La difusión de la cultura siem pre ha sido un tema de moda, quizás la única dimensión de la cultura en la que hemos “invertido” en México, si es que podemos llamar inversión a la totalidad de los recursos que se destinan a esa actividad.
Aunque no hay que irnos tan lejos, ya que las principales insti tuciones educativas de nuestro país, tanto públicas como pri vadas, minimizan a la cultura al encasillarla en Direcciones de Difusión Cultural.
Y es que el problema con los modelos culturales de difusión, es que dejan fuera a conceptos tan importantes como la iden tidad, la formación, el fortaleci miento educativo y los espacios de colaboración, dimensiones que engloban la esencia misma de la cultura. Pero no me malin terprete, la difusión cultural es muy importante, pero no puede ser lo único a lo que se le ponga atención.
Evidentemente, la difusión es la parte de la cultura más fácil de mostrar y vender, permitiendo que las autoridades y organi zaciones tanto públicas como privadas la realicen para enalte cerse y “pavonearse” dentro de sus círculos de influencia. Des graciadamente, ésta debe ser acompañada de un modelo integral, que le permita formar y edu car a la población de una manera sistemática.
Por ejemplo, existen países en los que sus sis temas de gobierno, crecen y se desarrollan a través de un Ministerio de Cultura, que rige el
funcionamiento de todas las secretarías que conforman a su administración. Modelos de gobierno exitosos que ven el tema cultural más allá de la mera difusión artística.
Desafortunadamente, muchas instituciones creen que invertir en cultura es organizar even tos de difusión cultural, como por ejemplo ferias de libros, festivales de danza y recitales literarios, sin embargo, eso sólo representa una ínfima parte de la cultura; algo que ciertamente puede “ganchar” al espectador, pero que, si no va acompa ñada de una estrategia seria de desarrollo humano, no sirve de mucho.
En este contexto, no hay que olvidar que todas las manifes taciones humanas son cultura, desde la agricultura hasta las bellas artes; pasando por la espiritualidad, la religión, las conductas y nuestras formas de pensar. Dicho en otras pala bras, cultura es toda expresión o acción que nos distingue a nosotros los seres humanos del mundo biológico.
Ante esta situación, quizás ya sea tiempo de que veamos a la cultura más allá de eventos de difusión artística y la veamos como un instrumento de transformación social. robgarza@att.net.mx
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El dramaturgo mexicano Hernán Galindo con una trayectoria que abarca ya cuatro décadas, se ha convertido en una importante figura de la cultura cuya obra tras pasa todas las fronteras. Ahora, el multipremiado escritor, se ha tomado una tarde para sostener una cercana y cálida conversa ción, con el actor y comunicador Félix Rivera para Arte, Cultura y Sociedad.
Gina Pedret es una talentosa actriz de teatro, cine y televisión, que cree firmemente, que ser actor, no es precisamente ser una estrella de televisión, sino que significa respe tarse a si mismo, antes que a nadie. Una actriz que ama al teatro y que está convencida en que su princi pal reto, ha sido la tolerancia a la frustación, incluyendo esa lucha por obtener cada uno de los per sonajes que ha podido interpre tar. Sin duda una entrevista que no podrá dejar pasar.
El contenido de los editoriales es responsabilidad de sus autores y no necesariamente representan la línea editorial de la revista.
Año 4 | Número 46 | Número 46
Esta edición se publicó el 22 de Noviembre de 2022
El investigador y escritor argen tino Javier Villanueva, nos relata la forma en cómo muchos escri tores y estudiosos de las letras hispanoamericanas, creen que el Realismo Mágico y el llamado Boom Latinoamericano de los años ’60 y ’70 no son más que un exitoso fenómeno editorial. ¿Acaso cree usted posible ver caer una lluvia de flores en honor a una persona amada?
El crítico y promotor cultural Ignacio Mendoza , nos habla acerca de la adaptación al cine de la novela de Joyce Carol Oates, que en algún momento se ofertó como “la biografía definitiva de Marylin Monroe”, pese a narrar sucesos inventados. Filme que nos obliga a preguntarnos cómo es que la película pasa de estreno de temporada a teatro de la crueldad.
La fotógrafa y promotora cultural Gabriela Arenas, nos habla acerca de cómo Philippe Halsman y Sal vador Dalí, se convirtieron en dos simbolistas irreverentes, que se absorbían el talento mutuamente de una manera sorprendente. ¿Ha oído hablar acerca de Atomicus, la obra más conocida, surrealista y divertida de ambos?
Un lugar sin pretensiones®, comida como en casa en el corazón de Barrio Antiguo de Monterrey.
Van varias noches que me descubro deseando que pasen los días sin más. Le confieso que vengo saliendo de una etapa de vida difícil y he optado por sumergirme en el trabajo. Es un llenarme de actividades para no enfrentar mis propios demonios… y se ha vuelto una manera de vivir.
Esto me enoja.
A un costado de mi cama tengo una foto de juventud que un desconocido me sacó en el metro sin darme cuenta y después me regaló. En últimas fechas suelo observar a esa chica con la mirada perdida.
Este querer pasar los días por pasar y ver como se escurren, no es sano, supongo.
Alguien me dijo hace poco, “ya no me cuentes de tu pasado, mejor cuéntame de tu presente”. Pues sí. Quizás en ciertos aspectos de mi vida me he olvidado de pensarme en tiempo presente. Y si la vida se escurre entre los dedos como agua, ¿como ser consientes de ello para aprovecharla más?
¿cómo medimos la vida y lo que nos deja como aprendizaje?
Alguien en redes, dice que la vida se mide en idas al mar, y no puedo más que volver a revisar el pasado para darme cuenta de los momentos en que fui consiente de ese ser y estar.
Como cuando me sentí enamorada, o cuando experimenté la maternidad, cuando reí a carcajadas, o bailé hasta el cansancio, cuando canté a grito abierto en ese concierto, hice ese viaje, o me tocó cuidar.
Pero también la vida son las oscuridades y despedidas.
Y esos momentos de silencios que no entendemos con las ausencias que nos pesan.
Y las enfermedades.
Y las caídas.
Y los volver a empezar.
Y descubro el gran salvavidas cotidiano que ha sido el trabajo y la maravilla de ese abrazo que me da Alonso y al mismo tiempo me dice “pásame lo que sientes”. Y ese mensaje inesperado de Paula que dice “no sé que tienes, pero deseo que todo te salga bien”. Y pienso también en esa sonrisa luminosa que me regaló la niña que recibió mi paquete de galletas, mientras su papá limpiaba parabrisas.
Y salvavidas también ha sido ese retrato junto a la cama. La chica con mirada perdida que
alguien observó y descubrió con la lente. Esa que soy, pero ya no soy. O solo un poco.
La que hoy soy, debe sanar un montón de cosas. Debe perdonarse por haber creído que sabía y en realidad no sabía nada.
El sanar empieza por reconocer que algo nos duele, y continúa por nombrar lo que necesitamos, con todas sus letras. Y creo que no está mal a veces sentirnos en la oscuridad o vacíos. “Perderse para encontrarse”, decía mi Maestro.
Entonces perderse es también un inicio.
Perder. Encontrar. Sanar. Perdonar. Limpiar. Vaciar. Empezar.
Dejar de recordar el pasado y volver a escribir la vida en tiempo presente desde los momentos. No solo en la cantidad de veces que visitamos el mar, si y no. Basta una tarde cualquiera, donde soy consciente de mi respiro, de la maravilla de mi leche caliente y de la oportunidad de que pese a todo, puedo empezar nuevamente.
Les platico una historia que debido a la “transición” de los escribanos hacia la época digital, quedó como tradición verbal que pasó de generación en generación y que hoy cuenta con una que otra alusión diluida en las actuales redes sociales. Arre!
Entre 1913 y 1916 mi bisabuelo tenía una tienda en Múzquiz, Coahuila.
De pronto llegaban al pueblo los carrancistas con sus uniformes amarillos en busca de trigo.
Para desgracia de mi bisabuelo, los revolucionarios de aquella facción armada comandada por Venustiano Carranza, lo encontraban y hasta encostalado.
Para evitar que luego dijeran que se robaban lo que tomaban, pagaban con papel moneda que ellos mismos imprimían y que por ende carecía de respaldo bancario.
Cuando entraban los villistas hacían lo mismo.
Hasta con los “pelones” -los soldados leales al gobierno- sucedía aquello, pues eran tiempos de las “monedas de necesidad”, y cada bando pagaba con su propio dinero.
Su falsificación era masiva y contribuyó a la pérdida de valor del papel moneda.
Muchos negocios se fueron a la ruina, pues el “dinero” con que pagaban el trigo los carrancistas no era reconocido por los villistas ni por los “pelones” que ocupaban
intermitentemente las plazas.
A ese “dinero” se le llamaba “bilimbique”, contracción del nombre del norteamericano que pagaba a sus trabajadores de la mina Green de Cananea, Sonora, en tiempos de la revolución.
Eran vales de papel que los mineros canjeaban por comida y vestido en las propias “tiendas de raya” del gringo.
La palabra más asociada en el tiempo con los “bilimbiques”, es la de FALSO.
Abusando de la ignorancia de algunos de mis interlocutores, cuando se me han puesto bravos por alguna publicación que les dedico, en persona les he dicho y en la distancia les he escrito esa palabra -“bilimbique”- aderezada de uno que otro cumplido.
No lo van a creer, pero algunos -los más supinamente ignorantes- hasta se han disculpado conmigo por los improperios que antes me dedicaron, después de dirigirme a ellos con el nombre de “bilimbiques”.
…Cierto tipo se revolcó en el piso porque revelé ante el respetable público el rol que tuvo como coordinador de la fallida campaña de Tatiana Clouthier en busca de la alcaldía de San Pedro Garza García en el año 2009.
Me llenó de los más bajos insultos, más aún que las bajezas que usó al dirigirse despectiva y groseramente hacia la hija del Maquío.
Recientemente se supo que delegó en otro “bilimbique” igual que él, la dirigencia desenFRENAAda del organismo que fundó para tratar de derrocar al gobierno de López Obrador.
Está tan confundido, que en el derecho de réplica que solicitó y obtuvo de uno de los medios de comunicación donde publiqué mi artículo revelando su rol al servicio de Tatiana, éste, su irreverente servidor, es socio.
Su organismo sufre hoy una de las más brutales desbandadas debido a que cada día se descubren las verdaderas intenciones del “bilimbique” que lo fundó.
¿De cuántos “bilimbiques” como él estamos rodeados?
Les propongo algo, queridos lectores: diríjanse a ellos con el nombre de “bilimbiques”, díganles así y verán que hasta las gracias les dan.
“Si la ignorancia y la falsedad dolieran, muchos vivirían en un grito”, remata la irreverente de mi Gaby.
placido.garza@gmail.com placido@detona.com
Plácido Garza. Nominado a los Premios 2019 “Maria Moors Cabot” de la Universidad de Columbia de NY; “Sociedad Interamericana de Prensa” y “Nacional de Periodismo”. Forma parte de los Consejos de Adminis tración de varias corporaciones. Exporta información a empresas y gobiernos de varios países. Escribe para prensa y TV. Maestro de distinguidos comunicado res en el ITESM, la U-ERRE y universidades extranjeras. Como montañista ha conquistado las cumbres más altas de América.
PLÁCIDO GARZA - DETONA
De por donde se vea, “Blonde” es una película triste, desoladora, que no da tregua a un respiro de alivio o de felicidad al ver minuto a minuto todo el calva rio que sufrió desde niña Marilyn Monroe.
Pareciera que su director, Andrew Dominik tuvo la firme intención de mos trar el lado más oscuro, cruel y violento de Marilyn Monroe, en ningún momento acarició su alma y tampoco su corazón.
Porque en las casi tres horas de dura ción, Dominik subraya una y otra vez la vida miserable que sufrió quien sigue siendo un icono del cine de Hollywood y del mundo entero.
Basada en “Blonde: una novela sobre Marilyn Monroe’ de Joyce Carol Oates, esta biopic entra en ese espacio fascinante y a la vez desagradable de la ficción para acentuar de manera determinante los momentos cruciales de la señorita Monroe.
“Blonde” muestra retazos “desordena dos” de la vida “desordenada” de la actriz que fue amada y despreciada por los crí ticos de cine.
En contenido de la cinta es fuerte, no por nada alcanzó la calificación de “no apta para menores de edad”.
Y es que Dominki no tuvo miedo en mostrar a Monroe en situaciones espi nosas como esos tríos sexuales con los hijos de Charles Chaplin y de Edward G. Robinson.
Tampoco tuvo mesura en ofrecer explí citamente aquella supuesta violación que sufrió Monroe por parte del presidente John F. Kennedy cuando ella llegó ante él totalmente drogada.
¿Ficción o realidad?
Nadie sabe.
Muchas de las cosas que se dicen de Mari-lyn son eso, especulaciones.
Todos creen saberlo todo de su vida.
Todos se sienten con derecho de seña larla, juzgarla y destrozarla y en “Blonde” no es la excepción.
