FOTO: DANIELA VELÁSQUEZ
CONTENIDOS
ARTESANÍA DE LA LIBERTAD
4
LOS PROCESOS EXPERIMENTALES DE FRANÇOIS CANARD Y PEPE ATOCHA
EL FOTOLIBRO DE ARTISTA
8
UNA ENTREVISTA A GIARCARLO SHIBAYAMA
WHIMSICAL CARTOGRAPHIES
13
UN PROYECTO EN PROCESO DE MARIAJOSÉ FERNÁNDEZ-PLENGE
THE JOURNEY
16
LA VUELTA AL MUNDO EN MOTOCICLETA POR WALTER ASTRADA
MÁS ALLÁ DEL MENSAJE
24
PARA UNA CRÍTICA DEL PODER DE LAS IMÁGENES POR ALEJANDRO LEÓN CANNOCK
CORPORALIDADES
26
ARIANA ROCHA/ DANIELA VELÁSQUEZ/ GEORGETT VIDAL
ELIANA VÁSQUEZ
30
HOMENAJE A UNA MIRADA CONTEMPLATIVA
VÍNCULO NATURAL
32
EL MUNDO ANIMAL POSA PARA PEDRO JARQUE KREBS
MÚSICA & MUERTE
38
RÉQUIEM POR RICARDO BERMÚDEZ
EDICIÓN: FRANZ KRAJNIK REDACCIÓN: LUIS CÁCERES DISEÑO: HELEN TERRONES LAFOSSE Mayo 2019. Año 02 - Número 02 Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC) Carrera de Comunicación y Fotografía - Facultad de Comunicaciones Dirección: Mariana Montalvo Todos los derechos reservados. Esta publicación no puede ser reproducida, ni en todo, ni en parte, ni por ningún medio, sin el permiso previo, por escrito, de la universidad.
FRANZ KRAJNIK
FOTÓGRAFO Y ANTROPÓLOGO VISUAL
En la fotografía, como en las artes plásticas, las
experiencias enriquecen la mirada. El camino para llegar a una imagen -o una serie- no está vacío ni puede ser un recorrido meramente técnico, más bien termina siendo un contenedor de innumerables decisiones vinculantes con nuestra propia forma de mirar, entender y opinar sobre el mundo. El viaje inicia antes de concebir siquiera la idea del proyecto, con una pregunta que está ahí, en el aire, en medio del camino: ¿quiénes somos? En esta segunda edición de FOT presentamos proyectos que abordan esta interrogante desde distintas perspectivas y formatos, con múltiples caminos que tienen en común la búsqueda como elemento primordial. Anders Petersen, autor de Café Lehmitz, asegura que la fotografía no está para resolver preguntas sino para hacerlas. Cuestionarse sobre quiénes somos requiere entonces de hacerse quizá más interrogantes de las que podamos resolver, pero justamente esa es la tarea. Utilizar la fotografía como herramienta para pensar(nos).
EDITORIAL
Las experimentaciones analógicas de François Canard y Pepe Atocha como manifiesto de libertad, la búsqueda de la identidad en el libro artístico de Giancarlo Shibayama, el incansable recorrido en motocicleta de Walter Astrada alrededor del mundo, las cartografías que conectan al ser humano con el universo, de Mariajosé Fernández-Plenge; la empatía con la fauna salvaje de Pedro Jarque Krebs, la indagación crítica del mensaje en el artículo de Alejandro León Cannock y otros trabajos publicados aquí son propuestas donde la exploración y el ensayo representan condiciones ineludibles para guiarnos a un viaje más interno que externo. En la UPC queremos contribuir con esta búsqueda al presentar la obra de Eliana Vásquez (1965-2007) como un homenaje a la concepción contemplativa que tuvo de la vida y la naturaleza. Desde la Carrera de Comunicación y Fotografía pensamos que es necesario resaltar estos singulares viajes como una reflexión que contribuya a edificar nuestra propia mirada, dentro y fuera del camino.
