RK Especial De Navidad 2017

LITTLE JESUS FOTOS POR JAVIER SOTO

CARTA DEL EDITOR Llegan las patadas de ahogado de este 2017. A solos unos días de que termine un año que nos dejó extasiados de conciertos, festivales y más discos para nuestra biblioteca personal, quisimos cerrar el año en Revista Kuadro sacándonos todas esas malas vibras que se nos fueron acomulando a lo largo de 12 meses; y no hayamos mejor manera de hacerlo que realizando una edición en donde saliera lo mejor de nosotros… o bueno, una parte no tan mala.

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Revista Kuadro Especial de Navidad 2017.

El pretexto para este nuevo número, cuál descuento en tienda departamental, ha sido la temporada navideña. Esa fecha en la que se recuerdan sucesos y personajes bíblicos que sacan por alguna extraña razón la felicidad o el amor de las personas y que se combina todo lo anterior de manera perfecta con aguinaldos y posadas. ¡Vaya época!

La verdad es que no queríamos dejar pasar de largo estas fiestas y nos quisimos sumar a ellas. Para no llegar con las manos vacías, nuestro primer presente para ustedes queridos lectores, es esta edición navideña.

Un recorrido muy especial en donde encontrarán desde las aberraciones navideñas hasta aquellos pequeños mesías del rock & roll.

Como segundo presente tenemos en portada al “Pequeño Jesús”, una de las bandas favoritas de la escena de casa y fuera. Una buena charla con ellos sobre su experiencia como teloneros de sus Satánicas Majestades, su viaje a Japón y más detalles que nos revelan el porqué del ascenso de Little Jesus.

Para no dejarles una “tupsi bota” como tercer regalo, los consentimos con una exclusiva con Noel Gallagher, entrevistas con Enrique Bunbury, Helloseahorse! y más, así como un breve recorrido por los últimos eventos y discos de este año. Un especial navideño que nadie se debe perder.

Con esta edición concluimos 2017, un año que nos vio cambiar de piel, crecer y llegar a más metas, estamos ansiosos de que llegue 2018 para poder compartir con todos ustedes más sorpresas.

Gracias a todos quienes fueron parte de este barco durante los 365 días, a los que se sumaron, partners, artistas, productoras, disqueras, festivales, sellos, colectivos, agencias, managers, marcas; así como a quienes se bajaron pero aún así nos dejaron algo, gracias a todos por confiar en nosotros y en nuestro trabajo.

Y por último pero no menos importantes, gracias a todo el team que integra a la familia de Revista Kuadro, nuestros editores, reporteros, fotógrafos, redactores, prensa y diseño que siempre sacan la casta por este proyecto.

A nombre de mi estimada Directora General, Laura Romero, quien me brinda su confianza en mis errores y aciertos, les deseamos un buen fin de año a lado de su familia, que siempre abunde la salud sobre el dinero y que la sabiduría y templanza los acompañe en este próximo 2018. ¡Disfruten de esta edición, que es suya!

Javier Jarquín

REDACCIÓN

DIRECTOR GENERAL LAURA ROMERO EDITOR EN JEFE JAVIER JARQUÍN DIRECTOR DE ARTE IVANA CASTRO EDITOR WEB DORA MÉNDEZ & MARTÍN VARGAS MEDIOS & PRENSA BENJAMÍN DÍAZ RP CARLOS SAÍN DIRECCIÓN FOTOGRAFÍA BRENDA ARRIAGA JEFE DE INFORMACIÓN IVÁN ROVA ASISTENTE DE ARTE JAVIER SOTO CONSEJO EDITORIAL DORA MÉNDEZ MAJO SÁNCHEZ IVÁN ROVA MARTÍN VARGAS

MARTÍN VARGAS BENJAMÍN DÍAZ DORA MÉNDEZ CECILIA RANGEL JOSÉ CURDA BRENDA ARRIAGA DIEGO VENEGAS ERIKA RODRÍGUEZ VÍCTOR HERNÁNDEZ KENYA GIOVANINI MON VELÁZQUEZ CARLOS VALLE ENRIQUE GUTIERREZ MARÍA JOSÉ SÁNCHEZ ERICK SALDIVAR ARTURO ROJAS SHARON MONT JAVIER JARQUÍN FRANCISCO ESPINOZA

FOTOGRAFÍA JAVIER SOTO BRENDA ARRIAGA MARÍA JOSÉ SÁNCHEZ EMILIO SANDOVAL ERICK SALDIVAR

DISEÑO THE JAVIS CEFFECT SUCK MY PONIS

México Ya Es Parte De Ellos Y Esperan Que Les Pueda Seguir Inspirando En Su Creación por Benjamín Diaz / fotos cortesía

Para bien o para mal, el rock se envuelve en la vida misma como un pulso enganchado que se enlista en la memoria. Una guarida grupal y la medida exacta de sonreír a un buen trabajo. Un fiel ejemplo es Vetusta Morla, un grupo madrileño que le echa leña al fuego e incendia los pulsos sensoriales de todos sus seguidores, cuyo número se ha ido apilando a lo largo de los años.

Platicamos con Pucho, Guillermo y Jorge sobre la vida, la trayectoria, los sentimientos y sobre aquello que los ha puesto en el radar de lo más mínimo a lo más necesario. Mismo Sitio, Distinto

Lugar es el título de su quinto y más reciente álbum de estudio. Este material por fin vio la luz hace un par de semanas y ha logrado críticas sumamente atrevidas, buenas y arriesgadas. El sonido tanto de este disco como de la banda en directo ha tenido una evolución muy notoria.

“Este disco parte de la necesidad de la banda, de abrir nuevos horizontes, nuevas fórmulas también al momento de crear y de hacer canciones.

Reformulamos, por cierto, la banda al día de hoy, ya que llevamos haciendo todo de la misma manera desde hace tres discos prácticamente con sus diferencias, obviamente. Sentíamos la necesidad de cambiar las formas de creación y también de exponerlas hacia afuera, hacia el público”, explica Pucho.

Hablando precisamente de ello, la banda ha tenido una evolución sonora, ya que como menciona Pucho; han tenido un ritmo de trabajo parecido en tres discos

anteriores. Esta vez optaron por trabajar con un productor diferente; él les cambió la voz y la forma de trabajar. Se trata de una forma de provocar y de arriesgarse muy clara, concisa y puesta con mucha pasión a lo que estos seis chicos ha decidido llamarle Vetusta Morla.

“El disco tiene muchos vértices. Una de las premisas que teníamos para encontrar nuevos caminos, sobretodo era encontrar cosas distintas y, de este modo, experimentar con sonidos novedosos. En ese sentido el disco tiene, tanto a nivel sónico como de

-“NUNCA HABÍAMOS HECHO LAS COSAS DE FORMA TAN DESCARADA, COMO EN ESTE DISCO”, COMENTAN.-

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La base primordial de la vida es la perseverancia, el amor y la autenticidad que le pones a las cosas: también los sentimientos encontrados. Cuando haces las cosas con energía se muestra un plano emergente, donde la vida juega un papel efímero y que nunca escuchamos. Pasa lo mismo con el ritmo, mismo que se ve intangible en la música.

Todo se trata de cambios y si no lo haces, quedarás estancado de muchas maneras. Los cambios son necesarios y si quieres expresarte de la misma o de diferente forma.

“En todos estos años, Vetusta ha intentado hacer cada disco distinto al anterior en cuestión artística y personal para no sentir que repetimos lo que habíamos hecho ya. En este nuevo disco, esta evolución fue tomada para llevar el núcleo de la banda hacía otro lado y hay una evolución que está marcada desde el principio.”, nos dice Guille.

Vetusta Morla ha tomado un rumbo diferente, al cual le pelan los dientes y sólo acarician lo superficial para alimentar esos agujeros negros que tanto los venían atormentando por años.

Ellos han logrado manifestarse de una sola forma: como flecha que persigue la manzana. De forma artística y de forma profesional, cada miembro de la banda ha puesto su marca personal y que pretenden lograr con ello, que cada oído, cada persona repare cada momento y cada segundo de esto que llamamos vida.

“Vetusta Morla pretende compartir la música, los discos; compartirlo todo con el público. En general con la gente: emociones, sentimientos y a veces tan esotéricos, ya que varias veces nos han dicho que hablamos de cosas que van a suceder en el futuro y me gusta mucho esa conexión espiritual que tiene la música.”, dice sonriendo Pucho.

Cinco discos, cinco objetos que expresan y dicen ‘hola’ sonriéndote adecuadamente. A veces creemos que todo lo tenemos, que todo llega por sí sólo, pero es tan equivocada la vida que nos damos de topes. Vetusta Morla cree

en nosotros como público y nosotros deberíamos hacer lo mismo. Todo esto es relevante y a la vez único.

“México ya es una parte de nuestra vida.

Es algo que forma ya de nosotros. Es un hemisferio izquierdo y uno derecho y México siempre ha estado presente y nos ha dado mucho y espero que nos siga aportando todo lo que hemos ido sembrado y eso nos lo ha dado de a poquito”, expresa Pucho.

No nos queda más remedio que pasar por esto mismo una vez más. Estos seis chicos están unidos y no creen en el más fatal de los destinos. Están en el mismo sitio y a la vez en distinto lugar.

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estructuras, cosas que ya habíamos hecho otras veces pero no de forma tan descarada como este disco”, nos cuenta Guille.

Todo Fluyó, Dejando Que El Tiempo Hiciera Lo Suyo Para Poder Volver A Reunirse por Dora Méndez/ fotos

Pudimos platicar con Denise Gutiérrez, vocalista de la banda, quien nos compartió cómo se dio este encuentro y lo que viene en un futuro para Hello Seahorse!

Denise nos contó cómo es que todo fluyó, dejando que el tiempo hiciera lo suyo para poder volver a reunirse con Bonnz, Burgos y Joe.

“Fue una decisión muy natural, creo que el tiempo aclara muchas cosas… todos nos extrañabamos, sobre todo tocar juntos y hacer música”.

En un inicio decidieron separarse para poder dedicar energías a sus proyectos de forma individual y de alguna manera encontrar sus propios caminos.

