REVISTA CAMEO OCTUBRE

OMAR CHAPARRO

ALEJANDRA AMBROSI "HILOS"

MICHELLE RODRÍGUEZ

DIANA BOVIO "SOMOS ORO"

FOTO CARLOS MORA

"ÉL NO ES TÚ"

FOTO

MENOS FRONTERAS

Conversamos con Omar Chaparro protagonista de la película “Un Viaje al Corazón, The Wingwalker”. Esta nueva producción promete conmover al público con una historia de lucha y sacrificio inspirada en hechos reales. Este proyecto representa un nuevo desafío para el actor mexicano, quien ha demostrado su versatilidad en múltiples géneros a lo largo de su carrera. Chaparro interpreta a un personaje que atraviesa tanto retos físicos como emocionales, explorando una faceta más profunda y dramática de su talento actoral.

POR CARLOS MORA

Distribuidora: Star+

“Un Viaje al Corazón” cuenta la historia de un padre viudo que, tras ser deportado de Estados Unidos a México cuando su hija necesita un trasplante de corazón, se ve obligado a planear un arriesgado regreso en un desesperado intento por salvar su vida. La cinta, dirigida por Alonso Álvarez Barreda, fue aclamada en el Festival de Cine Latino de Chicago en abril de 2024, y recibida con aplausos en el Festival de Cine de Guadalajara, donde destacó por su poderosa narrativa y profunda carga emocional.

Has trabajado en géneros como el drama, la comedia y la acción. ¿Qué es lo que sigues buscando en tus proyectos?

Independientemente de si es drama, comedia o acción, a estas alturas de mi carrera, después de casi 30 años, lo que más me emociona es hacer proyectos que se alejen de lo que he hecho anteriormente, cosas que me reten y me desafíen.

Eso es lo que realmente me entusiasma. Amo hacer comedia, pero también amo el drama. He llegado a darme cuenta de que lo que más disfruto es dejar de ser

yo y transformarme en otro personaje.

¿Cómo fue trabajar esta parte de superación personal de la cinta?

Primero, creo que todo comienza con el guion. La historia me enamoró desde el primer momento. Cuando lo leí, no pude evitar llorar; me conmovió profundamente y sentí mucha empatía por la niña. Tengo una hija que se llama Sofía, al igual que el personaje, y en ese momento también tenía nueve años, justo como la niña en la historia. Eso me ayudó a conectar y a trabajar con la sustitución de

emociones. Creo que también hubo mucha química con la niña. Conocerla, platicar y trabajar en conjunto fue muy enriquecedor. Además, tuve el privilegio de trabajar con Alonso Álvarez Barreda, un director mexicano que está haciendo su ópera prima en cine. Su nombre ha comenzado a sonar mucho en la industria; ya lo hemos visto en nominaciones y ganando premios en importantes. Alonso es una gran promesa para México, y además, desarrollamos una gran amistad y alianza; nos admiramos mutuamente, lo que hizo que trabajar juntos fuera muy fácil.

“UN VIAJE AL CORAZÓN”

"ME SORPRENDE QUE EN PLENO 2024 SIGAMOS PENSANDO EN LA SEPARACIÓN, EN LA FALTA DE EMPATÍA Y DE AMOR"

Tu personaje critica a algunos migrantes, refiriéndose a personas que, aunque tienen raíces mexicanas, son nacidas y criadas en Estados Unidos.

Eso me llamó la atención desde el principio. Mi personaje estaba a favor de deportar a las personas que no tienen papeles, sin saber que él mismo sería deportado unas semanas después. Entiendo que esa perspectiva era necesaria para su desarrollo; debía partir de ahí para que, después de todo su vía crucis, pudiera alcanzar una redención y transformación, completando así su arco de personaje. Esto nos lleva a reflexionar sobre el hecho de que nadie sabe lo que pesa el costal hasta que lo carga.

¿Cómo fue tu experiencia al compartir con migrantes?

Fue muy emotivo para mí trabajar en la Casa del Migrante en Tijuana. Nos abrieron las puertas y tuve la oportunidad de conocer historias desgarradoras, realidades que ni te imaginas que se viven día a día. El problema de la migración es grave; creo que se deportan alrededor de 400 migrantes por día. Muchos llegan a un lugar que llaman "el purgatorio de los migrantes", donde están sin dinero y sin papeles. Se encuentran en un limbo: no pueden cruzar al otro lado y tampoco quieren regresar a su lugar de origen, pero no tienen cómo hacerlo. Esta situación a menudo los lleva a caer en las drogas, lo que también se convierte en un problema para

la ciudad. Es una realidad muy compleja. Creo que la película proyecta y dibuja claramente este problema, pero al mismo tiempo ofrece un rayo de esperanza, ya que cuenta la historia de alguien que, tal vez, sí tenga un final feliz.

Llevas muchos años viviendo y trabajando en Estados Unidos. ¿Cómo ha sido para ti este sueño americano?

Ha sido una experiencia muy enriquecedora; he aprendido muchísimo, sin lugar a dudas. Lo que he descubierto en mi búsqueda del sueño americano es que, en realidad, el sueño que verdaderamente importa es el sueño mexicano. Creo que sobrevaloramos demasiado el sueño americano.

FOTOS CARLOS MORA

Una vez que estás aquí, te das cuenta de que no se trata solo del sueño americano, sino del sueño de cada uno. Es algo que voy a hacer realidad, sin importar dónde esté, ya sea en Estados Unidos, México o Colombia. El sueño nace desde adentro; eso es lo que he aprendido. Es un estado de conciencia, algo que se busca en el interior y no en el exterior.

¿Qué opinas sobre cómo se hace cine en la actualidad?

Hay una gran diferencia entre ver una realidad cruda y adentrarse en una historia para conocer a un personaje, profundizar en sus dolores y preocupaciones. Creo que eso es fascinante. Por eso, a veces me gusta viajar solo en el aeropuerto y pasar horas observando a las personas. Ver a una persona es como ver el mundo; te permite analizar todo lo que podría estar pensando, su vida, sus preocupaciones, lo que le duele y lo que lo hace reír. Eso

es realmente cautivador. Es importante mostrar la realidad, pero al final del día, el cine también es una forma de mirarnos a nosotros mismos, de profundizar en nuestras emociones, de reír y de llorar.

¿Qué opinas sobre el momento en que llega la película, a unos meses de las elecciones en Estados Unidos, cuando hay tantos migrantes viviendo con incertidumbre?

Creo que es un momento muy interesante y llega de manera muy oportuna. Aunque la película trata sobre la esperanza, el amor y lo que un padre es capaz de hacer por su hija, también toca un tema sensible: el sistema migratorio y la insensibilidad hacia los migrantes, que no debería existir. Al final, todos somos migrantes, y esto es muy evidente. Me sorprende que en pleno 2024 sigamos pensando en la separación, en la falta de empatía y en la falta de amor.

"LA SUSTANCIA" Distribuidora: MUBI

Elisabeth Sparkle (Demi Moore) fue una celebridad que en su momento saboreó las mieles de la fama y la popularidad, obteniendo incluso una estrella con su nombre en el famoso Hollywood Boulevard. Ahora tiene más de cincuenta años y esos días de gloria parecen haber quedado atrás, aunque se conserva bien físicamente, e incluso es conductora de un exitoso show televisivo de aeróbics.

Pero un día Harvey (Dennis Quaid), productor de dicha emisión; le comunica sus intenciones de reemplazarla del programa, bajo un argumento que termina por devastarla: consideran que su mejor momento ya pasó y ahora es demasiado mayor para seguir a la cabeza del programa.

Enojada y angustiada por esa situación y sin saber qué hacer, de forma accidental Elisabeth descubre la existencia de una misteriosa compañía la cual le ofrece una especie de tentación fáustica: poner a su alcance una mejor y más joven versión de ella a través de un proceso que involucra el uso de una misteriosa sustancia la cual ellos proveen. Ella acepta y tras administrarse el extraño químico y experimentar una espeluznante metamorfosis/parto, aparece Sue (Margaret Qualley), su juvenil y estéticamente perfecta alterego. Su primera acción

"LA SUSTANCIA" FÁBULA POSMODERNA Y SÁTIRA

SOCIAL EN CLAVE DE HORROR

POR FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO

tras su llegada es audicionar para obtener el puesto de su predecesora en el programa. Pero eso será solo el inicio, ya que poco a poco la joven se fascina con esa vida de glamour y éxito y comienza a hacerse adicta de su nueva existencia, por lo que buscará tener mayor control de la misma, acarreando desastrosas consecuencias para

ella y Sparkle.

Tras su debut con "Venganza del más allá" (Revenge, Francia - Bélgica, 2017) largometraje de corte independiente, la cineasta francesa Coralie Fargeat presenta ahora una obra de mayor envergadura y talla internacional con "La Sustancia" (The Substance, Reino UnidoFrancia, 2024) en donde abreva

de referentes literarios como El retrato de Dorian Gray de Oscar Wilde y El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde de Robert Louis Stevenson, reelaborando sus premisas en clave de cine de horror y suspenso, para concebir así una fábula posmoderna feroz, retorcida, satirica y permeada a través de una mirada feminista; por medio de la cual critica la obsesión que tenemos con la belleza, especialmente con ciertos estereotipos de ella vinculados a la juventud y la perfección.

Nutriéndose además del esteticismo de Stanley Kubrick; del body horror visceral propio del primer David Cronenberg; de los momentos gore más demenciales en el cine de autores como Stuart Gordon o Brian Yuzna; y de chispazos de humor cáustico muy al estilo de la productora Troma y su fundador, Lloyd Kaufman; Fargeat narra las vicisitudes de sus dos protagonistas quienes, entregadas por completo a su adicción por los reflectores y los privilegios que obtienen gracias a sus atributos físicos, terminan por sucumbir a la misma, convirtiéndose en víctimas no solo de sus incontrolables impulsos, sino también de una sociedad despiadada y cínica que cosifica a la mujeres hermosas reduciendolas a meros objetos de consumo, los cuales además, se desechan sin miramientos cuando la belleza y/o la juventud se acaban.

DUPLA CREATIVA

Los hermanos Mariana y Santiago Arriaga estrenan su primer largometraje, "A cielo abierto". En una entrevista con la Revista Cameo hablaron sobre el camino que, tras recorrer diversos festivales, finalmente los llevó a las pantallas de cine en México. Con un guion escrito por el reconocido autor mexicano Guillermo Arriaga, la película narra la historia de dos hermanos y su hermanastra, quienes buscan vengar la muerte de su padre.

POR CARLOS MORA

Después de estar en diferentes festivales, ¿cómo se sienten con el estreno de la cinta?

Mariana: Estoy muy emocionada. Concebimos toda la forma de hacer esta película para verla y apreciarla con el sonido y la imagen de una pantalla grande. Nos emociona mucho poder proyectarla en salas de cine ante una audiencia mexicana, porque al final, es una película completamente mexicana.

Santiago: Creo que el propósito de una película es llegar al cine y comenzar allí su recorrido de vida. Ya tuvo su etapa en festivales, pero ahora me emociona que, al fin, llega al público.

M: Es fascinante poder ir a lugares tan distintos como Venecia, Toronto, Corea y La Habana, y observar cómo cada persona tiene una lectura de la película a partir de su propio contexto. Para mí, eso ha sido una gran parte de todo este recorrido.

Es su primer largometraje, después de haber realizado varios cortometrajes. ¿Cómo fue dirigir en dupla esta cinta?

S: De entrada, creo que es importante estar acompañado en todo el proceso por alguien que adoras y respetas, y que comparte tus mismos valores y contexto de vida. La mayoría de los directores son solitarios, y como yo lo veo, ese trabajo a veces recae en el productor. Esa figura, para mí, es Mariana, y espero ser esa figura para ella. Creo que esto nos ayuda a encontrar una mejor película. No podría hacerlo con nadie más que con ella. Estas discusiones nos permiten desafiarnos intelectualmente y emocionalmente para llegar al resultado que buscamos.

M: Creo que nos complementamos bastante bien. Ya llevamos nueve años co-dirigiendo, así que hemos trabajado bastante en nuestra dinámica. A veces no siempre, pero basta una mirada para comunicarnos todo lo que pensamos.

FOTOS CARLOS MORA

Hay un gran entendimiento, cariño y admiración entre nosotros. Como bien dice San, algunos directores confían en otras figuras de su equipo, pero en nuestro caso, es una codirección.

S: Me parece rarísimo ver co-directores que no son hermanos. Me pregunto cómo pueden compartir tantas cosas; yo me mataría. A veces discutimos sobre las cosas más locas, como en una segunda escena, y debatimos. No es que discutamos en el mal sentido, pero son discusiones. Si fuera con alguien más, que no entendiera, no sé cómo lo lograría.

¿Cómo fue trabajar con su papá, comenzando desde el guion, que ya han comentado que lo encontraron en su casa y que les dejó a ustedes para que hicieran la película?

S: Es un guion que escribió en 1993 y lo encontramos en 2015. Lo leyó después de 22 años y nos dijo que la persona que lo había escrito ya había cambiado. Obviamente, 30 años para el momento de filmar transforman bastante la forma de ver la vida. Entonces, pensó que una persona joven debía dirigirlo, y nosotros estábamos en casa.

M: También él fue parte del proceso; es productor, así que en ningún momento estuvo desconectado. No solo se

limitó a ver el resultado final, sino que estuvo activamente involucrado en el proceso. La creamos juntos y de forma compartida.

S: Como productor y escritor, le gusta dar sus puntos de vista y también hacer discusiones. Es una persona con opiniones fuertes. Creo que, como escritor y productor, fue parte fundamental de la creación de la película, al igual que todos los que estuvimos involucrados.

M: Ya hemos colaborado con él en cortometrajes, pero en un largometraje es una nueva forma de colaborar y ser profesionales. Podemos tener encontronazos creativos, y eso siempre está bien.

Dos cosas: ¿Cómo fue abordar el tema del duelo y de la liberación? Y, ¿cómo fue trabajar con los actores?

S: Sobre la liberación del duelo y cómo la vida cambia a partir de él, a veces te imposibilita seguir, pero una vez que lo superas, la vida sigue. Cada uno tiene contextos de vida que no voy a comentar, pero creo que son personas inteligentes que, al leer la película, lo entienden sin que nosotros tengamos que explicarlo. Estaban dispuestos a jugar y probar cosas con nosotros. Hay escenas muy complicadas en la película; saben que están actuando, cortamos y luego salen de allí. Es una dinámica

de juego donde no tienen que romperse emocionalmente para crear una película. En ese juego y dinámicas, encontraron maneras de llegar a esos lugares sin lastimarse.

M: Para mí, lo que más me ha quedado de esta película es trabajar con esos tres adolescentes que, de alguna manera, nos remiten a nuestra propia adolescencia. Poder jugar, descubrir, explorar y experimentar con ellos fue lo más enriquecedor del proceso. Aprendimos mucho de ellos y entendieron que esto es un juego.

¿Cómo se sintieron al recibir la nominación al Ariel como ópera prima?

S: Creo que esta generación de cineastas que está creciendo en el país, junto con otros que ya van por su segunda película, representa muy bien el cine mexicano que estamos haciendo. Existe una gran pasión por contar nuestras historias y por cambiar nuestra perspectiva. Algunos compartimos incluso festivales, así que es gratificante saber que todo nuestro recorrido ha sido conjunto, y que somos colegas y parte de este equipo en la industria.

M: Estoy muy emocionada de ser parte de una generación de cineastas y de ver que personas más jóvenes también están haciendo cosas interesantes. Es genial

compartir una nominación con todos ellos. Al final, creo que el cine es un retrato de lo que está ocurriendo en la sociedad de un país. Tener un mosaico de películas, cada una hablando de sus propios temas y obsesiones, es maravilloso. No me gusta decir que una película es mejor que otra; lo interesante es ver todas y obtener una visión completa de lo que está sucediendo a nivel colectivo.

¿Qué opinan del cine mexicano?

M: Siempre invito a ver cine mexicano porque no hay que perderse lo que esta generación de cineastas está creando. Es enriquecedor ver todo lo que les mueve.

¿Han pensado alguna vez en dirigir por separado?

M: No creo que eso funcione tan bien; esta dupla de co-dirección es muy efectiva.

S: Por suerte, tenemos el mismo contexto, gustos y demás. Cada vez que le cuento una historia o ella me cuenta una, es como si dijéramos “hagámosla”. Queremos contarnos historias que nos interesen a ambos. Si de repente tengo una idea que está desconectada de ella, me dirá: “Me interesa, hazla tú”. Pero creo que es muy raro que lleguemos a eso, porque las historias que nos llaman la atención son muy similares.

HISTORIA DE UNA FE QUE SE QUEBRANTA

"El reino de Dios", el quinto largometraje de la cineasta Claudia Sainte-Luce, cuenta la historia de Neimar, un niño de siete años que vive en un pequeño pueblo de Veracruz. Ayuda a su madre y a su abuela a vender tamales, es fanático de las carreras de caballos y se está preparando para su primera comunión, ya que su abuela le ha dicho que el día que la haga, seguramente conocerá a Dios. Sin embargo, mientras se prepara para recibir el sacramento, empieza a perder la fe.

POR CARLOS MORA

¿Cómo nace el guión de "El reino de Dios"?

