Matíasplus 10

ESCUELA DE CIENCIAS DE LA COMUNICACIÓN

/ junio de 2017

CONOCE AL EQUIPO

EDITORES Paola Camilot Carmen González Huguet Kevin Salazar DIRECCIÓN DE ARTE Carolina Jaime

REDACTORES Damaris Girón / Abigail Gómez / Heather García / Marcela Juárez Gerardo Castro / Marcela Hasfura / Raquel Hernández Carolina Menéndez / Mimi Alas / Stephanie Cornejo Ávalos Daniel Navas / Diego Mejía / Silvia Callejas / Christian Zarate Jesús Vanegas / Paola Camilot

FOTÓGRAFOS GABRIELA PALMA

FOTO DE PORTADA Jesús Vanegas

COMERCIALIZACIÓN Gerardo Castro y Jesús Vanegas

DISEÑO EDITORIAL Carolina Jaime

IMPRESIÓN IMPRINSA S. A. de C. V.

CONTACTO plusecc@ujmd.edu.sv / www.facebook.com/plusECC

INFORMACIÓN LEGAL es editada por alumnos de la Escuela de Ciencias de la Comunicación de la Universidad Dr. José Matías Delgado. Antiguo Cuscatlán, El Salvador.

CCC es una revista trimestral editada desde 2013. Derechos de propiedad intelectual y de traducción a cualquier idioma están reservados en todos los países. Si hará uso de la información presentada en la revista, cite correctamente la fecha, número, página, nombre del artículo, nombres de los autores y avise al editor.

AVISO LEGAL Toda opinión vertida en este medio es responsabilidad exclusiva del autor del artículo.

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FRANCISCO TEJADA

/ junio de 2017

EDICIÓN 10 CONTENIDO JUNIO 2017 FOTOGRAFÍA 04. EDITORIAL Ricardo Chacón 11. ALIMENTOS VISUALMENTE DELICIOSOS Hablamos con Gabriela Palma, foodstyist salvadoreña.

22. ¡LUCES, CÁMARA, ACCIÓN! Gerardo Castro hace un recuento de algunos documentales ganadores de premios internacionales en la categoría de Dirección de Fotografía.

30. FRANCO ROTH Talento ECC que se destaca en la fotografía de moda.

39. FRANCISCO CAMPOS La Guerra Civil de El Salvador vista a través de su lente.

FRANCO ROTH

SAÚL MONTES

36. FRANCISCO TEJADA Diego Mejía recoge la experiencia profesional y docente de uno de los profesores con mayor trayectoria en la ECC. 44. DRONES 101 CON SAÚL MONTES Conoce algunos aspectos técnicos sobre los drones en esta entrevista realizada por Daniel Navas.

54. ¿QUÉ ES TRANSMEDIA? El licenciado Christian Zárate nos hace un recorrido a través de las narrativas transmedia.

58. ¡ESTAMOS CELEBRANDO! matías plus llega a su edición número 10.

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Una cuestión clara, en el presente y futuro, en lo que respecta

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tradicional y antiguas, es la prevalencia de la imagen. El dilema es si esta debe estar bajo la lógica del vídeo o de la fotografía. Es más: habría que señalar que ambas dimensiones se fundan en la actual realidad donde las audiencias, a través del teléfono inteligente, hoy por hoy la herramienta por excelencia para la comunicación, exigen una información visual. De este y otros temas relacionados trataremos en este número especial de la revista matías plus.

En los orígenes, la fotografía irrumpió y transformó las comunicaciones, acostumbradas y determinadas por el discurso dominado por las palabras y las letras. La fotografía luego se puso en movimiento, como ocurrió en las primeras películas del ruso Sergei Eisenstein, quien no solamente impulsó la fotografía artística y dramática dentro de las producciones cinematográficas, sino que provocó que la imagen, entendida esta como una experiencia visual mucho más amplia que une la palabra, la imagen y el movimiento, desencadenara distintos y diversos mensajes dramáticos como en la famosa cinta El Acorazado Potemkin (1925).

RICARDO CHACÓN DIRECTOR DE LA ESCUELA DE CIENCIAS DE LA COMUNICACIÓN

El mundo de la imagen, vídeo o fotografía

al desarrollo de las diferentes plataformas de comunicación,

La fotografía es perspectiva, iluminación, drama. La foto en movimiento no es solo vídeo, sino una realidad cambiante que podemos ver en acción mientras se desarrolla ante nuestros ojos.

En la actualidad, la imagen en movimiento determina nuestro ecosistema. Estudiar esta realidad, determinar su influencia en la vida cotidiana, aprender su técnica es parte del estudio que ahora tenemos que hacer los comunicadores, si de verdad queremos hacer información y comunicación en las nuevas plataformas virtuales que nos brinda la web 2.0 y sus cada vez más aceleradas actualizaciones.

Ponemos en sus manos este número especial de matías plus sobre foto, fotografía e imagen.

Ricardo Chacón

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La fotografía publicitaria es, quizás, una de las ramas más exigentes de la comunicación. Sin embargo, Guti también la describe como una de las más bonitas y que permite explotar la creatividad.

Guti LA FOTOGRAFÍA: UNA MANERA DE VIVIR Y UN ARTE Por Damaris Girón

La fotografía es una de las profesiones que requieren mayor dedicación, según Gerardo Gutiérrez, de Estudios Guti. Para este profesional de la cámara, quien emprenderá nuevos retos al mudarse a México, la fotografía es una manera de vivir y un arte. ¿CÓMO SE INICIÓ EN LA FOTOGRAFÍA? Técnicamente yo quería estudiar cinematografía y mi papá me dijo que me iba a morir de hambre. Entonces él decidió por mí que estudiara Economía. Me gradué de Economía, pero siempre tenía ganas de hacer algo, y como aquí no se podía estudiar cinematografía, por lo menos comencé con la fotografía con una cámara que me dio mi hermano mayor y me di cuenta que traía realmente para la fotografía. Me dediqué a estudiar un montón y luego saqué una Maestría en Fotografía. En el año 2006 empecé algo por mí mismo y así empezó lo de la fotografía.

Desde ese año me dediqué totalmente a la fotografía y desde 2010 comencé a dar clases siempre en la misma área. ¿QUÉ SIGNIFICADO TIENE LA FOTOGRAFÍA PARA USTED? Pues para mí es una manera de vivir y es un arte. ¿CUÁL CREE QUE ES UNO DE LOS ASPECTOS MÁS IMPORTANTES PARA LOGRAR UNA BUENA FOTOGRAFÍA? Estudiar y practicar mucho.

Yo todos los días estudio una o dos horas y llevo haciendo esto quince años. Mi secreto es seguir estudiando como si estuviera dentro de una carrera como Ingeniería Química, y practicar como si fuera fútbol. ¿CUÁL ES SU EXPERIENCIA EN FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA? Es una de las ramas más bonitas, pero requiere muchos más costos de entrada.

También técnicamente hay que saber mucho más y contar con más equipo.

Pero el secreto para obtener una buena fotografía es la preproducción. ¿CÓMO LOGRÓ POSICIONARSE? Pues sinceramente no sé, quizás se deba a que siempre cuidé la calidad de mi trabajo, y cuando hacía las fotografías, lo hacía para que me gustarán a mí, cuidando cada detalle por mínimo que fuera. ¿CUÁLES SON DE LOS RETOS MÁS GRANDES QUE HA TENIDO AL REALIZAR FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA? Cada producción va dando diferentes problemas y estos se van resolviendo en el camino, porque no es que se tenga resuelto todo con las experiencias previas. Siempre surge algo nuevo. Sin embargo, creo que uno de los retos más grandes es tratar con los clientes difíciles.

¿CUÁL HA SIDO EL TRABAJO DE FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA QUE MÁS LE HA GUSTADO? Las campañas que realicé con SIMAN en 2013, pues nos dieron mucha libertad para explotar nuestra creatividad. ¿CÓMO VE SU FUTURO PROFESIONAL Y EL DE SU ESTUDIO? En agosto de este año me voy del país a residir permanentemente en México. Me tocará iniciar desde cero y reinventarme.

Al principio cuando me iba ir, me sentía con tristeza e inseguridad, pero hoy ya me cambio el chip y voy con un gran entusiasmo. ¿QUÉ CONSEJO LES DARÍA A LOS ESTUDIANTES DE LA ECC? No estudien para ser el mejor en la universidad. Traten de compararse con los mejores del mundo para saber si son buenos o son malos.

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FotografĂ­a: Guti

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FotografĂ­a: Guti

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Ricardo “PUEDE QUE NO TENGÁS LA ÚLTIMA CÁMARA, PERO SACALE PROVECHO Y REBUSCATE”

La pasión por querer hacer algo diferente, aprender, trabajar y crecer en conocimiento son algunas de las motivaciones que tuvo Ricardo Guevara Cerna para dedicarse a la fotografía publicitaria.

Por Abigail Gómez

Ricardo Guevara Cerna es un alumno egresado de la Escuela de Comunicaciones, que además es instructor de la cátedra de Publicidad I. Este joven encontró en la producción para publicidad la manera perfecta de fusionar, profesionalmente hablando, sus dos más grandes amores: la publicidad y todo lo relacionado con la producción audiovisual.

Por un lado, menciona el poco valor que en el país se le da al aporte de un comunicador. En muchas ocasiones las empresas lo consideran un gasto. Por otro, el ser menospreciado por su edad, pues al verlo tan joven, las empresas no lo toman con la seriedad que deberían, creyéndolo incapaz de realizar un trabajo, cuando su intención es ofrecer un servicio profesional.

Su amor por la fotografía surgió desde que estaba muy pequeño, cuando los teléfonos celulares empezaron a integrar cámara fotográfica dentro de sus características. Él utilizaba estas cámaras para para tomar fotos.

Ricardo considera que su mayor logro es levantarse cada día sabiendo que no tiene que seguir una rutina de oficina, sino que dispone de su tiempo, teniendo la oportunidad de adaptarse a las necesidades de sus clientes y trabajando con sus amigos, con quienes se siente cómodo y aprende muchas cosas.

En el año 2014 fue finalista en CLAPS estudiantil, con una pieza titulada “Saco lo mejor de tus ideas”. También en 2015 fue finalista regional del concurso Unigame para un programa de manejo de marcas con comunicación 360 para Unilever.

Parte de su experiencia la obtuvo trabajando en el área comunicacional de Un techo para mi país, donde colaboró por seis meses con la campaña publicitaria “Baja el vidrio”. Esto le ayudó a perder el miedo y comenzar con sus amigos una pequeña empresa.

