S á b a d o 1 3 d e F e b r e r o d e 2 0 1 6 . A ñ o V.
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“EL TEATRO: La suma de todas las artes” (Ser o no ser, ésa es la cuestión) Págs. 4 - 5
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Editorial
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l teatro es una de las más longevas, importantes y vigentes artes en el mundo. Sin él, no se podrían entender otras artes, como el cine, la danza o el performance. Los más grandes histriones se han hecho en el teatro y las más grandes obras literarias han cobrado vida en él. En esta edición de Rayuela, le dedicamos nuestras hojas a este magno arte. “La puerta abierta” nos muestra historia de amor diferente, Jorge Luna nos explica porque el teatro es la suma de todas las artes y Rocío Acuña nos enseña cómo el quehacer teatral puede incidir en los menores, además esta semana Broadway, el West End de Londres y la Facultad de Teatro de la Universidad Veracruzana cumplen 40 años de vida. Sin más, te dejamos con la cita más famosa del teatro, “Ser o no ser” de la obra Hamlet del gran William Shakespeare. Esperemos disfrutes esta edición y te invitamos a acudir al teatro de tu ciudad y a darle vida con tu presencia. ¡Larga vida al teatro!
«To be or not to be, that is the question» («Ser o no ser, ésa es la cuestión»).
Ésta es, probablemente, la frase más célebre de la historia del teatro. La pronuncia Hamlet, el Príncipe de Dinamarca, en su monólogo de la primera escena del tercer acto en la tragedia escrita por William Shakespeare. Los montajes clásicos solían representarle con una calavera en la mano, y el soliloquio (en la traducción que hizo Leandro Fernández de Moratín) continuaba así: «Ser o no ser, ésa es la cuestión. ¿Cuál es más digna acción del ánimo, sufrir los tiros penetrantes de la fortuna injusta, u oponer los brazos a este torrente de calamidades, y darlas fin con atrevida resistencia? Morir es dormir. ¿No más? ¿Y por un sueño, diremos, las aflicciones se acabaron y los dolores sin número, patrimonio de nuestra débil naturaleza?... Este es un término que deberíamos solicitar con ansia. Morir es dormir... y tal vez soñar».
DIRECTORIO
Noé Farrera Morales
Péndulo de Chiapas
DIRECTOR GENERAL
DISEÑO
Javier Ríos Jonapá Noé Juan Farrera Garzón DIRECTOR EDITORIAL PÉNDULO
Patricia Sánchez COORDINADOR/EDITOR
PRODUCCIÓN E IMPRESIÓN Rocío Acuña, Tania Ramos, René Morales, Jorge Luna, Daniel Falconi, Enrique Ballinas y Roberto Roman CONSEJO EDITORIAL
LEGALES Rayuela, suplemento de arte, literatura y sociedad del periódico Péndulo de Chiapas, No. 349 (Edición Especial) Año V, Sábado 13 de Febrero de 2016. Impreso en 13 Poniente Norte Núm. 698, colonia Magueyito. Código Postal 29000, Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, México. Teléfono (961) 61 24529. Se prohíbe la reproducción total o parcial de los contenidos sin el consentimiento expreso de sus autores. La redacción no responde por originales no solicitados. Los contenidos, así como parte de los títulos y subtítulos son responsabilidad exclusiva de quien los firma y no representan necesariamente el punto de vista del periódico Péndulo de Chiapas.
