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CREW DIRECCIÓN EDITORIAL
DIRECTOR DE INFORMACIÓN
José Antonio Ibarra jai@revistababel.com @ibarrasta Mario García Cordero mariogarcia@revistababel.com
RELACIONES PÚBLICAS
Isauro Hernández isaurohdez@revistababel.com @Isaurohdez
CORRECCIÓN Y ESTILO
Dulce Baltazar dulcebaltazar@revistababel.com
COLABORADORES
PORTADA AGRADECIMIENTOS
Arq. Luis Mejía, Olivia Zavala, Ernesto Javier Saldaña, Samuel Borbolla a.k.a. “El Patrón”, Horacio Lozano, Christian Núñes, Moises Cobian, Angelino Corleone yRodrigo Vázquez Mellado.
“ Anthonie Kamerling” por Enkeling. Centro Cultural Manuel Gómez Morín, Museo De La Ciudad, Galería Libertad, Enkeling, Roquereando, Toni Fraçois y todo nuestro equipo de colaboradores.
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¿Qué Pasó con porter?
Por Rodrigo Vázquez Mellado
n flautista de cuerpo robusto baila semidesnudo y toca una melodía entre paredes rojas que parecen formar parte de un útero. Su breve melodía da paso a un beat de batería, efectos programados y una compacta línea de guitarra y bajo. La cámara sale del
en México y en algunas partes de Estados Unidos durante la época del Myspace y la explosión del llamado Indie Rock; quizás sientan un tono de familiaridad al recordar ese video y escuchar el nombre “Porter.” Esa banda conformada por 5 muchachos proven-
útero y comienza a escalar un vestido blanco mientras una voz que a primera escucha parece ser femenina canta versos en ingles con un fuerte acento latino. Se revela el rostro maquillado y tétrico de una mujer de pelo oscuro, antes de que la canción explote hacia una batería más pronunciada y una nota alta y prolongada. Esos son los primeros segundos de el video de “Host of a Ghost”; uno de los 3 sencillos escogidos para promocionar Atemahawke (2007), el álbum debut de la banda mexicana de rock alternativo, Porter. Jóvenes, artistas y amantes de la música que vivían
ientes de Guadalajara que alrededor del 2004 tomó espontáneamente las estaciones de radio de la Ciudad de México con su sencillo titulado “Espiral”. El furor que causó su primer EP titulado Donde Los Ponys Pastan, resultó en un contrato discográfico que les valdría para grabar su primer disco, inundar los canales de música y las ondas de radio con “Host of a Ghost,” ser teloneros de grupos de la talla de The Strokes, Red Hot Chilli Peppers y The Killers; y conseguir espacios en importantes festivales internacionales como el Corona Music Fest de 2007, el Vive Latino y Coachella 2008.
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Por un momento parecía que Porter estaba destinada a ser la banda emblemática de una nueva generación de rock nacional. La Jornada los llamaba “Caifanes del futuro”, revistas como Al Borde planteaban que la banda podría tratarse de “La Salvación del Rock Mexicano.” Y tras tocar en el festival Coachella de 2008, en la cúspide de su joven carrera musical, Porter anuncia su separación mediante un insípido anuncio publicado en su página de Myspace, dejando miles de fans sedientos de más música y una gran incógnita acerca del futuro de cada integrante y la esperada reunión que parece nunca llegar. La historia de Porter es tan inusual como su extraño sonido psicodélico y dance, etéreo y alegre, todo a la vez. Se formaron en 2001 en Guadalajara. Los guitarristas Fernando de la Huerta y Víctor Valverde, formaban parte de una agrupación instrumental junto con el bajista Diego Rangel “Bacter” y el baterista Juan Pablo Vázquez. En el 2004 Juan Carlos Pereda, apodado Musgo, en esos años, regresó a su natal Guadalajara después de un año de estudiar canto en Londres. Se unió a la banda como vocalista y la misma se rebautizó como Porter. En ese entonces, todos eran estudiantes universitarios. La edad promedio: 20 años. Al principio la banda no obtenía muy buenas respuestas en su natal Guadalajara. Recibían fuertes críticas hacia la voz casi femenina de Musgo y su manía por vestir atuendos exagerados y maquillaje que recuerda un poco a los mejores días de Syd Barrett. En una entrevista con La Jornada en 2007, Musgo explica: “Me dicen ‘hay cantas como vieja’ y me parece un ha-
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lago…creo que en Guadalajara les parecemos raros. Hay mucha apatía hacia el Rock.” Pero lo que los hacía bichos raros en Guadalajara los convirtió en una sensación en el DF. Haciendo buen uso de las entonces nuevas redes sociales como Myspace.com, comenzaron a propagar el primer EP y el video del sencillo Espiral en estaciones de radio donde las llamadas de adolescentes pidiendo la canción no dejaban de llegar. Eventualmente la música llegó a manos de Joselo de Café Tacuba. Al hablar con la revista “Al Borde” el guitarrista Víctor Valverde lo describe como “El Padrino, un buen guía de nuestra música que la hizo llegar a donde debió.” El resto, como dicen, es historia. Con las presentaciones llegaron ofertas discográficas, el sello con 3er piso Records, y la explosiva publicación de Atemahawk, una pieza de 47:27 minutos que sin importar que pasara después, queda en la historia como parte esencial del rock nacional de la última década. Caben destacar canciones como la fantasiosa “Hansel & Gretel’s” “Bollywood Story” la surrealista y dance “Xoloitzcuintle Chicloso” y por supuesto la inolvidablemente viral “Host of a Ghost.” Tan solo un año después de la publicación de Atemahawke, respaldada con más presentaciones y 2 videos más, llegan los rumores de separación y el decepcionante anuncio en Myspace. Como cuando se derrumba un edificio, se levanta una nube de humo y los primeros meses después del anuncio hay sólo silencio y explicaciones vagas. No hay muchas declaraciones, pero se repiten los clichés que suelen rodear
