Babel No. 12 Junio 2012 by Revista Babel

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Staff DISEÑO EDITORIAL

DIRECTOR DE INFORMACIÓN

José Antonio Ibarra jai@revistababel.com @ibarrasta Mario García Cordero mariogarcia@revistababel.com

RELACIONES PÚBLICAS Isauro Hernández isaurohdez@revistababel.com @Isaurohdez CORRECCIÓN Y ESTILO Dulce Baltazar dulcebaltazar@revistababel.com COLABORADORES Marlene González // @_CyborGoo, Monx Sarcasmia // @MonxSarcasmia // monxsarcasmia@revistababel.com, Chucho Estrada //chuchoestrada@ revistababel.com, Arq. Luis Mejía, Olivia Zabala, Samuel Borbolla // sam_borbolla@revistababel.com // @sam_borbolla. PORTADA Cortesía deRaúl González y Elaine Bay and Carroll and Sons Gallery. AGRADECIMIENTO Centro Cultural Manuel Gómez Morín, Museo De La Ciudad, Galería Libertad, Carroll and Sons Gallery, Elaine Bay, Ivory Press London y Veru Iché.

Gracias por leernos. Para ponerte en contacto con nosotros, escríbenos a info@revistababel.com

LA TRILOGÍA DE LA VENGANZA.

Park Chan-wook es un filósofo y crítico de cine coreano

quien después de ver ‘Vértigo’ de Alfred Hitchcock decidió intentar ser un director de cine y vaya que lo logró. Sus primeras 4 cintas realizadas no tuvieron gran éxito pero, en su cabeza, se estaba cocinando una serie de historias que dejarían al mundo boquiabierto; sí, estaba listo para realizar ‘La trilogía de la Venganza’, un conjunto de obras de gran impacto Ésta se conforma por ‘Sympathy for Mr. Vengeance’ (2002), la historia trata de dos hermanos (chico sordomudo y chica) y una tercera mujer que buscan desesperadamente 10 millones para comprar en el mercado negro un riñón para su hermana enferma, llegando incluso a raptar a la hija pequeña de un importante hombre de negocios. La cinta va incrementando su nivel de acción y tensión conforme avanza sin que llegue a consolidar una pieza homogénea. El primer asomo de la punta del iceberg, a mi parecer, no brilla tanto como las dos siguientes, no llega al impacto que generan en el espectador las secuelas. ‘Oldboy’ (2003), ganadora del gran premio del jurado en Cannes; habla sobre el secuestro repentino de Oh Daesu despojándolo todo contacto con el exterior durante muchos años; de pronto, se ve libre para descubrir la causa de su encarcelamiento. La narrativa no lineal aborda puntos opuestos como la introspección y la acción. Una paleta de colores en 4

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por Marlene González Cantón

tonos verdes y amarillos, Inolvidables secuencias de persecución y un final que se te queda grabado. Esta obra, la más exitosa de las tres, está basada en un cómic por lo que resulta ser la más violenta. ‘Sympathy for Lady Vengeance’ (2005), una bonita chica coreana con aire de virgen inmaculada va organizando un plan maquiavélico para ejecutar su venganza. Contiene algunas secuencias surrealistas (como la del humano-perro), resaltan los tonos rojizos conjugados con el blanco, componen una obra bellamente estética, quizás porque la protagonista es una mujer a diferencia de las otras dos cintas. Un cierre con broche de oro. Las tres películas trazan una fina línea de venganza con aparentes agentes externos que los motivan pero en el fondo se encuentran unificados por el rencor. Presenta personajes fuertes, sólidos que son capaces de saltar obstáculos o derramar sangre a costa de conseguir lo que desean…Park ChanWook y su excelente manejo de actores los lleva al tope, a la cima de una montaña. Las demás áreas como la fotografía, el sonido, el arte están impecablemente trabajadas que incitan al análisis de cada una y como ingrediente extra, las bandas sonoras de sus filmes son una joya que vale la pena deleitar por la madrugada para sentir la fuerza de cada pieza y la piel se enchine sin saber bien el porqué, melodías hermosas que contrastan con la violenta realización audiovisual. Una de las mejores trilogías contemporáneas de uno de los directores mejor consolidados.

