"KRAVEN, EL CAZADOR": RUGE CON FUERZA EN MÉXICO
"KRAVEN,
POR FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO
A sus 93 años de edad, SILVIA PINAL se ha ido. Tras de sí deja un legado enorme, especialmente el que desempeñó en diversos escenarios, materializado en entrañables obras teatrales y musicales, programas televisivos que marcaron época (y cuyo modelo se sigue perpetuando), pero sobre todo, en decenas de películas, la mayoría de ellas producidas durante la denominada Época de Oro del cine mexicano y en los años inmediatamente posteriores al inicio del declive de dicho período.
El grueso de las producciones cinematográficas en las cuales participó se pueden agrupar en comedias ligeras o melodramas lacrimógenos
principalmente. Es decir, productos propios de esas épocas, a través de los cuales poco a poco se fue cimentando su imagen no solo de actriz, cantante y bailarina, sino de símbolo sexual y finalmente, de gran diva del cine nacional. Durante ese tiempo,
pudo actuar al lado de ídolos tales como Pedro Infante; Germán Valdés "Tin Tan"; Mario Moreno “Cantinflas”; Adalberto Martínez "Resortes"; Arturo de Córdova, Antonio Aguilar; Sara García; Marga López; los hermanos Soler, Abel Salazar; Joaquín Pardavé;
Carlos López Moctezuma y Joaquin Cordero por mencionar solo algunos. También trabajó bajo las órdenes de algunos de los cineastas más destacados de ese período, como Gilberto Martínez Solares; Rogelio A. González; Julián Soler; Emilio Gómez Muriel y Fernando Cortés.
En 1958 comienza su camino a la internacionalización con su participación en coproducciones con diversas naciones del viejo continente, principalmente con España e Italia. Y es durante ese período que, por cuestiones coyunturales, los caminos de la actriz se cruzan con los del legendario Luis Buñuel, dando pie a una serie de colaboraciones que, con el tiempo, serían tres de los mejores trabajos de la artista, a la vez que se volvieron filmes icónicos en la filmografía del cineasta español.
Todo comenzaría cuando, gracias a Ernesto Alonso; Silvia conoce a Buñuel, e intentan levantar el proyecto de una versión mexicana de la novela "Tristana", la cual naufraga, aunque el realizador lo retomaría y llevaría a cabo años más tarde con Catherine Deneuve como protagonista. Tiempo después de esa fallida experiencia, Pinal apoyada por el productor Gustavo Alatriste (en ese entonces su segundo marido) buscan a Buñuel en España para ofrecerle rodar allí una nueva producción. Así, con Uninci y Films 59 produciendo por el lado español y Alatriste por el lado mexicano, en 1961 nace "Viridiana".
Basada en la novela Halma de Benito Pérez Galdos, adaptada en un guión elaborado por el poeta y escritor Julio Alejandro y el propio cineasta, narra las vicisitudes que le acontecen a la protagonista que da nombre al filme (interpretada por Pinal), una novicia quien, estando a punto de tomar de forma definitiva los hábitos, acepta -un tanto a regañadientes- visitar la casa de don Jaime (Fernando Rey) su tío y benefactor. Tras varios sucesos desafortunados que allí le ocurren y los cuales culminan con el deceso de don Jaime, decide abandonar su vida en el convento y quedarse en la mansión, ya que se siente
responsable de su muerte. Tratando de expiar su culpa, opta por el camino de la beatitud y así, de albergue en la propiedad a un grupo de limosneros, lisiados y vagabundos para ofrecerles pan y consuelo. Pero todo resulta contraproducente y el asunto termina saliéndose de control.
De este modo, Silvia crea un personaje el cual, intentando vivir en el camino de la virtud, termina apartado del mismo
y plantea la mezquindad como una condición inherente de los seres humanos.
Rodada enteramente en España, "Viridiana" fue exhibida en el Festival de Cannes, donde obtuvo la Palma de Oro ex aequo con la francesa "Una larga ausencia" (Une aussi longue absence, 1961) de Henri Colpi. Pero allí se desató el escándalo cuando un artículo sobre la película publicado por el periódico de la Ciudad del Vaticano, L'Osservatore Romano, la señalaba como una obra impía y blasfema. El propio Vaticano terminaría por calificar a la cinta como anticristiana.
por culpa de la vileza (principalmente masculina) y la condición humana, optando finalmente por entregarse a una vida más mundana. Fue tal la huella que el filme dejó en ella que un par de años más tarde, cuando nace su hija fruto de la relación con Alatriste, deciden bautizarla como Viridiana. Por su parte, en este trabajo Buñuel esgrime una mordaz crítica a la doble moral y la decadencia tanto de la religión como de la sociedad,
Por su parte el gobierno español (aún franquista) ya había solicitado que se cambiase el final de la cinta, pero tras esta polémica, destituyó a José Muñoz Fontán (en ese entonces director general de Cinematografía y Teatro) por haber acudido a Cannes a recoger el premio; prohíbe toda promoción y mención de la misma en medios de comunicación nacionales declarándola inexistente; e incluso ordenó la destrucción de todas las copias de la película. De no ser porque Pinal logró escapar a México con una copia, probablemente ahora sería un filme perdido. Un año después y ya de vuelta en México, la tripleta Pinal-Alatriste-Buñuel realizan un segundo largometraje: "El ángel exterminador", con un guión de este último basado en una historia suya y de su colaborador recurrente, Luis Alcoriza. La trama gira en torno de un grupo de aristócratas quienes, tras una noche en la ópera, se reúnen en la mansión de uno de ellos para cenar y completar el día con una velada agradable. Pero al avanzar la noche, ninguno de ellos parece tener la intención de retirarse a sus casas, y por el contrario, comienzan a ponerse cómodos en los sofás, sillones y otros
muebles de la sala del anfitrión, pasando ahí la noche. Pero al día siguiente, la verdad se revela de golpe: nadie es capaz de abandonar esa habitación porque algo intangible se los impide, y al intentarlo son presa de la incertidumbre y el miedo.
Así, este grupo de personajes se ven “obligados” a permanecer en ese lugar por un tiempo indefinido, y mientras los días pasan, su situación se vuelve más precaria, haciendo aflorar sus instintos más innobles y salvajes, revelando incluso la verdadera naturaleza de varios de ellos. Entre esos personajes se encuentra Leticia (Pinal), apodada “La Valquiria” por su naturaleza un tanto desafiante y rebelde. A lo largo de la trama, ella defiende al anfitrión cuando es injustamente acusado de ser el causante de la situación, y eventualmente es quien descubre la clave para revertir las cosas.
En este filme, Buñuel vuelve abiertamente a la vena surrealista de sus días iniciales (y que en realidad, siempre estuvo latente en su cine), y a través del mismo elabora una divertida sátira de la lucha de clases y de los vicios e hipocresías de la burguesía, tema al que regresaría de forma recurrente en posteriores trabajos.
Al igual que su predecesora, "El ángel exterminador" fue presentada en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 1962, donde obtuvo el premio de la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica (FIPRESCI) de la crítica internacional y del Sindicato de Guionistas. En 1994, la revista Somos publicó un listado en el cual veinticinco críticos y especialistas del cine en México eligieron las 100 mejores películas del cine nacional (hasta ese momento). Y "El ángel exterminador" ocupó el decimosexto lugar. Por su parte, el New York Times la tiene enlistada entre
las mil mejores películas de todos los tiempos.
La tercera y última película en la cual el tercio Pinal-AlatristeBuñuel trabajarían juntos, sería Simón del desierto (1964). Originalmente, fue concebida como un filme episódico, y años después en una entrevista Silvia Pinal explicó lo ocurrido: “Iban a ser tres historias con distintos directores. La de Buñuel era una. Alatriste y yo fuimos a Europa y buscamos a Federico Fellini, que hubiera filmado encantado con Buñuel, pero propuso de actriz a su esposa Giulietta Masina. Vimos a otro, Jules Dassin, que también aceptaba si llevaba a Melina Mercouri, su mujer. Le dijimos que no, porque se trataba de que las tres historias las hiciera yo. Entonces, como todos querían dirigir a sus esposas, Alatriste quiso dirigir su propia parte con su esposa, conmigo. Dije que no, y ese fue el principio de nuestra separación. Alatriste no quiso entender, o le dolió mucho, que yo le explicara que no podía dirigir al lado de Buñuel”, afirmó.
Nuevamente el argumento es escrito por el cineasta y
Julio Alejandro, ahora tomando como punto de partida la historia de Simeón el Estilita, un asceta de origen sirio del siglo V, de quien se dice vivió durante 39 años en lo alto de una columna.
La trama ocurre cuando el asceta Simón (interpretado por Claudio Brook) cumple seis años, seis semanas y seis días parado en una pequeña plataforma sobre un pilar de aproximadamente tres metros de altura. Es entonces que un grupo de monjes y campesinos (muchos de ellos creyentes en la santidad de ese hombre) lo invitan y acompañan para que se mude a un pilar más alto, donado por una opulenta familia para agradecerle por la milagrosa curación de uno de sus integrantes. Y una vez que se queda allí solo (con únicamente la compañía de su madre, quien mora y lo mira desde una distancia cercana), comienza a ser presa de las maquinaciones del mismo diablo (encarnado aquí por Silvia), quien intenta hacerle caer en tentación al santo de diversas formas y valiéndose de distintos engaños, siendo el último de ellos un viaje al interior
de un centro nocturno de una moderna urbe, donde muchos jóvenes bailan al ritmo del rock. Sin duda, la interpretación que Pinal hace de la entidad diabólica es de lo más destacado no solo del filme, sino dentro de la propia carrera de la actriz, al concebir un personaje provocador, transgresor, y altamente erótico. Aquí inclusive hace su primer desnudo, algo que en el cine mexicano industrial de esos años era inusual. Y que en retrospectiva, pareciera ser una evolución (hacia el extremo contrario) del personaje que encarnase en Viridiana. Y desde luego, el cineasta aprovecha la historia para hacer algunos señalamientos sobre la banalización de lo sagrado y la hipocresía de la institución religiosa.
"Simón del desierto" se proyectó por primera vez el 27 de agosto de 1965 en el Festival Internacional de Cine de Venecia de ese año, donde ganó un Premio FIPRESCI y un Premio Especial del Jurado.
Y con este filme, no solo concluyó el trabajo colaborativo entre Pinal, Alatriste y Buñuel, sino que también sería el último trabajo que Luis rodaría en tierras mexicanas, ya que después de esto regresaría a Europa donde continuaría su carrera por una década más. Por su parte, Silvia y Gustavo se separaron en 1967. Alatriste seguiría su labor como productor y en la década de 1980 fue vicepresidente de la Cámara Nacional de la Industria Cinematográfica (CANACINE). Falleció en 2006, tras una larga lucha contra el cáncer.
Y Silvia Pinal continuaría actuando. Y si bien su paso por el universo de Buñuel llegó a su fin, y retornaría a hacer filmes más convencionales (con algunas honrosas excepciones), su estatura artística ya se había elevado de Diva a Diosa. Una cuyo brillo celestial seguiría irradiando luz en los años venideros.
Conversamos con las directoras Astrid Rondero y Fernanda Valadez, junto con el actor Juan Jesús Varela, sobre "Sujo, hijo de sicario", una película que ofrece un rayo de esperanza para los llamados "hijos de la violencia" que enfrentan la dura realidad del país.
¿Cómo surge el guion de "Sujo"?
Astrid:
"Sujo" surgió mientras estábamos preparando "Sin señas particulares" (la película anterior de la directora). Durante esa etapa, fuimos a hacer entrevistas a comunidades rurales donde planeábamos filmar y estábamos buscando actores para la película. En ese proceso, nos llamó mucho la atención escuchar las historias de los chicos, muchos de los cuales ya habían experimentado el desplazamiento forzado, la migración, y algunos incluso comenzaban a trabajar para los cárteles locales.
Aunque ese tema no encajaba directamente en Sin señas particulares, decidimos
guardarlo, ya que nos parecía profundamente relevante. Más tarde, leímos la novela "Los huérfanos del narco" de Javier Valdez, un extraordinario periodista. Ese libro, junto con nuestras observaciones, nos llevó a entender que el personaje de Sujo debía explorar una mirada más amplia: imaginar un destino posible para los cientos de niños en este país que han sido víctimas de la violencia. Así surgió la idea de "Sujo, hijo de sicario".
¿Cómo llega Juan a la cinta?
Fernanda:
Para nosotras, ha sido un enorme privilegio trabajar con este joven talentosísimo y brillante actor, además de ser
una gran persona. Cuando lo conocimos en "Sin señas particulares", Juan tenía un papel secundario. Desde nuestra perspectiva, sentimos que en ese momento él encontró su vocación en la actuación. A partir de ahí, ha continuado trabajando en videos musicales y ha tenido participaciones importantes en otros proyectos.
Cuando Astrid y yo comenzamos a escribir "Sujo", pensamos en Juan desde el principio. No solo por su talento, sino porque encarna la esencia de lo que queríamos retratar: un joven especial que está en el proceso de encontrar y reclamar su vida. Ha sido un camino de crecimiento mutuo, tanto para nosotras como directoras como para él como actor.
Juan, ¿cómo te sientes de dar vida a Sujo?
Para mí, ha sido un gusto enorme y algo muy importante trabajar con estas dos grandes mujeres. No solo en la película, sino también en mi vida, han sido un apoyo fundamental para salir adelante y perseguir mi sueño de actuar. He encontrado un vínculo muy especial conmigo mismo en el mundo de la actuación. Verme en la pantalla grande me da una felicidad inmensa. Siento que estoy avanzando y construyendo algo significativo para mi vida.
¿Qué se cuestionaron al hacer la cinta?
Astrid: Nos preguntamos mucho
sobre el futuro de los jóvenes que enfrentan circunstancias de gran adversidad. Una de las cosas más valiosas de este proyecto fue contar la historia de un chico en proceso de crecimiento, lo que nos permitió explorar cómo se forma una personalidad a través de diferentes vivencias.
Este enfoque nos permitió retratar cómo este joven logra encontrar oportunidades que sus compañeros no tienen. Decidimos estructurar la historia en capítulos, lo que nos permitió variar los estilos narrativos. Pensamos que, al igual que nuestras propias biografías, la vida puede ser contada con diferentes energías y momentos significativos.
¿Cómo ven la violencia que se vive en el país?
Fernanda: Llevamos más de 20 años
viviendo una crisis de violencia en gran parte del país, al punto de que quizás la hemos normalizado. Para nosotras, era fundamental hablar de las consecuencias emocionales de esta violencia. Por eso, utilizamos mucho el recurso de "fuera de cuadro": escuchar lo que sucede, pero centrarnos en las reacciones de los personajes, particularmente del niño protagonista y otros jóvenes.
Nuestro objetivo era mostrar cómo esta violencia ha marcado a una generación que nació ya en medio de esta crisis humanitaria. Sin embargo, también queríamos abordar las historias de resistencia: jóvenes que han encontrado formas creativas de superar la adversidad. Sujo busca abrir una ventana de esperanza, sin caer en la ingenuidad, pero reconociendo la realidad que vivimos.
¿Cómo lograron darle un rostro y voz a los huérfanos del narco?
Fernanda:
El cine tiene la capacidad de ponernos en los zapatos de personas con experiencias muy distintas a las nuestras. Siendo mujeres, no hombres, asumimos el compromiso de tratar de comprender cómo es ser un adolescente en una comunidad rural penetrada por el crimen organizado: cómo se siente crecer y llegar a la adultez en ese contexto.
Nos dedicamos a observar, escuchar muchas entrevistas, leer crónicas y testimonios de periodistas. El reto fue encontrar un balance entre mostrar la crudeza de la realidad y dejar espacio para la esperanza. Al final, buscamos transmitir esa necesidad de los jóvenes de querer algo más, de imaginar un futuro mejor.
Basada en el trágico caso de los 73 migrantes asesinados en San Fernando, Tamaulipas, en 2010 por grupos del narcotráfico, "La alberca de los nadies" retrata la desgarradora historia de migrantes centroamericanos que deben hacer todo lo posible para sobrevivir a estas organizaciones criminales y cruzar la frontera. En una entrevista con la Revista Cameo , conversamos con su protagonista, María Mercedes Coroy, y el director, José Luis Solís Olivares, sobre los desafíos que enfrentaron al llevar esta impactante historia a la pantalla.
TEXTO Y FOTOS CARLOS MORA
¿Cuéntame un poco de tus raíces?
Qué honor poder platicar un poco sobre mi comunidad, mi historia como maya kaqchikel y, sobre todo, cómo he sido educada y fomentada en mi familia. Esto influye mucho en quién soy.
Es algo muy personal, porque aunque soy actriz y tengo esta carrera, no dejo de ser humana ni de ser de donde vengo: Santa María de Jesús, Sacatepéquez, que está en las faldas del volcán de Agua. Es una comunidad muy abierta al arte, pero también está profundamente ligada
a la agricultura, y gran parte de la economía depende de ella.
Aún sigo trabajando con mis padres en el campo, con mi mamá en el comercio, y en casa, cuando estoy allí, cocino y hago otras cosas.
