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MÚSICA
FIACMX
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blue hawaii home video furia kamikase
TEATRO
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DANZA
NIÑOS
a poc a poc Algoritmo Peter Pan la quimera de plástico El Doncel Caballero ópera portátil El día que María perdió la voz
Í N D I C E
NÚMERO 88 OCTUBRE 2017
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EL HOMBRO DE ORIÓN
AGENDA
¡silencio! Juan Ramón Velázquez Mora
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ICL
AGUA LA BOCA
ceadeh José Antonio Alvear
55 EL SITIO el café de los artistas Xosué Martínez
pócimas mágicas (primera parte) María Luisa Vargas San José
58 AL CIERRE xviii festival de la muerte La Redacción
E Publicación mensual gratuita del ICL STAFF ALTERNATIVAS Luis Meza | Director Editorial Rosana Durán | Directora de Arte Xosué Martínez | Editor Karla Gasca | Redacción Yolanda Gutiérrez de Velazco | Publicidad Patty Vera, Ruy Muñoz | Diseño María Fernanda Méndez | Redes Irvin Gritatti, María Santiago | Servicio Social Javier Pérez, Isaías Álvarez | Distribución
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PARA ESTAR EN CONTACTO: @CulturaLeon @LeoAlternativas alternativasdifusion@gmail.com alternativasedicion@gmail.com @CulturaLeon @LeoAlternativas Instituto Cultural de León Revista Cultural Alternativas Revista Cultural Alternativas Octubre 2017 (477) 716 4001 y 714 0326
PORTAL CULTURAL DEL ICL: www.institutoculturaldeleon.org.mx
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DIRECTORIO ICL Carlos María Flores Riveira | Director General José Antonio Alvear | Director Desarrollo Académico Katia Nilo | Directora Desarrollo Artístico y Cultural Lizbeth Orozco | Directora de Administración Nora Delgado | Directora Fomento Cultural y Patrimonio Roberto Landeros | Director Servicios Operativos
ntramos al último trimestre del año. Es octubre un mes con al menos tres eventos de talla.
El Festival Internacional Cervantino en León, del 11 al 29 en espacios del Instituto Cultural de León y del Forum Cultural Guanajuato; el 37° Foro Internacional de la Cineteca, del 13 al 26 en las salas de Cinépolis La Gran Plaza; y el Festival de la Muerte, del 26 de octubre al 2 de noviembre. Así se configura una temporada llena de actividades que a manos llenas llegarán a los leoneses en este cierre de año. En nuestro número anterior te adelantamos todo lo del FIC en León; ahora, nos infiltramos en los archivos de la Dirección de Desarrollo Artístico y Cultural del ICL para traer un número con los adelantos del Festival Internacional de Arte Contemporáneo, FIACmx, cuyo principal atractivo es que en esta ocasión, con todo y sus cancelaciones previas, cumple 20 ediciones. Antes de que sea presentado este veinteañero y su programa oficial, aquí te hablamos de las generalidades de la edición dedicada al ‘Cuerpo Social’, es decir, a la moda y el cuerpo como representaciones de nuestra realidad. En Alternativas FIACmx 20, incluimos cuatro potentes montajes teatrales, cuatro conciertos estridentes, tres propuestas de danza contemporánea y tres opciones más para niños, todo ello para disfrutar del 2 al 11 de noviembre. Y como estamos llenos de avances, también revisamos el Segundo Congreso de Educación Artística para el Desarrollo Humano y nuestro Sitio con un futuro brillante cuando se culmine su vecina Plaza de Gallos y más. Este es otro número doble.
PUBLICACIÓN MENSUAL GRATUITA DEL ICL
Tiraje octubre 2017: 6,000 ejemplares. Impreso en papel bond de 90 gramos con portadas en couché de 250 gramos. Una edición del Instituto Cultural de León. Plaza Benedicto XVl, s/n, León, Guanajuato, México. Tels: 716 4001 y 714 0326.
Somos una revista amigable con el medio ambiente. La dirección editorial de Alternativas no hace suyas las opiniones de sus colaboradores pero sí defenderá donde corresponda su derecho a la libertad de expresión. Esta revista no sería posible sin el apoyo de todo el personal del ICL. Gracias a nuestros lectores, patrocinadores y anunciantes por apostar por la Cultura.
Cu erpo soci al por
LE ONA R DO R A MĂ?R E Z
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a sociedad contemporánea se ha caracterizado por ser la más visual de todas, convirtiéndose en una colectividad que privilegia el aspecto de cada cosa que consumimos, especialmente del modo en el que nos presentamos con los demás. Vivimos en una época de profundo narcisismo, donde el cuerpo se convierte en una mercancía que se envasa atractivamente, convirtiéndola en un elemento central de las sociedades y cultura contemporáneas.
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v es t ir e s un elem en t o p r im o r dia l d e la v i da d e c ualqui er p er s o n a un ac t o i n d i v i d ual que p r epar a el c uer p o par a su i n t er ac c i ón soc i al
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La vestimenta está profundamente ligada a la construcción de la identidad y ofrece una visión que magnifica la realidad a partir de códigos que no siempre son fijos o compartidos y que por su naturaleza están sujetos a una interpretación o encubrimiento, permitiendo una interacción compleja entre grupos sociales o comunidades.
Es a partir de ciertas contradicciones donde se elabora un extraordinario metadiscurso de género, raza y clase, en el que, en muchas ocasiones, se permite a ciertos agentes sociales aportar elementos para una nueva lectura en el campo de la representación social del cuerpo humano. El vestir es un elemento primordial en la vida de cualquier persona, un acto individual que prepara al cuerpo para su interacción social, ya que la ropa como objeto simbólico se configura como una parte de nosotros y una actividad cotidiana incrustada en las relaciones sociales, haciendo de esto una práctica habitual, profundamente arraigada y presentada como un código, por el cual se envían mensajes sobre uno mismo.
En esta edición del Festival Internacional de Arte Contemporáneo, FIAC 2.0, exploraremos las distintas posibilidades de lectura que nos proporciona la vestimenta y la apariencia corporal, a partir del análisis de una identidad construida, ficticia, no natural, como un signo producido desde el diseño y la discursividad del diseño, así como a partir de la comprensión de una alocución corporal socialmente construida, el fashion system, las dinámicas del diseño o la cimentación de relatos a partir de elementos que se conforman como parte de la cultura contemporánea.
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El ‘FIACmx, Cuerpo social’, favorece una visión general y amplia de la vestimenta, el diseño y la moda desde una perspectiva artística, sociológica, antropológica, etc., ofreciendo un panorama muy amplio de teorías, relatos, conceptos, personajes que rodean el papel y la función del vestir y la moda en la actualidad en distintos ámbitos, a partir de la articulación de los discursos en torno al consumo, el mercado, el cuerpo, la identidad, el género, la ficción o el diseño.
