BOWIE 2
BOWIE
the galactic man
BOWIE 4
BOWIE
the galactic man diseĂąado por:
angie cortez, renzo cuya y gabriela serruto
Saturns Books
primera publicación en lima- perú 2016 copyrigths © saturns books ltd todas las fotografías © asociated newspapers ltd texto © saturns books ltd producido por: jupiter printing studio’s diseñado por: angie cortez, renzo cuya, gabriela serruto copyrigths © 2016 de la edición peruana saturns book ltd traducido al inglés: saturns books ltd todos los derechos reservados. ninguna parte de esta obra puede ser reproducida, almacenada o transmitida de forma o medio alguno, sea éste electrónico, mecánico, por fotocopia, grabación o cualquier otro, sin la previa autorización escrita de los titulares de los derechos. isbn 992-5-3292-5349-2 impreso en perú printed in perú
INDICE 8 10 18 32 42 56 68 78 90 100 112 122 134 136
introducción david robert jones david bowie the man who sold the world ziggy stardust diamon dogs the thin white duke berlin the scary monster let’s dance human black star breve cronología bibliografía
INTRODUCCIÓN No dejan de ser curiosas, por imprevistas, las ocasiones que dada su vestimenta trágica empujan al ser humano a moverse en una u otra dirección, casi siempre para liberarle de cierta inacción y frustrante pasividad. Tal es el caso que me ocurre con motivo del fallecimiento hace pocas fechas de David Bowie, uno de los más grandes creadores del arte popular de los últimos 50 años. Resulta así de justo reconocimiento pronunciarlo y, si se me permite el retraso en los fastos fúnebres, añadir mis humildes comentarios al justificado corifeo que otras muchas voces más autorizadas ya hayan expresado sobre la figura del gran artista inglés. Y de tal manera, y volviendo al acicate que supuso su desaparición (aunque suene un poco a rechifla), agradecerle a los hados la triste noticia aparecida en toda la prensa mundial el pasado 9 de enero para sacarme del abotargamiento que ese final electoral del año 2015 hizo de mí su prisionero. Creo que muchos de los humanos de mi generación llegamos a David Bowie como antes, cuando en nuestra más primera infancia aparcamos nuestros labios en el seno materno, de la forma más natural posible. Se abrían entonces, a finales de la mágica década de los 60, un crisol de nuevas y espectaculares posibilidades musicales que, casi sin quererlo,
BOWIE 9
BOWIE 10
DAVID ROBERT JONES The man before the star
BOWIE 11
BOWIE 12
d i v a D t r e b o R s e n o J
BOWIE 13
“i hope i make it for my own”
D
avid Bowie nació como David Robert Jones en Brixton, Londres, el 8 de enero de 1947. Su madre, Margaret Mary «Peggy», de ascendencia irlandesa, trabajaba como acomodadora de cine, mientras que su padre, Haywood Stenton «John» Jones, era un dirigente de publicidad de la ONGBarnardo’s. Vivían en el 40 de Stansfield Road, situado cerca de los barrios del sur de Londres de Brixton y Stockwell. Bowie asistió al Stockwell Infants School hasta los seis años de edad, donde se ganó una reputación de niño superdotado y decidido, además de rebelde y peleón. En 1953, la familia se mudó a otro barrio cercano, Bromley, donde dos años después Bowie inició clases en el Burnt Ash Junior School. Consideraron su voz «adecuada» para el coro de la escuela y su manera de tocar la flauta se consideró por encima de lo normal en cuanto a habilidades musicales. A los nueve años de edad, su forma de bailar resultaba increíblemente imaginativa: los profesores dijeron de sus interpretaciones que eran «vistosamente artísticas» y que su porte era «sorprendente» para un niño de su edad. Ese mismo año, su interés en la música se vio reforzado cuando su padre trajo a casa una colección de discos de vinilo de45 RPM de artistas como Frankie Lymon, The Platters, Fats Domino, Elvis
Grandes sueños El joven David Jones
Presley y Little Richard. Sobre el momento en que escuchó la canción «Tutti Frutti», Bowie dijo después que «había escuchado a Dios». Bowie estudió arte, música y diseño, como así también trazado y composición tipográfica. En 1962 tuvo un incidente en el colegio cuando su amigo George Underwood, que tenía puesto un anillo en el dedo, le propinó un puñetazo en el ojo izquierdo durante una pelea por una chica. Los médicos temieron que fuese a perder la vista en ese ojo, por lo que tuvo que ausentarse del colegio mientras le hacían una serie de operaciones durante una hospitalización de cuatro meses.El daño no se pudo enmendar del todo, dejándole con una percepción de la profundidad defectuosa y una pupila dilatada permanente (por lo que parece que tiene ojos de distinto color, aunque los dos iris tienen el mismo tono).
THE KON-RADS
B
owie era el saxofonista adolescente en la banda de Los Konrads cuando su cantante Roger Ferris, pocos minutos antes de una actuación en un pub de Londres al sur, dio un paso en un vaso de cerveza rota en los vestuarios.Con la sangre que brota de la herida, el señor Ferris fue trasladado al hospital. Bowie, entonces no mayor de 16 años, se acercó al micrófono. El resto, como ellos dicen, es historia.“Tuvimos un concierto en el pub del hombre verde en Blackheath en 1963. Di un paso en la parte inferior de un vaso de cerveza rota y se fue a la derecha en el pie justo cuando me estaba cambiando a subir al escenario”, recuerda el Sr. Ferris, de 70 años de edad “había sangre por todas partes. Fue bastante desagradable. Un médico me llevó al hospital y se hizo el concierto sin mí. David continuó como el líder de la noche “. El incidente, hace más de 50 años, muy posiblemente cambió el curso de la música rock y pop. Bowie, pasando luego por su nombre real David Jones o, a veces el nombre artístico de David Jay, asumió como cantante mientras el señor Ferris, el propio sólo 17 años, convaleciente. Cuando Bowie abandonó la escuela al año siguiente, le comentó a sus padres su intención de convertirse en una estrella del pop. Sin embargo, su madre le consiguió rápidamente un empleo como ayudante de electricista. Frustrado por las pocas aspiraciones de sus colegas de
la banda, Bowie dejó Kon-rads para formar una nueva banda: King Bees. Escribió una carta al nuevo empresario de éxito John Bloom para pedirle: «Haz por nosotros lo mismo que ha hecho Brian Epstein para The Beatles, y de paso haz un millón más». Bloom no respondió a la oferta, pero lo derivó al socio de Dick James, Leslie Conn, quien de esta manera se convirtió en el primer mánager de Bowie David estuvo en varias bandas a las que abandonaba al cabo de uno o dos meses. Declaró que iba a abandonar el mundo del pop «para estudiar mímica en el teatro Sadler’s Wells», pero, sin embargo, continuó un tiempo con Lower Third. Su nuevo mánager, Ralph Horton, culpable en parte de su posterior traslado a artista en solitario, vio un nuevo cambio de banda de Bowie, en esta ocasión a The Buzz, con quienes lanzó un nuevo sencillo poco exitoso llamado «Do Anything You Say». Mientras tocaba con The Buzz, Bowie también se unió a The Riot Squad; sus grabaciones, que incluían una canción de Bowie y diverso material de The Velvet Underground, nunca vieron la luz. Insatisfecho con el nombre artístico de Davy (y Davie) Jones, que a mediados de la década de 1960 invitaba a confusión con Davy Jones de The Monkees, Bowie decidió cambiar su nombre y escogió Bowie en honor a Jim Bowie y el cuchillo que popularizó. La fascinación de Bowie por lo bizarro se acrecentó cuando conoció al bailarín Lindsay Kemp: «Vivía de emociones, fue una maravillosa influencia. Su vida diaria fue lo más teatral que he visto jamás. Era todo lo que yo podía imaginar que significaba ser bohemio. Me uní al circo». Kemp, por su parte, recuerda: «No le enseñé realmente a ser un artista del mimo, sino a exteriorizarse más a si mismo, Yo le permití liberar su ángel y demonio interiores». Estudiando arte dramático con Kemp, desde teatro avant-garde y mímica hasta comedia del arte, Bowie se sumergió en la creación de personajes que poder mostrarle al mundo. Satirizando la vida en una prisión británica, Bowie compuso «Over the Wall We Go», canción que se convirtió en
BOWIE 15
David Bowie en “The Kwon-rats” un sencillo de 1967 interpretado por Oscar; al año siguiente, otra composición de Bowie, «Silly Boy Blue», fue lanzada por Billy Fury. Después de que Kemp asignase a Bowie con Hermione Farthingale para un minué poético, la pareja comenzó a salir; poco después se mudaron juntos a un apartamento de Londres. Formaron una banda juntos, donde ella tocaba la guitarra acústica y John Hutchinson, el bajo; entre septiembre de 1968 y comienzos de 1969, cuando Bowie y Farthingale rompieron, el trío hizo unos pocos conciertos en los que combinabanfolk, merseybeat, poesía y mímica. Las sesiones de estudio continuaron y dieron como fruto el tercer álbum del cantante, The Man Who Sold the World en 1970. Caracterizado por su sonido de hard rock proveniente de su nueva banda de soporte, fue un cambio radical del rock acústico y de folk de Space Oddity. Para promocionar el disco en Estados Unidos, Mercury Records financió una gira de entrevistas de costa a costa en la que Bowie, entre enero y febrero de 1971, concedió entrevistas a los medios y a las emisoras de radio. Para aprovechar su aspecto andrógino, la portada original de la versión británica mostraba al cantante ataviado con un vestido con una
paleta de colores pasteles y agrisados de tonalidades rosados, ocres y azules; Bowie llevó la prenda en la serie de entrevistas que hizo, cosa que agradó a los críticos. John Mendelsohn, de Rolling Stone le describió como «deslumbrante, casi una desconcertante reminiscencia de Lauren Bacall». En la calle también provocó todo tipo de reacciones, desde la risa hasta el ejemplo de un peatón que le sacó un arma y le dijo: «bésame el culo». Durante esta gira de entrevistas Bowie se fijó en dos influyentes artistas estadounidenses proto-punk que le dieron la idea de lo que después sería el personaje de Ziggy Stardust: una mezcla entre Iggy Pop y la música de Lou Reed, lo que dio como resultado «el supremo ídolo del pop». Una de sus antiguas novias le recordó «garabateando en una servilleta sobre una alocada estrella del rock llamada «Iggy» o «Ziggy», y que a su vuelta a Inglaterra declaró su intención de crear un personaje «que pareciese que acabase de aterrizar de Marte». Para Hunky Dory, álbum de 1971, Visconti, productor y bajista de Bowie, fue sustituido en ambos roles por Ken Scott y Trevor Bolder, respectivamente. Significó el regreso parcial del cantante de pop ligeramente loco de «Space Oddity» en «Kooks», canción compuesta para su hijo, Duncan Zowie Haywood Jones, nacido el 30 de mayo. En otras partes, el disco exploró temáticas más serias y contiene inusuales tributos a sus influencias con canciones como «Song for Bob Dylan», «Andy Warhol» y «Queen Bitch», una imitación de Velvet Underground. En su momento no tuvo gran éxito comercial.