Correspondencia: rayuelasuplementocultural@gmail.com
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Sujeto a cambios,
una historia de amor Fotografías: I. Besares
[SAÚL GOHÉ]
“No puedes vivir con ese miedo toda la vida, debes aprender a quitarte los demonios que llevas dentro para que en un futuro este momento de duda sólo sea un recuerdo efímero… si aprendes a caminar sobre
Este es uno de los diálogos que le dice el personaje B a A. Pero A, tiene miedo. Miedo de aceptarse. El 12 y 13 de febrero, a las 8 de la noche, el foro de La Puerta Abierta presenta, para los enamorados y desenamorados, la obra de teatro Sujeto a cambios, de Alejandro León, PECDA 2015. Con la dirección escénica de Jorge A. Zárate, coreografía Marihana Zárate, fotografía Edgar Iván Besares Narcia, y con la participación actoral de Alejandro León, Saúl Gohé e Ixchel Lacroix. El personaje B, interpretado por Alejandro León, carga con sus propios demonios. Los demonios internos que llevan aquellos que tienen miedo de aceptarse. Por eso el Diablo le dice:
piedras te romperás los zapatos pero crecerás en la marcha. A nosotros nos tocó la vivir la parte más difícil, bueno no sólo a nosotros sino a quien deba luchar por algo o alguien por miedo de no aceptase. Mira a
No importa que te acuestes con un hombre o con una mujer, lo importante es la convicción con que lo hagas, será bueno si piensas en mí, será bueno si piensas en Él; la luz y la sombra, el paraíso y el infierno dependen de ti. Aprovecha la generosidad de mi consejo, abandona a tu padre y a tu madre, haz lo que quieras hacer, porque esa es tu posibilidad como ser humano, ese es tu regalo.
los que están viéndote ahora, nadie es más, nadie es menos, todos somos humos.”
Los esperamos en la 4ª norte oriente 542. Para mayores informes ingresar al Facebook La Puerta Abierta Teatro o comunicarse al 9611396663.
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El teatro
es la suma de todas las artes [JORGE LUNA] FB: Jorge Luna TW: @ellunajorge
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acer teatro es involucrarse con otras disciplinas artísticas que no necesariamente sean disciplinas escénicas, hacer teatro es trabajar en equipo con otros creativos que hablan con otro lenguaje el mismo arte, no sólo son los actores quienes hacen teatro, pero, quizá sean los que más peso tienen porque el público vincula actuación con la disciplina teatral. Vamos a desmembrar las partes que hacen realidad a una obra teatral. El productor: es quien tiene habilidades principalmente administrativas para ordenar una producción teatral, tiene que lidiar con horarios, ensayos, pagos, distribución de varios recursos que son necesarios para poder realizar teatro. Es el jefe de jefes porque él sabe desde que tipo de tornillo podría unir una mamparas (y además saber que marca es la más conveniente por buena, bonita y barata) hasta conocer de contratos laborales ya que dará empleo a varios creativos.
El director: es quien es contratado por el productor para realizar un montaje escénico, junto con su visión artística es quien creará un trabajo final para ser contemplado por un público. Se pondrá de acuerdo con el productor para que todas las áreas conozcan el discurso artístico del montaje a realizar. El dramaturgo: es quien escribe una obra teatral. Es el que el productor/ director llamará para pedir autorización para realizar un montaje basado en su obra. Los actores: Son los encargados de darle vida a los personajes que el dramaturgo ha creado, previamente al inicio de montaje, leerán el guion, se indicará que personaje será interpretado por cada actor basado en el físico o en las habilidades histriónicas de cada uno. Posteriormente memorizará los parlamentos que pulirá en los ensayos junto con los trazos escénicos que indique el director. El escenógrafo: pueden ser pintores o arquitectos ellos diseñaran el escenario con los cambio de escenas o actos. Opinan sobre la utilería que complementarán el trabajo escenográfico. Algunos de ellos también conocen sobre técnica de iluminación y crearán ambientes para intensificar las escenas. El/la vestuarista: crearán el diseño de los vestuarios de los actores, basados en la época del montaje (periodo barroco,
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rococó, o actual) o tipo de publico (adulto, infantil), también, darán opciones del tipo de telas a utilizar para que vayan acorde tanto con la escenografía como con el diseño de luces. Maquillista: ellos son los culpables del porqué los actores jóvenes lucen viejos (si el papel lo requiere) crear los diablitos de las pastorelas, o crear bellas protagonistas. Saben de la intensidad de las luces de las escenas, así como de recargar el maquillaje de todos los actores para que desde cualquier butaca pueda alcanzarse a ver. Técnicos de sonido/ músicos: A veces son los técnicos de sonido quienes aportan al montaje los efectos que acompañarán las escenas (sonidos varios, como lluvia, disparos, vehículos etc.) y son éstos los encargados de sonorizar la obra de teatro frente al público. En algunas ocasiones, principalmente en el teatro musical, se necesita a músicos profesionales que crearan las partituras para las canciones del montaje, trabajarán en conjunto con otros músicos, principalmente cantantes para ensayar dichas canciones. Coreógrafo / bailarines: Ahora que mencionamos al teatro musical, se vuelve imprescindible la figura del cuerpo de baile, quienes apoyados por el coreógrafo le darán vida mediante el baile a las canciones, en conjunto, con los actores quienes también podrían integrarse al cuerpo de baile.