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Esta base teórica nos da pie a navegar por los discursos de diseño y artísticos a través de una programación que va desde el teatro que cuestiona a la gravedad, la danza que lucha
una p r og r a m ac ió n que va d esd e el teatr o q ue cu esti on a a la grav eda d, la danza que luc h a por re co n oc er n ue vos der ec h o s soci al es y la m úsi ca q ue si em p r e late e n l os r it m o s de l cuerp o por reconocer nuevos derechos sociales y la música que siempre late en los ritmos del cuerpo. Asimismo, se contará con seis exposiciones de arte, diseño y cultura contemporánea, un espacio sonoro y un otro para la presentación de fashion films. ‘La naturaleza múltiple y fluida de la vestimenta y la moda’ es el nombre del simposium que se presentará este año. Con dos días de duración, plantea la posibilidad de hacer los esbozos relativos a la estructura conceptual ya enunciada, y estará conformada por ponencias con profesionales de la industria de la moda, filósofos, diseñadores de vestuario y curadores, como Beatriz Preciado, Ana Elena Mallet, Carmen Artigas, Anna Fusoni, Michelle Mallard e Iván Aguirre, entre otros.
El teatro nos confronta necesariamente con nosotros mismos. Es un espejo en el que, si no nos identificamos plenamente, reconocemos nuestro cuerpo, nuestras emociones. Es un ejercicio colectivo que hace lo propio con la misma sociedad. En el veinte del FIACmx, se contará con dos regresos que emocionan. Kraken Teatro y su reto a la gravedad, y Vaca 35 con su franca manera de hablarnos; y otros dos montajes para hacernos crujir el estómago, uno que habla del poder y la venganza shakespereana aterrizada en México, y uno más para señalarnos como parte del problema de la violencia en nuestro país, pero también de la solución. por x o s u é
g rav e da d c er o EE l gran sueño de la humanidad siempre ha estado en las alturas. Ante la imposibilidad física del vuelo, científicos y artistas han dedicado sus vidas a lograrlo. Sobran los ejemplos de cuántas formas se han buscado para lograrlo.
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b o z a l , p r o h i b i d o n o
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d e R i chard Vi qu e ira K r a k e n Te a t r o T E AT R O M A N U E L D O B L A D O
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Primero fue igualar la vista que tienen las aves, luego de la vista que tienen las estrellas. Esto es lo que nos propone ‘Bozal, prohibido no volar’ de Richard Viqueira; un montaje surgido de la ciencia ficción con una década de trabajo que reta las posibilidades del escenario, como siempre busca este creador teatral.
de simples hu manos a seres extraterrestres, de astronautas a jueces que lo miran todo desde a r ri ba o desde sus entrañas, la condición humana p u esta en du da ante los sueños.
El vehículo espacial concebido por Viqueira y su Kraken Teatro ya sobrevoló la órbita de la capital del país a principios de año, e hizo que el mundo volteara
La tecnología avanza, pero basta un vistazó al entorno para ver que nuestras concepciones éticas y morales no trascienden a esa velocidad, y aquello que nos hace
a ver al teatro mexicano; y para el FIACmx realizará tres vuelos en el espacio del Teatro Manuel Doblado.
humanos es el borde entre lo utópico y la tragedia.
Los actores Omar Adair, David Blanco y Rojo Córdova son los tripulantes espaciales encargados de guiar la misión, pero ¿qué hay más allá del “teatro en gravedad cero”? La ciencia ficción regularmente nos regala los grandes sueños en un paquete para llevar, pero también nos muestra la pesadilla de lo que puede ocurrir.
Tanto la tripulación como el público pasarán de simples humanos a seres extraterrestres, de astronautas a jueces que lo miran todo desde arriba o desde sus entrañas: la condición humana puesta en duda ante los sueños. Se trata de teatro inmersivo que deja la cuarta pared por debajo de la escena y del público, y que en León se presentará en tres ocasiones para cien personas a la vez, aunque no todos podrán volar.
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La crítica del país y del extranjero destaca que ‘Bozal’ se trata de algo único, incluso en el teatro universal, y quienes han sido testigos del teatro de Viqueira tienen herramientas para no dudarlo. La última vez que visitó esta ciudad, para el extinto EAL 2012, nos trajo una colisión entre nuestro concepto de ciudad y la concepción de la vida en Monster Truck. Con un sello superior llegará este nuevo montaje.
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Sucederán las funciones y las giras, el público cambiará como cambian las estrellas, y aun así, las palabras más exactas para describir esta experiencia escénica se quedarán siempre colgadas entre dos signos de interrogación. “¿Cómo me comportaré yo en las alturas y cómo será este grupo de gente cuando volemos
en compañía? Desde lo altitud todo se vuelve trascendente, ya que la vida se calibra de otro modo. Cuando entendemos que no nacimos para volar y que sin embargo hoy lo vamos a hacer”, advierte Viqueira.
S ha k e s pe a re a la mexicana T E AT R O | M é x i c o
m e n d o z a Juan Carrillo, director C o l o c h o s Te a t r o C A S A D E L A C U LT U R A DIEGO RIVERA
MARTES 7 /
19:00 horas
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ENTRADA LIBRE
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olochos Teatro han asegurado la universalidad
de las tragedias de Shakespeare: las han traducido al lenguaje de la revolución mexicana. Le han puesto sombrero, nahual y mezcal a Lord y Lady Macbeth transformándolos en Don y Doña Mendoza; y sobre todo, han creado una cadena de derramamiento de sangre en el escenario. ‘Mendoza’ es una creación del escritor Antonio Zúñiga y del director Juan Carrillo, quienes se aventuran a hablarle al “tú por tú” con el Bardo. Lo ponen en una mesa junto a Juan Rulfo y Elena Garro, de quienes aterriza la esencia mexicana para lograr una dramaturgia alterna, trágica y hasta cierto punto folclórica.
la m ag ia y el in m en s o l en g ua je c o n t r a s ta n c on un f or o a c uat r o f r en t es y un a escenografíA casi i n ex i st en t e
Para esta tragedia, nos remitimos a una cantina, que aunque sabemos que está llena de soldaderas y coroneles de la revolución, en realidad no pertenece a ninguna época, tal vez una maldición más a estos personajes, que no puedan salir de ese mundo. El general Mendoza, un hombre lleno de ambición y contrario al movimiento revolucionario, se encuentra a una bruja que le conjura los más altos cargos. Con ese impulso, Mendoza construye su asunción, a base de traiciones, de alucinaciones y de asesinatos. La magia y el inmenso lenguaje contrastan con un foro a cuatro frentes, una escenografía prácticamente inexistente y elementos de utilería sui generis: seis sillas, una mesa de metal, rebozos, manteles, cubetas y botellas de cerveza.
El elenco está formado por Marco Vidal, Mónica del Carmen, Erandeni Durán, Leonardo Zamudio, Martín Becerra, Germán Villarreal, Ulises Martínez, Alfredo Monsiváis, Roam León, Yadira Pérez y Carla Soto. La idea del lenguaje y alegorías revolucionarias en un espacio atemporal no es sino un esfuerzo por una crítica a las luchas de poder y de política que actualmente se hacen en México. La historia, telaraña de ZúñigaCarrillo toca la casi endémica corrupción nacional y política. Son estos creadores quienes buscan en Mendoza, demostrar la universalidad de la obra shakespereana, por lo que no es una obra para amantes del Bardo o para personas “instruidas” en el lenguaje. Mendoza habla “derecho” y ofrece a todos, lo mismo tragos que balas.
todos so mo s n a r c o T E AT R O | M é x i c o
c a b o r c a de Paulina Barros Reyes Retana Te a t r o e n F u g a , A . C . S Ó TA N O I C L
MIÉRCOLES 8 /
17:00 y
20:00 horas
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ila es secuestrada para forzar a su padre a ceder sus tierras al cártel local. Ana, Alfonso, Mario, todos están secuestrados por el crimen y el narco en el país. Son muchos los desconocidos, la zonas, los malos, los buenos, los vivos y los muertos; por lo que Teatro en Fuga ha apostado por ponerle nombre y rostro a todos ellos a través de Caborca, un montaje que se aleja de la apología y muestra un diálogo con el narco desde la impotencia. En un ejercicio de justicia, no hay separación entre buenos y malos; las distintas realidades que se han generado en torno al tráfico de drogas han hecho que la gente cercana trabaje para ganarse la vida.
