REVISTA EL BONDI - NOVIEMBRE/DICIEMBRE 2020

WWW.ELBONDI.COM NOVIEMBRE/DICIEMBRE 2020

INFORMES The Beatles Darby Crash Momo Sampler Rompan Todo

COBERTURAS KEITH RICHARDS

“La cátedra del riff”

SILVINA MORENO CANCIONES PARA QUEBRAR LA SOLEDAD

entrevistas LICHI THE CRIBS LAS SOMBRAS MARINA KAYE

LOS INDISPENSABLES

Contenido 15 Las Sombras

Silvia Gers 17

22 Sebastián Blanco Lucas Rossetto 26

04

29 Ñudrop

The Cribs 34

EP´S

36 Los Vencidos

Cuatro novedades discográficas en formato EP.

Marina Kaye 38

42 Lichi

Delaporte 48

58 06

50 Bicho

Pablo Matías Vidal

55

56 Superchería

SILVINA MORENO

LOS INDISPENSABLES Nuevas canciones para seguir revisitando este 2020 tan especial

INFORMES

2

30

20 AÑOS DE MOMO SAMPLER

40

DARBY CRASH

45

50 AÑOS SIN THE BEATLES

52

EL FENÓMENO ROMPAN TODO

20

LOS CABALLEROS DE LA QUEMA

El adiós de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota

El día esquivocado

Sólo nos queda dejarlos ser

Cinco documentales sobre música para ver en Netflix

KEITH RICHARDS

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Dirección General: Anabella Reggiani Jefes de Redacción: Pablo Andisco y Sergio Visciglia Directora de Fotografía: Bárbara Sardi Edición General: Fernando Villarroel Redes: Daniel Prieto y Juani Lo Re

COLABORARON EN ESTE NÚMERO:

FOTOGRAFÍA DE TAPA: Silvina Moreno por Paula Ruiz CRONISTAS: Anabella Reggiani, Augusto Fiamengo, Fernando Villarroel, Lucas González, Matías Fangi, Maia Kisz, Maximiliano Novelli Frutos, Nahuel Perez, Sergio Visciglia y Pablo Andisco.

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EP´S

LEO FELIPELLI “Una nueva sensasión” Desde el primer segundo de este nuevo trabajo nos topamos con la fuerza de su particular y agradable voz que con el correr de la escucha se va conjugando perfecto con una original propuesta musical. La rápida “Apurados” nos mueve con la melodía de su piano y “Junio” baja un cambio y nos devuelve al último y frío mes de pandemia, con toda la oscuridad que eso signifique.

Y ahí entonces llega “Una nueva sensación” y “Sed” para envolvernos, hasta que “Candombe” vuelve a subir con esperanza. “Tus fantasmas se irán a pasear” es un perfecto epílogo para este gran EP de Leo Felipelli que merece una buena parada de oreja.

“Deep Dive” Lituana de nacimiento, Marija Clara vivió muchos años en Reino Unido y desde el año pasado está radicada en Argentina. La mezcla de tierras decora perfectamente esta propuesta que viaja entre el jazz, el soul y el rhythm & blues.

Calidez y suavidad en tres canciones que se complementan perfecto como nudo entre su intro “Imagine” y outro “Deep Dive” que le da nombre también al este trabajo. Un recorrido calmo y placentero en el que la artista también desnuda su rica historia musical académica y la influencia constante de su padre saxofonista y su madre instructora de piano. Para relajarse y disfrutar.

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MARIJA CLARA

MATI FERNANDEZ “En vivo en dejá vu Studios” Tras editar un disco bien solitario, Mati Fernández disfrutó de un 2019 en banda y las canciones en el vivo se transformaron. Nada mejor para sobrellevar la pandemia que lanzar un EP en vivo, desde el estudio, y mostrar la actualidad musical.

Así entonces recorremos un camino de seis temas bien rockeros y cancioneros, destacándose “A vos te dejaron” y “Caminar bajo la lluvia”, con un cierre perfecto a cargo de la misteriosa “Nota mental”.

FRANCO DOLZANI “Peor es nada” Peor Es Nada es lo nuevo de Franco Dolzani, con cuatro canciones bien eclécticas pero que se entrelazan a la perfección. Desde la más rocanrolera “Aprendiz” hasta el dub “Performance”, pasando por la indie popera “Sofisticada negación”.

Entre medio se cuela un cover reversionado de El Cuarteto de Nos, “Autos nuevos” con juegos de máquinas y retoques bien dubs también se prenden durante todo el tema. Para prestarle atención a este joven músico oriundo de Santa Fe.

Cronista: Sergio Visciglia 09 de Noviembre

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LOS

INDISPENSABLES La Franela

“Las raíces”(ft. Los Tekis)

La Franela viaja con su música de Ciudad Jardín a la Quebrada y en ese itinerario simbólico conecta con los corazones de la Patria Grande. “Las raíces” se tiñen de aires andinos, sin perder su power latino de la versión que da título a su álbum publicado este año. Y si en el primer clip sorprendían con bolos de músicos y aritstas, acá se destacan los sonidos propios del folklore andino que aportan Los Tekis, en otra muestra de su buen maridaje con el rock.

Bisherop

“Le tems file”

El joven cantante y productor asoma con su impronta a puro trap y rap, en una canción calma pero a la vez tensa y hambrienta. Un simple de trompetas, toques jazzeros y souleros con destellos de oscuridad, acompañan un sobrio rapeo. La canción viene acompañada con una perlita perfecta: la versión del tema en reversa titulada, claro, “Elif smet el”. Un artista para prestarle atención en este presente y en su futuro.

La Triple Nelson “Hay días”

El grupo uruguayo se enfrenta al desafío de publicar material nuevo a cinco años de su discazo La sed, que le tributó elogios, premios y popularidad. Con “Hay días”, segundo adelanto del álbum, el ahora cuarteto se sumerge en una hermosa balada que amaga ser de voz y acústica y termina con la banda en plenitud, con la sensibilidad y la potencia que nos tienen acostumbrados y demostrando que la espera valió la pena.

Eté & Los Problems “Máquina del tiempo”

La incertidumbre de la pandemia vio nacer a una nueva formación para el grupo que comanda Ernesto Tabárez. Fruto de ese reagrupe llega esta versión en vivo de “Máquina del tiempo”, tema original de Hambre (2018) que formará parte del álbum Mudar, y que permite una aproximación al sonido actual de la banda: la oscuridad y la potencia que los caracterizan y los nuevos colores, en los que se destacan los teclados y las voces de Bárbara Jorcin.

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Cronistas: Pablo Andisco, Sergio Visciglia y Anabella Reggiani

Julepe

Sofi Posse

Cochecama

El nuevo tema del dúo Julepe es una marca perfecta del indie poprockero que quieren construir. Con frescura y ciertos paisajes bailables, la canción es acompañada por un entrador video animado a cargo del artista Javi Pane.

En su primera producción como solista, Sofi Posse da muestra de su sensibilidad y de su búsqueda artística. Una hermosa melodía pop con guiños rioplatenses y una letra que juega con los estados de ánimo, tan opuestos como cambiantes y tan característicos de los tiempos que corren.

En el segundo adelanto de su tercer álbum, Cochecama invita a un paseo imaginario por los caminos de la mente.

Psicodelia folkie, un riff irresistible y un combo ideal para cranear la vuelta a la ruta en clave indie. “Estamos lejos, estamos bien” reza el estribillo, y la empatía es inmediata.

“Tarde para ir”

“Clown”

“Quequén”

Batman Deluxe “Transparente”

Una fresca reversión de una vieja canción de la banda que los encuentra en este 2020 tan extraño bien rejuvenecidos. La producción artística a cargo de un cancionero de ley como Juan Rosasco parece influenciar en el resultado final: una canción pura, con melodía pegadiza y estribillo más que comprador.

Rayden

“Lobailao”

Desde España, Rayden continúa haciendo de las suyas y explotando cada canción que saca a la luz. Luego del suceso de “El mejor de tus errores” llega “Lobailao”, un single bien característico de su estilo. Ultra explosivo, con toques bailables, otros bien rockeros, otros más rapeados y su composición cada vez más consolidada. ¡Qué no te quiten lo bailao!

Mustafunk

“Rodrigo a 2000”

La cuarentena no detuvo la maquinaria Mustafunk. Luego de tres EP´s con novedades, versiones propias y ajenas, el grupo del Oeste muestra el primer single de su próximo álbum. Con una ejecución bien rockera, “Rodrigo a 2000” es una foto de época, una declaración de principios y un trip alucinante, entre nostalgias de bubbaloo y reflexiones tales como “entre pertenecer y lo que deba ser, vivo”. www.elbondi.com

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Tommy Raíz “Máquina del tiempo”

Mientras camina hacia su primer EP, Tommy Raíz sigue dando cuenta de su versatilidad y su buen gusto para la composición. “Marzo” es una balada que nace clásica y va mutando hacia un color más pop, apoyada en las voces de Cami Quintana y las guitarras de Tomás Bilbao.

Isla de Caras “Su carita”

“Su carita” es un nuevo adelanto de lo que será lo nuevo de Isla de Caras, una especie de balada grabada entre Buenos Aires y Berlín. En un plan bien downtempo y nostálgico, cuenta con un gran momento instrumental en el medio de la canción que levanta y nos pone bien de pie. Y así vuelve al plano calmo, melancólicamente moderno, y se esfuma de a poco como queriendo regresar.

Temporal

“Nieves eternas”

Desde el Oeste del Gran Buenos Aires, Temporal nos traslada a la cordillera, a bordo de una deliciosa guitarra spinettiana y con una gran historia detrás. “Nieves eternas” conmueve con su letra ambientada en la geografía andina y basada en la leyenda del Cacique Huazihul, en contrapunto con una delicada instrumentación con aires de blues.

Josefina Arenas “Paréntesis”

Nacida, sufrida y expulsada en plena pandemia, la nueva canción de Josefina Arenas es una mezcla de frescura, tristeza, nostalgia, incertidumbre y deseo. Si nos centramos en la letra (“hoy me cuesta imaginar la libertad”) todo es desazón. La música, cancionera y con la cálida voz, nos parece querer dar algo de luz. De las mejores canciones que ha gestado este extraño 2020.

Mafalda

“La duda” (ft. Emiliano Brancciari)

Mafalda empieza a cosechar los frutos de su excusión por América Latina en forma de colaboración. En modo cancionero, el grupo valenciano aporta todos sus colores -en voces, en ritmos, en instrumentos- y el frontman de No Te Va Gustar aporta la entrega vocal que necesita el tema. El clip es una oda retro vintage, entre regresos –el picnic, los vinilos- y transformaciones –el teléfono a disco, el televisor de tubo-.

8

The Niño´s

“Héroe del dolor”

Comandados por el ex Violadores, Niño Khayatte, los The Niño’s lanzan “Héroe del dolor”, adelanto de lo que será el álbum Jardín de las Delicias. Punk rock melódico, sucio y prolijo a la vez, con aires melancólicos.

También sirve de preámbulo al concierto que darán el 10 de diciembre vía streaming. Novedades por doquier.

Las Ligas Menores “Hice todo mal”

Falso documental, road movie, hit indie, video clip. Dale play a lo nuevo de Las Ligas Menores, elegí tu propia aventura y cualquier final va a ser posible. En el medio, otra muestra de la capacidad de la banda para interpelar desde sus melodías guitarreras y sus letras existenciales: “Hice todo mal, pero están todos bien Y por qué tanto miedo a perder si ni siquiera me arriesgué”.

Miley Cirus

“Prisoner” (ft. Dua Lipa)

Rockera, bien al frente y empoderada es esta nueva canción de Miley Cyrus con la presencia estelar de Dua Lipa. El tridente femenino lo cierra perfectamente Alana Oherlihy, la directora del potente video super producido que acompaña a la perfección a este segundo corte que llega junto al lanzamiento del nuevo álbum.

Lluvia de Héroes “Nada es gratis”

Siempre es bueno un poco de rock and roll. Con tintes un tanto rockabillys, este estreno del dúo cordobés tiene toda su potente impronta envuelta en la fuerte presencia de la guitarra de Marysol Guillen y la voz de Enrique Smit.

Rocco Posca “En tus besos”

Un homenaje a la música, la estética y el groove de los ‘80. Bajo el alter ego de “El Gaviota”, Rocco Posca desanda un viaje en el tiempo, entre descapotables, looks afro y un beat funky pop inevitablemente bailable.

El clip es otra dimensión que complementa el viaje, con papá Favio al volante de un descapotable y una historia a lo Thelma & Louise.

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Marina Wil “Gira por el interior”

En estos tiempos de incertidumbre, nada mejor que “brindarse al amor”.

La nueva pieza de Marina Wil llega en un formato pop rock bien cancionero que propone una “Gira por el interior”. Fresca, redonda dueña de calidez bien agradable.

Barco

“Brotan margaritas”

Una guitarra acústica de reminiscencias brit pop explota en un estribillo en la tradición del rock argentino más bailable. De un mundo al otro, Barco cruza el océano y capitaneado por Alejandro Álvarez sigue mostrando el buen gusto para la melodía y las instrumentaciones. Para completar el cuadro, una letra que refleja esa hermosa sensación cuando el amor muta: “Ahora creo que el amor no pesa / Quita el peso”.

Böjo y Santiago Navas “Centro”

Es el fin de la era de la razón. La manipulación le ganó a los valores. Los productores colombianos Böjo y Santiago Navas se unen y crean una obra electrónica y climática que nos golpea con la realidad. Con una sonoridad bien densa y rupturista, piden barajar y dar de nuevo. “Ya no es tiempo para pedir perdón, el tiempo se agotó”.

Valen Funky “A la deriva”

La cantante y actriz cordobesa sigue mostrando las canciones de su nuevo EP, Tengo el groove. Menos funky, más latina y por momentos casi rumbera, Valen Funky se despoja de las estructuras y pone todo el caudal de su voz en una letra que invita a liberarse de los prejuicios y las imposiciones para entregarse al disfrute del cuerpo y el alma.

The Strokes

“The adults are talking”

The Strokes estrena nuevo simple y video dirigido por Roman Coppola, “The Adults Are Talking”, perteneciente a su más reciente lanzamiento discográfico The New Abnormal. 100% garage rock al estilo strokes, producido por Rick Rubin. ¿Qué puede fallar?

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El Kuelgue

“View Master”

El grupo liderado por Julián Kartun continúa mostrando los adelantos de su esperado álbum a publicarse en 2021 con su habitual conjunción de letra y música para dibujar secuencias. Si en “Soda” habían explorado su costado funky disco, en “View Master” desarrollan esa pata folklórica siempre presente en su obra, con prisma urbano y alcance infinito.

Darling Boy

“Golden number

El artista inglés Darling Boy presenta “Golden number”, un humilde himno sobre la suerte, sazonado con un poco de britpop, algo de los Beatles y más de guitarras vintage de los 70´s. Para pasear sacudiendo el flequillo.

El Dependiente “Sigo temblando”

El Dependiente, proyecto solista del ex Los Látigos, Marcelo Zeoli, sigue su marcha con este single de pop bailabe y oscuro, elegante y nostálgico, enigmático y frontal. Mención especial para el clip dirigido por Hernán Chinaski, basado en pinturas de Alejandro Goin y con una estética que completa la obra a la perfección.

Pierina

“Mientras”

Entre la suavidad de las guitarras acústicas y la justeza de los teclados, Pierina reflexiona sobre el paso del tiempo, el amor, las ausencias y las contradicciones que nos rodean, en esta hermosa canción de pop rock americano.

Sofía Mora “Desastre”

Sofía Mora es un “desastre”, pero en el buen sentido de la palabra. Con apenas 17 años es furor en TikTok. Una mezcla de pop, sonido urbano y trap, que te hacen mover la patita, con rimas inteligentes y un sorprendente registro vocal. El desastre más indispensable del año.

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Rodamon

Mueka

New Order

“Quién sos?” (ft. Julieta Rada) La banda oriunda de Mar del Plata se pone en modo verano con este reggae cadencioso y playero, redentor y optimista, esperando que todo mejore después de este año tan particular. Las bases relajan, el punteo de guitarra motiva y la voz invitada de Julieta Rada termina de componer el cuadro.

“Be a rebel”

“Roparrugá” (ft. Bisherop)

Lo nuevo de los ingleses luego de cinco años de ausencia promete y mucho. Los oriundos de Manchester se despachan con este himno pop electrónico, fusionado con algo del britpop de los 90´s. Definitivamente pura rebeldía.

Un rapeo bien melódico de parte del joven Mueka con el featuring de su hermano Bisherop.