Como podrán darse cuenta realizar un montaje teatral es vincularse con otras disciplinas artísticas, es como bien comentaba en líneas arriba es trabajar en equipo. Es escuchar al otro creativo para apuntalar el montaje final, y, recuerde que el montaje que usted ve es la suma de los talentos de toda una producción que como ya ve es compleja.
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El teatro
como formación en la niñez “El arte es una función vital y necesaria para la existencia humana, es el hábito vital que enriquece a la estirpe humana, es el lenguaje universal que permite comunicar los aspectos más positivos de la creatividad, es el acto de fe que permite rendir culto a los más elevados valores de los que se precia la humanidad” Parra, 2012:1
[ROCÍO ACUÑA] Correo: eli_teatroam@hotmail.com Facebook: @Rocío Acuña Muñoa
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s muy cierto cuando decimos que la etapa más importante en la formación del individuo es en la infancia, y cómo no serla si es la mejor de nuestra vida, o por lo menos eso creo, somos como dicen: unas “esponjitas absorbentes”, pero qué pasa cuando el estímulo trato emocional como visual, no está presente en ese periodo tan crucial. Las actividades artísticas escasamente están inmersas en los terrenos comunes de los planes educativos, hay actividades como pintura, baile, pero con rara vez el menor ejerce una actividad teatral o de exploración a sus emociones o el descubrimiento de sus ideas. Con el paso acelerado de la tecnología y del crecimiento de la sociedad, se exige preparar individuos mejor capacitados para enfrentar los problemas a futuro, que estén facultados para innovar, crear y consolidar nuevas formas de negocios y de relaciones personales efectivas.
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Se pide aprender por competencias, pero si este es el objetivo del proceso educativo de los niños y jóvenes, por qué se siguen utilizando modelos de clases magistrales rígidas, por qué solo hay un estimulo de recepción y memorización, cuando lo redituable sería la comprensión, participación y retroalimentación. Aún en estos días se ven las clásicas formas de aprendizaje donde el niño memoriza libros de texto, conoce hasta las comas y puntos de estos, pero al preguntarle la relación de éste con su vida diaria, escasamente contestará. Se aprende historia, sin concebir la importancia de saberla, y no porque sea cuestión de conocimiento general, sino porque gracias a ella, sabremos hacia dónde vamos y por qué. Creo que las materias artísticas se han tomado a la ligera y no se les ha dado el uso correcto, se han desaprovechado estas herramientas pedagógicas en donde se formarán personas humanas y consientes de su contexto social. Si se parte de un hombre humanizado, será más fácil el despertar su interés por mejoras en su vida. En la etapa infantil, la actividad teatral llega a ser de gran asombro para este, siendo un cumulo de sorpresas y despertando su imaginación, fantasía y creatividad, incitando en él, los estímulos visuales y psicológicos de una forma inconsciente para el niño, y que desafortunadamente el adulto ya no cuenta con esta capacidad de asombro, cuando la del infante la sobre pasa por mucho. Hablo entonces de la casa como primer lugar en la formación del individuo y su relación estrecha con el uso de los medios masivos de comunicación, como parte integradora ya, de la costumbre familiar. Caso más específico, la televisión, quien juega un papel importante, haciendo individuos enajenados, donde los contenidos cercan de ser parte en la formación social y educacional del niño, llegan a convertirse en medios con fines comerciales. Las propuestas televisivas han llegado a relegar una actividad artística presencial y viva. Se ha promovido lo estático y literal, donde se ve claramente en los pro-
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Es de suma importancia complementar el teatro con los planes de estudio, cuando en países como Cuba y Canadá el teatro escolar es una actividad de gran relevancia.
