REVISTA CAMEO 31

STEPHANIE SALAS LOS DÍAS FRANCOS

OSVALDO BENAVIDES

NOCHE DE BODAS

MIMI MORALES EL SEÑOR DE LOS CIELOS

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NÚMERO 31

MARZO | 2024 AÑO 4

EDITOR:

Carlos Mora

COLABORADORES:

Elizabeth Osorio

Cinthya Salas

Alejandra Lomelí

Francisco Javier Quintanar Polanco

Angélica Ramírez

CORREO:

cameo.revista@gmail.com

REVISTA CAMEO

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REVISTA DIGITAL issuu.com/revistacameo

STEPHANIE SALAS

"ME CONSIDERO

UNA MUJER

MULTIFACÉTICA"

En una entrevista exclusiva para la Revista Cameo , la actriz habla sobre Los días francos , su nuevo proyecto cinematográfico y ópera prima de Ulises Pérez Mancilla, quien retoma el género del melodrama. Stephanie Salas interpreta a Amanda, una actriz que enfrenta una crisis profesional y personal. Además, debe lidiar con la frustración de no sentirse una buena madre.

por CARLOS MORA

LOS

Stephanie, Los días francos es una película que hace falta, una bocanada de cine mexicano que refresca de tanta violencia que vivimos.

Totalmente, lo acabas de decir muy bien. Es una película del cine mexicano posicionada en esos melodramas que tanto nos gusta ver, ahora ya vemos puros balazos y temas del narco. Entonces creo que de repente anhelas esta tradición que nos unía de ver cine de la Época de Oro, esos melodramas que añoramos. Me viene mucho a la mente Los Olvidados, que es una de mis películas favoritas, donde es una tragicomedia, te ríes, pero es decir "¿por qué me estoy riendo de esto si está tan patético?", pero de eso se trata este melodrama de Los días francos, de reflexionar y de entender a una mujer dentro de ese melodrama mexicano que luego no es muy común ver.

Me encanta tu personaje, ¿qué tanto tiene de ti Amanda?

Creo que yo tengo mucho de ella. Amanda empezó a cobrar vida porque el director Ulises Pérez la buscó en mi alma y en mi interior, después la construimos entre los dos, le fuimos dando esta vida, logramos el objetivo de hacerla una mujer multifacética. Mis primeras impresiones fueron percibir a

partir como si fuera una Alicia en el País de las Maravillas, con todos sus amigos que la van confrontando hasta que se puede encontrar ella misma, le sacan sus miedos, sus fantasías, sus anhelos, sus anécdotas, su crecimiento, o también como si estuviera en el Mago de Oz donde se va encontrando personajes como el espantapájaros, el león o el hombre de hojalata, todos van alrededor de Amanda, la van llevando a que tome las mejores decisiones.

¿Cuáles fueron los retos a los que te enfrentaste?

La cinta es un bebé muy anhelado, muy querido, que ha crecido a lo largo del tiempo, se atravesó la pandemia e hizo que nos detuviéramos el proceso pero ahora yo la veo como algo que sí tomó su tiempo, pero también la siento como que se hubiera puesto en pausa y ya hoy es una realidad y siento como si fuera ayer el trabajo de mesa que construimos, todos los actores de la película en su mayoría son de teatro, hicimos un montaje teatral de la película, llegamos a filmar al set con los diálogos ya muy bien estudiados, yo le agradezco mucho al director por hacerme partícipe de su ópera prima, y de escribirme este personaje para mí, y de decirme: "¡Hola! soy Ulises y quiero que hagas esta película porque la hice para ti" imagina qué mayor halago que ese.

FOTO TALENTONTHEROAD

"Que siga el arte, porque eso es lo que nos mantiene vivos, Como dicen, vive una realidad alterna viviendo la realidad"

Es de las últimas películas de esta gran actriz, Marta Aura, antes de fallecer en el año 2022. ¿Cómo fue trabajar con ella?

Trabajar con ella fue maravilloso, fue una experiencia bellísima. Yo hice algunas cosas de televisión con ella por ahí del año 2000 y ahora volver a verla en el cine es como si la viera en su hábitat, en este personaje tan importante que se llama Natalia, que es una actriz, como lo fue doña Marta en la vida real, evidentemente que le dedicamos este trabajo, pero yo me llevo una gran satisfacción haber vivido con ella esta película de haber dejado ahí su alma y este personaje tan mágico. Hoy ella representa un personaje mágico, de una maga o un ángel.

El cine inmortaliza, ¿qué opinas?

Claro, yo hice películas juveniles, Videohomes que así se llamaron en los años 80 y 90, recuerdo que hice una al lado de Pedrito Fernández y que nunca se estrenó. Después mi primer trabajo maravilloso fue Modelo antiguo (1992), con mi abuela (Silvia Pinal), ella me dijo, "Stephanie, quiero que seas tú hagas mi papel de joven", fue una película increíble que hizo el director Raúl Araiza, la hice al lado de Raúl Araiza Jr., y Alonso Echánove, de las mejores películas y de las últimas que hizo mi abuela, para mí fue entrar con el pie derecho en el cine, fue fascinante interpretar a mi abuela de joven, es un drama tremendo.

Ahora en Los días francos, cuando terminamos la película fue con una adrenalina tremenda porque el final es impactante, es fuertísimo. A mí me costó mucho trabajo, incluso nos conectamos mucho con Ulises y yo. Construir la última escena fue de grabarla todo el día, y ahora que la veo en la pantalla si se ve reflejado todo ese dolor y ese sufrimiento que vivimos es el rodaje. También fueron días de franqueza, de hablar neta tras neta, fue un trabajo muy entregado Mi sensación fue como si me hubiera subido a un ring de box, donde entregas todo y ya nada más te falta el último knockout, fue una entrega absoluta.

Haces falta verte más en el cine, eres una gran actriz.

Ya sé, pero yo me considero una mujer multifacética, soy muy camaleónica, un día hago música o ando de DJ, otro día me comprometo con el teatro, también saco mis artes culinarias, eso lo exploré muchísimo en la pandemia, que me daba la chance de estar cocinando todo el día y sacar un programa con la gente de YouTube, cocinando y todo este rollo. Pero ahora que lo dices, sí, por supuesto que te vuelves a encandilar en la brecha de la actuación y claro que vienen cosas a raíz de Los días francos.

Vamos empezando muy bien este 2024, hice teatro, luego un nuevo sencillo de música, para no dejar la música de lado. Cerramos con broche de oro la temporada de la obra de teatro Papito Querido, estoy muy contenta, aprendiendo de un grande como lo es Humberto Zurita, un gran actor y un gran maestro para mí, día a día lo aprendo. Y también sigo aprendiendo de mis grandes directoras, mi madre (Sylvia Pasquel) y mi abuela (Silvia Pinal).

Los días francos,

UN MELODRAMA QUE HABLA SOBRE LOS SUEÑOS Y LA ESPERANZA

por ALEJANDRA LOMELÍ

EN SU ÓPERA PRIMA, Los días francos, Ulises Pérez Mancilla desarrolla un melodrama que habla sobre la vocación, los sueños y la esperanza, pero, principalmente, sobre el fracaso y cómo a través de este se puede replantear el camino. Un melodrama que podría recordar las adversidades que enfrentan muchas de las protagonistas en películas de la Época de Oro del cine mexicano, pero que al estar ubicada en un contexto tan competitivo como el actual, marca una diferencia con respecto a la última decisión que toma la protagonista del filme, Amanda, interpretada por Stephanie Salas en el que es su primer rol protagónico.

La trama sigue a Amanda (Salas), una actriz cuya trayectoria en el cine se encuentra en el olvido, es despedida de su único trabajo en una serie de infomerciales. Ahí, ella decide retomar su carrera en medio de una crisis económica que la lleva a cuestionarse sobre su vocación y a replantearse su responsabilidad como madre de Nicolás, su hijo de 7 años, a quien no le ha puesto mucha atención.

El director, que también escribe el guion, aborda la tesis desde dos frentes con la intensión de explorar la disyuntiva emocional

de una mujer deseosa de triunfar en su profesión y ser buena madre, aunque esto último lo descuida a la menor provocación por retomar la actuación. Es en el predicamento de Amanda, única proveedora económica, y en su fallida búsqueda de empleo, donde confluyen ambos dilemas, desenvolviendo así una serie de lecturas inquietantes sobre la maternidad, la frustración profesional, la informalidad laboral y los bajos sueldos que reciben los actores.

Argumentalmente, el planteamiento de Los días francos es prometedor y oportuno, sin embargo, es una lástima que adolezca de un miscast, o mal casting, no sólo hablo de Stephanie Salas quien no aporta los matices adecuados para abordar emocionalmente a su personaje, sino a parte del elenco secundario, quienes palidecen cada que comparten pantalla con actores de amplio registro dramático y que solo tienen una breve intervención como Marta Aura, Mariana Gajá y Leonardo Alonso, haciendo evidente el desnivel histriónico entre ellos. Una lástima que el apartado más débil de esta película, sea, precisamente, gran parte de su elenco.

FRANCOS

Distribución: ALFHAVILLE

LOS DÍAS

CINEMA

DESDE NIÑO, MI SUEÑO HA SIDO DIRIGIR:

OSVALDO BENAVIDES

En entrevista con la Revista Cameo, el actor habla sobre Noche de Bodas, película que marca su debut como director de cine después de 12 años dedicados a este proyecto, en el que también participó como guionista y protagonista. Desde el principio contó con la colaboración de su amiga y colega actriz Ludwika Paleta, quien además de ser productora, protagoniza la película. La comedia narra la historia de Lucía y Nico, amigos que han sentido un cariño platónico durante años y que finalmente deciden casarse. Sin embargo, en la noche de bodas, aparecen las exparejas de los novios, aparentemente decididas a sabotear la felicidad matrimonial desde el primer día, causando un caos extremo en la fiesta. Así, ellos se enfrentan a la posibilidad de que la relación no sea como habían imaginado, confrontando algunas sombras del pasado. ¿Podrá el amor superar estos contratiempos?

por CARLOS MORA

¿Cómo llega Noche de Bodas a ti?

No llegó, lo hice llegar. Es un proyecto mío. Desde hace más de 12 años he estado trabajando en él. La idea nació con la intención de hacer una película comercial, pero con propuesta, con onda. Eso fue hace 12 años, y desde entonces dije, bueno, ¿comercial, pero cómo? Pues comedia romántica. Y entonces inmediatamente pensé en Ludwika Paleta, que es mi amiga y con quien hemos trabajado juntos y nos conocemos muy bien. Así que ella fue la primera persona a la que le hablé, y desde entonces me ha estado acompañando en este proceso. En un principio solo iba a actuar y producir, pero las cosas se fueron acomodando y en algún momento asumí la responsabilidad de escribir el guion. Eventualmente, cuando llegué a un guion que me satisfacía y cumplía con la expectativa de hacer una película, una comedia romántica

muy accesible pero con chispa, decidí dirigirla yo mismo. Así que empezamos a avanzar hacia la filmación de la película, poco a poco, a lo largo de los años.Así fue, resumiendo, porque pasaron muchas cosas en esos 12 años, pero es una inquietud mía como espectador, ver un cine mexicano comercial accesible pero con propuesta, con alma le llamo yo.

Después de tantos años en planear, ¿cómo te sentiste al momento de filmar?

Fui muy exigente. Trabajé muchos años primero en escribir el guion, así que conocía muy bien el universo y los personajes. Antes de filmar, hice un trabajo minucioso y disciplinado sobre cómo quería filmar la película. Llegué al set con todo planeado: dónde estaría la cámara y cómo serían los movimientos. Trabajé con el fotógrafo Juan Hernández, quien colaboró mucho en esa visión. Al

FOTO VIDEOCINE

escribir la escena y ser una persona muy visual, la película ya se estaba formando en mi cabeza. Además, me rodeé de actores talentosos que no necesitaban mucha dirección, lo cual facilitó el proceso. Fue cuestión de ponernos en sintonía y entrar todos en el mismo tono.

