Renacer Eléctrico Music Magazine. Abril 2016 by Renacer Eléctrico Music Magazine

LA REVISTA DONDE CONFLUYEN TODAS LAS MÚSICAS

´ RENACER ELECTRICO ABRIL 2016

MUSIC MAGAZINE

CHINO BLACKRAIN JAIRO MARTÍN DACTAH CHANDO THE ELECTRIC ALLEY IMPELLITTERI THE EXCITEMENTS

ROYAL HUNT

VIVIENDO UNA SEGUNDA JUVENTUD HENHOUSE PROWLERS, LUBIANKA, FOALS, NORDIC UNION, THE REFRESCOS, MIGUEL COSTAS AUTE, GUALBERTO, THE CAT EMPIRE, YELO, RICK SPRINGFIELD, BAD RELIGION, BLACK SABBATH

CONCURSO CD NOLA BRASS BAND

Regalamos dos copias de su nuevo CD Back From New Orleans. Acierta y entra en el sorteo: ¿Cómo se llama el baterista de la Nola Brass Band? En el próximo número daremos el nombre de los ganadores. Para par!cipar en este concurso mándanos un mail a renacerelectrico@hotmail.com con el asunto CONCURSO NOLA BRASS BAND y el nombre del músico en cues!ón.

Abril de 2016

SUMARIO 04. LA ENTRADA. YO FUI UN BEATLE... POR UNAS HORAS Y EN DIFERIDO. 06. CRÍTICAS DE DISCOS. D.R.I.V.E., YELO, DACTAH CHANDO, ROYAL HUNT, LAST IN LINE, THE CAT EMPIRE, RICK SPRINGFIELD, NORDIC UNION, IS TROPICAL, INGLORIOUS, PRIMAL FEAR, DANIEL CROS, STAY, PATAX, RESURRECTION KINGS, HESHAM ESSAM, LUBIANKA, MARTA TCHAI, FRANCO, FOALS, THE EXCITEMENTS, ARIES. 21. CINE. NO ES HORA DE CHAPOTEAR EN EL ARRECIFE AUSTRALIANO. 22. TELEVISIÓN ÁCIDA. LA QUE SE AVECINA, EN OTRO UNIVERSO. 24. LA RETRO SERIE. SIGUE SOÑANDO. 26. LA FIRMA INVITADA. JAIRO MARTÍN. 28. ENTREVISTA. ROYAL HUNT. 30. ARTÍCULO. BLACK SABBATH, LEYENDAS DE LA CRUZ DECAPITADA. 32. ENTREVISTA. THE ELECTRIC ALLEY. 36. DESTRIPANDO EL CANCIONERO. BILLIE JEAN (MICHAEL JACKSON). 38. LA FIRMA INVITADA. BLACKRAIN. 40. CRÓNICAS DE CONCIERTOS. THE REFRESCOS, CHINO, CICLÓN, HENHOUSE PROWLERS, ROYAL HUNT. 50. ENTREVISTA. IMPELLITTERI. 54. REPORTAJE ESPECIAL. INTRODUCCIÓN AL GLAM ROCK. 63. LIBROS. ENTRE FALCONETTI Y KUNTA KINTE, AUTE, LIENZO DE CANCIONES, ¡ALUCINA! MI VIDA CON FRANK ZAPPA, JOHN LANDIS, UN HOMBRE LOBO EN HOLLYWOOD. 68. ENTREVISTA. MIGUEL COSTAS. 72. LA FIRMA INVITADA. DACTAH CHANDO. 76. MATRÍCULAS DE HONOR. GUALBERTO Y RICARDO MIÑO, BAD RELIGION.

Dirección: Sergio Guillén Redacción: Andrés Puente, Sergio Guillén, Fat Professor, María Manuela Cortinas y Julio L. Tecglen Fotografía: África Paredes Diseño y maquetación: Sergio Guillén Encargado Facebook: Sergio Guillén / Encargada Twitter: África Paredes Contacto: renacerelectrico@hotmail.com Foto portada: África Paredes RENACER ELÉCTRICO MUSIC MAGAZINE no se hace responsable de ls opiniones vertidas por su colaboradores y anunciantes ni se identifica, necesariamente, con las mismas.

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Yo fui un Beatle... Cuando era un chaval de unos diez u once años, nuestra profesora de inglés de aquel curso nos quiso enseñar mejor el idioma por medio de canciones famosas. Cada semana aprendíamos un tema de pop, lo traducíamos, lo analizába-

fensores a ultranza de los Beatles, a nosotros nos tocó hacer “Help!”; curiosamente a otros alumnos de mi clase les tocó hacer “The Final Countdown” de Europe (con pelucas incluidas). Aquel single del 86 había llegado a las costas de muchos países como

mos, reparábamos en la correcta pronunciación, etcétera. Como la cosa animó bastante a la clase, sobre todo a los que nos gustaba ya la música, se decidió que ese año, en las ﬁestas de ﬁn de curso (en las que asis"an los padres), se hiciese una suerte de fes#val musical. Se recrearían grupos famosos y se haría playback sobre alguno de sus éxitos. Como un compañero mío y yo éramos de-

un tsunami y a ﬁnales de los 80, aunque aquel quinteto había sacado otros elepés, seguía coleando la pieza. Había más temas que se recrearon en ese fes#val improvisado, pero ahora sólo recuerdo esos dos. Para salir al escenario, mi padre nos hizo unos instrumentos de cartón curradísimos. Se pegó un tute faraónico, e incluso imitó el bajo Hofner de McCartney. La pera,

LA ENTRADA

vamos. Yo, que ya en esos días estaba loco por la batería, no hice de baterista... Yo quería ser mi Beatle preferido, es decir, McCa. Aun así, hice trampa pues, en lugar de tomar el bajo, me quedé con la guitarra, que era el instrumento que mejor le había quedado a

mi padre –no tengo cara ni nada–. Mi padre me puso una única condición: él me hacía los instrumentos si yo, al menos, pergeñaba una de las guitarras (pues tendría la hecha por él cual muestra). Así lo hice y me quedó bastante churro comparada con la suya.

... por unas horas y en diferido

D.R.I.V.E. (D.R.I.V.E., Molusco Discos) No parece que la actual sea la mejor época para los concursos de grupos musicales organizados por en dades oﬁciales. Los años dorados del Fes val Villa de Madrid, por citar quizá el más conocido y pres gioso si hablamos de bandas de rock, hace ya mucho que se convir eron en un agradable recuerdo. Por eso sorprende y alegra ver que desde el Ayuntamiento de Albacete se apoya un certamen de este po desde hace ya casi tres décadas. D.R.I.V.E., la formación que acapara nuestra atención en estos momentos, no es ni más ni menos que la ganadora del Memorial Alberto Cano (este es el nombre exacto del citado concurso) en su vigésimo octava edición. Gracias a este feliz acontecimiento podemos disfrutar del primer álbum de este quinteto. Ignoro cómo serían el resto de grupos que se presentaron al certamen, pero lo que tengo muy claro es que esta banda es merecedora del triunfo. Ellos no prac can un es lo concreto y quizá la e -

queta más precisa que se les podría adjudicar es la de “rock accesible”, pero resulta palmario que saben hacer canciones desde puntos de vista muy diferentes. Creed, Alter Bridge, Nickelback, The Mars Volta (en la extensa “Nada”, con unos trombones que les quedan de fábula) o los nacionales Siddharta y Uzzhuaïa pueden notarse como referentes del sonido de D.R.I.V.E., aunque la falta de deﬁnición es lís ca juega mucho a favor del disco y permite que en ningún momento podamos notar a la banda como mero trasunto de otras formaciones. Se me antoja de lo más interesante este disco de debut de D.R.I.V.E., la verdad. No sólo me parece ejemplar el proceso de gestación de su obra homónima, sino que la música que con ene goza de una calidad notable. Rock elegante y pulcramente interpretado que termina calando en el oyente. por Andrés Puente

GEOMETRÍA ORGÁNICA (YELO, LOG Records) Es di!cil encontrar a día de hoy un proyecto musical que se salga del casillero, que eluda su inclusión en una clasiﬁcación de compar mentos estancos. Más complicado aún se me antoja que de este espíritu aventurero extremo salga algo con sen do, una obra que te apetezca escuchar al margen de lo experimental o raro de su contenido. Geometría Orgánica es uno de esos trabajos que no pierden al oyente por el camino en su afán de ofrecer algo original. YELO es un trío formado por los músicos Pedro Ortuño, eDgar gRau (sic) y Eloy Lurueña que en este álbum nos ofrece un recorrido por melodías y texturas sonoras de lo más llama vo y heterogéneo. La melódica, un instrumento raramente escuchado hoy en día, es una de las grandes bazas 06

del sonido de Geometría Orgánica, como también lo son las extrañas percusiones de Eloy Lurueña o el trombón de Ortuño. Aquí hay jazz, retazos de música clásica contemporánea, momentos más rítmicos y otros que tratan de crear texturas, partes más evidentes y otras más abstractas. En defini va, música instrumental decididamente moderna e inclasificable. Los "tulos de los temas son tan marcianos como la portada del álbum. Sin embargo, y como vengo afirmando, Geometría Orgánica es un disco perfectamente disfrutable y, ante todo, muy dis nto a la mayoría de propuestas que se realizan en la actualidad en España. Música de altos vuelos. por Andrés Puente

C R ´I T I C A S D E D I S C O S ANSESTRAL (Dactah Chando, Achinech Production) Dactah Chando es un músico canario que en poco empo está dejando una profunda huella en la escena nacional del reggae. Basta decir que desde 2009, año en el que comenzó su andadura profesional, ha publicado tres álbumes y numerosos singles, además de haber realizado mul tud de actuaciones en directo en varios con nentes. Toda esta experiencia se nota, y mucho, en Ansestral, la grabación que supone su cuarto LP. Un disco cuidado hasta el úl mo detalle en el que Dactah Chando desarrolla un reggae moderno aunque totalmente respetuoso con la tradición del género. No sólo en lo musical, sino también en lo literario, porque en el álbum están presentes las clásicas referencias al Cannabis o a Haile Selassie I. Tampoco faltan los apuntes reivindica vos ni las cada vez más necesarias llamadas a la esperanza (“Historia”, “Posi vo”, “Vive” o “Ahora Es Tiempo” son !tulos ciertamente rotundos), aunque es evi-

dente que el mensaje ene que ir acompañado de una base musical convincente. Para este disco Dactah Chando se ha rodeado de gente con mucho talento que ha completado los ya de por sí nutridos esqueletos de sus canciones con arreglos verdaderamente magistrales, como pueden ser el solo de saxo de “Posi vo” o los partes de guitarra de “Historia”, tanto las rítmicas como las solistas. Al margen del núcleo duro de seguidores del reggae que pueda exis r en nuestro país, creo que Ansestral es un trabajo notable que sin duda convencerá también a oyentes que no hayan pasado de Bob Marley o Jimmy Cliﬀ. Las canciones son buenas y entran desde la primera escucha, aunque las sucesivas audiciones revelan mul tud de detalles de calidad y buen gusto. por Andrés Puente

DEVIL’S DOZEN (Royal Hunt, Frontiers Records) No es la primera vez que Royal Hunt se acerca al mundo de las obras conceptuales, aunque en este caso su úl mo disco de estudio es una suerte de muñeca Matrioska, cebado el hilo conductor de un buen número de canciones que, a la postre, funcionan como relatos estancos, como cartas escritas a diferentes des natarios –que es lo que, a ﬁn de cuentas, representa cada uno de los cortes del álbum–. Y hasta aquí puedo leer, que decían en el Un, Dos, Tres, ya que el propio André Andersen, capitoste de la banda, nos cuenta precisamente en la entrevista que le hemos realizado para este número toda la historia oculta tras Devil’s Dozen. Título, por cierto, que no hace referencia al contenido de la grabación, aunque sí al número que ésta compu-

ta en la discogra$a de Royal Hunt; y es que la expresión “devil’s dozen” es otra forma de decir el número trece sin nombrarlo –vamos, como en nuestro país los supers ciosos recurren a eso de “12+1”–. Decir, eso sí, que Andersen nos ene gratamente malacostumbrados desde que DC Cooper regresó a Royal Hunt. Y es que llevan tres discos y tres aciertos en pleno centro de la diana, rememorando los años de incues onable excelencia que signiﬁcó el periodo de empo que va desde la publicación de su debut Land Of Broken Hearts (1991) hasta el lanzamiento de Paradox en el 97. Me quito el sombrero ante este grupo superla vo. por Sergio Guillén 07

HEAVY CROWN (Last In Line, Frontiers Records) El 16 de mayo de 2010 fallecía el excepcional vocalista Ronnie James Dio. Desde dicha fecha se le ha rendido tributos de todo po: discos de versiones, conciertos, eventos conmemora vos, etcétera; aun así, seguramente sea la fundación de un proyecto como Last In Line uno de los homenajes más representa vos que la ﬁgura de Ronald James Padavona podría recibir. Y es que estamos hablando de la reunión de lo que fue la banda de Dio en sus primeros años bajo su apellido ar s co, justo el siguiente paso tras salir de Black Sabbath. Aquí está tanto su inseparable, y amigo del alma, el baterista Vinny Appice como el bajista Jimmy Bain o Vivian Campbell «and his magic guitar» –como gustaba apos llar Ronnie en sus actuaciones–. El resultado de este álbum, sin embargo, no alcanza la excelencia que se podría esperar del mismo. Las partes instrumentales están ahí, buscando recrear o rememorar el sonido clásico que tenía la banda cuando estaba capitaneada por Dio, pero

Last In Line

el necesario gancho se echa en falta en bastantes cortes como para que la cosa no pase de proyecto puntual. Andrew Freeman (ex Hurricane, ex Lynch Mob) lo hace lo mejor que puede, sabiendo que su baza es más que complicada –no creo que nadie en su sano juicio vea sencillo el ocupar el puesto ante el micrófono dejado por Ronnie James, aunque sólo sea a modo de homenaje–. El intento en cualquier caso es de agradecer, inicia va encomiable aunque no pase de resultona, además de signiﬁcar la úl ma reunión en un estudio de grabación de la pandilla Appice, Campbell y Bain, ya que el tercero fallecería poco después de grabar el álbum, precisamente en el crucero montado en honor a Def Leppard (llamado Hysteria On The High Seas) y donde el bajista iba a actuar junto a Last In Line. por Sergio Guillén

C R ´I T I C A S D E D I S C O S RISING WITH THE SUN (The Cat Empire, Two Shoes Records) Sin ánimo de realizar una comparación estricta, podríamos equiparar en lo esencial a los australianos The Cat Empire con los británicos UB40. Si los ingleses trabajaron en los 80 es los de origen jamaicano como el reggae, el ska o el dub desde una perspec va pop y abiertamente comercial, The Cat Empire hacen lo propio en el siglo XXI. Su trayectoria ya es extensa y está plenamente consolidada, hasta el punto de que en 2016 publican su sép mo disco de estudio. Rising With The Sun es una obra que, par endo de un enfoque mul cultural, busca conjugar el legado de Bob Marley o Desmond Dekker con las ínfulas étnicas del Paul Simon de la era Graceland. El álbum es fantás co a todos los niveles, desde la musicalidad de las canciones hasta su impacto inmediato en el oyente, y lógicamente viene avalado por

una producción de lujo en la que enen cabida las percusiones étnicas y los vientos del dúo The Empire Horns (Ross Irwin y Kieran Conrau), colaboradores habituales de la formación. No es fácil lograr un equilibrio perfecto entre todos los elementos e instrumentos que se ponen en juego en estas once canciones, y aquí el productor Jan Skubiszewski lo logra con creces. Una vez asimilado y disfrutado este disco, estoy en posición de aﬁrmar que The Cat Empire pueden ser los herederos naturales de los ya citados UB40. No cabe duda de que lo enen todo para triunfar, y con Rising With The Sun dan un paso de gigante hacia la gloria. Ojalá toda la música comercial fuese así de buena. por Andrés Puente

ROCKET SCIENCE (Rick Springfield, Frontiers Records) Nuestro querido Rick nos trae nuevo disco. Él fue otro de los grandes damniﬁcados de la era grunge por mo vos más que obvios. Si por algo se caracteriza este hombre es por crear canciones vitalistas y directas para amenizar una ﬁesta, cosa que en las dos décadas pasadas no se es laba demasiado. Debería ser considerado el cantautor más odiado por cualquier indie gafapasta que se precie, junto con otros como John Waite o Eric Mar n. Y en este nuevo disco no ha rastreado con tanto ahínco lo que sí planteó en el anterior Songs For The End Of The World, es decir, un intento por la búsqueda de ese sonido que le acercase a oyentes más jóvenes. Cuando escuché aquel “Wide Awake” pensé que Rick se nos había reconver do a la religión de unos Green Day, por ejemplo. Esta vez Rick parece que ha virado de nuevo hacia el es lo que

más le caracteriza: ese AOR de melodías pegadizas y mucha carga pop. De acuerdo, en temas como “We Connect” o “That One”, no quiere abandonar del todo esa modernización es lís ca. Uno respira tranquilo cuando la primera canción que escucha es “Light This Party Up”, y en pocos segundos ya te encuentras me do en un estribillo pegadizo arropado por unas rockeras guitarras y una sección rítmica con la única, sincera e inequívoca intención de hacerte saltar. Estamos ante el Rick Springﬁeld que no pretende más que alegrarnos el día, cosa que a algunos les puede parecer algo sencillo e infan l, pero… ¡es que todos querríamos en ocasiones habernos quedado en esa época en la que el acné era nuestro mayor problema! Saca de tu cuerpo a ese jefe que soportas a duras penas para llegar al viernes, a ese 09

televisor que te mar llea constantemente con los eternos males del mundo y a ese complejo de no llegar nunca a cumplir con tus obje vos como adulto. Olvídalo todo por un instante. Por unos momentos ya no eres esa persona madura con responsabilidades maduras, errores maduros y frustraciones maduras. Ahora eres ese chaval que está pensando en cómo diver rse por la noche, en cómo maquearse para ligar y en dónde se beberá la primera copa que le lleve a la resaca del día siguiente. Así es Rick Springﬁeld, y así es este Rocket Science. Estamos ante la Ciencia del Rock que, junto a la Teoría de la Rela vidad, no engañan. La segunda obliga a caerte, la primera a levantarte. Y mientras

te caes y te levantas, Rick se ha reservado en este álbum de trece canciones, un paquete de temas con un marcado acento folk para que veas como tu acné desaparece durante unos minutos. “All Hands On Deck” te sacará de California para meterte en Irlanda sin que sepas cómo has llegado hasta allí –but I like it–. Hemos de agradecer una cosa a Rick y es que a pesar de todas las épocas por las que ha pasado, ha sabido mantenerse con acierto, ya sea en su primigenia etapa de marcado pop rock fes vo, en la más tecniﬁcada de discos como Tao o en estos úl mos e indeﬁnidos años. por Julio L. Tecglen

Rick Springfield

NORDIC UNION (Nordic Union, Frontiers Records) Para hablar de Nordic Union he de comenzar por hacer un ejercicio confesional obligatorio: soy un die hard fan de Pre!y Maids. Mi obje vidad respecto a algo que esté relacionado con esta banda danesa es altamente cues onable. Y Ronnie Atkins es algo más que el cincuenta por ciento de Pre!y Maids, ya que su caracterís ca voz es iden ﬁcable desde la primera 10

nota. Sin embargo, y para compensar, descon"o con cierta facilidad de la mul tud de combinaciones musicales que lleva años intentando cuajar Mr. Seraﬁno Perugino con su entrañable pero a veces obsesiva idea de crear súper bandas. Y también descon"o de la excesiva y prolíﬁca inquietud del mul instrumen sta Erik Martensson, que no termina de ofrecer ese disco

C R Í T I C A S D E D I S C O S defini vo que me convenza del todo en su banda Eclipse. Por fortuna, una vez que en este barco tenemos al nunca suficientemente valorado Ronnie –ya se sabe, este mundo no se creó precisamente cimentado sobre eso que llamamos jus cia– arropado por las buenas melodías, aunque a veces demasiado predecibles, de Martensson, junto con la colaboración de otros excelentes guitarristas como son Thomas Larsson, Fredrik Folkare y Magnus Henriksson, la ecuación no puede obtener un resultado nega vo, sino todo lo contrario. El disco de Nordic Union nos va a conducir por parajes ya muy transitados pero placenteros. El efecto sorpresa queda descartado, por lo que recomiendo escuchar el disco como lo que es: una excelente muestra de hard rock melódico de impoluta facturación. La carrera de Pre$y Maids siempre se ha caracteri-

zado por combinar temas de fuerte carga heavy y guitarrera con otros netamente melódicos rozando a veces el AOR, gracias a la marcada personalidad (y a su infa gable Les Paul) del otro compañero de viaje de Ronnie, el guitarrista Ken Hammer. Con Nordic Union la cosa queda algo más compensada, decantándose por el lado más melódico del hard rock, pero tampoco abandonando del todo los riﬀs de endurecida factura; eso sí, nunca llegando a esos niveles de alto octanaje al que nos ene acostumbrado Ken Hammer, aunque con la inicial “The War Has Begun” pudiéramos despistarnos y pensar que estamos ante un nuevo disco de Pre$y Maids. No, no es así, pero poco le falta. La personalidad de Ronnie, y el gran espíritu de superación (y mime zación) de Martensson, lo han logrado. por Julio L. Tecglen

BLACK ANYTHING (Is Tropical, Axis Mundi Records) Llega finalmente la versión íntegra y defini va del úl mo trabajo de los británicos Is Tropical, tras haber ido desgranando los diferentes temas en forma de singles a lo largo de los úl mos años. Ciertamente, la banda londinense concibió Black Anything como un proyecto más que como un álbum en sen do tradicional. Como tal proyecto se ha diseñado y presentado de una manera modular, con cinco partes bien diferenciadas e independientes tanto en lo musical, con su les y variadas referencias geográficas, como en el diseño ar!s co de los vinilos que soportan "sicamente la obra, pero que al final se integran en un conjunto coherente. Black Anything conlleva cambios significa vos en la banda. Probablemente el más destacado sea la mudanza de sello discográfico, ahora que dicen sen rse con experiencia suficiente para tomar las riendas de su propio trabajo. Tras años con Kitsuné, han dado el salto a Axis Mundi Records siguiendo los pasos de otros ar stas como David Ellis. Otro cambio significa vo es la integración defini va de la cantante Kirs e Fleck en el ahora cuarteto. Así, la voz pasa a conver rse en otra seña de iden dad del grupo.

