REVISTA CAMEO 33

MINA SERRANO "CRIS MIRÓ"

HUMBERTO BUSTO

BRAYS EFE

"TENGO QUE MORIR TODAS LAS NOCHES"

JUAN MARTÍN JÁUREGUI

ANDY ZUNO

“SOY TU AMANTE”

"Sermismayo NO TIENE QUE SER UN ACTO DE VALENTÍA"

POR CARLOS MORA

MINA SERRANO es la elegida para dar vida a la primera vedette trans de la revista del Teatro Maipo en Buenos Aires en la serie biopic original "Cris Miró (Ella)". La historia, basada en la novela “Hembra, Cris Miró - Vivir y morir en un país de machos” de Carlos Sanzol, recorre la vida y trayectoria de una de las exponentes más imponentes y emblemáticas.

En 1995, vio la oportunidad de presentarse al mundo como realmente se sentía. Dejó atrás su vida y un género que no la representaba, y construyó su identidad como Cris Miró, una mujer magnética que logró, al calor de la fama, visibilidad y aceptación en la sociedad argentina.

¿Qué fue lo que cambió en tu carrera al hacer esta serie?

Me cambió en muchos sentidos. Estar en un set tantas horas, entregarse, te cambia, te da otra dimensión de ti misma, otra dimensión de tus capacidades y de tu trabajo. Además, fue un viaje con la figura de Cris Miró. Para mí, ella fue una persona trascendental y una inspiración, incluso antes de hacer la serie, desde años anteriores.

También creé un vínculo con ella, aunque ya no viva. A veces me encuentro deseando que

la persona con la que más me gustaría compartir esto es con ella. Cuando estoy en Buenos Aires y veo la ciudad llena de carteles con su nombre, gigantes en pantallas, pienso: "¡Cómo me gustaría que viera este momento que estoy viendo a su lado!". Además, al fundirme con un personaje como Cris, que tiene tantas cosas buenas, permití que algo de ella entrase en mí y se quedase, porque aprendí muchas lecciones de vida con ella, cómo encarar muchas situaciones.

¿Qué sentiste la primera

vez que te viste como Cris Miró?

Fue mágico. Me miraba en el espejo y sentía que me desdoblaba, veía a Cris y veía partes de mí también. Había un lindo diálogo entre nuestras imágenes. Era fascinante, ella era increíble, una diosa. Fue un gran sueño.

¿Qué aprendiste de ella?

Hay algo que puede parecer superficial en una primera instancia: aprender a sonreír más. Era un gesto que ella utilizaba mucho y denotaba su apertura a la gente, sin

predisponerse a que la juzgaran o a que no la aceptaran o incluyeran en entornos donde quizá no estaban habituados a una persona como ella. Me dio una pista muy fuerte de cómo yo también quería estar en este mundo. No quiero estar en este mundo a la defensiva, quiero romper techos de cristal y encontrar oportunidades nuevas a través de la bondad y la apertura. Siento que eso lo aprendí a partir de Cris.

¿Hay varias escenas que realizó la propia vedette en la vida real?

"YO ME SENTÍA COMO UNA EXTRATERRESTRE, MIRANDO A MI FAMILIA SIN ENCONTRAR A ALGUIEN QUE COMPARTIERA MI EXPERIENCIA PORQUE CRECÍ EN UN PUEBLO MUY PEQUEÑO DE ANDALUCÍA"

Hay coreografías que me apetecía mucho recrear. Una de las primeras fue donde salgo solo con una toalla, inspirada en una coreografía real de Cris antes de su fama, en los bares y boliches gays de Buenos Aires. Versionamos ese vídeo de archivo que teníamos.

Siempre me pareció fascinante porque hay algo hipnótico en un buen espectáculo que parte de una premisa sencilla como la desnudez y una toalla. Rodarlo fue cansado, y rodar desnuda siempre tiene sus complicaciones, pero fue mágico.

En la serie muestran un archivo histórico videográfico. ¿Por qué decidieron incluir a la Cris real en la serie?

Una razón fue que nos parecía bonito que ella misma estuviese en su serie, ya que teníamos acceso a ese material, para que la gente pudiera verla. En el guion está escrito como hay dos Cris: la real y la ficcional, que sería yo. Nos parecía bonito compartirlo con su imagen, con ella. Otra razón es de preservación. Estos vídeos de archivo, algunos están en YouTube y pueden desapare-

cer. El hecho de que figuren en una serie pública significa que siempre estarán ahí. Muchas veces, el problema de nuestra historia es que se borra.

¿Qué opinas de contar las historias de mujeres trans en las series y en el cine, como La Veneno en España o Cris Miró en Argentina?

Por un lado, podemos ubicar distintas ficciones que cuentan la historia de una persona trans relevante o que cambió la sociedad. Pero también pienso, al menos yo como artista, como actriz, en contar

buenas historias, simplemente. Son historias con las que la gente puede emocionarse, inspirarse y querer ser mejor. Para mí, ese es el objetivo. Creo que ahí está lo rompedor: que una buena historia es una buena serie con la que todo el mundo se puede identificar y conectar, que puede hacer soñar. Da la casualidad de que está protagonizada por una persona trans y cuenta la historia de una persona trans. Pero, si bien entiendo el valor social que tiene y el motor de cambio que es, también pienso que no quiero caer solo en eso.

"CADA VEZ ME PERMITO SOÑAR MÁS GRANDE"

Creo que el camino es entender que son historias que interesan y que deben ser contadas, más allá de la particularidad de que vengamos de una minoría.

¿Cómo ves que cada vez hay más visibilidad hacia la gente trans?

¡Ya era hora, ¿no?! Porque hay tanto talento en la comunidad desaprovechado que, claro, me hace muy feliz. Por ejemplo, vemos el caso de Karla Sofía Gascón, que ganó la Palma de Oro en el pasado festival de Cannes como Mejor Actriz. Siento que las personas trans, al haber hecho una transición, al haber hecho el esfuerzo de encontrarnos a nosotras mismas en un contexto que quizá no es favorable y donde la gente no te recibe con los brazos abiertos, adquirimos una sensibilidad muy profunda. La visibilidad debe transformarse en oportunidades diversas.

Pero también quiero ver más productoras, guionistas, directoras. No solo ser el objeto en pantalla, sino también las creadoras de nuestro contenido y nuestras historias. Pero, sobre todo, ser buenas artistas. Eso es lo fundamental.

¿Cómo vives el hate hacia la comunidad trans?

Es triste que tengamos que ser fuertes y valientes. Yo conflictúo mucho con eso porque ser valiente... digo, a ver, no me queda otra. Realmente, para mí, ser yo misma no es un acto de valentía. Es ser simplemente consecuente y lógica con mi naturaleza y con lo que soy. Por desgracia, requiere más esfuerzo y valor.

El hate es una realidad que nos afecta a todos. Además, el hecho de ser mujer o de encarnar una identidad femenina en la sociedad te expone a más juicios por tu aspecto físico, por tu feminidad, por tu estilo, por las cosas que haces o dejas

de hacer. Va intrínseco en el hecho de ser mujer y en una persona trans se cuestiona aún más. En mi caso, por suerte, hay algo en la energía de la serie que me protege del hate. Por supuesto hay comentarios, pero me preparé para mucho más.

Sobre el rechazo a los hijos por su orientación sexual. ¿Qué opinas?

Siento que explica muy bien el conflicto de muchas madres o familiares que, por miedo a lo que les pueda pasar fuera, reprimen a sus hijos y se convierten en su mayor obstáculo. Muchas veces viene del amor y del miedo. Lo viví con mi familia y fue muy intenso grabar esa parte. Muchas madres me han escrito que les hizo pensar y reflexionar sobre cómo se relacionan con sus hijos. Eso me parece lo más bonito del mundo, que la serie anime a la gente a pensar y que las familias tengan conversaciones sobre esto a raíz de la serie.

¿Qué le dirías a las nuevas generaciones? Tú misma eres un referente para las mujeres trans.

Les diría que sean honestas, honestos,

honestes consigo mismos, que busquen su frecuencia y referentes, que investiguen. No hay nada más enriquecedor que comprender nuestra historia, a las personas que vinieron antes de nosotras, que nos hicieron la vida más fácil. Yo me sentía como una extraterrestre, mirando a mi familia sin encontrar a alguien que compartiera mi experiencia. Crecí en un pueblo muy pequeño de Andalucía. Buscar referentes y encontrar a personas que ya se sintieron como yo me siento es muy empoderador. Nos permite continuar nuestra historia y conocer a nuestros referentes. Así que, que busquen dentro de sí mismas, pero también a quienes vinieron antes.

Y Mina Serrano, ¿hasta dónde quieres llegar?

¡Como diría Madonna, dominar el mundo! ¿Por qué no? Cada cosa que me pasa, hay algo en que la sociedad te dice que no vas a poder llegar a ciertos sitios y cuando empiezas a llegar, piensas: "Bueno, pues que me echen más". Cada vez se rompe un techo de cristal y me permito soñar más grande.

¿Quién fue Cris Miró?

En 1995, Cris Miró fue elegida como la primera vedette trans de la revista del Teatro Maipo en Buenos Aires. Una sensual y ambiciosa Cris vio la oportunidad de presentarse al mundo como realmente se sentía. Construyó su identidad como Cris Miró, una mujer magnética que logró, al calor de la fama, visibilidad y aceptación en la sociedad argentina. Sin embargo, un diagnóstico de VIH positivo sacudió sus planes y la llevó a maquillar su agonía.

Aunque su carrera profesional fue muy corta (su debut teatral fue en 1995 y falleció en 1999), fue suficiente para dejar una huella en la sociedad argentina y ser considerada un ícono a 25 años de su muerte. Miró allanó el camino para la visibilidad de la comunidad trans en la sociedad local, al hablar de su identidad de género en programas de televisión de alcance masivo.

ES TIEMPO DE ABRAZAR NUESTRAS PROPIAS HISTORIAS:

ALEJANDRO ZUNO

El director mexicano habla sobre la serie "Tengo que morir todas las noches", basada en la novela de Guillermo Osorno, una instantánea del brillo y efervescencia de una generación que, durante los años 80 en el entonces D.F., conoció la libertad en medio de una nueva y poderosa escena queer, enfrentando la represión social y el surgimiento del VIH/SIDA. A través de los ojos de un joven (José Antonio Toledano) ávido por explorar el mundo, descubrimos a una tribu de disidentes entrañables (David Montalvo, Brays Efe, Cristina Rodlo, Humberto Busto y Silvia Navarro) que abren camino en una década que sacudió a nuestro país.

POR CARLOS MORA

¿Cómo fue que conciben hacer esta serie?

