Renacer Eléctrico Music Magazine. Agosto 2016

LA REVISTA DONDE CONFLUYEN TODAS LAS MÚSICAS

´ RENACER ELECTRICO AGOSTO 2016

MUSIC MAGAZINE

BUFFALO SUMMER TRACK DOGS ANA BÉJAR TED POLEY MOTÖRHEAD ELVIS COSTELLO JOE LYNN TURNER

THE ALAN PARSONS PROJECT

MÁS ALLÁ DE LOS LÍMITES DE LO REAL PHANTOM 5, THE GACHISES, VINEWALTZ, YOGURES DE COCO, ALIASING, JORN WITHEM, FIRST SIGNAL, JORDI CASTILLA, VEGA, LUTER, LLUM PEPA & THE BEATS, TOKIO

Agosto de 2016

SUMARIO

04. CRÍTICAS DE DISCOS. PHANTOM 5, ALIASING, TED POLEY, MOTÖRHEAD, JORN, JORDI CASTILLA & CARTA MAGNA, WITHEM, FIRST SIGNAL, SUNSTORM, DAN REED NETWORK, ANA BÉJAR, VEGA, LUTER, LLUM PEPA & THE BEATS, TOKIO, MATHILDA, EDU QUINDÓS, YOGURES DE COCO, THE GACHISES, VINEWALTZ, BUFFALO SUMMER.

26. CRÓNICAS DE CONCIERTOS. THE ALAN PARSONS PROJECT.

34. LIBROS. EL HOMBRE DE LOS DADOS, ELVIS COSTELLO. MÚSICA INFIEL Y TINTA INVISIBLE, LUCHA DE GIGANTES.

36. LA FIRMA INVITADA. TRACK DOGS

Dirección: Sergio Guillén Redacción: Andrés Puente, Sergio Guillén, Fat Professor, María Manuela Cortinas y Julio L. Tecglen Fotografía: África Paredes Diseño y maquetación: Sergio Guillén Encargado Facebook: Sergio Guillén / Encargada Twitter: África Paredes Contacto: renacerelectrico@hotmail.com Foto portada: África Paredes RENACER ELÉCTRICO MUSIC MAGAZINE no se hace responsable de ls opiniones vertidas por su colaboradores y anunciantes ni se identifica, necesariamente, con las mismas.

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PHANTOM 5 (Phantom 5, Frontiers Records) En los úl mos empos se ha u lizado el término supergrupo con excesiva ligereza; pero no es el caso si uno se refiere a Phantom 5. Estamos ante un quinteto con algunos de los profesionales más respetados de la escena germana del hard and heavy, proyecto que cuenta a la voz solista con el ínclito Claus Lessman (Bonfire). Sin embargo, tampoco es un aprendiz el músico que se encarga de las guitarras y coros; y es que Michael Voss, la voz principal de Mad Max y Casanova (dos referentes incues onables de la historia rockera alemana), es el segundo gran reclamo de esta banda. Por no hablar del ex Scorpions Francis Buchholz, el Jaded Heart Axel Kruse o el guitarrista Robby Boebel, de la banda de culto de hard melódico Frontline.

Vaya por delante que teniendo en la sala a Voss, úl mamente prestando sus servicios en las giras de Michael Schenker, casi que le hubiese preferido como vocal principal en lugar de mero corista en

Phantom 5 04

cuanto a las partes cantadas se refiere. O, al menos, que el disco lo hubiesen interpretado a pachas Michael y Claus, unos temas uno y dejando otros tantos para el otro; y es que no se puede tener al excepcional Michael Voss y únicamente mantenerle ocupado con las seis cuerdas... y menos en un disco como éste. Y es que hablo de un álbum más que destacable de hard melódico, compuesto por el trío Lessman-Voss-Boebel, o lo que es lo mismo, distanciado de la línea bastante predecible del jefazo del sello cuando se le ocurre montar una de estas reuniones de talentos.

Recuerdos en el sonido a algunas de las bandas por las que han pasado estos músicos, aunque Bonfire sea el nombre con el que mayores similitudes se hallan. Rock duro a la alemana con pegada y gusto, un grupo que no debería ser flor de un día. por Sergio Guillén

C R ´I T I C A S D E D I S C O S

Aliasing

SPELL RISING (Aliasing, Log Lady Records) No te equivocas si hablas de Aliasing como de una propuesta musical adicta al horror-punk; pero igualmente, si te quedases con ese referente como único gancho, no estarías abriendo los oídos a las canciones que en realidad graba este quinteto. Hay ese amor por el terror de serie B y por las guitarras cortantes con conexión punk, así es, aunque igualmente hallas aquí un hermanamiento claro con agrupaciones de lo-fi tales como Parálisis Permanente, sus herederos Los Carniceros Del Norte o los mexicanos Kompadres Muertos, sin olvidar a las leyendas del gó!co cavernoso angelino Chris!an Death.

También se siente una vena glam que llega por vía del mundo creado por el genial Richard O’Brien,

aunque con más oscuridad en las ejecuciones del rock and roll de ultratumba.

Aliasing, cantando la totalidad de este CD en inglés, redondea un álbum notable, de esos trabajos cuyo corpus esté!co y sonoro ya se empezaba a echar en falta en nuestro país. Por supuesto que a día de hoy existen grupos en la Península como los barceloneses Motorzombis o los ya citados Los Carniceros Del Norte de Vizcaya, pero son pocos y merece la pena que lleguen refuerzos como los que se materializan gracias a las canciones de este disco. Son, sin duda, buenas no!cias. por Sergio Guillén 05

Ted Poley

BEYOND THE FADE (Ted Poley, Frontiers Records) Bien es sabido que Vega es uno de los grupos que mejor le está funcionando al sello Fron ers Records, por lo tanto alguien se debió hacer la siguiente pregunta: ¿por qué no poner a los hermanos Tom y James Mar n, ambos componentes del citado quinteto, a componer para otros fichajes del sello? Este nuevo trabajo de Ted Poley es un claro ejemplo de cómo existen ar stas que han nacido para encontrarse. La verdad es que si me lo hubiesen dicho hace unos años no lo habría creído, pero cierto es que las canciones de los Mar n dan una nueva juventud a Poley. Eso sí, que nadie espere aquí encontrar refritos de “Rock America” o “Beat The Bullet”, que nadie se siente en el sofá esperando una u otra referencia a Danger Danger, pues Beyond The Fade, gracias a lo citado, ene cuerpo propio.

Y aunque el grueso de la obra lo han escrito Tom y James junto a Mikey Wilson, sería un pecado olvidar una composición excepcional como “Hands Of Love”, ideada con total acierto por el mejor Joe 06

Lynn Turner y Tony Bruno. Como detalle curioso, el oyente se podrá topar con Isabell “Issa” Øversveen ejecutando un dueto con Ted en la canción “The Perfect Crime”. Issa, una de las protegidas del sello, a la que se vende como parte de una nueva generación de vocales femeninas llegadas para tomar el relevo de Robin Beck o Alannah Myles, cumple y ofrece un acicate extra.