Pues mira, yo estaba muy desesperada porque ya no quería dedicarme al cine, justo como me siento hoy, porque es muy difícil conseguir financiamiento en el país.

Hay mucha gente aplicando a fondos, entonces es difícil que apoyen a todos. Estaba atravesando un momento en el que los guiones que yo estaba enviando no eran aceptados. Entonces me replanteé si seguir en esto. Y luego también pasó que personalmente, vivía muchas pérdidas en ese momento y me enojé mucho con Dios.

Entonces dije: "Estoy enojada, y como cayó la pandemia, sí, me voy a mi pueblo." Ahí en el pueblo empecé a pensar en esta historia y escribí una escaleta. Luego lo que hacía era tratar de ir al menos dos veces al mes a hacer improvisaciones con mi sobrino y con gente del pueblo que fui seleccionando para hacer esos papeles que ves en la película.

¿Cómo decides que tu sobrino (Diego Armando Lara) sea soporte de la película?

Porque él es mi familia, él tiene el ADN bien marcado. Es mi sobrino y creo que si hubiera alguien que entendiera mis cosas infantiles, sería él. Como esas cosas tontas que pude haber pensado del tipo "Ay, estoy enojada con Dios, adiós."

Creo que esa sensación infantil, él es como mi mini-yo. Entonces me entiende muy bien y siempre hemos tenido una relación muy cercana y él entiende muy bien lo que hago. No era su primera película, ya había salido en "El camino del sol", había tenido un papel pequeño, pero conoce mi mundo y siempre le ha gustado, así que quería que él me ayudara a contarla

desde siempre. No le hice una prueba, más bien fue cuestión de si se animaba a ayudarme con esto y él quiso ayudar.

¿Cómo fue la Claudia de niña en aquel pueblo de Veracruz y cómo descubres el cine y dices "yo quiero hacer cine"?

Yo era muy de pueblo como todos. Esto del cine para mí eran las películas de Pedro Infante, para mí era "Un rincón cerca del cielo", "Marcelino Pan y Vino". En la prepa, cuando tuve que decidir a dónde ir,

otra, fue una serie de cosas que fueron pasando, que fui viviendo.

¿Aún sigues replanteándote si seguir haciendo cine?

Sí, esta carrera es algo que cuesta, no es como montar una obra de teatro pequeña que uno puede costear. ¿Cómo consigues, cómo haces para pagar tu día a día, la renta, el internet o comprar la comida para los gatos? Sin entrar a contar historias que quizás no te importan tanto

ya no vivía en Veracruz, vivíamos en Puebla por el trabajo de mi mamá.

Empecé a pensar dónde ir, pero siempre con la idea de no querer estar aquí en Puebla, quería irme a algún lugar.

Un día escuché a una compañera que dijo que quería estudiar cine y pues no pensé que eso se estudiara, dije "ah, pues mira, voy a hacer esto" sin tener la menor idea y creo que por eso me corrieron, pero ya me habían corrido de la escuela. Luego me fui a la Ciudad de México y ahí empecé a asistir mucho a dirección y luego bueno, actuación y hasta que pude hacer mi primera película. Llegué gracias a Paola Markovic, pero no era algo que yo persiguiera, así como siempre quise ponerme un visor en el ojo, tomarme esta foto con la cámara o la

quien la actúa, quien te da la oportunidad de un actor que quizás aprecias mucho pero que por sus horarios la gente hace muchas cosas para cuadrarlo.

Entonces eso requiere mucha paciencia y a veces es más fácil cuando tienes toda una infraestructura detrás, pero nuestra infraestructura es mi marido y yo, nos multiplicamos inconscientemente porque hacemos todo, para tener una independencia creativa, para que no haya nadie diciendo "cambia esto para hacerlo más comercial" o "esto u otro". Lo hacemos porque creemos de verdad que esos son los personajes que se deben contar y esa es la manera en que se deben contar.

¿En esta película al final pones "en memoria de tu abuela"?

pero que sí son rentables comercialmente y donde tú te puedes sentir limitado y financiar tus películas aunque no sean tan costosas.

Financiar las películas es con Focine o con Eficine y anualmente se abren periodos de aplicación y siempre aplican al menos 360 personas. Aunque le eché muchas ganas, hoy en día, en la primera etapa te dan una calificación y esa calificación te ayuda a pasar o no a la segunda etapa.

Entonces es volver a empezar, otra vez, y eso implica otros seis meses, otro año. ¿Y mientras tanto qué hago? También te replanteas si persistir en esto, porque te desaniman fuerte. El cine depende de mucha gente, no soy solo yo, son los colaboradores, quien financia la película, quien la escribe,

Lo que me pasó es que yo visitaba a mi abuela mientras hacía la película y justo cuando terminé la edición, ella falleció. Ya estaba grande mi abuela, pero para mí fue bonito porque muchas de las cosas que pasaban con ella están en la película y fue un bonito recuerdo de que siempre estará ahí para nosotros. Y luego Diego, mi sobrino, bromeaba diciendo "tú la mataste con la película" (risas).

¿El cine son memorias, me encanta tu cine porque todas las películas que has escrito tienen algo de ti, son memorias muy específicas, muy especiales?

Yo creo que todos le meten algo, pero hay gente más reservada. A mí no me dio pudor cubrir como una cualidad y creo que mostrar todo eso también sana algo adentro de mí al expresarlo, es una comunicación con quien lo ve, habrá quienes no, pero esa es la intención.

"EL

REINO DE DIOS"

FILME PARADIGMÁTICO

POR ALEJANDRA LOMELÍ

ENTRE LAS VISIONES que conforman el cine mexicano independiente, la de Claudia Sainte-Luce sobresale por una perspectiva profundamente personal, historias íntimas y con un interés preponderante en los personajes. "El reino de Dios", su más reciente estreno en salas de cine, es una muestra más de estos rasgos autorales, y tal como lo hiciera en "La caja vacía" (2016), la directora ha tomado inspiración en sus propias vivencias para desarrollar la historia que gira en torno a la pérdida de la inocencia y de la fe.

Neimar (Diego Armando Lara Lagunes), un niño de ocho años que vive en un pequeño pueblo, está ilusionado por hacer su primera comunión, ya que su abuela le ha asegurado que ese día conocerá a Dios. Su vida transcurre tranquila entre cuidar caballos de carreras (de los que es fanático), trabajar en un tope pidiendo dinero y ayudando a su mamá a vender tamales los fines de semana junto a su mejor amiga, Demi. Toda esta serenidad en el entorno de Neimar cambia de repente, enfrentándose a decepciones que lo harán reconsiderar su entorno, dejando de lado su inocencia.

Más que basarse en un momento biográfico, Sainte-Luce se ha inspirado en sensaciones e interrogantes por las que ella atravesó en un momento determinante durante su vida en provincia, un estado de ánimo e incertidumbres que ha trasladado a su pequeño protagonista: temas como la pérdida de la fe, la muerte, la transición a la adolescencia y los cambios de la vida misma se exploran desde la mira infantil de Neimar, permitiéndole a la directora realizar un ejercicio naturalista y elocuente del conflicto.

Son acertadas sus decisiones técnicas que van desde el uso de luz natural, sets que no fueron intervenidos y un elenco en su mayoría de actores naturales.

En la carrera fílmica de Claudia Sainte-Luce, "El reino de Dios" se vislumbra como un filme paradigmático y casi casi de ruptura al explorar un contexto diferente al de sus anteriores películas, en esta propuesta sumergiéndonos en un ambiente rural con todo y sus limitaciones, pero indiscutiblemente el escenario ideal para detonar sus intereses narrativos.

"LA MONTAÑA"

BITÁCORA CINEMATOGRÁFICA

POR ALEJANDRA LOMELÍ

¿QUÉ HA PASADO CON EL EZLN? "La Montaña", del realizador Diego Enrique Osorno coloca en el centro de su relato a algunos de sus protagonistas actuales para hablar de las revoluciones por las que ahora luchan, relacionadas todas ellas al cambio ideológico. Pero para entender el momento en que se encuentra ahora el movimiento zapatista, es necesario echar un vistazo a su pasado, Osorno lo sabe y por eso, también realiza una crónica desde que éste se formó como un grupo guerrillero hasta las decisiones que los llevaron a embarcarse en una travesía marítima en 2021, en plena pandemia, saliendo de Chiapas y con destino a España.

sino para situarnos en la actual generación de zapatistas y la ideología que moldea su gobierno, su cultura y su forma de vida, así como su lucha en contra del sistema capitalista, el principal enemigo del progreso.

Divido por capítulos, el documental es una bitácora cinematográfica del viaje en barco hecho a Europa en medio de la pandemia por una delegación de pueblos indígenas rebeldes de Chiapas. Durante la travesía en el Atlántico se relata la historia y relevo generacional del EZLN, a partir de la idea de que para cambiar al mundo hay que cambiar antes la forma en que lo miramos.

Durante más de 50 días, Osorno realiza un registro que resulta de gran valor histórico, no sólo por la hazaña del viaje,

Osorno, en colaboración con su directora de fotografía, María Secco, construyen además una pieza de notable lirismo cinematográfico, entregando panorámicas de la inmensidad de un mar que puso a prueba a los noveles marineros, pero que también alimentaba los ideales que llevaron a surcarlo.

Es la voz en off de la actriz Ofelia Medina, previo a cada inicio de capítulo, la que nos brinda información adicional, ya sea de los navegantes o del propio barco que los traslada, lo que hace que en conjunto se genere una suerte de poseía cotidiana que encuentran su contrapunto en las escenas de conversaciones grupales, las imágenes de archivo del movimiento zapatista y algunas secuencias grabadas con celular.

Aunque se inserta dentro de los documentales sociales, "La montaña" destaca por su propuesta visual y discursiva que resulta imperdible.

"LA MONTAÑA" Distribuidora: Detective

VOCES DEL EZLN

Diego Enrique Osorno, una de las voces más destacadas del documental mexicano, vuelve a estar presente en la agenda nacional con su reciente trabajo "La Montaña".

Este proyecto explora la realidad contemporánea del Ejército Zapatista de Liberación Nacional (EZLN) a través de siete de sus integrantes, casi 30 años después de su levantamiento armado.

POR CARLOS MORA

Mares del océano Atlántico son surcados por una "montaña" de Chiapas. A través de horizontes desconocidos, siete indígenas mayas navegan llevando consigo una historia de resistencia. En medio de la pandemia, el Escuadrón 4-2-1 del EZLN emprende este viaje con la misión de plantar una semilla en tierras nuevas. Esta es la historia de una montaña rebelde, una que se mueve, que no conoce fronteras y que logró saltar al agua en busca de la libertad.

¡Diego! Es un placer hablar contigo nuevamente,

especialmente sobre este proyecto tan interesante. Hace unos meses, Chiapas volvió a estar en el foco de atención debido a la situación de los desplazados. A pesar de todo, hay voces que continúan alzándose, y tú sigues dándole voz a este movimiento tan importante. ¿Qué opinas sobre ello?

Tienes toda la razón. La película se filmó en 2021, justo cuando comenzó una nueva crisis de violencia en Chiapas. Es desalentador pensar que parece no haber una salida clara, que la situación es inevitable y difícil de remediar. Sin embargo, el documental muestra que hay un grupo en

Chiapas que ha estado organizándose durante 40 años para transformar su realidad, buscando libertad y justicia. Este movimiento ha resistido a varios gobiernos de varios presidentes de México. No solo resisten, también buscan establecer redes y alianzas para cuidar las tierras que han recuperado y mantenido durante 30 años. Puede sonar grandilocuente, pero esto ocurre en las comunidades zapatistas. Deberíamos valorar que un movimiento como el zapatista exista en una región que se está convirtiendo en una "tierra de nadie". El documental “La Montaña” tiene la capacidad de mostrar lo que

está ahí, aunque a menudo no se vea.

A menudo se piensa que el zapatismo ha desaparecido desde su auge en los años 90. Sin embargo, parece tener hoy más relevancia y fuerza que hace 30 años.

Exactamente. En el documental mostramos cómo pasamos de filmar en la selva a hacerlo en el mar. La experiencia de filmar en alta mar fue única. El barco, llamado “La Montaña”, realmente se asemeja a una montaña, porque navegar en el mar es como enfrentarse a una travesía montañosa. Lo fascinante del

zapatismo es que, aunque nació como un movimiento armado, también ha desarrollado una dimensión imaginativa, buscando alternativas creativas en medio de la adversidad. Decidieron explorar redes internacionales a través de un viaje en velero, lo que refleja esa mezcla de realidad dura e imaginación.

Es interesante cómo lograste capturar esa sensación en el documental.

Durante los 20 días de rodaje, dejamos que la cámara fluyera con la compleja realidad que los zapatistas nos presentaban. Aunque estábamos en medio del mar, la historia de lucha y la visión de los siete zapatistas impregnaban cada momento. La soledad del océano generaba una intros-

pección que resonaba con la experiencia en la montaña, algo que quise reflejar en la película.

Esa intimidad se siente en el documental, especialmente con la inclusión de voces como la de Ofelia Medina, quien apoya al movimiento zapatista. ¿Cómo fue el proceso de incluir su voz?

Ofelia tiene una voz muy poderosa y envolvente, casi oceánica. Al principio, dudé en darle la voz a uno de los miembros del escuadrón zapatista, ya que quería mantener la colectividad del grupo. Finalmente, decidí que Ofelia sería la voz ideal, pues su legitimidad y conexión con el movimiento la convierten en un puente entre las nuevas

generaciones zapatistas y su historia. Quise contrastar la intimidad del zapatismo con un discurso que resonara a nivel colectivo.

Hablando de tu experiencia como periodista, ¿qué has encontrado en el documental que complemente tu trabajo?

Es una buena pregunta. "La montaña", que estrenamos en México el año pasado, generó muchas dudas sobre mi identidad como cineasta, periodista o artista. Me gusta esa ambigüedad y disfruto explorar diferentes narrativas. Para mí, contar una historia va más allá de presentar datos; se trata de transmitir una experiencia, de hacer sentir algo genuino al espectador. Mis documentales suelen ser

el resultado de un proceso de inmersión, más que de una investigación estricta.

Ganaste el Premio Anagrama de crónica por “La montaña”. ¿Cómo fue recibir este reconocimiento?

Fue emocionante, pero también un reto. Al subirme al barco, sentía la responsabilidad de registrar un viaje que era muy importante para los pueblos originarios. Tenía el compromiso de entregar algo significativo y, aunque grabé y escribí mucho de manera intuitiva, quise cumplir con las expectativas de esos pueblos. Después de terminar la película, comencé a trabajar en el libro, que se presentará en el High Festival de Arequipa y en la Feria del Libro de Guadalajara en diciembre.

SE CONVIERTE EN UN POPSTAR

Germán Bracco participa en la cinta "Technoboys", que narra la historia de una antigua boy band que, tras dos décadas fuera del radar, decide regresar a los escenarios. A lo largo de la trama, el personaje de Bracco se enfrenta a diversos desafíos, pero termina convirtiéndose en una popstar, destacando en su regreso al mundo de la música.

¿Cómo te sentiste al participar en este proyecto y trabajar con Luis Gerardo Méndez en su ópera prima como director?

La verdad, muy contento. Creo que nunca había participado en una producción tan grande y magnífica en el mejor sentido de la palabra. Llegué a este proyecto a través de una audición, un casting. Fue increíble que Luis Gerardo se interesara tanto en mi audición, al punto de ir a verme al teatro para comprobar lo que podía hacer, supongo.

Todo el proceso fue muy amoroso, desde la selección hasta el rodaje. Fue un rodaje muy ameno y divertido. Luis Gerardo, con toda su experiencia en la industria, sabe cómo dirigir, sobre todo a los actores. Para mí, fue un gozo absoluto.

La película toca el tema de las bandas y cómo la nostalgia hace que regresen. ¿Qué opinas al respecto?

Creo que la nostalgia siempre ha sido un gran elemento de mercado, y hoy en día lo es aún más. La moda y cualquier contexto sociocultural depende de la identificación, ya sea con la música, la manera de vestir, el cine, todo está interconectado.

Esta película habla de la nostalgia de los años 90, especialmente en relación con la cultura pop, algo con lo que mucha gente se identifica. "Technoboys" trata de mostrarnos cómo ha pasado el tiempo y, a veces, no somos conscientes de ello.

¿Cómo fue el proceso de ensayar las coreografías para las escenas de baile?

Fue muy particular, con muchos ensayos. Para Luis Gerardo fue una sorpresa descubrir que yo he bailado casi toda mi vida. Tomé clases de hip hop y bailes latinos desde muy joven, así que mi cuerpo ya tiene cierta facilidad para bailar. Luis Gerardo no solo encontró lo que necesitaba actoralmen-

te para el personaje, sino que también descubrió que podía bailar. Aunque mis coreografías fueron pocas y relativamente sencillas, ensayé durante dos meses. En realidad, como viste en la película, hay muchas coreografías y videoclips, así que el equipo tuvo que ensayar mucho antes para recrear los originales.

¿Alguna vez quisiste ser un niño actor o cantante en un grupo musical?