LOS PROCESOS EXPERIMENTALES DE FRANÇOIS CANARD Y PEPE ATOCHA
ARTE SANÍA DE LA LIBER TAD LUIS CÁCERES
EN UN MUNDO DE IMÁGENES DIGITALES, DONDE EL INSTAGRAM HA ACAPARADO LA PAUTA VISUAL, ESTE DÚO DE ARTISTAS NOS ADVIERTE QUE LO ANALÓGICO ES EL FUTURO DE LA FOTOGRAFÍA PROFESIONAL.
JONATHAN MAX PIERREDON
4
Después de 30 años en la vorágine que
representa la prensa, François Canard quería encontrar otro camino. Antes que su sensibilidad visual se dirigiera hacia los misterios de la Amazonía, Pepe Atocha concebía imágenes para agencias de publicidad, entidades públicas y privadas. A partir de Les Rencontres d’Arles de 2014 en Francia, cita obligada para los fotógrafos en el mundo que deseen aprender más sobre el arte del oficio, guían a otros a descubrir la simbiosis entre la naturaleza y el hombre, experimentando con las técnicas de la fotografía analógica como Man Ray y László Moholy-Nagy. François y Pepe ya habían compartido opiniones en Lima. Así que consideraron ese reencuentro como el hito en sus vidas para emprender un camino en común. Estos dos artistas intervienen —fotográficamente— el espacio. Si el proceso es experimental para ellos, también lo es a la hora de la instalación. Sacan a la fotografía del marco tradicional, le dan volumen, textura, profundidad. Que cuando salga el sol, la luz haga que aparezcan imágenes distintas, una encima de la otra, dependiendo cómo estén ubicadas. Jugar con la luz. Ese es el objetivo.
Canard y Atocha consideran que “lo analógico” es el futuro de la fotografía profesional porque no se pierde el placer de crear con las manos. “Las tendencias
“NO SOLO SE HACE FOTOGRAFÍA CON LOS OJOS, SINO TAMBIÉN CON LAS MANOS”.
5
“Si alguien observa nuestra obra, no podrá reconocer el error porque no lo hay. El error suma. El error enseña. El error no estanca o paraliza”, dice Pepe. Por ejemplo, cortan negativos, los cosen con hilo quirúrgico y colocan alas de insectos de manera aleatoria. “No solo se hace fotografía con los ojos sino también con las manos”. Manipulan las imágenes desde el principio con la composición de los negativos hasta el proceso de revelado con tintes naturales como el café, el maíz morado, la sangre de grado, la cúrcuma, o el achiote. Todo ese conjunto hace que la experiencia sea única.
Film Kodak TMax 100 4x5” / Film Ilford 100 Delta Pro 120 / Revelador D76 / Hilo quirúrgico Ampliación 107x160cm / Papel Kodak Reproduction Film / Revelador HC110
aparecen, desaparecen y vuelven a aparecer”, dice Pepe. Ellos no están enmarcados en el obturador de la cámara porque existen otros caminos. Es cierto que captura todo lo que ven, pero no todo lo que quieren expresar. Para François, “si sacas el aparato, tienes la idea, tienes los materiales y creas, o si deseas mezclas. Esta opción está más cerca a la libertad. Tenemos más libertad mezclando los procesos”. Moholy-Nagy señaló que la salvación de la fotografía está en la experimentación, y no en la repetición o la copia exacta de un punto de vista. Aunque hayan surgido talentos escondidos y nuevas propuestas artísticas. Reina el asombro porque uno no sabe hacia dónde conducirán aquellos experimentos, las teorías de luz y de color, que impactan en nuestra conciencia. Esa es una tendencia ahora.