El filme recorre la infancia traumática de Norma Jea, cuando su madre ( Julianne Nicholson) la quiere matar en la bañera de su casa.
De ahí, la historia pasa a la la etapa en la que Norma Jea se transforma en Marilyn Monroe, ( Ana de Armas) la gran celebridad de la pantalla grande conocida por el mundo entero.
Ana de Armas está de un sublime arre batador como Monroe.
La mancuerna entre director y Ana es simplemente perfecta y hechizante.
Hasta podría decir que en algunas escenas hay poesía pura que muestran a una Ana totalmente en la piel de Monroe.
Pero también hay escenas burdas y que caen en lo grotesco y desagradable, sobre todo cuando hacen tomas de las partes íntimas de Monroe o como cuando los fetos hablan con la actriz, qué locura.
Los pasajes de sus romances sexuales con los hombres son fugaces, el filme no se estanca en ninguno, salvo un poco en el dramaturgo Arthur Miller ( Adrien Brody ), el hombre más honesto que se encuentra Marilyn en su vida.
Dominik moldeó delicadamente a Ana de Armas para que asumiera con fragili dad y sensualidad a Monroe.
La lleva a momentos memorables.
La hace llorar de una forma desgarra dora y tierna a la vez.
De hecho, en toda la película, Ana Armas si no se la pasa llorando, se la pasa semi desnuda.
El sexo vende y eso lo sabe Dominik, por eso hay un constante de estas escenas.
Pero Dominik no va más allá de mos trar un trabajo de alguna forma atrevido.
No va más allá de lo que todos saben sobre esta belleza de mujer que luchó por ser alguien de respeto dentro de una socie dad que la amaba y la rechazaba a la vez.
Ni muerta se pudo sacudir el mote de sím bolo sexual, una cruz que fue su perdición.
“Blonde” es una película estéticamente fascinante, seductora, triste y cruel, nada más.
En una escala de 5 al 10, “Blonde” que está en Netflix, alcanza un 10....sólo por esa majestuosa fotografía y esa espléndida actuación de Ana de Armas.
Tras diez años de obstáculos que el director Andrew Dominik soportó con entereza, Netflix estrenó hace unas semanas Blonde, la adaptación al cine de esa novela de Joyce Carol Oates que en algún momento se ofertó como “la biografía definitiva de Marylin Monroe” pese a narrar sucesos inventados. Con ella apareció una controversia que, por razones de fondo más que de forma, obliga a preguntarse cómo es que la película pasa de estreno de temporada a teatro de la crueldad. Al parecer cualquier arrebato con potencial para pontificar bien vale una odisea, más si se escuda en la ficción… y es que la ficción es el único parapeto con el cual podrían justificarse los excesos de esta cinta que ha dejado de ser eso.
Recapitulemos: en términos cinematográficos, Blonde no escatima aciertos ni tampoco desatinos (la cascada cayendo del lecho de los amantes contra la felación que palidece ante su similar de Requiem for a dream), no es una biopic pero así se insinúa, tampoco da espacio para ver a la protagonista desde otro ángulo que no sea el del infortunio aunque cualquier fan de Marylin sabe que su vida personal no fue miel sobre hojuelas, en fin… hay otras cuestiones más por las cuales la cinta tiene sus oportunidades y, aun así, ninguna de ellas constituye el motivo esencial para reprobarla. El problema radica
más bien en haberse servido de la tragedia para favorecer un discurso que hace de la indignación el tópico de la temporada. Y es que, por donde quiera que se le vea, Blonde indigna por ser una oda a la mentira, a la explotación, a todo lo patriarcal y machistas que podemos ser, lo cual no es cuestionable. Lo irresponsable es el tratamiento que se le dio a la historia para que llegáramos a dicha conclusión. Para quien lo dude, aplique este truco: ponga un nombre cualquiera a la protagonista y observe si la perspectiva en torno a la controversia sigue centrada en el dilema, no en la anécdota. Si la atención permanece en el dilema entonces quedará demostrado que Dominik echó mano al nombre de Marylin Monroe porque funciona como gancho.
Ahora bien: la ficción no tiene por qué ajustarse a la realidad (no olvidemos que Blonde parte de una novela, no una biografía), pero su legitimidad depende del punto de vista por el cual se narran los hechos. ¿Desde cuál punto de vista atestiguamos el viacrucis de Marylin? Evidentemente del de un director que ignora la inteligencia de su personaje y la del público a quien cree engañar con el gato de lo visual por la liebre de la calidad narrativa. Los espectadores entonces asistimos a una trama donde el director despliega su enfoque
en sesiones fotográficas, el trasero de la actriz, los desnudos gratuitos, la felación al presidente Kennedy, una cavidad vaginal y hasta el feto que conversa, representantes pues de esa obsesión de Dominik por un discurso, que no por un personaje, la cual terminó favoreciendo lo que denuncia: la explotación de la mujer por los hombres.
Es muy probable que la película no trascienda. De largo pasarán sus logros técnicos o estéticos y terminará atrincherada en lo ideológico aunque de tono burdo, rayano incluso en la ridiculez (cómo olvidar la conversación antiabortista que casi termina en parodia). Y es que así son las obras de ficción donde los intereses de sus creadores parecen no ser artísticos: no dejan espacio para la mesura. En conclusión, si el interés de Blonde era causar polémica, vaya si lo logró con creces. De lo contrario, ya la pondrá en su justo lugar el tiempo… o los estrenos que Netflix tenga en puerta.
Ignacio Mendoza es catedrático, escritor y promotor cultural. Ha sido Premio Nuevo León de Literatura y Director de Cultura en el Municipio de Monterrey. También se ha desempeñado como profesor de Letras Hispanoamericanas, y prepara actualmente su segunda novela.
El pasado martes 1 de noviembre se estrenó en este recinto cultural ‘La confesión’, un texto del dramaturgo Jesús Salcedo Carrasco, bajo la dirección de Enrique Rodríguez
Esta intensa historia –que no resulta cómoda para algunos sectores de la población– presenta como personajes principales a Esteban y Miguel, un par de ex-compañeros del Seminario. Uno de ellos es sacerdote, mientras que el otro colgó la sotana para convertirse en actor de teatro. Ambos se reúnen en la oficina parroquial del religioso para hablar sobre el pasado y poner al descubierto historias que habían estado sepultadas, bajo años de silencio.
Bernardo de la Rosa interpreta a Esteban, el sacer dote, con una pulcra contención que le impide caer en los excesos del melodrama. De la Rosa, quien ha evolucionado mucho como actor desde sus anterio res trabajos, aparece con una actitud e imagen muy realistas.
Por su parte, Jerónimo Garza encarna a Miguel, un actor que llega a este encuentro cargando una pesada maleta de recuerdos, traumas y pasión. Garza puso al servicio de su personaje un gran cúmulo de ansiedad y emociones reprimidas para que, en el momento correcto, explotaran en la cara de Esteban.
Ambos actores muestran buena química entre ellos y permiten que el otro brille en el momento en que le corresponde. Las escenas más intensas están perfectamente coreografiadas sin desbordes ni desperdicio.
El reparto se completa con Patricia Garzayala quien interpreta a la mujer que atiende la casa parroquial y que, con sus acciones, regresa a los protagonistas a la realidad actual, sin prisas ni concesiones.
90 del siglo pasado y lo hizo, según sus propias declara ciones “proponiendo un tema teológico” pero la relación personal, que en la trama tienen los dos personajes prin
Una vez más Casa Musa, la casa del buen teatro, se apunta un gran éxito
cipales, terminó pesando más y haciendo muy exitosa la primera temporada en la Ciudad de México, en la que el mismo Salcedo interpretó a Esteban, el sacerdote.
El público asistente a Casa Musa , que llenó en su
totalidad la función de estreno de ‘La confesión’, se mantuvo absolutamente atento a cada minuto de la historia, demostrando que el texto tiene tanta o más vigencia en la actualidad, que en la época en que fue escrito.
El sistema sobre el cual se sostiene la Iglesia Cató lica, así como muchas otras organizaciones religiosas, ha demostrado tener fallas y fugas que vulneran los sentimientos y la vida personal de muchas personas.
Por esto mismo, en la noche de sus estreno en Casa Musa, ‘La confesión’ tuvo un estruendoso reci bimiento, con una gran ovación por parte del público al finalizar la función.
Casa Musa invita a todo el público mayor de 17 años a disfrutar de este montaje teatral, todos los martes del presente mes de noviembre a las 8:30 de la noche.
La cartelera completa de Casa Musa , en la que también hay textos del multipremiado dramaturgo y director general de Casa Musa, Hernán Galindo, puede ser consultada en www.casamusaac.com
Entre más actividad se presenta en las redes sociales, con aumento significativo de particulares que documentan y comparten aconteci mientos que, por ubicación y circunstancia, les toca presenciar, más frecuente se leen y/o escuchan frases como: “ahora cualquiera es reportero”, “todos se dicen periodistas”, “ya todo se considera noticia” y “nadie hace tamiz para seleccionar lo relevante para la sociedad”, entre otras.
Si bien es cierto que, al tener más espacios de exposición, con las ventajas de inmediatez y oportunidad, la información que circula ofrece la veracidad del encuentro directo con los acontecimientos y lejos de la subjetividad de comentarios teñidos de líneas editoriales, tam bién nos topamos con el riesgo de perder noción delo que es realmente importante para nosotros como individuos y para todos como sociedad.
Las preguntas de base que se plantean en cada mesa de asignación y en los distintos medios, son: ¿Qué notas son de real interés para nuestro público? ¿Cuáles son los acontecimientos que afectan más el día a día de quienes nos siguen?
Entre la información que tenemos ¿hay alguna que afecte los intereses de nuestro medio? ¿Qué enfoque podemos dar para que resulte más atractivo seguir esto con nosotros que con la competencia? Entre muchas otras que diluyen por mucho la pretendida objetividad de la infor mación que llega al receptor.
Sin que signifique un aumento en esos niveles esperados de “objetividad”, resulta interesante cómo la IA (Inteligencia Artificial) se ha ido incor porando en el quehacer de los productores de espacios (prensa, radio, TV, en línea) informativos.
Recientemente, el OIISD (Observatorio para la Innovación de los Informativos para la Sociedad Digital) exploró a fondo la incorporación de las llamadas “nuevas tecnologías” en la selección, combinación y presentación de información audiovisual.
En la actualidad, tanto “periodismo” como “Inteligencia Artificial” son perfectamente combina bles. Tanto así, que ese vínculo se aprovecha significativamente innovando la tarea de perio distas, reporteros, redactores, editores y comen taristas noticiosos de todo el mundo.
La incorporación de recursos de IA permite detectar niveles de fiabilidad de las fuentes, así como los valores de interés potencial, relevan cia social e impacto de cada acontecimiento reportado.
Contrario a lo que se piensa respecto al riesgo de que profesionistas y profesionales del área de cobertura informativa queden sin sus pues tos, estas herramientas implican la necesidad
de armado de equipos multidisciplinarios que, con capacitación adecuada para aprovechar los recursos, puedan sacar el mayor y mejor partido a esta sinergia.
En Europa se ha dado a conocer el SMR (Social Media Radar) un sistema que, con logaritmos que detectan y emiten alertas, con líneas infor mativas que agilizan la labor periodística. Los reporteros, más que buscar la nota, se encargan de ampliar y profundizar. Además, debe seguir preocupándose y ocupándose en ser creativo y mantener el enfoque y estilo, conforme el medio que representa y el perfil de su audiencia.
Entre los principales usos de Inteligencia Arti ficial en las salas de noticias, están la genera ción efectiva de recomendaciones de notas a cubrir, usos comerciales como la detección de suscriptores potenciales y armado de cartas de noticias (news letters) entre otros.
Sin duda, bien aprovechados, estos recursos, más que amenazas a la tarea periodística regular, pueden reforzar, agilizar y aumentar las oportunidades de desempeño… siempre y cuando, claro, los criterios conservadores y/o la negativa de modernización no se establezcan como muros de contención a tal avance.
edui_tijerina@yahoo.com.mx
Twitter: @EduiTijerina
Instagram: @eduitijerinachapa
Edui Tijerina Chapa es escritor, dramaturgo, guionista, asesor y analista de medios. Autor de numerosas piezas teatrales y de scripts para películas como “Cantinflas”, “Juan Diego” y “Jesús de Nazaret”.
La puesta en escena ‘Josefa Zozaya: Heroína de Monterrey’, escrita por el exgobernador Fernando Canales Clariond, y dirigida por Hernán Galindo, tuvo un cierre magistral de temporada la noche del sábado 15 de octubre en la Gran Sala del Teatro de la Ciudad, ante un público que ovacionó de pie el trabajo de los 42 actores en escena.
Cuenta la leyenda que un 23 de septiembre de 1846, los regimientos de los Rifleros de Mississippi, Tennessee y del este de Texas, coman dados por el general Zachary Taylor, asaltaron la ciudad de Monterrey por su costado oriente y hostilizaron las tropas del general Pedro Ampudia hasta las últimas líneas de defensa.
Cuenta la leyenda que la ciudad se volvió escenario de innumerables com bates, cuerpo a cuerpo, entre mexicanos y estadounidenses.
