REVISTA CAMEO 32

FOTO CHINO LEMUS

"FURIOSA: DE LA SAGA MAD MAX"

DOLORES HEREDIA "SEÑORITA 89"

JENNIFER

FEDE ESPEJO

FOTO CARLOS MORA

"LA HISTORIA DE JUANA"

ARTURO BARBA

"SIERRA MADRE: PROHIBIDO PASAR"

ALEJANDRA ZAID

“MAREA DE PASIONES”

FOTO DANIEL ORNELAS

NÚMERO 32 MAY-JUN 2024

AÑO 4

REVISTA DIGITAL

REVISTA CAMEO NOS GUSTA DIFUNDIR LOS PROYECTOS DE CINE, SERIES Y TEATRO AGRADECEMOS EL MATERIAL FOTOGRÁFICO A LAS AGENCIAS DE RP Y A LAS DISTRIBUIDORAS.

EDITOR: CARLOS MORA COLABORADORES: ELIZABETH OSORIO

ALEJANDRA LOMELÍ

FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO

ARMANDO ARMENTA

CINTHYA SALAS

ANGÉLICA RAMÍREZ

UNAMUJER RESILIENTE ANYA TAYLOR-JOY

La actriz protagoniza "Furiosa: una saga de Mad Max", el esperado regreso al icónico mundo distópico. En conferencia de prensa, la actriz habló sobre el universo que George Miller, ganador de un Oscar, creó hace más de 40 años con las películas seminales de Mad Max.

George Miller vuelve a sorprender con una nueva aventura de acción original e independiente, revelando los orígenes del poderoso personaje de "Mad Max: Fury Road". Tras la caída del mundo, la joven Furiosa es arrebatada del Lugar Verde de Muchas Madres y cae en manos de una gran horda de motoristas liderada por el Señor de la Guerra Dementus (Chris Hemsworth). La historia transcurre a lo largo de tres días y dos noches. Furiosa debe superar numerosas pruebas mientras busca el camino de regreso a casa.

"La primera vez que vi 'Mad Max: Fury Road' me enamoré de inmediato. Recuerdo que, cuando estaba en el cine, al terminar la película me levanté y aplaudí. El mundo creado era tan único y arriesgado que me emocioné mucho. Cuando me ofrecieron el papel, comencé a ver todas las películas y visité los lugares donde habían sido rodadas, lo cual tenía un aura mágica", comentó la actriz durante su visita a la Ciudad de México.

¿Cómo fue trabajar con el legendario George Miller?

Si haces una película de Mad Max sabes que será durísimo, pero también increíblemente gratificante. Si no fuera duro, me sentiría de alguna manera estafada. Más que cualquier otro director con quien he trabajado, él pinta cada imagen. Teníamos tres unidades de rodaje todo el tiempo y te juro que cualquier cosa que ves en la pantalla, él la ha diseñado personalmente. Podías hacer 20 tomas de algo y, de repente, él decía: "No, no, está bien, pero necesitas llevar tu casco un poquito más adelante", y lo hacías de nuevo de inmediato.

¿Tuviste miedo?

No tuve miedo, me divertí mucho. Tengo esta peculiaridad de que cuando estoy en situaciones con un poco de peligro, empiezo a reírme, lo cual puede parecer raro para los demás, pero para mí es disfrutar al máximo.

FOTO CARLOS MORA

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¿Cómo fue trabajar con Chris Hemsworth?

Chris es maravilloso y tengo mucha suerte de que nuestra relación en la vida real no sea como la de nuestros personajes, porque paso toda la película tratando de matarlo. Estoy feliz de que no sea así, y Chris es un compañero fantástico.

¿Qué tanto de voz tiene Furiosa? Espero que tenga su resiliencia. Me impactó mucho su historia y espero que también impacte a otros. Esta chica tiene una esperanza imposible de volver a casa, y eso me afectó bastante. No importa cuántas veces te derriben, levántate, porque en algún momento ganarás. Lo que me daba un poco de miedo al empezar la película era que ella es muy silenciosa. Pero George tenía una idea muy específica sobre cómo debía mantener su expresión. Pensaba, y tenía razón, que en el Wasteland cualquier tipo de emoción es una debilidad. Así que solo podía usar mis ojos para comunicarme, lo cual me asustaba un poco como actriz, porque normalmente uso todo mi cuerpo para hacerlo. Pero si vas a dar un salto de fe, no hay mejor persona que George Miller para una película de Mad Max.

¿Qué tan difícil es actuar sin diálogos?

"No importa cuántas veces te derriben, levántate, porque en algún momento vas a ganar"

Actuar sin diálogos no me afecta. Era más sobre usar solo mis ojos, porque tenía que confiar en George para que la audiencia entendiera con solo eso. Gran parte de la película tengo el rostro cubierto, así que solo podía contar con mis ojos, y espero que algo de esa esperanza se haya transmitido.

¿Estás cubierta porque hay mucho polvo, arena, tierra...?

Me encantó, fue tan divertido. Me encanta estar cubierta de sangre. Mi primera película fue "La bruja", así que para mí, eso es lo que significa hacer películas: siempre estar sucia, siempre cubierta de sangre. Para mí es muy divertido.

¿Qué distingue a Furiosa y qué la conecta con otras mujeres memorables en la historia del cine?

La resiliencia: si cada vez que te derriban te levantas de nuevo, en algún momento conquistarás. No puede seguir pasando una y otra vez si siempre te levantas. Creo que eso es algo que las mujeres saben muy bien, y es hermoso verlo reflejado en la pantalla. Tengo tanta admiración por las mujeres que vinieron antes de mí, porque todo el trabajo que hicieron ha allanado el camino para que yo pudiera empezar en el cine.

Por Carlos Mora

ÉPICA BATALLA EN UN MUNDO DISTÓPICO

POR ARMANDO ARMENTA

LA HISTORIA

de la civilización humana dominada por una nueva raza de primates inteligentes tiene aún mucha tela de dónde cortar. Aunque las últimas cintas, la más reciente de 2017, exploran la vida y motivaciones de César, el astuto chimpancé que se rebeló contra los humanos tras una mutación, esta nueva entrega ofrece una trama fresca y con nuevos personajes, pero aún ligada a las trilogías anteriores.

La película nos sitúa en un mundo distópico varias generaciones después de la muerte de César, donde los simios son los nuevos dueños del planeta, las ciudades han sido engullidas por la naturaleza y los humanos son ahora una especie de rango menor y sin capacidad de hablar, con algunas singulares excepciones.

En esta nueva Tierra, lo inevitable termina por pasar: las ideas e impulsos de César —convertido ahora en una especie de mártir— por crear una sociedad igualitaria de simios basada en la máxima “simio no mata simio” terminan por dividirse en varias legiones. Como ha sucedido con las religiones a lo largo de la historia de la humanidad, el sentido de las palabras y objetivos originales se tergiversan y amoldan de acuerdo con el líder en turno.

"El Planeta de los Simios: Nuevo Reino" inicia con el tenso dramatismo de una tribu de chimpancés experta en el adiestramiento de águilas que sufre la destrucción de su aldea y la privación de su libertad a manos de unos simios fieles a un líder

autoritario llamado próximo César, un símil de los antiguos emperadores romanos, expertos en seducir multitudes y hábiles para la guerra.

En cambio, el personaje principal de la cinta, un joven simio llamado Noah, sólo busca recuperar lo que perdió: su familia, sus amigos, las tradiciones de su pueblo y, en el camino y sin quererlo, será parte de un objetivo mayor con la sorprendente ayuda de una humana, Mae, quien guarda más secretos de lo que parece.

Los nuevos escenarios nos ofrecen una mirada a una vida sin nosotros y los personajes —algunos locuaces y carismáticos como Raya, el orangután— amalgaman esta crónica llena de aventura donde el protagonista sostendrá una batalla también entre sus propios prejuicios y la interrogante de en quién confiar y en quién no.

Así, el destino terminará uniendo una vez más los caminos de humanos y simios, en una persecución y, posteriormente, misión para salvaguardar el destino de un planeta que parece estar sumido en una épica silenciosa por tomar —o retomar— el control de la cúspide evolutiva. Esto lleva al conocido refrán “de tal palo, tal astilla”, en una extraordinaria similitud entre los comportamientos humanos y de simios.

La cinta nos conduce por una nueva ruta al futuro de una franquicia y deja la puerta abierta al universo del combate y lucha entre dos especies aparentemente antagónicas pero que, al final, tienen demasiado en común.

JLO HEROÍNADE ACCIÓN

Jennifer Lopez regresa con la película "Atlas", en ella da vida a la agente Atlas Shepherd, una brillante analista que se suma a una misión para capturar a una inteligencia artificial con quien comparte un misterioso pasado y para ello deberá aprender a trabajar con lo que tanto desconfía. Durante su visita a la Ciudad de México, el director Brad Peyton, el actor Simu Liu y la también cantante hablaron en conferencia de prensa sobre los detalles de la producción de Netflix.

Jennifer Lopez: ¿Cómo aprovechas el atlas de emociones y motivaciones para darle vida a tu personaje?

Como actriz, intento encontrar similitudes con experiencias pasadas y usar mi imaginación, especialmente en una película como esta donde hay mucha pantalla verde. Partes de "Atlas" son similares a mí, motivada, fuerte, concentrada y apasionada, pero también hay diferencias. Prepararme para eso fue fácil al aprender de mi vida. Diferentes relaciones y experiencias personales fueron útiles en este proceso.

¿Cuál fue el desafío para hacer escenas en las que eras el único personaje interactuando con la IA?

Fue agotador, como dijo Jodie Foster, requería mucha imaginación. Al principio, pensé que sería fácil, pero fue lo contrario. Estar en un estado constante de adrenalina, como si estuvieras salvando el planeta, fue física y emocionalmente agotador. Caminaba a casa todos los días sintiéndome completamente exhausta.

¿De qué manera crees que Atlas representa a las mujeres actuales que están salvando el mundo?

Desde el principio de los tiempos, las mujeres han estado salvando al mundo. Atlas es un gran personaje debido a su dureza y valentía al enfrentar poderes opresivos. Representa la lucha de las mujeres, así como su vulnerabilidad y dolor. Al final, muestra cómo una mujer puede superar incluso las adversidades más difíciles.

¿Todavía sienten esas famosas mariposas en el estómago cuando trabajan en proyectos nuevos?

Jennifer Lopez:

Independientemente del tiempo que lleve en este negocio, siempre siento la emoción de hacer lo que hago y la bendición de poder hacerlo. Para mí, es un gran privilegio encontrar algo que amé desde muy joven, algo que me apasiona tanto: entretener, actuar, cantar, bailar, producir. Y sí, todavía siento mariposas. De hecho, me siento más en casa, creas o no, en el escenario frente a treinta mil personas que en una sala como ésta. Me siento más cómodo en el set con una pantalla verde detrás de mí, tal vez creyendo que estoy cayendo a través del planeta. Mi adrenalina al cien, actuando de verdad, simplemente poniéndome en otro reino. Supongo que me siento muy cómodo en esas situaciones porque llevo haciéndolo mucho tiempo. "ATLAS" Dónde ver: Netflix

Simu Liu:

Las mariposas nunca desaparecen. Como artistas, encontramos una manera de emocionarnos con ellas, de usar esa energía nerviosa y abrazarla. Algunos de los mejores actores que he conocido y admiro experimentan un terrible miedo escénico, nerviosismo y ansiedad. No es la falta de esas cosas lo que les permite ser grandes, es que las aceptan, las abrazan y las superan.

Brad Peyton:

Soy un director que viene del mundo de la animación. Me siento solo en una habitación y dibujo. Esa es mi experiencia. Entonces, cuando estás en un set con cuatrocientas personas que quieren tu opinión, es estresante, pero solo para agregar a lo que se ha dicho. Creo que esas mariposas están ahí porque te importa mucho. Es una señal de que has invertido mucho y te preocupas, es la preparación de tu cuerpo para derramar tu corazón en algo.

Brad: ¿Qué inspiró al equipo a crear una película centrada en la inteligencia artificial?

Amo la naturaleza, soy un ávido excursionista. Eso me fundamenta. Me gusta estar afuera y solo con mis pensamientos. Me surgieron muchas dudas porque crecí en una zona remota. No me propuse hacer una película sobre la IA. Lo que me atrajo, además de trabajar con Jen, Simu y Sterling, fue el tema de la confianza. La mayoría de las relaciones significativas se basan en el respeto y la confianza, y ganarse esa confianza es difícil. Me fascinó la idea de una mujer que no confía por un trauma infantil, y cómo eso afecta sus relaciones.

MEZCLAN RELIGIÓN Y TERROR

SYDNEY SWEENEY Y ÁLVARO MORTE

La película "Inmaculada", dirigida por Michael Mohan y protagonizada por Sydney Sweeney y Álvaro Morte, aborda temas que tocan las fibras de la fe y las creencias religiosas. Es un thriller de horror que promete mantener a los espectadores al borde de sus asientos. Sweeney interpreta a Cecilia, una joven monja que queda embarazada sin haber mantenido relaciones sexuales, y Morte da vida al Padre Sal Tedeschi, un sacerdote con un pasado en biología que juega un papel crucial en la trama de la película.

¿Creen que hace que esta película sea un clásico?

Sydney: Mi principal y mayor petición era estar empapada de sangre al final de la película. Así que esa fue mi principal petición para la película. Creo que hay tantos elementos que, con suerte, lo convierten en un clásico instantáneo. Quiero decir, es cinematográfico, está bellamente filmado, tuvimos un increíble director de fotografía, Elijah Christian. Álvaro es absolutamente increíble en eso. Estoy muy agradecido de que estés en esta película conmigo. Y simplemente, tomamos mucho de las películas de terror de los 70, como los sobresaltos y los diferentes elementos a lo largo de la película, que queríamos recuperar la nostalgia del terror en esta iteración.

Álvaro: Creo que sí. Sí, bebe del cine de terror clásico de los años 70 y principios de los 80, pero también tiene un giro, un giro moderno, necesario. Creo que es muy importante hoy en día. Entonces, sí, creo que tiene un equilibrio perfecto entre las clases clásicas, el cine y el moderno.

FOTO CARLOS MORA

¿Cómo te preparaste para retratar la complejidad emocional y espiritual de Cecilia?

Sydney: Tengo un proceso para cada uno de mis personajes en el que construyo toda la historia de su vida y su trasfondo en estos libros y creo sus líneas de tiempo, sus recuerdos, sus relaciones, todo para que me permita saltar a la mente de este personaje. No tengo que planificarlo o pensarlo como si supiera cómo esa persona se moverá, sentirá o reaccionará ante algo porque sé quién es esta persona. Para Cecilia, hice eso y fue un viaje increíble verla crecer en la pantalla porque se convierte en un personaje muy activo y fuerte y no te lo esperas porque, al principio, es tan inocente e ingenua. Lo más difícil en realidad fueron las partes técnicas.

Álvaro: ¿Qué pasó cuando te pusiste esta sotana?

Como cualquier actor, me ayuda mucho vestir al personaje y Francesca me ayudó mucho en ese sentido. Me puso una sotana que era casi sexy. Saltar dentro del personaje del Padre Desky fue como una especie de salto al vacío. Estuve muy bien rodeado por todo el equipo allí en Italia. Siendo español, trabajar en Italia es casi como trabajar en casa.

¿Qué les atrajo de sus personajes?

Sydney: Siempre me atraen los personajes y las historias que tienen personajes en los que no puedes confiar o que tienen una batalla emocional con la que están lidiando en su interior. Me encantó este desafío que Cecilia aceptó porque cree mucho en algo y estaba desafiando su propia fe. Es realmente interesante descubrir las diferentes capas de lo que le sucede a una persona cuando aquello en lo que tanto cree comienza a desmoronarse.

Álvaro: Me encantó el guión y me di cuenta de que la película ponía sobre la mesa algunos temas necesarios en la actualidad, como el feminismo y el control sobre el cuerpo de la mujer. Hubo muchas cosas que me interesaron mucho para ser parte de este proyecto, no solo hacer una película, sino también tener herramientas para tener conversaciones importantes.