Ampliación 127x148cm / Papel Agfa Brovira / Revelador Ilford Sangre de grado / achiote / cúrcuma / lápices polychromos
6
8 UNA ENTREVISTA A GIANCARLO SHIBAYAMA
EL FOTO LIBRO DE ARTISTA
LUIS CÁCERES
9
A 120 AÑOS DE CONMEMORARSE LA INMIGRACIÓN JAPONESA AL PERÚ, EL FOTÓGRAFO GIANCARLO SHIBAYAMA RINDE TRIBUTO A SAKAE, SU ABUELO PATERNO, CON UN FOTOLIBRO ARTESANAL TITULADO THE SHIBAYAMAS, REALIZADO BAJO LA TUTELA DE YUMI GOTO, MAESTRA EN LA ELABORACIÓN DE FOTOLIBROS EN JAPÓN Y EN EL MUNDO.
En esta entrevista Giancarlo Shibayama
nos comenta sobre las principales enseñanzas de Yumi Goto para finalizar su primer fotolibro: The Shibayamas. Una pequeña caja que incluye tres piezas diferentes: la visión de Sakae, donde cuenta el romance que vivió, mezclándose con los archivos históricos de la época; las imágenes -y vacíos- en los álbumes familiares y los documentos oficiales peruanos en los que, incluso, su apellido aparece con errores de ortografía.
"ESTA HISTORIA NO SOLO ES UN CRUCE CULTURAL, TAMBIÉN LO ES ENTRE LA LITERATURA, LA FOTOGRAFÍA Y LA VANGUARDIA". ¿Ni un punto está por decoración en la creación del fotolibro? Yumi dice que “no todos pueden hacer fotolibros” porque se requiere de mucha paciencia y dedicación. Cada elemento de un libro tiene que ser justificado y no por gusto. Yo viví ese proceso intensamente. Por ejemplo, ¿cómo hacemos para que el espectador note el paso del tiempo? “El pase de página ya muestra la temporalidad”, le dije a Yumi. Demasiado evidente. Ella atinó “busca tu propio paso del tiempo”. Un día probé cinco tipos de colores de hilo. Así, llegamos al hilo blanco. Conforme yo vaya ojeando mi libro, o lo muestre a la gente, se ensuciará. Ese hilo blanco será marrón. Este cambio significa el paso del tiempo en mi historia sobre una inmigración de hace cien años. Escogí papeles delgados porque así represento la fragilidad que mi abuelo sintió cuando llegó al Perú por primera vez al no conocer el idioma, a la gente ni la alimentación. Por esa razón, decido no
usar tapas duras en mi libro, pues nadie protege a los inmigrantes. Hubo una parte oscura con los japoneses en el Perú porque se hizo aliado de los Estados Unidos y fueron enviados a campos de concentración. Entonces, ¿qué hacer para que el espectador sienta eso? Yumi me contó que durante la Segunda Guerra Mundial si una carta roja llegaba a tu buzón, habías sido llamado a pelear por tu país. Coincidimos en usar ese papel porque genera un plot point dentro de la historia. ¿Qué más aporta? Los colores de las banderas de Perú y Japón. Nada está por gusto. Nada es gratuito. ¿Cómo hacer que el espectador se sienta atraído por este formato? “Un fotógrafo necesita saber cómo desarrollar una idea desde el nivel personal hasta el universal” es lo que Yumi Goto enseña a sus alumnos al momento de llevar a cabo un fotolibro. Al final, la enseñanza es que cada proyecto tiene su propia forma, su propia fórmula, su propia lógica. Ni un libro puede ser igual porque cada historia es distinta. Lo importante es que cada uno tenga la sensibilidad o los ojos para descubrir estos conceptos, porque cada proyecto arroja los elementos que se necesitan para producir no solo un fotolibro, una exposición o lo que fuese. Yumi sostiene que el proceso para llegar al producto siempre tendrá que hacerse como si fuera el resultado final, porque que en la computadora, o en el InDesign, quede increíble, no significa que al imprimir lo sea también. Si no hubiera probado, no hubiera llegado a ciertas decisiones. Si uno se contenta con lo primero, debe dudar. Cuando se imprime, no hay vuelta atrás. Es importante pensar en el tiempo después que uno publica el libro. Estar siempre satisfecho, así pase diez o veinte años, porque en el proceso de maquetación has probado, absolutamente, todo lo que
10
11
se te ocurrió. No puedes quedarte con la pregunta de “¿Qué hubiera pasado si…?” ¿Consideras que el fotolibro es un cambio de época en la historia de nuestros medios tradicionales? El libro es un formato milenario. Uno de los soportes más antiguos de la historia de la humanidad. El reto es cómo hacer contemporáneo un soporte antiguo y cómo hacer un libro atrayente porque la oferta es inmensa. Pasamos de lo analógico a lo digital y ahora regresamos al primer punto. ¿Qué piensas de esta situación? Este mundo de virtualización es agotador. Si tu vida diaria es digital, quieres un momento más real. ¿No? De querer tocar, de querer oler, de querer sentir. Por ejemplo, en Japón siendo un país tan tecnológico, tan virtual, estos objetos hechos a mano son el contrapeso.
