Renacer Eléctrico Music Magazine. Junio-Julio 2016

LA REVISTA DONDE CONFLUYEN TODAS LAS MÚSICAS

´ RENACER ELECTRICO JUNIO-JULIO 2016

MUSIC MAGAZINE

LOS MAMBO JAMBO SUSAN SANTOS TREAT LOQUILLO GRAHAM NASH ATLAS ALAN PARSONS

LITTLE CAESAR ROCK AND ROLL STATE OF MIND

GÜRU, EL SOBRINO DEL DIABLO, FUNKOLATE, LOS PENÚLTIMOS, BORDER CABALLERO JUDITH MATEO, MOTORES, BEETHOVEN R., CABALLERO REYNALDO, DRIVE, SHE SAID, ROMEO

GANADORES CONCURSO RED APPLE La respuesta a nuestra pregunta era la siguiente: Following The Band

Y los ganadores que se llevan su correspondiente copia original de Pow Wow son: María Izquierdo Rodríguez Alfonso Pereda Rojo Marcos Medina Paredes En estos días nos pondremos en contacto con vosotros para enviaros el premio..

Junio-Julio de 2016

SUMARIO

04. CRÍTICAS DE DISCOS. THE WOOD BROTHERS, LEO JIMÉNEZ, QUIQUE GONZÁLEZ, PERVY PERKIN, MUNDO CHILLÓN, JUDITH MATEO, ALMA MICIC, FUNKOLATE, ATLAS, DRIVE, SHE SAID, MANY MOURE, THE DEFIANTS, TREAT, SHIRAZ LANE, SANTI CAMPOS, BORDER CABALLERO, ROMEO, LOS PENÚLTIMOS, GRAHAM NASH, CABALLERO REYNALDO, SUSAN SANTOS, BEETHOVEN R., GAUDEA, LEÓN BENAVENTE, EL SOBRINO DEL DIABLO, WALTER SALAS-HUMARA, GÜRU, LOQUILLO. 25. CINE. SOFT FOR DIGGING, OTRA CIUDAD, OTRA LEY. 28. REPORTAJE. THE ALAN PARSONS PROJECT: TIMELINE. 34. REPORTAJE FOTOGRÁFICO. HIGHLIGHTS ON STAGE. 40. CRÓNICAS DE CONCIERTOS. LOS MAMBO JAMBO, LITTLE CAESAR. 44. LIBROS. TIM BURTON, THE BLACK CROWES, HEAVY 1986, GILLIAMISMOS, ¡VAMO A MORIR TODOS! 48. LA FIRMA INVITADA. SUSAN SANTOS, MOTORES. 52. MATRÍCULAS DE HONOR. BO DIDDLEY, FATS DOMINO.

Dirección: Sergio Guillén Redacción: Andrés Puente, Sergio Guillén, Fat Professor, María Manuela Cortinas y Julio L. Tecglen Fotografía: África Paredes Diseño y maquetación: Sergio Guillén Encargado Facebook: Sergio Guillén / Encargada Twitter: África Paredes Contacto: renacerelectrico@hotmail.com Foto portada: África Paredes RENACER ELÉCTRICO MUSIC MAGAZINE no se hace responsable de ls opiniones vertidas por su colaboradores y anunciantes ni se identifica, necesariamente, con las mismas.

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PARADISE (The Wood Brothers, Blue Rose Records) El estadounidense Dan Auerbach, miembro de la banda de rock The Black Keys, comienza a hacerse un nombre también como productor de trabajos discográficos de otros ar"stas. Ya en 2012 logró unos resultados extraordinarios encargándose del disco Locked Down del legendario Dr. John, y ahora prueba suerte con el nuevo álbum de los hermanos Wood (Chris y Oliver), quienes cierran trío con el baterista Jano Rix. Desde luego, Auerbach no yerra el "ro en Paradise, aunque es más sencillo triunfar cuando se parte de una base tan sólida como la que proporcionan The Wood Brothers. Me supone una tarea harto di#cil encontrar un grupo actual que combine mejor la tradición estadounidense con los modos del siglo XXI que este trío de magníficos. El disco que se han marcado es realmente extraordinario. Las canciones que nos entregan en este álbum son rítmicas

cuando "enen que serlo, emo"vas cuando toca, y se te meten en las venas desde la primera audición. Podríamos equiparar la labor de estos "pos con la de un Jeff Buckley juguetón y un tanto travieso, una conjugación de emociones a flor de piel con una sanísima indefinición es"lís"ca que lo mismo te envuelve en un tremendo groove (“Raindrop”) que cuatro minutos después te atrapa en un torbellino de minimalismo (“Touch Of Your Hand”).

Precioso álbum este Paradise, un disco que ha conseguido ponerme la carne de gallina en unas cuantas ocasiones dejándome a punto de las lágrimas de emoción, y esto, créanme, no es fácil a estas alturas de la película. Me quito el sombrero ante estos tres caballeros y los colaboradores que les han ayudado a completar uno de los discos del año. por Andrés Puente

LA FACTORÍA DEL CONTRASTE (Leo Jiménez, Rock Estatal Records) A día de hoy, pocos ar"stas nacionales hay capaces de convocar mul"tudes a su alrededor como Leo Jiménez.

Habiendo sido una de las figuras puntales del heavy y del rock español del siglo XXI gracias a su par"cipación en bandas como Saratoga o Stravaganzza, lleva ya unos cuantos años desarrollando una carrera en solitario que ahora produce el tercer álbum editado bajo su propio nombre.

Mientras escribo estas líneas, compruebo que La Factoría Del Contraste está dentro de la lista de los discos más vendidos en España. Algo que resulta cuando menos sorprendente, porque este es un álbum de lo más curioso y extraño. Un disco en el que se dan cita prác"camente todos los es"los en los que ha militado Leo a lo largo de su carrera, desde el metal extremo (la terna inicial) hasta las 04

baladas, lo cual da buena cuenta de la capacidad y versa"lidad de este vocalista. Está claro que es un "po que ha roto moldes dentro de la escena heavy nacional, a veces tan proclive al inmovilismo. Para muestra, la versión que hace de “Ojos Así” de Shakira y el dueto (tanto en composición como en interpretación vocal) que desarrolla con la cantante Merche en “Que Me Digas Ven”. Quizá tanto vaivén en lo que a es"los se refiere convierte a La Factoría Del Contraste más en un disco recopilatorio que en un álbum tradicional, pero cuando hay calidad esto se puede pasar por alto, y es evidente que aquí el nivel musical es alto.

Cuatro bonus tracks acompañan al cuerpo principal de este trabajo. Una versión demasiado canónica para mi gusto del “Neon Knights” de Black Sabbath,

C R ´I T I C A S D E D I S C O S otra de “Tierra De Nadie” de Barón Rojo (una gran canción injustamente olvidada, en mi opinión), su muy acertada interpretación de “Getsemaní” de Jesucristo Superstar y una maqueta en la que revisita el “Es Por Ti” de Cómplices en es!lo rockero.

En defini!va, un completo y bien realizado trabajo a cargo de uno de los principales agitadores de la escena metálica hispana. por Andrés Puente

Leo Jiménez y su banda

ME MATA SI ME NECESITAS (Quique González & Los Detectives,Varsovia!! Records) Quique González ha alcanzado un punto en su carrera en el que consigue mantenerse en un raro y di#cil equilibrio entre ser considerado un autor casi de culto, respetado de un lado por la prác!ca totalidad de la crí!ca y el público más exigente, y capaz de congregar a modestas mul!tudes (permítaseme la expresión) en sus conciertos por el otro; no es main

stream pero tampoco es un ar!sta maldito, es simplemente un músico que a fuerza de trabajo, tesón y hones!dad consigo mismo se ha afianzado en este mundo y hace su propio camino. Tras grabar sus úl!mos discos en Nashville, para el que hace diez en su cuenta par!cular ha optado por quedarse en la!tudes más cercanas y se ha ido a cocinarlo con mimo y esmero 05

a La Casamurada de Tarragona bajo la producción de Ricky Falkner (Stands ll, Egon Soda).

Me Mata Si Me Necesitas –verso extraído del corte “No Es Lo Que Habíamos Hablado”– está firmado junto a Los Detec ves, la banda de directo encabezada por César Pop que acompaña a González de un empo a esta parte, y sigue las constantes que caracterizan las composiciones de este escritor de canciones: in mismo, evocación, coches, carreteras, discos en el salpicadero, literatura musicalizada y poesía teñida de rojo, del rojo que sangra del corazón. Con una voz y una forma de cantar inimitables (poco aconsejables para cualquiera que no responda al nombre de Quique González) y unas composiciones que han sabido adaptar el sonido del Americana a los textos en castellano como nadie, González nos ofrece una decena de canciones que se pasan como una exhalación, de cero a diez en poco más de treinta minutos en el reproductor de su Capri del 82. Entre los temas encontramos desde una canción perfecta para radiar en cual-

quier emisora y a cualquier hora como “Se Estrechan En El Corazón” a un tema confesional y desacomplejadamente autobiográfico como “La Casa De Mis Padres” –el propio González ha declarado que ésta fue una de las canciones que más empo le llevó concluir de cuantas aquí se incluyen–.

Destaca un corte como “Charo”, apenas tres minutos de una melodía saltarina y n neante que se contrapone a un texto que habla de ausencia y de pérdida, sen miento de culpa excitado por la cau vadora presencia de Caroline Morgan haciendo un dueto vocal para el recuerdo con el propio González. Lejos queda ya, en el empo y en el espacio, aquel Salitre 48, pero uno puede pasar por delante de ese portal, detenerse un instante a escuchar, y reconocerá inmediatamente a uno de los grandes escritores de canciones de los úl mos empos en este país. por Fat Professor

TOTEM (Pervy Perkin, Rockest Records) Dentro del rock o el metal progresivo no es fácil encontrar bandas que inyecten grandes dosis de sen do del humor a sus trabajos. Entre ellos, podemos situar a los murcianos Pervy Perkin, grupo que hace cosa de dos años debutaba discográficamente con el grandilocuente álbum múl ple Ink. Su ambición permanece intacta en este Totem. Ahora bien, se percibe una mayor concreción en conceptos que les hace mejorar enteros. Sigue habiendo aquí extensos temas progresivos, pero todo está mejor estructurado, mejor pensado por así decirlo. El actual quinteto sigue haciendo música compleja, inspirada en lo realizado por ar stas como Pain Of Salva on, Devin Townsend o Ayreon, por citar tres referentes. Como se puede comprobar, Pervy Perkin no ha rado hacia lo fácil, que sería conver rse en el enésimo clon de los estadounidenses Dream Theater, sino que apuestan por un metal progresivo con una sonrisa traviesa. De hecho, la pieza central del disco es “Mr. Gutmann”, larga composición de vein séis minutos 06

directamente inspirada en la serie de dibujos Rick y Morty del canal Adult Swim. Tampoco falta una dosis importante de la locura que ha venido diseminando el genio Mike Pa"on en sus múl ples proyectos musicales (verbigracia Fantômas), algo que queda patente en la desquiciada “Hypochondria”. Así las cosas, podemos incluir a Pervy Perkin en la misma categoría que a una banda nacional como Dry River, en ese reducido club de formaciones que desarrollan una amalgama de es los y tendencias sin ningún po de rubor o cortapisa. La verdad, me parece de lo más interesante y refrescante que podamos disfrutar en España de grupos como Pervy Perkin que verdaderamente hacen honor del autén co carácter progresivo que se ha perdido en buena parte de las bandas que presumen de serlo, repi endo esquemas disco tras disco. Por cierto, espectacular trabajo de portada a cargo del ar sta Michal Krasnodebski. por Andrés Puente

C R ´I T I C A S D E D I S C O S DE MADRID AL SUELO (Mundo Chillón, 18 Chulos Records) Los años 70 vieron nacer una serie de propuestas que, dentro del eclec cismo musical, trataban de sa rizar la situación polí ca y social del momento.