Disfruto mucho de estas dos facetas de mi vida. Tal vez mañana regrese y esté cocinando, pero eso no cambia lo que amo hacer. Al entrar en el medio artístico, es algo que también me apasiona profundamente. No siento conflicto entre ambas cosas; al contrario, no quiero ocultar lo que soy. Mi esencia está en representar a Guate-
mala y dar un espacio a mis hermanas y hermanos allá. Las indumentarias que uso las traigo con mucho respeto; tienen un significado profundo, como memoria histórica y resistencia. Me siento muy privilegiada por la energía de mis abuelos que me acompañan.
¿Cómo fue trabajar con los migrantes que salen en la película?
El rodaje fue muy impactante, especialmente por el trabajo con Manuela, una migrante salvadoreña, con quien compartí muchas escenas. Un día me
contó su historia entre lágrimas, y me decía que había perdido la audición de un oído después de caer en una barranca mientras viajaba en la caravana. En ese momento, el coyote no le dijo que la ayudaría, sino que simplemente siguió su camino. Fue muy enriquecedor para los personajes.
Al escuchar estas experiencias, la interpretación se humanizó mucho más, y eso se reflejó en el resultado final de la película. Fue muy fuerte, porque esta realidad sigue ocurriendo, y en lugar de detenerse, está creciendo. Es algo alarmante.
¿Cómo terminaste con un tema tan fuerte como la migración que se ve en la cinta?
Al final del rodaje, hice un ritual para pedir por todas las personas que han migrado de manera tan violenta. Todos los que pudieron participar, lo hicieron con mucho respeto y cariño. Ese ritual fue un cierre perfecto para el proceso, tratando todo con el máximo respeto hacia lo que ellos han vivido. Fue importante que la producción trabajara para dignificar a los migrantes, dándoles el trato que merecen, con su pago y su dignidad.
¿Qué opinas cuando entraste a este proyecto?
Cuando me presentaron el proyecto, estaba nerviosa, pero muy emocionada con el guion. Aunque tenía un poco de inseguridad, sabía que quería ser parte de esta historia. Desde el principio, me interesó representar a Nayeli, una gua-
temalteca que busca refugio en Oaxaca con su padre. A través de ella, creé una historia de migración que no solo se trata de buscar una vida mejor, sino también de huir de una masacre, lo que añade mucha carga emocional al personaje.
Habla sobre tu anécdota de la filmación de Wakanda en Estados Unidos.
Estuve fuera por dos o tres meses, extrañaba mucho las tortillas. Estábamos en Nueva York, muy alejados de la ciudad, y no podía encontrar tortillas. Un asistente de producción me dijo que iría a Walmart a buscar lo que necesitaba. Finalmente, compramos un comalito y empecé a hacer las tortillas. Al siguiente día, las llevé al set, y todos querían probar. Fue muy lindo compartirlas con los demás, incluidos los productores, directores y compañeros actores como Noé Hernández y Tenoch Huerta.
José Luis Solís Olivares: ¿Cómo fue trabajar con los migrantes y hacer que se viera tan natural?
Estaba nervioso, porque era algo nuevo para mí. Fuimos integrándonos de a poco, y un día, mientras filmábamos una escena, tuvimos una experiencia reveladora.
Los migrantes que participaban en la escena nos contaron sobre su experiencia, y descubrí que, aunque para nosotros era desconocido, para ellos era parte de su realidad.
Convivimos en albergues, aprendiendo más sobre su vida y sobre lo que necesitaban para que la película fuera lo más auténtica posible. Esto fue muy importante para nosotros.
¿Cómo llegaron los protagonistas a la cinta?
Trabajamos con mucho esfuerzo para seleccionar a los actores adecuados. Conocí a Daniel Bautista, a través de
una película que me recomendaron. En cuanto a María Mercedes Coroy, había visto su trabajo en Ixcanul, del director Jayro Bustamante, y me impresionó mucho. Después de que discutimos el guion, le enviamos el material y ella aceptó el papel de Nayeli. Fue una coincidencia muy especial que Jayro, quien ya la conocía, también recomendara a María Mercedes para el papel.
¿Cómo ha sido la recepción de la película en los festivales?
Hemos tenido la oportunidad de presentar la película en distintos lugares. El recibimiento ha sido muy positivo, aunque también es triste ver que lo que reflejamos en la película sigue siendo una realidad.
Al mismo tiempo, nos sentimos muy agradecidos por la recepción del público, pero conscientes de lo fuerte que es el tema que tratamos.
"La cocina" es la nueva película de Alonso Ruizpalacios, adaptada de la obra "The Kitchen", escrita por Arnold Wesker en 1957. En una entrevista con la Revista Cameo , la actriz comparte detalles sobre su personaje, Estela, una migrante mexicana que no habla inglés y que llega a un restaurante en la Gran Manzana en busca de trabajo.
¿Cómo te sentiste al presentar "La cocina" en el Festival de Morelia?
Fue increíble. Era mi primera vez en el Festival de Morelia, y siempre había querido ir, al menos como espectadora. Estar ahí presentando dos películas ("La cocina" y "Un cuento de pescadores") fue muy emocionante, sobre todo porque son proyectos en los que trabajamos durante dos años y, finalmente, ya pueden ver la luz. Lo que más disfruté fue compartir ese momento con el elenco y el equipo, y sentir la reacción del público.
¿Cómo llegaste a "La cocina"?
Llegué por un casting que apareció
públicamente en redes sociales, en Facebook, de hecho. Muchas personas me lo compartieron porque decían que el personaje era para mí. Mandé un video, pero no recibí respuesta inmediata.
Tiempo después, una castinera me invitó a otro proyecto, y aproveché para preguntar si todavía estaba disponible el casting para "La cocina". Pasaron meses antes de que me llamaran, y después otros meses para los callbacks. ¡Fue un proceso larguísimo!
Mi último callback fue muy peculiar. Alonso me pidió que contara chistes mientras él mantenía una expresión completamente seria.
Después me dieron la noticia de que había quedado. Con Alonso conecté mucho desde el principio; hablamos de experiencias personales y temas profundos, y creo que esa conexión se reflejó en el proyecto.
¿Cómo es Alonso como director?
Alonso viene del teatro, así que tiene dinámicas muy particulares. Yo también tengo formación teatral, así que nos entendimos muy bien.
Hubo mucho ensayo, improvisaciones y juegos que ayudaron a crear una conexión real entre todos. Éramos un grupo muy diverso, incluso con barreras idiomáticas, pero el juego rompió esas barreras.
La película aborda temas como la migración y el consumismo, además de retratar el mundo de la cocina. ¿Cómo te preparaste para encarnar a tu personaje?
Observé mucho y "espié" en restaurantes para entender las dinámicas. Alonso nos dio referencias importantes, como el libro "Kitchen Confidential" de Anthony Bourdain, que fue una gran fuente de información.
Este proceso me ayudó a entender el estrés, las jerarquías y las normas dentro de una cocina profesional. También toqué mis propias experiencias; alguna vez trabajé en una cafetería, y eso me permitió conectar con las dificultades que enfrentan los trabajadores del sector.
La película también toca temas muy duros, como el desperdicio de alimentos y el impacto del capitalismo. ¿Cómo viviste eso?
Fue impactante. Hay escenas muy fuertes, como ver comida intacta siendo desechada. Esto no es ficción; es algo que ocurre todos los días, y filmarlo te hace más consciente de esas realidades.
En el estreno en Nueva York, ¿cómo reaccionó el público?
Cada lugar tiene una reacción diferente. En México, la película toca fibras más emocionales; en Nueva York, hubo muchas risas. Pero algo que destaca es cómo los mexicanos nacidos en Estados Unidos conectan profundamente con la historia, por las experiencias de migración y los sueños que sus familias han perseguido.
También trabajaste con grandes actores como Raúl Briones y Rooney Mara. ¿Cómo fue esa experiencia?
Raúl es increíble. Es muy humano y estuvo conmigo en todo momento, incluso cuando el chef me regañaba como parte de las dinámicas de la película.
Con Rooney fue igual; es muy humilde y siempre buscó hacerme sentir cómoda. Al final, no importaba que fueran "grandes estrellas", éramos simplemente colegas trabajando por el proyecto.
La icónica novela de Juan Rulfo, "Pedro Páramo", llega al cine en una nueva adaptación. La actriz habla de su personaje, Eduviges, una de las mujeres más importantes de Pedro Páramo.
Bajo la dirección de Rodrigo Prieto, quien realiza su ópera prima, la película promete ser una experiencia visual y emocional inolvidable. La película explorará los temas universales de la soledad, la muerte y la conexión con las raíces, elementos que la han convertido en una obra inmortal.
TEXTO Y FOTOS
La producción recrea fielmente el ambiente rural mexicano y utiliza efectos visuales que realzan la naturaleza sobrenatural de la historia.
La novela "Pedro Páramo" cuenta la historia de Juan Preciado, un joven que, tras la muerte de su madre, se dirige al pueblo de Comala en busca de su padre, Pedro Páramo, un hombre de poder que, según su madre, ha sido responsable de su sufrimiento y el de muchas otras personas. Sin embargo, al llegar a Comala, Juan descubre un pueblo desolado, habitado por espíritus que siguen atados a la memoria de sus vidas pasadas. La obra aborda temas como la muerte, la memoria, el poder y la culpa, y está escrita con un estilo enigmático, donde la línea entre lo real y lo sobrenatural se difumina.
¿Cómo comparas la experiencia de estar en "Pedro Páramo"? Reflexiono mucho sobre ello y lo comparo con el proceso de hacer un platillo delicioso. A veces, no está ga-
rantizado que, aunque uses los mejores ingredientes—la mejor cebolla, el mejor ajo, la mejor carne o los mejores chícharos si eres vegano—logres hacer un buen platillo. Puedes tener todas las bases y herramientas necesarias y aún así no conseguirlo. O tal vez logras crear una obra extraordinaria, que tu plato quede fantástico, pero a los comensales no les guste.
Nosotros tenemos una obra ("Pedro Páramo") que, como creadores, estamos seguros de que es hermosa, maravillosa, profunda, con grandes actuaciones. Cada departamento tiene a una persona, un artista, un creativo que dio todo para esto. Esperamos que la obra encuentre su nicho, llegue a su público y que los espectadores se sientan abrazados por esta historia.
¿Cómo ves el cine mexicano en la actualidad? Si somos justos y honestos, creo que el cine mexicano no está en crisis desde hace mucho tiempo. La crisis, en realidad, está en nuestro público. ¿Cómo pode-
mos lograr que estas películas lleguen bien a la gente? Se han entregado con mucho cuidado, en una buena presentación, en una bonita charola, y se han hecho accesibles para todos. A mí me encantaría que el cine mexicano llegara a los pueblos, a los lugares más alejados, a las mejores salas, que se vea y se escuche con dignidad, porque de eso se trata. El cine mexicano lleva mucho tiempo haciendo películas extraordinarias en formatos pequeño, mediano y gran formato. Se han ido desarrollando grandes artistas dentro del cine, pero seguimos en ese lugar ambiguo: ¿te la crees o no te la crees? ¿Eres o no eres? ¿Qué hacemos?
¿Puedo decir que soy cineasta si filmo? No sé, mi trabajo puede no gustar. De hecho, en Twitter, antes de que Pedro Páramo se estrenara, ya había críticas muy duras, incluso negativas, sin que la película se hubiera visto, sin que la gente se hubiera dado la oportunidad de verla. Así que sí, la experiencia de hacer cine es hermosa.
¿Has hecho cine, teatro y series? ¿Hay algún ámbito que te guste más? Cada vez que vuelvo a hacer una película, me reconozco y me asumo completamente como una actriz de cine. Soy esencialmente una actriz de cine, este es mi mundo, esta es mi vida. Aquí es donde he crecido y donde he encontrado a los mejores colegas y amigos. El teatro me dio una base y un soporte inmenso, que también es como mi otra casa, digamos. Pero la verdad es que he hecho mucho más cine que teatro, así que me importa mucho todo lo relacionado con el cine.
¿Cómo fue releer este clásico de la literatura? Es muy interesante porque solo conozco dos versiones anteriores de películas basadas en esta novela, y hay una tercera que también me gustaría mucho ver. ¿Qué quiero decir con esto? Si ves esas dos versiones, en realidad son adaptaciones.
Están basadas en Pedro Páramo. Claro, tienes que hacer una adaptación, pero puedes apegarte más o menos al cuento original. Creo que nuestra versión está muy cerca del texto original. Incluso siento que, con la edición, y al ver la película, muchas de las cosas que en el libro pueden parecer complicadas—como los saltos entre historias y los cambios de tiempo—se clarifican un poco más en la pantalla.
Nuestra versión cinematográfica es muy fiel al texto, especialmente en la manera en que se dice. Los diálogos son absolutamente textuales, tal como están escritos. Se lleva el lenguaje rulfiano a la pantalla, lo cual creo que es un valor muy grande. Comala, tal como está descrito en la novela, se refleja en la película.
La austeridad y la falta de riqueza— cuando hay riqueza, todo sigue siendo pobreza, pero una pobreza particular que también se narra de una manera única en la novela—están perfectamente representadas. Es un México real, un México de pueblo, con la soledad, los silencios, los murmullos. La música también es una aportación hermosa a la historia.
Creo que esta película es una obra de arte. Como espectadora, la amo y la admiro, y me siento sumamente orgullosa de haber formado parte de este proyecto y de haber contribuido con mi granito de arena.
Para esta película, ¿sí puedes decir que estuviste en Comala?
Fuimos y vinimos (risas). Fue muy hermoso estar en el set, porque todo a nuestro alrededor se sentía como parte de ese mundo. Los sets eran enormes, bellísimos. Todo lo que tocabas, incluso lo filmado en estudio, era auténtico y tenía una belleza particular. El candil tenía su peso. Todo tenía un valor material, una textura que hablaba por sí misma.
Todo lo que estaba allí, todo lo que se colocaba, estaba contando algo. Insisto, hay que tener ojos para ver y corazón para sentir.
¿Cómo fue trabajar en la ópera prima de Rodrigo Prieto como director?
Fue muy enriquecedor en muchos sentidos, porque también hubo la posibilidad de hablar de literatura, de nuestras vidas, de aportar algo genuino.
Recuerdo una escena en particular (no voy a decir cuál es), pero le mencioné a Rodrigo: "Esto me recuerda un momento con mi papá, cuando él estaba en ese borde entre la vida y la muerte. Pasaron ciertas cosas, y yo lo vi de una manera muy particular". Entonces, le propuse que lo abordáramos de una forma distinta. Empezamos a trabajar en la escena, hicimos la primera toma, y le dije: "Siento que no lo logré". Él me respondió que sí, pero para mí no era suficiente. Le expliqué lo que quería transmitir y le propuse una nueva toma.
La hicimos otra vez y, en esa toma, sentí que lo habíamos logrado. Él me dijo que ya la tenía, pero que lo que había sucedido entre nosotros, esa complicidad, fue algo hermoso.
Lo interesante fue que no había ninguna presión sobre nosotros. No estábamos sometidos a expectativas ajenas, a cumplir con lo que otros querían. Estábamos en nuestro propio mundo. Eso lo genera el director cuando no hay presiones de ejecutivos o de quién sabe qué, simplemente la libertad de crear.
Rodrigo ama a los actores. Probablemente, hay directores que no tienen esa empatía, que, aunque puedan obtener grandes resultados, lo hacen a costa de sacar lo mejor de los actores a golpes, a jirones. Yo prefiero trabajar con los directores como Rodrigo, que, más allá de la dificultad, me permiten reír, sacar lo mejor de mí, y me hacen sentir en un lugar seguro para transitar el peligro que implica crear. Amé trabajar con él, y considero que es un gran director.
¿Cómo te ayuda traer cosas de sus raíces a tus personajes?
Hablar de movilidad es importante, independientemente de lo que hagas en la vida: ya seas carpintero, empleada doméstica, o cualquier otra cosa. Siempre te va a abrir la mente, te ayudará a ver mejor y te ayudará a ser un mejor ser humano. Eso es lo que creo que necesitamos, y entenderlo también. Moverse, tener esa posibilidad. Pero, por supuesto, también está el orgullo de tu terruño. Yo siempre que puedo, me voy al mar, regreso a mi tierra, me río con mis hermanas. Eso ha sido siempre la base de todo.
La célebre obra literaria "Pedro Páramo", escrita por el mexicano Juan Rulfo, llega al cine en una nueva adaptación que promete deslumbrar al público. Esta película, busca capturar la esencia mágica y oscura del mundo de Comala, ese pueblo fantasmagórico donde se entretejen historias de amor, poder y redención que han cautivado a generaciones. Conversamos con la actriz sobre su personaje, Damiana Cisneros, una mujer que trabajó para Pedro Páramo y su familia. La cinta, que marca el debut como director de Rodrigo Prieto, promete ser una experiencia visual y emocional inolvidable.
STA adaptación cinematográfica no solo rendirá homenaje a Juan Rulfo, uno de los escritores más destacados de la literatura hispanoamericana, sino que también acercará su legado a nuevas generaciones. "Pedro Páramo" sigue siendo un puente entre el pasado y el presente, un recordatorio de la riqueza cultural que define a México.
¿Cómo fue releer este clásico de la literatura?
Empecé, como la gran mayoría, en la prepa. Pero esta vez lo hice desde un lugar diferente, sin prejuicios, con mucha curiosidad, como si fuera la primera vez. Quería descubrir qué me provocaba ahora, a esta edad y con mi nivel de experiencia, no solo de vida, sino también como actriz.