Primero muchas gracias por el espacio y por tu interés en la serie. Te cuento que Ernesto Contreras es uno de mis mejores amigos desde hace mucho tiempo. Fui su primer asistente de dirección en tres de sus películas: "Las oscuras primaveras", "Cosas imposibles" y "Papá o mamá". Cuando Ernesto dirigió una serie llamada "Asesino del olvido", me invitó a dirigir la segunda unidad. Así que nos une una amistad creativa y colaborativa. Siempre nos damos a leer los guiones y rebotamos ideas. La invitación a "Tengo que morir todas las noches" fue muy natural. Él tiene algo que admiro mucho: impulsa a la gente en la que cree, tanto en los equipos creativos como en actrices y actores. Yo venía de dirigir algunos cortometrajes que habían tenido buena recepción y que abordan temas relacionados con la diversidad sexual y la identidad de género, así que sintió que yo era un aliado natural por mi conocimiento del tema cuando le llegó este material.

¿Cómo fue este proceso de adaptarla el libro de Guillermo Osorno?

Llegó a partir de Jorge Tijerina que tuvo la idea de adaptar el libro de Osorno. Estábamos haciendo "Asesino del olvido" cuando nos lo contó. Ernesto me dio a leer un primer tratamiento de piloto y me gustó mucho la idea. El libro habla del bar El 9, uno de los primeros sitios abiertamente gays de la Ciudad de México, y de personajes que rodeaba a Henri Donnadieu -dueño del bar-, quienes abrieron muchas puertas y brechas para la diversidad sexual.

La serie tiene un gran elento.

Algunos los invitamos directamente, como Brays Efe o Silvia Navarro. Otros pasaron por un proceso de casting a cargo de Isabel Cortázar y Andrea Beatty. Isabel vivió los ochentas y fue a El 9, por lo que entendía muy bien el contexto y le entusiasmó el proyecto. Fue un proceso largo y complicado, pero afortunado. Todos, la mayoría pertenecemos al colectivo LGBTQ+ y abrazamos la historia como propia. A Ernesto y a mí nos gusta mucho el proceso de dirección de actores, ensayar y hacer trabajos de mesa. Eso generó confianza y nos volvimos una tribu, como en la serie. Hoy en día tenemos nuestro chat de WhatsApp llamado "La Tribu", donde estamos en comunicación y sabemos que en momentos difíciles ahí estamos para cubrirnos las espaldas.

¿Qué tan difícil fue adaptar este libro?

Guillermo no estuvo involucrado. Cedió los derechos del libro y fue generoso al permitir total libertad creativa. Sergio Mendoza, un guionista experimentado y hombre gay, supervisó el proceso de escritura. Trabajamos con Fanny Soto, guionista de "Cosas imposibles". Había mucha confianza creativa.

Ernesto Contreras es uno de los cineastas más reconocidos de México. ¿Qué has aprendido de él?

He aprendido mucho. Lo principal es su rigor y la enorme planeación que dedica a cada proyecto. Llega cada día de filmación con las escenas dibujadas en un storyboard. Sin embargo, no se aferra a lo que ya tiene planeado y permite que la inspiración del día fluya. Su capacidad para involucrar a todos y hacer que sientan que el proyecto es importante es impresionante. También he aprendido a no leer todas las críticas y enfocarme en lo que realmente importa.

La serie toca temas de VIH/SIDA de manera diferente a las películas de los 90s. ¿Cómo fue abordar este tema sin hacerlo tan crudo?

Discutimos mucho sobre cómo abordar el tema del SIDA. Vimos muchas películas y series previas. Sentimos que la serie británica "It's a Sin" era cercana, pero todos los personajes mueren. Queríamos mostrar que también hay sobrevivientes. Tengo un amigo que contrajo VIH en los 80s y vive como indetectable hoy en día. Queríamos mostrar ambas caras, con personajes que fallecen y otros que sobreviven. Nos parecía importante tener un final luminoso, no tan triste.

La serie es inspiradora y representa a la comunidad LGBTQ+ en México. ¿Cómo ves la importancia de visibilizar estos temas en series y películas?

No me considero activista, pero trato de contribuir a la visibilización de ciertos temas a través del arte. Soy un hombre gay que creció en los 90s, una década muy homófoba. En ese entonces, no había nada con lo que me sintiera identificado. Luego llegaron series como "Queer as Folk" y "The L Word", pero eran lejanas. Faltaba una serie LGBTQ+ mexicana con nuestra identidad. Queríamos mostrar la diversidad dentro de la diversidad y que las personas se sintieran reflejadas.

Fue increíble ver a Alejandra Vogue en la serie.

Conozco a La Vogue desde hace muchos años. Estuvo en mi tesis del CUEC en 2009. La Vogue es una figura emblemática de El 9, y había que invitarla. Ella montó un número que bailó en el bar original, y lo recreamos en la serie. Fue muy especial para ella y para nosotros.

Ahora hay más visibilidad para las personas LGBTQ+ en series y películas. ¿Qué te han comentado sobre la serie?

Queríamos conectar con la juventud y los chiques de ahora, aunque la historia se desarrolla en los 80s. Me emociona leer comentarios en redes sociales de gente joven que se siente conectada. Queríamos lograr eso, que los temas conectaran con la gente hoy en día.

BRAYS EFE

NO TEME A ENCASILLARSE

El actor español, famoso por dar vida a su emblemático personaje Paquita Salas, habla en exclusiva sobre su nuevo personaje en "Tengo que morir todas las noches". "Arti es una especie de 'hada madrina' y es mucho más bueno de lo que yo soy", comenta. "Pero me encantó esta experiencia de trabajar en una serie mexicana".

POR CARLOS MORA

¿Cómo fue tu experiencia de trabajar en esta serie y de trabajar en México?

La verdad, jamás imaginé que me llamarían para una serie así en México. Me siento súper afortunado porque es una historia muy arraigada allí, con la que también siento que tengo mucho en común. Había hecho otro proyecto en México, pero mucho más indie y alocado en términos de producción, así que esta fue mi primera experiencia más seria. Tuve un poco de shock cultural, especialmente con algunas palabras que no entendía, como "retomamos". Yo pensaba que significaba otra cosa, pero por lo demás, me he sentido súper bien acogido. He tenido la suerte de que el equipo, tanto artístico como técnico, ha sido increíble. Nos han acogido muy bien y al final hemos formado una especie de familia, lo cual puede sonar típico, pero en este caso siento que es verdad. Desde el principio, la historia tenía algo tan bonito que nos unió a todos con el mismo propósito de querer contarla bien.

¿Qué le aprendiste a Arti, tu personaje?

La verdad, es un personaje muy bonito. Desde el principio, cuando lo leí, me pareció que esa cualidad de "hada madrina" que tiene era completamente real. Creo que todos, independientemente de nuestra experiencia y sexualidad en la vida, hemos encontrado alguna vez, al llegar a una ciudad grande que no conocemos, a una persona que simplemente nos ayuda. Creo que hay mucho poder en eso.

En ese sentido, también siento que Arti da mucho, pone la otra mejilla constantemente y se abre totalmente a sus compañeros, a la gente que lo rodea e incluso a desconocidos. Esto me hacía plantearme si yo podría ser así, y creo que no. Me preguntaba cómo perdonaba tan rápido. Tuve que encontrar el mecanismo dentro de mí para que eso tuviera lógica y contarlo desde un punto de vista que hiciera sentido. Me parecía que Arti es mucho más bueno de lo que yo soy. Ponerse en esa situación es bonito, es algo que te enseña.

¿Cómo fue trabajar con Humberto Bustos, tu pareja en la serie, y con el resto del elenco?

No puedo estar más agradecido de todas las personas con las que he compartido en esta serie. Siento que hay un elenco muy diverso, no solo en la diversidad de identidades y personalidades queer, que es algo importante y genial, sino también en términos de trayectoria. Hay gente que está empezando, gente que lleva toda la vida, gente con carreras de todo tipo y con métodos de todo tipo. Es muy chulo ver cómo cada persona afronta su trabajo en el rodaje y al final aprender un poco de cada uno.

Con Humberto, ha sido un trabajo muy agradable. Hemos tenido una gran experiencia juntos, y el hecho de hacer de pareja en la serie nos unió mucho. Para prepararnos, estuvimos yendo a cenar unos cuantos días, yendo al teatro juntos y haciendo ese tipo de cosas. Desde el principio, me pareció una persona increíble y muy generosa, lo cual se mantuvo durante todo el rodaje.

También he conectado mucho con José Antonio Toledano, con quien tengo una relación muy especial en la serie. Incluso con Manuel Masalva, con quien comparto menos escenas, es alguien a quien le tengo un cariño tremendo. Siento que hay algo muy bonito en que todos hayamos compartido esta historia, a pesar de tener más o menos escenas juntos. Hay esa sensación de darle el lugar que esta historia merece, algo que todos compartíamos y que era muy bonito.

¿Qué opinas de los temas que toca la serie, algunos tan actuales como la transfobia, el VIH/ SIDA y demás?

Creo que la serie habla de cómo la realidad no es exactamente lo que creemos siempre. Trata de un momento antes de la crisis del VIH en el que los derechos del colectivo estaban avanzando. Fue una gran excusa, se utilizó para hacer que el colectivo diera esos pasos atrás.

En ese sentido, es bonito ver el cambio que ha habido respecto a lo que esa condición significa para la vida de una persona. Ahora tenemos la suerte de tener muchísima más información sobre el tema. En ese momento no se sabía nada y ese miedo se contagió, nunca mejor dicho, al colectivo y a cómo se relacionaban. Ver que ahora estamos en otro punto totalmente distinto con eso es muy gratificante.

Pero también es verdad que muchos de los temas tratados en la serie podrían estar en el mismo lugar hoy en día. Seguimos viendo muchas historias de personas a las que sus familias rechazan por su identidad y cosas de este tipo. Me parece que estas historias deberían ser solo de series de época, no de la vida actual. Pero sorprende ver que no es así.

Gracias por apoyar y alzar la voz por la comunidad LGBTQ+.

Estoy realmente emocionado y espero que todos vayan a ver "Tengo que morir todas las noches", porque creo que encontrarán una serie hecha con mucho cariño y con un montón de historias que merecen ser contadas. ¡Espectacular, la verdad!

HABLANDO DE...

Sobre Paquita Salas. ¿cómo es desprenderte un poco de este personaje?

No me quiero desprender nunca de Paquita porque estoy súper agradecido y encantado con el personaje. Siento que cualquiera que vea Paquita notará mi capacidad para hacer un gran trabajo. Me siento tranquilo y conforme con eso. Luego está en la imaginación de las personas que me llamen después para ofrecerme oportunidades diferentes. A veces siento que la gente tiene la idea de que uno puede decidir su carrera más de lo que realmente puede. Al final, los actores estamos muy a merced de lo que los directores imaginan para nosotros. Dicho esto, "Paquita Salas" ha sido una serie que me ha permitido ser visto de otra manera y ha traído proyectos tan interesantes como este y varios otros en los últimos años, que me han permitido hacer cosas muy diferentes. Estoy muy agradecido de que muchas veces la gente me pregunta si no me da miedo que Paquita me encasille. Siento que Paquita es lo que me ha desencasillado,ha sido el personaje en el que me han podido ver de otras maneras.

¿Hiciste el doblaje de Vergüenza en la cinta "Del Revés 2" en España (Intensamente 2 en México, Inside Out 2, en inglés)?