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a la separación pacífica de una banda. “Búsqueda de algo más satisfactorio”, “Diferencias musicales” “Conflictos creativos” etc. etc. Mas adelante, en una entrevista para Indio TV de 2009, Musgo o ahora “Juan Son” diría: “Realmente nunca me gustó Porter, artísticamente nunca me sentí tan contento y creo que diferíamos mucho en ideas artísticas.” La nube se disipa y la mayoría de los miembros comienzan a anunciar sus proyectos personales, ahora mediante Facebook. En 2008 Fernando de la Huerta funda el proyecto de rock experimental “Vansen Tiger” actualmente basado en Guadalajara y firmado con 3er Piso Records. Diego Bacter saca su proyecto solista entre 2009 y 2010, y se desconocen actuales planes. En 2009, el ahora solista “Juan Son” libera la primera probada de su proyecto solista con el sencillo “María” en el cual lo acompaña el guitarrista Víctor Valverde junto a otros músicos invitados. Quizás el más exitoso (al menos en cuanto a exposición mediática) fue el extravagante Juan Son. Su disco debut como solista titulado Mermaid Sashimi fue publicado en 2009 mediante Universal Music. Con un sonido mas etéreo, un poco orientado hacia la llamada corriente Hipster y haciendo mayor uso de sintetizadores, pero manteniendo su particular voz con acento latino y letras tan humorísticamente bizarras como la propia imagen de Juan Son. Entre giras, colaboraciones con artistas como Julieta Venegas y Natalia Lafourcade, y una canción en la
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banda sonora de la película Rudo y Cursi, Juan Son publica un disco junto al baterista de la banda norteamericana Blonde RedHead, Simone Pace, bajo el nombre AEIOU. Space Hymns de 2011, lleva la extravagancia de Juan Son a una imprevista cúspide. El tapatío reside actualmente en la ciudad de Nueva York; no se ha anunciado ni un segundo disco de Juan Son, ni otros nuevos proyectos. Escuchando los proyectos subsecuentes de algunos de los miembros de Porter, queda claro que la separación por diferencias creativas era inminente. Pero aunque la trayectoria de cada uno ha sido interesante y digna de escuchar, la marca del particular estruendo que fue Porter sigue ahí. Hace falta sólo darse una vuelta por el Facebook o Myspace de Vansen Tiger, Juan Son o Bacter, para ver comentarios como: “Porter Porfavor!” “Ya Vuelvan” o “Estabas mejor en Porter!” Para algunos son basureros de opinión, para otros son ecos de lo que pudo haber sido uno de los fenómenos musicales más importantes de la última década. No hay, ni parece que vaya a haber, señales de una futura reunión. Si deberían reunirse o no, es enteramente una cuestión de opinión. Pero lo que es cierto y hasta cierto punto imbatible, es que hay en la historia de Porter lecciones que muchas bandas de la época actual, harían bien en aprender, o mínimo tomar en cuenta. Porter, pese a su efímero tiempo de vida, siempre será un brillante ejemplo de cómo una banda puede ir más allá de su escena local para buscar el reconocimiento que quizás no obtengan en casa, de cómo pueden encontrar una gran audiencia y el éxito comercial siendo tan raros como quieran ser, sin tener que moderar su sonido e imagen a un punto “digerible” y, finalmente, el magnífico uso que una banda puede hacer de las nuevas tecnologías para poner su trabajo al alcance de la gente. Porter, como pocas bandas, probó que venir de un lugar no tan común, con un sonido poco convencional, no debería ser impedimento alguno.
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Adiós a los padres
or My Parents, el último disco de Mono [Temporary Residence Limited, 2012] continúa en la línea trazada por sus dos álbumes previos, You Are There [2006] e Hymn to the Immortal Wind [2009]. El shoegaze orquestal de la banda japonesa es un largo e ininterrumpido lullaby con melodías arregladas para propiciar ejercicios de introspección cinemática. Desde su debut —con el potente Under The Pipal Tree [2001], más orientado hacia el progresivo—la banda se ha especializado en generar viajes interiores con emociones puras y anécdotas personales. Esta vez toca el turno a las relaciones de familia y todo lo que hay ahí: sonidos, silencios, timbres, respiraciones entrecortadas, alientos y telón final. La arquitectura sonora del álbum es impecable; no faltará quien diga que les faltó maldad; en cualquier caso, Mono cumple su cometido de construir paredes sonoras estruendosas y alternarlas con momentos de apacible calma. En ese vaivén, los cuatro integrantes articulan un set de 5 temas complejos en la forma-fondo ensamblados a la perfección.