Una delicada y exquisita base con unos teclados tan misteriosos como deseosos de seguir escuchándolos, por qué no guiñándole el ojo a algún noventoso de la Costa Oeste. Gran video acompaña la obra. El hip hop con destellos de canción.

Rudy y Santiago Moraes “Noche de Navidad”

La cantante cordobesa Rudy continúa con las colaboraciones que tan bien le sentaron este año. Para terminar este indescriptible 2020, nos regala un villancico junto a Santiago Moraes. Nostálgico por donde se lo escuche, nos lleva por diferentes postales que bien pueden ser de los cantantes, quienes también se nombran mutuamente. También pueden ser tuyas, o nuestras. Temazo.

Manza

“Hoteles en silencio”

Con Menos que Cero y Valle de Muñecas como referencia principal, Mariano “Manza” Esaín, una de las mentes más inquietas en el rock local, continúa adelantando su primer trabajo solista, que se editará por Fuego Amigo. En el más amplio concepto de la palabra, “Hoteles en silencio” en un unipersonal de sonidos, climas, silencios y su voz, apenas susurrada, que amalgama a la perfección con el resto de los instrumentos.

Sol Alac “India”

Extraído de su álbum debut Puentes (2018), Sol Alac reformula este single con un video lyric que conecta directamente con lo más profundo del ser.

La tierra, la sangre, la naturaleza, la pregunta, las raíces. La canción es por momentos rockera, por otros se vuelve world chillout, en cualquier momento conmueve.

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Niña Lobo

Fin de año (ft. Santiago Motorizado)

“Llegan las fiestas y me pongo un poco mal. Todo me hace acordar a vos”.

Niña Lobo retrata la instantánea de cada diciembre que se resignifica en este contexto pandémico. En un banquete de tomates rellenos y jarras de jugo, el quinteto uruguayo navega entre soledades y ausencias, entre las buenas y malas compañías de las fiestas, en un loop melanco y con el impecable feat de Santiago Motorizado en modo remoto.

Ignacio Despacio “Las preguntas”

Elige tu propia pregunta. Vaya si la vida no es una sumatoria de preguntas y vaya si los tiempos de pandemia no las habrán llevado a su máxima expresión. Ignacio Despacio las transformó perfectamente en esta pura canción gestada en cuarentena y que todos podríamos cantar. Una grata pieza musical del cantautor luego de lo que fue su gran álbum Autobombo del año pasado.

Hey Bandit!

“Salo ya

En formato punk melódico se presenta en sociedad con este single el grupo mexicano Hey Bandit! nacido en extraños tiempos de pandemia y conformado por distintos exponentes de la escena musical azteca como El Rocks, Ektor Drums y Gibran Serrano. “Solo ya” no escapa líricamente de estos meses que nos toca vivir y sale a luz desde una pérdida. Es solo el comienzo.

Bela Lugosi

Desaparecer (ft. Las Pelotas) A veinte años de la versión incluida en su disco debut Que hago aquí, Bela Lugosi vuelve a convocar a Germán Daffunchio -también productor de aquel álbum- y suma al tecladista Sebastián Schatchel para reforzar ese sonido pelotero contemoporáneo, más cristalino. El clip casero del tema conecta Mendoza, Córdoba y Buenos Aires y se vuelve un mimo en un año de tanta distancia física y emocional.

Las Palabras

“2 kristales” (ft. Ansiedarks) El pop de Las Palabras se oscurece y regala una pieza tan fresca como sombría.

Con destellos de trip hop encuentra el gancho perfecto con su “juntos somos imán” que reitera en el estribillo y el juego de voz masculino y femenino se conjuga perfecto para completar la ecuación. Acompaña un buen video que se cristaliza sobre el final.

La Lou

“Loop de amor” Entre sintetizadores y guitarras eléctricas que marcan el pulso, la cordobesa La Lou presenta “Loop de amor”, una canción fresca y bailable. Para el veranito argentino, acompañado de un buen fernet. Una combinación imbatible.

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Skay Beilinson

“¡Corre, corre, corre!”

Como regalo de fin de año para la legión de peregrinos, Skay Beilinson publicó el single adelanto de su octavo disco solista. En “¡Corre, corre, corre!”, el guitarrista deja a un costado la experimentación y los sonidos acústicos para volver a las fuentes más rockeras de sus primeros trabajos.

Un riff con su sello, machaques de violas al palo y ese tufillo hindú que tan bien le sienta, todo ilustrado por el maestro Rocambole.

Batmandeluxe

“Él (donde van)” (ft. Juan Rosasco)

Completando las canciones de su nuevo EP, la banda con casi veinte años de trayectoria muestra sobre este fin de año una nueva canción más que bienvenida. Un trabajo certero y directo envuelto en un pop rock bien efectivo. Bella composición de su cantante Pol Bolea y la presencia de Juan Rosasco como invitado estelar, quien también ofició de productor. ¿Dónde van los besos que no damos?

Eva Esdrújula “Madre terrible”

Actriz, modelo, fotógrafa, productora. La ahora cantante lanza su single debut luego de participar como invitada este año del dúo Gigio&Spiker.

“Madre terrible” está cantada en francés reflejando su larga estadía en París. Entre guiños a Jean Cocteau (“los niños terribles”), la letra viaja en un día cualquiera de una madre y sus hijos. Todo acompañado de un video más que divertido. Frescura pura.

Margarita siempre viva “Sol de agua”

Melancólica desde su letra, su música, pasando por la producción y el lugar elegido para grabar que rememora a sus inicios, hasta su nombre: “Sol de agua” es una expresión regional que se refiere a los días de mucho calor que anteceden a la lluvia. Y todos lo sabemos: nada más melancólico que la lluvia. La novedad de la banda de indie colombiano trae nuevos aires a su música y desde Argentina escuchamos con gusto.

Flor Del Valle “Célula sana”

En su primer single, Flor Lanusse vuelca en su álter ego Flor del Valle sus conocimientos y su experiencia en la música y la naturaleza. “Célula sana” es un viaje por acordes, beats, mantras, percusiones y voces que emanan de lo más profundo y que confluyen en una canción de agradecimiento: “Célula sana de la Pachamama. Célula sana de la Tierra que ama”.

Mala Fama y Sara Hebe

“El Marginal/Estoy de nuevo”

La alegría que este fin de año necesitaba. Las malafameras Sesiones Musikeras unen a Sara Hebe y Mala Fama, a “El marginal” y “Estoy de nuevo”.

Calidad cumbiera por donde se la mire al ritmo mágico de los teclados.

Combinación explosiva que no puede hacer otra que… ¡explotar! Claro.

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ENTREVISTA

LAS SOMBRAS

“NOS MOSTRAMOS DESDE UN LADO MÁS ÍNTIMO”

Mientras trabaja en su tercer disco de estudio, el cuarteto pampeano presenta El precio de la canción, un mediometraje conceptual que forma parte del reconvertido ciclo IndieFuertes.

La pandemia del Covid-19 dejó al mundo patas arriba y supuso que, después de una prolongada resistencia, la tecnología sea la norma, un elemento usual en muchas de las producciones

artísticas confeccionadas desde la suspensión temporal.

Una herramienta más que se pone en función de la idea y nunca al revés. Y que facilitó la vuelta del radioteatro, recorri-

dos performáticos guiados por WhatsApp, ficciones interactivas mediante videollamadas, películas filmadas a través de Zoom y que bandas de rock como Las Sombras realicen su

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propio mediometraje conceptual, El precio de la canción, que se estrena este miércoles, a las 22, y luego permanecerá on demand a lo largo de noviembre.

“No podíamos hacer un show en vivo, porque no daban los costos”, dice Nicolás Lippoli, guitarrista y una de las tres voces del ascendente cuarteto pampeano. La imposibilidad y el deseo de festejar para sobrevivir los empujó a registrar una celebrada alternativa que coquetea con la narrativa cinematográfica y en la que ya incursionaron El Desastre, Marton Marton y Marina Michi. Suerte de falso recital, prescinde del diálogo entre intérpretes y público en un espacio físico. Existe, en efecto, un aquí y ahora virtual, terciado por una pantalla, donde “se nos ve tocando música efusivamente, como si estuviéramos en directo. También aparecemos haciendo algunas de nuestras canciones en un formato más reducido y en distintas situaciones”.

La experiencia forma parte del reconvertido ciclo IndieFuertes, una de las tantas opciones pandémicas que ofrece Niceto Club, y, según anticipa el comunicado de prensa, ante la falta de teatralidad que proponen los streamings, los de Instagram y los convencionales, el grupo apuesta por un plano secuencia en el que “inician cantando casi a cappella en la calle y terminan arriba del escenario todos juntos”. Lippoli, que además integra el trío filostoner Knei, recuerda que “se grabó en una sola tarde, de punta a punta. Aunque somos re caraduras, nos gusta el circo y divertirnos, fue desafiante”.

No obstante, aclara que no hubo demasiada parafernalia ni actuación. “Nos mostramos desde un lado más íntimo y se logró un trabajo tremendo gracias a los técnicos y técnicas, que son muchos y está bueno que puedan laburar”. Exultante, pero consciente, continúa: “Trato de tener una visión social de la cuestión, me parece fundamental. Si no toco en vivo por un año, por más que sea frustrante, me la puedo bancar. Acá la posta está en la gente que se caga de hambre, en la que no tiene agua caliente para bañarse o en la educación. Falencias del país a las que debemos darle bola, porque es fundamental para que haya más igualdad”.

-¿Cómo transitás el parate?

-Hay que comprender, ser pacientes, un poco más coherentes con lo que uno dice y piensa. Sé que cuando todo se abra, va a explotar y será mejor para los artistas. Mientras tanto, intento estar activo. Tengo una sala y los equipos para grabar, igual que mis amigos. Así que mantenemos la llama encendida. Por eso empezamos a sacar un montón de cosas.

Entre esas “cosas” figura la transmisión del Niceto que hicieron en 2019, la cual subieron a su canal de YouTube. Con o sin cuarentena tenían pensado subirlo, reconoce la guitarra líder de Las Sombras. Repasa los motivos: “Fue muy importante para nosotros.

Aparte de llenarlo por única vez, presentamos un single, ‘La frase habitual’, y participaron Roberto Aleandri, de Atrás hay Truenos, y Las Perlas”. Junto a él revisitaron “Van detrás”, del álbum homón-

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imo y debut (2016), y con ellas, un finísimo ensamble que hace boleros a la antigua, reinterpretaron “Nada más”, uno de los hits de Crudo (2018).

Pese a estar referenciados como una troupe visceral y psicodélica, de paisanos salvajes con desmesura emocional, de rock orgánico y clásico, de blues local y espacial, no reniegan ni esconden su educación sentimental. “En general nos gusta mucho la música vieja y en particular el bolero, el tango. Tienen una profundidad y una forma que se adapta muy bien a lo que tocamos”. ¿Indicio, acaso, de lo que incluirá el tercer disco de estudio? Pulido el sonido de la banda, avisa Lippoli, habrá una brecha entre los primeros álbumes y el próximo, pero siempre “respetando el mismo universo poético”.

Lo que sí se sabe hasta el momento: está compuesto, maquetado y en dos semanas empiezan a grabarlo. Incorporaron armonías un poco más complejas, melodías más pop, un trabajo pormenorizado desde lo rítmico, herramientas de producción y la guía artística de una persona -se reservan la identidad- con un perfil que apunta a lo moderno. Cierra el guitarrista: “Saldrá el año que viene y será un resumen de todo lo que hicimos. Sin que perdamos la esencia, creemos que puede refrescar nuestra propuesta”.

Cronista: Lucas Gonzalez Fotos: Gentileza prensa por Marcos Barreda 02 de Noviembre

SILVIA GERS

ENTREVISTA

“SIEMPRE TUVE CLARO QUE LA MÚSICA NO ERA UN PASATIEMPO”

Con nuevo video y perspectiva de lanzamiento de disco, Silvia Gers sigue llenando las redes de contenido audiovisual para expresarse y poner en palabras todo lo que la atraviesa como persona tomando la empatía como punto de partida.

Diversidad es la palabra que mejor describe el trabajo de Silvia Gers. Cantautora, multiinstrumentista, guitarrista y productora. Licenciada en Folklore e integrante del movimiento colectivo de mujeres trovadoras, Mujertrova. Fue parte de Las Brujas, primera banda de heavy metal argentina integrada únicamente por mujeres, y su repertorio no

se limita a este género. Su capacidad de explorar diversos ritmos queda a la vista en su trayectoria y en las tres canciones que lanzó este año que pasan por en el blues, el rock y el reggae. La trilogía musical de 2020 de Silvia Gers se completa con videoclips y es el adelanto del disco que planea lanzar apenas pueda terminar de grabar lo que quedó penwww.elbondi.com

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diente por el confinamiento. “Catarsis y desahogo. Esas palabras definen al disco que estoy armando. Y, a la vez, está muy atravesado por lo personal, por mi mirada del mundo, de los seres que me rodean”, dice Silvia en comunicación con Revista El Bondi.

En “A Contramano”, tu video más reciente, explorás desde el minimalismo. ¿Tuvo que ver con las limitaciones de esta época?

Ese video lo grabé en mi casa con la ayuda de una sola persona, que era director, editor y camarógrafo.

Saqué las cosas del living, tomamos distancia, pusimos unas luces, un fondo blanco y sobre eso se trabajó. Fue bien minimalista y se logró captar, desde lo visual, la fuerza que tiene el tema.

Quedaron muy bien esos dibujos que van apareciendo. La idea era que tenga esa onda minimalista, pero que no resultara ni aburrido ni bajón y estoy muy conforme.

“Todo lo que sé” y “Blues del adiós” también tiene video. A Contramano era el que faltaba Así que quedó un triángulo perfecto de lo que salió este año.

“A Contramano” tiene que ver con salir adelante a pesar de situaciones adversas.

Esto es algo que también se ve en “Sin trato”, canción premiada por el Ministerio de

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Educación de la Nación y la Secretaría de Derechos Humanos y que habla sobre la violencia y lo importante de no callar. ¿Por qué te parece necesario contar estas historias desde la música?

Siempre tuve en claro que la música en mi vida no era un pasatiempo sino una manera de llegar a las personas.

Y que la podía utilizar como herramienta de reflexión y de rebelión. La música para revelarse ante las injusticias y expresar lo que a uno le duele o considera injusto. Hacer una revolución a través de la música. Es eso: una herramienta que se puede usar perfectamente en cuestiones sociales para sacudir un poco al mundo.

Y hay un montón de artistas que se expresan y viven la música de esa manera, con esa cuestión de querer decir lo que está sucediendo a su alrededor. De buscar transmitir las luchas sociales o lo que los atraviesa. Por eso, uno cuando puede tocar, mostrar sus canciones, que las pongan en una radio o hacer una entrevista se siente bendecido. Porque está bárbaro que los otros también se puedan acercar a tu música o tus palabras.

Y hay millones de músicos, escritores o periodistas muy involucrados que no llegan a todo el mundo. Pero están en las bases haciendo. Siempre en lucha.

-Ahí se pone en juego, también, la importancia de un sello discográfico que apoye la diversidad. Porque muchas veces quienes hacen música siguen en las bases por falta de apoyo y no de talento o trabajo. Vos creaste Wipala discos.

Yo estaba haciendo la Licenciatura de Culturas Tradicionales en el IUNA, que ahora es la Universidad Nacional de las Artes (UNA), y me involucré con las temáticas de los pueblos originarios. Ahí formé una agrupación social que se llamó Wipala, a través de la cual convoqué a integrantes de diferentes comunidades (Mapuche, Aymaras, Coya) para que hablaran de diferentes temas desde sus perspectivas.

En ese transcurso, estaba por sacar uno de los discos y pensé en ponerle un nombre al sello para ser independiente y no estar luchando siempre contra el imperio.

El capitalismo dentro de la música, las discográficas.

Entonces le puse Wipala discos. Empecé con mi propio material y después se sumaron otros. Ahora estoy por sacar el de una banda de Hard Rock. Es muy diverso y la riqueza está en poder tener un espacio donde entren todas las maneras musicales que los artistas desean expresar. Es un beneficio tener la posibilidad de escuchar otras cosas y no estancarte sólo con lo tuyo.

-Por eso es importante compartir y vos lo hacés en Mujertrova, ¿por qué te parece necesario formar parte de ese espacio?

-Es un movimiento en el que tenemos la libertad de expresarnos musicalmente de la manera que nos quede cómodo. Así como dicen que soy la rockera, están las más tangueras, las más trovadoras, las más folclóricas.

