MU88 by MU | MAGAZINE

AÑO VIII. nº88

la revista mensual del siglo XXI THE 21st CENTURY MONTHLY MAGAZINE

Chavela Vargas Por César Saldívar ESPAÑA..............€3.00 U.E....................€4.00

EE.UU.............$6.00 ASIA...............$6.00

AMÉRICA...........$6.00 ÁFRICA..............$6.00

cultura contemporánea • contemporary culture • www.revistamu.com 1MU

| sumario |

año VIII. nº88 «“‘Eli, Eli, lama sabaktani?’”»

-Evangelio según San Mateo 27:46-

PENSAMIENTO

LITERATURA

6 | El guardián de la nada

Olvidando a Salinger

CINE

8 | Oscar Wilde

11 | Flor del Desierto

Soñando en Père Lachaise

ARTE

Waris Dirie a través de los ojos de Sherry Hormann

ARTE

18 | Demons

Royo & Royo y sus sueños oscuros

PINTURA

24| Violeta Caldrés Caleidoscopio y juego de espejos

36 | José Piñar Descarga

José Piñar p. 36 página

28 36

Translation PORTADA

28 | Lucadamo Sacrilegium

MÚSICA

46 | Joe

Crepúsculo

Llegó la hora de Joe

PINTURA

42 | Goitia

Escenas de amor y lujo Pistas

50 | Músicas

Jan Garbarek Group y Egberto Gismonti

MODA

56 | Reto Halme Sensual a irigidas becas duniversitarios a g r to o adrid o de titulados y Canadá). n Caja M os ad Fundaaccióión de postgra, Estados Unid la , o ñ a Cada ntar la form njero (Europ e xtra compleam s en el e ocial esp ñole Áreas S

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a y Jurídic a sanitari Área Bio ica cn té li o Área P Ciencias Área de s y E xactas Naturale sica Mú Área de

Reto Halme p. 56 Includes English Version / Edita: Islamorada ediciones • Presidente y editor: José Ignacio Santos y Gugel (arte@revistamu.com) • Directora: Laila Escartín Hamarinen (redacción@revistamu.com) • Maquetación: Diego Alonso/Mondo Gráfico (mda@mondografico.es) • Product Manager: Luís Moral (Tlf:+34 629946329)• Distribución: Coedis • Secciones: Literatura / Pensamiento: Inés Ruiz / Manuel Ruiz Zamora • mca2 / PISTAS: Jesús Gonzalo • La Columna: Maximina Bescós • Cine: Santiago & Andrés Rubín de Celis •Portada: Lucadamo• Colaboradores: Barbarella, Pablo Blázquez, Marialla Briceño, Luisa Fernández, Pablo Marín Mazcaray, Javier Martín, Juan Carlos Monroy, Lucas Olvido, Javier Panera, Lucía Pérez, Carlos Primo, Javier Redondo Jordán, Lenny Waker • Portal MU: Mondo Gráfico (www. mondografico.es) • Publicidad: 607 738 033 • Redacción: 667 667 816 • Impresión y Fotomecánica: Rotabook• Depósito Legal: SE-951-2002 • ISSN: 1699-1176 • MU no se hace responsable de las opiniones de nuestros colaboradores. MU es una marca registrada. Todos los derechos de las obras reproducidas son de sus creadores. MU es miembro de la Asociación Española de Editoriales de Publicaciones Periódicas AEEPP, perteneciente a la Confederación Española de Organizaciones Empresariales CEOE, a la Federación Internacional de Prensa Periódica FIPP y la Federación Europea de Editores de Publicaciones Periódicas FAEP. El principio fundacional de la revista mu es proporcionar soporte mediático a las nuevos creadores y buscar el acercamiento de la cultura, el arte y la creación contemporánea a los ciudadanos.

Liya Kebede, p. 11

Mejor Publicación 2009 Best Publication 2009

drid.es ncajama fundacio 3MU

Tirando a dar

EDITORIAL

Lo esencial E

l problema de los sistemas y las instituciones es que son demasiado burdas y rígidas para percibir las sutilezas de la realidad. La realidad, ya sea del individuo o del colectivo, es cambiante, nunca permanece, y además, obedece las leyes de la paradoja y del capricho. La realidad es inesperada y sorpresiva, y la única manera de permanecer con ella, es manteniendo un estado de constante alerta y flexibilidad. La institución y el sistema existen dentro un marco rígido de normas y pautas; para poder organizar y controlar esas enormes y heterogéneas unidades que son las sociedades actuales, deben inevitablemente generalizar, por lo cual lo individual y lo singular no tienen cabida en ellas. Vivimos en Occidente un periodo histórico en el que aparentemente –al menos en las cosas externas – disfrutamos de una amplia libertad individual: podemos elegir dónde, cómo y con quién vivir; en qué trabajar; ser religiosos o aconfesionales; ser de la ideología política que más nos plazca; vestir, divertirnos y comer cómo nos venga en gana; etc.. Sin embargo, en un análisis más profundo y afilado, descubriremos que – ¿sin quererlo quizás? – las instituciones hacen violencia al individuo. A la hora de educar a los incipientes ciudadanos en un sistema estricto y uniformador (los colegios), y de utilizar las religiones, los idearios políticos y los medios de comunicación para enviar un modelo de normalidad y conveniencia vital a los individuos, las instituciones y los sistemas ejercen una presión tan fuerte que destruyen la individualidad de los homo sapiens sapiens, que no poseen por naturaleza

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por LAILA ESCARTÍN HAMARINEN (Directora)

una inmensa fortaleza de carácter, y muy pocos llegan a la edad adulta cronológica sabiendo quiénes son y qué desean en su corazón; el miedo a la libertad (o sea, a la vida) es el resultado del funcionamiento de estas eficaces instituciones, que en última instancia están alejadas de la Realidad, porque son básicamente estáticas, y la Realidad es dinámica, (cambiar una institución, o un sistema, es un proceso lento y engorroso). En cuanto los principios, que sostienen a un sistema creado por la voluntad humana, son fijados, se petrifican y mueren. Es imposible que exista una institución si no se mantienen fijos sus principios, sería como tener una casa en la que las paredes, el suelo, las ventanas y el techo están en constante movimiento, creciendo y menguando, como Alicia en el País de las Maravillas. El cambio dinámico y constante desintegra automáticamente la institución. Abrazar la institución es, pues, abrazar la parálisis. Pensemos en las instituciones educativas. Un colegio acoge a cientos de niños. En su funcionamiento diario, el colegio no puede tener en cuenta las necesidades individuales de cada niño, si lo hiciera generaría el caos; y suponer que todos los niños tienen las mismas necesidades, es una imbecilidad y una crueldad. Ergo, la única manera en la que el colegio puede funcionar eficazmente es sacrificando al individuo. Lo mismo sucede con las religiones, que presentan como verdad absoluta un manifiesto de normas de comportamiento y pensamiento, y que no tienen en cuenta que la variedad de situaciones vitales es infinita. Hay muy pocas cosas que categóricamente sean

buenas o malas; si aplicamos la inteligencia, antes de juzgar un acto como bueno o malo debemos tener en cuenta las circunstancias precisas en que se realizó tal acto; las religiones no lo hacen. Cristo en la cruz parece más que nada una alegoría de la crucifixión y el asesinato del individuo libre. Es ineludible admitir que las instituciones y los sistemas son necesarios para impedir el caos en el mundo humano tal y como lo hemos planteado a lo largo de los últimos tres mil o cuatro mil años; la pena es que el precio que se paga es alto. Y una llega a la conclusión de que las sociedades actuales son tan pantagruélicas que no es posible evitar el sacrificio del individuo y de sus necesidades por el bien del colectivo. Pero, para no caer en la desesperanza total, permitidme soñar: si decidimos que prevalezca la inteligencia, la creatividad y el valor, quizás no sea una utopía empezar a pensar un nuevo orden más benigno con el individuo: por ejemplo, colegios más pequeños (como los antiguos colegios de pueblo); hospitales menos masificados (e.g. en Holanda, la mayor parte de las mujeres dan a luz en sus casas con una matrona que les proporciona el Estado, o sea, menos pacientes en los hospitales); y la lista continua. Y ¿al final, qué nos queda? La comprensión de que lo que se le escapa a estas instituciones que sirven a las sociedades masivas, es la sutil esencia de la realidad; son ciegos a lo esencial; lo esencial es movimiento –ya lo decían los Taoístas hace miles de años –, y el movimiento es el peor enemigo de cualquier institución humana actual. Qué lástima. 5MU

Matando a Salinger

promiso inteligente y creativo con la realidad que se ha institucionalizado como una de la formas más pobres de la rebeldía.

PENSAMIENTO

El guardián de la nada: olvidando a Salinger

En la Fenomenología del espíritu, Hegel caracteriza al alma bella por “la huida ante el destino, el negarse a actuar en el mundo, negación que conduce a la pérdida de sí mismo…

publicara una novela en la que se fantaseaba con un Holden Caulfield que ya con setenta años hacía balance de su vida. El hecho de que Salinger consiguiera que los tribunales paralizaran la publicación de la obra no sólo pone de manifiesto la parquedad imaginativa del padre de la criatura, sino la suprema imbecilidad de un sistema de justicia que reconoce

dose, según la lógica interna que determina la negatividad vacía de toda “alma bella”, en un conspicuo y fastidioso ejemplar más de esa moral del resentimiento con la que tan intensamente se identifican muchos de sus admiradores o acabaría, por el contrario, abrazando las virtualidades de ese estadio ético en donde el hombre no es ,

derechos de propiedad sobre entes de ficción, es decir, sobre criaturas que carecen de existencia efectiva. Desde esa lógica , Avellaneda no hubiera podido escribir su versión apócrifa del Quijote y nosotros nos hubiéramos quedado sin la soberbia segunda parte de las correrías del Hidalgo.

sino que se hace en su opciones libres, se construye y llega ser algo nuevo? Al negarse a que alguien fantaseara con la solución de ese dilema, Salinger estaba blindando la dimensión interpretativa más ideológica del personaje, aquella que probablemente coincidía con la suya propia. Nietzsche establece tres expresiones primordiales en su caracterización del nihilismo reactivo: el resentimiento, la mala conciencia y el ideal ascético. En su casa de New Hampshire, Salinger abrazó su destino de sombra: ahora que lo ha alcanzado de forma definitiva, tal vez sea tiempo para comenzar a olvidarlo piadosamente.