En esta categoría podríamos incluir a grupos como La Román ca Banda Local y Desde Santurce A Bilbao Blues Band, formaciones que a mi entender son absoluto referente para este interesante proyecto encabezado por el cantante y guitarrista granadino Pedro Chillón.

Cual crooner cañí, Chillón se apunta a transitar los mil y un es los y tendencias musicales (muchas veces incluso dentro de la misma canción) para acompañar unas letras inspiradas en la visión de genios como Berlanga, Azcona o Valle-Inclán. Quizá el único punto en común de los once temas que forman parte de De Madrid Al Suelo es su carácter acús co, mo vo por el cual el disco produce un chispeante

efecto retro. Un cabaret o feria que se mece en ritmos o es los tan diversos como el swing, la rumba, el tango, el country o el tropicalismo, aderezados con múl ples guiños y citas a otras canciones, piezas clásicas o géneros que saltan cual gazapos retozadores en los momentos más inesperados.

Música atemporal y con mucha guasa, ideal para pasar un rato diver do aunque no por ello exenta de un poso crí co. Seguramente la mejor manera de disfrutar de una propuesta como la de Mundo Chillón sea en directo, pero puedo aseverar que escuchar De Madrid Al Suelo prestando la debida atención es una experiencia que no se queda corta. por Andrés Puente

Mundo Chillón

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ROCK IS MY LIFE (Judith Mateo, Warner Music Spain) Se puede entender Rock Is My Life perfectamente como la segunda parte de aquel Celebra!on Days que publicara la violinista Judith Mateo en 2014. La fórmula es prác!camente idén!ca, por no hablar de la con!nuidad en lo que a esté!ca se refiere ya desde la portada del álbum. Por lo tanto, todo lo que se dijo de aquel disco se puede afirmar sobre este.

El violín de Judith sigue siendo el protagonista de la grabación, porque este instrumento con!núa proveyendo las partes solistas y las principales melodías de las diez versiones que se incluyen en la misma. Sin embargo, y aunque la mayor parte del disco es instrumental, también hay espacio para las voces, ya sea en el aspecto solista (“Rock es vida”, adaptación al castellano de “Rock Is My Life, And This Is My Song”, de Bachman-Turner Overdrive, cantada fantás!camente por Chusé Jo-

Judith Mateo 08

ven) como en los coros (por ejemplo, en su versión del “Thunderstruck” de AC/DC). Hay momentos híbridos, como ocurre en “More Than A Feeling” de Boston, donde se combina lo instrumental con lo vocal.

Son francamente interesantes los arreglos aplicados sobre temas como “Basket Case” (Green Day), “Sweet Home Alabama” (Lynyrd Skynyrd) o “Walk On The Wild Side” (Lou Reed), cambios que de alguna manera imprimen vitalidad y alegría a las canciones originales. Una vez más, Judith Mateo ha logrado cuajar un disco diver!do y fácil de escuchar que combina rock, pop, techno y ma!ces cél!cos. El álbum ideal para traer un poco de color a un día nublado. por Andrés Puente

C R ´I T I C A S D E D I S C O S TONIGHT (Alma Micic, Cita Records) Nacida en Belgrado (Serbia) y residente en Nueva York, Alma Micic presenta su tercer trabajo discográfico para postularse como una de las grandes voces del jazz actual. Tonight es un disco grabado y producido por el guitarrista Doug Wamble donde el protagonismo absoluto lo ostenta la embriagadora voz de Micic; Wamble se ocupa de las guitarras y la programación, y Sean Conly añade algunos bajos, pero ningún instrumento más que entorpezca el fluir de unas cuerdas vocales prodigiosas. El álbum cuenta con cuatro temas originales escritos por la propia Micic y cinco versiones, desde la lacónica adaptación del tema tradicional serbio “Kot’ Pokida Sa Grla Djerdane” a composiciones de ar"stas como Sade, The Police, Bob Dylan y Guns N’ Roses. Cada una de estas versiones es reinterpretada según la visión ar#s"ca y los arreglos del dúo

Micic/Wamble y no dejarán indiferente al oyente. De este modo, “Love Is Stronger Than Pride” "ene remembranzas de la Joni Mitchell en sus años más jazzís!cos, “Roxanne” se convierte en un tema pop-reggae, “What Can I Do For you?” se transmuta en un blues arrastrado al slide, y “Sweet Child ‘O Mine” está interpretada al es"lo Hot Club de los años 30. Entre los temas originales destaca el que abre el álbum, “Dark Cloud”, o el que le da nombre, “Tonight”. La austeridad y sobriedad de los arreglos instrumentales que visten estas canciones nos permiten concentrarnos en la elegancia de Alma Micic dando vida a un disco que será todo un descubrimiento para los aficionados al mejor jazz vocal contemporáneo. por Fat Professor

METAMORPHOSIS (Funkolate, Autoeditado) Metamorphosis es el segundo álbum del grupo madrileño de funk Funkolate. Sin embargo, y pese a que es una formación muy joven (su fundación data de 2008), tal y como anuncia su #tulo este disco supone una importante transformación respecto a su debut Ya Estamos Aquí (2013). Y es que únicamente la mitad de los componentes de la banda repiten en este trabajo, registrando relevos puestos tan cruciales como el del vocalista o el del guitarrista (ahora Adrián Barroso y Pablo del Fresno, respec"vamente). La apuesta de Funkolate toma empuje desde las bases más modernas del funk.

Si se me acepta el símil, se fijan más en nombres como Jamiroquai y Living Colour (hay algún solo de guitarra que es puro Vernon Reid) que en luminarias clásicas del género como James Brown o Sly & The Family Stone. El ritmo y el groove que se gastan

son tremendos, al igual que la calidad de ejecución de sus intérpretes, con un trío de vientos (saxo tenor, saxo alto y trompeta) vencedor a todas luces. Las letras en castellano, escritas por el cantante Adrían Barroso, además de la corta duración de sus temas y del propio álbum, colaboran en provocar una cercanía e inmediatez que a buen seguro atrapará a los no iniciados en el funk más “duro”, lo cual siempre es un punto a favor. En “Viajeros”, Funkolate demuestran que también saben levantar el pie del acelerador en el momento adecuado, dejándose llevar por la melancolía y la reflexión. Por ende, Metamorphosis resulta un disco de lo más apropiado para introducirse en la música funk gracias a su acertada combinación con rock y pop. por Andrés Puente 09

NUEVOS TIEMPOS,VIEJAS COSTUMBRES (Atlas, The Fish Factory) Cuando se supo que el núcleo duro de Niagara (el baterista José Martos, el guitarrista Manolo Arias y su hermano, el bajista Ángel Arias) volvería a la carga con un nuevo proyecto musical llamado Atlas, muchos amantes del hard melódico comenzamos a salivar.

Además, y como extensión de esa huella dejada por los subrayables Niagara, el vocalista escogido para esta nueva andadura tenía que ver con los úl mos días de la banda, ya que no era otro que el Eden Lost Ignacio Prieto. En 2008 se publicaría el álbum de debut del cuarteto, siendo ahora este Nuevos Tiempos, Viejas Costumbres el lanzamiento que cuenta cual tercer álbum en el haber del conjunto nacional.

Y si su carrera ya era llama va gracias a las anteriores grabaciones de la banda, este nuevo disco les pone en el marco de los merecedores de una matrícula de honor. Estamos ante un álbum que debería considerarse desde ya como fundamental en la historia del hard rock nacional del nuevo milenio. En

sus canciones hay tanto un regusto de lo mejor del rock duro parido desde la década ochentas hasta la actualidad en Estados Unidos y el Reino Unido, como inyecciones vitales de lo mejor que ha dado el citado género en nuestras erras –con guiño a los Barones incluido... no hay que olvidar que Ángel y José han formado parte del cuarteto tanto en los años 90 como ya estrenado el siglo XXI–.

Un hard rock, a fin de cuentas, que algunos prefirieron olvidar en pos de una evolución más metalizada –incomprensible el cambio que pegó Saratoga tras su primera y fundamental triada de elepés de hard and heavy, grabada a las voces por cantantes como Fortu o Gabi Boente, al entrar en el cuarteto Leo Jiménez–, pero que bandas como Atlas, Güru o unos recuperados Beethoven R. man enen con orgullo en un estado de buena salud envidiable. por Sergio Guillén

PEDAL TO THE METAL (Drive, She Said, Frontiers Records) Desde 2003, año en el que regresasen en oficialidad Drive, She Said con su elepé Real Life, hasta este 2016 de Pedal To The Metal ha pasado un empo más que razonable. De hecho, lo que parecía su vuelta en busca de una segunda juventud fue solamente la publicación de un álbum que les vio entrar y salir, llegar y marcharse, volviendo a desaparecer por un largo periodo de más de dos lustros. Sin embargo, y casi por sorpresa, aquí retorna a la primera línea el dueto conformado por Mark Mangold y Al Fritsch.

Hay que reconocer que, sin llegar a sonar el tándem con aquel toque tan par cular que desprendían en sus primeras grabaciones, Drive, She Said parecen 10

superar gracias a Pedal To The Metal la marca dejada por medio de Real Life –al menos atendiendo a las cinco primeras composiciones de su nuevo trabajo, donde “Touch”, “Wri ng On The Wall” o el tema "tulo no te dejan insa sfecho–. Pero igualmente pronto se descubre un periodo de irregularidad a lo largo de los minutos que colman el elepé, segmento con cierta cojera que se inicia a par r de “Rainbows And Hurricanes”, cambio de registro que al igual que “Lost In You” mete la cabeza de Al y Mark en el denominado cual modern-day AOR. Eso por no hablar de “IM The Nyte”, astracanada tal vez buscando el beneplácito de un público que en lugar de mamar del biberón de Journey o Survivor lo ha

C R ´I T I C A S D E D I S C O S hecho de la teta de Lady Gaga.

En cualquier caso, reconozco que los buenos temas del álbum –que los hay, al igual que pasaba en Real Life– al menos nos hacen albergar esperanzas de cierta con nuidad discográfica; espero sincera-

mente que así sea, y que no vuelvan a desaparecer por otros diez años. por Sergio Guillén

POESÍA BAILABLE (Many Moure, La Bizarrería) Many Moure es una de las piezas fundamentales de ese grupo de maestros del humor y la experimentación pop que responde al nombre de Los Toreros Muertos. Curiosamente, ha tenido que llegar el año 2016, momento de revitalización de la trayectoria de tan mí ca banda, para que Moure pueda ver publicado su trabajo más personal, este Poesía Bailable.

En este libro-disco, ilustrado por Manuel Ramudo, Moure ha musicado unos cuantos poemas del poeta cubano Nicolás Guillén. Como no podía ser menos, las canciones ofrecidas por Moure se apoyan en géneros !picos de la isla caribeña como el son o el chachachá, siempre reves dos de una pá na pop. Por consiguiente, podemos emparentar Poesía Bailable más con propuestas como la de Jorge Ilegal Y Los Magníficos o Juan Perro que con la música de Los Toreros Muertos, lo cual se me antoja francamente interesante para

los fans del grupo de Pablo Carbonell y compañía. Podemos descubrir así una faceta desconocida de Many Moure. Además, este trabajo cuenta con las aportaciones de nombres importantes como los de Mercedes Ferrer, Jerry González o Daniel Melingo, lo que confiere al disco un carácter de comple tud.

Many Moure Canta A Nicolás Guillén, !tulo con el que se presenta exactamente esta obra, reúne en un solo medio los versos de uno de los autores fundamentales de la literatura en castellano del siglo XX con los grandes arreglos de uno de los músicos que han dado forma a la cultura popular de la misma centuria. El resultado, como no podía ser de otra forma, es claramente sabroso. por Andrés Puente

THE DEFIANTS (The Defiants, Frontiers Records) No cabe la menor duda a estas alturas de que el bajista Bruno Ravel es una de las piezas fundamentales en la banda norteamericana Danger Danger; y no únicamente por ser uno de los máximos compositores del repertorio del grupo, ya que también es junto al baterista Steve West el único componente que se ha mantenido siempre en el seno del conjunto. El canadiense Paul Laine entró en Danger Danger allá por 1993, des nado a cubrir la salida del vocalista Ted Poley; permanecería frente

al micrófono de los de Queens (Nueva York) hasta 2004. El sueco Rob Marcello, guitarrista de personal firma, entró a formar parte del grupo de Ravel en los comienzos del nuevo milenio.