Nadie quiere morir. Los habitantes de Caborca están a la órden a cambio de unos cuantos pesos. Lila, su padre, el gatillero, el que vende verduras, todos ellos son representados por Alfonso Cárcamo, Mario Eduardo D’León, Olga González, Meraqui Pradis, Roberto Ríos (Raki) y Leonardo Zamudio, quienes forman parte del elenco. Este Caborca casi desértico, se presentará en las entrañas del Sótano del ICL, para llevar al punto de quiebre a los personajes, que el público se sumerja en el calor del conflicto, y que no dude que, de alguna manera, forma parte del problema, y tal vez de la solución.
la mesa está servida ““¡ Qué costumbre tan salvaje
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h a b í a m o s d e s a p a r e c i d o Damián Cervantes, dirección
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esta de enterrar a los muertos!” nos reclama Jaime Sabines en uno de sus textos más entrañables, declaración que puede verse en ‘Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido’ un montaje para confrontar, afirmar y revisar la vida misma. Se trata de una coproducción de la compañía capitalina Vaca 35 Teatro en Grupo y las compañías españolas Fira Tàrrega y Nau Ivanow; donde a través de investigaciones personales de los actores, el sabor de la comida se mezcla en una mesa servida para vivos y para muertos.
Esta obra intimista es definida como gastronomía escénica, teatro documental en base a la comida y la fiesta de muertos, que reta “los límites reales y ficcionales del actor, el personaje, el espectador y el espacio, planteando una postura con respecto a la brutal intimidad, logrando así una escenificación sin imposturas y con mayores accesos a la realidad del personaje en tanto ente, que se identifica con su contexto particular”.
‘Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido’ es una historia no lineal. Un ritual entre dos regiones, México y España, cocina en tiempo real con los sabores de un pasado que nunca se ha olvidados y un encuentro entre hermanas y hermanos separados por el Oceano Atlántico, que les permitió desarrollarse y crecer lejos, pero nunca separarse.
una his tori a no l i ne al.Un rit ua l e ntre do s re gio n es, Mé x i c o y E s paña, c o c ina e n tie mpo real
“Los actores, narran su historia personal a través de su comida, esta comida que tiene una historia y que es una historia que nos configura a todos los que vivimos esta historia moderna. Se invita al espectador a la mesa de los recuerdos, y a la mesa de preparación, y ahí sucede un viaje que se cocina lentamente a lo largo de 90 minutos, para conmemorar a nuestros muertos, consignar el pasado y celebrar la vida y el presente”.
Musica en vivo, fiestas con los muertos, la intimidad de una cocina y la sinceridad, son la fórmula para este montaje que cuenta con las actuaciones nacionales de Diana Magallón, Mari Carmen Ruiz, José Rafael Flores,Damián Cervantes, mismo que dirige el montaje; y Maite Urrutia e Irene Caja, de España. La música en vivo corre por cuenta de Alejandro Gónzalez. Vaca 35 regresa a León después de que en 2013 despachara al FIACmx con la creación de un infierno en el Sótano del ICL con el montaje ‘Lo único que necesita una gran actriz, es una gran obra y las ganas de triunfar’, cuya fuerza y estridencia madura, ahora, para traernos una fiesta de sabor que en sus dos funciones en el Teatro Manuel Doblado, encenderán los recuerdos.
Los ritmos electrónicos y tropicales se pegarán a la piel y pondrán a saltar a los asistentes al FIAC 2.0 con cuatro propuestas musicales imperdibles: Blue Hawaii, el dúo canadiense de música electrónica encargado de traer el célebre formato de Boiler Room a León; Home Video, banda neoyorquina que ha musicalizado capítulos entrañables de series como Grey’s Anatomy y Gossip Girl, y Furia Kamikaze, proyecto que reinventó la musicalización en vivo del cine clásico. por
MÚSICA |Canadá
b l u e h a w a i i T E AT R O M A R Í A G R E V E R
LUNES 6 /
19:00 horas
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C O S TO / 100 y 50 pesos
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k a r l a
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el e ct r of i acwa ii N
o nos referimos a la bebida nice en las noches de coctelería de tu bar favorito, tampoco a la película donde Elvis Presley logró su bronceado prefecto. Hablamos de Blue Hawaii, un dueto de música electrónica que la anda rompiendo en los Boilers Roms europeos.
Para este FIAC dedicado al cuerpo, nos quieren poner a bailar y saltar con los más potentes ritmos electrónicos, y por ello es que han invocado a esta agrupación integrada por Raphaelle Standell-Preston aka “Ra” y Alexander Cowan aka “Agor”, dúo que se ha dado a conocer en los escenarios
e s te F IAC dedicadoal c u e r po, nos quieren po ne r a ba il a r y s a ltar con l o s más potentes r i tmos electrónicos
internacionales gracias a su juego de sintetizadores y cajas de ritmos, que, en combinación con una mezcla de guitarras, logran un sonido armónico y electrizante. Ra y Agor pertenecen a la nueva ola ‘chillwave’, junto a Toro y Moi, Blackbird Blackbird y otras bandas sintéticas. La singular voz de Raphaelle que se asemeja a la del cantante Grimes, que acompañada de los ritmos sintéticos de Alexander recuerda el sonido de la famosa banda de dream pop, Cocteau Twins. Raphaelle Standell, quien mantiene un proyecto como solista bajo el nombre de Indiensoci, también forma parte de la agrupación Braids, una sobresaliente banda canadiense que combina los sonidos del jazz con instrumentos musicales electrónicos.
el soundtrack de tus series favoritas MÚSICA |EU
h o m e v i d e o T E AT R O M A R Í A G R E V E R
JUEVES 9 /
19:00 horas
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C O S TO / 100 y 50 pesos
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¿
Saben cuál es uno de los trucos para que una escena sea más trágica, más romántica o más significativa? Así es, es la música que la acompaña. Para todos aquellos que llegaban a estirar los pies y prender la tele en alguna serie de Fox o el Warner Channel, llegará a León Home Video, autores de los sountracks de Private Practice, Grey’s Anatomy y Gossip Girl, entre otras. Esta banda originaria del gran monstruo neoyorquino está integrada por David Gross en el bajo y los secuenciadores y Collin Ruffino en la guitarra y voz, ambos originarios de Nueva Orleans. El dúo se mantiene junto desde el 2004 y se ha dado a conocer gracias a su participación en varias series de televisión estadounidenses.