No fui parte de esa camada, aunque al principio, cuando empecé en esta carrera, sí me interesaba por moda, no te voy a mentir. Tenía ocho años y veía a mis compañeros hacer comerciales para televisión, lo cual me atraía. Insistí a mis padres hasta que me dejaron intentarlo, pero cuando tomé mi primer taller de actuación, me di cuenta de que lo que realmente quería era actuar, especialmente en teatro.

Con el tiempo, discerní

que no me interesaba ser parte de un grupo musical o hacer comerciales, y más bien me enfoqué en el teatro.

"Technoboys" también toca el tema del lenguaje inclusivo.

La película retrata perfectamente a personas que se han quedado estancadas en el tiempo, y cómo las circunstancias les muestran que eso ya no funciona. Solo cuando viven el cambio en carne propia, se equivocan o lastiman a otros, entienden por qué nuestra generación está cambiando preceptos tan básicos e importantes como el lenguaje.

Me divierte mucho que "Technoboys" incomode tanto a personas mayores de 40 años, mientras que a los más jóvenes les parece muy divertido. Ambas generaciones reaccionan, ya sea con humor o con incomodidad, lo cual es genial porque funciona tanto la sátira como la crítica.

POR CARLOS MORA

DE REGRESO A LOS 90'S

El actor argentino Joaquín Ferreira regresa a México en la cinta "Technoboys", dirigida por Gerardo Gatica y Luis Gerardo Méndez, quien debuta como co-director en esta ópera prima.

POR CARLOS MORA

En esta película, Ferreira da vida a Leo, el atractivo de la banda. La historia transcurre en la actualidad, pero incluye ciertos flashbacks a los años noventa en México. Estos recuerdos noventeros generarán una conexión con la audiencia que vivió esa época de primera mano, y también cautivarán a las generaciones más jóvenes.

¿Cómo el reencuentro con Luis Gerardo y cómo es como director en este debut?

Luis Gerardo es una persona que yo quiero muchísimo, ya que somos amigos. Él fue una persona que influenció mi carrera muchísimo porque él estuvo en el casting de club de Cuervos y él y Gary me escogieron. Entonces y ahora que ahora yo estaba filmando una película en Argentina y me marcó él por teléfono y me dijo Joaco, estoy por dirigir mi primera película y me encantaría que estuviera. Fue muy bonito, me puso muy contento que él me esté llamando para su primera película como director.

Y el otro día me dijo que como que se quedaba con unas cosas muy especiales de esta cinta, sobre todo con los reencuentros en especial con Karla Souza y conmigo. Es una persona que yo admiro muchísimo, que quiero mucho realmente y volver a filmar con él. Es una persona que yo admiro mucho, es muy buena gente Me dieron mucha libertad para crear el personaje. Tanto él como Gatica, pero me dieron

mucha libertad para crear el personaje, para jugar, para improvisar. Realmente estuvo muy divertido.

¿En que boy band te inspiraste para hacer tu personaje?

Para crear esto estuve debiendo mucho a The Five a The bastreck boys, que son mas bandas de Estados Unbidos.

También tuvimos que bailar muchísimo, entonces tuvimos que estudiar baile, estudiando también el canto. Aunque mi voz no es muy de cantante, (risas).

Estuvimos preparando el personaje con coreógrafa y con técnicos de voz.

¿Plantea mucho también el tema de la nostalgia?

La gente se va a sentir identificada mucho con la época de los 80 y 90. A mí me pasó mucho filmando que recordaba un montón de momentos que estaban borrados en mi cabeza, y sobre todo, bueno, yo no solamente era pequeño, pero recordaba los viajes en auto con mi padre y la música sonando en el carro, escuchando la radio. Yo creo que estas películas hacen que uno toque ciertos momentos en su vida, vuelva a hacer contacto con eso. Eso, bueno, es muy bonito.

¿Es un regreso a México?

Yo viví más de 10 años aquí y yo me siento de mi hogar realmente, porque tengo grandes amigos. Es como mi familia México. A veces, cuando regresé a vivir

a Argentina, no me sentía en mi casa, me costó casi tres años sentirme en mi hogar.

Y ahora vengo a México y yo me siento en mi hogar en México, entonces este es un país en el cual voy a estar. Es un país que yo voy a estar viniendo siempre, casa, lugar. Así que estoy muy contento también de volver a filmar aquí.

¿Hablando de nostalgia, la serie de "Club de Cuervos" fue una gran serie , que opinas?

A mí me da muchísimo orgullo, la verdad, porque nuestra serie fue la primera serie de Netflix de habla hispana. Estaría increíble, la verdad, que en algún momento hagan un reencuentro de "Club Cuervos".

Pero yo me siento con mucho orgullo de eso, de haber sido. Yo soy el primer argentino en una serie de Netflix. Entonces yo creo que, pues nada, la verdad siento orgullo y mucha nostalgia también de esa serie. Hay tantas plataformas y tantos proyectos que luego, no sé, hay muchas cosas que yo hice que gente aquí en México no vio.

Y en otros países sí. Y luego hago cosas aquí que en otros países no se ven por ahí. En otros países sí, o sea, hay tantas cosas. No he parado de trabajar, por suerte.

Para mí está padrísimo que haya tantas plataformas porque los actores estamos cambiando todo el rato, que es lo que que-

remos. Esto es mi carrera, pero al mismo tiempo es mi pasión. Y que haya tanto trabajo y que no nos encasillen en novelas o en cine y uni puede hacer de todo, es buenísimo.

¿Para ti qué es este personaje "El potro" tan icónico también que te sigue recordando la gente con este papel?

Aquí en México "El potro" ha sido muy fuerte, realmente la gente en la calle todavía me sigue diciendo ese nombre, a pesar de que haya hecho un montón de otras cosas. Pero bueno, cuando me regresé Argentina a vivir, la gente no me conocía por "El potro". Es como que tengo doble personalidad.

¿Cuale es el mensaje que deja la pelicula?

Si bien es una comedia, da un mensaje. Creo que ese mensaje está súper bien. O sea, yo creo que el machismo, el racismo, hay que atacarlo de todos lados, diciendo que una forma de atacarlo es mediante la comedia también.

Y el lenguaje, bueno, eso ya veremos si se habla o no con lenguaje inclusivo, pero sí me parece súper importante que se haga mención del machismo, del racismo que todavía está muy presente en nuestra sociedad.

"HAGO EL CINE QUE ME GUSTA VER"

LEONARDO ORTIZGRIS

El actor protagoniza "No Negociable", un thriller de acción dirigido por Juan Taratuto. Ortizgris interpreta a Vicente Zambrano, un hombre común que se ve envuelto en una red de corrupción y crimen, donde sus principios y su vida se ponen a prueba. La trama gira en torno a un dilema moral: ¿hasta dónde se puede llegar cuando la integridad está en juego?

POR CARLOS MORA

¿Cómo fue adentrarte y crear este personaje que es un antihéroe?

Sí, diste en el clavo. Es una persona que, como antihéroe, expone los vicios y las tentaciones del ser humano, como dirían los sabios de la dramaturgia. Trabajé precisamente sobre esa base y sobre cómo estaba escrito el personaje desde el principio. Es un personaje lógico, que crece en su necesidad de justicia.

Vicente comienza con una búsqueda de justicia debido a una tragedia personal y familiar, pero esto se va intensificando hasta convertirse en un problema social a nivel nacional. El personaje sigue un camino lógico, muy bien escrito, y me basé en esa progresión para poder interpretar a Vicente.

Además, poder trabajar en una película de género, con un toque de comedia bien colocado, le da frescura y logra que el espectador se mantenga atento durante

esos 90 minutos. Después de todo, ¿quién no ha soñado con hacer algo así con los políticos y algunos otros?

¿Cómo describes la película?

Es una película que, a primera vista, podría parecer simple y puro entretenimiento, pero creo que tiene una vuelta de tuerca que la distingue de las típicas películas de acción con comedia. Esa vuelta es lo que hace que el espectador no solo disfrute de la historia, sino que se quede con otra sensación, con ganas de reflexionar y comentar más allá de la anécdota misma.

La película es una crítica a los políticos, ¿cómo fue abordar este tema?

Creo que ese fue uno de los elementos que más me sorprendió al leer el guion. Pensé: “¿En serio nos van a dejar hablar de esto?”. Porque hay que manejar ciertos temas espinosos con mucho cuida-

do. Pero nos dieron libertad, incluso algunos actores añadieron cosas de su propia cosecha. Es una historia en la que muchos nos sentimos identificados y reflejados, no solo en México, sino en toda América Latina.

Gran parte del equipo era latinoamericano: había argentinos, colombianos y peruanos. Todos sabíamos perfectamente de lo que estábamos hablando. La película aborda el problema que tiene la clase política para conectarse con la sociedad, y cómo no nos sentimos representados por ellos.

Un acierto de la película es la dupla que hacen tú y Mauricio Ochmann, tú en el drama-thriller y él con sus toques de comedia.

Sí, fue muy interesante cómo lo trabajó Taratuto, el director. Tuvimos varias sesiones de trabajo en mesa antes de comenzar a filmar. Ya conocía a Mau de un proyecto anterior, lo cual ayudó mucho

porque el hielo ya estaba roto, así que pudimos trabajar de manera más relajada. Eso facilitó el proceso de contar esta historia.

Sin embargo, después del primer día de rodaje, Mau y yo no nos vimos hasta el final de la filmación. Todas las escenas en las que interactuamos fueron grabadas en tiempos diferentes. A veces recibía mis réplicas el día anterior, o las suyas ya estaban grabadas, o las escuchaba del asistente de dirección. Otras veces escuchaba una grabación de Mau que no era la versión definitiva de la escena.

El trabajo de montaje fue fantástico. Estábamos reaccionando a estímulos que no sabíamos si eran los que realmente daría el compañero en la escena final. Fue un experimento interesante, como si estuvieras cocinando un pastel sin ver todos los ingredientes al mismo tiempo. Pero gracias al trabajo del director y del editor, el resultado fue increíble.

También estuviste en Festival Internacional de Cine de Locarno. Cuéntame sobre tu experiencia con "México 86".

Fue increíble, de verdad. "México 86" es una película que filmé en Guatemala el año pasado; estuvimos unas seis semanas en Guatemala y una semana y media en México. Es una coproducción entre Francia, Bélgica, Guatemala y México. La película fue seleccionada para ser una de las invitadas en el festival de Locarno, que es uno de los festivales más antiguos, con 77 años de historia.

La presentamos en la “Piazza Grande”, una plaza pública donde se reúnen unas 800 personas para ver la película al aire libre. Fue una experiencia brutal, ver tanta gente ahí disfrutando del cine. Yo soy de esas viejas almas que creen que el cine se ve mejor en el cine, porque realmente es una experiencia colectiva. Te contagias de las emociones de los demás.

Ver una comedia en una sala de cine es muchísimo más satisfactorio que verla en casa. Lo mismo pasa con un thriller. En el cine, en colectivo, te sumerges en una conversación emocional muy distinta a la que tienes viendo una película en soledad, en tu pantalla o computadora.

¿Y cómo recibió la película la gente de Europa?

Creo que la interpretación que hace el público europeo de

una historia tan latinoamericana es muy distinta a la que tendrá el público de nuestra región cuando esta película llegue a Latinoamérica. Es urgente que lo haga, que se difunda más esta historia y que también se conozca más sobre Guatemala. A pesar de ser vecinos, incluso nosotros sabemos muy poco de nuestros hermanos guatemaltecos.

Estas dos películas "No Negociable" y "México 86" hablan del tema político, ¿qué opinas?

En "No Negociable", se aborda un tema muy actual: la falta de representación que siente la gente frente a la clase política y sus gobernantes. El cinismo y la hipocresía de los políticos hacia la sociedad es evidente; parece que se han olvidado de nosotros y sirven a otros intereses. Vemos cómo la clase política se ha distanciado del pueblo, y eso es algo con lo que muchos se sienten identificados.

En "México 86", también se abre una ventana para contar la historia de un país que vivió una etapa violenta y atroz. La esperanza es que, al conocer esa historia, no se repitan los mismos errores. Sin embargo, parece una tarea inútil. Basta con mirar a otra latitud, como Palestina, donde la gente protesta en las calles pidiendo el fin de un genocidio, y los gobiernos no hacen nada. No han logrado detener a ese gobierno que sigue masacrando a niños, mujeres y civiles.

Al final, es un reflejo de lo que pasa en la actualidad.

El cine es una ventana y un espejo en el que puedes mirarte, abrirte y expandir tus universos. Por eso me encanta hacer el cine que hago. Tengo la gran fortuna de no solo ser actor y vivir de lo que hago, sino también de poder crear el cine que me gusta ver. Hago lo que me hace sentir orgulloso, lo que considero necesario.

Este año se cumplió una década de la cinta "Güeros" del director

Alonso Ruizpalacios. ¿Qué sentimientos te trae?

Ha sido un reencuentro hermoso con "Güeros", no solo por lo que significa creativamente y por haberme abierto la puerta a hacer más cine, sino también por la relación afectiva que tengo con Alonso y con Ilse Salas. Hace poco me los encontré aquí en España, donde invitaron a Alonso a un festival en Valencia. Nos vimos y nos dimos cuenta de que los años no pasan en vano. Éramos unos jovencitos imberbes, ávidos de contar nuestras

historias con una frescura y naturalidad que nos conmovió. También vimos que ya estábamos “rucos”, pero fue muy bonito poder ver "Güeros" con Alonso e Ilse diez años después. A mí no me gusta mucho verme en las películas, porque siempre estoy viendo el “cosido del muñeco”, por decirlo de alguna manera. Sin embargo, después de diez años, verte también es parte de un aprendizaje. Aprendes viéndote. Aunque a uno no le guste, hay que hacerlo para saber qué estás haciendo y cómo lo estás haciendo.

Realizada en 1985, por el cineasta Jorge Prior la película El ombligo de la luna se rodó los días que siguieron al devastador terremoto del 19 de septiembre. El director salió a filmar la ciudad derrumbada, escenario inmejorable para representar una ficción futurista. Ficción y crónica se entrelazan en una distopía que recupera dos imaginarios: el de una ciudad apocalíptica, con elementos tecno-prehispánicos, y el de la ciudad real devastada, que acaso y sin saberlo fundó una nueva sociedad en el país.

¿Cómo te sentiste al volver a ver la cinta después de tantos años?

Es la primera vez que la veo en pantalla grande. Aunque seguramente la vi hace 38 años en esa misma condición, no lo recuerdo. Es emocionante recuperar un trabajo que, de manera pesimista, pensé que se había perdido y diluido en el tiempo. Muchas de mis películas son difíciles de visualizar porque mi primera película está en 16 mm, y en la filmoteca también es un poco complicado acceder a ella. Esta, que era una pelícu-

la de 35 mm, también tenía copias de muy mala calidad. Uno, irresponsablemente, la deja de lado hasta que llega gente de afuera y te dice: “¿Tú hiciste eso?”.

Hay que resucitarla, revalorizarla, y entonces entras en este proceso de revisar qué fue lo que hiciste. Empiezas a usar todas estas nuevas herramientas tecnológicas para rescatar el material. Queda uno mismo sorprendido por lo que hizo. Este es un impacto importante, porque un libro lo puedes leer después y ya, pero una película, y sobre todo verla en estas

HAY QUE MIRAR AL PASADO, PARA DARLE CONTINUIDAD AL CINE

MEXICANO: JORGE PRIOR

"El ombligo de la luna" cinta del director Jorge Prior es considerada como una película de culto, durante décadas solamente se podía conseguir en formato VHS y en pésimas condiciones. Este año, tras más de 30 años y con el apoyo de Estudios Churubusco, la cinta ha sido restaurada y ha recuperado su mejor versión posible.

POR CARLOS MORA

condiciones, tiene un efecto distinto. Podía seguir viéndola en un televisor lleno de ruido, pero verla restaurada fue muy impactante y emocionante.

¿Qué interpretación le das ahora a la película?

Como realizador, lo que estoy haciendo es observar las reacciones de la gente que la ha visto y también la mía. Eso es lo más importante: sigue vigente. No se ve vieja; no parece una película antigua. Además, porque está hecha en un espacio atemporal, en una época que no existe.

Tiene elementos kitsch y de humor que permiten que siga siendo relevante. Ver estas reacciones y escuchar a otras personas decir “es que está padre, es que está bien” es muy sorprendente y satisfactorio. Empiezo a preguntarme quién era yo cuando tenía 32 años y cómo surgió este proyecto, quién me ayudó a hacerlo y cómo lo logramos. Esto también se convierte en una reflexión personal importante: ver lo que has hecho en

tu trabajo y en la vida, y rescatar muchas de esas cosas. Te dan ganas de volver a mirar lo que hiciste en el pasado, que había quedado un poco en las gavetas cerradas de la memoria, y es hora de abrirlas de nuevo.

Hablemos de la importancia de la restauración del cine mexicano. Es un programa fundamental que ha realizado el Imcine, que es muy joven, ya

que creo que apenas tiene dos o tres años. Hay películas valiosísimas en nuestro cine. Las nuevas tecnologías, como la corrección de color, la digitalización y los formatos 4K y 8K, permiten ver esas películas como si se hubieran estrenado ayer, lo que les da un valor adicional. Podemos reflexionar sobre su impacto. Han hecho rescates maravillosos de las películas de Gabriel Figueroa y de muchas otras.