Está esa libertad de poder expresar de manera individual, pero también funciona a nivel colectivo, porque después todas nos unimos en un mismo canto compartiendo las canciones de nuestras compañeras. A la vez, siempre estamos muy involucradas con lo que pasa alrededor, con lo social. Y buscamos seguir luchando desde la colectiva por los derechos de la mujer.

Es un espacio para conocernos con otras artistas e ir todas para adelante. Lo importante es que cada una, con sus canciones, sea una persona involucrada en cuestiones sociales, sea autora y pueda manejarse con su propio instrumento. Esas son las premisas del movimiento.

-Sos autora de tus canciones y estás pensando en un disco. ¿Cómo viene el futuro?

-Quisiera que el disco salga este año, pero no sé, porque faltan grabar unas cosas. Mientras, hago vivos por Facebook en los que se da una relación muy linda con la gente. Mandan mensajes y yo los leo. Entran al chat y saludan a todos. Eso me encanta y lo descubrí ahora.

Extraño el aplauso y sentir el murmullo de las personas, pero me acostumbré un poco a lo online. Quizás a futuro puedan convivir las modalidades.

Lo importante es haber podido seguir haciendo a pesar del dolor. A pesar de todo lo que está pasando. Porque nadie puede decir que está bien. Te afecta quieras o no. ¿A quién le gusta ver que un montón de gente ha muerto por una enfermedad que siquiera sabemos cómo vino? Más allá de que uno se tenga que cuidar, que le pegue a una persona cercana o tener que estar en cuarentena, hay algo que trasciende que es la empatía por el dolor de la gente y me parece que el hecho de poder seguir a pesar de todo ese dolor es maravilloso, porque el silencio no es salud.

Cronista: Maia Kisz Fotos: Gentileza prensa por Adrian Markis 04 de Noviembre

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COBERTURA

LOS CABALLEROS DE LA QUEMA

MIENTRAS HAYA LUCES DE BAR Un disfrute nostálgico de principio a fin en el streaming de Los Caballeros de la Quema desde el Café Tortoni.

La oleada del streaming por fuerzas mayores encajó perfectamente en .a dinámica de Los Caballeros de la Quema, quienes se presentaron alguna que otra vez al año desde aquella vuelta gratuita en La Plata en 2017. Esta propuesta online llamó la atención

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además por la atípica (pero no por eso menos efectiva) locación, nada menos que en histórico Café Tortoni, por lo que podíamos augurar un concierto con tintes más parecidos a los que nos ofreció en ciertos momentos de esta pandemia el cantante Iván Noble.

Así entonces, con prueba de sonido compartida el día anterior, llegó el turno para calzarnos los jeans cortados, destapar una botella fría y tirarnos al sillón a disfrutar de la buena nostalgia. Sentaditos, con whisky, guitarras acústicas, teclado, bajo y batería, los muchachos saludaron a la monada con “Patri” y el “Jodido noviembre” que podría haber sido perfectamente rebautizado en “jodido veinte veinte”.

Quienes todavía tenían dudas de la elección del lugar entendieron todo perfecto con el correr de las canciones. La atmósfera, las mesitas, las lámparas, hasta la columna, eran el marco ideal para esta propuesta que nos empezaba a querer agitar y cantar a los gritos desde casa pese a la calidez de la interpretación y un sonido que acompañó a la perfección. Es que “Hasta estallar” y “Primavera negra” tienen esa combinación ideal de agite y melancolía tan característica de la obra de la banda que no sabemos si lagrimear o tirar birra al techo.

Y entonces todo se volvió épico para los fanáticos. Es que casi en filita empezaron a aparecer viejas joyas tan preciadas como escondidas en la discografía. Los viejos tiempos noventosos en todo su esplendor se materializaron en un sonido electroacústico y reversionado que resaltó más aún esa vieja poesía barrial del Oeste.

“Con el agua en los pies”, “Casi nadie” o “Cuatro de copas” fueron momentos muy altos encumbrándose con la aparición de la profunda y eterna oscuridad de los relatos de “Milwaukee” y “La noche que me echaste”.

Pero las reversiones de “Mal” y “Carlito” fueron las exquisiteces de la jornada. La primera bien sentida en la voz del guitarrista Pablo Guerra, la segunda encontrando una lúcida calidez y un brillo único a la densidad tan cruda y sombría de la versión original. Y si hablamos de bellezas calmas, no podemos nunca dejar de resaltar temas como “Madres”, “De mala muerte” o “Mientras haya luces de bar”.

También con “Carlito” (“el primer tema que dio la cara por nosotros”, recordó Noble) hubo un tiempo para contar la anécdota de la fallida primera vez que iban a sonar en la radio. Tuvieron muchas revanchas por suerte, sin dudas y lo demostraron cuando sonaron clásicos como “Otro jueves cobarde”, “Sapo de otro pozo”, “Celofán” o “Qué pasa en el barrio” (volvió el “Maradona en algún potrero” y un “fuerza, Diego” que voló por ahí) y un “Fulanos de nadie” ideal para el clima del lugar.

A esta altura, algunos cantando con la botella como micrófono, otros gritando por el balcón, otros lagrimeando contra la pantalla. Pero faltaba el final que todos sabíamos.

Los dos temas más reconocidos (y también de los mejores) dieron el cierre necesario: “Avanti morocha” y “Oxidado”. Una banda que fue muy sólida y tuvo una performance altísima demostrando el gran laburo realizado para la ocasión, no ocultaba sus sonrisas con la mezcla de satisfacción y emoción y saludó agradecida a la cámara.

Desde el otro lado no nos quedó otra que responder: “no, gracias a ustedes”.

Cronista: Sergio Visciglia Fotos: Impresiones video - Sergio Visciglia 07 de Noviembre

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ENTREVISTA

SEBASTIAN BLANCO “TRANSITO LA PANDEMIA INTENTANDO APROVECHAR EL TIEMPO EN ALGO PRODUCTIVO ” El actor y cantante, establecido en Madrid desde 2017, presenta “Dejar de pensar”, su nuevo single.

En plena crisis mundial, explica cuáles son sus inquietudes artísticas y su motivación por estos días.

Cantante y actor. Madrid y Buenos Aires.

La vida de Sebastián Blanco pareciera estar marcada por la distancia y, si bien los grados de separación entre una cosa y otra son bastante definidos, a él lo entusiasma la idea de moverse de forma natural en todos los mundos en los que tenga la posibilidad de conocer.

-Vivís allá desde 2017, ¿por qué elegiste radicarte es España?

-Había estado en Madrid en un viaje, sólo una semana, y flashé. Volví a Buenos Aires, pero algo de ahí me había encantado, y una semana me había sabido a poco. Me quedé en Buenos Aires tres años más, grabé “El tiempo de las Máquinas”, mi primer álbum, y luego de eso decidí venir a hacer una experiencia acá. Nunca había vivido en otra ciudad, quería pasar por eso. Conocer otras realidades, personas de otros lados, creo que siempre eso es enriquecedor. A su vez, las ganas de viajar, y “tirarse a la pileta” digamos.

-¿Qué cosas sentís que sumaste en materia artística y lo atribuís a este punto?

-En materia artística lo que suma creo que tiene que ver con la vida en general. Conocerse mejor, aprender a resolver muchas cosas que estando solo en otro país cobran otro peso. Creo que el aprendizaje tiene que ver más con sensaciones, con la resiliencia que uno va encontrando, convicción en la búsqueda, paciencia, y fuerza para no aflojar. Si pintás, lo vas a expresar en tus pinturas, o en tu música, o en tu actuación, creo que va intrínseco a esas experiencias.

-Además de cantante, sos actor. ¿Cuál de los dos oficios es el que sentís con mayor naturalidad?

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¿Cuándo descubriste que no necesitabas elegir una por sobre la otra y que podías combinarlas?

-¿Tenés la idea de volver pronto al país o creés que por un tiempo serás un “argentino radicado en Madrid”?

-La verdad es que me siento cómodo en ambos, y me gusta estar en el lugar de no sentir que tengo que elegir (risas). Pero esto es consecuencia de un proceso. Pasé por ambos, por el de sólo música, y el de sólo actuación. Con lo cual que no sé si recuerdo un momento en especial donde lo descubrí, sino que con el tiempo lo intenté ir moldeando, y disfrutar de ambos, donde el trabajo está más a pleno con la música, así como momentos donde estoy muy metido en rodajes, ya veces en la producción de los mismos también, con lo cual el tiempo para la música lo encuentro en los ratos libres. Y en otros momentos, totalmente al revés. Creo que es más una cuestión de momentos, pero lo que sí sé, es que siempre los encuentro para ambas, de una u otra manera, me mantengo conectado con las dos.

-Siempre tengo la idea de volver a Argentina; de hecho, iba a ir en agosto, pero todo esto lo hizo imposible. Mi idea es ir y venir, y estar entre ambos países. Buscar proyectos en ambos lados, me encanta esa idea. Lo orgánico en mí es volver a Argentina, sin embargo, hoy vivo en Madrid, con lo cual el balance que me gustaría lograr es ese ir y venir.

-¿Cómo resultó en materia creativa el hecho de la pandemia?

-Supongo que, como todos, estamos pasando por diferentes momentos hasta en un solo día, ¿no? Creo que lo que generó la pandemia en mí, es una necesidad fuerte de generar y generar, pensar ideas nuevas, y de profundizar otras que ya existían. Transitar este momento intentando aprovechar el tiempo en algo productivo. Y que además sirva un poco de bálsamo.

Básicamente, tratando de mantener la cabeza ocupada, y sobretodo en la música o en la actuación, con distintos proyectos, que te permiten salir un rato de la realidad, y descansar en esos mundos de fantasía, que hoy se parecen más al que vivíamos antes y añoramos. Actualmente, estoy por terminar un single nuevo, y su respectivo videoclip, y pre-produciendo una serie, que actuaremos junto a Caro Kopelioff.

-¿Cuáles son pospandemia?

tus

planes

artísticos

-Ahora cuando terminemos la promoción de “Dejar de pensar”, sacaremos un single nuevo (“Me alcanza”), en el que trabajo en la preproducción del videoclip. La canción ya está lista. A su vez, estoy en plena preproducción de la serie junto a Caro y tengo un par de proyectos más relacionados a la producción musical. Estoy muy entusiasmado con todo esto, o al menos lo más entusiasmado posible, dentro del contexto en el que nos toca vivir, que nos supera en incertidumbre. Pero bueno, mientras tanto, intento transitarlo lo más activamente posible.

Cronista: Fernando Villarroel Fotos: Gentileza prensa por Claret Castel 09 de Noviembre

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COBERTURA

KEITH RICHARDS

LA CÁTEDRA DEL RIFF Revista El Bondi asistió a la avant premiere de “Keith Richards & The X-Expensive Winos: Live At The Hollywood Palladium”, el concierto que el músico ofreció junto a su banda en diciembre de 1988. “¡Hola Argentina! ¡Hola Buenos Aires! Bienvenidos al show. Espero que lo disfruten”. La pantalla del Autocine Mandarine Park reproduce continuamente el saludo de un Keith Richards versión 2020 a su incondicional público argentino en los instantes previos a la proyección del espectáculo que el guitarrista brindó junto a The X-Pensive Winos, el grupo que montó en la segunda mitad de los años ‘80 cuando finalmente decidió encarar un proyecto solista por fuera de The Rolling Stones.

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La avant premiere anticipa el lanzamiento a nivel mundial de una publicación que se encuentra disponible en diversos formatos y pone el foco en el show del 15 de diciembre de 1988 en la mítica sala de la ciudad de Los Ángeles. Richards y los suyos emprendieron en noviembre y diciembre de ese mismo año una gira por catorce ciudades de Estados Unidos para presentar su primer disco, Talk Is Cheap, producido por el propio guitarrista junto al baterista Steve Jordan.

Para el grupo de asistentes que acude con sus

vehículos al predio y esta noche representa a los miles y miles de acérrimos fans que el “Riff Humano” tiene en el país, la cita invita a viajar en el tiempo casi treinta y dos años atrás para disfrutar de una presentación en donde la música es la protagonista estelar en un recinto cerrado como el Palladium, con el público muy cerca de los músicos y sin condimentos extras como fuegos artificiales, muñecos o grandes pantallas. De paso, permite volver a confirmar ciertas conclusiones sobre esta etapa en la trayectoria de Richards.

El propio Keith lo describió en su momento: “Me di cuenta que tenía una habilidad que desconocía porque nunca había tenido que usarla: juntar a ciertos tipos en una situación adecuada y crear un grupo. Con los tipos adecuados, en diez días puedo darte una banda que suene como si hubieran estado diez años juntos”. Y vaya si Keith logró reunir a los tipos adecuados… En un inicio arrollador, con los músicos interpretando “Take It So Hard”, “How I Wish” y “I Could Have Stood You Up”, el colosal Steve Jordan comienza por el bajo, luego pasa a la batería, ¡y en el tercer tema a los teclados! De estos cambios de rol también participan el bajista Charley Drayton y el tecladista Ivan Neville.

Decididamente, el grupo suena en vivo como si sus miembros hubiesen tocado juntos toda la vida.

La versatilidad de los músicos se traslada a los estilos que interpretan, que van desde el soul de “Make No Mistake” con una apabullante Sarah Dash en la voz hasta el funk de “Big Enough” y su groove hipnótico, pasando por la calidez de la balada “Locked Away” y el rock duro de “Struggle”, en donde cobra protagonismo la guitarra de Waddy Watchel, otro de los socios que Richards cosechó en el camino. En definitiva, se trata de un puñado de buenas composiciones, lo suficientemente frescas e interesantes como para que se volviera irresistible llevarlas al vivo. ¿Canciones de los Stones? El guitarrista se aparta de los grandes éxitos e incluye en el setlist el reggae “Too Rude”, publicado tan solo unos años atrás en Dirty Work (1986), con la participación estelar del legendario saxofonista Bobby Keys y una versión electrizante de “Time Is On My Side”, tema que la banda británica popularizó en los sesenta y en el que nuevamente Sarah Dash despliega su encanto vocal poniendo patas para arriba al Palladium. En el final, el grupo se despacha con una enérgica y prolongada versión de “Happy” para luego desempolvar “Connection”, incluida en el disco Between The Buttons (1967). La nueva publicación del material incluye “Little T&A” y el tema compuesto por John Lennon y Paul McCartney “I Wanna Be Your Man”, que los Stones grabaron en sus inicios.

Pero, por sobre todas las cosas, el concierto del Palladium demuestra la capacidad de Keith Richards para plantarse en el centro del escenario y asumirse como frontman de una banda, poniéndole esa voz tan personal a todas las canciones de la lista. Luego de tantos años de compartir el lugar de liderazgo con una figura de la envergadura escénica de Mick Jagger, Richards se prueba una pilcha que le calza muy bien, con naturalidad. Los argentinos lo verían con sus propios ojos recién en 1992 en el Estadio de Velez, con la llegada del guitarrista y The X-Pensive Winos al país en el marco del Coca-Cola Rock Festival. El romance que comenzó allí entre el músico y el público local es historia conocida.

La noche de Mandarine Park permitió disfrutar en pantalla grande de esa usina de riffs que es Keith Richards, un artista con un encanto único sobre el escenario. Junto a la increíble banda que reclutó décadas atrás, pudo demostrar (y demostarse) que había vida más allá de los Stones.

Cronista: Augusto Fiamengo Fotos: Gentileza prensa 12 de Noviembre

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LUCAS ROSSETTO

ENTREVISTA

“EL PÚBLICO ARGENTINO ES DIFÍCIL, PERO FANÁTICO”

El “productor de cosas”, como él mismo se define, ideó Catharsis, un festival de indie intercontinental que el sábado 14 de noviembre se podrá ver de forma gratuita a través de YouTube.

“No es un buen momento para ganar plata, pero sí para hacer y desarrollar proyectos”, reflexiona Lucas Rossetto, quien en medio de la incertidumbre global, y tras la angustia de cancelar 67 fechas programados hasta agosto, ideó Catharsis, un festival comprometido, diverso, equilibrado en género y estilos que se podrá ver el sábado 14 de forma gratuita a través de YouTube. En 26

la primera edición del evento se transmitirán de corrido una docena de showcase que durarán entre 12 y 20 minutos e incluirán créditos mexicanos (Acidez, Dolores de Huevos, Aparecidos, Los Blenders, Fryturama, Wohl), argentinos (Bestia Bebé, Las Ligas Menores, Tigre Ulli), españoles (Texxcoco), estadounidenses (Las Nubes) y peruanos (Suerte campeón).

“Hay personas que quieren ser compositoras, esto o aquello.