Quería escuchar lo que "Pedro Páramo" tenía que decirme en este momento, en este contexto en el que México está.
Después, por supuesto, hice una investigación más profunda. Me sumergí en los estudios realizados por personas que han analizado a fondo la obra. Se ha desarrollado mucho sobre el tema de las mujeres en Pedro Páramo, sobre el propio Juan Rulfo y los autores de su época que reflexionaron sobre su novela.
Todo esto me ayudó a llegar a la propuesta de Rodrigo Prieto. En realidad, esa es la visión que todos trabajamos, discutimos y aportamos nuestras ideas. Coincidí bastante con la perspectiva de Rodrigo, y me sentí parte de ella, invitada a aportar mi granito de arena.
¿Cómo te sentiste estando en Comala con toda esta atmósfera mientras filmaban en el set?
Fíjate que para mí fue
muy impresionante porque lo primero que filmé fue la caminata de Damiana con Juan Preciado. Era increíble ver ese nivel de iluminación. Me impactó mucho que una o dos calles completas estuvieran iluminadas de esa manera.
Creo que realmente nos dieron todas las condiciones: diseño de producción, iluminación y toda la ambientación necesaria para sentirte en Comala, para que de verdad sintieras que te adentrabas a otro mundo.
¿Cómo fue trabajar en la ópera prima de Rodrigo Prieto como director?
Yo creo que, sobre todo, él estaba muy cómodo. Al menos, si no lo estaba, lo fingió muy bien. Aunque sí es su ópera prima, Rodrigo ha estado en el set desde hace muchísimo tiempo, y se
nota que dirigir era algo que deseaba profundamente.
Esto era algo que él había planeado desde hace mucho, y creo que por eso surgió esta invitación. Rodrigo siempre hablaba de su deseo de dirigir, y finalmente se dio la oportunidad.
Mi experiencia con él fue la de un director muy cercano a todos. Siempre logró mantener un ambiente relajado en el set, combinando perfectamente el juego y la concentración. Eso era algo que manejaba muy bien: podías relajarte, bromear y reírte, pero luego enfocarte completamente para la toma. Diría que trabajar con él fue una experiencia muy gozosa.
¿Cómo te ayuda traer elementos de tus raíces a tus personajes?
Acabas de develar mi
secreto. Si tuviera que nombrar mis fortalezas como actriz, diría que una de ellas es venir de la provincia, haber vivido en el pueblo, conocer el pueblo.
No es que la capital no tenga lo suyo, pero crecer en esos campos, con esa comida, ese humor, y esas charlas que se tienen en la calle... Eso me ha dado mucha riqueza. Recuerdo esas tardes tomando café, sin importar que tuviera solo cuatro años, acompañado de platanitos fritos o comiendo mariscos. Esas experiencias están muy presentes en mi vida, y las he puesto en todos mis proyectos, particularmente en este.
Sin duda, creo que esas raíces siempre aportan algo valioso a las películas y los proyectos en los que trabajo.
POR FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO
EL CINE y la literatura han sostenido una larga relación que se remonta prácticamente a los orígenes del primero. Una relación que ha sido muy fructífera, a través de filmes grandiosos que han tenido su origen en diversos textos literarios.
Sin embargo, el arte cinematográfico ha pasado también malos momentos en su íntimo affaire con el arte literario, al toparse con obras cuya complejidad hace que su traslación al lenguaje fílmico sea un reto titánico, y que incluso se antoja imposible.
Dentro de dichas obras “intraducibles”, figura "Pedro Páramo", primera novela del escritor jalisciense Juan Rulfo, y que con el tiempo se convertiría en uno de los clásicos más influyentes de la literatura latinoamericana y mundial, siendo traducida (hasta el momento) a más de 30 idiomas, y está considerada además como una de las 100 mejores novelas en español.
En nuestro país, "Pedro Páramo" ha sido llevada a la pantalla grande en al menos tres ocasiones: la primera de ellas en 1966 de la mano del cineasta Carlos Velo; la segunda fue una década más tarde, bajo la dirección de José Bolaños; y la tercera (quizás la menos conocida de todas) realizada por el actor Salvador Sánchez a inicios de los ochenta. Ahora, se estrena una cuarta, contando con el respaldo de la plataforma digital Netflix, y la cual marca el debut como director del afamado cinefotógrafo Rodrigo Prieto.
La trama gira en torno a Juan Preciado (Tenoch Huerta), quien llega
a un apartado y ruinoso Comala en busca de su padre, el personaje que da nombre a la novela (interpretado aquí por Manuel García-Rulfo). Y mientras deambula por las solitarias, polvorientas y en ocasiones lúgubres calles del poblado del cual también es originaria su recién fallecida madre Dolores (Ishbel Bautista); Juan se va topando con una variopinta galería de personajes, y de esos encuentros (y de lo que ellos le relatan) se desarrolla un retrato de perfil del personaje, donde no sólo se revela su historia y aspectos de su personalidad, sino que se le muestra como una especie de ser omnipresente, por cuya (muchas veces funesta) influencia y a raíz de una ulterior venganza de parte suya, ha propiciado que ellos y todos los habitantes del lugar hayan ido menguado hasta convertirse en meros fantasmas, condenados a vagar por allí indefinidamente, atrapados en una especie de interminable purgatorio.
"PEDRO PÁRAMO"
Dónde ver: Netflix
El punto más fuerte de esta nueva versión reside en lo visual, debido no solo al innegable ojo cinematográfico de Prieto, sino también al minucioso y cuidado diseño de producción por parte del infalible Eugenio Caballero haciendo dupla con Carlos Y. Jacques, a quienes se suma la dirección de arte de Ezra Buenrostro, y en conjunto logran concebir una interpretación de Comala que, al mismo tiempo resulta verosímil, onírica, bucólica, miserable, evocadora y pesadillesca.
Sin embargo, es al tratar de traducir la intrincada estructura de la novela en gramática y guión fílmico donde este trabajo falla, haciendo que su trama y la manera en que es desarrollada se sienta no sólo muy limitada, sino incluso superficial. Esa sensación es acentuada por un tono actoral muy desigual, donde mientras algunas interpretaciones son correctas e incluso destacan, otras se quedan en el mero bosquejo o de plano se convierten en meras caricaturas. En ese sentido, la interpretación del personaje central deja mucho que desear, y no logra convertirse en esa ominosa presencia que gravita por todos los rincones de la novela, quedando más bien como un eco débil y muy, muy lejano. Lo más irónico de todo, es que a una película que versa sobre seres fantasmales y un mundo de naturaleza espectral, justamente le haga falta un alma que no sólo pueda darle cohesión a las diversas secuencias que la conforman, sino que también le pueda insuflar vida propia, y evitar que ésta quedé reducida a una mera ilustración (muy vistosa, pero ilustración al fin) de la novela en que está basada.
En resumen: esta adaptación de "Pedro Páramo" resulta muy -tal vez demasiado- respetuosa del material original en que se basa, y por ello no puede adquirir ni autonomía ni voz propia; ni tampoco obtener una adecuada profundidad en los temas que ella misma propone.
En entrevista con la Revista Cameo , la cineasta Luciana Kaplan habla sobre su nuevo documental, "Tratado de Invisibilidad", una reflexión profunda sobre el concepto de la invisibilidad narrada desde la perspectiva de mujeres que limpian espacios públicos en la Ciudad de México. Mezclando elementos de documental, ficción y fotografía fija, la película construye un mosaico íntimo de testimonios y experiencias que revelan la precariedad laboral en el sector de la limpieza, en un mundo dominado por la subcontratación.
POR CARLOS MORA
Como en cada documental que haces, escoges temas que parecen invisibles para muchos. ¿Cómo decides que hay una historia importante detrás de estas mujeres que, a veces, pasan completamente desapercibidas?
Creo que, a veces, las historias o los temas llegan a ti. En mi caso, hago muchas películas centradas en mujeres, a menudo en situaciones marginales, pero que encuentran maneras de salir adelante o tomar fuerza.
Este tema surgió porque estudié y trabajé en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Ahí me contaron que las mujeres encargadas de la limpieza estaban subcontratadas, no dependían ni del CCC
ni de la Secretaría de Cultura. Eran contratadas por empresas que cambiaban de nombre cada año, dejándolas sin antigüedad, con salarios bajos y retrasos en los pagos.
Fue impactante para mí darme cuenta de que nunca realmente las había visto. Me hizo reflexionar sobre cómo las volvemos invisibles. Así nació la idea de investigar qué pasaba en otros espacios públicos, y descubrí que la situación era igual en todos lados.
Me gusta cómo abordas los temas en tus documentales. ¿Cuánto tiempo te llevó investigar y recopilar toda la información?
Curiosamente, este documental no tiene cifras ni expertos. Quise centrarme en sus
voces y experiencias. Aun así, investigué sobre la subcontratación y las leyes laborales.
Encontré apenas una tesis sobre algo relacionado, y me comuniqué con la autora. Pero la mayor parte del trabajo fue hacer entrevistas: hablé con unas 50 mujeres en diferentes contextos, como el metro, el aeropuerto y empresas privadas. La situación era siempre la misma: contratos temporales, falta de seguridad social, penalizaciones absurdas por faltar un día y abusos sistemáticos.
¿Cómo seleccionaste a las mujeres que aparecen en el documental?
Durante la pandemia hice entrevistas de audio y las transcribí. Eso me ayudó a identificar quiénes tenían historias
fuertes y estaban dispuestas a participar. Fue importante incluir un rango de edades, espacios de trabajo y contextos de vida. También quise que cada personaje tuviera un arco narrativo, que mostrara sus luchas y pequeños triunfos.
La decisión de usar blanco y negro en el documental me pareció acertada. ¿Cómo surgió esa idea?
Fue una de las primeras decisiones que tomé. No buscaba dramatizar más, sino estilizar las historias. Quería evitar caer en "pornomiseria" y resaltar la belleza dentro de estas vidas invisibles. El blanco y negro nos permitió mostrar algo diferente, estilizado, y enfocarnos en detalles que pasan desapercibidos en un ambiente tan caótico como el metro.
¿Cómo ha sido recibido el documental y qué opinan las personas que participaron en él?
Ha generado empatía e indignación. Muchas personas salen reflexionando sobre la invisibilidad de estas mujeres, que sostienen nuestras ciudades. Para las participantes, fue importante sentirse escuchadas. Aunque siguen teniendo miedo, el documental les dio cierta esperanza.
El personaje de Aurora me pareció encantador. A pesar de las dificultades, lograste mostrar que, incluso en situaciones adversas, hay espacio para la risa y la vida.
Totalmente. Quería que el documental mostrara su fuerza y resiliencia. No todo es drama; también hay humanidad, alegría y momentos de esperanza.
Hablamos con los protagonistas de la película "Straight", Alejandro Speitzer y Bárbara López, una historia con temática bisexual dirigida por Marcelo Tobar. Este largometraje es una adaptación de la obra homónima escrita por Scott Elmegreen y Drew Fornarola. La trama gira en torno a dos hombres que se conocen y se enamoran a través de una aplicación de citas. Sin embargo, hay un problema: uno de ellos tiene novia.
TEXTO Y FOTOS
CARLOS MORA
Después de su estreno teatral en 2018, la obra se presentó en el Teatro Milán bajo la dirección de Manolo Caro y la producción de Óscar Uriel. Ahora, la historia llega a la pantalla grande protagonizada por Alejandro Speitzer (Roberto), Franco Masini (Cris) y Bárbara López (Elia). La película explora los convencionalismos sociales que guían nuestras acciones, a menudo en detrimento de los sentimientos, todo con un toque de humor que la hace aún más entrañable.
Roberto, un banquero que lleva seis años de relación con Elia, una bióloga, se ve obligado a cuestionar su felicidad tras comenzar una relación íntima con Cris, un chico que conoce a través de una app.
ALEJANDRO SPEITZER: REFLEXIONES SOBRE LA PELÍCULA Y SU PERSONAJE
¿Cómo te sientes de regresar a este texto, ahora en otro papel?
Es interesante porque, claro, el personaje que interpretaba Erick Elías en la obra de teatro era un hombre más maduro. Sin embargo, para la película, queríamos mostrar una versión de estos 'señorcitos' que han crecido en entornos estructurados, como el de las finanzas. Fue un reto desprenderme de lo que viví con aquel personaje para abordar uno nuevo. Desde el cierre de la obra, trabajar en esta adaptación cinematográfica junto a BH5, Óscar Uriel y como productor ha sido muy enriquecedor. Creo que logramos una película que genera conversación, y eso me encanta.
¿Crees que esta historia sigue siendo relevante hoy en día?
Sí, definitivamente. Aunque hemos avanzado en temas de aceptación y diversidad,
nunca es suficiente. Las historias como Straight nos invitan a seguir cuestionándonos. Nuestro trabajo no es educativo, pero tenemos el poder de dejar mensajes y plantear preguntas. Las nuevas generaciones, incluyéndome, necesitan relatos como este: historias que hablan de la vida misma, sin efectos especiales, pero llenas de profundidad.
¿No temes ser encasillado por elegir personajes gay?
No, para nada. Al contrario, la sexualidad es solo una faceta del personaje, no lo define completamente. Este rol, como cualquier otro, tiene múltiples capas y complejidades. La película también aborda el tema de las etiquetas y nos invita a preguntarnos por qué nos limitamos a encasillarnos cuando somos tantas cosas a la vez.
BÁRBARA LÓPEZ: CONSTRUYENDO
¿Cómo te sentiste interpretando a Elia?
Elia me enternece mucho. Es una científica brillante e inteligente, pero hay una parte de su vida emocional que no está preparada para afrontar. Es difícil enfrentar una situación donde el amor y la honestidad están en juego, especialmente cuando eso implica replantear su relación.
¿Cómo fue trabajar con el director?
Trabajar con Marcelo fue increíble. Es un director que realmente conecta con los actores y les da espacio para crear. De la mano construimos a Elia; no sabíamos exactamente cómo evolucionaría el personaje, pero juntos logramos darle vida de una forma muy auténtica. Gracias a él, descubrí aspectos de mí misma, tanto personales como profesionales, que no sabía que podía explorar.
"EL ÁGUILA Y EL GUSANO"
La nueva película de la directora Guita Schyfter, "El águila y el gusano", adapta la novela homónima de Hugo Hiriart. Con un elenco diverso que incluye a Fabiana Perzabal, Dolores Heredia, Marcelo Alonso, Germán Jaramillo y Angélica Aragón, la cinta ofrece una visión ácida del México contemporáneo. A través de una narrativa que satiriza la política, las cuestiones místicas, el amor en diferentes etapas de la vida (jóvenes, adultos y mayores), así como el mundo del arte, la película se presenta como una reflexión mordaz y provocadora. En una entrevista, la realizadora y la actriz Fabiana Perzabal comparten detalles sobre su trabajo en esta innovadora obra.
POR CARLOS MORA
Gita, ¿cómo te sientes y cómo estás?
Estoy feliz de que la película se vaya a estrenar en cines, porque siento que esta podría ser mi última película. Me encanta la idea de cerrar con un proyecto que se exhiba en una sala de cine. Estoy muy contenta, aunque claro, nerviosa.
Es una sátira con un gran guion. ¿cómo fue trabajar con Hugo?
Yo estaba buscando qué hacer y nunca se me había ocurrido incursionar en la comedia. Mi editor me dijo que la comedia es el género más difícil, y eso me intrigó. Por entonces, Hugo había publicado "El águila y el gusano", un libro lleno de imaginación, personajes y una buena dosis de enojo hacia lo que estaba pasando en ese momento. Pensé: "La comedia es el arte de transformar el enojo". Así que decidí adaptar el libro.
Fue un reto porque es una adaptación bastante libre. Las novelas de Hugo no se centran tanto en la trama clásica, sino en las situaciones, los personajes y el lenguaje. Intenté crear una historia que pudiera estructurarse para el cine.
¿Cómo fue manejar un elenco tan grande?
Fue un desafío porque esta no es la historia de una sola persona, sino de muchas, que se van interrelacionando a lo largo de la película. Me encanta crear ese tipo de ensambles. Es difícil escribir para tantos personajes y lograr que sus historias se conecten, pero ese reto me fascina.
¿Cómo ves el papel de las mujeres en el cine?
Cuando comencé en los 90, ya había muchas mujeres haciendo cine en México gracias a las escuelas de cine. Aún así, sigue siendo un reto importante.
Fabiana, ¿cómo fue trabajar la comedia?
Gita tiene un gran sentido del humor, muy agudo y sutil. Eso ayudó mucho. Además, trabajar con actores como Dolores Heredia, que domina la comedia, fue una gran ventaja. Todos entendimos
el tono que Gita quería, y eso hizo que la película tuviera una cohesión maravillosa.
¿Cómo ha sido para ti trabajar con Gita?
Es un honor. Compartimos un lenguaje común y hay una conexión muy cercana. Trabajar con Gita es aprender de su fuerza y generosidad. Es una experiencia profundamente enriquecedora.
Estoy muy agradecida. Admiro muchísimo a Gita por su fuerza y la forma en que
dirige. Además, amo a mi personaje, la Güera Peñalosa. Cuando lo leí, me emocioné mucho porque confiaron en mí para interpretarlo. Fue un reto que agradezco profundamente.
Trabajar con este elenco fue maravilloso. Además, fue muy familiar porque muchos del equipo ya habían trabajado con Gita anteriormente. La experiencia fue enriquecedora y estoy feliz de que la película por fin se estrene. Es un logro tremendo.