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El hijo del Surrealismo: Jan Svankmajer.

o hace tanto tiempo que me encontré con su trabajo y desde ese momento se convirtió en uno de mis directores favoritos por la extrañeza de la imagen que mostraba en su obra; sus películas son como aquellos sueños extraños que nos dejan atontados al despertar. El artista de quien les habló es Jan Švankmajer. Desde que nació Jan algo lo marcaba. Junto a su crecimiento se desarrollaba también el movimiento surrealista, además que el país que lo vio nacer sería reconocido como uno de los principales países representantes de este movimiento. El no buscaba reconocimiento en la animación, más bien lo que quería era poder expresar una parte de la realidad que el sentía que debía ser recordada y vista, esta era la parte fantástica del mundo, pero con la característica, que algunos dicen lo diferencia con otros animadores contemporáneos de Jan, de no interpretar su mundo, sino El mundo. En su camino por poder expresar estas inquietudes Svankmajer recorrió los caminos de disciplinas como el teatro, las artes grafica, la escultura, el diseño y hasta la poesía aunque es reconocido principalmente por su trabajo de animación con la técnica del stop-motion el cual aplica sobre objetos poco comunes – o por lo menos no conozco muchos traba-

por Monx Sarcasmia

jos que utilicen elementos tan variados- como esqueletos de animales, animales disecados, carne , fruta en proceso de putrefacción y marionetas, las cuales han sido de los objetos mas memorables en sus obra, pero este señor no solo utiliza objetos inanimados sino que estos interactúan con actores reales, con lo cual logra llegar a su objetivo, poder humanizar los objetos y despojarlos del sentido utilitarista haciendo que estos sean no del hombre sino con este convirtiéndolos en objetos vivos en los cuales la gente ha depositado emociones como la alegría, miedo, ansiedad, etc., las cuales son huellas de diversos acontecimientos que arman una historia, la de cada persona, la propia. Esta también fue una manera de manifestarse en contra de la cultura y el arte del mainstream; el expresaba que la creación en el arte debía ser completamente libre y no ser utilizada para estos fines de la utilidad vacía y desechable. Pero ese camino no fue fácil, su inquietud y visión un poco –o muy en contra- de la cultura hegemónica de aquel momento lo llevo a plasmar en sus cortos y largometrajes mensajes que trastocaban a la sociedad. Dijo jamás expresar en su trabajo mensajes políticos, sin embargo las autoridades

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no veían con buenos ojos sus animaciones. Uno de los cortometrajes que detono el enojo de las autoridades checas, y que lo llevó a la represión y censura de su trabajo, fue Leonardo´s Diary el cual fue presentado a principios de la década de los 70´s, una época difícil en la Republica Checa –cuando era dominada por los soviéticos-, haciendo que Svankmajer dejara de producir casi 8 años; retomó su trabajo a principio de los años 80´s con su largometraje La caída de la casa Usher. A pesar de esas vicisitudes, el impacto de las imágenes que mostraba y las sensaciones que generaban estas en las personas que observaban su trabajo, logro posicionarlo como uno de los principales representantes y posteriormente una importante influencia para los trabajos realizados de stop-motion. El trabajo de Svankmajer esta lleno de elementos oníricos que principalmente están impregnados de tintes siniestros por la utilización de lo esotérico, irónico, grotesco, etc., en las secuencias de su animación. Muchos han encontrado en su trabajo alguna influencia de la teoría freudiana: esta confusión entre la vida y la muerte o la extrañeza de lo conocido. Hasta el momento se le reconocen más de 20 cortometrajes y seis películas de las cuales las más conocidas son Fausto y Alicia; en ninguno de sus trabajos ha utilizado la tecnología para mejorar la calidad de su animación ya que el reconoce la grandeza de sus obras en la imperfección de estas. Ciertamente ver las películas de Svankmajer quizá no les resultará placentero, relajado o comprensible, solo les puedo asegurar que les causará algo; les dará la posibilidad de sentir y experimentar en la vigilia aquello que se mueve en los sueños y de poder reflexionar acerca de su posicionamiento con lo que los rodea. Al fin de cuentas creo que eso es parte del arte: mover, trastocar y experimentar. 6

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Raúl González III

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Todas las imĂĄgenes son cortesĂa del artista y de Carroll and Sons Gallery.