Los dos temas inéditos que cierran el proyecto representan la etapa sudamericana del periplo de grabaciones alrededor del mundo. “Believe”, con el ma zado influjo de los ritmos brasileños, y “What You Want” no destacan especialmente frente a otros publicados con anterioridad. Las piezas más sólidas del conjunto del trabajo siguen siendo las que enen una referencia geográfica más cercana, aquellos “Say” y “Cruise Control”, correspondientes a la etapa europea de la musical vuelta al mundo protagonizada por Is Tropical. Con un proyecto tan heterodoxo y un fenómeno de marke!ng tan ambicioso, siempre se corre el riesgo de que el experimento se vaya de las manos, y una cierta decepción ante el resultado final era prác camente inevitable. Con todo ello estamos ante un ejemplo solvente del discurrir actual de la indietrónica gestada en el Reino Unido, con ejemplos de una música tan transparente como los propios vinilos, algunos destellos innovadores y guiños al pasado; aunque el proyecto –al menos musicalmente– no resulta tan rompedor como se quiere hacer ver. por María Manuela Cor nas 11

INGLORIOUS (Inglorious, Frontiers Records) El reciente quinteto Inglorious (formados hace apenas dos años) es uno más de los grupos de rock que en los úl!mos años se vienen apuntando al revival setentero. Bandas que están aportando renovados bríos a una escena siempre necesitada de sangre nueva. Nombres como Blues Pills, Black Mountain, Kadavar o Wolfmother deberían al menos sonarle a cualquiera que siga interesado en el hard rock clásico, y este es también el negociado en el que se mueven Inglorious. Lo que aquí vamos a poder encontrar son once muy buenos temas que, lejos de rendir tributo a un grupo concreto, muestran pleitesía a una manera de hacer las cosas. Se pueden ves!r de Deep Purple (“Un!l I Die”), Whitesnake (“Holy Water”), Rainbow (“Inglorious”) o marcarse una pedazo de power ballad como “Bleed For You” (enormes riffs

Inglorious 12

y melodías, sí señor), canción que personalmente me recuerda a temas similares de Alter Bridge, posiblemente uno de los diez mejores grupos de rock en ac!vo; en todos los frentes demuestran gran solvencia y feeling, además de des!lar verdadero amor por la música de los 70. Nathan James, cantante con la ya mí!ca Trans-Siberian Orchestra y con el guitarrista germano Uli Jon Roth, es, aparte del vocalista principal de Inglorious, el miembro fundador de la formación, y esta experiencia trasciende cuando uno escucha el álbum. Hard rock directo y de fácil diges!ón para regresar a los 70 sin necesariamente quedarnos atrapados en el pasado. por Andrés Puente

C R ´I T I C A S D E D I S C O S RULEBREAKER (Primal Fear, Frontiers Records) Es un lugar común decir que Primal Fear son los AC/DC del power metal. Pueden cambiar las modas y pasar las décadas todo lo que quieran, que ellos seguirán ahí, al pie del cañón y ﬁeles a su es"lo. Dieciocho años han pasado desde que Ralf Scheepers y Mat Sinner vieran publicado su primer álbum bajo la denominación Primal Fear, y ellos con"núan impertérritos, sacando un disco tras otro cada dos años aproximadamente. Todo es fórmula en Rulebreaker, empezando por el #tulo del álbum. Sin ir más lejos, “Starbreaker” se "tulaba uno de los temas de Judas Priest en 1977. Por ello no sorprende que, sabiendo que el principal referente de Primal Fear es la banda de Halford, Tipton, Downing y Hill, hayan optado por volver a recurrir al mismo juego lingüís"co. Por otra parte, hay que recordar que ya los propios Primal Fear editaron una canción llamada “Chainbreaker” hace unos cuantos trienios (de hecho fue prác"ca-

mente su carta de presentación ante la parroquia en aquel 1998). Es decir, que ellos siguen aplicando una fórmula que les ha reportado pingües beneﬁcios, y por consiguiente no fallan. Sus temas no han perdido un ápice de la efec"vidad que tuvieran en "empos sus primeros discos; eso sí, no hay que buscar ﬂorituras en su sonido. Esto es power metal a la alemana puro y duro y, amigo, o lo tomas o lo dejas, parecen decirnos. A mitad del álbum se permiten un devaneo pseudoprogresivo en “We Walk Without Fear” (casi once minutos de composición), y lo cierto es que no les queda nada mal. Aunque Primal Fear siguen en sus trece, es de ley reconocer que con"núan repletos de energía y, paradójicamente, Rulebreaker supone un fogonazo de vitalidad en una escena, la del heavy metal clásico, que se siente bastante parada. por Andrés Puente

NO MÁS CANCIONES TRISTES (Daniel Cros, Rosazul) Daniel Cros fue La Firma Invitada en el número de marzo de Renacer Eléctrico Music Magazine y nos analizó detalladamente, canción por canción, cada uno de los temas que conforman su nuevo disco "tulado No Más Canciones Tristes en un más que interesante y esclarecedor ar#culo al que remi"mos a nuestros lectores; por lo tanto no es mi obje"vo aquí desmenuzar uno a uno los once cortes del álbum sino tratar de esbozar las sensaciones que transmite este trabajo en su conjunto. La génesis de este disco la encontramos en un concierto muy especial que ofreció Cros junto al también músico Alejo García en mitad de un bosque iluminado por antorchas; y así, envuelto por la naturaleza y sirviéndose de la vieja guitarra que le

ha acompañado en los conciertos que ha ofrecido durante los úl"mos años por La"noamérica, este músico barcelonés se aproxima al folclore de los diversos países que ha recorrido con unas composiciones que gravitan casi exclusivamente entorno a la guitarra acús"ca. Arreglos minimalistas para unas tonadas diáfanas y cristalinas capaces de alternar el bolero con la ranchera, la bossa-nova con el country o el aire mediterráneo con el andino en unas canciones vitalistas, llenas de luz y colorido, aunque con algún que otro inevitable trazo de melancolía. Melodías y versos para escuchar entorno al crepitar de una hoguera que te hacen recorrer todo un con"nente de la mano de unas colaboraciones 13

que incluyen a la mexicana Zaira Franco, la brasileña Sylvia Patricia, el argen no Pablo Grinjot y el colombiano, antes citado, Alejo García. Celebrado productor musical para unos, rockero y exBrighton 64 para otros, Daniel Cros es por encima de cualquier e queta un cantautor, un escritor de

canciones que ha logrado crear, sirviéndose de los elementos más austeros, una obra de marcado carácter emocional rica en contenido y detalles. por Fat Professor

THE MEAN SOLAR TIMES (Stay, Rock Indiana) Los barceloneses Stay, gracias a The Mean Solar Times, consiguen hacer un muy interesante recorrido por la psicodelia británica, tanto homenajeando los años dorados de la escena en la década sesentas como buscando en las nuevas corrientes que desde las Islas buscan bañar las playas de los sonidos alucinógenos. “Always Here” te lleva al pasado en apenas cuatro minutos, mientras “Smilling Faces” se pasea por el brit pop noventas de corte atmosférico o “All In Your Eyes”, de casi ocho minutos, se acerca a la línea experimental y space rock de los primeros Pink Floyd –aunque Stay más orientados al pop– o la psicodelia lunar de bandas como Tomorrow o aquellos Pre!y Things de las epopeyas conceptuales de SF Sorrow.

Stay es una agrupación a tener muy en cuenta, un conjunto para el que Jordi Bel, voz y guitarra del mismo, sabe componer creaciones emocionantes, lisérgicas, espaciales, dotadas de esa capacidad para dejar un profundo poso en la mente del oyente. Y, como dato extra para todos los amantes del universo Oasis, decir que Owen Morris se ocupa de producción, grabación y mezcla, mientras Andy Bell pone su guitarra al servicio de dos de los temas del álbum, colaborando en los coros en un tercero. Estos catalanes no pueden ser más genialmente bri!sh. por Sergio Guillén

A NIGHT TO REMEMBER (Patax,Youkali Music) Ya lo he comentado en anteriores ocasiones cuando se da un caso como el que me toca afrontar. Hay veces en las que de algún concierto que hemos cubierto para Renacer Eléctrico Music Magazine, del que hemos hecho crónica, luego termina editándose dicha actuación en CD o en DVD, llegando a nosotros nuevamente para que lo reseñemos. En estos casos, poco podemos añadir a nuestras impresiones de aquella velada, ya que la vivimos en directo y la degustamos de la manera más natural posible: en su fecha de grabación. Ese fue el caso, por ejemplo, del álbum En Directo En La Gruta 77 de Star 14

Maﬁa Boy, del cual presentamos primero el análisis de la actuación y meses después la reseña del CD; y en idén ca situación me encuentro ahora con el A Night To Remember de Patax –parece ser que ya sin acento en la segunda “a”–. En nuestro número de diciembre del año pasado, entre las crónicas de Hollis Brown, UFO o FM, también apareció la del concierto de Patax en el madrileño Teatro Calderón, show en el que se grabó el elepé doble que nos ocupa. Pues bien, puedo decir que el resultado en audio captura a la perfección lo que fue la noche: un concierto casi de total tributo

C R ´I T I C A S D E D I S C O S a las inﬂuencias de Jorge Pérez en el que también quedó espacio para tres o cuatro piezas personales del propio ar sta. Ahora bien, sabiendo lo que se pudo ver en aquella cita, recordando en mi memoria los momentos de complicidad y la compenetración que la banda demostraba tener, ya no solamente en lo instrumental, pues también en gestos, movimientos, entradas de unos u otros invitados, pienso que es una pena que a la postre no se edite este A Night To Remember igualmente en DVD –y

eso que aquella noche se documentó con cámaras de manera oﬁcial con la intención de llevar a puerto una ﬁnal edición en este formato también–. De todos modos, es este doble álbum una obra fundamental, un lanzamiento cargado de impresionantes versiones y ejecutado por unos músicos de primera. Qué más se puede pedir. por Sergio Guillén

Resurrection Kings

RESURRECTION KINGS (Resurrection Kings, Frontiers Records) Como te digo una cosa te digo la otra. Igual que unas reseñas atrás, en este mismo número, reconocía sen rme algo decepcionado con el resultado ﬁnal del larga duración de Last In Line, ahora me quito el sombrero ante el álbum homónimo de Resurrec on Kings. ¿Cómo? ¿Por qué comparo a ambas bandas? Bueno, más allá del hecho de pertenecer al mismo sello (Fron ers Records), en ambas milita el imprescindible baterista Vinny Appice y en los

dos grupos se pueden contar diversos ex miembros de las diferentes etapas musicales del desaparecido Dio como solista –Vivian Campbell y Jimmy Bain en Last In Line o Craig Goldy en Resurrec on Kings; y Appice, el que fuese a las baquetas mano derecha de Ronnie James, ya digo, tanto en una como otra–. Pues bien, lo que en Last In Line era falta de puntería, aquí es todo lo contrario. Alessandro Del Vecchio, con alguna que otra 15

colaboración (en ocasiones el mismo Goldy aparece en los créditos), pone frente al cuarteto para que se luzca un buen puñado de temas de hard and heavy con sus apreciables pinceladas melódicas; y ellos, que no han tardado en hallar la química como grupo bien compenetrado, saben sacarle el brillo oportuno a temas como “Fallin’ For You”, “Who Did You Run To”, “Path Of Love” o “Don’t Have To Fight No More”, por citar unos cuantos –ya digo que durante todo el disco se deja muy alto el listón–. En cuanto a la labor instrumental, bajista, bateris-

ta y guitarrista están espléndidos, aunque me ha sorprendido el gran estado de forma en el que se man!ene como vocalista Chas West. Ya le había escuchado con Lynch Mob o junto a la Jason Bonham Band, pero es que aquí se destapa como la elección perfecta para un proyecto de estas caracterís!cas. Por lo tanto, no tengo más que felicitaciones para estos cuatro talentos. por Sergio Guillén

TAIR WA WATAR (Hesham Essam,Youkali Music) Está claro que el laudista egipcio Hesham Essam y el percusionista madrileño David Mayoral son una apuesta a ganador cuando unen sus talentos, algo más que patente en una grabación como la que aquí me llega. Tair Wa Watar es un trabajo delicado, lleno de detalles y respetuoso con el folclor al que representa. De las ocho composiciones que ambos ejecutan en este disco, seis de ellas están compuestas por el propio Hesham, demostrando así que no es únicamente un dotado instrumen!sta, ya que su visión a la hora de es-

cribir música es cau!vadora, cargando cada tema tanto de tradición como de cierta soﬁs!cación más tocante con nuestros días. Y de esta manera viaja Tair Wa Watar por unas aguas en las que igualmente la música árabe como la egipcia van a parar, mezclándose, complementándose, embelleciendo todavía más unos basamentos ya de por sí mágicos, misteriosos, insinuantes, cargados de historia. por Sergio Guillén

CERIMÒNIES (Lubianka, Tonzonen Records) Qué pensar cuando te encuentras un álbum en el que unas baterías en constante mutación se juntan con lo cau!vadoramente árido del desert rock, mientras una alucinada psicodelia te levanta varios palmos del suelo y te man!ene flotando minuto tras minuto al !empo que el viento te golpea en la cara con embes!das de un jazz rock laberín!co. En fin, no sé tú, pero mi pensamiento es más que claro: estoy ante uno de los discos más emocionantes que nos ha dado hasta ahora el nuevo milenio en cuanto a rock experimental se refiere. 16

Lubianka son así, una sorpresa constante, un proyecto que en apenas dos elepés se han puesto a un nivel crea!vo que pocos alcanzan. Es verdaderamente sintomá!co que un sello centrado en el krautrock y la psicodelia como Tonzonen Records les recoja bajo su manto para este segundo álbum; aunque una vez paladeado cada corte de este disco, este movimiento se ve como algo más que lógico: qué otra cosa podía hacer la discográﬁca que contratar a una de las bandas más prometedoras del panorama psicodélico europeo.

C R ´I T I C A S D E D I S C O S Es por tanto Cerimònies uno de esos trabajos que no debes perderte si te gusta la experimentación, si eres un oyente de miras sin fronteras y si, a ﬁn de cuentas, disfrutas la mezcolanza de las corrientes citadas al principio de este texto. Los cinco com-

ponentes de Lubianka te hechizarán con su música chamánica, eso tenlo por seguro. por Sergio Guillén

Lubianka

LOS AMANTES (Marta Tchai, Resistencia) Tal y como se encargó de mostrarnos el videoclip de “Ceremonia”, la música de la cantautora pop Marta Tchai está repleta de contrastes. La pantalla par"da en los dos colores más opuestos, el blanco y el negro, una estrofa casi hablada y un estribillo prác"camente de es"lo disco, y así podríamos seguir un buen rato. Curiosamente, este tema, a pesar de ser el single de presentación de su tercer LP, no ﬁgura entre los once que componen Los Amantes. Sin embargo, este espíritu de contraposición y de diversidad de ma"ces es probablemente la seña de iden"dad más clara del disco, y también lo que permite a Marta Tchai alcanzar la excelencia una vez más. No se contenta Marta con ceñirse a un único es"lo, sino que en Los Amantes explora terrenos como el sonido retro (ese inicio con “Sep"embre Epistolar”

está embebido en unas atmósferas surf su"les aunque tremendas: la batería inquieta, la guitarra que puntea y ese teclado que me remite a The Tornados; el propio tema-#tulo entre lennoniano y Motown), el sen"miento folk (“Inconsistente”) o esa especie de regreso a los años cuarenta que representa “Balada De Un Hombre Menguante”. Haciendo una suerte de símil cinematográﬁco, podríamos encuadrar este álbum dentro del retrofuturismo: Marta hace canciones totalmente actuales par"endo de bases clásicas del pop. Ella misma es la autora de todos los temas, tanto letras como música, aunque no se puede dejar a un lado la fantás"ca banda de acompañamiento que la respalda en este trabajo. Paco Loco, productor sin duda mí"co dentro de la escena indie española, ha supervisado el proceso de creación de Los Aman17

tes, lo cual ya es garan!a de calidad. Juan Manuel Serrano, Carlos Mirat y Eduardo Baos, aparte del propio Paco, son los músicos que culminan la labor ya de por sí sobresaliente de Marta. Pop sustancio-

so y apetecible. por Andrés Puente

EL SUEÑO ESPAÑOL (Franco, Tricornio Producciones) La banda bilbaína Franco cul va un es lo que ellos mismos deﬁnen –supongo que irónicamente– como “discopunk”. Pese a su breve andadura como grupo, va ya por su tercer trabajo discográﬁco con el nuevo EP tulado El Sueño Español. Al igual que en sus anteriores grabaciones publicadas, siguen decantándose por el formato breve. Miguel Aizpuru (voz y guitarra), Mikel Izarra (sinte zadores), Michael Vera (bajo) e Iván Gómez (batería), forman parte del efervescente panorama musical de la capital vizcaína. De hecho, todos los componentes se integran también en otras bandas de la escena, como B Flat, Belgravia, Wild Things o Educados. Los seis cortes se caracterizan por sus letras irónicas, con un mensaje directo que no requiere grandes disquisiciones para ser interpretado. Hablan

de temas candentes y polémicos, como la deriva de la industria musical y sus aledaños en “Cabeza de Cartel”, el sensacionalismo de los medios de comunicación en “Siempre Saludaba” y, como no, la corrupción en sus múl ples expresiones: “Iberduero”, “Caso Himalaya”... Esta lírica tan peculiar y caracterís ca de la banda se ve aderezada con melodías diversas, pero que nos suenan muy familiares El Sueño Español puede que no pase a la historia como una obra maestra del rock, pero cumple el obje vo de hacernos pasar un buen rato, aunque dejando un regusto amargo por la naturaleza de su temá ca. El llano humor musical que ofrece Franco hace que nos asalte la duda de si se ríen del mundo, de sí mismos o de nosotros. por María Manuela Cor nas