"CABALLERO ÁGUILA"
Conversamos con el director Alejandro Blázquez sobre "Caballero Águila", su ópera prima, que narra la historia de tres amigos que, tras terminar la preparatoria, enfrentan el dilema de decidir el rumbo de sus vidas. A lo largo de la película, las decisiones que toman los protagonistas revelan tanto lo mejor como lo peor de sus caminos. Sin embargo, cada uno busca construir una vida mejor dentro de su comunidad. La cinta reflexiona sobre cómo, para alcanzar los sueños, es necesario superar adversidades como el contexto social, la incomprensión de quienes nos rodean, e incluso los miedos y dudas hacia uno mismo.
POR CARLOS MORA
El argumento de "Caballero Águila" está inspirado en la vida de José Luis Jaramillo, mexicano que se coronó campeón mundial en Ala Delta en la categoría Sport en 2015, un logro que recibió poca difusión en nuestro país. Esta historia motivó a l director y guionista a persistir en adaptarla y llevarla al cine, embarcándose en su debut como director.
Alejandro, veo que además de director, fuiste el guionista, ¿cierto?
Así es, correcto. Soy el guionista, productor y director de Caballero Águila. Es mi ópera prima, y realmente ha sido un proyecto muy lindo y fascinante.
Esta película nació de una anécdota que me inspiró profundamente. Está basada en hechos reales, aunque podríamos decir que es una suma de pequeñas realidades que convergen en una gran ficción.
La historia parte del logro increíble de un joven del Peñón, Temascaltepec, quien en 2015 se convirtió en campeón mundial de ala delta. Este evento me motivó a contar una ficción que inspire a los jóvenes en todo México, mostrando que con esfuerzo y perseverancia se puede volar tan alto como uno se lo proponga.
Hablemos de las locaciones. Los paisajes son espectaculares. ¿Dónde se filmó y cómo lograron capturar esas tomas aéreas tan
impresionantes?
La mayor parte de la película se filmó en la comunidad del Peñón, en Temascaltepec, al sur del Estado de México, muy cerca de Valle de Bravo. Este lugar es icónico para quienes practicamos vuelo libre por sus condiciones climáticas excepcionales y su belleza natural. Además, trabajamos de cerca con la comunidad local, integrada principalmente por agricultores, mineros y ganaderos, así como con el Club de Vuelo del Peñón. Fue una colaboración increíble y enriquecedora.
Las tomas aéreas fueron todo un reto técnico, pero también una oportunidad única. Durante la pandemia, el espacio aéreo estaba cerrado al turismo, lo que nos permitió trabajar con un control absoluto y colaborar con los mejores pilotos de México. Esto nos permitió realizar escenas que originalmente planeábamos hacer en postproducción directamente en cámara.
Para ser tu ópera prima, tienes un elenco increíble: Jorge Guerrero, Luis Alberti, Roberto Sosa, José Pescina... ¿Cómo lograste reunirlos?
Fue un proceso largo pero emocionante. Hicimos pruebas y lecturas de guion con muchos actores. Así descubrimos talentos como María Cid, quien debuta con su primer protagónico en esta película, y trabajamos con actores que admiro profundamente, como José
Pescina y Luis Alberti. Jorge Guerrero me impresionó desde nuestras primeras lecturas por su rango y comprensión del personaje de Nacho, y trabajar con él ha sido un privilegio. Además, colaboré con actores no profesionales, como pilotos reales, quienes realizaron un taller de actuación especialmente para la película.
¿Cómo fue para ti dar el salto de productor a director?
Dirigir siempre ha sido un sueño para mí. Aunque mi trayectoria principal ha sido como productor y showrunner, esta historia era tan personal y técnica que decidí asumir el rol de director. Fue un desafío enorme, pero también una experiencia gratificante.
Durante el rodaje, conté con un equipo extraordinario que me permitió concentrarme en la dirección, dejando la producción en manos expertas como Vanessa Leu. La dirección implica muchas decisiones importantes, especialmente en un proyecto como este, donde la seguridad era prioritaria.
Caballero Águila transmite un mensaje muy claro: seguir tus sueños sin importar los obstáculos.
Para mí, cada proyecto es un ejercicio de exploración. Desde niño, me fascinaba crear historias, y con los años esa pasión evolucionó en una carrera en el cine. Este proyecto es un ejemplo de cómo la perseverancia puede dar frutos.
"LA
PEDRO ALMODÓVAR, reconocido por su estilo emotivo y visualmente distintivo, nos entrega su primer largometraje en inglés con "La habitación de al lado". La película, ganadora del León de Oro en el Festival de Venecia, explora temas profundos como la muerte digna, la amistad y la memoria.
Protagonizada por Tilda Swinton (Martha) y Julianne Moore (Ingrid), la historia gira en torno a dos amigas que se reúnen en un momento crucial: Martha, una reportera de guerra diagnosticada con una enfermedad terminal, invita a Ingrid a acompañarla durante sus últimos días en una casa rural. Este entorno íntimo permite que la trama se desarrolle con una mezcla de intensidad emocional y melancolía.
A nivel técnico, el filme se destaca por la fotografía de Eduard Grau, que utiliza colores vibrantes para subrayar la intensidad emocional. Sin embargo, algunos críticos han señalado que la narrativa puede sentirse fragmentada debido a la inclusión de subtramas y flashbacks que a veces distraen del enfoque central en la relación entre las protagonistas.
El mensaje sobre el derecho a una muerte digna está tratado con sensibilidad y valentía, presentando la eutanasia no solo como un tema ético, sino como una expresión de autonomía personal. Esto se refuerza con actuaciones sobresalientes: Swinton aporta vulnerabilidad y determinación, mientras que Moore equilibra el miedo y el apoyo incondicional con gran naturalidad
Aunque la película no alcanza el dramatismo visceral de algunos de los trabajos previos de Almodóvar, su sobriedad y madurez le otorgan un carácter reflexivo que resonará profundamente en el espectador
En resumen, "La habitación de al lado" es una obra conmovedora y visualmente impecable que, a pesar de algunas debilidades en su ritmo, se erige como un poderoso alegato a favor de la humanidad y la autonomía en el ocaso de la vida.
LA PELÍCULA "QUEER", dirigida por Luca Guadagnino y basada en la novela homónima de William S. Burroughs, es una exploración intensa y visualmente rica de temas como el deseo, la soledad y la autodestrucción. Ambientada en la Ciudad de México de los años 50, sigue a William Lee (interpretado por Daniel Craig), un expatriado estadounidense que vive entre el alcohol y relaciones fugaces, mientras desarrolla una
obsesión por Eugene Allerton (Drew Starkey), un joven ambiguo y reservado.
La actuación de Craig es un punto destacado, ofreciendo un retrato complejo y vulnerable que se aleja de su imagen habitual como estrella de acción. La dirección de Guadagnino, caracterizada por un estilo estético y melancólico, captura tanto la belleza como la decadencia del entorno y los personajes. Sin embargo, algunos críticos
mencionan que la película tiene un cambio tonal brusco en su último tercio, llevando la narrativa a terrenos más surrealistas y exagerados que pueden desconcertar a algunos espectadores.
El film ha sido elogiado por su valentía en abordar las complejidades del deseo queer y las dinámicas de poder en las relaciones, aunque algunos aspectos técnicos y narrativos fueron considerados torpes o excesivos. La
representación de la Ciudad de México como un refugio para expatriados queer también ha sido celebrada por su autenticidad y riqueza visual. En resumen, "Queer" es una obra divisiva pero impactante, que refleja el estilo distintivo de Guadagnino y cuenta con actuaciones memorables, especialmente de Craig y Starkey. Es una película que no teme ser audaz, tanto en su narrativa como en su estética.
¿Cómo navegamos ese camino lleno de ausencias?
¿Cómo afrontamos la pérdida de quienes amamos?
Estas son las interrogantes que el director Andrés
Arochi explora en su ópera prima "Luto".
Este proyecto cinematográfico fusiona la ficción con el documental para, a través del viaje de su protagonista
Damián, revelar diversos rituales mexicanos en torno a la muerte. Estas prácticas, profundamente arraigadas en nuestra cultura, ofrecen formas de resignación, permiten retomar el curso de la vida y nos invitan a reencontrarnos con nuestros seres queridos desde un lugar más íntimo y menos doloroso.
POR CARLOS MORA
Este docudrama sigue la historia de Damián (Rodrigo Azuela), un hombre que enfrenta la pérdida devastadora de su novia (Daniella Valdéz) y su bebé no nacido. Incapaz de superar su dolor o encontrar respuestas, emprende un viaje por México recorriendo miles de kilómetros. En su camino, explora diversos ritos y rituales relacionados con la muerte, propios de las distintas culturas del país, descubriendo una riqueza ancestral que transforma la forma de enfrentar el duelo. Cabe destacar que todos los rituales y testimonios presentados en la película son reales. Entrevista al equipo detrás de "Luto".
¿Cómo fue abordar el tema del luto en esta película?
Andrés: Desde el principio sabíamos que tratar este tema requería mucha transparencia y valentía, ya que implicaba adentrarse en lugares muy oscuros. Sin embargo, lo que nos rescató fue la generosidad de las personas que compartieron sus historias y dolores profundos con nosotros. Estas
conversaciones nos ayudaron a comprender y procesar algo tan terrible como el duelo.
Daniella, ¿cómo abordaste tu personaje y su experiencia de pérdida?
Mi enfoque se centró en acompañar el viaje emocional de Damián, entendiendo el impacto del duelo a través de las historias de otras personas en la película. Fue un proceso breve pero intenso que me permitió conectar con la perspectiva de Dalia y, al mismo tiempo, abrirme a un universo lleno de emociones compartidas.
Andrés, ¿cómo integraron la danza contemporánea en la narrativa?
La danza surgió como una metáfora para representar las etapas del duelo a través del movimiento. Diego Vega, un colaborador cercano, diseñó una coreografía que buscaba bajar a los espectadores de un entorno caótico y lleno de estímulos, como un centro comercial, a un espacio de vulnerabilidad y contemplación. Fue una transición importante para conectar emocionalmente con el tema.
¿Cuál de los testimonios fue el más conmovedor para ustedes?
Rodrigo: Las madres buscadoras me impactaron profundamente. Llegué con una idea preconcebida, pensando en criticar su esperanza de encontrar a sus seres queridos sin importar si estaban vivos. Pero al escuchar sus historias, entendí que su búsqueda no es solo por ellos, sino por los hijos de otras madres, incluso de aquellas que han perdido a sus propios culpables. Su valentía y amor son indescriptibles. Otro testimonio poderoso fue el de los hermanos que perdieron a su padre en el mar; fue una conversación que me dejó sin palabras.
Daniella: Además de las madres buscadoras, me conmovió profundamente la historia de una muxe en Oaxaca. Perdió a su padre desde muy joven y, cuando finalmente logró su aceptación, este falleció. Ese instante de amor tardío fue desgarrador y me dejó pensando en lo mucho que a veces nos queda por vivir con quienes amamos.
Andrés: Para mí, el testimonio del niño sicario fue devastador. Ver a un adolescente atrapado en un contexto de violencia, sin otras opciones, fue impactante. Aunque parecía un chico normal, había en él una lucha interna entre la bondad y la maldad que nos rompió el corazón. Días después, al
escuchar a las madres buscadoras, entendí cómo estas historias están conectadas por un dolor común.
¿Cómo fue para ti combinar la dirección y la fotografía?
Andrés: Tuve la suerte de contar con Galo Olivares, quien hizo la fotografía de las escenas de ficción en la Ciudad de México. Esto me permitió enfocarme en los actores. Durante el viaje, sin embargo, asumí la cámara directamente, algo que se siente natural para mí. La cámara se convierte en una extensión para capturar momentos auténticos.
¿Las cambió esta película la forma en que ven el luto?
Andrés: Descubrí una belleza inesperada en el duelo. Aunque es doloroso, también saca lo mejor de las personas: empatía, humanidad y sensibilidad. En medio del sufrimiento, la gente se conecta con su esencia más pura.
Rodrigo: El duelo es un acto de supervivencia. Implica encontrar formas de continuar a pesar del caos. En su núcleo, está ese amor por la vida que persiste incluso frente a la muerte.
Daniella: El dolor no desaparece con el tiempo; simplemente aprendemos a vivir con él. Nunca estamos preparados, pero sabemos que en algún momento llegará.
La frontera entre Colombia y Venezuela se convierte en el escenario de Pimpinero: Sangre y Gasolina, el nuevo thriller de acción dirigido por Andrés Baiz.
La cinta nos transporta al árido desierto que separa a ambos países, un territorio donde la ley prácticamente no existe y donde los “pimpineros” arriesgan todo al contrabandear gasolina. La trama sigue a tres hermanos: Moisés (Juanes), Ulises (Alberto Guerra) y Juan (Alejandro Speitzer), quienes quedan atrapados en los peligros de este negocio clandestino.
En entrevista con la Revista Cameo, el director y Alejandro Speitzer destacan los elementos distintivos de la película: atmósferas som -
brías, personajes complejos y tramas que exploran los límites de la moralidad en escenarios extremos.
Alejandro, ¿qué puedes contar sobre tu personaje, Juan?
"Supe de la audición gracias a Alberto Guerra, quien recomendó mi trabajo a Andrés. No conocía personalmente a Andy, pero sabía de su talento como uno de los directores más creativos de Latinoamérica, así que decidí darlo todo en la prueba. Desde el principio, conecté con el personaje, incluso antes de leer el guion completo."
¿Cómo fue grabar las escenas de acción?
"Tuvimos ensayos intensivos con nuestro coordinador de acción, Jordi Casares. Fue un reto emocionante: desde manejar vehículos hasta lidiar con imprevistos en el desier-
to. Realizar estas secuencias fue como un sueño infantil hecho realidad, aunque implicó mucha responsabilidad."
¿Qué te gustó de participar en el filme?
"Mi trabajo no busca ser un ejemplo, pero entiendo el poder que tienen las historias para generar empatía y reflexión. Creo que Pimpinero tiene un mensaje oscuro, pero también esperanzador. Ojalá inspire a otros a mirar estas problemáticas desde otra perspectiva."
¿Cuál fue el reto de grabar con un acento colombiano?
"El acento fue un gran desafío. Conté con la ayuda de un amigo colombiano para trabajarlo a detalle. Además, añadí elementos de caracterización, como un tatuaje falso, que terminó siendo incorporado en la película. Fue
un proceso fascinante, pero también complejo, porque el trabajo de acento debe estar resuelto antes de rodar para poder concentrarme en la actuación."
Andrés, ¿cómo nació la idea de Pimpinero?
"La idea nació mientras grababa en la región de La Guajira, Colombia, en 2014. Viajando por la Troncal del Caribe, observé vehículos Renault 18 conducidos por jóvenes que cargaban bidones de gasolina. Aquella imagen me impactó profundamente. Al preguntar, descubrí que eran contrabandistas transportando gasolina subsidiada desde Venezuela a Colombia para venderla a mayor precio. Así comenzó mi investigación y el desarrollo de la película. Aunque trata sobre el contrabando, aborda temas más profundos sobre la realidad de la frontera."
ALEJANDRO SPEITZER
Actor mexicano con una carrera en ascenso tanto en cine como en televisión. Ha consolidado su fama internacional gracias a proyectos como "El Club" y "Oscuro Deseo", en los que ha demostrado su versatilidad interpretando papeles dramáticos. Sin duda, es uno de los actores más prometedores.
ANDRÉS BAIZ
Director de "Pimpinero: sangre y gasolina", es un reconocido cineasta y guionista colombiano especializado en historias llenas de suspenso y tensión. Ha dirigido películas como "Satanás" y "Perdida", además de colaborar en exitosas series internacionales como "Narcos".
¿Cómo fue la elección del reparto, que incluye a Laura Osma, Juanes y Alberto Guerra?
"Me interesaba reflejar la diversidad de Latinoamérica. Aunque quería que el hermano mayor fuera colombiano, al buscar candidatos me encontré con una foto de Juanes. Su imagen me impactó y decidí arriesgarme a contactarlo. Le propuse actuar, dejando claro que no sería un cameo ni incluiría su música, y aceptó con humildad y profesionalismo."
¿Qué puedes contar sobre la creación del universo de Pimpinero?
"La ambientación está profundamente inspirada en La Guajira, un lugar único y ol -
vidado de Colombia. Aunque inevitablemente evoca referencias como Mad Max, quise que el enfoque fuera orgánico y auténtico. Trabajamos con la comunidad wayúu, quienes aportaron su conocimiento cultural y permitieron que filmáramos en su territorio."
¿Cuál crees que es el mensaje de la cinta?
"Más allá del contrabando, esta película aborda la pérdida de la inocencia y el viaje hacia el empoderamiento. A través de sus personajes, exploramos los matices de la humanidad y la complejidad moral de quienes viven en estas circunstancias. No se trata de juzgar, sino de empatizar y visibilizar realidades olvidadas."
"PIMPINERO: SANGRE Y GASOLINA", un thriller que se sumerge en el oscuro y peligroso mundo del contrabando de gasolina en la frontera colombo-venezolana, específicamente en La Guajira. La película, que combina elementos de neowestern con un profundo drama social, destaca tanto por su atmósfera sombría como por la complejidad de sus personajes.