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Karen Dalt o n

Fue en el año 1969 cuando

muchos artistas y grupos que aun elogiamos sacaron su primer disco: Led Zeppelin, Pink Floyd, David Bowie, Santana, Elton John. Y bueno, en esta enorme marea de talentos, pues era más que obvio que otros genios pasaran medio desapercibidos. Un caso entre muchos, es la cantante neoyorquina de folk y blues, Karen Dalton. Me imagino que la gran mayoría de ustedes no ha tenido el gusto de escucharla, en parte porque su álbum debut It’s So Hard To Tell Who’s Going To Love You The Best, sólo salió en formato LP y casi que exclusivamente para la tierra del hot dog y la hamburguesa. Pero quiero aprovechar que el disco ya está en formato digital (en su versión pirata y original), para recomendar esta joya de culto a todos aquellos amantes del blues-en-acústico. Aunque en realidad ninguno de los temas es de su autoría, no me dejaran mentir que muchas de sus interpretaciones son mejores a las versiones

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por Cucho Estrada

originales. Algunas canciones de esta producción como «I Love You More Than Words Can Say», «Little Bit Of Rain» e «It Hurts Me Too», son un buen referente de porqué grandes artistas han elogiado su muy particular timbre de voz. Incluso Bob Dylan cantó con ella un par de veces y fue –según su autobiografía– su cantante consentida a su llegada a Nueva York por ahí en el año 1961. Creo que Karen Dalton vendría a ser al folk-blues, lo que Billie Holliday fue al jazz; según los críticos tenían hasta estilos bastantes similares en su forma de cantar. Es una lástima, al igual que muchos otros artistas del underground, que su vida fuera una batalla contra el abuso de drogas y el sida, dejando este mundo vagabundeando por las calles de Nueva York hace poco menos de diez años. Sin duda, su legado musical sigue rondando como un fantasma en esta nueva revisitación al country y al folk, que anda teniendo muy buen éxito comercial sobre todo en los Estados Unidos.

H u m b le P i e

acisúm Otro de los grupos que debutaron en 1969 fue Humble Pie. No se me vayan enojar los rockeros más macizos, pero según la gente de la BBC, fueron ellos la primera banda de heavy metal de la historia. Aunque no estoy seguro de eso, si puedo decir que Humble Pie fue una de las bandas más influyentes en la década de los setentas. Conformada por dos grandes músicos que seguro muchos de ustedes ya conocen, Steve Marriott que venía de rockear con The Small Faces y Peter Frampton que andaba haciendo pop psicodélico con su grupo The Held. El resultado fue esta banda que mezcla enérgicamente blues-rock, boogie, country, soul y hard-rock. El disco que me gustaría recomendar es su disco homónimo, lanzado en 1970. En esta joya, a diferencia de las dos primeras, ya se puede escuchar una mayor influencia de Steve Marriott, con un sonido mucho más macizo que el rollo popero de Peter Frampton. No pasaría mucho tiempo para que este último dejara la banda y empezara su proyecto de solista, que le dejaría muchos millones con ese afamado disco multi-multi-platino Frampton Comes Alive!. En algunas rolas de este disco como «Live With Me», «Only A Roach» y «Earth And Water Song», se puede ver lo multifacéticos que podían ser, ya que de una rola a otra pasaban de tocar una balada a un heavy-metal, para rematar con un country muy al estilo de Merle Haggard. La portada de este disco, vale la pena mencionar, es reconocida en el Reino Unido por el diseño de Aubrey Beardsley, una artista del erotismo y ondas afines de finales del siglo XX. Existen muchas opiniones alrededor de este disco, hay quienes dicen que es una producción mediocre y otros que sostienen que ha sido muy mal valorado, pero de lo que si no cabe duda es que Humble Pie, fue una banda muy importante en la década de los setentas y sigue conservando su vigencia como referente rocanrolero hasta el día de hoy. Hace pocos años, diferentes sellos editaron muchas de sus presentaciones como el disco Performance: Rockin’ The Fillmore, uno de los mejores discos en vivo que se pueden escuchar de «ace-tato tiempo».