Pero hay otras a los que simplemente nos gusta la música y queremos vivir de ella, y aceptamos que tenemos que formar parte de un equipo”, se presenta Rossetto, héroe del indie intercontinental que ganó credibilidad en el ambiente gracias a su paso por el estudio (según Linkedin, grabó y mezcló 14 álbumes) y a su trabajo con Él Mató a un Policía Motorizado (les operó el sonido de 2012 a 2018).

para 80 espectadores previo a la filmación: “No es lo ideal, es lo que tenemos. A veces se estigmatiza al público de la música, porque si se puede ir a un bar o un restaurante, se tiene que poder reeducar a las personas para que disfruten de un show en vivo”.

Junto a los platenses aprendió casi todo lo que ahora aplica al desarrollar bandas a nivel internacional (Bestia Bebé, Las Ligas, Apartamentos Acapulco, Suerte Campeón, Carolina Durante, Kokoshca, etc.). A diferencia de un manager tradicional, él se dedica a generar espacios por fuera del mercado natural de sus representados. Aunque si se le pregunta, hoy Lucas se define como un productor de cosas: “Discos, giras, shows. Salvo componer canciones, porque nunca me interesó, hago de todo un poco”.

-¿Y para qué lo hacés?

El también responsable de la agencia de booking y management El Brillante sostiene que la pandemia nos igualó a todos: ricos, pobres, clase media.

También a la escena musical, ya que tanto Las Ligas Menores como Molotov están imposibilitados de tocar en vivo.

Con todo, entiende que todavía hay formas de progresar. “El Catharsis movilizó a más de 100 personas en cinco países y ninguna se enfermó”.

De hecho, cuenta un aliviado Rossetto, en Guadalajara, México, hasta hicieron un concierto

Pese al distanciamiento social y las restricciones sanitarias que impone el Covid-19, para el argentino instalado en suelo azteca “se pueden hacer un millón de cosas diferentes”. El problema, continúa, pasa por la escasa o nula respuesta de las autoridades: “Ya debería haber un protocolo para todo. Que el lugar o el grupo decidan si es o no rentable un recital. Al menos den la posibilidad para que se puedan poner en funcionamiento, porque sino están matando una industria”.

-¿El tuyo es un modelo de negocio redituable?

-Te diría que no. Pero evidentemente hay un mercado que va a crecer.

-Para mostrar que por más que haya una distancia gigante, si armás una playlist, todas los nombres están terriblemente relacionados entre sí. Hay una escena hispana que es súper fuerte a partir de Los Planetas, El Mató, Los Punsetes, Café Tacuba. Ellos generaron un cúmulo de grupos que tienen un género muy similar, que se cruzan y comparten casi el mismo público, aunque no parezca. Los Blenders, por ejemplo, son grandes en México y tienen seguidores en la Argentina, pero nunca se van a animar a ir.

-¿A qué se lo atribuís?

-Todavía no hay agencias ni productoras que se dediquen a desarrollar productos pequeños. Entre los desbalances de la economía y que los artistas internacionales no invierten, no penetran en la cultura local. Lo que intento hacer, por lo menos con los músicos españoles con los que trabajo, es explicarle que el público argentino es difícil, pero fanático. Si vas una vez, espera que vayas una segunda, tercera, cuarta. Si te ve una vez, te quiere ver diez veces más.

El organizador de 35 años planea retornar con planes que, sabe, no son rentables en lo inmediato, pero que a futuro pueden funcionar. ¿Su próximo movimiento? “Mi sueño es volver con Los Punsetes. O que pueden ir Carolina Durante y Cariño. No van a ganar lo que ganan en su país, porque allá son gigantes, pero sí me gustaría que vivan la experiencia de lo que es un show en la Argentina”.

En ese sentido, la mixtura sonora que ofrece la grilla del Catharsis es un intento de concientizar y sensibilizar el oído de sus compatriotas, para que por lo menos asimilen grupos geográficamente cercanos, “algo muy difícil” por el momento. “Muchos son geniales y no triunfan por un prejuicio que tenemos”. Pareciera que “cuesta más consumir una propuesta de Uruguay, Chile o Colombia que de Estados Unidos”.

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-¿En México ocurre lo mismo?

-En México la gente es melómana apasionada. No le importa el país, ellos escuchan música y quieren que vayas a tocar. Están muy acostumbrados a recibir cosas de afuera. Y en España sucede algo similar. Tienen 183 festivales por año, entonces, buscan, investigan. La escena es muy fuerte y hay bandas consideradas indies que llenan estadios, como Carolina Durante, que con apenas dos años de existencia vendía un show para 12 mil personas.

-Al margen de la inestabilidad económica, la mayoría de los eventos organizados por el Estado tampoco incentivan la participación de actos como el Carolina Durante.

-Depende mucho de los curadores, porque son muy pocas las cosas que se pueden hacer en gestión cultural siendo independientes. Y muchas veces lo que produce el Estado no está muy linkeado a una escena independiente o mainstream, por así decirlo, sino más a una forma de hacer mercado.

Por eso para el Festival Emergente suelen bajar proyectos relativamente grandes, pero que no necesariamente van a romper en el mercado argentino.

-¿Por qué?

-Porque llevan productos súper locos o folclóricos. No es Apartamentos Acapulco, que, si bien hace shoegaze, al final termina siendo una banda con canciones pop. Al igual que con Los Blenders, Las Ligas y Bestia: tienen detalles de un género, pero comparten eso, que son pop.

-¿Es la razón por la que funcionan tan bien El Mató, Las Ligas y Bestia Bebé en España?

-Además, las tres tienen una poesía directa, un mensaje claro y entendible en todas las regiones. No usan slang, en general, ni expresiones muy del argentino. Eso los favorece mucho.

-¿Qué caracteriza al indie español?

-Tiene que ver más con un género y no tanto con lo independencia. Allá el DIY no existe, todas las bandas tienen un sello y cuatro personas trabajando atrás. Es otro circo.

-¿Y en la Argentina?

-Es una forma de ver la industria, de moverse, de manejarse con tu público, con la prensa. Pasa por mostrarte de una manera más genuina y básica. Capaz que no vas a llegar a los mismos lugares que el mainstream, pero se hace un camino alternativo que no por eso tiene menos valor.

Cronista: Lucas Gonzalez Fotos: Zoom - impresión de pantalla y gentileza prensa 14 de Noviembre

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ENTREVISTA

ÑUDROP

La resilencia DEL METAL MODERNO

En medio de la pandemia, el quinteto promociona un disco que habla de “sobrepasar adversidades en circunstancias complicadas”.

“Estamos componiendo proyectos de canciones para el segundo disco, que esperemos poder terminar de dar forma en 2021”, confirman los cinco integrantes de Ñudrop, banda de metal moderno a la que la pandemia le costó, entre otras cuestiones, una fecha ya cerrada con A.N.I.M.A.L. “Por suerte, estamos acostumbrados a componer de forma ‘remota’, aunque también se extrañan mucho los ensayos, donde todo fluía de una manera más natural”, confirman, quienes a su vez están influenciados por Alter Bridge, Creed, Papa Roach, Evanescence y Breaking Benjamin.

-Más allá de las etiquetas, ¿qué caracteriza el sonido del grupo?

-La variación en las afina-

ciones de las canciones.

Cuando componemos, tratamos de encontrar el tono que mejor le quede a cada una, para así también llevarla al estilo que queramos.

Que puede ser un poco más pesada, tranquila, o incluso acústica.

-Para sorpresa de muchos, hicieron una versión de “Thunder”, ¿qué les gusta de la canción y el grupo?

-Imagine Dragons es una banda que se consagró en los últimos años, y lo lograron con un estilo moderno, que mezcla lo pop-alternativo-electrónico. Ese fue uno de los cover en los que estuvimos trabajando, el próx-

imo está más relacionado a nuestro estilo. Así y todo, estamos buscando que sea innovador desde algún aspecto y le estamos terminando de dar forma.

-¿Por qué le pusieron Resiliencia (2019) al disco debut?

-En muchos momentos se habla de ese tema: sobrepasar adversidades en circunstancias complicadas, y en parte quiere dar ese mensaje “a pesar de todo, seguir adelante que va a estar todo mejor”, dando un mensaje positivo al respecto.

Cronista: Lucas Gonzalez Fotos: Gentileza prensa 15 de Noviembre

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INFORME

20 AÑOS DE MOMO SAMPLER

EL ADIÓS DE PATRICIO REY Y SUS REDONDITOS DE RICOTA

Entre el carnaval uruguayo, la crisis local y los samples, la banda construyó su último disco. Un repaso minucioso sobre lo que se convirtió en el legado final de la dupla Solari-Beilinson.

El 17 de noviembre del 2000 emergía a la superficie el último trabajo de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, el gigante platense, meses después de haber tocado en el estadio de River Plate: Momo Sampler. La dupla Carlos “Indio”Solari-Guillermo “Skay” Beilinson fue la que se encargó de la producción, composición y grabación de casi todo el 30

material, dejando al resto de la banda una mínima participación en algunas de las pistas.

El disco que resultó de aquellas grabaciones tenía un sonido muy diferente a sus antecesores aunque, de todos modos, se conjugó con la impronta poética que Solari supo volcar en las letras de Patricio Rey

y sus Redonditos de Ricota desde el principio. El discurso del carnaval cohesiona la obra y establece una suerte de paralelismo -vale considerar la evidente perspectiva históricacon la realidad social que acontecía en el país por esos años, consagrando al trabajo como una pieza única en el catálogo de una de las bandas más reconocidas en la historia

del rock argentino.

“La música de edición” Desde su anterior trabajo, Último bondi a Finisterre (1998), la investigación sonora se mantuvo a la orden en materia de composición y sorprendió a todos los desangelados con texturas que contrastaban eso con los registros anteriores. “La música de edición”, según la denominaba el frontman, fue casi una obsesión en aquellos años. El uso de las posibilidades que brindaba la tecnología para ampliar los horizontes musicales, funcionaban como herramientas prestadas del tecno. “Estoy jugando mucho con las máquinas”, le confesaba el Indio a la revista RTM, en el 2000.

Además de esa exploración, la oscuridad se encontraba ya presente desde Luzbelito (1996). En realidad, aquella era considerada por los integrantes como una suerte de arte dramático porque ellos mismos reconocían que la totalidad de su discografía estaba conformada por trabajos de esa estirpe. Posiblemente, eso era un rasgo heredado de las primeras performances teatrales del grupo en los inicios de su carrera, hacia finales de los 70. “Lo que hicimos fue una suerte de drama musical, una escenografía sonora sobre la que trascurren las historias”, reflexionaba Solari, en otra entrevista del año 2000, esta vez para Rolling Stone.

Aunque al cantante no le gustaba la palabra “concepto”, reconocía que dicho término era necesario para describir la idea que gobernaba Momo Sampler y que ese era el vínculo con el carnaval uruguayo, del que el compositor era un declarado fanático. A partir de las murgas rioplatenses, el vocalista sostenía que eso los llevó “a jugar

con la idea de travestismo general, de todo el mundo jugando a ser lo que no es, también trabajamos los sonidos de esa manera. En realidad, lo que quedó es pura música de edición en un contexto humano”, le decía a Clarín, a fines ese mismo año. ¿Qué significaba ese contexto humano? Simular a la banda mediante recortes -samples- de sonidos de otras grabaciones y crear el ambiente que diera la impresión de que toda la agrupación se encontrara en el estudio. Gran parte del trabajo con esos samples fue llevada a cabo por Hernán Aramberri -quien más tarde continuaría con el Indio en su carrera solista-. Pero a excepción de unas pocas instancias en las que los demás miembros participaron, más algunos en vientos y cuerdas, todo quedó en manos del dúo central. Durante ese proceso, jamás se pensó en cómo sería la presentación en vivo de ese trabajo, pero el tema no importó demasiado, porque tuvo su prueba de fuego durante el 2001.

La dupla Solari-Beilinson se puso al hombro la mayor parte del proceso de grabación, el cual tuvo su lugar en un estudio en Nueva York. “A mí, hacerme producir por otro nunca me interesó”, explicaba Solari a la revista La García, en 2001, dejando en claro que seguían firmes en la idea de su ya tradicional autogestión. Aquella manera de crear, induce la idea de un cambio en la metodología de trabajo de los músicos, sin embargo eso era desmentido por el vocalista alegando que, en realidad, nunca existió una instancia en la que la dupla consulte al resto del grupo acerca de las composiciones o las decisiones con respecto al sonido.

El concepto establecía una descripción fotográfica de lo que ocurría en la realidad argentina de fines de los años 90 -que se podría ampliar a toda la década-: la convertibilidad al borde del colapso, el desempleo creciente, y el límite desdibujado entre la política y el espectáculo. Todo era un verdadero caldo de cultivo que se calentaba a fuego lento y que tiempo más tarde generaría la explosión social más feroz jamás recordada en estas tierras, que ocurriría en 2001.

Pero eso es otra historia.

Viaje al interior de Momo Si bien Skay y el Indio insistían en que Último bondi… era mucho más oscuro que Momo Sampler, en su último trabajo se percibía un halo bastante sombrío desde el primer tema hasta el último. El hecho de jugar con “las cosas que no son”, las máscaras y la murga, tuvieron su origen en el rescate de la tradición pagana, los cuales eran elementos que hacían a este disco “siniestro pero gentil”, tal como cantaba Solari en “Rato Molhado”.

Los recursos tecno se aprecian con claridad en la segunda pista, “Morta punto com”, sin embargo, se mantienen a lo largo www.elbondi.com

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de todo el disco. A su vez, la guitarra de Skay nunca deja de marcar el pulso en la que discurren las canciones y recuerda a sonidos bluseros, como en “Pool, Averna y Papusa”.

La imaginería redonda se mezcló con el mito carnavalesco. Tal es así, que dentro del arte del disco, había una frase que rezaba: “Los parodistas LUBOLO y SE-SI-BON son los autores de los saludos, de las despedidas y retiradas contenidas en este álbum”. Aquella fue la manera del dúo de camuflarse, creando así casi la totalidad del registro con máquinas, generando un ambiente donde el artificio era una idea que atravesaba a la obra.

Este material no se parece a nada, y a todo, al mismo tiempo. Esa contradicción fue la que mezclaba la lírica, los sonidos y los instrumentos, hasta en el arte del disco. Cada uno de los elementos que giraban en torno al Momo, formaban parte de un microuniverso que era el reflejo no sólo de una banda que languidecía, sino de toda una sociedad que durante una década estuvo mostrándose como algo que no era.

A diferencia de todos sus predecesores, la tapa del disco vino con un regalo. Un medallón de 38 gramos de aluminio con el diseño del Rey Momo –el cual llevaba la firma indiscutible de Rocambole, como sucedió desde siempre-, incrustado en una tapa recubierta con goma eva de color negro y un borde plateado con el título de la placa. Todos detalles pensados para provocar y entregar algo más que un disco y su arte convencional. El empaque fue armado de manera totalmente artesanal, incluso con mano de obra no especializada que trabajó en la fundición de los medallones, en los que utilizaron las viejas líneas de linotipos que se emplearon previamente en los padrones electorales. Autogestión hasta el último de los días.

El rey en vivo En abril del 2000, siete meses antes del lanzamiento de su noveno disco, el grupo realizó dos fechas en el estadio de River Plate, después de 33 años de historia, y con el antecedente de haber reunido

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en dos fechas a más de cien mil personas, en el Estadio de Racing en 1998.

Como solía ocurrir, las misas ricoteras reunían una enorme cantidad de almas ávidas por participar de recitales que tenían un peso simbólico enorme. Sin embargo, la lamentable, y recurrente, violencia en los alrededores de los lugares donde tocaban hizo que aquella oportunidad sea la última vez en la que la banda platense actuara en la Ciudad de Buenos Aires.

Vale decir que esa violencia -a pesar de que muchos pensaran lo contrario-, no era propia de la música o la agrupación, sino del contexto social existente en los albores de la Argentina del siglo XXI. La presentación en vivo de Momo Sampler recién tuvo lugar un año más tarde, el 22 y 23 de abril de 2001 en el Estadio Centenario de la capital uruguaya. En ese lugar, el Indio dio la bienvenida a las casi 25 mil personas que verían -por primera vez- el carnaval oscuro que Los Redondos habían publicado unos meses atrás. Allí, los y las fans pudieron ver -y escuchar- la respuesta a una pregunta que más de una persona que escuchó el disco debe haberse hecho: ¿cómo sonará en vivo? La respuesta, desde el grupo, la dio Skay: “fue mucho más sencillo de lo que esperábamos”, reconocía el guitarrista y ampliaba -también a La García, allá por el 2000: “cuando empezamos a grabar, ni pensábamos en cómo se iba a solucionar en vivo”.