Filmar una boda durante seis semanas de filmación, de las cuales cuatro o cinco fueron para la boda, requirió un trabajo muy organizado. Tanto el asistente de dirección como el diseñador de producción tuvieron que trabajar muy bien para tener todo listo.

También, por cómo avanza la historia, teníamos que mantener un cierto orden cronológico, ya que todo empieza muy ordenado y termina hecho un desmadre.

Uno de los personajes más divertidos es el de Marcela Guirado, quien es tu ex.

Sí, Marce es increíble, una gran actriz. Creo que fue uno de los personajes que más se apegan a lo que visualicé. Ella le dio una vuelta muy interesante y logró aterrizar. En vez de ser una caricatura, es algo más progresivo.

Y ya que dirigiste, ¿lo volverías a hacer?

Yo había dirigido videoclips y comerciales hace muchos años, desde niño siempre he querido ser director. Antes de ser actor, jugaba a ser director, hacía mis películas con mis amigos en mi casa y siempre ha sido ese animalito de querer dirigir.

No dudo que vuelva a pasar, ya hay planes de otros proyectos en marcha. Para mí, la inquietud es seguir generando contenido comercial, accesible y fresco. A veces dirigiré, a veces solo produciré o actuaré. Lo importante es seguir creando. Estoy muy satisfecho con el trabajo. Estoy agradecido y feliz de haber realizado este proyecto con todo el equipo.

El reparto se complementa con talentos como Marcela Guirado, Fernando Rebeil, Ricardo Polanco y Daniel Tovar.

NOCHE DE BODAS

Distribución: Videocine

RAÚL BRIONES SE METE HASTA EL FONDO EN LA COCINA

El actor comparte su experiencia en la edición 74 del Festival Internacional de Cine de Berlín (Berlinale), donde presentó La cocina , la nueva película del director mexicano Alonso Ruizpalacios. En este filme, Briones interpreta a Pedro, un inmigrante que trabaja en la cocina de un lujoso restaurante en Nueva York y establece una sólida colaboración con Julia (Rooney Mara). Esta cinta es una adaptación de The Kitchen , una destacada obra teatral de Arnold Wesker.

por CARLOS MORA

La Cocina fue una obra de teatro que hiciste con Alonso hace algunos años, ¿Cómo te sientes al volver a trabajar con él?

Crecer no es fácil. Creo que estamos en una crisis humanitaria en todos los sentidos y constantemente debemos revisar dónde estamos en términos humanos. Y esta industria puede ser muy engañosa en ese aspecto, porque te encasilla muy rápido con la oferta de éxito, fama o prestigio, olvidando rápidamente el origen, las primeras preguntas o la energía que nos motivó a ser artistas.

Alonso y yo hemos estado involucrados en proyectos que nos han planteado grandes preguntas sobre la vida y el arte. Y La cocina no es la excepción. Para mí, esta película representa el cierre de un proceso vital, no solo artístico, sino también personal, terapéutico y espiritual. Entonces, tiene una importancia personal distinta debido a la relación que hemos desarrollado Alonso y yo. No es algo que tengamos conscientemente, más bien ha sido un descubrimiento. Llevamos casi 15 años trabajando juntos, en los cuales hemos participado en 10 proyectos distintos, tanto en teatro como en cine.

Alonso es ese amigo que se convierte en tu espejo y que crece contigo, te muestra dónde has crecido y dónde te has estancado, y dónde aún puedes seguir creciendo. Es una relación muy enriquecedora.

Es una película hablada principalmente en inglés. ¿Cómo te sentiste?

Fue horrible, (risas), fue muy estresante porque yo y el inglés no nos llevábamos bien, ahora ya le perdí ese miedo.Tenía cierto miedo irracional debido a mis traumas. Pero mis traumas no son infundados, vivimos en un país donde la educación pública carece de una educación bilingüe, lo cual está relacionado con el estatus social y el aspiracionismo que prevalece. Dominar el inglés en México tiene un contexto político y sociocultural diferente al de otros países. Fue aterrador, pero también fue una experiencia de crecimiento y aprendizaje. Ahora puedo hablar inglés y he madurado mucho en la industria cinematográfica.

La película trata sobre la migración, ocurrida en los noventa, cuando muchos mexicanos emigraron debido al sueño americano.

Ahora que grabaste en inglés, ¿piensas hacer más cine americano?

No niego las oportunidades, pero también entiendo que soy un actor mexicano con una postura similar a la de Ricardo Darín en el cine argentino. Si me invitan, iré, pero con condiciones que me permitan sentirme cómodo y en paz. No me interesa desesperadamente aprovechar oportunidades.

La clase obrera, de la cual vengo, no se siente atraída por ese cuento. Aunque Hollywood puede ofrecer fama y éxito, no es un referente para mí. Prefiero tener una vida cómoda, contribuir a mi familia y a mi comunidad, y seguir haciendo cine con mensajes importantes.

¿Qué tal fue la recepción de la película en la Berlinale?

Creo que la película fue bien recibida. Generó un impacto en el público alemán y les hizo reflexionar sobre temas importantes. La película es incómoda y desafiante, pero creo que es necesario abordar estos temas desde distintos ángulos.

La cocina es una película que invita a la reflexión sobre nuestra identidad, nuestras fronteras y nuestras responsabilidades como individuos y como sociedad. Recibí comentarios positivos sobre mi actuación y sobre la dirección de Alonso. La gente apreció la autenticidad y la profundidad de la historia. Espero que la película tenga una buena acogida en otros festivales y que llegue a un público más amplio.

¡Qué bueno escuchar eso! ¿Cuáles son tus expectativas para el futuro de la película? ¿Y para tu carrera en general?

Espero que La Cocina tenga un impacto duradero y que inspire a otras personas a contar sus historias. Creo que el cine es una poderosa herramienta para la transformación social y cultural. Quiero seguir explorando nuevos géneros y desafíos como actor.

También estoy interesado en la producción y la dirección. Quiero seguir aprendiendo y creciendo como artista. Mi objetivo es seguir haciendo cine que tenga un impacto positivo en el mundo y que contribuya a crear un futuro más justo y equitativo para todos.

Me gustó ver que durante tu estancia en Berlín, mostraste apoyo a Palestina. ¿Qué te inspiró a hacerlo?

Hubiera deseado ver más apoyo a Palestina en el Festival de Berlín. La situación en Palestina es compleja y desesperada. Hay una desconexión entre lo que la sociedad demanda, que es un alto al fuego urgente, y las decisiones de los gobiernos. Mi postura ha evolucionado con el tiempo. Al principio, era más tolerante con Israel, pero conforme he visto los acontecimientos, mi postura se ha radicalizado.

Es hora de un alto al fuego inmediato y permanente, ya que la situación ha llegado a un punto crítico con miles de víctimas civiles. La guerra en Palestina es una tragedia humanitaria que debe detenerse. Levantar la voz sobre estas injusticias puede tener consecuencias, pero es necesario para promover la justicia y la paz.

FOTOS BERLINALE.DE

Mi amigo robot

ENTRAÑABLE FÁBULA SOBRE LAS RELACIONES AFECTIVAS

por FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO

EN SU MÁS RECIENTE TRABAJO, Pablo Berger (Blancanieves, Torremolinos 73, Abracadabra), incursiona en el terreno de la animación, adaptando Robot Dreams, obra publicada en 2007 y una de las novelas gráficas más exitosas de la escritora e ilustradora estadounidense Sara Varon. Ello lo lleva a alejarse de los terrenos de la fantasía oscura y la comedia más adulta que predominaba en sus trabajos previos, y adoptar un tono más familiar e infantil, exigido por la obra misma. Rebautizada en México como Mi amigo robot, la trama transcurre en la ciudad de Nueva York de los ochenta, la cual está habitada por animales que se ven y se comportan como seres humanos. Y se centra en un simpático perrito quien lleva una existencia pacífica y rutinaria, pero también muy solitaria. Al

cansarse de esto último, el personaje intenta acabar con ella no tratando de hacer nuevos amigos, sino literalmente construyendo uno, al adquirir un robot de compañía.

Tras armarlo y echarlo a andar, el autómata no solo demuestra ser muy amistoso, sino que además parece poseer una mente vivaz y curiosa, así como un ”alma” inocente y noble, similar a la de un menor de edad que apenas está descubriendo el mundo. Entre el can y el androide surge una amistad muy entrañable y divertida, pasando así muchos días juntos y felices. Hasta que en uno de esos días, tiene lugar un incidente inesperado que los obliga -contra su voluntad- a estar separados por unos meses.

En ese compás de espera durante el cual ambos ansían vol-

ver a reunirse, se echan de menos, y rememoran (sobre todo en sus sueños), tanto sus momentos felices como sus deseos de reencontrarse, pero también sus miedos y temores de que no ocurra así o de que las cosas tomen un rumbo diferente.

Los meses pasan, y durante ese tiempo muchas cosas le ocurren a la pareja protagónica, haciendo que las posibilidades de su esperado reencuentro sean cada vez más remotas, llevando al espectador a preguntarse si ello sucederá o no.

Empleando una animación de estilo tradicional, una trama presentada y narrada de modo sencillo, y sobre todo, sustituyendo los diálogos por diversas formas de comunicación no verbal; Berger elabora una fábula moderna cándida, tierna e incluso melancólica; donde el tema central son las relaciones afectivas, en todas sus formas y manifestaciones, reflexionando sobre su naturaleza mutable y a veces efímera.

Pero también concluye que, cuando algunas de esas relaciones son profundas y significativas, terminan por habitar permanentemente en nuestros recuerdos, quedándose guardadas allí, hasta que la visita a un lugar, un aroma determinado o incluso una canción basta para traerlos de vuelta al presente. Un largometraje entrañable y genuinamente cinematográfico.

MI

Rescate imposible: ¡acción al máximo!

El director y guionista William Eubank define la película como un relato sobre la amistad y la hermandad. La cinta cuenta con las actuaciones de Russell Crowe, Liam Hemsworth, Ricky Whittle y Milo Ventimiglia. Estos dos últimos visitaron la Ciudad de México para promover la película, que narra la historia de un equipo de la Fuerza Delta emboscado en territorio enemigo. En su primera misión de campo, un oficial (Hemsworth) se niega a abandonarlos. Su única esperanza radica en un piloto de drones de la Fuerza Aérea (Crowe), quien será los ojos en el cielo durante una brutal batalla de 48 horas por la supervivencia. Sin duda, un filme lleno de acción que te mantendrá al borde de la butaca.

Para el director Will Eubank, lo que hace diferente a Rescate Imposible de otras películas de guerra es que "se cuenta realmente desde el punto de vista de algunos operadores; trata realmente sobre hombres en el campo de batalla. Realmente se trata de ellos tomando ciertas decisiones y su interacción en el equipo", dice Eubank. Así, se trata de una hermandad entre soldados de la Fuerza Delta. "Al escribir la película, este vínculo se formó entre los personajes principales, atrapados en una situación imposible en un paisaje implacable. Cuando llegué al set en la Costa Dorada de Australia, descubrí que este lazo trascendía la página de dos maneras: se forjó entre los actores y era un valor fundamental del país en el que filmamos. Fue esta camaradería, desde la investigación y la escritura del guion con mi coescritor y productor David Frigerio, incluidas las historias que escuchamos de verdaderos y lo que experimenté en el set, lo que hizo de Rescate Imposible una experiencia inolvidable".

FOTO IMAGEM FILMS

RESCATE IMPOSIBLE

Distribución: Imagem Films

Sobre la filmación en la isla de Joló, al suroeste de Filipinas: "Oculto entre innumerables acres de exuberante vegetación tropical, volcanes extintos y aguas cristalinas corre una corriente de violencia. A lo largo de los siglos, ha sido un campo de batalla incontables veces entre países y grupos religiosos opuestos, con muchas vidas perdidas. Esta volatilidad se refleja en la formación misma de la isla, nacida de miles de años de placas tectónicas en movimiento. El terreno escarpado hace que la misión sea difícil, independientemente de la experiencia. ¿A dónde puedes correr, dónde puedes esconderte? Joló es un escenario apropiado en Rescate Imposible, un emocionante thriller de combate sobre las realidades de la guerra moderna", comentó el director

de Actividad Paranormal: Vínculos Familiares.