"INMACULADA"

EL TERROR SE APODERA DE LA FE

POR ARMANDO ARMENTA

CIENCIA

y religión parecen ser polos opuestos en una dualidad que ha puesto a la humanidad en entredicho durante siglos: ¿a cuál recurrir ante el temor, la duda o el peligro? "Inmaculada", dirigida por Michael Mohan, revela algunas pistas para responder esta incógnita. Sin embargo, de manera sorpresiva, propone una reconciliación entre ambas con resultados igual de funestos.

En un convento lleno de monjas retiradas y enfermas, no siempre la búsqueda del bien termina por desencadenar un bien mayor. La búsqueda por recuperar los dogmas perdidos se convierte en el fatal desenlace de algunas novicias que, sin conocer los secretos del lugar, son piezas de un tablero poco ortodoxo manejado por la propia Iglesia, con el dudoso apoyo de la ciencia para "resucitar" la fe en el mundo.

Cecilia, interpretada por Sidney Sweeney, es la protagonista de esta nueva cinta. Se ve atrapada por este maquiavélico proyecto, en el que el mayor peligro no está reflejado por una fuerza sobrenatural, sino que es el terror humano el que desencadena las fuertes dosis de dramatismo y desesperación, provocando una sensación de opresión constante.

La película, además de mostrar una cuidada atmósfera típicamente religiosa y acompañada de planos tan sombríos como barrocos, privilegia la tensión de los momentos cumbres, que no son pocos, y recurre a la imaginación del público para maximizar ese temor.

La verdadera pesadilla no está presente solo en las acciones malvadas y hasta sangrientas que ocurren en un lugar propiamente sagrado, sino que también se encarna en la idea de que "el sufrimiento es amor", un discurso tan polémico y propio de la fe religiosa que está representado en su máxima expresión en la Virgen María y el nacimiento de Cristo. "Inmaculada" presenta una serie de metáforas sobre el libre albedrío, el sometimiento femenino y la devoción. Aunque con una premisa ya conocida, la cinta da un giro de tuerca y propone más preguntas que respuestas ante la eterna disputa del bien y el mal, o visto desde otra perspectiva, la ciencia y la religión.

"Frida se dio permiso a sí misma para expresar sus sentimientos más internos y más íntimos"

Una mirada a la vida personal de la reconocida artista Frida Kahlo es posible a través de sus propias palabras, cartas, diarios personales y materiales fotográficos, presentados por la voz de Fernanda Echevarría.

"Frida" es dirigido por Carla Gutiérrez, "este es mi primer documental como directora, pero también lo edité. He sido editora de documentales por muchos años, pero fue la historia de Frida la que me llamó. Soy peruana e inmigrante en Estados Unidos", comentó la realizadora.

Este trabajo audiovisual de 87 minutos toma un camino completamente diferente al resto de documentales sobre Kahlo al presentar un tono más íntimo, retomando sus sentimientos, pensamientos y reacciones ante las situaciones que vivió, más allá del accidente. Además, este documental presenta animación lírica de las obras de Frida para destacar los sentimientos en su obra artística y servir como apoyo visual a la narrativa.

¿Dónde nace esta motivación de querer hacer este documental?

Mi conexión con Frida nació hace muchos años, pero no me hace única o especial en el mundo. Creo que hay millones de personas que la encuentran, se obsesionan y la buscan. La descubrí cuando tenía 19 años y era una joven inmigrante en Estados Unidos. Vi su primera pintura en un libro mientras trataba de distraerme de tareas en la biblioteca de la universidad. La pintura, que aparece en la película, muestra a Frida parada entre Estados Unidos y México. Como inmigrante reciente, mis ideas sobre Estados Unidos no eran siempre positivas, y al extrañar mi cultura, ver esa imagen me hizo sentir identificada. Reflejaba mis emociones. Ese fue el comienzo de mi obsesión. Leí mucho sobre ella y conocí todos los detalles de su vida. Al madurar, seguí conectando con distintas pinturas. Encontré un refugio en su arte.

Cuéntame un poco de tu experiencia.

Tenía bastante experiencia dándole vida a personajes históricos, especialmente a mujeres importantes como la jueza de la Corte Suprema de Estados Unidos, Ruth Bader Ginsburg. Trabajé en un documental sobre Julia Child, la famosa chef en Estados Unidos. Así que ya tenía experiencia trabajando con material de archivo y dándole voz a estos personajes. Esto me dio la confianza de poder crear esta historia de la manera que lo hice. La motivación vino al ver que existía el testimonio que Frida nos dejó y que ella misma podía contar la mayoría de su historia.

¿Cómo fue conseguir todo ese material históricos?

Diego Rivera otorgó los derechos del arte de él y de Frida, así como sus escritos, a un fideicomiso manejado por el Banco de México. Esto permite que haya tantas historias y versiones de Frida en diversas películas y documentales. Cualquier artista puede ir al fideicomiso y solicitar permisos. La investigación fue grande, no solo encontrar todas las imágenes de Frida, sino también utilizar casi todo el metraje existente de las películas de Frida, que quizás suman solo tres o cuatro minutos.

Sobre la idea de la animación, de dar vida a las pinturas.

La idea de la animación es cómo entramos en el corazón del artista, cómo exploramos internamente este mundo tan íntimo. Frida nos dio esto en sus escritos. Decidir animarlos fue una decisión costosa que tomamos desde el comienzo. La animación cuesta y tienes que planear tenerla en tu presupuesto. Pero quería que ese mismo sentimiento que la gente tiene al ver las pinturas en un museo se trasladara a la pantalla grande. Quería enfocarme en el contenido emocional de cada pintura y guiar los ojos del espectador para que la historia siguiera moviéndose.

Por Carlos Mora

GERARDO DORANTES BUSCADOR DE HISTORIAS

"Correr para vivir", ópera prima del realizador Gerardo Dorantes, es un proyecto que retrata la vida de dos hermanos completamente diferentes, su vida en la Sierra Tarahumara en Chihuahua y los grupos delictivos que amenazan la región.

Alista tus pies, agudiza tus sentidos y no pares de correr.

Homero y Capó son dos hermanos que trabajan en el campo de su familia y en sus tiempos libres entrenan un deporte común entre los rarámuris: correr. Su habilidad para recorrer grandes distancias atravesando los sinuosos caminos de la Sierra Tarahumara llamará la atención de uno de los entrenadores más importantes del mundo, pero también de un grupo de narcotraficantes que ve la oportunidad perfecta para pasar droga por la frontera. Una competencia contra el peligro que pondrá en juego su destino, la fraternidad, el honor y la familia.

¿Cómo nace el guion?

Tenía conocimiento sobre la Sierra Tarahumara, pero no a profundidad. Me llamó tanto la atención que me puse a investigar y, pues bueno, fue inevitable empezar a darme cuenta del otro lado de la moneda, de las condiciones en las que viven, de la pobreza extrema, que cada vez que hay una sequía o una helada, se les queman sus cultivos y ellos sufren. Aprovechaban de esta extraordinaria capacidad que tienen para correr largas distancias para reclutarlos y ponerlos a correr como mulas, cargados con mochilas de droga para atravesar la Sierra Tarahumara y llegar a la frontera con Estados Unidos.

¿Cómo fue hacer esta ópera prima?

Estoy muy agradecido, porque con todas las adversidades y las dificultades y complejidades que implica hacer una película, y además de este calibre, la verdad es que en retrospectiva tal vez hubiera escogido una película menos compleja y menos ambiciosa para una ópera prima. Sin embargo, uno no escoge las ideas, las ideas como que te escogen a ti; te llegan de algún lado después de haber visto una canción, una imagen, de haber leído algo. Esta historia la abordé con mucha responsabilidad, tratando de contarla de la manera más honesta posible, de la manera más objetiva y realista.

¿Cómo fue grabar en la Sierra Tarahumara?

La sierra se ve maravillosa e imponente, pero también es áspera, compleja y profunda. Son grandes distancias de un lado a otro y la variación de clima puede ser de hasta 50 grados. Para filmar en estas condiciones se necesitan equipos muy unidos, muy efectivos, muy fraternales y dispuestos a hacer todo el uno por el otro.

¿Esta película nos lleva a Chihuahua, una historia que se ve en el país de otra forma?

México es más que la Ciudad de México. Yo soy un buscador de historias y en el resto del país lo que sobra son historias. Las historias te encuentran o tú las encuentras. Filmar en otros estados, en la naturaleza, en exteriores, es una aventura maravillosa, inigualable por las experiencias y vivencias, estar tanto tiempo fuera de casa en esas condiciones extremas te marca de por vida. Esta historia se desarrolla y se filmó en Chihuahua, pero también en Hidalgo, que es otra sierra.

¿La película toca un punto importante que es el narcotráfico?

El cine y todas las artes son un reflejo de cómo está la sociedad, es un reflejo de la problemática diaria. Nosotros como artistas, como creadores, como realizadores, estos son los temas que nos preocupan. No quiere decir que solo contamos esas historias, para nada. No es una película de narcos, no es una apología, y tampoco es una película puramente de rarámuris o de tarahumaras. Esta es una película que habla de la hermandad, de valores universales como la lealtad, el cariño fraternal entre hermanos, la búsqueda de los sueños, la superación personal y el sacrificio del ser humano por lograr sus objetivos. La película busca enaltecer el espíritu humano, poniendo en evidencia que cuando hay fuerza de voluntad, agallas, determinación real, un objetivo y pasión, los sueños son posibles.

POR ARMANDO ARMENTA

¿QUÉ PODRÍA

ser peor para una madre que saber que el hijo que lleva en su vientre está destinado a ser un engendro terrible y lleno de maldad? Solo una intensa agonía describiría una situación así, y esa es la cuestión que plantea una de las cintas de terror más esperadas de este año, “La primera profecía”.

Con la principal y temible premisa de que “Lo que hacemos no siempre es agradable, pero es en nombre de Dios”, la nueva producción —precuela de la película “La profecía” de 1976— indaga en las entrañas de la Iglesia Católica y busca horrorizarnos con los hechos de lo que es capaz su oculta y oscura intención.

Ambientada en la Roma de los años 70, cuando la capital italiana vivía momentos de protestas y agitación social, la cinta explica los eventos que llevaron al nacimiento de Damien Thorn, quien es considerado el Anticristo. La nueva entrega supone la expansión de una franquicia que, apoyada en el horror sobrenatural, logró un amplio reconocimiento del público, al igual que “El bebé de Rosemary” y “El exorcista”, otras cintas icónicas del género.

La protagonista de esta nueva entrega, una joven estadounidense que busca servir fielmente a la Iglesia, descubre que la vida en el convento donde reside no es una experiencia del todo tranquila, sino que está llena de eventos inexplicables y de alta tensión dramática.

La historia, que no solo guarda una íntima relación con “La profecía”, sino con sus consecuencias directas, muestra que el terror puede encontrarse en los lugares más insospechados, desenmascara las verdaderas intenciones de una institución como la Iglesia e incluso cuestiona el rol de la maternidad en su sentido más profundo.

La ópera prima de la directora (Arkasha Stevenson ) lleva el horror al límite y convierte lo que suponemos debería protegernos, en una amenaza. Orar sirve de poco en una cinta que se ocupa de mantener la tensión con escenas potentes e impactantes, permitiendo una inmersión más profunda en Damien Thorn y su origen desprovisto de bondad.

"LA PRIMERA PROFECÍA"

EL HORROR ESTÁ EN TODAS PARTES

"CORRER PARA

VIVIR" UN PASO ENTRE SUEÑO Y CONDENA

POR CINTHYA SALAS

LA ACCIÓN no es exclusiva de los hombres trajeados, de la capital del país, ni de la alta tecnología. Un ejemplo de ello es Correr para vivir, una historia que muestra que dicho género está presente en todas las latitudes de México. Así, la ópera prima de Gerardo Dorantes transforma una posibilidad esperanzadora en una dolorosa cadena perpetua, una ruta sin retorno cuya meta se aleja a cada paso.

En la Sierra Tarahumara en Chihuahua vive Homero, un joven de familia campesina cuyo sueño es ser corredor de maratones y ser instruido por uno de los mejores entrenadores del mundo; mientras que Capó, su hermano mayor, busca la comodidad y la vida fácil a pesar de poseer un potencial talento para las carreras. Ambos hermanos, rarámuri de nacimiento, se balancean entre el trabajo en la cosecha y las habituales corridas indígenas.

Este último proyecto de Varios Lobos, la casa productora detrás de títulos como "Selva trágica" (2020), integra poco a poco las contrastadas personalidades y caminos de vida de los protagonistas, interpretados por Vladimir Rivera Mata ("Narcos: México", 2021) y Manuel Cruz Vivas ("Radical", 2023). Capó recibe y rechaza la anhelada oferta de entrenamiento internacional por miedo a lo desconocido y opta por el dinero fácil al servir de “mula” para el narcotráfico; mientras tanto, Homero se aferra a su meta y busca convencer al entrenador estadounidense de darle una oportunidad.

Oculta entre la selva y llanura retratada por Emiliano Villanueva ("Una película de policías", 2021), esta historia evidencia la capacidad del crimen organizado para adaptarse y encontrar nuevas formas de mecanizar sus métodos. Aquí, la popular habilidad de los rarámuri de recorrer grandes distancias adquiere una capa nunca antes vista: la criminal.

La propuesta ficcional logra adentrar al espectador en los parámetros generales de esta comunidad indígena en la contemporaneidad, al mostrar la ubicación geográfica, la lengua, las costumbres y las creencias de los personajes, sin dejar de lado los riesgos modernos que acechan a lo ancestral, como el uso de calzado deportivo de última generación, la aparición de ciertos aparatos electrónicos y, sobre todo, ese pensamiento capitalista de industrializar cualquier tipo de producto sin importar el precio.

Experimentado en la producción, Gerardo Dorantes hace su debut en la dirección de forma tan óptima como arriesgada al alejarse de la gran ciudad y al apostar por el desarrollo de una trama en un contexto muy específico. La intriga y la acción se mantienen constantes a lo largo de los 97 minutos de la película, una duración poco común en las producciones coetáneas.

Con persecuciones bien estructuradas, diálogos verosímiles y una secuencia de entrenamientos en la sierra que emociona y recuerda al entrenamiento de Daniel Larusso en "Karate Kid" (1984), pero muy a la mexicana, "Correr para vivir" es una película confortable, por entretenida, que vale la pena revisitar varias veces.

En "V de Víctor" la comedia se centra en las situaciones de los personajes y las relaciones interpersonales. Es una historia familiar, divertida y refrescante que tocará los corazones de todos los espectadores.

MEMOVILLEGAS, ENLOSGUANTESDE UNBOXEADOR

"V DE VÍCTOR", un nuevo filme protagonizado por Memo Villegas, da vida a un boxeador. "Estoy muy emocionado y contento con este proyecto, me siento como un Rocky Balboa", comentó en entrevista el actor.

En la película, Víctor (Memo Villegas) es un exboxeador cuya carrera se vio truncada por un golpe desafortunado. Desde entonces, ha trabajado en diversos empleos para sobrevivir, mientras vive con su madre Marisol (Norma Angélica). Todo cambia cuando su hija de ocho años, Luna (Camila Núñez), descubre en internet que su padre fue una vez un famoso luchador. Decidida a cambiar su destino, Luna emprende la misión de devolver a su papá al ring, enfrentándolo nuevamente a su antiguo rival y leyenda del boxeo, "El Toro" (Maravilla Alonso).

De los boxeadores, ¿cuáles fueron tus referencias?

Varios, entre ellos Juan Manuel Márquez, el Travieso Arce y, fuera de México, Floyd Mayweather y Manny Pacquiao, porque son expertos en boxeo. Me gusta mucho ver boxeo. La referencia a Rocky es porque, al final de cuentas, estamos en una película. Si alguien me quiere comparar con Rafael Márquez, jamás me voy a ver como él habiendo entrenado solo cuatro días. Mi mayor admiración es Rocky Balboa (Sylvester Stallone).

¿Cómo fue trabajar las coreografías?

Las coreografías las planteó el especialista, en este caso, entre lo que Frank, el director, quería y lo que los especialistas Jonathan y Javier sabían. Siempre me apoyé en ellos para ver cómo se iba a ver mejor, qué golpe se vería más impresionante y qué era más real. Se coreografía todo, se platica entre los involucrados y lo que el director quiere, y se repite una y otra vez.