por Manuel Ruiz Zamora

a reciente muerte de J.D Salinger ha dado lugar a un verdadero aluvión de exaltadas necrológicas en las que el autor de El guardián entre el centeno podía alcanzar, alternativa o simultáneamente, la dimensión de profeta, de sabio o de santo. “Salinger”, podía leerse en una de las numerosas muestras de admiración que se le han tributado, “no era un escritor sino una religión”. Ciertamente, algo parecido al fervor religioso es lo que conducía a las inmediaciones de su casa de New Hampshire, en donde vivía retirado de las vanidades del mundo, a esas ingentes procesiones de comulgantes cuyo único propósito consistía en el improbable privilegio de poder vislumbrar, aunque fuera fugazmente, la figura siempre escurridiza del Mesías. Ahora bien, ¿en qué consistía la religión que anunciaba Salinger? ¿Cuál era su buena nueva? Por más que estalle como una blasfemia en los delicados oídos de sus incondicionales, hay que decir que la buena nueva que proclaman las obras del autor de El guardián entre el centeno ni es buena ni es particularmente nueva, sino una adaptación, más bien burda, de aquella forma del nihilismo contemporáneo que Nietzsche no dudó en bautizar como reactiva. Si el hombre

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es, según Heidegger, el pastor del Ser y el poeta es el profeta que lo enuncia, Salinger escogió convertirse en el Guardián de la nada que, como ya advirtiera Parménides hace más de dos mil quinientos años, es el camino más seguro del error. El hecho de que El Guardián entre el centeno se haya convertido en un icono de nuestro tiempo no habla tanto de las virtualidades objetivas de la obra como de las deficiencias estructurales de la sensibilidad de nuestra época. Precisamente en estos días se ha inaugurado en la Morgan Library de Nueva York una exposición en la que se muestra la correspondencia que durante casi cuatro décadas mantuvo Salinger con Michael Mitchel, el artista que diseñó la primera portada de El guardián entre el centeno. “El mundo”, confiesa el escritor en una de esas misivas, “es una porquería y se vuelve más mierdoso cada minuto que pasa”. Podría decirse, sin miedo a exagerar, que todo El Guardián en el centeno, no es sino una extensa y, en ocasiones, tediosa apostilla a la pedestre filosof ía que se deriva de esta convicción originaria. “Holden Caulfield” ha escrito uno de los panegiristas del libro, “es un adolescente que rechaza el mundo de los adultos (y el de los compañeros que

no son como él)… El gran tema de la novela es el miedo (recogido en el miedo a hacerse adulto, y tener que entrar en el mundo de los adultos que rechaza) del protagonista”. Ese miedo a hacerse adulto, a abandonar la realidad virtual de la infancia y asumir esa mayoría de edad de la que hablara Kant en “¿Que es la ilustración?” es el rasgo que mejor define a nuestro tiempo. Innegablemente hay algo tierno y conmovedor en la figura desconcertada de ese adolescente que atraviesa las páginas de la novela con la expresión de quien, como diría Cernuda, probó la vida y le supo amarga. Es precisamente esa condición adolescente la que le salva a nuestros ojos. Holden Caulfield puede ser un imbécil insoportable, un adolescente sumido en un estado de confusión de dimensiones oceánicas o, simplemente, un niño mimado, pero nada, ni siquiera su carácter, aún inconcluso, le determina a tener que seguir siéndolo para siempre. Por el contrario, el hecho de que el infantilismo ético y el espíritu de negación que caracterizan a la novela se hayan convertido en referencias ideológicas para amplias sensibilidades de nuestro tiempo nos habla de esa resistencia a adquirir un com-

Le falta la fuerza para alienarse, la fuerza para hacerse una cosa y aguantar el ser”. El sórdido deambular del protagonista de El Guardián entre el centeno demorando el momento en el que habrá de encarar su suerte es el símbolo impecable de esas vidas que se estiran en la esterilidad de una eterna adolescencia para no tener que asumir la efectividad de los límites que implica todo destino. No obstante, lo que en un adolescente apenas supone una etapa, hasta cierto punto necesaria, de búsqueda de la propia identidad, convertido en rasgo cultural termina siendo deletéreo. Por eso, me parece tan reveladora la demanda que Salinger interpuso contra un autor sueco para impedir

Y, sin embargo, la idea del autor sueco no podía ser más sugestiva desde un punto de vista filosófico. ¿Cuál habría sido la evolución moral de ese desmoralizado balbuceo adolescente que se arrastra con el nombre de Holden Caulfield? ¿Terminaría perseverando espinozianamente en su ser y convirtién-

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Encuentro

LITERATURA

Oscar Wilde en Père Lachaise

ción continua. Del mismo modo que el célebre «Perdonen que no me levante» del nicho de Groucho Marx, los epitafios falsos adjudicados a Wilde, siempre de una grandilocuencia exagerada, han proliferado a lo largo de los años. Destacan, entre ellos, algunos extractos bíblicos del Antiguo Testamento, también greguerías pomposas que evidencian su fama de ególatra, otros

de su existencia su obra más ambiciosa. Las marcas de labios y su rastro de carmín reseco no hacen otra cosa que dar al conjunto una pincelada extravagante, la de los esnobs que luego seguirían sus mismas pautas, la de la decadencia de los románticos tardíos. Ni siquiera figuran las dos fechas que delimitaron su paso por la época que le tocó vivir, como si la esfinge de per-

absurdos, la mayoría divertidos. En el mausoleo del escritor, sin embargo, bajo el relieve de un ángel modernista que a muchos nos parece la metáfora de una esfinge esculpida en pleno vuelo, sólo aparecen dos palabras labradas, «Oscar Wilde», diluidas en una concupiscencia de labios femeninos. Me reconforta contemplar la forma con que su sepultura guarda silencio en respuesta a todo el ruido que el mundo generó en torno a su vida, todo ese ruido que luego ha persistido después de muerto, distorsionando su legado. Constituye el último desplante, eterno en tanto póstumo, de un esteta que vivió según los cánones del arte y escribió según los de la vida, haciendo

fil antiguo que concibió en su cuento nos escamoteara cualquier pista de los días de su autor, de modo que su enigma permanezca sin despejar. Dos incógnitas que pueden hallarse con facilidad en los libros de texto, pero que, robadas a la piedra, adquieren escasa trascendencia, como si su omisión manifestara la inutilidad de medir el tiempo terreno cuando se ha alcanzado la inmortalidad mediante la literatura. Lástima que cuando uno rodea el mausoleo se dé de bruces con una larga inscripción en la parte trasera que da la espalda a la avenida. Allí puede leerse, enmarcada en la losa que aplasta la tumba sobre la tierra, una profusa biograf ía de Wilde en la que resal-

tan, como dos puñaladas hendidas en la placa, explícitamente, esta vez sí, los años de nacimiento y defunción. Sigue un versículo del Libro de Job que ensalza su elocuencia y su encantador charme personal: «Tras mi palabra no replicaban, y mi razón destilaba sobre ellos». Y debajo, unos versos de La balada de la cárcel de Reading:

París es célebre por sus cementerios, en los que yace la grandeza ilustrada de Francia tras el cataclismo de 1789 y los escasos fulgores de su Historia posterior por Javier Redondo Jordán www.redondojordan.com

o existen en el mundo ciudades como París, donde sus camposantos se visiten por los turistas y sirvan de peregrinaje a los viajeros por igual. Esa comunión es inédita en otros enclaves. Si acaso con las salvedades de Roma y Viena, aunque en menor medida. Lo cierto es que se ha pasado uno los últimos años buscando fantasmas por entre los cipreses y las veredas terrosas de los cementerios de Europa y no ha encontrado en ningún otro lugar tanta devoción por la estela de los caídos como en la capital francesa. Decía Oscar Wilde que «el único amor consecuente, fiel, comprensivo, que todo lo perdona, que nunca nos defrauda, y que nos acompaña hasta la muerte es el amor propio». Quizá por eso su lápida en el cementerio del Père Lachaise esté cubierta de besos. Y pese al buen concepto que tenía de sí mismo, los besos no son suyos, sino de las mujeres parisinas que al hilo de más de cien años han velado su letargo y lo han amado a escondidas, puesto que a él le era más grata la compañía de los hombres. También aseguró el escritor, poniéndolo en otros labios, los de Salomé, de MU8

encanto tan legendario como letal, en una escena de su obra de teatro ante Herodes Antipas, que «el misterio del

amor es mayor que el misterio de la muerte». Las pocas flores que reposan al pie de su mausoleo están mustias,

pero Wilde disfrutó con opulencia de las mieles de Eros y bebió los vinos de su juventud como pocos, y si descubrió el secreto del querube en sus últimos años de exilio en París, tal vez Thanatos adelantara el final del hilo de las Moiras de manera que no pudiese participar de su hallazgo al resto de los mortales en letra impresa. A los ingleses les gusta, por tradición, atribuir citas ingeniosas a Wilde, aunque el irlandés no las pronunciara nunca. Incluso la frase que abre este capítulo podría ser falsa. Quién sabe. He buscado una constatación bibliográfica que la respaldara y no he podido encontrarla. Con todo, se non è vero, è ben trovato. A él no le habrían disgustado esas atribuciones ilegítimas en tanto alimentaran su leyenda y sirvieran a un fin estético. Antes de que Unamuno pronunciara con sutil ironía aquello de que «lo importante es que hablen de uno, aunque sea bien», Wilde ya había hecho afirmar a su Dorian Gray que «sólo hay algo peor que el hecho de que hablen de uno, y es que no hablen de uno». Y no sólo se han tergiversado sus afirmaciones: la inscripción de su tumba también ha sido objeto de mistifica-

And alien tears will fill for him pity’s long broken urn, for his mourners will be outcast men, and outcasts always mourn. «Y por él lágrimas ajenas llenarán la urna de la piedad, / rota desde hace tiempo, / pues quienes le guarden duelo serán los parias, / y los parias siempre están de luto». A la vista de esa estrofa, que Wilde dedicó a un preso ahorcado en la explanada de la prisión de Reading, parece como si recitara su propio réquiem, esperando que la muerte fuese a visitarle a su celda, citándola, apremiando su encuentro, temeroso de que sólo los presos asistieran a su 9MU

English Version P60

Encuentro

entierro y de yacer para siempre en la tumba desnuda de un patio penitenciario. La inquisición victoriana lo había acusado de «indecencia grave» por sus devaneos homosexuales y su falta de decoro a la hora de soterrarlos en sociedad. Tuvo que aplicársele la pena máxima, pues el caso tomó una magnitud tan desorbitada en la prensa que la simple sospecha de que la Corona le diera a Wilde trato de f avor habría supuesto un peligroso problema de Estado. De este modo, la imprudencia del esteta le valió una condena de dos años de encierro y trabajos forzados que le minaron la salud y el alma, pero de la cual surgieron sus obras más elevadas y desgarradoras: La balada de la cárcel de Reading y De profundis. El escritor apen a s s obre v i v i ó tres años a la cárcel, pero nunca perdió el humor, tanto más cáustico cuanto más profundo se abría el abismo ante él. Cumplida su condena, huyó de la maledicencia británica al exilio. Buscó refugio en Francia bajo el nombre –no exento de cinismo – de Sebastian Melmoth, como el oscuro y desgraciado protagonista de la novela gótica de su tío abuelo, Charles Maturin, y finalmente recaló en París, alojándose en la habitación 16 del Hôtel d’Alsace,

Wiherheimo Oopperan MU10

un edificio suntuoso en el barrio de Saint-Germain-des-Prés donde Wilde, durante sus últimos meses, estuvo muriendo por encima de sus posibilidades. Hacia el final de sus días podía vérsele

caminar solo por los bulevares parisinos, ebrio en ocasiones, buscando bajo en el firme asidero de las farolas, tras las esquinas, sobre los puentes, la alegría perdida que antaño solía bastar para prender el fuego creador de la literatura. Poco después llegó la agonía, y el tálamo se volvió lecho de muerte.