Pero de este lado del Río de la Plata, en uno de los años más caóticos de la historia argentina, la única posibilidad de ver en vivo la última creación redonda ocurrió en la ciudad de Córdoba, el 4 de agosto de 2001, donde tocaron la totalidad del álbum mediante una lista de 27 canciones y cerraron con “Un ángel para tu soledad”. Una pista que, con el diario del lunes, funcionó como la despedida de la banda.

Momo Sampler fue, sobre el final de la carrera de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, uno de los trabajos más disruptivos de su trayectoria. La llegada de herramientas tecno y su producción en forma integral que, desde la primera letra hasta todo el arte del disco, crearon un clima que utilizaba al mito carnavalesco para mostrar esa impostura vigente que hacen del registro un fiel producto de su tiempo. Con todo eso, el último álbum de Los Redondos, a veinte años de distancia, persiste como un baluarte de lo que fue la vida y obra de la banda y como una pieza que no se destiñe con el paso del tiempo.

Cronista: Maximiliano Novelli Frutos Fotos: Internet/ La Nación 15 de Noviembre

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ENTREVISTA

THE CRIBS “SI TENÉS UNA BUENA TOMA, NO NECESITAS AGREGAR UN MONTÓN DE BASURA ENCIMA”

Gary Jarman, bajista y cantante de la banda británica, habló con Revista El Bondi en la previa del lanzamiento y presentación de su nuevo disco “Night Network”.

The Cribs es una banda británica de pospunk liderada por los hermanos Jarman. En vísperas del lanzamiento de su último disco, Revista El Bondi conversó con Gary para conocer un poco más sobre este trabajo.

-Hablemos de “Night Network”, ¿cuál fue la búsqueda artística para este álbum?

-Creo que si es que hubo un concepto general al escribir “Night Network” fue que queríamos intentar hacer el álbum debut que siempre quisimos, solo que con la experiencia y el conocimiento que tenemos

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ahora. Debido a que habíamos estado en una pausa forzada durante un par de años, de alguna manera, esto se sintió un poco como un álbum de regreso, así que queríamos volver a capturar ese sentimiento que teníamos cuando estábamos haciendo nuestro debut, simplemente hacerlo porque nos encanta, sin preconcepciones.

Ahora somos mejores y más consumados compositores de canciones, así que lo tratamos como una oportunidad para intentar, en esencia, realizar plenamente las metas que nos propusimos en nuestro debut.

-Grabaron en el Studio 606 de los Foo Fighters, ¿qué nos pueden contar de esa experiencia?

-Realmente grandioso. Es un estudio increíble, que ellos han establecido donde antiguamente estaba el estudio de ABBA, por lo que la sala para grabación en vivo y la sala de control tienen un ambiente muy de los setentas. El resto del edificio es, básicamente, el club house de los Foo Fighters, por lo que es una atmósfera maravillosa, y también es un poco un museo, lo cual es genial para los niños que crecieron con Nirvana, como lo hi-

cimos nosotros.

-Decidieron trabajar nuevamente con el productor John O‘Mahony. ¿Qué nos pueden contar de esta nueva colaboración con él? ¿Trabajan el proceso creativo en el estudio?

-John es increíble. Lo conocemos desde hace años. Trabajó en “Men‘s Needs, Women‘s Needs, Whatever”y “For All My Sisters”, dos de nuestros álbumes con el mejor sonido. Era el asistente de Andy Wallace (un mezclador legendario) cuando lo conocimos, así que realmente sabe lo que está haciendo. Como estábamos autoproduciendo este álbum, tenía sentido tenerlo a bordo porque conoce muy bien a la banda y porque confiamos en sus oídos.

-¿Cuándo fue el momento en que dijeron: “Listo, lo tenemos”?

-Realmente, no lo recuerdo. Para ser honesto, viene en fases. Al igual que, durante la escritura seguimos hasta que sepamos que hemos separado las doce mejores canciones que compondrán el álbum del resto. Esa es la parte más importante. En el estudio, y durante la mezcla, no nos gusta meternos demasiado con las cosas. Así que se trata más de una buena toma.

Si tenés una buena toma, no necesitas agregar un montón de basura encima. Es como preparar una buena comida y luego cubrirla con salsa de tomate, mostaza, vinagre y chispas... perdés la esencia de lo que la hizo buena en primer lugar. Trabajar en tape es realmente bueno para nosotros por esa razón, porque es permanente, una vez que te comprometes, está hecho. Lo digital se puede modificar para siempre, no queremos esa tentación.

-El álbum abre con “Goodbye”, una canción de despedida al principio… ¿Cómo eligen el orden de las canciones? ¿Creen que es algo importante en estos días donde los usuarios pueden crear sus propias listas de canciones, con su propio orden, con apps y tecnología?

-El orden de reproducción es muy importante para nosotros y, por lo general, jugamos con eso hasta el último momento ... ¡eso es lo único en lo que SÍ nos esforzamos! Un buen orden de ejecución marca una gran diferencia en un álbum. Es como llevar al oyente a dar un paseo. Por supuesto, le pueden gustar ciertas canciones más que otras, pero el contexto lo es todo. La lista de reproducción es como las mix-tapes, así que no me molesta demasiado... la gente siempre ha hecho sus propias mezclas, pero nuestro álbum, cómo se desarrolla y cómo lo presentamos es muy importante para nosotros.

-Eligieron tres canciones muy distintas como adelanto para este nuevo disco, y me llamó la atención que todas están escritas en primera persona, ¿cómo es el proceso de escritura?

-La música siempre es lo primero y, luego, la melodía.

Finalmente, la letra se escribe más tarde. El proceso de escribir la música es muy instintivo y visceral, mientras que la letra (para mí) es mucho más metódica y cerebral. ¡Un proceso totalmente diferente! Trabajo durante meses con la letra, escribiendo y reescribiendo.

Ryan (Jarman) es más instintivo con su escritura: su proceso de música y letras es bastante visceral. Escribe sus mejores cosas cuando trabaja rápido. Yo creo que obtengo mis mejores resultados trabajando realmente en la elaboración de las palabras.

-Este 20 de Noviembre van a presentar el álbum de manera virtual, ¿cómo se preparan para esta presentación en “vivo”?

-¡No tenemos idea! (risas) Nunca hemos hecho esto antes, pero no puedo imaginar que sea diferente a hacer una transmisión de televisión en vivo, solo que se transmite en todo el mundo. Es algo que hicimos muchas veces. Sin embargo, la versión “cuarentena” de Be Safe fue totalmente diferente: todos grabamos e interpretamos nuestras partes por separado y luego las ensamblamos. Fue un experimento realmente inusual y divertido.

Cronista: Anabella Reggiani Fotos: Gentileza prensa 20 de Noviembre www.elbondi.com

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ENTREVISTA

LOS VENCIDOS

“NO TODO ES CRESTA Y ANARQUÍA”

Recién publicado Punk rock is not a crime, el trío desarrolla el imaginario de su nuevo EP. “Se dice que la música nos acompaña en muchos momentos de la vida, a veces buenos y otros no tanto, pero siempre está. Por eso en este EP quisimos dejar la idea de que hay cosas que se llevan siempre con uno, como una marca”, admiten Los Vencidos, trío que acaba de publicar Punk rock is not a crime.

“Decir que no sea un crimen, es una metáfora de la no estigmatización y de llevar en alto lo que uno cree”. Para el grupo formado en 2016, “en nuestro

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caso el punk nos sirvió como escuela de muchas cosas. No todo es crestas y anarquía. También es una idea de cómo enfrentar el mundo todos los días, de cómo nos replanteamos la realidad y actuamos en ella”.

-Se los define como un grupo de “ramonescore”. ¿Cómo lo entienden ustedes?

-Se utiliza para describir a un sonido

crudo, limitando el hardcore pero con la impronta del punk rock como bandera. El punk pop también está presente, en las melodías pegajosas, cortas y directas. Sería algo así como mezclar Ramones con Youth Of Today, con sonidos más actuales.

-Es algo en lo que no están solos.

-En la actualidad hay muchas bandas (sobre todo en Europa), que tienen este sonido.

Nosotros lo adaptamos a nuestras canciones en forma natural sin medir o tener como regla un punto exacto. Vamos armando las bases y vemos qué pasa con eso sin dejar de lado ser una banda straightedge.

-¿Cómo están viviendo esta nueva normalidad? Desde el vamos, ustedes manejaban una dinámica muy particular en cuanto a las presentaciones.

-Para nosotros en particular como banda no nos modificó mucho: tocamos poco en vivo, pero siempre estamos conectados, pasándonos audios, tirando ideas o terminando alguna letra. Como amigos y conociéndonos tanto, nunca nos propusimos tocar y tocar.

-Entonces...

-Sabíamos que a veces las prioridades se iban a interponer y no queríamos que eso terminará por hacer caer el proyecto. De esa forma lo íbamos a hacer cuando pudiéramos todos, con gente amiga, con bandas a las que sintiéramos cercanas y no exponernos a situaciones incómodas, esa fue la postura y la aceptamos así.

-Hace poco se debatió si el trap era el nuevo rock. Más allá de eso, ¿cuál creen que es el lugar que ocupa el punk como género?

-Nosotros somos una banda straightedge que viene de la escena hardcorepunk.

Tuvimos la fortuna de poder vivir la era dorada del hardcore y el punk en la Argentina.

Si bien ahora no es uno de los géneros al cual se acerquen la mayoría de los adolescentes, pensamos que hoy en día, años después de su boom, la influencia del punk como género sigue siendo palpable en la cultura actual en bandas de otros géneros. Otros lo reivindican con pequeños guiños en sus letras o en su canciones. Por lo que pensamos que aún ocupa un lugar importante. Es indudable que se mantiene un excelente estado de salud.

Cronista: Lucas Gonzalez Fotos: Gentileza prensa 22 de Noviembre

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MARINA KAYE

ENTREVISTA

“SIEMPRE QUISE QUE MI MÚSICA EVOLUCIONE Y MEJORE CON CADA ÁLBUM”

La cantante pop francesa cuenta a Revista El Bondi los detalles sobre su carrera y su flamante álbum.

Marina Kaye es una cantante y compositora nacida en Francia que, desde los 13 años, tras ganar un concurso televisivo de talentos en su país, se dedicó de lleno a su carrera musical. Si bien canta en inglés, el pop que ella construye se ganó el soporte de miles de fans no sólo en su tierra natal sino en varias latitudes, incluyendo Latinoamérica.

Desde su primer trabajo en 2014, su producción discográfica ya cuenta con 10 simples, 1 EP -Homeless (2014)-, y tres álbumes: Fearless (2015), Explicit (2017) y su último lanzamiento, Twisted, que vio la luz el 6 de noviembre de 2020. Sobre esta placa, y otros elementos vinculados a su arte, transcurre la charla que la música francesa tuvo con Revista El Bondi.

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-¿Alguna vez imaginaste estar donde te encontrás actualmente?

-Honestamente, nunca me imaginé en ningún lugar porque sólo dejé que las cosas ocurran de manera en la que deberían hacerlo. Seguí la corriente y trabajé duro para asegurarme de obtener lo mejor de mí. Soy una chica con suerte por varias razones y, además, conocí a la gente adecuada en el momento adecuado y eso me condujo donde estoy en la actualidad.

-¿Cómo fue participar de un concurso de TV y luego poder seguir con tu carrera musical a una edad tan temprana?

-Tuve que lidiar con un montón de cosas. No sólo las obligaciones propias de un concurso de TV sino también por las entrevistas con la prensa que siguieron después, lo que era demasiado para una niña de 13 años. Entonces, estuve muy presionada y no siempre supe cómo controlar mis emociones.

No obstante, eso me hizo crecer mucho más rápido que los otros chicos y chicas de mi edad, con tan solo 22 años ya logré un montón de cosas que nunca me hubiese imaginado ser capaz de hacer.

-¿Cómo impactó esa experiencia para poder desarrollarte artísticamente?

-En general tuve bastante libertad artística como para poder crear mi música en concordancia con quien yo soy, entonces, me mantuve fiel a mí misma, lo que me parece que es clave para mantener un universo coherente. Sin embargo, siempre

quise que mi música evolucione y mejore con cada álbum.

Con Twisted, es claramente ese caso porque hay mucha más experiencia y madurez en el disco.

-¿Cómo describirías tu estilo musical?

-Es dark pop puro. Escribo letras profundas y significativas que siempre están basadas en situaciones de mi vida o basadas en lo que ocurre en mi mente, que frecuentemente son más difíciles de manejar que la realidad misma. Siempre podés alejarte de ciertos problemas, pero no podés alejarte de tu mente. Me gusta tener versos retorcidos o locos en mis canciones. Además, tiendo a repensar todo y esto alentará a la gente a pensar más acerca de su propia vida y, con suerte, hallarán maneras de manejarla.

-¿Qué encontrarán tus fans en este nuevo trabajo?

-Pensamientos, emociones, amor, ira, preguntas, miedo.

Esto engloba un montón de emociones sinceras que vivimos a diferentes niveles en nuestras vidas. Yo trato de escribir mis canciones de tal forma en la que sean accesibles para las personas en general.

Es mi manera de acercarme a ellas. Si podés leer entre líneas, vas a conocer un montón sobre mí, sobre mi visión de las cosas y la vida en general.

-¿Creaste las canciones recientemente o hay alguna que sea más antigua?

-Gran parte de ellas fueron escritas en 2018 cuando estuve en Los Ángeles para conocer a diferentes equipos (de compositores) y finalmente me encontré con David Stewart y Jessica Agombar. Después, la producción fue hecha principalmente durante 2019, aunque actualizamos algunos temas durante 2020 para asegurarnos de que estábamos al día en términos de sonido.

-¿Hay posibilidades de que te presentes en Argentina en algún momento del futuro?

-¡Eso espero! Me encantaría poder exportar mi música y tocar en nuevos países. Debo decir que los latinoamericanos me han seguido por bastante tiempo y regularmente recibo tan hermosos comentarios desde allí en mis redes sociales, que me dan muchas ganas de ir en persona y finalmente descubrir tu país. De hecho, íbamos a hacer un tour por Latinoamérica en julio pasado, pero obviamente con la situación del COVID nos vimos forzados a cancelar. Nos organizaremos nuevamente lo más rápido que pueda.

Cronista: Maximiliano Novelli Frutos Fotos: Gentileza prensa 27 de Noviembre www.elbondi.com

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INFORME

DARBY CRASH

EL DÍA EQUIVOCADO

Vida y muerte del cantante de la banda de punk angelina The Germs, quien eligió un mal día para morir.

Aquellos años sesenta eran testigos de todo el armado de una escena que dejaba todo listo para el surgimiento del punk. Nacían bandas como The Who, The Kinks o The Seeds, y hasta en Perú Los Saicos generaban una escuela garagera bien proto punk.

En Los Ángeles un niño llamado Jan Paul Beahm crecía entre la muerte por sobredosis de su hermano mayor y la búsqueda de un padre que nunca conoció y cuando supo de él años más tarde, se encontró con la noticia de que había fallecido.

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Entrando a una adolescencia tumultuosa, golpeado por las noticias familiares y unos cimientos cada vez más armados y listos para el nacimientos de la escena punk inglesa y estadounidense, Jan comenzó a idear un plan perfecto del No Future, del vive y muere rápido.

Todo antes de que estos lemas capten la masividad. Así entonces, se encomendó a sí mismo que en poco tiempo formaría una banda, protagonizaría los shows más extravagantes y salvajes, publicaría una obra cúlmine para su género y tras conver-

tirse en una figura de culto, se quitaría la vida para inmortalizar su leyenda. Nada podía fallar.

Bajo el seudónimo de Darby Crash hacía nacer entonces a la banda The Germs, la cual rápidamente se hizo un lugar en la incipiente escena punk de segunda mitad de los ’70 en Los Ángeles. La gesta se dio junto a su compañero de escuela Pat Smear, completando formación luego de poner un aviso para reclutar músicos con la leyenda “buscamos chicos sin talento”.

Primera premisa cumplida.

Los conciertos del grupo empezaron a dar que hablar. Orgías de drogas y violencia que terminaban en batallas campales con los músicos como protagonistas y una mala fama creciente entre los dueños de los locales que les fueron cerrando las puertas uno por uno y ellos lo tomaban como un orgullo puro. Era el lugar perfecto para los marginados sociales, culturales y mentales, para los incomprendidos. Segunda premisa cumplida.

El único disco grabado por The Germs fue lanzado en 1979 y se tituló (Gi). Tuvo muy buenas ventas en el circuito local y con el correr de los años se convirtió en un disco de culto, considerado por muchos referentes del género como uno de los mejores de la escena punk. Tercera premisa cumplida.