¿Cómo fue trabajar con Jonathan "Maravilla" Alonso?

Además de ser boxeador y mi contrincante en la película, fue mi coach. Él y Javier, su coach personal, fueron mis entrenadores y muy amorosos. Fue un gusto que me entrenaran así para algo. Generalmente, me ha pasado con algunos dobles que, como son especialistas, se ponen un poco especiales. Pero Maravilla fue amoroso y positivo desde el principio, echándome porras. Eso ayuda un montón.

¿Cómo fue trabajar con César Bono, Joaquín Cosío, Norma Angélica, entre otros?

Con Joaquín ya había trabajado y es amigo. Con Norma Angélica ha sido mi mamá en diversos proyectos y eso está padre. Estar en esa alineación con esos cracks, que además vi actuar antes de decidir ser actor, es una joya. Todos venimos del teatro: Paco, Joaquín, Norma y yo. La historia de Pocholo, César Bono, gente con la que ya hemos trabajado y hemos cargado escenografías y cables. Eso se ve.

Camila Núñez, que tiene un angelote. ¿Cómo es trabajar con niños?

Cuando trabajo con niños y más si van a ser mis hijos en la ficción, trato de involucrarme con ellos fuera del set. Me acuerdo que a Camila, el día que la conocí, le pregunté a sus padres en la prueba de maquillaje si me permitían acercarme a ella todo el tiempo como si fuera su papá, para que no se sacara de onda. Si íbamos caminando por un helado y yo la abrazaba, la cargaba, ellos estaban de acuerdo. Siempre le preguntaba qué la hacía sentir bien y cómoda. Camila estuvo siempre abierta a generar ese vínculo, lo que aligera todo y ayuda a proponer más en el set. Me gusta de la peli que hay momentos donde pude sacar ese lado paternal tierno, profundo. Hay una escena en la que el papá le habla a Luna de los miedos y las heridas antes de dormir. Esa escena me gustó mucho.

¿Y de trabajar con Frank Ariza? También ha hecho varias películas. ¿Cómo fue rodar en España?

Rodar fuera del país, saber que iba a ir a Europa a filmar, es indescriptible. Viajar por trabajo es de las cosas más bonitas de mi profesión. Tanto en cine como en teatro, salir de gira o rodar fuera es muy chido. Frank y yo tuvimos mucho contacto desde el principio y ya en rodaje me dejó hacer todo. Me dio libertad total. Era muy claro con lo que necesitaba ver, lo que acelera los procesos de filmación. Cuando un director tiene claro lo que quiere, desde el storyboard en su cabeza hasta lo que le pide al actor, todo es más fluido.

Platicamos con el director Enrique

Vázquez y los protagonistas

Regina Blandón y Leonardo Ortizgris de la cinta "Firma aquí".

LAMOR

a ópera prima de Enrique Vázquez se trata de una comedia romántica futurista. La cinta transcurre en un futuro cercano, donde se comprueba científicamente que el amor para toda la vida es imposible. Por eso existe 4EVER, una empresa que permite firmar con una pareja perfecta por el tiempo exacto que dura el amor en los seres humanos: 4 años. Así, Fran (Regina Blandón), después de varios contratos, conoce a Roque (Leonardo Ortizgris), con quien experimenta una sensación nunca antes vivida en ninguno de sus contratos previos.

Enrique, ¿cómo te sientes con tu ópera prima?

Me siento muy bien. Quería contar esta historia desde algo muy personal: mi miedo al compromiso y mi optimismo cauto sobre el futuro. Crecí con la idea de que el amor tiene que durar toda la vida, y si no, es un fracaso. Mucha gente de mi generación lo vivió así. Sin embargo, también he visto amigos que se casan y, después de dos o tres años, se separan. Esta historia refleja mis dudas y las de mucha gente. Trabajar con Regina, Leo y el resto del elenco fue maravilloso porque todos nos hemos hecho estas preguntas. Además, abordar el futuro en México es un reto, pero imaginamos una sociedad diversa e igualitaria donde todos podamos identificarnos, divertirnos, reír y llorar.

Regina, tu personaje Fran tiene mucho de ti. ¿Qué tanto te identificas con ella?

Sí, Fran tiene mucho de mí. Crecí en un contexto familiar conservador y siempre he cuestionado las cosas. Mi abuelo no entendía que quisiera ser actriz. Me identifico con Fran en que siempre busca ser honesta consigo misma y con los demás, y no se conforma con estar en un lugar donde no es feliz. Este personaje llegó a un lugar muy especial en mi corazón porque me hizo cuestionar cosas y abrir conversaciones importantes.

FUTURISTA

Leo, ¿cómo te sientes de regresar a una comedia romántica?

Estoy muy contento y emocionado. Me alegra que Enrique me invitara a participar en este proyecto porque no siempre me ofrecen comedias. Me tienen encasillado en papeles serios. Disfruté mucho hacer esta película. Ya conocía a Enrique desde "Conoce a Tomás" y confié en él. La premisa de que el amor dura cuatro años me pareció fascinante. Roque es un personaje atrapado por la tecnología, lo que lo hace menos humano hasta que conoce a Fran, quien lo hace redescubrir el verdadero amor. Fue un encuentro muy divertido y de mucha investigación.

Enrique, ¿por qué apostar por la ciencia ficción?

Fue una decisión orgánica. María y yo pensamos que esta historia no podía contarse en el mundo cotidiano, así que la proyectamos al futuro. Siempre me han dicho que hacer cine es difícil, pero hay que empujar la barrera de lo posible y hacerlo creíble.

Leonardo: No faltan ideas en nuestro país, sino el apoyo a nuevas narrativas. Sí, en México hay grandes narrativas, pero falta apostar por ellas. Muchos prefieren lo probado y reciclado. Las series están volviendo a la telenovela y melodrama, hablando de familias ricas y los pobres envidiosos. No es porque falten guionistas, sino porque no se arriesgan a nuevas narrativas, creyendo que no interesan a los mexicanos.

Regina, Leonardo, ¿qué necesitan para decir sí a una historia y a un director que hace su primera película?

Regina: Desde que leí el guion y conocía a María y Enrique por la película "¿Conoces a Tomás?", me encantó. Pensar en mí para una historia diferente es muy especial. Busco historias que muevan cosas y nos hagan cuestionarnos.

Leo: Las óperas primas tienen un compromiso especial. Me conmueve que los directores confíen en mí para cumplir su sueño. Me gusta arriesgarme a nuevas historias hechas con corazón. Aunque es más cansado, es muy nutritivo y nunca he tenido una mala experiencia con una ópera prima.

Por Carlos Mora

PLASMO LO QUE SIENTO

EN EL MOMENTO: SAINTE-LUCE

"Amor y Matemáticas", dirigida por Claudia Sainte-Luce, nos lleva a la ciudad de Monterrey, donde Billy y Mónica, interpretados por Roberto Quijano y Diana Bovio, protagonizan una historia de redescubrimiento en la mediana edad. La película ofrece una mirada entrañable y cómica a las aspiraciones y dinámicas sociales de un estrato social en la ciudad del norte del país.

¿Cómo es que decides hacer esta película?

Adriana Pelusi fue mi compañera en el taller de Paula Markovitch. Cuando yo estaba escribiendo "Los Insólitos Peces Gato", ella estaba escribiendo esta película. Había muchos caminos para producirla, pero siempre querían cambiarle el guion. Siempre he creído que si te vas a meter en algo que no escribiste, tienes que respetar el trabajo de quien lo hizo. Con Adriana sentí eso y por eso me animé, porque conocía muy bien el proyecto y me gustaba ese tipo de humor.

¿Te gusta que haces esta crítica hacia la sociedad?

La sociedad impone muchas cosas, como casarse a cierta edad, adquirir una propiedad para no pagar renta, tener hijos, y los sueños quedan de lado. El personaje, de alguna manera, es muy adolescente en su forma de vivir la vida porque la adultez le ganó. Cuando Mónica, la presidenta del club de fans, regresa a su vida, lo hace replantearse si ha cumplido lo que quería o no.

¿Cómo fue trabajar con Roberto y Diana en esta película?

Lo principal es no juzgar. Hay mucha gente que dice "estos actores son de series", "estos son de películas de comedia", "esta es de teatro". Mi trabajo es ver dónde hay oro puro y sacarlo. La relación entre director y actor se ha perdido; ya es una cosa de "aquí te paras y dices tus líneas". He visto a Diana en muchas cosas y aunque algunas no me gusten, veo una actriz muy buena. Quería trabajar con ella para entablar un diálogo, porque eso es importante para mí. Con Roberto, después de muchos castings, supe que era él después de verlo cantar e improvisar en un karaoke. Era importante que todos fueran regiomontanos para mantener el acento local, aunque Roberto es de Guadalajara. Ensayamos mucho para relajarlos y eliminar los vicios de repetición que los actores suelen tener.

¿Cómo es trabajar con actores naturales y profesionales?

Creo que es lo mismo porque somos seres humanos con diferentes campos afectivos. A veces, trabajar con actores que no han estudiado tanto es mejor porque no tienen tantas ideas preconcebidas. Las ideas preconcebidas pueden aplastar la emoción y hacer que una actuación parezca muy actuada. Lo que está bien actuado es simplemente estar presente y permitir que el entorno y los otros actores te afecten. Muchos actores no se permiten afectarse porque están pensando en cómo se ven o en su siguiente línea. Eso es peligroso. No digo que unos sean mejores que otros, pero la autenticidad es crucial.

¿Cómo manejas el proceso de escritura y producción?

Escribo lo que siento en el momento: emociones fuertes, ansiedad, miedo, dolor. En este caso, la frustración de Billy. Si es tardado encontrar el dinero, siempre creo que el impulso de tener algo atorado me hace querer que el proceso sea lo más corto posible. Cuando una película tarda mucho en levantarse, algo se pierde. He aprendido, tras muchas puertas cerradas y fracasos, que el trabajo y el éxito están en el proceso. Si la película va a un festival o se estrena con éxito no depende de mí. Prefiero poner mis ojos en seguir trabajando y controlar lo que puedo.

Por Carlos Mora

"AMOR Y MATEMÁTICAS"

EL DESEO DE HACERSE ESCUCHAR

POR FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO

CUANDO

era un jovencito, Billy Lozano (Roberto Quijano) formó parte de una Boy Band llamada Equinoccio, al lado de la cual pudo probar las mieles del éxito, aunque este último resultó ser muy fugaz.

Años más tarde, la vida de Billy ha cambiado. Ahora es una persona en sus treinta, vive en un fraccionamiento un tanto exclusivo, de casas hechas con un diseño homogéneo e impersonal. Contrajo nupcias con Lucía (Daniela Salinas) y tienen un bebé. Y ahora su existencia es rutinaria y común, cuidando a su vástago mientras su esposa trabaja a tiempo completo, mientras él se debate en iniciar o no un negocio propio al lado de su hermano, y en sus ratos libres mata el tiempo jugando PlayStation. Todo pareciera indicar que sus días como artista han quedado atrás.

Pero el otrora cantante dista de estar satisfecho con su nueva forma de vida, y se ha vuelto una persona taciturna y un tanto melancólica, a quien le incomoda hablar de su pasado como estrella pop, especialmente cuando alguien en la calle o en el súper lo reconoce; o cuando Lucía lo saca a colación en alguna comida con sus amigos o vecinos. Y le irrita sobremanera la atención que esta última le pone a Lucas, su pequeño pero escandaloso e hiperactivo perro, al cual mima y trata como si fuera un hijo y no una mascota. Es evidente que Lozano no es feliz con el rumbo que las cosas han tomado, ni con la existencia que lleva.

Cerca de su hogar se mudan un matrimonio: Chema (Jorge Alberto Silva) y su atractiva aunque algo reservada cónyuge Mónica (Diana Bovio). Aunque Lucía siempre muestra suspicacias en torno a sus vecinos (argumentando que pueden ser narcotraficantes), decide invitar a los recién llegados a una parrillada en su casa. Y allí se revela no sólo que Mónica fue fan de Billy y de su grupo juvenil -e incluso aún se sabe las letras y las coreografías de

las canciones-, sino que todavía conserva un álbum de recortes con imágenes, dibujos y cartas de amor que le dedicaba a él. Y es notorio además que hay una fuerte atracción entre ambos. Esta revelación junto con el hecho de que Lozano, de manera intencionada, extravía a Lucas, serán detonadores de una serie de cambios en su vida; donde además de iniciar una relación profunda (e íntima) con Mónica, decidirá desempolvar su guitarra, y retomar su carrera artística, ahora en faceta solista, y ver si aún es posible alcanzar sus sueños personales, y si tiene el suficiente talento y capacidad para conseguirlo.

Amor y matemáticas es una comedia inteligente y de gran sensibilidad, con la cual su directora Claudia Sainte–Luce se aparta un poco del tono de sus trabajos previos, aunque ello no significa que los temas que le atraen como autora no estén allí: el hastío, las dinámicas familiares (a veces divertidas, otras complicadas), y sobre todo, la sociedad y sus convenciones muchas veces cuestionables. En este caso específico, retrata con agudeza y precisión, a la sociedad de clase media alta del norte de nuestro país. Especialmente lo que para ellos representan conceptos como la felicidad y la autorrealización.

Y este análisis pasa a través de su personaje central, quien hasta su edad adulta comienza a aprender que esos conceptos no son sinónimos de fama y riqueza material, sino que realmente emanan de hacer lo que a uno le satisface y de expresarse libremente, sin importar si quienes le rodean están de acuerdo o no con ello. Y en el fondo, lo único que Billy desea es que lo escuchen, se trate de una persona (como es el caso de Mónica), o de un público atento (sin importar la cantidad de espectadores). Y que a través de lo que tiene que decir (ya sea en palabras o en versos de canciones), lo conozcan mejor, y sepan no lo que fue, sino lo que es ahora. En el fondo, su búsqueda es la de cualquier ser humano sensible, con ansias de libertad, y luchando por evitar hundirse en una existencia rutinaria y conformista.

"CARNADA": MALAS DECISIONES QUE CUESTAN MUY CARO

POR ARMANDO ARMENTA

CUANDO "Tiburón", la primera película en superar los 100 millones de dólares en taquilla, debutó en las pantallas en el verano de 1975, pocos esperaban que se convirtiera en un éxito del cine de suspenso estadounidense.

Aún después de tantos años, la fama de esa producción continúa en nuestros días, exponiendo los miedos más profundos del ser humano: lo desconocido, representado por las vastas aguas marinas, y lo indomable, personificado en la forma del tiburón.

"Carnada", dirigida por Hayley Easton Street, sigue una trama similar a ese primer éxito veraniego, narrando la historia de cinco amigas que, antes de una noche de bodas, deciden ir a una isla remota para celebrar y disfrutar de los paradisíacos paisajes del lugar; un primer error.

La desventurada historia comienza así con una serie de sucesos que podrían atribuirse a la mala fortuna, sin embargo, las protagonistas se encargan de cargar de culpa y responsabilidad cada uno de estos hechos, probando que el dicho "divide y vencerás" también juega a favor del destino. Con el encuentro de una de ellas con un tiburón, la tragedia se va dilucidando para todas: la que propuso acudir a la isla, la que no sabe nadar, la que debe ir en busca de ayuda...

Aunque el tiburón tiene poco protagonismo en la pantalla, su presencia sirve de andamiaje para que toda esperanza se vaya perdiendo, mostrando tanto las fortalezas como las debilidades de las náufragas, y sacando a relucir lo que cada persona haría para sobrevivir o rescatar a quien ve más indefenso.

Las escenas vertiginosas, los gritos, la sangre y el suspenso que a ratos llevan la película hacia el esperado final también se convierten en un elogio a la supervivencia humana y al enfrentamiento con una naturaleza cruel, a la que, en la actualidad, pocas veces nos enfrentamos en el día a día.