Fue Robert Ross, amigo fiel y el primero entre sus amantes masculinos, quien pagó todas las deudas de Wilde y se hizo cargo de la construcción de su mausoleo en Père Lachaise cuando se trasladaron sus restos desde el cementerio de Bagneux. Mandó hacer, en su interior, un co mp a r t i m e nt o en el que reposaran sus propias cenizas junto a las del escritor inmortal cuando muriera. También de su autoría es la inscripción en la cara oculta de la tumba, que resulta ampulosa y excesiva. Aunque bien pensado, a fin de cuentas, así era Wilde, y él lo conocía bien. Tal vez Ross fuese la única persona que jamás lo traicionó, que supo amar al esteta más allá de sus poses estéticas , y ac a so Wilde re cono ciera en esos ojos el brillo adamantino del amor verdadero. Por eso le hizo entrega de los manuscritos que con tanto celo había conservado durante sus años de encierro. Como único ruego, a sus carceleros de Reading les había pedido mantener consigo en todo momento, como una segunda piel, los papeles escritos en la penumbra del calabozo, a sabiendas de que serían quizá las últimas palabras que legaría a la leyenda que había despertado la imaginación de su siglo. Y así fue.

Mutilación Genital Femenina

CINE

Flor del desierto

Hay películas que deberían ser parte de la enseñanza escolar, Flor del desierto es una de ellas Por Mariella Briceño & Laila Escartín Hamarinen

La película Flor del desierto (2010) dirigida por Sherry Hormann y producida por Peter Herrmann cuenta la historia de la supermodelo, activista y escritora Waris Dirie. El guión, escrito por la directora, está basado en la novela autobiográfica Flor del desierto de Waris Dirie, escrita en colaboración con Cathleen Miller y publicada en 1997. La novela ha vendido hasta el momento 11 millones de ejemplares en todo el mundo, y además de ser un recuento del trayecto vital de Waris Dirie desde el desierto de Somalia y una vida primitiva, hasta las pasarelas de Nueva York y París, la riqueza y el activismo humanitario, es una denuncia de una costumbre ancestral y aberrante que sigue muy activa en las comunidades africanas de todo el mundo (y en menor medida en comunidades árabes e indonesias): la mutilación genital femenina (MGF). El productor alemán se acercó a la directora germano-alemana con el libro de Waris y le propuso que lo dirigiera. Sherry Hormann lo leyó y accedió; y directora y productor se reunieron con Waris Dirie, cuya primera reacción escéptica fue: ‘¿Por qué una directora blanca que nada sabe de África quiere dirigir la historia de mi vida?’ Pero el instinto le dijo que confiara en la alemana, y un tiempo después, y tras

mucho trabajo, las dos mujeres, junto con el equipo que trabajó en la película, presentan al mundo el feliz fruto de su colaboración. La supermodelo etíope Liya Kebe-

de hace excelentemente el rol de Waris Dirie, el resto del reparto se compone entre otros de: Sally Hawkins (Marilyn), Timothy Spall (Terry Donaldson), Juliet Stevenson (Lucinda), Meera Syal (Pushpa Patel). Los que hacen los papeles de la familia de Dirie son somalíes no-actores. La película se rodó en Londres, Nueva York, Djibouti para las escenas del desierto y Mogadiscio –la capital Djibouti es muy parecida a lo que era Mogadiscio antes de la guerra, según palabras del productor – y Colonia, Berlín y Munich para los interiores. Flor del desierto trata un tema dramático y chocante; no es una película que revolucione el lenguaje cinematográfico, más bien es muy correcta

y convencional, pero el gran logro de Sherry Hormann ha sido presentar el amargo tema de la mutilación genital femenina de una forma sensible, entretenida y luminosa. Una gran motivación detrás de la producción de esta película –además de que la historia de Waris Dirie es una gran aventura dickensiana –, es la divulgación a nivel mundial de la realidad de la MGF, y qué mejor manera de llegar al gran público que haciendo una película comercialmente impecable. La película hace reír y llorar; y entretiene y divierte con la belleza de los parajes filmados, la ligereza del mundo de la moda, y el sentido del humor que está presente en muchas de las escenas. Flor del desierto, por su mensaje, es una película que cambiará la visión de la realidad de todo espectador sensible, pero en ningún momento sume al espectador en un estado de negra angustia, más bien inspira, fortalece y da esperanzas de que con el cambio de actitud propia se puede mejorar este mundo. Pensamientos de dos mujeres tras el visionado de Flor del Desierto ‘Compasión es la primera palabra que me viene a la cabeza. Compasión por Waris, por toda mujer mutilada, por las madres que creen que tienen que hacerlo… no es falta de amor, no es que no quieran a sus hijas, es ignoran11MU

Mutilación genital femenina

cia pura y dura. La directora Sherry Hormannn ha bordado la historia, con un guión impecable, con los detalles amorosos, delicadezas, el humor y el dolor justos. Irónicamente, la madre que mutila a la protagonista es la misma que le abre la puerta del camino a su espíritu para que pueda entender su propio proceso, cuando le cuenta en un maravilloso flashback el dolor padecido por sus ancestros, allí Waris una vez más se llena de valor. Lo más duro son las heridas abiertas: 20 años después, Waris retoma contacto con su madre y ésta le reprocha que porqué lucha contra la ablación femenina, que porqué no puede aceptar la voluntad de Alá… me imagino la impotencia de Waris, su dolor; la mutilación vuelve a suceder una y otra vez. Esta mutilación abarca todos los campos, como la sangre derramada alcanza y tiñe todo lo demás por el resto de sus días. Esta historia va a ayudar a muchas personas. Gracias Waris, porque al enseñarme tus heridas me ayudas a comprender las mías propias. Ahora mi pregunta es: ¿Cómo voy a poder dormir cuando según la ONU, alrededor de unas 8.000 niñas son sometidas diariamente a semejante atrocidad? Sí, 8.000, esto es aproximadamente una niña cada 3 minutos, y esa falta de aliento de la niña antes del acto, ese terror, ese llanto que desde ayer retumba en mi cabeza, no se queda en las piedras del desierto, ese llanto abarca el Universo entero. Creo que todos deberíamos, hombres y mujeres, reaccionar de la misma manera que la periodista en la película, rompiendo a llorar y haciendo algo al respecto. La religión la inventó el Hombre, y la ablación femenina también, es una tortura y por lo tanto tiene que ser abolida. Como dice Robert Thurman en su libro ‘Infinite Life: Seven Virtues For Living Well’: “[…] Las condiciones de aquellos que te rodean afectan tu estado de expeMU12

La nueva moda en cine

riencias. Si todos a tu alrededor agonizan, tú sufrirás. Si construyes muros a tu alrededor para protegerte, si vives en la negación, te deprimirás, y serás presa de un ánimo pesado. No sabrás porqué y buscarás distracciones. Pero el estado anímico opresivo te dominará. Así pues el primer paso para sobreponerte de tu depresión es darle la espalda a tu egocentrismo, abrir las puertas y ventanas de tu vida, y mirar

bien la realidad de todos aquellos que te rodean. Éste es el primer paso para satisfacer profundamente tu cambio espiritual…. No tienes que sentirte existencialmente culpable, pero tampoco deberías utilizarlo como excusa para olvidarte de los que sufren.” Mariella Briceño ‘Waris Dirie es un ejemplo impresionante de valor y de fe en la vida; esta mujer ha sufrido en sus carnes el horrible destino de ser mutilada a la edad de 5 años, sin anestesia, sin higiene, porque es tradición en el lugar en el que nació. Tuvo suerte de sobrevivir a la infección posterior; sus dos hermanas murieron. Hace miles de años –antes de las religiones monoteístas –, el Patriarca del Egipto Faraónico decidió castigar a la Mujer robándole su derecho natural a disfrutar de su superior capacidad de placer sexual (no olvidemos que en el reino animal, el único órgano cuya sola función es proporcionar placer sexual –el clítoris – lo posee la hembra de homo sapiens sapiens); el Patriarca declaró esa cosa, que la Mujer tenía

entre las piernas, impura y maligna; cogió una cuchilla afilada, se acercó a una niña pequeña (la maldad hay que arrancarla en la tierna infancia para evitar la corrupción) y cortó el clítoris, los labios mayores y menores; cosió la herida con hilo o la cerró con espinas (infibulación), para esperar el momento, tras la boda, en el que el marido la abriera con un cuchillo para penetrar a la recién estrenada esposa, con el fin de su propio placer y de fecundarla para que le diera hijos. Sin anestesias, sin piedad, con terrible dolor y espanto. ¿Cuatro mil años? ¿Seis mil años de mutilaciones? El horror y la sinrazón no tienen límite; es inexcusable, intolerable, imperdonable. No es una tradición cultural a respetar; es una tortura, es un asesinato, es el summum del odio que el Patriarca le tiene a la Mujer. Hermanas, tengo una noticia que daros, nos odian. ¡Hay que ponerle fin! A las mujeres blancas nos lo hacían en la Edad Media, hasta en la Inglaterra victoriana si éramos declaradas desviadas sexuales, o si nuestro marido decidía acabar con nosotras; ya no, pero ¿no deberíamos ayudar a nuestras hermanas africanas? ‘Waris’ significa ‘flor del desierto’; no permitamos que pisoteen ni una flor del desierto más. Waris Dirie, y tras ella, Sherry Hormann y su productor Peter Herrmann (y todo el equipo), han venido a contarnos de una manera hermosa y conmovedora, que en el mundo, a millones de niñas les hacen algo espantoso que ninguno de nosotros desearía a nuestra propia hija; Occidente, sus políticos y poderosos financieros, tienen tanto poder sobre el mundo entero (nos guste o no admitirlo), que es su ineludible responsabilidad hacer un serio esfuerzo por presionar a que renuncien a esta abominable costumbre a aquéllos que la ejecutan y la permiten. Id a la web de la Fundación de Waris Dirie, os dará información valiosa: http://www.waris-dirie-foundation. com/’ Laila Escartín Hamarinen