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Por Christian Núñez
El video del primer track, Legend: A Journey Through Iceland, con paisajes de la Tierra de Sigur Rós, posee una belleza extraordinaria, reparadora en más de un sentido, ya sin la catarsis dolorosa de anteriores melodías como The Flames Beyond the Cold Mountain, 16.12 o The Battle To Heaven. Ahora Mono se expresa con estrategias epifánicas que lo mismo hacen recordar el útero materno, la salida del sol en las montañas o la muerte de nuestros padres. En ese tránsito de conflictos y resoluciones anidan imágenes que sólo tú puedes ver/escuchar/sentir. A menos que ya no estés entre nosotros.
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Sammy Hagar
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ducado en Fontana, California, Hagar brincó a la escena en San Francisco como vocalista principal de Montrose. Después de una serie de ocho álbumes en solitario, contando con discos de platino y cientos de entradas agotadas de sus conciertos, Hagar se unió a Van Halen en 1985 y llevó a la banda a niveles sin precedentes, incluyendo cuatro álbumes en el no. 1 consecutivamente.
por Ernesto Javier Saldaña
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en Cabo San Lucas, México, y que ha expandido su cadena de bares a Las Vegas, Lake Tahoe y en algunos de sus nuevos restaurantes llamados Sammy´s Beach Bar and Grill, donde recauda fondos para organizaciones benéficas locales. En el inicio del 2011, Sammy se ha aventurado a producir un ron de clase mundial desde Hawái, donde tiene un hogar y vive una parte del año. Otras actividades no musicales de Hagar incluyen ser un gran marido de su esposa Kari y padre de sus hijos, también está motivado por los carros antiguos, vinos, cocina gourmet, sobresaliendo en sus iniciativas de negocios y tener buenos amigos.
Aparte de que Sammy ha dejado su marca como compositor y vocalista, ha tocado con una serie de fabulosos guitarristas, desde Ronnie Montrose, Eddie Van Halen, Slash, Reb Beach y Joe Satriani de su actual grupo, Chickenfoot, el cual cuenta con el ex bajista de Van Halen, Michael Anthony y el baterista de Red Hot Chili Peppers. Hagar celebra cada año su cumpleaños en un magnífico evento en Cabo Wabo Cantina situada
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CINCO DISCOS ÉPICOS por Luis Mejía
oy estoy un poco cansado y por ende con pocas ganas de escribir, no sé, creo a todos de vez en cuando nos pasa que por causas desconocidas nuestro inconsciente decide no darnos oportunidad alguna de querer hacer lo que más nos gusta; será que deberemos de cumplir con ciertos ciclos de limpieza mental, corporal y sobre todo espiritual?. Tomando esto como consideración para conmigo mismo, entenderán que hoy particularmente me cuesta trabajo escribir acerca de mis recuerdos musicales amarrados a las vivencias a las que cada uno se transporta al escuchar un viejo disco o una vieja melodía que al asociarla con lo propio, nos permite viajar a través de nuestro espacio y volver a estar en donde alguna vez estuvimos, vaya disertación literariapacheca me acabo de reventar. Tengo en mis manos la última edición de la revista “ RollingStone “, en esta ocasión hablan de los 500 mejores discos de la historia, a entender de un cierto número de críticos, músicos, expertos y locos, yo sólo hablaré de los cinco mejores, dando mi muy personal punto de vista de estos criterios de selección y orden de calificación. Ciertamente cuando compré la revista, tenía la certidumbre de saber de antemano cuál sería el número uno y vaya que no fallé, como estoy cierto, todos ustedes viejos y nuevos conocedores de música, estarán como yo seguros del number one,,,,,,,,,Yes, estamos correctos:
1. “ Sgt. Pepper´s Lonely
Hearts Club Band”
, Alguna duda, no verdad, sin temor a equivocarme es el DISCO MÁS IMPORTANTE DEL ROCK & ROLL DE TODOS LOS TIEMPOS, desde las explosiones de metales y guitarras con
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fuzz de la canción que da nombre al disco, hasta el derrame orquestal del final del mismo. Vaya, nunca antes estos cuatro grandesgigantes se mostraron más temerarios y unidos en nombre de la magia musical y trascendencia de sus creaciones, hablamos de 1967, los años sesenta tardíos y el verano del amor del 67, aquí se definió el optimismo revolucionario de la psicodelia y creció el evangelio del amor, los ácidos, la espiritualidad y las guitarras Gibson, Fender, Rickenbacker, etc. La relación creativa estaba en la cúspide, sin duda todos colaboraban en su objetivo común, CREAR EL PARTEAGUAS DEL ROCK y sin lugar a dudas lo lograron. McCartney, Lennon, Harrison y Starr, serán siempre y por siempre los número uno del Rock & Roll.