La trama sigue a Juan Estrada (Alejandro Speitzer), el hermano menor de un clan dedicado al negocio ilícito del contrabando de gasolina, una actividad que ha marcado la vida de miles en la región. Juan, atrapado entre la lealtad a su familia y su deseo de escapar de un
destino predeterminado, enfrenta una encrucijada moral que se complica con la intervención de su novia, Diana (Laura Osma). Diana es una mujer fuerte y decidida que busca desentrañar los oscuros secretos detrás de este negocio, y cuyo propio destino se ve enredado con las tensiones familiares y las dinámicas de poder en la región.
Uno de los aspectos más comentados de la película es el debut actoral del cantante Juanes, quien interpreta a Moisés Estrada, el hermano mayor de la familia. Moisés, un hombre endurecido por las circunstancias, actúa como líder y figura paternal dentro del clan. La actuación de Juanes ha sorprendido
a muchos, siendo elogiada por su autenticidad y por la intensidad emocional que aporta al personaje.
El director Andrés Baiz, conocido por obras como "Narcos" y "El páramo", emplea un estilo visual áspero y realista que captura la crudeza de la región. La Guajira, con su paisaje desértico y sus horizontes infinitos, se convierte en un personaje más, reforzando el sentimiento de aislamiento y desesperanza que permea la historia.
La película ha sido aclamada por su representación auténtica de la vida fronteriza, mostrando cómo el contrabando de gasolina no solo es una actividad económica, sino también un reflejo de las desigualdades sociales y las
luchas por la supervivencia en una zona desatendida por el estado. Sin embargo, no todo es positivo: algunos críticos han señalado problemas de ritmo y cierta dispersión narrativa, lo que en ocasiones resta impacto a la historia.
Disponible en Prime Video, esta película no solo ofrece una historia cargada de tensión y emoción, sino también una profunda reflexión sobre la naturaleza humana en situaciones extremas. Con actuaciones sólidas y una dirección que no teme explorar las grietas de la moralidad, "Pimpinero: Sangre y Gasolina" se posiciona como una de las producciones más impactantes del cine colombiano reciente.
"PIMPINERO"
TEXTO Y FOTOS CARLOS MORA
El protagonista, el británico Aaron TaylorJohnson, y el director J.C. Chandor de "Kraven, el cazador" visitaron la Ciudad de México para el estreno de la nueva cinta del villano del universo Spider-Man de Marvel.
Durante su paso por la alfombra roja, el actor se mostró muy animado, firmando todo tipo de pósters, dibujos, figuras de acción y hasta camisetas de los cientos de aficionados que gritaban emocionados ante su llegada. Algunos le gritaban: ¡Aaron, hermano, ya
eres mexicano!, a lo cual el histrión respondió mandando besos, saludos y abrazos a sus fans.
La historia cuenta la vida de Sergei Kravinoff, el hijo de un asesino mafioso que intenta desligarse de su pasado a través de venganzas que lo llevarán a convertirse en el cazador más temido de su mundo gracias a sus salvajes poderes. La película no solo explora la violencia inherente en el personaje, sino también las complejidades de sus relaciones personales y su lucha interna por definirse como algo más que una simple extensión de su linaje criminal.
Aaron Taylor-Johnson, reconocido por su versatilidad actoral, se prepara para el estreno de "Kraven, el cazador", la nueva entrega del universo Marvel de Sony Pictures que llegará a los cines el 13 de diciembre de 2024.
En esta película, Taylor-Johnson interpreta a Sergei Kravinoff, conocido como Kraven, un cazador formidable con una compleja historia personal. Su actuación promete captar tanto la brutalidad como la vulnerabilidad del personaje, brindando una visión renovada del icónico villano de Marvel.
Durante la sesión de preguntas y respuestas, el actor ha compartido detalles sobre su preparación para el papel y las particularidades de la película. Destacó que "Kraven, el cazador" se diferencia de otras adaptaciones de Marvel por su clasificación C, lo que permitió una representación más realista y cruda de la violencia, estructurando la narrativa como un filme de gánsteres. Según Taylor-Johnson, esta clasificación permitió ser "un poco más honestos con esa violencia... Vas a ver algo de sangre. Es un poco estilizado, pero también más realista, francamente".
Para encarnar a Kraven, Taylor-Johnson se sometió a un riguroso entrenamiento físico para aumentar su masa muscular y aprendió ruso para capturar la esencia del personaje. Además, expresó
su entusiasmo por trabajar junto a Russell Crowe, quien interpreta a Nikolai Kravinoff, el padre de Kraven, describiendo la experiencia como un sueño hecho realidad. Crowe, según Taylor-Johnson, aporta una presencia intimidante pero también profundamente humana al papel de Nikolai, lo que enriquece la narrativa de la película. La película explora la relación tumultuosa entre Kraven y su padre, lo que lo lleva a convertirse en uno de los cazadores más temidos del mundo. Taylor-Johnson mencionó que su personaje "quiere ser nada como su padre y, en última instancia, se convierte en algo mucho peor". Esta transformación no solo refleja su lucha contra la influencia de Nikolai, sino también sus intentos de encontrar un camino propio, aunque este lo
lleve a terrenos más oscuros. Respecto a la posibilidad de un enfrentamiento entre Kraven y Spider-Man en futuras entregas, el actor comentó: "Creo que lo que hemos hecho, lo que hemos creado en esta historia, es un personaje muy rico que definitivamente tiene lo necesario para seguir adelante y hacer más daño". Los fans especulan sobre cómo esta versión de Kraven podría interactuar con el Spider-Man del universo cinematográfico, abriendo nuevas posibilidades narrativas.
"Kraven, el cazador" también cuenta con las actuaciones de Ariana DeBose como Calypso y Fred Hechinger como Dmitri Smerdyakov, conocido como el Camaleón. La química entre DeBose y Taylor-Johnson promete ser uno de los puntos fuertes de la película, ya que Calypso juega
un papel crucial en la vida de Kraven, como aliada y también como un recordatorio de las fuerzas que lo moldearon. Por su parte, Hechinger aporta una dimensión intrigante al universo de Kraven, presentando un villano que podría rivalizar con el propio protagonista.
La película promete una narrativa oscura y profunda, ofreciendo una visión más realista y empática del villano de Marvel. Además, los efectos visuales y la cinematografía están diseñados para sumergir al espectador en un mundo visceral y brutal, destacando el contraste entre la belleza salvaje de los entornos naturales y la crudeza de las acciones humanas. Con un equipo talentoso tanto delante como detrás de las cámaras, "Kraven, el cazador" busca redefinir las expectativas del género de superhéroes y villanos.
CIENTOS DE FANS se congregaron en el Auditorio Nacional para acudir a la premier de "Wicked", que estuvo engalanada por la presencia del elenco internacional y de las actrices mexicanas Danna y Ceci de la Cueva, quienes hacen el dobleaje al español. Cynthia Erivo, Ariana Grande y Jonathan Bailey quedaron asombrados por la cantidad de fans que se dieron cita en el Coloso de Reforma.
REGRESA A CIUDAD ESMERALDA
Gracias por estar aquí (premiere). Hace 11 años comenzamos a escribir una historia en nuestro hermoso idioma, el español. Ahora, 11 años después, pueden disfrutarla en la pantalla grande, acompañados de grandes actrices y cantantes como Ariana Grande, Cynthia Erivo y todo un elenco maravilloso. Lo que hemos logrado es un honor, es mágico.
EN WICKED
Esto es de las mejores cosas que me han pasado. No tengo muchas palabras porque sé que me voy a soltar a llorar, pero solo puedo decir gracias. Haber estado del otro lado, sintiéndome como esa chica verde incomprendida, un poco invisible y víctima de bullying, puso en duda mi talento y mi capacidad. Sin embargo, esta experiencia fue una lección. Encontré en este proyecto a personas maravillosas que me ayudaron a confiar en mí misma.
Sobre todo, tuve a una
Danna habla sobre lo que significa regresar a "Wicked", esta vez en el doblaje al español, 11 años después de haber interpretado por primera vez a Elphaba en la obra de teatro en México.
maestra como Ceci de la Cueva , quien todos los días me empujó a creer en mí. Desde esa primera función hasta hoy, sigo volando, sigo imparable. Este proyecto me dio la fuerza para ser la mujer que soy ahora. Qué hermoso es hacer esto con personas tan comprometidas, interpretando personajes desde el profesionalismo. Creo que hay algo muy mágico aquí: no hay egos, no hay competencias, solo dos mujeres brillando juntas. Eso es lo más poderoso: mujeres unidas. La película lo refleja de principio a fin. Cuando estamos juntas, no hay límites; somos mucho más fuertes. Eso lo aprendí con Ceci hace 11 años y lo sigo recordando hoy.
Llevamos 11 años sosteniéndonos mutuamente, cuidándonos para no caer, literalmente, en el escenario. Ella está para mí, y yo estoy para ella. Esa complicidad nos da seguridad y nos hace sentir amadas y vistas. Es algo orgánico y natural que hemos construido con los años.
MENSAJE DE WICKED
Lo más importante de esta
película es el amor con el que está hecha: el amor entre los personajes, la amistad, el amor al arte, a la música, que es maravillosa. La película es mágica y tocará el alma de todos, desde los más pequeños hasta los mayores. Estoy segura de que cambiará vidas, como lo ha hecho con nosotras. Es un honor dejar este legado en nuestra primera película, porque la segunda llegará el próximo año. ¡Hay mucho más por venir! Disfrutemos juntos vestidos de verde, rosa y desafiando la gravedad. Este proyecto nos enseñó a encontrar nuestro poder interno y a no permitir que nadie nos diga cómo debemos ser.
La clave está en aceptar quiénes somos, porque nuestra vulnerabilidad es nuestra arma más poderosa. Aunque muchos piensan que es sinónimo de fragilidad, en realidad es la mayor fortaleza que tenemos.
Todo viene en conjunto: yo tengo mi glitter interior saliendo constantemente, y eso me conecta con mi esencia.
"¡CORRE!" ("VINCENT DOIT MOURIR"), dirigida por Stéphane Castang, es una fascinante mezcla de thriller psicológico, comedia negra y drama existencial. La película sigue a Vincent, interpretado magistralmente por Karim Leklou, un hombre común cuya vida da un giro surrealista cuando comienza a ser atacado inexplicablemente por personas que aparentemente no tienen conexión entre sí.
La premisa de la película es tan extraña como intrigante: Vincent se convierte en un blanco involuntario de ata -
"¡CORRE! "
Distribuidora: Cine Caníbal
ques de violencia aleatoria. Estas agresiones carecen de motivo aparente, pero pronto queda claro que el fenómeno no solo lo afecta a él, sino que es parte de un patrón más amplio que desafía las leyes de la lógica.
La dirección de Castang equilibra el tono sombrío del peligro con un toque de ironía, lo que mantiene al espectador al filo del asiento sin caer en la desesperanza total. Visualmente, la película emplea una paleta de colores desaturados que subraya el aislamiento y la paranoia
creciente de Vincent. La música refuerza la sensación de urgencia y caos sin saturar las escenas.
Karim Leklou ofrece una actuación convincente, transmitiendo con sutileza la transformación de su personaje desde la incredulidad hasta la determinación. Vimala Pons, en el papel de Margaux, aporta un contrapunto emocional y humorístico que equilibra el tono oscuro de la película.
Aunque la trama es aparentemente absurda, la película explora temas profundos como la alienación social, el
miedo al otro y la fragilidad de las conexiones humanas. También funciona como una alegoría de nuestra sociedad contemporánea, donde el caos y la violencia parecen surgir de manera impredecible.
El filme es una experiencia cinematográfica única que invita a reflexionar mientras entretiene. Con su mezcla de géneros y su narrativa impredecible, logra destacar como una obra provocativa y memorable. Una recomendación obligada para los amantes del cine que buscan historias originales y desafiantes.
"EL
TIEMPO QUE TENEMOS"
Distribuidora: Imagem Films
"EL TIEMPO QUE TENEMOS" ("We Live in Time") es un conmovedor drama romántico dirigido por John Crowley (Brooklyn) y protagonizado por las aclamadas estrellas Florence Pugh y Andrew Garfield. La película combina emociones profundas, una narrativa no lineal y una poderosa química entre sus protagonistas, lo que la convierte en una exploración única de las relaciones humanas y el paso del tiempo.
La historia sigue a Almut, una talentosa chef, y Tobias, un ejecutivo de marketing, a lo largo de su tumultuosa relación de varios años. Desde su encuentro inicial hasta los desafíos que enfrentan como pareja, la película navega por momentos de felicidad, arrepentimiento, pérdida y redención. A través de saltos en el tiempo, el relato
"EL TIEMPO QUE TENEMOS"
permite a los espectadores sumergirse en los instantes más significativos de su vida juntos.
Una de las características más destacadas de "El tiempo que tenemos" es su estructura fragmentada, que desdibuja la línea temporal convencional. Este recurso narrativo, aunque desorientador para algunos espectadores, refleja la naturaleza de los recuerdos y la forma en que las personas suelen revivir ciertos momentos clave de su vida. Cada salto temporal está cuidadosamente diseñado para revelar un nuevo matiz de la relación entre Almut y Tobias, explorando cómo el amor y las emociones evolucionan con el tiempo.
Florence Pugh y Andrew Garfield entregan actuaciones magistrales. Pugh interpreta a Almut con una mezcla
de fuerza y vulnerabilidad, mientras que Garfield aporta a Tobias una profundidad emocional que evoluciona a lo largo de la película. La química entre los dos es palpable y eleva la narrativa, convirtiendo incluso las escenas más simples en momentos cargados de significado.
John Crowley aporta su característico estilo intimista a la dirección, enfocándose en los detalles cotidianos para construir un mundo emocionalmente auténtico. La cinematografía, a cargo de Seamus McGarvey, utiliza una paleta de colores cálida y tonos suaves para evocar una sensación de nostalgia y melancolía. La banda sonora, compuesta por Emilie Levienaise-Farrouch, complementa perfectamente la atmósfera introspectiva del filme.
La película no solo es un relato de amor, sino también una reflexión sobre el tiempo y cómo este influye en las relaciones humanas. Explora cómo las decisiones, los arrepentimientos y los momentos fugaces pueden definir una vida entera. A través de su narrativa, We Live in Time nos recuerda la importancia de valorar cada instante y de encontrar la belleza incluso en los desafíos.
"El tiempo que tenemos" es una obra profundamente emotiva que combina actuaciones destacadas, una dirección sensible y una narrativa audaz. Aunque no es una experiencia cinematográfica tradicional, recompensa a quienes se sumergen en su propuesta con una reflexión honesta y conmovedora sobre el amor, el tiempo y la conexión humana.
"UN HOMBRE DIFERENTE" es una película que se atreve a tocar las fibras más sensibles de nuestra sociedad, abordando temas como la identidad, los prejuicios, la aceptación y la lucha por encontrar un lugar en un mundo que a menudo rechaza lo que no comprende. Bajo la dirección del galardonado cineasta Marcos Muñoz, este drama profundamente humano y emotivo se convierte en una obra de arte cinematográfica que invita a la reflexión.
La trama sigue la vida de un hombre que ha pasado gran parte de su existencia luchando contra las expectativas que los demás han impuesto sobre él. Desde su infancia, marcada por una
"UN HOMBRE DIFERENTE"
sensación de aislamiento, hasta su vida adulta, donde debe enfrentarse a un entorno que lo empuja a conformarse, el protagonista se embarca en un viaje de autodescubrimiento y resistencia. Con un guion lleno de matices, la película presenta situaciones que son tanto universales como íntimamente personales, mostrando cómo las diferencias pueden convertirse en un acto de resistencia frente a la uniformidad.
El actor principal, cuyo nombre es sinónimo de talento y entrega, ofrece una actuación desgarradora y convincente, cargada de emociones crudas que atraviesan la pantalla. Cada gesto, mirada y silencio
del personaje transmite la profundidad de sus luchas internas y su deseo de ser visto y aceptado tal como es.
La dirección de Muñoz brilla por su habilidad para capturar momentos aparentemente simples y convertirlos en experiencias profundamente significativas. El uso de la luz y el color es particularmente notable: mientras que los tonos sombríos predominan en las escenas de conflicto interno, los colores vibrantes emergen en los momentos de liberación y autoaceptación del protagonista. Asimismo, la banda sonora, cuidadosamente compuesta, se convierte en un personaje más, acompañando cada paso del viaje emocional.
"Un Hombre Diferente" no solo es una experiencia cinematográfica conmovedora, sino también un llamado a la empatía y a la necesidad de cuestionar los paradigmas que rigen nuestra sociedad.
La película desafía a los espectadores a mirar más allá de las apariencias y a valorar la riqueza que reside en las diferencias individuales.
En definitiva, esta obra no solo se convierte en un tributo a quienes han enfrentado la incomprensión y el rechazo, sino también en un recordatorio de que, en nuestra humanidad compartida, hay espacio para todas las formas de ser. Una película que dejará una huella indeleble en todos aquellos que la vean.
"UN HOMBRE DIFERENTE" Distribuidora: Cine Caníbal
"EL JOCKEY"
DIRIGIDA POR LUIS ORTEGA, "El Jockey" es una obra profundamente introspectiva que combina lo surrealista con lo visceral, llevándonos a explorar la identidad, la autodestrucción y el proceso de redención.