THE RIOT SQUAD
L
os miembros incluyen Graham Bonney (voz), Ron Ryan (guitarra), Len Tuckey (guitarra), Mark Stevens (teclados), Mike Martin (bajo), Brian Davies (bajo), Mitch Mitchell (batería), Roger Crujiente (Bajo), Terry Clifford (Guitarra), Butch Davis (Piano), Derek “Del” roll (Batería). Su único miembro constante iba a ser Bob Evans (saxofón), que, después de que la banda se separó por primera vez, “reunió” The Riot Squad con todos los nuevos músicos.
A principios de 1967, se les unieron David Bowie , quien en ese momento estaba grabando material para su álbum debut homónimo . La banda estaba formada por seis miembros: Bowie (vocal, guitarra, boca-arpa), Rod Davies (guitarra), Brian “estirar la pata” Prebble (Voz), Bob Evans (saxofón tenor, flauta), George Butcher (teclados) y Derek rollo (batería). Esta encarnación grabó varias canciones, incluyendo una versión de “The Velvet Underground ‘s “ I’m Waiting for the Man “ , y un original de Bowie-influenciado Velvets llamado “Little Toy Soldier”, nunca vieron la luz. nsatisfecho con el nombre artístico de Davy (y Davie) Jones, que a mediados de la década de 1960 invitaba a confusión con Davy
Jones de The Monkees, Bowie decidió cambiar su nombre y escogió Bowie en honor a Jim Bowie y el cuchillo que popularizó. La fascinación de Bowie por lo bizarro se acrecentó cuando conoció al bailarín Lindsay Kemp: «Vivía de emociones, fue una maravillosa influencia. Su vida diaria fue lo más teatral que he visto jamás. Era todo lo que yo podía imaginar que significaba ser bohemio. Me uní al circo». Kemp, por su parte, recuerda: «No le enseñé realmente a ser un artista del mimo, sino a exteriorizarse más a si mismo, Yo le permití liberar su ángel y demonio interiores». Estudiando arte dramático con Kemp, desde teatro avant-garde y mímica hasta comedia del arte, Bowie se sumergió en la creación de personajes que poder mostrarle al mundo. Satirizando la vida en una prisión británica, Bowie compuso «Over the Wall We Go», canción que se convirtió en un sencillo de 1967 interpretado por Oscar; al año siguiente, otra composición de Bowie, «Silly Boy Blue», fue lanzada por Billy Fury. Después de que Kemp asignase a Bowie con Hermione Farthingale para un minué poético, la pareja comenzó a salir; poco después se mudaron juntos a un apartamento de Londres. Formaron una banda juntos, donde ella tocaba la guitarra acústica y John Hutchinson, el bajo; entre septiembre de 1968 y comienzos de 1969, cuando Bowie y Farthingale rompieron, el trío hizo unos pocos conciertos en los que combinabanfolk, merseybeat, poesía y mímica.
BOWIE 17
David Bowie en “The Riot Squad”
BOWIE 18
DAVID BOWIE
BOWIE 19
BOWIE 21
D
avid Jones decidió cambiar su apellido para evitar posibles confusiones con otro David Jones, cantante y actor que tras grabar un Lp en solitario en 1965 se convertiría en uno de los componentes de los Monkees bajo el apelativo de Davy Jones. El cambio oficial se produjo el 16 de septiembre de 1965, adoptando el apellido de Bowie. david-bowie-joven-fotoSus inicios en solitario fueron dirigidos por el manager Ken Pitt, quien consiguió que grabase varios sencillos en Pye en el año 1966. Debutó con “Can’t help thinking about me” un single producido por Tony Hatch grabado en su período con Lower Third que fue interpretado en el programa Ready Steady Go con The Buzz. Posteriormente publicaría “Do anything you say”, “I dig everything” y “Rubber Band”, canción publicada en Deram. En estos inicios Bowie se movía en sonidos mod-pop, folk, R&B y vodevilescos, con influencias de Bob Dylan, Anthony Newley, The Kinks o The Beatles. En este sello grabó el sencillo “The Laughing Gnome”, número 6 británico en el año 1967. Ese mismo año apareció su primer LP, “David Bowie” (1967), un disco pop psicodélico y barroco producido por Mike Vernon que no logró cosechar buenos resultados comerciales, lo que derivó en la ruptura del contrato con Dream.
En este período mantuvo un estrecho contacto con Lindsay Kemp y con las religiones orientales tan en boga entre la juventud de finales de los 60. Estas reflexiones místicas (pasaría una temporada en un monasterio budista) y contactos artísticos cambiaron su forma de actuar en escena, adoptando sus instrucciones de mímica y actuación con Kemp como parte de Turquoise, rebautizado como The Feathers, un grupo que había formado con la bailarina Hermione Farthingale (novia de Bowie por aquellos momentos) y el músico John Hutchinson. Por esa época también comenzó a apreciar a autores de fuerte calado intelectual, como Jacques Brel o Scott Walker, intérpretes y compositores que influyeron en su manera de acometer sus textos. En 1969 creó un grupo teatral vanguardista denominado Beckenham Arts Lab.
BOWIE 23
L
a composición “Space Oddity”, canción influenciada por la película de Stanley Kubrick “2001: Una odisea en el espacio”, le proporcionó su primera grabación de éxito, alcanzando el puesto 5 en las listas británicas, y enfatizó sus ademanes teatrales que se subrayarían en años posteriores. El single sería publicado por Mercury Records y producido por Gus Dudgeon, quien ya había trabajado como ingeniero de sonido de su LP debut. El disco consecuente, denominado en el Reino Unido “David Bowie” (1969) y en los Estados Unidos “Man of Words/ Man of Music”, terminó llamándose “Space Oddity”, nombre dado en el año 1972. Fue la primera producción de Tony Visconti (a excepción del single homónimo) para Bowie en un notable disco con
trazas de cantautor con resonancias folk, prog rock y psicodélicas en el que colaboraron músicos como Rick Wakeman, Paul Buckmaster o Herbie Flowers. La amistad entre Visconti y Bowie llevó a este último a conocer a Mick Ronson, un guitarrista popular en los ambientes underground que solía colaborar con el afamado productor y que se convirtió en pieza musical clave en los primeros años de la siguiente década apostando por sonidos más acerados y rockeros. En el año 1970 Bowie contrajo matrimonio en el mes de marzo con la groupie Angela Barnett, la “Angie” de los Rolling Stones. Ronson apareció en “The Man Who Sold the World” (1970), un LP con canciones como “The Width Of A Circle”, “All The Madmen” o el propio corte homónimo que fue producido por Visconti (quien también tocaba el bajo en The Hype, el grupo de acompañamiento de Bowie) en el que incidía en sonoridades rock, blues-rock y lisergia con influencias de Led Zeppelin o Jimi Hendrix.
BOWIE 25
BOWIE 26
BOWIE 27
BOWIE 28
BOWIE 29
“I THINK MY SPACESHIP KNOWS WHICH WAY TO GO”
S
e creó una imagen y frecuentó la escena artística del Londres de aquella época. También grabió discos con varias formaciones, pero sin obtener buenos resultados. Sin embargo, Bowie ya empezó a fascinar y a conseguir admiradores. Su talento aún estaba verde, algo confuso. Y los textos eran sólo atrevidas utopías, pero tenía madera y algunos críticos lo descubrieron. ‘I pity the fool’, ‘Can’t help thinking about time’, ‘And I say to myself’ constituyeron los primeros jalones de una carrera que se volvió espectacular algunos años más tarde. En marzo de 1966, acompañado por el grupo Buzz, Bowie actuó en televisión, en el famoso programa musical “Read, stead, go!”. A finales de 1967 Bowie firmó un nuevo contrato con Deram y publicó al-
gunos discos que señalaban un primer cambio en su actividad. ‘Rubber band’, Laughing gnome’ y ‘Love you till tuesday’, que dió titulo a su primer álbum en ese mismo año. Por otro lado, en la misma época se intensificaron sus relaciones con Angela, que más tarde se convirtió en su mujer. Bowie estaba en continuo movimiento, abierto a múltiples influencias, que se estratificaban en la receptiva mente del músico: el primer disco de Velvet Underground, patrocinado por Andy Warhol, la lectura de ‘El retrato de Dorian Gray’, de Oscar Wilde, la película ‘2.001: Odisea en el espacio’, de Stanley Kubrick, los montajes teatrales de Lindsay Kemp, el joven cine underground, Bowie absorbió como una esponja estas experiencias mezclando intuiciones y elaborando cada vez más su personalidad. se pudo enmendar del todo, dejándole con una percepción de la profundidad defectuosa y una pupila dilatada permanente (por lo que parece que tiene ojos de distinto color, aunque los dos iris tienen el mismo tono).