Cuenta la leyenda que ese día, en el último recinto defensivo, recorría las filas mexicanas de combate, entre el humo y la sangre, una mujer de bello aspecto que repartía pan, vino y todo lo que hiciera falta a los exhaustos combatientes.
Cuenta la leyenda que esa mujer dio de beber a los soldados, consoló a los heridos y alentó a los últimos que quedaron de pie.
Cuenta la leyenda que el nombre
de aquella mujer que pertenecía a una familia distinguida, destacó por su valor y determinación en la Batalla de Monterrey. Era María Josefa Zozaya, la única mujer mencionada en la obra “Apuntes para la guerra entre México y Estados Unidos”, publicada en 1848.
Escrita por el ex gobernador de Nuevo León, Fernando Canales Cla riond, y bajo la impecable dirección de Hernán Galindo, “Josefa Zozaya: Heroína de Monterrey” es una estu penda puesta en escena que recrea aquellos acontecimientos que se dieron en la Batalla de Monterrey en 1846, en la que Zozaya participó activamente, destacando por su valentía, coraje y pasión.
“Josefa Zozaya: Heroína de Monte rrey” es una gran producción con 42 actores en escena que demuestran que cuando se hace buen teatro, el público
responde al final con una gran ovación a un trabajo hecho con el corazón y el alma misma.
Fernando Canales Clariond escri bió de manera magistral la historia de María Josefa Francisca Eduarda Zozaya Valdez de Garza, que cobra vida en la piel de la actriz regiomontana Ludyvina Velarde.
Como Josefa Zozaya, Ludyvina Velarde deja el alma misma en el escenario. Su entrega al personaje es genuina, hay garra, sudor y lágrimas.
Velarde como Josefa Zozaya es caris mática, es dulce, es amorosa. pero también es una fiera, es una mujer que cuando hay que amar; ama, cuando hay que gritar, grita y cuando hay que luchar, lucha.
Ludyvina le saca al personaje
momentos brillantes y le encuentra ese lado dulce y a la vez duro para salir adelante en su fe y en sus creencias de libertad.
De cualquier ángulo que se le vea, la obra tiene como mensaje una fuente de inspiración para salir adelante ante cualquier obstáculo y como lo dijo en su momento el propio Canales Clariond: “La obra nos da muchas lecciones muy positivas, muy aplicables además al 2022 que vivimos y de cara al 2024 y a futuro, es una vida aleccionadora”
La puesta arranca desde los años 1840, en la juventud de Josefa Zozaya, justo antes de casarse con Manuel de la Garza, quien es interpretado por un Mauricio Islas desafiante y justo en su papel, así como Arturo Barba, quien
da vida al general Zachary Taylor, un personaje con muchos matices.
Destaca y por mucho, la actuación de Claudia Marín, como la hermana de Josefa. Marín es un huracán en escena, es una actriz versátil y su naturali dad y frescura de inmediato atrapa al público.
En teatro, Juan Benavides es sinó nimo de garantía pura; hace suyo el papel del hermano de Josefa y le imprime un sello único a su trabajo actoral.
Los generales y soldados carac terizados por Dan Rodríguez, Sergio Duarte, Arturo Castro y Alfonso Carlo, entre muchos, más, le dan vida y “sabor” a la obra.
Diego de Lira brilla con luz propia, su personaje es ágil y de mucho carisma.
La creación del vestuario en “Josefa Zozaya....” es de ese genio llamado Raúl Ozuna. ¡Qué manera tan práctica y ele gante de resolver los cambios de ropa del personaje principal! Todo un arte.
Jaime Sierra tiene un gran y esplén dido trabajo en la dirección corporal, logrando hacer un teatro-físico y ni qué decir la belleza de la coreografía a cargo de Jaime Guerrero.
El público que llenó la gran sala del Teatro de la Ciudad disfrutó de una función de gran calidad, de un teatro serio y comprometido, de una obra que dijo adiós pero que muchos piden que vuela a los escenarios una vez más.
El dramaturgo mexicano Hernán Galindo tiene una impresionante trayectoria que abarca ya cuatro décadas y es una impor tante figura de la cultura cuya obra tras pasa todas las fronteras.
Ahora, el multipremiado escritor, se ha tomado una tarde para sostener una cer cana y cálida conversación con Félix Rivera para Arte, Cultura y Sociedad.
Félix Rivera: Eres un dramaturgo comprometido con tu público. Es bien sabido que siempre has buscado dejar ideas, enseñanzas y detonar diálogos desde tus textos, independien temente del género, incluso desde la comedia. Después de una trayectoria de décadas, ¿cuáles crees que son los mensajes que el teatro debe comunicar en los tiempos actuales? ¿Qué con versaciones debe plantear hoy en día?
Hernán Galindo: A través de la historia de la humanidad, el teatro ha sido el gran compañero de los cambios históricos. El día de hoy, los temas importantes para presentar en los esce narios son los que agobian o sacuden al mundo.
Por ejemplo, situaciones como la migración. De pronto aquí en nuestro país decimos “migración” y solamente pensamos en México con Estados Unidos o con Centroamérica, pero no es así. En este momento hay migración africana, migración ucraniana, e incluso rusa hacia los países del centro de Europa.
Otro gran tema es el de la violencia, no solo en contra de la mujer, sino la violencia en general, hacia los ancianos y hacia los niños.
Y creo que otro tema importante es ésta desesperada carrera mediática en la cual estamos viviendo. Cómo ha cambiado incluso la personalidad de los seres humanos. Por culpa, podemos así decirlo, de estos cambios tan tremendos con las redes sociales. Que, por un lado, pueden ser muy positivas. Para mí, es un tesoro toda esa gran cantidad de información que está al alcance de la mano. Es maravilloso para todos los que escribimos, creamos, investigamos, ¡para todos! Pero por otro lado puede ser muy dañina para aquellos que no utilizan el recurso en cosas positivas.
FR: Has hecho una carrera internacional, con tus textos que han llegado lejos y se han presentado en Nueva York, Europa y más allá. Y lo has hecho, no solo como regiomontano, sino como vecino, toda la vida entera, de un área tan tradicional como lo es la colonia Mitras, en la ciudad de Monterrey en México. ¿Cómo lograste tener una visión tan universal desde esta ubicación tan específica?
HG: Yo creo que sí es muy importante que el artista, el creador, se preocupe por ampliar sus horizontes y su educación. Yo, en lo personal, soy un fanático de la lectura. Me encanta leer. Creo que es uno de los medios más ricos por el cual el hombre puede crecer. Siempre digo que una persona que lee, deja de pensar solamente con una cabeza y piensa con muchas cabezas.
Los viajes también me parecen muy importantes. Y todo el tipo de educación y de investigación que puedas procurar son indispensables.
Contestando a tu pregunta, también citaría a Chéjov. Él dijo esta frase muy verdadera, que está en el corazón de muchos teatristas: “Pinta tu aldea y pintarás el mundo”.
Como dramaturgo, ¿qué quiere decir esta frase? Cuando tú escribes una historia que realmente refleje la condición humana de la gente que te rodea, con sus problemáticas y maneras de pensar, así sea si vives en un pequeño pueblo o si vives en una isla, finalmente vas a reflejar el mundo. Por eso, las obras de Chéjov, si las ponen en cualquier lugar del planeta van a tener empatía y universalidad.
FR: Han pasado ya algunos años desde que eras un joven impe tuoso que empezaba a plasmar ideas poderosas con su pluma para llevarlas a los escenarios. Recuerdo específicamente aquel espectáculo trashumante de final de milenio que rompía con todo lo establecido en aquellos tiempos. Me refiero, sin duda a Genesio, de cómico a santo. ¿Cuáles son las principales diferencias entre aquel Hernán Galindo y el de este momento?
HG: Una de ellas, y lo he meditado mucho es que: ¡qué valiente era! A veces la pasión y la inconsciencia cuando van de la mano suelen traer, irónicamente, muy buenos resultados. Esto lo des cubres si te pones a medir las consecuencias. Por ejemplo, en Genesio, que fue aquella obra que hicimos durante un año, en una fábrica abandonada, sobre una nave industrial de una altura extraordinaria, el peligro que corrían cada uno de los ejecutan tes era…bueno, ¡ni seguro teníamos! Afortunadamente nunca pasó nada terrible.
Otra gran diferencia es que, ahora que tengo 41 años en el oficio, creo que soy menos colérico. Me parece que estoy más consciente. Siempre me ha gustado delegar en otras personas cuando sé que tienen calidad y compromiso. Porque hacer teatro es también el arte de delegar. No puedes cargar tú solo con todo el elefante. Antes era mucho más obsesivo con los detalles pero ahora sé que se aprende mucho de la creatividad de los demás.
Finalmente la gran diferencia, sobre todo en la dramaturgia, son los temas. En la primera etapa en la que yo escribí, mis temas eran mucho más cotidianos, algunos de ellos muy regionales. Y ahora le apuesto a cosas que me parece son más trascendentales.
Por ejemplo, una de mis obras recientes se llama China mía. A mí me gustan mucho la historia, los mitos y las leyendas. Y siempre me llamó la atención el personaje de la China Poblana y he investigado mucho al respecto. Este personaje tiene una particularidad: fue una mujer secuestrada. En realidad ella no era de China.
Ella fue una princesa del antiguo Imperio Mogol, actual India. Se la robaron unos piratas portugueses quienes en Filipinas la vendieron a un emisario del virrey de La Nueva España quien la iba a traer a su patrón. El hombre la trajo a México, entrando por Acapulco pero, al llegar, un militar y comerciante llamado capitán de Sosa, la compró. Pagó más de lo que hubiera pagado el mismísimo virrey y este último jamás se enteró de la existencia de la secuestrada princesa.
A continuación, el capitán se la lleva a Puebla de Los Ángeles y el resto es historia: ella se volvió católica, se convirtió en una especie de monja pero no de clausura. Luego, en los últimos años de su vida descubrió que tenía dotes para la sanación y la Santa Inquisición la persiguió. La historia de esta mujer es muy impresionante y es una pena que ahora únicamente la asocian con la famosa falda de China Poblana; eso es lo que quizá jamás pudo haber sido. Lo de la prenda es sólo una leyenda turística.
Ahora yo tomo esta historia, que me costó mucho trabajo de investigación, y en China Mía cuento una historia cruzada. En el tiempo contemporáneo se trata de una muchachita de Oaxaca que sale de su pueblo. Huye porque el papá la quiere cambiar por una vaca y dos becerros y llega a Puebla, donde la rapta un sicario. Entonces ella tiene una trayectoria de México a Tailandia al mundo de la prostitución y estas dos historias se van cruzando.
Estos son los temas que ahora me importan.
FR: Polvo de mariposas fue un texto sumamente personal, íntimo, que exploraba tus propias raíces y exponía secretos familiares que hasta ese momento sólo habían sido tuyos. Creo que es uno de los momentos en que has aparecido más desnudo ante tu público, Hernán, a través de la historia de tu madre. ¿Hay en el futuro otro texto –ya más autobiográfico– que pueda recoger las vivencias que tuviste después del tiempo en que transcurre Polvo de mariposas? La historia que ahora vives, ya sin la pre sencia de ella.
HG: Sí. Quizá llegue un momento en que escriba una obra, no quiero decir “sobre mi vida”, sino de las experiencias de una persona a través de la vida. Yo lo relacionaría, más que sobre mí, sobre esta experiencia de vida a través de dos siglos dife rentes, a este mundo cambiante que yo he percibido y cómo lo he percibido. Incluso la pandemia. Incluso a los cambios de comunicación; a los cambios de valores. Cómo vivíamos antes con aquella ingenuidad. Y cómo ahora es muy importante estar absolutamente al día, mantenerse vigente y cambiando. Porque, si no, te quedas en el romanticismo aquel.
Por otro lado y retomando Polvo de mariposas, yo escuché la historia en fragmentos durante mi niñez, mi adolescencia, y ya siendo adulto, también. Y un día dije: “creo que hay material que debe de ser contado”. Pero yo escribí la obra íntimamente. La escribí para mi mamá. Y, cuando la compartí un poco, las
“Antes era mucho más obsesivo con los detalles pero ahora sé que se aprende mucho de la creatividad de los demás”Hernán Galindo impartiendo una plática a la comunidad universitaria.
personas me dijeron cuánto les agradaba. Entonces se concretó la producción de la obra que afortunadamente mi madre ya a sus 90 años pudo ver.
No vamos a contar aquí la obra, pero no hay duda que describe una vida fuera de serie. Para mí, personalmente, fue estupendo porque yo tuve una relación muy cercana con mi mamá. Siempre. Fuimos grandes amigos. Y yo pude retribuir a ella, con esa obra y con ese montaje, casi creo que en su totalidad, el contenido de la vida. Además admiro el valor que ella tuvo para no prohibirme contar algún capítulo en especial. Porque vienen cosas difíciles, muy difíciles. Y secretos muy guardados. El peso de la moral, en generaciones pasadas inmediatas, ¡era tremendo! Y por eso los conflictos eran tan grandes.