Sobre el filme protagonizado por los hermanos Hemsworth (Liam y Luke), dijo: "Espero que este lazo trascienda nuevamente la pantalla, ayudando a llevar a la audiencia en una aventura emocionante y llena de acción. Aunque estos personajes y esta película están llenos de realismo, no se basa en una historia real, lo que permite libertad creativa en cuanto a la trama. Fue importante rastrear el viaje emocional de Kinney, un joven oficial enfrentado repentinamente con una situación que lo cambiará. Rescate Imposible sigue a un joven soldado madurando a pasos agigantados y en su lugar como parte de un equipo de soldados. Al final, será un soldado experimentado", finalizó.

FOTOS

Milo Ventimiglia

Sargento MayorJohn ‘Sugar’Sweet

EL ACTOR, director y productor estadounidense mantenía estrechos lazos familiares con el tema de la película: su padre era veterano de la Guerra de Vietnam y él mismo estuvo a punto de enlistarse en la Marina; lo que hacía atractiva la autenticidad del proyecto y algo que deseaba emular. "Para mí, el aspecto técnico es como si estuviera interpretando a una bailarina y tuviera que aprender a bailar", dice. "Tienes que aprender a moverte y emular esa idea de un soldado, un soldado perfectamente entrenado".

"Los hombres con los que traté están en la comunidad de operaciones especiales, y hay un conocimiento de experiencia en el mundo que crea una calma, pero es casi como una calma, una tormenta violenta que, cuando se activa, siempre tendrán la ventaja... es todo un estudio humano y lo que hay detrás. Porque, ya sabes, puedes parecer, sentir y caminar el papel, pero si no tienes lo que está detrás, la audiencia nunca tendrá esa experiencia de 'Oh, es realmente esta persona'".

"Así que creo que para mí es simplemente conocer a las personas, conocerlas realmente y entender su perspectiva. Su perspectiva en términos de vida".

FOTOS CARLOS MORA

RICKY WHITTLE

Sargento Bishop

ORIGINARIO de Inglaterra, su compromiso con el realismo fue un impulso clave para unirse al proyecto, dado que su padre sirvió en la Royal Air Force y él creció en una base militar. "Él volaba helicópteros... Mi papá solía sobrevolar la casa por la noche en su helicóptero y dirigir un foco hacia el jardín. Uno de mis recuerdos más queridos es cuando éramos niños y corríamos para saludar al helicóptero. Puede que ni siquiera fuera él, pero el hecho de que diera instrucciones para que alguien sobrevolara la casa mientras estaba ausente, para dirigir una luz hacia el jardín, simplemente te hacía consciente de que siempre te estaba observando y siempre estaba presente incluso cuando no estaba físicamente. ¡Tiempos felices!" "Viajé muchas, muchas veces en helicóptero y avión. Así que, esta película realmente golpeó muy cerca de casa y fue muy divertido. Básicamente".

FOTOS CARLOS MORA

EL CARRETÓN DEL DESIERTO,

UN VIAJE DE AMOR A TRAVÉS DEL TEATRO

El productor y documentalista Jorge Prior nos presenta la conmovedora y admirable historia de Kasia, Jaime y la familia Nudo. A través de sus testimonios y las mágicas intervenciones de sus títeres, nos sumergimos en su vida. Este par de artistas, oriundos de Polonia y España, se aventuran por el desierto de San Luis Potosí, Durango, Zacatecas y Coahuila. Viajan para llevar espectáculos de títeres a las rancherías más remotas, deleitando a niñas, niños, jóvenes y adultos de diversas comunidades. Para ellos, es un sueño apostar por una vida dedicada al teatro, autónoma y autogestiva.

por CARLOS MORA

Qué bonita historia, ¿cómo encontraste a esta pareja de artistas?

Bueno, hace algunos años leí un pequeño reportaje en un periódico de Zacatecas. A partir de eso, me dediqué a buscar a Kasia y Jaime. En ese entonces era difícil conectarse con ellos porque en muy pocas rancherías o pueblos había internet. Eso ha cambiado un poco. Pero en ese entonces, tardé unos tres meses en poder comunicarme con ellos. Finalmente, les dije que quería conocerlos y visitarlos. Organicé un pequeño equipo compuesto por un fotógrafo, un sonidista y un asistente. Los cuatro nos fuimos, casi nueve horas de carretera, y los encontré. A partir de ahí, comenzó esta aventura y nos volvimos amigos. Fue una experiencia maravillosa, pude conocer mejor no solo a ellos, sino también a sus títeres, porque los títeres también cuentan su propia historia.

En este país, al menos para todos, yo creo, hay muchas historias pequeñas y ocultas que luego pasan desapercibidas, y que, si te enfocas en ellas, pueden ser extraordinarias. Por ejemplo, ahora hay una gran tendencia en los documentales que hablan sobre esta cruda realidad que estamos viviendo, de desaparecidos, violencia y demás, y está bien, pero también queremos mostrar la otra cara de México, la que nos gustaría que estuviera por todos lados, que nos gustaría que fuera mucho más viva, que hubiera más gente así, comprometida.

La historia de estos dos artistas nómadas es muy interesante.

Claro, lo más extraordinario es que es una polaca y un español, unos migrantes artistas que llegan a este país y nos dan un ejemplo de lo que es el arte y la cultura. Tienen una labor extraordinaria. Llevan más de 10 años en México y aquí siguen.

Para mí, es fundamental mostrar otras historias. Muchos lo ven como un documental ligero, pero solo cuando lo ven completo nota el valor que tiene. Además, nos cuestiona nuestros modos de vida, nuestros

modos de relacionarnos con las cosas más sencillas. Y eso me parece muy valioso. También es importante contar historias, soñar y vivir de otra manera. Todo eso es realmente una aventura narrativa maravillosa.

Viven en el Bajío, entre Zacatecas, Durango y otros lugares, y no temen a la violencia.

No, nunca los han tocado, nunca los han agredido. Creo que las comunidades los han acogido un poco. Al principio, desconfiaban de ellos, pensaban que tal vez eran secuestradores. Pero con el tiempo, los talleres de arte que imparten estos artistas los han vinculado con la comunidad, y creo que las comunidades los han protegido. Incluso la Secretaría de Cultura de Zacatecas ya los contrató para impartir unos talleres y han conseguido algunas funciones. De todos modos, son realmente pobres, viven al día, y ahora son tres. Hay un niño que nació hace dos años y medio, se llama Antón, y anda con ellos. Pero ya se consideran mexicanos junto con su pequeño hijo que nació en este país. Él tiene nacionalidad polaca, española y mexicana.

¿Cómo ves el documental también en México?

Bueno, creo que se hacen muchos documentales. Está el festival Ambulante, que muestra una forma de consumir más documentales. Creo que hay una gran variedad y para todos los gustos. Los documentales han ganado terreno porque hace tiempo nadie los veía y ahora creo que se ven un poco más. Tengo otros documentales que se siguen viendo y me los siguen pidiendo y siguen circulando a pesar de todo. A pesar de que se hicieron hace cinco o seis años, el documental está vigente. Esperamos que siga, esperamos que haya variedad de temas y, sobre todo, que sean importantes. Algo que me importa mucho del documental es que no debe ser un ensayo, debe ser una cuestión dramática. Tiene que tener elementos narrativos atractivos, buena música, buena imagen.

EL CARRETÓN DEL DESIERTO Distribución: Cinenauta

El carretón del desierto, UN DOCUMENTAL QUE APELA A LA IMAGINACIÓN

por

ALEJANDRA LOMELÍ

EL CARRETÓN

DEL DESIERTO

Distribución: Cinenauta

CONTAR HISTORIAS, despertar la imaginación, vivir en libertad y dedicarse al arte son los ejes que guían la vida de Kasia y Jaime, creadores de un singular teatro ambulante que recorre distintas comunidades rurales de San Luis Potosí y Zacatecas, cuya vida y vocación es relatada en El carretón del desierto, documental dirigido por Jorge Prior.

El largometraje narra la historia de la compañía “El carretón del desierto”, conformada por Kasia, una polaca, y Jaime, un español, quienes decidieron llevar una vida peculiar. Empezaron caminando largas distancias por el desierto, acompañados de unos títeres que cargaban en su mochila, ofreciendo obras de teatro de rancho en rancho. Construyeron “el carretón” que se convirtió en teatrino, transporte, cama y refugio ambulante. Se aparecen en sitios inhóspitos, en donde nunca se ha presentado un espectáculo. Niños, niñas y adultos se quedan atónitos ante su inesperada presencia. Son nómadas contemporáneos, viviendo y transportándose como si fueran de otra época.

Echando mano de los testimonios de Kasia y Jaime, in -

tervenciones de los propios títeres que relatan cómo fueron creados y su papel dentro de la compañía, así como breves entrevistas a los niños que asisten a sus talleres de expresión física y a vecinos de La Presa, comunidad que eligieron como su hogar, Jorge Prior se adentra en la identidad de sus protagonistas en una historia que pone en relieve el amor por el arte sobre todas las cosas, sirviendo al mismo tiempo como un testimonio de libertad a través de la creación, mientras nos deja reflexionando sobre la importante labor cultural que realizan, sin recibir apoyo de instancias gubernamentales.

A pesar de su estilo casi etnográfico, el director consigue realizar escenas poéticas en las que son los títeres, en medio de ambientes áridos, entre rocas y vegetación, quienes relatan fragmentos de la vida de esta pareja de artistas y enamorados, consiguiendo un largometraje documental inventivo y creativo que hace honor a la pasión de sus protagonistas. Un documental muy disfrutable que apela en todo momento a la imaginación.

mírame: Terror a la mexicana

Se estrena la ópera prima del cineasta mexicano Pavel Cantú, combina el thriller con elementos clásicos del cine de terror.

Dónde ver: Centro Cultural de las Artes

Con un elenco formado por Axel Alpuche, Regina Reynoso, Dario T. Pie y Leticia Huijara, Mírame nos presenta la historia de Lalo (interpretado por Axel Alpuche), un joven atormentado por la pérdida de su padre. Al ponerse el reloj de su progenitor, comienza a ser acosado por el fantasma de una chica. En la escuela del protagonista, una alumna desaparece, y él sospecha que existe una conexión entre la desaparición y los fenómenos paranormales que lo acosan. Junto a su nueva amiga Rana (Regina Reynoso), Lalo se embarca en una investigación para descubrir lo que está sucediendo. Se manifiestan señales y fenómenos sobrenaturales de manera amenazante en la escuela, su nueva casa y los tétricos canales alrededor de la ciudad. Lalo debe enfrentarse al fantasma que lo persigue para desentrañar el misterio y evitar ser arrastrado por ese escalofriante espíritu.

¿Cómo nace la idea de contar esta película?

Para mí, la eterna pregunta de qué hay después de la muerte siempre ha sido un punto crucial en esta narrativa del género que me ha fascinado. Mírame es, en cierto sentido, un reflejo del personaje y sus deseos. Busqué crear un equilibrio en una película más profunda, más interna para el personaje, sin caer en los clichés habituales del género. Quería transmitir al espectador la pregunta de qué harías tú en una situación así, cómo resolverías una señal o evento de este tipo. Ese fue el origen de mi interés por la historia.

¿Por qué escoger Xochimilco como locación?

Cuando concebí la historia hace más de 10 años, originalmente iba a ser en un entorno urbano más típico, en una zona céntrica de la ciudad. Sin embargo, conforme desarrollaba el personaje de Lalo y las circunstancias que lo rodeaban, como la muerte de su padre y

su obligación de vivir con una abuela distante (Leticia Huijara), sentí la necesidad de aislarlo visualmente. Comencé a explorar opciones alrededor de la Ciudad de México. Quería evitar los clichés, y fue entonces cuando consideré Xochimilco como locación. Hay algo místico, visualmente impactante y espeluznante en ese lugar que rara vez se muestra más allá de las trajineras y la parte comercial.