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gramas una nula exhortación a la interpretación, análisis y autocritica. Es por ello que el quehacer teatral se ha convertido para muchos preadolescentes y adolecentes en algo anticuado y fuera de moda tanto para ver como para ejecutarlo. Es de suma importancia complementar el teatro con los planes de estudio, cuando en países como Cuba y Canadá el teatro escolar es una actividad de gran relevancia, asistida por la observación de psicólogos y pedagogos en países de América como México es mero entretenimiento y distracción, que tampoco descarto y veo mal esta postura, pero si considero que se deben de priorizar más aspectos de aprendizaje cognoscitivo (Revista en línea, Cuba Libre, 2012:1). Considero que la educación artística debe ser necesaria e indispensable fuera y dentro del aula para la formación del individuo desde la infancia hasta la adultez y por qué no hasta la vejez, debe considerarse como un derecho humano, el derecho a liberarse de temores sociales y de ser juzgados, porque si bien el teatro no juzga por la apariencia física o que tan bueno se es para actuar, es la persona quien usa al teatro para fortalecer su persona. Los programas artísticos de talleres, no siempre tocan las fronteras, la costa. tuve la fortuna de ser invitada a impartir un taller de teatro infantil en la ciudad de Tonalá, y es verdaderamente enriquecedor sentir el entusiasmo en un niño que nunca ha tenido el acercamiento con el teatro, son vivaces, creativos, como todo infante, claro está, pese a que no conocen, por creatividad crecen y comprenden, sería bueno voltear a ver otros municipios, otros pueblos, otros intereses escondidos, estrellita entonces para la reinauguración del Trashumante, proyecto del Coneculta para llevar arte a los rincones más lejanos, de los que pocas veces nos acordamos de su existencia, bien por ello. Exhortémonos a participar, a darle lata a la convocatoria y a llenar de arte a esas esponjitas absorbentes.
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“El teatro cuestiona
nuestra vida” [VANESSA GRAELL / EL MUNDO]
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iso del Eixample. Silencioso y luminoso. Libros por todas partes: en las estanterías desbordadas, en mesas y canapés, bajo el alféizar de la ventana, sobre el aterciopelado sofá carmesí (del mismo tono que un telón teatral), estéticamente amontonados cual columna dórica pop... Casi un apartamento-biblioteca. Casi un decorado de teatro, reforzado por esa lámina de la Scala de Milán que cuelga en la entrada. Sólo una foto en la pared/estantería: tres amigos sonrientes, hace 15 años, todos vestidos de un blanco inmaculado: Josep Maria Flotats, Carlos Hipólito y Josep Maria Pou, un recuerdo de la larga gira de Arte, que triunfó en toda España. Pou entra en el salón después de cambiarse la camisa para la foto. Se viste de negro. Y posa en su sofá preferido, en el que lee por las noches cuando no está de gira. Al tenerle delante uno se siente ante Sócrates. ¿Se ha mimetizado mucho con el personaje? Es que Sócrates es muy actual. ¡Ya en el 399 a.C. hablaba de partitocracia y de corrupción! La intención de Mario Gas, el autor y director de la obra, era hacer un ejercicio de acercamiento, crear una complicidad con el público, hablando desde hoy. Hay un monólogo inicial en el que interpelo directamente al espectador. Se trata de invitarle a jugar juntos. Yo no soy un actor que hace de Sócrates, sino un ciudadano como él, y vamos a viajar a su época, a reflexionar juntos... Las cuestiones que se plantean en la obra son de una vigencia casi terrorífica. Parece que en 2.000 años no hayamos evolucionado nada... Totalmente. En su juicio, Sócrates denunció los defectos de la democracia, ¡de quienes habían creado la democracia!, que ya empezó a pervertirse desde el inicio. La denuncia de los corruptos se interpretó como una arrogancia excesiva por su parte. Sus discípulos y compañeros opinan que debería haber pedido perdón, que si no hubiera acusado a los demás de corruptos, no le habrían condenado a muerte. Pero Sócrates hablaba con la verdad por delante. [Se pone serio y recita con la misma pa-