Por lo tanto, quedan cristalinos los lazos que unen a estos The Defiants con Danger Danger.

Lo que aquí presenta este trío, apoyado a la batería por un cuarto miembro, Van Romaine, es un buen puñado de temas que no desagradará a la hinchada de Danger Danger. Bien es verdad que por lo general 11

la línea de la casa Fron!ers Records suele marcar a los compositores a la hora de afrontar sus nuevos lanzamientos, pero también es cierto que Ravel y Laine, como tándem crea!vo, se han sabido retrotraer a sus mejores hazañas en los campos del rock melódico. Eso sí, que no te engañe la portada a lo

Far West o la introducción recurriendo a una pieza del excelen"simo Ennio Morricone; no, no estás ante un remedo de la banda sonora que Jon Bon Jovi grabase para el filme Arma Joven. por Sergio Guillén

Treat

GHOST OF GRACELAND (Treat, Frontiers Records) Entre 1985 y 1992 la formación sueca de hard melódico Treat fue editando diversos trabajos de estudio con una regularidad más o menos marcada entre el año y los tres años de espacio que podían distar de uno a otro elepé. No son pocos los que aseguran que con el fenómeno Europe, compatriotas suyos que andaban por las corrientes del rock duro con !ntes 12

melódicos por aquellos días, se posó una suerte de neblina frente a la banda que la hizo invisible para parte del público, terminando con un para nada merecido puesto en las ligas menores. Pero estaba claro que Treat tenían una personalidad marcada que con el cambio de décadas han querido seguir evolucionando hacia cotas algo más intrincadas.

C R ´I T I C A S D E D I S C O S No es Ghost Of Graceland un disco de rock progresivo, no quería insinuar eso con mi anterior afirmación, pero sí hay en este nuevo CD un destacable trabajo por llevar las composiciones a un campo más profundo en cuanto a instrumentaciones se refiere. Esto puede que agrade a algunos pero que signifique un chasco para los que adoraban sus primeros días como banda profesional. Pero en de-

fini"va debemos alegrarlos por Treat pues "enen más claro su camino que muchos otros. Además, es todo un gustazo saber que desde su regreso en 2006 siguen en las filas del quinteto Anders “Gary” Wikström y Robert Ernlund, fundadores de la agrupación. por Sergio Guillén

FOR CRYING OUT LOUD (Shiraz Lane, Frontiers Records) Decía Diego Velázquez, fundador de Eternal Symphony Entertainment, que lo que hacen los finlandeses Shiraz Lane es «el perfecto y merecido homenaje a toda una década, la de los 80». Y, hombre, no diría yo eso de “a toda una década”, pero sí hay claras concomitancias con bandas como los primeros Skid Row (“Mental Slavery” le habría encantado en su día a Sebas"an Bach), los iniciales Guns N’ Roses e incluso algunas etapas de la historia de Mötley Crüe.

La algo chillona voz de Hannes Ke#, llevada al extremo en diferentes partes de las canciones bus-

cando el acento o el drama"smo, marca el sonido de la banda, un hard rock tan contundente como fes"vo, si la pieza así lo pide. Fron"ers Records está apostando actualmente por combos de hard rock con cosas que decir y, a tenor de este For Crying Out Loud, los miembros de Shiraz Lane parecen conformar una de esas bandas que si se les da el espacio y el apoyo suficiente pueden marcar diferencias en el revival ochentas. por Sergio Guillén

COJONES (Santi Campos, Rock Indiana) La trayectoria de San" Campos en el mundo de la música es larga y de sobra conocida. Su carrera se inicia en los primeros años 90 con la banda castellonense Neumá"cos. A mediados de la década era el vocalista de Malconsejo, un grupo que, aunque no disfrutó de la misma repercusión mediá"ca que otros combos de la misma escena, tuvo un papel nada desdeñable en la escena del power pop nacional. Tras la disolución de Malconsejo a principios del nuevo siglo, San" Campos inició una carrera en solitario que daría paso a su proyecto Amigos Imaginarios, en el que estuvo ocupado hasta 2012. Tras varios años ausente del primer plano de la escena,

vuelve ahora en solitario con este LP de expresivo $tulo, con el que realiza toda una declaración de intenciones y afirma su voluntad de no sucumbir al desaliento.

Escuchando este disco se percibe claramente la influencia de varias décadas de historia de la música popular, que han sido asimiladas y unificadas con un es"lo coherente para dar forma a las diez piezas que conforman este álbum. Tal vez por la familiaridad que transmite, llega a ser agradable escuchar un puñado de composiciones que oscilan entre los sonidos más adustos y las melodías más apocadas y comerciales. Destacan sobremanera unas letras bastante 13

duras –incluso en contraste con la sonoridad amable de algunas piezas– pero con una gran profundidad poé ca. No en vano San Campos, además de músico, es un eminente rapsoda.

San Campos cuenta con un buen número de amigos fieles, y eso dice mucho a su favor. Algunos han par cipado ac vamente en la grabación del disco, otros han colaborado como “micromecenas”, pero

nadie se sen rá defraudado con el resultado final.

Tanto los que conocen a San desde sus comienzos musicales como los que descubran Cojones por casualidad, podrán llegar a apreciar la cualidad más destacable de este trabajo: la hones dad. por María Manuela Cor nas

OXIDADO (Border Caballero,Youkali Music) cabalgan decididos siempre en la buena dirección, temas hipervitaminados como “Powder Room” o “Where Is My Mechero”, en los que la sección de metales lo borda junto a unas electrificantes guitarras y una base rítmica que avanza como una locomotora por los raíles del pentagrama. Entre las colaboraciones encontramos las de Andreu Muntaner “Lobo”, Marcos Sendarrubias, Javier Ramos “Lámpara” o Pedro Herrero (Lucky Dados). Si con aquel primer EP Harry Palmer y sus chicos nos abrieron el ape to y nos dejaron con ganas de más, con este fantás co trabajo no han hecho sino confirmar las buenas expecta vas que se presagiaban y nos regalan una docena de cortes que saciarán y harán las delicias de los devoradores de buen rock and roll.

El sello Youkali Music acostumbra a ofrecernos las más atrac vas y ecléc cas propuestas musicales, y la que ahora nos ocupa no podía ser una excepción. Tras debutar con el EP Rock And Roll, los madrileños Border Caballero lanzan el que es su primer larga duración tulado Oxidado. Este combo ideado en 2011 por Harry Palmer (voz y guitarras) se nutre de genuino rock and roll, western, surf, rockabilly y doo wop, y está formado por Guille Gosalbo (saxofón), Marcos Ortega (trompeta), Pablo Cas llo (piano y órgano), Gustavo Villamor (bajo y contrabajo) y Juan Carlos “El Ruso” (batería). Excelentes maneras cargadas de ac tud abordando un repertorio que compagina temas ajenos como “Your Baby Blue Eyes” de Johnny Burne!e, “Burning Love” –la composición de Dennis Linde que popularizara Elvis Presley– o “Freedom Sounds” de The Skatalites, con temas de cosecha propia que

por Fat Professor

2.0 (Romeo, Santo Grial) El "tulo de este álbum no es en ningún modo casual. El madrileño grupo Romeo afronta una nueva etapa en su carrera, un período en el que apuestan por el rock alterna vo después de una profunda reestructuración en sus filas, que ahora cuentan con el guitarrista Víctor Hernández y el baterista Manuel Pariente.

Si bien es cierto que se puede encon14

trar en este disco la profunda huella de formaciones de grunge comercial como Nickelback o Creed, ante todo por ese sonido de guitarras distorsionado aunque no en exceso y los requiebros melódicos en las voces, quizá la e queta que cuadra mejor con el contenido de 2.0 es power pop.

Principalmente porque sus canciones entran a la primera y huyen de cual-

C R ´I T I C A S D E D I S C O S quier estridencia, aunque la producción del sonido es bastante potente, con una batería que suena con una naturalidad portentosa. Aquí los heroísmos instrumentales y las individualidades quedan diluidos en pos de un bloque compacto donde la canción es lo primero.

Hay algún que otro arranque de velocidad a lo Uzzhuaïa, como en “Lo Imposible” o “Hasta Perder La Luz” e incluso un guiño (ignoro si voluntario o

involuntario) a los temas más accesibles de Monster Magnet (“Cueste Lo Que Cueste”), pero ya digo que la tónica general del disco la marca el pop rock más fuerte de lo normal. Sin duda es un álbum que merece la pena escuchar, porque es perfectamente disfrutable. por Andrés Puente

Los Penúltimos

EL APASIONANTE MUNDO DE LOS PENÚLTIMOS (Los Penúltimos, Autoeditado) Los Penúl!mos es una de esas bandas que, desde hace unos cuantos discos ya, llevamos apoyando desde Renacer Eléctrico Music Magazine; y es que desde esta páginas siempre hemos apostado por los grupos y ar!stas que intentan dar a conocer su propuesta ar"s!ca de una forma honesta y sincera, más allá de las modas pasajeras y dejando de un lado

los amiguismos interesados; grupos y ar!stas que !enen mucho que decir y que ponen lo mejor de sí mismos para ofrecernos un disco grabado con tesón y esfuerzo y, muchas veces, escaso presupuesto; grupos y ar!stas que no siempre logran hacerse eco en medios de difusión que les permitan llegar a un público más amplio, medios de comunicación que apenas sí son ya 15

un parque temá co repleto de artefactos musicales prefabricados en el que los creadores no enen cabida; por desgracia, quien sale perdiendo finalmente es el público. Los Penúl mos, por suerte, cada vez están obteniendo un mayor eco y su propuesta se va afianzando disco a disco. El Apasionante Mundo De Los Penúl mos es ya la cuarta referencia discográfica en la carrera de estos madrileños que derrochan blues cantado en castellano contaminado con rock, R&B, boogie, bluegrass, country o pop; y en esta ocasión, más que nunca, apuestan por una producción sobria, casi austera, pero es que este cuarteto no necesita de grandilocuentes subterfugios disfrazados en forma de abigarrados arreglos instrumentales en mitad de un volumen atronador para hacerse valer. Buenas composiciones y

talento es lo único que nos pueden ofrecer Ulíbarri y los suyos, y buenas composiciones y talento es lo único que a nosotros nos interesa. Diez originales en la línea a la que nos enen acostumbrados y una adaptación de R.L. Burnside en “Vámomos Al Sur” es lo que en este trabajo nos encontramos.

Escuchad canciones como “Perro Fiel”, “Se Fue” o ese fantás co y atmosférico instrumental al slide llamado “Que Dios Nos Asista” y decidid vosotros mismos si merece la pena la propuesta de Ernesto Ulíbarri, Jorge Yáñez, Pablo Ulíbarri y Agus!n Pilarte. Que nadie decida por vosotros la música que os interesa y que os hace sen r algo. por Fat Professor

Graham Nash

THIS PATH TONIGHT (Graham Nash, Blue Castle Records) Cuando la Bri sh Invasion se convierte en ley en los Estados Unidos con su sonido manchado de r&b, pop y blues, Graham Nash ya estaba ahí con los naturales de Manchester The Hollies. Tocaron todos los palillos lógicos en el es rón de 1962 a 1968, momento en el que Nash se enrola dentro del supergrupo Crosby, S lls & Nash mientras su banda con núa con irregulares resultados. Al tridente tras su 16

debut se les une en oficialidad Neil Young, convir éndose el proyecto en CSNY. Cambio de hábitos, recreación de la música folk y de la erra norteamericana, grandes creaciones musicales y una pega na de grupo de culto diseñándose en la enda de reprogra"a. La banda se transformará en Guadiana que sale a luz de tanto en tanto, en ocasiones recortando sus filas; Graham, por su parte, pone a la

C R ´I T I C A S D E D I S C O S venta junto al sello Atlan c en el 71 Songs For Beginners, algo así como una tabula rasa que no era tal.