2.“ Pet
Sounds”
, Como recordarán, tiempo atrás escribí sobre estos grandes músicos del sur-oeste de la Unión Americana, pues bien “ The Beach Boys”, en mi personal opinión, me sorprende encontrarlos aquí y sobre todo con tan alta calificación de los expertos, yo estoy feliz como lo entenderán. Este álbum estuvo a punto de nunca salir y ser enlatado por la disquera Capitol Records, pues lo consideraban poco visionario, vaya que se equivocaron, y el resultado es un álbum que en su momento (1966) desbancó a “Rubber Soul”, la inspiración compositiva de Brian Wilson y su gran terquedad y tenacidad lograron no sólo convencer a los muy tontos ejecutivos de la disquera así como a uno que otro miembro de la banda de que este sería un éxito comercial-musical sin precedentes y ahora lo confirmo, este grupo es uno de mis favoritos y si no, sólo basta escucharlo completo y en total relax con Mr. Jack Daniels al lado y Banana, el perro de Wilson ladrando con ustedes.
3. “ Revolver “
, va de nuevo, alguna objeción, como lo mencionó alguna vez George Harrison, “No me parece que exista un abismo de diferencia entre Revolver y Rubber Soul”; estamos hablando de 1966, por ende este es uno de los discos más osados de sus tiempos, vaya, marcaron con este disco el rumbo certero e irreversible de la innovación musical por venir. Aquí viene el primer gran desafío compositivo para McCartney y Lennon por parte de Harrison, con canciones tan profundas y largas como “ Taxman”, “ I Want To Tell You”, “ Love You To”, por otro lado Paul logra con temas como “ For No One “ y “ Eleanor Rigby” demostrar de nuevo en el gran maestro en que se estaba convirtiendo, con un arte compositivo y maduro, llamativamente genial. Intentando condensar un tema de tres minutos, un largo viaje de LSD, Lennon nos regala “ Tomorrow Never Knows”, con todo esto como antecedente y con la armonía y el control de Ringo, este álbum nos da a entender que la música popular, sea cualquiera cosa, tema o idea musical, se podía materializar, y con “ The Beatles” se demuestra que así sería.
4. Highway 61 Revisited”,
Quién más que Bob Dylan; por ahí se comenta que Bruce Springsteen describió el comienzo de “ Like a Rolling Stone “, canción que abre este maravilloso LP diciendo que “ El golpe de la Tarola sonaba como si alguien hubiese tirado de una patada la puerta que conduce a tu mente”, estoy 100% de acuerdo con ello, yo soy un fanático de la batería, instrumento que toque en mis años mozos con grupos musicales estudiantiles y de los cuales hablaremos próximamente, así como las fiestas de paga en el Pedregal, en San Angel, en Lindavista, en Las Águilas, etc.
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La carretera 61 es efectivamente la ruta que conecta Minnesota, el estado nativo de Dylan, con el Delta del Mississippi, lugar de Blues y Jazz puro, mismo que marcó siempre el estilo de este genio que fue ejemplo a seguir de todos los demás grandes por venir. El “ Titanic zarpa al amanecer” canta con cierto resquemor, “ Todo mundo grita” de qué lado estás??, el hecho de que esta canción “ Desolation Row” sea un tema completamente acústico no es nada mas que una genialidad de once minutos de duración.
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“Rubber Soul “, qué creen, de
nuevo estamos correctos, Paul, John, George y Ringo la vuelven a hacer y la vuelven a armar en grande, “ Satisfaction” y “ Like a Rolling Stone” sonaban fuertemente en la radio y ZAZZZZZ, aparecen estos amigos y chao desbancan a todos y cómo no, aquí venían temas majestuosos como “Norwegian Wood”, “ You Won´t see Me”, “Nowhere Man” tema que Lennon consideró siempre su autorretrato; la maravillosa y muy hermosa “In My Life”, vaya arreglo de flauta, aquí se refleja el estilo más serio e íntimo que, de pronto, el arte de Dylan había posibilitado. Harrison y su citara y el bajo distorsionado de Paul, documentan un una creciente toma de conciencia, en el sentido de que, para el cuarteto, el estudio podía ser algo más que una escala abisal entre una gira y otra. Ringo comentó en cierta ocasión “Experimentamos muchísimo durante la grabación, influenciados, como me parece que estábamos, por ciertas y mágicas sustancias.” Espero que lo hayan disfrutado.NOS VEMOS en la que sigue.
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DiG! L
a unanimidad no es el punto medio entre 2 ideas opuestas, sino el balance idóneo entre los egos, esta es la balanza hacia donde se inclina este fabuloso documental dirigido y producido por Ondi Timoner (Sound affects, The nature of the beast, entre otros) en 2004. Este documental ganador del Premio del Gran Jurado del Festival de cine de Sundance (2004), relata los inicios paralelamente opuestos y relativamente unidos entres 2 trenes que transitan los mismos rieles para después descarrilar cada uno su incursión en el Salón de la Fama, caminos dispares que encontraron su similitud neutral en la música. Anton Newcombe cantante de The Brian Jonestown Massacre representó el protagonista antes, durante e incluso después de la filmación de dicho documental, dado que fue quien mas oposiciones mantuvo en dicho proceso, quien se manifestó abiertamente en múltiples ocasiones en la pagina web de la banda. Pero más allá del contexto en el que se idealice, este documento es un retrato fidedigno del inicio de uno de los héroes musicales más desconocidos por las masas y sin embargo uno de los más extravagantes, visionarios y delirantes que hayan existido.