Como todo proyecto, comenzaron desde abajo, realizando trabajos sencillos, pero que gradualmente fueron generando frutos y le permitieron hacerse de contactos. A la fecha y en menos de un año, ya han trabajo con Termoencogibles, Banco Davivienda, Save the Children y Cruz Roja Salvadoreña, por mencionar algunos. Ricardo menciona que estos trabajos le han ayudado a ganar confianza en sí mismo y con los clientes.

Trabajando en un mundo tan grande y competitivo, Ricardo también ha tenido que enfrentar obstáculos.

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Actualmente trabaja junto a Miguel Rivas y Ernesto Apontes (también alumnos de la ECC) en su empresa: Dafaktory Visual Works. A futuro se ve siguiendo con todos los proyectos de producción publicitaria que tiene, aprovechando todas las herramientas digitales que los avances tecnológicos le brindan y atreviéndose a hacer las cosas.

“Idealmente, me veo trabajando siempre en producción y publicidad, teniendo una empresa ya bien establecida y seguir en la Universidad tratando de compartir todo lo que he aprendido”.

A todos aquellos que desean dedicarse a la fotografía publicitaria Ricardo les aconseja que aprovechen cada una de las oportunidades que se les presenten, sin buscar excusas y sin tener miedo de arriesgarse: “Puede que no tengás la última cámara, pero sacale provecho y rebuscate, investigá y aprendé todo lo que podás, perdé cualquier perspectiva negativa que tengás de vos mismo y atrevete a hacer las cosas”.

Fotografía: Cortesía

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Él considera que la coordinación de los modelos, es lo más difícil en las fotografías de publicidad.

Paul “UNO DEBE SER CREATIVO, NO SOLO CON SUS IDEAS, SINO CON LO QUE TIENE Y LO QUE NO TIENE”

Por Heather García

Paul inició su carrera profesional con una cámara análoga, pero como él mismo señala: “Cuando nos cuesta, es cuando aprendemos”. +plus conversó con el CEO de Cyanstudio sobre su trabajo como fotógrafo en el área de publicidad. ¿EN QUÉ MOMENTO DE SU VIDA DECIDIÓ SER FOTÓGRAFO? Cuando tenía dieciséis años, mi familia me compró una cámara. Aunque no tenía, obviamente, la tecnología de ahora, me gustó.

APARTE DE LA FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA ¿LE INTERESA OTRA ÁREA? Me llama bastante la atención el paisajismo. Me gustan, además, las fotografías de documental. Las personas se especializan en diferentes áreas. Yo trabajo en una agencia de publicidad, por lo que eso es lo que más hago y práctico, pero mis gustos se inclinan por el paisajismo.

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¿QUÉ ES LO MÁS DIFÍCIL DE TOMAR FOTOGRAFÍAS PUBLICITARIAS?

¿QUÉ TIPO DE FOTOGRAFÍA ES LA QUE MÁS LE GUSTA REALIZAR?

La coordinación, sobre todo con los modelos.

No es lo mismo tomarle foto a un objeto al que colocaras como tú quieras, a tener que fotografiar a cinco o siete modelos que tienen que estar en la posee exacta, pendiente de que alguno de ellos no cierre los ojos o de que el otro no se mueva. Es complicado.

Las fotografías que más me ha gustado hacer son las que se realizan al aire libre, como en el paisajismo. Me ha gustado trabajar con el Ministerio de Turismo.

También me gusta trabajar con Decamerón, porque uno disfruta de salir, no estar solo en el estudio, sino que también poder trabajar con los elementos de alrededor, como la luz natural.

Saber manejar todos esos elementos te hace pensar más, es como que te desafía a ti mismo.

¿DE QUÉ MANERA SE LE REMUNERA A LOS FOTÓGRAFOS DE PUBLICIDAD? Por proyecto. Por ejemplo, en la agencia de publicidad en la que trabajo, se hace de esa manera porque hay fotógrafos a los que se contrata que no solo cumplen con la función de tomar la foto y ya, sino que te dan un paquete en el que te brindan no solamente llegar el día de la producción, sino que coordinan, te dan hasta los modelos.

¿EN LAS AGENCIAS DE PUBLICIDAD EL FOTÓGRAFO PUEDE DAR IDEAS? Sí, sí puede, pero no siempre su idea será la que se escoja.

La mayoría de veces la agencia de publicidad es la que desarrolla la idea que se tratará, mientras el fotógrafo debe captar lo mejor del

producto o del modelo, es decir, saber cuál es la mejor pose para el modelo o la mejor ubicación para el producto. ¿QUÉ CONSEJOS LE DARÍA A LOS FOTÓGRAFOS? Que hagan lo que aman. A veces la familia nos quiere moldear para cierto tipo de carrera, pero si uno ama lo que hace, eso te impulsa a ser mejor. También uno debe ser creativo, no solo en sus ideas, sino a ser creativo con lo que tiene y con lo que no tiene.

Debemos saber salir adelante con los elementos con los que contamos.

Yo empecé con fotografía análoga por lo que teníamos que pensar cómo hacer las cosas. Ahora uno con la tecnología se ahorra eso, pero no nos debemos acomodar.

Debemos desafiarnos, porque cuando nos cuesta es cuando aprendemos.

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El food styling, según Gabriela Palma, combina el arte culinario, la creatividad y la ciencia para hacer que los alimentos parezcan atractivos en fotografías y videos para anuncios, películas y menús.

En esta edición conversamos con esta profesional salvadoreña sobre tan interesante trabajo.

ALIMENTOS VISUALMENTE DELICIOSOS: FOOD STYLING

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Por: Heather García ¿CÓMO LLEGÓ A SER FOOD STYLIST? Estudié Artes Culinarias en California, pero conocí el food styling por medio de una amiga con la cual nos incorporamos a los cursos. Yo tenía tiempo libre, así que lo aproveché.

ser las gotas, si grandes o pequeñas.

También depende mucho del fotógrafo, porque te dicen que ocuparán cierto tipo de luz para que el producto luzca más brillante. Entonces uno debe ir maquillando según los requerimientos.

¿CUÁL ES EL OBJETIVO DEL FOOD STYLING? El objetivo es que la comida se vea bien en la publicidad, tanto en foto como en video. Se debe arreglar y maquillar la comida, para resaltar lo mejor, para que se vea riquísima.

¿CUÁLES SON ALGUNOS TRUCOS QUE SE OCUPAN EN LA COMIDA? Yo ocupo muchos, entre ellos, si se necesita que se vea el humo en una taza caliente u otro producto, ocupo un cigarro y por medio de una pajilla dejo ir el humo.

¿CUÁLES SON LAS HERRAMIENTAS Y TÉCNICAS PARA MAQUILLAR LA COMIDA? Depende de cada comida, porque cada una tiene su truco. Una parte importante son los clientes, porque ellos te dicen cómo les gustaría que luciera. Por ejemplo, en el caso de las cervezas, hay marcas que te dicen de qué tamaño deben 12

Cuando se trata de productos como pollo o carne, no lo cocino del todo porque el tamaño de la comida tiende a disminuir conforme pasan los minutos, pero para que se vea como que sí lo he hecho lo maquillo con colorantes de comida.

Si es un tiramisú, lo hago con crema de afeitar, no con crema batida porque esta no durará ni una hora.

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Si es una pasta, la cocino al punto de que solo tome esa forma ondulada y la maquillo con colorantes.

técnicas de iluminación o si el cliente es nuevo, hay que saber qué forma de trabajar tiene.

Cuando se trata de líquidos como cerveza, nunca la enfrío, porque si va helada los vasos también se enfrían, y el maquillaje de ese vaso es uno quien debe hacerlo. Además, ocupo hielos falsos. Pero todos estos trucos también deben estar aprobados por el cliente antes de realizarlos.

¿CUÁL ES LA COMIDA MÁS DIFÍCIL DE MAQUILLAR? ¿POR QUÉ?

Las “jaladas” de pizza, porque están calientísimas y si no queda bien a la primera toma, se tiene que empezar de nuevo. Para esto se cuenta con pistolas de calor al momento en que se jalan.

¿CUÁNTO SE TARDA EN MAQUILLAR EL PRODUCTO? Depende del producto y de la marca.

En el caso de un sándwich me tardo tres horas, pero es porque quizás tenemos lineamientos de otro país con esa marca.

Además, si es un fotógrafo con el que ya he trabajado, cuesta menos, porque ya sé cómo es su ritmo. Pero si es nuevo cuesta más, porque no sé cuáles son sus

También los sándwiches, porque los ingredientes van montados unos sobre otros. ¿CON CUÁLES MARCAS HA TRABAJADO? Unilever, Pilsener, Sello de Oro, Buffalo Wings, NASH, Pollo Campero, CITI, Tropical, Pollo Indio, San Julián, Vitina, Ogilvy, Pizza Hut, Lido, Calvo, Puerco Rico, Íssima, Bimbo, Publicidad Comercial, entre otras.

¿LAS FOTOGRAFÍAS REQUIEREN DE UNA EDICIÓN O BASTA CON EL FOOD STYLING? El objetivo es que no se necesite de una edición, porque eso requiere más gasto.

Si contratas un food stylist y un buen fotógrafo, se supone que con eso debería bastar. ¿CUÁL ES SU OPINIÓN SOBRE LO QUE ALGUNOS LLAMARÍAN “PUBLICIDAD ENGAÑOSA” CON RESPECTO A LAS FOTOS QUE PUBLICAN VERSUS LO QUE EL CONSUMIDOR RECIBE? En mi experiencia, yo siempre le pregunto al cliente si quiere que exagere o solo maquille el producto y éste me dice que sí exagere el producto, así como sus acompañantes.

En otros casos me dicen que no, porque quieren que se respete la cantidad y el producto en sí. He notado que en el país eso sí se respeta. Son pocos los que exageran.

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LA FOTOGRAFร A ES UN CAMPO MUY AMPLIO Por: Marcela Juรกrez

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“La importancia de la fotografía en el periodismo es preponderante.

Se puede contar muchas cosas a través de imágenes.”

Giovanni Cuadra es catedrático de la ECC. Imparte la materia de Taller de Fotografía 1. Es un amante de la fotografía y hoy vive de algo que en su momento fue un hobby. Su mayor satisfacción es que le pagan por hacer algo que le gusta. Actualmente trabaja para diferentes empresas fotografiando bodas, bautizos, productos, producciones de video, y le gustaría aprender más en el área de fotos institucionales.

Aprendió a hacer fotos con una cámara de rollos porque iba a empezar a estudiar periodismo y siempre tuvo la facilidad de escribir. Por un breve momento guardó la cámara, y trabajó como operador en radio. Luego se desempeñó como productor en un estudio de grabación del Grupo Megavisión, donde hacía las cuñas para el canal y para las diferentes radios que posee el grupo, así como la grabación del noticiero para la radio. Trabajó en el diario Co Latino. Durante cinco años en La Prensa Gráfica fue editor web, y en una ONG impartió talleres de producción de videos con niños.