De cualquier manera, debido a una acogida calurosa por parte de su parroquia de melómanos, Nash con núa la recta con Wild Tales pocos años después. Sin espasmos, ajeno a las bravatas, el músico graba en el citado elepé guitarras, teclados, armónicas y voces, permi endo a la postre colaboraciones de relumbrón: Joni Mitchell, David Crosby o Tim Drummond son sólo tres de una lista que supera la decena de nombres. “Wild Tales” trae la conciencia posi va que a los problemas responde con frases como «está bien, tómalo como viene» o «encontrarás un camino para llegar hasta allí».

A par r de entonces pasaría a publicar solamente bajo su nombre dos álbumes en los años 80, fun-

cionando al empo en otras vías musicales como la reunión de The Hollies, el reencuentro de CSNY o, simplemente, desarrollando sus virtudes como fotógrafo, su otra gran pasión. El nuevo siglo traería Songs For Survivors (2002) y ahora, más de una década después, nos lo devuelve con This Path Tonight, un retrato musical en el que Nash analiza su vida en un momento de cambios. Graham arranca desde su reciente ruptura con su esposa Susan, mostrándose sin el menor disfraz, abriendo un corazón roto que es capaz de retomar imágenes del ayer, de los días dorados, de ese fuego que no ha dejado de arder y que le man ene caliente bajo las olas. Un regreso al hogar en toda regla. por Sergio Guillén

BEETHOVEN ERA NEGRO (Caballero Reynaldo, Hall Of Fame Records) «La flauta del cole tuvo su aquél, la dominé rápidamente, pero la clave fue encontrar con 13-14 años una guitarra española encima del armario de la habitación de mis padre», declara Luis González en una de las primeras frases que abren el completo análisis biográfico profesional de una carrera musical, la de este ar sta, que le lleva a contar en el haber actual de su discogra#a con un total de trein-

ta y cinco álbumes, siendo Beethoven Era Negro el que da forma total al número. Un lanzamiento que materializa esa detallada mirada a la carrera de Caballero Reynaldo, exceptuando sus diversos homenajes a Frank Zappa – que para la ocasión se han quedado fuera–, en la que las regrabaciones o reedificaciones, como también considera Luis a lo aquí recogido, ofrecen tanto un comienzo para el descono-

Caballero Reynaldo 17

cedor de su talento como una obra de perfecta degustación para aquel oyente que ene en Caballero Reynaldo un amigo cercano a sus pabellones audi vos.

Un único CD para dar cobijo a treinta cortes que, a la postre, pasan cual suspiro; un suspiro de diversión, originalidad, ingenio en recursos y buena música. Desde las versiones hasta los temas personales, Beethoven Era Negro repasa al empo que

reescribe la historia y, una vez más, me subraya un hecho tremendamente definitorio: la voz de Rebeca Ibáñez, como ya lo venían demostrando los úl mos trabajos del proyecto, es una de las más acertadas adquisiciones para el futuro de la apuesta. ¡Larga vida al Caballero! por Sergio Guillén

SKIN AND BONES (Susan Santos, Paella Records) Susan lo ha vuelto a hacer. Tras aquel Electric Love que tantas buenas crí cas cosechó, este nuevo disco vuelve a convencernos de que esta mujer ene un gusto musical exquisito y que sabe mezclar con verdadera sabiduría todo un abanico de colores y sabores. Puede que alguien intente calificarla de manera demasiado frívola e injusta como “la chica del blues”, pero eso no es hacer honor a su talento. De acuerdo, Susan ama el blues, es obvio y ella se encarga de dejarlo muy claro en sus directos, pero no se limita a demostrar que es únicamente una autén ca blueswoman, sino que va más allá y nos regala canciones menos enmarcadas en ese territorio.

Fantás cas piezas de pop-rock pegadizo las podemos encontrar en temas como “Red Lips”, o melan-

cólicas baladas a lo Chris Isaak como es el caso de “Sunset’s Glaze”. Si vas en el coche realizando un lago viaje, escuchar un tema como “Dusty Road” te vendrá que ni pintado, con ese ritmo tan propio para ver cómo pasan bajo tu culo las líneas de la carretera.

Y si quieres un rockabilly a la manera de Imelda May ahí enes la pieza que da #tulo al disco, trepidante y bailable como los propios de la irlandesa de flequillo en espiral.

De este modo, Santos es capaz de jugar con diferentes tonalidades a través de su guitarra y en todas ellas moverse como pez en el agua. Susan se encuentra de gira presentando este nuevo álbum, así que yo que tú no me la perdería. por Julio L. Tecglen

A FUEGO EN LA PIEL (Beethoven R., Rockest Records) Siendo conscientes de que actualmente en al panorama del hard rock por-el-momento-está-casi-todo-inventado, las bandas de nuestro país parece que enen dos opciones: si enes un cierto nombre y una trayectoria como banda, no arriesgas e intentas mejorar tu propuesta, pero si quieres iniciarte en las artes de los riff rockeros y las voces a tope de vueltas, te decantas por arriesgar e intentar 18

emular a las grandes bandas de los años 70 y además cantando en inglés.

Con Beethoven R. estamos ante la primera opción, ya que es una banda solvente que ha sabido hacerse un hueco en este duro mundo del rock. Con este nuevo disco, A Fuego En La Piel, ya desde la primera canción sabes lo que te vas a encontrar: rock directo a las pelotas, con guitarras inconfundiblemente nacidas de aquellos años

C R ´I T I C A S D E D I S C O S

Beethoven R.

80 y letras que representan ese sen miento de la banda por marcar el territorio. La inicial “Fuertes” ya nos avisa de que Beethoven R. han vuelto para decirte que si te pensabas que alguien los iba a ningunear, estabas equivocado. Buena producción y mucho gancho en los estribillos son las señas de iden dad de este disco. Como he dicho, un sonido directamente mamado de los años 80, pero con una producción actual, sin fisuras, con unas guitarras y una base rítmica que suenan realmente demoledoras, y la voz de Alberto García que apenas se da un respiro. Con espacio para una power ballad de la talla de “Como Un sueño”, para volver luego a la carga con temas tan potentes como “Acción”, de furiosas guitarras y estribillo para corear

en directo hasta desgañitarse. Y siempre sin perder el norte de los que amamos el rock ochentas, es decir, unas melodías que logran incrustarse en tu cerebro como dulces balazos .

Terminar el disco con un tema como “Normandía” –toda una reivindicación guerrera de empos pasados trasladada a la actualidad–, demuestra que la banda ha vuelto con muchas ganas. Nada de acabar el disco con una balada al uso para restar relajadoen el sillón, más bien lo contrario. Beethoven R. deja claro que puedes volver a darle al play de nuevo si todavía te queda energía para mover el cuerpo. por Julio L. Tecglen

MI LOBO COME HIERBA (Gaudea, Matilda Estudio) Iciar Ybarra es una polifacé ca ar sta madrileña cuyo rasgo definitorio es la alegría que trata de plasmar en el nombre de su proyecto musical. En su faceta de cantautora va ya por su tercer disco, que firma como Gaudea.

Aunque no deja de ser un proyecto ar!s co muy personal de Iciar, ella se rodea de un nutrido grupo de músicos que proporcionan al disco un sonido muy peculiar y caracterís co. A

la consolidación de ese sonido contribuye la labor en la producción del bajista y contrabajista Sergio Fernández, muy vinculado al mundo del jazz (Verónica Ferreiro, David Torrico...).

Mi Lobo Come Hierba incluye ocho temas asequibles, con estribillos pegadizos. La instrumentación es a la vez sencilla y original, con la par cipación de artefactos musicales como el tres cubano y el acordeón, que contribu19

yen a una atmósfera de reminiscencia bucólica.

Más allá del justo protagonismo de los instrumentos, el conjunto del álbum cuenta con la sólida ejecución vocal de Iciar, que puede desenvolverse con soltura en diferentes registros.

Desde la inverosímil idea del lobo vegano, este disco nos invita amablemente a reflexionar sobre los conflictos co dianos que salpican el día a día de nuestra existencia más mundana, y también sobre

esos otros conflictos trascendentales que definen a la humanidad. Musicalmente no es una obra excepcional, pero cumple su función de transmi r el mensaje y los sen mientos de la autora. En el plano interno del oyente puede conver rse en una deliciosa fuente de inspiración, que desate los sen mientos más ín mos y personales. por María Manuela Cor nas

León Benavente

2 (León Benavente, Warner Music) En tres años León Benavente han pasado de ser prác camente desconocidos –que no nuevos– en el panorama musical a conver rse en un fenómeno de masas al poco de publicar su primer disco homónimo allá por mayo de 2013. Ya no es necesario presentar a Eduardo, César, Luis y David (“Abraham”) como músicos de Tachenko, Schwarz o Nacho Vegas. Han consoli20

dado una formación con iden dad propia en poco empo y con mucho trabajo.

Detrás del escueto y descrip vo !tulo que iden fica este álbum aparecen nueve cortes que ofrecen lo que podríamos definir como un viaje a través de la historia reciente del nuevo pop español. Desde las primeras notas apreciamos emanaciones sonoras

C R ´I T I C A S D E D I S C O S que provienen de los diversos representantes de las variadas expresiones musicales que han poblado los escenarios fes valeros en los úl mos años ‒incluidos ellos mismos con su anterior trabajo‒.

Es un disco sobre todo de estados de ánimo con al bajos. Temas que podrían deprimir al más animoso se entremezclan con otros de tendencia más op mista, y hasta con algún ejemplo de estridencia electrónica, como “Nuevas Tierras”, donde es más que reconocible la intervención de “Banin” Fraile de Los Planetas.

El úl mo trabajo de León Benavente es un buen

disco –así de claro y rotundo– en todos sus aspectos. Incluso, abusando del manido califica vo, se podría decir que es un disco “redondo”. Desde el rocanrolero más acérrimo al fan del pop más naif encontrarán dentro de 2 alguna pieza de su agrado.

Puede resultar atrac vo a cualquiera que tenga un mínimo de sensibilidad para la música en general, más allá de e quetas, “moderneces”, “postureos” y fatuas disquisiciones sobre cuál es el indie más autén co. por María Manuela Cor nas

INJURIAS A LA CORONA (El Sobrino Del Diablo, La Produktiva) «Soy un pobre trovador i nerante del rock, monologuista y biógrafo de héroes musicales minoritarios como Frank Zappa o Phil Lyno! que recorre pequeñas salas del país con su Strato bajo el brazo. Como ar sta pequeño con vocación de outsider siempre he tenido la sensación de no tener grandes aliados entre la crí ca musical al uso. Eso de que en pleno siglo XXI haga una música con múl ples guiños a los años 70 no lo facilita, supongo», escribía Juan Gómez como apertura de un extenso texto tulado

“Las Puertas Del Abismo” firmado para que sirviese de prólogo de uno de los libros sobre cine que tengo publicados junto a mi compañero en este medio Andrés Puente. En ese escrito, y antes de entrar en faena, Juan, o mejor llamémosle El Sobrino Del Diablo, narraba nuestro primer encuentro en una sala madrileña. Debo reconocer que llegué algo tarde a su música y a su humor, ya con el álbum Perder La Dignidad recién editado; pero en pocos meses este error estaba solventado, completando

El Sobrino Del Diablo 21

con el resto de su discogra#a original las torres de CDs de mi discoteca casera... y desde entonces hemos compar do gustos y amistad.

Pasados los años, pues hablaba de 2009, me ha sorprendido gratamente el toparme con nuevos discos en los que El Sobrino con núa arriesgando en favor del humor pero también en busca de una música bien pensada y ejecutada que ofrezca el correcto abrigo que sus letras merecen. Injurias A La Corona es posiblemente, y si no me precipito en mi apreciación, el álbum de Gómez con mayor can dad de colaboradores, amigos y músicos invitados –y eso que el propio ar sta se las ingenia para trabajarse tanto las guitarras acús cas como las eléctricas en muchos de los temas, además de hacer coros o

tocar el cajón peruano, la percusión y la darbuka egipcia, ¡tela!–.