ALIENTA PARA LUCHAR POR LOS SUEÑOS

Michelle Rodríguez protagoniza la película "Canta y no llores", dirigida por Félix Sabroso. En entrevista con la Revista Cameo, la también cantante habló de los desafíos de interpretar a Beli, una mujer que lucha por cumplir sus sueños en la música

"CANTA Y NO LLORES" es una comedia vibrante que presenta a cuatro mujeres decididas a enfrentar conflictos personales y familiares. La película demuestra que, con amor, un toque de sazón, música y risas, todo es superable. Protagonizada por Consuelo Duval (Pepa), Michelle Rodríguez (Beli) y Patricia Maqueo (Lucía), junto con la actriz dominicana Lumy Lizardo (Caro), nos lleva en un viaje encantador y divertido donde Beli busca cumplir sus sueños en una tierra extranjera.

Michelle, ¿cómo te sientes con esta película? Estoy muy contenta. Volver a trabajar con Frank Ariza, a quien admiro mucho, él tiene esta hambre de contar historias diferentes, de sacar las locuras de su cabeza y hacerlas tangibles. Eso es digno de admirar y digno de aplaudir. Además, se ha generado una amistad muy linda. Lo quiero mucho. Me ha apoyado en momentos bastante complicados, fuera de las cámaras. Espero que sean muchos más proyectos, y estoy infinitamente agradecida porque no solo me ha sacado de mi país para trabajar, sino también me ha sacado de la caja de juguetes en donde estaba, porque ahora estoy cantando, ahora soy una Beli (mi personaje) con el pelo rubio, con el pelo rosa, que a veces no te dan la oportunidad todos de hacer personajes así.

Beli, tu personaje persigue sus sueños, ¿te sentiste identificada con ella?

Soy una ferviente creyente de que hay que soñar en grande y hay que trabajar mucho porque cuando menos te das cuenta, ya estás dando entrevistas de una película que fuiste a grabar a otro país. Sí hay que dar pasos firmes, sí hay que soñar en grande y, sobre todo, no desanimarse. Creo que la cosa con Beli es que no renuncia a su sueño no desde una frustración o no desde una limitación, sino desde un compromiso que ella tiene con su familia.

Hablabas sobre las culturas también. Es muy enriquecedor verlo también en pantalla. ¿Cómo fue trabajar también con talento de República Dominicana?

Es muy padre. Primero porque aunque todos estamos jugando el mismo juego, cada uno tiene una manera distinta de hacer nuestro cine. Ya tuve la oportunidad de conocer un poquito de cómo se hace en España cuando fui a hacer "Con los años que nos quedan". Y ahora en República Dominicana, donde es una industria relativamente nueva y donde todos son respetuosos, no se meten en el trabajo de los demás. Algo que disfruto mucho del cine, del teatro y de la televisión es que somos un engrane y que si el otro está haciendo bien lo suyo, hará que lo tuyo también funcione. Aprender de eso es siempre muy bello.

¿Cómo te sentiste al cantar en esta película?

La más dichosa, me hace muy feliz poder cantar en el cine y cantar canciones mexicanas con un toque de merengue, la música rompe fronteras es todo. Creo que es uno de los idiomas que más nos representan en el mundo. Una anécdota chistosa, porque en una de las escenas que grabamos, los músicos pues eran músicos, de pronto era como, ¿estás cantando tú? ¿pero por qué cantas merengue si eres mexicana? O ¿por qué en México también nos gusta el merengue? ¿Y por qué sabes bailar merengue si eres mexicana? Ah, porque en México también bailamos merengue, ¿sabes? Entonces, eso es muy bonito. Y ya después, primero están como un poco reacios, y luego ya estábamos cotorreando, porque la música es la música. Y nos hace brincar el hombrito y el corazón.

¿Cómo te sentiste al trabajar en República Dominicana?

Estamos aprendiendo siempre del de al lado y reconociéndonos con el de al lado y cuando te das cuenta de que la diferencia solo la hace a veces el acento o el color de piel o la localización geográfica, porque hay cosas que nos mueven a todos. O sea, estas tres mujeres son sí muy mexicanas y están muy arraigadas a la cultura mexicana, pero también allá pasa.

Patricia, estas dos maestras, Consuelo y Michelle, te están dando una lección de cómo soñar en grande. ¿Qué has aprendido de ellas?

Siento que nos queremos comer al mundo en un bocado y nunca disfrutamos del proceso de vivir experiencias para llegar a donde queremos llegar. También es un ámbito en el que siempre estás aprendiendo de alguien más. En esta película, nunca me imaginé hacer algo que tal vez estuviera más centrado en la comedia, nunca me imaginé tal vez trabajar con Michelle y con Consuelo y tener esta oportunidad de aprenderles, conocerlas y que se hicieran parte de mi vida. Siento que todo es parte de un proceso y que toda la gente que conoces, sea buena o mala para tu vida, siempre te va a dejar una enseñanza, ya sea lo que sabes que quieres en tu vida o lo que no quieres.

¿Para ti, cómo fue grabar en República Dominicana?

¡Increíble! La verdad es que yo aprovechaba mis descansos de un día e intentaba conocer todo lo que pudiera. La verdad es que es un país padrísimo. Nosotras grabamos en Santo Domingo y la verdad es que ver el choque, el cambio de culturas es impresionante. ¡Las fiestas son en las calles y todo el mundo se va a la calle a bailar! O pasas por el centro de Santo Domingo y hay personas con su puro, fumando puro, jugando dominó en medio de la calle, ¡y es impresionante! Viví experiencias increíbles.

Por Carlos Mora

"EL GUARDIÁN DE LAS MONARCAS" es un documental de investigación que sigue la vida y desaparición de Homero Gómez González, reconocido ambientalista y defensor del Santuario de la Mariposa Monarca en Michoacán. La película expone cómo los intereses del comercio internacional, el crimen organizado y la corrupción se entrelazaron en su trayectoria. Dirigido por Emiliano Ruprah, de Fina, quien ha colaborado con National Geographic, Discovery, entre otros, este escritor también se enfoca en culturas y especies en peligro de extinción, el medio ambiente y la guerra.

MARIPOSAS MONARCA EN PELIGRO LATENTE

¿Cómo surgió la idea de este documental y cómo encontraste esta historia?

Conocí a Homero en 2017 mientras filmaba otra película que incluía una sección sobre las mariposas monarca, justo en el bosque de las monarcas en el Rosario. Homero fue nuestro asesor, nos llevó a ver las mariposas y nos dio varias reglas sobre cómo comportarnos: no afectar su comportamiento, no dejar huellas en el bosque, no traer basura. Era como el protector de ese santuario. Me pareció una persona carismática, muy interesante, con una conexión especial con las mariposas. Tres años después, cuando recibí la noticia de su muerte, surgieron varias sospechas y discusiones en línea sobre las circunstancias sospechosas en las que encontraron a Homero. Sentí un gran interés en contar su historia, principalmente porque era una figura importante, un icónico ambientalista del país. En 2022, cuando se anunció que México era el país más peligroso para los ambientalistas, supe que era crucial contar una historia sobre este tema. Así que empecé a hablar con la familia, a entrevistarlos, y formamos un equipo para hacer el documental. La colaboración con Netflix se concretó rápidamente.

¿Cuánto tiempo te llevó hacerlo?

Casi dos años. La investigación fue exhaustiva y llevó mucho tiempo, especialmente porque estábamos tratando con la posibilidad de un crimen. Tuvimos que establecer relaciones con la fiscalía y la familia. Además, el documental aborda también aspectos íntimos de las mariposas monarca y su migración, lo que añadió complejidad al proceso de filmación.

¿Qué vamos a ver en el documental sobre su muerte de Homero?

El documental presenta numerosos testimonios, tanto de personas cercanas a Homero como de expertos en crimen organizado, medio ambiente y biología. Incluye entrevistas con la fiscalía, funcionarios gubernamentales y políticos. Es una versión completa de la historia. Es importante señalar que el caso sigue abierto y la posición oficial de la fiscalía es que fue un accidente, pero siguen investigando.

¿Cuál es la contribución de esta plataforma a los documentales mexicanos?

Creo que es increíble que Netflix siga apostando por películas con temáticas importantes, aunque no tengan el mismo éxito que otros géneros más populares. Esto es importante porque amplía el alcance del público. En cuanto a este tema, el cambio climático y la muerte de defensores del medio ambiente, es una problemática global. Desafortunadamente, México se encuentra entre los países más peligrosos para los ambientalistas.

Por Carlos Mora

FOTO CARLOS MORA

"EL GUARDIÁN DE LAS MONARCAS" Dónde ver: Netflix

UNA HISTORIA DE FORTALEZA

"La Laguna Rosa" es una película de Juan Arce y Francisco Gallo narra la historia de dos hermanos distanciados: Arturo (interpretado por Gerardo Oñate), un joven superficial y vanidoso, y Mariana (interpretada por Mónica Arce), una chica talentosa con Síndrome de Down cuya pasión es el ballet, y está dispuesta a hacer todo lo posible por cumplir su sueño. La película fue escrita, producida y co-dirigida por Juan Arce, hermano de Mónica, quien compartió los detalles de su ópera prima con la Revista Cameo.

Cuéntame sobre el guion de tu película.

La historia gira en torno a mi hermana menor, Mónica, quien desde que llegó a mi vida se convirtió en alguien con quien tengo una gran afinidad, y nuestros padres nos inculcaron verla como parte integral de nuestra familia. La narrativa se basa en mi relación con ella, una persona con síndrome de Down, que creo puede plantear algunas preguntas sobre lo que pensamos acerca de la inclusión y quiénes son realmente las personas con discapacidades intelectuales. Con el tiempo, Mónica expresó su deseo de convertirse en actriz, y dado que quería hacer mi primera película, me inspiré en ella para escribir el guion de "La Laguna Rosa".

¿Por qué decidiste filmarla en Yucatán?

Creo que la mayoría de las historias que vemos en la pantalla grande están muy centralizadas en la Ciudad de México. Es momento de abrirnos a otros lugares. La Laguna Rosa, que es un símbolo central en la película y está relacionada con el ballet, ya que la protagonista es bailarina de ballet. Por eso fue crucial para mí filmar en Las Coloradas, en Yucatán.

A veces siento que las ciudades se están volviendo frías y agresivas. Son increíbles, pero estamos perdiendo lo humano. Mérida no solo es una ciudad cálida en clima, sino también en lo humano, por eso creo que fue la elección perfecta.

La película aborda temas como el autismo, el síndrome de Down y promueve la tolerancia. ¿Podrías hablar más de esto?

Absolutamente. Muchas personas viven con alguna discapacidad intelectual, y a menudo olvidamos lo importante que es la tolerancia y la paciencia, valores que desarrollamos a medida que crecemos. En un mundo tan acelerado, es algo que debemos valorar, especialmente en las grandes ciudades.

Has estado en varios festivales. ¿Cómo ha sido la experiencia?

Ha sido excelente. Hemos asistido a festivales en lugares que nunca imaginamos, como India, donde la película fue muy popular. Mónica ganó el premio a Mejor Actriz en uno de estos festivales. Además, participamos en el Festival Internacional de Cine de Yagrán, el festival itinerante más grande del mundo, en Singapur, Tailandia, Estados Unidos y Canadá. La conversación social parece más avanzada en otros lugares que en México.

¿Qué esperas que la audiencia se lleve después de ver "La Laguna Rosa"?

Te comparto un dato, alrededor de 1000 millones de personas en el mundo tienen alguna discapacidad, 1 de cada 700 personas nace con Síndrome de Down, cada una tiene sus propios talentos, defectos y sueños.

Y sobre la pregunta, me gustaría que la vieran y que le dieran una oportunidad al cine mexicano independiente, con una actriz mexicana con síndrome de Down. La película presenta un discurso sobre la inclusión que no se trata de caridad ni de idealizar a las personas con discapacidad. Quiero recordarles a todos que cada persona, independientemente de su condición, tiene sus propias virtudes, defectos y personalidad. Eso es lo que me gustaría compartir con la audiencia.

Por Carlos Mora

MANOLO CARO

"APRENDÍ A NO JUZGAR A MIS PERSONAJES"

Desde que realizó la serie "La casa de las flores", el director mexicano no había vuelto a filmar en nuestro país. Ahora regresa con "Fiesta en la madriguera", basada en la novela homónima de Juan Pablo Villalobos. "Tenía muchísimas ganas de volver a México y de trabajar en mi país. Sentía que había hecho un autoexilio y no sabía con qué regresar. Estaba muy nervioso y creía que debía regresar con algo de literatura mexicana potente", explica a la Revista Cameo.

"FIESTA EN LA MADRIGUERA"

Dónde ver: Netflix

"F

iesta en la madriguera" es la nueva película de Manolo Caro, basada en la novela homónima de Juan Pablo Villalobos y adaptada por el ganador del Óscar Nicolás Giacobone, nos presenta la historia de Tochtli (Miguel Valverde Uribe), un niño especialmente inteligente y precoz que a simple vista lo tiene todo, y cuando no es así, su padre, Yolcaut (Manuel García-Rulfo), hará lo imposible para cumplir sus deseos, porque Yolcaut lo puede todo.

La película aborda el tema del narcotráfico, ¿cómo es abordar este tema en el cine?

Creo que el tema más importante de la película es la paternidad, retratada en el marco de una atmósfera tan violenta y dura como el narcotráfico, que ha afectado a nuestro país y a varios países de Latinoamérica. No se necesita tener un padre narcotraficante para empatizar con Tochtli. Es cuando la vida rompe esa burbuja y te das cuenta de que tu padre no es un superhéroe, sino un ser humano con aciertos, virtudes y defectos. Es como cuando ves por primera vez a tu padre o madre llorar. Es un momento que te obliga a reinventarte como persona y a enfrentar las batallas del mundo. Ese es el corazón de la película y lo que me gustaría que la gente se llevara.

¿Cómo fue el proceso de casting, especialmente para el niño Tochtli?

Buscaba una mirada de inocencia, inteligencia y profundidad. Vi a muchos niños maravillosos, muchos de ellos actores, pero no terminaba de encontrar a Tochtli. Un día, el director de casting me envió un video de un niño que no era actor y no le interesaba actuar. Lo vi y supe de inmediato que él era el indicado. Miguel no tenía interés en la actuación, ni siquiera participaba en eventos escolares. Comenzamos con ejercicios de improvisación y en su callback en la Ciudad de México, demostró una capacidad impresionante para conectar emocionalmente. Rompió a llorar con una facilidad increíble y tiene la habilidad de desconectar rápidamente, lo cual era importante para mí. No quería ser el director que arruinara la vida de un niño. Miguel tiene una inteligencia y un poder natural para la actuación.

¿Cómo fue trasladar una historia ambientada en 1993 a 2024?

Lo que vive Tochtli, una infancia huérfana a pesar de tener a Yolcaut, refleja una realidad atemporal. Estas infancias parecen destinadas a crecer en un marco de violencia, pero la historia muestra que hay esperanza. Tochtli está interesado en las letras, el arte, la historia y los sombreros. Esto demuestra que somos los pilotos de nuestro propio destino, y esa idea me conmovió profundamente.

"Empecé a leer la novela y, de repente, me encontré llorando y conectando con Tochtli, y con mi propia infancia. Tomé una gran decisión y me siento muy contento y orgulloso de haber dicho que si vuelvo a México, voy a volver con los mejores"

¿Cuáles fueron los retos más grandes de retratar estas ambigüedades morales, mostrando a una persona terrible pero que puede ser un buen padre?

Uno de los retos más grandes fue no juzgar a los personajes moralmente. Aprendí en el teatro a no poner juicios sobre los personajes que interpreto. Lo más importante era no hacer apología de su oficio, sino retratar al padre y su relación con el niño. Mostrar el amor profundo que siente, aunque cometa actos irracionales que pueden ser violentos. No juzgo a los personajes, simplemente me conecto con ellos a través de sus virtudes y defectos.

¿Qué opinas sobre las producciones que hablan del narcotráfico en México?

Respeto mucho el trabajo de todos mis colegas, pero creo que el entretenimiento debe ofrecer diferentes puntos de vista sobre el tema del narcotráfico. Llevamos años consumiendo historias que hacen apología del narco, presentándolos como superhéroes con riquezas excesivas. Pero en esas familias también hay infancias huérfanas y dolor. Todos pierden: los niños, los adultos y la sociedad. No podemos idealizar ni aplaudir esta realidad, sino convertirnos en críticos y actuar para mejorar una sociedad que pide a gritos que esto termine.