Según Giovanni, la importancia de la fotografía en el periodismo es preponderante. Podemos contar muchas cosas a través de imágenes, porque una fotografía puede describir un hecho mejor que mil palabras.

Durante su labor en el fotoperiodismo, a diario se ha visto en situaciones de riesgo. Giovanni nos cuenta su experiencia el 5 de julio de 2006, cuando una manifestación sobre el alza a la tarifa de energía y el pasaje de transporte público se convirtió en tragedia. En esa oportunidad, un individuo llamado Mario Belloso agredió a unos policías.

“Fue una protesta de estudiantes frente a la Universidad de El Salvador, en una balacera. Yo estaba casi en medio de todos los policías que estaban cayendo.

El relajo de que los iban trasladando, el gas que tiraban… No tengo las fotos que hubiese querido tomar, pero sí tomé las suficientes. Creo que la adrenalina nos hace cometer estupideces”.

Por último, el licenciado Cuadra aconseja: “Esfuércense por lo que quieren. No se limiten. Los únicos límites son los que nos ponemos en nuestra mente. Aprovechen de la experiencia de cada uno de los docentes de la escuela, sobre todo porque no todas las personas tienen acceso a la educación, y ya que lo tienen, aprovéchenlo y no dejen que nadie les diga que no pueden hacer algo. Simplemente crean que pueden hacer de todo y lo van a lograr.”

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Frederick Meza: Es graduado de la Licenciatura en Comunicación Social en la Universidad Centroamericana “José Simeón Cañas”. Ha trabajado en los periódicos digitales: El Faro, La Página y revista Factum. Actualmente trabaja en La Prensa Gráfica, en Breaking News y en su tiempo libre realiza temas de investigación y reportajes.

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ESTERO RÍO SAN DIEGO, LA LIBERTAD.

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Por: Marcela Juárez

DESNUDANDO CON LA FOTOGRAFÍA

“Creo que puedo desnudar a una persona en sus sentimientos, emociones, miradas, gestos y pensamientos con una fotografía”.

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SAN DIEGO, LA LIBERTAD.

Frederick Meza es un fotoperiodista con diez años de experiencia haciendo fotografía documental en torno a la violencia, a lo social, a lo cultural, a la política y otros temas.

Comenzó en el periodismo cuando se graduó de Comunicación Social. Siempre le gustó la investigación y temas que abordan al ser humano. Él miraba cómo los periodistas tenían una gran capacidad para abordar temáticas de la realidad nacional. También estudió Historia en la Universidad de El Salvador. Llevaba dos carreras a la par, porque quería complementar los vacíos que tiene el periodismo con la historia. Aprendió a hacer fotos por unas pasantías en El Faro.

Según Frederick, la fotografía en el periodismo es indispensable, ya que es más fácil fijar en la memoria una imagen, que muchas palabras. Por tanto, el conocido refrán: Una imagen vale más que mil palabras, no puede estar mejor dicho en este caso. Sin fotografía el periodismo estaría débil. Para él: “El roce humano que se tiene con la fotografía es muy íntimo. Creo que puedo desnudar a una persona en sus sentimientos, emociones, miradas, gestos y pensamientos con una fotografía”.

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En su labor como fotoperiodista, el suceso más impactante que ha fotografiado fue el de la tragedia de la colonia Málaga, en el año 2008, cuando un bus con feligreses de la iglesia ELIM fue arrastrado por la corriente del río Arenal en el barrio Santa Anita en San Salvador. Toda la cobertura del suceso resultó impactante para Frederick: ver el bus destruido, la búsqueda de las personas, los cuerpos en Medicina Legal y el velorio.

Otro hecho que lo ha marcado fue el incendio del bus de la ruta 47 en Mejicanos en el año 2010. Lo impactante de ver el bus, las personas quemándose y el olor de los quemados es lo que más recuerda.

Meza cuenta sobre la fotografía de su autoría que ha tenido más impacto social: “Lo mío ha sido en las redes sociales.

Tomé una fotografía de una escena de muertos en el Bulevar de Los Héroes.

Había un tipo que iba asaltando, le dispararon y quedó en el pavimento. Arriba del fallecido se encontraba una fiesta de niños que continuó por más de una hora. Fue diez mil veces compartida. Se generó una discusión en torno a como nosotros ya vemos normal la violencia”.

Por último, Frederick critica a algunos periódicos que están prescindiendo del servicio de los fotógrafos: “Hay periódicos que han eliminado la planta de fotógrafos, porque creen que con celulares inteligentes van a suplantar el trabajo del fotógrafo. Es decir, más que la fotografía, es el fotógrafo, porque una fotografía la puede hacer cualquiera con acceso a tecnología y ya se cree que es una foto periodística”.

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LA MUJER OREJA Por: Gerardo Castro

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Marcela Zamora es una periodista y documentalista que ha ganado premios en festivales a nivel internacional debido a sus proyectos de carácter social. Forma parte de la productora Kino Glaz, en la cual prepara sus futuros proyectos.

Marcela aprendió a ser creativa desde pequeña, ya que sus padres la educaron sin televisión, ni otras comodidades que son imprescindibles en la actualidad. Influenciada por sus tíos, Marcela aprendió a contar historias, recurso que le serviría años después para poder ser una documentalista de renombre internacional.

Después de estudiar periodismo, decidió ir a Cuba a estudiar cine documental en la Escuela Internacional de Cine y Televisión en San Antonio de los Baños. Ahí aprendió los insumos necesarios que le servirían para ganar diversos premios en festivales de cine a nivel internacional como el premio Amnistía Internacional (2015), el Premio de Documenta Centroamericano, por El cuarto de los huesos y el Premio del Público en el Festival de Cine de Costa Rica (2016), por Los Ofendidos, entre otros.

Para poder contar una historia primero hay que escuchar a los demás. Ella se define como una “mujer oreja” ya que le encanta escuchar la historia de los demás, este atributo le ha servido para contar historias como María en tierra de nadie, El cuarto de los huesos y Los ofendidos.

Marcela es una apasionada de su trabajo y del cine en general.

Ella enfatiza que para poder realizar buenos documentales “una tiene que estar totalmente enamorada de la historia que va a contar y jamás comprometerse con una historia que no nos motiva, ya que el resultado será mediocre.”

De igual manera, la fotografía influye enormemente en sus proyectos. Muchos principiantes en los documentales creen que estos se basan solamente en el contenido del proyecto, pero para la directora nicaragüense la composición del encuadre influye de gran manera. Según el encuadre e iluminación, los directores pueden transmitir emociones y es más fácil capturar la atención del público.

Ella prepara un documental durante dos o tres años para luego filmar por aproximadamente quince días. Esto nos da una idea de todo el proceso investigativo que conlleva un proyecto de tal magnitud. En este tiempo, ella escucha a los protagonistas de la historia por muchas horas, prepara los encuadres de cada escena que filmará para poder lograr una emoción en el espectador. La iluminación por sí sola nos cuenta otra historia, ya que, debido a como se ilumine una escena, se puede lograr un efecto triste o alegre.

Para poder manejar el lenguaje apropiado para las diferentes áreas del cine, Marcela nos invita a estudiar el mundo cinematográfico que es apasionante de principio a fin. Para poder realizar buenos documentales, ya sean cortos o largos, es necesario, entre otras cosas, inspirarse en otros directores y posteriormente agregarle el toque personal a la historia que vamos a contar.

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Por: Gerardo Castro Pósters por: Francois “Coco” Laso

En el país, la fotografía en el ámbito cinematográfico está en un proceso de evolución, en el cual se están sentando las bases que nos permitirán tener obras con buena dirección de arte.

¡Luces, cámara, acción!

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La fotografía, con una imagen, nos ayuda a inmortalizar en nuestra mente un momento o un suceso. Dependiendo de las técnicas utilizadas a la hora de tomar la fotografía, así será su calidad, y el efecto que dicha fotografía provocará en las personas que la vean. Igual pasa en el cine, cuando ya se ha construido el guion y se tiene claro cómo se quiere contar una escena, la fotografía juega un papel fundamental, ya que, dependiendo de los ángulos, de la iluminación y de la composición que se seleccionen, se puede transmitir sentimientos como miedo, alegría y soledad en los espectadores.

Según sea el efecto que se quiere transmitir al espectador, el director de fotografía se encargará de jugar con ángulos, contraluces, colores y composición de la escena para alcanzar los efectos deseados.

“Para que este arte evolucione al siguiente nivel en el país, necesitamos aprender a trabajar en

equipo. Pero por desgracia, en el país todos quieren ser los directores de los proyectos audiovisuales, pero nadie quiere ser un el director de fotografía, el guionista o inclusive el sonidista, que es donde más problemas tenemos en general”, menciona Ivonne Vásquez, guionista y documentalista salvadoreña.

El trabajo de los directores de fotografía es darle ese valor agregado a las escenas que hacen que una película pase de ser una cinta más, a una gran obra del séptimo arte.

Algunos de los directores de fotografía más famosos son Emmanuel Lubezki, Jack N. Green y John Alcott, que han trabajado con grandes directores de cine.

Tenemos que recordar que el cine adquiere su máxima expresión cuando la palabra y la imagen se fusionan creando una escena llena de vida. Para poder darle vida a la escena, los directores de fotografía utilizan un sinfín de trucos que hacen que los colores resalten. Por ejemplo, cuando se necesita una escena

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con lluvia, los directores de fotografía utilizan agua mezclada con leche para que las gotas sean más visibles o tubos de luz fluorescentes para que los colores se vean más vivos.

Estos trucos pueden ser aplicados a cualquier género y producción audiovisual, ya sea documental, comedia, drama o ficción.

Las películas y documentales compiten en diversos festivales para lograr adjudicarse el premio máximo al ser reconocidos como ganadores en sus respectivas categorías. A continuación mencionamos los nombres de algunos documentales que han ganado el premio a mejor dirección de fotografía: Yambo (2011, María Fernanda Restrepo Arismendi), Ellas (2007, Álvaro Muriel), Y en el centro de la tierra había fuego (2013, Bernhard Hetzenauer), Mete gol, gana (2013, Felipe Terán), Este maldito país (2008, Juan Martin Cueva), Afro, la voz de los tambores (2010, Álvaro Muriel) y Mejor que antes (2010, Andrés Barriga).

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Héctor Panameño actualmente se dedica a la fotografía profesional y trabaja en comunicación institucional en la empresa Delsur. Es graduado y docente de la ECC, donde imparte la cátedra de Fotografía Creativa.

Héctor

FOTOGRAFÍA DE ESTUDIO: BUSCANDO MEJORES RESULTADOS Por: Marcela Hasfura

Para Héctor, la fotografía de estudio es un lugar designado con luces artificiales y nuevos retos por lograr: “Para mí, la fotografía de estudio es cuando ya aprendiste a usar tu cámara, ya aprendiste a usar la luz ambiente que tienes cerca de ti y ahora estás buscando algo más: buscas mejores resultados y comienzas a utilizar luces artificiales”.