Esto implica mucho más trabajo que lo que he hecho, ya que esas películas enfrentaban mayores problemas técnicos. Sin embargo, es una labor crucial para tener una historia más clara del cine mexicano y disfrutar viendo películas que forman las bases de lo que se hará en el futuro. Creo que hay mucho cine nuevo mexicano que debería mirar hacia el cine clásico. No para imitarlo ni copiarlo, sino para continuar una tradición de calidad en la imagen y en las historias, que son profundas. Por ejemplo, ahora se habla mucho de la violencia en el cine. Creo que el cine mexicano tiene una riqueza que va mucho más allá de esos temas, y es nuestra responsabilidad como cineastas recuperar esas historias fuertes, así como comedias y otros géneros. Tenemos esa tradición y esa historia. Por lo tanto, hay que mirar al pasado no para copiarlo, sino para darle continuidad al cine mexicano.

Me llamó mucho la atención que la computadora era una obra de Sebastián. ¿Cómo la planteaste hace 30 años?

Conocí a Sebastián y le pregunté cómo íbamos a crear

una computadora del futuro. Se alcanza a ver la impresora, y pensamos que eso en dos años no iba a servir. Teníamos que tener algo loco, desproporcionado. Entonces, decidí que debía ser una escultura. No solo hablé con él, sino también con otro escultor. Claro, tenía que ser una pieza escultórica que se pudiera manipular. Lo interesante de la escultura de Sebastián es que se desdobla y es como un cubo de rugby. Podíamos jugar con ella y armarla de diferentes maneras, sin referencia alguna que indicara si era moderna o no. Es un aparato extraño, y funcionó.

La cinta tiene escenas que fueron grabadas durante el sismo de 1985. ¿Cómo grabaste en ese entonces para mantener un archivo que ahora es histórico?

Hay lugares emblemáticos, como el condominio Juárez. También se puede ver el derrumbe del edificio, algo que veíamos en las noticias, pero aquí queda plasmado. Yo estaba presente y capturé todo el caos que realmente se vivió en ese momento. No lo estoy viendo desde un punto de vista documental ni estoy hablando de la solidaridad y todo lo que sucedió en esos años, que es muy importante, y también hay que hablar de eso. Creo que el cine en ese momento dejó testimonios significativos. Mi testimonio proviene de una perspectiva irreal y del futuro, pero ahí está. Así era, así estaba la ciudad. Creo que los cineastas tenemos que tener suerte, y creo que tuve la fortuna de encontrar muchas cosas y de participar en muchas otras.

CRÍTICA AL MALINCHISMO Y A LOS POLÍTICOS

El director Edgar San Juan compartió su experiencia al realizar su ópera prima "Casi el paraíso", una adaptación cinematográfica de la novela homónima de Luis Spota.

¿Cómo fue que llegó esta película?

Es una novela que yo había leído desde que era adolescente. A mi mamá y mi papá son les gusta mucho el escritor Luis Spota, de un libro que estaba ahí. Lo había leído de chavo y siempre me había me había dejado una heririta abierta esta novela, que es lo que hacen las buenas novelas cuando te dejan algo en tu corazón. Y me había encantado la crítica al malinchismo que tenemos, al complejo de inferioridad que tenemos con los extranjeros, la crítica a esta élite social y política y al clasismo. Entonces fue así que hace 10 años compré los derechos de la novela y empecé a desarrollar el proyecto para

"CASI EL PARAÍSO"

Distribuidora:

Cinépolis

Distribución

hacerlo realidad, cosa que no ocurrió sino hasta 2023 que pudimos juntar todos los factores. He escrito guiones y he producido muchas películas, pero no había pensado en dirigirla hasta que los astros se acomodaron.

La verdad es que yo estoy como muy orgulloso porque creo que parece una película más grande y más madura de lo que para un neófito como yo de director. Y creo que se cuenta muy bien, se disfruta. Y justo cuando se alinearon los astros, nos permitió pensar en dirigirla.

Y tuve el acompañamiento de un ensamble actoral increíble y amoroso.

¿Cómo fue también hacer todo este elenco?

Tuvimos un director de cast que es excepcional, Empezamos a soñar con Miguel Rodarte, fue increíble contar con primero con un gran director de casting y luego con un gran guión que generaba interés.

Entonces cuando le proponíamos el guión a un Miguel Rodarte, pues Miguel Rodarte regresaba y decía esto está increíble, me encanta.

A una Yuriria del Valle, a un Enrique Arreola, a un Alberto Estrella, detrás traíamos a una gran novela.

¿Cuál fue tu experiencia como director?

Mi experiencia fue increíble. Contar con un elenco actoral fue como lo tene-

mos es magnífico y con un crew como lo tuvimos fue magnífico.

Y creo que después de haber sido guionista y productor por tanto tiempo, hacer esta ópera prima, que creo que es una de las óperas primas más caras de la historia de México, creo que me gané mi lugar como para dirigir esta película y creo que me interesa seguir explorando esa manera de compartir historias con nuestra audiencia. Me interesa seguir escribiendo y dirigiendo.

POR CARLOS MORA

"THELMA: UNA ABUELA EN ACCIÓN"

Distribuidora: Cine Caníbal

"THELMA: UNA ABUELA EN ACCIÓN"

UN RELATO CON MUCHO CORAZÓN

POR ALEJANDRA LOMELÍ

Es curioso que en más de 70 años de carrera y con 94 años de edad, June Squibb al fin obtuviera su primer papel protagónico, aunque también es cierto que dentro del gremio de actores existen intérpretes que nacieron para ser estelares y aquellos especializados en papeles de reparto, división en la que ha brillado la actriz estadunidense.

La película que le brinda esta oportunidad a la actriz nominada al Óscar es "Thelma: una abuela de acción", ópera prima de Josh Margolin, quien escribe una comedia ligera y tierna que reivindica el potencial de los personajes veteranos y, por consiguiente, a las actrices de edad avanzada. Particularmente, destaca el respetuoso acercamiento que realiza Margolin a su personaje, una mujer con mucha determinación y sentido de la justicia, entregando a Squibb el escaparate ideal para su lucimiento histriónico, que va de la comedia hasta breves aspectos dramáticos, además de un trabajo físico que le demandó manejar un scooter, realizar largas caminatas y una que otra escena de acción.

La historia sigue a Thelma Post, una abuela de 93 años que cae en las mentiras de un estafador telefónico (Mal-

colm McDowell) que se hace pasar por su nieto. Es entonces cuando Thelma emprende una peligrosa búsqueda por Los Ángeles, acompañada por su amigo (Richard Roundtree) y su scooter motorizado, para recuperar lo que le quitaron.

Es un deleite presenciar la cándida interpretación de June Squibb, quien lleva sobre sí el peso de la película, revelándose como una actriz total y cautivando con su perfecto dominio del timming cómico, mientras la trama nos revela una inesperada road movie que remite a las películas más emblemáticas de misiones que parecen imposibles. Como dato extra, ha sido la propia actriz quien realizó muchas de sus acrobacias en la cinta.

"Thelma: una abuela en acción" es una historia con mucho corazón, una película que en su aparente sencillez condensa una reflexión poderosa y emotiva sobre la maldad y bondad implícita en las acciones que cada persona toma. Y no sólo es Squibb quien brilla, todo el elenco sobresale.

Más allá de las virtudes de la cinta, Thelma es un suceso imperdible, la evidencia de que nunca es tarde para llegar a la cima.

UNA FORMA DE RETRATAR EL DUELO

"Todavía Conmigo" es el más reciente largometraje del director Alfonso Pineda Ulloa, un viaje desgarrador y cautivador filmado en los impresionantes paisajes de Baja California. Protagonizada por Bárbara López (Mariana) y Luis Ernesto Franco (Daniel), la película narra la historia de una pareja que busca un cierre emocional. Tras la muerte de Mariana, Daniel se aferra desesperadamente a su recuerdo y emprende un viaje en moto desde Tijuana hasta La Paz, en busca de respuestas y de paz interior.

POR

CARLOS MORA

Esta película parece ser muy personal para ti.

¿Cómo surgió el guion?

Sí, es una película muy personal. Creo que es la más personal que he hecho hasta ahora. Todo comenzó mientras trabajaba en la cinta "Dos más dos", uno de mis compañeros me preguntó cómo iba el tema con mi madre. Hace unos siete u ocho años, ella comenzó a sufrir de demencia, y fue un proceso muy doloroso.

La persona que conocía como mi madre ya no estaba, aunque su cuerpo seguía presente. La idea de que no me reconociera a veces fue muy difícil de aceptar. Durante ese proceso, alguien me envió un guion sobre una separación. Al leerlo, vi una conexión profunda entre lo que estaba viviendo con mi madre y lo que le sucedía al protagonista de la historia de “Todavía Conmigo”. De alguna manera, su duelo por la separación era muy similar al duelo que yo atravesaba con mi madre.

¿Ese guion te ayudó a sobrellevar tu propio duelo?

Totalmente. Leer el guion me ayudó a entender mejor mis propios sentimientos. Daniel (Luis Ernesto Franco), el protagonista, pierde a Mariana (Barbara López) de un día para otro y no puede dejarla ir, lo que me recordó mucho a mi situación con mi madre. Había días en los que ella no estaba “presente”, pero otros en los que sí me reconocía. Ese vaivén emocional, esa montaña rusa, me permitió conectar profundamente con el personaje de Daniel. Entendí su necesidad de aferrarse a alguien que ya no está, de no querer iniciar el duelo porque eso implica aceptar una pérdida.

¿Podrías decir que dirigir esta película fue una forma de catarsis para ti?

Absolutamente. La película fue mi forma de hacer catarsis. Desde las reescrituras hasta la edición, el proceso me ayudó

a sanar. De hecho, la edición fue la parte más difícil, porque en ese tiempo perdí a tres personas muy queridas: mi tía, mi madrina y mi padre. Mientras editaba la película, me enfrenté a todas esas pérdidas, y fue un proceso emocionalmente intenso, pero también liberador.

¿Cómo influyó esta experiencia personal en las decisiones visuales de la película?

El guion ya situaba la historia en Baja California, en un viaje de Tijuana a La Paz. Cuando exploré las locaciones, me di cuenta de que esos paisajes representaban, para mí, las diferentes etapas del duelo. La inmensidad del desierto, la belleza que a veces ignoramos cuando estamos atrapados en nuestro propio dolor... Todo eso quise reflejarlo en la narrativa visual.

Los paisajes no solo son un escenario, sino que forman parte del viaje emocional de los personajes. Mariana, de alguna

manera, le dice a Daniel: “Sigue viviendo, mira todo lo que tienes a tu alrededor”.

Luis Ernesto se muestra muy vulnerable en la película, algo que no es común en sus personajes. ¿Cómo fue trabajar con él en este aspecto?

Luis Ernesto estaba completamente comprometido con la historia. Él también estaba atravesando un duelo personal, lo que le permitió conectar profundamente con su personaje. La vulnerabilidad es algo que no solemos ver en muchos personajes masculinos en el cine mexicano.

Hay una expectativa cultural de que los hombres no deben mostrar sus emociones, y creo que eso le dio a la actuación de Luis Ernesto un impacto aún mayor. Mi trabajo fue dosificar esa vulnerabilidad para que la película no resultara agotadora para el espectador. Quería que la audiencia sintiera, pero sin abrumarse.

TODOS SOMOS MIGRANTES EN ESTE MUNDO: ANIKE TOURSE

La película de ficción "America's Family", escrita, dirigida y actuada por la estadounidense Anike Tourse, refleja la realidad de muchas familias migrantes. En una entrevista con la revista Cameo, la cineasta habla sobre su cinta, que narra cómo una familia es separada cuando el ICE (Servicio de Control de Inmigración y Aduanas de los Estados Unidos) allana su casa y arresta a la madre mexicana por no tener documentos. El padre, de procedencia salvadoreña, se ve obligado a esconderse, mientras que el hijo mayor es enviado a México. Además, Jorge Mario Cabrera, director de Comunicaciones de CHIRLA (The Coalition for Humane Immigrant Rights Los Angeles), comenta sobre la situación que enfrentan miles de migrantes en Estados Unidos.

POR CARLOS MORA

Anike: ¿Cómo fue el proceso de hacer la película?

Fue muy interesante porque en este proyecto tuvimos actores profesionales, activistas y también miembros de la comunidad. Tenemos mucha suerte de contar con el apoyo de CHIRLA, la Coalición de Derechos Humanos de los Inmigrantes, y la experiencia hacia la película fue significativa; llevamos más de 20 años trabajando en ello. Filmamos en México, en Oaxaca y Tijuana, así como en California, Estados Unidos. La experiencia fue un poco diferente a muchas películas, pero, en mi opinión, fue enriquecedora.

Anike, ¿por qué decidiste contar esta historia?

El lugar de mi infancia está en el noreste de Estados Unidos, en Boston, Massachusetts. Pero me mudé a Los Ángeles hace 23 años, y en California no tuve amigos de inmediato. Mis primeros amigos fueron una familia de México que era indocumentada. Ellos necesitaban explicarme su situación, y yo estaba sorprendida porque no conocía esa experiencia. Así que tuve muchas preguntas; no entendía por qué no tenían una identidad en EU o cómo era posible. Después de muchos años, comprendí mejor la situación.

Siempre quise hacer algo, así que escribí porque mi primera profesión es escritora y actriz; escribí el guion. Además de investigar las experiencias de las personas en México.

Jorge: ¿Qué aporte da esta película en este tiempo de elecciones en EU?

La película da voz a quienes no tienen voz. Nos recuerda tanto al pueblo estadounidense como a los políticos que prefieren olvidarnos durante las elecciones que no nos vamos a ningún lado; somos parte integral de esta nación.

Contribuimos a su bienestar y debemos recibir atención no solo en el momento de querer nuestro voto, sino también en la resolución de una situación que ya es verdaderamente inestable para el pueblo estadounidense, que tiene a más de 11 millones de migrantes viviendo irregularmente en el país. Ya casi han pasado 40 años desde la última vez que el Congreso aprobó una reforma migratoria.

Por lo tanto, ya es hora, ya es tiempo. Hablar del inmigrante ya no significa referirse solo a un mexicano o mexicana que vino aquí en busca de trabajo; significa hablar de familias enteras que tienen hijos que hablan solo inglés o diferentes idiomas y que viven aquí, en este país, en una diversidad de razas. Por eso esta película es tan importante hoy y mañana, hasta que los países y los gobiernos enfrenten el hecho de que la migración es una condición humana que merece ser tratada como tal.

Jorge: Al final de la película, presentan unas cifras bastante impactantes. ¿Cómo ha sido el proceso de trabajar con estas estadísticas sobre migrantes, deportados y todos los datos que presentan en la película?

Bueno, CHIRLA lleva 36 años ofreciendo servicios y apoyo, realzando la realidad de los migrantes en EU. Ahora hemos extendido nuestro trabajo a brindar asistencia humanitaria a migrantes en México, especialmente en Pachula, Tijuana y la Ciudad de México. Aportamos positivamente a la nación. No abordamos este tema con la idea de que nos falta, sino que contribuimos a la nación y recordamos eso a los políticos. Organizamos a la comunidad, los registramos para votar, les enseñamos cómo deben votar

y educamos a los jóvenes en las escuelas, abogando por cambios en las leyes. De manera cultural, también llegamos al corazón del público con películas como esta. Creemos que de esta manera, tal vez podamos lograr que el público estadounidense, quien realmente empuja a los políticos, diga que ya es tiempo de que se dé una reforma migratoria y de que estos cambios permanentes se implementen, no solo para el bien de la comunidad migrante, sino también para el bien del país.

Y, justo en relación a eso, Jorge, ¿cómo vislumbras el panorama en este momento electoral?

No podemos entrar específicamente en el campo de qué candidato creemos que ganará, porque ese es un tema político sobre el cual nuestra organización no puede opinar. Lo que sí podemos decir es que, en cuanto a políticas migratorias se refiere, no apoyamos ideas que vayan a destrozar o romper familias, como lo proponen algunos. Querer deportar a millones de personas cuando se llega a la presidencia no es humano, no es práctico, no es justo, y no es bueno para el país. También queremos que aquellos candidatos que deseen el voto de la comunidad latina, inmigrante y progresista, propongan soluciones que atiendan la situación que llevamos viviendo durante 40 años.

Tenemos miembros en CHIRLA que han dedicado su vida a esta nación y aún no pueden visitar las tumbas de sus seres queridos en México. De eso se trata: de humanidad, dignidad y reconocimiento hacia nuestra comunidad. El político o la política que se presente con mejores opciones será probablemente apoyado por el pueblo estadounidense.

UNA FASCINACIÓN POR LA CRIMINALIDAD "GUASÓN 2"

POR ARMANDO ARMENTA

LA MAGISTRAL actuación de Joaquín Phoenix y su Joker regresan en una esperada secuela, ahora convertida en un musical y coprotagonizada por Lady Gaga en el papel de una Harley Quinn más independiente y menos sumisa que de costumbre.

La cinta retoma los acontecimientos de "Joker" (2019), con un Arthur Fleck abatido y despojado del poder anárquico que mostró al final de la primera película. Internado en el famoso Arkham Asylum, el protagonista sufre nuevos abusos y humillaciones por parte de las autoridades del lugar.