BOWIE 31
BOWIE 32
BOWIE 33
THE MAN
WHO SOLD THE WORLD
BOWIE 34
BOWIE 35
C
on el paso de 1968 a 1969, la unión de hippy se desintegro para siempre. Una corriente de músicos con atuendo vaquero y pertrechados de riffs de estilo blues empezó a predicar la doctrina de la autenticidad y a dejar de lado el idealismo y la fantasía. A medida que grupos como Led Zeppelin y Free fueron apareciendo en escena, lánguido y élfico David Bowie de 1969 quedo tan fuera de lugar en esa nueva forma de vestir informal, como lo había estado en su fase a lo Anthony Newley. Durante aquella época tan catastrófica, lo había impulsado una seguridad en si mismo lucida y llena de desparpajo, junto un par de canciones clásicas, Space Oddity, era su as en la manga y lo utilizo con una sutileza recién adquirida. El segundo disco de Bowie, Space Oddity, le siguió en noviembre; primeramente se lanzó en el Reino Unido bajo el título David Bowie, pero causó confusión con su predecesor de mismo título, por lo que en el lanzamiento estadounidense se le cambió el nombre a Man of Words/Man of Music.
El álbum repleto de letras post-hippies sobre la paz, el amor y la moralidad y con música folk rock apoyado en canciones de rock más duro, no fue un éxito en el momento de su lanzamiento. «Space Oddity» se lanzó el 11 de julio, cinco días antes del lanzamiento del Apolo 11 y entró rápidamente en el Top 5 del Reino Unido. Bowie conoció a Angela Barnett en abril de 1969 y se casó con ella al año siguiente. Este hecho tuvo gran impacto sobre él e influyó sobre todo en su carrera, lo que minimizó la influencia de Pitt.Ya que se había establecido como artista en solitario gracias a «Space Oddity», Bowie comenzó a sentir una carencia: «Una banda completa y gente con la que grabar con quien pudiese relacionarse personalmente». Su punto débil se recalcó debido a su rivalidad artística con Marc Bolan, quién en ese momento era su guitarrista de sesión. Formó una banda con John Cambridge, un batería al que Bowie conoció en el Arts Lab, Tony Visconti como bajista y Mick Ronson como guitarrista. Después de un breve y desastroso comienzo como The Hype, el grupo volvió a la configuración original en la que se presentaba a Bowie como artista en solitario. Su primer trabajo de estudio se estropeó debido a las diferencias entre Bowie y Cambridge sobre el estilo de batería de este último; las cosas se terminaron cuando Bowie, muy enfadado, acusó a éste de estar «jodiendo su álbum». Debido a esto Mick Woodmansey reemplazó poco después a Cambridge. Poco después, Bowie despidió a su mánager y lo reemplazó por Tony Defries.
BOWIE 37
Grandes sueĂąos El joven David Jones
ziggy stardust
el hombre que vino de marte
THE RISE AND FALL OF ZIGGY STADUST P
ara su siguiente obra, Bowie, había desafiado el núcleo de lo que se suponía que era la música rock de la época» y «creó, posiblemente, el culto más grande de la cultura popular». Vestido con un llamativo traje y el cabello tintado de rojo, Bowie puso en marcha su espectáculo como Ziggy Stardust junto a The Spiders from Mars (Ronson, Bolder y Woodmansey) en un pub llamado Toby Jug en Tolworth el 10 de febrero de 1972. El espectáculo fue muy popular: le catapultó al estrellato durante su gira por el Reino Unido en los siguientes meses y creó, como describió Buckley, un «Culto a Bowie» que era «único; su influencia duró más y ha sido más creativo que, quizá, ningún otro ente dentro del pop».
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars se lanzó en junio de 1972 y combina elementos de hard rock de The Man Who Sold the World y el rock/pop experimental de Hunky Dory. «Starman» salió a la venta como sencillo en abril y fue la primera piedra del lanzamiento al estrellato de Bowie en el Reino Unido: tanto el sencillo como el disco entraron rápidamente en las listas de venta después de su actuación en julio en el programa musical Top of the Pops. El álbum, que permaneció dos años en las listas de venta, pronto coincidió con Hunky Dory (seis meses anterior), que se vio arrastrado por el éxito de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. En el mismo momento, los sencillos «John, I’m Only Dancing» y «All the Young Dudes» (que no fueron extraídos de ninguno de sus discos), éste último compuesto para la banda Mott the Hoople, se convirtieron en éxitos. La gira Ziggy Stardust Tour continuó su camino hacia los Estados Unidos.
NACIMIENTO STARDUST P
ara crear el personaje, Bowie se inspiró en el excéntrico cantante británico de rock’n’roll Vince Taylor, a quien conoció personalmente a mediados de los años 1960.6 El estilo de Taylor estaba fuertemente influido por Elvis Presley y en 1959 logró un notable éxito con el single Brand New Cadillac, que años más tarde versionarían The Clash en su álbum London Calling. En sus conciertos, Taylor salía a escena enfundado en cuero negro, maquillado y moviéndose espasmódicamente. En la época en la que conoció a Bowie, deteriorado por su adicción a las drogas y el alcohol, creía conocer los lugares exactos del mundo en los que supuestamente aterrizarían OVNIS y proclamaba en sus conciertos que era la reencarnación de Jesucristo. El origen del apellido Stardust está más claro, ya que Bowie ha comentado en varias ocasiones que lo tomó en honor a Norman Carl Odmon, un cantante country que en sus conciertos se presentaba como The Legendary Stardust Cowboy. Para crear la andrógina imagen de Ziggy Stardust, Bowie se inspiró en el maquillaje y la puesta en escena del kabuki, contando para ello con el diseñador de moda Kansai Yamamoto, quien fue el encargado de crear toda la ropa que luciría Ziggy en sus conciertos.
Máscaras Kabuki
BOWIE 45
YOHJI YAMAMOTO “Dress Bowie made creep looks cool”
T
ambién el característico peinado del personaje lo inspiró Yamamoto, ya que Bowie decidió cortarse el pelo de esta forma tras ver unas fotografías en la revista Harper’s Bazaar en las que el diseñador japonés usó pelucas que imitaban la melena de los leones al estilo kabuki para sus modelos. Además de otros grupos de glam rock anteriores que lucían una imagen ambigua como T. Rex o New York Dolls, otras influencias en la estética de Ziggy Stardust fueron la por entonces reciente película La naranja mecánica y la imagen de las drag queens que frecuentaban la Factory de Andy Warhol, círculo en el que Lou Reed introdujo a Bowie poco antes de la gestación del álbum.
“
El estilo es el arte de mezclar, de poner en valor y de gobernar estéticamente lo que uno ama. Por lo que a mí respecta, me gusta asociar lo chic de los creadores a lo que voy encontrado en el mercado de las Pulgas. Elegir es nuestra última libertad. Llevar ropa de ciertos estilistas es como cambiar de vida. Cuando alguno me dice: “Yohji, quiero llevar tu ropa”, le respondo: “Atento, no te fíes. No es así de simple Yohji Yamamoto
”
“STARMAN ” T
he Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars se lanzó en junio de 1972 y combina elementos de hard rock de The Man Who Sold the World y el rock/pop experimental de Hunky Dory. «Starman» salió a la venta como sencillo en abril y fue la primera piedra del lanzamiento al estrellato de Bowie en el Reino Unido: tanto el sencillo como el disco entraron rápidamente en las listas de venta después de su actuación en julio en el programa musical Top of the Pops. El álbum, que permaneció dos años en las listas de venta, pronto coincidió con Hunky Dory (seis meses anterior), que se vio arrastrado por el éxito de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. En el mismo momento, los sencillos «John, I’m Only Dancing» y «All the Young Dudes» (que no fueron extraídos de ninguno de sus discos), éste último compuesto para la banda Mott the Hoople, se convirtieron en éxitos. La gira Ziggy Stardust Tour continuó su camino hacia los Estados Unidos.
El amor de Bowie por la actuación le llevó a meterse completamente en los personajes que creaba para su música. «Fue-
ra del escenario soy un robot. En el escenario consigo emocionarme. Eso probablemente explica por qué prefiero disfrazarme de Ziggy a ser David». A pesar de todos estos éxitos, su vida personal encontró varias dificultades: al interpretar el mismo papel durante largos períodos de tiempo, hizo que fuese imposible para él separar Ziggy Stardust, y después, The Thin White Duke, de su propia persona. Bowie llegó a decir que Ziggy «no me dejó tranquilo durante años. Aquí fue cuando todo comenzó a agriarse... Toda mi persona se vio afectada. Se convirtió en algo peligroso. Realmente tuve dudas sobre mi cordura». Sus actuaciones finales como Ziggy, que incluían canciones de Ziggy Stardust y Aladdin Sane, eran ultra teatrales y repletas de momentos escandalosos en el escenario, tales como desnudarse hasta quedar con un taparrabos de luchador de sumo o simular sexo oral con la guitarra de Ronson. Bowie siguió de gira y dio conferencias de prensa como Ziggy antes de un abrupto y dramático «retiro» en el Hammersmith Odeon de Londres el 3 de julio de 1973. Aparecen imágenes de este concierto en la película de 1983 Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.