El dueto, que visita estas tierras zapateras por primera ocasión, compartirá con el público la fusión de electro-rock que ha sonorizado algunos de los episodios más entrañables de tus series favoritas. Aunque cuentan con más de 13 años de trayectoria, la agrupación mantiene un sonido fresco, siempre nuevo y ofrece elementos sonoros minimalistas que crean una atmósfera relajante. Descubiertos por la famosa discográfica británica Warp Records, acapararon la atención del público a través de la BBC Radio, plataforma que lanzó sus dos primeras canciones: That you Might y Citizen. En 2006, Defend Music sacó su primer álbum de la larga duración: No Certain Night or Morning, acompañado por un sencillo de 12 pulgadas que además incluía un remix del artista de la disquera DFA, Tim Goldsworthy.
con m á s d e trece a ñ os detrayect o r ia ofrece el em ento s sonoros m i ni m al i s ta s Después de este álbum, DJ Sasha tomó dos canciones para mezclarlas para Invol2ver, el cual también incluía canciones de Ladytron, M83 y Apparat. Después de este lanzamiento, en 2009 la banda lanzó It will be OK EP. Además de grabar con ellos, la banda ha viajado con Blonde Redhead, Colder Yeasayer y ha abierto conciertos para Justice, Flying Lotus, Radio 4 y Pinback. Hasta el momento cuentan con siete producciones discográficas y sus videos musicales: ‘Sleep Sweet’, ‘I Can Make You Feel It’ y Live at Mercury Lounge’, se pueden disfrutar a través de YouTube.
la c r i at u r a atac a FF
MÚSICA |México
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k a m i k a z e
PLAZA FUNDADORES
SÁBADO 11 /
20:00 horas
ENTRADA LIBRE
uria Kamikaze se presentará en la Plaza Fundadores para musicalizar en vivo el clásico filme de James Whale, ‘Frankenstein’ (1931) en un espectáculo nada decoroso donde el punk, el techno y el industrial elevarán las imágenes en blanco y negro a otro nivel, descongelándolas de su tiempo y trasladándolas al nuestro.
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Este proyecto integrado por Sergio
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Licea y Octavio Garay ha dado mucho de qué hablar (y escuchar) creando un laboratorio sonoro itinerante donde las ideas visuales fluyen y se combinan con guitarras y voces en un espectáculo divertido y sinestésico.
las idea s v is ua l es f l uy en y se c om bi n an c on g uita r r a s y voc es en un es p ec tác ul o d i v er t i d o y s in es t és ic o
La musicalización en vivo de películas de antaño y silentes no es novedad; sin embargo, lo que ofrece Furia Kamikaze sí lo es. En múltiples festivales y eventos culturales hemos sido testigos de orquestas sinfónicas e intérpretes de música clásica que dan vida sonora a las películas en tiempo real, pero los Kamikaze decidieron dar un paso más y romper los paradigmas de la música electrónica, utilizando sintetizadores análogos y digitales, además de colaborar con artistas visuales emergentes para otorgarle un giro a su propuesta y ofrecer algo distinto, creando una experiencia única que invitará al público a replantear la manera de ver y escuchar el cine clásico. La singularidad que distingue a los Furia Kamikaze los ha llevado a presentarse con éxito en la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil (FILIJ), Casa del Lago, Museo Nacional de San Carlos y el Festival de Cine Europeo en Guanajuato 2016, donde musicalizaron en vivo de la película ‘El circo’, realizada por Charles Chaplin en 1928. El juego, la experimentación, la intervención al momento y el amor por los sintetizadores análogos y digitales, caracterizan al electro dúo mexicano que se atrevió a reinventar y explotar este divertido proyecto hasta sus últimas consecuencias. .
El cuerpo se mueve con una capacidad asombrosa. Es una máquina articulada que nos permite explorar el mundo y la danza es una de sus virtudes más sobresalientes. Los artistas dedicados a este género no se quedan ahí y proponen reinterpretar el mundo. Para este FIACmx, la danza se manifiesta como una columna vertebral para plasmar en los escenarios reflexiones y críticas a la sociedad contemporánea. Combinándola con la tecnología y el teatro, estas tres propuestas buscarán cuestionar nuestros movimientos diarios. p o r M A R Í A S A
¿cu á l es la p r is a?
N T I A G O
relax now!
T E AT R O
| RC ehpe úc ab l i c a
R E L A X N O W ! de Linda y Mathias Straub Spielraum Kollectiv T E AT R O M A R Í A G R E V E R
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VIERNES 3 / SÁBADO 4
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18:30 horas
ENTRADA LIBRE
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ivir en una gran metrópoli tiene sus consecuencias. Los miembros de Spielraum Kollectiv, una compañía de danza checa, lo saben muy bien, ya que han pasado los últimos años viviendo en Praga, Berlín y Londres. Aquí en León también lo sabemos, por eso llega con el FIACmx al Teatro María Grever el montaje dancístico “Relax Now!” ¡Si te detienes, pierdes! La realidad de la sociedad moderna es que nos apresuramos para llegar al siguiente punto y hemos perdido la naturalidad de la comunicación interpersonal. Nos habla de esta búsqueda de identidad en una jungla de información, donde lo único que es constante es el cambio.
El escenario analiza cómo el ajetreo modifica nuestros movimientos y cuerpos. La actuación de los integrantes de Spielraum Kollectiv está caracterizada por el tic-tac de un reloj insistente al que sentimos la obligación de responder a cada instante. La coreógrafa Linda Straub y el escenógrafo Mathias Straub son la piedra angular en esta producción. Han recolectado material creativo de las tres capitales europeas para criticar este fenómeno de aparente urgencia que se manifiesta en estas sociedades que ni siquiera se detienen para respirar. Nos proponen hacer una pausa como solución a este problema. Después de todo, paradójicamente, es el primer paso que tenemos que dar para llegar a algún lado. Las distancias como las conocemos ya no serán las mismas, carecen de significado. Relax Now! es una pausa teatral que nos libera
momentáneamente del ajetreo del mundo moderno. Parte del programa de danza se presentará en esta puesta en escena que nos habla, rompiendo la barrera del idioma, acerca de la calidad de vida, acerca del tiempo.
es un a pa us a t eat r a l q ue n os l iber a d el ajet r eo d el m un do m o der n o. n os h a bl a ac er c a d e la c a l ida d d e v ida, ac er c a d el t iem p o
T E AT R O
| Italia
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DANZ A-
Ricci / Forte
T E AT R O M A N U E L D O B L A D O
DOMINGO 5 /
18:00 horas
ENTRADA LIBRE
c o n tr a l a hom o f o b ia E
l detonante: un alumno de 15 años del Liceo Cavour de Roma que se suicida después de haber sufrido acoso en las redes sociales por ser homosexual. La respuesta: la compañía Ricci/Forte construye un manifiesto escénico contra la homofobia, Still Life. Lleno de tintes políticos, para un estado que responde con indiferencia ante estos actos, la puesta en escena italiana, que en México, antes de pisar el FIACmx, estará presente en el Cervantino, cuestionará sobre el escenario del Grever, a ese México en el que sobreviven aún arrebatos conservadores y homofóbicos. Stefanno Ricci y Gianni Forte se han especializado desde hace ocho años en usar los escenarios
como instrumento de denuncia de la sociedad contemporánea, como un medio de política, no solo en Italia, sino también a nivel internacional. Sus montajes nos obligan a replantearnos las cosas gracias a su estética y a su contenido. Actuando como portavoz de la sociedad, podríamos decir que más que una obra de danza y teatro, tenemos ante nosotros una conferencia de la indignación común y la indiferencia, ante un problema social que se mantiene como tabú. Repleta de reflexiones lacerantes, esta obra controversial, muestra al cuerpo, el sudor, el sexo, y los excesos como materia bruta de un himno a la vida, poesía para ver la verdadera libertad.