Según Héctor, para lograr buenas fotografías es indispensable contar con ciertos elementos básicos como una buena cámara, un buen lente, tener buenos modelos (si son personas), si son productos o fotografías publicitarias, armar un buen set, maquillar el producto, la ubicación y la composición.

En cuanto al estudio, entre más grande sea, es mejor, puesto que se tiene la libertad de incluir a más personas, como por ejemplo asistentes. También es importante contar con más espacio para realizar distintas tomas. Sin embargo, esto no quiere decir que un estudio pequeño sea malo, “El espacio no debe limitar las ideas que tú tengas para plasmarlas”, recalca.

En fotografía de estudio, la iluminación lo es todo. Existen varios tipos de iluminación como la Rembrandt, iluminación mariposa, espectral, dramática, angelical, sándwich. Estos tipos de iluminación son los más comunes. El licenciado menciona que “al final la posición en que tú pongas las luces no tiene ni siquiera un nombre. Puede ser que tú la hayas pensado diferente que otro fotógrafo”.

El mejor lente que se puede utilizar en un estudio va a depender del equipo de cámara que se esté utilizando. “Yo utilizo un 50 mm para hacer fotografía de estudio en retratos. Ese pienso que es el adecuado”

ALGUNOS ELEMENTOS EN LA FOTOGRAFÍA DE ESTUDIO: Pantallas negras: Aabsorben la luz. “Si yo quiero que en una parte de mi modelo llegue menos luz, yo pongo una pantalla negra y eso lo que hace es absorber la luz en lugar de rebotarla como lo hace el blanco”, dice Panameño.

Sombrillas blancas y plateadas: La sombrilla blanca es una sombrilla traslúcida que hace pasar la luz por medio de ella y llega al modelo de una manera más suave, y la sombrilla plateada, al contrario, lo que hace es rebotar la luz.

El fondo sin fin: Sirve para que no se vea una línea al fondo, sino que se vea completamiente limpio, como un infinito.

CONSEJOS PARA TOMAR FOTOGRAFÍA DE ESTUDIO: 1. Debes manejar bien la luz natural porque esa es la base 2. Nunca dejar de aprender. Si te estancas y piensas que ya lo aprendiste todo, ahí dejaste de ser fotógrafo. Cada día tienes que buscar algo nuevo.

3. No dejar de tomar fotos.

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Su padre es también fotógrafo. Sin embargo, la fotografía no era parte de sus intereses.

Su pasión por la fotografía surgió inesperadamente.

TRAZANDO NUEVOS CAMINOS Y OPORTUNIDADES Por: Raquel Hernández

Fue hasta el último año de bachillerato que consideró un buen gesto de su parte hacer un video para sus compañeros.

Al filmar esto, se dio cuenta de la importancia de captar momentos significativos en su vida, momentos que no volverían a ocurrir.

A los 18 años, el interés por la fotografía aumentó.

Para hacer retratos, Raquel considera esencial capturar el momento idóneo. Es decir, cuando el protagonista de la foto se encuentre en su propio entorno y actúe sin alterar su forma de ser y pensar para capturar la esencia REAL de las personas.

Sin embargo, aún estaba en la categoría de pasatiempo. Por el contrario, los audiovisuales sí eran de su interés, siendo un motivo de peso para comenzar sus estudios en la ECC.

1. Ambientación natural, dependiendo también de la naturaleza del individuo.

2. Imágenes no sobrecargadas, y en las que el elemento principal sea el sujeto.

3. Movimiento en las imágenes. Se caracteriza por agregar movimiento a sus fotografías, ya sea en el cabello, vestuario, o pasos del modelo.

4. Le gusta usar más la luz natural que artificial.

Al cursar la materia de Fotografía 1 notó que tomar su cámara y hacer fotografías formaba parte de sus gustos, sobre todo el uso de técnicas como el light painting, técnica que, de hecho, ejerce especial fascinación en ella. Fue su docente de ese entonces, el licenciado Cuadra, quien le ayudó a descubrir su pasión por la fotografía.

Posteriormente, se interesó también por la fotografía de retrato, que simboliza para Raquel la representación de variadas situaciones y emociones fusionadas en una sola imagen. Le atrae de este tipo de fotografía, la capacidad de exteriorizar sentimientos, sensaciones, y también a través de estas imágenes poder contar historias.

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Su estilo fotográfico se basa en cuatro aspectos:

A futuro, esta joven fotógrafa planea continuar ejerciendo y aprendiendo aún más sobre la fotografía, y también dedicarse a otras áreas de las comunicaciones que le atraen, como la publicidad y la producción audiovisual.

Por último, Raquel Golscher resume en una sola palabra su consejo para quienes desean dedicarse a la fotografía: PRÁCTICA.

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Raquel Golscher Edad: 20 años Ciclo: 7 Trabajo actual: -Fotógrafa oficial en Our Favorite Style.

Sus fotografías se han publicado en revistas como Ella de LPG y ha tenido la oportunidad asistir a eventos como la Semana de la Moda en Panamá.

-Trabaja con varias marcas y blogueros.

-Freelancer 27

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A sus quince años de edad, Fernando García, conocido por su seudónimo Stricker, ya es un referente en fotografía.

Es, sin duda, un talento joven que tiene mucho por ofrecer.

STRICKER LA NUEVA GENERACIÓN DE FOTÓGRAFOS Por: Raquel Hernández

Descubrir nuevas cosas, conocer lugares y personas fueron algunas de las motivaciones que llevaron a Stricker a tomar fotografías desde muy temprana edad.

Más adelante comprendió que no se trataba solamente de esto. Es también mostrar lo admirable que hay en la tierra, la narración de historias a través de imágenes y expresarse sin necesidad de usar palabras.

Este joven de nacionalidad guatemalteca realizó estudios básicos de fotografía en la academia LA FOTOTECA en Guatemala, sin dejar de lado sus estudios de educación básica. De momento, la fotografía es una de sus mayores aficiones, sin embargo es consciente de sus responsabilidades en los estudios, por lo que divide su tiempo entre clases durante las mañanas y fotografías por las tardes o fines de semana.

El tiempo dedicado a la fotografía también es amplio, ya que va más allá de hacer sesiones. Stricker aprende constantemente sobre el tema. Planea sus trabajos y cuando los tiene listos se dedica también a la edición, actividad que consume la mayor parte de su tiempo, porque para él es esencial dar especial atención a cada uno de los detalles de sus fotos.

Stricker considera que su estilo fotográfico es temperamental, debido a que, al retratar personas, capta diferentes cambios de humor y sentimientos, mismos que definen a quienes fotografía; además, utiliza colores cálidos como un distintivo propio.

Diane Villadsen y Marcos Alberca son algunos de los fotógrafos a los que Stricker admira y con los que también se identifica. A estos fotógrafos de renombre los une la característica primordial tratándose de fotografía de retrato: poseen la capacidad de contar historias según sea la persona a la que fotografíen, tomando en cuenta también la ambientación y colores para que todo concuerde y transmita un fin específico. Stricker se une a esta filosofía y lo demuestra en su trabajo, con el que transmite sensaciones y emociones con respecto a las historias de cada una de sus fotografías.

A su corta edad, Stricker posee una amplia experiencia en la fotografía. Gracias a ello, ha logrado realizar diferentes proyectos personales, trabajar junto a marcas reconocidas y conocer nuevos lugares y personas. Ejemplo de ello ha sido su colaboración con Little Viejo, a quien fotografió recientemente.

Uno de sus anhelos es continuar instruyéndose, realizar más cursos fotográficos y seguir trabajando en lo que le apasiona, así poder cumplir uno de sus anhelos, que es el de fundar su propio estudio de fotografía.

Actualmente, este joven de quince años es considerado un referente en fotografía, título que nunca imaginó tener, sin embargo, con esfuerzo, paciencia y dando lo mejor de sí mismo, ha logrado posicionar su nombre y su trabajo, que sin duda continuará ascendiendo y dando altas expectativas para el futuro.

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Fotógrafo y productor multimedia de moda, instructor de la cátedra de Fotografía 1 y 2 desde el 2010.

Roth FOTOGRAFÍA DE MODA: EL LADO ARTÍSTICO DE LA FOTOGRAFÍA EN EL SALVADOR Por: Carolina Menéndez

Francisco Najarro, mejor conocido en el mundo fotográfico como Franco Roth, es un joven egresado de la Escuela de Ciencias de la Comunicación que actualmente se desempeña como productor multimedia en eventos de moda.

Una Canon XS fue su primera cámara: la principal testigo del inicio de una gran pasión. Además, recuerda sus años como estudiante en la ECC, a la que llegó sin ninguna intención de convertirse en fotógrafo. Sin embargo, la dedicación y amor al arte que notó en su catedrático despertó su deseo por emprender su propio camino.

“Con el licenciado Ernesto Tejada aprendimos la base de la fotografía, pero lo más valioso que aprendí de él fue el amor al arte y la pasión que nos transmitía... Eso despertó en nosotros el deseo de seguir por ese camino”.

Fue hasta 2012, cuando gracias a la invitación de unas amigas blogueras (actualmente, Las Molinas: uno de los más importantes blogs de moda), Franco acudió a un evento en el que se dio cuenta de lo fascinante que era ese mundo.

“Me gusta la fotografía de moda porque te da la libertad de trabajar con tu estilo y expresarte… La moda te permite sacar un lado artístico de la fotografía acá en El Salvador”.

La fotografía también le ha dado la oportunidad de viajar y conocer nuevas culturas, pues ha participado en los Mercedes Benz Fashion Weeks de Guatemala y de Panamá.

Asimismo, está invitado al de Puerto Rico y espera pronto participar en los de Milán y Corea.

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En cuanto a la utilización de técnicas de edición, Franco establece una comparación:

Algunas de sus recomendaciones para llegar a consolidarte como un buen fotógrafo son:

“Yo comparo esto con el trabajo de un carpintero, porque este puede armar una silla de madera, la deja en bruto y ya funciona, pero parte del estilo del carpintero es darle el acabado: que tenga adornos y brillos. En la fotografía es igual, vos tenés la foto que salió de tu cámara como el producto en bruto. Después, vos le das el acabado final (la edición) y eso le da tu estilo”.

1. Documentarte: tener influencia de otros fotógrafos y pintores para crear tu propio estilo.

2. Profesionalismo: conocer técnicas, pero, sobre todo, tener pasión y divertirte.

3. Una buena composición, buen manejo de la luz y de los colores.

4. El contenido: para mí, una buena foto es aquella que hace que el espectador sienta algo.

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“Creo que la moda es la versión más artística de la publicidad” Por: Heather García

La moda te da una gran serie de licencias que te permite experimentar con innumerables recursos, pero, a fin de cuentas, estás vendiendo un producto, estás vendiendo ropa o accesorios.