sión que sobre el escenario] «Lo único que busco es la verdad. No tengo otra pretensión en este mundo que buscar la verdad y hurgar, hurgar hasta el fondo para encontrar la verdad de todas las cosas y seguir haciendo preguntas... Y una más y una más... Hasta dar con la última pregunta que ya no pueda obtener más respuesta que la verdad». ¿Con esta obra, el teatro se convierte en un ágora pública? Exacto. El público está disfrutando mucho con Sócrates porque encima del escenario oye cosas que son necesarias que se digan en este momento, se siente muy identificado y sale del teatro como si hubiese participado en una asamblea. Los actores somos la voz de los espectadores. Sócrates es una de las experiencias que más me ha gratificado en los últimos años. Me he reencontrado con ese teatro que hacíamos en los años 70, un teatro necesario, cuando vivíamos en una época de prohibiciones, en la que muchas cosas no se podían decir. En el franquismo, utilizábamos el teatro para hablar en clave y sortear la censura. El público estaba acostumbrado a interpretar los dobles sentidos. Sócrates me recuerda a eso... Me gusta el teatro que desde el escenario cuestiona nuestra vida, nuestra relación social. En 2014 ya hablaba de libertad sobre el escenario con ‘Prendre partit’, una obra sobre el nazismo... Me pareció oportuno hacer Prendre partit en un momento en que los gobiernos castigan la cultura, no sólo con unos impuestos excesivos. Ya no es tanto lo del famoso IVA cultural, es la actitud misma de los dirigentes hacia la cultura, esa sensación que uno tiene de menosprecio, de que les molesta... Yante eso, esa función era la ideal: habla de cómo
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nos podemos salvar a través de la cultura, de cómo los gobiernos utilizan la cultura cuando les interesa, como hizo Hitler a su favor. Y cómo el artista tiene que evitar dejarse instrumentalizar. Ese tipo de teatro, que provoca una reflexión ligada a la actualidad, es el que me interesa. En el 96, cuando se inauguró el Teatre Nacional de Catalunya (TNC) con ‘Ángeles en América’ también hubo una pequeña revolución... Que Flotats tuviera la valentía de abrir con eso fue enormemente criticado, provocó una debacle y enfrentamientos, sobre todo desde los estamentos oficiales, a los que les habría gustado que el TNCse inaugurara con algo catalán, una Terra Baixa... Fue una declaración de principios de Flotats, sabiendo que eso le traería problemas. Escogió un texto que era el más interesante del teatro del momento, de lo más comprometido, que denunciaba todo el tema del Sida, cómo los políticos no habían entendido la enfermedad y su propagación. Ángeles en América pasa por ser ya uno de los textos más importantes del teatro del siglo XX. Y el de Roy Con es uno de los personajes más difíciles que he hecho... Y usted, para inaugurar el Teatre Goya en 2008, escogió ‘Els nois d’història’ de Alan Bennett. ¿Otra declaración de intenciones? Sí, es un texto que que elegí especialmente porque reivindica el arte y la cultura. Después vino El marido ideal de Oscar Wilde o El zoo de cristal de Tennessee Williams, grandes títulos de teatro que el público debe ver como quien va a El Prado a ver Velázquez o Goya, cuadros que siempre están... Hay espectáculos que se pierden en el tiempo. Y las nuevas generaciones tienen derecho a redescubrirlas. ¿Hubo un antes y un después de ‘La Cabra o Qui és Silvia?’, la primera obra que dirigió, produjo e interpretó? Sí. Hasta La Cabra yo era actor. Había tenido montones de propuestas para dirigir espectáculos, pero siempre me había negado: ‘Yo soy actor y soy muy feliz siendo actor’. No tenía ningún interés en dirigir. Hasta que de repente cayó en mis manos la obra de Albee y me fui a Nueva York antes de que se estrenara. Fue un presentimiento. Vi las primeras funciones de ensayo y, efectivamente, quedé... ¡Fue como la caída del caballo de San Pablo! ¡Ésta es la función que yo quiero hacer! Para