“Llevábamos muchos años juntos, de pronto no encontrarnos fue importante para todos”.

Pasó año y medio para volver a ver juntos a estos músicos por el escenario, Denise reconoce que fue poco el tiempo que estuvieron separados.

“Fue algo muy rápido porque decidimos no tardarnos tanto”.

¿Cómo supieron que era momento de volver?

“De pronto te das cuenta, poco a poco… pasa el tiempo, pensando las cosas y de pronto sabes que llegó el momento… y afortunamente todos estábamos en la misma situación, por eso fue tan sencillo”, asegura.

El sitio elegido para este regreso fue el Teatro Metropólitan, la cantante nos cuenta porque eligieron este venue tan especial e imponente.

“Es mi lugar favorito para tocar por la energía que tiene, al final como músico

-LLEVÁBAMOS MUCHOS AÑOS JUNTOS, DE PRONTO NO ENCONTRARNOS FUE IMPORTANTE PARA TODOS-

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Hace algunas semanas Hello Seahorse! anunció su tan esperado regreso a los escenarios, luego de un año y medio de inactividad. Volvieron con un gran show en el Teatro Metropólitan, en el que presentaron sus más grandes éxitos. Además, se encuentran en planes de nuevo material para reafirmar la esencia que tanto los caracteriza como agrupación.

Antes del show en el Metropólitan, Hello Seahorse! ya tenía preparada nueva música por lo que es un hecho que el siguiente años, podremos deleitarnos con el talento de estos cuatro músicos.

Muestra de esto es “Donde estabas (azul)”, una canción que fue lanzada previo a esta presentación, misma que generó muchas emociones encontradas entre todos sus fans, manteniendo la esencia de la banda, combinada con lo que los músicos fueron trabajando y aprendiendo durante su descanso.

Denise nos contó en qué se inspiró para componer las letras de esta nueva etapa de la banda.

“Sigo escribiendo de lo mismo, me interesa mucho hablar de las relacione entre personas en mis historias, eso siempre lo he hecho, no creo que me desvié mucho de ahí, también creo que todos hemos estado en un periodo muy importante en los últimos años”, comentó.

“Estoy en un momento muy agradable de mi vida, con mucha claridad de quien soy” Sin duda, el temblor que estremeció a todo México, el pasado 19 de septiembre, también marcó a la artista en todos los aspectos.

En cuanto a sus planes del próximo año, confesó que esperan presentarse en más festivales, ya que compartir escenario con varias agrupaciones es algo que les emociona.

“El próximo año vamos a buscar estar en festivales porque sí nos gustan los escenarios de festivales, tienen mucha energía, compartes con tus colegas y yo creo que vamos a apostarle a eso”.

Sin duda alguna, Hello Seahorse! nos tiene preparadas muchas sorpresas para este 2018 , porque volvieron para quedarse por siempre, aunque su música siguió en nuestros corazones, llenándonos de sentimiento y emoción.

“Cuando pasa una situación así se te mueven todas las emociones, para ti como creador creo que es importante agarrarlas y desarrollarlas”, aseguró. entrevista nacional

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siempre hay un lugar al menos en cada ciudad que sabes que te sientes muy cómodo”.

Dedica Su Tiempo A La Composición De Sonidos Que Hace Como Una Mezcla Casera De Sintetizadores Y Samples

texto y fotos por Cecilia Rangel

La música de Maria W Horn atraviesa diferentes géneros como el drone, noise, trance y la electroacústica para cohesionarlos en un todo. En entrevista para Revista Kuadro, esta artista resalta

el sumergimiento en su trabajo de la mano de la electroacústica y los visuales; describiendo a la composición de sonidos que hace como una mezcla casera de sintetizadores y samples, los cuales usualmente se encuentran fuertemente procesados por equipos tecnológicos antiguos.

Sin duda, México está siendo parte de una escena de música electrónica, abierta, singular y con un público muy variado dispuesto a escuchar a las diferentes propuestas. Respecto a creadores de electroacústica en Latinoamérica, Maria nombra algunos pioneros como Héctor Quitanar, Manuel de Elías y Julio Estrada. De igual forma ha llamado su atención la música de Leo Mendez y Mya Gomez, los cuales tienen enfoques

muy diferentes, pero ambos con interesantes creaciones musicales.

EL PAPEL DE LA MÚSICA EN LA VIDA DE MARIA Maria W Horn se encuentra de tiempo completo trabajando en su música, justo en este momento está terminando su maestría en electroacústica y composición.

Seguramente cuando no está inmersa en su trabajo, estará bailando al ritmo de la música que captura su atención por horas.

-LA SUECA HABLÓ SOBRE LA ESCENA DE MÚSICA ELECTRÓNICA EXPERIMENTAL EN ESTOCOLMO-

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Los extremos sonoros son parte de la identidad musical de la sueca Maria W Horn, quien tuvo una participación en Fascinoma Music Weekend el pasado 10 de noviembre en la Ciudad de México.

La productora de música electrónica se encontró por primera vez mezclando. Las composiciones que ofreció durante su turno las planeó con anterioridad, las cuales, las seleccionó de entre sus favoritas y además dejó que su música fuera una interpretación abierta sobre el instante, acompañando los sonidos con elementos audiovisuales.

En la vida de cualquier músico existen situaciones que los van marcando para decidir su carrera, entre experiencias buenas y malas se va moldeando un concepto y la tenacidad para seguir adelante.

Maria no recuerda la primera vez que pudo tocar sus primeras notas como algo que la confortara, me cuenta que su madre la forzó a tocar piano clásico y lleva en memoria una escena de ella llorando, no podía

comprender el punto, ni la diversión en ese tipo de entrenamiento musical. Afortunadamente el punk y más tarde la electroacústica llegaron para salvarla.

Estocolmo tiene una pequeña escena de música electrónica experimental, María W Horn la describe como cautivadora y añade que existe una situación singular, porque hay un gran número de fondos y espacios para este tipo de música. Por ejemplo, Fylkingen y EMS llevan a la ciudad a artistas nacionales e internaciones.

Observa entusiasmo y colectivos organizándose para montar sus propios eventos. Este tipo de shows íntimos son los que más atrapan su atención.

Algo por reflexionar es el desarrollo profesional de las mujeres y género no-binario dentro de la industria musical y todos sus componentes, por tanto el tema obligado es mencionar la representación de las mujeres en la música electrónica, María contestó a mi pregunta sobre el tema y asegura que durante los últimos años han existido muchos cambios en Estocolmo; ahora bastantes festivales se organizan con un line up equitativo de 50/50.

Aunque añade que existe todavía mucho sexismo en la escena, como mujer o como no-binario, muchas veces el género es el que podría determinar algo, en lugar de la propia creación musical.

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El lugar favorito de Maria para escuchar música es en su carro, cuando tiene que manejar por horas, sin prisa y sin un plan arreglado.

Asegura que hay una cierta magia en esos momentos en los que te encuentras en el camino, donde el tiempo flota diferente. Es un punto perfecto para escuchar y disfrutar experiencias.

La Meditación Trascendental, Herramienta Para El Enfoque Creativo por José Curda/ fotos cortesía

Tus canciones siempre hablan de una soledad, y de un encuentro consigo mismo ¿cuál ha sido el viaje interno que te ha marcado personalmente?

El viaje interior realizado durante el proceso de composición de este álbum ha sido el más fascinante que he realizado en años. Cómo se interpuso en mi camino el disco “Unplugged”, el tiempo que ha pasado desde mi último disco de canciones ha sido más largo de lo habitual. Quizás uno de los descubrimientos más importantes de este período ha sido la Meditación Trascendental, que ha sido un arma fabulosa para el enfoque creativo de este álbum.

Siempre se ha sabido de la gran pasión que sientes por la cultura Mexicana, ¿has tenido un acercamiento a un chamán? Si es así ¿cómo fue?

He tenido algunos encuentros con chamanes a lo largo de mi vida.

En diferentes países de América Latina. También en México. Siempre interesantes. Los considero de carácter privado y si me lo permites, el contenido de los encuentros me lo reservo.

La literatura y tú música van de la mano, ¿qué libro nos recomendarías para entender esta nueva etapa musical tuya?

Déjame recomendarte dos. El libroestudio sobre la obra de David Lynch: The man from another place. Y The Maharishi: The biography of the man who gave Trascendental Meditation to the world. ¿Con qué personaje de la literatura te identificas en la actualidad (sin Bunbury de Wilde)?

Me identifico con dos personajes de Herman Melville que me fascinan. Por un lado, el Capitán Ahab, a la caza de Moby Dick la gran ballena blanca.

Por otro, Bartleby que, ante cualquier pregunta de su jefe, responde: “Preferiría no hacerlo”. ¿A qué lugar no has podido volver y quisieras regresar, y por qué?

A Japón. Hice unos conciertos con el Huracán Ambulante en un par de ciudades, en el 2004, si no recuerdo mal.

Me gustaría volver. Es un país que me apasiona a todos los niveles. Y, además, siempre pensé que mi música podría tener una mayor proyección allí.

-LOS SENTIMIENTOS QUE UTILIZAS PARA TU OBRA CREATIVA, SON LA MATERIA CON LA QUE TEJES, PERO PRECISAS DE LA CONEXIÓN PREVIA.-

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Sin ninguna duda, las canciones que nos ha regalado Enrique Bunbury a lo largo de su carrera han estado cargadas de experiencias y viajes emocionales con las que más de uno se ha identificado en alguna etapa o cantina de su vida.En su pasada visita a nuestro país, tuvimos la oportunidad de hablar con él sobre este nuevo disco que hace poco dio a conocer y nos contó lo más relevante de este largo recorrido.

¿Cómo definirías la palabra muerte?

No tengo ningún problema con ningún lugar de este planeta. Pueden contar conmigo en cualquier lugar del mundo.

Buff. No tengo experiencia en ese campo, o no la recuerdo. Pero imagino que es un paso a través del cual vuelves a la fuente original.

¿Qué es más inspirador para ti, el dolor, la soledad, la pasión o el amor?