Roberto Molina es egresado de la Escuela de Ciencias de la Comunicación. +plus conversó con él sobre su faceta profesional de fotógrafo de modas.

1. ¿En qué momento de su vida se dio cuenta de que le gustaba la fotografía?

Fue hace cuatro años, justo antes de entrar a la materia de Fotografía 1. Mi familia, al saber que llevaría una materia de fotografía en mi carrera, decidió comprarme una cámara DSLR. Ha sido de los mejores regalos que alguien ha podido darme en la vida.

2. ¿Cuál fue el estilo de sus primeras fotografías?

Antes de la fotografía me encantaba la pintura. Siempre me gustó mucho la estética de los pintores flamencos y de los pintores barrocos, así que en mis primeras fotografías jugaba mucho con el claroscuro.

3. ¿Cómo le ha ayudado lo aprendido en la ECC sobre fotografía ahora en su labor profesional?

Pues definitivamente ha sido la base de mi descubrimiento en el mundo fotográfico. Le estoy inmensamente agradecido a la Escuela de Comunicaciones por permitirme experimentar diversas ramas de esta carrera, porque pasé por varias materias que me encantaron, como Publicidad, Redacción, Taller de Expresión Plástica, Radio, Televisión, pero fue en fotografía que encontré la inspiración que necesitaba en mi vida.

4. ¿Hay otra área de la fotografía en la que le gustaría desarrollarse?

Ahora que me estoy desenvolviendo un poco más en el mundo editorial y periodístico, me gustaría incurrir en la fotografía documental.

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Igualmente, quisiera encontrar una forma de integrarlo a la moda, que es mi pasión.

5. ¿Qué es lo más difícil de las fotografías de moda?

Creo que lo más difícil es la parte de la conceptualización. El fotógrafo tiene voz en la parte de la conceptualización de una producción de moda, desde su propuesta compositiva, la luz y, a veces, he tenido la oportunidad de proponer el desarrollo completo de las producciones de moda.

6. ¿Tiene algún ritual o algo que haga antes de una sesión fotográfica?

Pues tengo varios. En mis proyectos más complicados siempre busco inspiración. Busco fotógrafos que sean buenos en la técnica que voy a utilizar en la sesión, e intento ver su trabajo mientras escucho música. Cuando de verdad pienso que es un proyecto muy demandante, me detengo a rezar antes de dormir, pidiendo que todo salga bien al siguiente día.

7¿Cuáles son sus planes a futuro en su vida profesional?

Gracias a Dios he tenido la oportunidad de comenzar a hacer proyectos como director. He hecho un par de anuncios comerciales para un par de marcas nacionales y creo que quiero caminar hacia esa dirección.

Me gustaría hacer cine y, de alguna manera, mezclarlo con la moda. Hace poco realicé mi primer fashion short film, llamado “Corabro”, para la marca de ropa A.H.C. by Alejandro Handal.

8. ¿Ha trabajado con modelos internacionales? ¿Cuál ha sido la modelo más famosa?

Zoe Polson, una modelo canadiense que vive en Costa Rica, con la que he trabajado, ha estado en varias pasarelas de Europa. Elena Hidalgo, otra de las modelos ticas con las que he trabajado, ha sido portada de revistas como Vogue México y ha estado en pasarelas de marcas como “Miu Miu” y otras marcas de ropa y accesorios que son bastante fuertes en la industria.

9. ¿Con qué marcas ha realizado proyectos internacionales?

Pues uno de los principales proyectos que he realizado (y uno de los que más me ha emocionado) en cuanto a moda, ha sido realizar la campaña de lanzamiento del Samsung S6. Este proyecto fue principalmente significativo para mí, porque fue la primera vez que Samsung producía una campaña en El Salvador. Para el lanzamiento mundial se tomaron alrededor de veinticinco países del mundo, en los cuales se elegía un fotógrafo de moda y se realizaba un editorial. Al mismo tiempo que yo hacía la campaña de El Salvador, en Estados Unidos Mario Testino, uno de los fotógrafos que yo admiro, realizaba la misma campaña para ese país. Creo que ser parte de eso fue totalmente increíble para mí.

10. ¿Cuál es el lugar más lejano donde ha llegado un trabajo suyo?

Pues creo que han sido dos veces: La primera fue para el showroom “Azules”, una exposición de moda que realizó el Ministerio de Relaciones Exteriores en Italia. En la exposición se mostró el trabajo de varios diseñadores nacionales y tuve el honor de ser el encargado de crear las fotografías oficiales de la exposición, las cuales se exhibieron en el Palacio Real de Visconti, en Milán, junto a las prendas de los diseñadores.

La segunda fue en el lanzamiento de la colección de Glaudi by Johana Hernández, que fue realizada en Hollywood, evento al que asistieron varias celebridades estadounidenses y mexicanas. Realmente, me sorprendió al ver las fotografías del evento, que fue realizado en Hollywood, pues había varias celebridades y el lugar estaba tapizado con mis fotografías. Fue bien chistoso.

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Consejos para fotografía de pasarela y street style Por: Mimi Alas

Con su cámara ha retratado a importantes modelos salvadoreñas y ha asistido a pasarelas como Kaleidoscopio y Mercedes Benz Fashion Week.

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Ángel Hernández es docente en la Escuela de Ciencias de la Comunicación. Imparte la cátedra de Fotografía 2 y es parte del equipo de uno de los blogs de moda más importantes a nivel regional: Las Molinas. En esta edición, te presentamos algunos consejos que este talento de la fotografía nos comparte para que puedas lograr increíbles fotos en pasarelas o del tipo Street style (callejera).

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-Para pasarelas, usa un telefoto, de preferencia que sea zoom (un 70-200 mm es ideal), y de esta manera podrás lograr tanto encuadres amplios como cerrados, por la versatilidad de dicho objetivo.

-Para las personas que tiene blogs de moda o desean iniciar uno, aparte de fotografías de calidad, es recomendable tener planos generales y detalles, para que de esta manera se pueda apreciar el vestuario en su totalidad.

-La iluminación en una pasarela puede variar, pero si se tiene la luz más propicia, puedes usar un ISO de 1600, una velocidad de 1/250 y una abertura de 5.6 para tener definición.

-Para lograr una buena fotografía estilo Street style es necesario un buen enfoque, buena iluminación y creatividad en cuanto ángulos.

-Para el efecto de movimiento en la pasarela o en la calle, al fotografiar Street style, es recomendable usar el modo de disparo Al Servo para tener un enfoque en seguimiento.

-Para las pasarelas y eventos de moda nocturnos es recomendable usar un ISO alto, desde 1600 hasta 4000, lo cual permite que haya buena luz y usar una velocidad alta para poder congelar y evitar movimientos en la imagen.

-En El Salvador busca lugares abiertos para la toma de fotografías de moda, ya que de esta manera se hace uso de poca profundidad de campo y se destaca el modelo, separándolo del fondo.

-No dejes de buscar inspiración e ideas en Internet y aprender más en tutoriales.

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FOTOPERIODISTA DE LA GUERRA CIVIL EN EL SALVADOR Francisco Campos es fotoperiodista y actualmente trabaja para El Diario de Hoy. Ha sido ampliamente reconocido por sus coberturas en los años ochenta. A través de sus fotografías capturó momentos y sucesos históricos que se volvieron noticia durante la guerra civil en El Salvador.

Desde aquel entonces es parte de la base de Comandos de Salvamento como socorrista, lo cual lo motivó aún más al fotoperiodismo, ya que, según Campos, al estar en el lugar de los hechos, tenía mayor y mejor acceso para documentar los efectos de la guerra.

Durante el conflicto armado realizó coberturas y reportajes para Diario El Mundo y fue corresponsal sobre la línea de fuego para varios medios escritos internacionales.

Dentro de las situaciones que más han marcado su vida están la llamada ofensiva final, en 1989, puesto que, en esa época, uno de sus compañeros, quien arriesgándose para capturar sin censura los sucesos y noticias que pocos se atrevían a contar, lamentamente perdió la vida.

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Aero

LA EMPRESA QUE ESTÁ EN LAS GRANDES LIGAS DEL UNIVERSO DRON Por Daniel Navas

Luis y Alejandra Martel son una pareja visionaria que incursionó en el mercado de los drones, su afán por capturar imágenes desde otra perspectiva los llevó a consolidar a “AERO” como una empresa que proporciona servicios de toma de fotografía y grabación video aéreo profesional. Hoy conoceremos un poco de ellos y de su negocio. ¿CÓMO SURGIÓ LA IDEA DE CREAR UNA EMPRESA ESPECIALIZADA EN DRONES? Luis: Siempre me han gustado los helicópteros a control remoto y a mi esposa, la fotografía. De ahí surgió la idea de unir ambas cosas. Tenía un helicóptero a gasolina y le adaptamos la cámara. Servía para foto, pero no para video porque hace cinco años esa tecnología no estaba muy desarrollada. Después nos enteramos de que ya habían salido los drones y gracias a mi esposa me apasioné por ellos.

¿QUÉ DIFERENCIA A AERO FILMS? Alejandra: La diferencia con otras empresas es la variedad de drones que tenemos. Para hacer anuncios, las productoras nos buscan por los dispositivos de vuelo profesionales para montar una cámara de cualquier peso y que pueda tomar fotografías en el aire, como las Panasonic Lumix e incluso cámaras RED que graban en RAW. Le damos gusto a la petición del cliente. ¿CON QUÉ MARCAS HAN TRABAJADO? Luis: Hemos trabajado con Tripode, Mad House, Imagen TV, CEL, gasolinera UNO, Aeroman, seguros SURA, algunos bancos. En Honduras hemos realizado trabajos para turismo, y también trabajamos para empresas en otros países como Guatemala y Colombia. ¿QUÉ VENTAJAS OFRECE LA FOTOGRAFÍA AÉREA? Alejandra: Pues que todo lo visto desde el cielo se ve mucho mejor. Te das cuenta de que los diferentes ángulos y niveles de altura a los que volás te muestran una perspectiva diferente. Con el Inspire (modelo de dron) desde la Tablet podés ver la imagen, cambiar los filtros, el ISO, etc. Con otros sí hay que bajar la cámara para configurarla. ¿CUÁL ES EL MEJOR DRON QUE POSEEN? Son dos. Está el Aeronavics SkyJib 8 y el Kopterworx x8. ¿DE QUÉ SON CAPACES? El Aeronavics es capaz de levantar treinta libras. Y el Kopterworx hasta cuarenta libras que se distribuyen entre el Gimbal (estabilizador), batería y cámara. Son la mejor inversión que hemos hecho. Han volado en condiciones de vientos y polvo que ni te imaginás. Un Phantom se lo hubiera llevado. ¿CUÁL HA SIDO SU TRABAJO MÁS INTERESANTE? El de la construcción del nuevo hangar de Aeroman en el Aeropuerto Internacional de El Salvador. Fue en el 2015 y ha sido el trabajo más interesante y el más dificultoso también, sobre todo por las condiciones polvosas y los aparatos, que son delicados. El polvo es su peor enemigo. Había que limpiar todo el equipo al volver de cada visita. Íbamos tres veces a la semana por nueve meses que duró el proyecto. Hicimos una secuencia de toda la construcción. Fue gratificante: por medio de la producción, los constructores lograron ver errores que tenían. Una de nuestras cámaras murió de tantos disparos y por el polvo.