WHAT WENT DOWN (Foals, Warner Music) Foals siempre se ha mostrado una banda muy peculiar. Ya desde los inicios, y de forma más acentuada en los úl mos años, ha sido un proyecto muy personalista de su líder Yannis Philippakis. Desde sus primeros elepés, con una marcada inﬂuencia del math rock y el rock progresivo en general, se posicionaron como una banda a tener en cuenta dentro de la escena alterna va más alejada de los convencionalismos imperantes. Desde la muy buena acogida de su primer álbum An!dotes (Transgressive Records, 2008), la carrera de Foals parecía ir encaminada hacia el éxito más rotundo 18

y mundial. Sin embargo, la trayectoria de la banda ha ido en moderado declive, y en sus sucesivos trabajos los de Oxford no han sido ajenos a la tendencia de rebasar la su l barrera entre originalidad y excentricidad, demasiado común úl mamente entre las bandas punteras de las nuevas vanguardias alterna vas. En What Went Down Foals hacen un nuevo intento de hilvanar una obra singular y a!pica. Musicalmente, el disco no sigue una línea es lís ca deﬁnida como consecuencia de una reconocida improvisación en las dis ntas fases del desarrollo del trabajo. Destacan especialmente

C R ´I T I C A S D E D I S C O S los temas que ofrecen un sonido más contundente que el entregado en anteriores álbumes de Foals. En temas como el que da tulo al disco generan una atmósfera ruidosa que recuerda los albores del postpunk. Por otro lado, podemos escuchar temas más suaves, como “Give It All” y “London Thunder”. También hay algún ejemplo de música más bailable, como “Birch Tree”. Aunque estamos ante un trabajo correcto en múl!ples aspectos, y cuya calidad ar s!ca no puede ser

desdeñada, el disco vuelve a decepcionar cuando siempre se espera de Foals un trabajo excepcional. Algún día Philippakis y su banda lograrán esa perseguida creación que los encumbre como paladines de la originalidad del rock alterna!vo, pero para ello tal vez no deberían seguir el ejemplo de What Went Down. por María Manuela Cor nas

BREAKING THE RULE (The Excitements, Penniman Records) «El amplio y completo conjunto, todo trajeado como es norma en una apuesta de estas caracterís!cas, se adentran en la noche con su perfectamente engrasado sonido y con un Daniel Segura que ya desde el minuto uno destaca por su nervio excepcional dirigiendo la base rítmica desde el bajo. Adrià Gual se acerca entonces a un micrófono lateral y, a pleno pulmón, rememorando aquellas presentaciones que caracterizaban a la entrada de James Brown a escena, avisa a propios y extraños de que Koko-Jean Davis va a hacer acto de presencia sobre la tarima. Y allí aparece ella, decidida, con paso ﬁrme a la par que ligero, luciendo un breve ves!do de raja a un lado ideado con un único ﬁn: poder moverse y interpretar a su antojo cada tema, pegar patadas al aire, balancearse, girar o bailar con soltura –algo que no paró de hacer a lo largo del concierto de la agrupación a la que pertenece–». Estas fueron las primeras frases que escribí tras ver en directo el año pasado a The Excitements. Fue en

Madrid, en una fiesta del sello Penniman Records junto a The Limboos, y aunque ya había oído hablar de ellos o visto vía Youtube algunos de sus vídeos oficiales o tomas de sus actuaciones, lo que aquella noche contemplé en la sala Caracol me estremeció. Con Breaking The Rule este electrizante combo lo vuelve a hacer: una vez más suenan cercanos para todos los que amamos sellos como Stax o la Motown, nuevamente saben dar igual valor y pasión a los temas propios –en gran medida firmados por E. Bosser, dueño del sello– como a las versiones –y qué versiones, por cierto–, otra vez demuestran ser unos instrumen!stas perfectos para manejarse desde las profundidades del soul al r&b de ese periodo maravilloso que rondó par!endo de la década de los 60 con dirección a los años 70. Colosales e irreprochables, The Excitements entregan a su público uno de los discos más destacados de 2016. por Sergio Guillén

The Excitements 19

ADIEU OR DIE (Aries, La Castanya) Muchos recordarán a Isabel Fernández Reviriego formando parte de Electrobikinis, el cuarteto de punkrock de Getxo que vivió su momento álgido con el cambio de siglo. Justo en aquel momento Isabel inició un nuevo proyecto llamado Charades, que representaba un radical giro es!lís!co y conceptual. Y casi una década más tarde puso en marcha una nueva idea con el nombre Aries, dando otro viraje a su arte y a su vida. El primer LP de Aries, La Magia Bruta (BCore, 2012), fue un ejemplo de originalidad y destreza en el uso de recursos. El segundo álbum, Mermelada Dorada (La Castanya, 2014), sirvió para desarrollar y madurar los conceptos musicales. Ahora este Adieu Or Die marca un momento de consolidación del proyecto y la apertura hacia retos más ambiciosos. El disco ha sido editado y promocionado en Estados Unidos por K Records, mí!co sello independiente de Olympia –cofundado y dirigido por Calvin Johnson (Beat Happening)– estrechamente vinculado al origen y desarrollo inicial del movimiento riot grrrl y el cambio de paradigma del punk. Entre el minimalismo de “Lágrimas I” y la am-

Aries 20

plitud del tema que da "tulo al disco, Aries ofrece un compendio de piezas en el que los sonidos electrónicos y la grácil voz de la autora forman una amalgama musical que no genera indiferencia en el oyente. En el aspecto sonoro sobresalen las imbricaciones guitarrís!co-vocales que conforman el tema “Nuestra Casa” y el convencionalismo de la evolución melódica en “Memorias”. También cabe destacar el contraste entre la su!leza de cortes como “Eclipse Total” y “La Fuerza del Sonido”, y la contundencia de “En El Océano”. Aries consigue transmi!r sin estridencias un mensaje contundente –e incluso crí!co y reivindica!vo–, u!lizando un lenguaje aparentemente naif. Pero prestando atención se puede captar un signiﬁcado más profundo. Adieu Or Die –al igual que otras creaciones ar"s!cas de Isabel– es un proyecto verdaderamente alterna!vo y esencialmente independiente, en el que priman el espíritu y las materializaciones del DIY. Un trabajo más próximo al alma del punk de lo que podría parecer a primera escucha. por María Manuela Cor nas

CINE

R A E T O P A H C E D NO ES HORA NO A I L A R T S U A E F I por Sergio Guillén EN EL ARREC Plantearse un survival marino tras un largometraje como Open Water podría parecer una locura, ante todo si se a!ende al hecho de que las premisas principales son más que similares. Aun así, el que aquella filmación se estrenase en 2003 y The Reef salga a flote a lo largo de 2010 desvela que no necesariamente debe entenderse la idea de esta creación cual triquiñuela oportunista. Y aunque, al igual que a su antecesor, firmado por Chris Ken!s, al trabajo de Andrew Traucki le acompaña la tan mas!cada frase gancho que reza aquello de “basado en hechos reales”, este largometraje para la gran pantalla resuelve con acierto su trama sin conver!rlo en algo inverosímil. Desde que Steven Spielberg estrenase Tiburón en 1975, la imaginación de los amantes del terror acuá!co ya no se vio obligada a enroscarse en mitológicas pitanzas submarinas del Kraken o cualquier otra criatura abisal que se preciase de su voracidad. Un !burón podía ser el peor de tus enemigos en mar abierto, un contrincante inteligente y despiadado que acabaría dando con los puntos débiles de cualquier protagonista –y el rol humano finiquitando con sus carnes entre sus mandíbulas–. En el proyecto de Traucki los escualos muerden para alimentarse, pero no muestran un proceder de ataque constante hasta despoblar los fondos marinos o las superficies de los océanos. El comportamiento de los !burones que se retratan en El Arrecife es el que se podría entender como lógico, atendiendo al hecho de que los personajes interpretados por Damian Walshe-

Howling, Gyton Grantley, Adrienne Pickering y Zoe Naylor están chapoteando por ese restaurante autoservicio que son los kilómetros y kilómetros de alta mar. Además, y como bien apunta Warren (Kieran Darcy-Smith), el único que no se aventura a la pequeña gran odisea del desde ese momento cuarteto, con el traje de neopreno $pico de los buceadores todos lucen el color de las focas y pueden atraer todavía más a sus posibles perseguidores. Este viaje de placer a los arrecifes de coral australianos que termina en tragedia resulta entretenido y correctamente ﬁlmado, sabiendo buscar el terror por medio de pequeñas pausas dramá!cas basadas en el desconcierto de los supervivientes del naufragio con el que el espectador se topa a los pocos minutos de metraje. Los ataques de !burón ﬂuyen con pericia en el guión, sin empachar pero consiguiendo mantener la tensión en su punto más alto. Pequeños instantes de relajo fracturan las escenas para dar esa sensación de victoria cercana que a la postre parece nunca llegarles a los personajes de El arrecife. Un conjunto bien aprovechado de técnicas resolu!vas tras la cámara que hacen correr los minutos más rápido que los segundos que los sustentan.

LA QUE SE AVECINA, EN OTRO UNIVERSO Las comparaciones son odiosas. Frase hecha y muy manida, pero no por ello menos cierta. Pongamos el caso de una serie de humor como La Que Se Avecina, creada por Daniel Deorador junto a Alberto y Laura Caballero. El 22 de abril de 2007 se estrenaba en Telecinco cargando ya de antemano con un peso enorme, un peso de bola de demolición, bola que casi termina por derruir el programa en sus primeros capítulos. Me refiero al elevado listón que había dejado al proyecto otra serie de dos de los tres creadores de la citada sitcom: Aquí No Hay Quien Viva. Durante tres años y cinco temporadas, la que se conocía en los foros de Internet como ANHQV, logró reinventar la comedia de situación nacional, rozando en sus úl"mas temporadas el humor más desmelenado; ya no eran solamente vidas que se cruzaban en una escalera de edificio de viviendas propiciando las risas por medio de guiones magníficamente estructurados, en las dos úl"mas temporadas los mismos personajes habían capturado al elenco de actores y todos lograban así una soltura envidiable, real. Sus roles resultaban icónicos (Emilio, Lucía “qué mona va esta chica siempre” La Pija, Mauri, Juan “váyase, señor Cuesta”, Paco, Bea, Mariano, y un desternillante etcétera) y las mule"llas de los mismos tomaron la calle, la cultura popular, haciéndose tan famosos como los «¿cómorrrr?» y los «¿te das cueeeennnn?» de Chiquito de la Calzada –al que el desaparecido Pepe Carroll siempre se empeñaba en llamar “de la Calsáaa”, en el hoy difunto espacio de chistes Genio y Figura–. Pero, como decía, llegó abril de 2007 y La Que Se Avecina. Todos los que habíamos seguido con verdadera devoción y fervor Aquí No Hay Quien Viva estábamos dispuestos a dejarnos atrapar por esta especie de... de... ¿de con"nuación, de saga, de reinvención? Nadie sabía bien lo que ofrecería este cambio de cadena, esta salida de Antena 3 para comenzar andadura en Telecinco. Lo que era antes el número 21 de la urbanita calle Desengaño cambiaba de cimientos y estructura para pasar a conver"rse en una comunidad de vecinos situada casi en el extrarradio, en un espacio llamado Mirador de Montepinar. En su gran mayoría se había repescado al reparto que terminó ANHQV, aunque, para que no se les acusase de plagio –Antena 3 presentaría el día 25 de mayo de 2007 en el Juzgado de lo Mercan"l una demanda por plagio a Telecinco, 22

cuando únicamente se habían emi"do tres episodios de la serie–, los roles de esta adaptación intentaron lucir difuminados de la mejor manera posible para así no ajustarse a costuras anteriormente hilvanadas. ¿Dónde residía el problema? Faltaba ritmo. Por mucho que en el principio de una primera temporada se deba presentar a los protagonistas y las tramas primi"vas, las mismas no cojearán en gancho... ¡Pero las iniciá"cas de La Que Se Avecina sí lo hacían! No fuimos pocos los que nos re"ramos antes de "empo, justo tras aquel errabundo piloto inaugural, creyendo que ANHQV había dejado un hueco imposible de llenar. Sin embargo, y tal vez nostálgicos de ciertos actores, de sen"rlos casi cual familia tras la adicción que generó ANHQV, volvimos a sentarnos frente al televisor para ofrecer esa segunda oportunidad que todos nos merecemos. Y entonces nos topamos con un capítulo "tulado “Un reencuentro, un desalojo y un torneo de pádel” –el sép"mo, más en concreto–, y todo cobró sen"do al momento. Habían vuelto, la chispa estaba ahí, sólo necesitaban desengrasarse un poco más, pero el humor resultaba el de antaño. Qué pasó entonces; muy sencillo, la cosa no decreció, ni tampoco intentó escalar hasta los límites que su antecesora pudiese tener en cuanto a temas que tocar o no tocar. ¡La Que Se Avecina sería un mundo aparte! Un mundo no, ¡una galaxia! Personajes como Enrique “concejal de Juventud y Tiempo Libre” Pastor, Leo, Antonio “mayorista, no limpio pescado” Recio, Maxi “qué somos, ¿leones o huevones?” Angulo, Coque, Berta o Nines, al igual que sus hazañas humorís"cas, son rememoradas semana tras semana por grupos de compañeros de trabajo, en los chascarrillos de las amigas de la universidad, en las charlas por las redes sociales. Ahora bien, ¿dónde radica el acierto? ¿De dónde salió el dardo que se clavó ﬁnalmente en el centro mismo de la diana? En los nuevos guiones, cada vez más deliciosamente idos, más polí"camente incorrectos, más destroyer, cargados de unas fechorías extreme narradas a velocidades de infarto. Los actores ya no "enen un rol, ya no "enen un personaje en el que meterse; Pablo Chiapella no hace de Amador Rivas, al igual que tampoco Eva Isanta pone sus rasgos a Maite Figueroa... Pablo es Amador, Eva es Maite, y así con todos. Cada

TELEVISIO ´ N ´A C I D A

protagonista de esta obra coral ha embrujado cual encanto de vudú a los actores, haciendo que no tengan que pensar en cómo tal o cual haría esto o aquello; ellos sólo viven con normalidad dentro del plató pues ellos son sus álter egos, y no volverás a imaginarlos en otras situaciones, en otros papeles, en otros seriales pues han hallado la historia a la que pertenecen. Y el paso de las temporadas hace que me reaﬁrme en mis palabras. Por lo tanto, no existe competencia posible; hay que dejar claro

que ANHQV era una cosa y La Que Se Avecina otra totalmente dis!nta, por mucho que sus puntos de par!da sean similares o, mejor dicho, idén!cos. Su humor es diferente, situado en niveles diferentes, en al!llos diferentes, en diferentes cajones y eso las hace seguir siendo tan disfrutables por separado. por Sergio Guillén

la retro serie concreto a las teleseries. John afirmaba que todo se sucedió por el simple hecho de no perder la oficina privada que Universal Pictures le entregó en su día dentro de las instalaciones de sus estudios como pequeña gabela por los servicios prestados. A él le encantó la idea de tener allí un pequeño refugio, aunque también estuviese trabajando para otras empresas. El caso es que al ser comprada Universal por una fuerte compañía japonesa (Matsushita), las cosas cambiaron, viendo los nuevos jefes con malos ojos ese regalo que, a fin de cuentas, se le había hecho a alguien que para aquellos años ya ni siquiera filmaba nada para el nombrado estudio. Fue entonces, al ver peligrar su oficina –y sabiendo que en aquellos momentos no tenía ningún largometraje que ofrecerles–, cuando el director de cine pidió firmar un contrato de televisión a Universal.

s Sueno de la lla a t n a na p e u q e p Z

Guillén por Sergio Mucho empo antes de que la cadena norteamericana HBO fuese un referente en cuanto a ficción televisiva se refiere, exis ó un serial en su parrilla que marcaría uno de los primeros y más importantes triunfos para la marca, haciendo despegar la fama de la misma al ganar un Emmy gracias a este espacio. La serie llevaba por "tulo Dream On (Sigue Soñando, en nuestro país) y su creador/productor no era otro que el ingenioso John Landis. Landis, un cineasta que ha vivido de todo durante su carrera profesional –la cual se inició de adolescente ayudando en rodajes y hasta haciendo de stunt en las escenas de peligro de filmes de todo pelaje–, contaba en su día una historia muy curiosa en relación a su salto a la pequeña pantalla, más en

Pero no había nacido aún la defini va línea argumental de Sigue Soñando, y menos todavía ese original concepto en el que los pensamientos del protagonista Mar n Tupper (interpretado por Brian Benben), en lugar de escucharse a modo de voz en off, estuviesen representados por escenas y diálogos de cine clásico en blanco y negro, escenas reales de películas reales en las que podía salir Bette Davis o Peter Lorre, por ejemplo. Pues bien, esto surgió gracias al ingenio de un Landis apremiado por los estudios Universal que pretendían a toda costa hacer sus buenos dólares rentabilizando de la manera más rápida posible todo su archivo de películas de la era dorada de Hollywood. Era algo arriesgado, pero la cosa funcionó y llegó a durar seis años, desde el 90 al 96. Para el logro defini vo se contó con los guionistas David Crane y Marta Kauffman, que desarrollaron las tramas que posteriormente engancharían a la audiencia norteamericana. Pero la chispa inicial, la que se resumía en unos pocos segundos en la cabecera de la serie, y en la que se podía ver a un pequeño Mar n Tupper pasando sus años de niñez frente al televisor casero, estaba inspirada en Landis, pues a fin de cuentas se basada en su infancia. En nuestro país descubrimos Sigue Soñando en Canal + –en emisión en abierto–, y ahora, gracias al libro de Gerardo Santos Bocero tulado John Landis. Un Hombre Lobo En Hollywood (el cual analizamos este mes en nuestra sección de libros), podemos sumergirnos de lleno en todos los entresijos de la misma. 25

H O M B R E S

M E J O R E S

L A F´ I R M A I N V I T A D A Hombres Mejores es mi tercer disco, que ha salido al mercado el pasado 23 de febrero en plataformas digitales y en formato disco libro de 26 páginas a todo color, en donde brillan con luz propia las imágenes e ilustraciones del diseñador Quique Armas (ilustrador de las colecciones Bunbury/Héroes del Silencio y Serrat y Sabina, ambas para El País). El álbum cuenta con la par cipación de destacadas ﬁguras en el panorama musical nacional, de la talla de Jaime Urru a (Gabinete Caligari), que canta a dúo conmigo “Puntos De Break”, Vicente Climent (Serrat, Miguel Ríos, San ago Auserón), Jopi (Melendi), Javi Arpa (Chenoa), Marcelo Nova (Ketama, Presuntos Implicados) o Luis Dulzaides (Alejandro Sanz). 01. Buenas Noches, Gran Ciudad Es una canción que personiﬁca a una ciudad, a cualquier ciudad, como protagonista a la que le susurras y proclamas tus propias verdades. También le exiges que cree el ambiente propicio, en este caso, para disfrutar de la compañía de una mujer y a través de la música, en donde hay un recorrido por diversos es los musicales. 02. Si Quieres Es una oferta interminable a una chica, es una constante enumeración de ofrecimientos a lo largo de cuatro minutos, simplemente para dejar claro un “aquí estoy, ¿a qué esperas?”. 03. Drogas, No Alas Se basa en un juego de palabras para expresar justamente que para volar no nos dieron alas, desgraciadamente, sino drogas. Se puede entender de muchas maneras, casi todas ellas como expresión de esa realidad, para bien o para mal. 04. En mi coche #2864S Es un retrato a mi viejo coche, en el que tantas cosas sucedieron y con el que por tantos caminos transité. También es un homenaje a Lou Reed, Springsteen, Neil Young, John Lennon, hay muchísimos guiños hacia ellos o sus canciones porque eran las que sonaban en aquel casse!e. 05. Barbie, Barbie, Bárbara Habla de las vivencias compar das con una chica única en su especie. Tiene un ambiente trasnochado y algo desastroso, tal y como era ella misma.