En esos años Darby Crash empezó a crear una especie de secta entre sus fans, El Primer Círculo, en el que ellos hacían prácticamente lo que él les pedía. Luego de la salida de su disco, disolvió la banda, viajó a Londres y entró en contacto con bandas de punk londinense. Cuando regresó, se hizo la típica cresta y formó otro grupo llamado Darby Crash Band. Ya era considerado, dentro de la escena punk angelina, un compositor talentoso. El culto estaba armándose. Cuarta premisa cumplida.

banda, tocó durante unos años shows descontrolados y extremos, sacó un disco respetado y empezó a ser considerado de culto. Solo faltaba el último paso para darle nacimiento a la leyenda. Y estaba dispuesto a darlo sin titubeos.

Con veintidós años de edad armó el plan suicida junto a su novia, quien se llamaba Casey “Cola” Hopkins. Compraron heroína para tirar al techo, fueron a lo de la madre de ella, y armaron un escenario inolvidable con velas y demás objetos que formaban una escenografía épica. Y ahí por fin, se inyectó por última vez. Darby Crash falleció. Que la noticia inunde el mundo, que el cantante vuele bien alto hacia la inmortalidad.

Todo era perfecto, salvo por dos detalles. El primero: su novia no murió. El segundo, clave, fue que al mismo tiempo que su cuerpo era encontrado, un tal Mark Chapman le pedía un autógrafo a John Lennon para luego dispararle y terminar con su vida. El 8 de diciembre el mundo se conmocionaba. Los noticieros explotaban con la noticia del final del ex Beatle.

La muerte de Darby entonces, fue anunciada en los diarios del 9 de diciembre con un pequeño y casi ilegible pie de página, y una mención al pasar en los noticieros de radio y televisión. Hoy entonces, a 40 años de aquel suceso, merece este homenaje por haber elegido el día equivocado para su muerte.

Cronista: Sergio Visciglia Fotos: Internet/Getty 08 de Diciembre

Aquel plan adolescente marchaba con toda perfección. Formó la

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LICHI

ENTREVISTA

“TARDO EN ESCRIBIR PORQUE ME IMPORTA QUE ESTÉ BUENO” En medio de la pandemia, el músico, periodista y youtuber rosarino publicó un show conceptual y una canción experimental de trap boomer. Además, para 2021 planea editar tres discos cortos.

Lisandro Ruíz Díaz, a.k.a. Lichi, es un militante de la contracultura. Alguien que escribió sobre sí mismo hasta que pudo quererse solo. Un millennial de 28 años que, como tal, expone su fragilidad, razona con sensibilidad y vive con urgencia. “Me levanto temprano, con ganas de hacer, y me acuesto sin poder dormir, porque quiero seguir generando”, dice a Revista El Bondi desde Rosario, videollamada mediante.

Es media mañana de un jueves templado y Lisandro toma agua entre pregunta y pregunta. Viste remera celeste y su ya icónica gorra rosa. Gesticula poco y mira a cámara con serenidad. Está de humor. Atropella con alegría algunas palabras y gambetea (casi) todas las eses, aun así habla con brío y elocuencia producto de sus múltiples personalidades: además de periodista y activista inorgánico por los derechos de la comunidad LGTBQ+, también es músico independiente y youtuber disidente.

O “un manija” que bien solo se lame y al que le cuesta cosechar lo que siembra, porque “exhala contenido y piensa en lo que debería estar haciendo”. Para su sorpresa, la vida en cuarentena lo apaciguó.

Lo dejó en casa. En pareja. Filmando videos. Escuchando y componiendo música. Siempre tranquila, de lo que sea, pero siempre tranquila: “Es la que me sirve, relaja y nace predeterminadamente. Hay veces que puedo poner AC/DC, pero son las menos”. Hoy en su playlist se entrelazan The Zombies y su gran amigo Gladyson Panther, sin embargo, al tope aparecen el disco nuevo de Bandalos Chinos y los temas de Clara Cava.

Son estilos asimétricos, yuxtapuestos, de los que aprende a diario. En especial de ella, que “tiene un 42

lenguaje más ligado a lo digital y a las baterías electrónicas”. Una contradicción en la que habitan el Lichi del pop autorreferencial, preciso y preciosista y el Lisandro de Los Usuarios, aquel proyecto iniciático, efímero y de raíz folk que rindió pleitesía a Neil Young. “Uno es el tradicional, el acústico, el análogo, el polvoriento, un vaquero del oeste”, admite. “Y el otro es el que vive en esta época, que prueba con sonidos y entiende que los instrumentos se enchufan”.

Ambos se preguntan si hay alguna ansiedad que sea positiva o ninguna lo es y hasta qué punto es sano trabajar 24/7.

“Llegó un momento en el que lo que iba hacer mañana, me rompía las bolas en el presente.

No podía quedarme quieto, estar tranquilo. Lo mío no es súper mega ultrapeligroso, de medicarse. Es una cosa más de todos los días, del común de la gente.

Algo que puede pasarle a todo el mundo. Lo estoy tratando en terapia”.

Para él, que en la era del constante movimiento y del aceleramiento practica el arte de la quietud, lo que está y no se usa nos fulminará. Por eso “trato de no ser un despelotado, de organizar el futuro lo más que pueda, de enfocarme en el presente”. Como en Music Killed The Video Star, el show conceptual que estrenó hace pocos días, donde resignificó el imaginario retro futurista de “Video Killed the Radio Star”, one hit wonder de The Buggles y primer video que MTV transmitió en 1981. “No es una afirmación ni una expresión de deseo. Nadie mató a nadie”, avisa. “Estuve al frente, con mi guitarra, como siempre, pero las bases fueron

electrónicas y jugamos con los métodos de hacer música, mezclando lo analógico y lo digital”.

Es decir: “Un video que giró en torno a la música, un recital que combinó mis dos formatos”.

-¿Te podrías quedar con uno?

-No funciona así. Son cosas distintas. YouTube es la forma más copada que encontré para comunicar, entretenerme y trabajar. Es una cosa más del contexto, no es que nací para eso. La música, en cambio, es algo intrínseco a mi vida. Por ahí YouTube no exista en el futuro o haya otras plataformas, pero sí sé que seguiré haciendo música.

-¿Cuándo te cayó la ficha de eso?

-Hago música desde que tengo memoria. No es que hubo un momento. Siempre fue una obviedad. Ni me lo pregunté.

Gracias a mi mamá, aprendí a leer y a tocar el piano al mismo tiempo. Compongo desde los 13 y a los 15 empecé a tocar en vivo. Sólo fueron cambiando los cómos: primero tuve un dúo y ahora estoy acompañado por una banda de amigos.

Transformé a Lichi, la persona, en un concepto.

-A un año de haber editado tu disco debut, el homónimo Lichi, ¿qué aprendiste de vos mismo?

-Que cuando publicas canciones, esas cosas que son súper íntimas para uno, al toque se tornan universales.

La gente se refleja, se encuentra. Me pasó con YouTube. No

quería ser el típico youtuber que hablara de sí mismo. Pretendía dar un contenido interesante y útil, pero me di cuenta de que con mi historia podía visibilizar la de muchas otras personas. Así que le di bola a lo que me gustaba. Perdí el miedo a hablar en primera persona y de lo que tenía que ver conmigo (diversidad sexual, vínculos) y tras muchos años de inercia también entendí que todavía podía seguir explorando en lo musical.

-¿Por ejemplo?

-Para mí, hacer una canción era sentarse con la guitarra acústica, sacar unos acordes y de última pasarla con la banda. O solo. Todo muy tradicional. Durante mucho tiempo me negué a probar otra manera. Y aunque es mi sello, y lo seguirá siendo, este año, por lo que sucedió en el mundo, me obligó a experimentar.

El último tema que publicó, el trap boomer “Oro”, sintetiza esa cohesión sonora y el deseo irrefrenable de “querer ir hacia adelante constantemente”. Compuesta a la distancia, dado que no pudo reunirse con el rapero mendocino Padawvn ni con el productor Tuta Torres, se monta sobre un beat inspirado en el flow de Duki y Lucho SSJ para certificar que “lo único que sirve es cambiar” y que no “quiere ser el mismo que ayer”.

El rey Midas del indie rosarino anticipa que en diciembre lanzará “Sequía”, un autocover, “un folkazo de Los Usuarios”, y en enero “Hyper Hype”, un inédito que hasta el momento sólo tocó en vivo. El año que

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viene, además, planea materializar una tríada de EPs, “cada uno resuelto con tecnologías diferentes”. El primero, con Tuta Torres, será como “Oro”. Elementos vintage, rockeros, intercambio de mails, WhatsApp, para que “él arme la pista y yo después cante arriba”.

Habrá uno acústico, con instrumentos analógicos, y un último más casero, trabajado en el bedroom studio del tecladista Lucio Sánchez.

“Prefiero hacer la música más que la letra”, cuenta, para sorpresa de muchxs y desacraliza su propio proceso de composición, el cual muchas veces parte de la felicidad: “Siempre me costó e inclusive terminé alguna letra en el bondi, poco antes de grabarla. Como ‘Mi Yo y mi Mini-Mí’. No soy de los que todos los meses tenga algo nuevo. Ni a palos.

Es un poco paradójico, sí, porque se han tatuado frases de mis canciones, pero no me gusta sentarme a escribir. Me aburre, me da paja y lo pateo.

Soy más de pensarlas, de grabar miles de ideas en el celular. Y cuando tengo una que me ceba, le doy vuelta meses y meses hasta que decido terminarla. Justamente, tardo porque me importa que esté bueno”.

-¿Por qué?

-Si hago una canción instrumental, el oyente imagina, puede volar. Pero la letra le da estructura a la canción, le elige un solo camino de muchos posibles. Y eso es una responsabilidad y lo que me espanta al mismo tiempo, porque la baja a tierra, la limita. Es la cosa más terrenal, menos infinita. La letra es una, y si bien se puede interpretar de distintas maneras, es como traer al mundo real esos sonidos del más allá. Conecta con la persona que la escucha a un nivel más directo.

-¿Y a vos quién te interpeló de esa manera?

-Robert Plant, sobre todo como solista. Tiene 70 años y se niega a repetirse, sacando discos con un montón de elementos nuevos. Siempre trata de renovarse y nunca tomó la opción más cómoda o económicamente rentable, que sería hacer temas de Led Zeppelin con Jimmy Page. Eso me inspiró muchísimo y siempre lo tuve como una máxima.

Cronista: Lucas Gonzalez Fotos: Gentileza Prensa 09 de Diciembre

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INFORME

50 AÑOS SIN THE BEATLES

SÓLO NOS QUEDA DEJARLOS SER

A medio siglo del final de la banda de John, Paul, Ringo y George, un análisis sobre el final sin fin de una banda eterna.

Un dato histórico es mucho más que una herramienta estadística y, en algunas ocasiones, es también una herida que deja cicatrices eternas.The Beatles no fue un éxito. Fue EL éxito. Es posible que los 4 de Liverpool jamás entendieran la magnitud de lo que significaron, lo que representaron para ese momento y ni siquiera me atrevo a pensar suponer que eran conscientes del legado que dejaron para toda la posteridad.

Se supuso que, con un crecimiento tan grande, la caída iba a ser descomunal, pero no fue así. Sus diferencias personales se convirtieron en una pequeña herida; una raspadura de esas chiquitas que se formaban al caer de la bicicleta, pero jamás se curó a tiempo y luego no hubo vendajes que alcancen para cubrirlas, dejando una cicatriz horripilante, una imagen que ni músicos y mucho menos fanáticos podrían recordar el momento exacto de cuando se formó.

Sus incursiones en el mundo de las drogas fueron uno de los primeros problemas que afrontarían la banda. Fue por aquellos experimentos con ácidos y otras yerbas que, poco a poco se plasmaría en su música, que comenzaron a crearse algunas malas referencias como profesionales.

Durante el lanzamiento de la película Magical Mistery Tour (1967) fue la primera vez que la crítica se atrevió a decir que algo realizado

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por The Beatles era horrible.

“Esa fue la primera vez en la memoria que un artista se sintió obligado a hacer una disculpa pública por su trabajo” fueron las palabras de Hunter Davies, biógrafo de la banda, al respecto.

Aquel proyecto que contenía grandes expectativas y terminó siendo un desastre, al que ni siquiera su banda de sonido pudo reflotar, debió ser la primera señal de alarma, el primer indicio de que algo no funcionaba en el universo beatle. Años después, el documental “The Compleat Beatles” -narrado por Malcolm McDowelldio en su descripción: “En gran parte, se trataba de un proyecto de Paul: un viaje por el campo inglés en un autobús lleno de amigos, actores y monstruos del circo, y filmar lo que ocurriera.

Desafortunadamente, nada ocurrió”.

aún más grave. Con John Lennon enfocado en su relación con Yoko Ono, y ante la ausencia de un líder fuerte, Paul McCartney decidió, de manera implícita, tomar aquel rol dirigiendo a la banda a “gusto e piacere”, tomando decisiones que iban más allá de los ritmos a interpretar o de los instrumentos que debían formar parte de tal o cual canción, y que abordaban temas tales como intentar “enseñarle” a Ringo Starr como debía tocar la batería o decirle a George Harrison la manera “correcta” en la que debía tocar la guitarra.

La repentina muerte de su manager, Brian Epstein, resultó un golpe durísimo para la banda y no solo en lo emocional, sino también en lo financiero y estructural.

A partir de ese momento, el barco quedaba un poco a la deriva, y una cantidad incontables de individuos comenzaba a aparecer queriendo quedarse con la “gallina de los huevos de oro”, pero el temor a caer en las manos equivocadas, fue el detonador de un conflicto

La década del ‘60 generó muchos cambios en las vidas profesionales y privadas de cada uno de los astros de Liverpool, y para el final de la misma, se podría decir que poco quedaba de aquellos cuatro jóvenes de corte taza que iniciaron su camino tocando en The Cavern.

La paciencia se iba agotando y el mal humor empezaba a ser moneda frecuente en los estudios 3 Savile Row. George Harrison hablaba de irse de la banda y Lennon, en lugar de preocuparse por buscar la manera de que se quede, declaraba en plena grabación del disco Let it Be (1970) que buscaba a Eric Clapton para reemplazarlo. A esas alturas, el desconcierto era tal que Ringo Starr había decidido abandonar la banda, entonces se acercó a Lennon y le confesó que se retiraba porque “sentía que ya no encajaba y veía como los demás se llevaban de maravilla”, sin embargo y para su sorpresa, fue el propio Lennon el que le contestó que sentía que el que no encajaba era él, y lo más curioso de todo fue que al comentarle a McCartney su decisión, éste le dijo que se sentía de la misma manera. Años después en una entrevista con medios ingleses Paul declaró “me doy cuenta ahora de que éramos una familia. Y las pandillas y las familias se pelean y tienen disputas. Unos quieren hacer unas cosas y otros, otras “

Cerca del lanzamiento del vigésimo y último álbum, que en un principio seria llamado “GET BACK” se podía apreciar el aumento de los egos personales. Cada uno se sumó al proyecto con un ojo puesto en sus trabajos personales, dejando en evidencia que la banda ya era más una molestia que una prioridad. Pero, lo más admirable fue que a pesar de todo lo que vivieron (y que, por momentos, padecieron) sacaron adelante un proyecto que hasta el día de hoy sería recordado por aquel improvisado concierto en la terraza de

Apple Records, dejando en muchos fanáticos un grato recuerdo y la imagen con la que les gusta recordar a The Beatles.

Let it Be (1970) se trata mucho más que de un disco y una película: “Déjalo ser” es la definición perfecta a aquello que cada uno de los integrantes buscaba en ese momento, ser ellos mismos. Si bien para ese entonces las relaciones profesionales estaban desgastadas y cada beatle tenía la necesidad de explorar nuevos horizontes, todos ellos se plantearon ser fieles ellos mismos a partir de ese momento, aunque eso significara no volver a reunir al cuarteto más famoso.

El 10 de abril de 1970, Paul McCartney anuncio de manera oficial lo que muchos betlemaniacos solo podían imaginar en sus peores pesadillas. Tristemente el mundo y sus vueltas tan inciertas se encargarían de tornar a la separación de los cuatro de Liverpool en el menor de los problemas que deberían afrontar a futuro esos jóvenes que a principio de los años 60 marcaron y revolucionaron al mundo de la música. Cabe recordar que Lennon y Harrison fueron víctimas de fanáticos y lunáticos que los atacaron en dos oportunidades diferentes, y John murió a manos de uno de ellos.