DIAMOND DOGS
BOWIE 55
DIAMOND DOGS L
as fotografías que ilustran el álbum fueron tomadas en enero de 1972 por el fotógrafo Brian Ward durante una noche lluviosa en la calle Heddon de Londres, donde el fotógrafo tenía su estudio. En total se tomaron 17 fotografías en blanco y negro, de las que se eligieron dos como portada y contraportada respectivamente tras ser coloreadas a mano. La portada del disco muestra a David Bowie / Ziggy Stardust vestido con un mono azul junto al portal del número 23 de dicha calle. En su mano derecha porta una guitarra eléctrica mientras apoya su pie izquierdo sobre un cubo de basura. Otros detalles característicos de la portada son la farola de gas que dota a la imagen de una luz tenue y borrosa, y un cartel sobre la cabeza de Bowie con la leyenda K. West, que en el año 1980 sería robado por un seguidor del artista y que pertenecía a un establecimiento de peletería aún activo en la actualidad.
La contraportada muestra a Bowie dentro de una cabina telefónica también situada en la calle Heddon, junto al listado de canciones y a una recomendación concluyente respecto al disco: To be played at maximum volume. El libreto interior contiene otras cuatro fotografías más en blanco y negro de Bowie, Ronson, Woodmansey y Bolder tomadas en el estudio de Brian Ward tras la sesión fotográfica exterior y que imitan intencionadamente la estética de La Naranja Mecánica.
“
Fuera del escenario soy un robot. En el escenario consigo emocionarme. Creo que eso explica porqué prefiero disfrazarme de Ziggy a ser David
David Bowie en entrevista. 1972.
”
D
iamond Dogs, de 1974, dividido entre el soul y el funk, es el producto de dos ideas distintas: un musical basado en un salvaje futuro en una ciudad postapocalíptica, mezclado con la idea de ponerle música a la obra deGeorge Orwell 1984. El disco llegó al puesto número uno en el Reino Unido y al puesto número cinco en Estados Unidos. Se extrajeron dos sencillos: «Rebel Rebel» y «Diamond Dogs». Para promocionar el disco, Bowie comenzó la gira Diamond Dogs Tour, visitando ciudades de Estados Unidos entre junio y diciembre de 1974. La coreografía de la gira corrió a cargo de Toni Basil con efectos especiales muy teatrales. Alan Yentob filmó un documental de alto presupuesto, dando como resultado Cracked Actor, en el que se puede ver a un Bowie escuálido y pálido: la gira coincidió con su paso de consumidor de cocaína a una verdadera adicción, cosa que dio como resultado que estuviese débil, paranoico y emocionalmente inestable. Después comentó que el álbum en directo que lo acompañó, David Live, debió de titularse «David Bowie Is Alive and Well and Living Only In Theory» (En teoría David Bowie está vivo y bien y viviendo). A pesar de todo, David Live solidificó el estatus de Bowie como superestrella, llegando al puesto número dos en el Reino
Unido y al número ocho en Estados Unidos. Además, su versión del éxito de Eddie Floyd, «Knock on Wood», entró en el Top 10 británico. Después de un descanso en Filadelfia, donde Bowie grabó nuevo material, la gira siguió con un nuevo enfoque hacia el soul.
BOWIE CAMALEÓN E
l resultado de las sesiones de grabación de Filadelfia es Young Americans (1975). El biógrafo Christopher Sandford escribió: «A lo largo de los años, la mayoría de los roqueros ingleses habían intentado, de una u otra manera, convertirse en negros por extensión. Pocos habían tenido éxito como lo tuvo Bowie en ese momento». El sonido del álbum, que el cantante identifica como «plastic soul», significó un cambio radical de estilo, cosa que sorprendió a muchos de sus devotos del Reino Unido. Young Americans supuso el primer número uno de Bowie en Estados Unidos con la canción «Fame», coescrita con John Lennon, quien además contribuyó cantando coros, y Carlos Alomar. Fue uno de los primeros artistas blancos en participar en el show de variedades de la televisión estadounidense Soul Train, donde Bowie cantó haciendo sincronía de labios «Fame» y «Golden Years», sencillo lanzado en octubre. Young Americans fue un éxito comercial tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, y una reedición del sencillo de 1969 «Space Oddity» se convirtió en el primer número uno británico pocos meses después de conseguir la misma gesta con «Fame» en Estados Unidos.
BOWIE 61
BOWIE 63
DE REGRESO AL TEATRO A
pesar de su establecida fama, Bowie vivía al día. En palabras de su biógrafo Christopher Sandford: «A pesar de todas sus ventas (más de un millón de copias sólo de Ziggy Stardust), subsistía esencialmente con dinero suelto». En 1975, en una jugada similar a la que le había hecho deshacerse de Pitt hacía quince años, Bowie despidió a su mánager. Al finalizar los meses de litigio, como describe Sandford, vio como «millones de dólares de sus futuras ganancias se entregaban» en lo que fue «un final muy generoso con Defries», para después «encerrarse en el West 20th Street, donde por una semana se pudieron oír sus lamentos a través de la puerta cerrada del ático». Michael Lippman, el abogado de Bowie en las negociaciones, se convirtió en su nuevo representante; Lippman también se llevó una generosa compensación cuando Bowie le despidió al año siguiente.
THE THIN WHITE DUKE
The DARKEST STATION
LA OSCURA ESTACIÓN E
ra una tarde fresca de invierno, pero, aquel 23 de enero de 1976, después de haber bebido un poco de leche e ingerir algunos pimientos rojos, David Bowie habría dado inicio a un fenómeno musical: la publicación de su nuevo álbum Station to Station. En la década de los setenta las grandes guerras se habían acabado, pero el crecimiento de la población había desbocado; la crisis económica, los necesarios cambios en las estructura s de producción y el enfrentamiento de los bloques políticos crearon una frustración exacerbada. Los jóvenes de los sesenta habían crecido sintiéndose engañados, y la música se convirtió en un vehículo de expresión. catarsis y protesta. El idealismo y la utopía se desvanecieron y en el rock se comenzó a apostar po r los solos de batería, los discos conceptuales y, lamentablemente, por el colapso debido a sobredosis. La drogas que representaron a la década fueron la heroína y la cocaína, generando efectos devastadores en la juventud, especialmente en el mundo musical, donde los artistas de la época, como The Rolling Stones en su álbum Sticky Fingers, dibujaron a través de sus composiciones su adicción a esas sustansustancias. En ese contexto David Bowie no sería la excepción.
Entre 1972 y 1974, David Bowie logró una basta popularidad con los discos The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (RCA, 1972), Aladdin Sane (RCA, 1973) y Diamond Dogs (RCA, 1974). El músico inglés pasaba una etapa muy inserta en la cual se encarnó en un su propio personaje y en sus propios excesos. Fue en este mismo periodo de su vida cuando su dieta se basaría, únicamente, en cocaína, leche y, de vez en cuando, pimientos rojos. Un año después, cuando Bowie terminó la gira de Young Americans, su obsesión por la numerología y por la simbología a base velas, se convirtieron en un ritual de iniciación para su nueva metamorfosis: una etapa oscura y romántica donde comenzaría la producción de su décimo disco Station to Station. Aunque podía sonar macabra, para David, la simbología de velas era algo que describía como señal de enamoramiento.
“
No son los efectos secundarios de la cocaína Estoy empezando a pensar que puede ser amor.
David Bowie en entrevista a VH1. 1999.
”
F
Fue en este álbum cuando una notable transformación de la personalidad de David Bowie, se vio reflejada en su doble personalidad, o su álter ego, mediante “el Delgado Duque Blanco”. Éste al ser uno de los íconos que más caracterizan la transisción de la carrera de Bowie, también se presenta como una pieza oscurantista con distintas simbologías. David Bowie hizo alusión a la cultura medieval cristiana —refiriéndose a la Santa Trinidad, a la perfección y el equilibrio— a través de las tres canciones principales del disco: ‘Station to Station’, ‘Golden Years’ y ‘Word on a Wing’, en donde el artista relata una historia de salvación. Las piezas musicales del álbum son aplicadas consistentemente sobre un área grande e incluye pasajes instrumentales. La primera melodía alude a una presentación de las estaciones del Via Crucis, posiblemente refiriéndose al infierno. En ‘Golden Years’ se muestra la segunda estación, el purgatorio, en donde se presenta una serie de consejos para abandonar la desgracia. Eventualmente, la tercera y última parada sería el cielo, reflejada mediante a la pieza ‘Word on a Wing’, con la cual Bowie hizo oficial su conversión al cristianismo.