Es curioso a la postre percatarse de que los diferentes pedazos de Danger Danger han terminado en el mismo sello y editando álbum casi al empo. Hace unos meses hablábamos de The Defiants, proyecto de Paul Laine, Bruno Ravel y Rob Marchello, y ahora tenemos aquí este delicioso –aunque bastante pobre en lo que a producción se refiere para un lanzamiento de estas caracterís cas– álbum de Poley. ¿Quién da más? por Sergio Guillén

C R ´I T I C A S D E D I S C O S CLEAN YOUR CLOCK (Motörhead, UDR Records) El 28 de diciembre de 2015 fallecía el músico y cantante británico Lemmy Kilmister, apenas un mes después de que se grabase este nuevo trabajo en estudio que ahora presenta UDR Records. Murió de un cáncer extremadamente agresivo, así que hay que darse cuenta del valor que ene el que el propio Lemmy, en esas circunstancias, siguiese al pie del cañón sobre los escenarios como si su carrera acabase de empezar. La grabación de Clean Your Clock, expresión que en jerga viene a significar “un golpe en la cara”, fue idea del propio sello: se iban a realizar dos conciertos en días consecu vos en la germana ciudad de Munich con todas las entradas vendidas, por lo que, ¿por qué no capturarlo todo en una completa edición en CD y DVD? El resultado es un lujoso trabajo donde Motörhead hacen lo que mejor se les da: subirse a un escenario y revolucionar a la audiencia con su descarga escalofriante de rock frené co y sin concesiones a la galería. No deja de sorprenderme la fuerza de voluntad de Lemmy en un momento tan crí co; de

hecho, se le nota en la voz el calvario por el que pasa, pero ni el peor de los cánceres haría que Kilmister redujese lo más mínimo su lista de temas para el directo. Y es que en esta edición, en la que se puede disfrutar de un concierto cuidado en cuanto a setlist y efectos de escena se refiere (el monstruoso esqueleto del clásico avión moviéndose sobre las cabezas del trío, las luces efec stas), se presentan dieciséis balas (“Bomber”, “Stay Clean”, “Doctor Rock”, “Orgasmatron”, “Over The Top”, “Metropolis”, etcétera, etcétera) en el cargador de un fusil ametrallador que siempre da en el centro de la diana.

El lanzamiento se redondea con un precioso diorama en el que se captura a la perfección la que podría ser una de las imágenes "picas con las que el seguidor de Motörhead se topaba en sus directos.

Una obra póstuma que captura la grandeza de un trío inolvidable. por Sergio Guillén

Lemmy

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HEAVY ROCK RADIO (Jorn, Frontiers Records) ¿Existe algún nexo de unión entre los discos de directo y los álbumes de versiones? En ocasiones sí que existe, sí. Hay casos en los que, más que ser algo querido o planeado por la banda como autén co deseo, como anhelado siguiente paso, no es otra cosa que una manera de cumplir con cláusulas contractuales del po: habéis fichado por cinco discos y aún me debéis uno; por lo que el grupo que no ene nuevo material, y no está entre sus planes el ponerse a la faena en un corto espacio de empo, halla en estos dos pos de ediciones una tabla de salvación. ¿Es éste el caso de Heavy Rock Radio, el nuevo álbum de versiones de Jorn Lande? Pues, sinceramente, lo dudo mucho. Desde 2000, y bajo su nombre, el cantante noruego ha ido casi a disco por

Jorn Lande 08

año –cuando no se plantaba, entre grabaciones de estudio y directos, con tres obras discográficas en apenas trescientos sesenta y cinco días–.

Por lo que lo suyo no es dejadez, todo lo contrario... es que el po, si cada pocos meses no está me do en un estudio dando forma a más y más canciones, sean originales o versiones, no es capaz de encontrar el disfrute.

Si Dio era un trabajo homenaje a la música que el desaparecido Ronnie James grabó tanto bajo su apellido ar!s co como junto a Black Sabbath o Rainbow, este nuevo Heavy Rock Radio es un repaso de Jorn a canciones que, sin necesariamente estar adscritas al género que proclama el !tulo del CD –aquí hay piezas de los Eagles, Kate Bush o John Farnham, por ejemplo–, han marcado

C R ´I T I C A S D E D I S C O S los gustos melómanos del ar sta. De hecho, me resultan muy interesantes los apuntes que deja en el libreto el propio Lande, ya que habla como admirador de la música, lejos de postureos para ganarse a la parroquia heavy.

Las versiones aquí recogidas están grabadas con la suficiente gracia como para que no parezcan simplemente fusiladas o queden, a la postre, aquejadas de un recorrido lineal. Además, y es algo de lo que se enorgullece el propio Jorn en los textos explica vos, no siempre lo que el oyente escucha en este elepé son temas revisados mil veces por grupos, grupos y más grupos. Y es que no existen muchas versiones, que yo sepa, del “Live To Win” de Paul

Stanley –por no decir ninguna– o del “The Final Fron er” de Iron Maiden; luego, eso sí, hay cosas más trilladas, como el “Hotel California”, aunque el vocalista y su banda procuran sacarle un extra que al menos diferencie el resultado y no se encuadre en la clásica versión. Ahora bien, su amor por Dio y por la voz de David Coverdale, al que sabe muy bien imitar cuando la ocasión lo requiere, le han llevado a meter también tres piezas como son “Die Young” (Black Sabbath), “Stormbringer” (Deep Purple) y “Rainbow In The Dark” (Dio). En defini va, un buen álbum de covers que engancha. por Sergio Guillén

Jordi Castilla & Carta Magna

MÍRATE (Jordi Castilla & Carta Magna, Rock CD Records) Hace cuatro años reseñaba el segundo álbum de Jordi Cas lla & Carta Magna. Poco ha cambiado en el sonido de la banda sevillana en este tercer disco de larga duración, habida cuenta de que siguen apostando totalmente por un rock melódico muy clásico con un elevado factor pop. En este sen do, se puede afirmar sin duda alguna que han vuelto a dar en el clavo.

Afirma el grupo en las notas interiores del libreto que el período transcurrido entre Si Estás Aquí... y el momento actual ha sido una etapa dura. Esto, unido a las su les aunque percep bles diferencias de sonido y producción entre las canciones que forman parte de este trabajo, me hace suponer que este disco se ha compuesto y grabado en un amplio lapso de empo. Aparte 09

de esto, Jordi Cas lla & Carta Magna han contado con muy diversas colaboraciones (algunas del nivel de Rafa Mar n y Pete Lesperance, de Harem Scarem), lo cual afecta un tanto a la cohesión interna del álbum. Sin embargo, es de ley reconocer que los temas son efec vos y pegadizos y que la formación ha alcanzado un sonido propio en el que los teclados y los coros (Ana Perea y Daniel Hidalgo) se antojan fundamentales.

Una vez más, Jordi Cas lla & Carta Magna se la han

jugado y la mano ha sido sin duda ganadora en la mayoría de las ocasiones. Estos señores han inver do su empo y su dinero (recordemos que Rock CD Records es una plataforma de autoedición) en mantener vivo su sueño y han logrado de nuevo un resultado notable que contribuye a alimentar el género del rock melódico en nuestro país. Por lo tanto, sólo me resta decir una palabra: adelante. por Andrés Puente

Withem

THE UNFORGIVING ROAD (Withem, Frontiers Records) Acabo de descubrir a esta banda y reconozco que tras la primera escucha de los temas que abren The Unforgiving Road me ha entrado la sensación de encontrarme con unos con nuadores de lo ya ideado por un proyecto tan especial y excepcional como A.C.T. No digo que resulten a la altura de aquéllos, pues eso ya sería para estar descorchando botellas de champán lo que queda de 2016, pero sí hallo una libertad a la hora de trabajar melodías y progresiones que les alejan de esa pega na que se les quiere poner de banda de metal progresivo reconocible.

Se habla de mixturas entre Circus Maximus y Dream Theater, y quizá encuentro más de los segundos 10

que de los primeros; y cuando hablo de concomitancias con los Theater, hago referencia a esas miras desprejuiciadas que han sabido demostrar con los años. Withem son más metálicos que A.C.T, y no pretenden ocultarlo, pero su acercamiento en las partes melódicas es digno de respeto. En la balanza saben pesar la fuerza y la delicadeza para que puedan nivelarse por el bien final de un álbum equilibrado y lleno de detalles que trufen de emoción canciones complejas. por Sergio Guillén

C R ´I T I C A S D E D I S C O S ONE STEP OVER THE LINE (First Signal, Frontiers Records) ¿Hacía falta el regreso de First Signal?

Permi dme que comience mi reseña lanzando esta pregunta al aire, permi dme esta licencia. First Signal aparecía en 2010 como el pico proyecto de la casa Fron ers para mantener en ac vo y con ciertas mo vaciones a ar stas del sello –en este caso a Harry Hess, miembro de Harem Scarem–.