12
13
EGRESADA DE LA FACULTAD DE COMUNICACIONES DE LA UPC Y GRADUADA DEL INTERNATIONAL CENTER OF PHOTOGRAPHY, DE NUEVA YORK, MARIAJOSÉ FERNÁNDEZ-PLENGE, SE DEBATE ENTRE EL ARTE Y LO DOCUMENTAL. SU INTERÉS POR LOS EFECTOS DEL TIEMPO LA HA LLEVADO A ENSAYAR SU MÁS RECIENTE PROYECTO: WHIMSICAL CARTOGRAPHIES, SOBRE LA VIDA ESPIRITUAL DEL SER HUMANO EN PLENO CONTACTO CON EL UNIVERSO QUE LO RODEA.
UN PROYECTO EN PROCESO DE MARIAJOSÉ FERNÁNDEZ-PLENGE
WHIMSICAL CARTOGRAPHIES
Los incas usaron Apu, una palabra en
quechua, para las montañas que creían tenían un espíritu viviente. Basándome en esta convicción, en un intento por abarcar lo inviable, mi objetivo es describir la relación co-dependiente y milenaria entre la humanidad y la naturaleza. Tomando la idea de la naturaleza como un ser vivo, esta serie es el comienzo de un estudio visual sobre las similitudes entre los paisajes y la humanidad, y su conexión intrínseca. Es una exploración sobre la vida espiritual, los lugares sagrados, las energías y la relación del cuerpo y el alma, aunque trata principalmente del tiempo: Lo que se ha ido, el pasado y lo que anhelamos recuperar.
14
15
LA VUELTA AL MUNDO EN MOTOCICLETA. POR WALTER ASTRADA
THE JOUR NEY El fotoperiodista argentino Walter Astrada,
tres veces ganador del World Press Photo, acaba de cumplir cuatro años, 32 países y 105 mil kilómetros al volante de “Atenea”, nombre con el que ha bautizado a su motocicleta Royal Enfield, para documentar las distintas culturas alrededor del mundo. A pesar de haber viajado por diversos países durante 20 años cubriendo noticias y realizando proyectos sobre violaciones a los derechos humanos, esta vez decidió realizar su sueño de niño, inspirado en la entrañable novela de Julio Verne: “La vuelta al mundo en 80 días”.
Su travesía inició en mayo de 2015, cuando salió de Barcelona rumbo al este. Ha atravesado los Balcanes, Grecia, Turquía, Georgia, Armenia, Rusia y Asia Central; Corea del Sur, India, Birmania, Tailandia, Laos, Vietnam, Malasia, Indonesia, Australia y gran parte de Latinoamérica. Se considera a sí mismo un nómada con el deseo de explorar, descubrir y disfrutar de las experiencias del viaje con lo mínimo indispensable. “El camino es la vida misma, si estás muy pendiente de la meta dejas de disfrutarlo", menciona desde Paraguay, donde se encuentra por el momento. “Dememos combatir los miedos personales que nos paralizan y no nos dejan desarrollar nuestros sueños”, agrega. Astrada valora por sobretodo las cosas en común que tenemos como humanidad y asegura que en este tiempo ha podido confirmar lo que ya sospechaba: “que hay más gente buena que mala en el mundo”. Todos sus viajes son financiados por él mismo a través de conferencias y workshops que dicta en los países que visita y con la venta de sus fotografías en el blog: www.wathejourney.com
16
Antibes, Francia. 03 mayo 2015.