Si en Joker se buscó desentrañar el génesis del comportamiento de Fleck, en esta nueva producción se hace más evidente la intención de desmitificar la supuesta “maldad” que habita dentro del personaje, justificando, en ocasiones, sus acciones por medio de una doble personalidad y, en otras, como una condición propia de todo ser humano.

Dejando de lado su supuesta enfermedad mental, su popularidad en Ciudad Gótica es evidente. Contrario a lo que se podría pensar, sus crímenes, claramente condenados por una parte de la sociedad, son celebrados y apoyados por otros, llegando a formar una suerte de “club” de fans que le otorgan una glorificación digna de un santo. Esta idolatría por la criminalidad,

más que ser parte de la ficción, es un reflejo de una sociedad que, cansada de las constantes presiones por ser un ente recto en una comunidad funcional, termina por orientar sus voluntades hacia el polo opuesto.

La cinta, fiel espejo de nuestra realidad, recuerda la fascinación actual por criminales como Jeffrey Dahmer, Ted Bundy y cientos de casos más cuyas historias son suficientes para crear series televisivas que generan rating. De hecho, incluso dentro de la misma película se menciona que hay una cinta que aborda la historia de los asesinatos de Arthur Fleck.

Llevando al límite esta alabanza hacia el Joker, el protagonista conoce a su Harley Quinn, enamorándose de ella inmediatamente y generando alucinaciones que son el hilo conductor de los números musicales de la cinta, los cuales sirven como pretexto para ambientar la historia en un tono de cabaret y mostrar los atuendos clásicos del famoso villano de DC.

Arthur Fleck, ya sea enfundado en su llamativo traje de payaso o enclaustrado en su mísera celda, baila, ríe, llora o simplemente se queda de pie, susurrando una súplica que nadie en la cinta logra escuchar, reflejando nuestra propia incapacidad de entendimiento no solo de los demás, sino de nosotros mismos.

Distribuidora:

"GUASÓN 2"

Warner Bros.

"BEETLEJUICE 2"

Distribuidora: Warner Bros.

UN TERROR ABSURDO QUE NO ENVEJECE "BEETLEJUICE 2"

¡BEETLEJUICE, BEETLEJUICE, BEETLEJUICE!

Uno de los personajes más icónicos del cine, surgido de la mente del director Tim Burton, regresa a la pantalla grande de la única forma en que este extravagante fantasma sabe hacerlo: rompiendo las reglas.

La historia continúa a partir de la primera película, pero situada varios años después. Una Lydia mayor, ahora madre de una hija adolescente, se encuentra nuevamente atrapada en un enredo paranormal. Sin otra salida, debe contactar a Beetlejuice y ceder ante sus inapropiadas peticiones para, como si de un déjà vu se tratara, enfrentar una vez más el distorsionado ajedrez que se juega entre vivos y muertos.

La cinta, protagonizada por rostros familiares como Michael Keaton, Winona Ryder y Catherine O’Hara, también introduce nuevos talentos como Jenna Ortega y Arthur Conti. Estos actores aportan subtramas que, al final —y en el mejor sentido—

convergen en una absurda historia de terror tan fresca como entretenida.

Los terroríficos escenarios y los personajes extravagantes son el aderezo perfecto para esta secuela, que añade creatividad a un inframundo no dominado por la tristeza ni el oscurantismo, sino que, en sintonía con el tono del filme, se muestra luminoso y lleno de comicidad.

Los efectos especiales se alinean con el estilo de la primera entrega; sin pretensiones excesivas, logran honrar a personajes clásicos como Bob o el gusano de arena. Los antagonistas también tienen su protagonismo y, sin ocultar su esencia, se destacan en varias escenas clave.

Años después, Beetlejuice, lo espeluznante, lo absurdo y la fantasía se entrelazan en todos los rincones del universo fantasmagórico de este carismático exorcista. Y ahora que está de regreso, con renovadas intenciones de salirse con la suya, surge la pregunta: ¿lo logrará esta vez?

POR ARMANDO ARMENTA

TIEMPO DE FACTURAR

La serie de comedia "Somos Oro" sigue la historia de dos amigas, Vanessa (interpretada por Diana Bovio) y Marilú (Michelle Rodríguez), quienes están cansadas de sus vidas monótonas y precarias. En un intento por mejorar su situación económica, deciden lanzarse al mundo de los negocios creando GoldenLife, una empresa de productos multinivel. Sin embargo, sin ninguna experiencia previa en el ámbito empresarial, ambas se enfrentan a los desafíos y absurdidades del mundo de los esquemas piramidales.

POR CARLOS MORA

La serie mezcla humor y realismo, la trama destaca temas como la ambición, el esfuerzo por escapar de la rutina y las dificultades de manejar un negocio desde cero, todo bajo una lente cómica y crítica.

Dirigida por Marco Polo Constandse y Gabriel Ripstein, "Somos Oro" destaca por su enfoque en temas como la ambición y las dificultades económicas, mientras sus protagonistas lidian con situaciones absurdas y retos familiares.

Michelle: ¿Cómo te sientes de participar en la serie?

Polo y Gabriel nos llamaron para participar, estuvimos en el casting y fue ahí donde nos encontramos Diana y yo. Lo mencioné hace un momento, para mí fue un regalo porque somos grandes, grandes amigas fuera de escena. Crear juntas, crear en conjunto, conocer a las Oceans y estar con todas ellas, que además de ser grandes actrices, también somos grandes amigas. La pasamos increíble.

Descubrimos juntas los personajes y nos compenetramos también como mujeres, porque es una serie de mujeres, de mujeres fuertes que, cada una a su manera, busca salir adelante y encontrar su fuerza interna. Creo que eso es muy valioso, el mensaje de este tipo de historias.

FOTOS CARLOS MORA

Diana, cuéntame sobre tu personaje.

Vanessa es un personaje que está muy alejado de mí, y me costó mucho llegar a ese nivel de neurosis. Soy neurótica, sí, pero violenta no tanto. Vanessa tiene una violencia muy cómica, es de mecha corta.

Era importante humanizar al personaje. Como decía Gabriel, no queríamos crear caricaturas ni personajes falsos. Queríamos que las mujeres se vieran reflejadas en la pantalla. Lo que me encanta de Vanessa es que, aunque al principio parece mostrar su lado más oscuro, herido y difícil, al avanzar la historia vas descubriendo otros aspectos de ella: su amistad con Marilú, cuánto la quiere, cuánto desea salir adelante por sí misma, por su hija, por su amiga.

Fue muy divertido. Los personajes cobraron vida propia y creo que eso es lo que nos unió como

equipo y nos permitió lograr esta serie.

¿Cómo fue el proceso de crear a los personajes?

Gabriel: Bueno, algo muy importante para nosotros durante todo el proceso de creación de este universo fue retratar personajes reales, completos, que no se quedaran en la superficie, que tuvieran profundidad.

Junto con el equipo de escritores, Santiago y San Quintos, desde el guion nos aseguramos de que eso existiera, con Marco Polo como mancuerna creativa. Durante todo el proceso del casting, buscábamos actrices con un rango como el que tiene todo el elenco de esta serie.

De nuevo, la intencionalidad era que estos personajes femeninos existieran de manera real, y que ellas pudieran complementarse entre sí. Michelle, Diana y todas

las demás sumaron muchísimo a sus personajes, los hicieron más complejos y divertidos. Fue una colaboración fabulosa.

Marco: La fortuna que tuvo este proyecto fue enorme. Como mencionaba Michelle, Diana y ella se conocieron durante el casting, que además fue en plena pandemia, a través de Zoom. A pesar de la distancia, la química entre ellas era mágica. Cuando comenzamos a escribir los capítulos, Diana y Michelle ya estaban confirmadas, lo cual también ayudó mucho. Creo que lo más importante para un director es el casting, y tuve la fortuna de contar con grandes actrices, lo que ayudó mucho a contar esta historia.

Ranquel Garza: ¿Para ti cómo fue la experiencia de "Somos oro"?

Para mí, fue maravilloso hacer comedia con estas grandes mujeres. La comedia está pasando por un momento difícil; no es fácil de contar, y sobre todo con tantos estilos diferentes, lo que le da un toque especial.

Llevar esta comedia y unirnos para contar esta historia tan increíble fue un desafío. Somos mujeres desesperadas, golpeadas por la vida, pero también personas con un gran deseo de crecer, y eso es lo que define a estas mujeres: el deseo de superarse, de salir adelante a pesar de todo.

Trabajar con estas mujeres, de la mano de los escritores y directores, fue una experiencia fabulosa. Hacer comedia con "dos tiranos" fue maravilloso. Estoy muy agradecida de haber sido parte de este proyecto, de poder compartir esta historia y de llevar la comedia a otro nivel.

Agradezco a mis compañeras, a los directores y a todos los involucrados por confiar en mí, porque esa confianza es lo que nos hace especiales como equipo. Bienvenidos a Golden Life.

"SOMOS ORO"

Dónde ver: Prime Video

"SEÑALES DEL MÁS ALLÁ", FASCINACIÓN POR LO PARANORMAL

Alberto del Arco y Víctor González, expertos en fenómenos paranormales, presentan un nuevo reality show producido en México que explora lo sobrenatural en escenarios emblemáticos del país.

Estos lugares, que en el pasado fueron testigos de situaciones macabras, hoy son el escenario de eventos sobrenaturales inexplicables.

POR ARMANDO ARMENTA

La muerte sigue siendo uno de los conceptos más misteriosos y enigmáticos, con mucho aún por descubrir y comprender. En nuestra sociedad, la creencia en una vida después de la muerte está profundamente arraigada, y con ella surge una serie de fenómenos que desafían nuestro entendimiento: fantasmas, brujería, apariciones y espíritus.

Con el objetivo de explorar estos fenómenos, la plataforma Max estrena la serie "Señales del más allá", presentada por el youtuber Alberto del Arco y Víctor González.

En esta producción, ambos seguirán de cerca historias paranormales que ocurren en algunos de los lugares más enigmáticos de México, como el Palacio de Lecumberri (Ciudad de México), el Castillo Embrujado de Chautla (Puebla) y la Casa de los Lamentos (Guanajuato). Allí, junto a expertos en fenómenos paranormales, historiadores y médiums, intentarán desentrañar los misterios más oscuros y perturbadores, empleando tecnología avanzada para recolectar evidencias que ayuden a descubrir la verdad detrás de estos eventos inexplicables.

"SEÑALES DEL MÁS ALLÁ"

Dónde ver: Discovery, estreno 31 de octubre, 22:30 hrs.

La serie combinará experiencias personales con evocaciones del pasado, tejiendo un relato que desafiará incluso a los más escépticos. Utilizando equipos de última tecnología, como detectores electromagnéticos, cámaras infrarrojas y la famosa Spirit Box, Señales del más allá no solo explorará el origen de leyendas transmitidas por generaciones, sino que también pondrá a prueba las creencias de quienes dudan de lo sobrenatural. En una entrevista, Alberto del Arco habló sobre la atracción de estos temas en la cultura mexicana: "En México, tenemos una

gran fascinación por la muerte. Estos temas nos atraen mucho; incluso el más escéptico puede terminar creyendo en algo. No te imaginas cuántas personas que no creen en lo paranormal se han visto confrontadas con experiencias inexplicables".

La miniserie constará de seis episodios y contará con la participación de médiums, historiadores y testigos comunes que han vivido experiencias paranormales. "¿Qué ocurre cuando morimos? ¿Hay algo más allá de la muerte? Estas preguntas son el origen de muchos de los fenómenos paranormales y el interés por ellos", explica Del Arco. Cada episodio sumergirá a los presentadores en atmósferas sobrenaturales, donde almas en pena y otras entidades se convierten en protagonistas de desgarradoras historias.

Del Arco también confesó que, durante las grabaciones y en pleno duelo por la reciente muerte de sus padres, vivió una experiencia impactante: "Mientras grabábamos en un antiguo cuartel militar en Mazatlán, escuchamos ruidos extraños, y en un momento oí la voz de mi madre fallecida llamándome. Fue una experiencia que me dejó paralizado".

Felicidades por este nuevo proyecto. Hablemos un poco más de tu personaje, Julio César. ¿Cómo lo describirías?

Claro. Julio César es un abogado que, al inicio de la historia, ya tiene una relación con la protagonista, Aurora, interpretada por Natalia Esperón. Sin embargo, tiene un pasado trágico que repercute en su presente y afecta su futuro.

¿Nos puedes contar más sobre ese pasado?

Por supuesto. Años atrás, Julio César fue secuestrado, lo que le causó la pérdida de uno de sus hijos. Después de un tiempo, su esposa no logró superar esta experiencia, ya que el otro hijo quedó en coma. Al final, pierde a su esposa también. Así que estamos hablando de un personaje que busca una segunda oportunidad en la vida, ejerciendo su profesión como abogado. Es

un personaje adinerado, pero el dinero no soluciona nada; lo que realmente importa es el amor.

¡Vaya, es una historia profunda! He leído que este es tu primer protagónico en una telenovela en México. ¿Cómo te sientes al respecto?

Estoy muy agradecido por esta oportunidad. Roy Rojas, el productor, me tuvo en cuenta para este proyecto. Me comentó sobre él hace dos años, pero en ese momento no sabía si podría estar disponible. Con el tiempo, todo se alineó para que pudiera participar.

¿Qué te atrajo de este proyecto?

Roy me envió una sinopsis fantástica que me empapó del personaje y la historia. Creo que él quería rescatar la telenovela clásica, y esta novela

tiene todos los ingredientes necesarios para entretener.

¿Cómo ves la relevancia de las telenovelas en el contexto actual, donde hay tantas plataformas de streaming?

La telenovela clásica sigue siendo relevante. Roy ha tomado ideas de producciones anteriores y las ha incorporado aquí. El melodrama siempre ha entretenido a la audiencia, y aunque hay más opciones hoy en día, las telenovelas siguen siendo un formato querido por el público.

También mencionaste que hay un enfoque en la globalización. ¿Cómo ha sido tu experiencia trabajando en México?

Cada país tiene su propia forma de hacer las cosas, y eso es válido y respetable. En México, la producción es más industrializada, con un flujo

constante de trabajo. Aprender a adaptarse a este ritmo ha sido clave para mí.

Has trabajado con actores de diferentes nacionalidades. ¿Qué opinas sobre la fusión de talentos en proyectos como este?

Creo que la globalización es esencial. No se trata solo de contar historias de un país para otro, sino de compartirlas con el mundo. Hablar en español nos une y permite contar historias diversas.

Has mencionado que la comida en México es fantástica. ¿Te has adaptado al picante?

Sí, aunque no tanto como los mexicanos. Me gusta el picante, pero definitivamente tengo que cuidarme, ¡porque la comida aquí es deliciosa! La gente ha sido muy generosa y me he sentido muy bien recibido.

"NO ME SIENTO EXTRANJERO EN MÉXICO"

El colombiano Rafael Novoa se siente muy feliz en la telenovela "El Ángel de Aurora".

En una entrevista con la revista Cameo, comparte sus impresiones sobre su primer protagónico en México y expresa su agradecimiento por la calidez que le ha brindado la gente de nuestro país.

POR CARLOS MORA

CANTA, BAILA... Y ES VILLANA

Después de una exitosa temporada en el musical "Mamma Mia!", la actriz Marisol del Olmo regresa al mundo de las telenovelas, ahora interpretando a Jezabel, la villana y principal antagonista de la producción "El ángel de Aura", del productor Roy Rojas. En una entrevista con la Revista Cameo , la actriz nos habla sobre esta faceta, la cual asegura que también la disfruta.

Estás en la telenovela, "El Ángel de Aurora". ¿Cómo te sientes en este proyecto?

Estoy muy contenta. La historia me encanta, y tanto el elenco como la producción me fascinan. Jezabel, mi personaje, es una villana diferente. Aunque a primera vista pueda parecer la clásica villana, ella no es mala todo el tiempo; también tiene muchas heridas y carencias. No quiere hacer lo que hace, desea ser querida, pero las circunstancias la llevan a tomar decisiones cada vez peores. Me gusta que Jezabel no empieza siendo 100% malvada; conforme avanza la trama, va enloqueciendo y actuando bajo la presión de quienes la han lastimado.

Tu personaje parece muy intenso. ¿Cómo te preparas para ese nivel de actuación?

Es increíble. En los primeros capítulos, veo al personaje de Aurora, interpretado por

POR CARLOS MORA

Natalia Esperón, llorar constantemente porque ha perdido a su hijo. No podría soportarlo, ¿sabes? Me alegra que mi papel consista en vestirme bien, gritarle a todo el mundo y decir cosas terribles. Aunque mi personaje también toca sus propias heridas, la verdad es que los villanos son mucho más divertidos que los protagonistas, quienes suelen cargar con el peso emocional de la historia y llorar todo el tiempo.

¿Cuánto de ti le prestaste a tu personaje?

Le presté todo. Siempre es necesario explorar nuestros propios demonios para conectar con el personaje. Jezabel, siendo madre soltera, quiere alejar a su hijo del padre porque lo ve como una figura débil. Aunque mis hijos sí tienen una figura paterna presente, entiendo el instinto de Jezabel de proteger a su hijo y sacarlo adelante. Creo que el mensaje es positivo: las mujeres pode-

mos sacar adelante a nuestros hijos y convertirnos en personas increíbles desde el amor y nuestra energía femenina, sin necesidad de anular la figura paterna.