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LA IMAGEN LA CREA EL FOTÓGRAFO. LA CÁMARA SOLO DISPARA Por Diego Mejía

Uno de los recuerdos más potentes que tiene el licenciado Tejada es el arte y las emociones utilizadas al momento de disparar con la cámara. “Antes uno prestaba una atención bárbara antes de apretar el botón. Eso se perdió”, menciona. Sin embargo, la tecnología, afirma: “ha llegado a facilitar el trabajo del fotógrafo profesional, pero a volver ignorante a la persona que está empezando porque no posee el conocimiento de los inicios de la fotografía: Pierde información y se acostumbra a que el aparato le dará toda la información sin que sepa lo que está sucediendo”.

La atención en la toma de la fotografía es lo que más le preocupa. “La atención se ha perdido de la fotografía”, afirma. “Ahora una persona puede tomar bastantes fotografías y, si no le gustan, toma otra.” Ahora las personas se han acomodado porque tienen la tecnología a su favor, pues la ventaja de tener una memoria para guardar todas las fotografías hace que el fotógrafo pueda tomar una gran cantidad de imágenes. Antes el fotógrafo debía realizar un proceso largo para tomar la fotografía.

Sin embargo, lo que más le tomaba tiempo era el proceso para revelar la imagen y poderla observar.

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EL PROCESO DE REVELADO Una de las mejores experiencias que el licenciado Tejada tuvo la oportunidad de vivir fue el revelado de las imágenes. Comenta que primero se debía sacar el rollo de la cámara y enrollar en un carrete de revelado. Había que hacer esto en una habitación completamente oscura. Todo se hacía utilizando el tacto y el oído. “Comprendía a los ciegos porque era oír y sentir”.

Tanques y carretes del revelador

Cuando se enrollaba la foto o película y se metía al tanque, ya se podía tener luz para poner los químicos a la imagen. Eran tres pasos. Primero se revelaba, luego se lavaba y por último se fijaba. Una vez se realizaba ese proceso, se trasladaba a la máquina ampliadora para determinar el tamaño de la fotografía.

El proceso tardaba alrededor de una hora. Normalmente el revelador de película y fijador eran marca Ilford. El papel era Multigrade. El revelador era ID-11 y el fijador era marca Rapid Fixer.

¿CÓMO IMPARTÍAN LAS CLASES EN SUS PRIMEROS AÑOS? Era una manera muy divertida. Los estudiantes del licenciado iban a RAF a pedir películas que ya no funcionaban para poderlas utilizar como ejemplo de cátedra. Realizaban el proceso para revelar la fotografía. “Un fotógrafo con experiencia se tarda un minuto, pero los estudiantes se tardaban cuarenta y cinco minutos. Los demás tenían que esperar todo ese tiempo. Era divertido. Traíamos música para estar relajados”. El revelado de imágenes es lo que más extraña. Todo momento tiene su final.

La tecnología ha llegado y ha superado lo que una vez fue la mejor sensación de los fotógrafos.

Papel para revelar

COMPARACIÓN DE CÁMARAS DE ANTES Y LAS DE AHORA 1. Antes tenías un respaldo físico. Ahora uno electrónico.

2. Hasta el momento, la calidad de las sales de plata no te la da ningún sensor electrónico para hacer fotografías en blanco y negro.

3. Antes no se necesitaba baterías. No se arruinaba tan fácil. Y, si se arruinaba, era fácil de arreglar. Ahora que son dispositivos electrónicos son más difíciles de reparar y más fáciles de averiar.

4. Antes las cámaras podían disparar infinitamente. Ahora, con la inclusión del sensor, existe un promedio establecido de disparos. Son alrededor de cien mil. Cuando se acaban, la cámara ya no puede tomar fotografías.

5. Antes se gastaba mucho dinero para comprar los rollos.

Existían rollos de 12, 24 y 36 fotos por rollo.

6. Antes se necesitaba un cuarto oscuro para ver las fotografías.

Ahora se pueden ver con comodidad en una pantalla digital.

Instrumentos para revelar

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Saúl

DRONES 101 CON

Por Daniel Navas

El joven empresario explica los elementos básicos de un dron. Conoce más sobre este tema en boca de nuestro estudiante de la ECC.

¿QUÉ TECNOLOGÍA ESTÁ DETRÁS DE UN DRON?

¿A QUÉ DISTANCIA PUEDE VOLAR UN DRON?

“Mejor dicho, ¿qué tecnología no está detrás de un dron?” Tiene desde un procesador de computadora a un giroscopio, acelerómetros, motores, fibra de carbono, cámaras… El cerebro del dron que manda pulsos electromagnéticos.

En el área paracentral de ochocientos a novecientos metros de altura, pero los básicos llegan a quinientos metros, o a dos kilómetros a lo largo.

¿CÓMO SE MANEJA UN DRON? Primero hay que saber el tipo y la categoría del dron. La básica son cuatro motores controlados por una placa, un cerebro y un control. La segunda es intermedia, cuatro o seis motores guiados por dos controles. Uno es para la cámara y otro para el vuelo. Luego está la avanzada desde los ocho hasta doce motores.

Cada uno tiene una hélice inversa a las agujas del reloj. Con los más complejos se utiliza un control que maneja al dron y con otro a la cámara. ¿CUÁNTO TIEMPO ES CAPAZ DE VOLAR UN DRON? Varía según las condiciones climáticas. Te puede durar entre diecisiete o dieciocho minutos. Veintitrés minutos es el máximo de carga de la batería, pero no te garantiza que el dron vuelva a ti. ¿QUÉ USOS TIENE EL DRON EN LA ACTUALIDAD? Usos de seguridad, agrícolas, para revisar los sembradíos y la erosión de la tierra con cámaras térmicas. Las empresas de energía lo usan para no poner en riesgo al personal. Para comerciales, turismo y publicidad.

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ÚLTIMOS AVANCES. El Gimbal. Es un estabilizador que utiliza su propio sistema, pero se controla con el dron. Interpreta los datos y permite que las imágenes no se muevan. Estos están compuestos por tres motores.

Intel lanzó el primer dron con la capacidad de ver en tiempo real lo que está enfrente por medio de una señal 3D que marca los obstáculos que pueda encontrar el aparato. Unos sensores lanzan un láser para evitarlos. Por último, la mayor resolución y mayor fuerza en los motores. Estos dispositivos también se han utilizado como armas. Quieren descubrir qué más cosas pueden hacer. ¿QUÉ FUTURO DEPARA A LA TECNOLOGÍA DRON? Se volverán parte de nuestras vidas. Nos facilitarán ciertas tareas en el futuro. ¿QUÉ DRON RECOMIENDA PARA UN PRINCIPIANTE? Un DJI Phantom. Es como ir al McDonald’s. Sabes que existen en todo país y en todos lados. Yuneec Typhoon también.

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CUIDADOS DE UN DRON

DRONES SEGÚN GAMA Y SUS PRECIOS

-No mojarlo -No golpearlo.

-No ponerlo cerca de otros dispositivos electrónicos.

-Protegerlo con un estuche.

-Darle una limpieza correcta cada dos vuelos y alejarlo del polvo.

-Hacer la comprobación de las hélices y la brújula.

-Se tienen que calibrar.

-Nunca volar el dron con personas abajo.

-De la básica están el DJI Phantom y el Maverick S800 y S1000.

-Entre $500 el precio para un dron.

-De la gama media el Tarot, que ronda entre los $2000 y los $3000.

-Por último los Ferrari de los drones: El FreeFly Systems, los más avanzados que cuestan entre $18 000 y $30 000.

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Contacto: Facebook. Uplift Films Instagram. @upliftfilms Correo electrรณnico. info@uplift-films.com 46

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Aparicio FOTOGRAFÍA AÉREA: UNA PERSPECTIVA DIFERENTE Por: Diego Mejía

Comenzó su pasión en 2015 cuando recién se conocían los drones. “Decidí comprar uno para mi GoPro para cambiar un poco el estilo de mis fotos y sacarlas más chivas”. Ricardo quería saber cómo se verían las fotografías desde una perspectiva diferente, ver el mundo de una nueva forma. Los drones comenzaron siendo un pasatiempo. Sin embargo, cuando se dio cuenta de que muchas personas se comunicaban con él y le preguntaban por su arte, decidió hacer de esto su propio negocio: Uplift Films.

Ricardo prefiere las fotografías aéreas de playas, fincas y la ciudad. Prefiere capturar imágenes de día. “Salen mejor las fotos de día. De noche cuesta más”, comenta. No obstante, existen drones que ayudan a mejorar la iluminación, el sensor de la cámara es más grande y vienen con lentes intercambiables. Si usted quiere tomar fotos de noche, prefiera los partidos de fútbol en estadios iluminados. Los centros comerciales también han sido parte de su trabajo.

La fotografía aérea tiene sus pros y sus contras. “Es otra onda”, lo cataloga. Aparicio reconoce que mucha gente desea un dron por la riqueza que contiene la fotografía aérea, pero recalca que se necesita ser cuidadoso con estos aparatos.

Si no se saben utilizar o no se leen bien las indicaciones, pueden ser peligroso.

El alcance de algunos drones, como el de Ricardo, es de quinientos metros de altura y pueden ser controlado hasta a tres mil metros de distancia del operador.

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Los secretos de la fotografía con celular POR DANIEL NAVAS / UNSPLASH La constante innovación en tecnología de las cámaras de los celulares permite obtener fotografías cada vez mejores. Te presentamos algunos tips que te ayudarán a sacarle mejor provecho a la tecnología.

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LAS CÁMARAS EN LA ECC

Seguramente en más de una ocasión habrás presenciado un momento interesante, fugaz y digno de una fotografía, y cuando has sacado tu cámara, aún sin programar, el suceso ha terminado y perdiste la oportunidad de realizar una buena captura. Llegó la hora de tomar la cámara de tu celular.

El estudiante promedio de la ECC posee su propia cámara fotográfica y prefiriere la marca Canon.