De aquel elepé homónimo se puede decir que funcionaba, y punto. Ahora, seis años después, manteniendo sólo el gancho que pueda ofrecer el apellido Hess, y con un plantel de músicos por lo demás diferente al ya conocido en aquella primera grabación, Harry regresa producido por Daniel Flores, que ha tomado el relevo a un Dennis Ward que ya no aparece en los créditos ni para dar los buenos días –no está ni en labores técnicas ni a los instrumentos–.

One Step Over The Line es un trabajo totalmente prescindible, donde se echan en falta las piezas de Richard Marx o los hermanos Tom y James Mar n

(Vega), que sí eran parte del disco de presentación. Y hallamos aquí a un Harry Hess al que se le subraya como máximo representante del proyecto, pero que a la postre únicamente se dedica a ejecutar las partes vocales y listo; además, dicho sea de paso, sin realmente entregar al oyente unas interpretaciones que conviertan al producto final en algo realmente personal –vamos, que podría haber funcionado a similares niveles con otro cantante de la escudería–.

Es lo que enen esta clase de apuestas de estudio: en ocasiones suena la flauta, pero también es más que probable que lo que reste al final de las sesiones de grabación solamente sean minutos de sopor o temas que habrás olvidado unos segundos después de haberlos oído. Una lás ma, pero así es. por Sergio Guillén

Harry Hess

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Joe Lynn Turner

EDGE OF TOMORROW (Sunstorm, Frontiers Records) En “Don’t Walk Away From A Goodbye” Alessandro del Vecchio y Simoni Mularoni, autores de casi la primera mitad de este álbum, hacen cantar a Joe Lynn Turner sobre el saber afrontar situaciones di ciles, decepciones de la vida, en las que uno debe seguir caminando hacia un futuro que se encuentra a la espera. El vocal interpreta con convicción, al igual que lo hace en los estribillos del siguiente corte del disco, la pieza que le da tulo. En algunos puntos se le nota forzado pues las capacidades no son las de antaño, pero gusta tenerle frente a un micrófono.

El problema es que no es oro todo lo que reluce, pues no todas las composiciones pergeñadas para que destaque Joe Lynn parecen mo varle o simplemente casar con sus metas a conseguir.

Claro que cuando llega “The Sound Of Goodbye”, escrita por un orfebre del rock melódico como Jim Peterik, pareciese que el asunto va a despegar a lo 12

bes a; y sin embargo, más allá de un teclado retro resultón, al resultado le falta chispa. Puede que sea la interpretación de Turner o la línea base del tema mismo, pero los fuegos ar ficiales no iluminan el cielo. Del Vecchio y Mularoni aparecen también en la segunda mitad del CD como compositores, aunque ahora dejando si o al tándem Soren Kronqvist y Daniel Palmqvist. Aun así, y no siendo un álbum mal ejecutado, seguramente habrían calentado el ambiente de la manera idónea canciones pensadas por un Russ Ballard, un Richard Marx o un Michael Bolton, que tan buenas migas ha hecho con el es lo del ex Rainbow cuando Bolo n –autén co apellido de Michael– rememora sus viejas astucias en el terreno del adult oriented rock. por Sergio Guillén

C R ´I T I C A S D E D I S C O S FIGHT ANOTHER DAY (Dan Reed Network, Frontiers Records) Vein cinco años después de ver publicado su úl mo y más exitoso disco, The Heat, el grupo liderado por el vocalista Dan Reed retorna a la ac vidad discográfica. En este un tanto inesperado regreso (el propio Reed llevaba unos cuantos años funcionando en solitario) han tenido mucho que ver tanto los seguidores más acérrimos de la banda como Derek Shulman, quien fuera líder de los progresivos Gentle Giant, que actualmente trabaja como cománager de la formación.

El grupo recoge el tes go prác camente donde lo dejó, esto es, ofreciendo un rock melódico con una buena base funk y soul. Podríamos definir el sonido de Fight Another Day como una versión más domes cada y popera de los siempre fantás cos Living Colour. En este sen do, puedo afirmar que los temas de Dan Reed Network no son tan excitantes como los de la banda de Vernon Reid, aunque esto no quiere decir que estén exentos de calidad. Sim-

plemente, aquí no existen los trepidantes arranques a lo guitar hero de Reid ni esos toques puntuales de punk y heavy metal de Living Colour, sino que estos son sus tuidos por medios empos molones (“Champion”), arranques de ska pop (“Save The World”) e incluso un para mí claro homenaje al “Livin’ On A Prayer” de Bon Jovi (ese riff de talk box, ya sea genuina o de imitación, de “Divided” es plenamente elocuente).

Escaso riesgo aunque mucho nivel en lo que a canciones se refiere es la norma que rige Fight Another Day, un disco que cubre un espectro de la música muy poco explotado en la actualidad. Quizá por ello tenga sen do un álbum como este en 2016, y es que ya era hora de reivindicar los 90 en lugar de los ya un tanto sobreexplotados 80. por Andrés Puente

Dan Reed Network

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Ana Béjar

THE GOOD MAN (Ana Béjar, Luscinia Discos) Hay algo chamánico en “No Return”, la pieza que cierra la primera cara de este The Good Man. Algo profundo, donde la voz de Ana Béjar nos confiesa tan segura como confidente que «no hay lugar al que regresar», al igual que avisa de que «la noche cerrará nuestros ojos». Un poco antes, como inicio del vinilo, una composición en clave de intenso pop a medio "empo pone sobre la mesa la necesidad de no tocar ni cielo ni "erra (“In The Parlour”); y es que, como ella dice, aún «no hemos nacido» y todavía «somos vírgenes». Y entre medias, un puente, un puente tendido al aire en el que dejar que gravite el deseo totalmente evocador de una Béjar única cual narradora de pensamientos y sensaciones (“En El Puente Del Aire”). «Una sola respiración, una sola saliva», dice ella entre detalles eléctricos totalmente atmosféricos, un ambiente 14

etéreo que pasa a melodía suave y evocadora, donde los textos en castellano –los únicos del álbum– tornan en estrofas en inglés.

Una cantautora detallista es Ana, y eso se sigue notando en “Visita"on” y “Tongues On Fire”, creaciones que en sus textos cau"van esa tensión de lo desconocido por descubrir en el siguiente giro del camino; «sangre y polvo», se escucha en la primera de las dos citadas, y algo en lo más profundo de tu interior se retuerce en un nudo. The Good Man es por tanto una obra de esa excepcional calidad que ya se le conocía a la ar"sta, aunque ahora con una firma tan caracterís"ca y abierta que la debería alzar a la primera línea de las cantautoras con enjundia. por Sergio Guillén

C R ´I T I C A S D E D I S C O S WHO WE ARE (Vega, Frontiers Records) Estoy convencido que tras la escucha de Who We Are, muchos de los seguidores de estos británicos seguirán quedándose con el elepé What The Hell como su favorito. Aun así, el nuevo disco de Vega casará con lo que estabas esperando de la banda si eres uno de sus acólitos; es decir, un disco en el que el quinteto se ciñe a las claves que lo han hecho tanto reconocible como reconocido. Ahora bien, el nuevo lanzamiento junto a Fron!ers Records con!ene algunos resbalones que provocan la tardanza del conjunto a la hora de llegar a la meta, o lo que es lo mismo: impiden que se redondee un álbum que podría haber lucido con mayor intensidad.

Harry Hess coproduce este Who We Are para Vega, grupo considerado a día de hoy como uno de los

puntales más llama!vos del nuevo rock melódico inglés. “Explode”, “Every Li"le Monter” o “White Flag” son ejemplos perfectos que encuadran la mixtura de referencias con las que trabajan estos cinco músicos, combo que se man!ene en sus trece con el total apoyo del sello discográfico que lo arropa. En cualquier caso, un pequeño empujoncito crea!vo no les vendría mal para el próximo disco de estudio; aunque, a ver quién culpa a los hermanos Tom y James Mar!n, los cuales se pasan el día componiendo para toda estrella del rock melódico que requiera de sus servicios. por Sergio Guillén

Vega

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333 (Luter, Rock Estatal Records) Tras su breve paseo por los derroteros de la notoriedad mediá ca, Luter sigue su carrera de “viejo rockero” con un cuarto disco en el que insiste en su doctrina y manera de hacer las cosas.