CINE

Tres dimensiones

El 3D está de moda, es innegable. La expansión se venía gestando desde hace unos años pero no ha sido hasta ahora con la explosión de Avatar cuando esta técnica ha tomado un impulso quién sabe si definitivos Por Pablo Marín Mazcaray

El mal llamado 3D La tercera dimensión existe desde que se inventó el cinematógrafo y los objetos se captan con perspectiva y volumen, es decir, como son en realidad. Lo que hace esta técnica es remarcar la separación entre los distintos elementos que están a distinta distancia de la cámara, aumentando la profundidad de campo y con ello la sensación de amplitud del conjunto, teniendo como consecuencia una mayor cercanía y vivencia del espectador con respecto a las imágenes que ve; se está apoderando de nuestro vocabulario y de nuestra forma de entender la comunicación, la tecnología y el progreso. Sin embargo este avance tecnológico está empezando a asociarse con una revolución cinematográfica y con una nueva manera de entender el cine que entraña ciertos peligros. Una película no es mejor porque se utilice el 3D, y si aceptamos que sí lo es, estamos acercando al cine a la categoría de un coche o un avión a reacción y alejándola de un cuadro o una sinfonía. Aunque actualmente este

tipo de películas se empiezan a pensar más en cuestiones técnicas que en cuestiones artísticas. Parece que con coger un mito cualquiera y cambiar el contexto, los personajes y los ambientes para hacerlos espectaculares ya es suficiente. Nadie encontrará en Avatar nada distinto al clásico mito del buen salvaje, ya visto en Pocahontas, Bailando con lobos o El último samurai, por citar tres de los numerosos ejemplos que hay. El éxito de Avatar es visual, es técnico, es llevar al extremo una nueva forma cinematográfica, ayudada por la mayor inversión hecha jamás para una película. Es un éxito de marketing, pero nunca será recordada como una gran película. Avatar no es más que El cantor de Jazz de la modernidad, y ni siquiera llega a ser un pionero, pues ya existían varios precedentes de películas que se han estrenado con esta técnica. Maravillados por las posibilidades que dice ofrecer al espectador, la mayoría de los cines se están transformando para poder proyectar películas en 3D. Y esto se hace sin pensar, se hace por-

que parece que la innovación técnica es sinónimo de mejora, porque con una inversión jamás vista en publicidad se vende más y se tiene capacidad para mandar más. Se habla de que en el futuro todas las películas se producirán y verán en 3D, se marcan plazos como 2012 o 2015 y varios estudios de Hollywood, impulsados por Jeff Katzenberg y Steven Spielberg, fundadores de Dreamworks, están tomando decididamente este camino. La incógnita que se plantea ahora es, si las intenciones de Dreamworks llegan a buen puerto y todos los cines exhiben películas en 3D, qué va a pasar con el cine independiente y de autor. Sin intención de infundar miedo, el fantasma de una posible desaparición empieza a sobrevolar levemente el pensamiento de no pocos cinéfilos. Sin sitio donde exhibir ni gente dispuesta a exhibirlo, porque es menos rentable que el 3D, es razonable preguntarse por el futuro de este cine. Es poco probable que en los ambiciosos plazos marcados por los estudios, todos los cines y producciones estén acondicionadas al 3D, pero mirando 13MU

La nueva moda en cine

más al futuro y viendo la pujanza de la venta de televisores 3D, es lícito pensar en que el fotograma se va a unir al club del Beta, VHS, casette, disco de vinilo, y próximamente DVD y Blu-Ray (ambos condenados a la desaparición si se implanta el Blu-Ray 3D) Con este panorama, la pregunta es obligada, ¿es esto necesario más allá que para una estrategia de venta masiva? Los defensores del 3D comparan la introducción de este sistema al del color o al del sonido, que fueron vistos de manera reticente al principio, pero que luego se acabaron aceptando y tomando como necesarios y normales. La diferencia del sonido o el color con el 3D es que los dos anteriores aportaron innovación artística y permitieron una mayor variedad en lo que se refiere a la transmisión narrativa y estética del cine. Se podían utilizar para enfatizar el contenido de la película, para que las historias ganaran en matices y se enriquecieran, y con ello el cine ganó en expresividad. Sin embargo, esto es una cualidad que el 3D no posee puesto que la diferencia entre la profundidad de campo de una película 3D con una tal y como la conocemos, no es ni tan grande ni tan constante como para que varíe mucho lo que puede transmitir una película. El 3D lo único que hace es enfatizar momentos en la película para que el salto en la butaca sea mayor o para que los planos generales luzcan un poco más. El 3D aporta momentos contingentes, casi instantes, de una exaltación mayor que una película al uso. Instantes que sólo buscan el espectáculo fácil y que no justifican el cambio entero de toda una industria y ni mucho menos la devaluación (esperemos que no desaparición) del cine de menor presupuesto o del cine tal como lo conocemos ahora, al imponer su forma de visión. Veremos qué sucede en el futuro pero la implantación definitiva del 3D parece incuestionable, la verdadera pregunta es qué pasará con el cine que dispone de menos recursos y si realmente este sistema aportará algo más significativo que el dinero fácil. MU14

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Carmen Molina Cantabella

ARTE

“Nada es lo que parece”

La joven artista Carmen Molina Cantabella (Murcia, 1977) comienza a destacar notablemente por encima del resto de artistas de su generación. Su arte comprometido con el entorno sociopolítico que la rodea, la convierte en ese tipo de artista opuesto a los convencionalismos y estereotipos, que suelen aislarlo de su contexto vital y lo ensimisma en la ejecución de su obra dentro de cuatro paredes por Juan Carlos Monroy

ara C antab ella , expresión, arte y opinión caminan juntas de la mano. Proyectos como “Vallas” del año 2008 da buen ejemplo de ello. En esta exposición individual, la artista, junto a su habitual galería Babel, consiguió convertir los espacios publicitarios urbanos en enormes cuadros en los que el mensaje estrictamente publicitario, extraído de su contexto, modificado y aplicado en otro, adquiría lecturas opuestas que no dejaban indiferente al viandante, como habitualmente ocurre con la publicidad tradicional. Otro ejemplo destacado lo tenemos en su proyecto más reciente del 2010, denominado “La leyenda Negra”. En este proyecto Carmen Molina Cantabella continúa su invitación a la reflexión a todo aquél que se cruce en su camino. Según sus palabras “La leyenda negra condenó a España a los MU16

ojos de Europa y esa crítica pesimista la hemos seguido sufriendo mientras España perdía sus territorios imperiales y mientras sufríamos un siglo XX de dictaduras y aislamiento internacional. La España de hoy no es heredera de todos esos sucesos históricos y el resto de Europa y del mundo tiene que dejar de culpabilizarnos por esta supuesta pobreza”. Viendo algunas de las obras integrantes de este proyecto, es evidente que Cantabella ha sabido expresarlo de un modo contundente, notorio y que no dejará a nadie de lado, especialmente cuando las imágenes son mostradas en laterales de autobuses y marquesinas urbanas. Valgan como ejemplo los retratos de María Ana de Austria “customizando” el retrato original que realizó en su momento Velázquez o el del Conde Duque de Olivares, también de Velázquez, pero

en esta ocasión cabalgando a lomos de una lata de conservas. Es innegable la influencia de la iconograf ía más “Pop” en la obra de Carmen Molina Cantabella, así como de la propia publicidad a la que devuelve su mensaje en un efecto boomerang pero cargado de ironía, acidez y cierto veneno de efecto mortal. Para los tiempos que corren en los que la crisis nos está convirtiendo en seres más escépticos, mensajes enviados por artistas de la talla de Cantabella no hacen más que ofrecernos la oportunidad de reflexionar sobre si el mundo que hemos construido es el que queremos. Mientras pensamos sobre su obra, ella seguirá trabajando con más proyectos que la tendrán ocupada próximamente en ciudades como México, lejos de su Murcia natal, la ciudad que puede presumir de artista. 17MU

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Royo & Royo

ARTE

Demons

Demons es el título del nuevo portafolios que nos ofrecen Rómulo Royo y Luis Royo. Se trata de una mirada hacía el interior y hacia las partes oscuras del hombre y de la sociedad; además, nos da camino a una historia en un futuro cercano en el que aparecen ángeles, demonios y otros seres por Barbarella

ste p or t afolio s de e dic ión limitada se puede conseguir en www.royo-royo.com. Los ar tista s (padre e hij o) también están con un nuevo proyecto titulado Time Malefic. Hasta el momento presente la trayectoria de los artistas ha ido por caminos distintos , pero ahora se ha unido para desarrollar nuevos proyectos comunes, en los han decidido fundir sus dos mundos. Luis Royo es uno de nuestros artisMU18

t a s m á s co n o c i d o s i nt e r n a c i o nalmente, sus dos últimos libros publicados son Dead Moon y Dead Moon Epiloge. Las obras de Rómulo Royo, que pertenecen a la serie Metal-Piel, pronto se podrán ver en la galería MS (del 15 de abril al 22 de mayo), fueron recientemente expuestas en el Museo de Alejandría. http://es.wikipedia.org/wiki/ Romulo_Royo http://es .wikipedia.org/wiki/Luis_

Royo Los trabajos comunes de estos dos artistas nos sumergen en lo desconocido, lo prohibido, la belleza y las religiones sucias y muertas; y nos enfrentan con materiales profanos transformados en cuentos críticos sobre el mundo, la monotonía, los miedos y tabúes actuales. Contemplando las obras podemos detectar el deseo del ser humano de sumergirse en lo más oscuro e interior de sí mismo. Luis Royo

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Royo & Royo

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Luis Royo

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Fantasías animadas de ayer y hoy