La inspiración nace de la capacidad de uno para conectar con la fuente y matriz que nos une con el mundo de los sueños y de las ideas. Esa capacidad, la llamamos talento, pero en realidad la tenemos todos, en mayor o menor medida, más o menos desarrollada. Los sentimientos que utilizas para tu obra creativa, son la materia con la que tejes, pero precisas de la conexión previa. ¿Cuál es la finalidad de hacer música para ti?

La finalidad de la música y de la obra creativa es doble. Primero expresión.

La necesidad de explicarte. Luego comunicación. Que haya alguien ahí que pueda conectar con tu manera de sentir o de pensar.

¿Tu disco actual contiene mucho sintetizador por parte de Jorge Rebenaque?

Sí señor. La labor de “Rebe” ha sido maravillosa en este álbum Este viaje habría sido muy distinto sin su aportación. Hemos tenido que aprender a manejar una serie de máquinas que no habíamos utilizado en ninguno de mis discos. Y “Rebe” ha sido el guía y maestro de ceremonias perfecto.

Las guitarras de Álvaro y Jordi ¿qué tanto te permiten ellos involucrarte en la composición músical? Y a la vez ¿ellos han participado contigo en composición de letras de alguna de ellas?

Bueno, el trabajo en “Expectativas” no funcionó exactamente así. Estuve cerca de cuatro años escribiendo el

material para este disco. Casi cincuenta canciones. De las que hice una selección para ensayar con la banda antes de entrar a grabar el disco en Sonic Ranch, Texas. ¿Dónde te gustaría que un admirador tuyo escuchara tu nuevo material? En una playa, en una cantina,etc. ¿y por qué?

Me gustaría que lo escucharan con un buen equipo de música y unos buenos altavoces, donde ellos prefieran. Para mí, lo más importante es que se escuche en alta fidelidad. Es como se ha grabado y cualquier otra escucha es inferior y pierdes detalles.

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¿A qué lugar no volverías y por qué?

Kanye West Inspiró A Gallagher A Explorar Ritmos

por Brenda Arriaga / fotos cortesía

Bueno, pues prepárate, Noel, de la mano de su banda Noel Gallagher’s High Flying Birds regresa con su tercera producción de una forma que nadie veía venir. Hace poco tuve la oportunidad de escuchar algunas canciones del nuevo disco antes de que salieran a la luz como lo hicieron el pasado 23 de noviembre.

Las cuatro primeras para ser exactos. A esta nueva producción el ya mencionado músico británico optó por nombrarle Who Built the Moon? y fue definido por él mismo como un rotundo y simple “pop cósmico”. Término que en inglés parece más un juego de palabras al pronunciarlo en nuestra lengua: cosmic pop.

Tal parece que el radical cambio se debe a sus pocas expectativas acerca de lo que sería su nueva creación; en palabras del hermano Gallagher número uno —esto sin referirme particularmente a una preferencia sobre Liam, su némesis, naturalmente—, con quien platicamos hace unas semanas en una íntima conferencia en las oficinas de su disquera en la CDMX. Él llegó al estudio de grabación sin la mínima idea remota de lo que se iba a cocinar adentro, pero esto era exactamente lo que su producto, David Holmes, quería y necesitaba.

Las primeras ideas y esbozos que rondaban la mente de Noel y quiso concretar en el estudio no parecieron convencer al productor irlandés: — Eso suena a Oasis —comentó con severidad el productor—.—¡Genial! — respondió Noel—. —Sí, pero eso lo has hecho antes—.

Así fue como todo tomó un rumbo sumamente diferente. A lo largo de 18 meses, David y Noel trabajaron arduamente para alejarse del clásico “álbum de rock” y, de esta manera, a una nueva zona musical: el pop cósmico.

Ustedes se preguntarán qué elementos distinguen a este término; bueno, Noel afirma que parte esencial del disco es el cambio de lugar que realizan los teclados, los cuales se convierten en sonidos agudos y dinámicos que se confunden con guitarras, y viceversa.

Esto produce sonidos que mezclan epicidad, energía y muchas vibras de

- ESTO ES SÓLO ES “POP CÓSMICO”-

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Esto esta dedicado a ti, fanático y fiel seguidor de Noel Gallagher, de quien disfrutaste canciones como “The Mexican” y “The Death of You and Me”, tanto, que las cantaste hasta el hartazgo.

Noel no ha cambiado nada, según sus propias palabras. Hasta antes de este disco la fiesta y el relajo en general eran parte importante de su inspiración, tópico y reflejo de vida. Ahora, pese a lo que quiere proyectar, pues habló como alguien que sigue viviendo en el desmadre, musicalmente hay un crecimiento. Gallagher sigue sonando a Gallagher pero en otra dirección; la esencia quedó intacta. La sorpresa es también para quien escuche las nuevas canciones. Es un viaje sonoro asegurado pero también visual: el arte del disco es congruente y extraordinario.

Es necesario mencionar la presencia que generó el personaje: se mostró simpático y dispuesto a contestar cualquier pregunta. Hay madurez y buen humor en su comportamiento. Como si tuviera una visión y disposición más abierta sobre las cosas. La curiosidad y las preguntas que seguramente generarían polémica tenían luz verde (y vaya que no son pocas), pero es mejor tener discreción y cautela con un Gallagher.

Justo me tocó estar presente cuando se liberó el primer sencillo del disco, “Holy Mountain”, canción con la cual es imposible mantener el cuerpo quieto.

Esto es probablemente algo que seguro ya hacían con Chasing Yesterday, segundo álbum de la banda lanzado en febrero de 2015; pero que se potenció y tomó forma un tanto más danceyelectrónica en Who Built the Moon? A través de 12 temas, Noel lo demuestra así.

Tenemos la certeza de que es un álbum que sonará mucho más audaz en vivo y con nuevos matices y nuevas fórmulas, así como su “nueva” actitud que claramente fue más positiva y amable durante este meeting con la prensa y esperamos, que sea la misma hacia su fiel audiencia.

Noel está listo para complacer a sus viejos y nuevos seguidores: llevará este material a una gira larga y prolongada por todo el globo, pero tenemos la fortuna que estará pisando tierras aztecas en marzo del próximo año, esto como parte del lineup de la edición 19 de Vive Latino, que está a solo unos meses. ¿Lo veías venir? Nosotros ciertamente no.

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felicidad pura, hacen notar influencias como Blondie, New Order, Can, Full Spectrum y el mismísimo Kanye West, quien con su canción “POWER” inspiró a Gallagher a explorar ritmos distintos (por más que diga que ODIA al hip hop).

Varias de estas experimentaciones están vertidas en Who Built the Moon?

por MartĂ­n Vargas / foto Javier Soto

Vamos A Hacer Que El 2018 Sea Divertido

“F

ue un honor que nos escogieran. Fue un golpe de suerte y fue un logro; pero creo que más lo último. En el fondo creo que nos lo ganamos”, comenta sin titubeos Santiago, vocalista, guitarrista y compositor de Little Jesus, una de las bandas más exitosas de los últimos años en México. Hacía unos instantes les había preguntado cómo definían el abrir los conciertos que Rolling Stones ofreció el 14 y 17 de marzo de 2016 en el Foro Sol. “Si yo pudiera elegir a alguien que abriera un concierto nuestro, sería Paul McCartney”, comenta Arturo “Chimo” Vázquez con cierta comicidad, pero Fernando “Pony” Bueno comenta: “a mí siempre me ha gustado pensar en un show previo que no tenga nada que ver con la música, como un acto de magia, por ejemplo. Sería interesante”.

Estar con Little Jesus, bueno, casi con todos los integrantes —faltó Charles Medina, el bajista— en persona, es ser testigo de una de las amistades más sinceras. No es para menos, esta amistad forjada a través de los años, es motor y motivo para que este proyecto, originado de las aspiraciones musicales de Santiago Casillas, tenga tanta vida. Hablan, ríen entre ellos; a veces de un tema sacan otro que sale de la entrevista. Vuelven a reír. Alguien más se acuerda de una pregunta que le quería hacer a alguno de los presentes y aprovecha la situación para hacerlo. Y vuelven a reír. Podría parecer pero no salen del vínculo medio de comunicación-banda. De hecho su manera de desenvolverse es congruente con todo lo creado por ellos: simplemente lo hacen a su manera. Hay respuestas ocultas a lo que se les cuestiona. Y ríen.

“¿Creen que harían la misma música si no fueran tan buenos amigos?, ¿Little Jesus existiría si sólo fueran compañeros y nada más?”, pregunto a la banda. Nadie se atreve a contestar pero, de nuevo, Santiago, toma la palabra: “No tendríamos la banda.

Definitivamente no”. Sin embargo, dudan un poco sobre este panorama y aclaran: “si bien está padre estar en este proyecto con tus amigos, llega un punto en el que debes desarrollarte y crecer profesionalmente”.

Esa es la pretensión del quinteto; avanzar y madurar, pero sin perder la inocencia.

Cada paso que dan es, en sus palabras, una secuencia lógica; un camino casi trazado.

Paulatinamente dejarán de hacer canciones para adolescentes; aunque considero por temas como “La Luna” que su potencial se evidencia de forma clara. “Quiero que hagamos conciertos más y mejor realizados, como Leonard Cohen, como Nick Cave”. Y es menester hacerlo también para los proyectos que vienen detrás de ellos. Santi declara: “está surgiendo una nueva generación de bandas que se forjan con lo que nosotros estamos haciendo”. Son las nuevas bandas y no los lugares, o las posibilidades de distribución en

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Esta banda originaria de la Ciudad de México viene de una gira por el lado sur del continente. “El público en Perú, es como el del Estado de México: muy intenso. Fue como tocar en El Imperial. El de Argentina como el de Guadalajara: son apasionados pero conservadores”, aseguran Santiago y Manolo “Truco”. Se puede ver por la comunicación entre ellos que su experiencia por Sudamérica fue buena; chistes locales y anécdotas son intercambiados copiosamente. A propósito de países, ellos consideran que Japón específicamente es un buen país para llevar su música. Probablemente es por eso que existe la edición especial de Norte para aquel país de Asia.

Pero inmediatamente “Pony”, “Truco” y “Chimo” añadieron, divertidos, más naciones a la lista: “Corea del Sur, Rusia, Alemania, Costa de Marfil, ¡Suecia!”.