Veo que hay mucha discusión en línea sobre el título en español. Es cierto que "Intensamente" es un buen título y está bien conceptualizado, pero "Inside Out" significa "Del revés". Personalmente, no quiero involucrarme en esta discusión, que parece ser bastante intensa. A día de hoy, todavía recibo notificaciones sobre este tema.

Fue un placer y un honor para mí. Crecí viendo las películas de Pixar y, siendo adolescente, películas como Toy Story y Bichos fueron muy importantes para mí. Poder formar parte de esa historia para alguien más ahora me parece increíble.

Y sobre todo con un personaje tan encantador como Vergüenza, que aunque no habla mucho, dice muchas cosas con sus sonidos. Ha sido muy divertido interpretarlo en el doblaje.

El actor da vida a Carlo, el dueño del bar El 9, un refugio nocturno para quienes se atrevían a vivir la diversidad sexual en los años 80 en la Ciudad de México, donde la diversión era resistencia. Este lugar es el protagonista de la serie "Tengo que morir todas las noches", una adaptación del libro homónimo de Guillermo Osorno.

ANHELA NARRATIVAS DIVERSAS HUMBERTO BUSTO

POR CARLOS MORA

¿Cuál fue tu experiencia de estar en esta serie?

Mi experiencia en esta serie fue totalmente especial desde el principio, ya que es bastante inusual encontrar en el mainstream unas coordenadas tan queer en todos los sentidos. Es decir, la gran mayoría de nosotros que nos involucramos tanto a nivel creativo como actoral somos parte del colectivo LGBTQ+. Creo que esto le da una atmósfera muy propia, ya que estamos más acostumbrados a que nos cuenten historias, pero no a ser los dueños absolutos de la narrativa. Fue un gran acierto llevar a cabo una ficción que fuera digna para los personajes, poderosa, compleja, emotiva y fiel a quienes somos. Esto hizo que el set fuera muy lúdico y placentero.

¿Cómo te sentiste al compartir también con grandes actores y actrices?

No hay nada más satisfactorio que estar con actores que sabes que están entregándose completamente al mirarte a los ojos. Es común encontrarse en sets con amigos o colegas profesionales, pero a veces no se logra alcanzar el alma, especialmente en proyectos más grandes. Esto es más frecuente en el cine, mientras que en formatos cercanos al streaming o la televisión, es difícil que se convierta en una conexión vital en la que realmente estés conectado con el otro. En cada secuencia y toma nueva, buscas profundizar y entender más lo que está ocurriendo. Esto me fascina porque considero que el oficio de actuar es extremadamente delicado y requiere mucha sensibilidad. El casting fue uno de los grandes aciertos.

Haces pareja con el actor español Brays Efe, ¿cómo fue crear esta mancuerna de Arti y tu personaje Carlo?

Hacer pareja con Brays fue muy divertido, porque él tiene una personalidad explosivamente radiante, un humor muy particular y una forma de estar en el mundo que es muy propia de él. Todos los que somos fans de su personaje en la serie "Paquita Salas" conocemos bien su trabajo, así que fue todo un ejercicio alejarnos de ese personaje para construir una nueva ficción. Creo que hicimos una buena mezcla, ya que Carlo, mi personaje, tiende a tomarse emocionalmente las cosas más en serio. Aunque ambos enfrentábamos los mismos conflictos, nuestras personalidades eran distintas. Mi personaje es mucho más dramático, temeroso en muchos sentidos y más enredado con respecto a su identidad y quién es.

mayoría de las películas sobre el VIH, al ser producidas por estudios cis heterosexuales, tienden a presentar una visión muy victimizante con pocas posibilidades de triunfo. Lo que aprecio mucho de "Tengo que morir todas las noches" es que todos los personajes son tratados con dignidad y experimentan un proceso de evolución y comprensión de esa circunstancia.

¿Qué opinas de la diversidad de personas en la serie?

Es la serie con más invitados, actores y actrices trans y no binarios en la historia de México. No estoy seguro si también es así en Latinoamérica, pero al menos en México sí lo es. Es triste porque si miras otras series que ya han tratado estos temas en otros países, sientes que estamos rezagados décadas atrás. Al final, la realidad en la calle es esa: la diversidad

junto con una tradición religiosa enorme.

Entonces, son muchas capas las que hemos tenido que desentrañar para llegar a esto. Es un trabajo continuo y arduo, porque no solo se trata de cambiar leyes, sino también de cambiar mentalidades y actitudes profundamente arraigadas en la sociedad. La visibilidad y representación en medios como series y películas pueden ser muy útiles, pero también necesitamos un cambio profundo en la educación y en cómo nos relacionamos con la diversidad.

¿Cómo ves las nuevas generaciones que vienen?

Veo las nuevas generaciones con mucho optimismo. Trabajar con jóvenes con discapacidad y jóvenes trans me llena de esperanza. Las ideas revolucionarias que traen, proponiendo un nuevo orden social que res-

"ESTÁBAMOS TANTO TIEMPO EN EL SET

QUE ME DABA MUCHA TRISTEZA DEJARLO. SE FORMÓ UNA TRIBU DE VERDAD QUE

CÁMARAS"

Así que tener la oportunidad de actuar con el personaje de Brays, que estaba en un tono diferente, creó un buen intercambio para desarrollar esta pareja, y al público le está encantando.

Unos de los temas que habla la serie es el VIH/SIDA, se aborda desde un enfoque más humano y menos crudo que en muchas series o películas anteriores.

Creo que la diferencia radica en quién cuenta esa historia. La

xtexiste en todo su esplendor en el mundo, y es ahí donde ninguna imagen es irrelevante.

Vivimos en un país profundamente machista con un fuerte machismo internalizado. Son muchas capas las que hemos tenido que desentrañar para llegar a esto.

Desafortunadamente, una persona trans no puede salir a la calle sin enfrentar violencia. Vivimos en un país retrogrado con un machismo muy arraigado y posturas radicales que solo aumentan la división,

Tengo fe en que estas nuevas generaciones seguirán adelante, a pesar de los desafíos, y continuarán impulsando cambios significativos.

pete la diversidad de funcionalidades corporales, identidades y etnias, son muy inspiradoras. Es como si por primera vez en la historia se unieran el feminismo, el activismo indígena y las luchas por la igualdad racial y de discapacidad.

Estas generaciones están desafiando las narrativas establecidas y resistiendo la violencia sistémica de aquellos que se aferran al statu quo. A lo largo de la historia, hemos visto que este tipo de resistencia no se detiene fácilmente.

En lo personal que te dejó formar parte de "Tengo que morir todas las noches" Me siento más cercano y más parte del colectivo. Por estar muchos años viviendo fuera o por otras razones, no lo sentía así. Aunque sé que existen muchas complejidades dentro del colectivo,—yo llamo colectivo más que comunidad porque siento que hay muchas comunidades dentro de él —, me da mucho gusto estar cercano a gente que está muy de avanzada proponiendo estas luchas. Me siento totalmente identificado y me vuelve a prender una mecha que me quita la comodidad de la heteronormatividad, que se ha ajustado a un gay como yo de más de 40 años, que en teoría, entre el privilegio y las cosas que le toca vivir, ya estaba muy tranquilo en mi casa. Volver a salir, hablar, tener conversaciones, diálogos, encuentros y entrevistas que de alguna manera sigan haciendo que la gente vaya entendiéndonos y vaya cambiando su perspectiva, me ha dotado de una vida nueva. Me ha hecho sentir que se empiezan a juntar la coherencia entre el oficio que me gusta mucho y lo que pienso de la vida y lo que me importa de la vida. Es imposible separarte de ti mismo. Tu propio cuerpo es activismo, tu propio cuerpo es tu discurso, esta entrevista es un discurso. En cuanto tomas una postura frente al mundo, hay una cierta parte de activismo que se detona. Cada quien decide hasta dónde llegar, pero sí, efectivamente, se vuelve un hecho activista.

JUAN MARTÍN JÁUREGUI

TRAE JUSTICIA EN "FUGITIVAS..."

El actor regresa a la pantalla chica en la novela "Fugitivas en busca de la libertad", que cuenta la historia de cuatro reclusas: Lorena, Frida, Lisset y Montse. Estas mujeres logran escapar de la cárcel durante una fuga masiva y, tras ser encarceladas injustamente, buscarán limpiar su nombre. En esta trama, Jáuregui interpreta a Ismael Domínguez, el fiscal de la historia. El actor habló sobre los detalles en una entrevista con la Revista Cameo.

POR CARLOS MORA

Cuéntame sobre tu personaje.

Mi personaje es un fiscal, se llama Ismael Domínguez. Aunque se encarga de perseguir a estas fugitivas, muchas de las cuales son culpables y otras no, está enamorado de la protagonista de esta historia, que es Daniel Álvarez. Lo interesante es esta dualidad: por un lado, está enamorado de ella, pero por otro lado la tiene que perseguir y atrapar. Él no cree en su inocencia. La condenan injustamente. Pero las pruebas para el fiscal son muy claras de que ella es culpable de un asesinato que sucede en el primer capítulo. Entonces, este conflicto interno entre tener que atraparla y estar enamorado de ella creo que hace al personaje muy interesante y entretenido.

¿Trabajar con Lucero Suárez, cómo ha sido?

Es mi segundo proyecto con ella. El primero fue "Sos me estoy enamorando", hace dos o tres años. Me llamó para trabajar en una telenovela que hizo, pero ya estaba en otro proyecto. Es una productora con una energía incansable. No se va del set hasta que termina la última toma, cosa que no sucede con todos los productores. Ella escribe las historias o las adapta y es muy detallista. Es una productora que me encanta. Cualquier actor que trabaje con ella va a tener una experiencia maravillosa porque es incansable, apasionada, y eso contagia a todo el equipo, a los actores y actrices. Ella es una garantía para la empresa.

FOTO CARLOS MORA

¿Cuál es la diferencia entre volver al formato tradicional de telenovela y una serie?

Un compañero actor me decía que a veces se menosprecia a las telenovelas porque es más cansado. El volumen de material que uno tiene que grabar por día es mucho mayor. Por ejemplo, por eso los estándares de calidad son más complejos en una telenovela, porque en cuatro meses tienes que grabar 80, 90 capítulos y en una serie te llevas tres, cuatro meses para grabar ocho o 12 capítulos. El tiempo que le puedes dedicar a un capítulo es de una semana, cuando en la telenovela clásica en un día tienes que grabar prácticamente un capítulo entero. Entonces, tener 40 minutos de tiempo efectivo es muchísimo. El trabajo del actor es el mismo, pero sí hay diferentes tiempos donde la calidad es muy notoria.

¿Ya tienes muchos años trabajando en México?

Cuando llegué a México, no tenía mucha idea de las diferencias entre TV Azteca y Televisa. En ese momento empezaban a hacer producciones con Azteca, porque yo llegué a finales del año 1999, en la época de "La mujer en el espejo", "Nada personal", y no estaba muy al tanto de que Televisa era mucho más grande que TV Azteca, que tenía más alcance. De hecho, llegué a México y empecé a estudiar en TV Azteca, en el Centro de Formación Actoral, y hacer el cambio a Televisa fue complicado por estas cuestiones del veto. Cuando tenía 10, 12 años, mi abuela era muy telenovelera y veía las novelas de Televisa, pero jamás pensé que terminaría trabajando en ese canal.