EL DUQUE BLANCO
T
he Thin White Duke, o, en español, El Delgado Duque Blanco, su último alter ego, apareció a propósito del 40 aniversario del disco en el que el citado personaje se desarrolla: magnífico, oscuro, enrevesado y, a la vez, íntimo y confesional . Con su mezcla de funk y el krautrock, romanticismo y el ocultismo, Station to Station ha sido descrito como «simultáneamente uno de los álbumes más accesibles de Bowie y a la vez uno de sus más impenetrables» Su nuevo personaje vestía elegante, con reminiscencias del cabaret alemán de los años treinta. Por aquella época estaba también muy inmerso en la cultura alemana y fascinado con el mundo de lo paranormal y la pa-
rafernalia del Tercer Reich. Incluso fue famoso un saludo que hizo a lo nazi/romano. Estas querencias le durarían poco y más tarde renegaría de estas actitudes. Todo el álbum tiene una característica principal de la música afroamericana: que toma mucho tiempo y produce vibraciones a través de la repetición. Al emplear una mezcla de ritmos americanos y armonías occidentales, el álter ego de Bowie se representa como una figura oscura que vuelve de América a Europa, para explorar así sus raíces. A lo largo de cada canción de este álbum se presenta, una oscura búsqueda del amor y la paz interna. El efecto resultante: Station to Station como una dósis de alma de Bowie, no sólo a los oídos sino también a todo el cuerpo de los oyentes.
BOWIE 71
“
Los años 1975 y 1976, y parte de 1974…, y las primeras semanas de 1977, fueron la época más oscura de mi vida. Estaba tan hundido en la miseria que me resulta casi imposible recordarlo. Es muy doloroso. Me preocupaba por cosas como: ¿se interesan los muertos por los asuntos de los vivos? ¿Puedo cambiar de canal sin usar el mando?”.
David Bowie en entrevista a VH1. 1999.
”
BERLIN Y UN NEW NUEVO SONIDO AND SOUNDS
BOWIE 77
LOW D
avid Bowie proponía, en 1976, una vez más llevar su esfera musical y personal a otro ámbito. Y para su próxima empresa sabía que desengancharse de la heroína y los psicotrópicos era esencial. La idea de Berlín y centroeuropa como retiro espiritual se presentaron entonces como tentadoras. De hecho, mirándolo retrospectivamente, era esperable: la idea que siempre despertaron Praga, Viena, Bratislava o, incluso, la propia capital de la capital de la República Federal Alemana calzaba a la perfección con la singladura musical de un artista, el cual, embebido cada vez más por la caleidoscópica visión que obtenía de los cuadros de Gustav Klimt o las sinfonías de Gustav Mahler, vio en aquella romántica y decadente Europa central que conoció mejores tiempos, un subterfurgio sobre el que refugiarse de sus persistentes y recurrentes demonios. Desmochado por dentro y por fuera, como decíamos en el primer párrafo, preparó la maleta y se marchó a Suiza. Allí, en en pleno corazón del viejo continente, en ese país que tanto fascinó a Fitzgerald, llegó con su inseparable Iggy Pop, quien, al igual que él, buscaba limpiarse por dentro y explorar nuevos caminos musicales. La estrategia musical del inglés fue la siguiente: romper con los límites establecidos una vez más.
Si con los citados Ziggy Stardust y Station To Station consiguió llevar no sólo su propuesta artística, sino también, el Rock, a mayores cotas de creatividad, para su siguiente paso, necesitaba otra mitad que comprendiera qué era lo que buscaba. Y es ahí donde aparece el nombre de Brian Eno. Eno y Bowie eran las dos caras distintas de la moneda: el primero, después de haber alcanzado el éxito con Roxy Music, decidió alejarse paulatinamente de la industria. Disidente por naturaleza, vio en la idílica centroeuropa un lugar en el que evadirse del ruido mediático que el deterioro de su relación con Bryan Ferry había producido. Bowie, por el contrario, era una star system: se encontraba en el cenit de su carrera, y mantenía una buena relación con una prensa que le veía como uno de los acontecimientos musicales más importantes del momento. Dos caracteres contrapuestos, que, sin embargo, supieron entenderse y mirar en la misma dirección. Cuando el londinense decidió viajar al corazón del viejo continente, aparte de olvidarse de una vida personal que atravesaba un momento delicado -un matrimonio, por ejemplo, que hacía aguas-, tenía la certeza de que era absolutamente necesario llevar la exploración del arte, como decíamos en el primer párrafo, hasta límites insospechados.
Heroes, su segundo álbum de este periodo, mostraba a Bowie mas confiado en su nueva identidad, con canciones mas cohesionadas, una banda que comprendía mejor lo que buscaba el cantante, y el tema por el que la palabra triunfalismo existe como tal: “Heroes”. Que 36 años despues la portada de dicho trabajo fuese intervenida para ser incluida en The Next Day habla de la importancia que tuvo el disco en su trayectoria posterior y en la del mundo entero. Curiosamente ni la canción ni el disco fueron tan exitosos en su momento.
Sesión fotográfica incluida en el arte del álbum
BOWIE 81
LODGER L
o que hay que saber sobre el album Lodger es que realmente no hay nada en especial qué saber: No hay un mito sobre la creación, no hay alteregos, no hay suites de diez minutos, fondos instrumentales tenebrosos o trasfondos pretenciosos sobre George Orwell y “los triturados restos de la música étnica mientras sobrevive en la era del rock Muzak”. De hecho, Lodger podría ser el primer álbum de Bowie marketeado como nada más que un álbum de música grabada por David Bowie.
Lodger tiene diez canciones, y todas duran tres o cuatro minutos. Una es una gran imitación de Talking heads llamada “D. J.” y otra es básicamente una canción de Brian Eno cantada por David Bowie en vez de Brian Eno. (“Red Sails”). La música es punky, dramática y un poco extraña, con giros al reggae y tonalidades casi orientales (“Yassassin”) y nebulósamente exóticas (“African Night Flight”), todas fltradasa través de los oídos de un chico británico con mucho dinero y el impulso de apropiarse de lo que sea que le de la gana. Hasta el dia de hoy, ningún músico a logrado plasmar mejor la hermética intensidad de la cocaína, una droga que hace que quieras tener largas conversaciones con todos los que has conocido, sin tener que salir de tu habitación.
Sintiendo que un arte elevaod podría estar perdiendo el encanto, partió en un largo y generoso tour llamado Isolar II durante el cual revivió al Ziggy Stardust del `72. Este gesto, en el contexto de su carrera sin descanso en aquella década, hubiese sido como poner en escena una atracción de Las Vegas. “Está recordando el hueso que lanzó en el 2001” dijo él mismo sobre el perro durante una entrevista en la radio “Qué desperdicio de hueso!” Siendo un showman de nacimiento y un narcisista en el camino, Bowie fácilmente pudo haber estado hablando de él mismo.
Antes de Lodger, el estado alienado de Bowie era existencial, metafórico, general, uno con el que cualquiera que esté convencido de que nació en el tiempo equivocado y en el cuerpo equivocado podía identificarse. Pero a pesar de todos los que se encontraron a sí mismos idealizados en Ziggy Stardust o en Aladdin Sane, Lodger fue la primera vez en la que Bowie parecía realmente accesible: un personaje con fragilidades, pensamientos patéticos y listas de abarrotes, alguien que no se pase apor la realidad, sino que vive en ella. “Look Back in Anger” inicia con un salvaje panorama de guitarra antes de sumergirnos en la historia de un ángel con tos; “D. J.” es aniñada; “Boys Keep Swiming”, escrita aparentemente después de escuchar a Village People, de hecho suena un poco a Village People pero menos seguro en su sexualidad.
BOWIE 83
El título ya reduce el mito a algo banal: No es más el hijo de estrellas solitario que nos encantaba con su inusual punto de vista, en vez de eso, nos encontramos con un Bowie de safari, un turista medio borracho lidiando con su propia masculinidad mientras trafica con vendedores secretos, Bowie el invitado que no deja de hablar sobre comer tacos de verdad. La primer mitad de Lodger en especial, con sus junglas de caricaturas y beduinos e ingleses muy tontos para mantenerse fuera de problemas pero muy poderosos como para siquiera realmente estarlo, pertenece más a una sátira colonial de Evelyn Waugh que al art rock de los setentas. Todo esto no sólo humanizó a Bowie, lo hizo completo. Para cuando lanzó Lodger, tenía treinta y dos años, estaba en medio en un divorcio y trataba de mantenerse al margen de las drogas. era rico, famoso y aún tenía que mirar a todo lo que le quedaba de vida. rent a room. “Radical genius” sería genial, pero también llegar a 1985 y que las personas aún recuerden tu nombre. En ese sentido, Lodger es un ansioso y humilde album, el sonido de un artista cediendo el timón a una generación más joven a la que sería tonto tratar de petenecer. Es dejar que la cultura lo dirija, lo envuelva y que sea quien lo conduzca por un tiempo.
SCARY MONSTERS AND THE ASHES
BOWIE 89
el equilibrio S
cary Monsters (and Super Creeps) fue el primer álbum que lanzó luego de su triogía de Berlín, y su décimocuarto álbum en total, y el que lo trajo de vuelta al medio musical masivo. Aunque la trilogía de Berlín se consideró relevante desde un punto de vista artístico, no lo fue así atendiendo a las ventas. Con Scary Monsters, sin embargo, Bowie logró lo que el biógrafo David Buckley llamó “el equilibrio perfecto”, alcanzando el álbum el número uno en el Reino Unido. De acuerdo al coproductor Tony Visconti, el método de Bowie en Scary Monsters fue algo menos experimental y más preocupado con lograr un sonido comercialmente viable que en sus lanzamientos recientes: a ese fin el compositor pasó más tiempo desarrollando letras y melodías antes de grabar, en vez de improvisar música en el estudio y hacer palabras en el último minuto. Además de una versión, “Kingdom Come” de Tom Verlaine, todas las pistas serían acreditadas sólo a Bowie, a diferencia de la ‘Berlin Trilogy’ donde mencionaba cada una de las aportaciones de sus colaboradores.