La película, que ya ha sido seleccionada como representante de Argentina en los premios Oscar y Goya, desafía las convenciones del cine tradicional, apostando por un estilo narrativo audaz, caótico y cargado de simbolismo.
La historia gira en torno a Remo Manfredini (Nahuel Pérez Biscayart), un legendario jockey cuya vida personal se encuentra en plena espiral descendente. A pesar de ser reconocido por su extraordinario talento en las pistas, Remo no puede escapar de sus impulsos autodestructivos, los cuales comienzan a amenazar su carrera y su
relación con su novia Abril (interpretada por Úrsula Corberó).
Un trágico evento marca un punto de inflexión en su vida, llevándolo a replantearse su propósito y su lucha interna.
La película sigue a Remo mientras recorre las calles de Buenos Aires en una búsqueda de sentido, confrontando sus demonios internos y explorando la posibilidad de un renacimiento emocional y espiritual.
Ortega nos ofrece un cine profundamente estilizado, con una narrativa que fluctúa entre lo real y lo onírico. La cámara se mueve libremente, capturando tanto los momentos más crudos de la vida de Remo como las secuencias de ensueño que reflejan su estado mental. Este enfoque no lineal y altamente visual recuerda el estilo de directores como Gaspar Noé y Ale-
jandro Jodorowsky, aunque Ortega logra imprimirle su sello único.
La música y la iluminación juegan un papel crucial, acentuando tanto la tensión como los momentos de liberación.
Las carreras de caballos, filmadas con un enfoque casi hipnótico, se convierten en una metáfora poderosa de la lucha de Remo: un hombre que corre, pero no siempre sabe hacia dónde.
Uno de los aspectos más destacados de "El Jockey" es su capacidad para cuestionar conceptos universales como la vida, la muerte, la locura y la identidad. La película no ofrece respuestas fáciles, sino que invita al espectador a reflexionar sobre estas nociones a través de la experiencia de Remo. Su viaje no es solo físico, sino profundamente filosófico y emocional, explorando cómo los traumas
y las decisiones personales moldean nuestra percepción de la libertad.
Además, Ortega utiliza la historia de Remo para abordar temas como la presión del éxito, las expectativas sociales y el costo emocional de perseguir un sueño, especialmente en un entorno competitivo como el de las carreras de caballos.
Nahuel Pérez Biscayart entrega una actuación magistral, encarnando a un personaje complejo con una vulnerabilidad desgarradora. Su interpretación de Remo logra transmitir tanto su genialidad como su fragilidad, haciendo que el espectador se sienta profundamente conectado con su lucha. Úrsula Corberó, en el papel de Abril, aporta una dosis de realismo y humanidad, sirviendo como el ancla emocional de la historia.
"MUFASA:
"MUFASA: EL REY LEÓN" es una precuela del clásico de Disney que narra los orígenes del icónico rey de las Tierras del Reino. Jenkins, aclamado por su trabajo en Moonlight (ganadora del Óscar), aporta una mirada introspectiva y emocional a la saga, explorando cómo Mufasa, desde sus humildes comienzos, se convierte en un líder amado y respetado.
La historia es contada por Rafiki a Kiara, la hija de Simba y Nala, con las intervenciones humorísticas y encantadoras de Timón y Pumba. Este enfoque narrativo aporta un equilibrio entre el tono solemne del relato de Mufasa y la ligereza que caracteriza a estos personajes secundarios. La película profundiza
en la vida de Mufasa como un cachorro huérfano, rescatado tras una inundación devastadora, y adoptado por una nueva manada. En este contexto, el joven Mufasa establece una amistad crucial con Taka, quien eventualmente se convertirá en Scar, su antagonista en la historia original.
Uno de los puntos fuertes de la película es su capacidad para mostrar el ascenso de Mufasa al trono, enfatizando valores como el sacrificio, la lealtad y la resiliencia. A lo largo de la narrativa, se explora cómo las experiencias de Mufasa moldean su carácter y lo preparan para liderar las Tierras del Reino con justicia y sabiduría. Asimismo, se presenta a Scar como un personaje más matizado,
con motivaciones y conflictos internos que explican su eventual transformación en villano.
Desde el punto de vista técnico, "Mufasa: El Rey León" mantiene la estética visual hiperrealista que caracterizó el remake de El Rey León de 2019, utilizando tecnología CGI avanzada y captura de movimiento. Los paisajes de la sabana africana, creados con meticuloso detalle, se convierten en un espectáculo visual que transporta al espectador al majestuoso mundo de las Tierras del Reino. Barry Jenkins, en su primera incursión en una superproducción de Disney, aporta su sensibilidad característica al explorar temas como el liderazgo, la identidad y el legado.
Su dirección logra mantener el espíritu de la película original, mientras presenta una perspectiva fresca y enriquecedora.
La música, una parte esencial de la franquicia "El Rey León", también juega un papel importante en esta precuela. Hans Zimmer regresa como compositor, acompañado por Pharrell Williams y Nicholas Britell, quienes colaboran para crear una banda sonora que mezcla elementos nuevos con los clásicos del universo de "El Rey León".
"Mufasa: El Rey León" ofrece una reflexión sobre la importancia del legado, el valor de superar la adversidad y el poder del liderazgo basado en el respeto y el amor por los demás.
Llega una nueva adaptación de "Como agua para chocolate", basada en la aclamada novela de Laura Esquivel, con Salma Hayek Pinault como productora ejecutiva.
Esta versión promete cautivar los corazones de la audiencia. En conferencia de prensa, las protagonistas y la también actriz compartieron detalles sobre su primer acercamiento a esta apasionante historia de amor y los secretos de la cocina mexicana.
"Esta serie es para los mexicanos, pero también para el resto del mundo, porque tenemos aquí una joya literaria y muchas joyas de talento. Una de las cosas que más me emociona es poder darles una plataforma para que los descubran en todo el mundo. Es un proyecto lleno de inmensidad, por el espíritu, la pasión y el talento de todas las personas que trabajaron tanto frente como detrás de la cámara", expresó la veracruzana al referirse a la nueva adaptación de "Como agua para chocolate".
La historia narra la vida de Tita (Azul Guaita), una joven que enfrenta la opresión de las normas familiares de su época, mientras descubre el poder de la cocina como medio de expresión y liberación, guiada por su querida nana Nacha (Ángeles Cruz).
"Tuvimos la suerte de que el elenco es impresionante en todos los aspectos: desde la música, la fotografía, la escenografía, hasta el
POR CARLOS MORA
vestuario. Pero nuestros actores me han hecho sentir tan conmovida y orgullosa, porque son personajes de los que quieres saber más y más. Es muy fácil seguir complicando la historia, y hasta tuvimos que quitar algunas cosas. A mí la película me encanta, pero esto nos da la oportunidad de expresar más del libro, que es una obra maestra. Nuestra cultura, nuestro talento, son estas nuevas y maravillosas generaciones. Cada uno de los personajes aporta tanto al proyecto", expresó Hayek.
El elenco de la serie incluye a Irene Azuela, de quien Hayek confesó ser su mayor fan. "Ella aporta algo distinto, además tiene un 'problema': se ve tan joven, y eso nos da algo nuevo que no recapacité cuando vi la película. Estas mujeres, en esa época, comenzaban a tener hijos a los 15 o 16 años, las casaban muy jóvenes. Entonces, esta tragedia de la mujer que no puede seguir su amor, su pasión, asumir toda la responsabilidad y que está completamente sola, y la valentía y la fuerza que ella le imprime, cuan-
do la ves tan bella y tan joven, te conmueve de otra manera. Te hace ver una parte de esa historia de todas esas mujeres que yo no vi en la película, hasta que vi la interpretación de Irene. Descubrí muchas otras cosas."
Sobre la nueva generación de actrices, como Ana Valeria Becerri y Andrea Chaparro: "Lo que es realmente fascinante, y que no mencionamos lo suficiente, es que la señora Laura Esquivel ha creado un clásico, algo que se produce una y otra vez. Las nuevas interpretaciones, de las nuevas generaciones, nunca pasarán de moda, porque siempre hablan de la verdad. Siempre abordan temas que nos impactan y nos conmueven a todos. Y lo más interesante es la interpretación de las nuevas generaciones. Cuando ves un clásico, te das cuenta de cosas que no viste hace 20 años, y lo interpretas de manera diferente. Siempre vale la pena volver a hacerlos. Ojalá lo sigan haciendo cada 20 o 30 años, porque tiene la suficiente riqueza para ser examinado una y otra vez."
ÁNGELES CRUZ (NACHA)
Leí la novela hace muchos años, junto con una amiga. La leíamos poco a poco, capítulo por capítulo. Para mí, la comida es una forma de expresar amor, y en México sabemos cómo transmitir nuestros sentimientos a través de la comida; es una verdadera expresión de afecto. Leer la novela fue maravilloso. Cada capítulo era como descubrir una nueva receta, una nueva historia, y nos deteníamos en esos pequeños detalles que hacían la experiencia más rica. Después vi la película, y cuando me invitaron a participar en este proyecto, lo sentí como un reencuentro con aquella joven. Fue como revivir ese vínculo entre las recetas, el amor y las emociones. Es una novela que me marcó profundamente. Me llevó de vuelta a los olores, los sabores y las tradiciones, enseñándome mucho en esa etapa de mi juventud. Recuerdo que en ese tiempo estaba en la carrera de tatuajes, y esta obra quedó como un referente importante en mi vida.
ANA VALERIA BECERRIL
(ROSAURA DE LA GARZA)
Recuerdo que estaba en la secundaria, tendría entre 12 y 13 años, cuando la maestra nos puso la película "Como agua para chocolate". Estábamos todos sentados en el piso, mis compañeros y yo, completamente embobados viendo la película. Para mí, fue un antes y un después en mi forma de entender las historias de México. Nunca había visto algo así. Ese recuerdo de la película permaneció en mi memoria durante muchos años.
AZUL GUAITA
(TITA DE LA GARZA)
A mí no me tocó ni ver la película ni leer el libro en la escuela. Crecí en República Dominicana, y allá solíamos ver caricaturas más que este tipo de historias. No tuve la oportunidad de enriquecerme con la novela en mi infancia. La primera vez que la leí y vi la película fue cuando estaba haciendo el casting para este proyecto. Me dijeron: "¿Cómo, no la has visto? ¿No has leído nada de esto?". Y yo respondí: "No". Lo primero que hice fue ver la película, y fue un verdadero wow. Pensé: "¡Vamos a hacer esto, vamos a contar esta historia!". Fue una experiencia increíble. Más tarde, tuve la oportunidad de leer el libro, y aunque mi perspectiva no venía de haber crecido con la novela, me pareció fascinante. Descubrirla desde cero, con una mirada fresca, fue una experiencia enriquecedora.
IRENE AZUELA
(MAMÁ ELENA)
No leí la novela hasta el año pasado. Había visto la película, recuerdo que a mis 18 o 19 años, aunque me tardé en verla. Me cautivaron sus imágenes y la sensualidad que transmitía, despertando los sentidos de una forma muy vívida mientras la veía. Leer la novela fue una experiencia maravillosa, casi como redescubrir y entender la película desde otra perspectiva. Pienso que, al regresar a los clásicos o a una obra literaria conocida por tantas personas, se trata de reinterpretar la historia desde nuestra visión actual, en este caso, desde el 2024. Es poner sobre la mesa lo que hoy soy y lo que puedo aportar a la historia desde mi perspectiva. Durante el proyecto, preferí nutrirme de las conversaciones que teníamos en los ensayos con mis compañeras actrices y con los directores de la serie. Fue una experiencia profundamente enriquecedora y deliciosamente única.
ANDREA CHAPARRO
(GERTRUDIS DE LA GARZA)
No había tenido ningún acercamiento con la película ni con la novela hasta que tuve la oportunidad de hacer el casting. Le comenté a mis papás, y esa misma noche nos sentamos juntos a ver la película completa. La verdad, fue una experiencia muy impactante. Me fascinó todo el concepto del realismo mágico y, como dice la maestra Ángeles Cruz, la manera en que la historia conecta la comida con las personas que amas y con la familia.
CEREMONIA Y FUNCIÓN INAUGURAL.
Teniendo como escenario la Plaza Vasco de Quiroga de la ciudad de Pátzcuaro, se celebró una alfombra roja donde desfiló mucho del talento presente en los largos y cortometrajes que conformaron la selección oficial del festival en esta edición. Se realizaría también una ceremonia especial en la que se rindió homenaje a algunos de los iconos del cine slasher como Freddy Krueger y Jason Voorhees. Después se celebró la función inaugural con la película "Estación Wadley", precedida de unas palabras tanto del director general del festival, Miguel Ángel Marín; como de su realizador Héctor Martínez y del elenco de la misma.
"FRAGMENTOS DE OLVIDO", DE RUBÉN VILLA VARELA.
Cómo parte de la selección mexicana en competencia, el primer día de actividades se proyectó el filme de Rubén Villa Varela "Fragmentos de olvido el cual", partiendo de una premisa análoga a la de "Eterno resplandor de una mente sin recuerdos" (Gondry, 2004) narra como un psicoterapeuta quien ha desarrollado un sistema que permite manipular los recuerdos de las personas, decide usarlo en una paciente en principio para ayudarla, pero poco después lo volverá a hacer para alcanzar sus propios (y oscuros) fines. Una de las pocas (y bien logradas) incursiones que el cine nacional ha hecho en tiempos recientes en el género de la ciencia ficción.
LA EDICIÓN 2024 del Feratum Film Festival ha concluido.
Y en este texto recopilamos diez momentos que sin duda, fueron emblemáticos en la que fuese su cabalística edición trece.
LA MARCHA DE LAS BESTIAS.
Feratum celebró uno de sus eventos más tradicionales: la Marcha de las Bestias. En ella, decenas de personas se lanzaron a las calles de Pátzcuaro caracterizados de criaturas aterradoras o seres bizarros, en una especie de carnaval con giro hacia lo fantástico y el horror. Dicho evento finalizó en la Plaza Vasco de Quiroga, donde se premió al mejor disfraz, elegido por los asistentes mediante sus aplausos, siendo el ganador un Chupacabras asesino.
"NIGHT SILENCE" (CISZA NOCNA) DE BARTOSZ M. KOWALSKI. La selección internacional del festival trajo consigo varias agradables sorpresas. Esta fue una de ellas. Una obra procedente de Polonia y sexto largometraje del cineasta Bartosz M. Kowalski, en la cual un anciano quien es ingresado en un asilo para personas de la tercera edad, empieza a ser acosado por visiones extrañas y escalofriantes, al mismo tiempo que en el lugar se desata una cadena de decesos entre los que allí habitan. Una visión lúgubre e inquietante (con algunas pinceladas de humor negro) sobre la vejez, los procesos asociados a ella, y la muerte que ronda a las personas en esa etapa de la vida.
"1978" DE LUCIANO Y NICOLÁS ONETTI.
Al caer la noche en la ciudad de Pátzcuaro, en el teatro Emperador Caltzontzin se llevaron a cabo las funciones Extreme, que como su nombre indica, reunía cintas de alto contenido de sangre y violencia gráfica. Y la primer producción exhibida en ese espacio fue "1978", realizada a cuatro manos por los hermanos Onetti, y la cual se sitúa en Argentina durante la dictadura militar, y sigue a un grupo de oficiales y torturadores quienes llevan a cabo una incursión nocturna y secuestran a lo que ellos creen que se tratan de integrantes de un grupo disidente. Pero durante el inhumano interrogatorio al cual los someten, descubrirán su verdadera (y tenebrosa) identidad.
FUNCIÓN AL AIRE LIBRE DE "UN CUENTO DE PESCADORES".
Previo a la ceremonia de premiación llevada a cabo al final de su penúltimo día de actividades, Feratum celebró en la Plaza Vasco de Quiroga una alfombra roja y una función al aire libre muy especial, en donde se proyectó el segundo largometraje del realizador mexicano Edgar Nito, titulado "Un cuento de pescadores", donde varios habitantes de un pueblo pesquero se ven afectados directa e indirectamente por la presencia de una pavorosa criatura. Una cinta al estilo folk-horror basada en una leyenda local y rodada en locaciones de esa misma comunidad, lo que hizo que tuviera una calurosa acogida por parte de los asistentes a esa función especial.
"ANIMALE" DE EMMA BENESTAN.
Otra de las agradables sorpresas de la selección internacional es este filme francés, segundo largometraje de la realizadora Emma Benestan, donde además vuelve a hacer equipo con la actriz Oulaya Amamra, y que se desarrolla al interior de un rancho donde crían a toros de lidia y en el cual vive y trabaja Nejma (Amamra). Tras una noche de borrachera que termina de forma extraña, la joven comienza a experimentar una serie de cambios físicos y emocionales que denotan algo animal que está surgiendo en ella, y que está vinculado a los eventos de esa noche. Un relato sui generis donde se combina el comentario pro animalista con temas como el machismo, la violencia sexual, y el feminismo.
"KRAZY HOUSE" DE STEFFEN
HAARS Y FLIP VAN DER KUILT.