Te tocó ver el veto que tenían actores en las televisoras, ahora ya no existe.

Eso es maravilloso. Es increíble que los actores puedan ir de un lado a otro, a no ser que seas exclusivo, que eso te limita, pero que puedas pasar de un canal a otro, de una plataforma a otra. Eso es lo que debería haber sucedido siempre. La cuestión del veto era una bronca entre las empresas y quienes salían perdiendo eran los actores. Pero la libertad que existe hoy

FOTO CARLOS MORA

en día es mucho mejor, no solo para los actores, sino también para el espectador, que puede ver a ciertos actores en otro canal. Si no, siempre eran los mismos y nunca los veías cruzarse o interactuar. De repente te gustaba un actor de Azteca y otro de Televisa, pero nunca los veías juntos en una historia. Ahora ese pasaje sucede todo el tiempo y eso es más interesante.

¿Por qué crees que la telenovela sigue enamorando a la audiencia, a pesar de las plataformas y series?

Yo creo que el melodrama es un gran género. Hay muchas formas de hacerlo, pero las historias de amor nunca van a pasar de moda. Aunque los ratings no son los de los 90s o principios de los 2000s, siempre habrá público para los melodramas. La mayoría del material que consumimos, incluso con las series, tiene melodrama presente. Vemos historias o películas donde pensamos que no, pero a fin de cuentas el género es melodrama. La historia de amor, la lucha del bien y del mal, eso va a ser eterno y no pasará de moda nunca.

na, así que pierdo un poquito del neutro que había ganado. Pero a la hora de trabajar, creo que ya estoy en un punto donde puedo relajarme en la vida, pero en la ficción ajustarlo y modularlo. Ha sido algo que me ha costado mucho, llevo 24 años aquí.

¿Y cómo ves la apertura de las empresas a personas de otros países?

Con el streaming todo está muy globalizado. Hay mucha mezcla, elencos muy heterogéneos. Siempre México ha sido propenso a recibir gente de afuera, sobre todo para las historias en televisión. Eso le da cierto folclor y atractivo que funciona, por algo lo siguen haciendo. Hoy pasa en todo el mundo, en España hay gente de muchos lugares, y los elencos se conforman así. Hoy en día somos más ciudadanos del mundo que de un país específico.

¿De los géneros que has hecho, cuál es el que más te gusta y en cuál te sientes más cómodo?

En teatro me encanta hacer comedia. Siempre que hago teatro, el 80, 90 % de las veces es comedia, comedia de situación. En televisión, el drama, el melodrama, es algo que me gusta mucho, me siento cómodo con los diferentes personajes arquetípicos del género. Siempre trato de hacer uno o dos proyectos de tele y regresar al teatro, que me encanta. Pero si es comedia y de situación, mucho mejor, porque lo disfruto enormemente.

¿Y el acento, cómo lo manejas en tus proyectos?

Sigo teniendo acento, claro. Cuando tienes un texto es más fácil. Cuando tienes que estudiar una escena o el texto de una obra, es más fácil darle dirección y que no se note tanto las cadencias de otro país. En mi caso, estoy casado con una argenti-

¿Cuáles son los cambios de trabajar ahora en comparación con los años 90 y principios de 2000?

Como mencionabas, las plataformas han modificado muchas cosas. Hay grandes diferencias. La inmediatez, la conectividad global, todo eso ha cambiado mucho. Antes una novela era un fenómeno local y ahora es global, se ve en todo el mundo casi simultáneamente. Las plataformas han traído mucha competencia, lo cual es bueno porque eleva la calidad de las producciones. También ha cambiado la forma en que se consumen las historias; ahora hay maratones de series, algo impensable antes. La tecnología ha avanzado mucho, las producciones son más sofisticadas, pero el corazón de las historias sigue siendo el mismo. El melodrama, el contar historias que toquen el corazón de la gente, eso no ha cambiado y creo que nunca cambiará.

"Secretos de hells angels" se une a la franquicia de Secretos de A&E, que ya incluye exitosas producciones como "Secretos de Playboy", "Secretos de Miss America", "Secretos de Penthouse, Secretos: los asesinatos de Chippendales" y "Secretos del Apóstol del Mal". Esta nueva entrega profundiza en el mundo del club de motociclistas más secreto y notorio, ofreciendo acceso a expresidentes del grupo, agentes encubiertos que arriesgaron sus vidas para infiltrarse y otros testigos de actividades criminales que hablan por primera vez.

La "hermandad" de los Hells Angels, fundada en Fontana, California en 1948, se expandió por Estados Unidos bajo el liderazgo del exlíder Sonny Barger. Con grupos distribuidos en varios países, incluidos Estados Unidos, Canadá, Australia y Europa, se estima que los miembros de Hells Angels superan los 6,000 integrantes. Para unirse al Hells Angels Motorcycle Club, los candidatos debían ser propietarios de una Harley Davidson o Buell, tener una licencia de motocicleta, obtener la aprobación unánime del grupo regional y comprometerse de por vida, entre otras reglas. Los Hells Angels se identificaban por un parche de colores con el emblema del club, que incluía las palabras “Hells Angels” y la figura de una calavera con alas. A pesar de las constantes acusaciones de actividad criminal, el club se convirtió en una amenaza seria. "Secretos de hells angels" explora la historia del grupo de forajidos para descubrir sus secretos más oscuros.

"SECRETOS DE HELLS ANGELS”, LA OSCURA VERDAD DETRÁS DEL CLUB DE MOTOCICLISTAS

LA NUEVA SERIE DOCUMENTAL DE A&E REVELA

LAS IMPACTANTES Y ATROCES HISTORIAS DETRÁS DE LA HERMANDAD DE MOTOCICLISTAS MÁS FAMOSA DEL MUNDO.

La serie brinda un acceso único al relato de cinco expresidentes regionales de la organización, incluyendo a Charles "PeeWee" Goldsmith (División de Las Vegas), Thomas Eriksen (División de San Francisco), Pat Matter (División de Minnesota, 1982-2002), Matt Zanoskar (División de Cleveland, 1972) y George Christie (División de Ventura, 1978-2011).

También incluye entrevistas exclusivas con oficiales, agentes encubiertos, víctimas y más, como el detective de policía de Ohio

Tom Doyle, los oficiales de inteligencia de Cleveland

Jim Muhic y Bob Cermak,

EPISODIOS

I. AGENTES DEL INFIERNO (HELL'S AGENTS)

II. CLUB DE MOTOCICLISTAS ASESINOS (MOTORCYCLE MURDER CLUB)

III. EL ASESINATO DE MARGO COMPTON (THE KILLING OF MARGO COMPTON)

IV. LA HERMANDAD ES UNA MENTIRA (THE BROTHERHOOD IS A LIE)

el agente infiltrado de la ATF Jay ‘Jaybird’ Dobyns, la autora y abogada Kerrie Droban, el periodista John Griffith y Noel Barger, exesposa del líder Sonny Barger. Estos testimonios revelan que los Hells Angels eran un grupo mucho más violento, astuto y organizado de lo que se había imaginado.

La serie de ocho episodios revela la historia no contada de la organización de motociclistas más imponente e infame de Estados Unidos, explorando los límites de la lealtad y el poder de sus miembros a través de una mirada profunda y perturbadora.

V. LÍDER DE LA MANADA (LEADER OF THE PACK)

VI. LOCURA DEL MEDIO OESTE (MIDWEST METH MADNESS)

VII. THE HEAD OF THE SNAKE

VIII. HELL’S HITMEN

"ENTRA EN MI VIDA", UN REFLEJO DE LA ENAJENACIÓN EN LAS REDES

POR ARMANDO ARMENTA

LA NUEVA cinta del director José Manuel Cravioto presenta, a simple vista, la historia de una chica común y corriente que atraviesa momentos de angustia y ansiedad en su vida, resolviendo sus problemas de la manera en que lo haría cualquier millennial: descargando sus frustraciones en redes sociales.

Sin embargo, Eugenia, la protagonista interpretada por Paulina Goto, revela en esta aparentemente inocente descarga de emociones los grandes retos que implica compartir tu vida privada con una cantidad ilimitada de personas, la mayoría de las cuales son extraños que no saben más de ti que tu nombre (o ni siquiera eso).

Ya "Señora influencer", otra película mexicana, había comenzado a explorar estas problemáticas. Aunque "Entra

en mi vida" ofrece un enfoque más suave y accesible, muestra las implicaciones negativas de vivir una vida que no es auténticamente tuya, sino diseñada para el consumo de otros y en formato digital.

Con un gran elenco que incluye a Ximena Sariñana, Hugo Catalán y Lalo Elizarrarás, la historia aborda temas cotidianos como las decepciones amorosas, la dificultad para manejar las emociones y la búsqueda de una identidad propia. Todo esto se adereza con toques de comedia y un formato "vertical" que recuerda a las historias que se comparten diariamente en redes sociales.

"Entra en mi vida" narra una historia con la que todos podemos sentirnos identificados, y a pesar de su simplicidad, la frescura de su narrativa refleja los desafíos de la modernidad y hasta dónde están dispuestas a llegar algunas personas para sentirse "el centro de atención", aunque sea por una vez.

PAULINA GOTO

POR CARLOS MORA

La actriz regresa a la pantalla grande con la comedia "Entra en mi vida", del director José Manuel Cravioto. La historia cuenta la vida de Eugenia (Goto), quien tenía la vida perfecta, pero cuando todo esto cambia, ella tendrá que reinventarse mediante una lista de todas las cosas que le gustaría hacer y documentarlo para convertirse en la mejor versión de sí misma. Un camino que no es fácil, pero con la ayuda de sus amigos (Ximena Sariñana, Hugo Catalán y Lalo Elizarrarás "Iztaparrastra") será más divertido.

"Desde que me llegó el guion, me enamoré de la historia y de mi personaje, Eugenia. Me divertí muchísimo interpretándola; es una chica que quiere ser influencer, creadora de contenido, y tiene todo un viaje adentrándose en el mundo de las redes sociales, para bien y para mal", confiesa Goto en entrevista con la Revista Cameo.

La cinta aborda el tema de las redes sociales. ¿Qué opinas? Me encanta que se toque el tema de las redes sociales en esta película. Es un tema muy actual y, justamente, lo que le sucede a Eugenia de perderse en el mundo de las redes, como en esta onda de la comparación de los estándares de belleza, de querer pertenecer, de hacer incluso cosas que no hubiera hecho en otro momento, sino únicamente por lograr este objetivo de tener más seguidores y cómo se empieza a obsesionar con eso. Es algo muy real y es algo que le pasa a muchísimas personas hoy en día, sobre todo a la generación que viene después de la mía. Me encanta cómo se aborda este tema, porque, si bien es un tema serio, se trata de una manera cómica, divertida, ligera, y siento que eso hace que entre mucho más y que la gente se ría muchísimo, pero también se les muevan muchas cosas.