ARTE

Merry Melodies

Era el nombre de una famosa y muy recordada serie de dibujos animados realizada por Warner Bros Pictures entre 1931-1969, y constituyó uno de los hitos de la era dorada de la animación infantil por Javier Panera

as técnicas de animación –ya centenarias y tradicionalmente asociadas a la industria cinematográfica y del entretenimiento – gozan de gran pujanza en el arte contemporáneo actual y están ayudando a muchos artistas a replantearse las posibilidades formales y conceptuales del dibujo. En los últimos veinte años, las técnicas y los soportes artísticos han evolucionado a un ritmo vertiginoso y actualmente las posibilidades de manipulación de la imagen –sea ésta real o virtual – son prácticamente infinitas. Hacia dónde nos va a llevar la tecnología electrónica y digital y todas sus hibridaciones con otros medios es algo MU22

que dif ícilmente podemos calibrar, lo que sí parece evidente es que está afectando de un modo contundente tanto a las estrategias de creación como al estatuto de recepción y circulación de las imágenes, arribando a un territorio en el cual los límites entre lo gráfico, lo pictórico, lo fotográfico y lo digital se estrechan hasta parecernos completamente borrosos. La exposición parte de la doble premisa de trabajar con “imágenes animadas” y contar historias –pero en este caso para adultos – que pongan en escena afectos, emociones, relaciones de poder, obsesiones y miedos, pero sin renunciar a la ironía y a un cierto “toque infantil” que

haga honor al título; esta exposición reúne una serie de trabajos de artistas emergentes que redefinen una técnica milenaria como es el dibujo, desde dentro, pero al mismo tiempo logran situarla en el siglo XXI a través de hibridaciones y encuentros con nuevas técnicas y soportes, como el vídeo, la animación digital, la arquitectura o la instalación. Artistas que participan: Paco Guillén, Fernando Gutiérrez, Chema Alonso, Juan Zamora, Violeta Caldrés, Abigail Lazkoz, Marta Serna, Vicente Blanco, Enrique Marty, Ruth Gómez, Paco Guillén, Diego del Pozo, Lin Ming Hui, David de la Mano, Pablo S. Herrero. 23MU

¡Viva la Caldrés Violeta tauromaquia!

ARTE

Caleidoscopio y juego de espejos

La obra de Violeta Caldrés despliega ante nuestros ojos las infinitas complicaciones de la identidad y sus múltiples reflejos. Con sus formas ambiguas, su poderoso cromatismo y su inquietante complejidad, estos dibujos y recortables parecen surgidos del caos y, sin embargo, dan forma a una imagen definida y esclarecedora de las topografías íntimas de la vida contemporánea por CARLOS PRIMO

as relaciones de poder, las transacciones sentimentales, el amor como moneda de cambio y la fisicidad de las emociones son asuntos representados en forma de asunción de roles, de reglas pactadas, de juego infantil –en definitiva – para adultos. No es casual tampoco que el recortable se convierta aquí en soporte expresivo: las piezas se montan, se desmontan, se combinan entre sí y son intercambiables. Sin embargo, no hay ningún tipo de ingenuidad; el juego es la actividad más seria que existe y, en la obra de Violeta Caldrés, el juego tiene connotaciones nada triviales. La crisis económica y social que impregna todo afecta también al modo en MU24

que el hombre y la mujer capitalizan su cuerpo, su deseo y su sexualidad. Lo sexual –por ejemplo, lo genital – tiene en estos dibujos una fuerte presencia, y cumple dos objetivos: por un lado, subraya de manera exultante la importancia vital de esta dimensión humana; y, por otro, cosifica el cuerpo para convertirlo en herramienta de negociación, en mercancía y en generador de oportunidades. En sus dibujos busca sobre todo la autenticidad, lo inmediato y la comunicación directa con el espectador a través de la recreación de escenas cotidianas y simbólicas. Aquí lo que importa es el gesto –perfectamen-

te depurado, por otro lado – que se transforma en escritura, en caligraf ía íntima, en puesta en práctica de un lenguaje ya consolidado y con entidad propia. De hecho, el criterio que prevalece en estas obras es el de lo comunicativo, lo compartido, lo comprensible. La obra de Caldrés tiene mucho que ver con el arte popular, con claves icónicas manejadas durante siglos en culturas muy diversas. En ese sentido, nos encontramos ante una artista muy española, con lo que este adjetivo contiene de directo, pasional, emocional y, también, de asunción de distintas tradiciones iconográficas: la imaginería hindú –por ejemplo, en la disposición de los cuerpos – o

Violeta ¡Viva la Caldrés tauromaquia!

el folclore árabe son influencias atípicas que proporcionan a estas obras una profundidad que, sin embargo, va mucho más allá de un simple pastiche multicultural. Muestra de ello es su delicado cromatismo casi finisecu-

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lar –un poderoso contraste de rojo y negro sobre fondo siempre blanco – y, sobre todo, la enorme eficacia de su lenguaje. Lo bueno y lo malo, lo noble y lo indigno, lo feliz y lo trágico, lo infantil y lo erótico participan

en este baile de máscaras, en esta infinita variedad basada siempre en componentes fácilmente identificables por todos: el cuerpo, el sexo, la mirada, el corazón o el dinero. Pasen, vean y reconózcanse.

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¡Viva la tauromaquia! Lucadamo

PINTURA

Sacrilegium

Negro refulgente sobre negro profundo; los huesos translucen un naranja vital; líneas negras y grises; sombras; el blanco crudo de la muerte vieja; Anticristo se secó en la cruz, nunca resucitó, y un intenso halo de oro le corona su cráneo de pájaro. La muerte prevalece. Sacrilegium! por Laila Escartín Hamarinen

os cuadros de esqueletos de Lucadamo poseen la misma sensualidad y gravedad que las pinturas de la Edad Media y el Renacimiento; son apaciguadores al mismo tiempo que remueven los sentimientos y pensamientos más inquietantes; y la inevitable tragedia de la muerte (Anticristo) se confunde con el aspecto cómico de la vida (Ratas): tragicomedia. Nulla ethica sine aesthetica; nulla aesthetica sine ethica La obra de Lucadamo evidencia una gran maestría técnica; no se llega a la belleza sublime si no tropezando miles de veces en errores y accidentes, que suceden durante las incansables horas de trabajo en la soledad del estudio, y que terminan desemMU28

bocando en felices descubrimientos. Sus esqueletos son de belleza sublime, y el corazón no puede más que conmoverse ante ellos. El tiempo se detiene en la deliciosa pincelada del artista; la estética –la belleza que percibe el ojo – se enreda con el pensamiento –hijo de la inteligencia, el conocimiento y la experiencia – y dan a luz a una obra pictórica cuya existencia no se limita a su realidad visual, sino que hunde sus raíces más hondo, en las ideas, en las emociones, in aeternum. Seré pájaro arrodillado ante el homo volucris sapiens crucificado ad infinitum Y entonces, tengo una iluminación. El Anticristo soy yo, la Mujer, la que fue crucificada no para que redimie-

ra a los hombres del pecado original, sino por envidia del útero, y la que no resucitó al tercer día, mas cuyas carnes se pudrieron en la soledad de la cruz –mi cabeza se vuelve pájaro en el desvarío de mi silencio impuesto –. Pero ha llegado el día de la resurrección. Lucadamo abrió las puertas del Infierno, y Samael hecho huesos –el hermano serpiente de Lilith, la primera mujer – repta desde su oscura morada, se enrosca a los pies de la Cruz de la Anticristo, y comienza su ascensión –Anticristo volucris transmutó en Mujer y sus huesos translucen un naranja vital; mira cómo abre sus ojos; cae la corona de espinas –. Una interpretación. ¿Y la tuya? 29MU

Lucadamo

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Lucadamo

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¡Viva la tauromaquia! Ricardo Angélico

PINTURA

God is great, but God is greater

God is great, but God is greater nos pone en la pista del universo absurdo y misterioso en el que habitan los personajes de las obras de Ricardo Angélico por Javier Martín

lg u n a s d e s u s c r e a c i o n e s están basadas en relatos de sueños que un paciente de Freud le relataba a través de dibujos; uno de los cuadros representa un gran árbol en el que habitan amenazantes lob os , y bajo cuya superficie helada patinan alegres y despreocupados unos niños; otras se basan en Twin Peaks, la serie de televisión estadounidense de David Lynch, en la que los personajes hablan al revés y siempre suena una música diferente; el universo creativo del escritor e ilustrador americano Edward Gorey, notable por MU34

sus tortuosos dibujos, también ha sido fuente de inspiración. Ricardo Angélico describe así sus últimos trabajos: ‘¿Qué ocurriría si Beckett resucitara como director de un museo o curador de una galería? Puede que ésa sea una presentación suficiente de lo que proponen estos cuadros dramáticos, en los que los actores, encerrados entre paredes invisibles, organizan con todo tipo de objetos raros (el arte…) una especie de comedia indefinida , un juego de

contemplación significante que es también una exposición imaginaria, de tema y autores virtuales. En lugar del teatro, el museo de arte contemp oráne o, con e scenar ios , aderezos, personajes o fig urines, y un enredo que puede desplegar en cualquier dirección. En estos dibujos, el museo es un espacio de infinitas posibilidades, parque de diversiones, feria temática, soporte de instalaciones tan grandes como ciudades, lugar de acción absurda o misteriosa, tan rápido, excitante y placentero como vacío y amenazante.‘ 35MU

José Piñar

PINTURA

Descarga por J.P.

o sabéis la envidia que me da cuando un músico coge su instrumento y se pone a tocar así, improvisando. Y no tiene que pensar demasiado lo que hace, ni saber hacia donde va la música que surge. Un instante después ya no existe, así que ¿qué más da? También lo pueden hacer en grupo e incluso si no se conocen de nada les basta ponerse de acuerdo con unos pocos acordes, una

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escala, un estilo y tocan como uno solo. Improvisación pura y dura (en Cuba usan una palabra perfecta para eso, lo llaman “descarga”). A fin de cuentas llevan media vida conociendo su instrumento, la teoría musical básica, la armonía, escala arriba y escala abajo. Después de tanto tiempo aprendiendo llega el momento de disfrutar, ¿no?, de “descargar”. Así

que siempre sonríen cuando improvisan; ellos tocan y se divierten, los que están alrededor también se divierten, y todos son felices. Comparado con esto, el arte contemporáneo puede llegar a ser algo, permitidme decirlo aquí, bastante aburrido. Consideren estas pinturas como una descarga, en cualquier sentido de la palabra que se les pueda ocurrir. 37MU