Televisa sigue reinventándose, trayendo nuevos actores y combinando elementos interesantes. ¿Cómo ves este proceso?

Más que reinventarse, creo que Televisa está reconociendo su esencia. Su fortaleza siempre ha sido el melodrama, y hay un público ávido de las novelas, por proyectos como "La Rosa de Guadalupe" son exitosos porque el melodrama es hermoso; ha unido a las familias por mucho tiempo. Un buen melodrama, con una historia de amor y villanos sólidos, es algo que no debemos perder.

Televisa ha sido maestra en contar grandes historias, y me parece maravilloso que ahora esté valorando esta fortaleza.

Lo hacen muy bien.

Recientemente participaste en el musical "Mamma Mia". ¿Qué te dejó este proyecto?

Desde el principio, me dejó amistades entrañables como Gisela Segedi, Paco Rubio, y los de siempre, Mausa y Luja. Además, me brindó experiencias increíbles, especialmente en el Teatro Insurgentes, que es mi lugar favorito en el mundo.

La oportunidad de estar de gira y ver auditorios llenos, con 3,500 personas de pie cantando, bailando, vestidas de lentejuelas y plateado, riendo y llorando con nosotros, ha sido espectacular. Creo que "Mamma Mia" es una fiesta que toca fibras muy importantes, como la amistad, la relación madre-hija y la ausencia de los padres. Al final, todos terminan bailando, cantando y pasándola bien, y poder llevar esa energía al público es un verdadero regalo.

"Y

LLEGARON DE NOCHE"

Dónde ver: ViX+

"Y LLEGARON DE NOCHE"

PARA MORIRSE... DE RISA

EUGENIO DERBEZ vuelve a la televisión con una nueva serie que lo llena de orgullo y satisfacción. "Y llegaron de noche" se inspira en una película en español que estuvo perdida por años, hasta que una copia fue hallada en Cuba en 1967, lo que permitió su redescubrimiento. Con esta producción, Derbez busca rescatar y celebrar la cultura latina, ofreciendo una propuesta entretenida y cautivadora para el públi -

co hispanohablante. La comedia relata la historia real de cómo un grupo de latinos consiguió realizar una exitosa versión en español de "Drácula" en 1931, superando las dificultades de la época, en plena transición del cine mudo a las primeras películas sonoras de terror en Hollywood. Mientras Bela Lugosi rodaba la versión en inglés de "Drácula" durante el día, un equipo de latinos, liderado por

el actor Carlos Villarías, grababa por la noche su versión en español. Usaron los mismos escenarios, vestuario y un guion traducido, trabajando desde el anochecer hasta la madrugada, logrando una versión que muchos críticos consideran superior a la original. "Y llegaron de noche", que revive este fascinante episodio de la historia del cine, está disponible en ViX, con dos episodios

nuevos cada viernes. La serie se basa en una práctica común en los años 30 en Hollywood: filmar versiones en otros idiomas utilizando los mismos recursos que las originales, antes de que el doblaje se volviera una técnica habitual. El caso más destacado fue, sin duda, el de "Drácula" en 1931, donde el equipo latino sorprendió a la crítica con una versión que muchos consideran superior a la inglesa.

SE ACERCA ESTRENO DE "CIEN AÑOS DE SOLEDAD"

Basada en la obra maestra de Gabriel García Márquez, bajo la dirección de Laura Mora y Alex García López, "Cien años de soledad" representa uno de los proyectos audiovisuales más ambiciosos de la historia de Latinoamérica. La serie fue filmada en su totalidad en Colombia con el apoyo de la familia del Nobel de literatura.

"Como cineasta, como colombiana, ha sido un honor y un enorme reto trabajar en un proyecto de la complejidad y responsabilidad de Cien años de soledad, intentando siempre entender la diferencia entre el lenguaje literario y el audiovisual, poder construir imágenes que contengan algo de la belleza, la poesía y la profundidad de una obra que ha impactado al mundo entero. Lo hemos hecho con amor y respeto a la novela, de la mano de un equipo técnico y humano excepcional.” Laura Mora, directora.

La serie, que contará con dos partes de ocho episodios, tendrá su primera entrega el 11 de diciembre de 2024.

"Dirigir este proyecto ha sido todo un desafío y a la vez una aventura, finalmente en la vida tomar riesgos es necesario para darle sentido a lo que hacemos. Al sumergirme en la adaptación de Cien años de soledad, mi intención fue crear algo auténtico con el nivel de una producción internacional, ya que la historia lo merece.” Alex García López, cineasta.

“A FRIEND OF THE FAMILY: VERDADERA MALDAD”, UN DOCUMENTAL CON MATERIAL INÉDITO

"A Friend of the Family: Verdadera Maldad", el revelador documental en el que Jan Broberg, quien fue secuestrada y abusada por Robert “B.” Berchtold, un amigo de la familia que ejerció “grooming” sobre ella en la década del ‘70, muestra cómo era su vida en ese momento y brinda un testimonio conmovedor que registra su resiliencia para convertir una etapa traumática en una oportunidad para alertar y para sanar junto a otras víctimas.

El documental que acompaña a la ficción y que tiene como valor agregado el extenso testimonio de Jan y el de su madre, Mary Ann Broberg, quien por muchos años fue responsabilizada por su comunidad y por la prensa de lo que le sucedió a su hija. Asimismo, Jan entabla, desde su rol de activista pero también como sobreviviente de abuso, una profunda y reveladora conversación con otra víctima de Robert Berchtold, una secuencia muy impactante del documental en el que las dos mujeres exponen todo el daño que les causó ese hombre y cómo trataron sus respectivos traumas.

La serie disponible en Universal+, Jan Broberg no sólo trabajó como productora, sino que también se destacó como actriz con un rol clave. La ficción del showrunner Nick Antosca (Candy, The Act), gran referente del género “true crime” tiene un elenco de lujo con protagónicos de Jake Lacy (Apples Never Fall), Colin Hanks (Fargo), Anna Paquin (True Blood) y las jóvenes actrices Mckenna Grace y Hendrix Yancey, quienes interpretan a Jan en dos épocas distintas.

Con mucha valentía, Jan revisita lugares en los que sufrió abuso, como el motorhome en el que fue encontrada por la policía en México, a donde fue llevada por Berchtold, quien ya se había ganado la confianza de su familia.

"A Friend of the Family: Verdadera Maldad" le permitirá a la audiencia contemplar la conmovedora historia con otra mirada y comprender, en un nivel más profundo, el infierno que vivió Jan Broberg, cuyo estremecedor caso continúa impactando al mundo.

Itatí Cantoral

REGRESA AL CABARET

Platicamos con la actriz que, después de dos décadas, regresa para dar vida a la legendaria Sally Bowles en la obra "Cabaret". El Teatro de los Insurgentes se transforma en el mítico y clandestino Kit Kat Club, con una orquesta en vivo que promete deleitar a los amantes de uno de los musicales más icónicos de todos los tiempos.

FOTOS CARLOS MORA

"CABARET"

Dónde ver: Teatro de los Insurgentes

POR CARLOS MORA

¿Qué recuerdos te trae el teatro de los Insurgentes?

Uy, venía aquí con mi madre (Itatí Zucchi), que en paz descanse, y recuerdo a mi querida amiga y productora Tina Galindo, que también ya se nos adelantó. Ellas se sentaban a jugar cartas. Gracias a mi madre, que me inculcó ese amor tan grande por el teatro, porque mi abuelo también venía del mundo teatral. Mi mamá incluso hizo un preámbulo para el Teatro Escenario. Siempre recuerdo a todo el equipo del teatro desde que tenía 20 años: los técnicos, la gente del vestuario, el que cuida el teatro, los acomodadores, todos los que trabajaban en la taquilla. Me da mucho gusto reencontrarme con ellos, mis amigos, y con esta orquesta maravillosa llena de músicos increíbles. También recuerdo a Antonia, una directora de orquesta verdaderamente extraordinaria. Para mí, el Insurgentes es como mi casa. Recuerdo este escenario y también cuando jugábamos fútbol en el lobby, yo tendría unos cuatro o cinco años. Me acuerdo de cuando Claudio Carrera llegaba con Tina Galindo y nos decía: "¡La función está sold out!"

¿Cuál es el reto ahora, después de 20 años de haber hecho "Cabaret"?

Me encanta cantar, pero también me apasiona actuar, por eso disfruto tanto el teatro musical, ya que puedo hacer ambas cosas. Sin embargo, no todos los musicales me gustan; "Cabaret" es de mis favoritos. Cuando tuve la bendición de hacerlo en su momento, lo viví como una experiencia inolvidable. Evidentemente, haber pasado 20 años, mejorar en salud y tener un nuevo director con una propuesta diferente representa un gran reto. Mi meta es hacerlo mejor que nunca.

¿Cómo te sientes actualmente en tu carrera?

Estoy en un momento de mi vida donde me siento apasionada y profundamente agradecida por mi carrera. Me gusta trabajar, lo admito, soy muy trabajadora.

Además, mi hijo está terminando la carrera de teatro, lo cual ha refrescado mi amor por el escenario y por todos los géneros teatrales. Este momento en mi vida no podría haber llegado en un momento mejor; lo recibo como un verdadero regalo.

¿Cómo es trabajar con Mauricio García Lozano, director de "Cabaret"?

Siempre quise trabajar con él. Tuve la suerte de compartir escenario con él en una obra de Shakespeare, donde estuvo maravilloso como actor. Pero yo quería que él me dirigiera, porque siempre veía sus obras y lo admiraba mucho. Es un verdadero maestro de las artes escénicas, alguien que entiende profundamente el teatro.

Cuando supe que iba a dirigir "Cabaret", me puse muy feliz, porque sabía que no había otra persona que pudiera hacerlo como él. Todos mis sueños se hicieron realidad. Como director, me ha ayudado a entender mejor a mi personaje, escuchando su punto de vista en este drama.

¿Cómo percibes el regreso en 2024 de la obra?

La primera vez que participé en "Cabaret" fue emocionante. El nivel de producción, vocal y musical es espectacular, comparable a las grandes ligas mundiales, como lo que puedes ver en Londres.

Aunque el arte es subjetivo, aquí está lo mejor: el mejor productor, el mejor teatro, el mejor director, los mejores músicos y bailarines. Han pasado por esta obra algunas de las mejores artistas del país, y eso es algo que cualquier público puede disfrutar. A mí me encantó, y estoy segura de que al público también.

WILLKOMMEN, BIENVENUE, WELCOME! SEAN BIENVENIDOS AL CABARET

"CABARET", una obra musical icónica que transcurre en la Berlín de los años 30, justo antes de que el nazismo tome el poder. Basada en la novela de Christopher Isherwood y la adaptación cinematográfica, la obra teatral explora temas de decadencia, política y sexualidad en un contexto vibrante y turbulento. La trama se centra en Sally Bowles (Itatí Cantoral), una extravagante cantante estadounidense que actúa en el Kit Kat Klub, un cabaret decadente donde se entrelazan las historias de amor, amistad y traición. A través de números musicales vibrantes y provocativos, la obra no solo presenta la vida bohemia y despreocupada de sus personajes, sino que también refleja el ascenso del fascismo y cómo esto afecta sus vidas. El musical destaca por su narrativa intensamente emocional y su música inolvidable, compuesta por John Kander y Fred Ebb, con canciones emblemáticas como "Willkommen", "Cabaret" y "Maybe This Time". La obra es conocida por su capacidad para mezclar lo teatral con lo político, haciendo una crítica sutil pero poderosa a los eventos históricos que marcaron una era. Sin duda, "Cabaret" es una obra que no solo entretiene con su espectáculo y música, sino que también invita a reflexionar sobre temas profundos y universales, manteniendo su relevancia a lo largo del tiempo.

FOTOS CARLOS MORA

"CABARET" Dónde ver: Teatro de los Insurgentes

"ME HE TEJIDO Y RETEJIDO MUCHAS VECES"

ALEJANDRA AMBROSI protagoniza "Hilos", un monólogo que aborda la violencia de género y, además, se adentra por primera vez en la producción teatral. La obra nos invita a confrontar una de las realidades más dolorosas de nuestra sociedad. La audiencia que asista no solo presenciará una obra de teatro, sino que participará en una experiencia que busca desenredar los hilos de la violencia de género y tejer una nueva realidad, donde prevalezcan la justicia y la paz. "Estoy muy emocionada y nerviosa. Es la primera vez que me aventuro a dirigir y producir. Mi mente está dividida en muchas partes, pero creo que de eso se trata la vida: de enfrentarte a nuevos retos y no quedarte siempre igual."

POR CARLOS MORA

La actriz compartió con la Revista Cameo su nueva obra de teatro, originalmente titulada "Fabric", escrita por Abi Zakarian. Por primera vez, "Hilos", se monta en México, y el Foro Lucerna se convertirá en el escenario de un estreno teatral que promete dejar una huella profunda en sus

espectadores. Codirigida por Alejandra y Gabriel Mata, esta obra ha sido aclamada internacionalmente.

¿Cómo te sientes con el monólogo?

La verdad es que siempre he tenido buena memoria, así que al principio no me preocupaba mucho. Me decía: "Lo aprenderé rápido porque

soy buena memorizando textos". Sin embargo, siempre me he aprendido los textos en referencia a lo que me dice el otro actor. Para mí, es mucho más fácil conectar los cables de mi memoria cuando sé lo que me está diciendo el otro personaje. Aquí, en cambio, estoy sola todo el tiempo. Me costó trabajo hilarlo todo, y es curioso porque, hablando de

hilos, esa es precisamente la temática de la obra. Esta experiencia de estar sola en el escenario ha sido un desafío. Crear mis propios estímulos y mis propias imágenes, sin depender de otra persona, ha sido revelador. Actuar no es solo recitar un texto, sino reaccionar a estímulos con la mayor naturalidad posible. Este proceso

ha sido un viaje fascinante, donde he descubierto estímulos e imágenes que vienen de dentro de mí y de la historia del personaje. Ha sido muy enriquecedor y disfrutable.

¿Cómo encontraste esta historia?

Gabriel Mata Cervantes está codirigiendo conmigo. Él me dirigió en otra obra llamada 222. Durante ese proceso, yo solía proponer ideas y trabajar mucho en los personajes, y Gabriel y yo hicimos una excelente mancuerna creativa. Después del estreno de 222, Gabriel me dijo: "Tienes que dirigir". Yo le respondí: "Hagámoslo juntos". Así que empezamos a buscar textos. Desde hace tiempo quería hacer un monólogo, no solo por el reto personal, sino también porque quería contar una historia relevante para mí y para México. Encontramos este texto que en inglés se llama Fabric, escrito por una autora inglesa-armenia. Gabriel lo tradujo, y decidimos llamarlo Hilos, porque creíamos que ese título era más poético y relevante para nosotros que Tela. Hace referencia a cómo estamos tejidos como seres humanos, a nuestra identidad y al tejido social. He aprendido a tomar mis decisiones y a navegar en una sociedad patriarcal. Ha sido un viaje de descubrir cómo tejerme a mí misma para tener la fuerza interior de tomar mis decisiones, sintiendo que soy suficiente para mí y para los demás.

¿De qué trata la historia?

"Hilos" cuenta la historia de Emma, quien tiene que tejerse de nuevo a sí misma tras haber vivido el horror. La magia y la química con el texto fueron inmediatas.

No quiero que el público piense que es una obra de mujeres para mujeres, con un mensaje únicamente femenino. Al contrario, es una obra que habla sobre la violencia de género y sobre todas esas pequeñas cosas que hemos normalizado, pero que todos, hombres y mujeres, contribuimos a normalizar. Todos formamos parte de nuestro tejido individual y del tejido social.

Lo que me parece fascinante de esta obra es cómo refleja esa realidad. No es la historia de una mujer víctima de violencia; es la historia de una mujer que se está reconstruyendo, volviendo a tejerse para ser otra, para poder pertenecer a una sociedad con un nuevo tejido.

¿Cómo decidiste producirla?

Fue porque nadie más lo hacía. Todos me decían que estaban ocupados o que ya tenían su agenda llena. Mi amiga Ana Kupfer, que es productora, leyó el texto y me dijo: "Es formidable, tienes que hacerlo". Le pedí que me ayudara a producirlo, pero ella me dijo: "Tú puedes hacerlo sola". Y fue ella quien me impulsó a aventurarme también en la producción.

¿Crees que hay una efervescencia teatral en este momento?

Sin duda. Después de los difíciles años de pandemia y pospandemia, ahora hay una efervescencia total. Cada quien desde su trinchera: algunos con epiteatro, otros con producciones independientes. Esto demuestra que hay muchas ganas de salir, de expresarse y de conectar, tanto del público como de los creadores. Me siento muy afortunada y agradecida.

Y, ¿cómo te reinventas o te vas hilando en la vida?

Creo que me estoy reinventando como actriz. En esta carrera, muchas veces dependes de que te elijan o te ofrezcan un personaje, y no siempre son los que deseas. A veces te dan personajes increíbles, y otras veces tienes que aceptar algunos que no te gustan tanto, pero lo haces porque es parte del aprendizaje. Es una carrera llena de incertidumbre, y tienes que aprender a navegar en ella. Mi reinvención en este momento tiene que ver con tomar las riendas de mi carrera y contar historias que considero importantes y relevantes, con las que puedo conectar con el público de una manera más profunda. Quiero elegir los personajes y enfrentarme al reto de hacer un monólogo, así como contar una historia que considero necesaria para nuestro país.