Pero, ¿cómo es que esta banda ha tenido tanto éxito? Internet es la respuesta: la facilidad de esta época para la transmisión de contenido fue como caldo de cultivo para la propagación de sus canciones.

Evidentemente dieron con el clavo para cautivar a los públicos más jóvenes; fue una cosa con la otra. Consiguieron tocar en varios festivales y lugares. Entre ellos Portugal, país en donde consideran han tenido su concierto más raro; entre otras cosas “porque la decoración del lugar y los asistentes a dicho bar nos recordaban a extraterrestres”, comenta Santiago, luego de que “Truco” comenzó la historia.

el ámbito digital, lo que da vida a la escena independiente no sólo de México, sino de Latinoamérica.

Por eso, es un paso firme ofrecer un concierto como el de La Orquesta Fantasma que darán en el Teatro de la Ciudad. De dicho evento debe esperarse lo inesperado. “Creo que muchos seguidores van con la idea de que será un concierto más, pero será una cosa completamente diferente a lo que hemos hecho”, comenta “Truco”.

Sin embargo, querido lectora, querido lector, este número especial de Navidad no lo sería si pasamos de largo esta fecha.

A manera de simular un intercambio, cada integrante saca un papelito con el nombre de otro y a continuación debe pensar cuál sería el regalo ideal para esa persona: A Santi le tocó “Pony”: su regalo perfecto sería una guitarra hueca, específicamente una Gibson sunburst SG 35.

A “Chimo” le tocó “Truco”: él le regalaría un kit de lentes de sol intercambiables. O unos platillos para su batería.

A “Truco” le tocó “Chimo”: él le regalaría un par de boletos para ver a la Orquesta Filarmónica de Viena.

A “Pony” le tocó “Charles”: esta situación fue complicada porque las “cosas materiales a él le valen verga”, pero al final, optó por regalarle unos plug-in para su estudio. O un compresor, también para su estudio.

Por desgracia Santi se quedó sin regalo por la ausencia de “Charles”.

Y por último, el mensaje de Navidad de Little Jesus para sus seguidores en Revista Kuadro: “Quieran al prójimo. Quieran a su familia. Quieran a sus mascotas y cuídenlas mucho. Perdonen. Olviden rencores y envidias.

Amen a su país. Compren productos hechos en México y de preferencia, generados por comunidades o poblados, pues es importante reactivar la economía. Ámense”.

Esta es una parte de la historia de cinco amigos. Un grupo que exhala camaradería y tranquilidad. La historia de cinco amigos que supieron cómo hacer música con su amistad. entrevista central

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SI NO TUVIÉRAMOS ESTA RELACIÓN, DEFINITIVAMENTE NO HARÍAMOS MÚSICA QUE HACEMOS”

Un Cuento Moderno De Invierno. ¿Por Qué? Porque Winter Is Coming

de esa gran mayoría. Sino de un viejo pecador, amargado, duro y agudo como un pedernal al que ningún eslabón logró jamás sacar una chispa de generosidad Sería Thom Yorke si no hubiera cambiado. Si el tiempo no le hubiera asentado el alma y lo hubiera convertido en un Grinch de corazón estirado. Que sea alguien más, pues… Alguien moderno, de gélida temperatura. vegetariano, célibe y asexual como lo define la social media.

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Quería escribir una cartita a Santa Claus, algo ridícula e ingenua, cuando se me ocurrió escribir otra cosa. Así que pensé escribir, mejor, un “kuento moderno de invierno” ¿Por qué?

Porque Winter is coming… y si todos hacen una versión del clásico Charles Dickens, ¿por qué Kuadro no la haría?

Con el invierno, llega esta época navideña en la que se respira una amabilidad inusitada y un sentimiento extraño de empatía (al menos, para la gran mayoría). Pero no quiero hablar

No obstante, para ser un héroe, se debe dejar tanto enojo.

Después, el Fantasma de la Navidad Presente.

Definitivamente, Chris Martin, con toda su banda detrás, vestidos con trajes technicolor caleidoscópicos, que los hacen recordar a la del Sargento Pimienta. Sólo que sin corazones solitarios. Chris Martin le diría a nuestro antihéroe que es posible cambiar. Es posible reconciliarse con el mundo. Mientras que Arcade Fire, le mostraría las ventajas de querer y dejarse querer por la gente.

Finalmente, el Fantasma de las Navidades Futuras. Un espectro al que no se le vería la cara, pero cuya voz sería la de Liam Gallagher. Frustrado. Olvidado en un cuarto de grabación en Manchester. Arrepentido por nunca haber arreglado las diferencias con Noel. Reviviendo viejos conciertos en Wembley y advirtiéndole a Morrisey que esto es lo que podría pasarle si sigue siendo tan amargado… …O algo así. El chiste es que no cancele su participación en el Vive. Y que se reconcilie con Johnny Marr para que el mundo pueda disfrutar una vez más a The Smiths. Y, de paso, también a Oasis, y a lo que queda de Led Zeppelin y Pink Floyd. La Navidad es capaz de traer Milagros. Si no, pregúntenle al Sr. Scrooge…

Don’t you know it’s Christmas Time.

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PERO ASÍ ES SUELE SER ESTA ÉPOCA-

ilustración TheJavisCEffect

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Acérrimo enemigo de la monarquía británica y, de paso, del capitalismo irracional y seguramente en contra de la Navidad.

La historia iniciaría con un Morrisey solitario en su gigantesco castillo en Roma durante Nochebuena.

Pensando en cancelar (nuevamente) su participación en el Vive Latino del 2018. Tirando en su fogata la postal navideña de Johnny Marr mientras, sentado al piano, canta, con su inusual barítono estilo vocal, “Heaven knows I’m miserable now”. Caería profundamente dormido y entraría en un sueño de apariciones en el que tres fantasmas le recordarían a Morrisey la importancia de estas fechas. ¡Sí! Suena cursi, pero así es la Navidad.

La primera de esas apariciones sería Marley. Bob Marley, quien arrastra, no una pesada cadena, sino unas largas rastas que no se ha cortado en décadas. Y le dice que conoce un lugar. Bueno, en realidad le avisa de la aparición de tres espíritus que, eventualmente, lo visitarán. Sé que no tiene demasiado sentido, pero ni hablar. Así es la Navidad…

Entonces, llegaría el fantasma del pasado. El mismo que condena a los nuevos ídolos. Y, ¿quién más para representarlo que el Rey Camaleón? El omnipresente David Bowie, que regresaría, en una nueva transformación, ahora, como Espíritu de las navidades pasadas, que le recuerda a Morrisey su infancia rodeado de posters de Velvet Underground y Roxy Music. “You can be hero”, le diría.

por Diego Venegas /

-SÍ! SUENA CURSI,

Porque Nos Hemos Portado Bien Este 2017… O No

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Bastante satisfechos estamos ya con la noticia de Gorillaz para la edición 19 del Vive Latino, pero como nunca nada es suficiente para nosotros, decidimos hacer una carta a nuestro barbón favorito en navidad; porque nos hemos portado bastante bien. Sí. Siempre.

Excepto todas las veces que este año entramos con unas cuantas cervezas de más a algunos shows y salimos peor, o cuando nos tocó ser el alto que no dejaba ver a los de atrás, sin olvidar aquella ocasión en la que (porque quisimos y pudimos) nos metimos y nos quedamos en el lugar de quienes sí habían llegado temprano, pero, en general, hemos sido buenas personas.

Así que aquí vamos.

Querido Santa: 1. Noches infinitas, corazones rotos y nuestro único consuelo: The Smiths, ¿sería mucho pedir que estos británicos vuelvan a los escenarios después de 30 años?

Sabemos que en 2008 Morrissey y Marr contemplaron la posibilidad de hacerlo, pero no fue más que plática de bar y que al menos hasta el año pasado, ya no le veían sentido. Por

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eso, Santa Claus, lo dejamos en tus manos. Aunque quizá lo primero que deberíamos pedirte es que Morrissey como solista deje de cancelar una y otra, y otra vez.

2. Nuestra segunda petición es, —realmente no sabemos cómo pero lo anhelamos y tú podrías hacer el resto—: más y mejores shows de The Strokes. Estamos conscientes del mood en el que se encuentra Julian Casablancas desde hace un par de años; que nunca ha sido el más enérgico, y eso lo aceptamos con su proyecto alterno: The Voidz. Pero los escasos conciertos con Albert Hammond Jr., Nikolai Fraiture, Nick Valensi y Fabrizio Moretti han ido en picada cada vez más. Cinco hombres que ni siquiera fingen emoción sobre el escenario cuando están juntos. Santa, por favor, haznos caso.

3. Navidad es tiempo amor, paz y alegría para todos. Sí, para todos, menos para los Gallagher, el odio eterno entre Liam y Noel; que ha ido de golpes a demandas, instrumentos rotos, tweets de odio y demás barbaridades que terminan en un chiste de mal gusto, son ese gran impedimento para reunir a Oasis. Y como cada año lo vemos más y más imposible, te pedimos, Santa, que no te olvides de este tercer deseo porque es uno de los que más nos harían felices.

4. Nuestra carta tiene de todo un poco así que esperemos que Santa Claus no se confunda con lo que va a leer a continuación: “Juan Son” o, ¿Juan Ágape, 7? A estas alturas y desde hace mucho no sabemos cómo nombrarlo, pero Santa sabe perfectamente de quién hablamos.

Ya superamos su ausencia en Porter, y en marzo de este año volvió mágicamente presentándose como “7”, un proyecto que no necesitó más que una guitarra, cantos religiosos (no nos sorprendió para nada) y la cara pintada.

Después de un par de presentaciones; de nuevo, se fue.

Nuestra petición aquí, Santa, es que Juan no deje de hacer música.

5. Ya dijimos que es tiempo de amor, y nos vamos a poner un poco exigentes y melosos. Se rumora que Alex Turner y Alexa Chung regresaron —o por lo menos están cerca—. No queremos ser chismosos ni meternos en la vida privada de nadie, pero más de uno sabe que Alexa fue la razón de un montón de canciones que amamos de los Arctic Monkeys. Así que este deseo de Navidad es únicamente para que el próximo disco tenga una muy buena fuente de inspiración.