Entre esos colaboradores, Brian Eno ya no estaba presente, pero Chuck Hammer añadió múltiples capas de textura desplegando un sintetizador de guitarra. Tras su ausencia en Lodger, Robert Fripp regresó con el distintivo sonido de guitarra que había aportado para “Heroes”. El pianista de Bruce Springsteen Roy Bittan estuvo de vuelta para su primer álbum con Bowie desde Station to Station (1976), mientras que Pete Townshend de The Who participó en “Because You’re Young”. El primer avance para el público de Scary Monsters fue “Ashes to Ashes”. Armada alrededor de un tema de sintetizador de guitarra de Chuck Hammer, revisitaba el personaje de Major Tom del temprano éxito de Bowie “Space Oddity”. Además de su éxito crítico y comercial como canción, el vídeo musical acompañante estableció un punto de referencia para esta nueva forma artística.
“
Bowie ha dicho que la toma de él y otros personajes caminando hacia la cámara frente a un bulldozer simboliza la violencia por venir.
Brian Eno.
”
BOWIE 91
Sesiรณn de fotos para el cover art del album Scary Monsters
PI E RROT
S T E V E S T R A N G E Y LOS B L I T Z
A
shes to Ashes es la canción más introspectiva de una album ya extremadamente introspectivo. El album muestra algunos de los trabajos más innovadores de Bowie en cuando a estructura de la canción, guitarra y letras sugerentes que cosen juntas temáticas extremádamente complicadas relacionadas a la revolución personal y política. El video de esta canción la inmortalizó, y es que es uno de los más icónicos de los 80s. Costando $500,000 ($1,671,487 in 2016) , fue el vídeo más caro de la historia. Incorpora escenas en colores solarizados y en blanco y negro. En él. Bowie se ve vestido de Pierrot el payaso melancólico. También aparece Steve Strange y otros miembros de la escena Blitz de Londres. Bowie describió el plano de él y los chicos Blitz caminando frente a una excavadora hacia la cámara como un símbolo de “violencia que se aproxima”. El video fue uno de los más emblemáticos de su tiempo, y por su complejidad es visto como importante en la evolución del video musical. Esta canción se nos presenta como una secuela al éxito de 1969 “Space Oddity”. revisita al astronauta ficticio Major Tom, quien está ahora en el espacio. Ha vuelto
a conseguir comunicación con Ground Control y les dice que está feliz, pero ellos no le consideran más que un “junkie, que para en las nubes, persiguiendo la luna y cosas sin importancia”. Muchos creen que es una parte autobriográfica sobre su lucha contra el abuso a las drogas y otros de sus demonios personales. La frase que cierra esta canción, “Mi mamá diho que para hacer las cosas, mejor no te metas con Major Tom”, sugiere que para aprovechar mejor el futuro, uno no debería quedarse en añoranzas del pasado. También se sugiere que Space Oddity fue una disimulada referencia a un trip de drogas y que Ashes to Ashes sugiere que para seguir adelante, Bowie debe deshacerse de estos hábitos. El video muestra a David vestido como Pierrot en una variedad de extrañas situaciones, a Steve Strange de la banda New Wave , Visage, cameos. Bowie ha dicho que la escena en la que él y otros personajes marchan hacia la cámara frente a un bulldozer simboliza la violencia por venir. Durante esta escena, los personajes detrás de él no se están inclinando, sino que tratan de sacar sus túnicas del camino del bulldozer para no quedar atrapados. Esta y muchas otras imágenes del video sugieren que David pudo estar tratando de sepultar los varios alteregos que había creado.
BOWIE 93
LET’S DANCE ! LET’S DANCE ! LET’S DANCE !
“UNDER PRESSURE” B
owie se asoció con Queen en 1981 para colaborar en el sencillo «Under Pressure». El dúo fue un éxito, convirtiéndose así en el tercer número uno de Bowie en el Reino Unido. Ese mismo año, hizo un cameo en la película alemana Christiane F., una historia real de drogadicción adolescente en la Berlín de los años 1970. La banda sonora, repleta de música de Bowie, se lanzó con el título de Christiane F. pocos meses después. Bowie también protagonizó la adaptación televisiva de la obra de Bertolt Brecht Baal, hecha por la BBC en 1981. Coincidiendo con la retransmisión, se lanzó un EP de cinco canciones de la obra, grabados en Berlín, bajo el título de David Bowie in Bertolt Brecht’s Baal. En marzo de 1982, un mes antes del estreno de la película de Paul Schrader Cat People, se lanzó como sencillo la canción homónima de Bowie, «Cat People (Putting Out Fire)», que llegó a ser un éxito menor en Estados Unidos y entró en el Top 30 británico. Bowie llegó a otro punto álgido de su carrera con el éxito comercial deLet’s Dance (1983), coproducido por el integrante de Chic Nile Rodgers, que se convirtió en disco de platino tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. Sus tres sencillos entraron en el Top 20 de ambos países, donde la canción que da título al disco llegó al puesto número uno.
BOWIE 101
L
as canciones «Modern Love» y «China Girl» llegaron al número dos en el Reino Unido, acompañados de sus respectivos videoclips que, como describe el biógrafo David Buckley, «eran totalmente absorbentes y activaron arquetipos claves para el mundo del pop. «Let’s Dance», con su poca narrativa enfocada en una joven pareja de aborígenes, se centra en la juventud, mientras que «China Girl», con su escena de amor (luego parcialmente censurada) playero con los culos al aire (homenaje a la película From Here to Eternity), era lo suficientemente provocativa sexualmente para garantizar que MTV la emitiese con frecuencia». Para 1983, Bowie ya se había convertido en uno de los más importantes realizadores de videos musicales de su época. Para promocionar Let’s Dance se embarcó en la gira mundial Serious Moonlight, en la que se hizo acompañar del guitarrista Earl Slick y los coristas Frank y George Simms. La gira duró seis meses y tuvo una gran recepción. Tonight (1984), también enfocado al baile, contó con la colaboración de Tina Turner y, una vez más, Iggy Pop. Contiene varias canciones versionadas, entre ellas el éxito de 1966 de The Beach Boys «God Only
Knows». Además, contiene el éxito transatlántico «Blue Jean», inspiración para el cortometraje Jazzin’ for Blue Jean, por el que Bowie ganó un premio Grammy en la categoría de Mejor video musical. Bowie actuó en el estadio de Wembley en 1985 como parte de Live Aid, una serie de conciertos benéficos llevados a cabo en diversos sitios del mundo para intentar paliar el hambre en Etiopía.
BOWIE 105
EL INMORTAL BOWIE S
u owie continuo con su faceta de teatralidad que habia empezado desde muy joven antes de ser el Bowie que todos conocemos. Haciendo estos performances en el escenarios, mantuvo u estética, su estilo, sempre con la misma fuerza desde que empezo desde su álbum Diamond Dogs. Siempre mantuvo a sus fans con sus canciones clásicas y sus movimientos clásicos, apesar de ser un David maduro que siempre estaba en la búsqueda de nuevos géneros de música y nuevos conceptos de teatralidad. Durante el evento se estrenó un sencillo con fines benéficos a dúo con Mick Jagger, «Dancing in the Street», que llegó al puesto número uno de ventas en su primera semana. Ese mismo año, Bowie se asoció con Pat Metheny Group para
grabar «This Is Not America», como parte de la banda sonora de The Falcon and the Snowman. Lanzado como sencillo, la canción entró en el Top 40 en Estados Unidos y el Reino Unido.
“
I could escape this feeling, with my China girl i feel a wreck without my, little China girl I hear her heart beating, loud as thunder saw they stars crashing, i’m a mess without my, little China girl, wake up mornings where’s my, little China girl I hear her heart’s beating, loud as thunder saw they stars crashing down, I feel a-tragic like I’m Marlon Brando
Letra de la canción China Girl. David Bowie.
”
HUMANO y terrestre
BOWIE 111
VIDA EN LA TIERRA A
firmar que David Bowie siempre ha forzado la introducción del futuro en el presente con su mera presencia no es una exageración. El camaleón siempre ha estado dos pasos por delante del tiempo, avanzando lo que poco tiempo después estaría de moda, digiriendo todo aquello que flotaba en el ambiente pero que aún nadie había podido sintetizar como un todo coherente. Si ya en el estimable “Outside” había comenzado su deriva místico-cyberpunk, en Earthling la abrazaría sin complejos a través de las formas más puras del industrial. El trabajo es rabioso, oscuro, decadente, pero vibrante y triunfalista, como si el óxido fuera lo más común en el futuro, pero aún fuera posible encontrar héroes entre las ruinas: incluso transmitiéndonos un mensaje de horror y caos lo hace desde la consciencia de estar por encima de ello. No hay nada que temer, sigue siendo David Bowie, sigue mostrándonos el camino imposible de recorrer para ningún otro.
Si el motivo central del cyberpunk es el triunfo del estilo sobre la sustancia, entonces David Bowie encontró en él su parque de juegos perfecto. Todas las canciones de Earthling violan cualquier convención, en algunos casos haciéndose ininteligibles y en otras construyendo un discurso crítico sobre el presente; explora el contexto de crisis existencial del hombre, la imposibilidad de comprender el mundo, de crear un pensamiento fuerte inteligible. Bowie se desmarca con combinaciones irreales, rozando la fantasmagoría, en las cuales mezcla su pop habitual con lo más granado de la electrónica de la época, ya sea el drum&bass o el techno o, a pesar de que por aquel entonces aún era un género en pañales, el IDM. Predomina el estilo sobre la sustancia, pero porque es la sustancia deviniendo estilo en el proceso.