1. Utiliza el modo pro, avanzado o también conocido como modo manual.

Muchos celulares actuales ya traen consigo un modo que te permite cambiar valores como la obturación, el diafragma, el balance de blancos y el ISO. Su interfaz es mucho más fácil, por lo que no tienes que presionar infinidad de botones para conseguir una foto bien expuesta. Basta con que utilices dos dedos y encuadres bien a tu sujeto.

2. ¿Quieres hacer foto acuática y no tienes una GoPro? Un vaso es la solución.

Activa el temporizador de tu cámara y ponlo en 10 segundos. Consigue un vaso de cristal transparente lo suficientemente grande e introduce tu celular. Busca una piscina, un río o cualquier lugar donde quieras hacer la fotografía.

Sostén el vaso y sumérgelo entre un 50% y un 70% y haz la captura.

3. Las fotografías macro no son exclusivas de cámaras profesionales. ¿Ves un insecto extraño que merezca una buena foto? Podrías comprar lentes macro para celular, pero aquí tienes una alternativa más barata: solo coloca una muy pequeña gota de agua en el lente de la cámara. Su tamaño permitirá que se sostenga incluso cuando gires el móvil. Te acercas al sujeto y disparas. La gota actuará como un increíble lente macro.

4. ¿Fotos artísticas?

Aquí te va un truco que el mismo Photoshop envidiaría: Activa el modo de foto panorámica. Busca un campo abierto y pídele ayuda a alguien para que haga la fotografía.

POR PAOLA CAMILOT Y DAMARIS GIRÓN Una de las asignaturas más esperadas en cursar por parte de los estudiantes es: Taller de Fotografía. matías plus desarrolló un sondeo para conocer las preferencias de los estudiantes de la ECC en cuanto a marcas de cámaras fotográficas y modelos.

Posa frente a la cámara mientras la persona que te ayuda hace el paneo respectivo de la foto. Menciónale que haga una pausa entre cada captura y en ese tiempo muévete hacia un lado y haz otra pose.

Repite el proceso hasta que la panorámica esté completa y tendrás una imagen con muchas copias tuyas.

5. ¿Necesitas un filtro?

Quítate las gafas de sol.

Si tienes problemas con el cielo por estar demasiado iluminado, o quieres simplemente realizar efectos interesantes, solo tienes que utilizar las gafas de sol que te pones en esos días calurosos. Pon uno de los cristales frente al lente de tu cámara móvil y haz fotos creativas, rápidas y sin gastar un centavo.

Se encuestaron 219 estudiantes activos para el ciclo 01-2017, de una población total de 463 alumnos, los cuales están comprendidos en los ciclos 4° al 10°.

Se seleccionaron estos ciclos en específico, dado que era de interés para el estudio captar a aquellos estudiantes que estuvieran cursando o que ya hayan cursado las asignaturas de Taller de Fotografía 1 o Taller de Fotografía 2.

El cálculo de la muestra se hizo a través del muestreo aleatorio simple, utilizando la fórmula para población finita.

PERFIL DEL ESTUDIANTE (según los resultados del estudio): -Hombre -De 5 ciclo -21 años de edad -Posee cámara fotográfica propia -Marca: Canon, Modelo: T5 -Adquirió esta cámara por su costo y por recomendaciones de conocidos.

HALLAZGOS GENERALES DEL ESTUDIO: 1. Marca preferida en general: Canon 2. Se considera que esta marca es más económica, posee más accesorios, es más resistente a caídas, posee mejor calidad de imagen, es de fácil manejo y tiene mejores especificadores técnicas.

3. El 50% de los encuestados estaría dispuesto a probar otra marca distinta a la de su preferencia, siempre y cuando ésta nueva marca ofrezca mejor calidad de imagen que la marca actual. ¿QUÉ BUSCAN LOS ESTUDIANTES DE LA ECC EN UNA CÁMARA?

CALIDAD

RANGO DE ABERTURAS

PANTALLA HD

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Los otros La fotografía sociodocumental permite al profesional dedicar días, meses y años a la captura de imágenes que testifican las situaciones vividas por un grupo en particular.

Estas fotografías invitan al espectador a reflexionar sobre las historias plasmadas.

POR SILVIA CALLEJAS La fotografía sociodocumental permite al profesional dedicar días, meses y años a la captura de imágenes que testifican las situaciones vividas por un grupo en particular. Estas fotografías invitan al espectador a reflexionar sobre las historias plasmadas.

Cada día es más común encontrarse en los pasillos de la ECC a parejas o grupos de jóvenes posando para tomarse un selfie, imagen que luego es editada entre ellos por medio del uso del mejor filtro, ya sea para resaltar su belleza o brindar un toque de humor a la fotografía, agregando mensajes sobre ella e incluso stickers. Una vez aprobada la imagen por todos, está lista para compartirse y ser viralizada en la red social de su preferencia. La emoción en sus caras aumenta aún más cuando, después de publicada, comienzan a llegar los likes, corazones o comentarios que hacen alusión a la foto.

El proceso de comunicación que se desata después de publicar una imagen en las redes sociales continúa: da pie a comentarios positivos y a otros no tanto. También, se reciben respuestas por medio de otra foto. Lo importante de todo es saber que transmitimos un mensaje, que hicimos público nuestro momento y, sobretodo, que ha quedado para la posteridad.

Además, la fotografía fue compartida con las personas deseadas, porque ahora muchos tienen el cuidado de filtrar sus publicaciones. Es así cómo, en una tan sola imagen fotográfica, queda plasmado un instante de nuestras vidas, captura que generalmente refleja un momento de felicidad en un espacio específico.

Esa posibilidad de expresión de momentos a través de la imagen fotográfica ha sido desarrollada en varias áreas de la comunicación y con fines diferentes a los arriba mencionados. Ejemplo de ello es la labor realizada por fotógrafos, cuyas vidas han sido dedicadas a capturar momentos precisos para reflejar la realidad que afrontan distintas poblaciones en épocas y situaciones concretas. Sebastião Salgado, el magistral fotógrafo brasileño, es una muestra de ello.

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Estoy segura de que la primera vez que escuché el nombre de este fotógrafo fue en la clase impartida por el licenciado Ernesto Tejada Cáceres: Taller de Expresión Fotográfica. Sin embargo, conocí más sobre el trabajo de Salgado hace poco, mientras veía el documental La sal de la tierra. En él, el hijo mayor de Salgado, Juliano Ribeiro Salgado, narra cómo su padre se involucra con el mundo de la fotografía y cómo, a través de ella, más que capturar momentos claves, va desarrollando la capacidad de contar historias sobre las vidas de cientos de personas que realizan trabajos inhumanos como la minería, para tratar de sobrevivir.

Sebastião Salgado también abordó la hambruna que han padecido y siguen padeciendo miles de personas, entre ellos cientos de niños y niñas, en países africanos como Etiopía, el genocidio sucedido en Ruanda durante los años noventa, cuando la población de los hutu casi extermina a la comunidad de los tutsi, y cómo esta última anduvo errante por mucho tiempo buscando asilo en países aledaños, o la vida de poblaciones indígenas que aún sobreviven lejos del desarrollo industrial y que luchan por mantener su identidad.

Cada una de las imágenes de Salgado es impresionante, y todas resultan difíciles de olvidar, porque tienen la particularidad de hablar por ellas mismas, de tocar las emociones de cualquier persona. Aún recuerdo los ojos de un niño famélico viéndome y enseñándome sus huesos, y todavía me conmueve la tristeza y debilidad con la que un padre está frente a su hijo, que acaba de morir de hambre.

Uno de los primeros aprendizajes que ustedes realizan como estudiantes de la Escuela de Ciencias de la Comunicación es que todo comunica, y el trabajo de Sebastião Salgado es una muestra fiel de este axioma, pues a través del juego de luces y de sombras en sus fotografías en blanco y negro, más la composición y su capacidad de esperar para capturar el momento adecuado, logra denunciar grandes problemas sociales.

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“El blanco y negro en sus fotografías le brinda mayor dramatización y aporta más a la escena. Su trabajo es excelente. La mayoría de sus fotos no tienen edición. Además, permiten que la gente se dé cuenta de que no todo es glamour”, asegura Ángel Hernández, catedrático de fotografía de la ECC. A través de la fotografía sociodocumental, Salgado logra que el simple hecho de ver una imagen cambie, pues permite que uno se sumerja en la historia, que reflexione sobre lo que ve, que abra los ojos sobre lo sucedido en el mundo en el que habita y, probablemente, que la persona actúe.

Nuevos fotógrafos Así como Salgado, otros profesionales de la fotografía se han dedicado a la labor de “revelar el infinito número de situaciones, acciones y resultados de un periodo de tiempo […] lo que se consideraría la vida”, según Persson y Kratochvil, de un colectivo.

Entre ellos, y a nivel nacional, se perfila Óscar Leiva quien en el 2016 ganó el primer lugar del concurso regional de fotografía documental del SICA con Luz, tradición y vida, trabajo que retrata la enseñanza recibida por madres indígenas guatemaltecas para detectar y prevenir enfermedades que puedan poner en peligro la vida de sus hijos.

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Otro ejemplo de foto documental fue la propuesta que hizo Marvin Recinos en 2014: Retratos hablados de la indiferencia, que se concentró en reflejar las condiciones a las que se exponen las personas indigentes, una realidad que en su mayoría es ajena a los ojos de los salvadoreños.

En el ámbito internacional, la revista europea i-D, presenta a los treintañeros Stefanie Zofia Schulz (alemana) y a Laurent Kronental (francés), como a dos de los fotógrafos documentalistas que han comenzado a desarrollarse en este campo. Duldung es el nombre del trabajo de Schulz, que refleja la vida de los habitantes de uno de los centros más grandes para refugiados en Alemania. Souvenir d’un Futur es la obra de Kronental, la cual hace un contraste entre el cambio que han tenido las viviendas de los barrios marginales de París y sus habitantes, refugiados y migrantes veteranos.

El poder de una imagen es valioso gracias a la capacidad de quienes están detrás del lente para dedicar parte de su vida a plasmar y resaltar la realidad que viven otros seres humanos.

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Si crecieron viendo a los Pokemon, a Star Wars, a He-Man o leyeron los cómic de Tintín, de Superman o de la Barbie, o bien son fans de los Simpons, de los Transformes y de Matrix, ¿qué pensarían si les digo que han vivido en un mundo transmedia sin conocerlo? Pensarían que vivo en otro planeta, pero no. En el postgrado de Branded Content & Transmedia Storytelling que estudié en Barcelona, España, el doctor Carlos Scolari explicaba que el concepto de Narrativas Transmedia (NT) fue introducido originalmente por Henry Jenkins en un artículo publicado en Technology Review (2003), en el cual mencionaba que cada medio hace un aporte a la construcción del mundo narrativo. Evidentemente, las aportaciones de cada medio y plataforma de comunicación difieren entre sí, pero todas ellas contribuyen a la vida, entendida como desarrollo y transformación de la narración.