Sus letras con núan la línea de esa crí ca ácida, muy bien escrita, con gancho y que además puede encajar sobre instrumentaciones compuestas tanto por el propio Juan Gómez como por leyendas de la talla del Kinks Ray Davies o mismamente la plana mayor de los mejores Saxon –los ochenteros–.

Siempre se recordará su El Cuarto De Las Ratas como una referencia suprema, como uno de sus más concretos y brillantes trabajos, pero Injurias A La Corona convence y man ene vivo el arte de este talento. por Sergio Guillén

EXPLODES AND DISAPPEARS (Walter Salas-Humara, Blue Rose Records) Lo de Walter Salas-Humara es cosa seria. Lo suyo no consiste en quedarse tumbado mirando las nubes pasar, ¡para nada! En mayo, el ínclito Fat Professor ya os hablaba del muy interesante trabajo compilatorio que llevaba por $tulo Work: Part One; un lanzamiento en el que el propio Walter revisa su cancionero, aunque ahora en formato acús co. Pues bien, casi no nos había dado empo de volver a respirar cuando pisa la calle el CD de bella portada Explodes And Disappears.

Bajo el código de barras de este disco, Salas-Hu-

mara ha visto preciso el dejar escrito un coherente mandato que merece la pena tener en cuenta: «Compren discos independientes». E igualmente independiente es lo aquí recogido; independiente en cuanto a normas, independiente de las modas, independiente incluso del propio Walter.

Y es que aquí hay rock americano, por supuesto, pero también ntes pop, sus queridos guiños hispanos e incluso algún que otro apunte un tanto jazzy. Perfecto. por Sergio Guillén

RED (Güru, Güru Music) «Gracias a White, y a lo largo de doce canciones, los neófitos en estas tesituras se sorprenderán y entrarán en un juego que ya no les dejará salir, engatusándoles para siempre con el poder de una buena melodía, una voz excepcional y un trabajo grupal muy remarcable. Por su parte, la vieja guardia de seguidores del adult oriented rock, los que se destetaron 22

escuchando a Blackjack, Stan Bush, Journey o Joe Lynn Turner, también saciarán su sed y eliminarán cualquier po de suspicacia en su deglución».

Estas eran algunas de las palabras que dedicaba al anterior trabajo discográfico de los nacionales Güru, una grabación editada en 2013 que terminó en mi lista de las mejores publicaciones de aquel año. Ahora llega Red, un

C R ´I T I C A S D E D I S C O S álbum en el que pasan del inglés al castellano, en el que sale el baterista Toni Mateos y entra Joan Barbé; un álbum que parece querer representar un cambio en la banda y, sin embargo, es una muy digna con nuación de White.

La labor cual compositor de David Palau, ya sea en solitario como coescribiendo junto a Dagarod, Nacho Romero o Chris Martos, es espectacular, ofreciendo ya desde la primera “Rockstar” un ariete con el que rar por los suelos cualquier portón de duda. Un tema éste que inicia el disco con una muy acertada crí ca a toda esa banalidad que parece marca imborrable en muchos de los que viven

a diario en las redes sociales de Internet. El hard melódico y los planteamientos musicales del adult oriented rock están nuevamente en su perfecta medida, dando frutos como la excepcional, tanto en letra como en instrumentación, “No Puede Ser” o un “Sólo Tú” que rememora a los Starship del elepé No Protec!on. Como ya digo, los textos se trabajan para estar un paso más allá de lo normalmente hallado en el rock duro y la emoción de escuchar a este cuarteto en ideal consonancia es todo un regalo. Otra vez vuelven a ser uno de mis discos del año. por Sergio Guillén

Güru

VIENTO DEL ESTE (Loquillo, Warner Music Spain) Poco puede añadirse a estas alturas acerca de la figura de Loquillo. Acérrimos par darios y aún más acérrimos detractores pululando a partes iguales entorno a sentencias lapidarias y eternas contradicciones que se suceden con una naturalidad de lo más coherente en la carrera de este ar sta dotado de un don innegable: saberse rodear en todo momento de los mejores compañeros de viaje para

presentarse con su discurso ar"s co ante el público. Producido por Josu García y Mario Cobo –ex miembro de Nu Niles y la más reciente incorporación a la familia musical del Loco–, Viento Del Este quiere ser un soplo de aire fresco en la discogra#a del de El Clot, un aire renovador que aporta nuevas sonoridades y arreglos para unos temas que en ocasiones sorprenden pero que, tras unas cuantas 23

Loquillo

escuchas, reconoces dignos del discurso musical de Loquillo: «No comparto opiniones, dicto sentencias», canta en “A Tono Bravo” –precisamente en este tema es inevitable reconocer los ecos de aquel ya lejano “Feo, Fuerte Y Formal”–. Composiciones del propio Loquillo firmadas junto a nombres como Sabino Méndez, Carlos Segarra, Igor Paskual, Mario Cobo, Leiva y Carlos Zanón se combinan con otras de su fiel escudero Gabriel Sopeña. Referencias en los textos a Quevedo, Espronceda, Machado y Unamuno salpicadas con acordeones, trompetas o los arreglos de la Orquesta Sinfónica de Bra slava; las Cortes de Cádiz y el Himno de Riego dando paso a una sorpresiva versión de “Me Olvidé De Vivir” (J’Ai Oublié De Vivre) –no menciones a nuestro internacional Julio Iglesias o terminarás en la lista negra de nuestro hombre de negro, aquí la referen24

cia musical es Johnny Hallyday–. En defini va, un punto y seguido en la evolución de la trayectoria de Loquillo, un Loquillo que hace ya mucho mudó la piel de la cazadora por la seda de su traje, un Loquillo que abandonó el corsé del rock para poder ves r otros es los musicales que le dotaran de mayor libertad de movimientos, un Loquillo que ha sabido evolucionar y vivir una segunda (o tercera) juventud, y todo sin abandonar nunca la primera línea de fuego, ya disparando desde los platós televisivos o desde lo alto de los escenarios. La campaña publicitaria que acompaña este álbum reza: «Un gran disco de rock». ¿Un gran disco? Ciertamente, sí; ¿de rock? Ummm… no del todo. por Fat Professor

CINE

SOFT FOR DIGGING El Cine Indie De Terror Se Pone Serio ¿Es So For Digging el lazo de unión entre el cine independiente del nuevo milenio y las obras de iniciación de David Lynch? Seguramente, aunque no sólo sigue la senda de sus primeros largometrajes. La tensión, el malestar y hasta el terror que desprendía The Black Lodge en el serial televisivo Twin Peaks son respuestas que alcanzan al espectador de esta película firmada por J.T. Pe"y, debido sin duda a la deglución idónea que hace de todo el imaginario de Lynch. Su obligado silencio en cuanto a diálogos se refiere la ha hecho ganar catalogaciones de terror retro o arty; sin embargo, las atmósferas y sonidos que rodean a la trama potencian el misterio y la sensación desagradable.

En cualquier caso, no nos engañemos, ya que So For Digging es una película que únicamente puede alimentarse de opiniones extremas: se ama o se odia, no existen posibilidades intermedias. Esto no quiere decir que no tarde en entrar, en descolocar a toda persona que llegue a ella desprevenido. Aquí el punto de par#da se sustenta presentando la vida de Virgil, un anciano que envejece por un día a día colmando su herme#smo casi enfermizo. Su cabaña es la materialización de una cárcel no impuesta, seguramente escogida como parte de esa búsqueda del ermitaño que algunos seres humanos terminan por plantearse. Una meta

decidida, pérdida de la compañía que es total si exceptuamos el tránsito de un gato que enciende la mecha de este extraño invento $lmico. Cuando el minino decide escapar del hogar, y Virgil sale al bosque en su búsqueda, comienza la pesadilla entre realidad y desfiguración del recuerdo. El protagonista es tes#go, de manera totalmente casual, de un asesinato en el que un extraño estrangula a una niña. A par#r de ese momento llega el cambio en una monotonía que para este hombre en el estertor del otoño de su vida toma forma de confusión constante.

Los acostumbrados al terror a la vieja usanza, al de sustos reconocibles y precisamente remarcados en el guión, no hallarán ni pies ni cabeza a esta So For Digging. Y es que, al mismo #empo que se ambiciona el malestar ya citado al inicio de este análisis, este proyecto es un bizarro estudio sobre la soledad, el abandono de un hombre a su suerte psicológica y $sica. Pe"y desea una belleza que asfixie y pide a todo aquel que se enfrente con su metraje una entrega, una inmersión plena que le ayude a iden#ficarse con esta locura pausada, lenta, no apta para el que necesita estrépitos o historias con cuerpo de montaña rusa. por Sergio Guillén

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OTRA CIUDAD, OTRA LEY El año 1986 fue un punto de inflexión para la carrera de un humorista como Dana Carvey. Aún le quedaba empo para conocer el estrellato haciendo de amigo tontorrón, afable e inseparable del protagonista de Wayne’s World, pero ya comenzaba a asomar la cabeza a lo grande en la pequeña pantalla. Su papel como The Church Lady en el espacio cómico norteamericano Saturday Night Live le ganó una parroquia fiel –expresión que, me permi rás convenir, le viene que ni pintada a su personaje–, llegando en poco empo a subir como figura televisiva. Al mismo empo, Carvey disfrutaba de la posibilidad de compar r experiencias con dos colosos de la gran pantalla: Kirk Douglas y Burt Lancaster. El vehículo casi paródico a los días felices de estos dos galanes de acción traía por "tulo Tough Guys.

No te lleves a engaño, esto no es una secuela de la cinta blaxploita!on de Duccio Tessari que en 1974 reunía a personajes de la escena como Lino Ventura, Fred Williamson o esa voz sugerente de la música negra llamada Isaac Hayes. Aquel Tough Guys (también tulada Three Tough Guys) dista años luz del envoltorio con el que se cubría el metraje oportunista del 86. No era la primera vez, ni sería la úl ma, en la que se busca cebar el anzuelo con la carnaza revival. Dos actores de primera plana, autén cas leyendas del celuloide, son requeridos en el otoño de sus vidas para hacer de tándem de gángsteres en busca de su úl ma hazaña. La traducción lo resume todo en rar de apellidos lustrosos para marcarse un paso de tango en favor de chistes generacionales, la vieja escuela contra los adelantos de los 80. Hágase a la idea.

Estas correrías centrarán a Harry Doyle y Archie Long (los roles que toman sin demasiado esfuerzo dos matrículas de honor en esto de la interpretación como Burt y Kirk) en un pequeño gran universo que es la actualidad. ¡Aquel actual! Ayer que 26

ahora vemos cual retro de jolgorio y exceso colorista. Pues, imagínate dos pos duros de la tradición años 50. Una pareja que en 1956 eran los ladrones de trenes más enrollados del hampa, tras su paso por el presidio aparecen como ancianitas de asilo.

Eso sí, quién puede toser a dos pos con la planta de estos veteranos.

Si quieres comparaciones marcianas sólo hay que mirar al mañana, a una película que saldrá a la calle en 1992 con el nombre de Encino Man (El hombre de California, para todo aquel que la descubrió en los cines patrios). Allí el lema e impronta que pretendía dejar el guión era otra suma de situaciones supuestamente hilarantes gracias a la idea de meter a un hombre de la Edad de Piedra en lo que los publicistas ldaron de la Edad del Rock (vamos, los 90). Pues por el es lo. Si no es así, qué hacen los funk rock Red Hot Chili Peppers fulminando a la audiencia con su par cular disciplina en pleno de una filmación cuyos protagonistas ya eran estrellones antes de que a los miembros del cuarteto les me eran un chupete en la boca.