"HILOS" Dónde ver: Foro Lucerna

EL MUNDO ÍNTIMO DE UNA RELACIÓN

"Una pareja líquida” es una comedia provocativa que nos sumerge en la vida íntima de Francis (Sonia Couoh) y Joe (José Carriedo), una pareja moderna que, tras años de altibajos, decide ir a terapia para intentar mantener su manera de ver el amor.

POR CARLOS MORA

“UNA PAREJA LÍQUIDA”

Dónde ver: La Teatrería Del 12 de octubre al 15 de diciembre

La obra se desarrolla a través de una vertiginosa sucesión de flashbacks y sesiones de terapia, en las que Francis y Joe luchan por construir una relación duradera. Esta comedia, además de entretener, invita a la reflexión sobre el amor, la lealtad y la identidad

SONIA: Me siento muy afortunada de poder interpretar a estos personajes. Yo interpreto a Francis, y Pepe a Joe, dos personas que se aman, pero están atravesando una crisis. Es importante hablar de temas que a veces pueden estar llenos de prejuicios o que nos incomodan. Creo que esa es precisamente una de las labores del teatro y del arte en general: poner sobre la mesa preguntas más que respuestas, y esta obra lo hace sin duda. Es una obra que aborda un tema que, me atrevo a decir, se toca poco en la escena, y es maravilloso poder traerlo de esta manera. Francis es una mujer poderosa, que ha logrado su posición en la empresa a base de esfuerzo e inteligencia. Ya la verán en escena, pero quiero destacar que su lugar en el trabajo se lo ha ganado con mucho mérito. Es una mujer libre, que lucha por su libertad,

que defiende su cuerpo, lo habita y dice: “Esto es lo que quiero”. Tiene esa claridad, pero también duda en ciertos momentos, y pone sobre la mesa con su pareja lo que necesita. Y pregunta: “¿Tú qué necesitas? ¿En qué proceso estás?”. Trata de conciliar, negociar, y llegar a acuerdos desde su lugar como mujer, desde su propio cuerpo. Además, en medio de esta situación, a menudo estamos ante estereotipos, pero poder interpretar a una mujer así es muy especial para mí. Me siento afortunada de haber interpretado muchos personajes a lo largo de mi carrera, pero este en particular está siendo un verdadero placer. Interpretarla, descubrirla y descubrirme a mí misma como actriz y como mujer al contar esta historia y darle vida a esta poderosa fémina es algo que ustedes podrán ver en escena.

en las relaciones modernas. La dirección escénica está a cargo de Alberto Lomnitz, un experimentado director de teatro, actor y productor mexicano con más de tres décadas de trayectoria. Ha dirigido y producido numerosas obras destacadas, como "El hombre de la mancha" y "Roma al final de la vía".

PEPE: Este proyecto es una montaña rusa. Creo que regresa un poco a las raíces del teatro, que tiene algo muy distinto a otros medios: te desafía, te pone frente a la reflexión. Cada tipo de arte tiene su encanto, pero el teatro habla de lo que nos está pasando. La gran diferencia es que aquí, en el escenario, la realidad a veces se expresa de manera incontrolable.

Ha sido interesante reflexionar sobre cómo las parejas, tanto ahora como en el futuro, enfrentan los retos de relacionarse. Las relaciones son difíciles; es complicado que las personas, en general, nos relacionemos. Si una amistad ya es difícil, una relación lo es aún más. Esta obra es un regalo, y nos está cuestionando incluso a nosotros como pareja. Nos encontramos discutiendo cosas en casa que antes no habíamos considerado, como qué hace

que una relación funcione o no.

El tema del sexo, del amor, y de las relaciones es fascinante porque nos desnuda, literalmente, como sociedad. Nos hace cuestionarnos qué nos funciona, qué nos hace felices, qué no podemos soportar. Mi personaje, Joe, es un hombre criado a la vieja usanza, pero con la intención de ser progresista y cambiar las cosas. Tal vez se cree un poco esto de ser un hombre moderno, pero termina confrontándose con esquemas que lo descolocan por completo.

Me emociona ver que podemos hablar de estos temas desde este lugar. Los jóvenes ya no se complican tanto con temas morales, la religión o los esquemas sociales. Todo eso lo engloba esta obra, una comedia atrevida pero reflexiva, con una acidez peculiar sobre quiénes somos y cómo nos relacionamos.

Dónde ver: Foro Shakespeare

"ANECDOTARIO BAIRES"

FOTOS CARLOS MORA

"SOY UN DOBLE MIGRANTE"

El actor NACHO TAHHAN habla sobre su más reciente trabajo actoral, "Anecdotario Baires", una historia profundamente personal. En la obra, se exploran las vivencias de quienes se ven obligados a abandonar su hogar y país de origen, enfrentándose a una serie de desafíos y consecuencias que pueden tener un impacto duradero en sus vidas. Tahhan destaca la importancia de abordar las secuelas del exilio y de comprender cómo afecta tanto a las personas como a las comunidades, invitando a una reflexión más profunda sobre este tema.

Acabas de estrenar la obra, "Anelotario Baires". ¿Qué fue lo que te gustó de la obra?

Lo que me gustó fue la congregación de personas que adoro, la posibilidad de hacer algo en relación a una historia que me toca el alma y, sobre todo, de divertirme en el proceso. El tema es bueno, y la obra tiene aspectos interesantes que trabajar. Claro, aún necesita articularse mejor en ciertos puntos, pero me interesaba mucho ponerle el cuerpo a ese proceso.

¿Qué te pareció el texto de Conchi León ?

Me gustó mucho. Tocaba una serie de elementos interesantes sobre la historia de la familia de Matías y, al mismo tiempo, conectaba con mi propia historia. Yo también soy migrante, entonces hay cosas que entendía perfectamente. La obra toca temas como la migración, la memoria y lo constitutivo de la memoria histórica. Me pareció maravilloso trabajar con ese material y descubrir un pasado familiar que, aunque

desconocido, se va restituyendo. Fue un honor trabajar con la literatura de Conchi.

La obra trata mucho el tema del exilio. Tú llevas varios años en México, pero ¿cómo sigues viviendo esa experiencia?

Ha sido maravilloso, porque me permitió constituirme como una persona más amplia, pero no deja de ser difícil. Soy un doble migrante: primero me mudé de mi provincia a la capital de Argentina, y luego, hace 10 años, aquí en México. Hoy siento que México es más mi hogar que mi propio país. Entiendo lo que es no sentirte ni de aquí ni

de allá. Además, en la obra se aborda el exilio como una migración forzada, no voluntaria como la mía. Eso le da otra dimensión a mi relación con la migración.

También habla de la nostalgia, ¿Cómo la vives tú?

La nostalgia a veces llega, claro. Es una coartada para no afrontar lo nuevo, una apelación a tiempos supuestamente mejores. En la obra, la nostalgia se manifiesta en los elementos compartidos entre los hermanos. Sin embargo, uno de los personajes, Bernardo, al que nosotros intentamos restituirle la memoria, no

tiene un pasado sobre el cual sentir nostalgia. Lo que intenta es adquirir una historia que le permita darle significado a su vida.

Por otro lado, sigues en la obra "Cabaret". ¿Cómo llevas esta parte del teatro musical?

Para mí, la actuación es lo que uno hace con ella. Puede estar al servicio de cualquier interés, incluso de los más inesperados, como coachings para empresarios o políticos. No importa el registro en el que se ubique, depende del histrión

¿Qué experiencia te ha dejado "Cabaret"?

Me sigue dejando, la conciencia de lo difícil que es lo que hacemos. El registro artístico puede ser amplísimo si uno se lo propone. También aprendí que la actuación puede ser tan poderosa que no es necesario ser un gran cantante o bailarín, puedes actuar que cantas o actúas que bailas. Trabajar con Ilse Salas e Irene Azuela fue un privilegio.

POR CARLOS MORA

FOTOS CARLOS MORA

"PRISCILLA, REINA DEL DESIERTO"

Dónde ver: Teatro México, Centro Teatral Manolo Fábregas.

UNA CELEBRACIÓN A LA DIVERSIDAD

"PRISCILLA, REINA DEL DESIERTO" llega a México con una vibrante adaptación que fusiona el glamour del espectáculo con la calidez y pasión de la cultura mexicana. La historia sigue a tres extravagantes artistas drag —Bernadette, Mitzi y Felicia— que cruzan el desierto en un autobús llamado Priscilla, en busca de amor y amistad. Con una banda sonora repleta de éxitos del pop, este musical es un viaje lleno de humor, emoción y autodescubrimiento. La versión mexicana promete sumergir al público en una experiencia única, combinando elementos locales con la esencia original de la obra. Con deslumbrantes vestuarios, cautivadoras coreografías y actuaciones llenas de energía, Priscilla celebra la diversidad, el amor propio y la búsqueda de la felicidad, encantando a audiencias. El musical llega al Centro Teatral Manolo Fábregas con más vigencia que nunca. Esta puesta en escena es una celebración colorida de la diversidad y un reflejo del largo camino que ha recorrido la comunidad LGBTQ+ en la sociedad mexicana.

DISFRUTA SU NUEVA ETAPA MUSICAL

Actualmente, la cantante MERI DEAL está inmersa en la creación de nueva música que reflejará su esencia como artista y ser humano. Con un amplio recorrido y éxito en Sudamérica, Meri está escribiendo un nuevo capítulo en su carrera y presenta "Él no es tú”, la segunda canción de esta nueva etapa. La canción habla sobre estar en una relación con una persona que cumple con todas las expectativas, mientras se extraña a una relación anterior en la que, aunque faltaban aspectos positivos, estaba la persona que se siente como la indicada.

POR CARLOS MORA

¿Hay una ola de cantantes muy potente en Latinoamérica, como en Chile, Colombia y Argentina? ¿Cómo te sientes al formar parte de estas artistas?

Yo siento que en los últimos años la mujer latina artista ha tomado mucha fuerza y visibilidad. Realmente, noto un gran cambio, al menos en cómo se han empezado a conocer a muchas más artistas, colaborar y hacer cosas juntas. Me parece que eso es maravilloso. Esto es algo que debería haberse dado hace años de manera natural, y afortunadamente, está pasando.

Me dedico profesionalmente a la música desde hace 11 años y antes no lo veía así. Diría que en los últimos cinco años, o quizás un poco más, se ha notado la fuerza que ha tomado el rol de la mujer artista.

¿Qué les quieres decir a las nuevas generaciones de mujeres que escuchan tu música?

Hoy en día se nota la fuerza que tenemos las mujeres y el cambio de actitud que implica decir que podemos hacer lo que queramos. No hay un rol específico para mujeres o para hombres; simplemente hay que seguir lo que uno desea y confiar en eso.

Yo siempre fui académicamente buena y tenía la proyección familiar hacia

otro tipo de profesión, porque me iba muy bien en los estudios y me ofrecieron becas en el exterior. Sin embargo, siempre tuve claro que quería dedicarme a la música, y afortunadamente no hubo nadie en mi familia que me dijera que no debería hacerlo. Siempre he puesto el mismo ímpetu en esto que en mis estudios, y mi familia me ha apoyado incondicionalmente.

Siento que es importante que todas tomemos valor y avancemos hacia lo que confiamos que podemos lograr, dejando de lado cualquier estigma social.

¿Cómo percibías a México en cuanto a la industria musical?

México siempre ha sido un sueño para mí, el lugar donde ocurren las cosas, donde se mezclan todas las culturas y nacionalidades. Es un país enorme que ha abrazado a muchos artistas uruguayos. Desde Uruguay, ya escuchaba a algunos artistas mexicanos, y para mí, México no es comparable con ningún otro país.

Puedes comparar Uruguay con Argentina o Colombia con Venezuela, ya que comparten muchas similitudes culturales. Pero México es único, con su comida, colores, arquitectura, arte y música. Eso me parece fascinante. Hay mucho que aprender, y se nota que si México te abraza, es un gran impulso y apoyo.

¿Qué importancia ves en las disqueras como cantante? ¿Todavía se necesitan?

Para mí, el apoyo de un equipo es fundamental. Hay demasiadas áreas que uno, como artista, debe abarcar, y no se puede hacer todo solo. Tener un equipo que se ocupa de distintas áreas y confía en tu proyecto es lo más importante. Si no confían en ti, ya no me interesa estar ahí. Con ese apoyo, eres uno, pero también representas a todo el equipo que te respalda, que está actualizado y entiende lo que te gusta, ayudándote a guiarte.

¿Y cómo ves el fenómeno de las redes sociales para las nuevas artistas emergentes?

Las redes son una herramienta poderosa y accesible. Si las sabes usar y tienes el tiempo y las ganas, son fundamentales. Veo que hay una mezcla de suerte y oportunidad, pero todos tenemos la posibilidad de destacar, incluso sin disquera. Aunque el apoyo de una disquera es increíble, es posible comenzar sin una. Yo misma empecé sin disquera, y la clave es creer en tu proyecto y trabajar duro.

¿Cómo usas las redes en tu vida?

Me costó entenderlo porque era más desligada de las redes, pero son muy importantes. Son el medio más cercano para comunicarte

con tus fans. Para mí, eso es lo más poderoso: conocer por nombre y apellido a mis fans más fieles y hablar con ellos. Es una forma de devolverles algo. Antes, cuando era más joven, soñaba con ver un concierto de Shakira y que alguien le hiciera llegar una carta; todo parecía demasiado lejano. Hoy en día, esa cercanía es real.

¿Tienes alguna anécdota que te haya marcado?

Me ha pasado con artistas que me seguían y que ahora son muy reconocidos. Una anécdota graciosa fue cuando, con la banda que tenía, conocimos a Emilia, que cantaba en otra banda. Entré a sus redes y vi su primer posteo: ¡era un cover de una de mis canciones! Tremendo.

¿Qué personajes admiras o quiénes te gustan?

Admiro a muchos artistas solistas y bandas. Como solistas, Shakira fue una gran referente para mí, especialmente en sus primeros álbumes. La escuchaba desde que tenía seis años; discos como "¿Dónde están los ladrones?" y "Pies descalzos" me marcaron.

También soy fanática de Gustavo Cerati, Luis Alberto Spinetta, Charly García, Natalia Lafourcade, Cristian Nodal y Karim León, entre otros. Hay un montón de artistas a quienes admiro, escucho y de los que aprendo.

UNA FIESTA PARA RECORDAR

Angélica Vale, Chacho Gaytán, Karol Sevilla, Mario Bautista, Sofía Garza y Carlos Gatica hablaron sobre el espectáculo "Coco en Concierto: Una fiesta para recordar", un evento que tendrá lugar en la Plaza de Toros "La México" el próximo 2 de noviembre.

POR CARLOS MORA

"COCO en Concierto:

Una Fiesta para Recordar" está inspirado en la película Coco de Disney y Pixar, la cual celebra a la familia y rinde homenaje cultural a la tradición del Día de Muertos.

En conferencia de prensa, los cantantes y actores Angélica Vale, Chacho Gaytán, Karol Sevilla, Mario Bautista, Sofía Garza y Carlos Gatica, acompañados por Isa Basaguren, Senior Manager de Live Entertainment & Special Events de Disney, compartieron detalles sobre este esperado evento.

La actriz y cantante Angélica Vale, quien prestó su voz al personaje de Mamá Imelda en la película, será la conductora del evento y también interpretará la emotiva canción "La Llorona". Vale expresó su entusiasmo por formar parte de una celebración que honra la cultura mexicana y sus tradiciones.

Por su parte, el músico y productor musical Chacho Gaytán, encargado de los arreglos y la orquestación del espectáculo, comentó: "Es un concierto inolvidable, definitivamente, pero no es fácil. Es muy complejo: la sincronización de los cantantes, la orquesta con el video, la iluminación y el ballet folclórico, que es algo muy importante".

Además, agregó sentirse "muy afortunado de poder arreglar y orquestar para este gran espectáculo" e invitó al público a no perderse el evento: "Los que asistieron el año pasado deben regresar con sus familias porque este espectáculo es para todos. Habrá una verbena popular antes de la proyección de la película".

Karol Sevilla también será parte de esta celebración con una participación especial. "Estoy muy feliz y contenta. Ya ser parte de la banda sonora cuando salió la película fue un gran honor, especialmente al poder cantar una canción tan importante y significativa. Muchos artistas han interpretado 'La Bikina', y cuando me dieron la oportunidad, estaba muy nerviosa porque es un trabajo grande y hermoso llevar esta canción a nuevas generaciones que aún no conocían este clásico. México es increíble: la historia, los colores, la comida... Es un gran honor y estoy muy emocionada de ser parte de este gran show", expresó la cantante y actriz.

Finalmente, Carlos Gatica declaró: "Estoy muy agradecido por esta oportunidad tan bonita que me han dado de formar parte de este espectáculo. Me siento muy orgulloso de compartir escenario con gente tan talentosa y admirada por mí".