Es una maravillosa canción de Alberto Urru a, que me la cedió, generosamente, para que hiciera mi propia versión en este disco. 07. Hombres Mejores Se mueve entre el funky y el rock clásico, es una conversación irreal, aunque muy verosímil, con el novio de la chica que te gusta. La canción en sí es un disfraz que esconde muchísimas más temá cas. Da "tulo al disco porque recoge el sen miento general del resto de canciones. Es un disco que habla de las relaciones personales y en donde creo que abogo por la existencia de hombres mejores de una u otra manera en casi todas las canciones. 08. Miles De Hijos Es una queja, un grito de guerra para llamar por su nombre a todos aquellos que meten las manos en bolsillos ajenos. 09. Puntos De Break Es un medio empo muy en la onda de Gabinete Caligari con el privilegio autén co de cantarla en colaboración con el mismísimo Jaime Urru a. Hay una comparación constante entre esa imagen tenís ca y las separaciones y adioses que sufrimos en la vida. 10. Canción De Bobo (La Colina De Los Gatos). La canción nace de una imagen que leí en un libro de Umbral, en donde se narra la existencia de una colina en el parque del Re ro que es gobernada y dominada por gatos. Le cuento a mi gato, que se llama Bobo, una especie de cuento para que duerma. También le doy voz a él, a sus pensamientos, a cómo imagino que ve el mundo humano un animal como él. 11. Las Mieles Del Éxito Es una autobiogra#a de estos úl mos años en Madrid, un recorrido por los barrios y episodios que viví. 12. Todos Nuestros Peores Amigos Es una canción de temá ca muy surrealista en la que el protagonista termina siempre echando de menos a alguien que ha marchado, pero sin caer en el ambiente ni la terminología de una "pica canción de desamor.

por Jairo Mar!n 06. El Olor De Tu Pijama 27

ROYAL HUNT. EN LOS LÍMITES DE LA IMAGINACIÓN

Los Royal Hunt han demostrado en sus más recientes asaltos que la vuelta de DC Cooper frente al micrófono revitaliza su apuesta, regresándoles así a los días de gloria de Moving Target. El año pasado se editaba Devil’s Dozen, la que se puede considerar su úl"ma obra maestra en estudio –ya que ahora presentan el directo Cargo–. Devil’s Dozen resulta un disco incues"onable y cargado de la esencia musical que hizo de Royal Hunt una agrupación inolvidable. André Andersen, líder del conjunto, nos habla sobre la actualidad de una de las bandas más personales y queridas de la escuela hard and heavy más evolu"va. Con el regreso de DC Cooper a Royal Hunt parece que la banda está viviendo una segunda juventud. André, está claro que el público os quería a los dos de nuevo unidos trabajando dentro de la misma agrupación. Show Me How To Live y A Life To Die For os granjearon magníﬁcas reseñas y algo muy similar ha sucedido con Devil’s Dozen.

do alrededor del mundo. Ya con todo esto me siento mo vado y soy capaz de dejar atrás el cansancio. Es lo que hago y es lo que amo.

Estoy muy sa sfecho de tal impacto. Siempre es bonito ver el aprecio que el público siente por el trabajo de uno.

Hay una historia tras cada álbum y existen muchas ya, no hay más que inspirarse leyendo libros, viendo películas, ﬁjándome en eventos históricos o simplemente en hechos que nos pasan en nuestras vidas. En este caso, hace algunos años ya, leí una novela –de la cual ahora no recuerdo el "tulo, desafortunadamente– que trataba sobre un hombre que compraba una casa abandonada en Inglaterra, allá por el siglo XIX. Una sucesión de situaciones desafortunadas cambian su vida a peor y un día, mientras camina por la casa en estado de agitación, tropieza en el á co con un arcón lleno de cartas; esas cartas son de gente que él no conoce y van dirigidas a un

No cabe duda de que tú fundaste Royal Hunt y que sobre ", como compositor, recae un importante peso. ¿Esto es algo que se nota a la hora de afrontar un nuevo disco de estudio? No realmente. Cada día, cuando voy a trabajar, me siento un privilegiado; privilegiado de ser capaz de vivir de esto, trabajando con músicos de talento que se han conver do en mis amigos, viajando y actuan28

Los discos de Royal Hunt siempre ofrecen un extra en originalidad en cuanto a conceptos o líneas argumentales se reﬁere.

E ŃTREVISTA propietario anterior de la casa con el que nunca se encontró. Día tras día, y mientras la intriga crece en su interior, las historias que con enen esas cartas toman el control de su vida –con un final mís co a la par que dramá co, por supuesto–. Mientras trabajábamos en las canciones para el nuevo álbum, recordé precisamente aquella narración e intenté escribir las letras de los temas como si fuesen aquellas cartas: de una persona desconocida a otra, historias sin un principio y, en la mayoría de los casos, sin un final defini vo.

el que crecí: la música clásica o bandas como Deep Purple, Genesis, Kansas o Rush. Se podría decir que entré en la música rock gracias al elepé In Rock de Deep Purple, por lo que este grupo sigue signiﬁcando muchísimo para mí. Estaba todo allí concentrado: el sonido, la habilidad, la ac tud, el gancho de sus canciones.

Ya lo hablamos por encima en una entrevista anterior que te hice en 2014, pero me sigue pareciendo primordial el trabajo de armonías vocales que ofrece Royal Hunt para conseguir a la postre un resultado único. No hay mucho que decir sobre eso pues no hay técnicas secretas. DC canta con cierto registro vocal y

Ser un miembro permanente del grupo se ha hecho con los años más y más complicado; los cambios en la formación son casi una ru na debido a que los componentes han de poner en la balanza su vida familiar y todas las obligaciones que supone trabajar con una banda. Es duro, ya que en medio de una gira, en la carretera, puedes darte cuenta de que tus prioridades han cambiado y no casan con las del

yo trabajo con las coristas para que se acomoden a esa tesitura, a esa manera de cantar, de la mejor forma posible.

resto de los pos del conjunto. Aunque no son realmente dramas, únicamente una suerte de pequeñas evoluciones personales.

¿Un creador tan original como tú, que ha pergeñado una marca reconocible dentro de la escena gracias a los discos que has grabado durante décadas con Royal Hunt, sigue a día de hoy bebiendo de algún ar!sta o música que le inspire?

por Sergio Guillén

Royal Hunt habéis sufrido muy diversos cambios en vuestras ﬁlas desde que se fundó el proyecto. ¿Es complicado seguir el ritmo que impones?

Soy muy consciente de la música que se hace hoy en día, pero mis principales inﬂuencias siguen viniendo de los mismos lugares, del mismo material con 29

BLACK SABBATH Leyendas de la Cruz Decapitada

Los ocho primeros álbumes de Black Sabbath son algo así como los mandamientos del hard rock y el heavy metal para cualquiera que se enfrente a estos es!los. Así lo han declarado mul!tud de ar!stas consagrados de estas disciplinas a lo largo de las décadas. Sin embargo, más allá de aquella fruc"fera y fundamental etapa con Ozzy Osbourne al micrófono existe una serie de discos –paradójicamente más numerosa y prolongada en el !empo que la idolatrada serie inicial– en los que cantantes como Ronnie James Dio, Ian Gillan, Glenn Hughes o Tony Mar!n dejaron su impronta, manteniendo vivo el nombre de Black Sabbath con el paso de los lustros. De todos ellos, Tony Mar!n fue el más desconocido y cons!tuyó la opción más sorprendente para con!nuar con el legado. Su debut discográﬁco como vocalista de la leyenda tuvo lugar en 1987, con un The Eternal Idol que terminó 30

cayendo en gracia. Con Mar!n arribó la reinvención al grupo, y pronto se descubrió cómo la formación se sen"a preparada y con fuerzas para afrontar una nueva etapa. Con Headless Cross todo esto quedó meridianamente claro. Atrás quedaba el sonido denso y solemne –de blues deformado por una apisonadora– de sus años pretéritos, dejando paso a un heavy metal con !ntes hardrockeros verdaderamente acorde con los !empos que corrían entonces. Poco importaba que el único miembro original que quedara fuera el guitarrista Tony Iommi, ya que con los años se ha demostrado que en él reside el espíritu de Black Sabbath. En la breve introducción “The Gates Of Hell” ya se intuía un mayor empleo de los teclados, a cargo en este caso de Geoﬀ Nicholls. Tras la primera toma de contacto, un verdadero temazo

A R T ´I C U L O

de heavy metal !tulado “Headless Cross” que mostraba a unos Black Sabbath modernos, engrasados y dispuestos a comerse el mundo de nuevo. Los riffs y punteos de Iommi seguían alzándose inconmensurables, contando esta vez con el apoyo en el kit de batería del no menos legendario Cozy Powell. El gusto por los temas extensos, de carácter épico, seguía intacto. Ahí están “When Death Calls” o “Nightwing” para demostrarlo. “Kill In The Spirit World” engancha por su estructura chocante y contradictoria: comienzo con espirítu casi adult oriented rock, estribillo de aires oscuros (casi como de aquelarre) y retorno a la melodía sencilla y directa, pasando por un interludio con colchones de teclados y Iommi haciendo fluir las notas de su guitarra como sólo él sabe hacerlo. “Call Of The Wild” y “Black Moon”, por su parte, enseñan una vez más la nueva cara de Black Sabbath, fresca y vital. Después de Headless Cross, en Tyr (1990), Cross Purposes (1994) y Forbidden (1995), Black Sabbath volvería a confiar en Tony Mar!n para desarrollar su propuesta, con resultados variados. por Andrés Puente

THE ELECTRIC ALLEY Pura electricidad The e Electric Alley representan la energía del hard rockk de alto octanaje octanaje, pero no ése q que e sirve para escuchar un rato y después pasar a otra cosa. Estoy hablando de una banda que, en un mundo con jus cia musical, tendría que estar llenando salas y preparando giras junto a lo más granado del rock internacional. Os presentamos a The Electric Alley. Led Zeppelin, The Black Crowes, Guns N’ Roses… Diversos crí cos han puesto a estas bandas como ejemplos de vuestras influencias directas, yo diría que incluso os ven como portadores de su tes go. Os sen réis orgullosos, ¿no? Estamos encantados con los discos que nos han formado desde jóvenes. Por supuesto esas bandas han sido pilares en nuestras vidas y lo siguen siendo, aunque no dejamos de interesarnos por nuevas y diferentes músicas que seguramente nos influyen o influirán de alguna manera. Aun así, los pilares son los pilares. ¿Tenéis pensado repe r el sistema de crowdfunding para financiar vuestro próximo álbum o ya habéis mantenido algún contacto fruc"fero con algún sello discográfico interesado en vuestra propuesta musical?

algo concreto, es bueno y malo a la vez. Los gustos están más atomizados, y probablemente hay menos calidad en la música global y paradójicamente muchísima calidad en el underground. Te puedes dar un paseo por Youtube y encontrar a verdaderos ar!stas innovadores que nunca serán lo que es Pitbull a nivel de éxito. Probablemente en ello está el roman!cismo del arte real, y esto se asemeja bastante a la idea de éxito que tenemos nosotros, que es ser reconocidos por un público que realmente comprenda nuestra música sin necesitar trepanarle el cerebro para ello. El rock ha sido durante décadas una ac tud principalmente contestataria cuando no revolucionaria. ¿No creéis que hoy en día se ha conver do en un es lo más, sin ese carácter peligroso, o al menos reivindica vo, que le caracterizaba?

¿Pensáis que vivimos una era musical bastante indeﬁnida, donde ningún es lo destaca como lo hizo el hard rock durante gran parte de los años 70, el punk a ﬁnales de esa misma década, el heavy metal a primeros de los 80 o el grunge en los años 90?

La moda y la publicidad, como el cine y la televisión, han modelado el concepto tanto que está muy desvirtuado. Al final, seguramente poca gente !ene claro en qué consiste esa ac!tud. Es también arriesgado definir algo que está y ha estado influenciado por tantas corrientes a lo largo de las úl!mas cinco décadas. No podemos decir que la ac!tud de los Purple en los 70 sea similar a la de los Rival Sons hoy, pero !enen algo en común, ¿verdad? El público ha cambiado, las bandas han cambiado, pero el trasfondo es bastante similar. De hecho, esas dos bandas giran juntos hoy y unen generaciones en un mismo show, cosa que consideramos bastante acertada. Volviendo a la pregunta, probablemente el peso de las canciones es menos que cuando no exis#a el brutal bombardeo de información que vivimos ahora. Aun así, existen músicos que escriben canciones con un nivel reivindica!vo a la altura de los grandes clásicos.

Muy probablemente !enes razón. Estamos lejos de

Después de las úl mas y tristes pérdidas de Lemmy

A día de hoy estamos bastante a tope con la promo de Get Electrified! Nos queda tanto que es complicado pensar en el siguiente disco, aunque por supuesto siempre lo !enes en la cabeza. Realmente no nos hemos planteado la estrategia que seguiremos para el próximo álbum, pero la experiencia con el crowdfunding ha sido estupenda y crucial para poder hacerlo de la mejor manera posible. Hasta hoy hemos recibido ofertas de algunos sellos, pero no hemos concretado ninguna opción porque podíamos permi!rnos seguir haciéndolo todo al mismo nivel.

E ´NTREVISTA

Kilmister, David Bowie o Jimmy Bain, ¿cómo veis un futuro no muy lejano en el que ya no tengamos sobre los escenarios a bandas como AC/DC, Rolling Stones, Status Quo, Judas Priest, Aerosmith o ar stas como Neil Young, John Hia o Tom Pe y? ¿Sen s que hay bandas conocidas y actuales que puedan rellenar esos tremendos huecos o estáis esperando, como todos, la nueva gran banda que vuelva a mostrar el camino? Es una pregunta di cil... Realmente hemos disfrutado con todas esas bandas y son los grandes creadores de la historia del rock. Pioneros, de los que el resto hemos nacido. Por supuesto será una pena vivir que esas bandas no estén, pero es la ley de la vida. Estamos aquí de paso. Tocará celebrar que estuvieron, y nos quedarán tes!monios audi!vos y visuales de los que seguir disfrutando. Lo bueno de todo esto es que las canciones no mueren, por lo tanto esos ar!stas serán celebrados siempre. Hay grandes bandas contemporáneas que pueden estar a la altura de un mito como los señalados en la pregunta, pero ya depende del gusto del consumidor. Creemos que todo queda ahí, en lo que estés dispuesto a sen!r con algo nuevo. ¿Qué bandas nuevas son las que más os atraen en estos momentos o las no tan nuevas de las que estáis esperando un nuevo disco como agua de mayo? Nos gustan muchas bandas nuevas y estamos encantados escuchando discos en la furgoneta cada vez que viajamos. Úl!mamente le damos fuerte a Vintage Trouble, Rival Sons (sacarán disco en abril), Blackberry Smoke, todo lo que !ene que ver con el blues de siempre. El úl!mo disco de Buddy Guy es impresionante, y todos los proyectos de Glenn Hughes, Richie Kotzen, Bonamassa, es lo que hemos escuchado siempre. En el panorama nacional nos encantan bandas de diferentes es!los: Aurora & The Betrayers, The Agapornis, Eldorado, Commonplaces, Imperial Jade, Bourbon y un largo etcétera. Se os da bien compaginar la ver ente más cañera del rock con el blues e incluso el soul, cosa que sabían hacer bandas como Free y los posteriores Bad Company. ¿O sen s iden ﬁcados con esta manera de entender vuestra música en la que los sen mientos no enen que estar enfrentados con la 34

fuerza, sino que pueden complementarse? Es una bonita forma de decirlo. A nosotros nos encanta afrontar las composiciones como retos y como contábamos, escuchamos diferentes bandas que juegan con el soul, el rock y el blues, y es un desa o intentar conseguir una buena mezcla de ello. Nos encanta Humble Pie, también Aretha Franklin, Janis Joplin y Stevie Ray Vaughan. A ello le añadimos algo del rock escandinavo y una pizca de Soundgarden. Intentamos que se note todo eso, porque nos encanta. De unos años a esta parte se ha vivido un periodo en el que las ventas de vinilo en algunos casos superan a las del CD. A mí me da la sensación de que entre el mp3 y el vinilo, el CD se ha quedado un poco descolgado. ¿Creéis que en nuestros días el vinilo es un formato que no va más allá de una mera moda snob o el melómano está redescubriendo el sonido cálido del vinilo? El vinilo es un puntazo. El diseño, la calidad del sonido, el ritual en sí es un clásico a recuperar. Es como tomarte un vino servido en un vaso estándar en una tasca de barrio o en una copa de cristal de bohemia en tu restaurante favorito. Probablemente, aunque el vino es el mismo, te sepa mejor en el segundo caso. Aun así, seguimos conﬁando levemente en el CD porque mucha gente los sigue escuchando en el coche o en casa, aunque estén condenados a desaparecer. ¿Qué medios u lizáis habitualmente para escuchar vuestra música favorita? ¿Formatos "sicos como el CD o el vinilo, o dais preferencia a Spo fy, I-Tunes, etcétera? Posiblemente usamos todas las que has nombrado. La que más, el formato mp3 desde el móvil a la radio del coche, porque es donde más !empo pasamos. En casa algunos somos del ritual vinilís!co y otros !ramos del ordenador. Depende del !empo que le puedas dedicar a la causa. ¿Vuestra idea es dedicaros a hacer conciertos en nuestro país presentando el nuevo disco, o estáis tentados en embarcaros en giras fuera de nuestras fronteras? Estamos locos por zarpar al extranjero pero nos gus-

E ´NTREVISTA

Cómo consideráis vuestra par cipación en el cortometraje A Lonely Sun Story, ¿fue posi va? Deﬁni vamente sí. Hemos conocido a muchísima gente y nos ha conocido mucha gente a su vez gracias a ello. Curramos con gente muy profesional, y como consecuencia el corto estuvo nominado a los premios Goya, y nosotros a los premios ASECAN del cine andaluz como “Mejor Canción Original”. Hemos vivido cosas muy bonitas gracias a ello y como fue la primera vez que trabajamos “por encargo”, nos pudimos empapar de la historia y nos vino bien po-

nernos a prueba de esa manera. Ya sé que es demasiado pronto y que este úl mo disco lleva poco empo en la calle pero, ¿tenéis ya algunas canciones o ideas para el siguiente? Si es así ¿tenéis pensado seguir la misma línea o se os ha pasado por la cabeza algún cambio? Tenemos muchas ideas, riﬀs, letras... pero todavía es pronto para conﬁrmar por donde irán los ros del próximo álbum. Muy probablemente estará lleno de rock, guitarrazos e ideas y experiencias que enen que ver con lo que nos está pasando ahora mismo. Get Electrified! es una con nua foto de nuestro paso por 2013-2014 y probablemente seguiremos trabajando con historias que vivamos, es la forma más real de afrontar el proceso crea vo. por Julio L. Tecglen

taría dejar huella por aquí. Hay público que adora lo que hacemos y nos lo están demostrando en cada bolo de la gira. Desde Madrid hasta las Canarias nos han hecho vibrar como niños, y en los próximos días publicaremos nuevas fechas que nos mantendrán ocupados durante 2016. En sep embre tenemos pensado hacer nuestra primera escapada hacia erras inglesas, y a con nuación pasaremos por Francia también.