6. Llevamos más de un año esperando por el nuevo disco de MGMT, y aunque ya nos adelantaron el primer sencillo “Little Dark Age”, estamos bastante desesperados por escuchar lo que resta de lo que promete ser un lado más oscuro de la banda de Andrew VanWyngarden y Ben Goldwasser. Realmente no queremos pasar otra Navidad sin su nuevo álbum, y de paso, después de esto, también queremos un par de fechas en México.

7. También deseamos con todo nuestro corazón, ser alguno de aquellos afortunados que siempre agarran la baqueta/plumilla/artículo inútil de cualquier miembro de la banda pero que vale oro ante nuestros ojos. Hacer más amigos en la eterna espera por el comienzo del show, y no morir de sed o asfixiados en el momento.

Tenemos más deseos, pero aquí están los que más nos urgen para que Santa Claus y sus duendes dejen de perder el tiempo dejándonos calcetas y dulces bajo el árbol (sí, también nos encantan pero para eso existen las tías) y nos complazcan con lo que más queremos.

Con cariño y exigencia.

Revista Kuadro.

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OASIS Y MGMT SON ALGUNOS DE NUESTROS BUENOS DESEOS-

por Erika Rodriguez / ilustración Suck My Ponis

-THE SMITHS, THE STROKES,

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El 2017 está por terminar y a lo largo del año han llegado a nosotros diferentes noticias de las diferentes actitudes que los artistas han tomado y que han llamado la atención y críticas por todo el mundo. Para esta edición quisimos hacer una lista con algunos de los nombres y temas más sonados del año, que se podrían llevar el título de El Grinch o Los Grinchs del año.

La muerte en la música… otra vez.

El año pasado perdimos a grandes artistas y leyendas de la música, este año no pudo ser la excepción, haciendo que con cada muerte los ánimos de muchos bajaran.

Los extrañaremos pues jamás podremos ir a uno de sus conciertos y lo peor, no podrán regalarnos más de su música.

Tom Petty, quien con su gran talento musical ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll en el 2002; Chester Bennington, quien fue vocalista de Linkin Park y una de las mejores voces en el género; Chris Cornell, vocalista de dos bandas memorables y una de las mejores voces del rock… Podríamos seguirnos, pero para evitar ponernos de grinch ante la muerte y el propio 2017, escuchemos en nuestros audífonos “Free Fallin’”, “Numb” o “Like a Stone”… buena música.

Ronnie Wood: cabello vs quimioterapia Este año supimos que Ronnie Wood, guitarrista de The Rolling Stones, fue operado por cáncer en el pulmón.

Los doctores le recomendaron la opción de someterse a quimioterapia, pero él la rechazó para no perder su cabello, diciendo que éste no iba a ir a ningún lado. Es que el cáncer es una de la enfermedades que arruinan la vida, si bien es una oportunidad de crecimiento y disfrutar más los momentos, los que la padecen se llevan todos los malestares.

Yoko Ono… ¿otra vez?

Va poco más de un año desde que la artista recibió los derechos de John Lennon por haber sido su segunda esposa. Recientemente la hizo de Grinch, amenazando a una empresa de limonadas que llevaba años con el nombre de ‘John Lemon’, para evitar la batalla legal se decidió

YOKO ONO Y MÁS SE ROBARON NUESTRA FELICIDAD, NO SOLO EN NAVIDADcambiar el nombre. Además Yoko Ono fue reconocida como coautora de “Imagine” en el evento de la National Music Publishers Association, gracias a un video donde en palabras de John Lennon “Imagine debería haber sido acreditada como una canción de Lennon/Ono. Si hubiera sido alguien más que mi esposa, les habría dado crédito”, ¿ustedes le dan su crédito?

Morrissey Cancellation Tour Morrissey estuvo a punto de ganar esta contienda, sin embargo, todavía tenemos la esperanza de poder verlo en vivo y disfrutar de su música. Y es que ahora vivimos con el temor de la cancelación de sus presentaciones, incluso cuando éstas ya están por empezar. Recientemente pasó en California, donde estando los fans en sus lugares, se canceló el concierto por la calefacción del escenario que no funcionaba bien. Definitivamente todo un Grinch con sus fans, pero también se nota cómo su música hace a la gente volver a comprar boletos. ¡Oasis regresa, por favor!

El premio a los Grinch de este año es para los Gallagher.

Hermanos líderes de una de las mejores agrupaciones de los últimos tiempos, hablamos de Oasis. Después de 18 años de carrera como banda, la carrera de solistas ha iniciado para Liam y Noel, pero también el comienzo de una disputa personal, quienes han confirmado que la idea de un regreso queda descartada. Aun juntando los proyectos solistas de los hermanos, no superan a Oasis en ventas ni en popularidad. Qué más quisiéramos los fans que pudiéramos entrar a nuestras redes y ver la noticia del reencuentro, ¿acaso es mucho soñar? Pues ¡qué Grinch!

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Dylan acusado por plagio en su discurso El premio Nobel de Literatura se otorgó a Bob Dylan, decisión que provocó comentarios y dudas sobre si él es músico, ¿cómo podía estar ganando por literatura? Al final aceptó el premio y dio su discurso, palabras que fueron cuestionadas por su originalidad. Andrea Pitzer, escritora, analizó el discurso y acusó al cantante por tomar palabras de una página web para estudiantes (SparkNotes), a los que Dylan nunca respondió. No estamos tan seguros si el Grinch aquí es Andrea Pitzer por cuestionar al cantante cuando en una entrevista Dylan dijo “todo te lo apropias, todos nosotros lo hacemos”. O la misma Academia quien ha perdido todo su prestigio por su decisión, ¿ustedes qué opinan?

-MORRISSEY, LOS GALLAGHER,

por Victor Hernández /

El álbum falso de The Strokes Este año Albert Hammond mencionó en una entrevista algo respecto a The Strokes, “ahora están haciendo un nuevo álbum con un gran productor llamado Rick Rubin.

Hablo con mi hijo todos los días y me dice que están muy contentos”. Estas palabras movieron a todos los fans pues de ser cierto, el reloj del tiempo sin música nueva de la agrupación se pararía a los cuatro años. Desgraciadamente la noticia la desmintió Hammond Jr. a través de un tweet, donde dijo que es cierto que se han acercado a Rick para presentarle ideas, pero que no vale la pena hablar tan pronto de esto, porque de convertirse en un álbum estaría lanzándose en varios años. Grinch, pero honesto.

ilustración TheJavisCEffect

La Muerte Jugó Un Papel Importante

Estas Canciones Profanas Han Poseído El Alma De Rockeros Y Leyendas Musicales

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Si una época del año puede ser tan amada y odiada a la vez es la Navidad; una celebración que suele inundar hasta el último rincón del planeta con el tan conocido espíritu navideño, pero lo peor de todo no es caminar rodeado de luces, guirnaldas y figuras de Santa Claus, sino los molestos villancicos que te obligan a escuchar una y otra vez en cualquier lugar a donde vas.

Estas canciones profanas que comenzaron a asociarse con la época navideña no solo han poseído el alma de los más débiles, también la de aquellos rockeros y leyendas musicales que incluso se atrevieron a crear sus especiales navideños mejor conocidos como: aberraciones musicales.

Iniciando por el disco A Christmas Cornucopia de Annie Lenox que se conforma de 12 canciones en las que la voz de la cantante se percibe forzada, provocando que el disco se vuelva un tanto tedioso, mientras que los arreglos en canciones como “God Rest Ye Merry Gentlemen” no solo suenan demasiado elaborados sino que la voces auto ajustadas de Lennox suenan tétricas y robotizadas.

con pantalones de cuero y cola de diablo acompañado de solos de guitarra que describen una navidad endemoniada.

Otro disco navideño que invadió primero a la televisión y posterior a los distintos equipos de audio fue el especial A Christmas Together de John Denver y los Muppets. En este material el compositor Denver comparte la remasterización de temas como “Christmas Is Coming” con Gonzo, Piggy y otros personajes de la serie.

Durante el especial en televisión Denver y los Muppets abren con “The Twelve Days of Christmas”, tema que es interrumpido por Fozzie Bear, quien olvida su línea, y la sobre enfatización de Miss Piggy.

Un compilado navideño que no podemos dejar pasar es Cee Lo’s Magic Moment del rapero Cee Lo Green, quien aprovechó la ocasión para sacar un álbum navideño con una portada en la que se puede observar al cantante vestido de santa y un trineo de cuatro ruedas con, ¿mucho estilo?

A pesar de que el disco es malo y comparte versiones un tanto extrañas de “Mary, Did You Know” o “What Christmas Means to Me” tomó la posición número 4 en Billboard’s Top R&B. Este compilatorio navideño cuenta con la colaboración de Christina Aguilera y Sir Rod Stewart, quien también cuenta con su aberración navideña, Merry Christmas, Baby.

No cabe duda de que el espíritu navideño puede invadir hasta el corazón metalero e impulsar su lado más creativo.

Las aberraciones navideñas que hemos recopilado son un tesoro de la humanidad que deben ser escuchados por lo menos una vez en la vida.

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Otro disco que sin duda entra en las aberraciones es A Cherry Cherry Christmas de Neil Diamond, cuya portada muestra al músico como en una especie de postal navideña, alberga cerca 30 minutos de villancicos navideños en el que se incluye la remasterización “The Chanukah Song” de Adam Sandler, —sí, Adam Sandler—.

Ahora, si pensabas que los villancicos no podían ser más cómicos, es porque no te has encontrado con el video “I saw Mommy Kissing Santa Claus”, perteneciente al especial navideño A Twisted Christmas de la banda de heavy metal, Twisted Sisters.

Este álbum lleno de pantalones ajustados, maquillaje y cabello alborotado inicia con “Have Yourself a Merry Little Christmas” que es interrumpida constantemente por bromas y comentarios sarcásticos de los miembros de Twisted Sisters. A lo largo del material se pueden escuchar campañas y otros componentes navideños que te invitan a vivir una navidad retorcida.