Y sobre el tema de la privacidad en redes sociales, ¿cómo lo llevas en tu vida?

Al final del día, no solo yo, sino todos los que tenemos redes sociales, tenemos el poder de elegir lo que compartimos, a quién seguimos y qué tipo de contenido queremos consumir. Incluso después de haber filmado esta película, terminé haciendo una limpieza en mis redes sociales porque creo que me volvió mucho más consciente de esto. Creo que muchas veces estamos consumiendo contenido y ya ni cuenta te das, pero ya tienes una ansiedad a tope y no sabes ni por qué. Entonces sí creo que es importante, así como cuidamos nuestro entorno, hacemos ejercicio, nos alimentamos bien, también tenemos que cuidar las cosas que dejamos entrar en nuestra vida y el tipo de contenido que estamos consumiendo.

¿Cómo fue trabajar con JM Cravioto?

Trabajar con Cravioto fue maravilloso. Era uno de los directores con los que yo tenía muchas ganas de coincidir y me encantó haberlo hecho en este proyecto. Además, creo que algo muy cool y muy interesante, y de lo cual me siento muy orgullosa, es que el cine mexicano esté apostando por nuevos formatos y haciendo cosas diferentes. "Entra en mi vida" fue filmada toda de manera vertical. Para mí fue un reto también como actriz trabajar con otro formato, todo el tiempo hablándole a la cámara, y el espectador va a tener una experiencia muy única porque van a ir al cine y ver una película de manera vertical, lo cual me parece fascinante.

HUGO CATALÁN

"Me siento muy contento y orgulloso de formar parte de este proyecto. Es una película que, al verla, me dejó reflexionando mucho más de lo que imaginé", platica Catalán en entrevista.

¿Cómo fue que te llamó Craviotto?

Bueno, hice un casting como todo el mundo, pero sentí una gran conexión con el personaje desde el principio. Yo también estudié realización, así que me sentí muy identificado con los temas que aborda el personaje. Luego hice un casting con Paulina Goto y, cuando me volvieron a llamar, hubo una química increíble entre nosotros. Funcionó súper bien, y trabajar con Craviotto también fue genial. Me quedé en el proyecto y, ahora que he visto la película, me siento muy orgulloso.

La cinta aborda temas muy actuales sobre las redes sociales. ¿Qué opinas de esto?

Me parece muy interesante cómo la película aborda el tema de las redes sociales, que es algo muy actual. Muestra cómo las redes pueden influir en nuestra existencia si no les ponemos límites. Es un tema que me toca de cerca porque, aunque uso mucho las redes y me encantan, creo que debemos usarlas con medida. La gente a menudo se desborda en redes sociales, surgen influencers por todos lados, y muchos buscan vender una realidad que no es la suya. Esto puede llevar a que las personas dejen de vivir su propia realidad por ver la de otros, una especie de gran simulación. La película toca muchos temas, incluida la salud mental, y muestra cómo la obsesión por los seguidores y la privacidad puede afectar nuestra percepción de la realidad.

¿Cómo manejas la privacidad en tus redes sociales?

En lo personal, manejo mis redes de una manera que me da tranquilidad. No siento la necesidad de estar constantemente generando contenido. Pueden pasar días sin que suba nada. Consumo contenido, como canales de cocina, pero siempre mantengo un balance. No necesito sacrificar nada para tener seguidores. Veo a personas que documentan cada momento de su vida y me parece egocéntrico. En nuestra industria, a veces se busca talento basándose en la cantidad de seguidores, pero eso no determina si eres buen actor o no. Actores como Daniel Day-Lewis o Javier Bardem no tienen millones de seguidores, y eso no los hace menos talentosos.

¿Cómo fue la experiencia de diferentes formatos?

Trabajar con Craviotto fue maravilloso. Este proyecto es especial porque el cine mexicano está apostando por nuevos formatos. Entra en mi vida fue filmada de manera vertical, lo cual fue un reto para mí como actor. Hablarle a la cámara todo el tiempo y trabajar con otros formatos fue una experiencia única. Grabamos con celulares, GoPros, y cámaras de cine pequeñas como la Red Dragon y la Sony FX. Este enfoque le da a la película un toque especial y muy actual. Ha habido otras películas filmadas con celulares, como "Oso polar" y "Tangerine", que demuestran que se pueden hacer grandes cosas con estas tecnologías.

ES

EL

OCTAVO PROYECTO DE LARGA DURACIÓN DEL DIRECTOR MEXICANO.

LA CINTA

ESTRENA CON MÁS DE 800

PANTALLAS

BAJO EL SELLO DE CINÉPOLIS

DISTRIBUCIÓN.

LALO ELIZARRARÁS (IZTAPARRASTRA)

El comediante expresa lo que significó hacer su debut cinematográfico en la cinta "Entra en mi vida", del director José Manuel Cravioto.

"Es mi primera experiencia en el cine y ha sido una experiencia bastante bonita. Conocí a gente increíble y aprendí muchísimo de todo esto que estoy viviendo. Hasta ahorita todavía no me lo creo porque aún no he visto la peli en pantalla grande, y creo que cuando lo haga, terminaré de creerme todas estas cosas que están pasando".

Está muy divertida y está dirigida para los jóvenes.

Sí, es muy para los morros, exactamente. También hace una gran crítica de las redes sociales.

¿Qué opinas sobre estos temas?

Me gusta que se toquen estos temas. Creo que la película retrata muy bien los distintos tipos de creadores de contenido que existen. Está el que es muy intenso, el que es bien básico, el que solo sigue las tendencias... todo está muy bien marcado. Creo que es algo importante para que los jóvenes vean que esto tiene que ser un trabajo bien hecho, que no deben dejarse llevar por cosas sencillas o hechas al vapor. Solo aquellos que tienen cierta esencia y aportan algo, ya sea entretenimiento, música, lo que sea, son los que trascienden.

¿Cómo fue trabajar con el director?

Para mí, fue una experiencia increíble y un poco rara. Pasé de grabarme con un celular en mi cocina a estar aquí en unos pocos años. Admiro muchísimo a Craviotto. Desde el momento en que lo conocí y se presentó conmigo, supe que podíamos desarrollar una buena amistad.

Me hizo sentir muy cómodo en este personaje y aprendí muchísimo de él mientras grabábamos la película. Cuando no estaba en cuadro, pasaba mucho tiempo observándolo para aprender cómo se hacían las cosas. Creo que lo más valioso que me llevo es su aprendizaje, observando sus movimientos y técnicas.

¿Y cómo fue trabajar con el elenco?

Fue genial. Yo vengo de un entorno muy diferente, del tianguis, y de repente me encontré con actores que llevan años en esto, como Paulina Goto y Ximena Sariñana, que actúan desde niñas. Desde el primer momento en que nos presentaron para la lectura del guion, me sentí muy cómodo. Todos fueron muy amables y pacientes conmigo. Agradezco mucho haber caído en un grupo tan alivianado y sin egos. Fue una experiencia magnífica convivir, platicar e intercambiar ideas con ellos.

FOTOS CARLOS MORA

GIFF CELEBRA SU EDICIÓN 27 "MÁS CINE POR FAVOR"

La pasión por el séptimo arte se hizo sentir como nunca antes en el epicentro cultural de México con la inauguración de la vigesimoséptima edición del Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF), que se vistió completamente de rojo para recibir a China como Invitado de Honor.

El GIFF recibió al público, invitados especiales y prensa en el Teatro del Bicentenario, con el nombre del festival destacando en la explanada del recinto y bailarines interpretando la danza del león, un acto tradicional de la cultura china para celebrar y atraer la buena fortuna.

La alfombra roja recibió con emoción a las luminarias de la noche, quienes deslumbraron con hermosos vestidos de diseñador y sonrisas, entre ellas Sylvia Pasquel (en su primera

vez en el GIFF), Ángeles Cruz, Ramón Medina, Esteban Soberanes, Myriam Bravo, Luisa Huertas, Pablo Mendoza, Arturo Beristáin y Arcelia Ramírez.

Dentro del recinto, Evangelina Sosa (también en su primera visita al GIFF) y Moisés Arizmendi actuaron como presentadores para dar la bienvenida a un público que a través de uno de los festivales de cine más importantes de México pudo acercarse al cine de otra parte del mundo con la película inaugural "Black Dog", dirigida por Guan Hu.

La película forma parte del ciclo “Una mirada al cine chino contemporáneo”, dedicado a un grupo de historias que destacan el valor humano dentro de lo más notable del séptimo arte, en total sintonía con el tema principal de este año en el GIFF. Este ciclo fue posible gracias a los esfuerzos conjuntos con el

Festival Internacional de Cine de Shanghái."Esta es mi primera vez en México y estoy tan impresionada por su rica cultura e historia, sus paisajes, monumentos y pirámides. También estoy encantada de presentar mis películas aquí y de descubrir otras destacadas producciones chinas. No puedo esperar a ver y escuchar la reacción del público", dijo la invitada china Shanshan Cao, productora de "May", otra película que se presentará en el festival.

"Black Dog" se presentó este año en el Festival de Cannes y ganó el premio en la sección Un Certain Regard, una de las más importantes del evento internacional.

León es la primera sede de esta edición del GIFF, cuyas actividades se extenderán hasta el 21 de julio. Luego seguirán San Miguel de Allende, del 22 al 25, e Irapuato, del 26 al 29.

ARTURO RIPSTEIN

El Festival Internacional de Cine Guanajuato tendrá el enorme privilegio de homenajear a uno de los directores más importantes de la industria cinematográfica nacional, Arturo Ripstein. Crítico, sórdido y transgresor, la trayectoria de casi seis décadas del cineasta le ha permitido generar una increíble filmografía compuesta de más de 30 películas que han causado conversación social por su realismo oscuro y marginal, tocado en historias como "El castillo de la pureza", "Profundo carmesí", "La viuda negra", "El diablo entre las piernas" y "La calle de la amargura".

JOAQUÍN COSÍO

Con una notable carrera en la actuación que lo ha llevado tanto a grandes producciones en México como en Hollywood, GIFF reconocerá la prolífica trayectoria de Joaquín Cosío con la Cruz de Plata Más Cine y la Medalla Filmoteca UNAM en Irapuato.

TRIPLE TRIBUTO AL TALENTO FEMENINO EN MUJERES EN EL CINE Y LA TELEVISIÓN

En esta edición, GIFF honrará la excelencia de la actriz Adriana Paz, conocida por su talento mostrado en "Las horas muertas" y "Vis a vis", y recientemente premiada en el Festival de Cannes por su interpretación en "Emilia Pérez". De igual forma, serán homenajeadas la talentosa Claudia Ramírez, quien ha participado en telenovelas, series y películas de gran éxito como "¿Quién mató a Sara?" y "Mirreyes contra Godíne"; así como la guionista y directora con voz social Marina Stavenhagen, que ha estado detrás de historias como "De la calle". Paz se acercará a la gente con su Clase Magistral en San Miguel Allende; por su parte, Ramírez y Stavenhagen se unirán para compartir parte de su vida profesional en su Conferencia Magistral en la ciudad de Irapuato.