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por Angelino Corleone
Por el otro sendero de la vereda están los Dandy Warhols, originarios de Portland; el líder de esta manada Courtney Taylor, fue quien labró la esencia y sustentó el éxito mainstream de esta banda; quien gradualmente encontró cabida en los senderos del mundo musical corporativo, la contracara del instinto ideológico de los Massacre. La trama se centra en la relación amor/odio de estas 2 bandas icónicas de su momento, de su género, donde el factor común es también el declive de ambas, su tendencia destructiva al servicio de la música es lo que pone en jaque la carrera de los Massacre por un lado, y el servilismo no democrático con las grandes disqueras, por parte de los Warhols. Unos auto-destructivos y auténticos, los otros ostentosos y afamados; unos con el pie en la cuerda floja cada vez que suben a escena, los otros navegan entre grandes multitudes como ídolos edificados por la bruma que caracteriza a la fama, cada uno alternando frentes que al final han de conjugarse en puntos suspensivos, en historias que aún han de tener tinta en su anales y sobre todo que aún han de esbozar historias no aptas para citas bíblicas.
Recopilado fílmico de horas que transmutaron en años y al final desembocaron en 107 minutos de adictivos componentes y explosivas relaciones que simulan un montaje de la realidad, donde el pretexto es visitar el seno de uno de los lugares más privados para el público musical, ahí donde nadie entra, ahí donde no hay espacio para nadie más, las cámaras focalizaron el encuentro simultáneo de la gloría y el declive humano en el lado mas nítido y limpio de todos los componentes extra-musicales que contiene la vida misma.
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Hot air
Enkeling Ilustradora holandesa www.enkeling.nl
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Adam Greenfield Picnic Poster
Rappuzzled
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“En la trinchera del Rock; entrevista con Toni Francois” E
por @moisescobian
n entrevista con Toni, una fotógrafa mexicana de descendencia francesa que está en la trinchera del rock; entre el escenario y esa valla que detiene los impulsos de los amantes del rock, nos habla de cómo fueron sus inicios en la fotografía y nos muestra que el esfuerzo y dedicación hacen que cualquier objetivo sea logrado. Su trabajo se ha destacado por tomar fotografías en los mejores conciertos nacionales e internacionales donde destacan fotografías a John Lydon de P.I.L, Iggy Pop, The Mars Volta, Slash, Gene Simons, Yeah Yeah Yeahs! por mencionar algunos. Para poder acercarnos más a su trabajo y a esta excelente fotógrafa, Toni se sienta con nosotros en esta entrevista para roquereando.com “Hay mucha gente haciendo arte pero faltan personas que compren o estén dispuestas a pagar...” Toni Francois
MC: ¿Por qué la fotografía? TF: Porque desde muy joven era mi hobbie, empecé tomando Polaroids MC: ¿Qué fue lo que hizo que tuvieras la pasión por el arte de la fotografía? TF: Como te decía en la respuesta anterior, empecé a tomar polaroids desde que iba en la secundaria y es algo que me gusta mucho hacer. Fue algo natural, jamás planeé o decidí que iba a ser fotógrafa profesional. MC: Sabemos que dentro de la fotografía hay varios tipos, pero ¿por qué la inclinación a la música? TF: Tomo fotos desde hace muchos años, de mis amigos, mascotas, cosas que veía y hace casi 15 años empecé a ir a conciertos y a tomar fotos de eso (como hobbie, aunque ahora ya es a lo que me dedico casi todo el tiempo) MC: A lo largo de tu carrera siempre has resaltado que la fotografía de Iggy pop ha sido la que más que te ha gustado, ¿Qué es lo que te expresa para ti ese
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momento y cómo fue? TF: Iggy and the Stooges es de mis grupos favoritos y tomarle fotos fue muy importante porque pude retratar a una de las personas que más admiro (que además es un ícono y parte fundamental de la historia de la música). Es también un personaje extremadamente fotogénico, muy divertido para fotografiar. MC: En este rollo de la fotografía, ¿Cómo fue que te fuiste posicionando hasta consolidarte; cuál fue para ti lo que te ayudó a estar en donde estás? TF: Trabajando sin parar y dando a conocer mi trabajo en medios impresos y sobre todo medios electrónicos (con mi propio sitio TONO.TV y el apoyo de las redes sociales) MC: La fotografía de concierto tiene muchas variables y momentos únicos a diferencia de la fotografía de paisaje o artística. ¿Qué es lo más difícil al momento de tomar fotos en un concierto? TF: Conseguir la acreditación para tomar las fotos y