¿cómo fue tu encuentro con Leticia Huijara?

Leticia fue un gran hallazgo para el proyecto, al igual que los otros actores. Para mí, ella se convirtió en un pilar importante en términos de profesionalismo y seriedad ante la industria. Fue un honor trabajar con ella, aunque admito que también fue un poco intimidante trabajar con alguien tan experimentado. Sin embargo, su profesionalismo y la química que tuvimos en el set fueron excelentes. Ella logró el equilibrio perfecto que estaba buscando para el personaje de la abuela. No quería un cliché, sino una figura fuerte y hermética, y ella lo logró perfectamente.

Por último, ¿cómo ves la evolución de la industria del género en México?

México es un país muy místico y religioso, lo que contribuye a una búsqueda constante de lo que hay más allá. Creo que el género del horror siempre será interesante porque explora un instinto primario en los seres humanos. Sin embargo, es importante evitar caer en los clichés. En , quería dejar una semilla en la película que invita al espectador a reflexionar sobre los eventos que ocurren y por qué suceden, evitando así los tropos predecibles del género. Es alentador ver cómo México está explorando con nuevos directores y nuevas historias en este género.

• Carlos Mora

Dupeyrón

"En Señorita 89, descubrí el significado de la sororidad"

La segunda temporada de la serie, producida por los hermanos Larraín y creada por Lucía Puenzo, llega con fuerza. En entrevista con la Revista Cameo, Natasha Dupeyrón, protagonista, habla sobre esta producción que nos transporta al México de 1990, una nueva década que promete cambios.

El destino del certamen de belleza más popular del país pende de un hilo mientras las principales cadenas de televisión se disputan por imponer a su reina. Ahora, se ven obligados a romper estereotipos y superar privilegios para sobrevivir, buscando alianzas improbables.

por CARLOS MORA

¿Cómo te sientes?

Muy feliz. Si con la primera temportada estaba feliz, ahora que mi personaje crece en esta nueva y los temas que toca, estos guiones, las mujeres con las que compartí en esta serie. Uf, estoy muy feliz.

¿Qué vamos a ver para esta segunda temporada?

Esta segunda habla de las televisoras en México, de la imposición de belleza en los años 90. A mí me toca hacer ese personaje, esta imposición que en realidad representa a la minoría en México. Y fue duro hacer ese personaje y verme ahí expuesta, pero fue buenísimo al mismo tiempo. Y habla de eso, habla de las televisoras, de cómo funcionan los medios de comunicación, de cómo la gente se educa por medio de las novelas, de la televisión, de los programas, de cómo las mujeres cuando se juntan y se protegen todo triunfa.

¿Cómo fue preparar a tu personaje, Isabel Ross, Miss Yucatán?

Desde la primera temporada, empezando por lo físico, porque me metí a ver cómo eran los cuerpos en los años 80, me puse a entrenar, aprender a caminar como una miss de esa época, la forma de hablar de Yucatán, investigar más de ese tiempo, y luego me di cuenta que dije, ¿para qué estoy estudiando los noventa si seguimos teniendo la misma actitud y las mismas ideas? Me lo hubiera podido ahorrar, solo es un poco más triste.

Estuve cobijada y acompañada de personas increíbles como mis directores, Lucía Puenzo, Nicolás Puenzo, Jimena Montemayor y Silvia Cuir, y todo el elenco. Aprendí mucho de todos ellos y lo disfruté mucho, estoy segura que hicimos una serie muy bella.

¿Qué les aportó la primera temporada a todas las actrices?

Todas aprendimos mucho en esta serie. Creo que cambiamos nuestra forma de pensar y nos volvimos más sororas, creo que a la gente que vio la serie también le pasó lo mismo y espero que con esta segunda temporada se reafirme este pensamiento de dejar de imponer la belleza y cierto tipo de cuerpos. Estamos buscando libertad.

Seguimos clasificándose y reduciéndose a un número y compitiendo entre nosotras porque al final es una competencia, los concursos no son una fiesta de mujeres, al final es una competencia entre nosotras y no le veo el punto a eso, justo estamos tratando de cuidarnos y lo único que nos hacen hacer es seguir compitiendo. Siguen siendo concursos hechos de hombres para hombres. Eso para mí no tiene sentido.

SEÑORITA 89

Dónde ver: Universal+

¿Cómo fue trabajar en un crew donde la mayoría son mujeres?

En la primera temporada estaba súper asustada porque yo crecí con la idea de que trabajar con mujeres y que varias mujeres juntas no se pueden llevar y que iba a ser un drama y que iba a haber problemas. En el primer día de llamado me di cuenta que esta idea es una idea machista y que entre mujeres nos podemos llevar cabronísimo. Entonces lo disfruté muchísimo y esta segunda temporada lo disfruté más. También aprendí qué es la sororidad en esta serie, trabajar con mujeres, en mi experiencia, es de las mejores cosas que me han pasado.

¿Qué tan difícil es romper ese cliché de que las mujeres juntas no pueden trabajar?

Pues es así de sencillo como entender que es una imposición, es una idea de hombres para separarnos y que no somos competencia. Creo que eso es lo más importante y con lo que crecimos todas en México, pensando que somos competencia y que en competencia en todos los sentidos, desde físico hasta que nos podemos robar a nuestra pareja porque crecimos pensando que los hombres no se pueden controlar cuando en realidad son responsables de sus actitudes.

Entonces, cuando te das cuenta que no somos competencia, que somos sororas y que podemos cuidarnos entre nosotras, nos podemos avalar alrededor del fuego y entonces todo se

vuelve una fiesta y todo se vuelve empoderamiento y entonces no hay quien te acose en tu trabajo, ni en el transporte público, ni en las escuelas. Creo que esa idea está empezando a ser cada vez más poderosa. Ya está sembrada y lo vemos el 8 de marzo como todas nos juntamos y como ya ni siquiera se puede caminar por todas las que somos. Pero esa idea ya se está llevando también a nuestros espacios más reducidos y es importantísimo.

¿Cómo ves actualmente el concurso de Miss Universo?

Veo que siguen calificando el cuerpo de las mujeres. Veo que siguen imponiéndose cierto tipo de bellezas, no importa cuánto, o sea, no importa el peso ni el color de piel, siguen imponiendo. Y nosotras como espectadoras, seguimos pensando cómo puedo hacer para verme así. Entonces yo sigo sin estar de acuerdo, no entiendo el punto de clasificarnos. No lo entiendo, por más que quieran incluir a más mujeres transexuales o abrirlo a más tipos de mujeres, al final se sigue haciendo lo mismo.

¿Cómo te sientes que ahora Señorita 89 llega a Universal+?

Muy bien, lo importante es que se vea. Y si todavía está en una plataforma donde tiene gran contenido y puede llegar lejos, mejor aún. Que haya plataformas que se atrevan a tocar este tipo de temas también es importantísimo.

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SERIES

"LA BELLEZA VA MÁS ALLÁ DE LO FÍSICO"

Leidi

El destino del certamen de belleza más popular del país pende de un hilo, mientras las principales cadenas de televisión se disputan por imponer a su reina. Ésta es la premisa de la segunda temporada de Señorita 89 creada por Lucía Puenzo. En entrevista con la Revista Cameo, Leidi Gutiérrez, protagonista, cuenta su experiencia de trabajar en la producción de los hermanos Pablo y Juan de Dios Larraín.

por CARLOS MORA

Gutiérrez

¿Qué vamos a ver en esta nueva temporada?

Se vienen cosas muy emocionantes, ha dado un giro totalmente diferente. Aunque sigue estando muy presente el certamen y la corona, todas esas emociones que nos dejó la temporada uno, en la nueva temporada vamos a quedar un poco más impactados con todo lo que va a pasar.

¿Cómo te sientes de trabajar con este grupo de mujeres talentosas (Ilse Salas, Natasha Dupeyrón, Dolores Heredia, Yoshira Escárrega...)?

Fue una emoción muy grande. La verdad es que todas mis compañeras son personas increíbles. Son muy generosas tanto como personas como en su trabajo. Realmente quería volver a trabajar a su lado.

¿Y cómo te sientes al tener un papel más importante en la nueva temporada?

Al principio estaba muy asustada, durante las discusiones, con los guiones, durante el rodaje. Fue un honor ser uno de los personajes principales de esta segunda temporada. Me siento muy honrada y espero sinceramente que les guste. Jocelyn es un personaje completamente diferente.

¿Cuál es tu evolución de la primera a la segunda temporada?

Creo que en la primera temporada, Josie era un personaje que adoraba. Me identificaba mucho con ella porque la fuerza que mostraba al buscar a su hermana y proteger a su familia en general es algo que veo reflejado en mi vida cotidiana. Vivo en Tijuana y mi entorno social es muy diferente al del resto del país. No digo que sea mejor o peor, simplemente es diferente. Creo que la oportunidad de mostrar que hay personas que están en constante búsqueda y que luchan por salir de estas situaciones es algo importante.

Siempre ha habido debate sobre si deberían existir o no estos concursos de belleza. ¿Cuál es tu opinión?

Bueno, lo que puedo decir sobre los certámenes de belleza, es que las participantes merecen todo mi respeto, porque realmente es impresionante aguantar tantas horas en tacones. Lo experimenté durante las grabaciones y de verdad, el respeto que tengo por ellas es enorme. Mantenerse en esas dietas, hacer ejercicio y todo lo demás que implica el aspecto físico, creo que las respeto mucho por eso. Desde mi punto de vista, no considero que sean algo necesario. Creo que la belleza radica más en la persona misma, en su interior, más que en su aspecto físico. No debería haber un evento donde una persona se siente y decida quién es bella y quién no, o quién es la más bella del mundo. La belleza va mucho

más allá. Pero también comprendo que a algunas chicas les guste participar. En resumen, creo que no deberían existir, pero existen.

Eres una madre joven que trabaja y vive en Tijuana, ¿cómo equilibras estas actividades y, al mismo tiempo, persigues tu sueño de actuar?

Mi madre siempre me dice que si las cosas son para ti, todo se acomodará. Mi bebé llegó justo después de terminar la película Chicuarotes. Era muy joven, tenía 21 años, pero ahora veo que llegó en el momento perfecto. Probablemente no habría tenido hijos en otro momento, y esta fue la oportunidad ideal. Además, ser madre soltera significa que he tenido que hacer malabares con mi bebé. Mi hermana ha sido mi principal apoyo. Cuando viajo a Ciudad de México para trabajar, a veces ella me acompaña en el set.

¿Cómo eliges tus proyectos o qué debe tener un personaje para que digas "sí"?

Creo que esto ha ido cambiando con los años. Empecé con la película Las Elegidas, que tuvo un impacto enorme. El hecho de vivir toda la experiencia del cine independiente y haber ido a Cannes con Las Elegidas y Chicuarotes me hizo darme cuenta de lo emocionante que es este mundo. Aunque no estudié para ser actriz, siento que es mi manera de contribuir. Si alguien está viendo una serie o una película en la que participé y reflexiona sobre lo que ve, creo que he cumplido mi objetivo. Los personajes que he interpretado me han enseñado mucho.

Por ejemplo, en la segunda temporada de Señorita 89, a Jocelyn le tuve que aprender nuevas habilidades. Me encanta este tipo de proyectos, aunque no siempre los

SEÑORITA 89

Dónde ver: Universal+

elijo, parece que ellos me eligen a mí para darles vida. Uno de los proyectos que más me ha gustado fue la miniserie llamada No fue mi culpa, fue realmente buena en todos los sentidos.

Justo este mes de marzo hay proyectos como No fue mi culpa y Señorita 89, que abordan la violencia contra la mujer. ¿Qué opinas de estos proyectos?