“
Creo que he hecho prácticamente todo lo que es posible hacer. Realmente tuve un hambre de experimentar todo lo que la vida tenía que ofrecer, desde el opio hasta cualquier otra cosa.
”
E
s difícil hablar de un trabajo que ha sido el criterio de demarcación de una época, incluso cuando entonces pasó relativamente desapercibido. El caso de Bowie en los 90’s es problemático, ya que, a pesar de firmar entonces algunos de los mejores trabajos de su carrera, no se los recuerda por el abandono de la mercadotecnia. Incluso cuando carece del amplio reconocimiento por sus actos que podía tener antes, sabe que el tiempo acabará definiéndolo como una piedra base sobre la cual comprender su presente, que es el futuro de todos los demás. Earthling es visionario, con los pies en el suelo, fuera del tiempo. Capaz de comenzar con una canción de seis minutos de tono industrial cuyo estribillo es una concatenación de estribillos y hacerlo su primer single, demuestra el posible interés comercial que pudo tener a la hora de hacer su trabajo. Bowie está por encima del bien y del mal, de las expectativas o del mercado. Su impía estructuración del pensamiento cyborg sirve para entender, no sólo en el ámbito musical, nuestro presente: estructuras narrativas complejas, formas circulares de expresión, fon-
do existencialista y la hibridación del pasado (el pop) con su futurabilidad (la electrónica) como único modelo posible para la supervivencia del discurso popular. Hace lo que ha hecho siempre. La diferencia es que, en esta ocasión, asalta con todavía más fuerza y estruendo los campos estériles del presente.
BOWIE 113
David Bowie firmando autĂłgrafos en el Estadio del seĂąor Panchito
BOWIE 115
A
unque muchos lo califican como un álbum debajo del promedio al que el artista nos tiene acostumbrados, el álbum toma casi tantos giros y sorpresas como un álbum “normal” de Bowie, sólo ue esta vez, las canciones están hechas sobre una base de beats, y no secciones rítmicas tradicionales. Una vez que superamos el hecho de que el Duque Blanco ha decidido marcahrse y cuando aceptamos l cambio de estilo, los tracks de Earthling empiezan a ofrecer una sorprendente y placentera experiencia para oyentes de mente abierta. Lo que hace que todo funcione es la manera en la que los números se construyen. Las canciones no son tonos de baile estáticos y aburridos, sin imaginación ni creatividad, si no lo contrario. En un género tan frecuentemente aburrido como el “dance”, el acercamiento de Earthling de mezclar instrumentos electrónicos y tradicionales y de utilizarlos de maneras interesantes y mezclas novedosas son más refrescantes y satisfactorios que cualquier artista del mismo género.
BLACK STAR
BOWIE 121
BOWIE SAY GOODBYE E
l 8 de enero de 2013, concidiendo con su 66 cumpleaños, se anunció en su sitio web oficial que en marzo saldría a la venta su nuevo disco titulado The Next Day; el 8 de marzo en Australia, el 12 de marzo en los Estados Unidos y el día 11 de marzo en el resto del mundo. Es su primer disco en una década y contiene catorce canciones y tres pistas adicionales. El productor discográfico Tony Visconti comentó que disponían de 29 canciones para comenzar a trabajar en el disco. A la vez que se hizo público el anuncio se publicó el primer sencillo, “Where Are We Now?”, compuesto y grabado por Bowie en Nueva York y producido por Tony Visconti. Ese mismo día se lanzó un videoclip a través de Vimeo, dirigido por el artista neoyorquino Tony Oursler.
El sencillo llegó a lo más alto de la lista británica de iTunes en cuestión de horas, y debutó en la UK Singles Chart en el puesto número seis, siendo así el primer sencillo del artista en entrar en el Top 10 en más de dos décadas; desde “Jump They Say” de 1993. El 25 de febrero se publicó un segundo videoclip tiulado “The Stars (Are Out Tonight)”. La dirección del mismo corrió a cargo de Floria Sigismondi y en él aparecen Bowie y Tilda Swinton como marido y mujer. El 1 de marzo se puso a la venta el álbum completo a través de iTunes. The Next Day debutó en el puesto número uno de la lista británica de álbumes, el primero en conseguirlo desde Black Tie White Noise (1993), y consiguió ser el disco más vendido del momento. Bowie llegó a otro punto álgido de su carrera con el éxito comercial deLet’s Dance (1983), coproducido por el integrante de Chic Nile Rodgers, que se convirtió en disco de platino tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. Sus tres sencillos entraron en el Top 20 de ambos países, donde la canción que da título al disco llegó al puesto número uno.
BOWIE 123
“I’M A BLACKSTAR” E
l El videoclip creado para la canción “The Next Day” creó cierta controversia; fue retirada en un principio deYouTube por incumplir sus políticas y posteriormente restaurado con el aviso de que para su visionado se debía tener más de 18 años de edad. Según The Times, Bowie prometió no volver a conceder jamás una entrevista, por lo cual el productor Visconti concedió la entrevista alegando que ahora él es “la voz de Bowie en la tierra”. Visconti reveló al periódico que Bowie no tiene intención de salir de gira, diciendo que lo único que quiere “es seguir haciendo discos”. En 2013 se presentó en el Victoria and Albert Museum una exhibición de artefactos de Bowie, titulado “David Bowie Is”. Para el 2014 la obra comenzó a ser
itinerante haciendo paradas en São Paulo, Chicago, París, Melbourne y los Países Bajos. Además, Bowie aparece con un cameo vocal en la canción de Arcade Fire “Reflektor”. Por otro lado, en octubre de 2013, según una encuesta elaborada por la BBC History Magazine, se nombró a Bowie el británico mejor vestido de la historia. En los Premios Brit del 19 de febrero de 2014, Bowie se convirtió en el ganador más longevo de la historia de los premios al recibir el premio al mejor artista británico, el cual recogió de su parte Kate Moss. En su discurso dijo: “Estoy encantado de conseguir un brit al mejor varón - pero lo soy, ¿verdad Kate? Sí. Creo que es una gran manera de terminar el día. Muchas, muchas gracias y Escocia, sigue con nosotros”. Esta referencia al referéndum para la independencia de Escocia de 2014 generó cierta repercusión en los medios. El 18 de julio, Bowie desveló que pronto publicaría más música, aunque fue poco preciso con los detalles.
“OH, I’LL BE FREE JUST LIKE THAT BLUEBIRD” A
principios de octubre de 2015, saltó la noticia de que Bowie había grabado, por primera vez en veinte años, una canción para la serie de televisión «The Last Panthers». Unas semanas después, John Giddings, su agente, aseguraba a un medio que Bowie no volvería a actuar nunca más. A finales del mismo mes, el propio David anunció en su página web el lanzamiento de su nuevo álbum de estudio, Blackstar, que coincidiría con su cumpleaños, el 8 de enero de 2016. El 10 de enero de 2016, dos días después de su 69º cumpleaños y el lanzamiento del álbum, Blackstar, Bowie murió de cáncer de hígado en su casa de Nueva York. Había sido diagnosticado con dicha enfermedad dieciocho meses antes, pero no lo había hecho público.
Amigos cercanos del cantante estuvieron con él antes de si muerte como ony Visconti, productor y amigo de Bowie, mencionó que el músico transformó su muerte en una obra de arte, caracterizando su nuevo álbum Blackstar como su “obsequio de partida”.
“
A lo largo de su carrera, David desafió y cambió nuestra comprensión del medio, ya sea en la música o la vida, hizo hincapié en la originalidad, la experimentación, la exploración, y en su particular manera, también nos recordó que no nos tomamos demasiado en serio. David se enfrentó a su enfermedad con dignidad, gracia y su humor habitual, incluso en circunstancias extremas. Cuando escribió para decirme que tenía cáncer, dijo: “La buena noticia es que tengo mis pómulos hacia atrás”
”
Gary Oldman
BOWIE 125
BREVE CRONOLOGÍA 1947 1964 1965 1966 1967 1968 1969 1970 1971 1972
8 de Enero. David Robert Jones nace en Brixton, Londres. 5 de Junio. Lanza su primer single “Lisa Jane” como David Jones. 5 de Marzo. Lanza su primer cover de Bobby Bland “I Pity The Fool”, con el B-side “Take My Tip”, con la que recibe sus primeros créditos por como escritor de la canción. Ken Pitt se convierte en su amigo y representante y le impulsa a abarcar áreas fuera de la música popular, como el cine, pantomima y danza. Le presentaría la música de The Velvet Underground. 1 de Junio. Lanza su álbum debut del mismo nombre. Continúa grabando y lanzando singles sin éxito, aprende pantomima bajo la tutela de Lindsay Kemp. Primera película: The Mask. Primera aparición prominente: Pierot in Turquoise. El single Space Oddity es emitido en Hyde Park, sonando en el PA justo antes de que los Rolling Stones entren al escenario. Su padre, Haywood Stenton Jones, muere de neumonía. Space Oddity se convierte en el primer single exitoso de Bowie en UK. Enero. Bowie toca en lo que se considera el primero concierto de glam rock en la historia, con su banda Hype at the Roundhouse. Tony Refries representaría a Bowie por los siguientes cinco años. Se casa con Angela Barnett y se muda a Haddon Hall junto con el productor Tony Viconti y otro colegas musicales. Graba The Man Who Sold The World, su primer gran album. Abril. Nace su hijo Zowie. Graba “Hunky Dory” en Trident Studios, y es lanzado en diciembre. Durante su gira por Nueva York conoce a Andy Warhol. Graba Ziggy Stardust Changes es el priomer single de Hunky Dory, y de nuevo, fracasó. Bowie declara a la prensa que es gay. Escribe y graba Starman, que es lanzado en abril y eventualmente alcanza el número 10 luego de nos notables apariciones televisivas. The Rise and Fall of Ziggy Stardust and The Spiders From Mars se lanza en junio. Sería uno de sus albumes de mayor retribución comercial. Co-produce el album de Lou Reed: Transformer, para RCA.