Esta vez se presenta con una nueva alineación de músicos en la que están Edu Mar!nez (guitarras), Mirko Vidoz (bajo) y Roberto Aracil (batería y percusión). Eso sí, vuelve a contar con la producción de David “Kolibrí” Díaz – guitarrista de Marea–, que impregna todo el disco con un sonido muy reconocible.

Las diez canciones que incluye el álbum son un compendio de rock clásico, sustentado en la voz y las guitarras, casi siempre envuelto en un tono melancólico con un ma z de esperanza muy caracterís co del ar sta madrileño. Aunque también podemos encontrar piezas que u lizan un tono más animado para resaltar su irónica jocosidad, como en el caso de “No Hay Quien Me Gobierne”. Pero la propuesta sonora más original de este LP es sin duda “Se Acabó la Tontería (Doble Nelson)”, donde destacan los vientos ejecutados por Álvaro Díaz

Luter 16

(trombón) Beatriz Díaz (trompeta) y Aitor Bengoa (saxo). También llama la atención el bucolismo de “La Orquesta De La Libertad”, con evocador fondo de acordeón a cargo de Mikel Alus za. Sin embargo, las letras son siempre un aspecto destacado del trabajo de Luter. La lírica cons tuye una base sobre la que se van deslizando apaciblemente las melodías.

Incluso en “Perseguir Estrellas”, con letra de Kutxi Romero, se percibe idén co espíritu del compositor.

Una vez más, Luter publica una grabación dentro de los cánones más definitorios del panorama del rock español menos ar ficioso. Nadie se llevará grandes sorpresas con este 333. Si te gustó Orilla, casi seguro que también disfrutarás con el nuevo trabajo de Luter. Igualmente, quienes aún no conocen a Luter, pero son fieles seguidores de ar stas como Fito Cabrales o Marea, no iden ficarán este disco como extraño. por María Manuela Cor nas

C R ´I T I C A S D E D I S C O S

Anna Capacés

PRECIOSO (Llum Pepa & The Beats, La Produktiva Records) Llum Pepa & The Beats es un proyecto musical encabezado por Anna Capacés, cantante, actriz y ar sta polimodal, la cual ha formado parte de otros proyectos musicales como el desaparecido grupo arty Kitou o el combo rock and folk Liannallull. El resto de integrantes de la banda radicada en Sant Celoni (Barcelona) son Jordi Espinach –también ex-Kitou y líder de Liannallull– a la guitarra, Víctor Vallejo al bajo, Lluís Molina a los teclados y el baterista Dani Perarnau, que también toca en Liannallull.

En Precioso, Llum Pepa & The Beats plasman un rock crudo y ruidoso, pero lleno de ma ces. Se pueden apreciar elementos evocadores de las caracterís cas musicales del garage, el punk, el surf o el rock psicodélico, aunque ninguno de estos es los se erige como definitorio del sonido de la banda. Hallamos temas atronadores, cargados de fuzz y reverberación, como “No Vas A Perder” o “Gritas Para Nada”, donde la voz se diluye entre la potencia

de los instrumentos. Pero también aparecen piezas más apacibles, como “Otro Si o” o el tema que da nombre al disco.

En este nuevo trabajo se aprecia una con nuidad con el anterior disco No Sóc Jo (Autoeditado, 2014), tanto en la apariencia externa, con ilustraciones de la ar sta barcelonesa Kai Corvus, como en lo musical. Sin embargo, en esta ocasión todas las letras son en castellano, mientras que en el anterior álbum alternaban esta lengua con el catalán y el inglés.

Aunque con este EP realizan un intento de ampliar horizontes y público, de la mano de La Produk va, el grupo se man ene como baluarte de un es lo musical que sigue ubicado en los márgenes del rock comercial, pero que no deja de tener seguidores fidelísimos. por María Manuela Cor nas

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PECADOS CAPITALES (Tokio, The Fish Factory) ¿Qué sen do ene resucitar una banda que llevaba prác camente un cuarto de siglo durmiendo el sueño de los justos? Seguro que una historia como esta le suena a muchos de nuestros lectores, porque es el signo de los empos en pleno siglo XXI. En demasiados casos esta estrategia es un mero pretexto para hacer caja aprovechando la nostalgia y la recuperación de un nombre “de culto”, pero hay otras ocasiones en que el ramalazo de anhelo por empos pasados produce obras cuando menos interesantes. Aquí está el quinteto Tokio para ejemplificar este asunto.

Después de haberse alzado vencedora de los Fes vales Villa de Madrid y Villa de Bilbao en 1989, la banda consiguió publicar un solitario LP en 1991, el tulado Triangles. Después de la edición, el grupo se disuelve y consecuentemente desaparece del mapa durante más de veinte años hasta que una feliz cadena de acontecimientos les devuelve a la ac vidad. De este regreso surge el EP Gen Egoísta (2014), trabajo que ha derivado en el flamante disco de larga duración Pecados Capitales que ahora

Tokio 18

reseñamos. Álbum ciertamente atrac vo que, pese a un sonido un tanto anacrónico, supone una excelente descarga de hard melódico que contribuye a revitalizar una escena no muy pujante en el territorio nacional ahora mismo.

El disco es conceptual y su "tulo es totalmente revelador así que, con canciones como “Avaricia”, “Gula” o “Pereza”, huelga explicar de qué trata. En lo musical, la melodía lo inunda todo y las guitarras juegan al mismo nivel que los teclados, exis endo un cuidadísimo trabajo de voces, tanto la principal de Manuel Escudero como los coros, campo en el que par cipan los cuatro miembros restantes de la formación. Quizá no tenga mucho sen do con nuar con la trayectoria de Tokio después de este disco porque aquí lo han dado todo y con seguridad han producido uno de los mejores álbumes de su género en nuestro país, pero lo que está claro es que Pecados Capitales es una muestra palmaria de un talento que podría dar aún más de sí. por Andrés Puente

© Juan Pérez-Fajardo

C R ´I T I C A S D E D I S C O S

Mathilda

II (Mathilda, The Fish Factory) En estos empos en los que parece que haya que buscar el “más di cil todavía” si quieres destacar entre todos los grupos de rock en ac vo, cada vez resulta más complicado encontrar una banda como Mathilda. Guitarra rítmica, guitarra solista, bajo, batería y voz que se alían para crear un álbum a la vieja usanza, de rock sin mayores historias ni alharacas.

No se ha estrujado demasiado el cerebro el cuarteto para tular este segundo disco de larga duración, obra que, si bien es con nuista respecto a aquel Unexpected de hace un par de años, supone un importante avance en lo que a consolidación de su sonido se refiere. Además, y como ya an cipaba en la reseña que hice sobre su primer disco, todo ha mejorado en el conjunto de

Mathilda, empezando por las voces de Felipe Díaz, quien se muestra mucho más suelto y seguro en su come do. En lo es lís co, el grupo sigue mirando a Norteamérica, con formaciones del llamado post-grunge cual Nickelback, Creed o Alter Bridge a la cabeza de sus referentes musicales.

La producción de II ha logrado algo realmente meritorio e importante: que la banda suene potente aunque nunca demasiado agresiva, lo que permite que este disco haya quedado listo para ser disfrutado por oyentes que no necesariamente escuchan rock duro a diario. por Andrés Puente

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STILL BELIEVE (Edu Quindós, Temps Record) Eduardo Quindós Romero es un autor-cantante –además de productor audiovisual, actor, modelo...– barcelonés con mucho pasado y, sobre todo, con un prometedor futuro. Estuvo en una gran variedad de formaciones musicales, incluyendo corales y orquestas de versiones, además de ser el vocalista de la banda Plebeya, donde daba rienda suelta a su pasión por Queen. Esta pasión también se manifestó en su primer EP, al que puso el nombre de Flick, en referencia al tema “Flick Of The Wrist” de la banda británica. Después de dos anteriores LPs, Stay With Me (2012) y Hello (2014), acaba de publicar un tercero en el que ofrece otro enfoque de su personal es!lo. Y ya está preparando el cuarto, y hasta el quinto, aunque él sigue definiéndose como “un #o normal”.