Creo que durante mucho tiempo se guardó silencio sobre muchas cosas, pero ahora ha habido una transformación. Es importante que se hable de estos temas. Proyectos como las series No fue mi culpa y Señorita 89 son necesarios para despertar conciencias y concientizar sobre lo que sucede a nuestro alrededor. Es vital que la gente sepa lo que ocurre cerca de ellos, ya sea aquí, en la casa del vecino o en el otro lado del mundo. Estos proyectos son necesarios, es la palabra perfecta.

Hay muchas actrices que están alzando la voz cada vez más contra la violencia hacia la mujer. ¿Qué piensas al respecto?

Creo que es importante que personas con visibilidad como nosotras hablemos sobre estos temas. Aunque quizás no me involucro en todos los temas o no hablo sobre todos ellos, estoy presente y mi trabajo habla por mí. La sororidad entre mujeres y el apoyo de nuestros colegas nos ha unido.

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Ester Expósito, Alfonso Dosal, Juan Pablo Medina, Mabel Cadena, Andrea Chaparro, Juan Pablo Fuentes, Andrés Baida y Nicolás Furtado llegaron para presentar Bandidos. La producción de Netflix se verá en 190 países y promete ser pionera al ser la primera serie de aventuras hecha en México.

por CARLOS MORA

¡LISTOS PARA LA AVENTURA!

En la conferencia de prensa, el elenco platicó sobre la nueva producción de Netflix, Bandidos, que narra la historia de una banda de astutos estafadores que se aventuran en la búsqueda de un tesoro Maya nunca antes visto. ¿Su estrategia? Inexistente. ¿Su dinámica? Cuestionable. Afortunadamente, son muy ingeniosos. Se trata de una emocionante serie protagonizada por Ester Expósito, Alfonso Dosal y Juan Pablo Medina.

Ester, ¿Cómo te sentiste de salir de tu zona de confort?

Fue muy divertido. En primer lugar, los compañeros fueron muy amables conmigo, lo disfruté mucho. La verdad es que la historia es una de las cosas que más me atrajo del proyecto, además de las maravillosas personas que conocimos. Sin embargo, sí, salir de mi zona de confort, especialmente en el género de comedia, fue un desafío al que no estoy acostumbrada. Creo que el personaje (Lilí), aunque la gente lo percibe como alguien que oscila entre la felicidad y el mal humor, tiene su gracia, pero lo disfruté mucho. Lo que sí fue más difícil fueron las condiciones climáticas, el calor era terrible. Nunca había experimentado tanto

calor en Mérida como durante este rodaje. A pesar de eso, tengo gratitud y motivación, y creo que estas circunstancias nos hacen más fuertes.

Mabel ¿Cuéntanos sobre tu personaje?

Lo que amo de mi personaje (Inés) es su gran pasión por hacer las cosas bien, incluso en un sistema y en un momento complicado. Creo que es un símbolo de la lucha interna que tendrá que enfrentar con todo lo que trata de ocultar. Si no te sorprende en la naturaleza, te dejará viviendo en la duda y la intimidación.

Alfonso, tu personaje Miguel es un líder, ¿qué opinas?

Me encargo de organizar los desayunos, las comidas y el ejercicio del grupo. Todos los demás se encargan de lo suyo. El gran éxito de Miguel radica en su habilidad para reunir a un equipo de personas capaces y divertidas. Esa es su verdadera habilidad, reunir personas. Aunque creo que lo más destacado de Miguel es fundar un equipo increíble con todo lo que necesitamos. Miguel puede que no tenga una idea clara de hacia dónde nos dirigimos, pero sabe cómo liderar de manera contundente.

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Juan Pablo Fuentes, ¿qué aprendiste de tu personaje?

Lucas es un adolescente brillante, especialmente en todo lo relacionado con la tecnología y la computación. Él aporta al grupo de manera confesional. Está pasando por un proceso de crecimiento, maduración y autoconocimiento, y esta aventura lo saca completamente de su zona de confort. Me encanta cómo esta experiencia lo está transformando, incluso cuando parece que todo está en su contra.

Andrea, ¿cómo te preparaste para tu personaje?

¡Oh, fue una experiencia maravillosa! Siempre he amado el agua y el buceo ha estado en mi lista de deseos por un tiempo. Fue emocionante tener la oportunidad de aprender algo nuevo, aunque admito que al principio me sentí un poco torpe. Siempre dicen que un actor nunca deja de aprender, y creo que es cierto. Las clases de buceo, el entrenamiento físico... todo contribuyó a mi preparación para el personaje (Citlali). Estoy muy contenta de haber podido hacer mis propias acrobacias.

Juan Pablo Medina, ¿qué opinas de este gran elenco?

Conocía a muchos de mis compañeros de antes, solo había trabajado con Andrea. Conocer a Nicolás Furtado, a Ester Expósito, a Andrés Baida, fue una gran sorpresa y un verdadero placer. Siempre me maravilla la oportunidad de trabajar en proyectos como este y conocer gente nueva. Estar en un lugar tan mágico como el que tuvimos para filmar fue una experiencia preciosa. Además, ser parte de un proyecto innovador como este, algo que no se ha explorado en México antes, es fantástico e increíble. Estoy realmente emocionado y me pareció una experiencia increíble.

Mientras la gente siga viendo LOL, seguiremos produciendo más temporadas: Eugenio Derbez

SERIES

Amazon Prime Video estrena la sexta temporada de LOL: Last One Laughing.

En la conferencia de prensa, se presentó al nuevo elenco en el que predominan influencers. "Es genial tener diferentes estilos de comedia en un solo show", comentó Derbez. Destaca la participación del ganador de la quinta edición, El Capi Pérez.

por CARLOS MORA

Eugenio, ¿qué crees que ha hecho de LOL México un éxito?

Yo creo que son dos cosas. Primero, estamos descubriendo nuevos talentos y les estamos dando una plataforma. Uno de estos talentos no es tan nuevo como El Macaco, pero estamos brindando oportunidades a toda esa gente que está empezando en la comedia.

Y segundo, en un mundo donde todo está políticamente incorrecto y parece que tienes que pisar con cuidado, LOL es como un oasis donde sabes que puedes decir y hacer lo que quieras, y la gente se va a divertir.

Capi, ya eres un veterano de LOL. ¿Por qué decidiste regresar en la temporada 6?

Cuando Eugenio, a quien siempre le he dicho que es uno de mis ídolos, te llama para ser parte de esta nueva temporada, no hay forma de que puedas decir que no. Además, esta temporada, a diferencia de otros formatos y de varios compañeros, no me causa tanto estrés. Trabajo en televisión abierta, y eso sí que puede ser estresante. Para mí, esto es más como unas vacaciones que disfruto mucho.

Eugenio, ¿cómo nació LOL?

El concepto nació en Japón con un comediante muy icónico llamado Hitoshi Matsumoto. El programa en Japón se llama Documental, porque él estaba seguro de que la necesidad de hacer reír es tan grande que puede volver locos a muchos. Y créanme, no es una broma. Pero lo que hemos experimentado, lo que he notado con todos, es que cuando salen del set, salen un poco traumatizados.

El elenco de la temporada 6 de LOL: Last One Laughing está compuesto por Mario Aguilar, Isaac Salame, Sujin Kim (La Chinguamiga), María Chacón, Alex Flores, El Macaco, Juan Bertheau, Grecia Castillo, Ricardo Polanco y Lapizito

FOTOS CARLOS MORA

Se olvidan de lo que hicieron y empiezan a pensar que fue lo peor que han hecho en su vida. Luego salen y cambian de opinión. Esto es un poco traumático, debo decirlo, pero es la experiencia de estar encerrado durante seis horas tratando de hacer reír a la gente.

Capi, ¿cuál es tu momento más orgulloso y traumático?

Todavía no puedo superar el hecho de que una vez le lamí la cara a Coco Celis. Además, lo que me traumatizó fue perder las dos primeras veces que participé. Me reí de mis propias estupideces, y creo que esto también refleja cómo ha evolucionado el formato. Al principio, todos estaban a la defensiva, pero en la última temporada, todos fueron más ofensivos con sus chistes. Entré más ofensivo en la última temporada, lo que provocó mis momentos más orgullosos, como cuando interpreté a la tortuga niña. Es importante seguir proponiendo y divertirse, porque nunca sabes cuál será el momento que se quedará grabado en el corazón del público.

Eugenio, ¿qué se necesita para estar en LOL?

Creo que voy a decir algo un poco paradójico, pero es la verdad. Para triunfar en LOL, tienes que entrar sin querer ganar. Ese es el secreto. Nos ha pasado en casi todas las temporadas. Cuando entras tratando de ganar, terminas defendiéndote y eso no hace reír a la audiencia. Es más, a veces la gente prefiere al que hizo los chistes sobre el que ganó. Mucha gente que ha ganado se ha preguntado por qué reciben críticas, y es porque el público

quería al que se arriesgó y propuso más, incluso si perdió. Es más importante entrar a divertirse que a ganar.

Capi, ¿qué descubriste al trabajar tan estrechamente con Eugenio?

Eugenio es uno de mis ídolos, de mis héroes desde que era niño. Cualquier proyecto en el que esté despierta una gran ilusión en mí. Antes lo admiraba porque me hacía reír, pero ahora lo admiro también como ser humano, por su dedicación a hacer reír a la gente. Ahora lo admiro porque me inspira en todo lo que hace.

Eugenio, ¿hasta cuándo piensas hacer LOL?

Aquí está el elenco de la temporada número seis y mientras la gente siga viéndolo, seguiremos haciendo nuevas temporadas. Ha sido un reto mantener el elenco, ya que al principio había mucha desconfianza. Muchos me decían que les encantaría trabajar conmigo, pero que no podían en ese momento por miedo al formato. Entiendo que el ego a veces puede más, pero la verdad es que tantas temporadas como la gente quiera seguir viendo, las haremos.

Eugenio, ¿qué opinas del elenco de esta nueva temporada?

Tenemos gente de televisión que admiro y respeto profundamente, como el Capi y El Macaco, quienes han estado en la televisión toda su vida y aún así se animaron a participar en LOL. Además, combinamos con gente nueva, como standuperos, youtubers e influencers. Es genial tener diferentes estilos en un solo programa.

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FRANCISCA ARONSSON

Sueña con actuar en todo el mundo

La joven actriz peruana hace su debut en México en la serie La Lola, una producción de ViX+ protagonizada por Bárbara del Regil. Aronsson interpreta a Sol, una joven rebelde, de carácter fuerte y a veces desafiante, debido a las dificultades que ha enfrentado en la vida y los traumas que ha experimentado. Sin embargo, detrás de esa fachada, oculta una personalidad frágil.

POR CARLOS MORA

LA LOLA Dónde ver:

"NACÍ

en Suecia, mi papá es sueco y mi mamá es peruana, así que tengo familia en Perú y Suecia. Son dos países totalmente distintos en muchos aspectos, y desde los dos meses de nacida comencé a viajar con mis padres por sus trabajos. Me apoyan y me impulsan a confiar en mí, en mi talento y no me hacen dudar de quién soy ni de lo que soy capaz de hacer", platicó la actriz en entrevista exclusiva con la Revista Cameo.

¿Qué fue lo que te gustó de tu personaje, Sol?

Al ser la única adolescente de La Lola, siento una gran responsabilidad de hacer bien mi trabajo. También representó a los adolescentes de México, vengo con esa carga, además de que tengo que tener acento mexicano sin serlo, y eso me angustiaba, sobre todo no faltar al respeto. Pero gracias a mi coach, me ayudó mucho con el acento y me esforcé mucho y me gustó el resultado.

Por otro lado, Sol es una joven rebelde, molesta y triste con la vida. Le hacen bullying en la escuela, sus padres son ausentes, su papá (Diego Amozurrutia) es un mujeriego y su mamá anda fuera del país. Su única compañera es su abuela, hasta que aparece su papá en el cuerpo de una mujer y se hace pasar por su psicóloga (Bárbara de Regil). Es así como empieza a abrirse y a conocerse a sí misma, y su papá se da cuenta del daño que le ha hecho y empieza a entenderla y a cambiar por ella.