tener que trabajar con la luz disponible, que puede ser buenísima o a veces insuficiente. MC: ¿Qué es lo que más le apasiona a Toni después de la fotografía? TF: Viajar y hacer ejercicio. MC: ¿Si tú pudieras revivir a una banda y tomarles fotos cual sería? TF: Led Zeppelin MC: Tú que estas en la trinchera del rock de las bandas que están en el momento ¿para ti cuál es la mejor? TF: Tres de mis grupos favoritos en vivo son: Wolfmother, Foo Fighters y Slayer MC: ¿Cómo es que consideras el arte en México? TF: No sé, yo hago fotografía documental y la verdad no estoy metida en el mundo del arte. Supongo que debe ser difícil, yo hace poco hice una exposición en Vice Gallery donde mis fotos estaban a la venta (aún siguen por si a alguien le interesa) y no vendí mucho. Creo que hay mucha gente haciendo arte pero faltan personas que compren o estén dispuestas a pagar por un dibujo, foto, escultura, etc. MC: ¿Qué es lo que le hace falta para ser una potencia mundial a México en la música y en el arte? TF: Dinero, es decir, que la gente pueda dedicarse 100% a su música o actividad artística sin tener que trabajar en otra cosa que le quite tiempo para crear. Para eso se necesita que la gente valore por ejemplo las fotos o la música y estén conscientes del trabajo y dificultad que implica . MC: Sabiendo la dedicación que tienes ¿Qué podrías decirnos sobre cómo lograr las cosas con las que soñamos a pesar de que parezcan complicadas? TF: Hacerlas y no esperar a que las cosas pasen solas. MC: ¿Con qué se queda la gente al conocer a Toni Francois? TF: Prefiero que conozcan mi trabajo, pueden verlo en www.tonifrancois.com y www.tono.tv MC: ¿Algún consejo para
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los jóvenes fotógrafos que van iniciando en la fotografía? TF: Inviertan en equipo y practiquen mucho. MC: ¿Un fotógrafo realmente puede vivir de la fotografía en el mundo de hoy? TF: Sí, pero lleva muchos años de esfuerzo, no es de la noche a la mañana . MC: ¿Qué tan cierto es para Toni la frase “la cámara no hace al fotógrafo”? Y ¿qué recomen-
dación tiene para los fotógrafos aficionados que no cuentan con grandes recursos? TF: Para cierto tipo de fotos (foto de conciertos, donde las condiciones de luz son difíciles) necesitas el equipo adecuado, y sí es importante invertir en una buena cámara y lentes porque eso te ayuda a trabajar mejor.
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:::::::::: : : a Ă f a r g o t o F Che - Habana Cuba
Seu Jorge
Autohabana - Cuba
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Palabras de libertad - Habana Cuba
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Antidoping - Queretaroots www.revistababel.com::Septiembre 2012::Babel
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CArla regina
El paso de los inmigrantes por las vías de Querétaro.
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por Christian Núñez
La blanca maldad D
rama, de David Miklos (San Antonio, Texas, 1970), propone un erotismo trazado con monólogos y flashbacks. A raíz de la muerte de la madre de los protagonistas, Béla y András, el conflicto por la repartición de los bienes detona un impasse: ambos hermanos quieren quedarse con la casa y no se moverán de ahí hasta conseguirlo. Unidos por las cenizas y el rencor, pelean también por los orificios de Milena, la esposa de Béla, y Marina, antigua compañera de exploraciones infantiles de András. Los roles se definen desde las primeras páginas; Béla será el más bestial de todos, el que arrebata las cosas, el abusivo hermano mayor que manosea a las amigas del menor y hace comentarios obscenos. Es, obviamente, abogado. András, eyaculador precoz, motivado por el desquite y los recuerdos, buscará vengarse cogiéndose a su cuñada y luego a Marina. Pero es débil y continúa siendo precoz; lleva siempre las de perder, a simple vista. Hasta aquí, Brama se dirige hacia un punto de máxima tensión en el que esperamos el encuentro salvaje de los hermanos; un encuentro a muerte, una embestida. Uno lee y se va entusiasmando con los pasajes que alternan momentos de calma y pequeñas insinuaciones de tragedia. Hay sexo —menos explícito y variado de lo esperado, pero bastante ponedor— y secuencias que revelan detalles de la vida familiar y de cómo Béla hacía preguntas incómodas a Moira, la madre, sobre la ausencia de vello púbico en su sexo. Nos vamos a enterar, llegando a la sexta parte, del principio de todo: ella vendía enciclopedias y así
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conoció a Tibor, un hombre mayor/ su primer cliente/futuro esposo, que la sedujo comprándole las colecciones completas del catálogo. Durante once días permanecieron encerrados en la biblioteca, leyendo, fornicando, felices. Son mamá y papá. Como suele ocurrir en las tragedias, el fin está en el comienzo: la brutalidad de Tibor se perpetúa en los genes de Béla. Ahora los hermanos van a concluir la historia. La novela de Miklos provoca excitación inmediata y, no obstante, con altibajos, porque las intervenciones de varios personajes y las rupturas espacio-temporales, a pesar de que crean una sensación de montaje cinematográfico, terminan por diluir las erecciones. El recurso de contar desde múltiples ángulos la trama complica su ritmo, lo vuelve irregular. Brama: un largo faje que pudo volverse una enorme, monumental cópula. Una hermosa cogida siempre a un paso de ocurrir, venida a menos. Los personajes se la pasan relatándonos en el vacío, beckettianamente, la historia por la cual han sido apilados unos contra otros y la cohesión falsea. En la variedad se pierde síntesis. Comentario al margen, las mujeres terminan siendo hermosas criaturas listas para perforarse. Bellos y funcionales objetos como cajas de leche con popote. Siempre a la diestra del padre, llámese Tibor, Béla o András, las tres damas cumplen un solo fin: abrirse de piernas a los egos masculinos. Un duro papel que escritoras indecentes como Elfriede Jelinek cuestionarían. Al final, poco antes de resolverse el conflicto, Brama hace tabula rasa con personajes, situaciones, monólogos y en un anticlimático cierre termina con dejarnos en las manos un poco de blanca maldad, pura y transparente. Sin dobles lecturas.