b el le z a n o, poesía s í B
DANZA
l o s
|
México Francia
t r e s
c u e r p o s p o e m a
y
n u d i s t a
Tr i n i t y D a u d e n t h u n , dirección PH Producción y Escena T E AT R O M A R Í A G R E V E R
SÁBADO 11 /
18:00 horas
ENTRADA LIBRE
ajo la dirección de Trinity Daudenthun e inspirada en la vida y poesía del mexicano Ekiwah Adler Beléndez, llega ‘Los tres poemas y cuerpo nudista’ al Grever. Se presenta esta mezcla de disciplinas coreográficas y teatrales que nos regala un relato de la búsqueda de la belleza en el alma, que supera de las limitaciones del cuerpo. En ‘Los tres poemas y cuerpo nudista’ se pretende navegar entre la intimidad y el misterio que experimentamos todos mientras vamos en búsqueda de un valor real de belleza, a pesar de nuestros impedimentos físicos. Explora el relato individual de Ekiwha, una travesía entre varias vidas para
encontrar el punto cúspide entre el arte y la discapacidad, descubriendo a la poesía en movimiento como una tercera puerta. Ekiwah es un poeta, conferencista y maestro mexicano. Nacido en Amatlán, Morelos, desde muy joven demostró gran talento y pasión por la poesía. A los 12 años publicó su primer libro: ‘Soy’, una compilación de poemas aptos para niños por su lenguaje sencillo, pero lleno de enseñanzas para la vida. También cuenta con otros cuatro poemarios publicados: Palabras inagotables (2001), Weaver (2003), The Coyote’s Trace (2006) y Love on Wheels (2010).
Ha presentado su trabajo en México y Estados Unidos y actualmente da clases de poesía en el Centro de Educación Conductiva para niños y adultos jóvenes con parálisis cerebral, de Jiutepec, Morelos. Con eso logra ayudarlos a plasmar su experiencia de vivir con una discapacidad física a través del arte. “Mi silla de ruedas me ha obligado a hacer lo que más me gusta: quedarme quieto y escribir” dice Ekiwha al respecto de haber nacido con parálisis cerebral infantil. Todos sus poemas reflejan su aspiración de crear un vínculo de intimidad con el propio cuerpo. Y cuando lee en público sus obras, dando conferencias o alguna clase magistral, siempre busca lograr una relación mística entre el corazón del público y el suyo. La labor de Trinity fue juntar la danza contemporánea y el género japonés Butoh para plasmar la poesía de Ekiwha. Esta danza se caracteriza por su gran expresividad y movimientos lentos casi imperceptibles que le dan más importancia a la actividad mental. Está sustentado en la meditación para lograr manifestar cualquier tipo de estado mental que el artista desee expresar, específicamente las fases que aparentemente representan un obstáculo, para encontrar el valor y la belleza fundamental. Su poema en esta ocasión se convierte en una danza que explora diferentes horizontes. Ambas piezas, la poesía y la danza, transcienden para modificar nuestras concepciones comunes de la discapacidad, para revelar la imaginación y la reflexión más allá de lo ordinario.
La formación de públicos es preferentemente desde los más pequeños, es por ello que el veinteañero presenta tres espectáculos que pondrán contentos a las niños y niños de León. Primero una visita informática al País de Nunca Jamás, luego una aventura con un don Quijote que ni la edad le espanta su espíritu, y una ópera para dejarnos sin palabras.
E XPE D I C I Ó N A
NUNCA JAMÁS E
DANZA | México
A L G O R I T M O P E T E R
P A N
A Poc A Poc T E AT R O M A R Í A G R E V E R
MIÉRCOLES 8 /
19:00 horas
ENTRADA LIBRE
n una sociedad futurista, una niña llamada Wendy es invitada a conocer el país de Nunca Jamás. Este universo rodeado de elementos de juego y experimentación se ve amenazado por la racionalidad del sistema operativo GarfiOS y el Teatro María Grever está por descargarlo. De regreso por segundo año consecutivo al FIACmx, la compañía mexicana A Poc A Poc presentará la producción ‘Algoritmo Peter Pan’, una obra de teatro y danza apta para chicos y grandes.
En esta puesta en escena, Wendy está a punto de renunciar a su niñez, con apenas 12 años, al firmar un contrato. Aquí es cuando tradicionalmente entra Peter Pan y los niños perdidos para ayudarla a evitar este proceso a toda costa. Sin embargo, en esta ocasión fungen como acompañantes durante la travesía, en donde deberá encontrar su propio algoritmo de vida, que la ayude a no seguir arquetipos sociales.
La vida nos juega bromas cuando nos presenta la ilusión de la eterna juventud. ¿Quién no daría lo que fuera por ser niño por siempre? Esa es la fórmula del clásico “Peter Pan”, de J.M. Barrie, que originalmente escribió para teatro, logrando cautivar no sólo a la sociedad inglesa, sino a todo el orbe, llegando a ser novela y luego adaptaciones cinematográficas. Ahora regresa a los escenarios y se actualiza con A Poc A Poc, una de las compañías con mayor presencia en el panorama dancístico del país. Fundada en 1994 en Barcelona, pero que eventualmente al responder a la escena internacional se estableció en México, ha ganado reconocimiento mundial gracias a su participación en muchos festivales internacionales de danza.
El director Edisel Cruz retoma este clásico para darle vida a una versión futurística situada en el año 2050. Los atuendos están influenciados por el estilo del anime japonés y algunos personajes usan coloridas cabelleras. La música de Rodrigo Castillo está inspirada en Vivaldi, pero presentada con un giro futurístico, adecuado a la puesta en escena. Proponen la construcción de un escenario repleto de elementos que incitan al juego por medio del género fantástico.
u n a v ersió n f ut ur ís t ic a si tua da e n el añ o 2050. Los at uen d os están i nfl uenci a do s p or el e sti lo de l a n im e ja p o n és
cab al l er o de la i m ag in ació n D T E AT R O | E s p a ñ a
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d o n c e l
c a b a l l e r o Juan Margallo, dirección Te a t r o l a Q u i m e r a d e Plástico T E AT R O M A N U E L D O B L A D O
JUEVES 9 /
17:00 horas
ENTRADA LIBRE
esde España llega al FIACmx La quimera de Plástico, una agrupación teatral con
de las historias de caballería. Es así que Alonso Quijano parece haber olvidado sus
sede en Valladolid que cuenta con más de 30 años de experiencia. Y no llegan solos, vienen acompañados del caballero de la triste figura, y un joven aprendiz, con quienes desentrañaremos la aventura de la imaginación.
males gracias a esa relación revitalizadora, y lo que parecía ser el fin es el inicio de una aventura, con aquella celda acolchonada como navío para cruzar las aguas de la cotidianeidad y llegar al mundo de la imaginación.
‘El Doncel Caballero’, con la dirección de Juan Margallo, es una aventura para niños muy al estilo barroco. En ella nos cuentan cómo Don Quijote vive confinado en cama sus últimos días, hasta que un joven que está otro tanto loco, se ha enamorado
De camino encontrarán a caballeros, comediantes y princesas, lucharán contra uno que otro achaque del veterano guerrero, siempre con la convicción de preservar aquel mundo imaginario que ambas generaciones han cosechado para el futuro.