¿Qué te comentan tus fans sobre tu personaje?

Que se sienten identificadas con Sol. Es algo que me gusta de la serie, me dicen, "gracias, me has hecho sentir que no soy la única persona que pasa por eso". Me gusta que no es un cliché, es algo por lo que pasan los jóvenes no solo en México, sino en todo el mundo. He recibido mensajes muy bonitos, de mucho amor y me dan las gracias, eso me llena de alegría, y saber que valió la pena prestar mi cuerpo a Sol.

¿Qué fue lo que te gustó de La Lola?

Me gusta que toca muchos temas que necesitamos hablar cada vez más, sobre el machismo, la misoginia en el trabajo, y el bullying. Además de ser una serie que entretiene, te hace reír, llorar y eso conecta muy bien con la audiencia. Algo muy marcado es la diferencia entre salarios entre hombres y mujeres en el trabajo, eso es algo también muy importante, al final todos tenemos la misma capacidad.

¿Te ha tocado alguna situación incómoda?

Sí, hace poco en una producción escuché un comentario fuera de lugar. Y eso pasa, por eso es bueno que en La Lola exponga estos temas de misoginia, son situaciones que están muy normalizadas, las vemos día con día, en la escuela, en la calle o incluso en la escuela, es algo que inevitablemente sufrimos como sociedad. Y eso pasaba en La Lola, teníamos que ver el guion, y es algo que platicamos mucho, fue muy grato aprender, fue nuestro granito de arena con La Lola.

¿Cómo te trató México?

Muy bien, yo amo México, estoy enamorada de Ciudad de México. Yo es que desde muy niña soy muy amante de todo lo que proviene de México, de las producciones, de los artistas, conversé en varias ocasiones con Danna Paola que creo que es uno de los talentos mexicanos mayores

de exportación y ella me comentaba mucho cómo había sido su carrera. De los baches que había que había pasado y lo que le ha hecho es la mujer que es hoy en día. Siento que México tiene tanto talento que ofrecer a nivel mundial y tiene tanto talento que mostrar, tiene una gran calidad de ser humano. En cuanto a la producción me sentí bien recibida, mucho amor entre mis compañeros, comentarios muy lindos. Ya estoy con ganas de regresar y hacer más cosas aquí.

Aparte, cantas.

Sí, amo actuar y me gusta cantar mucho. Sé que puedo llevar ambas carreras, pero siempre una va a dominar más que la otra, es complicado porque son dos mundos completamente distintos. Me gusta cantar y lo hago por mí, no por la gente.

¿Algún otro sueño que tengas?

Me gustaría seguir entrevistando, tengo un canal donde hago entrevistas a actores y actrices y cantantes. Lo he tenido que dejar porque el tema

de la actuación me ha acaparado mucho tiempo, es complicadísimo con el tema de los cambios de horarios, a veces voy de un continente a otro. También quiero producir mis propios proyectos, tengo muchas ganas de querer crear mis historias con mi equipo. Dar trabajo a mucha gente es una de mis metas.

Hace falta escuchar y ver las historias de los jóvenes.

Exacto, somos de la generación que más consume temas de redes sociales y plataformas, somos la generación literalmente del presente y del futuro y de todo. Entonces creo que es súper importante darle, como tú dices, esa voz y esa importancia, y no decir bueno es que es un adolescente de tipo, no hay que escuchar lo que dice, no es que realmente nuestra opinión tiene la misma importancia que la opinión de un adulto. Creo que es súper importante tener claro y que nos den la seguridad al final. Queremos todos vivir en una sociedad buena, todos queremos apoyarnos entre nosotros.

LUIS VEGAS EXPLORA EL POLIAMOR

El actor venezolano se une al elenco de la serie El juego de las llaves en su tercera temporada, sumando este nuevo papel a su carrera. En esta entrega, Vegas interpreta a Gerónimo, un carismático mesero que se convierte en el bailarín estrella, desencadenando así una trama fascinante dentro del mundo provocador de la serie.

por CARLOS MORA

EL

Regresas a trabajar con los directores Roberto Fiesco y Julián Hernández, ¿cómo te sientes?

Me siento en familia. Hicimos El juego de las llaves, La huella de unos labios y Los demonios del amanecer. Me he sentido muy privilegiado de trabajar con ellos y su productora Mil nubes; todos se conocen, formando una gran familia. Me han otorgado un lugar muy bonito al colaborar con ellos. También hicimos el cortometraje Cobalto, el cual ha estado en diferentes festivales, algo que me hace sentir muy feliz y afortunado.

En El juego de las llaves, vuelves a hacer mancuerna con Hugo Catalán. Sí, ya hay mucha confianza entre nosotros. La primera vez que nos conocimos, hicimos una escena muy explícita en la película La huella de unos labios, entonces ya existe demasiada confianza. Para El juego de las llaves, ya bromeamos mucho y él me decía cosas como "ya ponte a entrenar y a ensayar"; es una persona con la que me llevo muy bien.

La serie plantea el poliamor, ¿tú has experimentado algo parecido y qué opinas al respecto?

Me parece que mientras haya acuerdos y un diálogo con las personas con las que te relacionas sentimental, pasional y sexualmente, todo está completamente permitido. Entonces, yo sí levantaría mi mano a favor de estas formas de relacionarnos, que en realidad no son nuevas, el poliamor siempre ha existido; solo que antes se manifestaba a través de la infidelidad. Al final, los seres humanos tenemos deseos, somos curiosos, pecamos, desde cualquier punto de vista. Por otro lado, me siento contento de estar en una serie que plantea ese tema, que se visualice, y siento que lo hace El juego de las llaves con personajes que ya tienen una vida muy constituida, que ya tienen muchos años de relación y deciden deconstruir esos parámetros. Es maravilloso más allá de una serie que va de desnudos y sexo; en realidad, es ver esas rupturas a estas formas convencionales de lo que viven las parejas.

¿Qué fue lo que te gustó de tu personaje?

La representación es importante, mencionar estos temas y la integración de gente morena en estos proyectos que son ampliamente exhibidos. Yo soy latino, siendo migrante en México, de origen venezolano, y siento que veo una esperanza al encontrar un espacio. Ojalá que este espacio que estoy encontrando poco a poco también se abra más a otros, quizás en una serie como esta que se proyecta en más de 240 países, y que se expanda y acoja más disidencias, personas con estos tonos de piel. Es algo que me hace sentir bastante orgulloso.

Cuando inicié mi formación en teatro, tenía 12 o 13 años, todavía vivía la segregación y la selección de perfiles en el teatro. El teatro es más sensible en ese sentido, es más integral, no oculta tanto como la televisión. Crecí con telenovelas y películas y nunca me encontré o me vi representado; creo que fue muy pocas veces o en personajes muy específicos. Lo que me gusta de Gerónimo, mi personaje en El juego de las llaves, es que es un chavo que es mesero, que tiene habilidades o aptitudes dancísticas, y de pronto le cambia la vida porque se convierte en una estrella del baile. Entonces, esa transformación en su vida cotidiana la relaciono conmigo en la vida real.

¿Y cómo ves la industria en el tema de la representatividad?

Ahí va encaminado, aunque aún falta. Finalmente, vivimos en México o en Latinoamérica, donde se ha trabajado para seguir con estos temas. Veo que se abre una brecha y un camino; creo que todavía hay cosas que reforzar, pero sí, a través de los movimientos, de la lucha, de la protesta, se han cambiado y modificado muchísimas cosas. Además, me parece muy curioso porque estamos hablando de Latinoamérica, donde el 80 por ciento, o al menos en México, estamos hablando de que nuestra población se compone en un 80 por ciento de gente morena, y trataron de ocultarlo por muchos años o destinaron a estos personajes a hacer cosas delictivas. Estar en esta serie, siendo Amazon Prime mi entrada con este personaje que tiene muy clara su evolución y trayectoria, y no tiene que ver con nada maligno, me parece algo formidable.

SERIES

MARTÍN BARBA

LISTO PARA NUEVOS RETOS

El actor confiesa sentirse agradecido por el apoyo que sus fans le han brindado en sus proyectos de temática LGBTQ+. Por un lado, la obra de teatro Smiley, y por otro, la serie de Netflix Pacto de Silencio, esta última un thriller psicológico.

POR CARLOS MORA

¿Qué significó para ti el Pacto de Silencio?

Durante los últimos años, he sido más consciente de los proyectos que llegan a mí. He tenido la suerte de recibir proyectos excelentes como la serie Supertitlán. Sin embargo, durante mucho tiempo deseaba interpretar a un personaje de la comunidad LGBTQ+ y también quería trabajar en Netflix. Cuando llegó la oportunidad con Alex, fue emocionante. Decidí dedicarle todas mis energías. Además, me ayudó a expresarme de manera diferente, aunque ya había hablado abiertamente sobre mi sexualidad durante muchos años.

Sin duda, este personaje, junto con el año pasado (2023), que siempre bromeo diciendo que fue mi año más LGBTQ+, gracias al Pacto de Silencio y a la obra de teatro Smiley, me permitió expresarme más, y estoy muy contento por ello.

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¿Cómo fue tu experiencia trabajando con Camila Valero?

Fue increíble. Camila es una persona genial, muy inteligente y hermosa. Cuando supe que iba a ser mi cómplice en Pacto de Silencio, empecé a seguirla en Instagram, porque me gusta familiarizarme con la gente con la que voy a trabajar. Desde nuestras primeras reuniones, hubo mucha química. Nos divertimos muchísimo. Tuvimos la oportunidad, gracias a la productora Mar Abierto, de hacer mucho trabajo de mesa con un mes de anticipación, lo que creo que también ayudó mucho a fortalecer nuestra relación. Aunque ahora nuestras agendas no nos permiten vernos tanto como quisiéramos, la aprecio mucho.

¿Cómo fue trabajar con un equipo de protagonistas mujeres como Kika Edgar, Marimar Vega, Litzy y Adriana Louvier?

¿Qué tanto le prestaste a Alex de ti?

Le presté mucho de mí mismo para seguir mostrando las diversas realidades que existen en cuanto a la sexualidad. Es algo que me ha costado, pero quiero seguir mostrándolo en pantalla o en cualquier trabajo, como lo hice en la obra de teatro Smiley, que también aborda la temática LGBTQ+.

La verdad fue increíble. Ya había tenido la oportunidad de conocerlas a todas. Grabé algunas escenas con Litzy en la serie Señora Acero. Conocí a Kika en un evento, a Adriana la conocí a través de mi manager. La que menos conocía era a Marimar, pero fue increíble compartir con ella. Son mujeres muy profesionales. Soy fan de Kika, mis respetos para ella, es una actriz y persona genial.

¿Qué opinas sobre el éxito de la serie?

Lo agradezco mucho. Es una gran satisfacción saber que la gente ve tu trabajo como actor. Estoy muy agradecido. Valoro más que nunca el apoyo y el cariño de la gente. Hay quienes siguen mi carrera desde hace 14 años y ven un proyecto tras otro. Incluso con el emprendimiento que hice hace año y medio de un restaurante en la Colonia San Rafael, en la Ciudad de México, llamado Carisma. Me sorprende que la gente venga de lugares lejanos solo para conocerlo. Esto me hace sentir muy feliz y agradecido por lo que he logrado gracias a mi trabajo.

¿Por qué decidiste ser actor?

Desde pequeño, siempre le decía a mi mamá que quería estar en la televisión. Era algo que ella no podía ayudarme a perseguir debido a su agenda. Gracias a un tío, pude entrar al CEA, la escuela de actuación de Televisa. Eso marcó el comienzo de mi carrera como actor.

SMILEY Dónde ver: La Teatrería

FOTO CARLOS MORA

SERIES

AGRADECIDA CON MÉXICO

Con una carrera artística de más de 20 años, la actriz Mimi Morales está feliz de regresar con su personaje, Said Romero, en la novena temporada de El Señor de los Cielos . La colombiana conversa con la Revista Cameo sobre los retos y los nuevos horizontes que vienen en su campo de trabajo.