Shuggie Otis

Por último, quisiera presentarles a Shuggie Otis, un guitarrista que desde muy jovencito ya andaba palomeando con grandes artistas de la talla de Mike Bloomfield y Stephen Stills. De hecho a los quince años grabo con ellos y Al Kooper el disco Super Session, y para antes de cumplir la mayoría de edad, ya era el consentido de B.B. KIng y había tocado con otros grandes como Frank Zappa y Etta James. De hecho en algunas tocadas tenía que dejarse el bigotito para aparentar mayor edad y ganar un poco de respeto. Además de múltiples colaboraciones como músico de sesión, Shuggie Otis sacó tres discos de su autoría. El que me gustaría recomendar para ustedes, es su última producción Inspiration Information, lanzado en 1974, una joya que tardó casi tres años en andar armando. Este álbum combina un poquito el soul, el funk y el blues, acompañado con algunos efectos de sampleado muy poco utilizados hasta entonces. En algunas canciones como «Inspiration Information», «Strawberry Letter 23» y «Island Letter», se puede apreciar el talento de este gran guitarrista para tocar acordes y combinarlos con una gran armonía. Seguro se darán cuenta que el sonido pareciera ser mucho más actual, con una combinación de funk y rhythm and blues medio romanticón, muy influenciado por el sonido de Sly & The Family Stone. Teniendo una gran carrera por delante, después de este disco Shuggie Otis fue invitado por los Rolling Stones y otras grandes agrupaciones, pero siempre se hizo el muy atareado, hasta que la misma escena musical fue dándole la espalda, quedando sin la oportunidad de renovar su contrato y perdiéndose en el mundillo de los jubilados. Es una lástima porque a mi parecer, fue uno de los músicos más jóvenes y talentosos de los setentas. Pero bueno, dice la leyenda que todavía anda activo echándose palomazos en las parrilladas con sus amigos. Les comentó que su último disco fue remasterizado por el sello independiente de David Byrne, así que no creo que sea muy difícil de encontrarlo. Espero que nuestras recomendaciones de este mes sean de su agrado. No duden en mandarnos sus comentarios. Sin más por el momento, como en todos los meses, les deseo amor y paz y que el cosmos cuide de ustedes. Hasta la próxima. www.revistababel.com | Babel, Julio 2012

The Beach Boys Cuando en el mundo entero de la música solo se hablaba de la “invasión británica”, como era malamente llamada, cuando el intento de defensa de los Estados Unidos fallo con el grupo mediático que fueron, The Monkees, falla entre comillas porque ahora han revalorado su estilo y con ese equipo de compositores que tuvieron atrás ahora descubrimos canciones muy buenas, bellas y armoniosas, ese será un tema algún día cercano. Por ahí, en la costa oeste del vecino país del norte, un real y maravilloso grupo de gente bonita, de familia acomodada, mas bien diferente al resto de los demás grupos, en este caso todos adinerados, no mal agraciados físicamente, viviendo en uno de los lugares mas bellos del mundo, Santa Monica y Malibu Beach al norte de Los Angeles. Este grupo formado por tres hermanos, Brian, compositor, arreglista, genio errante y cabeza pensante del grupo, Carl, guitarra y armonías y Dennis, batería y armonías, todos de apellido Wilson, Al Jardine guitarra, bajo y armonías y Mike Love primo, y cantante, armonioso como pocos. Pues bien, estos maestros descubren que la combinación