17
Nong Khiaw, Laos. 14 mayo 2016.
Parambahan, Indonesia. 08 abril 2017.
18
Santa Teresita, Paraguay. 05 marzo 2019.
19
Kars, TurquĂa. 16 junio 2015.
20
21
Puerto Madryn, Argentina. 05 marzo 2018.
Isla Bilugyun, Bruma. 16 febrero 2016.
22
Ktismata, Grecia. 17 marzo 2015.
23
SeĂşl, Corea del Sur. 19 octubre 2015.
PARA UNA CRÍTICA DEL PODER DE LAS IMÁGENES
MÁS ALLÁ DEL MEN SAJE
No creo equivocarme si afirmo que es
probable que actualmente lo primero y
lo último que nuestros ojos ven en un día común no sea otra cosa que imágenes: sí, esas fotografías o videos que aparecen
efímeramente en la pantalla de nuestros smartphones.
No es ninguna novedad,
en ese sentido, que vivimos en un mundo
plagado de imágenes. En una “iconósfera”, como sostiene Joan Fontcuberta1. Dicha vorágine de representaciones se disemina
en tiempo real a través de todo el campo
social. Así, no hay esfera de nuestra vida
que no implique, de una u otra manera, a las imágenes: la publicidad y la prensa,
evidentemente, pero también la religión, la política, la economía, el comercio, la
pedagogía y la ciencia -como lo acabamos
de atestiguar hace pocos días gracias a la primera “fotografía” de un agujero negro-.
Este acontecimiento, al que muchos autores han calificado como un “devenir imagen
del mundo”2 , se originó con la invención oficial del primer proceso fotográfico en
1839: el daguerrotipo. A partir de ese momento, la acelerada evolución del dispositivo fotográfico permitió que el “acto fotográfico” –al que podemos definir como
un proceso que “transforma la realidad en representación”– se vuelva parte de la vida cotidiana del hombre moderno. Este fenómeno
creó,
inevitablemente,
una
urgencia pedagógica: conocer la forma
ALEJANDRO LEÓN CANNOCK FOTÓGRAFO E INVESTIGADOR
en que las imágenes operan en tanto
vehículos de comunicación cargados de
significados. Por ello, como exigió el artista
y escritor húngaro László Moholy-Nagy ya a inicios del siglo XX, el proyecto de
24
una “alfabetización visual (fotográfica)”
Este poder implica que las imágenes
ciudadanos –hoy en día espectadores
constantemente
es absolutamente necesario. Solo así los a tiempo completo– serán capaces de comprender las intenciones y los intereses inherentes a las imágenes que los rodean.
Y serán, gracias a ello -tal vez- un poco más libres.
A pesar de la obvia importancia de dicha
alfabetización, es sorprendente que en la
escuela aún no existan cursos dedicados a la “cultura visual” o a la “gramática de la
imagen”. Esta ausencia se torna aún más problemática
si
tomamos
consciencia
de que el rol que juegan las imágenes
en la conformación de nuestra realidad es
aún
más
transcendente.