POR CARLOS MORA

¿Cómo estás y cuánto tiempo llevas en México?

Estoy muy feliz aquí. Ya llevo 14 años viviendo en este país, y ha sido una experiencia maravillosa. He crecido como ser humano; México tiene una energía preciosa, gente maravillosa, lugares hermosos, y su comida es excepcional. Me siento realizada.

Eres una actriz que ha trabajado en varios países. ¿Cómo te sientes al respecto?

Es una experiencia muy enriquecedora. La globalización nos ha abierto muchas puertas a los actores, y estamos preparados para trabajar en cualquier lugar del mundo. Además, creo que al público le gusta sentirse identificado con actores de su propio país, lo cual también es un factor importante.

Has trabajado en Televisa en varios proyectos. ¿Cómo fue tu experiencia en esta empresa?

Era algo que veía muy lejano, incluso vivir en México. Para mí, Televisa era como Hollywood. Cuando tuve la oportunidad de trabajar allí y vi toda la magnitud de la empresa, quedé sorprendida. He sido muy bendecida porque también he trabajado para Argos, Sony, Fox y Telemundo. Cada una de estas productoras tiene su encanto y su dinámica, y he aprendido mucho de cada una de ellas. Además, la Ciudad de México es como un mundo en miniatura, con personas de todas las nacionalidades.

Yo la llamo la capital latina porque aquí conviven colombianos, venezolanos, argentinos, españoles y personas de muchas otras nacionalidades. Es hermoso ver cómo nos hermanamos.

Ahora regresas para la novena temporada de El señor de los cielos.

Estoy emocionada. Cada temporada de esta serie es mejor que la anterior, lo que motiva al público a seguir viéndola. El escritor es un genio; su creatividad parece no tener límites (risas). Para esta nueva temporada, veremos cómo se entretejen las vidas de los personajes, con más enemigos, más mujeres guapas y mucha competencia para mi personaje, Said. Habrá mucha acción y estoy ansiosa por ver cómo se desarrolla todo.

¿Cómo te sientes al unirte a un elenco ya consolidado?

Fue un poco difícil adaptarme al principio, sobre todo por la cuestión del tiempo. Pero Rafa Amaya es un genio y un gran compañero. Me recibió muy bien, y juntos construimos la relación de mi personaje con el suyo. Es una producción que ya tiene bien establecida su forma de trabajar; Telemundo sabe lo que quiere y eso es muy importante en una producción de este nivel. Además, me sentí muy cuidada como actriz, nunca me sentí desprotegida. Trabajar con todo el equipo fue una experiencia maravillosa.

¿Cómo fue trabajar con Rafael Amaya en El señor de los cielos?

La gente tiene que entender que Rafael Amaya tiene una base de seguidores muy grande que ha construido a lo largo de las nueve temporadas de la serie. La gente quiere saber qué va a pasar con su personaje, cuántas mujeres guapas habrá, etcétera. Trabajar con él fue una experiencia interesante. La serie es un proyecto que tiene una gran inversión y los recursos para competir con el mercado estadounidense. Creo que están haciendo un trabajo excelente.

¿Cómo fue trabajar con Telemundo?

He trabajado con Telemundo desde que comencé mi carrera en Colombia, y siempre ha sido una experiencia positiva. Es una empresa sólida y comprometida con la producción de contenidos de calidad. Estoy muy contenta de formar parte de proyectos como El señor de los cielos y otros que he realizado con ellos.

¿Cuál es tu opinión sobre las narcoseries?

Es una realidad social que estamos viviendo y padeciendo desde hace años. En mi país, Colombia, empezamos a experimentar esta problemática del narcotráfico primero. Creo que estas series muestran una historia a través de la ficción; aunque se basan en eventos reales, al final del día son historias ficticias. Algunas personas pueden pensar que estas series dan un mal ejemplo, pero yo no lo veo así. Se está mostrando una realidad a través de la ficción, y al final del día, se está contando una historia en la que se advierte sobre las consecuencias de entrar en el mundo del narcotráfico.

Las telenovelas siguen siendo muy populares a pesar del auge de las series.

Creo que las telenovelas son un género que siempre va a tener su lugar en el corazón del público latinoamericano. Son parte de nuestra cultura y nuestra identidad. Aunque haya muchas series y otras opciones de entretenimiento, las telenovelas siguen siendo un género muy querido y consumido por la audiencia.

FOTO CARLOS MORA

ANASTASIA FESTEJA 200 REPRESENTACIONES

LA OBRA Anastasia, el musical de Broadway celebró su 200 representación con la destacada presencia de la madrina de lujo, Susana Zabaleta, quien develó la placa conmemorativa. La actriz y cantante fue invitada por los productores Morris Gilbert y Julieta González, quienes destacaron que más de 165,000 espectadores han acudido al Teatro Telcel para disfrutar del musical. "Quiero abrazar a todos porque ¡qué ensamble y qué voces tan maravillosas! El ensamble es como el colchón de todo, es algo verdaderamente maravilloso", comentó entre bromas la cantante. La obra narra la emocionante historia de Anastasia, basada en la icónica película de 1997, se centra

en la leyenda de la gran duquesa Anastasia Nikoláyevna de Rusia, quien se cree que escapó de la ejecución de su familia a manos del ejército bolchevique. La obra incluye temas nostálgicos de los años 90 como "Una vez en Diciembre" y "Viaje al pasado". La producción con duración de dos horas es reconocida por su belleza, promete transportar al público de la Ciudad de México a un mundo mágico con sus impresionantes vestuarios y música envolvente. El elenco está conformado por Mariana Dávila, Irasema Terrazas, Carlos Quezada, Javier Manente, Manuel Corta, Gloria Toba, Robert Alamán, Paula Calva, Melissa Ortega, Mariana Dávila, Abel Fernando, entre otros.

FOTOS CARLOS MORA

ANASTASIA

Dónde:

Teatro Telcel

UN PROYECTO MULTIDISCIPLINARIO

Silenceof Sound

La directora de orquesta Alondra de la Parra y Gabriela Muñoz Chula The Clown , regresarán con una segunda temporada al Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

¿Cómo te sientes al participar en Silence of Sound?

Gabriela: Es realmente gratificante volver después de que todo haya sido un éxito y de que la gente haya conectado tanto con este proyecto, que toca profundamente nuestros corazones, tanto el de Alondra como el mío. Ha sido un proyecto que ha tenido una gestación muy larga y que, una vez que nace, hemos encontrado el apoyo del público, lo cual ha sido un proceso de crecimiento tanto para nosotras como artistas. Desde el momento en que Alondra me invitó a contar esta historia, hemos evolucionado, tanto la historia misma como nosotras dos para poder presentarla. Queríamos que esta historia llegará a todas las edades y estamos muy emocionadas de volver.

¿Qué sienten al regresar a México?

Gabriela: No hay nada más gratificante que ver que un proyecto tiene más vida de la que uno podría pensar. Estoy acostumbrada a trabajar en proyectos que, una vez terminados, terminan su ciclo. Esta capacidad del proyecto de crecer por sí mismo es parte del proceso creativo. Considerando lo complejo y ambicioso que es este proyecto, es increíble pensar que podemos seguir presentándose y llevándolo a más lugares.

Alondra: Para mí es muy emocionante regresar a este proyecto que Gabriela y yo hemos estado probando, desarrollando, cuidando y haciendo crecer durante tantos años. Han pasado casi ocho años desde que empezamos con este proyecto. Estamos muy contentos de llevarlo de vuelta a México, donde fue muy bien recibido en la primera gira que hicimos hace unos años. La gente se conmovió y reaccionó positivamente, fue algo muy bonito.

Dónde ver: Teatro de la Ciudad Esperanza Iris

¿Cómo nace Silence of Sound?

Alondra: Nació primero en el Festival PAX GNP en 2022. Luego lo llevamos a Navarra, España, con la Orquesta Sinfónica de Navarra, y posteriormente a Berlín, Alemania. Ahora estamos planeando llevarlo a París y Madrid en los próximos años. Es un proyecto que ha ido adquiriendo propósito y creciendo, y hemos tenido la fortuna de que sea bien recibido. Gabriela y yo teníamos la ilusión de llevarlo de nuevo a la Ciudad de México, específicamente al Teatro Esperanza Iris, donde podríamos tener una residencia prolongada debido a las complejidades de mover la producción por su tamaño.

¿Cómo defines este espectáculo?

Alondra: Silence of Sound es un proyecto multidisciplinario que cuenta con la participación de la Orquesta de Minería en el escenario, así como con el trabajo visual de los artistas Mariona Omedes y su compañía, Nueve Ojos, quienes han estado involucrados desde el principio en la creación de las animaciones. Es un espectáculo para niños de todas las edades, ya que busca conectar con el niño interior de cada uno y revivir la ilusión y las preguntas propias de la infancia, pero también desde una perspectiva adulta. La actuación de Gabriela, como personaje central, es fundamental, mientras que el arte del clown, la música orquestal y los videos se combinan de manera sincronizada con la música. La ausencia de palabras en el espectáculo permite que la música y la actuación de Gabriela comuniquen todas las emociones y el viaje del personaje.

¿Qué verá la gente en el Teatro de la Ciudad?

Alondra: Este espectáculo tiene elementos tanto de un concierto sinfónico como de una actuación visual protagonizada por Gabriela, además de la participación de videos que refuerzan la experiencia auditiva. La música incluirá obras de Stravinsky, Debussy, Sibelius, Brahms y Federico Ibarra, presentadas en un formato de concierto sinfónico completo.

Además, la actuación de Gabriela y la sincronización con los videos añaden una capa estética importante, creando una experiencia que combina música, actuación y visuales de manera única. Si bien no es ni ballet, ni clown, ni ópera, ni cine, Silence of Sound incorpora elementos de todas estas disciplinas en una nueva propuesta multidisciplinaria.

• Carlos Mora

LOS PREMIOS PLATINO REGRESAN A MÉXICO

EL GALARDÓN que reconoce lo mejor del cine iberoamericano, los Premios Platino, regresa a México en su edición 2024. A través de 23 categorías que incluyen mejor película, documental, dirección y actuación principal y de reparto, femenina y masculina, la producción de esta entrega anunció la selección de este año donde nuestro país se hace presente en varias nominaciones, como al Premio Platino al cine y la educación en valores, donde destaca la presencia de la cinta de Eugenio Derbez, Radical, proyecto que también fue figura en la categoría de Mejor Música Original.

Después de presentarse en distintos países para acercar el cine iberoamericano a más países y personas, es hacerlo también a través de sus sedes como han sido Panamá, Marbella, Punta del Este, Riviera Maya y Madrid. Este año regresan al Gran Tlachco del parque Xcaret. Enrique Cerezo, presidente de Premios Platino EGEDA, comentó: "Es un verdadero placer para mí volver a México y reunirme de nuevo con todos vosotros para anunciar los pormenores de esta nueva entrega 2024. La iniciativa de

Dónde:

crear los primeros Platinos, cuya primera gala se celebró en Panamá hace ya 11 años, es una realidad consolidada que va acercando el cine y las series iberoamericanas cada vez más a la gente de todos los países. No hay ningún festival internacional que no cuente con obras iberoamericanas superándose en calidad y reconocimiento, reivindicando el idioma español y el portugués y la fuerza de una comunidad de más de 600 millones de personas. Para eso nacieron Los Platinos, para crear un espacio común para nuestras creaciones y promocionarlas y darlas a conocer, lo cual antes era un tema que no teníamos. No teníamos este espacio donde reivindicarnos. Los Premios Platino, año a año, aumentan el número de publicaciones estrenadas, lo que indica el magnífico momento de la gran industria audiovisual iberoamericana, su talento y su creatividad". Como en cada edición, este año el premio de honor será para la actriz Cecilia Roth, la mítica actriz argentina, un ícono a ambos lados del océano, que obtendrá el reconocimiento a toda una carrera.