Para el crítico James C. Monger, un disco navideño tiene que ser lo suficientemente bueno, terriblemente horrendo o completamente original para hacer estallar los sentidos del oyente, y A Twisted Christmas logra entrar en estas tres características.

Otro fail navideño sería el de Ringo Star con I Wanna Be Santa Claus, en el que se puede escuchar un intento forzado por sonar y revivir los materiales navideños de los Beatles. Para algunos críticos este disco pudo haber ofrecido algo más; sobre todo cuando Ringo tuvo que esperar tanto para lanzar este disco y no se empalmara con el especial navideño de sus ex compañeros.

Aunque Ringo quería desear una bonita navidad, nuestro querido Brian Johnson de AC/ DC quería desearle a todos mucho sexo, drogas y rock and roll con “Mistress for Christmas”. Sin embargo, un villancico sin mucho espíritu navideño fue el de “Christmas With The Devil” de la banda Spinal Tap, en el que maldicen a Santa Claus y lo muestran

TIENE QUE SER LO SUFICIENTEMENTE BUENO, TERRIBLEMENTE HORRENDO O COMPLETAMENTE ORIGINAL-

por Kenya Giovanini / ilustración Suck My Ponis

-UN DISCO NAVIDEÑO

POR ERICK SALDIVAR / FOTO CORTESÍA El pasado 28 de octubre el Estadio Azteca viajó por el tiempo junto una de las personalidades más influyentes y extraordinarias del ámbito musical: Paul McCartney. El británico se encargó de convertir el coloso de Santa Úrsula en un estudio catedrático para repasar su obra, que se ha forjado mítica a través de los años.

Su trabajo con The Beatles, Wings y como solista, fue compartido esa noche a sus más de 50 mil seguidores. “Es increíble estar de vuelta”, comentó con su particular español a su público pero lo más emocionante fue cuando reiteró: “son a toda madre”.

Lo histórico no se hizo esperar, pues por primera vez en México se interpretó “Love Me Do”, unas de las primeras canciones grabadas en estudio por el cuarteto de Liverpool.

“FourFiveSeconds”, tema en el que colaboró con Rihanna y Kanye West fue otra de las sorpresas, para propios y extraños.

Sin embargo y eso no debe extrañarnos para nada, Sir Paul puede hacer lo que quiera.

#FUERZAMÉXICO CON AMPLIFICA POR BENJAMÍN DÍAZ / FOTO ERICK SALVIDAR Un temblor inesperado sacudió —literal— a la Ciudad de México. Una sociedad enorgullecida y solidaria surgió de las cenizas. Cual ave fénix, la ciudad se restauró por las propias manos de los humanos radicados ahí y en sus alrededores.

Poco a poco salimos adelante: lento y con amor del uno al otro.

La música no se quedó atrás, es por eso que existe Amplifica.

Un concierto realizado en el Palacio de los Deportes con presencia de bandas como Mon Laferte, Molotov, Zoé, Kinky y Café Tacvba.

Unir fuerzas y recaudar fondos para reconstruir no solo casas, sino esperanzas y unas ganas inmensas en salir adelante.

Un concierto que demostró que incluso después de lo sucedido, se puede seguir aportando un poco más a lo que ya estaba. Más que dinero recaudado, este fue un evento que hizo retumbar en cada esquina del recinto, cada éxito de cada banda que se presentó. Además, el cometido primordial: recordarnos que nos tenemos uno al otro. Para bien o para mal.

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MCCARTNEY: EL BEATLE QUE HACE HISTORIA CON CADA ACORDE

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KINGS OF LEON, EL AHORA EN EL PALACIO DE LOS DEPORTES

GUADALAJARA VIBRÓ CON FESTIVAL COORDENADA

POR BENJAMÍN DÍAZ / FOTO CORTESÍA La última vez que la familia Followill pisó la CDMX fue en el 2014 en el Corona Capital. WALLS como nueva pieza de celebración y de una nueva gira que los traería de nuevo en dos fechas en sold out en el Palacio de los Deportes.

POR BENJAMÍN DÍAZ / FOTO MARÍA JOSÉ SÁNCHEZ Carne en su jugo, tortas ahogadas, chelas, tráfico y mucho calor fue como nos recibió Guadalajara para una edición más de Coordenada, un festival que ha ido creciendo y que se ha posicionado como uno de los mejores en el país. En esta edición pudimos ver a Phoenix, Paramore, Los Planetas, Jarabe de Palo, Reyno, Sexy Zebras, Molotov y unos cuantos más en el ya famoso Parque Trasloma.

Un abrazo cálido y un empujón de neuronas dieron estos chicos originarios de Nashville, que vinieron a presentarnos de manera continua esos éxitos que tanto los distinguen: “Sex on Fire”, “Fans”, “Taper Jean Girl”, “On Call”, “Knocked Up” y más.

Canciones que demostraron que el ‘nunca’ sólo se queda en el vacío y que el ‘ahora’ se realiza a paso lento pero seguro.

El recinto comenzaba a llenarse con el bajar del intenso sol jalisciense.

Poco a poco fueron llenando cada uno de los tres escenarios para ver a sus bandas favoritas. En cada uno se presenciaba una banda de diferente lugar, sonido o color, pero que gracias a la magia del festival, se logró llevar a cabo la reunión de melómanos más intensa del segundo semestre del año.

Kings of Leon son y serán de esas bandas que se rastrean fáciles pero que son difíciles de alcanzar, pues una trayectoria como la de ellos no se encuentra con una brújula.

Sin lugar a dudas, un evento que le hace honor a su nombre: en cada coordenada de este festival se vive algo único y diferente; un latir sin cesar que ramificó y dio frutos a una vivencia más para los fest jumpers.

Una presentación que para todo fan se quedará en las neuronas bien marcadas y es que el performance que traen es único e indiscutible. Bien, el ‘ahora’ es la palabra que los describe a la perfección y pues lo que hacen es dar mucho potencial y sudor en cada fan.

POR MARÍA JOSÉ SÁNCHEZ / FOTO CORTESÍA Phono vol. 2 nos llevó a una dimensión desconocida en la que el rythm and poetry y los scratches, no sólo sacudieron mi alma sino la de un poco más de 600 personas.

Tres grandes actos NattySpeaks, Serko Fu con Aztek 732 y una leyenda del hip hop: Grandmaster Flash. Todo inició con NattySpeaks quien logró conectar de una forma impresionante con todos los que estábamos ahí. “Mexico City, city, Mexico City” retumbaba en el Foro Normandie mientras todas las manos estaban en el aire.

Con Serko Fu y Aztek 732, —grandes figuras del hip hop nacional que han trazado la historia del género en nuestro país— todos empezaron a bailar. Golpes por aquí empujones por allá “abran paso, que empiece el break dance”.

Pasaba la medianoche cuando apareció Grandmaster Flash, “Apache” sonó mientras entraba el DJ al escenario de forma épica, era el momento que todos esperábamos. Cuando por fin se escuchó “The Message”, nadie podía contener la emoción del momento por una sola razón, se cumplió la profecía: el hip hop por fin se apoderó del mundo.

PORTUGAL. THE MAN TIÑE DE MORADO, AMARILLO, ROJO Y AZUL A MÉXICO POR ENRIQUE GUTIÉRREZ / FOTO JAVIER SOTO Portugal The Man regresó a la Ciudad de México y esta vez presentó en el Plaza Condesa su más reciente disco titulado Woodstock.

Los encargados abrir fueron The Chamanas, quienes durante un poco más de media hora tocaron temas originales y los covers en español de “Feel It Still” y “Purple Yellow Red and Blue” de los estelares de la noche.

Posteriormente, las luces se apagaron y salieron “Los Reyes de Portland” para comenzar el espectáculo con “For Whom the Bell Tolls” de Metallica y “Another Brick In The Wall” de Pink Floyd. De lo más celebrado en su presentación, sin duda, “Purple Yellow Red and Blue” y el fenómeno global “Feel It Still”, pero esta vez en su versión original.

El show siguió, a lo largo de hora y media, John Gourley y compañía deleitaron a su público con nuevos éxitos como “Number One”, “So Young” y “Live In The Moment”, también tocaron “Modern Jesus” y “So American”.

Finalmente, Portugal The Man cerró una gran noche con “Don’t Look Back in Anger” de Oasis y “Holy Roller” del álbum Evil Friends.

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EL HIP HOP CAMBIARÁ AL MUNDO

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CORONA CAPITAL DÍA 1: EL INFIERNO, DECISIONES COMPLICADAS Y LA NOSTALGIA POR ERIKA RODRÍGUEZ / FOTO EMILIO SANDOVAL El autódromo abrió sus puertas a uno de los mejores festivales de este año en su primer día y entre un puente tornasol y globos en el cielo; nos dimos cuenta de que la fiesta ya había comenzado y desde ese momento deseamos que no tuviera final.

Al ver el acto de Metronomy logramos comprender que hay bandas que necesitan interactuar con el público para lograr un buen show, pero también están aquellas que nos transmiten la pasión con la que hacen las cosas desde sus lugares, y ese es el caso de estos británicos.

The XX fue el favorito de muchos, acto aburrido para otros tantos. Solo nos queda claro algo, los amas o los odias.

Y por supuesto para cerrar y recordar algunos de nuestros mejores años: Foo Fighters, el principio del fin inició con un homenaje a Malcom Young y la noche se fue así, entre temas propios y covers. Comenzó bien, terminó mucho mejor.

CORONA CAPITAL DÍA 2: “I HOPE YOU HAVE THE TIME OF YOUR LIFE” POR DIEGO VENEGAS / FOTO BRENDA ARRIAGA La Curva 4 del Autódromos Hermanos Rodríguez recibió de nuevo a cientos de asistentes. La mayoría con playeras de Green Day y su icónica portada del American Idiot.

Alt J sorprendió con un sonido sutil e impecable. El trío inglés, demostró que ellos son la nueva joya de la escena indie. Una experiencia sonora y visual única, que incluyó rolas de Relaxer y sus clásicos “Matilda” y “Breezelbocks”.