Por Carlos Mora

MANOLO Y CECILIA VUELVEN A UNIR SUS TALENTOS

EL DIRECTOR de las series "La casa de las flores" y "Alguien tiene que morir", Manolo Caro, vuelve a trabajar con la actriz Cecilia Suárez. Ahora unen sus talentos en "Serpientes y Escaleras", una nueva comedia que gira en torno a la ambición, el poder y la gloria. La producción, que acaba de iniciar su rodaje, se filma en Guadalajara. Cecilia interpretará a una maestra que se ve involucrada en la disputa de dos estudiantes, y lo que parece ser un suceso insignificante cambiará por completo su vida.

Manolo y Cecilia también han colaborado juntos en las películas "No sé si cortarme las venas o dejármelas largas", "Elvira, te daría mi vida pero la estoy usando", "La vida inmoral de la pareja ideal" y "Perfectos desconocidos".

"‘Serpientes y Escaleras’ es un proyecto que llevo gestando desde hace varios años. Es una comedia oscura, sexy e incorrecta. En pocas palabras, es volver al género que me hace más feliz, pero con el aprendizaje de los últimos proyectos. Es una locura”, comenta el director mexicano.

En cuanto al elenco, Cecilia Suárez estará acompañada por Juan Pablo Medina, Martiño Rivas, Marimar Vega, Benny Emmanuel, Loreto Peralta, Michelle Rodríguez, Alfredo Gatica, Germán Bracco, Gerardo Trejoluna y Luis Felipe Tovar, y contará con la participación especial de Margarita Gralia.

La historia de "Serpientes y Escaleras" se centra en una maestra de un colegio de renombre que se ve envuelta en una disputa entre dos alumnos. Lo que al parecer es un incidente más, cambiará la vida entera de la protagonista en una historia sobre la ambición, el poder y la gloria.

El estreno será en la plataforma de Netflix, que cuenta con 270 millones de membresías en más de 190 países. La serie es producida por Woo Films y Noc Noc Cinema, liderada por los productores María José Córdova, Triana García Simón, Rafael Ley y Manolo Caro. La serie fue escrita por Manolo Caro, Alexandro Aldrete, Ángela Armero y Estibaliz Burgaleta.

"JUGAREMOS EN EL BOSQUE"

EXPLORA EL TERROR DE

LA PÉRDIDA

Conversamos con los actores Lucía Uribe y Mauricio Isaac, y la directora y guionista Alejandra Cárdenas. La historia cuenta la vida de Javier (Isaac) y Marian (Uribe), cuya relación se está desmoronando. Deciden mudarse a una vieja hacienda para empezar de nuevo, pero allí descubren que una fuerte e imponente presencia del pasado manipula a la pareja para obtener lo que quiere: volver a la vida.

Lucía, ¿qué te gustó del guion?

Cuando lo leí, fue maravilloso, pero también aterrador por el tamaño del reto y por la intensidad y el horror de las escenas. Supe que tenía que tratarlas de la manera más verdadera posible, más realista. Mi reto era, además de ver referentes de películas sobre maternidad y pérdida de un hijo, ser lo más honesta conmigo misma, con mis sentimientos y con mi manera de transitar los duelos. Esta parte que transita de la depresión a la locura o la posesión tiene que ver con negar el dolor, con querer dejar de sentirlo, y entonces creerte cualquier mentira.

¿Cómo fue hacer el género del terror?

Maravilloso, porque fue un reto gigante. El nivel del reto era equivalente al nivel del placer; el grado de vértigo era igual al grado de satisfacción. Fue como decir: "órale, me voy a aventar con esto y con todo". Y tuve al mejor equipo para hacerlo, sin miedo.

Mauricio, tu personaje es un padre muy presente en los temas de maternidad. ¿Cómo fue adentrarse en tu personaje? Por suerte, ese discurso ya es parte de mí y, en lo que respecta a mis hijos, los educaría desde esa perspectiva de que la crianza es una labor conjunta de hombre y mujer. Aunque la mujer lleva la responsabilidad y el milagro de cargar al hijo, es crucial que el hombre esté ahí, acompañando y formando equipo, creando esa complicidad.

Alejandra, ¿cómo fue codirigir con Guillermo Granillo y platícame del guion?

Es una historia que toca un miedo muy profundo mío: perder a un hijo. Es un proceso que puede tocar a muchas personas y, al final de cuentas, es una historia muy universal. Codirigimos esta historia, y viniendo yo como productora y habiendo trabajado creativamente en el set, se me antojó dirigirla porque es una historia muy mía. Dirigir de la mano de Memo fue increíble. Colaborar con alguien a quien quiero mucho y con quien he hecho muchas películas juntos fue una nueva aventura.

Alejandra, ¿la locación es un personaje más en la historia?

Definitivamente. Es la Hacienda San Cristóbal Polaxtla, en San Martín Tezmeluca, Puebla. Nos costó un rato encontrar la locación perfecta porque necesitaba tener un bosque al lado, y eso fue lo maravilloso. Hubo mucho trabajo de diseño y producción de parte de Nico Scabini, nuestro diseñador de producción. La locación le dio en el clavo a la película porque era perfecta.

Mauricio, ¿cómo fue grabar en esta hacienda?

Fue como tener otro personaje en la película. La hacienda impone y te mete en una situación emocional, tanto física como mental, que facilita mucho el trabajo, pero al mismo tiempo también da un poco de miedo.

Por Carlos Mora

"EL CASTIGO", del director Matías Bize, narra la historia de Ana (interpretada por Antonia Zegers) y Mateo (interpretado por Néstor Cantillana), quienes buscan desesperadamente a su hijo perdido. Este incidente ocurrió después de que lo dejaran solo por unos minutos como castigo por su mal comportamiento en un bosque cercano a la carretera. A medida que la noche cae y, a pesar de la ayuda de la policía, Lucas parece haber desaparecido en el bosque. La búsqueda del hijo y la incertidumbre sobre su destino llevan a la pareja a cuestionar su amor, sus vidas y sus roles en la familia.

En una entrevista con la Revista Cameo, el director chileno comentó: "Tenía un fuerte deseo de explorar la maternidad desde diversas perspectivas, especialmente en un contexto en el que a menudo se espera que las mujeres cumplan con el ideal de madre perfecta: abnegada, compasiva, amorosa y tierna. Quería explorar que, más allá de ese papel, las mujeres también son seres humanos con sus propias frustraciones, sueños y responsabilidades".

Con un guion de Coral Cruz, Bize agregó: "Ana es una mujer y madre exitosa. Quería reflexionar sobre el lado B de la maternidad, así que nos sumergimos en el tema, leyendo libros como Madres arrepentidas para comprenderlo a fondo".

¿Cómo fue trabajar en este personaje y cómo se sintió Antonia con la película?

Antonia y yo tenemos una larga relación laboral; ella ha participado en varias de mis películas. Aunque en ocasiones anteriores sus roles eran más pequeños, disfrutamos mucho trabajando juntos. Para esta película, necesitaba actores excepcionales, y afortunadamente todos estuvieron dispuestos y capaces. Trabajar con Antonia fue muy gratificante porque quería que esta película fuera un ejercicio auténtico. Ella pudo interpretar técnicamente lo que le pedí, pero también buscaba capturar la verdad emocional del personaje.

"EL CASTIGO"

RETRATA CON REALISMO LA MATERNIDAD

¿Cómo fue el proceso de la película?

El plano secuencia fue fundamental, permitió que los actores experimentaran el desarrollo completo de sus personajes como si estuvieran en una obra de teatro con ensayos. Siempre preparo mis películas como si fueran obras de teatro, con diálogos aprendidos y muchos ensayos. Descubrimos mucho durante este proceso, y el plano secuencia me permitió ser lo más invisible posible como director. Quería que la película fuera inmersiva, sin cortes, para que el espectador experimentara la historia como si estuviera allí, en tiempo real.

¿Por qué crees que hablar de este tema sigue siendo tabú, especialmente en Latinoamérica?

No pretendemos tener respuestas, simplemente queremos abrir el debate. En los festivales y foros donde se ha presentado la película, he recibido agradecimientos por abordar este tema de manera abierta y sin juicios. Muchas mujeres me han dicho que la película les dio una voz para expresar lo que antes no se atrevían. Esto es hermoso porque revela algo que ha sido silenciado durante mucho tiempo. Además, hemos notado una reacción positiva de los hombres, quienes también han encontrado comprensión a través de la película. La película toca temas tabú como "he dejado de desear", "no quiero ser su mamá", lo que ha generado conversaciones profundas y significativas.

¿Cómo fue para ti, como director, trabajar en este tema?

Lo abordé con humildad y sin pretender tener todas las respuestas. Quería entender y aprender. Conversé con mi madre y entendí su perspectiva. Ella me dio una crítica honesta después de ver la película, lo cual valoré mucho. Para mí, fue importante mantener la honestidad y la imaginación en el proceso creativo, recordando siempre que, aunque explorábamos reflexiones profundas, había un niño perdido en el bosque, una realidad que no podíamos olvidar. Por Carlos Mora

La actriz nos cuenta sobre su participación en la segunda temporada de la serie "Señorita 89". Se narra la batalla entre las televisoras que desean imponer a una reina de belleza, y sobre su personaje, La Madrina, quien está ligada al bajo mundo del crimen organizado.

DOLORES HEREDIA

LA IMPORTANCIA DE ALZAR LA VOZ

¿Cómo te sientes al llegar a esta serie?

Estoy encantada. Había visto la primera temporada y, sinceramente, nunca imaginé que encajaría en ese universo. Me atrajo mucho el personaje de la madrina, cómo estaba concebido, cómo se desenvolvía en una línea narrativa prácticamente paralela a la historia principal, cómo intervenía y cómo mostraba otra faceta de la realidad del país, perfectamente entrelazada con la trama principal. Hablando de la primera y segunda temporada, el elenco siempre está conformado por mujeres, mujeres de todas las edades, mujeres muy poderosas, con muchas voces. Eso me gustó mucho y veo que en la segunda temporada, con tu incorporación y la de Yoshira Escárrega, siguen siendo mujeres que alzan aún más la voz.

¿Qué opinas de formar parte de un elenco donde la mayoría son mujeres?

Es muy enriquecedor trabajar en este ambiente, especialmente porque la líder de este proyecto es Lucía Puenzo. Es una mujer con una voz importante y relevante, que busca historias significativas y que tiene una sensibilidad muy particular hacia los actores y actrices. Su postura frente a los creativos es delicada y receptiva, lo cual la convierte en una referencia importante para mí y para otras actrices de mi generación. Me siento muy afortunada de haber encajado en este proyecto y de haber tenido la oportunidad de trabajar con actrices a las que admiro.

Ilse Salas, en mi opinión, es una de las actrices más versátiles que conozco. Tiene una manera única de expresarse y de desenvolverse tanto en la vida personal como profesional, lo cual admiro profundamente. Yoshira también me parece una actriz increíblemente talentosa y hermosa en todos los sentidos. El conjunto del elenco hace que trabajar en este proyecto sea sumamente interesante y enriquecedor. Fue un placer estar en el set con todas ellas. El ambiente de trabajo fue amable y propicio para generar un proyecto de calidad.

Esta serie critica fuertemente los concursos de belleza. ¿Cuál es tu opinión al respecto?

La crítica hacia los concursos de belleza es evidente en la serie, y estoy totalmente de acuerdo con ella. Se destaca la corrupción detrás de estos concursos, así como la utilización y banalización de la figura femenina. También se aborda el impacto que estos concursos pueden tener en la educación de las jóvenes, muchas de las cuales crecen soñando con participar en ellos.

En mi juventud, me propusieron participar en concursos de belleza, aunque nunca tuve el cuerpo ni las medidas para ello. Con el tiempo, comprendí lo absurdo de esa propuesta. Afortunadamente, nunca me interesó ser reconocida por mi belleza.

Es preocupante ver cómo estos concursos perpetúan el racismo, el clasismo y otros problemas sociales, incluso aprovechándose de personas con bajos niveles culturales o que buscan escapar de la violencia. La serie retrata de manera coherente y clara todas estas problemáticas, sin caer en el sensacionalismo.

¿Qué opinas sobre las nuevas generaciones de actrices que están alzando la voz por temas como el feminicidio?

Celebro enormemente que estas nuevas generaciones de actrices alzen la voz. Son voces importantes y claras que hablan directamente a su generación y a las que vienen detrás. Es evidente una evolución en el discurso, y espero que pronto no sea necesario seguir hablando de estas problemáticas.

¿Puedes contarnos alguna anécdota de la serie?

Recuerdo que al leer algunos capítulos sentía que mi personaje, La Madrina, estaba muy encasillado. Era el típico personaje malvado con situaciones imposibles. Decidí hablar con Lucía para plantearle mis inquietudes, y ella fue sorprendentemente receptiva y empática. Organizó una reunión con el equipo de guionistas, que fue una experiencia memorable para mí. Las guionistas son mujeres fantásticas, profundas y talentosas, y fue muy enriquecedor trabajar con ellas. Juntos, logramos darle más profundidad y complejidad al personaje, lo cual es siempre mi objetivo en cualquier proyecto.

¿En qué otros proyectos estás trabajando?

Además de esta serie, estoy involucrada en varios proyectos cinematográficos, como "Pedro Páramo", "La Liberación", "Familia de Medianoche", entre otros. También estoy empezando un nuevo proyecto dirigido por Francisco Franco, que tiene una historia muy humana y emotiva. Me gusta diversificar mis proyectos y explorar diferentes aspectos de la actuación. Creo que es importante seguir impulsando el talento local y regional, y por eso me parece fundamental regresar a mis raíces y seguir trabajando en mi país.

EL NUEVO

RIPLEY ANDREW SCOTT

POR ALEJANDRA LOMELÍ

El estreno de "Ripley", la miniserie que forma parte del catálogo de Netflix, revive al icónico personaje creado por Patricia Highsmith en una adaptación de poco más de ocho de horas de duración protagonizada por Andrew Scott y escrita, dirigida y producida por Steven Zaillian, ganador del Óscar por el guion de La lista de Schindler.

“Soy un gran fan de la novela y por supuesto que he visto las otras adaptaciones que se han hecho del libro, pero sentía que la historia necesitaba más tiempo y creo que a través de ocho episodios me permitía mostrar todos los detalles de la historia, el trasfondo de los personajes y la relación cambiante entre ellos”, aseguró durante conferencia de prensa Zaillian, explicando la razón por la que esta adaptación necesitaba un formato largo.

Filmada en un elegante blanco y negro, esta es la tercera adaptación que se realiza de la novela “El talento de Mr. Ripley”,

aunque el personaje de Tom Ripley ha sido interpretado por cinco actores diferentes con anterioridad, siendo quizás la interpretación de Matt Damon en la película "El talentoso Sr. Ripley" (Anthony Minghella, 1999) la más recordada, aunque la de Alain Delon en "A pleno Sol" (René Clément, 1960) es considerada por muchos como la mejor encarnación del personaje. Más allá de comparaciones, para Andrew Scott, meterse en la piel del popular estafador devenido en un asesino que suplanta la identidad de sus víctimas resultó “un gran privilegio y un reto interpretativo”, y añadió:

“Es difícil ignorar el trabajo de Matt Damon e ignorar una película que le encanta a la gente, yo soy una de las personas que ama esa película y ama sus actuaciones. Pero nosotros no buscamos hacer un remake del filme, sino una exploración a un personaje que comete errores, mientras observamos cómo va desarrollando poco a poco su talento. Así que los espectadores podrán disfrutar de una visión única y singular de la historia.”

En ese sentido, el director y escritor habló sobre su enfoque y detalló los matices que buscó resaltar de Tom Ripley:

FOTOS NETFLIX

“Ciertamente Tom no es un asesino profesional, no es bueno en eso, lo hace de una manera descuidada como cualquiera de nosotros lo haríamos, y creo que esa es otra razón por la que nos relacionamos con el personaje. No es mejor en ese tipo de cosas de lo que seríamos nosotros. Así que trato de mostrar lo que hace y lo que está pensando momento a momento.”