José Piñar

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Alberto Gálvez

PINTURA

Iconos de humo, rostros fuera del tiempo

El tiempo visto a través de la imagen es un tiempo perdido de vista. Muy diferentes son el ser y el tiempo. La imagen centellea eterna cuando ha sobrepasado al ser y al tiempo. “Hojas de hipnos”, René Char por Xanon

anon galería de arte, presenta la primera exposición individual del artista Alberto Gálvez (Orihuela, 1963). Pequeñas tablillas con rostros que miran fijamente con enormes ojos. La mirada inmóvil del mediodía que nos increpa desde el fondo de un sarcófago, ahora en las vitrinas de un museo. Retratos pintados por hábiles pintores greco-egipcios del Fayum que transmiten serenidad y cautivan con su mirada. Algunos de ellos

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surgieron desde la profunda oscuridad de un negro humo sobre el que se incorporaban ágiles pinceladas de color brillante a la encáustica. Excavan la luz desde el fondo del abismo. Pómulos marcados, frente redonda, ojos almendrados, boca pequeña. Con el paso de los años estos retratos se fueron cruzando en mi recuerdo con las imágenes de los iconos bizantinos. El gesto de Pantocrátor que vi en Hagia Sof ía en Estambul, la frontalidad del rostro y su mirada fija. También quedan trazos de las escul-

turas de cabezas romanas, como las del Palatino o del Capitolini.” Rostros fuera del tiempo, que se detienen serenos y dejan su huella permanente en el lienzo. Mujeres imaginarias que miran al espectador, y que al ser miradas se convierten en un espejo donde se reflejan los sentimientos de las personas que están mirando. La exposición permanecerá hasta el 8 de Mayo de 2010. 41MU

Ignacio Goitia

PINTURA

Escenas de Amor y Lujo Policías a caballo en las salas de palacio por Lucas Olvido

ras sus últimas exposiciones durante el 2009 en Miami, París y Burde o s , el ar tista Ignacio Goitia (Bilbao, 1968) presenta sus cuadros de gran formato en la madrileña Galería Ángel Romero. Se trata de un guiño, no carente de cierta ironía, hacia este (sub)géneMU42

ro cinematográfico o literario, sólo que en lugar de príncipes y princesas enmerengadas, en este caso los personajes dispares del universo Goitia contrastan con los entornos palaciegos que los acogen. Un canto a la belleza, a la libertad y a la tolerancia donde los policías , representantes de la imagen del poder

en la ciudadanía de a pie, “escoltan y defienden” una visión personal del amor, la amistad o el morbo en unos escenarios –grandes interiores pomposos relacionados con el poder – en los que antaño, normalmente, estos comportamientos serían como mínimo poco respetados. Hasta el 30 de abril. 43MU

Ignacio Goitia

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Nuevas tecnologías Hedonismo y Nostalgia MÚSICA

Llegó la hora de Joe

“Una estrella de la mañana me dice cosas que no son tan extrañas. Cuando estábamos pegados y los charcos no estaban tan mojados. Háblame de ti. Cuéntame cosas de tu vida. Di qué tal estás. Si estás contenta todavía” [Una paloma atraviesa el fuego. Joe Crepúsculo] Por Pablo Blázquez

se 11 de marzo era jueves, hacía un frío de pelotas, yo estaba agotado por el exceso de trabajo [en Japón la muerte por exceso de curro ya tiene nombre: karoshi] y decaído por la ausencia de un ser querido. Todo indicaba que debía quedarme en casa, llamar al chino y ver capítulos de los Soprano hasta caer dormido. Pero la programación del Heineken Music Selector me animó a coger mi Vespa [que, por cierto, resiste los inviernos mucho mejor que yo] y acercarme a ver a La Bien Querida y a Joe Crepúsculo, dos de las grandes revelaciones de 2009 en España. Después del [siempre reconfortante] romancero de La Bien Querida, esa discípula aventajada de Los Planetas cada vez más poderosa sobre el escenario, me dirigía a por otro mini de cerveza cuando una pelirroja de ojos grandes que hablaba con sus amigas pronunció la frase que yo he tomado prestada para el titular de esta crónica: -Llegó la hora de Joe – les dijo, con voz misteriosa. Y ese anuncio, no sé por qué, sonó terriblemente prometedor, sobre todo para mí, que durante tiempo había cedido a mis prejuicios y consideraba a Joe Crepúsculo un moderno made in MU46

Barna, especialmente después de ver la atención que le dedicaban en Rock Deluxe y otras publicaciones por el estilo. Pero mi conversión a su lenguaje musical fue mucho más rápida que la de Tony Blair al catolicismo y antes de que terminara de sonar el segundo tema ya me había deshecho de las orejeras de burro que tantas veces llevo y me había tragado sin masticar mis prejuicios made in Madrid: -¡Qué buena, qué buena! – me repetía una amiga mientras el público, muy entregado, empezaba a dar cada vez más botes. El talento no exento de oscuridad, de este trovador techno con aspecto de haber sorprendido con su éxito a todos sus vecinos y compañeros del colegio, peregrina desde la ironía de un sonido hedonista y en ocasiones naif que evoca entre notas a las máquinas noventeras de Chimo Bayo, hasta alcanzar un extraño equilibrio a través de un fondo melancólico que encaja con esa actitud postexistencialista heredera del movimiento que se generó en los 70, a partir del suicidio del mítico líder de los Joy Division, Ian Curtis. El concierto tuvo muchos “momentos bestias”, el público se desgallitaba

cantando sus canciones y no dejaba de pegar botes [creo que no me equivoco si escribo que Joe ya tiene su parroquia], Ana Fernández-Villaverde [La Bien Querida] se las bailaba todas [aunque con cierta dificultad; es lo que tienen las faldas flamencas que se nos pone], mientras que David Beef le pegaba a la Heineken sin contemplaciones y Christina Rosenvinge contemplaba el escenario, desde la barra del fondo, como un hada sensual que en cualquier momento va a salir volando para darle un beso en la frente al bueno de Joe. Después de esa noche, que fuera de la sala era gélida y desalmada, me cogí un gripazo de los buenos y pasé unos días dándole fuerte al Frenadol [qué drogas más duras venden en las farmacias] y al último disco de Joe, titulado con un otro delicioso sarcasmo: Chill Out. Sus letras, bien leídas, son una mina de oro. “Qué necesitas más si lo bello de esta vida es gratis”. “Las costuras misteriosas. Se acumula el polvo en las rosas. Dispuesto a creer que aún se puede volar”. “Diririra diririri. Siempre quiero estar feliz”. “Hay un camino que te lleva y otros mil que te desorientan”. “No te creas todo lo que dicen, que todos los medios apestan”. 47MU

Nuevas en Música tecnologías Murcia

MÚSICA

SOS4.8 El arte de seleccionar músicos

Por Pablo Blázquez

l festival SOS4.8 ha convertido la ciudad de Murcia en un núcleo cultural con visibilidad internacional en tan sólo dos ediciones gracias al buen hacer de una organización de la que podemos decir que va sumando puntos a su poder de convocatoria. Rufus Wainwright, Mathew Herbert o PJ Harvey son solo algunos de los músicos que han pasado por un certamen que ha querido que la sostenibilidad, ese concepto tan manido como necesario, sea uno de su reclamos. En la edición 2010 del SOS 4.8 estarán presentes grupos internacionales de la talla de Tinderticks, Franz Ferdinand, Hot Chip o Fat Boy Slim. En lo que respecta a grupos nacionales pasarán por el festival Los Planetas, que presentarán su último trabajo, “Una ópera egipcia”, y algunas de las MU48

revelaciones indies de los últimos años, como Dorian, Love of Lesbian Joe Crepúsculo o La Bien Querida. Según los organizadores, “el festival está dividido en tres apartados: un espacio para la emoción y la contemplación en el área de ARTE CONTEMPORÁNEO; jornadas para el diálogo y la reflexión gracias a VOCES, y la más hedonista y festiva de todas, la sección MÚSICA”. La vocación ecléctica del festival hace que se esfuercen por “combinar en un mismo escenario a artistas de estilos diversos, y a la vez complementarios, mostrando así una visión global de la escena musical contemporánea”. “Hasta el momento, el SOS4.8 ha tenido el honor de contar con nombres de primerísima fila como Rufus Wainwright, Mathew Herbert o PJ Harvey, que han ofrecido exclusivas

actuaciones en un formato íntimo. Lo mejor de la electrónica de baile también ha desfilado por sus escenarios , incluyendo clásicos como Chemical Brothers, The Prodigy o Underworld”, recuerdan. Además, ha contado con algunas de las más grandes figuras del pop rock más reciente, como de Keane, Maximo Park, Duffy o Russian Red, que se han combinado siempre con el apoyo a artistas emergentes con la solvencia de El Guincho, The Wombats, Those Dancing Dayso Catpeople. Este esfuerzo a la hora de seleccionar artistas ha hecho que en una época en la que si das una patada aparecen cien carteles de festivales en la Península, la programación del SOS4.8 consiga desmarcarse del resto y se presente como una de las elecciones más sugestivas de la temporada. 49MU

Músicas

PISTAS

Sin contar el disco triple de Keith Jarrett, aparecido casi al mismo tiempo, las novedades discográficas de Jan Garbarek y Egberto Gismonti representan la firma de un sello discográfico y también de una época, los años setenta, en la que estos tres nombres llevaron la música más allá de sus

Leyenda y sueños son memoria Dresden - Jan Garbarek Group

esde aquél memorable Afric Pepperbird, y a lo largo de una producción de cuarenta años en ECM, es casi imposible no establecer “puntos de inflexión” en la carrera del noruego. Guiado por George Russell, a los 14 años entra en contacto con la música del último Coltrane y su grito hacia el silencio buscando la India . En los años noventa, los criterios formales estrictamente jazzísticos del noruego se diluyeron (“huir de las abstracciones para volver al ja z z ”, decía entonces en el número 50 de esta revista, allá por 1999) en favor de una improvisación aplicada a las raíces folklóricas del Mediterráneo (Brahem), Grecia (Karaindrou) y de Asia Central (Kancheli, Ustad Fateh Ali Khan), así como de la polifonía renacentista (Cristóbal de Morales con el Hilliard Ensemble), pero siempre y fundamentalmente escandinavas. Twelve Moons (1993), que despega de la fructífera década de los ochenta y de su sonido, marca ese punto de partida que llega y colma en el también doble Rites (1998). En Dresden, recuperado el pulso jazzístico en directo y con colabo-