S!ll Believe es una colección de catorce canciones asép!camente enumeradas en orden alfabé!co, todas ellas cantadas en inglés, idioma que Eduardo u!liza siempre en sus creaciones. El primer tema de la lista es “Chocolate”; podríamos decir que es una canción muy dulce y, aunque parece un chiste fácil, es la pura realidad. Este es un disco eminentemente acús!co, donde las guitarras son el acompañamiento perfecto para la voz profunda y reposada del solista, aunque también hay par!cipación de

Edu Quindós 20

otros instrumentos de cuerda que logran el efecto emocional adecuado en momentos concretos, y unas voces secundarias que encajan perfectamente en el carácter de los temas.

Sin embargo, en “You Say I’m Cold” la irrupción de la percusión y las guitarras distorsionadas rompen de repente la línea sonora imperante. También cabe destacar “New Bright World”, una versión del tema que ya apareció en su primer disco, aunque esta vez cuenta con las colaboraciones de la cantautora Laura “Skyline” Soler, que con su voz imprime un nuevo tono a la canción, y Luis Robisco a la guitarra, como en la mayoría de cortes de este álbum.

Edu Quindós es un músico que no llama la atención por sus extravagancias o por una originalidad mal entendida, pero su úl!mo disco !ene detrás un intenso y muy cuidado trabajo de grabación y producción que, sin recurrir a grandes ar!ficios, logra un sonido a la vez intenso y delicado. En este aspecto no se puede pasar por alto el trabajo de la familia Robisco. S!ll Believe nos ofrece un amplio muestrario de canciones entre las que cualquier “#o/a normal” podrá encontrar alguna que gane su corazón. por María Manuela Cor nas

C R ´I T I C A S D E D I S C O S

Yogures De Coco

AZUL (Yogures De Coco, Autoeditado) La trayectoria de Yogures de Coco arranca en 2010 con una ecléc ca formación que cul vaba variados géneros y es los musicales. El devenir de esta banda madrileña supuso significa vos cambios tanto en lo personal como en lo musical, abrazando la tendencia hacia los convencionalismos del llamado “indie mainstream” eclosionado en los primeros años de esta década. Consolidados ya ahora en una imagen y un sonido fácilmente iden ficables, lanzan su segundo EP de cuatro temas en los que parecen haber intentado componer collages de las supuestas fórmulas del éxito del pop-rock actual.

“Valparaiso” combina una melodía pegadiza con una letra inconsistente que hacen de la pieza una buena candidata a hit comercial. El segundo corte,

“Viajero”, podría ser la an!tesis del primero, amalgama una potente melodía rockera y una letra más significa va. Con “Vueltas y Vueltas” y “Carnaval” vuelven a sumergirse en los variopintos convencionalismos del indie nacional. Azul ve la luz como un breve aunque variado muestrario del heterogéneo repertorio de Yogures De Coco. Un intento de los madrileños por no quedar relegados, cuan lácteo del que toman su nombre, frente a otros productos de más vistosa apariencia. El álbum ene un incipiente atrac vo aunque la banda todavía necesita reposar algo más sus ideas y profundizar en su iden dad como grupo. por María Manuela Cor nas 21

The Gachises

VACACIONES EN NIBIRU (The Gachises, Warner Music Spain) La emergente banda vilanoví The Gachises está formada actualmente por cinco chicas con los pies en la urbe barcelonesa y el corazón y algo más en la comarca del Matarraña. Surgidas a principios de 2013 de las cenizas de otra formación como fue Lady Lemon, y compar endo la escena de Vilanova i la Geltrú con grupos sui géneris como Patada Al Rey o Perdón Por La Invasión, han llegado a consolidarse dentro de una ascendente corriente garajera que se abre paso en el rock nacional.

El disco arranca con un breve y turbador guiño a la pegadiza melodía compuesta por Manuel Pacho –famoso por ser el autor del himno del PP y de otros muchos recordados jingles– para anunciar 22

los cuadernos de Vacaciones San llana. Como referencia ochentera no ene precio. Tras esta carátula sonora, logran embu r trece canciones más; eso sí, aprovechando piezas de su anterior trabajo De Beceite A Stalingrado (Autoeditado, 2013), incluyendo “Beceite” y “Stalingrado”, dos temas que las acompañan desde su primera maqueta. No aparece, sin embargo, la versión del “Oh, Qué Pena Me Das” de Aerolíneas Federales, el cuál fue pieza destacada de su primer álbum, y que –disculpen la blasfemia– superaba incluso a la original. Pero aquí tampoco faltan las versiones, como “Mi Exnovio Cadáver”, donde dan la vuelta al éxito “Mi Exnovia Cadáver” de Perdón Por La Invasión. Entre los temas novedo-

C R ´I T I C A S D E D I S C O S sos cabe destacar “El Chico Del Videoclub”, “Miembros De Otro Planeta” o “Pirata Pata-Pablo”, cargadas de ironía tras una aparente intrascendencia y frivolidad. Y tampoco pasa desapercibida “Yo Amo A Costas”, un homenaje socarrón al veterano rockero gallego, al que deben no poco de su éxito, y cuya peculiar voz podemos reconocer en el tema “Operación Verano”.

Aunque The Gachises citan entre sus referencias a bandas como The Donnas o Sahara Hotnights, poco !enen que ver con las rockeras californianas o las suecas, más allá de su condición de combo femenino. Más cercanas y evidentes en este LP son las influencias de Aerolíneas Federales o los mismísimos Siniestro Total –concretamente personificadas en la figura de Miguel Costas–. Pero, si nos vamos a los 90 en busca de referentes, vendrían a la memoria los úl!mos coletazos musicales de Undershakers, mientras que la profusión de referencias a lo fantás!co rememora la recurrente temá!ca de

muchas creaciones de Los Fresones Rebeldes, Meteosat o La Monja Enana. Aquel llamado ton pop, además de construir los puentes entre el españolismo universal sesentero, la movida ochentera menos comercial y el nuevo pop español del siglo XXI, fue una de las bases del punk-pop que floreció en la década pasada, con grupos desde Pignoise a Psycho Loosers. Esta hibridación entre el punk rock y el powerpop es la raíz de una nueva ola del rock español, con las mujeres en una posición cada vez más visible. En el úl!mo lustro, las bandas de chicas rockeras han ido progresando en una renovada escena alterna!va que se va alejando del estereo!po de la cantautora indie. Van despuntando grupos de es!los heterogéneos, aunque envueltos en este mismo fenómeno, tales como Las Marlenes, Crazy Nights, PL Girls, Zombie Dolls, Estrogenuinas o las propias Gachises. Lo de las Hinds es otra historia. por María Manuela Cor nas

VINEWALTZ (VineWaltz, Hall Of Fame Records) Desde la muy prolífica escena valenciana llega Julio Fuertes Tarín, más conocido como Jules IV, un ar sta mul disciplinar con amplia experiencia, que ha colaborado con bandas como Gypsy Casino, Holy Paul o Johnny B. Zero. Además, en su faceta de escritor, acaba de presentar su primera novela.

El debut musical en solitario de Julio Fuertes es una obra de es lo extremadamente peculiar y di cil de describir con palabras. Si nos empeñamos en dar una definición canónica, podríamos hablar de rock electrónico o rock “psicotrónico”, por la combinación entre un potente rock guitarrero y los reconocibles efectos de sonido de la música electrónica. Sin embargo, también con ene evidentes guiños al blues, al rap, o al pop más melódico, de modo que hace falta oír los cinco cortes del EP para descubrir todo el alcance de la propuesta del joven músico de Cheste.