l Luis Borja: Un error, una sorpresa. H
ace poco por fin adquirí el famoso Kindle que lleva algunos años siendo tan famoso y polémico para los lectores habituales, y por el cual moría desde que supe de su existencia. Aunque soy fiel fan de los libros impresos; su olor, la sensación de pasar hoja por hoja y demás; también me considero una persona bastante práctica y estoy más que a favor de los e-Readers. Esto no sólo por el hecho de que son más accesibles y cómodos de llevar, sino también porque facilitan la adquisición de libros. En mi caso, varios de mis escritores favoritos, no son publicados en México; por lo que la idea de tener acceso a ellos por medio de los eReaders era completamente seductora. Y siendo cliente fiel de Amazon el Kindle era mi mejor opción. Pero bueno, mi mamá y mi hermana me regalaron este aparato por motivo de mi cumpleaños; así que en cuanto lo tuve en mis manos, comencé a comprar libros electrónicos como loca. En fin que estaba tal niña con juguete nuevo y súper emocionada. Así que un día en una de mis compras compulsivas buscaba obras del autor José Luis Borjes para ampliar mi biblioteca electrónica; y el primer título para Kindle que salió fue una obra llamada Los Funámbulos. Tontamente, lo voy a aceptar, compré el libro sin verificar que el autor efectivamente era José Luis Borjes. Total que comencé a leer mi nueva adquisición y al llegar a la parte del autor, como ya se podrán imaginar, se trataba de otro completamente diferente al maestro Borjes. El fulano del cual había comprado un libro sin darme cuenta se trataba de alguien, con un nombre bastante parecido si puedo añadir a mi favor, Luis Borja. Después de recitar una cuantas…letanías, por mi estupidez, decidí que bueno, ya qué. Si ya lo había comprado pues mejor lo leía, y vaya sorpresa la que
por Olivia Zavala
me llevé. Desde la primera página, me encontré con una obra totalmente diferente a cualquiera que haya leído en mi vida. Sin pies ni cabeza y debo agregar, sin párrafos ni diálogos marcados. Con estrofas de canciones regadas por doquier; y con un leguaje tosco, vulgar y muchas veces incómodo de leer. Todo esto junto podría parecer una mezcla mortal y difícil de digerir y si a esto le agregamos sexo, drogas, homosexualidad y asesinato; el resultado sería fatídico. Sin embargo, son justo todos estos factores, junto con un sarcasmo atinado y una técnica de los detalles impresionante, lo que hace de esta obra una propuesta innovadora y exitosa. Pero sobre todo, lo que da al lector la frescura de saber que sigue existiendo creatividad en los escritores. Luis Borja, sin duda logra combinar en Los Funámbulos, todos los atributos de los escritores más representativos del movimiento Beat, creando por demás una obra generacional de nuestra época. Los personajes están tan bien estructurados como cualquiera de los personajes de Jack Kerouac. Es por todo esto que decidí que fuera el autor del cual hablaría en esta edición. Pero al igual que con el libro y el escritor, terminé llevándome otra sorpresa. Si bien, el libro electrónico lo encuentras en Amazon en menos de 10 segundos, no encuentras más información de ellos en más en tres horas. Por ello, es que en esta ocasión no les doy ningún antecedente de mi recomendación del mes. Pero los invito a que una, lean y compren esta obra; y dos, si saben algo más de Luis Borja o su trabajo me lo hagan saber. Por ahora lo más que puedo decir de este autor es que merece leer su obra si quieres vivir una experiencia nueva, pero sobre todo si eres un lector de mente abierta. www.revistababel.com::Septiembre 2012::Babel
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:::::::::: : : a r u t a r e t i L
(Hz)
IV Nos cubríamos con la manta cálido mandamiento debajo nos dábamos la manos viendo una de Passolini ¿Tu piel ascendiendo? Ejercitando el oscuro momento del erotismo italiano nuestros 120 días de Sodoma hasta el último aliento de la cinta. V Todo mi amor por ti me intimaba a admirar tu gusto por el discurso de Kieslowski como si tú fueras polaca y no queretana nacida en La Cañada desde Hércules Varsovia Corregidora Te amaba por estar aquí mirando cine conmigo contemplando el curso de los hertzios traduciendo el código de la tristeza polaca ¿Por qué no pensábamos en nuestra tristeza? la tristeza queretana Somos la reproducción de todas esas cintas intercediendo en el guión perfecto esperando la última toma en donde él la mira de cerca le dice que no pueden estar juntos y la besa Los créditos Estoy perdido
(Fragmentos del texto titulado Hertzio)
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por Horacio Lozano
VI En nuestra película no había un villano tampoco había un héroe mucho menos un antihéroe. Había automatismo asociación de ideas el metraje estaba salpimentado con postales de Fin de Siglo imágenes reales de ti en bañador.