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radores de largo recorrido como Brüninghaus y Katché (Yuri Daniel imprime más músculo que Eberhard Weber pero da cuenta del sonido anguloso y espaciado de éste y de sus técnicas de sobreexposición), Garbarek echa la vista atrás para revisar el sonido con el construyó algunos de sus mejores trabajos. Discos que

parten de un viaje iniciado en Eventyr (1980), como Legend of the seven dreams y I took up the runes o (en menor medida pero mayor cantidad de títulos citados) Twelve Moons. Y esa intención se manifiesta desde el primer corte. Paper Nut ejemplifica las colaboraciones que Garbarek llevó a cabo en los ochenta, con predilección por músicos de la India. Fruto de ello fue su encuentro con el violinista

indio Shankar en Song of everyone (de 1984, donde se recogía Paper Nut) y, luego, con el percusionista Zakir Hussain en Making music (1986). La incuestionable personalidad musical de Garbarek sigue ahí presente: su sonido liberador y a la vez domado hasta la contención absoluta, su fraseo entrecortado con el que escala hacia el clímax, cierto barroquismo en figuras melódicas que se destilan en las músicas populares.... Quizá sea la revisión de ese estilo lo que lastra la renovación de su mensaje, sobre todo en el primer volumen, en el presenta como curiosidad o sorpresa, para un repertorio refractario del folklore popular que mira hacia el Oeste, dos temas de inspiración sudamericana: Heitor y Milagro dos peixes, de Milton Nascimento. Un mensaje más incisivo, animado (el calipso Grooving out!, con un poderoso solo de Katché) y generoso (duraciones) caracteriza al segundo disco, pues dedica más espacio a los solos. Entre ellos uno excelente de Brüninghaus en otro clásico del autor, I dreamt a tree upside down, aquí con tientes sudafricanos. Así la dimensión en este segundo volumen, decíamos, adopta una mayor longitud en los desarrollo y crece en tensión emocional, factores propios del esquema de concierto como lo entiende el autor. Garbarek, por su parte, protagoniza un solo repleto de energía y de ideas en el bis Voy Cantando (The legend of seven dreams), tema en el que se manifiestan los acercamientos a la cultura latina que se van diseminando por esta segunda parte.

fronteras de estilo y geográficas. Son publicaciones de extenso formato, cargadas de interés, pero también rezuman un poso testamentario o acaso memorístico por Jesús Gonzalo

a música del brasileño siempre se ha situado en un punto intermedio entre la música culta y el folklore autóctono, con más propensión hacia formas abiertas improvisadas en sus trabajos de los 70 y 80 para ECM. Esa evocación folklórica del estilo se construye sobre piezas originales y no esconde la herencia de Villa-Lobos y los nacionalis mos musicales de la primera mitad del siglo XIX. Pero en la escritura del brasileño, además del rico juego meló dico-rítmico sobre tema con variación, se produce una re velac i ó n e s p o nt á n e a de su acer vo cultural, ya sea para formatos grandes como para otros más pequeños, ya sea incluso si toca el piano (su primer instr umento académico) como la guitarra (autodidacta). Como suite o rapsodia , el mensaje del autor –siempre despierto y alegre como la mirada de un niño – adopta una apariencia improvisada en la que lo académico conecta con el paisaje cotidiano desde una espontaneidad que rezu-

Los rostros del folklore Saudaçôes - Egberto Gismonti ma vitalidad desde las partituras. Grabadas en el Teatro Amadeo Roldán de L a Habana , en agosto de 2006, de este modo descrito se formulan Sertôes Veredas, siete piezas incluidas en el primer disco con un decurso en forma de suite casi foto-

gráfico, que parte de un contexto híbrido, pero sin instrumento solista, entre el Cuarteto Infância para la suite Natura festa do interior de Musica de Sobrevivenciâ y los arreglos orquestales de Meeting Point.

L a elección del conjunto cubano Camerana Rameu (ya antes con el director cubano Leo Brawuer, aquí Z enaida Romeu como directora) resulta perfecta para alcanzar, con la complicidad femenina de sus componentes, la expresión de color y ritmo mestizo que une tradición europea y americana. El segundo disco, grabado esta vez en Janeiro, en abril y mayo de 2 0 0 7 , s e co n s a g r a a la inter pretación del instrumento –culto y p opul ar – bra sile ño por excelencia: la guitarra. Para ello, acompañado de su hijo Alexandre, se recogen piezas incluidas en algunos de sus discos más celebrados , como D anç a do s E s c ravo s , Z ig , Zag , Lundú, Palhaço o Carmen. El nuevo trabajo de Gismonti en 14 años nos trae el estreno de piezas de cámara (una contenida en el lejano Saudades de Va sconcelos) inspiradas en la exuberancia racial de Bra sil y la comp enetración solista a dúo de guitarras para diversas canciones . Un disco sin sorpresas donde el músico realiza una lectura sobre sí mismo y sobre una idea, quizá ya un recuerdo, de una tierra. 51MU

Nuevas tecnologías Monográfico Iannis Xenakis

MÚSICA

Música, arquitectura y pintura entrelazadas

En la línea de lo iniciado con el monográfico sobre la obra de Karlheinz Stockhausen, dedicamos un nuevo capítulo a un compositor clave del siglo XX, Iannis Xenakis Por J.M.

lo largo de varias jornadas y diversas actividades mostraremos un amplio panorama de su obra, incluyendo obras sinfónicas de gran formato, en las que se juega con la especialización del sonido de la orquesta y el público (dado que éste se encuentra dentro de la propia orquesta), obras de cámara, para instrumentos solistas, e incluso las arquitectónicas, a través de una exposición que tendrá lugar en el Auditorio y un diálogo entre música y arquitectura que se desarrollará en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Además se rela-

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cionaremos la obra de Xenakis con los contenidos de la exposición dedicada a “Monet y la abstracción”, a través de un diálogo entre música y pintura en las propias salas del Museo Thyssen. Las grandes obras sinfónicas, representadas por Nomos Gamma, Terretektorh y por la coral Oresteïa, estarán dirigidas por la experta batuta en la obra de Xenakis de Arturo Tamayo, quien ha grabado a lo largo de los últimos años toda su obra orquestal. La orquesta y el ensemble Proyecto Xenakis se han formado expresamente para este proyecto. El ensemble, que interpretará Thalleïn en un inte-

resante formato de concierto-conferencia, estará integrado por músicos profesionales de diferentes orquestas españolas, mientras que la orquesta estará constituida por alumnos de los últimos grados de varios conservatorios superiores de España (Aragón, Salamanca, Madrid y Cataluña), así como por miembros de las jóvenes orquestas Nacional de España, de la Comunidad de Madrid, de Andalucía, y finalistas del Concurso Intercentros de la Fundación Orfeo. A todos ellos se les ha invitado con el fin de que tengan la oportunidad de interpretar un repertorio infrecuente en su for-

Nuevas tecnologías Monográfico Iannis Xenakis

mación, como un paso en el desarrollo de su cercano futuro profesional. En la parte vocal contaremos, junto al profesional Coro Nacional de España, con el barítono Spyros Sakas, a quien Xenakis dedicó algunas de las obras que integran Oresteïa, y con un coro de niños integrado por alumnos de educación primaria del colegio Isaac Albéniz de Madrid. Dentro de la obra para grupo de cámara, escucharemos y analizaremos en profundidad, Thalleïn. La exposición al público seguirá la siguiente estructura: se interpretará la obra sin explicación previa, seguidamente, con una conferencia ilustrada con ejemplos, se desgranará y analizará la obra, y finalmente se volverá a interpretar de manera que el público descubra todo aquello que una primera audición MU54

no permite. Aparte de Iannis Xenakis como compositor, queremos demostrar su otra faceta: Xenakis arquitecto, así como relacionar su música con otras artes. En este sentido hemos desarrollado sendos diálogos entre música y pintura, y música y arquitectura, gracias a la colaboración con el Museo Thyssen y la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid. En las analogías entre música y pintura, pondremos en relación los contenidos de la exposición “Monet y la abstracción” con la obra y la técnica compositiva de Xenakis. En cuanto a la arquitectura la relación es aún mayor y más intensa dada la faceta de Xenakis arquitecto y su relación con una de las figuras claves de la arquitectura

del siglo XX, Le Corbusier. Para estos diálogos contaremos con arquitectos, historiadores y conservadores de arte y músicos de la talla de Juan Miguel Hernández de León, Luis Fernández Galiano, Javier Arnaldo, Nacho de Paz , David Apellániz , Miquel Bernat o Ramón González Arroyo. Estas actividades tendrán lugar en el Museo Thyssen- Bornemisza el 17 y 18 de abril, y en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura el 21 del mismo mes. Aparte de estos conciertos y actividades, se podrá visitar una exposición sobre Iannis Xenakis tanto en su vertiente de compositor y arquitecto gracias a la colaboración del Centro de Documentación de la Música Contemporánea de Paris, y de la Escuela de Arquitectura de Madrid 55MU

Reto Halme

MODA

Elegantly Wasted MU56

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Reto Halme

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translation Desert Flower The movie D eser t Flower (2010), directed by Sherry Hormann and produced by Peter Herrmann, tells the life story of supermodel, activist and writer Waris Dirie. The script written by the director is based on the autobiog raphical novel written by Waris Dirie in collaboration with Cathleen Miller, and published in 1997. The book has sold till the present moment around 11 million copies all around the world, and besides being the story of Waris Dirie’s trajectory from the Somali desert and primitive life to the catwalks of Paris and New York, wealth and humanitarian activism, it is denouncing an ancestral and abhorrent tradition that still is alive in African communities all over the world (and in a lesser means in Arab and Indonesian c o m m u n i t i e s ) : Fe m a l e MU60