La última jornada de funciones nocturnas bajo el sello Extreme inició con la proyección de la delirante "Krazy House", filme estelarizado por el legendario Nick Frost (La Trilogía del Cornetto de Edgar Wright), quién da vida a un padre de familia de gran fervor religioso, amable y humoroso aunque un tanto torpe e ingenuo, que de pronto se encuentra en una situación complicada cuando los plomeros que contrata para reparar un desperfecto resultan ser mafiosos rusos que están buscando un botín oculto en los cimientos de su hogar, y quienes toman a su familia como “rehenes”. A modo de parodia de un sitcom televisivo, esta variante de home invasion en tono de desaforada comedia y farsa deviene en una demencial sinfonía de irreverencias, violencia, gore e incorrección política.
"PLANET B" DE AUDE LÉA RAPIN. El tercer largometraje de la realizadora francesa Aude Léa Rapin tiene lugar en un mundo futuro altamente tecnologizado, donde aquellos que son declarados enemigos del Estado, son encarcelados en un extraño planeta, donde cosas extrañas pasan. Pronto se revela que dicho planeta en realidad no existe, sino que es un mundo generado en realidad virtual, y que son las mentes de los cautivos las que están allí aprisionadas y atormentadas por sus captores. Un filme de corte fantástico protagonizado por la versátil Adèle Exarchopoulos.
"V/H/S/BEYOND".
En la recta final del festival, la película encargada de cerrar las funciones nocturnas de su edición 2024 fue la nueva entrega de la franquicia V/H/S, conformada por diferentes antologías de terror que reúnen a diversos cineastas, cuyo elemento en común entre sus trabajos es simular que se trata de metraje encontrado. En esta nueva entrega, además se añade un eje temático: la mayoría de los segmentos gira en torno a la presencia extraterrestre. Cuenta con capítulos realizados por Jordan Downey, Christian y Justin Long, Justin Martinez, Virat Pal, Kate Siegel y Jay Cheel. Una forma más que adecuada para concluir con broche de oro la edición 13.
Estuvimos presentes en el Festival Internacional de Cine Fantástico Feratum, que este año celebró su 13ª edición, consolidándose una vez más como un referente del cine de género en Latinoamérica. A lo largo de cuatro días, el festival presentó 83 títulos y ofreció una amplia variedad de actividades formativas, reforzando su compromiso con la industria cinematográfica. Por su parte, el director del festival, Miguel Ángel Marín, agradeció profundamente a todas las instituciones y colaboradores que fueron clave para la realización de esta edición.
LOS GANADORES DE ESTE AÑO SON:
Sección Confines / Competencia Internacional
· Nosferatu de Bronce a la Mejor Película Internacional:
"Animale", Emma Benestan, Francia.
· Torre Feratum a la Mejor Película de Terror: "Krazy House", Flip van der Kuil y Steffen Haars, Países Bajos.
· Torre Feratum a la Mejor Película de Ciencia Ficción y Fantasía: "Night Silence", Bartosz M. Kowalski, Polonia.
· Mención Honorífica: "V/H/S/BEYOND", USA.
Cortometraje de Ficción Internacional
· Torre Feratum al Mejor Cortometraje: "Fishmonger", Neil Ferron, USA.
· Menciones Honoríficas: "Frascos vacíos", Chile. "No hay que hablar con extraños, España.
Cortometraje de Animación Internacional
· Torre Feratum a Mejor Cortometraje de Animación: "Huesos míos", Israel Gómez Reséndiz, México.
· Mención Honorífica: "Les Bêtes", Michael Granberry, USA.
Sección Iberoamérica Fantástica / Competencia Iberoamericana
· Torre Feratum al Mejor Largometraje: "Mi bestia", Camila Beltrán, Colombia.
· Torre Feratum a Mejor Película de Ciencia Ficción o Fantasía: "Fragmentos de olvido", Rubén Villa, Héctor Cornejo.
· Torre Feratum a Mejor Dirección: "Chuzalongo", Diego Ortuño, Ecuador.
Sección Alucarda / Competencia Mexicana
· Alucarda a Mejor Largometraje Mexicano: "No nos moverán", Pierre Saint Martín.
· Alucarda a Mejor Película de Terror: "Un cuento de pescadores", Edgar Nito.
· Alucarda a Mejor Dirección: Edgar Nito, "Un cuento de pescadores".
· Alucarda a Mejor Guion: "Fragmentos de olvido", Rubén Villa, Victor Cornejo.
· Alucarda a Mejor Fotografía: "WADLEY: Ecos del tiempo", Carlos Enderle.
· Alucarda a Mejor Diseño de Producción: "JIKURI, Viaje al país de los Tarahumara", Alisarime Ducolomb.
· Alucarda a Mejor Actuación: Luisa Huertas," No nos moverán".
Cortometrajes de Ficción Mexicanos
· Alucarda a Mejor Cortometraje Mexicano de Terror: "Tazas de té y galletas", José Alberto Saborit Constantino y Alonso Armando Valdez Ibarra.
· Alucarda a Mejor Cortometraje de Ciencia Ficción y Fantasía: "Jacque Mate", Roberto Chávez Bañuelos.
· Alucarda a Mejores Efectos Especiales: "En el nombre de", Marcos Muñoz Flores.
· Alucarda a Mejor Actor: Rodrigo Olguín, "La cita perfecta".
Alucarda a Mejor Actriz: Mónica del Carmen, "Sole".
El cortometraje
mexicano de terror
“Unheimlich”, dirigido por Fabio Colonna, sigue expandiendo su alcance y ahora llega en formato de manga gracias a la creación del artista Christian P. Monroy.
"Yo ilustré esta historia. Hay factores importantes que me atraparon; recuerdo que, la primera vez que vi el cortometraje, no conocía al director ni a nadie del equipo, pero conecté con varios elementos. Por ejemplo, la trama se desarrolla en un lugar del que no se puede escapar, con un monstruo del que no puedes esconderte", compartió Monroy en entrevista con Revista Cameo.
"En algún momento de nuestra vida nos enfrentamos a nosotros mismos, a algún miedo, dolor, herida o frustración que hemos intentado evitar o ignorar. Esa premisa me resonó mucho. A partir de ahí, decidí adaptar la historia del cortometraje y darle una evolución. Por ejemplo, en el manga, el monstruo tiene una transformación importante; no es el mismo que aparece en la cinta, pero sigue siendo clave. Me encanta cómo la historia explora la conciencia y cómo nosotros mismos somos los límites de nuestra propia percepción".
“Unheimlich”, filmado en 2019, se sitúa en una noche lluviosa y narra la experiencia de una joven (interpretada
por Helena Puig) que despierta tras una pesadilla y descubre que su casa se ha transformado en un laberinto surrealista, habitado por una entidad que la acecha.
"Lo que más me impactó fue la reinterpretación de la historia gracias a la libertad que brinda el arte gráfico. Christian hizo evolucionar al monstruo y los escenarios de una manera impresionante. Fue muy gratificante ver cómo mi personaje, tanto interna como externamente, tomó una nueva forma en esta representación", comentó Helena Puig.
El manga se presenta como una historia de terror sin diálogos, únicamente acompañada por ilustraciones.
"Me sentí muy identificado con Fabio (el director). Juntos unimos nuestras visiones y enriquecimos la historia más allá de sus limitaciones originales, explorando hasta dónde podíamos llevarla con nuestra imaginación. Dejamos de lado las restricciones materiales y nos enfocamos en encontrar el punto crítico donde la narrativa pudiera evolucionar", agregó Monroy.
El primer tiraje consta de mil ejemplares. "Decidimos imprimirlo porque quienes vivimos esta historia queremos compartirla desde una nueva perspectiva. Aunque es una experiencia aterradora, también refleja aspectos profundos de nuestra conciencia", concluyó el artista.
Revista Cameo hace un recuento de diez de los momentos más destacados y/o aquellos que hicieron memorable su edición 22 del Festival Internacional del Cine de Morelia.
LA PROYECCIÓN INAUGURAL DE "EMILIA PÉREZ" DE JACQUES AUDIARD
La actividad inaugural del FICM fue la proyección de la más reciente película del cineasta francés Jacques Audiard, titulada Emilia Pérez. A dicha función especial acudieron, además de su realizador las actrices Karla Sofía Gascón y Adriana Paz; parte de su elenco principal. La cinta es una peculiar combinación entre comedia, musical y drama social, y obtuvo el Premio del Jurado y el premio a la Mejor Interpretación Femenina en la 77.ª edición del Festival de Cannes celebrada este año.
LA PRESENCIA DE ALEXANDER PAYNE
Otro importante cineasta que, en el marco del festival, estuvo presente en la capital michoacana, fue Alexander Payne. Creador de filmes como "Las confesiones del Sr. Schmidt" (About Schmidt), Entre copas (Sideways) y "Los que se quedan" (The Holdovers); el originario de Omaha, Nebraska participó en diversas actividades: presidió el Jurado de Largometraje Mexicano, presentó uno de los títulos del ciclo México Imaginario: Border Noir, y ofreció una clase magistral que se volvió todo un suceso y resultó una experiencia motivadora a la vez que muy divertida gracias al humor desternillante de Payne. Además, fue homenajeado en una ceremonia donde recibió la Medalla Filmoteca UNAM y también se develó una butaca con su nombre.
LA PRESENCIA DE FRANCIS FORD COPPOLA
Autor cuyas películas ocupan un lugar importante en la historia del cine mundial, y su obra marcó y definió a generaciones posteriores, Francis Ford Coppola fue sin duda el invitado estelar de la recién concluida edición del FICM. Amable y accesible pero también profundamente erudito e inquisitivo, el ahora octogenario realizador visitó Morelia para presentar su más reciente trabajo, "Megalópolis", y allí ofreció también una conferencia de prensa donde compartió con los asistentes algunas perlas de su experiencia y sabiduría adquiridas por años de ejercer la profesión, sin perder su sencillez e incluso, pidió que lo llamaran de cariño “Tío Pancho”.
LA PRIMERA FUNCIÓN DE "ADIÓS CABALLOS: LAS MUCHAS VIDAS DE Q LAZZARUS"
Uno de los momentos más emotivos en la edición 2024 del FICM, sucedió durante la primer proyección de "Adiós Caballos: Las Muchas Vidas de Q Lazzarus" ("Goodbye Horses: The Many Lives of Q Lazzarus", Estados Unidos, México, 2024), documental dirigido por Eva Aridjis Fuentes, el cual revela el (hasta ahora) desconocido destino de Diane Luckey, una cantante y compositora quien bajo el nombre artístico de Q Lazzarus tuvo resonancia a finales de los ochenta gracias a la canción homónima que da nombre al largometraje, la cual aparece en una escena clave de "El silencio de los inocentes" (Demme, 1991).
En la función, además de la realizadora, también estuvo presente James, hijo de la trágicamente fallecida intérprete, quien además de comentar y responder a las preguntas de los asistentes, recibió de estos últimos una cálida bienvenida y varias muestras de afecto y solidaridad.
LA PROYECCIÓN DEL DOCUMENTAL "MORÍ" (LI CHAM)
El que a la postre se alzaría con el premio Ojo a Mejor Largometraje Documental Mexicano, también protagonizaría uno de los momentos más conmovedores del 22o. FICM. El debut de la directora Ana Ts'uyeb, es un relato coral en la que tres mujeres tsotsiles relatan sus historias de sufrimiento y humillaciones a consecuencia del machismo y la violencia imperantes en su sociedad, y el cómo la llegada del zapatismo influyó en ellas para renacer, rebelarse y luchar por sus vidas y sus derechos. En la función, además de la realizadora, se encontraba su madre (una de las protagonistas), a quien con lágrimas en los ojos le agradeció por su coraje y valentía para romper con esos usos y costumbres donde se violenta la vida de las mujeres, y así poderle brindar estudios profesionales sin los cuales dicho largometraje no hubiese sido posible.
ALFONSO CUARÓN, EN TODOS LADOS
Para la recta final del festival, Alfonso Cuarón fue el principal protagonista, quien tuvo que multiplicarse para poder llevar a cabo diversas actividades dentro del festival: presentó el cortometraje "An Almost Christmas Story" (2024) de David Lowery y producido por el propio Cuarón; presentó una función especial de "La Clase" (Entre les murs), en memoria de Laurent Cantet -fallecido a inicios de este año-; hizo también la presentación de varias de las películas de un programa especial dedicado al cineasta suizo Alain Tanner; y también estuvo presente en la proyección de clausura del 22º FICM donde se proyectó "Disclaimer" (2024), una serie de televisión creada por el cineasta mexicano para la plataforma Apple TV. Además de todo esto, ofreció también una conferencia de prensa en la cual detalló sus experiencias durante la producción de esta serie, y compartió sus opiniones sobre el panorama televisivo actual.
En las diversas alfombras rojas celebradas durante el festival, hizo acto de presencia un invitado inesperado: un simpático perrito callejero a quien también pudo verse ingresando a salas y conviviendo con los asistentes al festival. La aparición de Cácaro (como fue bautizado cariñosamente el can) causó furor, especialmente en las redes sociales del festival. Incluso los organizadores del mismo le otorgaron su acreditación oficial. Esta historia tuvo un final feliz, cuando se dió a conocer que el perro fue adoptado, e incluso su nuevo dueño subió imágenes en video de Cácaro jugando en su nuevo hogar.
EL CICLO MÉXICO IMAGINARIO: BORDER NOIR
Dentro de la rica oferta de ciclos y retrospectivas presentes en el FICM 2024, destacó la edición de México Imaginario. Instaurado en 2007 y propuesto originalmente por el cineasta francés Bertrand Tavernier, este ciclo busca mostrar la percepción que el cine internacional tiene sobre nuestro país. Este año, el tema del programa fue Border Noir, abarcando obras que hablan de la frontera y la problemática migratoria, abordada principalmente desde el punto de vista del cine negro. Con una curaduría a cargo de la historiadora y crítica de cine Imogen Sara Smith -quien también presentó la mayoría de los largometrajes-, los títulos incluidos en este ciclo fueron "Buchanan Rides Alone" (Budd Boetticher, EUA, 1958); "The Breaking Point" (Michael Curtiz, EUA, 1950); "The Hitch-Hiker" (Ida Lupino, EUA, 1950) y" Border Incident" (Anthony Mann, EUA, 1949), este último contó con un invitado sorpresivo para hacerse cargo de la presentación: el cineasta Alexander Payne.
LA PROYECCIÓN DE C’EST PAS MOI CON LA PRESENCIA DE LÉOS CARAX
Por segunda vez en su historia, el Festival Internacional de Cine de Morelia contó con la visita del realizador francés Léos Carax, quién bajo el brazo trajo su nuevo trabajo, un mediometraje llamado C’est pas moi, en el cual el cineasta ofrece tanto un autorretrato como un recorrido por su carrera cinematográfica, a través de un collage elaborado con escenas de sus cintas, otras extraídas de producciones clásicas, videos caseros y fotografías. Desde luego, se trata de un trabajo muy íntimo y personal, de tono lúdico pero también contestatario. Al finalizar la función, Carax efectuó una sesión de preguntas y respuestas con los asistentes. Previo a ello, el director asistió también a una función especial, donde se presentó uno de sus filmes más emblemáticos: "Los amantes del puente nuevo" (Les Amants du Pont-Neuf, 1991).
RODRIGO PRIETO Y "PEDRO PÁRAMO
Una de las películas estelares en esta edición del FICM fue sin duda la nueva versión de la novela clásica de Juan Rulfo, "Pedro Páramo", producida con el apoyo de la plataforma digital Netflix y marcando el debut en la dirección del cinefotógrafo Rodrigo Prieto, quien estuvo presente en Morelia para presentarla al lado de algunos de los actores que la estelarizan como Ilse Salas, Mayra Batalla, Manuel García-Rulfo, Dolores Heredia, Giovanna Zacarías y Roberto Sosa; así como del guionista Mateo Gil y el productor Stacy Perskie. Adicionalmente Prieto ofreció una Clase Magistral la cual se centró no sólo en "Pedro Páramo"; sino también en su carrera como cinefotógrafo en la industria nacional, su transición a la industria hollywoodense e internacional, y sus experiencias al trabajar en filmes como "Silencio" (Silence, 2016) y "Los asesinos de la luna" (Killers of the Flower Moon, 2023) de Martin Scorsese; y "Barbie" (2023) de Greta Gerwig.
El Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) cerró su 22ª edición con una ceremonia en el Teatro Melchor Ocampo en la que premió a lo mejor de su Selección Oficial. Después de intensas deliberaciones, el jurado conformado por Alexander Payne, Liv Tyler, Ira Sachs, Mary Bell, Cristian Calónico, Doris Metz, Esther Brejon, Fernando Eimbcke, César Díaz, Armando Casas, Itzel Martínez del Cañizo y Jorge Magaña, eligió a los mejores trabajos de entre 93 películas que formaron parte de la competencia del 22 FICM. Asimismo, la audiencia votó por sus películas favoritas para otorgar el Premio del Público en diversas secciones.