HOMENAJES

ARTURO RIPSTEIN

El Festival Internacional de Cine Guanajuato tendrá el enorme privilegio de homenajear a uno de los directores más importantes de la industria cinematográfica nacional, Arturo Ripstein. Crítico, sórdido y transgresor, la trayectoria de casi seis décadas del cineasta le ha permitido generar una increíble filmografía compuesta de más de 30 películas que han causado conversación social por su realismo oscuro y marginal, tocado en historias como "El castillo de la pureza", "Profundo carmesí", "La viuda negra", "El diablo entre las piernas" y "La calle de la amargura".

JOAQUÍN COSÍO

Con una notable carrera en la actuación que lo ha llevado tanto a grandes producciones en México como en Hollywood, GIFF reconocerá la prolífica trayectoria de Joaquín Cosío con la Cruz de Plata Más Cine y la Medalla Filmoteca UNAM en Irapuato.

TRIPLE TRIBUTO AL TALENTO FEMENINO EN MUJERES EN EL CINE Y LA TELEVISIÓN

En esta edición, GIFF honrará la excelencia de la actriz Adriana Paz, conocida por su talento mostrado en "Las horas muertas" y "Vis a vis", y recientemente premiada en el Festival de Cannes por su interpretación en "Emilia Pérez".

De igual forma, serán homenajeadas la talentosa Claudia Ramírez, quien ha participado en telenovelas, series y películas de gran éxito como "¿Quién mató a Sara?" y "Mirreyes contra Godíne"; así como la guionista y directora con voz social Marina Stavenhagen, que ha estado detrás de historias como "De la calle". Paz se acercará a la gente con su Clase Magistral en San Miguel Allende; por su parte, Ramírez y Stavenhagen se unirán para compartir parte de su vida profesional en su Conferencia Magistral en la ciudad de Irapuato.

“DESPUÉS DE LAS ARMAS”

El documental "Después de las armas", dirigido por el mexicano Héctor Laso, sigue de cerca a cinco exintegrantes del Ejército Zapatista de Liberación Nacional (EZLN) que participaron en el levantamiento indígena del 1 de enero de 1994. Por primera vez, sin pasamontañas, rompen el silencio para narrar sus motivaciones, experiencias y heridas de aquella guerra.

Este proyecto explora los riesgos y sacrificios que enfrentaron los militantes al buscar cambiar una realidad marcada por la miseria, la opresión y el olvido. Benito, Elisa, Mario, Felicia y Luis Miguel profundizan en las motivaciones del EZLN mientras reflexionan sobre las transformaciones que dejó la lucha armada y la herencia que este aprendizaje deja para las generaciones futuras.

"CORINA"

Ópera Prima de Urzula Barba Hopfner y coescrita con Samuel Sosa; "Corina" contará con la presencia de parte del elenco; Naian González Norvid, Laura de Ita y Ariana Candela estarán presentes acompañando a la directora Urzula Barba. La cinta fue filmada con apoyo del Gobierno de Guanajuato y nos recuerda la importancia del valor y la fuerza interior necesarios para salir de nuestra zona de confort.

"EL

SITIO EN EL QUE

TAMBIÉN SE ESTÁ"

El cortometraje de Carlos Hernández Vázquez, "El Sitio en el que también se está", cuenta una historia de amor adolescente cuando Sebastián, procedente de Venezuela, llega a un albergue para migrantes menores de edad, ahí conoce a Aurora de Guatemala, con quien inicia una relación amorosa un tanto idílica, la separación es inevitable en un lugar que solo es de tránsito para todos los jóvenes que habitan el lugar.

ESTRENOS INOLVIDABLES EN LA SELECCIÓN NACIONAL E INTERNACIONAL

El Festival Internacional de Cine Guanajuato contará con una vibrante lista de películas mexicanas en competencia que fusionan la realidad y la ficción para ofrecer destacadas muestras de creatividad y talento de cineastas nacionales, siendo 34 filmes los que por primera vez se mostrarán en una pantalla nacional. De igual forma, se proyectarán 22 títulos en Cortometraje México y 13 en Selección Oficial Guanajuato.

En Largometraje México participan "Soy lo que nunca fui", de Rodrigo Álvarez Flores; "Crónicas del otro norte", de Miguel León; "Animal humano", de Alessandro Pugno; "Luto", de Andrés Arochi Tinajero; "Mi pecho está lleno de centellas", de Gal S. Castellanos; "Río de sapos", de Juan Carlos Núñez Chavarría; "La rueda conoce mi nombre", de Claudio Zilleruelo Acra; "Corina", de Urzula Barba; "Después de las armas", de Héctor Laso; y "La arriera", de Isabel Cristina Fregoso.

Junto al cine que echó raíz en estas tierras, el GIFF extiende sus tallos y fiel a su tradición, planta realidades de otras partes del mundo con 8 cintas de 20 países, entre las que sobresalen

"Brief History of a Family", seleccionada oficial de festivales como la Berlinale y el de Sundance; "Explanation for Everything", elegida como Mejor Película de la sección Orizzonti en el Festival de Cine de Venecia; y "Sweet Dreams", con la actuación de Johnny Knoxville. También se presentarán 7 cortometrajes documentales, 18 de ficción, 17 de animación y 14 experimentales.

En esta ocasión, el Jurado responsable de elegir a las mejores películas en competencia oficial estará conformado por profesionales de la industria cinematográfica en varias de sus áreas y expertos en cine. De México estarán los críticos Ernesto Diezmartínez y Mario P. Székely, el multipremiado actor Raúl Briones, la conocida actriz Gabriela de la Garza, las productoras Elena Fortes y Sandra Solares, la cineasta y productora Juliana Fanjul, y la gestora cultural y curadora Tania Aedo; al igual que el cineasta suizo Remo Scherrer, el programador español Rodrigo González, el cineasta filipino Miko Revereza, el cineasta canadiense Virgile Ratelle, la cineasta nicaragüense Laura Baumeister, el productor estadounidense Steve Holmgren y el cineasta colombiano Carlos Henao.

DISTINGUEN LA TRAYECTORIA DE ARTURO RIPSTEIN EN EL GIFF

Arturo Ripstein, el destacado director de cine mexicano conocido

por su aguda representación de la inevitable y brutal naturaleza humana, fue homenajeado en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF) este fin de semana.

Durante la ceremonia, recibió el galardón de plata +CINE y la medalla de plata de la filmoteca de la UNAM.

Con más de 60 años de trayectoria y una filmografía que abarca más de treinta películas, entre las cuales se destacan "El Castillo de la Pureza", "El lugar sin límites" y "Profundo Carmesí", Ripstein expresó su gratitud por el reconocimiento y mencionó a escritores como Gabriel García Márquez, Carlos Fuentes y Juan Rulfo, quienes fueron fuente de inspiración para él.

Durante su presentación en el Auditorio del Teatro del Bicentenario en León,

Ripstein comentó: "Siempre he dicho que el deber de un director de cine es rodearse de la mejor gente posible y permitirles hacer lo que saben hacer; mover un poco los hilos y guiar fuera de los ejes con su imaginación".

La noche estuvo marcada por anécdotas y la presencia de figuras clave en la carrera del cineasta, como Arcelia Ramírez, Sylvia Pasquel y Arturo Beristáin, quienes recordaron

momentos significativos junto a Ripstein. Visiblemente emocionado, el director agradeció: "Aprovecho para agradecerles a ustedes que me acompañan en este momento tan importante de mi vida; agradezco enormemente a los actores y actrices que me han honrado con su presencia aquí".

Además, Ripstein aprovechó la oportunidad para elogiar el trabajo de su hijo,

Gabriel Ripstein, diciendo entre aplausos del público: "Él es un mejor director que yo (...), su trabajo me sorprende, me interesa, me conmueve".

Para culminar la ceremonia con su característico humor ácido, Ripstein invitó a los presentes a "volvernos a todos desgraciados" con la proyección de una versión inédita de "Profundo Carmesí", una de las cintas más emblemáticas de su filmografía.

POR ARMANDO ARMENTA

"DE NOCHE CON EL DIABLO", EL TERROR TRANSMITIDO EN VIVO Y A TODO COLOR

POR ARMANDO ARMENTA

CON UNA FÓRMULA diferente y atrevida, la cinta "De noche con el diablo" ofrece no sólo una trama fuera de lo común para el género de terror, sino que también genera sensaciones más profundas que el ya gastado sobresalto por apariciones repentinas o gritos entre tomas.

La historia de un protagonista perturbado por la muerte de su esposa, acompañado de invitados de todo tipo, conforma una mezcla singular en un formato de programa nocturno de revista de los años 70, Night Owls con Jack Delroy, aderezado con un ingrediente especial: la noche de Halloween.

Sucesos paranormales que parecieran ser charlatanería, historias de terror sobrenatural que bien podrían tener una explicación lógica, así como escenas exageradas por el poder de la televisión, son algunos de los ingredientes que incluso los detrás de cámara se encargan de desvanecer la delgada línea entre la realidad y lo imaginario.

Siguiendo la línea de los largometrajes de terror, la cinta aumenta en suspenso al mismo tiempo que el programa en sintonía avanza, develando entre líneas hechos más oscuros que se fraguan entre los protagonistas, desde la introducción a sectas satánicas hasta posesiones demoníacas.

Como si realmente la película se hubiese grabado en los 70s, los efectos pudieran parecer poco realistas, pero forman parte del mismo ambiente tétrico y repulsivo que proponen los directores australianos Cameron y Colin Cairnes.

Como si de un virus se tratara, el terror se apodera de los personajes y se contagia al espectador casi de manera hipnótica hasta llegar a un clímax tan intenso como la magia de la televisión estadounidense pregona: mucha emoción, morbo y efectos especiales, aunque no del todo favorable para los personajes del show.

El nuevo cortometraje de terror del director Marcos Muñoz,

"En el Nombre de...", brinda una oportunidad única para explorar las secuelas desgarradoras de la pedofilia a través del lente del terror, permitiendo a los espectadores sumergirse en la tormenta psicológica de un niño que está siendo abusado. La historia sigue a Abraham, un niño que se ve envuelto en una serie de eventos inquietantes después de experimentar un encuentro traumático con un sacerdote.

Marcos, ¿cómo nace la idea de este corto?

Nació hace entre cinco y cuatro años, más o menos. Tenía ganas de escribir algo que siempre había tenido pendiente. Cuando voy a las iglesias, le tengo miedo al Cristo del sepulcro. Me preguntaba qué pasaría si un día ese Cristo se levantara y empezara a perseguirme por la iglesia.

A pesar de ser un corto de terror, también haces una denuncia.

Sí, es una denuncia contra la pederastia en la iglesia. El género de horror permite explorar miedos profundos y emociones intensas. A través de este género puedo abordar temas difíciles como el abuso y la pérdida de fe, de una manera que impacta y resuena con la audiencia. El horror confronta al espectador con sus propios

EL HORROR LLEGA A "EL NOMBRE DE..."