FR: Al público le gusta ver buenas historias. Por eso Polvo de mariposas fue tan exitosa.
HG: Sí. Es correcto. Como dramaturgo, ya pasó esa época, como a los treinta años, de tratar de encontrar el hilo negro para escribir teatro. Hace tiempo me di cuenta que lo importante es tener buenas historias que le lleguen a la gente. Y no tratar de inventar locuras. Al escribir Polvo de mariposas, para mi no fue un retroceso, fue escribir con una técnica de teatro convencional que yo ya había abandonado.
FR: Y volviste a usarla.
HG: Sí. Y me di cuenta de que es exitosa. Te voy a poner un ejemplo: hay una obra que tuvo una gran recepción por parte del público que se llama Más bueno que el pan, en la que Sylvia Pasquel encabezó el reparto.
Un día, un buen amigo, Alberto Marcos, actor y productor, me dijo: “Hernán, después de Los niños de sal, Círculos en el jardín, La gente de la lluvia y todas estas obras donde juegas mucho con el tiempo y el espacio, en donde los personajes a veces están dentro de su memoria o dentro de sus deseos, ¿cuándo vas a volver a escribir una obra de “teatro normal”?”
FR: ¡¿Normal?!
HG: Y le digo yo: “¡¿A ver, qué es una de teatro normal?!” A lo que me contestó: “Una obra que empiece y que termine”. A lo que él se refería era a una obra de estructura lineal. Y le dije: “¿Sabes qué? ¡Voy a escribir una!”
Así nació Más bueno que el pan la cual es una pequeña historia ubicada en San Cristóbal de las Casas, en la que un panadero repostero diabético, interpretado por Luis Martín, no puede probar lo que hace. Pero es una metáfora, porque tiene una
“Hace tiempo me di cuenta que lo importante es tener buenas historias, que le lleguen a la gente”Hernán Galindo recibiendo el Premio UANL a las Artes 2017 en la categoría de Artes Escénicas.
esposa madura y muy guapa, que era Sylvia Pasquel, que no se deja tocar. Y no se deja tocar porque ella tiene un amante, y el amante es el mejor amigo de su hijo. Entonces, todo el lío es inmediato pero es en tono de comedia.
Cuando montamos esta obra, ¡se convirtió en un exitazo! Lo que me hizo reflexionar: “El público sigue prefiriendo las historias que se cuentan de una manera natural, lineal”. Porque sí puede gustar el otro teatro, pero el gran público quiere que le cuenten una historia sin complicaciones. Una historia abierta, clara y humana. Esta obra se la dediqué a Emilio Carballido que ya había fallecido y traté de escribir como escribía el maestro. Él escribió muchas obras que se desarrollan en la provincia pueblerina.
FR: Hernán, alguna vez te escuché decir que los dramaturgos actuales ya no están tan atentos a los géneros teatrales como Tragedia, Comedia, Teatro Didáctico, Melodrama, Farsa, Pieza y Tragicomedia. Pero que a ti si te gustan y te ayudan. Vamos a dejar un poco de hablar del pasado, y hablemos del futuro. ¿Qué es lo que tú quisieras enseñar a esas nuevas generaciones de escritores? ¿Qué deben tener en cuenta para lograr tener una carrera trascendente y relevante como la tuya?
HG: Muchos jóvenes de la nueva dramaturgia y sus maes tros, me parece que la mayoría influenciados por la dramaturgia extranjera, dicen que los géneros ya no existen. Yo creo que los géneros se fusionan. No hay un género puro. No hay una tragedia pura. La tragedia se combina con la farsa, se combina con la comedia. Pero a mi me parece que, el hecho de que no quieran aceptar los géneros, en realidad es cuestión de flojera, cuestión de falta de preparación.
Vamos a ser muy honestos. Hace 2500 los griegos, con Esquilo, Sófocles y Eurípides, entre otros, fundamentaron la estructura para hacer teatro. Dijeron: “esto es un espacio teatral, aquí va el público, aquí hay un coro, hay un protagonista, un antago nista, hay música, hay vestuario, hay máscaras, etcétera”. Ellos lo inventaron todo. Y sobre esto Aristóteles, al escribir La Poética, aclara toda la composición del género dramático del teatro. Y eso es de lo que, en verdad, no nos podemos despegar. Que es, son las bases del teatro.
Ahora, de pronto, se tratan de negar y tratan de cambiar. Y aunque todos los experimentos son válidos, finalmente, la esen cia del teatro es algo que ahí está. Es como si al ser humano le quisieras cambiar su genética e hicieras experimentos para que tuviera alas o branquias u otras cosas que no tenemos.
Entonces, las nuevas dramaturgias, han olvidado un tanto este territorio de los géneros y apuestan a otras cosas, que tam bién me parecen válidas. Pero solamente quiero decir algo: lo importante está en el resultado.
Porque de pronto hay gente muy loca que quiere hacer cosas diciendo: “¡No me importa que el público se salga y se aburra! ¡No me importa que el público no entienda!” Bueno, pero entonces, ¿qué pasa con el resultado de lo que estás haciendo?
Al final, yo sí creo en los géneros porque creo que ubican muy bien, no solamente a los dramaturgos, sino también a los direc tores y a los actores para definir qué es aquello que van a hacer.
FR: Siempre has dicho que el teatro es un vehículo sensacional
para educar. Pero en estos tiempos, el mundo digital está presente en cada rincón de nuestras vidas. Los niños ya no conversan con sus padres en las mesas de los restaurantes porque son silenciados con pantallas personales ¿Qué debemos hacer para que las familias regresen a ver, todos juntos, las producciones escénicas que muchos todavía ofrecen?
HG: Definitivamente, la gran posibilidad radica en la educa ción. En ser conscientes de que los niños no solamente necesitan el teatro sino que necesitan las artes, todas las Bellas Artes.
Yo creo fervientemente que una sociedad que se puede sen sibilizar por medio de la educación artística, puede cambiar el rumbo de un país, puede tener conciencia.
Si el uno por ciento de los papás que llevan a sus niños al fútbol los llevarán al teatro y a la danza, bueno, ¡imagínate!, estaríamos boyantes, felices.
Hay que acercar a los niños a los eventos artísticos pero no
“Una sociedad que se puede sensibilizar por medio de la educación artística, puede cambiar… un país.”
Hernán Galindo y Félix Rivera en Casa Musa.
solamente que en la escuela recaiga esa responsabilidad. Sino que los padres; tenemos que acercar a los padres, para que luego ellos lleven a sus hijos.
Siempre lo he dicho: nunca es lo mismo que veas una chava en bikini en la playa a que la veas arriba de un escenario. Por que el impacto es otro. Además es un arte vivo; tienes aquí a los personajes, estás viviendo al mismo tiempo que ellos. En el teatro no hay “toma dos”, como en el cine.
Cada función es diferente porque depende, en gran parte, de la energía que el espectador esté regresando a los actores. Sobre todo si es una comedia que necesita la retribución inmediata de la carcajada, de la risa, ¿no? Sin embargo, si tú vas a ver una película siempre va a ser la misma, aunque la veas todo el número de veces que quieras. Pero una obra de teatro no.
La costumbre de ir al teatro es cuestión de educación y de cul tura. Y no quiero que me entiendan “cultura” por personas muy cultas. No, no, no. Cultura de la vida diaria. Como por ejemplo: si tú vas a Berlín, que es una ciudad muy importante pero muy pequeña, descubrirás que tiene 3 casas de ópera en producción continua y siempre están llenas. A mí me tocó ir a una función en una ocasión, y la mitad del público eran niños que habían llevado de una escuela. Cuando yo los vi llegar pensé que en esa función iba a haber muchos distractores y desorden por la presencia de tantos niños. ¡Pero estaba muy equivocado! Durante tres horas enteras aquellos niños alemanes estuvieron absortos con el espectáculo
Entonces me dirán: “¡Eso es algo que ya tiene siglos enteros en Europa, desde antes de Mozart!” Estoy de acuerdo: aquí tenemos otra cultura pero no somos incapaces de apreciar las cosas. Por eso hay que seguir ofreciendo teatro de calidad a la gente.
FR: ¿Cómo ves el futuro del teatro?
HG: La presencia del teatro sigue. ¡Sí!, yo me voy a morir, y se van a morir mis pupilos también, pero se va a seguir luchando para que la gente vaya al teatro, que va a ser muy distinto tam bién por la tecnología de la cual va a hacer uso. Porque también el teatro cambia por los avances y por las temáticas y por todo.
Pero al final, un día el teatro va a llegar a ser tan sencillo como ir al cine, como ir a tomar un café.
Y entonces ¿qué sucede? Que las cosas sí están pasando, sí están creciendo.
Siempre escucho a algunos teatristas quejarse: “la gente no viene”, “las temporadas duran menos”, “Es que el teatro está en crisis”. ¿Te digo algo? ¡Desde hace 2500 años el teatro está “en crisis”! Pero ha superado epidemias, terremotos. conquistas de continentes, caídas de imperios ¡y el teatro existe! ¡Siempre está!
FR: Para cerrar esta conversación, y conocerte un poco más, me encantaría que respondieras con una sola frase las siguientes preguntas.
HG: ¡Sí, claro!
FR: ¿Hernán, cuál es tu mayor virtud?
HG: Toda mi vida he luchado por no perder el piso. Nunca me he dejado seducir por los halagos.
FR: ¿Cuál consideras que ha sido tu mayor éxito a la fecha?
HG: Mi continuidad. Empecé a dirigir a los 20 y no he parado.
FR: ¿Cuál es tu mayor miedo?
HG: Yo creo que los miedos con la vida van cambiando. Irme de este mundo insatisfecho.
FR: ¿Qué es lo que más valoras en tus amigos?
HG: Su compañía.
FR: ¿Con qué personaje histórico te identificas?
HG: William Shakespeare.
FR: ¿A qué persona viva admiras?
HG: Steven Spielberg. Porque es un hombre que ha sabido combinar perfectamente la calidad con la diversión, la cultura y lo trascendental.
FR: ¿Cuál es tu idea de felicidad perfecta?
HG: Hoy en día: la paz, la tranquilidad y la salud.
FR: Si no hubieras sido dramaturgo y teatrista ¿qué te hubiera gustado ser?
HG: Arquitecto y pintor. ¡Pero de los mejores!
FR: ¿Cuál es tu estado de ánimo actual?
HG: Estoy pasando de la aprensión por cosas que no lo mere cen, a la alegría.
FR: Hernán, ¿cuál es tu lema?
HG: La vida es fugaz y el teatro más.
felixrivera003@gmail.com Instagram: @felixrivera333 Twitter: @felixrivera333
Félix Rivera es actor, conductor, productor, locutor, editorialista y escritor, nacido en la ciudad de Monterrey. Ha trabajado en teatro con Hernán Galindo como actor y asistente de dirección desde los años 90. También fue alumno de dramaturgia del maestro Galindo.
“A través de la historia de la humanidad, el teatro ha sido el gran compañero de los cambios históricos”
Gina Pedret es una talentosa actriz de tea tro, cine y televisión con la que he tenido el gusto de estar en comunicación desde hace ya un buen tiempo. Ahora, para todos Ustedes, me ha hecho el favor de aceptar la invitación para conver sar acerca de su brillante trayectoria, así como de su vida familiar y la óptica con la que se relaciona con el entorno.
Como es mi costumbre, le pedí “comenzar por el principio”.
Mi infancia fue tranquila, feliz. Siempre fui intensa en mis emociones y en mis sentimientos. Mis pades se divorciaron cuando yo tenía 9 años. Fue una tristeza importante. Soy la hermana de en medio. Somos 3 mujeres que afortunadamente siempre hemos tenido muy buena relación. Nos peleábamos como buenas hermanas, a veces hasta a golpes, pero hoy por hoy tenemos una gran relación y nos apoyamos siempre.
¿Cuándo y cómo descubriste tu vocación?
Definitivamente, yo nací con esta vocación; vengo de una familia dedicada a la actuación. Indudablemente, mi Güerita (Abuela Materna), mi adoración y actríz, Gloria Morell, marcó mi camino. Me encantaba acompañarla a sus “llamados”. Esperaba los fines de semana con emoción para poder ir con ella al teatro y sentarme en algún rinconcito a ver la función una y otra vez.
La Güera, como siempre le dijimos, fue hija de Angel T. Sala, quien fue el 2o. Secretario General de la ANDA. Hacía teatro con Polo Ortín y Eva Calvo, sus primos hermanos.
Mi padre, Alberto Pedret, llegó a México exhiliado de España y estudió actuación en Bellas Artes. Él abarcó muchos rubros. Inició como actor de teatro, cine y TV, sin embargo, su mayor logro lo encontró en las radionovelas, el doblaje y la locución. Mi padre, indudablemente y con todo respeto, es -aunque ya no trabaja- de las mejores voces que ha tenido este país. Fue la voz institucional de muchas marcas en comerciales, documentales, narraciones, etc. Fue productor de teatro y cine.