LOS GANADORES DE ESTE AÑO SON:
SECCIÓN DE CORTOMETRAJE MEXICANO
· Premio Especial del Jurado patrocinado por Renta Imagen:
"Niño halcón duerme entre visiones de un incendio", de Mauricio Sáenz-Cánovas
· Ojo a Mejor Cortometraje de Animación Mexicano: "La mancha negra", de Yareni Velázquez Mendoza
· Ojo a Mejor Cortometraje Documental Mexicano: "Buscando un burro", de Juan Vicente Manrique
· Ojo a Mejor Cortometraje de Ficción Mexicano: "Spiritum", de Adolfo Margulis
SECCIÓN DE LARGOMETRAJE DOCUMENTAL MEXICANO
· Mención Especial de la Sección de Largometraje
Documental Mexicano: "La falla", de Alana Simoes
· Ojo a Mejor Largometraje Documental Mexicano: "Morí" (Li cham), de Ana Ts’uyeb
SECCIÓN DE LARGOMETRAJE MEXICANO DE FICCIÓN
· Mención Especial de Largometraje Mexicano de Ficción: "Un cuento de pescadores", de Edgar Nito
· Premio del Público a Largometraje Mexicano de Ficción: "La cocina", de Alonso Ruizpalacios
· Ojo a Mejor Largometraje Mexicano: "Sujo", de Astrid Rondero y Fernanda Valadez
· Ojito a Mejor Actriz de Largometraje Mexicano de Ficción: Diana Laura Di, por "Violentas mariposas"
· Ojito a Mejor Actor de Largometraje Mexicano de Ficción: Andrés Revo, por "Hombres íntegros"
· Premio a Mejor Guion de Largometraje Mexicano de Ficción: Astrid Rondero y Fernanda Valadez, por "Sujo"
· Ojo a Mejor Dirección de Largometraje Mexicano de Ficción: Astrid Rondero y Fernanda Valadez, por "Sujo"
El joven actor Jatzke Fainsod comparte su experiencia trabajando en la obra de teatro “La Ternura”, donde interpreta al Leñador Azulcielo, un personaje joven y muy sensible. Además, reflexiona sobre lo que el teatro significa en su vida, tanto a nivel profesional como personal.
¿Cómo te sentiste al participar en "La Ternura" interpretando al Leñador azul cielo?
Creo que el proceso fue muy bonito y estoy muy agradecido. Fue muy divertido formar parte de esta puesta en escena y cerrar la temporada con mis compañeros. Solo tuve dos semanas para ensayar y adaptarme, ya que entré a suplir a otro actor.
Por un lado, estaba el reto de integrarme en una obra que llevaba meses en temporada, lo que implicó adecuarme al ritmo establecido. Por otro lado, en la construcción personal del personaje, me enfoqué en entender la ternura desde mi propia experiencia: dónde la identifico en mi vida y cómo me muevo a través de ella.
Esto me permitió conectar con el Leñador azul cielo, quien, siendo el más joven de los tres, es también el más sensible, vulnerable y abierto a experimentar emociones y el amor.
¿Cómo fue tu experiencia con el productor Morris Gilbert? Él es considerado una figura muy influyente en el teatro mexicano.
Morris y todo el equipo fueron increíbles. Como productor, me recibió muy bien. Ya lo conocía de antes, y la relación siempre ha sido muy cordial.
Todo el equipo de Mejor Teatro y los creativos me recibieron con los brazos abiertos, atentos a las necesidades personales y de la obra.
El nivel de profesionalismo y compañerismo fue impresionante, algo que caracteriza a un equipo liderado por Morris, quien lleva años haciendo teatro con excelencia.
La obra mezcla comedia y crítica social. ¿Cómo fue manejar este tipo de comedia, que se aleja de los estereotipos de pastelazo?
Esa fue precisamente una de las apuestas de Benjamín Cann (directo) y Morris: ofrecer una comedia más inteligente y con una crítica social. Aunque el público se ríe durante toda la función, también sale reflexionando.
La obra tiene un ritmo acelerado; los personajes enfrentan constantemente situaciones urgentes, y esa energía genera la comedia de manera orgánica, sin que los actores tengamos que buscar ser graciosos.
Además, las situaciones planteadas por el autor son muy cómicas por sí mismas, lo que evita caer en recursos simplistas. Es una comedia con profundidad, que cuestiona temas como la ternura
Eres joven, pero ya tienes una carrera sólida en el teatro. ¿Qué significa para ti formar parte del teatro mexicano?
Estoy profundamente agradecido. En los últimos años, he tenido la oportunidad de pisar varios escenarios en México y de formar parte de la comunidad teatral. Para mí, el teatro es un espacio para compartir perspectivas y conectar con el público. También siento una responsabilidad como artista de buscar formas de acercar el teatro a más personas, porque nuestra cartelera teatral tiene una calidad altísima. Sueño con un país donde el teatro sea más accesible y las personas puedan enamorarse de él, como lo estamos quienes lo hacemos.
¿Qué géneros teatrales te gustan más y cuáles te gustaría explorar?
humana y las diferencias entre géneros, resaltando nuestras semejanzas.
Compartiste escenario con grandes figuras como Alejandro Calva, Mónica Dionne, Carla Medina y Luisa Guzmán Quintero. ¿Cómo fue trabajar con ellos y ellas?
Fue una gozada. Además de ser tremendos actores, son grandes seres humanos, muy bondadosos y generosos. Todo el elenco fue increíblemente amoroso, sabiendo que yo entraba con poco tiempo de preparación. Literalmente me dijeron: “Estamos aquí para ti”. Me apoyaron tanto en escena como detrás del telón, asegurándose de que no se me escapara nada. Además, en los camerinos son muy divertidos, lo que hizo la experiencia aún más gratificante.
Me gusta de todo. Desde que me gradué en 2018, me prometí explorar todos los géneros y tipos de teatro, desde el más independiente hasta el comercial. He hecho comedia, drama, farsas y teatro infantil. Sin embargo, me gustaría incursionar en teatro de terror, que recién exploré en el cine, y regresar al drama realista, algo que no he hecho en un tiempo.
Finalmente, ¿qué significa el teatro para ti?
Para mí, el teatro es mi hogar, un lugar donde he encontrado familia y amor. Es un espacio transformador donde podemos divertirnos, reflexionar y confrontarnos. El teatro tiene el poder de cambiar estados de ánimo y formas de pensar, creando conexiones profundas entre quienes lo hacemos y quienes lo presencian.
El 2024 fue un gran año para la actriz Berenice Mastretta, con series y películas como los principales proyectos de este año. En sus propias palabras, nos habla de su experiencia al participar en varios de estos proyectos.
POR CARLOS MORA
¿Qué tal te fue en 2024? Vi que estuviste en varios proyectos muy interesantes, ¿cómo resultó el año para ti? ¡Súper feliz! Como mencionas, estuve involucrada en muchos proyectos. Hubo varios estrenos importantes, y además, los proyectos tuvieron una gran recepción. Empecé el año en marzo con "Un actor malo", que se estrenó y le fue increíble. Luego participé en "Mujeres asesinas" en su última temporada. Más tarde, ganamos en Cannes con el cortometraje "Serpientes y escaleras". También trabajé en la serie "Familia de medianoche" y en la segunda temporada de "Las Bravas". Cierro el año con la película "Incorregibles". Ha sido un año muy emocionante.
Últimamente has estado en series y cine. ¿Cómo ha sido para ti estar en estos medios audiovisuales? Me encanta, porque son experiencias distintas, pero las disfruto igual. Hacer cine tiene un ritmo más pausado debido a la naturaleza de la cinematografía: hay que cuidar aspectos como la iluminación y los detalles técnicos. En cambio, las series suelen tener un ritmo más dinámico, lo cual también
disfruto mucho. Además, hay cine comercial, que siento que se parece más al formato de las series o la televisión, y cine independiente o artístico, que tiene un propósito diferente. Me encanta moverme entre ambos mundos.
Cuéntame más sobre el cortometraje "Serpientes y escaleras", que ganó en Cannes. Es un proyecto muy especial. La directora es una joven cineasta a quien conocí en una clase de actuación. Me invitó al proyecto, me pareció encantador porque aborda el duelo desde la perspectiva de un niño. Trata sobre cómo un niño enfrenta la pérdida de su abuelo, un tema que no se explora mucho. Hablamos del duelo en adultos, pero a menudo olvidamos cómo lo viven los niños. Curiosamente, el año pasado también trabajé en un corto sobre el duelo, pero desde la perspectiva de una niña. Creo que es un tema muy importante del que necesitamos hablar más.
Acabas de terminar "Familia de medianoche". ¿Cómo fue tu experiencia? Esa serie me parece increíble en todos los sentidos. La historia es muy
original y tiene una estructura interesante: en cada capítulo sucede algo diferente, pero todo se narra desde la perspectiva de esta familia que se dedica a rescatar personas. Esto le da mucho dinamismo a la serie. Es emotiva, pero también tiene momentos ligeros que reflejan cómo es la vida misma: una mezcla de drama y situaciones que a veces te sacan una sonrisa incluso en momentos difíciles.
Has trabajado en teatro, cine y series. ¿Cómo ha sido este trayecto? Mi formación actoral es teatral, y siempre he procurado complementar mi aprendizaje con talleres. Adaptarme al lenguaje audiovisual fue un reto, pero lo he disfrutado mucho. Creo que como actor es maravilloso poder trabajar en diferentes disciplinas. Eso sí, el medio audiovisual puede ser complicado: tienes que aprender a lidiar con el rechazo, porque no quedar en un casting puede sentirse así. Pero con el tiempo entiendes que no rechazan tu persona, sino que no encajas en un proyecto en específico. Personalmente, disfruto tanto los proyectos comerciales como los artísticos. No creo en hacer distinciones tan estrictas.
¿También cantas? Sí, pero hasta ahora lo he usado más como parte de mi trabajo en actuación. He hecho comedia musical, participé en una ópera de mariachi, y recientemente he estado considerando lanzar un show. Desde pequeña estudié con un maestro que fue niño cantor de Viena, lo que me dio bases sólidas en canto clásico. Sin embargo, al retomar mi verdadera vocación como actriz, integré el canto como una herramienta más para enriquecer mi trabajo. Por ejemplo, actualmente estoy en una obra de teatro cabaret donde canto, y es algo que disfruto muchísimo.
¿Qué opinas del teatro cabaret? Me encanta. Es un género que combina humor, crítica social e inteligencia, lo cual lo hace muy especial. Aunque a veces ha sido menospreciado, creo que eso está cambiando. Cada vez se le reconoce más, incluso en premiaciones teatrales, donde ya existe una categoría dedicada al cabaret. Es un género exigente porque requiere un alto nivel de creatividad y reflexión. Estoy emocionada de ser parte de este movimiento y de que el teatro cabaret siga creciendo.
EL ICÓNICO compositor estadounidense George Gershwin, reconocido por su invaluable contribución a la música clásica y popular del siglo XX, fue homenajeado en México con un espectáculo sin precedentes titulado "Gershwin, la vida en azul". Este innovador evento, bajo la magistral dirección de la reconocida directora de orquesta Alondra de la Parra, busca rendir tributo al legado del autor de obras inmortales como Rhapsody in Blue y An American in Paris.
El espectáculo combina magistralmente música, danza y arte multimedia, transportando al público a la vibrante época de los años 1920 y 1930, una era marcada por la efervescencia cultural y
el auge del jazz. Con más de 80 artistas en escena, la producción se convierte en una experiencia sensorial única, diseñada para cautivar tanto a conocedores como a nuevos admiradores de Gershwin.
Entre los artistas destacados se encuentran el pianista virtuoso Thomas Enhco, cuya técnica y sensibilidad interpretativa prometen dar vida a las complejas composiciones de Gershwin; la talentosa cantante Neïma Naouri, cuya voz evoca la sofisticación y el espíritu de la época; el bailarín y actor Robbie Fairchild, conocido por su gracia y expresividad; y la bailarina Amelie Flores, cuyo talento
aporta dinamismo y elegancia a las coreografías.
Además de celebrar la música de Gershwin, el espectáculo también tiene como objetivo difundir y promover el arte y la cultura en México, subrayando la importancia de conectar las tradiciones artísticas internacionales con el público
local. En este sentido, "Gershwin, la vida en azul" no solo honra a un genio musical, sino que también se erige como un puente entre épocas, culturas y generaciones.
A través de esta experiencia única, el equipo creativo busca transmitir un mensaje universal de amor por la vida y el poder transformador del arte, recordándonos que la música tiene la capacidad de unir a las personas y trascender fronteras. La magia de Gershwin revive en México, invitando a los espectadores a redescubrir su obra desde una perspectiva fresca y conmovedora.
TEXTO Y FOTOS
CARLOS MORA
En Revista Cameo , entrevistamos a Enrique A. Palafox, quien se ha consolidado como uno de los principales expertos en Drácula y su impacto transmedia. A lo largo de su carrera, Enrique ha realizado una exhaustiva investigación sobre cómo este personaje ha sido adaptado a diversos formatos, logrando mantener la fidelidad al texto original mientras lo moderniza para nuevas audiencias.
POR CARLOS MORA
¿Cómo nació especializarte en el tema de Drácula?
Es interesante porque tengo una historia muy peculiar con Drácula desde que era pequeño. Empecé en este mundo de ser un "dracolista" de manera un tanto desorganizada, pero esa es la realidad: soy draculista.
Comencé con los cómics, mi papá me regaló uno, y me encantó. Recuerdo que me dio mucho miedo, pero al mismo tiempo me fascinó. En ese momento, descubrí "Drácula" de Bram Stoker, y me volví loco. Me aterraba, pero a la vez me atraía.
Con el tiempo, la fascinación por los vampiros fue creciendo. Cuando salió la película de Bram Stoker "Dracula" dirigida por Francis Ford Coppola, me volví aún más fanático. Ya había leído muchas veces la novela, por lo que ver esa película fue como encontrar un punto de conexión entre lo que había leído y la historia que estaba viendo en la pantalla. Para responder a tu pregunta, he dado clases en la Ibero durante cerca de 25 años. Durante ese tiempo, me becaron para estudiar la maestría en Comunicación, y me especialicé en el cine de Drácula. Luego, me becaron para el doctorado, y opté por estudiar Literatura para complementarlo. Soy un híbrido raro: diseñador gráfico, con estudios en Comunicación, pero también con un fuerte enfoque en las letras. Esto me permite comprender la narrativa y los procesos de adaptación de la novela a otros medios. Así que todo esto vino de mi pasión por Drácula.
Has publicado varios libros, ¿cómo ha sido el proceso de investigación y en qué te has basado para escribirlos?
Llevo 10 años investigando profundamente sobre Drácula, aunque ya lo había analizado en mi maestría. El fenómeno de Drácula es tan vasto que, en el doctorado, empecé a profundizar mucho más. En ese tiempo, creé un blog donde publico la novela de Drácula de manera “en tiempo real”, ya que la novela está escrita en formato epistolar, a través de cartas, y tiene una cronología muy específica. Empecé a hacerlo hace unos 12 años y lo publico anualmente.
Con el tiempo, empecé a notar que algunas traducciones de la novela estaban mal hechas, por lo que decidí traducir mi propia versión. Me llevó 7 años completar la traducción, y lo hice basándome en la primera edición de Bram Stoker, publicada el 26 de mayo de 1897. Quise hacerlo sin filtros, apegándome al texto original, y tuve la oportunidad de acceder a la primera edición para hacerlo. Como soy diseñador gráfico, también me enfoqué en crear mis propias ediciones de la novela.
Esto me llevó a crear ediciones especiales de Drácula que respetan el texto original y son para coleccionistas serios. Hasta ahora, he publicado 4 ediciones diferentes.
¿Consideras que Drácula sigue vigente hoy en día?
Drácula nunca ha dejado de publicarse. Es un fenómeno global, no solo en Inglaterra, sino también en Estados Unidos y México. Si vas a cualquier librería, puedes encontrar varias ediciones del mismo texto, lo que me parece impresionante. No hay muchos libros que generen tantas ediciones del mismo contenido, lo cual es un fenómeno único.
El vínculo de Drácula con otros medios ha sido fundamental. Él no nació en el libro, sino en el teatro. Bram Stoker era más un hombre de teatro que un escritor. De hecho, antes de publicar la novela, ya había escrito una obra de teatro sobre él. El cine todavía no era una industria en 1897, pero Stoker sin duda quería llevar su historia al cine.
De todas las películas que has visto, ¿cuál consideras que es la más fiel al libro?
Curiosamente, ninguna de las adaptaciones es completamente fiel. La película de "Drácula, de Bram Stoker" de Francis Ford Coppola se promociona como la más fiel, pero en realidad es la que menos le hace justicia al texto original. Aunque toma partes de e acer-
ca más al espíritu original, pero es una interpretación libre de la historia. Hay una serie de los 70s llamada "Bram Stoker’s Dracula", que sigue más de cerca los eventos de la novela, pero la dirección es bastante teatral, lo que la hace un tanto sosa. En resumen, cada adaptación tiene algo que le es fiel al libro, pero ninguna lo refleja completamente.
¿Crees que se le ha hecho justicia al personaje de Drácula en el cine y las series?
Es una excelente pregunta. En la novela, Drácula dice: "mi maldición será eterna y prevalecerá por los siglos de los siglos". Y eso es lo que hemos visto: él sigue presente en el cine, los cómics, los juguetes, y en muchos otros medios.
Sin embargo, el Drácula mediático, el popular con capa roja y colmillos, está muy alejado del Drácula de la novela. En la novela es un ser maligno, un hijo del demonio, que hizo un pacto con Satanás.
No hay nada romántico en su figura, y mucho menos una relación amorosa con Mina Harker, como muchas adaptaciones sugieren. La novela presenta a Drácula como un ser aterrador, no un personaje idealizado.
¿Tienes una colección de Drácula?
Sí, tengo una gran colección y me enorgullece mucho. No soy el único "dracotista", pero soy un fanático. Mi colección es la que más valoro, porque está llena de piezas únicas.