La nueva entrega del director Marcos Muñoz, quien cuenta con siete cortometrajes galardonados en todo el mundo, explora las profundidades aterradoras de la psique humana, abordando temas de horror y la naturaleza insidiosa de la pedofilia.

POR CARLOS MORA

miedos y ansiedades, y utilizo este medio para que el público pueda sentir la experiencia desde la perspectiva de Abraham, el niño, cómo siente el horror y la desesperación.

¿Por qué crees que las cuestiones católicas y la iglesia son una atmósfera perfecta para hacer películas de terror?

Elegí el tema religioso como marco para la historia porque las instituciones religiosas son vistas como lugares de refugio y moralidad. Quise explorar cómo, en algunos casos, estas instituciones pueden ser cómplices del encubrimiento de abusos y cómo influyen en la percepción y respuesta de la comunidad. La religión tiene un significado importante en muchas vidas, y utilizarla como telón de fondo permite examinar el conflicto interno de los personajes, especialmente cuando la fe, que debería proporcionar consuelo, se convierte en una fuente de terror.

¿Y ya lo has presentado en festivales?

Apenas estamos comenzando el circuito de festivales. Estrenamos en Los Ángeles, en el Screen Horror Film Festival. Es un festival muy importante donde se reúne gente destacada de Hollywood y del cine de terror. Lograr participar en ese festival es un gran orgullo. Que haya llegado tan lejos y que podamos estrenarlo en un festival es motivo de mucho orgullo.

DERROCHE DE GLAMOUR Y TALENTO EN EL FICG

MUCHA EMOCIÓN se vivió durante la edición 39 del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), con luminarias como Diego Luna, Alfredo Castro, Ana de la Reguera, Ángeles Cruz, Marina de Tavira, Ludwika Paleta, Ofelia Medina, Arcelia Ramírez y Luciana Kaplan.

Marina de Tavira y Diego Luna

Christian Ramos

Elenco de la cinta "Vergüenza"

Ana de la Reguera

FOTOS CARLOS MORA

Elenco de la película "Después"

Ángeles Cruz y Juan Briseño

Arcelia Ramírez Miguel Rodarte

Lautaro Bettoni

Mabel Cadena

Ofelia Medina

Guillermo Mata y Estrella Araiza

PRESENTA LIBRO

El actor Diego Luna presentó su libro "Diego Luna: La neta es chida pero inalcanzable", escrito por el director de cine y productor Roberto Fiesco. La publicación rinde homenaje a los más de 30 años de trayectoria del aclamado actor mexicano. El artista Alejandro Magallanes fue el encargado del diseño editorial.

PODEROSO MENSAJE

Luisa Huertas, actriz de "No nos moverán", expresó: “Creo que una de las cosas más lindas que nos pasó aquí en el festival fue escuchar a un joven que dijo que 'No nos moverán' lo había 'movido'. De eso se trata. Sé que va a sonar a panfleto, cosa con la que nos peleamos para hacer la película, pero: ¡‘2 de octubre no se olvida!’”

MEJOR DIRECCIÓN

El premio Mezcal fue para Isabel Cristina Fregoso por "La arriera", que crea un puente entre el cine popular anterior a la Época de Oro y las preocupaciones contemporáneas queer. Es un cine de aventuras y de diversidad identitaria, que busca atraer a un público ávido de emociones, pero también de reflexión y empatía.

RECONOCIMIENTO A ALFREDO CASTRO

El reconocimiento iberoamericano fue para el actor chileno, quien recibió el premio Mayahuel. En esta edición, compartió su método de actuación con un público ansioso por conocer más sobre el protagonista de "Tengo miedo torero" (2020).

MOMENTOS

El Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) dio por terminada su edición número 39, un año que representó un progreso para la industria cinematográfica desde Jalisco hacia otras regiones del mundo. Lleno de proyecciones fílmicas, charlas y un acercamiento con todo tipo de públicos que, a través del cine, encontraron reflexión y entretenimiento.

FOTOS CARLOS MORA

HOMENAJE A DIEGO LUNA

El actor mexicano recibió el premio Mayahuel de Plata a la trayectoria al cine mexicano, misma que fue condensada en un video homenaje que recorrió proyectos como "Y tu mamá también", "Narcos: México", "Rogue One: una historia de Star Wars y Andor".

PRESENTA DOCUMENTAL

El actor y director Diego Luna presentó “Estado de silencio”, un documental que produjo y que aborda la violencia contra periodistas. Su objetivo es generar un vínculo entre las historias de los periodistas y las de la ciudadanía, quienes las leen. La gente tiene que salir a defender su derecho a tener acceso a una información libre.

MEJOR INTERPRETACIÓN

El premio a mejor interpretación fue para Juan Ramón López, de "Vergüenza". Dirigida por Miguel Salgado, la cinta es la ópera prima del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) y cuenta con la colaboración de egresados y egresadas del CCC y de estudiantes.

"NO NOS MOVERÁN" MEJOR PELÍCULA

La mejor película mexicana fue para la cinta "No nos moverán", de Pierre Saint Martin. Hace uso del humor para contar otra arista del fatídico 2 de octubre de 1968: la venganza y la memoria. Se trata de un sentido del humor agrio, que mira con ironía cómo el gobierno y la sociedad civil hacen de lado la justicia para las víctimas.

MADRE E HIJO DE ESTRENO EN EL FICG

Ludwika Paleta experimenta una inmersión en la maternidad y la pérdida de un hijo (Nicolás Haza) en el largometraje “Después”, dirigido por Sofía Gómez Córdova. Esta es la segunda película de la directora mexicana.

PREMIO MAGUEY

El Premio del Jurado de Maguey, que cumplió 13 ediciones este año, se inclinó por "Crossing", de Levan Akin. El reconocimiento a Mejor interpretación no pudo dividirse y fue otorgado a todo el elenco de "Los amantes astronautas" (foto). En tanto, la Mejor película del Premio Maguey se fue con "Pedágio", de Carolina Marko.

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DISFRUTA DE SU LIBERTAD MUSICAL

ANDY ZUNO habla en una entrevista con la Revista Cameo sobre su primer álbum de regional mexicano, "Soy tu amante". Un título sugestivo, poderoso, intrigante y seductor que define muy bien el concepto de este disco. Poco a poco se han ido lanzando los sencillos que lo componen, tales como: "Y si te digo?", "Los dos", "No te me arrimes", "Ahora me toca a mí" y "Toda la noche". Estos sencillos exploran el amor, el deseo y las relaciones desde diferentes perspectivas y ya están disponibles en todas las plataformas digitales.

POR CARLOS MORA

¿Cómo es tener dos pasiones, la música y la actuación?

Afortunadamente, van de la mano y se complementan. Ambas nacen de un deseo pasional de contar historias y estar en un escenario. Siempre quise ser artista, actuando y cantando, y nunca vi estas cosas como separadas. Hoy en día, hay muchos actores multidisciplinarios que sorprenden con sus habilidades.

Entiendo el escepticismo en México hacia actores que cantan y viceversa, pero para mí siempre ha sido algo llevadero y satisfactorio. Me preparo y llevo una disciplina constante, algo que me dio el teatro musical.

Ahora, con las plataformas digitales, parece que las disqueras no son tan necesarias.

Sí, las disqueras ya no son indispensables, aunque pueden ayudar. Como artista independiente, puedes llegar al público a través de plataformas. Los recursos económicos juegan un papel importante, pero la proyección que me ha dado la televisión y el teatro me ha permitido llevar mi carrera de cantante sin una gran infraestructura detrás.

¿Sobre la libertad de decidir qué cantar y los ritmos?

Exacto, esa libertad es invaluable. He tenido ofertas de disqueras que no cuajaron, y al reflexionar, veo que fue lo mejor. Algunos artistas firmaron contratos que los congelaron por años, impidiéndoles crear libremente. Ahora puedo escribir mis canciones, decidir el género y trabajar con el productor que elijo.

El 31 de agosto, Andy Zuno dará un concierto en el Foro Stelaris, ubicado en el piso 25 del Hotel Fiesta Americana Reforma.

¿Por qué elegir el regional mexicano?

Siempre estoy abierto a hacer cosas distintas y retarme. Tenía ganas de explorar este género desde hace años. Soy de Guadalajara, y el mariachi y la música regional mexicana siempre han sido parte de mi vida. El productor del disco me buscó, conocía mi trayectoria y me propuso escribir música juntos. Lo que sucedió es que creamos un gran disco, y estoy muy contento con el resultado.

¿Y la inspiración de las canciones?

Todas las canciones tienen que ver con historias personales. Nos sentamos a escribir sin un rumbo fijo, y la inspiración surgió de manera natural. La primera canción que escribimos fue "No te me arrimes", y así nacieron las demás, todas con un concepto claro.

¿Qué viene para ti ahora? ¿Conciertos, presentaciones?

Sí, estoy trabajando para concretar fechas y presentar el show en vivo. Será una combinación de mi música pop y balada con el regional mexicano. También estoy trabajando en el próximo disco, que incluirá nuevas canciones y un par de covers. La música me tiene atrapado y quiero seguir explorando este camino.

Estuviste recientemente en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG) edición 39. ¿Cómo te sentiste como maestro de ceremonias?

Lo disfruto mucho. Este es el quinto año consecutivo que hago las ceremonias de inauguración y clausura, y realmente lo digo de todo corazón, cada año supera al anterior. Han sido experiencias maravillosas, momentos muy especiales, encuentros con gente súper interesante, y para mí es un evento muy importante. Llevar la batuta de los dos eventos más importantes del festival es una responsabilidad que asumo con mucho gozo y alegría.

Es grato ver mucho cine.

Creo que es el espacio y la plataforma más importante para ver lo que se está haciendo en el cine mexicano. Sin duda es el festival que tiene la sección de industria más relevante, donde el mercado de cine es más visible, y por eso asiste tanta gente. Tienes la oportunidad de conocer productores, directores, y obviamente actores. Este año, por ejemplo, en la clausura, me dio mucho gusto ser el portavoz del homenaje a la trayectoria de Diego Luna, a quien conozco desde hace muchos años y le tengo mucho cariño.

Cuando vienen las premiaciones, premiar a gente que quiero, gente con la que he trabajado, encontrarme con amigos presentando sus películas o que fueron jurados, en fin, este año fue especial. También formé parte del elenco de una película que se presentó, protagonizada por Ludwika, una de mis más grandes amigas. Es un espacio de encuentro muy bonito y especial porque me hace sentir parte activa del festival.

Guadalajara sigue siendo punta de lanza, impulsando mucho la industria.

Creo que es uno de los lugares donde se está impulsando el cine de manera más significativa. Hay mucho apoyo por parte del gobierno y muchos incentivos para filmar en Jalisco, un estado riquísimo en diversidad de escenarios. La sección "Hecho en Jalisco" dentro del festival es un ejemplo de esto, con grandes películas y directores que reflejan una industria en crecimiento.

Además, los Premios Ariel se llevan a cabo en esa ciudad, consolidando la ciudad como una capital importante del entretenimiento. Me da mucho gusto ver cuánto ha crecido Guadalajara en estos 22 años desde que me fui y me gusta regresar a esa tierra que amo mucho.