El disco empieza con un corte sorprendente, tulado “Many Times”, donde encontramos una retahíla de ritmos diversos, siempre con una preponderancia electrónica, que se suceden sin un patrón definido... y como momento álgido, un rapeo a cargo de Juanma Pastor –compañero de Julio en Johnny B. Zero–. Tras el desconcierto provocado por esta entrada, avanzamos por temas de marcado carácter electrónico, como “Love Guerrilla” o “Jamaican

VineWaltz 24

Sprint”; aunque también podemos encontrar rock de guitarras, con alguna tendencia al blues, como en “I Was A Pet” y, sobre todo, en “Sweet, Smart, Angry”, probablemente el tema que deja un mejor sabor de boca. Pero en todo el repertorio se escuchan muchas incoherencias y efectos sonoros que no parecen tener sen do, logrando en el oyente un efecto enervante, tal vez pretendido, pero no por ello menos desagradable. En algunos momentos puede exis r la duda de si estamos ante un verdadero ejercicio de innovación ar!s ca o se trata de una parodia musical.

Es alentador ver propuestas nuevas en el panorama musical. Hay que reconocer a VineWaltz el mérito inicial de no parecerse a nada que se haya podido escuchar recientemente. Según avanza la reproducción del disco, aumenta la curiosidad por descubrir qué puede llegar a contener, sin embargo no acaba de generar una impresión sa sfactoria. Transmite la sensación de estar ante una buena idea a la que habría que dar algún giro para que acabe de cuajar.

Resulta interesante como experimento, pero le falta la solidez que sí ene un proyecto que circula en paralelo, como es Johnny B. Zero. A veces las comparaciones son odiosas, pero muy esclarecedoras. por María Manuela Cor nas

C R ´I T I C A S D E D I S C O S

Buffalo Summer

SECOND SUN (Buffalo Summer, UDR) En el Sur de Gales ha surgido otro de esos grupos que busca sacar rédito del revival setentero que se lleva experimentando en el rock de un !empo a esta parte. Second Sun es su segundo álbum y, aunque se muestran más que competentes en esto de tratar de buscar el punto equidistante entre Led Zeppelin, Faces y Free, resultan aún más excitantes cuando se apartan de esa senda.

Curiosamente, el disco comienza con tres canciones que explotan descaradamente la nostalgia rockera. Son temas que están bien, pero que tampoco es que me emocionen especialmente. La cosa mejora con “Neverend”, composición que, si bien toma carrerilla desde el rock sureño de unos Lynyrd Skynyrd, llega a la meta con un sabor épico ochentero fantás!co, lleno de feeling. Algo similar ocurre en “As High As The Pines”, aunque para mí la verdadera esencia de Buffalo Summer debería residir en

canciones como “Light Of The Sun”: temas que recojan la sustancia de los setenta sin intentar emular necesariamente a las grandes bandas de aquella época. En mi opinión, es a par!r de este cambio de tercio cuando Second Sun y Buffalo Summer adquieren la personalidad precep!va a la que debe aspirar cualquier grupo que pretenda hacerse un hueco entre los triunfadores.

Quienes disfruten con los trabajos de Black Country Communion o Blues Pills no tendrán mayores problemas en hacer lo propio con Second Sun, ya que el es!lo de Buffalo Summer es muy similar al de esas dos grandes formaciones dedicadas al rock añejo. Probablemente, esta banda británica alcanzará su cénit con su tercer álbum, pero lo que hay de momento es más que potable. por Andrés Puente 25

Alan Parsons

CRO ´NICAS DE CONCIERTOS

THE ALAN PARSONS PROJECT Noches Del Botánico, Madrid, 06/07/2016 Me resulta curiosa la ac tud de cierto po de público que asiste a los conciertos, sobre todo visto lo visto aquella velada de julio en las Noches Del Botánico. Una vez terminado el concierto de The Alan Parsons Project, andaba yo en pos de la puerta de salida cuando pude escuchar quejas que salían de diferentes corrillos de asistentes que charlaban antes de par r a sus casas. Su enfado lo había provocado una actuación, según su entender, excesivamente corta. Cierto es que del setlist programado al que finalmente pudimos escuchar, el concierto quedó recortado a diecisiete piezas, quedando fuera cinco o seis composiciones; pero no menos cierto es, que la angus osa noche en cuanto al clima madrileño se refiere no nubló un concierto magnífico, lleno de detalles y de ejecuciones memorables.

Pongámonos en situación. “I Robot”, tema instrumental que abría en 1977 el segundo LP de The Alan Parsons Project, encendió la noche a un

show que prome a, como viene siendo norma en el ahora llamado The Alan Parsons Live Project, el minucioso repaso a lo mejor del cancionero de la apuesta. De ahí la agrupación, dirigida desde la retaguardia y sobre su podio por el mismo Parsons, que se doblaba ante teclados y guitarras, saltó a 1979 y al vinilo Eve (“Damned If I Do”). “Don’t Answer Me” (Ammonia Avenue, 1984) y algunos temas más extraídos de álbumes como Vulture Culture (“Days Are Numbers”) o Eye In The Sky (“Psychobabble”), entre un par o tres, hicieron aterrizar la nave sobre una nube que no era otra que la cara B del disco A Turn Of A Friendly Card, de 1980, y más en concreto en la suite en cinco partes que da tulo a la referida grabación. Antes ya habían ejecutado con total gusto el “Time” de la cara A, pero ahora comenzaban dieciséis minutos en los que deleitarse con “The Turn Of A Friendly Card, Pt. 1”, “Snake Eyes”, “The Ace Of Swords”, “Nothing Le! To Lose” y la pieza de cierre de la suite, “The Turn Of A

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Friendly Card, Pt. 2”. Sin embargo, y aunque todo transcurría a la perfección y al público se le sen!a disfrutar como el que se reencuentra con un dulce pasado, la climatología aquella noche escondía un sucio as en la manga, un tramposo as traducido en un chaparrón de órdago. Con las iniciales gotas del chispeo se vieron las primeras deserciones entre aquellos que habían asis do más por la experiencia de pasar la noche al fresco viendo al grupo que popularizó el single “Eye In The Sky” que por la suerte de ver aún en acción a un talento de la talla de Alan Parsons. Pero pocos minutos después la cosa pasó a mayores, como decía, y hasta el grupo decidió parar la ejecución de la úl ma parte de la suite.

En cualquier caso, no éramos pocos los que esperábamos que aquello no fuese otra cosa que un aguacero de paso, un pequeño susto en una noche por lo demás sin mácula. Todos buscamos cobijo en uno u otro lugar, aunque al final donde se encontró la mayoría del público que todavía se resis!a a las inclemencias del empo fue bajo las gradas, en una suerte de túnel de acceso que hacía la misma construcción. Gradas por las que se filtra-

ba el agua y bajo las que también nos mojamos.

Pasada la media hora la cosa cesó, para regresar la lluvia con similar ahínco durante unos minutos más. Lo cierto es que había transcurrido la noche a lo largo de este parón y no las teníamos todas con nosotros. Cualquier estrellón vería jus ficada la anulación del resto del concierto tras los hechos sucedidos. Pero Alan es todo un caballero, así que retomó su actuación dirigiendo a su Project por la intro instrumental “Sirius” que desemboca en “Eye In The Sky”. Luego nos entregó un par de bises, los marcados en su setlist, “(The System Of) Dr. Tarr and Professor Fether” –tema fe che para el que esto escribe– y el que fuese éxito radiofónico “Games People Play”. Tras la gran ovación entregada por un público que hasta hace poco todavía se tapaba con las sillas de plás co del recinto a modo de paraguas, el combo cerró en la cúspide de la mano de “Don’t Let It Show”. Mágico. por Sergio Guillén fotos por África Paredes

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EL HOMBRE DE LOS DADOS

(Luke Rhinehart, Malpaso Ediciones) ¿Qué enen en común los grupos musicales Vogon Poetry, The Fall y Talk Talk? Pues que las tres bandas poseen entre su cancionero al menos un tema dedicado a The Dice Man, la novela que en 1971 George Cockcro publicase bajo el nombre fic cio de Luke Rhinehart. Desde entonces u lizaría este nombre ar s co para seguir presentando al mundo libros como Matari, The Book Of Est o Long Voyage Back. Sin embargo, y como decía, si uno de sus trabajos ha marcado de una manera palpable a la escena cultural mundial, esa obra ha sido la ya citada, y ahora editada en tapa dura por Malpaso, El Hombre De Los Dados (The Dice Man).