Genital Mutilation (FGM). The G erman producer contacted the GermanAmerican director with Dirie’s book, and asked her to direct it. Sherry Hormann said yes after reading the book; and director and producer met with Ms. Dirie whose first reaction was: ‘Why would a white director who knows nothing of Africa want to direct the story of my life?’ But her instinct told her to trust the German woman, and some time later, and after tons of work, the two women present to the world –with the whole team backing them – the fortunate fruit of their collaboration. Ethiopian supermodel Liya Kebede plays excellently the part of Waris Dirie, and some of rest of the actors are: Sally Hawkins (Marilyn), Timothy Spall (Terry Donaldson), Juliet Stevenson (Lucinda), Meera Syal (Pushpa Patel). The parts of Dirie’s family are played by Somali nonprofessional actors. Th e m o v i e w a s s h o t

in London, New York , Djibouti –for the desert and Mogadishu scenes (the capital of Djibouti is very similar to what Mogadishu was before the war, says producer Herrmann) – and the interiors were all shot in Germany (Köln, Berlin and Munich). Desert Flower treats a dramatic and shocking issue; the movie is not revolutionary what comes to its cinematographic language, it is rather a very correct and conventional film, but Sherry Hormann’s grand achievement is to have been able to present the bitter and painful issue of FGM in such a sensitive and luminous way, even entertaining . A big motivation behind the production of this film –besides the fact that Waris Dirie’s life story is wonderfully Dickensian – is the worldwide spreading of the reality of FGM, and what better way to make the whole world know about this horror than making a

commercially impeccable movie. This film will make you laugh and cry; it will make you shake in horror, and it’ll lift your spirits in trust; it will entertain you with the beauty of the desert landscapes, the comic scenes, the beauty of the protagonist and the lightness of the fashion world. Desert Flower carries a message that will change the world view of any sensitive spectator, but it will never sink you into a dark anxiety, on the contrary, it’ll give you hope, empower and inspire you to understand that by changing one’s own attitude and being active one can improve not only one’s own life but the whole world. Just as Waris Dirie has done and is still doing. Thoughts of two women after viewing the film ‘Compassion is the first word that comes to my mind. Compassion for Waris, for all the mutilated women, for the mothers who believe

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they must mutilate their daughters… it is not lack of love, it does not mean that, they do not love their daughters; it is a matter of terrible ignorance. Director Sherry Hormann has done a great job; her script is impeccable, filled with amorous details, subtleties, and the perfect measures of a sense of humour and pain. Ironically, the mother that mutilates the protagonist, is the same who opens the doors to her spiritual path, so as to permit the comprehension of her own process, when she tells the daughter, in a wonderful flashback, about the pain suffered by her ancestors; at that moment Waris is once again filled with courage. The hardest thing are open wounds: 20 years later, Waris contacts her mother, who does not accept her daughter fighting female ablation, why can´t she just accept Allah’s will… I can imagine Waris’ impotence, her pain; the mutilation happens again and again. This mutilation invades all fields, just like the spilt blood reaches all and taints it for the rest of the days. This story is going to help many people. Thank you Waris, because when you show me your wounds, you help me understand my own wounds better. Now my question is: How am I going to sleep when according to facts given by the UN around 8000 girls are mutilated daily? Yes, 8000, this means circa a girl every three minutes. This lack of breath before the act, this terror, this cry that echoes in my head since yesterday will not stay in the stones of the desert, but it will reach the MU62

whole Universe. I think we should all, men and women, react as the journalist in the movie did: we should all burst into tears and do something about it. Man invented Religion, just as he invented FGM; it is torture and must be abolished. As Robert Thurman says in his book “Infinite Life: Seven Virtues For Living Well”: “…The conditions of those around you totally affect your state of experience. If all around you are in agony, you will suffer. If you wall yourself off, live in denial, you will be depressed, with a nagging, sinking mood. You won’t know why and will seek distractions. But the dominant mood will keep rolling over you. So the first step to overcoming your own depression is to turn away from your self-preoccupation, open the doors and windows of your life, and take a wide look around at the REALITY of others all around you. This is the first step in truly satisfying spiritual growth… You don’t have to feel existentially guilty about it, though you should also not make this an excuse to forget about them”. -M. Briceño ‘Waris Dirie is an impressive example of courage and faith in life; this woman has suffered personally the horrible destiny of being mutilated at the tender age of five, without anaesthesia, or any measure of hygiene, because it is tradition in the place she was born. She was lucky enough to survive the infection; her two sisters died. Thousands of years ago

–before the monotheistic religions –, the Pharaonic Egyptian Patriarch decided to punish Woman by stealing away form her, her natural right to enjoy her superior capacity of sexual pleasure (le us not forget that in the animal kingdom the only organ whose sole physiological function is to give sexual pleasure –the clitoris – is owned by the female homo sapiens sapiens); the Patriarch declared that thing between the Woman’s legs impure and malign; he took a sharp knife; he walked to a little girl (evil must be torn in tender childhood so as to avoid corruption); and he cut off the clitoris and the labia majora and labia minora; he sewed the wound or closed it with thorns (infibulation), and let the thing wait for the husband to cut it open anew with his knife after the wedding, so as to enjoy his own pleasure and have the wife give him children; without anaesthesia, or pity, but with terrible pain and terror. Four thousand years? Six thousand years of mutilation? The horror and the meaninglessness have no limits; it is inexcusable, intolerable, unforgivable. FGM is not a respectable cultural tradition; it is torture, it is murder, it is the summum of the hatred the Patriarch feels towards Woman. Sisters, I have news, they hate us. It must come to an end! We white women had this done to some of us in the Middle Ages, even in Victorian England if we were declared sexually deviated or if our husbands turned evil and willing to get rid of us; it doesn´t happen any more, but, shouldn´t we help our

African sisters? ‘Waris’ means ‘desert flower’. Let us not permit anybody to trample on any more desert flowers. Wa r i s D i r i e , S h e r r y Hormann and producer Peter Herrmann (and their whole crew and team) have come to tell us in a beautiful and touching way, that in the world, millions of girls go through something terrifying we would never wish our daughters to live through. The Western World has so much power over the rest of the world (whether we like to admit it or not) that it is its responsibility to make a serious effort to pressure those who execute and permit this abominable thing to give it up and put an end to it. Go see the web page of the Waris Dirie Foundation, it will give you valuable information. http:// www.waris-dirie-foundation. com/’ -L. Escartín Hamarinen

Demons FDemons is the title of the new portfolio that Romulo Royo and Luis Royo offer us. It is a gaze to the inner and deep dark parts of the human soul and society; also, this portfolio opens a door to the history of a nearby future in which appear angels, demons and other strange creatures. This portfolio has a limited edition and can be bought at: www.royo-royo.com The artists (father and son) are working on another shared project called Time Malefic. Till the moment being, both Luis and Romulo 63MU

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Rómulo Royo

have followed their own separate paths, but now they have decided to unite their strength and develop projects in common; their two worlds have merged into one. Luis Royo is an internationally wellknown illustrator; his two latest published books are Dead Moon and Dead Moon Epilogue. Romulo Royo’s works belonging to the series MetalSkin, can be seen soon at MS Gallery (from April 15th to May 22nd), and they were recently shown at the Alexandria Museum. http://es.wikipedia.org/wiki/Romulo_ Royo http://es.wikipedia.org/wiki/Luis_Royo The work of the artists sinks us into the unknown, the prohibited, beauty MU64

and the dead and dirty religions; they also confront us with profane material transformed into critical stories on the world, monotony, fear and contemporary taboos. When we watch these works we can perceive the desire of humans to dive into the darkest and deepest aspects of the self.

Sacrilegium Shining black against deep black; the bones reveal a vital orange; black and grey lines; shadows; the crude white of old death; Antichrist dried on the cross, he never resuscitated, and an intense golden halo crowns his bird

skull. Death prevails. Sacrilegium! The skeleton paintings by Lucadamo possess the same sensuality and gravity as Medieval and Renaissance paintings; they are pacif ying and simultaneously they awake the most perturbing feelings and thoughts; the inevitable tragedy of death (Antichrist) gets muddled up with the comical aspect of life (the Rats): tragicomedy. Nulla ethica sine asthetica; nulla aesthetica sine ethica Luc ad amo’s work sho w s g re at technical mastery; we cannot reach sublime beauty except through tireless trial and error that happens during 65MU

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the long work-hours in the solitude of the studio, and that culminates in happy discoveries. His skeletons are sublimely beautiful, and the heart can only feel moved by them. Time stops in the delicious brush strokes of the artist; aesthetics – the b eauty that the eye perceives – intertwines with thought –the child of intelligence, knowledge and experience – and gives birth to an artistic body of work whose existence does not limit itself to its visual reality, but digs its roots deeper into thoughts and emotions, in aeternum. I shall be a kneeling bird at the feet of the homo volucris sapiens, crucified ad infinitum And then, I am enlightened. I , Wo m a n , a m t h e Antichrist, crucified not to redeem men from original sin, but because of uterus envy, and who did not raise from the dead on the third day, but whose flesh rotted away in the solitude of the cross –my head becomes a bird in the delirium of my imposed silence. But the day of resurrection has come. Luc ad amo ha s op ene d the doors of Hell, and bony Samael –the serpent brother of Lilith, the first woman – slithers from his dark abode, curls at the feet of the Cross of the

Antichrist and commences his ascension –Antichrist volucris has transmogrified into Woman and her bones shine a vital orange; look at her opening her eyes; the thorn crown falls off. An interpretation. How about yours?

Icons of smoke, faces from the depths of time Art gallery Xanon presents the first individual show of the artist Alberto Gálvez (Orihuela, 1963). Time se en through the image is lost time. Time and being are ver y different. Image flickers eternally when it has overcome being and time.

“Sheets of hypnosis”, René Char “Faces on small plank s of wood that stare with huge eyes; the immobile gaze of noon recriminates us from the bottom of a sarcophagus , and is now in the display cabinets of a museum. Portraits painted by skilful Greco-Egyptian painters of Fay um that transmit serenity and captivate with their gaze. S ome of them emerge d from the deep darkness of black smoke over which ag ile stroke s of br ig ht colour were incorporated to the encaustic. They dig the light from the bottom of the abyss. Cheekbones, round forehead, almond eyes, small mouth. Wi t h t h e p a s s i n g o f

years these portraits were mingling in my memory with the images of By zantine icons : the g e s tu r e o f P a nt o c r at o r I saw in Hagia Sofia in Istanbul, with the frontness of the face and its fixed gaze. Also, there are strokes of the sculptures of roman heads, like those of Palatino or Capitolini.”

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Ti m e l e s s f a c e s s t a n d s e r e n e l y, l e av i n g a permanent trace on the canvas. Imaginary women l o o k at t h e s p e c t at o r, and when looked at, th e y b e co m e a m i r r o r capturing the feelings of the beholder. The exhibition w ill b e op ene d until M ay 8th, 2010

Alberto Galvez: Galería Xanon de Bilbao. Merrie Melodies: Da2 de Salamanca. Ignacio Goitia: Galería Angel Romero de Madrid. Alejandro Lucadamo: Galería Begoña Malone de Madrid. Ricardo Angelico: Galería Hadoc de Vigo

Para cartas al director y colaboraciones escribir a: arte@revistamu.com poner en asunto “Cartas al director”.

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