Ni siquiera The Beatles, pudo acabar con The Beatles. Su legado trascendió fronteras y generaciones. Nos dejaron cosas regulares, buenas y algunas memorables. Pensar que su evolución como artistas impulso cambios radicales en la vida de miles o tal vez millones de jóvenes en todo el mundo, es un logro que muchos artistas que vinieron después no tienen el lujo de poder vociferar. Y aunque pasen otros 50 años más, vamos a seguir escuchándolos y recordándolos como más nos gusta hacerlo: siempre dejando ser al tiempo, tiempo, y a The Beatles, The Beatles.

Cronista: Matias Fangi Fotos: Internet/Getty 13 de Diciembre www.elbondi.com

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ENTREVISTA

DELAPORTE “EL DISCO HABLA DE LA CONSTRUCCIÓN DE UNA IDENTIDAD EN LIBERTAD, SIN OPRESIÓN DE TIPO PATRIARCAL, HOMOFÓBICA Y RACISTA” El grupo ítalo-español cuenta a Revista El Bondi los detalles y las influencias que impactaron en su flamante segundo LP. Delaporte es un dúo de electrónica-pop formado por Sandra Delaporte y Sergio Salvi, fundado en Madrid a mediados de la década de 2010. Su producción discográfica se inició en 2017 con el lanzamiento del EP #ONE, seguido por otro titulado #UNO (2018) y su primer larga duración, Como anoche, editado en 2019, cuyo éxito les permitió girar por España y Estados Unidos. Por otra parte, han participado en grandes festivales internacionales y han compartido escenario con artistas tales como el compositor, cantante y DJ italiano Giorgio Moroder; el grupo colombiano Bomba Estéreo, entre otros.

Entre 2019 y 2020, pandemia mediante, Delaporte grabó su segundo larga duración que decidieron llamar Las Montañas, que tomaron como inspiración por el lugar en donde realizaron todo el proceso creativo del disco.

Un trabajo que rompe con la estructura del material previo y suma una fuerza conceptual

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muy notoria que se mezcla con rescates de sonidos de los años 90, entre otras influencias que el dúo cuenta a este medio.

-¿Qué representa Las Montañas en esta etapa de su carrera?

-Para nosotros es un disco muy maduro, tanto a nivel musical como a nivel conceptual. A nivel musical nos hemos nutrido de todo lo que hemos aprendido en los últimos tres años de gira, en los

que hemos experimentado mucho “abriendo” nuestras canciones, destripándolas y haciendo que se vuelvan unas sesiones de club.

En este disco hemos querido reflejar estas sesiones sin tener miedo a alejarnos de lo que es una típica estructura “pop”.

-¿Cómo fue el proceso creativo de la creación del disco?

-Este álbum, como el anterior, lo compusimos casi enteramente en las montañas. Tuvimos dos tandas de composición, una en septiembre 2019 y otra en enero 2020, y entre las dos teníamos casi todos los temas. Luego la post producción y la mezcla la hicimos en casa durante el lockdown, gracias al cual (o por culpa del cual) contamos con mucho más tiempo de lo que al principio creíamos.

-¿Cómo definirían el concepto de Las Montañas?

-Habla de superación, de la construcción de una identidad en libertad, sin ataduras de ningún tipo, sin opresión de tipo patriarcal, ni homofóbico, ni racista. La expresión más libre de un ser. Para conseguirlo hace falta luchar contra todas esas restricciones que llevamos dentro, consecuencias de haber crecido en un sistema machista, homófobo u opresor en general.

Condiciones que nos hacen sentir pequeños y que tenemos que cumplir ciertos estereotipos para ser aceptados. Ese proceso de ruptura y reconstrucción de la identidad es como escalar una montaña, un esfuerzo grande que merece la pena cuando llegas a la cima y puedes verlo todo con claridad y pureza.

-En relación a las letras, ¿existe un tono de reivindicación?

-Más que reivindicar nos hemos sumado a unas causas en las que creemos mucho, contando nuestras experiencias, nuestro punto de vista como seres sociales y políticos, creyendo que haya muchas personas que se van a poder sentir identificadas.

-Hay un cambio notable, musicalmente hablando. ¿Qué cosas los inspiraron?

-En este disco sabíamos desde el principio que queríamos buscar unos sonidos muy noventeros, que hemos mamado en nuestra infancia, y trasplantarlos a una estética más contemporánea. Nos hemos inspirado en grandes de los 90 como Prodigy, Chemical Brothers, Underworld, a la vez que en artistas como Sophie, Arca, FKA Twigs, y en sonidos más orgánicos como Natalia Lafourcade, Inti Illimani, Chilly González y Hania Rani.

-Este álbum tiene varias colaboraciones, ¿cómo vivieron esa experiencia?

-Ya teníamos ganas de compartir música con algunos de los artistas que hemos conocido en estos años y con los que hemos compartido escenario. A la hora de elegir un featuring nos fijamos antes que nada en la persona, en la química que hay a nivel personal, porque sin eso la música no puede fluir. Las cuatro colaboraciones que hemos tenido en Las Montañas son, antes de todo, personas maravillosas que se han involucrado en todo el proceso creativo y que han abrazado en pleno tanto el mensaje como la música.

-¿Cómo ven el panorama musical actual en su estilo, tanto en España como en el resto del mundo o en Latinoamérica?

-Nosotros sin quererlo creemos que hacemos un tipo de música un poco marginal en España, en el sentido que no encaja perfectamente en ningún circuito musical preexistente.

Nos meten en el indie, en la electrónica, en la música urbana, en el pop, y por nosotros eso es un cumplido, porque significa que no sonamos a nadie, o más bien que sonamos a nosotros. Por otro lado, el no encajar en un circuito musical concreto dificulta un poco el crecimiento, es todo más lento, pero tampoco es problema. Se disfruta más cada pasito.

Cronista: Maximiliano Novelli Frutos Fotos: Gentileza prensa 14 de Diciembre www.elbondi.com

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BICHO

ENTREVISTA

“BUSCAMOS UN ESPACIO Y UN SONIDO QUE DEFINA EL CONCEPTO” Bicho lanzó su nuevo single “Calles del Centro”, completando junto a “Vueltas” e “Influencias” un trío de canciones lanzadas durante este tumultuoso 2020.

La banda de rock experimental fundada por Isidro Magyary y Juan Ignacio Chamadoira ha decidido dejar atrás el formato disco y se sienten más a gusto con lo que llaman “grupos de canciones”. Lejos de la estaticidad del encierro, ellos no paran de producir y presentar su música via streaming, y conversaron con Revista El Bondi para contarnos su modo de armar canciones y su experiencia presentandolas a la distancia.

-¿Cómo fue la dinámica compositiva de calles de la banda?

-Casi todos los días estamos probando ideas individualmente, para después mostrarlas en grupo, y las que se sienten con potencial las llevamos a los ensayos, que en realidad no son tan ensayos sino más como sesiones de producción. Para “Calles del Centro” y para estos últimos singles empezamos con temas algo encaminados, pero siempre como maqueta, grabados en casa, y lo vamos tocando para ir sintiéndolo. Siempre nos juntamos con Diego, nuestro productor, y entre lo que sentimos y sus propuestas, la canción se va definiendo, y todas fueron tomando una profundidad o al menos aristas que no existían antes de tocarlas en un espacio real, con los parlantes haciendo vibrar el aire y con todos nosotros ahí adentro.

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Cada uno tiene su fuerte, y entre todos vamos probando y aportando.

-¿Tienen pensado hacer un disco que comprenda alguno o todos estos singles?

-En realidad, vamos trabajando las canciones en grupos, por ejemplo, las tres que ya salieron y la que está por salir, “Luna de día”, las consideramos como un conjunto, al que le buscamos un espacio y un sonido que defina el concepto. Así nos sentimos cómodos, nos funciona. Ahora estamos trabajando en otros grupos de canciones, y hay uno que se está agrandando, ya son como 7, así que no descartaríamos que derive en un disco, pero tiene que sentirse como una unidad, por el momento no buscamos sacar un disco sea una colección de canciones, sino momentos que toman fuerza por relacionarse entre sí. Estamos probando cosas distintas en cada zona y en cada canción así que tiene más sentido considerarlas singles por el momento. ¿Cómo es la experiencia de estar presentando single tras single en tiempos sin recitales?

-Al principio no sabíamos bien cómo encararlo, porque se hizo evidente que el camino tradicional de lanzamiento más concierto

presentándolo no iba a poder llevarse a cabo, pero fuimos buscando nuestras formas de seguir desarrollando nuestro espacio, que siempre fue más encaminado sobre cómo contactar con otras personas, porque de los recitales no sólo se extraña la energía que se genera, sino también el antes y el después de tocar, que hablas y conocés. Todavía estamos probando, pero al menos estamos seguros que nuestras formas de comunicarnos en internet nos representan como somos en el mundo real. Es todo una misma cosa, nuestro lenguaje, las visuales, el sonido, y los vivos, trabajamos muchísimo en lo que hacemos, pero a la vez siempre estamos no tomándonos del todo en serio, considerando lo absurdo que puede ser todo, es muy fácil estar tan enfocados en algo que te termine distrayendo de lo importante, y lo importante en la música es expresarse y conectar con otras personas, que te haga sentir algo, no demostrar habilidad o si gastaste un montón de plata para grabar. Los recitales son y van a ser completamente irremplazables, y los esperamos con ansias, pero mientras tanto, nuestra forma de conectar y pasarla bien es mostrando lo que hacemos, cómo grabamos, hablar.

Hay redes que pueden ser un poco limitantes en ese sentido, pero por suerte encontramos un espacio muy interesante en Twitch, donde abrimos por ese lado, y transmitimos en vivo. Cada vez que nos conectamos la gente pregunta, mostramos el proceso y hablamos, presentamos videos, hay versiones acústicas de las canciones. Cada vez hay más gente y estamos llegando a lugares que serían bastante complicados inclusive si pudiéramos tocar en vivo, así que sacamos algo bueno del momento.

-¿Cuándo será su próxima presentación?

-En internet estamos todas las semanas en Twitch (BichoBanda), ahí siempre se va presentando todo, y mientras tanto vamos adelantando cosas en otras redes.

Ante la imposibilidad de juntarnos con gente en un mismo lugar, es un buen espacio, y hoy cumple ese rol, y hasta aporta algunas cosas que no tienen los recitales. Hay algo en la interacción en tiempo real, en vivo, que está ahí dando vueltas y la estamos disfrutando.

Cronista: Nahuel Perez Fotos: Gentileza prensa por Raquel Magyary 16 de Diciembre

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INFORME

CINCO DOCUMENTALES SOBRE MÚSICA PARA VER EN NETFLIX

EL FENÓMENO

ROMPAN TODO

Tras el lanzamiento de la serie de entrevistas que pretende abordar la génesis e historia del rock latinoamericano, te acercamos recomendaciones para disfrutar en la plataforma de la N.

2020 fue el año del streaming y, coronavirus mediante, los contenidos audiovisuales se consagraron como los reyes de la cuarentena. Para cerrar el año, el pasado miércoles se estrenó en Netflix el documental “Rompan todo”, una miniserie de seis episodios con entrevistas a músicos para intentar reconstruir el camino del rock en Latinoamérica. Por eso, a modo de resumen, seleccionamos cinco títulos que no podés dejar de mirar dejar antes de levantar la copa y brindar por un año mejor que el que se va.

1. “Rompan todo: la historia del rock en América Latina” En base a diferentes entrevistas a protagonistas y un importante material de archivo, este documento audiovisual bucea en las profundidades del rock latino e intenta brindarle un contexto social y político a la obra de músicos que aún son parte de la banda sonora de nuestras vidas. Charly García, Fito Páez, Litto Nebia, Julieta Venegas, Ruben Albarrán, Andrea Echeverri, Mon Laferte, los integrantes de Molotov y Juana Molina, entre muchos otros, son algunas de las voces que le dan vida a la miniserie que cuenta con la producción ejecutiva de Gustavo Santaolalla (otro de los que también aparece delante de cámara) y Nicolás Entel, y la producción periodística de Manuel Buscalia.

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3. “Olé Olé Olé: A Trip Across America” Tal como lo dijo alguna vez el periodista cordobés Germán Arrascaeta, este documental funciona muy bien como “un retrato de la pasión ‘rollinga’” en América Latina. El material, realizado por Paul Dugdale y producido por Fixer-Argentina, es un “diario de gira” por diferentes ciudades latinoamericanas, que hace un importante foco en la última visita de The Rolling Stones al país, en febrero de 2016, y que intenta mostrar la pasión stone en esta parte del mundo.

2. “Mystify” En 1 hora y 36 minutos, el cineasta australiano Richard Lowenstein busca descifrar los mitos detrás del vocalista de INXS, Michael Hutchence. El material que cuenta con entrevistas a gente cercana al músico y reúne mucho material de los videoclips, entrevistas antiguas y filmaciones caseras (como las que proporcionaron varias de sus ex parejas, entre ellas, Kyle Minogue) pretende mostrar la sensibilidad artística de Hutchence y desentrañar cual fue el motivo detrás de su suicidio. La pieza cuenta con la producción de Ghost Pictures y BBC Music.

4.”ReMastered: Who Shot the Sheriff” El 5 de diciembre del 76, Bob Marley & The Wailers llevaron adelante el multitudinario concierto “Smile Jamaica“, que tenía como propósito promover la paz y frenar la violencia en ese país; sin embargo, dos días antes, un grupo radicalizado irrumpe en la casa de Marley con armas y dispara contra él, su mujer y su manager, resultando estos últimos dos gravemente heridos. “ReMastered: Who Shot the Sheriff“ es un documental en el que, durante 57 minutos, la excusa es el reggae y Bob para intentar entender más la realidad política de Jamaica por aquellos años y el peso político del hombre que hizo del reggae algo más que música.

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5. “Keith Richards, under the influence” Si ya vi ‘Olé olé olé’, ¿por qué debería ver un documental más sobre uno de los Stones?

Primero, porque Richards es algo más que el guitarrista de una de las bandas más importantes del mundo, y segundo, porque nunca es suficiente. El material audiovisual transcurre mientras Keith grababa su disco “Crosseyed heart”, publicado en 2015, y muestra a un rockstar en la intimidad: un hombre sensible, la relación con sus ídolos y sus compañeros de ruta, y a una persona que todavía mantiene la llama viva de la pasión por la música.

Extra: “The dirt” Dirigida por Jeff Tremaine, la biopic de Mötley Crüe no entra dentro de la categoría de documental, pero funciona bien para comprender cómo funcionaba la construcción y el ascenso de las bandas en la década del ochenta. En muchos aspectos trillada y abusando del estereotipo de las estrellas de rock, la película de 108 minutos también muestra algunos momentos de la desgraciada y atormentada vida de Nikki Sixx, los problemas de salud de Mick Mars y las tragedias que debió soportar Vince Neil.

Cronista: Fernando Villarroel Fotos: Internet 18 de Diciembre

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ENTREVISTA

PABLO MATÍAS VIDAL

Un compositor

ENTRE DIAGONALES

El cantante presentó su nuevo EP, Sobrevida, disponible en todas las plataformas digitales.

El reconocido cantautor platense, cuya historia atraviesa Tajunga Pul, Los Amorosos, Niños Knöll, Orquesta de Perros, hasta encaramarse junto a Los Valses, estrenó un EP solista signado por la desaparición física de Seba Rulli, su gran amigo y socio musical, por las extrañas circunstancias del confinamiento, y la colaboración de Diego Martez en su disco.

Vidal conversó con Revista El Bondi, y habló de los distintos aspectos de este nuevo trabajo discográfico.

-Escuchando vos mismo este EP ¿Qué sentís que le aporta Diego Martez a tu música que nadie más hubiera podido?

Pablo Matías Vidal: -Diego tiene la estirpe del cantor popular y a la vez es sumamente urbano. Me encanta esa dualidad y además nos conocemos hace 15 años.

En 2017 lo invité a un show a cantar ¨Queda un respiro¨-una canción de mi disco Verano- y sentí que

con su voz la canción se completaba. Es raro, fue escucharlo y sentir inmediatamente que aunque hasta ese momento la canción la había compuesto e interpretado yo, a partir de esa noche ¨Queda un respiro¨ le pertenecía a él.

Con ese antecedente no me costó mucho darme cuenta de que en la canción ¨La trama panal¨ la voz de Diego iba a terminar de dibujar el semblante existencialista y un poco enigmático de la canción.

-En una entrevista editada el 8 de septiembre de este año en Diario Contexto, comentabas que “Con los años comprendí que hay ciertas partes del proceso que me interesan y en las que me considero apto. Y otras en las cuales no”. ¿En qué cosas no te interesan tanto de grabar un disco?