Tanto Zaillian como Scott coinciden en que la miniserie enganchará a la audiencia con su peculiar aproximación a la oscura mente de Ripley, una radiografía que a su vez es un viaje al interior de la condición humana y con el que la audiencia descubrirá tener más similitudes que diferencias:

“Ceo que la razón por la que el personaje es tan perdurable y tan icónico es porque tenemos muchas preguntas sobre él, por lo que responder a demasiadas de ellas de manera específica reduce el propósito del personaje, y la razón por la que lo encontramos fascinante, aterrador o incomodo es porque no tenemos demasiada información sobre él (…) Realmente apoyamos a un personaje que está haciendo cosas malas, creo que de lo que habla esta historia es de un hombre que es ignorado por la sociedad, pero en realidad es increíblemente talentoso”, dijo el actor irlandés.

“De cierta manera siento que la audiencia también es Tom, quiero decir, esa es una de las grandes cosas del personaje y de la forma en que lo concibió Patricia Highsmith, porque no sólo nos hace comprender lo que está haciendo, sino que nos hace cómplices de alguna manera”, mencionó Zaillian.

"Ripley" de Netflix sigue a Tom Ripley, un estafador que vive en Nueva York a principios de los sesenta y quien recibe una oferta interesante de un hombre adinerado: viajar a Italia para convencer a su hijo errante de volver a casa. La propuesta es el comienzo de una compleja trama de engaños, fraude y muerte.

“Nuestro trabajo como artistas es representar lo que existe, no representar lo que quisiéramos que existiera. Para mí la representación de la oscuridad es muy importante porque así podemos entender mejor la luz y la bondad y contrastarlo. La intención de esta historia es hacer sentir a la audiencia como Ripley, no como una víctima de él, porque todos tenemos oscuridad dentro de nosotros, todos tenemos misterios”, concluyó Scott. La miniserie también cuenta con las actuaciones de Dakota Fanning como Marge Sherwood y Johnny Flynn como Dickie Greenleaf, así como Eliot Sumner, Maurizio Lombardi, Margherita Buy y la participación especial de John Malkovich.

"RIPLEY" Dónde ver: Netflix

ENCANTADOR Y SINIESTRO

POR ALEJANDRA LOMELÍ

TOM RIPLEY, creado por la prolífica escritora Patricia Highsmith, es un personaje bien instalado en la memoria cinematográfica de muchas generaciones, aunque es probable que muchos solo hayan disfrutado de la excelente interpretación de Matt Damon en "El talentoso Sr. Ripley" (Minghella, 1999), sin embargo, para el deleite queda la magistral encarnación de Alain Delon en "A pleno sol" (Clément, 1960), o las de Dennis Hopper o John Malkovich; quizás la menos recordada sea la de Barry Pepper.

Con tales precedentes, el reto de "Ripley", la miniserie de Netflix protagonizada por Andrew Scott, era enorme, no sólo tenía que encontrar su propio enfoque distintivo, sino a un actor capaz de explorar la compleja y oscura menta de un personaje amoral al borde de la psicopatía, pero increíblemente talentoso. El resultado, en ambos casos, ha sido más que satisfactorio, la miniserie no sólo es ambiciosa para los propios parámetros de Netflix, que recuperar su prestigio con una producción elegante, cinematográfica y que destila puro suspenso clásico; sino una producción que destaca por su vocación artística.

La serie sigue a Tom Ripley, un estafador que vive en Nueva York a principios de los sesenta y quien recibe una oferta interesante un hombre adinerado: viajar a Italia para convencer a su hijo errante,

Dickie (Johnny Flynn), de volver a casa. La propuesta es el comienzo de una compleja trama de engaños, fraude y muerte. El elenco también cuenta con Dakota Fanning como Marge, Maurizio Lombardi y la participación especial de John Malkovich.

Escrita, dirigida y producida por Steven Zaillian, "Ripley" adapta de forma brillante las elucubraciones mortales del estafador devenido en asesino que suplanta la identidad de sus víctimas. En ocho episodios de aproximadamente una hora Zaillian nos hace descender a lo más turbio de la condición humana, pero también nos permite sucumbir a los placeres, mientras nos trasporta a una Italia que parece detenida en el tiempo. Su elección de filmarla en blanco y negro le aporta una estética y una atmósfera noir que empata muy bien con un Ripley que se nos descubre más imperfecto que ambiguo, humano y terriblemente cercano a nuestros propios deseos.

Si la parte técnica-artística es embriagadora, Andrew Scott demuestra ser la elección perfecta para el Ripley más encantadoramente siniestro a la fecha.

FOTOS NETFLIX

"RIPLEY" Dónde ver: Netflix

FOTO ALBERTO HIDALGO

Jerónimo Best habla sobre su primer papel protagónico en la serie. Con elementos de comedia y ciencia ficción, la serie sigue a un inventor que intenta revitalizar la economía de un pueblo en decadencia mediante el turismo ufológico. Conversa en entrevista con la Revista Cameo.

UN FABRICANTE DE

"FABRICANTES DE OVNIS"

Dónde ver: Star+

La nueva serie de Star+ "Fabricantes de OVNIS" sigue a Dalí (Jerónimo Best), un mesero que trabaja para un cultista que cree en la vida extraterrestre y, a raíz de un llamado, regresa a Ogarrio del Cobre, el viejo y abandonado pueblo minero donde vivieron su padre y su abuelo, para cobrar una herencia que supone le solucionará la vida.

Cuando Dalí advierte que la localidad se encuentra en la ruina debido a una deuda millonaria que los habitantes tienen con el gobierno que busca modernizarla, decide reactivar su economía convirtiéndola en destino turístico de una manera muy particular: reviviendo una vieja crónica vinculada a la llegada de OVNIS al lugar.

¿Cómo te sientes de tu primer protagónico en una serie?

¡Me siento emocionado y agradecido por la oportunidad! Es un nuevo desafío para mí, pero también una experiencia gratificante. He pasado gran parte de mi carrera en el teatro, donde he aprendido a desarrollar personajes y a conectarme con el público en tiempo real. Ahora, en el mundo de la televisión, el proceso es diferente.

Interpretar un protagonista en una serie implica explorar un arco emocional completo a lo largo de varios episodios, lo cual es un reto pero también muy enriquecedor. Además, el hecho de grabar en desorden y no tener la retroalimentación inmediata del público requiere un ajuste en mi enfoque como actor. Sin embar-

go, el proceso de creación del personaje sigue siendo similar al del teatro, lo cual me ha servido de mucho. Estoy aprendiendo y disfrutando de esta nueva experiencia, aunque también reconozco que implica un proceso de edición y ajuste que es diferente al del teatro. En definitiva, estoy emocionado de poder explorar este nuevo medio y seguir creciendo como actor.

Es fascinante cómo Dalí refleja aspectos universales de la experiencia humana, ¿verdad? Comprendo cómo te has conectado con él en varios niveles.

Identificar que a veces tomamos decisiones con las mejores intenciones, pero que pueden resultar en situaciones complicadas, es algo con lo que muchos podemos relacionarnos. También es interesante observar cómo Dalí se desenvuelve entre las máscaras que crea para enfrentar el mundo exterior, algo que, de alguna manera, todos hacemos en algún momento para adaptarnos y protegernos.

El viaje de Dalí hacia su autenticidad y la búsqueda de sus raíces es un tema poderoso y universal. Todos, de alguna manera, nos encontramos en un viaje similar de autodescubrimiento y entendimiento de quiénes somos realmente, más allá de las expectativas externas y las máscaras que hemos creado. Es un proceso profundamente humano y creo que eso es lo que hace que Dalí sea un personaje tan poderoso y relatable para muchos.

Sobre trabajar con actores de renombre como Susana Alexander, María del Carmen Farías, Juan Carlos Colombo y Otto Sirgo, ¿cómo fue tu experiencia?

Fue enriquecedora y algo intimidante al principio. Son verdaderos maestros de la actuación, con una trayectoria impresionante que he admirado durante mucho tiempo. Sin embargo, descubrí que son personas increíblemente generosas y colaborativas en el set. Jugar escena tras escena con ellos fue un verdadero placer y una oportunidad de aprendizaje constante.

Cada uno de ellos aportó algo único a mi experiencia en la serie. Trabajar con María del Carmen, que lamentablemente ya no está con nosotros, fue especialmente significativo. Atesoro los momentos que compartimos en pantalla y considero que fue una experiencia invaluable que contribuyó enormemente a mi crecimiento como actor.

Los personajes que interpretan en la serie son maravillosos y entrañables, y es poco común encontrar tantos roles destacados para actores de su edad en una producción. Sin embargo, creo firmemente que hay una infinita variedad de historias que deben contarse, y espero que las plataformas continúen tomando estos riesgos y produciendo contenido diverso y enriquecedor que refleje la realidad de todas las edades.

Por Carlos Mora

Originario de Argentina, pero con una carrera que se va consolidando en la actuación en México, Fede Espejo habla en entrevista con la Revista Cameo sobre su nuevo proyecto "La historia de Juana", melodrama que estrenó en Las Estrellas en Televisa.

SE ABRE CAMINO

FOTOS CARLOS MORA

El melodrama ‘La Historia de Juana’ es una telenovela protagonizada por Camila Valero y Brandon Peniche, con un gran elenco y una historia que, aunque conocida, tiene una nueva esencia a la mexicana. Años atrás inspiró la exitosa serie estadounidense ‘Jane The Virgin’. "Comparto escenas con Alexis Ayala, quien interpreta a mi papá. Mi personaje se llama Manuel y mi mamá es el personaje de Isabela Camil (Amparo), mientras que mi hermana es Irina Baeva. Lo que me ayudó mucho fue que Brandon y Camila, como líderes del grupo, dieron un mensaje de unidad y disponibilidad para ayudarnos mutuamente. También el hecho de trabajar con Alexis me ayudó muchísimo; aprendo mucho de él cada día, tiene una experiencia increíble y es una excelente persona. Así que me siento afortunado de ser parte de este elenco", expresó el actor.

¿Puedes hablar más sobre la historia y tu personaje?

Te cuento un poco sobre la historia. Juana es una adolescente de unos 20 años y es virgen, está a punto de empezar la universidad. Por un error en el consultorio del ginecólogo, queda embarazada sin haber tenido relaciones. El padre del bebé es Gabriel, el dueño de una cervecería. Mi personaje, Manuel, es hijo de Alexis Ayala en la ficción y entra en conflicto sobre hasta dónde debe ayudar a su padre en sus planes de apoderarse de la cervecería.

La adaptación de ‘Jane The Virgin’.

Algo bonito de este proyecto es que tuvimos la oportunidad de trabajar en equipo, discutir los personajes y sus relaciones. Esto lo hicimos junto con el director y la escritora, Perla Farías. El hecho

de que W Studios produzca este proyecto es una garantía de calidad.

¿Cómo es trabajar en una telenovela? ¿Es una dinámica diferente?

Sí, la dinámica es diferente. Al principio fue un poco difícil para mí acostumbrarme al ritmo de grabación, pero ahora me siento más cómodo. Hacer tantas escenas al día puede ser agotador, pero también es gratificante. Televisa sigue siendo un gigante en el mundo de las telenovelas. Aunque han surgido nuevas plataformas de streaming, Televisa sigue siendo relevante y produciendo contenido de calidad.

¿Cómo ves el futuro de la actuación en México?

Creo que México tiene un gran potencial en la industria del entretenimiento. Hay mucho talento aquí y muchas oportunidades para crecer. Personalmente, estoy agradecido por la oportunidad de trabajar en este país.

¿Cómo te has sentido siendo extranjero en México?

Al principio fue un poco difícil adaptarme, pero con el tiempo me enamoré de la cultura mexicana. Me siento muy agradecido por el apoyo que he recibido aquí.

¿Qué género te gustaría explorar en tu carrera?

Me gustaría hacer algo de acción. Siempre he sido fanático de las películas de acción, así que sería un desafío emocionante para mí.

¿Qué pasa con tu carrera musical?

La música siempre ha sido una parte importante de mi vida, pero la he tenido un poco abandonada últimamente. Me gustaría retomarla en el futuro.

Por Carlos Mora

"Sierra Madre: Prohibido Pasar", serie de HBO Max, brindará al espectador la oportunidad de cruzar las puertas de San Pedro Garza para adentrarse en una historia que retrata el mundo de la burguesía empresarial y las disputas de poder en dicha localidad mexicana, en un tono más realista. Así lo comentó a Revista Cameo el actor.

ASPIRO A SER UN BUEN ACTOR: ARTURO BARBA

El actor participa en la primera temporada de "Sierra Madre: Prohibido Pasar". "Soy muy afortunado y agradecido con el medio, con los productores, con el universo, con lo que quieras creer que me ha puesto en este momento de mi vida. A mis 50 años, el asunto de la popularidad ya no me interesa; ahora quiero contar historias de calidad", explicó el histrión

En esta producción, por primera vez se une detrás de cámaras el talento de Alejandra Márquez Abella (ganadora del premio Ariel), Jorge Michel Grau, Rodrigo Plá y David “Leche” Ruiz en la dirección, para presentar una serie con el sello de HBO de nueve episodios.

La serie retrata la vida de los vecinos de San Pedro, el municipio más rico de América Latina. Los lujos, la tranquilidad y el poder parecieran convertir a esta comunidad en intocable, hasta que se ve amenazada por uno de los grupos criminales más violentos de los últimos tiempos.

"Es un retrato de lo que sucede en nuestro país en muchos sentidos. Es interesante crear ficciones más apegadas al tono realista, no solo en la actuación, sino en el retrato de la realidad que vivimos como mexicanos. Antes, la realidad en las telenovelas se caricaturizaba un poco, pero ahora llegar a algo más aterrizado, real y palpable, como es la sociedad mexicana, en este caso San Pedro, hace que el tema sea súper interesante."

¿Cuál crees que es la importancia de descentralizar estas historias?

"Parecía que todas las cosas que sucedían en México solo las retrataban los melodramas de televisión. Ahora es interesante ver otras realidades y cómo al final nuestra naturaleza como seres humanos, como mexicanos y latinos, se representa. Vemos cómo el empresario que tiene dinero es consciente de las necesidades sociales y culturales. Ver historias que no suceden en La Condesa, en la colonia Roma o en el Ajusco, sino en lugares como San Pedro, que está enclavado y casi escondido, le da una particularidad única a la historia.

El desarrollo de San Pedro es súper interesante, cómo se llenó de empresarios y cómo la corrupción y la política se permea cuando hay dinero. En nuestra realidad actual en Latinoamérica, tarde o temprano, el narcotráfico también se infiltra. Este retrato, aunque sea ficción, toca claramente puntos medulares de nuestra realidad."

Sobre tu personaje, ¿qué puedes contar?

"Mi personaje termina cuidando los intereses de las empresas familiares. Llega un momento en el que tiene que tomar decisiones muy importantes porque empiezan a surgir diferencias de intereses muy marcadas. Junto con Marcos Parra (Miguel Rodarte) y el papel de Julieta Egurrola (la madre de ambos), buscamos la manera de salvar las empresas. Cuando hay tanto dinero, esto parece ser lo más importante. Todos dirán que no, pero la realidad es que sí. Para esta familia, lo más importante son las empresas."

También, ¿cómo te sientes de ser dirigido por grandes directores de cine?

"Se nota mucho la diferencia entre un director que solo piensa en el foro y las tres cámaras para contar una historia pequeña, y el que quiere contar una historia donde la cámara se vuelve un personaje más. Estos directores confían mucho en la cámara como un personaje adicional. Los primeros capítulos fueron dirigidos por Ale Marquez, y hay movimientos de cámara increíbles. Aunque el espectador a veces no lo nota, solo ve la belleza del cuadro final. Aprendí muchísimo de ellos. Cada llamado era una delicia, verlos trabajar y entender cómo pensaban en aras de la historia a través de la cámara, como si la cámara tuviera vida propia."

Por Carlos Mora

"SIERRA MADRE: PROHIBIDO PASAR"

Dónde ver: Hbo Max

PODER NORTEÑO

Después de participar en la cinta "El norte sobre el vacío", la actriz Paloma Petra vuelve a trabajar en un proyecto de la directora Alejandra Márquez Abella, ahora titulado "Sierra Madre: prohibido pasar".