¿Y LAS PA L A B R A S ? sI
MULTIDISCIPLINA | M É X I C O
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D Í A
P E R D I Ó
Q U E L A
M A R Í A
V O Z
Jesusa Rodríguez, dirección Ópera portátil T E AT R O M A R Í A G R E V E R
VIERNES 10 /
18:00 horas
ENTRADA LIBRE
magina que un día te cae una caja de cereal en la cabeza y pierdes el habla. Así le pasó a María, protagonista del libro: ‘El día en que María Perdió la voz’ de Javier Peñalosa, una conmovedora historia que se transformó en ópera para niños gracias a la compositora mexicana Marcela Rodríguez. Este cautivador proyecto musical dirigido a los pequeños a partir de 6 años de edad, se presentará en el Teatro Manuel Doblado para recordarnos la importancia de escuchar. La formación de nuevos públicos y de futuros consumidores culturales es otra de las ocupaciones del FIAC, que este año incluye en su cartelera un proyecto musical pensado para el público infantil, pero que al mismo tiempo puede ser del disfrute de los adultos, ya que, como lo indicó la compositora Marcela Rodríguez, el mensaje de esta ópera va dirigido a todos: “tenemos que aprender a callar y escuchar”.
una niña a quie n l e gu s ta ha bl ar “has ta po r los co d o s”, sufr e u n ac ci d e nte y pi e rd e el h a bl a. . . quizá a h o r a apr e nda a e sc u char
Javier Peñalosa obtuvo el Premio Joaquín Xirau Icaza 2017, por ‘Los que regresan’ (publicada en 2016 por Ediciones Antílope), esta ópera que integra a un coro infantil acompañado por una flauta transversa, un clarinete, un violín, un violonchelo y percusiones, cuenta la historia de María, una niña a quien le gusta hablar “hasta por los codos”, hasta que un día sufre un accidente de lo más inverosímil y pierde el habla; sin embargo, esta
podría ser la oportunidad para que María aprenda a escuchar. Marcela Rodríguez, la encargada de transformar en ópera la historia de María, es una prolífica compositora que, desde 1979, escribe continuamente música para teatro, trabajando con los principales directores de México. Por si esto fuera poco, también ha escrito música para danza.
Al respecto de esta puesta en escena, señala que fue creada en sílabos y endecasílabos para que los niños pudieran asimilarla fácilmente; sin embargo, hace énfasis en que el público infantil suele ser muy perceptivo, por lo que no tienen ningún problema en disfrutar la música contemporánea. La dramaturga Jesusa Rodríguez es la encargada de la dirección escénica, mientras que el elenco está integrado por Catalina Pereda, quien interpreta a María; Ricardo Estrada es Manuel, hermano de María; Raúl Román da vida a Marcela Martínez, madre de María, y al Doctor Mendiola y Jonás el Brujo; Armando Mora es Marco Martínez, papá de María y también el Doctor Cabecilla; por su parte, Alejandro Camacho y Carlos Brown son los Robots en escena.
CEADEH: Generando espacios para la inclusión por José Antonio Alvear
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Programa, inscripciones y más información en: https://ceadeh.wordpress.com
Te recomendamos consultar Memorias del CEADEH en Youtube http://bit.ly/canalCEADEH Alternativas 79, Ecos del CEADEH http://bit.ly/Alternativas79
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n el mes de noviembre, los días 16, 17 y 18 concretamente, se llevará acabo el II Congreso de Educación Artística para el Desarrollo Humano (CEADEH); un espacio de encuentro en donde los maestros y maestras de todos los niveles podemos reflexionar sobre los asuntos más prioritarios, como la formación artística formal y no formal. Pero hacerlo solamente desde la pedagogía no es suficiente, la formación artística tiene un poder mucho más rico. Múltiples experiencias en todo el mundo son evidencias fehacientes de que una mejor dinámica social es posible cuando el arte se hace presente. El espíritu de este congreso apunta, en resumidas cuentas, a reivindicar a la educación artística como un derecho humano reconocido universalmente y que, al ponerse en práctica, la persona se hace más persona, y las sociedades, comunidades más justas y armoniosas.
No es gratuito ni pretencioso pensar en la educación artística como algo vital para nuestra convivencia. Permítaseme decir algo aparentemente radical: sin arte y cultura, la gente es capaz de morir. Ciertamente parece exagerado, pero pensemos en la siguiente pregunta ¿cómo puede llegar salvo a casa, alguien que ha olvidado el nombre de todas las cosas? Le sería imposible. La analogía pretende ejemplificar el poder que posee el arte para darle sentido a la realidad, para llegar a casa en medio de un mundo que está por conquistarse dándole sentido. ¿De qué nos sirve la subsistencia si esta no tiene un sentido, si no nos significa nada? Bien, pues el arte y la cultura son, ni más ni menos, el gran lenguaje que nos da sentido. Cuidar la educación artística, por tanto, tiene tres conclusiones hasta ahora: es vital, es un derecho, y es para todos. Para esta segunda edición del ceadeh hemos denominado su tema Generando espacios para la
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inclusión; evidenciando sus dos líneas de trabajo. Por una parte, los espacios de la educación artística como variable fundamental en el aprendizaje. Muchas reflexiones pedagógicas actuales ahondan e insisten en la importancia de los ambientes, lugares, dimensiones, sitios de convivencia, entre otros; importantes aspectos que hay que tomar en cuenta para que la educación (y la artística con mayor razón) sea lo más humana y favorable para el aprendizaje. El segundo eje rector es el de contemplar un valor que hoy por hoy es fundamental: la inclusión. Vivimos en sociedades cada vez más complejas y multiculturales; la diversidad es ya una realidad palpable en todos los ámbitos de nuestras comunidades. Es urgente hablar de inclusión. El reto es mayúsculo, puesto que la meta es rebasar el ámbito de la tolerancia y llegar al logro de la interrelación, de la interculturalidad. El objetivo no es menor, sobre todo en una sociedad individualista, dispuesta a encumbrar el éxito personal como el sueño por alcanzar, y en donde la educación artística no es más que un añadido a los contenidos que realmente importan para el progreso y el desarrollo.
En el congreso se combinan modalidades de aprendizaje que pretenden ser complementarias. Habrá cuatro conferencias magistrales con personalidades de alto nivel, como Andrea de Pascual (España), impulsora de las ‘Pedagogías Invisibles’; Mónica Romero (Colombia), referencia necesaria sobre procesos de educación artística popular; o Adán García (México), líder académico del Museo de Memoria y Tolerancia. El ceadeh contará con paneles de expertos que compartirán experiencias exitosas de educación artística a nivel nacional y regional. Se ofrecerán diez talleres que buscan dar más y mejores herramientas didácticas a los y las maestras que nos acompañen en disciplinas como artes escénicas, danza contacto, curaduría, música para la convivencia, entre otros. Asimismo, abriremos espacios de encuentro como los denominados ‘Círculos de reflexión’, en donde habrá oportunidad de tener charlas más cercanas con expertos y los propios asistentes para hacer puestas en común sobre la propia práctica docente. Queda pues, hecha la invitación. El arte traduce la realidad; la realidad traducida con belleza da sentido. Educar en el arte es educar en el sentido para la vida. Bienvenidos.