Entonces, sin duda, tu vocación y talento vienen de familia. Recuerdo que, en 1976, mi papá, junto con otros socios, incluyendo a Don Fernando de Fuentes, que en Paz Descanse, produjeron “La Novicia Rebelde” en el teatro Ferrocarrilero. ¡Imagínate! Los protagonistas eran Lupita D’alessio y Enrique Alvarez Felix. Un montaje espectacular, de primer mundo.
Mi mayor ilusión era participar en esta puesta. Yo justo tenía 9 años, que era la edad de uno de los personajes y, pues, resulta que no me dejó participar. Fue un duro golpe para mis sueños. Sin embargo, me iba al teatro todos los fines de semana con La Güera (mi abuelita) que trabajaba en la obra. Me sabia a la perfección los textos, los bailes y todas las tardes, al llegar a casa de la escuela, me ponía a cantar y bailar toda la obra, con un vestuario improvisado. Fue entonces cuando mis deseos de ser acrtiz terminaron anclándose por completo en mi corazón y mi alma.
¿Tuviste el apoyo de tu familia para seguir este camino? ¿Algún obstáculo?
Pues, como te decía, no tuve el apoyo total de mi papá. Aunque
me dejaba hacer cosas pequeñas, alguna participación en cierta pelicula, en radio o en doblaje, pero nada más.
Siempre me decía que acabara la primaria y hablábamos. Luego, secundaria. Luego, prepa. Luego, una carrera... y ahí ya decidí entrar a estudiar.
Mi Güerita si me apoyaba...pero tampco podía hacer mucho. ¿Cuál fue tu formación artística?
Inicié mi formación desde los 7 años. Estudiábamos en una
“Ser actor es respetarte a ti mismo, antes que a nadie”
escuela que tenía clases hasta la tarde y teníamos clases espe ciales. Por supuesto, el taller de teatro fue uno de los que tomé, desde 3er. año de primaria hasta la prepa.
Estudié un taller con Sergio Bustamante. También estuve en el Centro de Educación Artística. Un año antes de entrar ahí, estudié en la escuela de Emilia Carranza. Igual, tomé cursos con Sergio Jimenez y asistí a talleres de radionovela y doblaje.
Hice mucho teatro escolar. Participamos en un concurso de pastorelas y, cuando pasamos a la final, nos dijeron que haríamos la pastorela en un teatro. ¡Wow! Yo ilusionada de que pisaría un escenario. Resultó que el escenario fue la explanada del teatro Independecia; sin telón, ni luces... ¡Ya sabrás mi frustación!
Como actriz, tienes una gran responsabilidad social, desde el momento que interpretas personajes de impacto masivo con los que el público se puede identificar y/o proyectar. ¿Cómo te sientes al respecto?
Indudablemente es una gran responsabilidad. Aunque mi expe riencia ha sido más bien con el fin de entretener, me gusta que mis personajes tengan valores. Aunque los personajes que se portan mal son muy divertidos. Y aquí, en la magia de la actuación, te puedes dar el lujo de hacer cosas que jamás harías en la vida real. Pero creo que la responsabilidad la tienes en el momento que eres figura pública y ese es realmente el impacto que me gusta generar y promover: los valores, la humildad, la generosidad.
¿Quiénes han sido tus principales mentores en el terreno de la actuación? ¿Qué consejos atesoras más?
Antes que nadie, mi Güerita. De ella aprendí el respeto al esce nario, la disciplina, la puntualidad, el estudio. Recuerdo que ella llegaba a dar función 3 horas antes. Siempre era la primera en llegar. Yo, hoy puedo sentirme orgullosa de que nunca he llegado tarde a ningún llamado. Ese respeto y disciplina era una parte importante de las enseñanzas del CEA (Centro de Educación Artistíca) de Televisa.
“Al talento hay que educarlo y pulirlo. La disciplina resulta indispensable”
Tuve excelentes maestros en la escuela y en la vida.
Acompañar a mi abuelita o a mi padre a su trabajo fué de una gran importancia, porque ahí aprendes con el ejemplo; veía cómo trabajaban sus compañeros y eso fue una gran escuela.
Y tú, ¿qué consejos das a las nuevas generaciones de actores y actrices?
Primero que nada, que nunca le falten el respeto a esta profesión. Que ser un verdadero actor lleva mucho tiempo de estudio, de preparación, de lectura, de observar , de investigar. Nunca paras de aprender.
Ser actor, no es precisamente ser estrella de televisión. Ser actor es respetarte a ti mismo, antes que a nadie.
Hay que aprender a manejar tus emociones, a prestar tu cuerpo, que es tu herramienta de trabajo, por lo que tienes que cuidarlo. A prestar emociones. A respetar el trabajo de todas y cada una de las personas que están involucradas para que un proyecto se realice. Desde los chicos de mantenimieto, staff, dirección, producción, hasta tus mismos compañeros actores. Todos y cada uno tienen un trabajo importante que realizar, que si uno no está cumpliendo, todo se puede ver afectado. Aparte de las horas de trabajo que los compañeros técnicos y producción realizan. Aprender a tolerar la frustación. Hay muchos “No” para, finalmente, obtener un “Sí”. Es un medio difícil, pero si es tu vocación y tu sueño... ¡Lucha por eso!
¿Cuál ha sido el personaje que más te ha exigido o el proyecto que más presión te ha representado?
Los personajes son un regalo que llegan para que los represen tes. Fluyes con ellos, se meten en tu cuerpo. La verdad, tengo personajes quizá más entrañables que otros, pero, en sí, ninguno me ha generado presión.
Disfruto tanto mi trabajo, que no puedo sufrilo de ninguna manera. Quizás alguno sea más difícil de crear, o tenga pocas cosas en común conmigo, pero en la medida que vas creando tu personaje, empieza a fluir.
A propósito, ¿Cuáles son las principales variables que consideras al darle forma - diseñar- tus interpretaciones? ¿Crees que existe la inspiración o es un tema de talento + disciplina?
Lo primero es leer y releer los textos, ya que en cada lectura encuentras cosas nuevas. Soy actríz que le gusta trabajar con el director, que me guíe, me proponga y así, juntos, ir creando. Hacer la historia de tu personaje que nadie ve, pero a ti como acrtíz te da más elementos para poderlo enriquecer.
La técnica es importante y, finalmente, cada quien va cons truyendo la propia, tomando cosas que te funcionen de una u
otra, y así una se va acomodando. Sí creo que el talento es fundamental, pero no suficiente. Al talento hay que educarlo y pulirlo. La disciplina resulta indispensable.
¿Proyectos a corto y mediano plazo?
Recién en octubre comencé a grabar una nueva telenovela bajo la producción de la señora Lucero Suárez. Estoy muy emocionada y feliz. Se titula “Perdona nuestros pecados”.
Tuve una participación especial en “Mujeres Asesinas”, que está por estrenarse en la nueva plataforma VIX. También quiero hacer teatro, así que estoy trabajando en eso con un grupo de amigos y compañeros.
¿Cuál es tu género preferido, el consentido?
“Ser un verdadero actor lleva mucho tiempo de estudio, de preparación, de lectura, de observar , de investigar”Gina Pedret con su padre.
“De no ser actriz, me hubiera gustado estudiar psicología o leyes”
Pues prácticamente me he dedicado a hacer melodrama, así que creo que es el que más domino. La comedia también me encanta.
¿Cuál ha sido el principal reto que has enfrentado en tu carrera?
La tolerancia a la frustación. La lucha por obtener cada uno de los personajes que he podido interpretar y, de pronto, pasar tiempo sin trabajo.
¿Y la mayor gratificación?
Cuando me dicen: “El personaje es tuyo”. En ese momento se olvidan todos los momentos fallidos y, obvio, que reconoz can tu trabajo. Que te digan que les gusta como actúas, que tu personaje está padre.
¿Qué prefieres? ¿TV, cine, teatro, streaming?
Amo hacer teatro. Es lo que más me gusta. En 2o. lugar, la televisión.
De tus proyectos, ¿hay alguno que te arrepientas de haber hecho? Si sí ¿Cuál y por qué?
A la fecha ¿Cuál es el proyecto que te ha hecho sentir más orgullosa?
Creo que por ahora me siento muy orgullosa de mi participación en la telenovela “La Herencia”. Pude actuar ahí, pero lo que real mente me hace estar orgullosa fue mi trabajo como asistente de dirección, que agradezco infinto al Sr. Juan Osorio por haberme invitado a participar. No fue fácil para mí. Me sacó de mi zona de confort, me hizo ver otro mundo dentro de la TV.
Muchas veces pensé en dejar el proyecto, había momentos que no lo pasé bien, pero, finalmente, mi compromiso, mi gratitud y el respeto a mi trabajo, hicieron que terminara haciendo lo mejor que pude desde el principio. Y me siento muy feliz de haberlo logrado.
Desde tu perspectiva, ¿qué función juegan las historias que compartes con el público?
Basicamente, entretener: hacer que la gente pueda olvidar un rato las cosas complicadas o difíciles por la que atravesamos. Poder descontectarte un momento y meterte a la vida de los personajes que estás viendo en la pantalla.
Los mundos de la cultura y del entretenimiento pasan por una marcada y vertiginosa evolución, especialmente desde el surgimiento de nuevas ventanas hacia las audiencias. ¿Es difícil adaptarse a esas nuevas exigencias?
Como actríz ha cambiado mucho la forma que puedes tener un personaje. Ahora, con la llegada de los seguidores en redes sociales, ver cuántos seguidores tienes para darte un personaje o no, me parece muy “raro”. También me parece una falta de respeto a nuestra profesión, porque tener millones de seguidores o ser influencers no es lo mismo a ser actor. Insisto, hay que estudiar para ser actor, hay que preparase.
Y por otro lado, está padre la oportunidad de hacer conte nidos diferentes, en diferentes paises, con diferentes sistemas de trabajo.
De no ser actriz, ¿qué serías?
Esa pregunta... No puedo imaginarme haciendo otra cosa, pero de pronto me hubiera gustado estudiar psicología o leyes, aun que hubiera “tronado” como ejote. No puedo con la injusticia, me pone mal.
¿Cuál sería tu máximo punto profesional?
Mi sueño es estar activa. Tener siempre un proyecto en el cual poder trabajar. Que los personajes sean interesante para el público.
¡Y no parar de trabajar!.
“Aunque mi experiencia ha sido con el fin de entretener, me gusta que mis personajes tengan valores”
Elena Poniatowska posee una amplia trayectoria ya que ha abordado casi todos los géneros literarios: novela, cuento, poesía, ensayo, crónicas y también cuentos infantiles y adaptaciones teatrales
En el marco de la Feria Inter nacional del Libro Monterrey CONARTE y Municipio de Monterrey, rindieron home naje a Elena Poniatowska con la muestra denominada “Cómo ven los artistas a Elena Poniatowska”, a través de una galería de 30 retratos realizados con diversas técnicas como acuarela, lápiz, acrílico, fotografía y escultura.
En dicho evento, el Presidente Muni cipal de Monterrey, Luis Donaldo Colo sio Riojas sostuvo un encuentro privado con la escritora de 90 años de edad, Elena Poniatowska en la Cineteca de Nuevo León, en donde en junto con CONARTE y la FIL, se le dio un reco nocimiento por su legado a la literatura y al periodismo.
“El género de la obra literaria lla mado Elena Poniatowska es único y sigue resonando a pesar del paso del tiempo porque quien sabe de literatura entiende que para que algo perdure en el tiempo debe de resonar en el alma del público, la única manera en que los sentimientos e ideas plasmados en las letras resuenan, es a través de la expresión de ideas personales, íntimas, genuinas. Las obras más reconocidas de Elena, no son ficción, son retratos, son crónicas de la humanidad” expresó Luis Donaldo Colosio Riojas.
El homenaje consistió en la inau guración de la muestra denominada “Cómo ven los artistas a Elena Ponia towska”, a través de una galería de 30 retratos realizados con diversas téc nicas como acuarela, lápiz, acrílico, fotografía y escultura.
El corte del listón estuvo a cargo de Luis Donaldo Colosio Riojas, Elena Poniatowska; Felipe Haro, de la escri
tora; de Consuelo Sáizar, Directora General de la Feria Internacional del Libro de Monterrey; Verónica González Casas, Presidenta de CONARTE; Ana Luna Serrano, Secretaria de Desarrollo Humano e Igualdad Sustantiva Muni cipal; Betsabé Rocha Nieto, Secretaria de Desarrollo Económico de Monterrey, además de algunos artistas que plas maron, para esta exposición, a Elena.
La autora agradeció el reconoci miento que dijo, se hace desde un lugar tan significativo para el trabajo y el poder de Monterrey como el Parque Fundidora.
En 1955 publicó su primera novela,
“Lilus Kikus” y en 1971 obtuvo el pre mio literario Xavier Villaurrutia por “La noche de Tlatelolco”. Entre sus traba jos destacan las crónicas de la matanza estudiantil del 2 de octubre de 1968; el terremoto de 1985 en Ciudad de México, y el conflicto de Chiapas en 1994.