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por Luis Mejía

del rock, con el sol, la arena y ese maravilloso olor a mar, tenía una pasión propia llamada Surf que es y era practica diaria de los jóvenes y no tan jóvenes habitantes de la costa gringa. Era la época en la que todo aquel que traía yerba y sobre todo la famosísima y efectiva Acapulco Golden era el rey. Esta combinación creó el estilo surf de los Beach Boys, creo que estaremos de acuerdo que siempre fueron armoniosos en sus coros y alegres, pero su ritmo siempre moteado con emociones profundas y melodías fáciles que se pegan a tu mente. Es por eso que se convirtieron en únicos y básicos en todos aquellos que pensamos tener una buena colección de música. En 1965 sale un disco llamado THE BEACH BOYS TODAY!, que entre ritmos pop chicos-conocen-chicas y baladas sentimentales inspiradas por las féminas, quién no se inspira en ellas? To Day fue grabado después de una de las muchas crisis nerviosas y de drogas que ya venia cargando el genial Brian, sumado a las agotadoras giras que el grupo solía dar por la total Unión Americana, se acuerdan de “Do You Wana Dance”,

acisúm “Help Me Ronda”, “ Kiss Me Baby” y sobre todo una de las mejores canciones que he escuchado jamás y aun me llena el espíritu “ God Only Knows”, escúchenla, disfrútenla y después hablamos. Con este disco la banda supera a The Beatles y los Stones por ves primera, entran de lleno en la batalla por la supremacía musical por casi tres años, esto sin ayuda de los medios de comunicación masiva. Ahora mis melómanos, recuerden la joya de la corana de este grupo PET SOUNDS del 67, cuando Rubber Soul cambia el destino musical de casi todos, apuntando hacia la Psicodelia, esto pica la cresta de Wilson y este genio errante se encierra a crear esta belleza musical, un álbum que para mi gusto personal supera al de los Fab Four. Brian pasa dos meses encerrado junto con el rimero y letrista Tony Asher que por cierto también era publicista, este álbum cuyo tono es radicalmente diferente a todos los anteriores; los himnos surferos simplones se esfuman y en su lugar emerge un sonido mucho más complejo, alegre y salpicado con emociones profundas y atormentadas. Una ves mas el LSD fue factor fundamental en su creación. “Wouldnt It Be Nice”, que venia acompañada deslumbrantemente como un manantial sentimental secundado con capas de trompas, percusiones y timbres de bicicletas es sin duda la estrella, escúchenlo con calma y en compañía de mi amigo

del alma “Sir Jack Daniels” en la mano y lo entenderán, pero deben oírlo completo. Una ves mas los excesos, las malas amistades, basta recordar que una de las casas en Santa Monica que era propiedad de Dennis Wilson, vivió y de ahí salió la pandilla diabólica del malamente celebre Charles Manson a cometer la serie de asesinatos en Beverly Hills, siendo el mas famoso el de la bellísima Sharon Tate, esposa de Roman Polansky. Dennis le prestaba esa casa a Manson, participaba seguido en los bacanales que ahí se originaban, el Vodka que a fin de cuentas fue su perdición y motivo de su muerte. Brian seguía con el LSD, Carl con alcoholismo declarado y bueno el grupo empieza su declive, pero aun logran sacar un álbum que fue “SURFS UP”, un álbum difícil de valorar en términos estrictamente críticos; demuestra el desmoronamiento interno y el avance en la demencia de Wilson, en este inter, Wilson compone lo que muchos consideran una de las leyendas del Rock “ Good Vibrations”, justo cuando él pensaba haber logrado superar a todos, del otro lado del océano aparece “ Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band” y bueno el resto es historia. Como grupo demostraron tener una claridad, emocional que rozaba lo sublime, una falsa ingenuidad y una calidad única aun ahora en el manejo de las voces. Hubo por ahí un intento bastante bueno después de la separación obligada del grupo, Dennis, baterista, semental, actor,