Billie Jean Michael –Hola, muy buenas. –Buenas, ¿qué se le ofrece? ¿Un autógrafo? ¿Una foto con mi mono Bubbles? –¿No es usted Michael Jackson? –Coño, claro, el mismo; ¿y tú no eres la pica fan plasta? Venga, a ver, dónde te ﬁrmo: ¿escote, muslamen, nalga o tete? –Ah, no, no, lo mío es otra cosa. Yo es que he pedido el turno para la cola de demandas de paternidad, ¿no era aquí? –Yo no me llamo Javier, ¿no decían eso Los Toreros Muertos? Pues eso, a mamarla. –Mira este churumbel, malnacido– dice ella pegándole soberana hos a a un chiquillo despintao. –Cuidadito conmigo que muerdo... bueno, yo no, pero te ro al Bubbles al cuello y te deja peor que a una víc ma de Hannibal Lecter. Mira que ya me decía mi madre que en la disco no me “arrefrotase” con pelanduscas. –Oye, oye, un respeto, majo, que aquí donde le ves, este dechado de virtudes, todo babas y mocos, se llama Jason... Jason Riachuelo Arco-íris Payoponi Jackson. –Sí, y yo no me llamo Javier, ya te digo. –Vamos a ver, vamos a ver, que se me está hinchando la vena del cuello... ¿Tú no conociste hace un par de años a una gachí de impresión en las ﬁestas de Villar del Campo? –Pues mira, ahora que lo dices, sí, sí, sí que la conocí. –Claro, una que se llamaba Billie Jean. –Sí, sí, por ahí va la cosa, sí. –Con la que te bailaste todo el grandes éxitos de Camela y un “agarrao” del Domenico Modugno. –Sí, así es, sí... –Que luego nos me mos en el retrete desmontable que había detrás del “arao”... –Síiii... –Que tú no hacías más que arrimar cebolleta... –Sí, sí, sí me acuerdo... –Y que yo me bajé la falda de plas quete, toda sudada... –Sí, síiiii... sí lo recuerdo, sí... –Y con el piercing del toto rasurado... 36

–¡Ah, no! Eso ya no... piercing no había, no, no, no... Chica, ¡qué lás ma! Mira que lo siento... –Sí, hombre, sí, haz por recordarme, cojona. –¡Que no quiero, jodar, que ya tengo bastante con dar de comer al mono, con pasar la fregona por Neverland, seguir componiendo hits para mantener abastecida de panoja a toda mi familia y comprarme caretas an contaminación, como para cargarme encima con otra boca más! –Pero es que... –Ni “esque” ni “osca”... –Yo creí que... –El “creique” y el “penseque” son hermanos del “tonteque”... Y no me toques más la moral, que llamo ahora mismo a mi señor padre, a Joe Jackson, y te mete una somanta de hos as con el cinturón que ni el nunchaku de Bruce Lee. –Bueeeeeno, bueeeeno, cómo se pone el o... ¡Ya te puedes ir a la mierda! ¡Y que sepas que mi Jackson preferido es La Toya! –Pues mira, ya tenéis algo en común. –¿El qué? –¡Que tanto tú como La Toya me tenéis hasta la ídem! por Jack The Lad

DESTRIPANDO EL CANCIONERO

Jackson

AVISO AL LECTOR: Jack The Lad está al borde de la jubilación, a una patada de mandarlo todo al garete, pero aún quiere seguir destapando X-Files algunos meses más. En este caso echa mano de sus días como agente privado, cuando uno de sus soplones no era otro que el primate Bubbles. El monete estaba presente el día de autos, cuando a Michael Jackson se le ocurrió la idea para escribir “Billie Jean”, y como avispado metomentodo capturó a su jefe a golpe de grabadora en ese significativo momento que ahora nos transcribe Jack. 37

LIBRE

S DE ATAD URAS

L A F´ I R M A I N V I T A D A Released es nuestro cuarto elepé y nos lo ha grabado Jack Douglas en Los Ángeles. El tulo resume muy bien el álbum, ya que BlackRain estamos totalmente liberados de ataduras, ya sean musicales como profesionales. Musicalmente hablando, tratamos de sonar como BlackRain y como nadie más. Nos encanta tocar canciones que puedan llevarte a diferentes universos, pero siempre con el rock and roll como núcleo. En cuanto a lo profesional, hemos roto con la anterior estructura planteada y ahora tenemos un contrato internacional. Es tan importante para nosotros como lo fue en su día el darnos a conocer en nuestro país. Ah, sí, se me olvidaba aclarar que aunque somos franceses podemos tocar rock and roll.

07. Eat You Alive Esta canción es como si fueses viajando en un tren fantasma y el parque de atracciones estuviese cerrado. Es de noche, estás solo, así que será mejor que mires a tu espalda.

01. Back In Town Una canción realmente poderosa, con mucho gancho. Hemos vuelto más fuertes.

10. Fade To Black Me hace pensar en una canción que podría aparecer en una película de James Bond. Posee un verso muy bello a voz y piano, a la par que un tremendo coro complementado por guitarras eléctricas.

02. Mind Control Es algo más heavy y con un coro potente que funciona muy bien en directo. Trata sobre la maquina a la que todos alimentamos. 03. Killing Me Es una mixtura entre los clásicos BlackRain y una mirada más moderna. Trabajamos con el ar!sta electro-industrial Zoe Von Herrscha". 04. Run Tiger Run Una joya en manos de Jack Douglas. Lo mejor que hemos hecho. Hay una parte que suena realmente tribal y que encaja muy bien con la letra, que trata sobre liberarse. 05. Puppet On A String Un riff molón que funcionará sobre un escenario. Es más light que las canciones previas y sirve como transición.

08. Home Es una canción realmente nostálgica que trata sobre la necesidad que uno siente de regresar a sus raíces. 09. For Your Love Versionamos a The Yardbirds de una manera muy poderosa, con un importante frente de guitarras. Adoro los grandes coros y la línea rítmica.

11. Electric Blue A nosotros también nos gusta el rock de los años 60. Somos grandes admiradores del universo de David Lynch y del candy rock, así que esta canción está dedicada a ellos. 12. Rock My Funeral La canción que debería sonar en nuestros funerales. ¿Por qué llorar si se puede montar una buena juerga? Es una suerte de punk diver!do. 13. One Last Prayer El tema que cierra el álbum y que lo hace con un coro góspel. Podría ser la #pica canción de classic rock en unos pocos años... al menos, así lo esperamos.

por BlackRain 06. Word’s Ain’t Enough Puede que esta canción jamás se pare pues posee un estribillo que podrías estar cantando una y otra vez. Te pone de buen humor, listo para enamorarte.

THE REFRESCOS

Sala Arena, Madrid, 26/02/2016 «Fue un día muy largo ya desde la noche anterior, reparando y solucionando mil contra empos: una prueba de tres horas sin parar de cantar, luego entrevistas –que ni me salían las palabras de lo cansado que estaba, que hasta me costaba pensar–; cuando salí al show ya estaba agotado. Pensé que no podría con ello, ¡pero la energía de la gente y el buen rollo de tocar con los colegas te cargan las pilas rápido!». Esto me lo comentaba Bernardo Vázquez, líder de The Refrescos, un día después de su actuación en la madrileña sala Arena. Y me parece importante recuperar las palabras de este vocalista pues a todos los que asis eron a su concierto del día 26 de febrero de seguro les sorprenderá más aún; y es que, ¿cómo es posible ofrecer un espectáculo tan perfecto, tan lleno de vida y energía, tan emocionante y diver do? Ya de por sí parece una misión de audaces, pero tras escuchar lo que decía Bernardo, sin duda el logro del reto

Bernardo ante las cámaras 36

pone a The Refrescos en un escalafón muy alto. Que comiencen sus actuaciones con el arranque frené co con el que se abre “Solo” ya dice mucho de lo que vengo tratando sobre The Refrescos y The Gambas cada vez que hablo de Bernardo. Está claro que son lo mismo –por mucho que el álbum Alegría Social lo grabasen como The Gambas–, y por tanto en su directo pueden empezar con un rompehielos como el citado, aunque no saliese en ningún disco de The Refrescos. De hecho, de The Gambas también sonarían “Bolinga”, “Baila” u “Honrado Y Pobre”, tónica general en sus actuaciones y parte tan fundamental en sus conciertos como lo pueden ser los nuevos “Empanao”, “Abre Tú La Puerta”, “Pansancracio” o “Recuérdame Si Me Ves”. Pero hago referencia a una actuación que además ofrecía un plus de emo vidad, una fecha importante por ser igualmente la elegida para gra-

CRO ´NICAS DE CONCIERTOS

Fernando Vasco y Bernardo

Bernardo Vázquez

bar el primer directo oﬁcial de la agrupación, que se publicará tanto en DVD como en edición especial de doble vinilo –todo un lujazo, sin la menor duda–. Por lo tanto, y para tan representa"vo momento, el conjunto "ró de todos sus trucos escénicos, jugando con globos, pelotas playeras, confe", invitando a un trío de bailarinas (que, aunque no son habituales, The Refrecos ya sacaron en sus apariciones en el Oktoberfest), los ya conocidos cambios de indumentaria de Bernardo, etcétera. Aun así, el extra antes citado también se materializaría en unos cuantos invitados (Miguel Costas, Víctor Bolindre, Rubén Durán, Kiko Moreno) que compar"rían la tarima con la banda. Destacar sobre todos

ellos a Rubén, vocalista de Alamedadosoulna, que salió al escenario de la sala Arena para cantar a pachas con Vázquez aquel “Ana” del elepé Kings Of Chunda Chunda –la también Alamedadosoulna, Laura Nadal, volvió a repe"r durante todo el concierto tras los teclados, como en la úl"ma actuación en Madrid de The Refrescos, lo que parece situarla como nuevo miembro oﬁcial de la banda–. En deﬁni"va, un merecido homenaje a una carrera muy meritoria cargada de ska librepensador y una noche colmada de caras felices. por Sergio Guillén fotos por África Paredes

CHINO + CICLÓN

Sala We Rock, Madrid, 04/03/2016 Ya lo dije en su momento al analizar el elepé Gatos De La Ciudad, y nuevamente me reitero al disfrutarlo en directo. El regreso discográﬁco de 42

Chino posee un gran valor por ser de alguna manera con"nuación espiritual del primer vinilo de Banzai. A mi modo de ver, es este disco una con"nuación

CRO ´NICAS DE CONCIERTOS de aquel y por tanto nuevamente el oyente se topa con relatos de esas vidas anónimas transitadas al límite cuya banda sonora es un rock duro que nos es familiar, que lo seguimos llevando muy dentro. «Vamos a tocar un tema que compusimos Salvador, Fernando Vázquez, Xaime Noguerol y un servidor, que se llama... ¡”Banzai”!», avisaba Miguel Ríos desde el escenario del Palacio de Deportes de Madrid una noche de marzo de 1982. “Banzai” no representaba en este contexto únicamente el grito de guerra que u lizaban los pilotos suicidas del ejercito japonés en la Segunda Guerra Mundial cuando con los aviones Zero caían en picado sobre portaaviones norteamericanos, pues su sen do va unido al de una generación joven que se busca la vida en la sociedad tecniﬁcada. Y Chino, como ya es habitual en sus directos, hizo suya la pieza dándole ese valor e importancia, levantando a la sala con su arrojo de persona cercana y sincera, de autén co working class hero del hard rock patrio. Pero estoy haciendo referencia a una canción que sonó en el puesto número catorce de la lista de temas seleccionados, siendo “El Golpeador”, “Lucharemos”, “Funciona Legal”, “Gatos”, “Luna Rota”, “Rock Duro” o “Coche Rápido En La Noche” algunas de las composiciones que ejercieron de predeceso-

ras en la actuación, mostrando a ﬁn de cuentas que para Chino ene igual valor tanto su pasado como su presente. Tan completa resultó la selección de material que cuando el grupo, ampliado para nuestro deleite con la per nente línea de teclado, arrancó con la traca ﬁnal que sería “Héroes”, Chino ya nos aclaró que no tocarían más pues no les quedaba más material que presentar o rememorar sobre las tablas. Un concierto guinda que sirvió para despedir a la sala We Rock, gala a corazón abierto que sería teloneado por los también nacionales Ciclón, los cuales trabajando su heavy metal old school interpretaron para los allí asistentes canciones como “Luna De Lobos”, “Criaturas”, “Hoy Como Ayer” o “Sol Naciente”, consiguiendo desde los primeros minutos una muy buena recepción que fue aún a más con el transcurso de su concierto. Además, el hecho de añadir diferentes detalles que hacían referencia a las temá cas de sus creaciones (los billetes falsos, la aparición de un esqueleto disfrazado de militar disparando dos fusiles ametralladores con bengalas en sus cañones), dotaron al show de una atmósfera que el público agradeció con ganas. por Sergio Guillén

HENHOUSE PROWLERS Sala Boite Live, Madrid, 05/03/2016 Este país se asemeja cada vez más a un gallinero sin orden ni concierto, unos cuantos gallitos intentando hacerse con el control de una granja habitada por viejas gallinas cluecas de un lado, y por pollas jóvenes del otro, pero todas bien sentadas sobre sus huevos, calen tas, con el pienso asegurado y dejando pasar el empo de incubación despreocupadamente. Mientras tanto el gallinero se va llenando de excrementos por doquier y los propietarios de la granja se sientan complacidos a contemplar el espectáculo desde sus consejos de administración. Estando así las cosas era de esperar que, más pronto que tarde, hicieran su aparición por aquí los merodeadores del gallinero; unos zorros que ¡a Dios gracias! nos traen, vía Chicago, ese bluegrass de los Montes Apalaches que nos abstrae, durante un rato, del incesante ruido del cloquear de tanta gallina. A su paso por Madrid, en la que era su pri-

mera visita a España, Henhouse Prowlers presentaron en directo las canciones de su más reciente álbum, S!ll On That Ride; una velada en la que pudimos escuchar composiciones como “The Sadow Of The Man I Used To Be”, “Soul Saver” o “Take Me Back To You”, junto a versiones –siempre pasadas por el tamiz del bluegrass– de temas como “Mr. Charlie” de Grateful Dead o “Southbound” de Doc Watson; incluso hubo espacio para avanzar algunas nuevas creaciones no registradas en disco todavía. Fue una noche para el disfrute, tanto de los aﬁcionados acérrimos al género de raíces como de aquellos que se aproximaban por primera vez. Bailes, taconeos, palmas, coros y ﬁesta durante la hora y tres cuartos que duró la actuación de este cuarteto que se ha conver do en el gran embajador de la música bluegrass en todo el mundo actualmente. Sobre el escenario de La Boite, el protagonismo lo tomaron cuatro instrumentos de cuerda, 43

vein una cuerdas en total. Vein una cuerdas pulsadas, digitadas, pinzadas, pellizcadas, percu das, rasgadas, arpegiadas, combadas, arrastradas… Cuatro instrumentos que son las cuatro patas de este animal asalta-gallineros, especie protegida de las erras de Illinois. El banjo de Ben Wright: aportando el sonido caracterís co de la formación, saltarín, metálico e híper-vitaminado. El contrabajo de Jon Goldfine: robusto y cadencioso, sobre él se alzan sólidamente los cimientos de todo el repertorio. La guitarra acús ca de Aaron Dorfman: prodigiosa, derrochando talento a una velocidad de vér go con unos punteos imposibles de capturar por el ojo humano. La guitarra dobro de Todd Livingstone: colgada horizontalmente sobre los hombros de su amo y señor, tocada al slide, creando la atmósfera adecuada para cada tema y manteniendo un diálogo constante con el resto de sus instrumentos compañeros. En la parte vocal, gran parte del repertorio de Henhouse Prowlers lo lidera Wright con el apoyo incondicional de Goldfine y Dorfman, estableciendo juegos de voces de los que resultan hermosas armonías. En otras ocasiones son Goldfine o Dorfman, alterna vamente, los que toman el rol principal y entonces son los otros dos restantes quienes les acompañan. Para quienes no los hayan

visto en directo, una forma simple pero efec va de visualizar la escena sería recurrir a O Brother, Where Art Thou?, la película de los hermanos Coen, en el momento en que los personajes interpretados por George Clooney, John Turturro y Tim Blake Nelson interpretan la archiconocida versión del clásico “Man Of Constant Sorrow” ante un auditorio enloquecido; mientras Clooney termina de cantar la estrofa principal los otros es ran sus cuellos desde ambos lados, donde se encuentran situados, hacia el único micrófono presente en el centro del escenario para, sin dejar de tocar sus respec vos instrumentos, enfa zar el estribillo o hacer las armonías que ves rán de la canción. Sus tuyan los rurales atuendos de los personajes de la ﬁcción cinematográﬁca por elegantes trajes con corbata y ahí enen a Henhouse Prowlers. Tradición y modernidad combinadas a la perfección. Quien apenas sí abrió la boca fue Livingstone. Ni falta que le hacía. Su dobro habla por él mediante las deliciosas frases que le arranca con su slide. Desde ahora, cada vez que oigo esa fantás ca e inimitable guitarra dobro, me pongo mi traje de Henry Morton Stanley y me digo sonriendo para mis adentros: «Todd Livingstone, supongo…» por Fat Professor

ROYAL HUNT

Sala Changó, Madrid, 17/03/2016 La úl ma vez que vi en directo a Royal Hunt fue el 23 de mayo de 2012 en la desde hace algunos años desaparecida sala madrileña Ritmo Y Compás. Entonces venían a presentar el álbum que había traído de regreso a la banda a DC Cooper, el elepé Show Me How To Live. Ahora, cuatro años después, el quinteto liderado por André Andersen aterrizaba en España con tres misiones: por un lado ejecutar en directo temas de su úl mo álbum en estudio (Devil’s Dozen, publicado el año pasado y reseñado en este mismo número de Renacer Eléctrico Music Magazine); por el otro, acompañar en carretera la salida de su nuevo doble CD capturado sobre las tablas y tulado Cargo, trabajo que se centra en rememorar primordialmente el disco Paradox – lanzamiento de 1997 que marcaría tras el mismo la par da de Cooper–; y, ﬁnalmente, intentar hacer un repaso lo más completo posible al pasado y pre44

sente de Royal Hunt –vamos, que no se ciñeron al tracklist de Cargo–. El teclista André Andersen, el vocal DC Cooper, el bajista Andreas Passmark, el baterista Andreas Johansson y el guitarrista Jonas Larsen se presentan en esta gira como se les puede escuchar en el ya nombrado Cargo, es decir, sin coros femeninos cantados in situ. Y es importante remarcar este hecho pues, cualquier seguidor del quinteto, sobre todo en los comienzos con el danés Henrik Brockmann y en las dos etapas con Cooper tras el micrófono, bien sabe a estas alturas la importancia que Andersen da al hecho de conjuntar los fraseos vocales del cantante norteamericano con los acompañamientos de dos coristas femeninas. En la conocida como etapa clásica, desde el segundo Clown In The Mirror hasta Paradox, Maria McTurk y Lise Hansen cubrieron ese puesto –saliendo inclu-

CRO ´NICAS DE CONCIERTOS

DC Cooper

CRO ´NICAS DE CONCIERTOS

Jonas Larsen

40 AndrĂŠ Andersen

CRO ´NICAS DE CONCIERTOS

¡Hasta la próxima, Madrid!