Dónde

"COCO EN CONCIERTO: UNA FIESTA PARA RECORDAR"

ver: Plaza de Toros "La México"

FOTOS CARLOS MORA

"EMILIA PÉREZ",

PELÍCULA INAUGURAL

La reciente película del multipremiado director y guionista francés Jacques Audiard, será el filme con el que inaugurará su 22ª edición. La proyección contará con la presencia del aclamado director y las extraordinarias actrices Karla Sofía Gascón y Adriana Paz. Esta película cuenta la historia de Rita, una abogada sobrecalificada y subestimada, empleada de un gran bufete que está más interesado en liberar a los criminales que en llevarlos ante la justicia.

"PEDRO PÁRAMO",

DE RODRIGO PRIETO

"Pedro Páramo" será presentado en la Gran Gala de su 22ª edición, bajo la dirección del multipremiado realizador y cinefotógrafo Rodrigo Prieto. Murmullos del pasado, historias de vivos que se entrelazan con muertos, una búsqueda disfrazada de condena y un pueblo fantasmagórico llamado Comala. La adaptación cinematográfica de Pedro Páramo, obra del escritor y fotógrafo Juan Rulfo, marca el debut como director de Prieto. La película narra el viaje lleno de esperanzas de Juan Preciado, quien busca la riqueza y respuestas sobre el padre que nunca conoció.

MOMENTOS

UNA

DE LAS

FECHAS MÁS EMOCIONANTES

para los amantes del cine ha llegado: el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) está listo para celebrar su 22ª edición. La Revista Cameo hace un recuento de los 10 momentos imperdibles de este esperado evento.

FRANCIS FORD

COPPOLA RECIBIRÁ LA MEDALLA

FILMOTECA UNAM

El cinco veces ganador del Oscar será galardonado con la emblemática presea de la UNAM por sus invaluables contribuciones a la cinematografía universal. La entrega de la Medalla Filmoteca UNAM se suma al homenaje que el FICM le rinde con la entrega del Premio a la Excelencia Artística. También presentará su última película "Megalópolis", una empopeya romana ambientada en un imaginario e Estados Unidos.

RECONOCIMIENTO A BERTHA NAVARRO

Se rendirá un homenaje a la legendaria productora, realizadora y formadora de cineastas, Bertha Navarro, por sus más de 50 años de trayectoria cinematográfica. Nacida en la Ciudad de México en 1943, Navarro inició su carrera como realizadora en el cine documental, pero poco a poco orientó su trabajo a la producción, por lo que se convirtió en la primera mujer productora cinematográfica en México. El homenaje a Bertha Navarro se llevará a cabo el miércoles 23 de octubre a las 16:00 horas en el Auditorio del Centro Cultural Universitario.

"DISCLAIMER", DE ALFONSO CUARÓN

El cierre del FICM presentará la proyección de "Disclaimer", una serie del director mexicano y ganador del Óscar, Alfonso Cuarón. Basada en el libro homónimo de Renée Knight, Disclaimer es un emocionante thriller psicológico escrito y dirigido por Cuarón, quien ha ganado cinco veces el Óscar. La serie es protagonizada por los ganadores del Óscar, Cate Blanchett y Kevin Kline.

DISTINGUEN A PAZ ALICIA

GARCIADIEGO

Tinta, Sociedad de Escritores Audiovisuales y Cinematográficos de México A.C., nombrará a la aclamada guionista Paz Alicia Garciadiego como su nueva Socia Honoraria. Como parte de las actividades por su nombramiento, Garciadiego será homenajeada y ofrecerá una clase magistral titulada “El autor en los tiempos de streaming: las andanzas y malabares de los guionistas en la actualidad”.

ALEXANDER PAYNE RECIBIRÁ LA MEDALLA FILMOTECA UNAM

El director, guionista y productor Alexander Payne, Invitado Especial y presidente del Jurado de la sección de Largometraje Mexicano, recibirá la Medalla Filmoteca UNAM en el marco de esta edición, como reconocimiento a su extraordinaria trayectoria y aportaciones a la cinematografía. Sus ocho largometrajes han recibido un total de 24 nominaciones al Oscar, incluidas cuatro a mejor película y tres a mejor director.

FUNCIÓN

ESPECIAL DEL FILME "CORINA"

Opera Prima de Urzula Barba Hopfner y coescrita con Samuel Sosa; Corina obtuvo el galardón de Mejor Película Hecha en Jalisco en el pasado Festival Internacional de Cine en Guadalajara y el Premio de la Prensa en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato. Tendrá una función especial en el Teatro Mariano Matamoros. "Corina" se exhibe como parte de sus actividades previas a su estreno en salas a inicios de 2025.

ESTRENO DE "UN CUENTO DE PESCADORES"

El cineasta mexicano Edgar Nito presenta su segunda película. "Un cuento de pescadores" es la adaptación cinematográfica de una leyenda purépecha que se transmite de boca en boca en las zonas lacustres del Centro de México. Narra la historia de un espíritu que adopta la forma de una mujer para atraer a los pescadores a las profundidades del lago, donde los embruja.

RECUERDAN A ISMAEL RODRÍGUEZ

Con el invaluable apoyo de Fundación Televisa, Filmoteca UNAM, la Cineteca Nacional, América Móvil y Olympusat, el 22º FICM rendirá homenaje al gran realizador mexicano Ismael Rodríguez, con un programa especial de proyecciones de algunas de sus películas. Además, en colaboración con Fundación Televisa, se presentará la exposición fotográfica Ismael Rodríguez, un cineasta ¡A.T.M.! en el Centro de Morelia.

"ES MUY VALIOSO QUE EL CINE CAPTURE LAS LENGUAS ORIGINARIAS"

El actor José Salof participa en La Raya, película dirigida por Yolanda Cruz, que tendrá su estreno nacional en el marco del FICM 2024. La trama comienza cuando un refrigerador aparece de repente en el casi desierto pueblo de La Raya. Sotera Santos, una niña de 11 años, y su amigo

¿Cómo te sentiste cuando te enteraste de que la película fue seleccionada para esta edición del festival?

La verdad es que estoy muy emocionado, es un honor que "La Raya" haya sido seleccionada como parte de la selección oficial. Es una noticia increíble, no solo para la película y todos los que estuvimos involucrados. Estoy muy agradecido con la directora por hacerme parte de este proyecto, fue una experiencia de vida muy gratificante.

Hablemos de tu personaje, Alfredo. ¿Cómo fue desarrollarlo?

Se filmó en Cieneguilla está a tres horas de Puerto Escondido, Oaxaca, es un pueblo

muy hermoso, en medio de las montañas. Mi personaje, Alfredo, regresa a "La Raya" (que es Cieneguilla en la ficción) después de ser deportado de Estados Unidos, y ahí es donde están sus raíces y su familia. Fue una experiencia muy especial.

¿Qué idioma hablan en la cinta?

Se llama chatino, un idioma que se habla en esa región. Es muy importante que las películas también ayuden a dar visibilidad a estos idiomas. En México tenemos una gran riqueza cultural y lingüística, y el cine es una herramienta poderosa para mostrar estas historias que de otra manera podrían quedar en el olvido.

Erick tratan de venderlo y hacer un gran negocio.. Sin embargo, el refrigerador pronto empieza a revelar misterios a quienes se le acercan. Al mismo tiempo, Sotera deberá enfrentar la realidad de que, tal vez, su madre no regrese para llevarla a Estados Unidos, y que quizá aún no sea el momento de abandonar La Raya.

Me emociona que en "La Raya" se hable chatino, español e incluso un poco de inglés, lo que refleja la mezcla cultural de la migración. Es muy valioso que el cine capture estas lenguas, porque de alguna forma se convierten en documentos audiovisuales que registran su existencia.

¿Y cómo fue trabajar con Yolanda Cruz, la directora? Yolanda fue muy cuidadosa al elegir al elenco, ya que nos iba a llevar a su comunidad. Estoy muy agradecido por la confianza que me dio. Más allá del set, tuvimos experiencias compartidas, como caminar por senderos, cruzar ríos y disfrutar de paisajes bajo una luna maravillosa. Yolanda es

muy abierta a las propuestas, pero también tenía una visión clara de lo que quería contar en "La Raya". Fue un placer trabajar con ella.

¿Qué piensas sobre el cine comunitario y su importancia?

Es fundamental que haya apoyos para el cine comunitario e indígena, como los que ofrece el IMCINE. El cine permite que estas historias lleguen a las pantallas y conecten con un público más amplio. A veces, como espectadores, no tendríamos acceso a estas historias si no fuera por este tipo de cine. Es esencial que se siga mostrando y apoyando, porque nos permite ver nuestras propias historias reflejadas.

"CUANDO LA JUSTICIA ESTÁ AUSENTE, LA VENGANZA ES UN ACTO DE FE"

El director Adolfo Dávila habla sobre "Violentas Mariposas", su primer largometraje, que se estrenará en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) en la Sección de Largometraje Mexicano. "Es una película que surge como un grito ahogado de desesperación ante la injusticia y la impunidad que vivimos en México, y que no deja de acrecentarse", comparte Dávila, quien también es guionista y productor de la cinta. La película narra la historia de dos jóvenes estudiantes, Víktor y Eva, rebeldes y contestatarios, que buscan justicia. "No los planteo como víctimas de una realidad desesperanzadora, sino como héroes que, a través de sus acciones y su arte, se atreven a intentar cambiarla", agrega.

¿Cómo te sientes de que hayan escogido tu película para esta competencia?

Muy contento y satisfecho. Siempre quise estrenar la película en el Festival Internacional de Cine de Morelia.

Es tu ópera prima en largometraje.

Me llena de orgullo. Estoy listo para recibir críticas, no solo aplausos, porque quiero que la película se evalúe de la mejor manera posible. Este es el lugar ideal para eso.

Hablemos del guion.

¿Cómo nació la historia y por qué decidiste llevarla al cine?

Me interesaba mucho hacer una película sobre jóvenes inteligentes y contestatarios, rebeldes con intereses artísticos. Mi percepción es que, en gran parte del cine mexicano, la juventud se retrata de manera apaciguada, y eso no refleja la realidad. Quería hablar de esa etapa de la vida en la que sentimos que podemos cambiar el mundo. Además, traté de integrar problemáticas sociales de México, como la injusticia y la impunidad, temas que nos afectan como sociedad.

Los jóvenes son quienes más alzan la voz en las marchas. Y tu película llega en un momento en el que se habla de reformar el sistema de justicia en México.

Exactamente. Aunque cuando escribí el guion ni siquiera se hablaba de esto. Hoy, por suerte, el tema está en el debate público, pero aún hay mucho camino por recorrer. La película busca reflejar cómo la injusticia en áreas como el feminicidio o el asesinato de periodistas persiste debido a la falta de consecuencias para quienes cometen estos crímenes.

¿Y de dónde surge el título Violentas mariposas?

El título viene de una frase que escribí hace más de 10 años: “esas orugas en violentas mariposas se han convertido”. Quería transmitir la idea de cómo las personas sumisas, al indignarse, pueden volverse violentas, aunque siguen siendo frágiles e inocentes, como una mariposa. Esta frase encapsula gran parte del concepto de la película.

“LA COCINA”, DE ALONSO RUIZPALACIOS

EL DRAMA y el misterio alteran un concurrido restaurante en "La Cocina", la cuarta película del aclamado director Alonso Ruizpalacios, cinta que competirá en la reñida categoría Largometraje Mexicano en la edición 22 del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM). Este esperado título se prepara para su premiere nacional en el marco del festival, para después celebrar su estreno comercial el 7 de noviembre bajo el sello de Cinépolis Distribución.

Hora de comer en The Grill de Nueva York. Ha desaparecido dinero de la caja. Todos los cocineros indocumentados son interrogados; Pedro es el principal sospechoso. Molesto porque su amante Julia ha tenido un aborto, planea detener la línea de producción de la cocina de una vez por todas.

Basada en la obra de teatro homónima y ópera prima del dramaturgo británico Arnold Wesker, esta película es la segunda ocasión que Ruizpalacios trae a la vida esta historia, siendo la primera para teatro en el Teatro Santa Catarina como parte del Centro Universitario de Teatro (CUT) en el 2012.

Mirada contemporánea a la vida, ritmo y problemáticas de uno de los sectores trabajadores más precarizados. Esta situación universal se retrata a través de la nacionalidad de sus personajes, mexicanos, estadounidenses, italianos, irlandeses o puertorriqueños, de norte a sur, en inglés o español, la meta siempre será hacer del empleo en la cocina sólo una parada temporal.

Se trata de una brigada de cocina interpretada por Raúl Briones ("Una película de policías", 2021) -en su segundo proyecto bajo la dirección del realizador mexicano-, Rooney Mara ("La chica del dragón tatuado", 2011), Anna Díaz ("Totally Killer", 2023) y Oded Fehr ("La Momia", 1999), quienes grabaron mayoritariamente en locaciones en la Ciudad de México, ambientada como “La ciudad que nunca duerme”.

Una película Max Original, producida por Filmadora, Panorama Global, Astrakan Film AB, Seine Pictures y Fifth Season, "La Cocina" tendrá su función premiere el próximo martes 22 de octubre a las 17 hrs. en Cinépolis Morelia Centro dentro del marco del FICM 2024.

“HOMBRES ÍNTEGROS”, DE ALEJANDRO ANDRADE PEASE

EL SEGUNDO filme de Alejandro Andrade Pease tendrá su estreno en México, además de competir por el premio a Mejor Largometraje Mexicano en la próxima 22ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia.

"Esta nominación es una gran motivación, porque es un reconocimiento al increíble trabajo de todo el equipo, especialmente de nuestros actores, quienes dieron vida a estos personajes con tanta entrega. Nos emociona mucho que el público michoacano sea el primero en ver nuestra película en la gran pantalla en México", comparte Andrade.

Con este filme, el director reflexiona sobre la identidad y el miedo a ser uno mismo en un contexto social económicamente privilegiado, machista y clasista. La trama surge de la experiencia personal que el cineasta

vivió durante su adolescencia en un colegio similar al que se retrata en la cinta, la cual comenzó a escribir en 2018, junto con Armando López Muñoz.

En esta ocasión, Andrade Pease apuesta por un elenco juvenil, protagonizado por el actor Andrés Revo, quien interpreta a Alf, un adolescente privilegiado de la Ciudad de México que, por presiones familiares y escolares, toma decisiones erróneas que alterarán su universo. El elenco juvenil también incluye a Arianna Hermosilla, Joaquín Emanuel, Emilio Puente, Héctor "Tocho" Kuri, Pablo Delgado y Jan Ades.

Además, el reparto se completa con actores de gran trayectoria como María Aura, Tomás Rojas, Moisés Arizmendi, Norma Pablo, Concepción Márquez, Elizabeth Guindi y Verónica Toussaint (Q.E.P.D.), en su última aparición en pantalla.

Mejor película: "Tótem" de Lila Avilés

CINE MEXICANO BRILLA UN AÑO MÁS

La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) celebró la 66ª edición de los premios Ariel con una ceremonia en el Teatro Degollado de Guadalajara, Jalisco. Entre las cintas que premiadas destacan, "Tótem" de Lila Avilés ganadora a Mejor Película; "El Eco" de Tatiana Huezo, Mejor Largometraje Documental; "Temporada de Huracanes" de Elisa Miller, que se llevó el Ariel a Mejor Guion Adaptado; y "Todo el silencio" de Diego del Río, galardonada como Mejor Ópera Prima, entre otras. Con 186 nominaciones distribuidas en 24 categorías,

desde Mejor Película hasta Mejor Ópera Prima, los ganadores de este año reflejan la diversidad y calidad del cine mexicano, reafirmando el compromiso de la industria con el arte, la cultura y la innovación. En esta edición, se entregaron tres Arieles de Oro a figuras emblemáticas del cine mexicano: la actriz Angélica María, la diseñadora de producción Brigitte Broch y la cineasta, guionista y documentalista Busi Cortés. Este galardón reconoce a aquellos que han hecho contribuciones sobresalientes a la industria cinematográfica a lo largo de su trayectoria.

TEXTO Y FOTOS CARLOS MORA

Montserrat Marañón y Ludwika Paleta, Mejor coactuación femenina

Mejor coactuación femenina: Montserrat Marañón por "Tótem"

Mejor actor: Noé Hernández por "Kokoloko"

Mejor actriz: Adriana Llabrés por "Todo el silencio"

Mejor

Mejor ópera prima: "Todo el silencio", Diego del Río

Natalia Bermúdez, Mejor cortometraje documental: "Norte" y Mejor cortometraje de ficción: "Apnea"

Angélica María, Ariel de Oro

dirección: Lila Avilés por "Tótem"

Mejor diseño de arte: "Heroico" de Ivonne Fuentes.

Mejor largometraje documental: "El eco", de Tatiana Huezo.

Mejor guión adaptado: "Temporada de huracanes" de Elisa Miller y Daniela Gómez

Adriana Barraza

Crew de Tótem

Harold Torres

Yalitza Aparicio

Angélica María y Angélica Vale

Myriam Bravo, Danae Ahuja y Ángeles Cruz

María León

Eugenio Rubio y Diego del Río

Mónica Huarte

Santiago Sandoval

Diego del Río, Ludwika Paleta y Adriana Llabrés

Santiago y Mariana Arriaga

Eugenia y Guillermo Arriaga