Al final la comedieta escondería una triste historia lejana de la visión esperada en la que el Southern Pacific 4449 se estrella defini vamente. El actor Adolph Caesar, nominado tanto a los Golden Globes como a los Premios de la Academia por su trabajo en A Soldier’s Story, fallecía durante el rodaje de las escenas dedicadas a su personaje Leon Li$le en Otra ciudad, otra ley. Eli Wallach, otra vieja gloria de Hollywood, que acababa de par cipar en el documental Sanford Meisner: the American Theatre’s Best Kept Secret, tomaría el puesto de Adolph. Un trágico desenlace que recuerda al narrado por Kate Bush en la tonada “Hammer Horror”. por Sergio Guillén

CINE

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THE ALAN PARSONS PROJECT TIMELINE

1976 Este año nos ofrece el álbum debut de la apuesta experimental Alan Parsons Project, una ópera prima en la que el creador se hizo rodear por algunos de los ar stas más destacados del movimiento por aquellos días. En su Tales Of Mystery And Imagina on - Edgar Allan Poe se pueden encontrar figuras de la talla de Francis Monkman (ex Curved Air), Terry Sylvester (ex The Hollies) o el carismá co Ar-

thur Brown, uno de los precursores del shock rock y talento que supo fusionar esta disciplina con e quetas como la psicodelia o el rock experimental.

La forma de afrontar el trabajo que Parsons ofreció en este elepé estuvo cargada de un deje oscuro que consiguió aportar mayor drama smo a la obra, siendo considerada a lo largo de los años como su material más serio e ingenioso.

1977 I Robot ofrecía un aviso para todos aquellos confiados que pensaban que el Alan Parsons Project se mantendría como apuesta experimental a la vieja usanza. En esta obra que seguía los juegos conceptuales que serían seña de Parsons, pero que ahora se basaban en las ideas del escritor Isaac Asimov, el compositor empieza a distanciarse del clasicismo de Pink Floyd para dar la mano al art pop de Su28

pertramp. Muchos de los seguidores no tardaron en descubrir la maniobra del ar sta, un músico que conocía de antemano las muchas posibilidades que dicho campo es lís co le podría ofrecer.

Arthur Brown ya no era una referencia para sus canciones, ya que pudo comprobar la forma en la que a Brown se le seguía tratando tras bastantes años de lucha e innovación. Alan no preten-

Reportaje día quedarse en el underground, así que llegó el momento del cambio. De esta forma incluye en su propuesta al virtuoso teclista Duncan MacKay, elemento fundamental para lograr dar el toque defini"vo a su renovado sonido.

1978 Con la llegada del tercer Pyramid ya nos topamos con un Alan Parsons sumergido en los océanos del art pop. Y aunque man"ene su nuevo es"lo y despliega todos sus teclados y sinte"zadores con la ayuda de Duncan MacKay y Eric Woolfson, no logra alcanzar la gloria que le había dado su anterior I Robot. Aun así, para el recuerdo quedaban pegadizas composiciones como “Pyramania” o la genial “The Eagle Will Rise Again”.

1979 Eve es para muchos el más flojo trabajo del proyecto en los 70. Para aquellos de visión más crí"ca, Eve lejos queda de I Robot o Pyramid, ya que este trabajo cojea en espacios donde sus antecesores acertaron de pleno o al menos en gran medida. Ciertas baladas le hacen perder revoluciones y quedarse en una cuneta más cercana al so! rock que a otra cosa. Además, y como dato remarcable, este álbum será la úl"ma colaboración de Parsons con el teclado Duncan MacKay como miembro oficial de la agrupación.

1980 La sorpresa llega con el superventas The Turn Of A Friendly Card, un álbum que aunque funcionó bien de cara al público, realmente no pretendía ofrecer un cambio de rumbo, un giro en la rueda. De hecho, tras la salida de Duncan MacKay se habían perdido casi de forma defini"va los sinte"zadores. Aquí se los nota ausentes, con un Alan Parsons que parece querer remontarse en ese aspecto a aquel Tales Of Mystery And Imagina"on - Edgar Allan Poe. MacKay no había podido aguantar más dicha situación, así que al comprobar el camino que tomaba el proyecto en Eve, decide abandonar a Parsons y unirse a los también británicos Camel.

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Reportaje 1982 Con el estallido a finales de los 70 del movimiento transgresor conocido como punk, muchos oyentes esperaban una respuesta por parte de esa facción del rock amante de los desarrollos melódicos y los cuidados pasajes. El público necesita algo como Styx o The Moody Blues, al igual que requerían un álbum de Alan Parsons Project a la altura de las circunstancias. El compositor no erró su !ro y con Eye In The Sky acertó de lleno en la diana. En pleno 1982 nos encontramos a un Alan dispuesto a hablarnos de egiptología, astrología y psicología, y todo ello acompañándolo de un rock más dulzón y menos experimental de lo habitual. Cierto sector de sus defensores no creían lo que oían, decidiendo apartarse de un ar!sta que según ellos había defraudado a sus acólitos más progresivos. Pero el caso es que con Eye In The Sky el propio Parsons lograba algo que pocos alcanzarían en los años siguientes: dar vida a una obra conceptual, cargarla de momentos y sonidos memorables y dejar en la historia del pop-rock crea!vo una pieza base sobre la que alzar el futuro del género. Y aunque el disco aparecía como el más fresco y menos progresivo de los grabados hasta aquella fecha, los arreglos sinfónicos seguían manteniéndose como imagen reconocible del proyecto.

1984 Si un año antes, y aprovechando el !rón de su Eye In The Sky, Alan Parsons Project editaba su primer grandes éxitos oficial, 1984 traería la publicación de dos de sus obras más netamente pop. Estamos a mediados de la década de los 80 y poco le queda al proyecto por suavizarse. La experimentación está olvidada. Aun así, Ammonia Avenue ofrece algo más de sustancia en relación a Vulture Culture, un disco al que se podría poner la e!queta de “sólo para coleccionistas”.

1985 Siguiendo con la consecución de altos y bajos en la carrera del proyecto, Stereotomy significa un cielo abierto en las tormentas que llevaban oscureciendo la historia de Alan Parsons y de su mano 31

Reportaje 1990 La tercera oda a la genialidad humana, en este caso a la del psicoanalista Freud, llegaría tras dos compilaciones editadas en 1988: The Best Of Alan Parsons Project Vol. II y The Instrumental Works.

Freudiana, al igual que pasaba con Gaudi, es el sueño de Eric Woolfson, aunque en esta ocasión la imagen de Alan está más presente. Este álbum muestra los úl mos coletazos de un proyecto que desaparecería tras la edición del mismo, solamente ofreciendo siete años después una completa recopilación de sus éxitos en The Defini#ve Collec#on, doble CD cuyo número de canciones variaba según el país publicado. Hay una edición en la que desaparecerían los dos temas elegidos pertenecientes a su primer álbum, las composiciones “(The System Of) Doctor Tarr And Professor Fether” y “The Raven”. por Sergio Guillén

derecha, el cada vez más destacado en la agrupación Eric Woolfson. Aquí el compositor juega con la dualidad del ser humano, todo ello cubierto por un cuidado trabajo de teclados que se dedican a explorar lo que las nuevas tecnologías pueden dar de sí en dicho campo.

1987 Aquí podríamos hablar del Eric Woolfson Project, ya que Alan se separa de la inicia va y ni siquiera aparece en los créditos de Gaudi. Este álbum es un nuevo homenaje a una de las grandes figuras de la historia de la humanidad, al igual que en su momento hicieron con Edgar Allan Poe. Sí es cierto que Parsons aparece como coautor de las creaciones, aunque es muy probable que únicamente se le nombrara para mantener vivo el espíritu del proyecto. El disco refleja un acercamiento a los primeros días de la banda, intentando mostrar una imagen más progresiva y buscando el lado más experimental de Alan Parsons Project. Aun así, no hay que olvidar que son los 80, con lo que la carga de so! rock está patente en composiciones como “Too Late” o “Standing On Higher Ground”.

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HIGHLIGHTS ON STAGE por África Paredes

La Broma Negra

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R E P´ O R T A J E F O T O G R A´ F I C O FM

El Twanguero

Los Toreros Muertos

Patax

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R E P´ O R T A J E F O T O G R A´ F I C O

Anita Lee Elliott

La Frontera

Stacie Collins

Virgil And The Accelerators

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R E P´ O R T A J E F O T O G R A´ F I C O

The Dictators

UFO

Dani Nel-lo

CRO ´NICAS DE CONCIERTOS

LOS MAMBO JAMBO Sala Clamores, Madrid, 20/05/2016 «¡No abuses! Mírame a mí, así me quedé de tanto abusar», espeta un recién aparecido tras la puerta de unos de los urinarios de la sala Clamores mientras señala su brillante cabeza. «Llevo años abusando», le responde con una sonrisa maliciosa Dani Nello mientras se mira en el espejo.

Capturo ese momento unos veinte minutos antes de que arranque la presentación en directo del elepé Jambology en Madrid, en un instante en el que uno de los seguidores del saxofonista da su opinión sobre el uso en exceso de gomina a uno de los rockers que desde décadas atrás llevaron el tupé como seña de iden!dad. De ahí esa sonrisa de Dani como queriendo decir: «¿a tu padre la vas a enseñar a hacer hijos?» Y es que Nel-lo es un dandy del rock and roll, ya sea luciendo chupa de cuero o traje y camisa retro a lo pachuco, al igual que ha representado y siempre representará la imagen de uno de los músicos nacionales más fieles con su historia. Un talento que ya desde “Lago Salado”, pieza frené!ca que abre Jambology y que sirvió para iniciar su show en la Clamores, demostró poseer unas tablas y un saber hacer sobre el escenario únicos; algo que sin duda se puede extender al comportamiento de Iván Kovacevic, Anton Jarl y Dani Baraldés, tres instrumen!stas con precisión y ac!tud apabullantes.

Media hora antes de que los cuatro salieran del camerino a ocupar sus respec!vos puestos sobre la tarima, al público ya se le notaba proclive al baile, viendo en las primeras tres o cuatro filas a varios asistentes menearse al ritmo de la música hechicera y vigorizante que se pinchaba por el equipo de sonido de la sala. Pero luego la cosa fue a más y, ya en pleno éxtasis de la actuación de Los Mambo Jambo –sobre todo en la recta final–, un buen grupo de enfervorecidos parroquianos del cuarteto se acercó a primera línea para, al extasiado compás de Nel-lo y los suyos, agitarse como si de goma estuviesen echas sus ar!culaciones.

Un concierto que llegó a la veintena de composiciones instrumentales ejecutadas sin apenas respiro, interpretando en su totalidad –a ex-

cepción de “Antes Que Amanezca”– su nuevo Jambology, a la par que dando un repaso a piezas tan jaleadas como puede ser “El Timo” o “Carrera De Ratas”. Jairo Zabala, que ha producido este nuevo disco del conjunto, hizo de quinto Jambo en “El Úl!mo Shimmy” y se pudo escuchar un precioso tándem de guitarra junto a Baraldés.

Y para la segunda mitad dejaron dos covers extra que no desmerecieron al resto de lo escuchado aquella noche: por un lado, y a pocos temas del final apareció el “Wham!” de Lonnie Mack, versión sacada desde el fondo del corazón en honor al genio de Indiana fallecido el pasado 21 de abril a los 74 años; por el otro, y ya en los bises, la revisión de la sintonía de aquel El Hombre Y La Tierra dirigido por el naturalista fallecido en 1980 Félix Rodríguez de la Fuente. Un show tan redondo como redondo es su Jambology. por Sergio Guillén fotos por África Paredes

Iván Kovacevic

LITTLE CAESAR

Sala Boite Live, Madrid, 24/05/2016 Contaba Ron Young, vocal de la formación norteamericana Li le Caesar, que el nacimiento de una canción como “Redemp on” llegó tras una larga temporada de estar hundido y jodido por causa diversos vicios y los consiguientes excesos en los mismos. Aseguraba que solamente cuando se dio cuenta de que saliendo del hoyo sería la única forma de recuperar su carrera musical junto a los Caesar, pudo por fin afrontar la situación. Lo cierto es que durante la actuación en La Boite de este año, Young se sinceró en diversas ocasiones con su público, hablando de su amor por el rock and roll, asegurando que ellos no habían inventado nada, que únicamente seguían la senda de sus mayores, de Chuck Berry y de tantos otros. También se mosqueó con una asistente que se dedicaba a mandar mensajes de texto por su móvil mientras la banda lo daba todo en escena; aunque el bueno de Ron se lo tomó a cachondeo y únicamente le llamó la atención con varias coñas que compar ó con la sala y con un Pharoah Barre que le hacía las veces

Ron Young

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de compinche en los chascarrillos. Y aunque el cantante ró de tablet con los textos de varias de las canciones, lo cierto es que si no estabas en primera fila –como era mi caso– y veías el aparato electrónica, jamás te percatarías de que Young lo estaba usando. Es tal la entrega de este profesional que, cuando se mete en faena, la inspiración le llega por momentos y estalla en segundos.