"SIERRA MADRE: PROHIBIDO PASAR"

Dónde ver: Hbo Max

CON LA NUEVA SERIE mexicana de HBO Max, “Sierra Madre: Prohibido Pasar”, el talento del norte del país ha llegado para quedarse, y la actriz Paloma Petra, originaria de Nuevo León, es prueba de ello. Paloma se ha convertido en una de las favoritas de los fans con su personaje de Marlen en esta serie. Con una carrera como actriz y productora, y sobre todo, orgullosamente regia, Paloma sigue dejando huella en la pantalla. Tuvimos la oportunidad de platicar con ella sobre la historia que aborda la política del considerado municipio más rico de Latinoamérica: San Pedro Garza García, Nuevo León.

¿Cómo te sientes de estar en la serie “Sierra Madre”?

Fue la primera serie que filmé, hasta entonces solo había hecho películas. La filmamos en Monterrey, así que poder trabajar en mi ciudad natal fue increíble.

¿Cómo ha sido volver a trabajar con Alejandra Márquez después de “El norte sobre el vacío”?

Es increíble. Justo después de El norte sobre el vacío, comenzaron a trabajar en “Sierra Madre”. Ale, junto con Gabriel Nuncio, el showrunner y creador de la serie, y Diego Enrique Osorno, formaron un equipo maravilloso. También está Mayra Hermosillo, que estuvo en la película. Ha sido muy bonito crecer como actriz junto a Alejandra como directora.”

Ahora compartes escena con Miguel Rodarte y Lumi Cavazos. ¿Cómo te sentiste?

“Me encantó. A Rodarte lo sigo desde hace mucho y me encanta su trabajo, especialmente en comedia, que respeto mucho. La primera vez que lo vi en persona le dije que era su fan, y él me respondió que también era fan mío. Fue un momento muy divertido y conectamos muy bien. Lumi es un referente para mí desde que empecé como actriz. El elenco de Sierra Madre está formado por personas que querían contar historias fuera de las típicas narrativas de la Ciudad de México, centradas en el norte del país. Rodarte también es norteño, Lumi es de Monterrey y Mayra de Torreón. Tener un elenco de distintas partes del país enriqueció muchísimo el proyecto, y todos estábamos emocionados de filmar en Monterrey.

¿Puedes contarnos sobre tu personaje?

Mi personaje se llama Marlen, y disfruté muchísimo interpretarla. Ella es una señora buchona que quiere pertenecer a la sociedad campestre y lo logra gracias al poder de su marido por sus nexos con el narcotráfico. Me recuerda mucho a mi mamá, que siempre intentaba aparentar pertenecer a ciertas sociedades. Fue muy divertido interpretar a una mujer tan fuerte y compleja. Creo que representar a mujeres norteñas ayuda a matizar la experiencia de la mujer mexicana.

Como norteña, ¿qué opinas de la necesidad de contar historias de otras partes de México?

Me encantaría que las plataformas y productoras se arriesgaran más a contar historias de todo el país, no solo de los lugares más reconocidos. Hay grandes actores en todo México, y nosotros podemos llenar la pantalla con nuestras realidades. Aunque como actores podemos interpretar diferentes realidades, es cierto que podemos matizar mucho más desde nuestro origen y lo que conocemos.

Por Carlos Mora

Alejandra Zaid combina sus dos pasiones, actuación y música

LA ACTRIZ formó parte del elenco de “Marea de pasiones”, una telenovela protagonizada por Oka Giner y Matías Novoa, interpreta a Roberta, un personaje de la comunidad LGBTQ+.

¿Cómo te sientes, estuviste en una gran novela y lanzas tu sencillo musical?

Me siento muy afortunada. Además de la novela, también salió mi primer sencillo "En mí". Estoy feliz de vivir estos proyectos al mismo tiempo. Es una fortuna poder entrar al estudio a grabar la canción y aprovechar toda esta inspiración y lo que aprendí de mis compañeros en el set. Puedo poner todo esto al servicio no solo de la novela, sino también de la vida en general y de lo que me constituye como persona.

Combinar música y actuación, ¿cómo se siente tener tus dos pasiones?

Imagínate que desde los ocho años soy actriz, pero siempre he tenido el deseo de cantar. Escribo canciones desde los quince años y desde entonces siempre he estado muy interesada en la música. Estudié música en mis tiempos libres y luego formé mi equipo para poder grabar maquetas. Ahora ha llegado este afortunado momento en el que dije: "Quiero que todo esto salga a la luz, quiero darlo a conocer, quiero que nos lleve y abrir este nuevo camino hacia el público". Realmente es algo que he estado persiguiendo toda mi vida. Mi mamá cuenta que aprendí a cantar antes que a hablar, así que siempre ha estado muy presente para mí.

Respecto a la novela, ¿cómo te sentiste de darle vida a Roberta?

Roberta es una mujer joven, de 22 años. La conocemos en un

momento crucial de su vida, y estamos interesados en saber de dónde viene y por qué tiene el carácter que tiene. Siempre ha sabido cómo salir adelante, siempre con el corazón en alto. Es una mujer enamorada de la vida, honesta con sus emociones y con lo que es.

Conoce a su novia Ana Grajales (Ariana Saavedra), una persona completamente diferente a ella y a lo que esperaba en una relación. Se enamora profundamente de ella. La historia se centra en cómo encontrarán su punto medio como pareja, cómo se equilibrarán, que al final es lo que sucede en una relación. Se trata de encontrar el equilibrio y convertirse en un equipo. Muchas de las cosas que a Roberta le faltan, las encuentra en Ana, y hacen un gran equipo juntas.

Sobre representar a la comunidad LGBTQ+ en una telenovela, ¿cuál es tu opinión?

Estoy muy agradecida de que al público le gustó el resultado final, porque sin duda viene de un lugar de mucha honestidad. Tengo la suerte de compartir escena con Ariana Saavedra, una compañera muy comprometida con su trabajo, que me ha dado mucha seguridad para poder desarrollarme.

Ninguna de las dos llegó con tabúes o juicios hacia el personaje, sino todo lo contrario, siempre con una mentalidad abierta. Quisimos mostrar la conexión que sentimos con otro ser humano, más allá del género. La premisa fue buscar esos momentos en que uno se encuentra con alguien y siente que hay una conexión especial. La respuesta del público fue ver a dos personas enamoradas, independientemente de su género. Por Carlos Mora

ÉDGAR RAMÍREZ PROFUNDIZA EN SUS PERSONAJES

La segunda temporada de "Dr. Death" llega basada en el exitoso podcast de Wondery y en una sobrecogedora historia real. El actor venezolano Edgar Ramírez da vida al médico italiano Paolo Macchiarini, apodado "El hombre milagro", elogiado internacionalmente por sus innovadores trasplantes de tráquea sintética en el Hospital Universitario Karolinska de Suecia en 2011.

"Cuando estaba inmerso en este proyecto, pensé que me llevaría en una dirección específica, pero la realidad fue diferente. He tenido la suerte de interpretar personajes que atraviesan una transformación completa. Comienzan de una manera y terminan de otra totalmente diferente. Este personaje en particular presentaba el desafío de carecer de introspección, un tema que exploramos ampliamente", comentó el actor durante una conferencia de prensa.

"DR. DEATH"

Dónde ver: Universal+

La caída en desgracia de Macchiarini se atribuye en parte a Benita Alexander, su prometida en ese momento, quien será interpretada por la actriz de "This Is Us", Mandy Moore. A medida que ella descubre hasta dónde llegará Paolo para proteger sus secretos, un grupo de médicos al otro lado del mundo hace descubrimientos impactantes que cuestionan los avances médicos que Paolo proclama.

Lo que resultó interesante para mí con este personaje fue el hecho de que "normalmente, hay un momento en que un personaje como este, inmerso en la oscuridad, reconoce lo que ha hecho. Hay un momento de introspección en el que el personaje reflexiona sobre las razones de sus acciones. Pero mi personaje nunca tuvo esa introspección. Eso fue muy intrigante para mí, ya que me permitió sumergirme en la fantasía que él había creado", expresó Ramírez.

Para Ashley Michel Hoban, productora ejecutiva y guionista de esta nueva temporada, es una de las mejores. "Creo que abordamos estos personajes de una manera realmente hermosa, dándoles una dimensión completa. Edgar mencionaba la dimensión que tienen estos personajes, algo que no se encuentra comúnmente en dramas médicos o crímenes reales. No se trata solo de medicina, sino de los médicos, de las personas que trabajan para salvar vidas. No conozco muchos programas que se centren en médicos que cruzan líneas. Creo que lo que distingue a nuestro programa es que podemos abordar problemas, especialmente en esta temporada, que muchas personas consideran problemas estadounidenses, como un sistema médico impulsado por las ganancias. Y cuando se mezclan las ganancias y la medicina, se crean oportunidades para que personas como Paolo Macchiarini abusen del sistema. Eso es lo que nos diferencia", explicó Hoban.

La primera temporada ya está disponible en la aplicación de Universal+.

PIERRE LOUIS está viviendo un gran momento con tres importantes proyectos. Primero, se integra a la segunda temporada de la serie “Señorita 89”, acompañando a talentosas actrices como Natasha Dupeyrón, Leidi Gutiérrez, Ilse Salas, entre otras. A la par, regresa al teatro con la obra “La Ternura”, un ingenioso divertimento escénico en el que tres mujeres y tres hombres cuestionan la idea de los “sexos opuestos”. Además, se estrena en Netflix la película “Fiesta en la Madriguera”, basada en la novela de Juan Pablo Villalobos y dirigida por Manolo Caro.

¿Cómo te sientes de estar en “Señorita 89”?

Ahora, a diferencia de la primera temporada, creo que esta segunda es aún más oscura, y me gusta mucho mi personaje, Sebastián. Cómo entra y empieza a interactuar con Elena (interpretada por Ximena Romo) me parece fascinante. La verdad, me está encantando esta segunda temporada, y la fotografía también es maravillosa.

¿Cómo te sientes en la obra “La Ternura”?

Estamos en el Teatro Libanés y la obra es padrísima. Es un texto súper inteligente, una comedia con tintes shakespearianos y del Siglo de Oro, pero creada hace relativamente poco, en 2015 o 2016. Tiene este contraste de un lenguaje en castellano antiguo con una obra muy actual. La ambigüedad y los tintes de comedia son increíbles. Representa una gran exigencia física y salir de la zona de confort del realismo. Es la primera vez que doy funciones en el Teatro Libanés y estoy disfrutándolo mucho.

¿Cómo te sientes con el estreno de “Fiesta en la Madriguera”?

Muy contento, es una historia hermosa con un gran elenco.

¿Cómo fue trabajar con Manolo Caro?

Increíble, padrísimo. Manolo es un artista con una visión estética profunda, trabajar con él es muy mágico. Además, la producción es muy organizada, todo está muy bien planeado, con sets y locaciones de ensueño que retratan la película increíblemente. Estar junto a Manuel Rulfo, Raúl Briones, Teresa Ruiz, Daniel Jiménez Cacho y Alfredo Gatica fue un regalo.

¿De qué trata tu personaje?

La historia sigue a un niño que vive en un palacio con su familia y trabajadores del padre. El niño descubre en qué trabaja su familia y el origen de su opulencia. Mi personaje cuida del niño y es la mano izquierda del jefe.

Por Carlos Mora

ORGULLOSO DE NUEVOS PROYECTOS

STAR WARS: "THE ACOLYTE", la nueva producción de Disney+, llega desde una galaxia muy lejana para aportar una nueva dosis de frescura para los amantes de La Guerra de las Galaxias.

Ambientada en una época conocida como la Alta República, la nueva serie sigue el camino de dos hermanas gemelas, Osha y Mae, interpretadas por Amandla Stenberg, quienes, a pesar del parentesco, una tragedia vivida a su corta edad, provoca que ambas tengan sentimientos muy diferentes sobre los Jedi.

La dualidad que se muestra en la pantalla entre estos personajes es el núcleo central de la historia y la búsqueda de una por detener a la otra termina por propiciar un viaje por algunos terrenos y elementos ya conocidos dentro del universo de Star Wars: los famosos sables de luz, la mano que invoca a la Fuerza, robots y naves espaciales que recorren mundos llenos de criaturas de todo tipo.

Con un camino ya recorrido por series como "The Mandalorian" y "Andor", "The Acolyte" reúne la nostalgia hacia esas historias en común y sus conexiones con las primeras cintas que ya son parte de la cultura popular.

La narrativa, aunque pretende marcar puntos de suspenso y de thriller de misterio, también sigue una tendencia familiar con el carisma de ciertos personajes como el maestro Sol o la padawan Jecki Lon.

Con una premisa que pone especial atención al binomio del bien y del mal, encausado en las dos hermanas gemelas, "The Acolyte" reúne algunos puntos fuertes de las antiguas cintas, donde oscuros secretos y poderes emergentes buscan desestabilizar la aparente paz que gobierna el universo. Una amenaza que crece con el tiempo y que conducirá a nuevas historias por conocer.

LA ETERNA DUALIDAD

"THE ACOLYTE" Dónde ver: Disney+

CON SELLO MEXICANO

Como cada año, damos un vistazo a las producciones teatrales, series y películas que están haciendo más visible a la comunidad LGBTQ+. Este año no es la excepción, y destacamos seis producciones mexicanas que definitivamente debes ver. Además, te adelantamos un avance de lo que podrás disfrutar en la edición 28 del Mix México Festival de Cine y Diversidad Sexual.

"TENGO QUE MORIR TODAS LAS NOCHES"

"PRISCILLA, REINA DEL DESIERTO, EL MUSICAL"

"SERÉ BREVE AL MOMENTO DE MORIR"

"TODO EL SILENCIO"

"MADRES E HIJOS"

“LOS DEMONIOS DEL AMANECER”

FOTO CARLOS MORA

"MADRES E HIJOS"

Con una obra tan impactante como la de Terrence McNally, "Madres e Hijos" llega con una fuerza atemporal y desgarradora bajo la dirección magistral de Diego del Río. Nos sumerge en una historia interpretada en tiempo real, donde se entrelazan miradas, generaciones, formas de amar y maneras de afrontar el duelo.

En este breve encuentro, Betty (interpretada por Diana Bracho), una viuda adinerada que reside al otro lado del país, hace una escala en la ciudad donde vive Chris (encarnado por Juan Manuel Bernal), la ex pareja de su hijo André, quien falleció a causa del SIDA en 1990. Esta visita improvisada desencadena una serie de emociones y conflictos latentes.

Chris ha reconstruido su vida junto a Pierre (Eugenio Rubio), con quien tiene un hijo de 6 años llamado Danny (interpretado por Antuán Trejo y Luca Guerra). A pesar de que han pasado más de dos décadas desde que Betty y Chris se vieron por última vez, aún quedan resentimientos por sanar y cosas por perdonar.

Betty en "Madres e Hijos": "Ser parte de esta obra es un sueño hecho realidad. Trabajar con un grupo de profesionales tan extraordinarios es un regalo que agradezco profundamente".

La lucha contra el pasado y el dolor de una gran pérdida se hacen palpables a lo largo de la obra. "Madres e Hijos" nos invita a reflexionar sobre el perdón y las consecuencias de no enfrentar nuestros duelos. Es un espejo de la sociedad actual, que no solo aborda problemáticas del siglo XX y principios del XXI, sino que también nos hace cuestionar la sociedad que estamos construyendo en la actualidad.

Diana Bracho, emocionada, comenta sobre su papel como

Juan Manuel Bernal, sobre su participación en la obra, expresa: "¿Por qué quise hacer esta obra? Porque el amor es amor en todas sus formas: amor a los padres, a los hijos, a los hermanos, a los amigos, a uno mismo, a las parejas... Y este texto me hizo reflexionar. Me gusta meditar sobre las palabras de McNally en la obra: 'Claro que nunca podríamos haber tomado votos matrimoniales, ni podíamos obviamente. Ni siquiera era una posibilidad. No merecíamos la dignidad del matrimonio. Tal vez por eso sucedió el SIDA'".