eso no tengo que perder tiempo en buscar y convencer a un productor y director. No, lo asumo todo yo. Empiezo mañana mismo a traducirla y a pedir los derechos... Me hice productor y conseguí que Focus la programara en el Romea. Esa función me llegó tanespecialmente que decidí dirigirla yo porque quería que llegara al público a través de mí, de mi punto de vista, de mi concepto del teatro. Es una de las cosas más sinceras que he hecho nunca. Porque haciendo de director, actor, traductor, productor..., era como si yo me enseñara desnudo. Todo eso es lo que yo soy capaz de hacer. Un texto tan difícil y complicado fue muy bien acogido... ¡España es el país donde más éxito ha tenido La Cabra, el lugar donde más veces se ha representado, incluso más que en Estados Unidos! Fue un éxito de casi tres años de gira. Y desde entonces ha compaginado su faceta de actor con la de director. Ya llevo 13 montajes como director... Ahí descubrí el placer del director, que es el de contar historias a tu manera, según tú la entiendes y tu personalidad. Cuanto más honesto sea el director, mejor será la obra. Si la monta pensando en lo que al público le gustaría ver, ahí es donde los espectáculos flojean... Pero si la cuenta según cree que debe contarla, que es lo que por suerte está pasando con los grandes reformadores del teatro de las últimas generaciones, aquello tiene una verdad y una pulsión increíbles.
Verdad, honestidad... ¿Ahora habla Pou?¿O el Sócrates que hay dentro de usted? Es que yo soy un personaje... ¡perdón, una persona...! muy vehemente y apasionada. La gente que no me conoce demasiado se asusta a veces porque cree que estoy cabreado continuamente. ¡No!Yo hablo muy apasionadamente... ¡Y más de mi trabajo! Sócrates solía filosofar con sus discípulos mientras andaba, y usted ha sido visto más de una vez recitando por las calles del Eixample... [Ríe]Yo pienso que la gente no me ve, pero sí... El de actor es un trabajo puramente mecánico que pasa por memorizar un texto: de ocho de la mañana a tres de la tarde hay que aprenderse 40 líneas. Si me quedo en casa me distraigo, mi mundo me interfiere demasiado. Tengo que salir de mi ambiente y meterme en la calle... Así que voy por la calle estudiando con el libro en la mano. Digo cuatro líneas y las repito de memoria. Subo por Urgell y antes de llegar a Mallorca, las tengo memorizadas. Y, efectivamente, pum pum pum... Llego a la esquina y ya me las sé. No me doy cuenta de que la gente me mira porque estoy hablando en voz alta. Pero ya me conocen... Podría casi ser uno de los personajes de Javier Tomeo... Usted interpretó y llevó a escena varias de sus obras. ¿Qué recuerdo tiene de él? [Al oír el nombre de su amigo Javier, fallecido en 2013, se emociona y le brilla la mirada] Me fascinó Tomeo. Desprendía una ternura enorme. ¡A veces hasta nos confundían, era tan alto y grande como yo! [ríe] Quería que hiciera todo su teatro, absolutamente todo. A veces me venía a ver a una función y después me decía:’No me ha gustado nada, tú tienes que hacer La cabeza del perro candente’. Y sólo me hablaba de títulos suyos... Escribió expresamente para mí El gallitigre. El teatro le hizo muy feliz, solía decir: ‘Yo era una calabaza y la varita mágica del teatro me ha convertido en una carroza’. Es precioso, una de esas imágenes que creaba en sus novelas... Un texto que quería que hiciera a toda
costa era El castillo de la carta cifrada. Y lo tengo pendiente. La ventaja es que el protagonista tiene 90 y tantos años, un viejo caduco que se está deshaciendo... Así que, bueno, aún tengo algo de tiempo... Su vocación primigenia fue la radio. Estuvo más de 10 años en antena junto a Concha Barral con Calle 42. ¿Cree que hoy sería posible ese tipo de programa? En el 85 hice un programa para el verano en Radio Nacional que iba a durar tres meses y duró 16 años. [Sonríe con cierta nostalgia] Todos los fines de semana hablábamos de teatro musical, algo que entonces en España no se hacía. Quiero creer que muchos espectadores se formaron escuchando aquel programa. Fue un hito. Yen TVE se