so en el directo de obligada compra 1996–. Desde Show Me How To Live las ﬁchas se han movido en estas posiciones, pero siempre se han mantenido las partes vocales femeninas tanto en los estribillos como a modo de refuerzo en estrofas signiﬁca"vas. En 2012 trajeron dicho acompañamiento, pero actualmente han pasado a preferir llevarlo grabado y sobre el mismo reforzarlo con el resto de la banda acercándose a los micrófonos repar"dos sobre la tarima. Sabiendo el devenir del negocio y lo di#cil que es mover una gira de estas caracterís"cas, en las que muchas veces se puede terminar sacando lo comido por lo servido, es más que razonable que si hay que ahorrar sea en esa parte. Aun así, esto no dinamitó el concierto, nada de eso. Royal Hunt comenzaron con la instrumental “Mar"al Arts”, de su disco de debut Land Of Broken Hearts, y no se dieron por sa"sfechos hasta que se cantaron dos temas en el bis: “Stranded” y “A Life

To Die For”. Esta vez no nos ofrecieron una sección del concierto dedicado a interpretaciones acús"cas, como sí pasó hace cuatro años, pero el setlist dejó al más exigente seguidor sa"sfecho: “River Of Pain”, “Flight”, “Wasted Time”, “May You Never”, “Message To God”, “Half Past Loneliness”... en fin, todo muy equilibrado entre el ayer y el hoy. Tal vez lo que más llamó la atención es que recuperasen un tema del disco compacto X (“Army Of Slaves”) y otro del bastante flojo Fear (“Lies”), pero lo cierto es que nada desentonó en su actuación y las canciones fluyeron con la prestancia a la par que empuje emocional con el que salen de los instrumentos de estos virtuosos. Excepcional. por Sergio Guillén fotos por África Paredes

Para ver más imágenes de estos conciertos y de muchos otros cubiertos por nuestra fotógrafa África Paredes, entra en su portal en flickr: https://www.flickr.com/photos/africaparedes/albums

IMPELLITTERI

Quedas Envenenado En 1987 Chris únicamen87 ell guitarrista it i t norteamericano t i Ch i Impelli" I lli"eri, i que por aquellos ll días díí era ú i te un veinteañero, funda junto al cantante Rob Rock el grupo Impelli"eri, banda en la que se mezclaría desde entonces el heavy metal con el speed o el metal neoclásico. El año pasado la banda publicaba su décimo larga duración en estudio, Venom, y ahora aprovechamos su próxima actuación en nuestro país para hablar con Chris de las úl!mas novedades del conjunto. ¿Cuál crees que sería la introducción perfecta para entender Venom, tu úl!mo álbum de estudio? Venom es simplemente la evolución de Impelli eri, tocando de manera más agresiva, melódica y técnica canciones muy excitantes. Es Venom una creación musical pergeñada gracias a la contribución de cada miembro del grupo, ya sea Rob Rock, James Amellio Pulli, Jon De e o yo mismo. Cada componente de la banda ha llevado al límite sus habilidades ar s cas para crear música que excite a aquellos que la escuchen. Música que te excite, te sirva de inﬂuencia y te haga sen r bien. A la hora de componer tanto estas canciones como piezas anteriores, ¿eres muy estricto con la labor de escritura? ¿Descartas un corte si consideras que no llega a una marca determinada o no te dice nada especial? Sí, personalmente me considero muy estricto en ello, y digamos que cada álbum lleva adjunta una póliza que asegura contener únicamente la música en la que creo con fervor. Soy un perfeccionista, al igual que el resto de mis compañeros de grupo. Antes de comenzar con las sesiones de grabación, inicialmente realizamos maquetas de cada canción para comprobar si la cosa funciona, si la música es espectacular. Una vez que el tema se ajusta a nuestras líneas de guía y es aprobado por cada uno de los componentes, entonces es cuando vamos al estudio y grabamos el disco. Entregamos así la mejor música posible a nuestra audiencia, ya que eso es lo que esperan de Impelli eri. ¿No te parece que algunos instrumen!stas confunden el escribir una gran composición musical con el hacer una muestra gratuita de su técnica como músicos? 50

Sí, siempre se corre el peligro de sacriﬁcar una buena canción por el simple hecho de querer demostrar tu virtuosismo, tus habilidades técnicas. En el pasado he escuchado a ar stas que parecían olvidar la importancia de escribir un gran tema antes de impresionar al oyente con sus ap tudes técnicas. Estoy seguro de que he sido culpable de este delito en más de una ocasión. (Risas) En cualquier caso, los medios han hablado de mí diciendo cosas en plan “este héroe de la guitarra que puede tocar extremadamente rápido”; yo siempre hago que mis solos de guitarra tengan sen do con la canción y al mismo empo exciten a la propia música que estoy tocando. Nunca compongo un solo de guitarra antes de los riffs rítmicos o del cuerpo del tema. El solo se toca en orden, según las canciones lo requieran. En Impelli eri siempre se empieza escribiendo un buen riff, un riff que nos lleva directamente a una fuerte melodía, a la estrofa, al puente, a un estribillo con es lo de himno y ﬁnalmente a un excitante solo de guitarra. Mis solos están siempre diseñados para hacer mejor la música. ¿Qué tal se están adaptando las canciones de Venom a los directos? La verdad es que me gusta tocar cualquier tema en directo siempre que sea de Impelli eri, mi grupo; aun así, del álbum Venom adoro tocar la canción que da tulo al disco, además de “We Own The Night”, “Face The Enemy” o “Empire Of Lies”. La gente puede vernos tocar estos temas en Youtube, ya que tenemos grabados vídeos de cada uno de ellos. Las estamos tocando en nuestra gira, tour que precisamente pasará por Barcelona el día 17 de julio, ya que actuaremos en el Rock Fest de este año. Gracias a álbumes como Wicked Maiden o Venom

E Â´NTREVISTA

Chris Impellitteri

tenemos de regreso en Impelli eri al vocalista Rob Rock. ¿Cómo ha sido esta vuelta al hogar y cuál fue la razón de su par da? Rob Rock es el vocalista fundador de Impelli!eri, pues ya estaba en la grabación de aquel Black EP. De hecho, estamos actualmente tocando en directo un tema de ese disco, el tulado “Lost In The Rain”. Tras grabar nuestro primer álbum, Rob decidió que

prefería unirse a una banda diferente con una orientación más melódica y un sonido comercial. Durante ese empo tuvimos que respetar su decisión, por lo que contratamos a Graham Bonnet que había trabajado con Rainbow, Alcatrazz y Michael Schenker Group. Con Graham grabamos dos discos, Stand In Line y System X, que resultaron dos obras de un muy potente heavy metal. Pasado el empo volví a contactar con Rob para ver si estaría interesado en regresar a Impelli!eri para grabar Wicked Maiden. Él aceptó regresar a la banda y desde entonces hemos grabado grandes discos, al igual que con nuamos de gira. Pero ya que su marcha, como dices, fue por la dirección es lís ca que cada uno quería llevar, ¿a su regreso os habéis sentado Rob y tú a discu r la línea que llevaría a par r de ahora Impelli eri? No, ya que siempre hemos sabido la dirección musical de Impelli!eri, la línea es lís ca, el sonido. Nuestra colaboración surge de una manera muy natural. El autén co triunfo que conseguimos al juntarnos es el de volver a escribir gran música que excite y ofrezca sa sfacción a cada seguidor del metal o músico a lo largo y ancho del mundo. Igualmente, la música que compongo permite a Rob crear las melodías vocales que le complacen. No nos vemos obligados a negociar sobre nuestras habilidades musicales pues poseemos una muy buena química en este sen do. Nos complementamos con nuestros talentos individuales. Generalmente escribo toda la música y le doy a Rob la melodía vocal que he escuchado en mi cabeza mientras componía; él parte desde ese punto para crear su melodía vocal y al ﬁnal, comparando las dos, la que mejor funcione en la canción gana y se queda. ¡Es de la manera en la que siempre lo hemos hecho! ¿Qué evolución crees que se ha producido desde Wicked Maiden a

E ´NTREVISTA Venom? Hay que entender que Wicked Maiden es un álbum heavy del que estamos muy orgullosos; las canciones son bastante diversas en !empo y es!lo. Venom, por su parte, es muy agresivo, energé!co y excitante en cada una de las canciones. De hecho, a día de hoy siento Venom como nuestra obra maestra. Adoro tocar esos riffs, la música y los solos del álbum. Amo esta música. Cuando Jon De"e entró como baterista para Venom tras la salida de Glen Sobel, debo reconocer que trajo al grupo una tremenda carga de energía que nos recargó las pilas. Dicha excitación me inﬂuyó de tal manera que me llevó a tocar mi guitarra con una mezcla de fuego y pasión. ¡Con Venom estamos ardiendo! Rob Rock

Por cierto, ¿de dónde sacasteis la idea para el artwork de Venom? La música de Venom entrará en tu corriente sanguínea como un veneno; una vez que te has envenenado te conviertes en adicto a nuestra música. Para hacer entender esto visualmente, tuve la idea de mostrar a una reina que apareciese tentando a su rey para que beba veneno de un cáliz. Entonces encontré una imagen en Internet de la época Isabelina en la que la reina aparecía con un cáliz. Le enseñé la imagen al resto de la banda y entraron en el juego; de hecho, Rob Rock tuvo la idea de hacer a la reina mitad humana y mitad serpiente. Dimos con un seguidor de Impelli"eri en Japón, que es miembro de una banda de rock japonesa muy famosa, que se ofrecía a encargarse del artwork por nosotros. Su nombre es Toru e hizo un grandísimo trabajo. La escena musical ha cambiado de manera dramá!ca con el paso de los años. ¿Cómo la has visto cambiar y en qué manera te ha afectado como músico profesional que eres? Impelli"eri hemos estado rondando por ahí desde el principio de los !empos, solos con los dinosaurios, los vampiros y Dios. (Risas) Siempre hemos tocado música que amábamos, en ningún caso entramos en la escena musical para hacernos ricos y famosos. Con el paso de los años hemos vendido millones de discos, hemos sonado en la radio y aparecido en la MTV, nos han sacado en portadas de revistas, hemos actuado en estadios y grandes recintos, siendo

bendecidos por tener la posibilidad de tocar nuestra música por todo el mundo, consiguiendo así leales seguidores. Impelli"eri somos conocidos por ser una de las primeras bandas que tocaba en un tempo rápido metal melódico, con precisos solos de guitarras y partes vocales que eran puro grito, todo acompañado por una batería con salvaje doble bombo. Hemos sobrevivido mientras otras bandas que empezaron con nosotros terminaban dejándolo, por lo que debemos estar agradecidos de seguir aquí creando, grabando y actuando en directo. Hablas de momentos de superación y éxito, de una carrera que os ha dado muchas alegrías. Para terminar me gustaría conocer tu experiencia en cuanto a los periodos más oscuros de la vida, los momentos más di"ciles por los que una persona !ene que transitar a lo largo de su existencia. Cuando tenía nueve años mis padres se suicidaron, así que ese fue el periodo más oscuro de mi vida. Aquel hecho hizo que pasase a expresar todos mis sen!mientos por medio de la guitarra. Tuve que aprender a focalizar en las manos mi amargura, unas manos que expresarían rabia, pasión o fuego tocando las cuerdas de una guitarra. Así que ese periodo oscuro me llevó ﬁnalmente a la luz y a la gran vida de este héroe de la guitarra del que habla la gente. por Sergio Guillén 53

INTRODUCCI0N AL

GLAM ROCK La estandarización en conceptos, modas y fechas ha llevado a historiadores culturales a datar el inicio del conocido como movimiento glam rock o gli!er rock en el año 1972, cortando con igual desparpajo radical su vida en 1975. Pero un movimiento ar!s"co jamás debería ser usado como si de un grifo se tratase, que tanto se abre como se cierra al antojo manteniendo siempre el mismo caudal de líquido regenerador. Un año antes de que sonase la pistola oﬁcial que pondría a una buena masa de creadores a correr en la pista rápida, el cantante y guitarrista británico Marc Bolan toma una decisión que marcará tanto su carrera como aquel sonido que pronto se conocerá mundialmente como glam. El joven compositor rompe con un pasado de folk, mitología, leyendas y ﬂores llamado Tyrannosaurus Rex para probar del prohibido fruto eléctrico más enrabietado, en este caso un boogie rock crecido desde el primigenio boogie-woogie norteamericano. “Ride A White Swan” "ene la culpa a la hora de hallar mechas ardientes delatoras. Su single de 1970, canción con la que estrenaría los ahora "tulados T.Rex, abre una puerta a la imaginación musical. En facto nombramos el boogie-woogie, un es"lo musical que se extendió como la pólvora en los Estados Unidos de los años 30, y que, en sus orígenes, se fundamentaba en las líneas de piano ejecutando el instrumen"sta series de ocho notas con la mano izquierda. El ritmo se sustentaba en la constante repe"ción de la estructura base que daba pie a improvisaciones de otros instrumentos sobre tamaño colchón. Y, como vale la pena recalcar, Bolan estaba poniendo de actualidad una disciplina musical común en los clubes yanquis de casi cuatro décadas antes. Llegado 1971 T.Rex man"ene sus estructuras con “Get It On” o “Jeepster”, aunque sus contemporáneos Sweet y Slade manejaran un revival diferente; los primeros u"lizando el bubblegum pop para permi"rse licen54

cias caribeñas en los arreglos, mientras que Slade y su “Get Down And Get With It” pareciesen locos por emular el frené"co cantar agitado de los rock and roll, marca reconocible bastantes años antes, de Li%le Richard (posiblemente la primera estrella glam con mayúsculas). David Bowie, con su cuarto LP en la calle, cantaba a “las cosas bonitas”, dedicaba a su hijo Duncan Jones cabareteros intentos de orgullo como padre en “Kooks” o simplemente abrazaba a sus ídolos por medio de notas musicales (“Andy Warhol”); y todo cargado con una atmósfera que traería aromas de cambio un años después. Todo era nuevo y todo ya estaba inventado; entonces, ¿qué hizo saltar la chispa de la necesidad para tener que recuperar el ayer y hacerlo hoy? Tres años antes de que Bowie pudiese preguntarse en una de sus tonadas, ataviado con ropas bohemias y una interminable mata de pelo, si había vida en Marte, el conocido como Movimiento del 68 "ene lugar para que la contracultura joven y con inquietudes luche por su si"o en las cuatro paredes ajadas de la realidad de mediados de aquella década. El Mayo francés, su repercusión, las medidas tomadas por miles de estudiantes a raíz de esta revolución cultural, estaban relacionados como grueso de una batalla por el espontáneo grito a favor de las libertades y los nuevos pensamientos. El ﬁnal del tratado como Verano del Amor, los cambios polí"cos, el salto de década y, en gran medida, cierta apa!a que renqueaba tras la primera euforia reivindica"va, terminaron por apagar fuegos y dejar pequeñas lumbres en unos jóvenes que con los años perdieron sus valores de cambio. Con esta montaña rusa de acontecimientos que para 1970 toma el carril cuesta abajo, no es de extrañar que los estamentos más reaccionarios suelten en el río de ideas la magniﬁcación de un sen"r derro"sta y decadente. Esa decadencia cultural con la que

REPORTAJE ESPECIAL

Noddy Holder (Slade)

quieren frenar el empuje renovador termina siendo pega na con la que lastrar malsanamente una música que hasta ese momento había sido punta de lanza para dar a conocer de forma sencilla la en ocasiones sesuda revolución. Lo que se había comprendido hasta algunas décadas antes como música popular, en los años 60 tornó en valiosa arma de poder con la que muchas propuestas innovadoras creaban universos paralelos muy alejados del grisáceo aspecto de una sociedad adulta que estaba extrañamente disfrutando de un estado caduco. Aquello que los baluartes del folk, la psicodelia, las primeras arengas progresivas o el pop más comba vo aportaban como religión, resultaban quimeras absurdas para otro segmento adolescente. Lo intrascendente, la diversión por la diversión, el sueño de escape hacia un mundo privado en el que no entrasen los mayores era el reto; ellos también anhelaban un cambio, en defini va, pero no trabajando frente a frente con lo establecido como norma para lograr a la postre tornarlo. La evasión y la provocación serán las dos mejores armas de esos niños ya crecidos, valedores finales de su independencia. La cultura popular se impone, contemplada tanto con cierta morriña como con una tremenda carga irónica. Y aunque causaría un shock macanudo al ciudadano medio todo lo que se movería alrededor de ese glam rock (denominado durante un empo en nuestro país como gay rock), lo cierto es que las llamadas de atención por parte de los nuevos crea vos y sus seguidores, estaban haciendo por las libertades esté cas y personales tanto como hicieron sus hermanos mayores. Cierto es que se distanciaron de la seriedad que aportaba la polí ca y otros asuntos que para agrupaciones como el Youth Interna onal Party habían sido el “ABC” para terminar con la categoría de parias inoperantes que pendía sobre todo lo que oliese a menos de vein cinco años. Aun así, el llamamiento a las armas esté cas de lo sin cuerdas o yugos bajo los que esclavizarse, de aquello que fluía por derroteros jamás estancos, hizo mucho más por la libertad de orientación sexual y por la autoes ma del adolescente despreocupado que muchas otras campañas de su época. Algún empo después del abril de 1975, mes en el que algunos vieron el cerrojazo de despedida del glam rock, y cuando realmente todavía nacían bandas que deseaban ganarse la vida y pasárselo en grande disfrutando de lo que hacía escasos tres años era tónica común en las radios y los 56

programas televisivos, Sweet editarían el sencillo “Ac on” demostrando que aún quedaba mucha tela por cortar. En las décadas siguientes se ha hecho de todo con este es lo, que significó casi una forma de entender la vida diferente a lo repe vo e insulso que auguraba en Inglaterra el estertor de despedida de los acomodados biempensantes de 1969. Y aunque los fervorosos amantes del glam estaban en contra de todo lo preconizado por los hippies, su pasión por la vida estaba ahí y sin saberlo estaban cogiendo un tes go que ves rían con las prendas más coloristas y escandalosas. Como escribía el poeta y novelista Eduardo Haro Ibars sobre este asunto: «En el caso de la música popular, y a par r de los años 50, se produce un fenómeno curioso: y es que la industria, y el sistema social al que la industria sirve, se convierten en elementos creadores y difusores, precisamente de aquello que pretenden canalizar y reprimir». En sus estudios sobre el movimiento y su directa asociación con propuestas como las que defiende el Gay Libera on Front, Ibars mete el dedo en la herida demostrando que no se puede ir contracorriente del pueblo llano. El revival rock and roll era una realidad en 1973, al igual que la potenciación de un carácter escénico rompedor y cargado de vodevil. La libertad en tendencias sexuales también servía de fundamento, y la bisexualidad u homosexualidad de sus paladines –ya fuese real o simple campaña para descolocar a los demodé– era comprendida y admirada por centenares de púberes cansados de la estricta regla golpeando en la palma de las manos cada vez que se salían de la fila. Había llegado el momento de que empezase el verdadero espectáculo; y tanto los grupos que aquí encontrará, como otros colegas de profesión que cual contemporáneos jugaron sus bazas a empo, pusieron nuevamente en el candelero una frase: This is the greatest show on earth! Pero adentrémonos primero en el estudio e mológico de la palabra glamour, letras que se unen para calificar los más variopintos asuntos y que, a lo largo de décadas, ha mutado por la conveniencia social. Hay tantos orígenes planteados para su nacimiento que bien nos vale agarrarnos a los netamente curiosos y, tal vez, fac bles. Se narra que los pueblos bárbaros usaban el término “glamorur” para referirse a los poseedores de la gramá ca ilustrada. Años antes, y desde una perspec va poé ca y rozando lo filosófico, los griegos plantearon lo que podría ser la estructura de lo que posteriormente los romanos razonarían como