En este artículo presentaré el significado de las narrativas transmedia (NT), el cual consiste en contar una historia cuya base argumental puede ser narrada en un largometraje y expandirse a otros medios (televisión, radio, web, cómic) y plataformas (blogs, redes sociales, foros, etc.), pudiéndose hacer tangible gracias al desarrollo de productos y bienes de consumo relacionados o creados específicamente en torno a la misma. Este desarrollo de la historia puede permitir diversos fines y una co-creación gracias a la participación activa de los prosumidores y de las estrellas que en ella participen. Eso sí, cada plataforma debe ser lo suficientemente autónoma para permitir un consumo autónomo y una entidad propia comunicativa.

A partir de estas líneas vamos a desglosar un ejemplo de narrativas transmedia de género literario, como la trilogía Millennium.

Esta serie sueca de novela negra, cuyo autor es Stieg Larsson, no es muy conocida en nuestro país, pero tuvo un gran éxito a nivel mundial.

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¿Qué es transmedia?

POR CHRISTIAN ZÁRATE

Se publicaron tres libros: Los hombres que no amaban a las mujeres, La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina y La reina en el palacio de las corrientes de aire, que han sido leídas por más de trece millones de lectores.

La saga Millennium fue concebida por su autor en un inicio como una crítica a la violencia contra la mujer y la corrupción empresarial y gubernamental en un país en donde el estado de bienestar parece empezar a tambalearse. Desde la publicación de la primera novela fue un éxito global. A raíz de todo esto se han producido diversos productos Transmedia y Crossmedia: cuatro películas, series de televisión, cómic, audiolibro, app, audiolibro CD, parodias, redes sociales y generación de contenido por usuarios entre otras cosas.

También se ha crearon los perfiles en Facebook y Twitter de Lisbeth Salander, la perturbadora y transgresora protagonista de la serie que, pese a ser un personaje ficticio, interactuaba con los usuarios y comentaba ciertas ideas o pistas de la trilogía.

No sólo es explotar contenidos en las NT, también puede explotarse la dimensión más afectiva y experiencial de los prosumidores. Por ejemplo, se desarrolló la “Experiencia Millennium”, que consistía en alojarse en el mismo hotel de Estocolmo en el que lo hacían los protagonistas de las novelas y, además, incluía una visita a la cafetería “Mellqvist Kaffebar” así como otros lugares frecuentados por Mikael y Lisbeth en los libros.

La primera adaptación al cine de la saga Millennium fue una coproducción sueca y danesa estrenada el 27 de febrero de 2009 con el título Män som hatar kvinnor (traducido al castellano como Los hombres que no amaban a las mujeres) dirigida por Niels Arden Oplev. Debido al gran éxito de esta entrega se decidió rodar la segunda Flickan som lekte med elden (conocida en castellano como La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina); película estrenada el 18 de septiembre de 2009 y dirigida por Daniel Alfredson. Este mismo director volvió a dirigir la tercera entrega Luftslottet som sprängdes (conocida en castellano como La Reina en el palacio de las corrientes de aire), que fue estrenada ese mismo año.

La clave del éxito de las narrativas transmedia es la generación de contenido por parte de los usuarios (UGC). Hasta el momento los aficionados de Millennium han generado un sinfín de contenidos haciendo una crítica personal de las películas o de las novelas, o bien narran la trama de las historias, algunas de las características de las NT que los prosumidores (usuarios) con sus aportaciones (generación de contenidos) ayudan a la construcción del mundo narrativo de la historia.

Después de las películas se emitió la serie de televisión en Suecia. Introdujeron las narrativas transmedia con la extensión de personajes que no intervinieron en el cine. Este producto fue emitido en forma de miniserie compuesto por seis capítulos de noventa minutos de duración.

En primer lugar, el internet y las tecnologías han permitido la generación de una audiencia activa en los diferentes medios y plataformas capaces de generar contenidos.

En 2013 llegó la publicación del cómic oficial de la saga literaria Millennium por el grupo Planeta Agostini. El cómic es una adaptación del primer libro de la trilogía: Los hombres que no amaban a las mujeres. Y la segunda entrega corresponde a La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina, que se publicó en el 2014.

¿Qué reflexiones se pueden realizar de las narrativas transmedia y sus diferentes lenguajes y plataformas de comunicación a partir de este caso?

En segundo lugar, el prosumidor tiene una nueva manera de ver e interactuar con los contenidos que le ofrecen los medios o plataformas hasta llegar a lograr un complemento, lo que constituye un factor clave de éxito, como en este caso de la saga Millennium. (*) Especialista en Branded Content & Transmedia Storytelling por INESDI, Digital Business School, de Barcelona, España.

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POR JESÚS VANEGAS

La fotografía no solo sirve como el espejo que refleja la idea del arte, sino que es usada para narrar la historia, manipular nuestra percepción, y es, en sí, un personaje más en la historia.

Hay muchas cosas que hacen a una película hermosa: su guion, sus actuaciones, su edición, su sonido, su dirección, y más, pero algo que realmente destacó desde el nacimiento del cine ha sido la fotografía, lo cual es realmente fácil de afirmar, porque al principio, al cine se le vio como eso mismo: “fotografías en movimiento”.

Muchos de los filmes que se han producido hasta el día de hoy han intentado (y muchos logrado) mantener esa idea, ya que pretenden que la dirección fotográfica transmita emociones únicas que es imposible que encontremos en otros medios. Y es gracias a la gente detrás de la cámara, es decir, gracias al director fotográfico, que hemos disfrutado de esas emociones.

La fotografía no solo sirve como el espejo que refleja la idea del arte, sino que es usada para narrar la historia, manipular nuestra percepción, y es, en sí, un personaje más en la historia. Nos dice: “Mira, esto es lo que debes ver”.

Muchas veces ha sido usado como recurso para poner a los espectadores en los zapatos de los protagonistas y hacernos sentir que somos parte importante de la historia.

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A decir verdad, podemos juzgar fácilmente si una película es buena o no a partir de su fotografía. Hay películas donde quizá la historia no nos haya gustado mucho, pero la cámara nos llevó por un viaje tan asombroso que perdonamos todos los puntos débiles del filme, tal es el caso de películas como Silence de Martin Scorsese, o incluso una película como: Mad Max: furia en la carretera, que fácilmente podemos ver sin sonido y estar totalmente impresionados simplemente por sus tomas.

Alguien que quiere ser director de fotografía en películas definitivamente debe buscar películas que lo inspiren, de tal manera que lo muevan de su asiento y comience a grabar. Algunas de estas pueden ser: 2001: Odisea del espacio, Apocalypse Now!, Barry Lyndon, Ciudano Kane, Hero, Lawrence de Arabia, Samsara, El árbol de la vida, El conformista, Victoria, Birdman, La La Land, Arrival, Her, Django sin cadenas, Carol, La ventana indiscreta, El secreto de sus ojos, Relatos salvajes, El laberinto del fauno, El Gran Hotel Budapest y muchas otras que no alcanzo a escribir acá.

Así que, por favor, no me odies si no mencioné esa película que tanto amo por sus tomas.

Tal vez sea mejor hora de no sólo ver tanta película, sino poner en práctica lo que vemos y empezar a crear y crear más lo nuestro. Si nunca se comienza tal vez tardemos en dejar nuestro legado. Ahora, pon tu cámara a 24 cuadros por segundo, y presiona el botón de grabar.

Poster: Relatos Salvajes para EspaĂąa / JPosters

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Febrero 2014

Volumen 1, número 1

Somos el medio, tú eres el mensaje

EL COMUNICADOR

MULTITASKING ¿Cómo hago para ejecutar múltiples tareas y no fracasar en el intento?

Mitos sobre el community manager RRPP vs publicidad 5 películas para comunicadores Herramientas para medir ROI

www.plus.com.sv Precio: $2.50

Febrero 2014 +1 Primera edición: mayo 2014. Artículo central “El comunicador multitasking”, por Andrea Escalante.

Septiembre 2014

+2 Origen de la revista: La revista surgió como una actividad de cátedra en la asignatura Proyecto Informativo Impreso, materia de la especialización en Periodismo, impartida por la licenciada Melany de Miguel en el año 2013.

POR: PAOLA CAMILOT

Con esta edición, que dedicamos a la fotografía, hacemos entrega de nuestro ejemplar número 10.

Para celebrarlo, te hemos preparado diez datos curiosos que quizás no sabías sobre revista +Plus.

¡Llegamos a las primeras 10!

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Abril 2016 +6 Muchos estudiantes, luego de haber concluido su servicio social, deciden quedarse colaborando con la revista. A ellos nos referimos como “los que están en +plus por amor al arte”.

Septiempre 2016 +7 Presencia fuera de la ECC: Ejemplares de revista matías plus se entregan a los anunciantes, entrevistados, estudiantes de colegios que visitan la universidad, graduados ECC, la Asociación Salvadoreña de Agencias de Publicidad (ASAP), los eventos Social Media Day y CLAPS, entre otros.

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Somos el medio, tú eres el mensaje

Correo electrónico: plus_revistacc@outlook.com

mayo 2015 / número 3

Mayo 2015 +3 Nombre: Alexandra Guerra: “Nuestros catedráticos siempre nos instaban a dar más en nuestras asignaciones, “un plus”, y no solo para el aula sino en nuestra formación. Entonces nosotros quisimos que el nombre de la revista reflejara las habilidades profesionales extra, el trabajo destacado de los alumnos.”

Noviembre 2016 +8 Desde noviembre de 2015, la licenciada Carolina Jaime se desempeña como Directora de Arte de la revista y está en constante búsqueda por innovar el diseño de la misma.

Noviembre 2015 +4 Fundadores: Andrea Reneé Escalante Almeida, Alexandra Guadalupe Guerra Mejía, Delmy Lisseth Guillén Salvador, John Richard Keilhauer Bayo, Byron Dagoberto Rodríguez López, Eduardo Francisco Salazar López y licenciada Melany de Miguel

Febrero 2016 +5 Más de 45 estudiantes han realizado su servicio social en este medio.

Marzo 2017

Junio 2017

+9 Equipo editorial: licenciados Ricardo Chacón, Carmen González Huguet, Kevin Salazar y Paola Camilot.

+10 Más de 30 marcas han confiado su pauta a este medio.

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Gracias primero a Dios, a la comunidad ECC, a los que estuvieron, a los que están y a los que estarán en este barco naranja, porque con nuestro esfuerzo, tiempo y dedicación estoy segura de que haremos que revista matías plus siga creciendo.

De corazón,

PaolaCamilot

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