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acolito, logra un disco como solista de verdadera altura que pudo ser parte de la lección de discos de Beach Boys. “PACIFIC OCEAN BLUE” ofrece una vista de lo que era la ciudad de Los Angeles en los años 70, cuando ser una estrella de Rock a base de cocaína era ser un dios. Disco bueno y recomendable, búsquenlo. Tristemente aun ahora Brian, vive encerrado en su mansión de Beverly Hills y en su demencia se niega inclusive a recibir la visita de Paul McCartney a quien le negó la entrada cuando este fue a hacerle un reconocimiento personal por sus tan maravillosas composiciones. Dennis muere ahogado en su alberca a causa de cocteles molotov de cocaína con vodka y recientemente Carl, igual ahogado en whiskey cae de su yate y muere ahogado en el océano. Un ultimo comentario, aun antes de Woodstock y el festival de Monterrey Pop Festival, hubo por ahí un intento de película de 1964 llamada “THE T.A.M.I SHOW”, las iniciales quieren decir, Teenage Award Musical International, fue grabada en el Santa Monica Civic Auditorium donde se interpretan canciones junto con grandes músicos gringos y británicos. Traten de buscarlo en la red, seguro les encantara, es como ver un canal de música actual en la tele de paga. Suerte y nos vemos.

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Veru IchĂŠ 20

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“Osvalda”. Cortesía de la colección Ivory Press London.

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“El Desmayito 3” . 22

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De la colección The White Lodge Minden Chan Collaboratives 1.

“Todos somo Alicia”. Cortesía de la colección Ivory Press London. www.revistababel.com | Babel, Julio 2012

De la colecci贸n The White Lodge Minden Chan Collaboratives 4. 24

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De la colecci贸n The White Lodge Minden Chan Collaboratives 2.

De la colecci贸n The White Lodge Minden Chan Collaboratives 3.

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por Gaby Zepeda

hacer y nada que perder. El mundo del protagonista parece que estallará en cualquier momento; se rodea de patadas, golpes, punk, rock y un poco de regaee, mientras que el desespero del ambiente industrial barcelonés lo asfixia y lo calla. Rompepistas es una novela donde la narración es intensa y posee el gran sentido del humor que caracteriza el paso de la adolescencia a la primera juventud. ¿Por qué debes leerla? Por la sencilla razón de que está hecha con mucha sensibilidad, y la mezcla exacta de ingenuidad y humor tétrico que manifiesta su aversión al trato humano. En esta novela se exploran la amistad y la culpa, los lazos de sangre que unen promesas rotas, la liberación por medio del baile y la desintegración de miedos y todas las transformaciones que conlleva la pérdida de inocencia. En el 2003 escribió otra novela famosa llama El día que me vaya no se lo diré a nadie, en ella cuenta la historia de Julián, a quien describe como un perdedor, poco productivo, acumulador de discos y libro. Julián trabaja en una librería de segunda mano y pasa las noches en un bar. Por otro lado está Octavia, cuyo trabajo es poner su voz al metro, a los contestadores telefónicos. Su novio la dejó por otra, sus amigos le dieron la espalda y poco a poco, todo se cierra a su alrededor. El optimismo de ambos se ha ido mermando lentamente, hasta que los dos convergen con el pensamiento de huir de la Barcelona cómoda, suave y aburrida en la que viven. En esta novela, Kiko Amat escribe una mezcla de prosa sencilla, abrupta y con la sensación de vertiginosidad con humor. La colección más importante escrita por este perspicaz barcelonés hasta el momento es Contraseñas, de la que destaca la novela Las Cosas que hacen BUM (2007). Hoy en día escribe de forma regular para el suplemento Cultura/S de La Vanguardia, la revista Rockdelux y el mensual Barcelonés, entre muchos otros, y coeditaba hasta hace poco el fanzine + blog La Escuela Moderna.

Kiko Amat. Un escritor por accidente. Nacido en Sant Boi, Barcelona en 1971. Periodista y no-

velista por accidente, abandonó los estudios de preparatoria a los 17 años para dedicarse a vivir un como mosaico de mood adolescente como skinhead o bailarín, además de mantenerse trabajando en restaurantes, hoteles y hasta operando en cadenas de montaje de autopartes en Londres (ciudad donde vivió durante 5 años) como último remedio para mantenerse y sobrevivir. Este apasionado del pop ha escrito novelas sin la intención de que sus obras ganaran premios como la Mejor Obra Literaria en los premios de la Unión Fonográfica Independiente en el 2009. La obra ganadora de tal premio se titula Rompepistas, ésta es una sencilla historia que se sitúa en el verano de 1987, el personaje principal Rompistas, es un punk miope, flaco y escuálido de diecisiete años nacido en Barcelona, en una época en la que sólo importaban la Generación X, los Clash, los Jam y su propio grupo, llamado Los Duelistas. Sus mejores amigos, Carnaval, el baterista gordito, Clareana, su ex novia y el Chopped, líder de los Skinheads por la paz son sus cómplices con botas, almas y ropa rota, sin futuro, nada que