La noche no parecía demasiado halagüeña en lo que a público se refiere, al menos en los primeros cuarenta minutos desde la apertura de puertas. No estaban programados teloneros y aun así, por mucho que pudiesen perderse sus acólitos el arranque del show, allí no había más de diez o quince personas ocupando la primera línea o despistados a lo largo y ancho de La Boite. La actuación se seguía retrasando, hasta que a pocos minutos de que pisara el escenario la banda al completo–el guitarrista Loren Molinare y el baterista Tom Morris subieron en varias ocasiones con anterioridad–, la sala de pronto se comenzó a llenar como por arte

CRO ´NICAS DE CONCIERTOS

Alex Kane

de encantamiento; de hecho, Morris llevaba ya un rato apoyado en el quicio de la puerta del camerino mirando con cierta cara de impaciencia a la espera de que entrase más público. Pero todo estaba en su si!o cuando Li#le Caesar pusieron a rodar su “Dirty Water”, un líquido que bebimos a gusto y que preparó nuestros estómagos para la estampida de dos piezas morrocotudas: “Rock And Roll State Of Mind”, todo un clásico y ya un verdadero himno de la banda, y “God’s Crea!on”, verdadero detallazo pues este single perteneció a Name Your Poison, o lo que es lo mismo, el primer EP del grupo editado allá por 1989. De hecho, luego pude comprobar que este tema no lo habían listado en el setlist de gira, y que una vez impreso el mismo lo habían añadido a mano –al igual que “Dirty Water”, que inicialmente aparecía como posible composición para tocar en los bises–. A par!r de “God’s Crea!on” fueron pasando por los instrumentos del quinteto tonadas resolu!vas como “Hard Rock Hell”, “Down And Dirty”, “I Wish It Would Rain” (la versión de The Tempta!ons que tan bien han sabido hacer suya), “Crazy Ge$ng Lazy” o “American Dream”, la que la banda reconoce como su “canción polí!ca”, su crí!ca par!cular a unos Estados Unidos de América en los

que te puedes encontrar a un gran número de futuros votantes defendiendo la campaña electoral del fascista Donald Trump –Molinare incluso aseguró que, como ganase el magnate, se venían a vivir a España–. «Every picture tells a story», que exclamaría alguien del público y que Young junto a los Caesar recuperaría en el úl!mo bis de la noche homenajeando a Rod Stewart.

Esta gira 2016 está sirviendo para presentar a Alex Kane, el nuevo segundo guitarrista del combo. Con su su chulería punk se ganó inmediatamente al público, aunque Loren sigue siendo el hombre tocado por la electricidad y se consigue todas las miradas. Con una ajustada camiseta que rezaba Motor City Is Burning. Detroit 1968 y sin desprenderse de sus gafas de sol –gafas de rock, que dirían los Burning–, Molinare no paró quieto durante todo el concierto. Si no te fijas en sus arrugas y te centras en la pericia que demuestra para tocar la guitarra mientras salta, hace gestos, se recorre el escenario y se agita de manera compulsiva, te aseguro que no le echas más de dieciocho años. por Sergio Guillén fotos por África Paredes

Para ver más imágenes de estos conciertos y de muchos otros cubiertos por nuestra fotógrafa África Paredes, entra en: https://www.flickr.com/photos/africaparedes/albums

TIM BURTON: SIMIOS, MURCIÉLAGOS Y JINETES SIN CABEZA

(David G. Panadero y Miguel Ángel Parra, Diábolo Ediciones) Incluso en sus proyectos menos personales, el director Tim Burton ha demostrado ser el portador de una marca par cular, destacándose como uno de los más importantes creadores de los úl mos treinta años. Centrándose en su arrolladora faceta de autor, los escritores David G. Panadero y Miguel Ángel Parra tratan de desentrañar en esta obra los secretos que encierra la imaginación de este gran cineasta nacido el 25 de agosto de 1958 en Burbank, California.

El recorrido que realizan los autores de este cuidado y magníficamente ilustrado trabajo (no podía ser menos, si tenemos en cuenta que nos encontramos ante uno de los ar stas más visuales del Sép mo Arte actual) es ciertamente completo, abarcando todas las aportaciones que Burton ha legado a la cultura popular hasta la fecha de publicación del mismo. A través de divulga vas reseñas donde comentan muy diversos detalles de cada una de las películas que conforman la rica y diversa filmogra a de Tim Burton, Panadero y Parra ofrecen al lector interesado en la

La Novia Cadáver 44

figura del cineasta una visión global y entretenida de todo lo que se cuece en su atribulado cerebro. Resulta par cularmente loable que los autores se mojen con opiniones personales y crí cas (alabo la valen a que enen a la hora de señalar los defectos que, a su juicio, presentan los dos úl mos Batman de Christopher Nolan) que animan al lector a reflexionar sobre determinados aspectos de los films. También es precep vo decir que cada película se acompaña de su respec va ficha.

Aunque los úl mos trabajos de Tim Burton no han alcanzado la excelencia demostrada en muchos de sus largometrajes mí cos, al terminar de leer este libro coincidiremos con los autores a la hora de esperar con ilusión su siguiente y ya cercana película: El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares. Indudablemente, el sello Burton seguirá dando que hablar en los próximos años. por Andrés Puente

LIBROS

The Black Crowes

THE BLACK CROWES, DEL NIDO A LAS RAÍCES

(Marc Guitart, Editorial Milenio) ¿Recordáis aquellos finos libros de la Colección Imágenes De Rock que en los años 90 popularizó la editorial valenciana La Máscara? Aquellas ediciones que se alimentaban ante todo de un copioso material fotográfico y que de paso le echaban una ojeada a lo más variado del mundo del rock y el pop en forma de biogra!as excesivamente concretas. Tal vez no fuesen los mejores trabajos de inves"gación musical –seguramente debido al poco número de páginas que imponía la editora–, pero antes del aterrizaje defini"vo de Internet en nuestras vidas, estos libros nos permi#an meternos más de lleno en las historias de grupos como AC/DC, Van Morrison, Neil Young, Kiss o The Black Crowes, por citar cinco; siendo en su mayoría las primeras biogra!as que se escribían en castellano de los ar"stas o grupos escogidos.

De muchos de estos grupos, más allá de la Red de redes, hemos podido leer largo y tendido en posteriores obras de estudio más cuidadas; sin embargo, algunas de aquellas bandas que salieron en la citada colección, como es el caso de Los Cuervos Negros, no habían vuelto a tener su espacio en las

publicaciones de las editoriales de libros musicales. Marc Guitart, con el apoyo de la editorial catalana Milenio, vienen a subsanar esta falta de vista por parte de la industria.

The Black Crowes, Del Nido A Las Raíces es un trabajo perfectamente realizado por Guitart, un amante de la música que llegó tarde al universo The Black Crowes pero que lo hizo con convicción y entrega. Esto le ha llevado a ser un especialista en la carrera de una banda que no pocos llevamos siguiendo y amando desde sus primeras grabaciones. Cualquier admirador de la agrupación de los hermanos Robinson se podrá sen"r orgulloso con lo aquí presentado, al "empo que los neófitos en esto del rock tendrán un punto de par"da para comenzar a inves"gar en la discogra!a de uno de los conjuntos más injustamente tratados por cierta parte de la escena. Un nuevo acierto de Milenio y un buen arranque de Marc en lo que a libros musicales se refiere. por Sergio Guillén 45

HEAVY 1986

(Miguel B. Núñez, Sapristi) Sólo un dibujante como Miguel B. Núñez podría haber realizado un tan espléndido trabajo como este Heavy 1986. Y digo esto pues únicamente alguien que vivió en sus carnes lo que era sen!rse y ser heavy en quel periodo puede realizar tan emocional viaje en el !empo.

Hay aquí un retrato de todo lo que significaba ser amante del rock duro y el heavy en un decenio que perfectamente podría ir de 1983 a 1993; y es que, como ya debería entender cualquier historiador, en realidad no se nota el salto del paso de una década a otra hasta que no transcurren dos o tres años, y en el heavy metal también se pudo apreciar: Savatage publican el fantás!co

Streets. A Rock Opera en 1991, W.A.S.P. un año después ponen a la venta The Crimson Idol, etcétera.

Momentos que quedaron grabados a fuego en nuestro corazón, el recuerdo de aquellos días en los que alguien se te cruzaba de acera por llevar el pelo largo, en los que una camiseta de un grupo decía mucho de !, de tu rebeldía, muchos años antes de que Zara las vendiese como pipas para hipsters del postureo. Años en los que la letra de una canción o un riff de guitarra te podían arreglar el día o rasgarte las entrañas –como a muchos nos sigue pasando–. De diez. por Sergio Guillén

GILLIAMISMOS. MEMORIAS PREPÓSTUMAS

(Terry Gilliam, Malpaso Ediciones) Para los que aún andan en primero de pythonismo y no han pasado de un #mido acercamiento a la carrera del conjunto de ar!tas humorís!cos Monty Python, puede que Terry Gilliam sólo signifique aquel !po que menos espacio tenía a la hora de actuar, el que al ver los sketches parece por lo general terminar ejerciendo de adlátere de los protagonistas de las mejores bromas. Sin embargo, cualquier amante de la hilaridad de este grupo de talentos bien conoce la primordial valía del actualmente desaparecido Terry.

Gilliam, el único norteamericano en ese universo de humor bri"sh que siempre han representado los Python, fue uno de los profesionales más completos de su generación: comediante, animador, director de cine, actor, guionista. Mente siempre inquieta que sirvió para ampliar el mundo conceptual de sus compañeros y que creo muchas de las imágenes icónicas que ya son marca recono46

cible del que fuera el sexteto por antonomasia de la carcajada inglesa.

Gilliamismo nos ofrece unas memorias vibrantes, en todo momento trufadas de instantes realmente interesantes para todo admirador del gran trabajo realizado durante décadas por el ínclito Terry. De hecho, y a modo de extras en formato de memorabilia, Gilliam ve esparciendo aquí o allá a lo largo de las páginas de este libro muy diversas imágenes de su vida que no duda en comentar a los lados, cabeceras o pies del texto principal, pergeñando unos añadidos que parecen puro recortable, pequeñas fichas del recuerdo que dan incluso más valor al resultado final. Un libro obligado para toda clase de pythonistas, la mejor manera de llegar al que fue uno de los núcleos principales a la hora de parir el imaginario Monty Python. por Sergio Guillén

LIBROS ¡VAMOS A MORIR TODOS!

(Pedro Delgado Cavilla, Diábolo Ediciones) Libros como el que me ocupa, obra que materializa un entretenido cajón de sastre en el que hallar las tramas y personajes más insólitos o paranormales que han surcado el Sép mo Arte, pueden en ocasiones quedar como meras compilaciones de conocimientos más o menos interesantes, ba burrillo de datos que al final se quedan en pura boutade. No es el caso del trabajo aquí realizado por Pedro Delgado, un autén co todoterreno en el campo de la cultura y un cinéfilo analista con magnífico sen do del humor que pergeña para el lector un viaje diver do, lleno de paradas en las más recurridas ver entes del género de misterio y terror en pos de dar explicación y sen do final a muchas de las historias con las que la pantalla grande nos ha cau vado, hecho temblar o, simplemente, aterrorizado.