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¡Silencio! por
Juan Ramón Velázquez Mora
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arece que la conjura en contra de la paz y el silencio se ha filtrado también a los cines. Ahí se vuelve una cuestión de civismo, pero también de sentido común. Ver una película también es escucharla. Junto a los anuncios de se prohíben mascotas y salida de emergencia debería instalarse en todas las salas un letrero gigante que exija silencio. Hay toda una vida para discutir sobre películas, bien nos podríamos callar hora y media para verlas. La sugestión que exige el cine para su disfrute cabal no es un estado ordinario. Se trata de un trance de comunión en el que participan los autores de la película y la audiencia, unos ejerciendo sus poderes de sugestión y otros sometiéndose —o no— a ellos. Hasta podría decir, sin temor a errar demasiado, que el éxito de una película depende siempre de su capacidad para conjurar esa hipnosis. Es un momento de equilibrio similar a algunas fases de la embriaguez en las que todavía se pueden articular pensamientos, y la alegría fluye veloz. Terso
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como el rostro del mercurio, esta levedad se marchita fácilmente. Los enemigos son muchos. La naturaleza masiva del medio es uno de ellos. No se trata de un acto privado, como la lectura de un libro. Hay demasiados factores que escapan de nuestro control y quedan sometidos a la opinión de la multitud. Como se sabe, las aglomeraciones son estúpidas por naturaleza. Muchas veces esa zona sutil de la que hablaba se quebranta por mera falta de civilidad. Porque, al final, se trata de eso: civilización. Las salas son puntos altos de esa palabra tan maltrecha en nuestros tiempos. Tanta gente junta sin morderse, rasguñarse, matarse o amarse debería ser un punto de orgullo para la especie. En el espectáculo del cine, tales necesidades humanas se lanzan hacia la pantalla. Estamos juntos para matarnos sin matarnos, amarnos sin amarnos, espiarnos sin espiarnos. Todos tenemos el mismo derecho sagrado de disfrutar en paz de este ritual… pero los enemigos son muchos.
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Otro de los efectos hipnóticos de la pantalla implica olvidar que estamos en público y acompañados. Entramos en una dimensión privada o, mejor, íntima. Es por eso que tantos amantes han hallado favorable la oscuridad de las salas para soltar amarras. Además de señalarlos quisiera decir que los comprendo. La fortificación interior que usamos para amar es muy parecida a la que usamos para soñar. Pero ese castillo está hecho de naipes. Basta el dulce aroma del queso con vinagre o los hot-dogs con chile jalapeño para cortar de golpe el romance más carnoso. Entiendo que las camas aburran de vez en cuando, pero los jugos y sonidos del amor producen un efecto muy desagradable para los que no están involucrados. (Sólo el placer es capaz de auspiciar esos lodazales sin causar repugnancia.) Es muy extraño que los museos y las iglesias impongan un respeto
universal casi sin proponérselo, mientras que a los cines van todos con la intención de destapar cervezas, abrir bolsas de fritangas… Es como si el cine los conjurara. Tampoco se excluyen los bebés llorones, los adolescentes en manada o los que llegan diez minutos después de iniciada la película. Tarados, muchas veces arreados por los pastores de la publicidad o el ocio, que se han olvidado de cómo permanecer con la boca cerrada, concentrados en lo suyo y en calma con el prójimo. Lo que debería ser el estado normal de las cosas, la base desde donde se construye la sana convivencia, parece aquí una exigencia desesperada. Incluso puede que sea una exigencia demasiado alta para una tasa de homicidios como la de nuestra ciudad, en donde todavía es común leer en las noticias que la gente se dispara en la calle por disputas de tránsito.
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Existe la magia? Por supuesto que existe, ¿quién lo duda? lo que pasa es que estamos demasiado acostumbrados a ella. El día entero nos la pasamos elaborando e ingiriendo pociones que disparan multitud de reacciones químicas en nuestras glándulas, en el cerebro, en la sangre, y hasta en el interior de nuestros mismísimos huesos.
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Pócimas Mágicas (primera parte) por María Luisa Vargas San José
Pócimas que nos alimentan, que nos emborrachan, nos alucinan o nos curan. ¿Qué otra cosa son los medicamentos que en forma de tabletas, cápsulas, jarabes, polvos o infusiones sino pociones mágicas? ¿Y la sopita de pollo para la gripa, el café de la mañana y la tisana de azahar antes de dormir? ¿Las hojas de lechuga en la bañera de los bebés inquietos, el ramito de lavanda o de citronela contra los mosquitos y las mil hierbas de olor —tan digestivas— en cada guisado? El inocente té de manzanilla alivia los gases, la diarrea verde de los niños, regula el ciclo menstrual y las infecciones de la piel y los ojos; es una pócima que hemos usado por siglos en todas las casas, y sus efectos son más que conocidos. Un hueso de mamey carbonizado en la lumbre y molido hasta hacerlo polvo se debe poner como cataplasma sobre las llagas y heridas superficiales para cicatrizarlas. Tintura de chilcuague para la infección de garganta, una infusión de pingüica con cabellos de elote aliviará los males de riñón, la hidropesía y la
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prostatitis. La herbolaria entera, con sus cientos de miles de recetas tomadas del cocimiento empírico generación tras generación, es una de las brujerías más comunes y más antiguas;y no sólo los chamanes, las brujas y magos de renombre la han usado para sanar a la gente; los laboratorios de todo el mundo parten de materias primas reconocidas desde siempre por sus poderes sorprendentes, sus fórmulas son auténticos embrujos contra los más temidos males: antibióticos, antihistamínicos, analgésicos y medicamentos de última tecnología atacan aquellos demonios que se
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encarnan en nuestro organismo con la única y pésima intención de aniquilarlo. Pero no sólo la medicina es brujería científica, la cocina toda no es más que la puesta en práctica de esa magia que restablece el ánimo con el café de la mañana, potencia nuestra energía con un par de huevos rancheros llenos de proteína, equilibra la balanza con los frijolitos cardiovasculares repletos de ingredientes secretos como la tiamina, riboflamina, ácido fólico y niacina y nos empuja a empezar la jornada con vaso de jugo de naranja,
que es un bombazo de alegría llena de azúcares y vitamina C. Pura magia de la buena, de la que sirve para vivir más y mejor. Receta
Pues bien, para que no se diga que no podemos hacer magia, hoy recurriremos a una pócima para alegrar los corazones tomada literalmente del libro de Brigitte Bulard-Cordeau titulado ‘Cocina. Mis secretos de Bruja’, editado por Océano en Chile, 2008, y que dice así:
Confite de Jacintos
El Jacinto es conocido también como Muguete azul o Endymion, en alusión al pastor al que Zeus sumió en el sueño eterno. Las flores de Jacinto, que se agrupan en un racimo inclinado, dan a la planta un aspecto somnoliento. Esta flor cambia de significado según su color, y así, un Jacinto blanco significa «amarte me hace feliz»; uno azul, «me llenas de esperanza»; amarillo, «mi amor te hará feliz»; y rojo, «tu amor me invade» pero en el fondo siempre expresa felicidad amorosa. compras y cosecha (ingredientes) 1 puñado grande de campanillas de Jacinto silvestre 1 puñado de mil amores 20 flores y botones de margarita 5 ramas de perifollo (perejil) 3 cucharadas de aceite de girasol 1 cucharada de vinagre de jerez Sal y pimienta ¡a la marmita! (modo de hacerse) Lava el perifollo o perejil, las hojas y las flores, sécalas con cuidado en papel absorbente. Prepara una vinagreta con el aceite, el vinagre, la sal y la pimienta y mezcla ligeramente antes de servircomo ensalada para acompañar quesos con pan de nueces.