Phoenix hizo lo propio en el Doritos, revivió de las cenizas del agotamiento al público con canciones como “J-boy”, “Lasso” y “Liztomania”. El grupo comprobó que cuando se trata de poner a bailar saben bien lo que hacen.

Green Day se llevó la noche; jóvenes adultos y jóvenes niños esperaron meses para cantar en vivo “Boulevard of Broken Dreams”, “Jesus of Suburbia” y, por supuesto, “Good Riddance”, canción que cerró la noche con lágrimas en los ojos que saben que este momento nunca se repetirá. “It ´ s something unpredictable, but in the end is right, I hope you have the time of your life”.

POR CARLOS VALLE / FOTO RODRIGO GUERRERO El Knotfest llegó para quedarse. Después de un buen primer esfuerzo —que fue lo que tuvo la primera edición— la edición de 2017 llegó con dos años de experiencia y se notan. La manera de disfrutar el festival más allá de las bandas mejoró ampliamente y dejó con ganas de la edición siguiente.

Este año fue la primera edición sin Slipknot como mayor atracción, pero igual con Stone Sour; la otra banda del jefe.

Fueron el marco que acompañó a un festival que se caracteriza como variado dentro del mundo del metal y sus vertientes.

Unos intentos mejor que otros porque la gente con Cannibal Corpse no conectó.

Los otros headliners, no se les puede pedir más. Korn con Jonathan Davis, convertido en el Juan Gabriel de nuestra generación, bailando y divirtiéndose como si todavía fuera 1999. A Perfect Circle primera vez en nuestro país y ni por error decepcionó. Hasta ellos quedaron sorprendidos con toda su parsimonia, disculpándose más de una vez por tardar tanto en venir a donde coreaban las canciones y las rastras de Maynaard le permitían ver.

EL ALMA DE BOMBA ESTÉREO EN EL SALA CORONA POR BENJAMÍN DÍAZ / FOTO REVISTA KUADRO Colombia en México una vez más. Ambas naciones se saludan y se sonríen a la vez; Bomba Estéreo, como representante del caribbean power. Un concierto que originalmente iba a ser muy grande y que a la vez se limitó a ser íntimo. Un cambio de venue como el sonido de la banda. El progresar y crear nuevos sonidos se vieron reflejados en el sold out en SALA y todo para presentar su nuevo disco Ayo. ¿Realmente Bomba Estéreo ha crecido? La respuesta es más que obvia; sobresale como aceite en agua. Un concierto que dejó puro pie cansao’, pues es indiscutible el no bailar con cada canción, Liliana y compañía entregan más que el alma y el cuerpo. Canciones como “Ayo”, “Amar Así”, “Pájaros”, “Somos Dos”, “Duele”, “Fiesta” y “Fuego” fueron algunas de las piezas que entregaron a manos llenas en este concierto que creó una atmósfera muy peculiar. ¿Quieren sentir cansancio y sudor en su piel? Asistan a un concierto de estos muchachos y descubrirán por qué es se mantienen entre los favoritos del público.

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UN KNOT FEST SIN SLIPKNOT

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ARCADE FIRE Y LA BELLA NOCHE EN AUDITORIO NACIONAL POR BENJAMÍN DÍAZ / FOTO CORTESÍA Si bien sabemos que Everything Now no es el mejor disco de Arcade Fire, podemos decir que cualquier pretexto es bueno para volver a ver a esta banda. Múltiples instrumentos, chaquetas, zapatos, bolas disco y sobre todo mucha energía. Y es así como este último disco logró que una de las bandas más importantes a nivel mundial se presentó, después de tres largos años de no hacerlo en México. El recinto escogido para tal acontecimiento fue el Auditorio Nacional.

Con Chumel Torres como presentador, lograron llamar la atención en su primera de dos noches. Lograron arrebatarnos de la mente cualquier expectativa que tuviéramos sobre esta banda, pues parece fácil, pero no cualquier agrupación logra este éxito tan grande.

Win Butler, Régine Chassagne y compañía nos llenarnos de éxitos como “No Cars Go”, “Haïti”, “Signs of Life”, “Put Your Money On Me”, “Ready To Start” y claro, “The Suburbs” lograron darnos una de las mejores y casi últimas presentaciones de lo que resta del año.

PARAMORE Y MÉXICO, LA RELACIÓN QUE NO SE ROMPE POR BRENDA ARRIAGA / FOTO CORTESÍA A pesar de sólo haber visitado la Ciudad de México en dos ocasiones y pasar poco más de 4 años desde la última, los seguidores mexicanos de Paramore les son tan fieles como el primer día. Hayley Williams y compañía pusieron afónicos a miles de fans en el Palacio de los Deportes.

Pvris, trío de Massachusetts, fueron traídos especialmente de su gira por Estados Unidos para inaugurar la última noche del Tour Two. El momento de tener a Hayley, Zac y Taylor sobre el escenario estaba muy cerca; cuando las luces se apagaron por completo y los gritos resonaron por todo el lugar, era hora.

Las primeras cinco canciones pasaron volando mientras todos se sumergían en los recuerdos adolescentes que éxitos como “Ignorance” traían a nuestras cabezas. Williams saludaba a México, mencionando cuánto extrañaba al país, mientras que concluía con una ronda más de canciones, la mayoría de su último disco, After Laughter.

PHOENIX POR BRENDA ARRIAGA

YOUPOR ME AT SIX EMILIO SANDOVAL

MUTEK POR JAVIER SOTO

DUA LIPA POR BRENDA ARRIAGA

THEPORDRUMS BRENDA ARRIAGA

THEPOR XX EMILIO SANDOVAL

ELEPHANT THE CAGE

POR EMILIO SANDOVAL

NEON INDIAN POR JAVIER SOTO

Fin de año es el momento para mirar al mundo incendiarse.

Como dijo el músico noruego de Black Metal Varg Vikernes, a propósito de la quema de iglesias que protagonizó en la década de los 90: “la única iglesia que ilumina es la que arde”. Así los árboles de Navidad sirven para hacer leña entre la crítica musical especializada. Sea lo que sea que la “especialización musical” signifique.

Hoy por la mañana me llegó un correo de la agencia que conduce las Relaciones Públicas de Spotify. La plataforma de streaming más utilizada no podía quedarse al margen de esta epidemia de conteos, tops, resúmenes e inventarios que inunda la red cada vez que llega el momento de arrancarle la última hoja al calendario.

A la gente que nos gusta la música nos parece caso de vida o muerte compartir con otros nuestras preferencias. Como si aquello fuera a influir en situaciones decisivas para la humanidad, como el tweet que esta noche pondrá Donald Trump o la dirección que tomarán los misiles lanzados por el supremo líder norcoreano Kim Jong-un.

La verdad es que si pasamos más de la mitad del año bailando “Despacito” delante del espejo y con audífonos, aunque en público neguemos al reggaetón como Pedro lo hizo con Jesucristo; o si le quisimos brindar el beneficio de la duda al nuevo disco de Morrissey (y a la posibilidad de que no cancele su participación en el Vive Latino 2018), es asunto nuestro. Y a nadie le importa.

Mi radiografía auditiva Le di clic a mi resumen anual en Spotify. Les comento que pasé 19,135 minutos escuchando música, explorando alrededor de 3,168 canciones de 1,454 artistas de 65 géneros. Según esto, dos de mis canciones más repetidas fueron “This kids nowadays”, de Faulkner, e “Incurably Innocent”, de At The Drive-in. Ah, Spotify dice además que me rehúso a actuar como alguien de mi edad.

Tengo 39, pero escucho música de alguien de 28.

Esto que acabo de hacer se parece a lo que algunos colegas publicitan como “Los discos de 2017 que más me gustaron”, “Las bandas que descubrí”, “Las canciones que me cambiaron la vida” y “Los mejores conciertos del año”. Somos seres de listas. Por naturaleza, acumulamos como las ardillas antes del invierno. Pero además nos complace exhibir nuestros logros ante los demás. Pelearnos a muerte con quienes no comparten los mismos hábitos musicales. Por mucho que las canciones, como la comida, el cine y hasta la persona que nos hace latir más aprisa el corazón, pertenezcan a la esfera del gusto individual. En gustos se rompen géneros, decía mi abuela.

De ahí que esta época en la que se hacen balances y estadísticas, encontremos fascinante prepararnos una sopita caliente de polémica.

Porque con la llegada de enero, un nuevo año se vislumbra en el horizonte. 365 días para escuchar nueva música, revivir clásicos, mamar de la nostalgia, emocionarse por los descubrimientos, asistir a reencuentros y primeras veces, criticar hasta la médula, menospreciar, vomitarse encima, celebrar, llorar, entusiasmarse y colgarse de palabras grandilocuentes para publicar una crítica discográfica en un blog. Creemos que a alguien le interesa. Pero hasta donde sé, nunca una frase esgrimida por un periodista le ha construido o fulminado la carrera a un músico. Jamás un escucha ha dejado de lado a un grupo por haber leído una mala reseña. Sólo la música es quien tiene el poder de conmover y asquear.

Pero está cool. Diciembre nos gusta para ser unos grinches melómanos.

Compartamos nuestras listas y nuestros “Tu 2017 en música”, como si eso fuera a influir en el Universo.

Yo ya empecé con el Mame. ¿Tú tienes el valor o te vale?

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En el correo electrónico se informaba del lanzamiento del micrositio “Tu 2017 en Música”, exclusivo para usuarios Premium –o sea, los que nos mochamos con una lana por el derecho a escuchar– en el que los algoritmos nos revelarían curiosas verdades acerca de nuestros hábitos melómanos. ¿Cuál es la canción que más escuchaste en el año que agoniza? ¿Cuáles fueron tus discos favoritos? Y, por defecto, ¿cuáles no pelaste?

Un dato curioso más: sólo escuché 16 canciones nuevas a la mitad. Eso quiere decir que permito que acaben antes de decidir si me gustan o no.

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¿QUIÉN DETIENE LA MÁQUINA DE LOS FOO FIGHTERS?

por Francisco Espinoza

Pacific Daydream es el decimoprimer disco de estudio de Weezer, una banda más que consolidada en el mundo del rock; un rock que ha sabido adaptarse a los tiempos modernos y que aún así mantiene su esencia que los llevará a través de la década de los noventa.