PMV: -Me pudre un poco la parte técnica. Lo viví muchos años como un déficit pero hace un tiempo entendí que si ponía esa energía en la parte artística y creativa del proceso, delegando sin culpa los menesteres técnicos a personas capacitadas y ya, podía hacer foco con muchísima más nitidez en las partes del proceso que me resultan atractivas naturalmente. No se puede abarcar todo, parece una obviedad, pero a veces lleva a tiempo que caiga la ficha.

-En este casi año que se vio afectado el afuera ¿cambió en algo tu manera de escribir música, de relacionarte con la actividad creativa?

PMV: -Si, cambió muchísimo. Por empezar, me pude comprar una placa y un micrófono y armarme mi doméstico estudio de grabación así que puedo maquetear, pre-producir y jugar a gusto y piacere. También en algún momento de la cuarentena profunda armamos un grupo de whatsapp con compositorxs argentinxs y uruguayxs y empezamos a ju-

Cronista: Nahuel Perez Fotos: Gentileza prensa por Manuel Cascallar 23 de Diciembre

gar a componer canciones nuevas cada 48hs. Eso me dio la posibilidad de volver al plano lúdico de la composición y el hecho de hacerlo tan asiduamente me afiló mucho la mano y el músculo. También me sirvió para el desarrollo de lo que meses después se convirtió en mi taller de composición de canciones, que se llama ¨La Trama Panal¨ y fue otro hito de estos días tan extraños.

-En lo que a presentaciones, ¿Cuál crees que será el destino de Sobrevida en cuarentena, ahora que es más difícil compartirlo en presente?

PMV: -Posiblemente hagamos alguna presentación vía streaming con una formación reducida de acá a fin de año, o quizá en verano. Y por supuesto tengo la secreta esperanza de poder presentarlo de forma presencial el próximo año.

Veremos.

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SUPERCHERÍA

ENTREVISTA

“SON TIEMPOS EN LOS QUE ES MUY FÁCIL PERDER EL EJE Y DESORIENTARSE”

La banda presenta su nuevo álbum, Encontremos el tiempo, primera incursión de la banda como productores, ya disponible en todas las plataformas digitales.

Este es el cuarto disco de estudio del trio de rock integrado por Pira Bastourre en voz, guitarras y teclados; Joaquín Alvarez en voz y guitarras; y Tino Tuffano en bajo y teclados. Formado en 2007, tuvieron un voraz crecimiento desde entonces.

Con un recorrido envidiable por los principales escenarios de Buenos Aires y giras al exterior bajo el brazo,

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Superchería conversó con Revista El Bondi acerca de la experiencia de auto-producirse, las colaboraciones musicales del disco, y de la resignificación del sentido de su letras por el contexto que irrumpe en la obra.

-¿Cómo fue la experiencia de ser sus propios productores?

-Fue una experiencia desa-

fiante y muy enriquecedora.

En los tres primeros discos trabajamos con Tatu Estela y logramos una sinergia hermosa, un modo de laburo muy aceitado y orgánico. Pero esta vez queríamos hacer las cosas de otra manera, teníamos la inquietud y queríamos ponernos a prueba. Por fuera de ‘Superche’, habíamos trabajado en otras producciones y eso nos ayudó también a darnos el empuje. Hubo momentos de vértigo, claro, estábamos muy acostumbrados a que en un momento de la cadena de laburo las decisiones pasaban a ser de Tatu, pero pudimos consensuar en los aspectos más importantes para darle curso a los temas. ¡Y el resultado nos recontra copa, y creemos que lo logramos!

decisión de hacer este disco solos en cuento a la producción, dejamos dos salvedades: Tregua que fue producida por Mauro Verdi y Esta es la hora, elegida especialmente por Abril.

Más que felices.

-¿Cómo fue trabajar con Abril Sosa para “Esta es la hora” y cómo terminó en sus manos?

-¿Cómo será la presentación de Encontremos el tiempo con distanciamiento social?

-Con Abril tenemos una relación muy cercana desde nuestro primer EP, allá por 2008. Llegó a sus manos e inmediatamente se quiso contactar con nosotros. Nos invitó a tocar junto a Cuentos Borgeanos en un show que nunca olvidaremos, Superchería recién arrancaba y de golpe nos estaban viendo un montón de personas en El Teatro -hoy Vorterix.

Digamos que era una cuenta pendiente hacer algo juntos.

Si bien habíamos tomado la

-El disco fue compuesto antes de la pandemia, y sin embargo muchas de sus letras, según ustedes mismos se han resignificado. ¿Creen que, de ese mismo modo, el uso de la tecnología ha pasado a tener un significado positivo en tiempos de pandemia?

-Sin dudas, hubiera sido mucho más difícil atravesar la pandemia, sobre todo esos primeros meses, sin la posibilidad de comunicarnos y de vernos las caras con nuestros seres queridos en todo momento. Hubo una especie de comunión mundial por un tiempo, de hermandad frente a una situación inédita, y todas esas sensaciones y la información a la que pudimos acceder constantemente no hubieran sido posible sin las herramientas con las que contamos hoy en día. Aunque también creemos que estas mismas herramientas son las causantes de muchos de los pesares que sufrimos en la actualidad, muchas veces nos alejan más de lo que nos acercan. Son tiempos en los que es muy fácil perder el eje y desorientarse, perderse. En el disco escribimos sobre eso y la importancia de mirarnos a los ojos y estar presentes en esa mirada.

-Es algo que aún estamos resolviendo. Encontrar el cómo y cuándo. A esta altura del año nuestra ansiedad está más apaciguada y queremos por sobre todo que sea una celebración, tanto interna, por el hecho de salir a presentar un cuarto disco, como un reencuentro con nuestro público que no dejó de darnos amor durante este año de distanciamiento y al cual le estamos infinitamente agradecidos.

Cronista: Nahuel Perez Fotos: Gentileza prensa 29 de Diciembre

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ENTREVISTA

SILVINA MORENO

“EL ESCENARIO ES MI LUGAR FAVORITO EN EL MUNDO” Revista El Bondi se adentra en el mundo y las canciones de Silvina Moreno, la cantautora que continúa ofreciendo su último disco, Herminia, y que no para de crecer a fuerza de simpleza, carisma y especialmente, bellas composiciones.

“Estaba en el campo, cerca de la naturaleza, mirando los árboles, rodeada de paz y tranquilidad. Entonces sentí con todas mis fuerzas la presencia de mi abuela Herminia. Así nació la canción que comenzó a gestar el disco y le dio sentido a todo”.

Un año después, hacia finales de 2019 llegaba Herminia, el cuarto trabajo discográfico de Silvina Moreno, íntegramente dedicado a su abuela, y el cual en este año pandémico solo pudimos disfrutar escuchándolo a través de las plataformas digitales o de las distintas opciones que nos regaló la cantante vía streaming, coronadas con el fantástico concierto en el Luna Park hace unos pocos días.

“Los conciertos por streaming fueron la manera que tuve de poder conectar con el público

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amoroso que tengo, por lo menos saber que estaban ahí, que de alguna forma podíamos encontrarnos”, reconoce la cantautora pero rápidamente confiesa que no ve la hora de volver a los shows normales, a como era todo antes de la pandemia. “Es que siento que nací para el escenario, es mi lugar favorito en el mundo, el lugar donde fluyo, donde se despierta mi niña interna, donde me siento como pez en el agua”.

Esa niña interna en la que hace hincapié Silvina sobresaldrá en toda la charla y será clave para adentrarnos en su mundo en general y en el de Herminia en particular. “Este disco me agarra en un momento de más tranquilidad, de más conexión con quien soy, con una necesidad de que las canciones se luzcan sin tantos arreglos, sin tanta producción. No es una mega producción, es más discreto en ese sentido y así lo quería yo, quería que se luzca la canción”.

-Ese concepto de canción despojada se para en lugar contrario a lo que fue tu disco anterior.

-Claro, ese fue una súper producción, con Eduardo Cabra de Calle 13, fue mi primer disco con Sony y estuvo genial. Uno siempre quiere probar diferentes cosas, entonces quise despojarme entonces de tanto arreglo, como un experimento. Es más, siento que pudo haber sido más simple aún, pero tanto no me animé (risas).

-¿Tiene algo que ver esa simpleza que contás con el hecho de haber nacido en esa tranquilidad y con la canción dedicada a tu abuela?

-Mi abuela Herminia era muy luminosa, muy alegre y no se hacía problema con nada. Era como una vieja niña, siempre estaba todo bien para ella, era simple. Sin dudas que lo traslado a eso, de quedarse con lo simple de la vida, con lo simple del día a día, porque trae más felicidad. Teníamos una conexión muy linda: ella era puro amor, muy agradable, no todas las abuelas son así. Hay abuelas más intensas, más dramáticas, la mía era muy agradable para compartir el tiempo porque no te demandaba nada, era una linda compañera, buena onda todo el tiempo, le ponía buena cara al mal tiempo. Herminia vivió cosas difíciles en la vida pero nunca te las tiraba encima, tenía buena cara a pesar de las dificultades de la vida.

-En tus canciones hay mucho de eso, de encontrar lo bueno pese a todo.

-Sí, yo me identifico con eso, con verle el costado luminoso a las cosas, ver el lado bueno de las cosas en lo musical. ¡En la vida soy más pesimista! (risas) Musicalmente me cuesta ahogarme en la angustia, prefiero buscarle un lado con más luz.

-El pesimismo lo dejás para la vida cotidiana.

-Totalmente. Escucho música oscura, me alimenta, pero los acordes menores hasta ahora me han costado más, salen más los acordes mayores, no tengo idea por qué. Yo era una niña muy pilas, alegre, siempre con ganas de entretener, pasarla bien, reírme y compartirlo con la gente que quería y que quiero.

-Alguna vez te definiste como alguien a quien le gustaba hacer que la gente se sienta menos sola. ¿Te pasó a vos con artistas como escucha?

-Eso me ayudó a definirlo. La música que más admiro es la que me hace sentir menos sola, la que me hace buena compañía. No hay cosa más linda. Ojo, una buena serie, una buena película, cuando el arte hace buena compañía cumple su propósito, te ayuda a compartir la soledad, la angustia, cualquier tipo de emoción que uno necesite atravesar. “Escuchar canciones tristes para sentirte mejor”, es totalmente real. Cuando descubrí que necesitaba aquello que los artistas hacían por mí, definí que esa era mi visión, mi objetivo como artista.

-Viéndolo desde este presente, ¿sentís que es algo que te pasó siempre incluso desde niña?

-¡Mi mamá siempre me dijo quera muy sentimental! Siempre fui muy apasionada de las cosas, de la vida. Una película triste me hacía llorar mucho, algo alegre me hacia reír y bailar mucho, sentía muy inwww.elbondi.com

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tensamente, lo recuerdo de esa manera. Me costaba muchísimo el aburrimiento, la cotidianeidad, que la vida se vuelva chata, siempre quería que haya magia, energía, diversión. Pero el aburrimiento es necesario también, por momentos la vida puede ser aburrida pero eso no quiere decir que deje ser mágica o extraordinaria. Es un desafío buscar lo extraordinario en lo ordinario. Sentarme un miércoles a la tarde a buscarle un significado a una canción, por ejemplo, eso es parte de mi trabajo, y no dejarme ganar por el pesimismo o por la sensación de que la vida a veces es muy cotidiana o muy aburrida.

no conecté. De a poco se fue dando entonces que la música ganó terreno y cuando terminé la secundaria decidí que totalmente era mi camino.

-¿Cómo arrancás vos a practicar la música esa que tanto disfrutabas al escucharla?

-¿Por este entonces fue que te pusiste a componer?

-Del otro lado del aburrimiento puede aparecer la creatividad. Ser la más chica de varios hermanos me hacía pasar bastante tiempo sola y entonces me creaba mundos imaginarios, me entrevistaba a mí misma y me hablaba en un inglés inventado ya que aún no sabía hablarlo, era una actriz de Hollywood, o inventaba que era Xuxa y bailaba, o una de las chicas de Jugate Conmigo, yo quería ser como Micaela. En un momento dije “quiero ser actriz, bailarina o música”. Se me dio por la música porque empecé a cantar mucho en mi colegio, en mi casa y arranqué clases de canto. La actuación siempre me gustó pero el entorno que yo conocía era el de comedia musical, es un género de los tantos que hay dentro del teatro pero a mí no me gustaba,

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-Y ahí te fuiste a estudiar a Estados Unidos.

-Llego allá y me encuentro con un entorno de músicos increíble, todos igualmente o más obsesionados que yo con la música. Estar rodeada de eso todo el día me confirmó que había encontrado mi lugar. Fue muy lindo llegar a universidad de música que estaba rodeada de gente que se tomaba la música de la misma manera que yo. A veces me preguntan chicos que están por terminar la secundaria y les digo “esperen a encontrarse con ese entorno en la universidad, rodéense de gente que se apasiona igual que ustedes, se van a sentir muy acompañados”. Lo que más me ayudó a mí en este camino fue estar rodeada de otros músicos, hacerlo solo es muy difícil. Lo he hablado con muchas amigas artistas muy talentosas, y conectamos con lo mismo, con que esta carrera es larga, lleva tiempo, nuestros tiempos, nuestras frustraciones, nuestras alegrías. Compartir eso nos hace dar cuenta de que vale mucho más la pena así que solos.

-Yo quería ser la mejor cantante posible. Componía muy poco antes. Cuando llegué a la facultad en Boston veo que hay buenas cantantes, me inspiraban las mujeres más que nada, fuertes, que se paraban arriba del escenario y la descocían, pero además componían de una forma increíble. Ahí empecé a animarme a componer, a manejar mejor la guitarra y me paré en el escenario desde ese lugar, mucho más empoderada. Ahí entendí que por ese lugar iba mi camino, y no solamente por el hecho de ser una buena cantante.

Desde esa decisión de viajar a estudiar a la Universidad de Berklee hasta este presente cada vez más fuerte, la música fue la excusa perfecta para regalarle a Silvina Moreno poder viajar por todo el mundo. Aunque es el día de hoy que se siente sorprendida cuando le toca viajar para ofrecer su música. “La primavera vez que pisé una aeropuerto gracias a mi música fue un regalo y sigue siéndolo. Estar haciendo una cola para subir a un avión por mis canciones es algo muy fuerte, hoy en día aun no lo doy por sentado. Me dan una tarjeta magnética para entrar a un cuarto de un hotel con una cama decente, esas cosas las valoro demasiado. Fueron muchos años de dormir en cualquier lado, de no ver ningún ingreso, estas pequeñas simples cosas las valoro y quiero seguir valorando. Que la música me permita conocer lugares en el mundo es el regalo más grande, lugares y sobre todo personas”. Tan solo en 2019 Silvina viajó por Chile, Colombia, Perú, Ecuador, Estados Unidos, México, Uruguay y el interior de Argentina. “Ya eso fue enorme para mí. No puedo perder esa sensación de gratitud porque es lo que me permite disfrutarlo”.

“La música que más admiro es la que me hace sentir menos sola”

-Me imagino además que muchos lugares los conociste exclusivamente gracias a la música.

-¡Claro! Me divierte mucho más ir a un lugar a tocar que como turista, es muy divertido conocer lugares nuevos a través de mi trabajo.

-A veces no hay tanto tiempo en las giras, ¿cómo encontras el huequito para conocer más?

-Me ha ayudado mucho tener en Instagram ese sector que se llama “Esquina” y me obligo a mí misma a salir a buscar una esquina y filmarme tocando, aunque sea a una cuadra del hotel. Trato siempre de conocer un poco la ciudad y conocer gente, o contactarme con amigos que ya tengo. Eso es clave de conocer los lugares, conocer la gente, que es difícil si vas de turista. Ahí también me ayudó la universidad de Berklee, me dejó amigos por todas partes del mundo, entonces de repente voy a Berlín, Paris, Lima, llego y tengo al amigo local que muestra el cafecito local y los lugares a donde van ellos.

-También en los viajes está ese lugar en el que te nutrís de otros artistas que te encontrás en el camino, ¿no?

-Me encanta, el año pasado cuando estuve en Nueva York pude hacer una “Esquina” cantando con Vicente García, un cantautor dominicano que admiro muchísimo, también compartí con Cata García (Colombia) y grabé en su disco, o Francisca Valenzuela (Chile) que nos encontramos en una gira en Chicago. Juan Pablo Vega (Colombia) terminó produciéndome cinco canciones de Herminia gracias a un encuentro que tuvimos en México. Unos hermosos ejemplos de cómo me fui nutriendo con otros artistas gracias a todos los viajes. Insisto, los viajes son el regalo más grande que me ha dado la música.

Cronista: Sergio Visciglia Fotos: Paula Ruiz 31 de Diciembre www.elbondi.com

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