De vuelta del colegio, una tarde, todo lo que encuentra es silencio en su casa.

Sinopsis Jorge tiene 45 años, vive con sus padres y trabaja en una cinemateca pero debe cambiar su modo de ser para adaptarse a un mundo nuevo.

Sinopsis Ester, su hermana Anna y su pequeño sobrino Johan, atraviesan en tren un país extranjero y sombrío, probablemente en guerra. Los tres vuelven a casa, pero tienen que interrumpir el viaje y detenerse en una ciudad a descansar en un oscuro y destartalado hotel, ya que Ester, que atraviesa una crisis vital, se ha puesto enferma.

Ingmar Bergman Nace en Uppsala (Suecia) en 1918 y fallece en Färo (Suecia) en 2007. Estudia en Estocolmo donde pronto se aficiona al teatro, montando varias representaciones. Debuta en la dirección cinematográfica con Crisis (1945), a la que siguen Llueve sobre nuestro amor (1946), Barco a la India (1947), Una mujer libre (1947), Noche eterna (1948), Prisión (1949), La sed (1949), Hacia la felicidad (1950), Esto no puede ocurrir aquí (1950), Juegos de verano (1951), Tres mujeres (1951), Un verano con Mónica (1953), Noche de circo (1953), Una lección de amor (1954), Sueños (1955), Sonrisas de una noche de verano (1955), El séptimo sello (1956), Fresas salvajes (1957), En el umbral de la vida (1957), El rostro (1958), El manantial de la doncella (1959), El ojo del diablo (1960), Como en un espejo (1961), Los comulgantes (1962), El silencio (1963), Esas mujeres (1964), Persona (1966), La hora del lobo (1968), La vergüenza (1968), El rito (1969), Pasión (1970), La carcoma (1971), Gritos y susurros (1972), Secretos de un matrimonio (1974), La flauta mágica (1975), Cara a cara (1976), El huevo de la serpiente (1977), Sonata de otoño (1978), De la vida de las marionetas (1980), Fanny y Alexander (1982) y Saraband (2003).

Palmarés

Mejor ópera prima en Locarno.

Mejor actor en BAFICI.

Mejor película, director y actriz en los Premios Guldbagge (Suecia) 1964.

Sesión nº 1892

Lunes 13 de mayo

Sesión nº 1893

CESARE DEVE MORIRE (César debe morir) Paolo y Vittorio Taviani

Lunes 20 de mayo DA-REUN NA-RA-E-SUH (En otro país) Hong Sang-soo

Ficha Técnica

Dirección: Paolo y Vitorio Taviani Guión: Paolo y Vitorio Taviani Fotografía: Simone Zampagni Montaje: Roberto Perpignani Música: Giuliano Taviani y Carmelo Travia

Dirección: Hong Sang-soo Guión: Hong Sang-soo Fotografía: Jee Yunejeong y Park Hongyeol Montaje: Hahm Sung Won Música: Jeong Yongjin

Italia, 2012. 76 m. Color

Corea del Sur, 2012. 89 m. Color

Ficha Artística

FABIO CAVALLI SALVATORE STRIANO GIOVANNI ARCURI ANTONIO FRASCA

ISABELLE HUPPERT YU JUN-SANG MOON SO-RI JUNG YU-MI

Sinopsis Docuficción sobre los talleres teatrales que organiza en la cárcel romana de Rebibbia el director Fabio Cavalli, que ensaya con los presos obras de Shakespeare. Los ensayos y la representación final del "Julio César" se alternan con la vida cotidiana de los reclusos.