Desde
finales del siglo XX, como consecuencia de la explosión visual generada por la
Revolución
informática,
muchos
autores 3 han comenzado a sostener que
a las que nos vemos expuestos están modelando
nuestra
subjetividad. La psicología del desarrollo y
la filosofía de la mente, han mostrado que
nuestra identidad es una construcción que
se va elaborando a través del tiempo en función de las relaciones que establecemos
con nuestro entorno social. En este proceso de transacciones formativas, las imágenes
(hoy omnipresentes) son fundamentales
debido a que, en tanto “lenguaje” no verbal, poseen una potencia formidable para penetrar en el inconsciente y formatear
la subjetividad desde sus estratos más
profundos, dándole así forma a nuestros
deseos, creencias, ideales, valores, etc. La publicidad y la propaganda política son muy conscientes de ello, de ahí el lugar central que le han otorgado a las imágenes para lograr sus objetivos.
las imágenes no solo funcionan como
En conclusión, una lectura crítica de
que es necesario comprender (“descifrar”),
se focaliza en el análisis de los posibles
representaciones del mundo (“signos”) sino que, además, poseen una dimensión
suplementaria: la performatividad. Esto significa, por ejemplo, que una imagen que
circula en una valla publicitaria, además de transmitirle un mensaje a los espectadores (contenido cognitivo), también ejerce un poder sobre ellos (efecto pragmático).
las imágenes será insuficiente si solo significados
encarnados
en
ellas;
es
necesario ir más lejos e intentar descifrar qué es lo que ellas hacen con nosotros y,
especialmente, a partir de qué intereses lo hacen.
Es necesario que el análisis
iconológico sea, al mismo tiempo, un análisis ideológico.
Marsella, 30 de abril 2019. 1. SOBRE ESTE TEMA VÉASE LA FURIA DE LAS IMÁGENES. NOTAS SOBRE LA POST-FOTOGRAFÍA. GALAXIA GUTENBERG, 2016. 2. LA LISTA DE AUTORES QUE HAN ABORDADO ESTE TEMA ES LARGA: MARTIN HEIDEGGER, JEAN BAUDRILLARD, GUY DEBORD, W.J.T. MITCHELL, GOTTFRIED BOËHM, PAUL VIRILIO, JOAN FONTCUBERTA, ENTRE MUCHOS OTROS. VÉASE TAMBIÉN ALEJANDRO LEÓN CANNOCK, EL DEVENIR IMAGEN DEL MUNDO. ANOTACIONES SOBRE LA REVOLUCIÓN FOTOGRÁFICA. EDICIONES MUGA, 2017.
25
3. VALE LA PENA DESTACAR LOS SIGUIENTES LIBROS: W.J.T. MITCHELL, ¿QUÉ QUIEREN LAS IMÁGENES? UNA CRÍTICA DE LA CULTURA VISUAL. SANS SOLEIL EDICIONES, 2017; HORST BREDEKAMP, TEORÍA DEL ACTO ICÓNICO. AKAL EDICIONES, 2017; Y DAVID FREEDBERG, EL PODER DE LAS IMÁGENES. CÁTEDRA, 2009.
HOMENAJE A UNA MIRADA CONTEMPLATIVA
ELIANA VÁSQUEZ (1965-2007)
Punta Corrientes, Perú. 2000.
26
UN ABANICO DE IMÁGENES EVOCADORAS E INTENSAS EN SU QUIETUD Y REFLEXIÓN SIMBÓLICA. EN EL RECIENTE LIBRO HOMÓNIMO, PUBLICADO POR LA EDITORIAL UPC, CADA ENCUADRE RESUME LA MIRADA CONTEMPLATIVA QUE TUVO ELIANA VÁSQUEZ SOBRE EL MUNDO Y LA CAPACIDAD DE ABSTRAER ESPACIOS NATURALES Y CONVERTIRLOS EN ARTE. ACERCÁNDOSE AL ESPÍRITU DE LA FILOSOFÍA ORIENTAL, ELIANA NOS CONFRONTA CON LA BELLEZA EN EL VACÍO Y EL INFINITO COMO EJERCICIO INTELECTUAL PARA ENCONTRAR LA VERDAD, SU VERDAD. DESDE LA FACULTAD DE COMUNICACIONES, EN ESPECIAL LA CARRERA DE COMUNICACIÓN Y FOTOGRAFÍA, QUEREMOS RENDIR UN MERECIDO HOMENAJE A QUIEN FUERA NUESTRA DOCENTE FUNDADORA.