Queríamos crear una divertida alegoría política antitotalitaria a lo “Ubu Rey” de Alfred Jarry. Ensayamos las tomas en las que nos besábamos hasta acabar con la cinta de 16mm. Una fascinante recreación del cine mudo con ramalazo queretano. Los acontecimientos se precipitaban: había suicidios, asesinatos, ajustes de cuentas y hasta una resurrección surrealista. Relamiéndome de gusto acariciando con el objetivo de la cámara tu cuerpo femenino de actriz y figurante, en primerísimos planos detalle, forzando el encuadre, improvisando sobre la marcha. Nos vimos en pantalla haciendo el amor con los calcetines puestos montaje asociativo todos juntos el cine y nosotros filmando la juventud hasta el fin.
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El mejor iPhone hecho hasta ahora. L
por Samuel Borbolla
a preventa del iPhone 5 del 14 de septiembre duró una hora, en menos de 60 minutos se habían pre-vendido todos los iPhones 5 disponibles. Eso es el éxito de Apple, con una fanbase cada día creciendo, el trabajo de los diseñadores de esta compañía radica en mantener a sus usuarios contentos y seguir atrayendo compradores. Pero no estoy aquí para hablarles subjetivamente de una compañía en específico, estoy para hablarles de la manera más imparcial posible de las características del nuevo iPhone 5 (muy a mi pesar no se llamó iPhone4s 2). Para empezar, la pantalla mide 4 pulgadas en el iPhone 5, mientras que en el 4s la pantalla medía 3.5 pulgadas. Ésta característica era más que necesaria debido a la competencia que ha estado enfrentando Apple (a demandas) con compañías como Samsung, Motorola, Nokia o HTC. Dicha pantalla le permite contar con una resolución de 1,136 x 640 pixeles permitiéndole por fin alcanzar la relación de 16:9 que tienen hoy en día la gran mayoría de monitores, Smartphones y televisores, y podrán contar con una fila más para Apps (¡yay Apple!). Cuenta con una nueva entrada para el cable de corriente y datos, así que si querían guardar el de su iPhone 4, mejor véndaselo al mejor postor porque ya no va a servir; ¡pero! pueden comprar de manera adicional un adaptador para que entonces si le encuentren uso. La carcasa de aluminio y vidrio es, y seguirá siendo, lo mejor que hay en el mercado. Cuando tienes un iPhone en la mano, se “siente” como un producto caro, de calidad y con mucho diseño detrás de cada modelo, lo cual hace sentir a cada comprador muy pero muy feliz, ¿Qué tan feliz?, según cifras estimadas el iPhone 5 podrá llegar a vender hasta 58 millones de unidades (casi la población total de Italia).
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El software no está nada mal, su nuevo procesador A6 promete ser el doble de rápido que el A5 de doble núcleo incluido en el iPhone 4 lo cual permitirá a los usuarios cargar página de internet 2.1 veces más rápido que antes y poner música 1.9 veces más rápido, según las especificaciones de Apple. Pasando al hardware, además de su pantalla extendida, es hoy por hoy el Smartphone más delgado y ligero del mercado, con 7.6 milímetros de espesor y un peso de 962 gramos. El nuevo tamaño de su pantalla junto con la reducción del peso, hacen que el balance del equipo sea el mismo que con el iPhone 4s. Su cámara principal es de 8 mega pixeles y la cámara frontal una resolución de 720p con capacidad de grabar video en HD. Nota adicional y un gimmick muy suave, puedes tomar fotos mientras grabas video. La batería promete hasta 225 horas en modo de espera y 8 horas en conversación telefónica, contra 200 horas y las mismas 8 del iPhone 4s.
¿Precio? No me lo van a creer pero costará lo mismo que le iPhone 4s cuando hizo su debut: $199 USD en su versión de 16GB, $299USD para 32GB y $399 la versión de 64GB. ¿Cuándo sale? Pues ya no pudieron comprarlo en preventa, pero para el 21 de septiembre estará disponible en su Apple Store más cercana. Se me olvidó mencionar que esas fechas son sólo para EE.UU., en nuestro México lindo, el iPhone 5 saldrá el 7 de octubre a precios mucho más caros, obviamente. Ahh, las maravillas de los monopolios.
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