Un completo paseo que sobrepasa las doscientas treinta páginas, todas ellas ilustradas con carteles, imágenes promocionales y fotogramas de largometrajes como La Mujer Y El Monstruo, Nosferatu, La

Casa Encantada, The Blob, No Profanar El Sueño De Los Muertos o Ceremonia Sangrienta, por citar algunos de una larga lista. Ya se había podido leer hace unos años una obra con similares premisas publicada por Bubok, la tulada El Terror Desconocido; sin embargo, aquel libro, aunque también hacía dis nciones por las diferentes ramas del árbol del cine de sustos, transitaba por cada apartado realizando análisis de entre cinco y diez filmaciones escogidas. Aquí, por el contrario, Pedro materializa su andadura hablando sobre cada una de esas ramas y, según se va adentrando en las razones de la existencia de todas ellas, va exponiendo ejemplos de películas, sus curiosidades e historias ocultas. En defini va, son obras complementarias y que rompen con el sota, caballo y rey de cierta línea de publicaciones versadas en el cine de género. por Sergio Guillén

Creature From The Black Lagoon 47

EL BLUES De Carne y Hueso Skin & Bones, piel y huesos, qué mejor tulo para mostrar lo que siento y cómo lo siento a lo largo de estos nueve temas, compuestos a finales del 2015.

El disco has sido grabado los tres a las vez, sin metrónomo, para conservar la naturalidad de un concierto. Hemos estado en total tres días y tres tardes nosotros y todos los amigos que han colaborado.

El horizonte sonoro es mucho más abierto que en anteriores discos.

01. Ra lesnake Es el tema más blues-rock del disco pero con un toque más moderno. Perdida en mitad del desierto y envenenada, no hay salida. Fue el tema con el que arrancamos la grabación.

02. Goin’ Down South Es la pincelada bluesgrass, sureña. “Goin’ Down South”, voy al sur, hablando con humor de que, entre comillas, soy sureña pues soy extremeña; para mí ir a mi !erra es ir al sur. De ahí que la parte rápida del final, en lugar de inglés, de la cuenta en español.

03. Red Lips El tema más pegadizo del disco. Cuando el amor hace que dos pierdan la cabeza, el !empo se de!ene en un beso con labios rojos.

04. Sunset’s Glaze El verano pasado estuve haciendo unos conciertos por California, y antes de llegar a Los Ángeles, paré en una playa espectacular, tranquilidad absoluta y unos colores del atardecer tremendos. Me quedé enamorada de ese paisaje y pensé que tenía que hacer una canción que ambientara esto. Y así surgió la canción.

05. Dusty Road El toque southern rock más setentero del disco. En la carretera polvorienta buscando el camino que me lleve de vuelta a casa.

06. Let Your Light Shine No tengas miedo en mostrar cómo eres y cree en !. Después de la tormenta, siempre viene la calma.

07. Skin & Bones Mucha más piel y huesos que en otros discos. Tiene un toque rockabilly y un 100% de power trio.

08. Stop Drivin’ Me Crazy En este tema de casi seis minutos, dos minutos y medio son improvisados. Pudo haber salido mejor o pudo haber salido peor, pero así salió; al igual que pasa en un concierto, es lo que lo hace especial.

09. Righ On Time Espero que sea el tema que llega justo a !empo para que termines de escucharlo y vuelvas a poner el disco.

por Susan Santos 48

L A F´ I R M A I N V I T A D A

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ROTOS POR LAS COSTURAS Rotos Por Las Costuras es el nuevo disco de Motores. Después de sólo un año y medio de la salida de Canibal De Lo Ajeno nos hemos decidido a editar un nuevo disco, con lo que cerramos el círculo emprendido tras nuestra reunión de 2012, con dos discos y un DVD, en este caso en versión CD y vinilo, con el anterior disco en la cara B. Lo grabamos y mezclamos entre Vigo y Madrid y con nuestro productor de los úl!mos !empos, Suso Ramallo, la persona que mejor nos conoce y saca ese sonido simple y orgánico que buscábamos.

Al incorporar un nuevo guitarra y ser tres, hemos aumentado las melodías y armonías sin perder ni un poco de la fiereza que caracteriza al grupo. Una de las caracterís!cas de esta grabación es que la hemos querido hacer tocando a la vez y después añadir los detalles; eso hace que suene más compacto y directo, el sonido es igual que el que tenemos sobre un escenario.

01. De Lo Malo Lo Peor Es un tema muy directo que entra rápido en la cabeza, con mucha caña y que se nos ocurrió a par r de la frase que da tulo al tema; solo teníamos eso y la melodía fue surgiendo tarareando en el coche diferentes melodías que grababamos con el móvil. A veces los mejores temas surgen de ideas muy simples. La letra la desarrolló Gonzalo con su habitual maestría y es una visión un tanto pesimista de la vida pero con su punto de humor, entra rápido por el oído.

02. Vér!go Es el single del disco, armonías de guitarra muy poderosas que se te cuelan en la cabeza como un virus.

Pedazo de letra de Gonzalo que trata de sen mientos muy personales sobre las relaciones y un solo de guitarra impresionante de Gerardo, que seguro gustara mucho. Hemos hecho un videoclip del tema que se puede ver en Youtube y en nuestra Web. Nos encantó grabar este tema porque no nos cansába50

L A F´ I R M A I N V I T A D A mos de oír el riff de guitarra, seguro que será un clásico del grupo.

03. Rotos Por Las Costuras Empieza con un riff muy rockero que da paso a uno de los mejores estribillos que hayamos compuesto, según mi punto de vista. La letra se ocupa de la descomposición de este país y de nuestras vidas en manos de polí cos y banqueros. Un rock and roll en-

durecido que de seguro enganchará a mucha gente.

Hemos experimentado con alguna guitarra acús ca y buenos coros, creo que ha sido un paso composi vo importante para un grupo como Motores. Fue el úl mo tema que grabamos y se acabó unos minutos antes de empezar a grabar; no teníamos casi nada y salió como por arte de magia en poco empo. A veces pasan cosas como esta y creo que por eso suena tan fresco, me encanta.

04. Pecados Para mí, el tema a descubrir en este disco, una letra muy introspec va pero con un estribillo brillante y esperanzador, con muchas armonías de guitarra y un gran nivel composi vo. El estribillo me emociona cada vez que lo escucho y me parece sencillamente genial, ni nos imaginábamos que quedaría así cuando comenzamos a grabar el tema. Coros que nunca nos habíamos atrevido a hacer y frases como “el perro maltratado pide ser acariciado” que se me clavan en la cabeza como agujas. Con el empo será uno de los temas más apreciados por su laboriosidad, es el !pico tema escondido de los discos.

05. Ulises Íntegramente compuesto por Gonzalo, sigue la línea de estribillos contagiosos que se te cuelan en la cabeza y estrofas que pueden recordar a nuestro disco Día Perfecto. La línea de voz es dis nta a lo hecho hasta ahora en el grupo y abre los registros ya conocidos, una mezcla entre lo más cañero y lo más melódico de Motores. Un tema que queda clavado en el alma en cuanto lo escuchas.

06. Carroñero Versión en acús co de nuestro clásico del Noche De Lobos; tras subir a las redes este tema grabado con un móvil y ver el éxito que tenia, decidimos hacerlo en condiciones, solo dos guitarras y voces, grabado en directo, simple a más no poder. Siempre he pensado que un buen tema suena bien hasta con una guitarra y voz solamente, este es el caso. Se ha grabado en una sola toma, sin repe ción, suena fresco y dis nto, algo curioso para los que ya conocen el tema y novedoso para los que no lo conocen; para nosotros, un momento de diversión.

por Carlos del Río (Motores)

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M A T R ´I C U L A S D E H O N O R Bo Diddley no es un ar sta de rock & roll al uso. Su es lo e innovación musical dentro del citado género le ganaron el sobrenombre de The Originator. Durante décadas centenares de jóvenes, que pretendían acercarse a la guitarra con rítmica al igual que crudeza blues, han confiado en un LP de este guitarrista y vocal tulado cual Bo Diddley (1957). La embriagadora sexualidad cercana al tam tam de la jungla que salía de los parches de sus bateristas contrastaba con unas canciones cercanas pero deudoras a la raíz negra con guitarra de palo. por Sergio Guillén

BO DIDDLEY Go Bo Diddley (Chess, 1959)

Ellas Otha Bates –nombre verdadero de Diddley– atesora en aquellos inicios la par cularidad de ser el autor de casi el noventa por ciento de sus composiciones, de todas si nos fijamos en los sencillos más exitoso y perdurables. Go Bo Diddley, siendo pareja de su debut, resulta un trabajo algo desconcertante, con un cantante que se aleja de la explosión calienta palmas y destroza caderas para primer corte que había sido “Bo Diddley” en su anterior vinilo –no hay que olvidar que su lanzamiento en larga duración del 57 realmente era el compendio de los singles editados desde dos años antes–.

“Crackin’ Up” conjura un medio empo lánguido y “I’m Sorry” moldea uno de esos lentos que en los guateques causaban sensación, prenda con costuras 52

de doo wop en el segundo plano que man ene su línea de coros The Carna ons. La esencia tribal en estructuras de la base de ritmos se adorna con la ejemplificada “Bo’s Guitar” –de piano alocado y sin notas o rumbo fijo– o compar endo chanzas con su hombre de las maracas Jerome Green (“Say Man”).

“The Great Grandfather” obligatoriamente debió nutrirse del “Sixteen Tons” escrito por Merle Travis e inspirar el “Alcohol” de The Kinks. La réplica a “I’m A Man” de su anterior redondo pisotea con botas de campero desde “Oh Yeah”, mientras “Don’t Let It Go (Hold On To What You Got)” construye uno de los primeros puentes del wringin’ and twis!n’ afroamericano hasta el, en menos de un quinquenio, resplandeciente twist. De escándalo.

´ Nueva Orleans es Fats Domino al igual que Fats Domino es Nueva Orleans, el orden de los factores no altera el producto. Nacido Antoine Dominique Domino el 26 de febrero de 1928 y ya como el eterno Fats Domino, el pianista y cantante había plantado las bases del rock & roll en su tema “The Fat Man” en una fecha tan remota como 1949.

De ahí a la gloria y, como se suele decir, el cielo es el límite. Ni más ni menos que 35 singles en el Top 40 entre 1955 y 1963 dan una idea de la leyenda de Fats Domino. por Andrés Puente

FATS DOMINO A Lot Of Dominos (Imperial, 1960)

En 1960, año en el que se publica A Lot Of Dominos, el es!lo prac!cado por el ar!sta negro comenzaba a a!sbarse desfasado ante la llegada de los conocidos como teen idols, aunque eso a él parecía importarle un comino. Su piano seguía generando esas secuencias de puro boogie-woogie, al !empo que su voz cálida y carismá!ca con!nuaba dibujando sonrisas en sus oyentes. El espíritu de Luisiana cristalizaba en una canción como “Walking To New Orleans”, un clásico imperecedero del r&b que rivalizó en popularidad con su “Ain’t That A Shame” de 1955. Los arreglos de cuerda, presentes a lo largo de todo el LP, acercaban la grabación a los terrenos del pop del Edificio Brill (ese inicio con “Put Your Arms Around Me Honey” es impagable), aunque siempre surgía el

saxo sudoroso para recordar dónde se encontraba el meollo del asunto.

“My Girl Josephine”, otro de los clásicos de los que se puede disfrutar en A Lot Of Dominos, acentuaba la faceta rockera de Fats Domino, quien siempre fue referente imprescindible para The Beatles. De hecho, uno de los temas que el grupo gustaba de interpretar en sus primeros años no era otro que “The Sheik Of Araby” –presente en sus históricas grabaciones para Decca de 1962–, aquí en la tremebunda visión de Fats Domino y su banda, todo un derroche de swing. A pesar de mantenerse en sus trece ante el arranque de la nueva década, el ar!sta ofrecía un producto incorrup!ble y pleno de vitalidad que jamás cansa ni aburre medio siglo después.

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