27
Punta Corrientes, Perú. 2000.
Hyde Park, Inglaterra. 1996.
Huancavelica, PerĂş. 1996.
28
"Hay, al parecer una intención muy diferente y particular [en
los paisajes de Eliana], una
que nos confronta, más bien, con una imagen de un mundo
desolado en el que hay un camino que reccorrer".
Billy Hare, noviembre 2018.
Paracas, Perú. 2000.
29
Chorrillos, Perú. 2000.
COR PORA LIDA DES
BAJO MIRADA CRÍTICA E INTROSPECTIVA, TRES ESTUDIANTES DE LA FACULTAD DE COMUNICACIONES EXPLORAN NUEVAS MANERAS DE ABORDAR VISUALMENTE LOS CONCEPTOS DE FEMINIDAD.
ARIANA ROCHA
30
DANIELA VELÁSQUEZ
31
GEORGETT VIDAL
VÍNCULO NATURAL
32 EL MUNDO ANIMAL POSA PARA PEDRO JARQUE KREBS
ACABA DE OBTENER, POR SEGUNDA VEZ CONSECUTIVA, EL SONY WORLD PHOTOGRAPHY AWARDS EN LA CATEGORÍA NACIONAL, EN 2017 GANÓ EL PREMIO "SENTE-ANTU" EN CHINA, OTORGADO A LOS 10 MEJORES FOTÓGRAFOS DEL MUNDO; Y EN 2016, FUE NOMBRADO POR LA REVISTA NATIONAL GEOGRAPHIC COMO “FOTÓGRAFO DEL MES”. PEDRO JARQUE KREBS ES UN PERUANO DEDICADO A RETRATAR LA FAUNA SALVAJE ALREDEDOR DEL MUNDO.
33
LUIS CÁCERES
“BUSCO UNA RECONCILIACIÓN CON LOS ORÍGENES, CON LO PRIMIGENIO Y LO ARQUETÍPICO”.
Usted señala que es importante crear
consciencia colectiva sobre las amenazas que existen contra los animales, ¿diría que el fotógrafo elabora un discurso hacia la sociedad? En un inicio mi interés por el retrato de animales era principalmente estético. Hay que aclarar que ese interés comenzó hace 30 años, en una época en donde apenas se comenzaba a hablar de extinciones de especies. Las amenazas sobre los “animales no humanos” repercuten directamente como una gran amenaza sobre los humanos. Mi trabajo es una advertencia sobre lo frágil que es todo el universo vivo y su equilibrio. Yo elijo esas fotos, muchas veces de manera sarcástica. Es parte del mensaje y también buscar una empatía con el animal, porque nuestra especie se ha distanciado tanto del mundo natural, que ya no es capaz de interpretar los gestos de los animales per se, sino siempre desde una
mirada antropocéntrica. Es una forma de acercar al espectador al animal y tratar de reconciliarlo con ellos dentro de sus límites humanos, por lo menos es un primer paso. ¿Cuánto tiempo ha dedicado en observar los gestos, las costumbres y las mejores posturas de los animales que ha fotografiado? En fotografía de animales, es necesario tener una paciencia casi infinita y una muy buena tolerancia a la frustración, porque los animales no van a hacer lo que tú quieras, ni les puedes decir cómo posar. Te tienes que plantar con tu cámara y estar atento, a veces durante mucho tiempo, sin ninguna garantía. Hay un pequeño factor de suerte también. Yo me he pasado muchas horas frente a un animal, a veces sin resultados y en otras ocasiones he obtenido inmediatamente algo que superaba mis expectativas, pero en fotografía de naturaleza salvaje, puedes estar semanas buscando algo y nunca encontrarlo.