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La cantante emergente y compositora Neriah presenta su sencillo "Driving Weather", un trabajo que emana vibraciones californianas retro llenas de buen rollo, combinando sutiles armonías y letras pegajosas que evocan un amor de verano.

"Escribí esta canción sobre el verano en el que me enamoré de un chico en Malibú. Fue mi amor de verano durante años, pero todo se sentía más real cuando conducíamos por la carretera con las ventanas abiertas. Siempre que había buen clima, él lo llamaba 'Driving Weather', y esta canción me transporta a esa época de juventud, despreocupación, bronceado y amor," comentó la joven cantante.

NERIAH ENCIENDE EL VERANO CON SU SENCILLO "DRIVING WEATHER"

La canción es perfecta para escuchar con las ventanas abajo. Este sencillo marca un capítulo fresco y vibrante en la carrera de la artista, mientras celebra su recién encontrada independencia. Deja atrás sus baladas de desamor y abraza su nueva era de "Lover Girl", con una apariencia más refinada y suave. Con colores pastel, la cantante está lista para iluminar tu playlist de este verano. Su próximo álbum anuncia el amanecer de una nueva Neriah empoderada, reflejando el momento más feliz de su vida. Después de abrir los shows de la gira Spinnin de Madison Beer, Neriah inicia este nuevo capítulo con el lanzamiento del primer sencillo del álbum, "First Time". Esta pista de synth-pop inspirada en los 80 captura perfectamente la emocionante sensación de enamorarse y recordar esos momentos inolvidables que aceleran el corazón.

La cantautora revelación pone todo: lo bueno, lo malo y lo feo de la realidad en su música. Habiendo recibido elogios de Rolling Stone, Travis Mills y más. Con una audiencia que supera el millón de oyentes mensuales en Spotify.

"EL VALLE INQUIETANTE", UNA MIRADA AL AMOR EN LOS TIEMPOS DE LA IA

POR CARLOS MORA

Llega a la cartelera teatral de la Ciudad de México una obra que apuesta por un texto innovador: "El valle inquietante". Dirigida y escrita por el reconocido cineasta Carlos Meléndez ("Histeria", "Hambre"), y bajo la producción de Claudia Vásquez Ortuño, la puesta en escena combina drama, comedia y ciencia ficción.

"'El valle inquietante' nace de una ruptura amorosa que me llevó a cuestionar la utopía del amor perfecto y explorar la imperfecta naturaleza humana en un mundo cada vez más digitalizado. Buscamos crear una experiencia teatral entretenida que, al mismo tiempo, invite al público a reflexionar sobre cómo la tecnología influye en la creación de vínculos emocionales y si es capaz de sustituir al elemento humano", comentó el director.

Carlos, ¿cómo es tu debut en el teatro con esta obra?

Creo que, a diferencia del cine, el teatro con pocos elementos te permite entrar a un mundo de sugerencia y vocación. En el cine necesitas mostrar todo en la pantalla, mientras que el teatro permite un juego con el espectador muy rico. Siempre he sido muy cercano al teatro; desde niño he estado muy vinculado a él. Me gusta el poder que tiene de evocar algo mágico y el acto vivo de cada función, que es completamente diferente cada vez. Me llamó mucho la atención conjugar muchas cosas que traía del cine al teatro.

Esta obra está escrita para el escenario, evoca mucho a los géneros que me gustan del cine: la ciencia ficción, el horror, el suspenso, la fantasía, lo fantástico. Era importante para mí apostar por una obra diferente que pudiera darle al teatro mexicano un acercamiento poco común, como es llevar una obra de ciencia ficción a los escenarios de México.

"El valle inquietante" cuenta la historia de Óscar (Jorge Escandón), un hombre que, tras su ruptura con Lisa (Sofía Sanz), busca consuelo en Freya (Samantha Coronel), una inteligencia artificial diseñada perfectamente en el cuerpo de una mujer.

FOTOS CARLOS MORA

Justo cuando Óscar se adapta a esta nueva forma de compañía, Lisa regresa, desencadenando un complejo triángulo amoroso que los hará decidir entre la imperfección humana o la perfección de lo artificial.

Carlos, ¿qué puedes contarme del elenco?

Ellos se sumaron desde que empezamos a desarrollar el proyecto. Escribí esta obra hace cinco años y tuve la oportunidad de llevar a cabo una lectura dramatizada el año pasado. El elenco ha estado trabajando conmigo desde hace dos o tres años, y para mí era incuestionable que ellos debían ser quienes dieran vida a estos personajes. Todos tienen un gran talento y me siento muy afortunado del equipo y el elenco que formamos.

En el caso de Samantha, era interesante llevar una máquina

a la escena. Cuando empezamos a escribir esta obra, la tecnología de la inteligencia artificial no estaba tan desarrollada. Fue hasta el año pasado que surgió ChatGPT y otras plataformas de IA, lo que nos hizo darnos cuenta de que el futuro pinta para tener máquinas con comportamientos muy similares a los humanos. La idea con Samantha era alejarnos de cualquier tecnología que remitiera a los 80s o 90s; tenía que ser algo que en escena se viera lo más real posible, como es la tendencia actual con la inteligencia artificial.

¿Cuál fue el proceso para documentarte y escribir la obra?

Siempre he sido muy cercano a la tecnología y me interesa mucho estar vigente en lo que se está desarrollando en el mundo. Cuando empecé a escribir la obra, la inteligencia

artificial aún no estaba tan avanzada. Sin embargo, la ciencia ficción y el cine han tratado recurrentemente el tema de los androides, los robots y la inteligencia artificial. Mi referente más grande cuando empecé a escribir la obra fue Sofía Robot, la primera robot desarrollada con cuerpo humanoide y que salió alrededor de 2018. Para mí, era un referente importantísimo ver su evolución y cómo empezó a integrarse y platicar con las personas.

Claudia, ¿cuáles son los retos de hacer esta obra?

Son muchos retos, especialmente hablando de teatro independiente. Es tratar de buscar todos los apoyos necesarios para el montaje de la obra. Hemos encontrado un espacio muy amable, como te comentaba, con el tema de Recio, que fue un apoyo fundamental para presentarnos

en muy buenos foros. El reto también es lograr que la historia atrape a la mayor cantidad de personas y que vengan a vernos en las distintas funciones que vamos a tener.

Para Carlos y para mí, acoplarnos a lo que representa hacer algo tan vivo. En el audiovisual tienes más control de lo que ocurre, pero en el teatro, cada función es única. También es la parte linda, ya que cuando haces un trabajo audiovisual nunca tienes la cercanía con el público como en el teatro. Nuestro reto es lograr que la gente se conecte con la obra, les guste y nos recomienden para poder cerrar la temporada como queremos.

"El valle inquietante" tendrá 17 funciones itinerantes que se llevarán a cabo en La teatrería, además de en El Círculo Teatral y Foro Shakespeare.

"CÓMO

APRENDÍ A MANEJAR",

UNA OBRA SOBRE EL ABUSO Y EL PERDÓN

Llega a la cartelera la sexta obra de la dramaturga estadounidense Paula Vogel, Premio Pulitzer 1998, "Cómo aprendí a manejar", estelarizada por Cassandra Ciangherotti, Juan Carlos Remolina, Mahalat Sánchez, Pablo Perroni, y la alternancia de Luz Olvera y Vaita Sosa.

Una mujer nos invita a viajar con ella por su pasado, a la década de los años 60, para compartirnos una lección y un secreto relacionados con su núcleo familiar, su infancia y lo que no se dice. Un paralelismo inteligente y doloroso entre aprender a conducir y tomar las riendas de tu vida. Es una historia de amor, de abuso, pero sobre todo de aprender a perdonarnos a nosotros mismos.

“Es una obra que me hizo preguntarme cómo hemos aprendido una serie de habilidades en la vida. ¿A cambio y a costa de qué? Me pareció una obra sincera, ya que la familia puede ser un círculo virtuoso o un círculo vicioso. Hoy en día, creo que sanar nuestras relaciones interpersonales y nuestros linajes es una tarea fundamental para el crecimiento de nuestra conciencia y nuestro desarrollo como humanidad. Es un tema que me ha tocado abordar y que me mueve profundamente”, explicó Ciangherotti.

"How I Learned to Drive", su título en inglés, es un texto que impactó desde sus primeros montajes en el Vineyard Theatre de Nueva York y que ahora, casi 30 años después, llega a escenarios mexicanos para mostrar la atemorizante atemporalidad y universalidad de sus problemáticas.

Producida por Woo Films en colaboración con Óscar Uriel, la obra llega al Foro Lucerna, Premio Pulitzer de la dramaturga Paula Vogel por Mejor obra de teatro en 1998. Con traducción y dirección de Angélica Rogel, esta puesta en escena retrata la desgarradora cotidianeidad del abuso sexual, el estupro y la impunidad en el núcleo social más importante: la familia.

Esta corta temporada irá del 28 de junio al 18 de agosto.

“Un texto divertido y desgarrador, esa mezcla es parte de su encanto y es lo que vuelve al material complejo y atractivo: la fuerza del contenido y la habilidad de la autora para darle la vuelta y llevarte a un viaje del que es difícil salir ileso, porque se mueve en uno de los círculos que más nos determinan: el familiar. [...] La obra propone jugar con las convenciones, como si el montaje fuera un regalo a esa niña que desde su ser adulta nos cuenta cómo aprendió a manejar. Y sobre todo, cómo aprendió a perdonar, a perdonarse y reconciliarse con ella. Con todo eso, ¿cómo no querer llevar a escena esta obra y compartirla?” declaró la también dramaturga Angélica Rogel.

FOTOS CARLOS MORA

RECONOCEN LA TRAYECTORIA DE PIERRE LOUIS EN "LA TERNURA"

LA OBRA "LA TERNURA" entrega un reconocimiento a la creciente trayectoria del actor Pierre Louis, quien da vida al personaje de Leñador Azul Cielo en dicha obra. Rodeado de cuatro de sus mejores amigos y padrinos del homenaje —José Pablo Minor, Diego del Río, Miguel Septién y Joe Rendón—, le dedicaron unos mensajes también al cantante.

La obra, escrita por Alfredo Sanzol, es un divertimento escénico que retoma la estructura de las comedias del teatro isabelino, brillantemente desarrolladas por William Shakespeare, especialmente en "La Tempestad" y "Noche de Reyes".

"La Ternura" se estrenó en el Teatro de La Abadía de Madrid en el año 2017 y habla de la fuerza y valentía para amar. La ternura es la manera en que el amor se expresa. Sin ternura, el amor no se percibe. La ternura son las caricias, la escucha, los pequeños gestos, las sonrisas, los besos, la espera, el respeto, la delicadeza. Como dijo Sanzol, "una sociedad sin ternura es una sociedad en guerra".

"LA TERNURA"

Dónde ver: Nuevo Teatro

Libanés

Viernes

19 y 21:30 horas

Sábado

18 y 20:30 horas

Domingo 17 y 19 horas