REPORTAJE ESPECIAL

Marc Bolan

David Bowie

ÂŠ Masayoshi Sukita

REPORTAJE ESPECIAL gramar la no. Y los poseedores de una gramá ca, de un conocimiento milimétrico sobre el lenguaje, dominarán un reino mágico y encantado. Pudiese sonar a cues ón baladí o imaginaria, pero la incorrecta pronunciación y la transformación por medio de generaciones bien podrían hacer comprensible lo inverosímil. Las viejas leyendas catalogan la acepción como otra forma de ldar al conocido arte embaucador y sobrenatural de las brujas, el camino por el que se pierde el raciocinio en favor de una respuesta obediente al poder superior de dichos seres. Gracias a Virginia I. Postel, dama que ha sabido tomar el pulso a la escritura que estudia los cambios culturales, podemos considerar que las primordiales connotaciones de lo que catalogaríamos como glamour enen una fuente de manan al por la que refrescar basamentos en la idea que Baldassare Cas glione magnificó para el término “sprezzatura”. Conde italiano, que entre los siglos XV y XVI ejerció de diplomá co y autor renacen sta, divisó a lo largo de su obra El Cortesano una vía por la que la afectación del carácter humano desaparecía sin dejar huella. Personas que se distanciaban de la pena o la alegría, mostrando una superioridad que se sustentaba en el poder de controlar sus sen mientos, o al menos de no mostrarlos en ninguno de sus actos. La sprezzatura, la llave que Postel halló para condensar esa palabra, el glamour, que a finales del siglo XIX corría por las calles de Hollywood como un huracán. Caminos bizarros han reestructurado sus miras para casar con ideas ar"s cas como el cabaret, el arte del burlesque, la sensual alharaca danzante del can can francés o lo mul disciplinar del revue. En cualquier caso no hagamos un viaje a las catacumbas, únicamente dejemos que el oropel y las lentejuelas del music hall pinten su historia a placer según libemos el dulce néctar de la insinuación. U licemos dos iconos hermanados por la amistad pero distanciados en postulados, dos ar stas que representaron todo lo que el glam, el gli!er rock más revoltoso podía ofrecer en menos de una década. Gracias a ello sería sencillo encajar ciertas catalogaciones y dejarse mecer por las apuestas que pronto llegarían a las Islas Británicas. Curiosamente ambos conocieron la vanguardia que durante finales de los años 60 cons tuía el folk más poé co y tal vez menos comba vo. Lo onírico, las ganas de soñar y al mismo empo contar intensas historias, ya fuesen apoyadas en la realidad tangible o en pequeñas leyendas literarias, cons tuía

un efecto de comunidad que en el espacio- empo les aglu nó en una esencia que ya habían probado muchos de sus contemporáneos. Sin embargo, cuando la temperatura subió en la sala y los jóvenes buscaron ex ntores, cada crea vo se las valió de maneras par culares y visionarias. Cierto es que el inglés Ian Whitcomb, actor y vocal que se ganó el respeto del movimiento gay norteamericano con su sencillo “You Turn Me On”, no temía a enfrentarse con la homosexualidad como temá ca lírica para una liberación de parámetros. Pero aquello, o alguna incursión de los también británicos The Kinks, más de diver mento que reivindicación rozando la escena drag («No soy tonto pero no lo puedo entender... ¿Por qué andaba como una mujer y hablaba como un hombre? Oh, mi Lola»), poco o nada ene que ver con la supernova de David Bowie y Marc Bolan. David Robert Jones, el camaleónico Bowie, ya par cipaba en 1967 en cortos de arte y ensayo que de tan underground en propuesta sólo se podían exhibir en oscuros locales cinematográficos entre largometrajes de cine pornográfico. The Image, grabación de veinte minutos para la gran pantalla dirigida por Michael Amstrong, tenía a David y a Michael Byrne como únicos actores de una filmación muda con ínfulas de tardía psicología beatnik. Por aquellos días, Bowie entraría en contacto con un ex alumno del genial mimo Marcel Marceau. Aquel ar sta que ahora crecía sin tapujos tras absorber los mejores trucos gestuales del francés se llamaba Lindsay Kemp, un aprendiz que ya se había transformado en figura reconocida y que en el marcado año andaba representando algunas clases maestras de su arte en el área de Covent Garden. Jones quiso desde el primer encuentro pasar a formar parte de la camarilla de Kemp, pues pretendía sacar para sí la magia que su futuro maestro podía ofrecerle. Casi dos años después, y con las lecciones bien aprendidas del Teatro del Absurdo y de la interpretación por la comprensión del método conocido cual reestructuración, David Bowie ya poseía las tablas suficientes como para pergeñar un show unipersonal con el que reforzar los bolos que en 1969 su amigo Marc Bolan realizaba con el dueto Tyrannosaurus Rex. A primera vista, y por su calado esté co y rompedor, se podría pensar que todo aquello terminó por caer en saco roto hasta posteriormente, ya aterrizados 1972 y el vinilo The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars. Todo lo contrario, ya que la imaginería 59

con la que contaba Lindsay Kemp impresionó de tal manera al joven Bowie que pronto comenzó su mutación. Cuando se transforma en Ziggy Stardust sólo sube un escalón más en unos peldaños que ya iniciase con The Man Who Sold The World. Aquella esté!ca de largos cabellos más decadentes y bohemios que hippies, los faldones o los suéteres de porte femenino, ante todo para alguien que funcionó durante sus primeros escarceos profesionales como hijo del “swinging London” , era digno de ser aventurado como la metamorfosis por algo nuevo y desconocido. Por ello, y a fuerza de valorar con el peso de los años los dos pasos comprendidos entre el 71 y el 72, y avanzados por un David Robert Jones más Bowie que nunca, es obligado el marcarlos tan de núcleo glam uno como el otro. Las bambalinas, los escenarios y, por desarrollo, el universo del celuloide de los años 30 entra en el encuadre del obje!vo. Un cineasta, Josef von Sternberg, consigue gracias a varias de sus obras para las grandes salas captar en interminables rollos de cinta a una dama que se transformaría en musa de ese carácter afectado que flotaba entre cielos e infiernos sin sen!r frío o calor, calculando una languidez pétrea, maximizando el embrujo de un sueño. Fatalidad y El expreso de Shangai contenían a ella, a la femme fatale por antonomasia, una diva del cine inmortal llamada Marlene Dietrich. Esta instantánea de drama!smo etéreo y su par en sexo masculino, el personaje de Dorian Gray trazado por la aguda mirada del literato irlandés Oscar Wilde, realizaron el caldo de cul!vo idóneo para que el glamour teatral de ese glam rock británico empacase la consistencia necesaria por la que alzarse como baluarte a reivindicar. Después de Bowie o mismamente contemporáneos en hazañas iguales o menores salieron a la superficie ar!stas como Jobriath, William Shakespeare (también conocido como Billy Shake) o Ian Hunter, tres ejemplos de las tres ramas más reconocibles de lo que el gli!er pudo hacer por los estatutos a escribir. El primero era más de la sprezzatura italiana, del cabaret de entreguerras, del juego escénico muy a lo Ziggy pero con trucos par!culares y bien conseguidos. No danzaba en medias !ntas y se reafirmaba en su homosexualidad. “Billy” Shakespeare seguramente se jactase de lo melodramá!co en sobreactuaciones que pudiese esconder algún rol de Otelo o Antonio y Cleopatra, sin embargo su culminación sobre el entarimado no pasaba de dar un magreo al rock en boga y disfrazarse de comediante del siglo 60

XVII. Por úl!mo, el Hunter de Mo$ The Hoople se parecía más a un abstraído Dorian Gray, de lengua ingeniosa pero palabras contadas que navegan por lo elegante de la cultura bien entendida. En cierto modo Bolan también bebió de Oscar Wilde, aunque tampoco dejó en el estante las obras de J.R.R. Tolkien, lo que le propinó un aura de Peter Pan crecidito y sexual. Marc Bolan puede que convir!ese en miniatura el nombre de su tándem de orcos, enanos, elfos y princesas, pero la machacona insistencia de sus ritmos boogie rock no borraron el ingenio soñador y un tanto naïf de su personalidad. Desde las imágenes del Magical Mystery Tour beatleiano de los cines hasta los paisajes surrealistas y los caminos recónditos de las aventuras de Frodo Bolsón y comparsa, nacidas del cerebro de Tolkien, podían conformar su universo de adolescente en cuerpo de persona madura. Sus canciones, eso sí, se centraron en temas tan poé!cos como actuales, por lo que algo lograba anclarle de manera casi invisible con sus comienzos. Lo demás lo hizo su personalidad con magne!smo propio y del que era imposible escabullirse sin quedar tocado, adicto a la estrella que le había tocado. Todo esto lo complementó con vestuarios extravagantes que también marcaron a proyectos como Sweet o los Slade de años dorados. Por estas reglas se rigieron la mayoría de los parámetros por los que colocar a uno u otro ar!sta aquí o allí, dentro o fuera del glam. Para pupilas con miras limitadas o cabezas cuadradas conservadoras de la época aquello se resumía en cualquier militancia sexual alejada de lo heterosexual, condensándolo todo en que si la imagen del ar!sta no se adscribía a unos cánones ya sabidos la cosa desbarraba hacia ese gli!er que tanto gustaba a la juventud. Pobres mentes con cerrojo por cerebro, perdiendo así la oportunidad única de presenciar cómo el suelo temblaba y se abría bajo los pies de todos aquellos que pensaban que para 1973 el rock habría quedado tocado de muerte. La respuesta era tan simple como volver a lo esencial, a la piedra ﬁlosofal del rock and roll y hacerla más llama!va de lo que hasta ahora había sido para los supervivientes del Verano del Amor. El trabajo atento de algunos fotógrafos avispados, cronistas sin saberlo de una patada en el trasero a los convencionalismos, dotó a aquella escena primera de un virtual álbum generacional en imágenes por el que se guiaron en lo esté!co movimientos posteriores como el glam metal, neo glam, nuevos román!cos

REPORTAJE ESPECIAL

Ian Hunter

y la facción más recargada de los primeros vástagos del devenir gó co de ultratumba. Mick Rock fue sin lugar a dudas el fotógrafo más importante del glam rock. Conocido en la actualidad por muchos como “El hombre que inmortalizó los 70”, inició su carrera plasmando en imágenes fijas a un emergente David Bowie en 1972, momento a par r del cual se convir ó en su fotógrafo oficial durante nada menos que dos años. Al mismo empo, trabajó con iconos del movimiento glam como Lou Reed (Transformer), Queen (Queen II), Iggy Pop (Raw Power), Roxy Music (Bryan Ferry y Brian Eno en pleno estallido gli!er), Steve Harley o el mismísimo Dr. Frank-N-Furter, a quien fotografió con enorme collar de perlas, bata verde y guantes rosas. Su obra, aparte de adornar las portadas de álbumes mí cos como los citados anteriormente, ha sido recopilada en un gran número de libros, entre los que se podrían destacar Moonage Daydream –"tulo monográfico que documenta la etapa Ziggy Stardust de David Bowie–, Glam! o Rocky Horror (con prólogo del mismo Richard O’Brien). Ya fuera del glam, inmortalizó a estandartes del rock como los Ramones, Blondie –en especial a su vocalista Debbie Harry–, los Sex Pistols o Joan Je#. Pero Mick Rock no fue el único en dejar gráfica constancia de lo que representó esté camente el movimiento glam. Bob Gruen fue otro de los fotógrafos indispensables del momento. Gruen venía de desarrollar su labor con ar stas como Tommy James & The Shondells, Bee Gees o Ike y Tina Turner cuando se vio inmerso en la vorágine gli!er. Los New York Dolls fueron su prueba de fuego, aunque la anécdota la encontramos en que tanto Bob Gruen como el quinteto (ya sin el fallecido Billy Murcia) olvidaron completamente la sesión que tenían pactada inicialmente. Los mí cos Kiss fueron también inmortalizados numerosas veces a lo largo de los años por Gruen, cuya foto del cuarteto en la ciudad de Nueva York sirvió para formar parte de la portada de su álbum Dressed To Kill. En la misma ciudad tomó Gruen la famosa imagen de Alice Cooper con Dalí, instantánea tulada “Cerebro de una estrella pop” (1973), además de diversas fotogra$as tanto de Furnier como de la banda al completo. Por supuesto, David Bowie también recibió el “tratamiento Gruen” en aquellos locos 70, aunque quizá la imagen más célebre del fotógrafo sea la de John Lennon con una camiseta en la que se puede leer “New York City” en letras mayúsculas. Llegados a este punto, quizá note la ausencia de Marc Bolan 62

REPORTAJE ESPECIAL

Freddie Mercury

en este recorrido por la imaginería fotográﬁca del glam. No hay mo vo para la preocupación porque aquí llega Neal Preston al rescate. Aunque posiblemente su carta de presentación dentro del rock sea Led Zeppelin, a quienes acompañó durante sus giras por Estados Unidos a mediados de los 70, este ar sta de la cámara realizó instantáneas de Queen, Elton John –en plena época de excesos en cuanto a sombreros extraños, ropas brillantes y gafas atómicas– y David Bowie, además del citado Bolan. por Sergio Guillén

LIBROS ENTRE FALCONETTI Y KUNTA KINTE

(Guillem Medina, Diábolo Ediciones) Los lectores per naces de Renacer Eléctrico conocerán de sobra nuestra sección La Retro Serie, espacio en el que acompañarnos en un viaje a las tripas de todo po de seriales televisivos que no pasasen la barrera del nuevo siglo. Por lo tanto, es fácil de entender nuestro interés primero por un libro como este Entre Falcone! Y Kunta Kinte. Además, una obra realmente especial que se centra en su grueso en los grandes relatos adaptados a la pequeña pantalla, haciendo hincapié en las mini series. Pero Guillem Medina no se ciñe a la selección y análisis llano de un buen puñado de !tulos; nada de eso, lo suyo es mostrar en cada serial del que escribe todo po de ramificaciones. Así, y con un magnífico es lo tan ameno como diver do, si el chascarrillo o la frase ocurrente precisan de hacer su aparición, Medina puede abrir segmentos en los que tratar las vicisitudes profesionales de los actores protagonistas de la filmación, al igual que dedicar un buen número de líneas a listar e inves gar otras versiones o

representaciones del mismo tema que versa una u otra serie. ¿Un ejemplo de esto úl mo? Pues bien, cuando escribe sobre Holocausto, serial de 1978 que constaba de cuatro episodios (con las caras de James Woods, Michael Moriarty o Meryl Streep en los papeles principales, y guión del novelista Gerald Green), luego no olvida dar un repaso a otras recreaciones del nazismo para televisión como El Décimo Hombre, Los Juicios De Nuremberg o Hitler: El Reinado Del Mal, con Robert Carlyle en el papel del Führer. A todo lo citado hay que añadir el encontrarnos ante una edición cuidadísima, como ya nos ene acostumbrados Diábolo Ediciones: tapas duras, muchísimas y muy curiosas imágenes, todas las páginas a color, papel de gramaje más que óp mo. En deﬁni va, una joyita para todos los que quieran sumergirse en los grandes relatos televisivos. por Sergio Guillén

Retorno A Brideshead 63

Luis Eduardo Aute

AUTE, LIENZO DE CANCIONES

(Luis García Gil, Editorial Milenio) Bien es subrayado que Luis Eduardo Aute, nacido en Manila en los años 40 del siglo pasado, es uno de nuestros más respetados cantautores y poetas; pero no siempre se le trata con la importancia capital que merece su persona. Y es que Aute es lo más parecido a un hombre del Renacimiento que a día de hoy nos podemos encontrar en nuestro país. Él no es únicamente músico y escritor, ya que también ene una muy respetable carrera en el mundo de la pintura o la escultura, e incluso ha estado tanto detrás como frente a las cámaras. Esto son temas sabidos para todos los que conocen su arte y lo veneran, pero vale la pena recordarlo para aquellos que se quedaron únicamente en la fachada, reviviendo por momentos canciones como “Al Alba”, “Cine, Cine”, “Una De Dos” o “Slowly”. El gaditano Luis García Gil, estudioso del cancio64

nero de Serrat, Pedro Ruibal, Joan Issac, Jacques Brel, Atahualpa Yupanqui y, por supuesto, Aute, nos da en este libro de Milenio una visión completa del ar sta, abriendo el abanico hasta sus topes y mostrándonos todas y cada una de las vías crea vas que Luis Eduardo ha u lizado para expresar sus pensamientos, sueños, anhelos y crí cas, ese arte con el que ha exteriorizado su interior. Cierto es que, aunque el libro está dirigido a todos los públicos –ya sean entregados a la causa de Aute o neóﬁtos que quieren comenzar a rondarle–, Luis plantea aquí tamaño trabajo de inves gación y análisis, que hasta el más comple sta de la obra de Luis Eduardo se verá complacido. por Sergio Guillén

LIBROS ¡ALUCINA! MI VIDA CON FRANK ZAPPA

(Pauline Butcher, Malpaso Ediciones) Con libros como el de Pauline Butcher los compradores de biogra as de ar stas famosos suelen tener sen mientos encontrados, e incluso se pueden llegar a crear dos bandos: los que sólo aceptan las autobiogra as del músico en cues ón –o, haciendo un exceso, las que pergeña algún estudioso de su obra o biógrafo autorizado– y los que, con ﬁn comple sta y ganas de conocer la vida de su admirada estrella desde otros puntos de vista cercanos a lo que fue su carrera o existencia, gustan de los libros que secretarias, representantes, amigos e incluso niñeras de los hijos de la celebridad en cues ón escriben en pos de rememorar los años, meses o en ocasiones hasta pocos días – los más crema s cos– compar dos con el astro o la heroína del show business de turno. El libro de Pauline no es para nada revanchista y no busca ajustar cuentas con el músico desaparecido –triquiñuelas que han terminado dando mala fama

a este po de ediciones–. Gracias a los diarios que Butcher escribía en aquellos días, y a haber vivido junto a la familia de Frank Zappa –y cuando digo familia hablo tanto de su pareja e hijos como de toda la troupe que deambulaba por el hogar del músico–, consigue capturar con ritmo y pegada en ¡Alucina! Mi Vida Con Frank Zappa los años en los que pasó de ser la mera mecanógrafa transcriptora de las letras de sus canciones a conver rse en su secretaria personal y en más de una ocasión conﬁdente. Una obra que se disfruta perfectamente como trabajo estanco o que se puede abrir cual complemento de las memorias de Zappa (La Verdadera Historia De Frank Zappa), también publicadas en nuestro país por Malpaso Ediciones y reseñadas con anterioridad en nuestra revista. por Sergio Guillén

Frank Zappa 65

Un Hombre Lobo Americano En Londres 66

LIBROS JOHN LANDIS, UN HOMBRE LOBO EN HOLLYWOOD

(Gerardo Santos Bocero, Diábolo Ediciones) John Landis es una leyenda viviente del sép mo arte, un director que ha marcado un antes y un después –sobre todo para los que hemos crecido en los 80– en cuanto a la forma de entender el cine de género se reﬁere. Ya lo decía David Cronenberg sobre su colega de profesión: «Es un cineasta de género, pero es complicado decidir de qué género se trata». Y es que no todo el mundo está capacitado para hacer una película de humor que además sea musical y que contenga al mismo empo algunas de las mejores y más caó cas persecuciones policiales que nos ha ofrecido la gran pantalla, como pasaba en Granujas A Todo Ritmo (The Blues Brothers). Coincido completamente con el prólogo escrito para la ocasión por Javier Ludeña Fernández, director de la revista Fantas que. Los que hemos mamado el celuloide en nuestra infancia complementando nuestras visitas a las salas de cine con compulsivos alquileres de cintas VHS en el videoclub del barrio, llevamos grabada a fuego la importancia de alguien como Landis. «Creo que nunca he hablado con un periodista que hubiera oído algo bueno sobre mí», declaraba con

resignación el director de ﬁlmes como Desmadre A La Americana o Entre Pillos Anda El Juego. Y lo cierto es que con los años, a muchos de estos visionarios que rompieron con las reglas del cine de género conjuntando ingenio con diversión, se les ha lapidado con comentarios esnobistas queriéndole quitar valor a todo lo conseguido en su día, a todo lo peleado por hacer un cine de entretenimiento diferente. Le ha pasado a John Carpenter y también al propio Landis. Sin embargo, no somos pocos, como bien demuestra el murciano Gerardo Santos Bocero en John Landis, Un Hombre Lobo En Hollywod, los que les hemos seguido disfrutando –no deberías perderte la bastante desconocida incursión británica landisiana de 2010 Burke And Hare– y les guardamos el respeto que merecen. Un libro espléndido que te hará redescubrir a un tán de las artes visuales que marcó a toda una generación de espectadores y que fue incues onable inﬂuencia para muchos cineastas y guionistas que vendrían detrás. por Sergio Guillén