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El café de los artistas por Xosué Martínez
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l Centro Histórico de León continúa con el rescate de algunas de sus calles y edificios emblemáticos, como en la calle Juárez, donde la Plaza de Gallos busca volver a sus glorias pasadas. Pero también hay proyectos que cuentan con sueños igual de grandes. Justo enfrente se encuentra el Café de los Artistas, un proyecto que usa como pretexto el café para alistar el terreno con miras a una red de artistas. Este espacio, ubicado exactamente en Juárez 319-A, representa por sí mismo no sólo un espacio para los artistas emergentes, como señalan los promotores Rocío González y Ricardo Morado; sino que además es una oportunidad para darle otro tipo de aprovechamiento a una zona Centro llena de bares. Abierto desde el mes de mayo de este año, ha visto desfilar una docena de artistas como Martín Gerardo Correa, Lupita Anaya,
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Celtanz y Six Souls, entre otros. Se trata de tener una cueva, un ático donde la gente se sienta identificada con la promoción cultural. El café es un pretexto porque en realidad es un espacio alternativo e independiente para los artistas, como señala Rocío González. Parte de su éxito ha estado en la participación de Jaime Castellanos como mano derecha, y también de los hijos de la pareja, quienes han tomado la responsabilidad de formar parte como colaboradores. Basta una visita para comprobar que el espacio atrae a un público joven, tanto clientes que buscan un café alejado del bullicio del tráfico, como de artistas que están emprendiendo sus proyectos. El Café de los Artistas funciona como un foro para todos aquellos que desean compartir sus inquietudes creativas. Lo mismo se han presentado conciertos con agrupa-
ciones que apenas están pisando un escenario, que fotógrafos y pintores que cuelgan por primera vez una de sus piezas en una pared. Creemos que todas las personas tenemos la oportunidad de transformar la realidad, no sólo los artistas. Queremos que cada uno tenga la posibilidad de explorar un ambiente con gente que le gusta transformar la realidad. Lo que más le urge a este mundo es la esperanza, y la única forma de generarla es que cada uno de nosotros despierte ese ser creativo, sentencia Rocío. ¿Y cómo apuntalar la creatividad? La respuesta de Rocío y Ricardo llegó desde sus mesas. Desde una taza de café uno puede alinear sus sentidos para descubrir el mundo: Un espacio cultural que se antojara para venirse a inspirar con un café. Se asocia mucho esta bebida con la inspiración artística.
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Es así que podemos degustar café de especialidad con granos chiapanecos. Los clásicos nunca pasan de moda para un buen libro: expreso, americano, latte, capuchino, con crema irlandesa, de vainilla, caramelo, mokaccino, o hasta un buen chocolate. Infusiones de tizanas frutales y tés de una docena de sabores. Si la chispa creativa viene dulce, sodas italianas, frappes y smoothies, crepas, waffles, mufins y pastel son la mejor opción para levantar la pluma y redactar todas las ideas. Ahora que si el hambre apremia, los bagels o la pizza pita de hierbas y queso, te distraerán bastante las manos y las palabras. En su corta vida, el Café de los Artistas ya cuenta con grandes historias, como comenta Ricardo: Hay un chavo que viene diario porque está escribiendo una
novela, por ejemplo, y de verlo me inspiró a un cuento. Resulta que se convirtió en un personaje. Así pretendemos que surja la red de artistas. Buscamos que sea un espacio de referencia a donde vengan a tomar un libro, a ver pintura y a compartir con la gente que le gusta pintar, leer, escribir. Este es un proyecto donde el pretexto es el café, para crear una red de artistas de emprendimiento social. Además, nos encontramos con un espacio con una dinámica ya implícita. Por ejemplo, todos los lunes y miércoles hay charlas de inglés, los jueves se enciende el proyector para el cineclub y los viernes y sábados son de concierto. Para los martes, el plato fuerte son los encuentros filosóficos y literarios, celebrados como El Día de la Langosta. Inspirados en
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la novela homónima de Nathanel West, donde retoman el espíritu estridente, creativo y valiente de sus decadentes personajes; para discutir libros, debatir sobre autores e incluso formalizar proyectos. La deuda, confiesa Rocío, es que les ha faltado teatro, “lo que resulta irónico porque enfrente tenemos lo que será un gran espacio escénico”. No sólo músicos, artistas plásticos y escritores, “queremos que sigan viniendo clientes, pero que también se acerquen los teatreros, y que se den cuenta como nuestra comunidad, de que este espacio también es suyo”.
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XVIII Festival de la Muerte
por La Redacción
esde el 2000 el Instituto Cultural de León ha realizado anualmente el Festival de la Muerte, que en este año cumplirá 18 años. Esta fiesta para celebrar la vida y la muerte se ha caracterizado por convocar al talento local para dar rienda suelta a su programación.
La edición de este 2017 se realizará del 26 de octubre al 2 de noviembre, con una vasta oferta en torno a las ofrendas. Durante la temporalidad del festival, el Museo de las Identidades Leonesas y la Casa de la Cultura Diego Rivera mantendrán en exhibición altares dedicados a personajes ilustres de León, siendo esta última la que contará con una apertura por parte del grupo de danza folclórica Tonantzin. Además se contará con una charla en torno a esta tradición. Los festejos de la muerte tienden a ser eclécticos por las posibilidades de la temática, así que el Cineclub del ICL proyectará cuatro clásicos del terror: Suspiria (argento, 1977), Repulsión (polanski, 1965), La bruja (eggers, 2016) y El anticristo (von trier, 2011). Respecto al Despertar de las Ánimas, la pomposa caminata que parte del Panteón de San Nicolás contará con un nuevo destino. Desde la mañana del martes 31 se instalará una Ofrenda Comunitaria en la Plaza Principal, frente a la Presidencia Municipal. Esta ofrenda está pensada para recibir aportes de toda la población. Quien lo desee, puede llevar artículos personales o retratos de seres queridos fallecidos. A esta instalación se dirigirá el contingente que participe en el Despertar, cuya ruta tomará el boulevard Mariano Escobedo y las calles Juan Valle y Pedro Moreno, hasta llegar a la Plaza Principal. A la población que gusta de disfrazarse el día 1 de noviembre, se le sugiere caracterizarse de personajes emblemáticos en la historia cultural de León, que hayan generad o aportaciones valiosas a la sociedad o que por alguna característica destacada o singular sean una referencia para la comunidad (por ejemplo: médicos, ingenieros, artistas, zapateros, deportistas o cualquier personaje popular). Quienes así lo dispongan, se les asignará un lugar específico en el contingente. Ya en pleno 2 de noviembre y hasta la 1 de la mañana, las Danzas de Indios Broncos, Danzas de Concheros y Danza Azteca ofrecerán alabanzas a los muertos.
Consulta el programa completo en la agenda de esta revista, y en la página: www.institutoculturaldeleon.org.mx 58_