Paolo y Vittorio Taviani Vittorio nace en 1929 y Paolo en 1931 en San Miniato di Pisa (Italia). Tras estudiar Derecho y Bellas Artes, debutan en la dirección con el documental L'Italia non è un paese povero (1960). En 1962 filman su primer largo de ficción Hay que quemar a un hombre (1962), al que siguen I fuorilegge del matrimonio (1963), I sovversivi (1967), Bajo el signo del escorpión (1969), No estoy solo (1972), Allonsanfan (1973), Padre padrone (1977), Il prato (1979), La noche de San Lorenzo (1982), Kaos (1984), Good Morning, Babilonia (1987), Il sole anche di notte (1990), Fiorile (1993), Las afinidades electivas (1996), Tu ridi (1998), Un altro mondo è possibile (2001), Resurrezione (2001) para TV, Luisa Sanfelice (2004) para TV, El destino de Nunik (2007) y César debe morir (2012).

Sinopsis Una joven y su madre huyen a la ciudad costera de Mohang para eludir las deudas que han contraído. La joven empieza a escribir un guión para un cortometraje que tiene como protagonistas a tres mujeres llamadas Anne. Las tres llegan a Mohang y allí reciben la ayuda de la dueña del motel donde se hospedan y la de un socorrista.

Hong Sang-soo Nace en Seúl (Corea del Sur) en 1960. Con su primer largometraje The Day a Pig Fell into the Well (1996) consiguió el aplauso de la crítica y varios premios internacionales. Su filmografía se completa con: The Power of Kangwon Province (1998), Virgin Stripped Bare by Her Bachelors (2000), On the Occasion of Remembering the Turning Gate (2002), Woman Is the Future of Man (2004), Tale of Cinema (2005), Woman on the Beach (2006), Night and Day (2008), Jeonju Digital Project: Lost in the Mountains (2009), Like You Know It All (2009), Hahaha (2010), Oki's Movie (2010) y The Day He Arrives (2011).

Palmarés

Mejor película en el Festival de Cine de Berlín y 5 premios David di Donatello.

Se presentó en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes.

Sesión nº 1894

Lunes 27 de mayo

Sesión nº 1895

EL MUERTO Y SER FELIZ (El muerto y ser feliz) Javier Rebollo

Lunes 3 de junio V TUMANE (IM NEBEL) (En la niebla) Sergei Loznitsa

Ficha Técnica

Dirección: Javier Rebollo Guión: J. Rebollo, Lola Mayo, S. Roselli Fotografía: Santiago Racaj Montaje: Ángel Hernández Zoido Música: Varios

Dirección: Guión: Fotografía: Montaje: Música:

Sergei Loznitsa Sergei Loznitsa Oleg Mutu Danielius Kokanauskis

España-Argentina-Francia, 2012. 94 m. Color

Bielorrusia-Alemania-Rusia-HolandaLetonia, 2012. 127 m. Color

Ficha Artística

JOSE SACRISTAN ROXANA BLANCO VICKY PEÑA VALERIA ALONSO

VLADIMIR SVIRSKI VLAD ABASHIN SERGEI KOSELOV VLAD IVANOV

Sinopsis Cuando un asesino a sueldo español, ingresado en un hospital de Buenos Aires, se da cuenta de que está a punto de morir, se escapa y se dirige al norte atravesando todo el país. Huye por carreteras secundarias en una especie de tranquila peregrinación que tiene algo que ver con una moderna novela de caballerías.

Javier Rebollo Nace en Madrid en 1969. Es su tercer largometraje tras Lo que sé de Lola (2006) y La mujer sin piano (2009) y los cortometrajes En medio de ninguna parte (1997) Hola, desconocido! (1998), El equipaje abierto (1999), El preciso orden de las cosas (2001) y En camas separadas (2002). Javier Rebollo ha realizado además documentales para el programa Documentos TV, en La 2 de TVE. Entre 1990 y 1994 fue asistente personal de Antonio Drove, y de él recibe una fuerte influencia humana e intelectual. En el año 1996 crea con Damián París y Lola Mayo la productora Lolita Films, con la que rueda todos su cortometrajes y produce sus trabajos documentales para televisión, junto a sus cortometrajes y los de otros directores que se encuentran entre los más premiados del cine español y reúnen más de 200 premios.