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arútaretiL “Dos años que camina sobre la tierra. Sin teléfono, sin piscina, sin mascotas, sin cigarrillos. Libertad absoluta. Un extremista. Un viajero estético cuyo hogar es la carretera. Escapado de Atlanta. No has de volver, porque “el oeste es lo mejor”. Y ahora después de dos años divagando, llega la aventura final y la más grande. La batalla culminante para matar al ser falso de adentro y concluir victoriosamente la peregrinación espiritual. Díez días y noches de trenes de carga y autostop lo han llevado al Gran Norte Blanco. Ya no será más envenenado por la civilización de la que huye, y camina solo sobre la tierra para perderse en lo salvaje”. Alexander Supertramp, Mayo, 19992. Fragmento recuperado del diario de Christopher McCandless, el 06 de Septiembre de 1992.

“Hacia Rutas Salvajes: El lado humano de la investigación”

por Olivia Zabala

Jon Krakauer un montañista y escritor americano, el cual

ha dedicado su vida a escribir sobre actividades al aire libre y al alpinismo, es el creador de una de las piezas literarias más famosas en la historia, y con mayor impacto en los lectores hasta hoy día, Hacia Rutas Salvajes (Into The Wild). La fuente de la creación de este libro, comienza cuando Krakauer lee un artículo publicado en el New York Times, donde hablaban de la muerte por inanición de un joven montañista, al cual habían encontrado el los bosques de Alaska dos semanas después de su muerte. La historia le causó tal escalofrío que todos los bellos de su espalda se erizaron, y una inmensa curiosidad por saber qué había pasado realmente con él, lo llevó a lo que sería una investigación de más de tres años. Así Jon Krakauer recorrería gran parte de Estados Unidos para tratar de encontrar a las personas que conocieron la travesía de McCandless o como él se hacía llamar, Alexander Supertramp. Su investigación lo llevaría no sólo a obtener un reconocimiento mundial por parte del mundo literario, sino a marcar una gran diferencia en el mundo periodístico al lograr crear un lazo personal con la investigación, sin perder la objetividad que caracteriza a tal práctica. krakauer viajó hasta Alaska al mismo autobús donde Christopher fue encontrado muerto; recorrió todos los lugares de los que el joven hablaba en su diario y acompañado de las fotos

tomadas por el muchacho durante su viaje, entre ellas la misma que tomó días antes de morir. Con esto este escritor, logro descubrir a la persona que había dentro del personaje que los medios de comunicación habían creado para vender periódicos, y por fin pudo entender las decisiones que lo llevaron hasta su muerte e incluso se pudo identificar con él: “Cuando era joven, era en muchos aspectos similar a Chris McCandless - aunque carecía de su intelecto o su inclinación altruista- pero sospecho que ambos teníamos una intensidad similar, una imprudencia similar, una agitación del alma parecida”. Hoy en día la historia de este joven es conocida mundialmente, gracias a la pasión y el trabajo de un hombre que decidió conocer la verdad y mostrarla al mundo como un homenaje a su protagonista, pero sobre todo, como un homenaje a la persona que lo inspiró a salir de su propia zona de confort y que lo convirtió en uno de los mejores escritores e investigadores de nuestra época. La investigación de Jon Krakauer provocó una reacción en todas las personas que leyeron el libro. Y aunque las reacciones fueron tan diversas como los últimos años de la vida de Chrispopher McCandless, logró trascender fronteras y llegar al nervio de las personas.

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Como escritores, periodistas, o simplemente como personas, siempre estamos en busca de una historia que nos provoque, que nos haga reaccionar ante ella y que logré esa misma reacción en las personas a las que se las hacemos llegar. Jon Krakauer y su libro Hacia Rutas Salvajes, crearon esa reacción en mi al impulsarme a conocer más sobre él y su trabajo, la historia de Christopher McCandles me hizo reflexionar sobre mi vida y la forma en que la vivo día a día. Y espero que este artículo, cree en ti la curiosidad de leer su trabajo.