Ha sido profesora de literatura y periodismo en los Institutos Kairós y Nacional de la Juventud (INJ) y del taller literario El Grupo. Fue socia fundadora de la Cineteca Nacional y de la editorial Siglo XXI. Además, ha estudiado la figura de importantes personalidades de la cultura como la poetisa mexicana sor Juana Inés de la Cruz y el muralista mexicano José
Clemente Orozco,
“A través de su fundación, Elena también está trabajando en crear una memoria mexicana, porque solo a través de la memoria y del recuerdo, es que las sociedades se prometen a sí mis mas a aprender su pasado y cambiar su futuro”, recordó Colosio Riojas.
Las obras dedicadas a la autora estarán expuestas en el segundo piso de la Cineteca-Fototeca de la planta alta del Centro de las Artes de 10:00 de la mañana 8:00 de la noche hasta el próximo 17 de octubre, con entrada gratuita a todo el público.v
Con un viaje multicultural y una gran fiesta musical infantil Samajam festejó el 15 aniversario del Festi val Internacional de Santa Lucía, en la Explanada de los Héroes en donde cientos de familias se con virtieron parte de su espectáculo.
La diversión inició con música y la familiarización de algunas palabras en inglés como fueron los números, colo
res y algunos comandos como derecha, izquierda, abajo y arriba, los cuales fue ron coreados con mucha energía por parte de las niñas y niños.
La noche se fue convirtiendo en un gran salón de música, ya que los artistas comenzaron a tocar las notas musicales e involucraron a las familias a utilizar los instrumentos musicales que el Festival les proporcionó al inicio del show.
También las niñas y los niños disfru taron de un espectáculo multicultural ya que los integrantes de Samajam rea lizaron un viaje musical por los países de Africa, India, Cuba, Japón, Medio Oeste entre otros.
Es importante recordar que Sama jam es un espectáculo canadiense en el que los asistentes se convierten en los músicos, cantantes, actores, porque es un show 100 por ciento interactivo, el
cual se presenta todos los días desde el 10 de octubre en el Forito Santa Lucía, ubicado en el escenario al aire libre del Teatro de la Ciudad.
Las funciones concluyen este 27 de octubre, por lo que se invita a las fami lias a presenciar las últimas fechas: el miércoles y jueves a las 7:00 de la noche en el Forito Santa Lucía, y por la mañana a las 9:30 am se espera que asistan más de mil alumnos de educación básica.
Philippe Halsman y Salvador Dalí fueron dos simbolistas irreverentes, que se absorbían el talento mutuamente
Gracias a la fotografía, Sal vador Dalí fue el primero en darse cuenta sobre la importancia que tenía esta, para la promoción de su imagen y obra.
Dalí no solo fue uno de los artis tas más influyentes del siglo XX, sino alguien que traspasó el lienzo para construir un personaje auténtico, irreverente y profundamente excén trico. De alguna forma, a través de la fotografía, construyó una obra de arte de sí mismo, que, sin duda, lo trans
formo en una personalidad mediática, en ocasiones mayor a su propio trabajo.
Salvador Dalí conoció al fotógrafo Philippe Halsman en la década de los 30, pero empezaron a trabajar juntos hasta la segunda mitad de los años 40. De esa relación nació Dalí Atomicus, su obra más conocida, surrealista y divertida. Imagen que fue publicada en la revista Life, pero también repro ducida, impresa e incluso parodiada en infinidad de ocasiones. A través de los años, se convertiría en uno de los cinco íconos fotográficos del siglo XX.
Para Philippe Halsman, la fotogra fía era algo serio, pero también algo divertido: “El tratar de captar algo tan esquivo como la verdad, con una cámara, pudiera convertirse en una tarea bastante frustrante, pero intentar crear una imagen que no existiera en la realidad, sino sólo en la imagina ción, era algo excitante”, mencionaba Halsman.
“Y yo disfrutaba de ese juego con Salvador Dalí. Éramos unos compin ches. Cada vez que se me ocurría una idea fuera de lo común, le pedía a Dalí que fuera el héroe de la foto”, relataba también Halsman.
El mejor ejemplo de la desbordada imaginación de los dos fue: Dalí Ato micus, fotografía que se realizó en seis horas, 28 intentos y con muchos
colaboradores. Ivonne la esposa de Halsman, era la que detenía la silla, los asistentes de un lado lanzaban el agua, mientras que los asistentes del otro lado lanzaban los gatos. Dalí debía brincar en el momento preciso y Philippe hacer el disparo de la cámara. La fotografía sorprendió al mundo de aquella época, en la que no existía el Photoshop.
Los proyectos más fascinantes del archivo de Halsman, fueron los que rea lizó con Dalí, ya que juntos llevaron al surrealismo a extremos insospechados. Hay varias series maravillosas, como una colección fotográfica, cuyo tema principal eran los bigotes de Dalí.
Sin embargo, las fotografías más famosas fueron las de La Muerte Volup tuosa, en donde se combinaba el trabajo fotográfico de Halsman, con la practica surrealista de Dalí. Obra que mezclaba el erotismo con la muerte, expresando también la fragilidad de la vida, el placer y la belleza.
Philippe Halsman es considerado uno de los diez fotógrafos más impor tantes de la historia. Fue precursor del retrato psicológico y con su método fotográfico reveló mucho de algunas de las más grandes personalidades que retrató, entre ellos políticos, artistas e intelectuales. Por su lente pasa ron Marilyn Monroe, Marlo Brandon, Alfred Hitchcock, Pablo Picasso, Wins ton Churchill y Albert Einstein, entre muchos otros. Su estilo era inconfun dible, quedando sus imágenes grabadas en el imaginario colectivo.
Halsman se caracterizaba por bus car obsesivamente los ángulos, para conseguir tomas que fueran sorpren dentes, reflejando así belleza, misterio, solemnidad, elegancia y alegría.
Halsman y Dalí fueron dos simbo listas irreverentes, que se absorbían el talento mutuamente. El primero, un fotógrafo profesional especializado en retrato y publicidad y el segundo un artista que cincelaba su propia imagen a la perfección, para autopromocionarse. Dalí aportaba la materia prima y Phi lippe la transformaba a la perfección.
Muchos escritores y estudiosos de las letras hispanoamericanas creen que el Realismo mágico y el llamado Boom Latinoamericano de los años ’60 y ’70 no son más que un exitoso fenómeno editorial. ¡ A ver!, piensa y dime ¿crees posible ver caer una lluvia de flores en honor a tu persona amada? ¿O un ser querido saliendo del inframundo y elevándose entre los muertos solo porque lo extrañas y no logras olvidarlo? ¿O podríamos vivir una epidemia de insom nio tan larga que la gente olvidara sus nombres por causa de la falta de sueño? ¿O, puede ser que alguien sea tan lindo y bueno que se levante hasta los cielos para convivir con los ángeles? ¿O que difuntas se comuniquen por medio de perfumes? Pues esto es lo que se conoce, en la lituratura del continente, como el Realismo Mágico
El Realismo mágico o fantástico es un ramo literario caracterizado, en el lenguaje, por el uso de símbolos y metáforas y, en la temática, por las tramas en las que a los personajes les ocurren cosas tan extravagantes que podemos llamarlas mágicas.
Las letras, desde que el ser humano tomó una pluma para expresarse por escrito, nos dejan ver los varios mundos que viven en una obra, con una lógica con la que podemos entender la acción de los perso najes, aunque sean realmente inusuales. El género al que llamamos Realismo mágico o también Realismo fantástico, es la unión de dos enfoques que a primera vista son irreconciliables: la realidad concreta de los actos y los hechos comprobables, en contraste con el mundo espiritual, onírico, religioso y de los anhelos más escondidos entre los pliegos de la mente o del alma, como querramos llamarlo.
El lector entra en universos en los que la magia es posible, algo improbable en la novela y el cuento del siglo XIX, pero que es un fenómeno explosivo en el XX que perdura, cuando la realidad cruda de una era de grandes guerras se mezcla con la vida de enormes áreas rurales en las que la hechicería, los milagros, las apariciones, los encantamientos e incluso nuestros propios sueños siguen vivos, sin ningún asombro, entre los personajes del libro. En la lógica del Realismo mágico, según sus textos, lo sobrenatural mágico se acepta como algo natural
porque las leyes de ese mundo literario son distintas a las de nuestro cotidiano. Dentro de esta tensión escribieron y escriben sus obras los latinoamericanos Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosas, Horacio Quiroga, Carlos Fuentes e Isabel Allende, entre otros nombres destacados del género.
El Realismo mágico latino le dio voz a los que no la tenían antes, a las gentes de aquellos pueblitos olvidados, los recónditos Macondos que hallamos en todo país de América, marcados primero por la conquista española a sangre y fuego, entre la cruz y la espada, y luego por los imperialismos inglés y estadounidense, y sus oligarquias criollas. Pueblos, sin embargo, siempre fieles a sus más profundas raíces. Los escritos de Gabriel G. Márquez, Mario V. Llosas, Carlos Fuentes e Isabel Allende, y también de otros autores más “clásicos”, como Juan Rulfo, Borges, Bioy Casares, Sábato y Cortázar, llevan la mirada de la gente común, torturada por la miseria social, esclavos de los moralismos de las iglesias y los gobiernos que los olvidan y solo los recuerdan a cada elección.
Al pisar en la actual América los rudos españo les, 530 años atrás, agobiados por el poco espacio de sus pueblos, portando la religión rígida y violenta de los católicos, sus costumbres tan poco higiénicas, tan lejos del agua y del baño de nuestros nativos, y blandiendo una supuesta superioridad cultural y moral, hallaron acá un paraíso fantástico. Animales y plantas lujuriosas, hombres y mujeres con ropas exóticas, o simplemente desnudos, en un clima cálido y con rituales fascinantes. Luego del primer asombro empezaron a imponer su visión de “civilización” a los herejes y a adueñarse de ese mundo que por su supuesta superioridad cultural y moral, sin dudas, les pertenecía.
Impusieron sus leyes, actitudes y el pensar euro peos del modo más sangriento. Los nativos, en su cosmovisión, creían en el poder de la naturaleza y su fuerza de proteger o destruir, en la habilidad de los adivinos y la sabiduría de los ancianos, pero los arrancaron de sus raíces y los obligaron a abrazar una religión y costumbres extrañas, que no eran propias. Para protegerse de los colonizadores, y la crueldad de la nueva religión, los americanos ocultaron sus creencias para no perder lo poco que les quedaba, y
crearon el santo del “palo hueco”, donde escondían a sus dioses.
Mientras los españoles se endurecían contra la herejía, aumentaban sus dominios territoriales por la fuerza, y agregaban a ellos los pueblos esclavizados traídos desde las colonias africanas. Así, a la religión originaria oculta se sumaron las diversas creencias de los negros: el vudú, la hechicería, los encantamientos y sus cantos y danzas rituales. Y más santos de palo hueco surgían.
El mestizaje crecía, y el poder religioso impuesto a América con rigor no impedía la amalgama de religiones, creencias y supersticiones de los pueblos originarios y los negros, que llegó al siglo XX jun tando el mundo real y la razón con el universo de lo espiritual e inexplicable. De esa trama compleja surge el Realismo y la capacidad de la literatura de analizar la sociedad. El concepto del Realismo mágico fue introducido en 1948 a la literatura hispanoame ricana por Arturo U. Pietria en su ensayo Letras y hombres de Venezuela. En 1949, siguiendo esta línea, Alejo Carpentier lazta su novela El reino de este mundo y habla de “lo real maravilloso”.
El primer nombre que salta a la mente al hablar del
género es el del colombiano Gabriel G. Márquez*, escritor y periodista, con un don para leer el alma a través de sus libros. Fue uno de los precursores del género y uno de los nombres del Boom Latinoameri cano a nivel mundial.
Sus cuentos y novelas retratan pueblos olvidados en algún lugar de Latinoamérica. Son pueblitos a los que una vida muy dura casi los borra del mapa. Sus personajes viven la angustia de los prejuicios y dogmas. Romántico hasta lo dramático, el autor muestra seres afligidos, incapaces de vivir sus sueños, o despreciados por los sobreviventes por su falta de coraje para quebrar las normas. Renuncian al amor y a los deseos y terminan vivendo en un eterno ocio vacío que ahoga sus penas.
En sus obras, de un realismo detallista de escenarios y de situaciones complicadas, la crítica social brota del modo más crudo. Pero también hay magia, hechicería, milagros y sueños. Su mapa social y cultural mestizo de América Latina muestra que somos gente que resiste a la conquista y exige ser oída. García Márquez y su obra pintan un mundo habitado por personas comunes, y en un mundo de letras dominantes europeas, mues tra la realidad latina, sus escenarios e idiosincrasia nacida del amor, la violencia y el odio entre diversas culturas. Muestra la idea de la muerte en estas tierras,
fruto de la fusión sincrética de varias religiones, y la convivencia del cielo prometido y la necesidad de que los muertos sean enterrados en tierra sagrada para su descanso, combinados con la creencia en fantasmas que se aparecen porque no quieren dejar la tierra, o en muertos que ven a su muerte como algo complejo y angustiante, pero natural.