Sinopsis Segunda Guerra Mundial, año 1942. En la frontera rusa, los partisanos de la resistencia bielorrusa luchan encarnizadamente contra la ocupación nazi. A través de la historia de dos partisanos cuyos caminos confluyen, el relato denuncia la irracionalidad y la crueldad de la guerra.

Sergei Loznitsa Nace en Baranovitchi (Bielorrusia) en 1964. Salvo dos títulos compuestos con material de archivo, el primero filmado durante el sitio de Leningrado en la II Guerra Mundial (Blokada) y el segundo con metraje de representaciones musicales de la era estalinista (Revue), toda la filmografía de Loznitsa ofrece estampas contemporáneas –de Bielorrusia o de otros lugares de la extinta URSS– donde nada parece haber cambiado. Loznitsa recrea, más que documenta, un ritmo de vida ajustado a las exigencias de la naturaleza (como en Portrait, Settlement o Northern Light), las urgencias y rutinas diarias experimentadas con resignada pereza (The Factory, Landscape), o las poco sofisticadas formas de trabajo (Artel, Today We Are Going to Build a House). No habrá señal alguna del mítico progreso sobre el que han reposado todas las utopías del siglo XX. Su primer largo de ficción, My Joy, se estrenó en Cannes en 2010.

Palmarés

Premio Goya al Mejor actor y Premio FIPRESCI y Actor en San Sebastián.

Premio FIPRESCI y nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Sesión nº 1896

Lunes 10 de junio

Sesión nº 1897

Lunes 17 de junio TAKE SHELTER (Take Shelter) Jeff Nichols

BIR ZAMANLAR ANADOLU’DA (Erase una vez en Anatolia) Nuri Bilge Ceylan

Ficha Técnica

Ficha Técnica Dirección: Nuri Bilge Ceylan Guión: Ebru Ceylan, Nuri Bilge Ceylan y Ercan Kesal Fotografía: Gökhan Tiryaki Montaje: Bora Göksingöl

Dirección: Guión: Fotografía: Montaje: Música:

Jeff Nichols Jeff Nichols Adam Stone Parke Gregg David Wingo

Turquía-Bosnia Herzegovina, 2011. 157 m. Color

Estados Unidos, 2011. 123 m. Color

Ficha Artística

MUHAMMET UZUNER YILMAZ ERDOGAN TANER BIRSEL AHMET MUMTAZ TAYLAN

MICHAEL SHANNON JESSICA CHASTAIN SHEA WHIGHAM KATY MIXON

Sinopsis La vida en una pequeña ciudad se asemeja a un viaje en medio de las estepas: la impresión de que algo "nuevo y diferente" va a surgir de cada colina, aunque las carreteras resulten siempre monótonas, interminables e inevitablemente iguales.

Nuri Bilge Ceylan Nace en 1959 en Estambul. Después de licenciarse en Ingeniería en la Universidad del Bósforo, cursó estudios de Cinematografía en la Universidad Mimar Sinan de Estambul. Es autor de los largometrajes Kasaba (El pueblo, 1997), Mayis sikintisi (Nubes de mayo, 1999), Uzak (Lejano, 2002) y Los climas (2006), así como del corto Koza (1995).

Sinopsis Curtis LaForche vive en un pequeño pueblo de Ohio con su mujer, Samantha y su hija Ana, una niña sorda de seis años. Un día el hombre comienza a sufrir fuertes alucinaciones apocalípticas en forma de sueños, sin saber si sus pesadillas son consecuencia de una enfermedad mental o se trata de premoniciones reales.

Jeff Nichols Nace en Arkansas en 1978. Estudió cine en la University of North Carolina School of the Arts. Nichols ha escrito los guiones y dirigido los largometrajes Shotgun Stories (2007), Take Shelter (2011) y Mud (2012), con los que ha ganado varios premios internacionales.

Palmarés

Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes.

Premio FIPRESCI en Cannes 2011 y Premio Especial del Jurado en Gijón.