John Landis 67

No le cuentes tu vida a

miguel costas

Hace ya más de veinte años que el cantante y guitarrista Miguel Costas (Vigo, 1961) dejó Siniestro Total, el grupo con el que conoció el éxito masivo. Sin embargo, hay muchas otras facetas igual de interesantes de Costas que cualquier amante del rock debería conocer. La publicación de su más reciente disco, editado bajo su firma y tulado No Me Cuentes Tu Vida, nos anima a preguntarle también sobre esos otros proyectos y bandas en los que ha par cipado. Es sorprendente el retroceso que estamos experimentando en lo que a libertad de expresión se refiere. Parece que la llamada “corrección polí ca” lo invade todo. Hoy en día sería impensable que un grupo se atreviese a interpretar canciones como “Ayatolah!”, “Már res De Uganda”, “Las Tetas De Mi Novia”, “Al Que Eyacula Dios Le Ayuda”, “Hoy Voy A Asesinarte” y tantas otras que vosotros grabasteis en vuestros primeros años, en aquella increíble etapa inicial de Siniestro Total. ¿No te parece muy triste que hayamos llegado a un punto en el que parece que haya que morderse la lengua o autocensurarse casi por obligación? ¿Hemos perdido el sen do del humor? Hemos perdido el humor, y la ironía ya la en enden muy pocos. Yo, de todas formas, jamás me he autocensurado pero sí es verdad que la libertad de expresión es un bien del que no deberíamos desprendernos. Siempre me ha llamado la atención el nombre de tu banda después de tu marcha de Siniestro Total. ¿De dónde surge exactamente el apela vo de Los Feliz? Sé que es el nombre de una barriada de Los Ángeles, pero tampoco conozco la verdadera historia que os llevó a elegir este nombre. Fue el mayor error que come! al dejar Siniestro. Los discos salieron con una discográfica pequeña y, al no con nuar como Costas, mucha gente me perdió la pista. El nombre fue exáctamente por lo que tú dices: estuve en Los Ángeles y me llamo la atención el nombre del barrio. Con nuando con Los Feliz, resulta realmente complicado hacerse hoy en día con los tres álbumes que editasteis. De hecho yo, tras una ardua inves gación de varios años, solamente he sido capaz de incorporar a mi colección Aleluya y Ataque De 68

Marke ng, faltándome el segundo, Enséñame La Pasta. Estaría muy bien que fuesen reeditados en un pack porque, la verdad, me parece una etapa de lo más interesante en tu carrera y creo que mucha gente ni siquiera sabe de su existencia. ¿Ha habido algún plan en este sen do? ¿Podríamos verlos reeditados en un futuro? Están en discograﬁcas dis ntas, por eso es muy complicado; pero estamos en ello, a ver si lo conseguimos.

E ´NTREVISTA Comentaba en mi reseña de tu úl mo álbum hasta la fecha la inclusión de una breve cita a “Ace Of Spades” de Motörhead en “Carne De Cañón”, posiblemente a modo de homenaje al recientemente fallecido Lemmy. ¿Voy bien encaminado o le doy demasiado al coco? Sí, es un pequeño homenaje a Lemmy, al que conocí en su día. También en el disco hay referencias a otros grupos. Hace ya unos cuantos años te pude ver tocar con tu grupo algunos temas de Aerolíneas Federales en el fes val Noroeste Pop Rock de A Coruña. Ahora

que parece que Aerolíneas Federales regresa con nueva música y algunos conciertos, sería un buen momento para volver a editar aquellos discos y reivindicar la banda. Lo mismo que con Los Feliz, estoy intentando al menos reeditar el primer disco de aerolineas en vinilo. He leído en una entrevista reciente que te provoca cierto enfado la poca atención que recibió Germán Coppini en vida y que tras su triste fallecimiento parece que todo el mundo loa sus virtudes cuando años antes ni se acordaban de él. Es un tema que a mí también me produce sorpresa y hasta indignación, y que vengo detectando de un empo a esta parte sobre todo en medios dominados por el “gafapasterío”, adalides de lo cool y la úl ma supuesta moda o tendencia. Sin embargo, músicos como Coppini o tú mismo nunca os habéis guiado por estos parámetros. ¿Piensas que quizá hay demasiado “postureo”, como se dice ahora? Creo que un disco como No Me Cuentes Tu Vida puede ser un buen an!doto contra tanta tontería. ¿Cómo lo ves? Yo creo que sí, que es todo muy light. Se consume la música muy rápido y hay mucha imitación entre los grupos. Si estas son las llamadas tendencias vamos jodidos; en sudamérica, sin embargo, sí se sigue la trayectoria de los grupos o ar!stas que le interesa a la gente, promocionados o no. Me llama la atención la similitud temá ca de “Bes a”, la canción que da inicio a No Me Cuentes Tu Vida, con “Animal”, también el primer tema de aquel Ataque De Marke!ng de Los Feliz. ¿Podríamos estar hablando de una segunda parte o una con nuación de aquella canción o es mera casualidad? La verdad es que no !ene nada que ver. “Animal” habla de las personas y “Bes!a” de los chuchos, que generalmente dan menos la lata. Como bien sabes, tu úl mo disco me parece un cañonazo, me ha encantado. Sin embargo, echo de menos algún tema en gallego, porque es algo que siempre me hace sonreír, me resulta el culmen de la retranca. ¿Quizá para el próximo? No me lo he planteado. A mí se me ha negado par!cipar en Galicia en fes!vales porque no canto en gallego. Sinceramente, me expreso mejor en 69

E ´NTREVISTA castellano, pero es sólo una cues on de sabiduría; si cantase en chino sí me abrirían las puertas en esos fes vales. Yo soy Costas, que es espalda en gallego y peón, apellido cien por cien gallego; sin embargo, algunos me llaman la atención por el idioma. Si nos preocuparamos menos de esas chorradas, nos iría mejor. En 2010 colaboraste con Dr. Gringo en una nueva versión de “Yo Dije Yeah!!” de Siniestro Total. En endo que man enes el contacto con los componentes de Dr. Gringo. ¿Se sabe algo de este grupo? Porque aquel disco homónimo me resultó fantás co y no he vuelto a oír demasiado de ellos. De hecho me acabo de enterar de que sacaron un EP en 2012 y desde ese momento les pierdo la pista.

Bernardo, el líder de The Refrescos, y yo somos amigos de toda la vida. Colaborar con los amigos siempre es grato para mí. En este nuevo disco vuelves con una de las discográﬁcas más potentes que quedan en la actualidad, Warner Music. ¿Has notado algún po de restricción o cortapisa en lo ar#s co por el hecho de estar una gran compañía detrás de la edición del álbum? Lo digo porque es uno de los mayores mitos que circulan sobre las grandes discográﬁcas, el excesivo control sobre sus ar stas, y no sé si realmente es así hoy en día. Ninguno, y según qué ar stas... Yo tengo un contrato que me da total libertad a la hora de componer y plasmarlo en un disco. por Andrés Puente

Cuando me hablan de “una canción de Siniestro Total”, cualquiera de ellas que compuse, me gustaría más que me dijeran “una cancion tuya que tocabas en Siniestro Total”. Esta es compar da. Dr. Gringo se llaman ahora Mad Mar n Trio y acaban de sacar disco.

El otro día te subiste a cantar un ska con The Refrescos en Madrid. ¿Qué tal la experiencia?

Miguel junto a Bernardo Vázquez y sus The Refrescos

homenaje a los ancestros En este album, Ansestral, se resume toda mi experiencia hasta ahora en la música, refleja perfectamente lo que pienso y lo que siento; en resumen, se trata de un homenaje a los ancestros, a todas las fuentes de inspiración que he tenido y que me han marcado el camino a seguir. También es un homenaje a las personas que luchan por la cultura, la ciencia, el arte, por la vida y la verdadera humanidad. 01. Posi"vo Esta canción es de esas que surgen solas, todo el arreglo musical sale de un rato con la guitarra jugando con una armonía alegre que al final se graba automá camente en la memoria, como si ya hubiese sido compuesta y estaba ahí esperando a salir. No ene una estructura convencional estrofaestribillo-estrofa; me gustó la idea de hacerlo muy a lo “pie-respuesta” en toda la canción. La letra también apareció espontáneamente y no hubo que dar muchas vueltas. El mensaje es claro, y es algo que yo a mi mismo me digo cuando las cosas se tornan di ciles. ¡Todas las palabras de la canción están basadas en hechos reales! “Posi vo”, lejos de ser una canción facilona, esconde un propósito verdadero y revolucionario, hoy en día es necesario poner en alza ac tudes que sirvan para construir un entorno mejor, la nega vidad y el pesimismo alimenta al sistema, la posi vidad lo destruye. Destacaria en el arreglo musical el gran solo de saxofón de Max Merseny, una autén ca joya. En cuanto a la grabación de estudio y demás, todo está digamos compuesto por mí; luego me ha ayudado el productor Umberto Echo, que se ha encargado de planificar la grabación, elegir a los músicos y dar los toques finales a los arreglos, mezcla etc. 02. I Chant Esta canción, igual que “Posi vo”, fue compuesta en un solo día, prác camente tambien surgió sola. Realmente fue la ul ma canción que compuse para el álbum; a punto de terminarlo me faltaba solo un 72

track y el empo se me venía encima, por alguna razón me dejé llevar y ella sola se manifesto. Normalmente pienso mucho cada detalle, pero esta vez deje que todo fluyera, y así fue. “I Chant” (que en español significa: “canto elevado”) es una canción con una base: “Nyahbinghi”, que es un patrón-ritmo de percusión tradicional Rastafari que se suele cantar en las liturgias y congregaciones Rastafari. La “Nyahbinghi” significa liberación de la opresión, y la cadencia ritmica esta inspirada en el 1-2, que es el la r del corazón. Como africano y pan-africanista estoy totalmente influenciado por la figura de Haile Selassie I, es una parte importante de mi acerbo cultural y como tal con esta canción quiero explicar algunos detalles básicos de la cultura (para mí no es religión) Rastafari. Sabiendo que las canciones pueden llegar a los jóvenes, mi intención es que ellos conozcan la historia sin filtros, y animarles a buscar, contrastar y pensar. 03. Alto Grado Con esta canción hago mi homenaje par cular al Cannabis, lo que representa para mí y los beneficios que conlleva para las personas que lo quieran usar, también haciendo un repaso histórico de las razones de su prohibición y persecución. El arreglo de la canción ene ese toque medita vo y elevador al mismo empo, con muchos detalles atmosféricos y la cadencia trance del bajo y batería, sin duda uno de mis preferidos. 04. Vive Este tema me refleja perfectamente; si tuviera que definirme con algún es lo, sería el de este track. Me encanta la línea de bajo y la batería, los arreglos posteriores que le dan ese toque old school son una maravilla que Umberto Echo se saco de la manga. Combina partes melodicas con partes un poco más raggamuffin, ¡cosa que me gusta mucho! Creo que ene mucha energía y ademas la letra es inspiradora, te anima a ser tú mismo, a creer en . Hay que ser agradecido por las cosas buenas y cele-

L A F´ I R M A I N V I T A D A

El veto cultural es un hecho, y la historia la escriben los vencedores en este mundo de conquistadores y conquistados.

L A F´ I R M A I N V I T A D A brar la vida siempre, este es un track para eso. La mezcla que hizo Umberto Echo es una auten!ca “master piece” del genero, aún estoy descubriendo detalles que no había escuchado. 05. Historia Esta canción fue, digamos, una de las primeras en componerse. Mi intención, no sé si lo he logrado, es dar otro punto de vista histórico, que siempre ha estado ahí, pero que no se suele contar oﬁcialmente. El veto cultural es un hecho, y la historia la escriben los vencedores en este mundo de conquistadores y conquistados. Como canario y al pertenecer a un pueblo conquistado, siempre permanece la búsqueda de la raíz cultural propia: de dónde venimos, quiénes fueron nuestros antepasados, por qué no hay información, no hay tes!monios, no quedan ves!gios... todas estas preguntas son las que resumen esta canción. Es una queja por la injus!cia, por la destrucción de África y sus valores culturales. En la composición destacaría la par!cipación de la gran Sara Lugo en los coros. 06. Ahora Es Tiempo Este tema es un rescate de mi colección de canciones nunca editadas; si no recuerdo mal está compuesta hace más de cinco años, y fue una pe!ción especial del jefe del sello que me edita el trabajo. No estaba seguro de ponerla, pero bueno, al ﬁnal después de algunos arreglos, me gustó el resultado. También destaca en los arreglos la guitarra solista que va haciendo juegos con!nuamente durante toda la canción, ¡es absolutamente una maravilla! Esta canción es una llamada de urgencia a la acción, hay que moverse ya y cambiar ya las cosas, desde uno mismo primero. 07. Peligro Para mí, una de las canciones mas profundas del álbum; es un lloro, una llamada a pensar qué pasa hoy en día a nuestro alrededor, por qué tanta violencia, avaricia, maldad, egoísmo, qué es lo que nos mueve a ello. Las palabras son sanadoras y muy potentes, y en esta canción hay una advertencia: o mejoramos o nos destruiremos poco a poco. Destacaría sin duda el arreglo de trombón que aporta a la canción una perspec!va impresionante; nunca imagine que pudiera quedar así. Todo fue fruto de la providencia en sí misma: Roman Sladek, el trombonista, llegó al estudio con un mal día y la canción en sí misma transmite un cierto halo melancólico;

Roman no sabe español, pero dado su estado de ánimo, fluyó increíblemente dentro de la canción, como si supiera qué se decía. Una situación irrepe!ble que se quedó plasmada con una interpretación en la que casi se lee lo que el músico sin!ó. 08. Amaneciendo Canción homenaje a la música jamaicana, a los músicos que tanto me han inspirado y a esa cadencia rub-a-dub que tanto me gusta. Con una letra de agradecimiento y de op!mismo, un sen!miento de firmeza en el día a día. Al igual que en todas las canciones, las líneas de bajo y batería las compongo en mi estudio y luego son los músicos quienes las tocan bien; aun a mí me queda por aprender, y es una de las líneas de las que más orgulloso estoy. Los arreglos de teclado y lead-synth son todo un rescate vintage. El productor sacó de su armario un sinte!zador que no usaba hace !empo sólo para este track, además de un módulo de percusión electronica de finales de los 80. ¡El resultado esta ahí! 09. Yo Para Ti En el álbum tenia que haber una canción de amor, amor román!co, un homenaje a mi pareja sen!mental. Es una canción sencilla pero alegre, con algunas reminiscencias caribeñas. Destacable es el teclado Rhodes de Barny McAll, que es absolutamente delicioso; juega perfectamente con las armonías vocales y acompaña a la sección de vientos que tambien es de lujo. Ha quedado una canción rica en detalles pequeños pero que transmiten mucho. 10. My Yut En español significa: “mis jóvenes”. Aquí hago el estribillo en inglés, cosas del genero que a veces te llevan a esos derroteros. Reconozco que no es mi fuerte cantar en ese idioma, pero un pequeño guiño me pareció suficiente. La canción esta enfocada en la juventud y lo que yo pienso que es importante para los jóvenes; les animo a ser fuertes, determinados, solidarios, con visión y valores. Los jóvenes son el mañana y es importante dejar un mensaje que pueda ser ú!l. La música puede influir para bien y para mal, mi intención es que sea para bien.

por Dactah Chando 75

M A T R Í C U L A S D E H O N O R Gualberto ya era un icono en la escena nacional cuando editó sus LPs A la vida / Al dolor (1975) y Vericuetos (1976). El haber cons!tuido núcleo de fundación y parche evolu!vo a las cuerdas de su guitarra de un grupo como Smash le encasilló como uno de los padrinos del más!l psicodélico y progresivo andaluz. Un grupo que hasta consiguió las atenciones de la en otra punta gauche divine catalana, que se habló de igual a igual compar!endo amistades con los más jazzeros Máquina!, empujó a gran can!dad de contemporáneos para que arriesgasen. La crí!ca vio en su “Garro#n” un ejemplo visionario de lo que podría considerarse como flamenco pop refinado. por Sergio Guillén

GUALBERTO Y RICARDO MIÑO Puente Mágico (Dial Disco, 1983)

Columbia le tendría en nómina durante el 83 como arreglista, asesor y productor de la casa, año en el que junto a Ricardo Miño decide poner en limpio lo que sus diabluras sobre las tablas les han aportado en esa conﬁanza como pareja. Tras meter la cabeza en La Leyenda Del Tiempo de Camarón, obra magna de la fusión ﬂamenca, Gualberto encuentra en Miño, ferviente admirador de la técnica del adalid Niño Ricardo, un punto de anclaje para la guitarra española. El ex Smash se concentra en desarrollar pirotecnia justa y contenida tras el sitar, las guitarras eléctricas o el sinte"zador. En cualquier caso, Puente mágico no busca lo sinfónico o el rock en progre76

sión; la labor final es planear un viaje cuyas paradas sean los diferentes palos flamencos, volando de las sevillanas al mar"nete, premiando las soleares o abrigando la nana. El influjo árabe e hindú no sólo está marcado por la aparición del sitar o esas percusiones ad hoc, ya que las argucias de colorear una granaína (“Raga de Granada”) con mis"cismo de raga sacado de Pakistán o Bangladesh potencia esos esquemas de improvisación y sintonía entre los ejecutantes. Escuchar a Pepe León “El Ecijano” enfrentarse con el micrófono para cantar “Candente” es una experiencia más allá del simple gusto por la música.

´ Pocos grupos capturaron tan fehaciente y vehementemente la esencia del llamado hardcore punk como Bad Religion lo hizo en su cuarto álbum No Control. Cinco eran los miembros de la banda por aquel entonces –voz principal, dos guitarras, bajo y batería–, y cinco trallazos son los que dejan al oyente sin respiración nada más abrir la puerta de este LP. “Change Of Ideas”, “Big Bang”, “No Control”, “Some!mes I Feel Like” y “Automa!c Man” son temas rápidos, de una urgencia extrema, como globos de helio vibrantes y a punto de explotar aunque siempre endulzados con melodías magistrales. por Andrés Puente

BAD RELIGION No Control (Epitaph, 1989)

No se queda atrás en velocidad “I Want To Conquer The World”, complementado por una letra con la que cualquier joven puede iden ficarse. Es el lado reflexivo de Bad Religion, que se ve amplificado con una canción como “Sanity”, bastante más sosegada que las precedentes. Pero tal bajada de revoluciones es tan sólo un espejismo desintegrado por “Henchman” e “It Must Look Pre y Appealing”, necesario pasaje hacia “You”, uno de los mejores temas del disco que cuenta con todos los componentes de la banda rindiendo de manera excelente, encabezados por el cantante Greg Graffin, posiblemente La Voz

del punk rock. Las cinco canciones que restan, completando una quincena que apenas rebasa los 26 minutos de duración, subliman una vez más ese sonido juvenil y energé co del que fueron abanderados Graﬃn, Gurewitz, Hetson, Bentley y Finestone. No tardarían mucho en domes car su propuesta, aunque lo harían de una manera gradual e inteligente, trasladándose al mismo empo a sellos mayores como Atlan c o Sony. Sea como fuere, cuando uno necesita una inyección de adrenalina musical no existe mejor opción que No Control.

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