En Cien años de soledad, García Márquez hace una crítica social, pintando un pueblo empobrecido por la corrupción del poder. Cuenta la saga de la família de los Buendía, durante 100 años, con sus rarezas, contradicciones y el coraje de las familias comunes, sumándole la magia del género y sus invenciones: llu via de flores amarillas, mariposas que invaden casas, gente que vive eternamente, o seres tan bellos que son llevados por Dios por un camino de luz. La obra de García Márquez tiene textos extensos y comple jos como Cien años de soledad, El amor en los tiempos del cólera o El otoño del patriarca. Y novelas cortas y cuentos que relatan historias con una narrativa fascinante y de redacción simple.
Novela de G. Márquez, nacida en Colombia en 1955, cuenta los hechos tras la muerte de un hombre odiado en Macondo luego que la compañía bananera lo con
denara a la ruina. El pueblo, que aparece por primera vez y luego será famoso en Cien años de soledad es, igual que La hojarasca, un laboratorio de pruebas para los temas y personajes inmortalizados más tarde en dicha obra.
En la narración hay tres personajes: el Coronel, su hija Isabel y su nieto de 11 años. El Doctor – odiado por el pueblo- se suicida en su casa solitária. El Coro nel paga una deuda grande, y sepulta al muerto. Se enfrenta así a los deseos del pueblo y entrega a su hija y a su nieto a la mala voluntad de sus vecinos, que quieren dejarlo insepulto.
El relato va y vuelve en el tiempo mostrando cada personaje y la vida que el Doctor comparte con los vecinos de Macondo. El Coronel, que conoció a Aureliano Buendía, es honesto bondoso al extremo. Isabel es una joven sometida a los ritos paternos y a un pueblo conservador. Una joven que busca un sentido a su vida cuidando a su hijo y a sus padres, en un pueblo decadente donde el peor castigo es la condena social.
El libro, con imágenes sensoriales, altera la cro nología del relato, cambia de narrador para mirar el mismo hecho desde ángulos diversos; usa la inter textualidad con otras obras y critica al costumbrismo conservador. En la obra, la muerte es una etapa más de la vida, un hecho natural que ocurre a cada rato. Tres personas muy distintas miran la muerte y enriquecen el relato: para el Coronel es un momento muchas veces visto de cerca, un paso para un cambio tan natural y esperado que no siente angustia ni sorpresa frente al cadáver. La joven Isabel ve la muerte como una amenaza a la vida de su hijo y a la suya, algo que los rezos logran alejar. La mirada inocente del niño asiste con sorpresa a un hecho nuevo, y descubre su condición de estar vivo, lo que el muerto, frío y duro como una piedra, ya no tiene más.
La obra trata con cuidado el tema de los fan tasmas que vuelven de noche a sentarse solitarios a la luz de la luna. Los espíritus provocan senti mientos en los personajes, que no son de miedo, porque son vistos como una mera transformación, una más de las muchas que sufre una persona a lo largo de su vida.
• Cabe recordar a los muchos otros nombres de esta corriente: el mexicano Carlos Fuentes y su novela Aura, el brasileño Jorge Amado y su Doña Flor y sus dos maridos, Juan Rulfo con Pedro Páramo, Arturo Uslar Pietri y Lanzas Coloradas, el guatemalteco Miguel Ángel Asturias y El señor Presidente, Laura Esquivel con Como agua para chocolate y la chilena Isabel Allende con La casa de los espíritus.
Javier Villanueva. Argentino, establecido en Brasil, profesor de idiomas, editor, traductor, escritor y librero. Investigador y conferencista de temas hispanoamericanos y de la historia y las culturas de los pueblos nativos. Autor de más de una centena de libros didácticos publicados en Brasil, y de dos colecciones de cuentos en Argentina.
Fotos: Cortesía CEDIM
El pasado 14 de octubre nos fuimos a la Ciudad de México a la inauguración de INÉDITO - Design Week México, donde se presentaron proyectos de alumnxs de la Licenciatura en Diseño Industrial y Desarrollo de Producto
Design Week México es una organización que promueve el diseño local desde el 2009, a través de un programa realizado en octubre y noviembre, con exposiciones, eventos y muestras del estado y país invitados, los cuales cambian cada año.
Así, Design Week Mexico ha creado una comuni dad creativa, en la que participan actores del ámbito cultural, educativo, comercial e institucional del país, para promover el diseño socialmente responsable, así como el diseño mexicano contemporáneo.
Inédito muestra año con año, el trabajo de un grupo de diseñadores mexicanos que exploran, a través de diversas técnicas y prototipos funcionales, su fas cinación con la manifestación material y el uso de diversos procesos como eje creativo. Detrás de cada pieza se encuentra todo un proceso creativo, con ceptual y muchas horas para el desarrollo técnico y funcional. Los diseñadores juegan con las texturas y meticulosamente, hacen las composiciones para llegar a un resultado prolijo.
Los proyectos se estarán exhibiendo hasta el 8 de Enero en Espacio CDMX Arquitectura y Diseño (@ espacio_cdmx), en un horario de 10:00 am a 6:00 pm.
diseñador:
Nombre de su equipo de fabricación: Erika Esparza, Mariana García, Eugenio Gongora, Anto nio González, Paulina Ibargüengoitia, Elmer Suaste y Eugenia Villarreal.
Profesores: Mauricio Alvarez, Raul de la Cerda, Salvador Flores, Erick Salas y Emilio Valtierra.
Tutor Fabricación Ebanistería: Salvador Flores.
Colaboradores: SF Ebanisteria, Oyosa.
Agradecimientos especiales: Antonio Varela, Jorge Dorantes.
Descripción: Como Morra toma como inspiración todas aquellas modificaciones corporales a las que tienen que acudir una gran cantidad de mujeres para protegerse
de diferentes tribus y así no ser violentadas. Se busca que a través de la pieza pueda percibirse la presencia imponente y fuerza que representa a las mujeres.
Como Morra es una mesa auxiliar que combina la elegancia de la madera laminada de fresno con la
rudeza del concreto. Compuesta por un elemento de concreto cilíndrico que atraviesa un cuerpo de madera de forma fluida, en donde las curvas tienen el mismo radio para mantener un lenguaje equilibrado. Para mejorar la estabilidad y proteger la superficie de la madera en contacto con el concreto, se sumó una banda y una funda de piel reciclada.
Dimensiones Generales: 84 x 40 x 82 cm / 68 Kg +ME
Nombres equipo de fabricación: Erika Esparza, Mariana García, Eugenio Gongora, Antonio Gonzá lez, Paulina Ibargüengoitia, Elmer Suaste y Eugenia Villarreal.
Profesores: Mauricio Alvarez, Raul de la Cerda, Salvador Flores, Erick Salas y Emilio Valtierra.
Tutor Fabricación Ebanistería: Salvador Flores.
Colaboradores: SF Ebanisteria, Oyosa, Carpinteria El Gallo y la Luna.
Agradecimientos especiales: Antonio Varela, Jorge Dorantes y Carlos Guerrero.
Descripción: Es muy sabido que hoy en día en nuestra sociedad existen distintos estereotipos y tabúes acerca de los cuerpos ajenos. En especial las personas con obesidad o personas con una complexión robusta. En nuestra vida cotidiana es muy común que frecuentamos lugares como lo son: cines, teatros, áreas comunes de comida, estadios, taburetes, entre otros. Pero ¿Qué tan común es que nos fijemos en las proporciones y medidas de los asientos que nos proporcionan estos lugares?
Para las personas con este tipo de complexiones se vuelve algo difícil poder tomar asiento en este tipo de lugares, sin sentir este miedo a caer o este sentimiento de quedar expuestos.
+ME es un proyecto enfocado en el mercado de gente con complexión robusta o gente con sobrepeso y poder empatizar con ello generando la sensación de ser vistos y tomados en cuenta, sin llegar al extremo de quedar expuestos.
+ME es un taburete que sobredimensiona las pro porciones convencionales, brindando esta confianza que el usuario necesita de no caer al sentarse. Este taburete está compuesto de 2 patas idénticas, fabrica das con proceso de laminación de madera de fresno con las capas externas de nogal, y un asiento tapizado por diferentes grados de densidad diseñado para un confort semiduro, ideal para personas robustas.
Dimensiones Generales: 65 x 45 cm / 14.7 Kg
Nombre del diseñador: Antonio González, Nombres equipo de fabricación: Erika Esparza,
Mariana García, Eugenio Gongora, Antonio Gonzá lez, Paulina Ibargüengoitia, Elmer Suaste y Eugenia Villarreal.
Profesores: Mauricio Alvarez, Raul de la Cerda, Salvador Flores, Erick Salas y Emilio Valtierra.
Tutor Fabricación Ebanistería: Salvador Flores.
Colaboradores: SF Ebanisteria, Oyosa, Carpinteria El Gallo y la Luna.
Agradecimientos especiales: Antonio Varela, Jorge Dorantes, Casa Celeste, Carlos Guerrero, Jaaziel Romero.
Descripción: Oasis es un conjunto de floreros que explora la dualidad entre vegetación viva y seca, con la intención de hacer visible la transición entre vida y muerte. Consiste en dos vasos de madera lami nada los cuales resguardan elementos cerámicos. Los cuerpos cerámicos, realizados con esmalte Crystal
Glaze, están pensados para permitir la hidratación de las plantas, mientras los elementos de madera, realizados con finas chapas de maple, generan espa cios para las hojas secas.
El diseño global busca un lenguaje de formas flui das con apariencia orgánica, donde una familia de objetos se perciba de manera uniforme e integrada. Los elementos dialogan entre ellos transformando sus entornos, encontrándose sin tocarse.
Dimensiones Generales: Pieza1: 38 x 27 x 32 cm / 2.8 Kg, Pieza2: 46 x 25 x 26 cm / 3.1 Kg
Para ©CEDIM es sumamente importante impul sar el trabajo de nuestros alumnos a nivel nacional e internacional, con el fin de proyectar el talento y que a la par de sus estudios puedan posicionarse y vivir experiencias alineadas a la realidad de la industria. Es por eso que para nosotros es un orgullo el poder participar en plataformas de este nivel como lo es Design Week México.
Con la iniciativa “Si parla italiano” realizada por La Comer, quién reconoce la originalidad y la calidad de las marcas Made in Italy como elemento principal para elegir lo mejor lanzan en City Market esta propuesta demostrando ser referente y líder en la industria.
Mediante un evento en la Ciudad de México en donde se tuvo la presencia del Embajador de Italia en México, Luigi De Chiara mencionó que este tipo de proyectos son oportunidades para reafirmar la relación, ya existente, entre México e Italia”.
Asimismo, directivos del grupo pudieron disfrutar de esta iniciativa en donde Santiago García, director general de Grupo La Comer comentó “Estamos muy orgullosos de presentar Si parla italiano en nuestras tiendas. Con este evento exclusivo para los clientes de La Comer mantenemos nuestra estrategia de diferenciación, al ofrecer una gran variedad seleccionada de productos ita lianos de alta calidad – algunos de ellos por esta única ocasión, en un solo lugar.
En los últimos años la tendencia en los intercambios comerciales entre México e Italia ha ido en aumento. De acuerdo con datos del Banco de México y la Embajada de Italia en México, en 2021 las exportaciones italianas al país ascendieron a 6,109 millones de dólares, con un aumento de 26.2% en compa ración con el mismo período de 2020, superior al aumento promedio de las exportaciones italianas registradas a nivel mundial.
La positiva evolución de las expor taciones italianas confirmó a ese país como el segundo proveedor de México entre los países de la Unión Europea.
Asimismo, el denominador común de las exquisitas gastronomías italiana y mexicana es el amplio reconocimiento que tienen a nivel mundial, así como su excelencia. Ambas se hermanan con un ingrediente, el jitomate, el fruto origi nario de México y presente en la cocina italiana desde hace varios siglos.
Para todos aquellos amantes de la gastronomía y calidad en productos de importación llega algo que va a satisfacer cualquier paladar
Durante
Por: Alicia Pardo - POSTAexhibirá en el Mercado Juárez
El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) organizó el taller “Altar. Rastro textil”, impartido por Ismael Merla, quien trabajó con lazos de manta, para que al final, los trabajos fue ran llevados al Mercado Juarez, en el centro de la ciudad de Monterrey,
Foto: Cortesía POSTA
el 29 de octubre.
En el taller, se realizaron sesiones con los migrantes y con el público del Museo, donde los participantes escu charon una charla del artista y traba
jaron con lazos de manta que tiñeron de colores azul, rosa y amarillo.
Los lazos elaborados en las diferen tes sesiones del taller se instalaron en el interior del Mercado Juárez.
La obra abarca un espacio de alre dedor de 8 metros por lado y es la pri mera vez que una instalación de arte contemporáneo se muestra en este emblemático sitio, donde estarán dos meses.
dos meses, el arte realizado en un taller en MARCO, seUna instalación de arte comunitario estará durante dos meses en el Mercado Juárez.
El público del Festival ovacionó a la banda y regresaron a can tar al escenario.
La rumba flamenca de los Gipsy Kings by André Reyes sonó fuerte con los coros de al menos 15 mil per sonas que asistieron al concierto que se llevó a cabo en el marco del 15 ani versario del Festival Internacional de Santa Lucía.