hacía aquel famoso programa Estudio 1... Casi cada noche se hablaba de teatro, de los grandes maestros. Es increíble, visto ahora... En vez de los programas que se ven ahora, el público veía las obras de Pirandello, Esquilo, Shaw, O’Neill... ¡La mejor literatura teatral se veía cada noche! ¿Qué nos ha pasado? También es verdad que aquello iba unido a una época política nefasta, que mejor no recordar, y que sólo había una sola televisión y no había alternativa. Pero es una pena que se haya pasado de aquel todo al nada de ahora. ¿Qué supone para usted, que ha recibido tantos premios, el Tendències? Me hizo feliz. Cuando uno tiene una carrera larga, los premios te van llegando y ya parecen una cosa habitual o normal. Yo todos los jueves leo el Tendències. [se levanta a por el iPad, muestra la app de Orbyt y enseña todos los números religiosamente descargados, entonces cambia el chip y empieza a hablar en catalán] Mira, són tots aquí, jo sóc un boig de tots els suplements culturals dels diaris. Sempre he llegit el Tendències amb molt carinyo, té un contingut molt interessant vinculat a la ciutat de Barcelona. És la primera vegada que tinc un premi que ve de la premsa cultural. ¡És el moment de reivindicar les pàgines culturals dels diaris i per demanar més pàgines de cultura!.
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Celebran
40 años de teatro
en Broadway y el West End [EL IMPARCIAL]
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ondres y Nueva York celebran 40 años de producciones teatrales este año con un programa de actividades que incluye una muestra de artefactos usados en ‘El fantasma de la ópera’, ‘Antonio y Cleopatra’, así como ‘Chorus Line’, entre otros. El Museo Victoria y Alberto (V&A) alberga la exposición ‘Telón Arriba’ (Curtain Up) para mostrar el diseño de producción, vestuario, libretos, iluminación y coreografías de musicales clásicos como ‘Cats’, ‘El rey león’ y ‘Chicago’. La marioneta de la producción ‘Caballo de guerra’ (War Horse), cuya puesta en escena ha sido un éxito en esta ciudad, también es parte de los utensilios que buscan acercar al público con el diseño escénico teatral. Entre los artefactos se encuentra la máscara de ‘El fantasma de la ópera’ (1986), uno de los musicales de mayor duración en el distrito de teatros londinense West End, así como el vestido que usó la actriz británica Judi Dench en su papel de ‘Cleopatra’. La pequeña muestra busca ce-
lebrar la elaborada producción teatral a través de fotografías, videos y el galardón británico Olivier que este año celebra 40 años (1976-2016), así como con vestuarios usados por prestigiosos actores. Entre los tesoros de la muestra se encuentra una túnica utilizada por el primer bailarín Rudolf Nureyev para la puesta en escena de ‘Romeo y Julieta’ (1977) que le hizo ganador de un premio Olivier. También se encuentra el suntuoso vestido blanco que lució la actriz británica Helen Mirren en su papel de la reina Isabel II en la puesta en escena ‘La audiencia’ (2013). La actriz afirmó que ‘habiendo trabajado tanto en Broadway como en el West End, la exposición rinde homenaje al legado artístico que une a Londres y Nueva York y
muestra la riqueza del talento creativo que lleva grandes producciones a ambos lados del Atlántico’. Si bien la mayoría de los artefactos proviene de las producciones del West End, algunos modelos pertenecen a obras neoyorquinas como ‘Carrusel’ (1994) y ‘Domingo en el Parque con Jorge’ (1983). El director de la Sociedad de Teatro de Londres (SOLT), Julian Bird, quien fue uno de los curadores de la muestra, afirmó a Notimex que el teatro se ha modernizado en las últimas cuatro décadas. ‘Ha evolucionado enormemente en los últimos 40 años. Las computadoras casi no existían hace 40 años, ahora dependemos de ellas para vivir. Diseño computarizado, iluminación computarizada y la proyección de videos en escena no existían entonces y ahora están integradas a la práctica teatral’. El experto en teatro aseguró que no hay rivalidad entre Londres y Nueva York, ya que “ambas son las capitales del teatro”.