34
Cuando la proximidad representa un riesgo para mi integridad física, claro que la evito. Ninguna fotografía vale la pena poner en riesgo la vida propia. Y repito: ninguna. He tenido la oportunidad de estar muy cerca de animales salvajes, pero siempre con un entorno controlado por profesionales. En la gran mayoría de mis fotografías, mantengo una distancia prudencial, que además permite que el animal se comporte de manera natural, que es lo que busco en mis fotos, y que no esté inquieto por mi presencia. Hay fotógrafos retratistas de animales que los ponen directamente en un estudio fotográfico, utilizando un gran equipo de gente especializada, pero el animal está estresado y eso se ve en las fotos.
Robert Capa decía "si tus fotografías no son lo sificientemente buenas es porque no te has acercado lo suficiente"... Siempre me ha hecho mucha gracia esa frase y me parece que tenía mucho sentido del humor. Para mí una buena foto es la que sientes que es buena, si eres lo suficientemente honesto contigo mismo. En cierto momento de tu carrera, cuando ves una de tus fotografías y se te acelera el corazón, es que esa foto seguramente es buena. En mi caso concreto, estar demasiado cerca a veces es perjudicial, ya que por lo general uso teleobjetivos. Así que la respuesta es que no necesariamente hay que estar suficientemente cerca, a veces es mejor estar un poco lejos. Yo quiero que el animal tenga un comportamiento natural, y como máximo que haga un contacto visual conmigo.
35
¿Evita la excesiva proximidad con los animales que fotografía?
¿Qué busca generar en quién observa sus imágenes? Busco una reconciliación con los orígenes, con lo primigenio y lo arquetípico. Hemos olvidado que somos animales. Hemos olvidado nuestras raíces salvajes, en el buen sentido. Hemos olvidado nuestro vínculo natural, Hemos creado una brecha infranqueable con el resto del mundo natural que nos está llevando directamente al abismo. Y recién nos estamos dando cuenta. Usted señala que su trabajo no es documental, más bien lo considera "fotografía creativa". ¿Puede profundizar esa afirmación? Mi trabajo busca mostrar la realidad tal como yo la percibo, transmitir una idea, un concepto. La imagen se convierte en un medio, casi en un pretexto para mostrar una realidad que está ahí, pero que el lente a veces es incapaz de reflejar completamente. Para ello hago uso de la fotografía creativa, que resalta las partes de la realidad en las que queremos poner énfasis. Son elementos que están ahí, pero a veces demasiado ocultos. ¿Qué se puede y no se puede hacer en la post-producción? Hay un debate eterno en torno a la edición y manipulación de las imágenes. Yo tengo una posición clara y simple. En fotoperiodismo no se debe alterar la imagen. En fotografía creativa, puedes hacer lo que quieras. En mi caso, yo suelo oscurecer los fondos cuando es necesario para recrear un ambiente de
36
estudio fotográfico. Mi idea inicial era meter directamente a los animales en un estudio, pero resultaba bastante difícil poder hacerlo con animales grandes o peligrosos.
373 7
Recién con la tecnología digital recreo el ambiente de estudio para lograr ese objetivo, pues el animal no está asustado y se comporta de manera natural. Así, logro la espontaneidad, las expresiones y las poses que quiero.
RÉQUIEM. POR RICARDO BERMÚDEZ
MÚSI CA & MU ERTE
RICARDO BERMÚDEZ, ESTUDIANTE DE LA CARRERA DE COMUNICACIÓN Y FOTOGRAFÍA DE LA UPC, NOS PRESENTA, EN DETALLE, LOS RITUALES DEL DÍA DE LOS MUERTOS EN EL CEMENTERIO DE VILLA MARÍA DEL TRIUNFO. UNA CRUZ, FLANQUEADA POR LA MÚSICA POPULAR, UN RECORRIDO -SIN LÁGRIMAS- QUE RINDE CULTO A LOS AUSENTES.
38
39