PREMIO PLATINO

El Gran Tlachco del parque Xcaret 20 de abril

FOTOS CARLOS MORA

Los nominados a Premios Platino 2024 son:

Película Iberoamericana de ficción

• Cerrar los ojos

• La sociedad de la nieve

• Los delincuentes

• Tótem

Interpretación masculina

• Damián Alcázar por El caso Monroy

• David Verdaguer por Saben Aquell

• Enzo Vogrincic por La sociedad de la nieve

• Jame Vadell por El conde

• Marcelo Subiotto por Puan

Interpretación femenina

• Carolina Yuste por Saben aquell

• Dolores Fonzi por Blondi

• Laia Costa por Un amor

• Lora Amores por La mujer salvaje

• Malena Alteiro por Que nadie duerma

Dirección

• Isabel Coixet por Un amor

• Juan Antonio Bayona por La sociedad de la nieve

• Lila Avilés por Tótem

• Pablo Larraín por El conde

Ópera prima de ficción Iberoamericana

• 20,000 especies de abejas

• Blondi

• La pecera

• Los colonos

• Simón

• Tengo sueños eléctricos

Miniserie o teleserie cinematográfica

• Barrabrava

• El cuerpo en llamas

• Iosi, el espía arrepentido

• Los mil días de Allende

Interpretación masculina en miniserie o teleserie

• Alfredo Castro por Los mil días de Allende

• Gustavo Bassani por Iosi, el espía arrepentido

• Javier Cámara por Rapa

• Santiago Korovsky por División Palermo

Interpretación femenina en miniserie o teleserie

• Aline Küppenheim por Los mil días de Allende

• Lola Dueñas por La mesías

• Micaela Riera por El amor después del amor

• Úrsula Corberó por El cuerpo en llamas

Interpretación masculina de reparto

• José Coronado por Cerrar los ojos

• Leonardo Sbaraglia por Puan

• Luis Bermejo por Un amor

• Matías Recalt por La sociedad de la nieve

Interpretación femenina de reparto

• Alejandra Flechner por Puan

• Ana Torrent por Cerrar los ojos

• Ane Gabarain por 20,000 especies de abejas

• Antonia Zegers por El Conde

Interpretación femenina de reparto en miniserie o teleserie

• Carmen Machi por La Mesías

• Minerva Casero por Iosi, el espía arrepentido

• Najwa Nimri por 30 monedas

• Polar Gamboa por División Palermo

Interpretación masculina de reparto en miniserie o teleserie

• Andy Chango por El amor después del amor

• Daniel Hendler por División Palermo

• Emiliano Zurita por La Cabeza de Joaquín Murrieta

• Manolo Solo por 30 monedas

Al cine y la educación en valores

• 20,00 especies de abejas

• La memoria infinita

• Puan

• Radical

Película Documental

• El juicio

• La memoria del cine, una película sobre Fernando Méndez-Leite

• La memoria infinita

• Una jauría llamada Ernesto

Comedia Iberoamericana de Ficción

• Bajo terapia

• Los wanabis

• Norma

• Te estoy amando locamente

Creador de serie

• Álex de la Iglesia por 30 monedas

• Daniel Burman por Iosi, el espía arrepentido

• Juan Pablo Kolodziej por El amor después del amor

• Santiago Korovsky por División Palermo

Dirección de Arte

• Curru Garabal por Cerrar los ojos

• Julieta Dolinsky por Puan

• Rodrigo Bazaes por El Conde

• Sebastián Orgambide por Los Colonos

Director de sonido

• Christian Giraud y Omar Pareja por Huesera

• Jorge Adrados y Oriol Tarragó por La sociedad de la nieve

• Miguel Hormazábal por El conde

• Pablo Isola por Cuando acecha la maldad

Dirección de fotografía

• Inés Duacastella Alejo Maglio por Los delincuentes

• Pedro Luque por La sociedad de la nieve

• Simón Brauer Tomás Astudillo por La piel pulpo

• Valentín Álvarez por Cerrar los ojos

Dirección de Montaje

• Adriana Martínez por Huesera

• Andrés Gil Jaume Martín por La sociedad de la nieve

• Carolina Siraqyan por La memoria Infinita

• Manuel Ferrari Nicolás Goldbart Rodrigo Moreno por Los Delincuentes

Guion

• Estibaliz Urresola por 20,000 especies de abejas

• Guillermo Calderón Pablo Larraín por

• Michel Gaztambide Víctor Erice por Cerrar los ojos

• Rodrigo Moreno por Los Delincuentes

Película de Animación

• Dispararon al pianista (They shot the piano player)

• El sueño de la sultana

• Home is some where else

• Nayola

• Robot dreams

Música Original

• Alfonso Vilallonga por Robot dreams

• Pascual Reyes, Juan Pablo Villa por

• Pedro Osuna por Blondi

• Sergio de la Puente por La pecera

¿Cómo percibes el mercado del coleccionismo en México?

LAMOLE, UNA CONVENCIÓN DE FANS PARA FANS

Platicamos con Jorge Hermosillo, director de operaciones y vocero del encuentro de cómics más importante de México.

POR CARLOS MORA

Ha sido un camino bastante largo, tanto para los fans como para los coleccionistas. En los viejos tiempos, ser un ñoño o un nerd significaba tener que ocultarlo, incluso en las convenciones. Recuerdo que en aquellos eventos llegaban a reunirse unas diez mil a quince mil personas en los años noventa. Ahora me ha tocado presenciar el crecimiento, la explosión del fan como un motor tan importante. En La Mole, tenemos una expectativa de entre 35 y 40 mil personas por convención. También, regresar de la pandemia fue un proceso bastante duro y arduo. Pero creo que realmente todos necesitamos este regreso a las actividades. Es increíble ver cómo las familias se están adaptando para encontrar intereses comunes dentro de sus aficiones. La Mole es un espacio que reúne todas estas diferentes opciones de fanatismo y gustos, algo que nos llena de orgullo.

¿Qué fue lo mejor de esta edición?

La Mole en su totalidad. Tuvimos una área con actores de doblaje, invitados internacionales, gente especialista en el cómic, el art toy o la ilustración, tuvimos más de 150 mesas de artistas donde encontrarán no sólo talento internacional, sino también talento nacional destacado en grandes compañías y otras no tan grandes. También hubo ilustradores independientes con un trabajo increíble, así como creadores de art toys y escritores. Vino talento internacional como Anthony Daniels, Taz Skylar, Ivanna Sakhno, Lou Ferrigno, y buscamos tener talento que año con año sea atractivo para diferentes generaciones. Obviamente, Anthony Daniels es sinónimo de Star Wars. Al icónico Lou Ferrigno, quien interpretó a Hulk en la serie de los años 70 y 80.

¿Qué te han comentado los talentos internacionales sobre el fandom mexicano?

Siempre les ha encantado el calor del público. Recuerdo a un artista de cómic que me dijo una vez: “Estoy impresionado, porque nunca en mi vida de artista había abrazado a tanta gente como lo he hecho aquí. La gente es muy afectuosa y cálida, es increíble”. Me ha tocado ver a actores que llevan bolsas y bolsas de regalos y que sólo preguntan: “¿Crees que podré llevar esto en el avión?”. Son cosas que se me quedan grabadas.

Sin duda, ir a La Mole es entrar en un mundo lleno de nostalgia.

Sí, justo las marcas buscan explotar todo lo relacionado con la nostalgia. Por ejemplo, hablemos de Las Tortugas Ninja. Es una franquicia que este año cumple 40 años, y creo que ni los creadores imaginaban que tendría tanto impacto en la cultura pop. Siempre se revitaliza de alguna manera. Es una franquicia que nunca envejece y siempre se renueva de alguna forma. Pero también está esa necesidad de mantener su esencia retro. A nivel personal, me ha tocado vivirlo. Por ejemplo, mis figuras de niño se perdieron. Entonces, cuando puedo, trato de buscar alguna figura vintage. Hay propiedades que nunca dejarán de estar presentes mientras haya un público.

También le dieron cabida a la lucha libre mexicana. No creo que haya manera de hablar de cultura pop en México sin tener en cuenta la lucha libre mexicana. Históricamente, la lucha libre se adoptó en México gracias a luchadores extranjeros y aquí formó una identidad muy propia. Más bien cambió y ganó popularidad no sólo en Estados Unidos, sino también en Japón. Realmente, el pináculo de los luchadores enmascarados se gestó aquí, y luego se expandió a muchos otros lugares. Antes de la masificación de personajes como Batman, Superman o Spider-Man, el luchador era el icono pop. Ver las películas de El Santo o Blue Demon era como ver a nuestros propios superhéroes. Obviamente, siendo un evento que busca reunir lo más emblemático de la cultura pop, tenía todo el sentido incluir la lucha.

FOTOS CARLOS MORA

Sobre la reciente muerte de Akira Toriyama, creador de Dragon Ball, ¿qué opinas?

Toda muerte tiene un impacto, pero la muerte de alguien de la talla de Akira Toriyama se multiplica a muchos niveles diferentes, ya que no era sólo un creador, sino que estuvo involucrado en muchas producciones de Dragon Ball. Creo que es una figura fundamental no sólo en Japón, sino también en México y Latinoamérica, y sentó bases muy importantes para la evolución de la cultura del fan mexicano. A muchas generaciones nos tocó ver el estreno del primer Dragon Ball, esperando ansiosos después de la escuela. Entonces, el impacto cultural de Dragon Ball es algo que me gusta llamar “subcultura”. Generó un gusto por el anime o el manga, definitivamente marcando un antes y un después, no sólo en Japón, sino también en México y Latinoamérica.

ANTHONY DANIELS CONQUISTA A LOS FANS EN LA MOLE 2024

EL ACTOR que interpretó al androide C-3PO en la saga original de Star Wars estuvo presente en la convención La Mole 2024. El actor británico es una leyenda respetada entre los miles de fanáticos de las películas dirigidas por George Lucas. Ante un auditorio repleto de admiradores, el actor no dudó en bajarse del escenario, bromear y acercarse a algunos de ellos para responder sus preguntas. En un ambiente relajado, explicó cómo era ponerse la armadura del querido C-3PO, asegurando que llevaba hasta dos horas convertirse en el androide dorado y amigo de R2-D2. "¡Hola México! Si alguien tiene alguna pregunta, todas están respondidas en mi libro Mi historia desde

adentro, disponible en inglés y español", dijo entre risas, lo que desató un estruendoso aplauso y gritos entre los asistentes a su charla. Además de agradecer a los fans, Daniels compartió un recuerdo: "Hicimos estas películas hace casi 50 años y, junto con Harrison Ford (Han Solo) y Alec Guinness (Obi-Wan Kenobi), pensábamos que nadie las iba a ver. Obviamente, estábamos muy equivocados. La razón es que la audiencia amó la película y se lo contó a sus amigos, y sus amigos a sus amigos. Ahora diríamos que se volvió 'viral', así que son ustedes quienes han hecho una segunda, tercera, cuarta, quinta película. Estoy muy agradecido con ustedes. ¡Gracias!", finalizó.

EMOTIVO HOMENAJE A FRANCISCO COLMENERO

EL LEGENDARIO actor, director, adaptador y gerente de producción, celebró 70 años en el doblaje en La Mole 2024. Es conocido por ser el narrador de Disney en español para diversas películas animadas, así como por su participación en caricaturas como Los Súper Amigos, series como Los Dukes de Hazzard y otros programas animados de Warner Brothers. Además, ha personificado a famosos personajes como Pumba de

El Rey León, el abuelito de Heidi y Papá Pitufo, entre otros muchos más personajes principalmente en los años ochenta. Con un salón lleno de fans, quienes se levantaron para aplaudir de pie y rendirle homenaje a Colmenero, de 92 años de edad. Entre lágrimas, el actor expresó su agradecimiento por todas las muestras de cariño: "Perdón, soy un poco 'chillón'. Gracias a todos por su cariño".