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Facultad de Teatro, 40 años de Crear, Producir y Transformar [MARIBEL SÁNCHEZ /DIARIO DE XALAPA]
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a Facultad de Teatro de la Universidad Veracruzana estará de fiesta durante todo 2016. El motivo es su aniversario número 40. “Cuatro décadas de formar, crear y transformar”, dijo Nerio González, director de la entidad educativa, en la inauguración de las actividades en el Teatro del Estado Ignacio de la Llave. En una jornada que se puede describir con una sola palabra: emotiva, maestros como Elka Fediuk y alumnos de las primeras generaciones rememoraron cómo era la enseñanza en la Facultad en sus primeras instalaciones: en la calle Sebastián Camacho número 5, donde en 1976, bajo la dirección de Raúl Zermeño y el apoyo de María Antonieta Pellicer, no había cabida para la indisciplina y se impartían 12 materias teóricas-prácticas, que si bien hacían que fueran pocos los alumnos los que lograban concluir los estudios, quienes terminaban eran “profesionales completos a quienes se les inculcaba el arte por encima de la debilidades humanas... Se trataba de la primera licenciatura en actuación, se estaba haciendo historia, porque sólo meses después se inauguró el Instituto Superior de Artes en Cuba y la licenciatura en Actuación en Colombia”. Se precisó que la Facultad, como es natural, ha evolucionado tanto en la ideología de sus profesores como en sus planes de estudios, con los que se hace frente a los retos de los tiempos actuales, ajustándose a los cambios de paradigmas y apostando a la innovación educativa. De los últimos quince años, mencionaron que se ha trabajado en la internacionalización y algunos de los logros más significativos son la creación de la maestría en Artes Escénicas, que en 2014 logró el reconocimiento del Padrón Nacional de Programas de Calidad, en tanto que desde el Centro de Estudios, Creación y Documentación de las Artes, con un cuerpo académico consolidado, se está diseñando el doctorado en Artes Escénicas que, igual que la maestría, podría ser el primero en México. Nerio González puntualizó que la Facultad, a lo largo del tiempo, se ha de-
dicado a formar artistas, profesionales de teatro que se desarrollan en distintos ámbitos: como productores, investigadores, actores, dramaturgos, directores o pedagogos, sea en el estado, en el país o en el extranjero. La labor continúa y para ello, declaró, se mantienen mirada y mente abiertas, “con un estado de conciencia permanente y una formación sensible para entender algo de nuestra condición humana en este mundo”. Con la proyección de imágenes, nombres y testimonios, se hizo un reconocimiento a los fundadores, maestros, alumnos, egresados y administrativos con el lema “Honor a quien honor merece”. Se recordó especialmente al dramaturgo Emilio Carballido, de quien ayer fue su octavo aniversario luctuoso. Alumnos y exalumnos hicieron la lectura dramatizada El Mar y sus Misterios, con la dirección de Roberto Benítez. Comunidad teatral En la inauguración, compartieron sus testimonios los egresados Míriam Cházaro, actriz de la Organización Teatral de la Universidad Veracruzana; Margarito Avilés, director de la licenciatura de Arte Dramático de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, y Víctor Carpinteiro, fundador del Círculo Teatral de la Ciudad de México. En el presídium estuvieron Leticia Rodríguez Audirac, Nerio González, Elka Fediuk, Luis Mario Moncada y Santa Brito, mientras que entre el público fue notoria la presencia de maestros como Francisco Beverido, Martín Zapata, Adriana Duch, Raúl Santamaría, Eduardo Mier, y egresados destacados como David Aarón Estrada, fundador, junto con Lorenzo Portillo, del teatro El Rincón de los Títeres. También asistió el equipo que creó Área 51, foro teatral. Las actividades a desarrollarse en lo que resta del año incluyen desde funciones de obras hasta exposiciones, pasando por programas con actividades académicas y ciclos de cine. Se ha lanzado la invitación a estar pendiente de las actividades a través de la página de la Universidad Veracruzana, sección Facultad de Teatro.
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