La noche de este miércoles André Reyes, fundador de esta agrupación puso a bailar y a cantar a todos en la Explanada de los Héroes con las can ciones que popularizó en todo el mundo como “bamboleo” y “volare”.
El concierto lo abrieron interpre tando “A tu Vera”, “Un Amor” “Allegria”, canciones de los años noventas que son hasta la fecha un gran éxito y que siguen
cantando en los hogares y emocionando a las personas.
André Reyes incluyó en el concierto que ofreció para el FISL temas del reper torio de su gira “Nací gitano” como “Volare” “Djobi, djoba” “Bambolero” “A mi Manera” y muchas otras más recientes.
Cuando terminó el espectáculo el público ovacionó a la banda y comenzó
a pedir más canciones, por lo que los integrantes regresaron al escenario e interpretaron de las nuevas canciones.
Es importante mencionar que la banda tiene una formación musical francesa y gitana de los 80’s, cuyos miembros se destacan por tener ascen dencia española, por lo que fusiona los géneros musicales del flamenco con el pop y la rumba catalana.
El Gran Silencio contará su historia a través de un documental el cual se ya está grabando.}
Este documental girará en torno al con cierto que el grupo dará el 22 de octubre en el Festival Internacional Santa Lucía.
El grupo se presentará en el escenario principal del FISL en la Explanada de los Héroes a las 20:00 horas con entrada libre.
“Estamos preparando un documental de los 30 años de El Gran Silencio, de hecho, va a girar en torno a este concierto porque vamos a contar la historia con las canciones, nos vamos a ir desde nuestro primer ´demito´ hasta el último disco”, dijo Cano Hernández.
El músico indicó que esta es la forma más chida de contar su historia.
“Todo el documental va a girar en torno a este concierto; el documental se empezó a trabajar desde hace una semana Macario Ramírez, el director ya entrevistó a personalidades de la música que han estado muy cerca de El Gran Silencio porque en nues tra historia ha sido un montón de gente que nos ha ayudado y nos ha dado desde un consejo hasta una invitación a tocar”.
Cano añadió que la idea es que los fans tengan acceso a este material por lo que una vez finalizado planean estrenarlo en alguna plataforma digital.
“Lo principal es hacerlo para los fans, vamos a buscar la manera de que esté al alcance de ellos y después nos interesa buscar una plataforma impor tante”, expresó Cano.
Por: Redacción Foto: Cortesía FISL“Se está trabajando con toda la mano, muy pro fesional”.
La idea, añadió el artista, es terminarlo en diciem bre.
“Pero es una idea, nada más. Hay muchas cosas que contar, pero queremos hacerlo lo más compacto posible”.
La única manera de que El Gran Silencio pueda con tar su historia añadió Cano, es a través de la música.
“Hay un montón de anécdotas que nos gustaría platicar y tenemos montón de material bastante importante interesante, sobre todos los viajes”.
Desafortunadamente muchas de esas anécdotas no las pueden compartir porque no tienen evidencia en video, como durante su viaje a Japón.
“No nos tocó grabar, había celulares sin cámara, no tenemos nada grabado de Japón, todavía no estaba
muy fuerte el internet, no hay mucho material en el que conste lo chido que nos fue”, expresó.
Durante la conferencia de prensa para anunciar su concierto del 22 de octubre en el FISL, también estuvieron Wiwa Flores y Tony Hernández, quienes coincidieron que será un espectáculo inolvidable.
“Vamos a hacer música desde que tocábamos con botes y cajas de cartón hasta lo más ecléctico, como dicen ahora”, señaló Tony.
Señaló que su vigencia tiene mucho que ver con que no persiguen la fama y saben hacer de todo.
“Somos muy de familia, somos gente que sabe mos moler el nixtamal, pero también sabemos hacer crepas. Sabemos de todo, picar piedra, echar una placa, somos gente muy tesonera y eso nos ha ayu dado muchísimo a mantenernos siempre firmes. Y la gente que ha perdido la perspectiva se va y regre samos nosotros con mas fuerza, siempre pensando en más”, explicó Tony.
El jueves 27 de octubre, se eligieron ganadores del Premio Nacional del Deporte en sus siete categorías
El piloto mexicano de Fórmula 1, Checo Pérez y el equipo de kayak conformado por Mari cela Montemayor, Karina Ala nis y Beatriz Briones, ganaron el Premio Nacional del Deporte.
Este jueves 27 de octubre, se eligió ganadores del Premio Nacional del Deporte en sus siete categorías.
Tras varias propuestas de atletas, personajes del deporte y fomento un jurado calificador, determinó a los acreedores al máximo galardón del deporte otorgado en nuestro país.
La reunión del jurado encargado de determinar a los ganadores se dio en las instalaciones de la Comisión Nacional de Cultura Física y Deporte, donde se calificó el desempeño de cada atleta del 16 de octubre de 2021 al 15 de octubre de este año.
El jurado tuvo la difícil tarea de leer el curriculum de cada deportista, acerca de lo logrado en el transcurso de un año, escuchar opiniones y designar a los triunfadores en siete categorías: deporte no profesional, deporte pro fesional, deporte paralímpico, entrena dor, juez-árbitro, trayectoria destacada en el deporte mexicano y fomento, la protección o el impulso de la práctica de deportes.
En la categoría de Deporte No
Profesional destacó la hazaña de las kayakistas Karina Guadalupe Alanís Morales,Beatriz de Lourdes Briones Fragoza, Maricela Montemayor Rodrí guez quienes entrenan en la presa de la Boca y tuvieron un año complicado con la sequía así como su compañera Isabel Aburto Romero.
Juntas consiguieron una medalla histórica de bronce para el país, ya que nunca se había logrado subir al podio en la prueba olímpica de K4 500 metros lograda en el Campeonato Mundial de Canotaje de Velocidad, que se realizó en Dartmouth, Halifax, Canadá, en el pasado mes de agosto.
En el Deporte Profesional, el piloto tapatío Sergio Pérez Mendoza recibió el galardón por su destacada participa ción en la Fórmula 1 durante este año, ganando el GP de Mónaco, el de Sin gapur y un tercer lugar en noviembre
l Jesús Hernández Hernández, campeón paralímpico en Tokio 2020 y multimedallista en Campeonato Mundial de Paranatación Madeira 2022.
l Entrenador: Elizabeth Orta Espinosa de Canotaje.
l Juez- árbitro: Karen Janett Díaz Medina.
l Trayectoria destacada en el deporte mexicano, a la leyenda del boxeo Julio César Chávez González.
l Fomento a la protección o el impulso de la práctica de los deportes: Instituto del Deporte de los Trabajadores, A.C. (INDET).
de 2021 en el Gran Premio de México.
Los ganadores recibirán una medalla de oro ley de primera clase de 0.900, un diploma firmado por el presidente
Andres Manuel López Obrador y un premio económico de 796 mil 05 pesos que será entregado en una ceremonia especial donde serán invitados todos los galardonados.
La manzana es la impronta de la pintora Martha Chapa. Ella supo que sería su estandarte desde que hizo sus prime ras obras, ya que, según sus propias palabras, la manzana simboliza la vida y el amor, dos de los grandes pilares de la existencia humana.
El pasado miércoles 26 de octubre, la artista regiomontana recibió la Presea “Pinacoteca de Nuevo León”, como un reconocimiento a una vida entregada a la promoción del arte y la cultura.
Además, se inauguró la exposiciónhomenaje “Semillas de imaginación” bajo la curaduría de Rocío Castelo, que reúne más de 50 cuadros de diferentes épocas, en los que invariablemente está presente una manzana como elemento principal, o algunas veces en segundo plano.
También ha plasmado en sus lienzos el Cerro de la Silla, para mostrar con orgullo el gran símbolo de la tierra que la vio nacer, por lo que instituciones como Conarte en colaboración con la Universidad Autónoma de Nuevo León presentan esta exposición en la Pina coteca de Nuevo León, ubicada en el interior del Colegio Civil Centro Cul tural Universitario.
“Me encuentro con obras que han estado aquí, entonces es muy bello hacer ese recorrido profesional y brin dárselo a mi tierra natal; yo siempre he pintado, vivo en México, viajo mucho, pero mi corazón y todo mi ser está aquí en Nuevo León, en Monterrey”, expresó la también escultora y escri tora en entrevista.
Y así como Martha Chapa ha vuelto a la manzana poderosa, artísticamente hablando, el pintor Vincent Van Gogh lo hizo -en su época- de manera similar con los girasoles; de ahí que hago esta conexión, a propósito de la muestra que actualmente se exhibe en los Bajos del Palacio Municipal de Monterrey.
“Van Gogh. The immersive expe rience”, es un espectáculo artístico multisensorial en el que el espectador “viaja” al mundo del pintor holandés, cuya obra ha sido apreciada en todo el mundo.
A través de óculos de alta tecnología, el visitante recorrerá la ciudad donde vivió y los lugares que lo inspiraron para sus obras. Este paseo virtual dura 12 minutos.
Van Gogh pintó la serie de Los gira soles en entre 1988 y 1989, y aunque
Fotos: Especial Por: Irma Idalia Cerdahabía hecho muchos cuadros con dife rentes motivos, estas flores amarillas se convirtieron en su sello distintivo.
Creo que en el arte, lo más sencillo puede deslumbrar a quien contempla un cuadro; una simple manzana o un jarrón con girasoles, despiertan todo tipo de sensaciones que sólo la mano que trazó el pincel tuvo la magia para hacerlo.
irma_idalia@hotmail.com
Uno de los equipos represen tativos de la UANL que más roce internacional puede presumir es el de gimnasia aeróbica, cuyo entrenador, Saúl Castorena Martínez, ha sabido encaminar al equipo a campeonatos de la Universiada Nacional, así como guiar a las nuevas generaciones de la escuela de gimnasia de la Facultad de Organización Deportiva (FOD).
Para cerrar el año de manera sólida, los Tigres y las pequeñas Guerreras están listas para afrontar un nuevo reto internacional al participar del 24 de octubre al 6 de noviembre en el Cam peonato Panamericano de Gimnasia Aeróbica que se celebrará en Cúcuta, Colombia.
En el evento, que es organizado por la Unión Panamericana de Gimnasia, los alumnos Mario Alberto Nava (Facultad de Contaduría Pública y Administra ción) y Lesli Morales (posgrado de FOD) tendrán la oportunidad de sacarse la espina, luego de que en la edición de 2021 se quedaron a pocos puntos de lograr medallas.
El equipo juvenil buscará refrendar sus títulos en la modalidad de singles, trío y grupos, triunfos que le han abierto las puertas a la selección de la especialidad de México, como resultado del trabajo hecho con estudiantes de secundaria y preparatoria.
El entrenador afirmó que la gimna sia ha crecido tanto en Centro como en Sudamérica, pero los mexicanos ya les dan buena pelea a los representantes de Brasil, Argentina y Perú, a quienes considera de los mejores exponentes del continente.
“Para ganar hay que trabajar mucho, hay que entrenar y contar con el apoyo de autoridades de la UANL, de la Facultad de Organización Deportiva y de los padres de familia, cuyo esfuerzo es vital para el desarrollo de los jóvenes en el deporte”.
Saúl Castorena Martínez, entrenador de los Tigres y las Guerreras, equipos de gimnasia aeróbica de la UANL, confía en que sus pupilos refrenden en el campeonato de Colombia el título obtenido en la Universiada Nacional y además se consolide la nueva generación de atletas surgida en la FOD
Con más de veinte años de expe riencia, el entrenador Saúl Castorena Martínez ha conseguido 13 campeo natos nacionales con el equipo de gimnasia aeróbica de los Tigres en la Universiada Nacional y múltiples cam peonatos nacionales e internacionales con la escuela de formación de la FOD.
Para el campeonato panamericano de la especialidad, Tigres presentará un equipo con jóvenes preparatorianos que comenzarán su fogueo internacional para poder representar a Tigres en la Universiada Nacional 2023, así como tres integrantes del equipo mayor que
buscarán subir al podio de este evento de talla mundial.
María Fernanda González de la Garza, de la Preparatoria 22, es una de las feli nas más jóvenes en integrarse al equipo, aunque tiene ya seis años de practicar la gimnasia. Ha asistido a eventos nacio nales e internacionales en países como Argentina, Colombia, Perú y Portugal.
Por su parte, la experimentada atleta Lesly Quetzaly Morales Godínez, estu diante de posgrado en la Facultad de Organización Deportiva, está cons ciente de que va en buen nivel y espera confirmarlo subiendo al podio de los ganadores.
“Tengo buenas expectativas en mí prueba individual y de pareja. Lleva mos una buena rutina y disfrutaremos la competencia, ya que somos pocos los que tenemos esa oportunidad y hay que hacerlo de la mejor manera”, declaró Morales, quien recomendó a quienes inician en la gimnasia aeró bica tener mucha paciencia y ser dis ciplinados.
Representante de la Facultad de Contaduría Pública y Administración, el deportista Mario Alerto Nava Morales aseguró que el campeonato panameri cano es la ventana que todo atleta añora tener ya que se compite con los mejores atletas del continente.