Luke Rhinehart es también el nombre del personaje protagonista de esta historia que engancha de una manera adic va. Narración que nos presenta

a un psiquiatra que, cansado de la monotonía de una vida que ya no siente suya, cae subyugado por el azar cual método por el que regir su existencia a par r de ese momento; ese azar que deciden las caras de unos dados, sus números.

El autor salta de la primera a la tercera persona para lograr ese ritmo imparable y que a cada capítulo sube su carga de intensidad. Luke plantea este The Dice Man como una autobiogra!a de su personaje, dando todavía más profundidad a la maravillosa charada, a esta danza de disfraces que uno no quisiese que terminara jamás... al menos no hasta poder ver al mundo entero dejándose llevar por los designios del dado. por Sergio Guillén

MÚSICA INFIEL Y TINTA INVISIBLE

(Elvis Costello, Malpaso Ediciones) Si eres admirador del trabajo crea vo de Elvis Costello o al menos enes el suficiente conocimiento de su obra como para, más allá de las canciones cual un todo, haber profundizado en sus letras, bien sabrás que este intérprete nunca ha dejado los textos como si fuese algo únicamente des nado a ser parido por el azar; es decir, cada frase la pone donde debe y donde quiere, desde sus primeros juegos de palabras en la etapa new wave hasta su evolución profunda con el paso de las décadas.

Por lo tanto, es fácil comprender que si Costello se mete de lleno a firmar sus memorias, el resultado va a ser más que entretenido. Una labor que, por cierto, ha llevado a cabo en solitario, sin requerir de ningún escriba-periodista musical que le ayude a ordenar 34

ideas. Y es que nos encontramos ante casi ochocientas páginas en las que se narra tanto su vida familiar como su carrera profesional en la escena musical, además de su relación laboral o de amistad con decenas y decenas de ar stas.

Elvis no maquilla su relato en ningún momento y, como diría Calamaro, presenta una hones dad brutal a la hora de repasar y detallar sus horas bajas, los tropiezos que se han mirado con lupa en los tabloides y que a Costello no le avergüenza rememorar para dar esa imagen global que hace de esta publicación una obra excepcional en cuanto a autobiogra!as se refiere. por Sergio Guillén

LIBROS

LUCHA DE GIGANTES

(Juan Luis Sánchez y Luis Miguel Carmona, Diábolo Ediciones) Tengo que confesar que, en lo que a monstruos cinematográficos se refiere, siempre me he sen do más atraído hacia la técnica de stop-mo on desarrollada por genios como Willis O’Brien o Ray Harryhausen que hacia el suit mo on, esto es, la que consiste en que un po disfrazado como la criatura en cues ón se dedica a destruir maquetas de ciudades como Tokio. Sin embargo, después de leer este libro me ha picado la curiosidad de al menos intentar profundizar en este género iniciado por el director Ishirô Honda en 1954.

Japón bajo el terror del monstruo es el film seminal que da origen a una fecunda saga de películas que, a través de diversas ramificaciones, ha nutrido el cine japonés (y el de otras la tudes, como nos muestra este libro) de entretenimiento durante décadas. Sánchez y Carmona realizan en esta obra un completo estudio sobre el llamado género del kaiju eiga y su icono mayor: el gigante Godzilla (Gojira en el original nipón). No sólo se de enen en analizar los antecedentes de dicha corriente y las dis ntas etapas de esta curiosa forma de hacer cine, sino que ofrecen una acertada visión de conjunto de todo lo que ha dado de sí una peculiar filmogra!a en la que se puede encontrar desde

clásicos de la ciencia-ficción o la fantasía hasta productos surgidos de la serie Z más casposa. El texto, como no podía ser de otra forma si hablamos de filmes con argumentos de lo más absurdo en muchos casos, es abordado con sano sen do del humor y espíritu autocrí co: Sánchez y y Carmona son sin duda fans de este género, pero eso no quita para que reconozcan lo zarrapastroso de muchos de sus "tulos.

Por supuesto, la cosa no se de ene en Godzilla, ya que esto de las criaturas gigantes empeñadas en destruir la Tierra (o Japón, que para el caso parece ser lo mismo) no empieza y acaba con el célebre dinosaurio, y podemos descubrir engendros tan simpá cos como Mothra, Gamera, Ghidorah, Destoroyah o Megalon, entre muchos otros. La ensalada de surrealismo se completa con una impagable selección de fotogra!as y carteles que arrancarán al lector más de una sonrisa. Como digo, una lectura interesante y que deja un poso en quien se acerca a sus páginas. Yo ya estoy pensando en ver varias de estas películas, señal clara de que el libro cumple su función a la perfección. por Andrés Puente 35

por Garrett Wall y Robbie K. Jones (Track Dogs) fotos por África Paredes

TRACK DOGS Serenity Sessions Serenity Sessions es el quinto disco que hemos grabado juntos. Grabamos dos discos anteriores bajo el nombre de Garre! Wall Band (Sky Poin!ng en 2007 y Hands & Imperfec!ons en 2009). Éste es el cuarto LP que hemos hecho con Josh Tampico como productor en su estudio de Madrid, Serenity Studios.

Josh ha tenido que dejar el estudio este año y por eso queríamos dedicárselo a él y a todos los momentos que hemos compar"do allí. Qué será del próximo disco –¡el sexto!– de Track Dogs. ¡Ya veremos! Creo que este disco "ene el mejor sonido de todos y la mejor portada y diseño, gracias a Miguel Palomar.

01. To The End Garre Wall: El primer tema del disco es el úl mo que grabamos, así que va bien con el tulo: “Hasta El Final”. El tema nació tocado con el ukelele y tenía un rollo mucho más ligero y “popero”, pero no me convenció del todo; así que en el momento de presentarlo en los estudios de ensayo “Box In Box”, decidí cambiarlo. Cogí la guitarra y empecé a cantarlo de otra manera con acordes dis ntos y salió la versión “nueva” casi de una forma espontánea. Es increíble cuando pasa eso, algo totalmente inesperado y que a todos nos encantó en el momento.

02. So Much Dust Garre : Nos sa sface mucho tocar este tema en directo por los coros del estribillo. Tiene un deje bastante setentero también. Pensamos todos que representa muy bien el sonido “clásico” de Track Dogs. Me gustan mucho los cambios de ritmo dentro del tema y para mí es una de las canciones más redondas que tenemos. Cuando en la grabación íbamos ya hacia la mitad del tema, nos costó bastante conseguir el arreglo “perfecto”. A veces enes que meter demasiado para luego darte cuenta del error.

Al final, como se suele decir, menos es más.

03. Whatever Happens Garre : Compuse algo sencillo con el ukelele para un vídeo corpora vo de un amigo en Irlanda, sólo llevaba dos instrumentos. Durante una de las sesio36

nes de grabación del disco, Josh habló de la posibilidad de meter letras y hacer un tema completo u lizando la base que ya tenía. Es curioso porque no se me había ocurrido antes y de repente me llegó la inspiración y el tema salió enseguida: letras, melodía, ¡todo! Siempre me sorprende el poder de la crea vidad, la alegría de haber creado algo nuevo. ¡Es adic vo! Ya ves.