"MADRES E HIJOS"

Dónde ver: Teatro Milán

FOTOS CARLOS MORA

"TENGO QUE MORIR TODAS LAS NOCHES"

Dónde ver:

"TENGO QUE MORIR TODAS LAS NOCHES"

Basada en la novela de Guillermo Osorno, "Tengo que morir todas las noches" es una instantánea del brillo y la efervescencia de una generación que, durante los años 80 en el entonces D.F., conoció la libertad en medio de una nueva y poderosa escena queer, enfrentando la represión social y el surgimiento del sida. A través de los ojos de un joven ávido por explorar el mundo, descubrimos a una tribu de disidentes entrañables que abren camino en una década que sacudió a nuestro país.

Dirigida por Ernesto Contreras y Alejandro Zuno, y protagonizada por José Antonio Toledano, David Montalvo, Brays Efe, Cristina Rodlo y Silvia Navarro, entre otros.

la libertad de ser”, comentó Ernesto Contreras.

La serie, producida por Alebrije Producciones, consta de ocho capítulos de aproximadamente 50 minutos, y recibió el premio a Mejor Dirección en el Festival de Series Manía, celebrado en la ciudad francesa de Lille.

"Tengo que morir todas las noches" es una serie muy especial para quienes formamos parte de ella, está dedicada a todas esas tribus de disidentes que alguna vez abrieron caminos y para quienes ahora continúan luchando por un mundo en el que tengamos

La producción compitió en la categoría Panorama Internacional del festival y fue una de las cuatro series premiadas entre las doce presentadas en preestrenos internacionales.

“Se trata de un proyecto sumamente sólido, ya que por una parte está el libro de Guillermo Osorno, el cual me parece una maravillosa crónica de la vida underground del México de los años 80, y por el otro lado está la dirección de Ernesto Contreras, un gran director con quien he hecho mancuerna en varios proyectos que nos han traído un gran número de reconocimientos y, por supuesto, muchas satisfacciones”, comentó Mónica Lozano, productora de la serie.

Amazon Prime Video

"TODO EL SILENCIO"

Ópera prima del director mexicano Diego del Río, está protagonizada por Adriana Llabrés, Ludwika Paleta y Moisés Melchor. Este drama explora identidades sordas poco representadas y muestra la complejidad de los diferentes mundos dentro del espectro audible en la vida cotidiana.

La historia sigue la vida de Miriam (interpretada por Llabrés), quien por las mañanas enseña Lengua de Señas Mexicana y por las tardes forma parte del montaje profesional de la obra de teatro "La Gaviota". Además, mantiene una relación estable y apasionada con su novia Lola (Paleta), una mujer sorda oralizada. Como la mayoría de las personas HOPS (hijos oyentes de padres sordos), Miriam siempre ha sido un puente entre el mundo de los sordos y el de los oyentes. Su identidad es "ser la que escucha", pero su mundo comienza a colapsar cuando la otosclerosis que padece desde niña comienza a dejarla sorda.

La película explora el proceso de duelo que enfrenta la protagonista al confrontar aquellas certezas que consideraba la componían como individuo. Es una experiencia inmersiva producida en colaboración por This is Why, Animal de Luz Films y Sorry, Dave, donde el ambiente acústico, los tonos y el volumen desempeñan un papel esencial en la trama. El diseño sonoro, a cargo de Miguel Hernández y Mario Martinez Cobos, permite al espectador ser testigo de los cambios y matices que transforman gradualmente la realidad de la protagonista. Producida por Luis Salinas, Inna Payán y María Ayub, cuenta con la participación especial de figuras representativas del teatro y del cine mexicano, como Diana Bracho, Arcelia Ramírez, Montserrat Marañón, Enrique Arreola, Mauricio García Lozano, Eugenio Rubio, Vicky Araico, Angélica Bauter y Enrique Singer, entre otros.

"TODO EL SILENCIO", Dónde ver: Amazon Prime Video

“LOS DEMONIOS DEL AMANECER”

El director mexicano Julián Hernández regresa con la película "Los demonios del amanecer", uno de los directores de cine mexicano que ha dedicado su carrera a crear varias películas y cortometrajes con temática gay, como "Mil Nubes" o "Rabioso Sol Rabioso Cielo", entre tantos títulos que han sido premiados en el extranjero, demostrando calidad y destreza para contar historias en la gran pantalla, haciéndolo acreedor de reconocimiento nacional e internacional.

En "Los demonios del amanecer", narra el amor juvenil que inicia en un transporte público, siendo el hilo conductor de la película, que fue ganadora en la Berlinale. El director, conocido por sus películas mayoritariamente con temática gay, siendo "Mil nubes de paz cercan el cielo, amor, jamás acabarás de ser amor", la primera de ellas, marcando un hilo narrativo en su estilo y visión cinematográfica.

El cineasta se define como un director provocador: filma películas que buscan romper barreras y enfrentar al espectador. Para muchos, su cine es gay, para él, son proyectos arriesgados y demandantes.

Orlando y Marco, dos jóvenes que habitan en la Ciudad de México, se conocen por casualidad y se enamoran. Día con día luchan por conseguir sus sueños: Orlando ser bailarín y Marco graduarse de enfermería. Ante un mundo diverso, cambiante y hostil, ellos aprenderán que, al final del día, al terminar la oscuridad de la noche, con sus cuerpos unidos y el alma en sincronía, habrán visto pasar de largo a todos esos demonios del amanecer.

"Los demonios del amanecer" cuenta con la dirección de Julián Hernández, guion de Gustavo Hernández de Anda y la producción de Roberto Fiesco e Iliana Reyes Chávez. Además, tiene como protagonistas a Luis Vegas, Axel Shuarma, Tony Corrales, Angélica Baños Hernández y Luis Miguel Mata.

"Priscilla, Reina del Desierto, el musical", hace su debut en México, basado en la galardonada película australiana "The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert", prometiendo una temporada inolvidable. Esta producción cuenta con las talentosas actuaciones de Alejandra Bogue, Roshell Terranova, Jesús Zavala y José Peralta. Con el libreto de Stephan Elliot y Allan Scott, esta producción promete cautivar al público mexicano con una experiencia teatral inolvidable. Dirigida, traducida y adaptada para México por Joserra Zúñiga, con dirección musical de Analí Sánchez Neri, coreografía de Hugo Curcumelis, diseño de escenografía de Sergio Villegas y Antonio Saucedo, diseño de vestuario de Giselle Sandiel y Valencia Gonzaga, diseño de iluminación de Félix Arroyo,

maquillaje de Dante Nyssen y diseño de audio de Sergio Santoyo, con dirección técnica de Fabián Espinosa. Priscilla transportará al público a través del árido desierto en un viaje lleno de color, música y diversión, donde cada personaje muestra audazmente cómo desafiar las normas sociales de manera provocativa y empoderadora.

A bordo de Priscilla, las icónicas drag queens Tick, Adán y Bernadette desafiarán las percepciones convencionales, inspirando mientras atraviesan el desierto. Esta comedia celebra la diversidad y reflexiona sobre el viaje de autodescubrimiento que es la vida, a través de canciones que nos transportan a momentos de nostalgia. Priscilla nos recuerda que nunca es tarde para emprender el camino hacia nuestro verdadero yo.

"PRISCILLA, REINA DEL DESIERTO"

"PRISCILLA, REINA DEL DESIERTO", Dónde ver: Centro Teatral Manolo Fábregas

FOTOS CARLOS MORA

"SERÉ BREVE AL MOMENTO DE MORIR"

¿Qué haces cuando tu mayor rival es el amor de tu vida?

Esta es la pregunta que se cuestiona en esta película dirigida por Juan Briseño y protagonizada por Mikael Lacko, Joan Kuri, Martín Saracho, Alejandra Cárdenas Ríos y Nova Coronel. La trama gira en torno a Sebastián, quien es aceptado en una importante compañía de danza y decide dejar a su familia para cumplir su sueño.

Ahí conoce a Arsenio, un atractivo bailarín, con el que comienza un apasionado y tórrido romance. La llegada de Mikael, el nuevo coreógrafo, complica las cosas, ya que exige mucho de los bailarines y los somete a una competencia brutal entre ellos.

Una vez que Sebastián es nombrado "primer bailarín", Arsenio, consumido por sus celos y vileza, junto con el resto de la compañía, traman un sádico plan para consumar una tragedia de épicas proporciones.

“Seré Breve al Momento de Morir” es una historia visceral que se desarrolla en una compañía de danza de la Ciudad de México, donde temas como el amor, el abuso de poder, la obsesión por el éxito, el acoso, el intercambio de favores sexuales, el bullying y la violencia dentro de la pareja, así como en el área laboral, van tejiendo una historia de amor tóxico entre dos jóvenes que comparten la misma pasión y el mismo sueño. Es la ópera prima de Juan Briseño.

"Seré Breve al Momento de Morir" tuvo su premiere en el Marche du Film en el pasado Festival de Cannes y su estreno internacional en el marco del premio Maguey en la edición 39 del Festival Internacional de Cine de Guadalajara.

"Los amantes astronautas", de Marco Berger Argentina, 2024

"Baldiga-Corazón sin candado", de Markus Stein, Alemania, 2024

PREMIO MARIPOSA

El Premio Mariposa Mix está dotado este año con un premio de 50,000.00 (cincuenta mil pesos) para el director de la cinta ganadora, que es patrocinado generosamente por Galaxia Polloxauhqui, en entrañable memoria de nuestro extraordinario videoasta mexicano, Víctor Jaramillo, un enorme amigo y uno de los más recordados artistas, presente desde los inicios del Festival Mix.

FESTIVAL MIX CUMPLE 28 AÑOS, ¡LISTOS PARA EL FESTEJO!

El festival de cine más antiguo de la Ciudad de México celebra otro año más gracias a la visión de Arturo Castelán, fundador y director del Mix México Festival de Cine y Diversidad Sexual. La inauguración está programada para el próximo 20 de junio y este año la edición se enfoca en casi un centenar de trabajos vigorosos realizados por destacados creadores del audiovisual LGBTQ+. Algunos de estos trabajos son retrospectivos, otros son muestras, varios son premieres, y hay una selección oficial de ocho películas en competencia por el Premio Mariposa del Festival Mix.

Las secciones Platino, Supernova, Spotlight, Pantalla de Látex y En Corto contarán con filmes de Brasil, Canadá, Estados Unidos, Grecia, Noruega y Suecia, entre otros países. Algunas de las presentaciones destacadas son los largometrajes "La huella de unos labios", dirigida por Julián Hernández, "Los demonios del amanecer", también de Julián Hernández (película en competencia por el premio Mariposa Mix), y "La pura vida", dirigida por Dylan Verrechia. Además, se llevará a cabo un homenaje a "Cuatro lunas", una película emblemática de Sergio Tovar Velarde, en conmemoración de su décimo aniversario.

Para más información sobre el programa completo, visita: www.mixfilmfest.com

"Góndola", de Veit Helmer Alemania, 2023

"Lengua extranjera", de Claire Burger, Francia, 2024

"Los demonios del amanecer", de Julián Hernández, México, 2024

"Fin/ Huling palabas", de Ryan Machado, Filipinas, 2024

"Sebastián", de Mikko Mäkela, Inglaterra/ Finlandia, 2024

"¿Quién detendrá la lluvia?", de I-Hsuan Su, Taiwán, 2024

ADRIANA LLABRÉS, actriz y productora de "Todo el silencio".

INAUGURACIÓN

Será realizada el 20 de junio en Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, conducida por los brillantes jóvenes actores Gustavo Egelhaaf, famosos y solidarios personajes de los medios; estaremos honrados de contar con la presencia de representantes de la Embajada de Francia y el Goethe Institut Mexiko. Se contará con una introducción musical a cargo del grupo de danza queer México de Colores; y se presentará al Jurado del Premio Mariposa Mix. Todo ello antecediendo a nuestro esperado filme inaugural, "Todo el silencio", una bellísima experiencia para los sentidos y la sensibilidad, es la esperada opera prima cinematográfica del excepcional y joven maestro de la dirección, Diego Del Río, con un reparto estupendo que incluye las actuaciones de Adriana Llabrés, Ludwika Paleta, Arcelia Ramírez y Diana Bracho.

FOTO CARLOS MORA

ALISTA FESTEJO POR 1O AÑOS DE "CUATRO LUNAS"

Gustavo Egelhaaf, protagonista de la cinta "Cuatro Lunas", película dirigida por Sergio Tovar Velarde y estrenada en 2014, se prepara para celebrar su décimo aniversario. En una entrevista, el actor habló sobre el significado de esta película mexicana que aborda la comunidad LGBTQ+.

La cinta tendrá una función especial en el marco de la edición 28 del Festival Mix México: Cine y Diversidad Sexual y de Género.

¿Cómo te sientes al haber participado en esta película?

Estoy profundamente agradecido porque "Cuatro Lunas" fue mi primera película, mi primer protagónico. La llevo en el corazón desde siempre, y no solo eso, llevo a muchísima gente y muchos seguidores y fans de la película que, 10 años después, aún me apoyan. Para mí, significa un antes y un des pués en mi vida y en mi carrera. Tener la oportunidad de volver a verla en pantalla grande me llena de felicidad. No puedo esperar para disfrutar esa función con mucho entusiasmo.

¿Cómo te sientes a 10 años del estreno?

Hace 10 años mi cuerpo funcionaba de manera diferente, pero hoy me siento mucho más agradecido y preparado como ser humano para disfrutar las cosas que hago. No cambiaría nada. He sido un actor muy afortunado y eso me emociona muchísimo.

¿Qué opinas del Festival Mix?

Me parece crucial apoyar este festival. No solo por el esfuerzo que implica, sino por la gran programación que ofrece y el trabajo arduo del director del Mix, Arturo Castelán, para traer contenido LGBTQ+ que no se ve en otros lugares. Es importante celebrar y estar agradecidos por tener este festival y aprovecharlo al máximo.

Y por último, estar en la obra "Cabaret"...

Para mí es un sueño ver esto en retrospectiva, desde mi primer protagónico en cine hasta estar una obra de teatro en el Teatro Insurgentes, dirigida por Mauricio García Lozano.

Por Carlos Mora

FOTO CARLOS MORA

La Fundación Ford reconoció al activista Guz Guevara luego de una trayectoria de más de 10 años en la defensa de los derechos humanos, específicamente de las poblaciones LGBTQ+ y con discapacidad. Fue una de las 9 personas seleccionadas, siendo el único mexicano en el listado, y la única persona que vive con una discapacidad en ser reconocido mundialmente por esta iniciativa.

La iniciativa “Creatividad y Espacio Cívico” trata sobre la importancia de proteger y expandir el espacio cívico alrededor del mundo. Otorga becas, difusión y apoyo en proyectos a artistas y organizaciones de diversos orígenes alrededor del planeta, que trabajan para crear espacios abiertos y de diálogo sobre diversas problemáticas regionales.

En entrevista, el activista comentó: "Fue algo que me tomó por sorpresa. Me avisaron hace algunos meses y al principio pensé que podría ser una convocatoria o una etapa preliminar, pero luego me informaron que había sido seleccionado. Me sorprendió mucho, me emocioné y me sentí muy contento".

Cada persona seleccionada aborda una situación particular que amenaza el espacio cívico en su región, que van desde la impunidad por violaciones a derechos humanos, hasta la corrupción, desinformación y discriminación contra las personas con discapacidad, entre otras. Todas son originarias de 6 distintas regiones del mundo: Asia, África, América Latina, Medio Oriente y Norteamérica.

Guz Guevara se denomina como activista anticapacitista, es comunicador, conferencista e intérprete. Desde muy joven, alrededor de los 17 años, descubrió su orientación sexual y decidió abrazarla, primero con él mismo y luego con su entorno cercano. Inicialmente, se involucró en el activismo relacionado con las personas con discapacidad. A los 23 años, se sumergió por completo en el activismo y, a los 25, decidió no ocultar su sexualidad. Actualmente, a sus 33 años, sigue comprometido con su labor.

Actualmente, es conductor del programa televisivo “80 Millones”. Una emisión pionera en la televisión mexicana, ya que aborda de manera digna las necesidades y retos a los que se enfrentan las personas con discapacidad en el país.

Además, está próximo al lanzamiento de su EP titulado “Inválido”, que formará parte del soundtrack del documental titulado “FOSFO”, co-dirigido con Humberto Busto.

Por Carlos Mora

RECONOCEN SU ALTRUISMO EN LA LUCHA LGBTQ+