Gamers del Mundo: ¡Uníos! Del 5 al 7 de junio, en el centro de convenciones de Los

Ángeles, California, se llevó a cabo la meca de todos los fanáticos a los videojuegos del mundo: la “Electronic Entertainment Expo”. Durante ésos 3 días las compañías líderes en el negocio del entretenimiento por video se dan cita para develar sus nuevos lanzamientos que llegarán durante lo que queda del año. Éste E3 fue particularmente especial ya que podría ser el último donde las consolas que hoy en día circulan (Xbox 360, PS3, Nintendo Wii) sean las protagonistas. Nintendo, para no perder la costumbre, se adelantó y develó el Wii U, su nueva consola de videojuegos donde lo más característico es la capacidad de envolver al jugador en una esfera virtual de 360º. El límite para los desarrolladores de videojuegos ya no será el espacio disponible en la televisión de los jugadores ya que el Wii U Gamepad cuenta con una pantalla

por Samuel Borbolla

de 6.2 pulgadas full-touch la cual les permite apuntar el dispositivo en cualquier dirección y la acción del juego seguirá el movimiento. Como lo mencionaron durante el evento, el jugador vivirá rodeado del mundo con el que está interactuando, su salida al mercado en EE.UU., está prevista para los últimos 4 meses del año y el juego que en lo personal me deslumbró fue ZombiU, muy recomendable. Las otras consolas no verán todavía cambios en su hardware, y en el caso del Xbox 360 con la introducción de más juegos compatibles con su sensor de movimiento Kinect aún puede hacer más con lo ya disponible. Hablando de Microsoft, el juego que más expectativas creo y mereció el momento principal del keynote fue Halo 4. zzCon juegos que son parte de una franquicia es difícil discernir cuando la saga continúa por razones propias de la historia y cuando es la salida fácil de los creadores de dichos

juegos para seguir ganando dinero. Al parecer, en el caso de Halo 4 y Bungie, no es por lo segundo sino por lo primero. Vuelves a tomar las riendas de Master Chief junto con su inseparable programa de inteligencia artificial Cortana, ésta vez en un planeta donde los Forerunners (Ancestros) se muestran por primera vez, dándonos a esperar un nuevo arsenal de armas y un hilo narratorio más complementado con la adición de ésta raza de seres predecesores de la humanidad. Otros juegos de notar en la presentación de Microsoft fueron Call of Duty Black Ops 2, Dead Space 3, Gears of War: Judgment y Watch Dogs; éste último representado en la bella ciudad de Chicago donde haces las veces de un detective con la habilidad de hackear a toda la ciudad para alcanzar sus objetivos, yo le doy una mención honorífica. Ahora para la última consola del show, el Playstation 3. De los 3, es el que cuenta con el mejor procesamiento gráfico y es; a mi gusto personal, la consola más apta para Gamers veteranos como su servidor que ya no soy párvulo de secundaria. Sony nunca ha sido ni la primer consola de nueva generación ni la más barata, y es precisamente esas cualidades las que hacen de sus lanzamientos un momento muy esperado para juegos de un contenido más maduro. Durante ésta edición, Sony sorprendió con su nuevo videojuego “The Last of Us” que es parecido a “Heavy Rain”, con la añadida sorpresa de que Ellen Paige (Juno, Hard

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Candy, Inception) prestó sus encantos y su talento histriónico para éste juego, convirtiéndolo en un lanzamiento casi de culto. Otros lanzamientos de notar para el PS3: God of War Ascension, Tomb Raider, Borderland 2 y Playstation All Stars Battle Royale, la versión de Sony del éxito de Nintendo Super Smash Bros. Empiecen a ahorrar carnales y carnalas porque esto es sólo una parte de lo que el E3 nos dejó en junio, los invito a ver todos los previos y demostraciones que puedan y platíquenme cuál es en su opinión el juego que les hace agua el control.

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