04. Broken Strings Garre : Robbie (cajón, banjo) está componiendo muchísimos temas úl mamente y siempre hace cosas súper originales y diver das. Sus letras vienen de un punto de vista muy interesante y ofrecen una mirada al mundo bastante dis nto al mío, y por eso gustan tanto. En este caso, él me pasó las letras del tema y yo hice la parte musical, algo que siempre me ha gustado componer. Mientras, estaba pensando todo el empo que debería ser un tema muy sencillo, grabado con voces y guitarra y poco más, y así quedó en el disco, más trompeta y chelo (tocado por Lucía Otero). En los directos forma una parte importante del “One-Mic”, donde tocamos alrededor de un solo micro, al es lo old school.

05. Bon Sco!, He Rocked Garre : Fuimos a tocar un concierto en el Loui Loui, un si o muy chulo de rock en Estepona. Después del bolo estuvimos tomando unas copas escuchando la música del bar y de pronto pincharon el tema “It’s A

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Long Way To The Top If You Wanna Rock ‘N’ Roll” de AC/DC. Siempre me ha encantado la canción y AC/ DC era mi banda favorita durante los 80. De hecho, los vi tocar en Dublín en el 82. Tengo una anécdota sobre aquel concierto: tras #rar mi chaqueta al escenario –me quedaba un poco pequeña–, ¡se la puso Brian Johnson y la llevó puesta durante todo el concierto! Me conver& en el chico más famoso del barrio durante una semana. Bueno, volviendo a nuestra canción, salí del bar con el móvil y empecé con las letras de “Bon, Sco!, He Rocked”; así conseguí componer el estribillo y un par de estrofas. Luego pasó casi un año o más hasta que volví a encontrar las letras en mi móvil y decidí terminarlo.

Fue entonces cuando se me ocurrió hacerlo al es#lo bluegrass, y éste es otro de los temas que hacemos alrededor del micro condensador. De hecho, estuvisteis vosotros en el concierto en la madrileña sala El Sol cuando tocamos el tema por primera vez y colgasteis un vídeo también en vuestro canal RenacerTv. ¡Qué guay!

sin fin de canciones con los mismos acordes. Pero bueno, hay géneros completos, como el blues, en los que las canciones reciclan estructuras sencillas y bien establecidas sin complejo alguno. Eso sí, no me imaginaba nunca coincidir con los gustos de Adele.

Eso fue un “hola-del-otro-lado” bastante gracioso.

Que conste, “Orion Sees” ya lo teníamos grabado cuando salió su “Hello”.

06. Orion Sees Robbie K. Jones: Está canción empezó como un guiño al “Fisherman’s Blues” de The Waterboys. Creo que suena algo nostálgica, bastante de eso #ene.

Para empezar, es la primera vez que me he atrevido escribir arreglos de viento y cantar la voz principal.

También marca la primera vez que he podido llamar a un héroe musical mío, Norman Hogue (trombón), para una grabación de Track Dogs. Norman siempre me ha inspirado y me ayudó bastante cuando llegué a España. De hecho, debemos nuestro nombre a una anécdota que él nos contó. Fue el mismo Norman Hogue el que me enseñó que Track Dogs era el apodo que se les da a los equipos de mantenimiento de los túneles del metro de Nueva York.

El sonido “uuuu...” en los estribillos representa algo dis#nto cada vez. Primero es el viento en los cables (obenques) que sujetan un más#l de un barco de vela. Luego es el silbato de un tren, un lobo, y al final un canto en solitario de alguien ausente. Esta voz puede ser oída por la constelación Orión, pero no reacciona. Prefiero no cerrar la puerta demasiado a su posible significado. Eso sí, habla de que hay cosas que cambian y otras que nunca lo hacen. Orión siempre está a la vista. Eso te anima o te hunde, según cada cual, pero era esta constancia lo quería reflejar. Por eso no hay un puente, la armonía nunca cambia. Es una observación sin imponer conclusiones. Por otro lado, luego me di cuenta de que hay un

08. Only Human Garre!: Lo que más me gusta de esta grabación es el solo de flauta irlandés que toca mi amigo Oisin Breatnach, un irlandés-vasco que reside en Bilbao.

Lo conocí en Dublín en los 90 y nos hicimos buenos amigos. Lo estaba pasando bastante mal un día, un bajón tremendo, y me salieron de forma catár#ca las letras y el rollo en general. A veces tenemos que fijarnos en dónde estamos y apreciar todo lo que hemos conseguido, no sólo lo que nos queda por hacer. Había quedado con Josh en el estudio por la mañana, el mismo día que llegó Oisin a Madrid de visita, y grabamos el solo con una guitarra y voz de referencia. Me encantó, y a lo largo de la grabación final la idea siempre era terminarlo alrededor del solo. La música es una de las mejores terapias.

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07. Love Me Like You Used To Garre!: Solíamos tocar una versión de “Mustang Sally” en los conciertos, pero de una manera original en cuanto al ritmo y los acordes. Un día, durante la prueba de sonido de un concierto, estaba jugando con los mismos acordes y me salió el tema más o menos entero; tanto que acabamos tocándolo esa misma noche en el concierto. Luego, en la grabación, quería invitar a mi amigo Diego García (El Twanguero) a tocar la guitarra; de hecho, él tocó en mi primer disco en España (Gravity, 2002). El tema ha tenido mucho éxito en la radio en Irlanda.

09. Don’t Waste Time Garre!: El tema salió anteriormente en el EP La Banda, pero no lo habíamos incluido en un disco $sico hasta la fecha, así que decidimos meterlo. Tenía bastante que ver con los demás temas en cuanto sonido y es#lo. También nos aprovechamos de Norman para regrabar partes del trombón. Hemos hecho por primera vez con este disco conciertos con batería y trombón, algo que queremos seguir desarrollando.

10. The Lights Went Out In Cotos Robbie: En noviembre 2014 estuve en La Can#na de

L A F´ I R M A I N V I T A D A La Estación de Cotos para disfrutar de sus judiones de puchero ferroviario. Era un día de cielo gris, restos de nieve que se derre an y viento salvaje que llevaba consigo piñas y ramos. Dentro me quedé casi achuchando la estufa que ya quemaba. Llegó el tren desde Cercedilla con sus turistas, al igual que a pie llegaron leñadores y seteros con sus cestas. Además, currando a tope estaban mis nuevos amigos, Marta, Natalia y Charlie, con las mesas llenas y la cocina sudando y soltando ruidos como una locomotora de vapor luchando cuesta arriba. Un mini caos sereno. De pronto, ¡apagón! Lo arreglan, y otra vez.

Y una vez más. De ahí que diga el coro: «One me.

Two mes. That makes three».

La letra se escribió sola y antes del café cortado. La melodía, que es más como un canto de invocación a festejar, salió de repente y como una marcha militar. Para asentarla, le hemos puesto percusiones basadas en la rumba gallega –ejem–, aunque sea libremente. Así que "ene la guasa de fiesta gracias a la pandereta, bombo, caja y platos, con un brillo de locura que le presta el almirez. De entrada, es un tema bastante a pico de Track Dogs, pero realmen-

te encapsula nuestra experiencia. Somos nosotros y nuestra circunstancia: forasteros locales. Cantamos en inglés, pero ni somos islas ni sordos ante la música de nuestro entorno.

11. Ooh La La Casi siempre que hemos grabado una versión, ha sido por la recomendación de un melómano cercano y conocedor de nuestro directo y nuestras capacidades musicales. Así hemos llegado a interpretar “Hazey Jane II” de Nick Drake –gracias, Rafe Jaffrey– e “Easy” de Lionel Richie –gracias a nuestro productor, Josh Tampico–. Esta canción de Faces también fue recomendada por nuestro amigo Rafe, un verdadero devorador de música que fue tes"go del Woodstock original y de algún concierto de Jimi Hendrix. También mi entusiasmo fue condicionado por DD Dunn, una amiga muy enterada de la música en general quien cantaba “Ooh La La” en mis jams semanales de Americana Music. Por eso, cuando lo mencionó Garre%, ya me tenía de aliado para grabar esta canción.

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