BOWIE 131
1973 1974 1975
1976 1977
1978 1979 1980 1981
Toca The Jean Genie en Top of The Pops. Life on Mars? Alcanza el puesto 3 en UK. Y mpieza el tour Aladdin Sane que lo lleva a Amércia, Japón y UK. 3 de Julio. En una presentación, Bowie anuncia su retiro del tour y el fin de Ziggy Stardust. Inmediatamente trabaja en la grabación de su álbum Pin-Ups, una colección de covers. Bowie redirecciona la música y crea Diamond Dogs. Su consumo de drogas aumenta. Aparece The David Bowie Story, biografía suya por George Tremlett. Diamond Dogs se convierte en el tercer número uno consecutivo en las listas de UK, y el primer album en alcanzar el Top Five. La BBC emite el documental Cracked Actor, de Alan Yentob. El album Young Americans alcanza el segundo puesto en UK. David empieza a grabar para su primer rol en la película The Man Who Fell To Earth, de Nicolas Roeg. Fame, co-escrito con John Lennon y Carlos Alomar, se convierte en su primer single en alcanzar el primer puesto en EE. UU. Empieza a trabajar en su décimo album Station to Station. El single Golden Years es el primero en alcanzar el top 10 tanto en UK como en EE. UU. Station to Station alcanza el tercer puesto en US y el quinto en UK. En su tour Isolar, presenta a su nuevo alterego, the Thin White Duke. Su nuevo album, en el que trabaja en París, es completado en Berlin oriental, donde se mudó junto a Iggy Pop. Enero. Lanza Low, con una recepción mixta en la crítica, pero sigue siendo un éxito. “Sound and Vision” alcanza el número 3 en UK. Bowie va de tour junto a Iggy Pop como tecladista para promover sualbum The Idiot, co-producido y co-escrito por él. Graba el album Heroes en Hansaton Studios. El sencillo Heroes se convierte en un éxito moderado, alcanzando el puesto 24, aunque manteniéndose por unas diez semanas. Heroes, alcanzaría el puesto 3 y es el album del año para Melody Maker. Bowie sale de gira en un tour dedicado al album Ziggy Stardust. En un descanso en medio del tour, empieza a trabajar en su álbum número 13, en Suiza, nuevamente con Viconti y Eno. Lodger, su nuevo album, es completado en Nueva York. Alcanza el quinto puesto en UK, pero genera críticas diferentes. Termina los setentas con dos apariciones televisivas. Es memorable la que hizo en Saturday Night Live, en la que toca sus canciones junto a Klaus Nomi y Joey Arias. Empieza las sesiones para Scary Monsters (And Super Creeps) en NY. Ashes to Ashes y su impresionante video co-dirigido por Bowie y David Mallet, se vuelve su segundo primer puesto en UK, el segundo luego de Diamond Dogs. Fashion alcanza el quinto puesto. Bowie protagoniza el rol principal en El Hombre Elefante de Jack Hoffsiss, en Broadway. Gana el título Mejor cantante masculino en the Rock and Pop Awards. Actúa en el protagónico de la adaptación de la BBC de la obra de Berthold Brecht, Baal. Under Pressure, su colaboración con Queen, alcanza el número uno.
1982 1983 1984 1985 1986 1987 1988 1989 1990 1992
Cat People (Putting Out Fire), una colaboración con Giorgio Moroder y el tema principal de la película Cat People, alcanza el núermo 26 en UK, pero el número 1 en Noruega y Suecia. Ahora sin un contrato, Bowie graba Let’s Dance en Power Station, NY, en Diciembre con un nuevo productor, Nile Rodgers. Ahora con EMI-America, Bowie anuncia fechas para su tour Serious Moonlight. Inaugura en Bruselas y tuvo una acogida masiva. El sencillo Let’s Dance alcanza el primer puesto en UK y US. China Girl alcanza el segundo puesto en UK y el 10 en US. En Julio, diez álbumes suyos pueden encontrarse en la lista de los Top100 de UK. Mayo. Bowie empieza a trabajar en su album Tonight, en Canadá. El video de la primera parte del Tour Serious Moonlight alcanza el primer puesto en las listas de video de UK. Blue Jean alcanza el número 6 en UK y 8 en US. Tonight se convierte en el entercer album número uno de los ochentas, a pesar de recibir varias críticas. This is Not America, una colaboración con el Pat Metheny Group, alcanza el número 14 en UK, 5 en Alemania y 1 en Holanda. Loving The Allien, promocionado por un impactante video codirigido por David Mallet, alcanza el número 19 en UK. Un video que hizo junto a Mick Jagger para un cover de Dancing In The Street, es mostrado en el estadio de Wembley y se volvió el número uno de UK. Absolute Beginners alcanza el número dos en UK y el top 10 en siete otros países europeos. Es el último éxito mayor de Bowie. Bowie interpreta a Jareth, the Goblin King (El Rey Enano) en la película El Laberinto, de Jim Henson. El filme recibió críticas pero ahora se le considera un clásico de culto. Se anuncia su primer tour mundial en cinco años, Glass Spider. En noviembre, la mayor atracción de la presentación en escena, la araña, es quemada ceremonialmente luego de su última presentación en Auckland, Nueva Zelanda. Se presenta en julio junto con el grupo de baile avant-garde La La La Human Steps, en el Insituto de Arte Contemporáneo, en Londres. Iinterpreta a Poncio Pilatos en La Última Tentancón de Cristo. Forma la banda Tin Machine con el guitarrista Reeves Gabrels e Iggy Pop. Alcanza el tercer puesto en UK, ganando críticas favorables. El tour mundial Sound + Vision, contiene un set list parcialmente elegido por los fans a través de una línea directa. A pesar de ello y por una campaña sin mucho éxito, Bowie, hastiado, decide nunca volver a tocar sus más grandes éxitos. Bowie participa en The Freddie Mercury Tribute Concert for AIDS Awareness en el estadio Wembley, con un dueto con Annie Lennox de Under Pressure. Se casa con la modelo Iman Abdulmajid. Empieza las sesiones para su primer album solista desde 1987.
BOWIE 133
1993 1994 1995 1996 1997 1998 1999 2000 2002 2003 2006 2012 2013 2014 2016
Jump They Say alcanza el puesto 9 en UK y Black Tie White Noise se convierte en su octavo álbum número uno en UK. Noviembre: Bowie lanza The Buddha Of Suburbia, un éxito en las críticas, pero sin éxito comercial. La primera y hasta ahora única exhibición de pinturas de Bowie: New Afro Pagan And Work. Outside 1, una colaboración con Brian Eno y con la participación de Mike garson y Reeves Gabrels, alcanza el puesto 8 en UK y se convertiría luego en un favorito de los fans. Bowie da una gira por Estados Unidos junto con Nine Inch Nails y una por Europa junto con Morrisey. Para el tour The Outside Festival, Bowie reintroduce una pequeña selección de canciones conocidas, como Heroes. Hallo Spaceboy, una regrabación del track Outside, de Pet Shop Boys, alcanza el número 12 en UK. Celebra su cumpleaños número 50 con un concierto especial en Madison Square Garden, con estrellas del pop y el rock como Loy reed, Billy Corgan, Robert Smith y Frank Black. El sencillo Little Wonder, alcanza el número 14 en UK y el album Earthling, influenciado por la músical industrial, techno y el drum’n’bass, alcanza el puesto seis. Lanza su propio su propio servicio de internet, Bowienet. hours... su último album con Gabrels, es un éxito en el quinto puesto, y le provee del sencillo en el Top 20, Thursday’s Child. Toca un concierto memorable en el Pyramid Stage, en Glastonbury. Nace su hija Alexandria Zahra Jones, en agosto. Heathen, co-producido de nuevo con Viconti, alcanza el numero cinco en UK siendo un gran éxito y ganando una nominación al Mercury Music Prize. Rechaza ser nombrado caballero. Reality, su album como solista número 24, alcanza el tercer puesto en UK. Empieza el tour mundial A Reality. Recibe un Lifetime Achievement Award en The Grammys. Luego de seis años sin producir, completa y lanza un nuevo album. “Where are we now?” el primer sencillo de su nuevo album, es lanzado en su cumpleaños 66. El album The Next Day, alcanza el primer lugar en 17 países. Lanza un compilado de su carrera: Nothing Has Changed. David Bowie falleció el 10 de enero de 2016 a los 69 años de edad en Manhattan, Nueva York, Estados Unidos, tras una batalla contra el cáncer. Acababa de publicar Blackstar, su último disco, el viernes ocho de enero coincidiendo con su cumpleaños.
BIBLIOGRAFÍA David Bowie - Starman (La biografía definitiva por Paul Trynka) David Bowie The definitive Story - David Buckley (Londres, 1992) Rock & Roll Hall of Famers - David Bowie por Thomas Forget (Nueva York, 2002) Hallo Spaceboy - The rebirth of David Bowie por Dave Thompson David Bowie The man who changed the World - Mark Lewisohn (Londres, 1983) Bowie on Bowie Interviews and Encounters with David Bowie - Sean Egain, 2015