La primera de los 2,000 y esta segunda donde parece que Rivers Cuomo y compañía no pretenden parar. Un disco que por momentos es pop “del bueno” con estribillos extremadamente contagiosos como en “Feels Like Summer” que contrastan con las guitarras de “Mexican Fender” y ese ambiente relajante de “Happy Hour”. Un golpe de nostalgia con “Beach Boys” o un arpegio hipnotizante en “QB Blitz” con 10 canciones que nos transportan por distintas atmósferas Weezer demuestra ser una banda que sabe mantenerse joven. Con este disco no parece que la banda tuviera ya 25 años, y Cuomo, 47. Este nuevo disco que sin duda es uno de los mejores de 2017.

MANSON PONE EL CIELO AL REVÉS

por Carlos Valle

Marilyn Manson es un caso digno de admirarse. Pocos artistas tienen esa capacidad de madurar en su trabajo; algo que se ha notado desde ya aquel lejano Portrait of an American Family en 1994, hasta el trabajo que nos presenta este año: Heaven Upside Down.

Ha cambiado ese sonido caótico y desenfrenado por uno más denso y sombrío. Los tiempos de “The Beautiful People” han dado paso a los tiempos de “WE KNOW WHERE YOU FUCKING LIVE”.

Todo eso tiene sentido con Manson del presente.

Este álbum brilla por su sencillez. Fue hecho por tres personas —sin contar producción y mezclas— Manson en la voz, Gil Sharone en la batería y Tyler Bates en, básicamente, todo lo demás. Por eso suena diferente a una banda que llegó a tener en créditos a más de diez artistas.

Después de pasar por su etapa destructiva, nihilista, hedonista, enamorada, ahora pasa por una violenta, pero pasiva; no tiene las explosiones de la violencia de Fight Song pero es lo menos vil.

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por Diego Venegas

Me gustaría escribir que el nuevo disco de los Foo Fighters es uno de vanguardia, en el que finalmente se han atrevido a hacer un álbum distinto, conceptual; en el que, después de ocho discos, Dave Grohl y compañía han perdido la batalla contra la electrónica, los sintetizadores y el chill out que gobiernan el mundo desde hace varias décadas. Pero, ¿a quién engaño? Lo de Foo Fighters es nunca bajar la guardia. Nunca dejar de hacer lo que saben hacer.

Concrete and Gold, no podría ser de otra forma. Un disco más hecho para los amantes de los solos de guitarra, las explosiones; para rockeros de los setentas, ochentas, noventas y nuevo siglo. Destinado a las cantinas vetustas y bares modernos; para grandes escenarios y pedas pequeñas; para la carretera eterna y para quién va en bici a toda velocidad con sus audífonos bien puestos; en fin, un material para combatir el silencio y hacer temblar la mesa, la ventana, las buenas costumbres.

LA ETERNA JUVENTUD DE WEEZER

FEVER RAY HACE MÚSICA QUE PUEDE SER VISTA 039

por Carlos Valle

Si se intentara describir lo más sencillo posible el género de Fever Ray, sería “raro”. Lo cual se queda corto en un sobresimplificación de lo que Karin Dreijer puede hacer. Desde The Knife hasta su primer álbum muestra toda la gama que puede lograr con esa particular voz que la hace sobresalir.

Por eso volver a sorprender a la crítica en estos tiempos es algo nuevo. Con ese sonido experimental, pero que no espanta a oídos acostumbrados a algo más tradicional, es algo que deja expectante.

Además las letras de las canciones logran hacer una buena simbiosis con las melodías.

Otro elemento que acompaña a Plunge es el visual ya que es música pensada para ser vista. Sí, pueden contraponerse los sentidos, pero lo que hace Fever Ray en casi toda su música es realizarle un universo visual a cada canción, si no nos creen échenle un ojo al video de “To the Moon and Back”.

LOS BLENDERS HAN SIDO ‘CHICOS BIEN’

LOS SONIDOS ONÍRICOS DE UTOPIA

Después de haber llegado hasta Coachella con Chavos Bien, Los Blenders están de regreso en la escena musical con su nuevo disco titulado Ha Sido.

Este material es ideal para aquellos chilangos enamorados: seguramente te hará recordar aquellos momentos de la secundaria, en donde comenzaste a experimentar tus primeros sentimientos amorosos.

“Amor Prohibido II” es una decepción amorosa adolescente. Por otra parte si escuchas “Bien Verga” y “Los Caminos del Rock” te llevarán por un viaje entre nostalgia y felicidad.

Si lo que deseas es encontrar un buen sonido de surf, punk y psicodelia tienes que escuchar este disco. A pesar de que es un álbum de poca duración, es muy dinámico. Te aseguramos mucha diversión escuchando las ingeniosas letras de cada una de sus canciones.

Björk una vez más se junta con Arca para presentarnos un nuevo trabajo de estudio, uno que le tomó dos años, el tiempo que pasó desde que salió Vulnicura. Ahora con Utopia vuelve a redescubrir su sonido, afirmación que parece bastante temeraria para alguien con el catálogo de la islandesa.

por Enrique Gutiérrez

por Carlos Valle

Un sonido más etéreo y onírico es lo que predomina en este álbum, con ese conjunto de cuerdas y teclados, que flanquean siempre a la voz de Björk que no solamente canta, sino que es de esas personas que son capaces de utilizar su voz como un instrumento más,ya que pinta paisajes musicales.

Así mismo, el proyecto visual que tiene está a la altura del arte del disco, sobre todo el primer video del sencillo “The Gate” donde parece una villana de Sailor Moon traída al S. XXI en occidente.

Nunca es fácil de escuchar a Björk, ya que siempre exige un poco más por parte del oyente, sin embargo, este sí diferencia de otros trabajos que es menos intransigente en este aspecto.

ALTOS VUELOS POR ENCIMA DEL OASIS

por Diego Venegas

UNA VUELTA A LOS 20 CON SAN JUAN PROJECT

Conocido por los medios y el público por discos en tonos sepia como lo fue Morning Phase (2014), donde retrató su malestar provocado por su lesión de espina dorsal, Beck deja ver un nuevo yo en su nuevo disco Colors. Se hace honor al nombre ya que a través de cada una de las canciones del álbum nos permite ver piezas coloridas y frescas que no concuerdan con lo que se refleja en su trayectoria musical.

Las armonías vocales, los silencios y, sobre todo, la diversidad de instrumentos en donde podemos encontrar metales, cuerdas y sintetizadores logran un disco enérgico, alegre y lleno de las mejores vibras. En canciones como “Colors” podemos ver a un alegre Beck; alejado de la tristeza y con ganas de hacer divertido el rato del escucha y utiliza el pop clásico que no cae en lo anticuado ni en lo futurista.

Sin lugar a dudas, este panorama colorido y musical, demuestra que la industria puede ser versátil y de calidad.

Proyecto de nu-jazz que nació en Guadalajara, conformado por el dúo de amigos, Arturo De La Torre y Arturo Lamadrid, recientemente se presentaron en el Circuito Indio y han confesado que tienen como próxima meta: el Vive Latino.

Amor Al Harte (sí, con H), su tercer producción discográfica, contiene 8 canciones; todas con un estilo auténtico que va desde trompetas hasta marimba, sin olvidar el feeling cabaretero. De entrada en la canción “Te Va A Gustar” expresan de manera muy peculiar que el álbum te deleitará.

A pesar de que los tapatíos creen que es mejor recordar una canción que contenga palabras, nos revelan una gran pieza instrumental: “Pin Up Poser”. Si prefieres las composiciones más dinámicas, tienes la opción de escuchar “Caile”, su melodía al puro estilo de los años 20 te dejará con ganas de una balada más duradera.

Ten por seguro que este disco te sorprenderá en cada track, bastará oír los primeros acordes para repetir las canciones una y otra vez.

por Arturo Rojas

por Sharon Mont

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Cualquier oportunidad para opacar a tu hermano es buena. Sobre todo si el se llama Liam, tú Noel, y su apellido es Gallagher. Curioso es que “Holy Mountain”, primer single de los High Flying Birds, saliera solo a un par de días después de que Liam lanzara As You Were. Broma pesada o simple coincidencia, el sencillo tenía, precisamente, eso de lo que el disco de Liam carecía: una pizca de descaro con una de experimentación.

El resultado: 11 canciones que redimensionan a Noel y lo mantienen como un rockstar ávido de reinvención. Who Built the Moon? es versátil y emancipado.

Cargado de influencias, sí. Pero, al fin, libre del sonido que parecía haberlo condenado al pasado.

“Fort Knox” introduce, con su batería potente y el sonido que alude a la psicodelia pinkfloydiana, a un álbum sostenido por tres o cuatro temas colosales. Destaca “It’s a beautiful world”, punto álgido del disco con un amplio toque electrónico y “The Man Who Built The Moon” que cierra con broche de oro.

Who Built the Moon? nos muestra que tocar las alturas es posible. Basta con liberar el ayer, perder el miedo al futuro y aceptar el presente.

UN MUNDO COLORIDO DONDE EL SEPIA EXISTIÓ

LA MISANTROPÍA DE MORRISSEY

por María José Sánchez

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Low in High School , es un disco que te gusta o no, que lo terminas de escuchar o lo dejas después de dos canciones, así como aceptas a Morrissey solista o solo te gusta con The Smiths. A diferencia de lo que muchos puedan o quieran pensar, el último álbum de Moz es un capricho.

Obviamente no es un capricho azaroso, después de 11 discos por fin el músico británico se decide por realizar algo que nos permita echar un vistazo rápido a su mente para comprenderla desde un punto político y personal, en la que nos podemos encontrar el aislamiento y la contradicción.

Es ahí donde comenzamos el recorrido por Low in High School, con una mezcla de sentimientos sin destinario en “My Love I’d, Do Anything For You”, pasando por el hastío y la pereza de “Spent The Day in Bed” hasta el pensamiento feminista y revolucionario contenido en “The Girl From Tel – Aviv Who Wouldn’t Kneel”.

Definitivamente este álbum no es el mejor de su carrera pero sí el más polémico ya que a través de 12 canciones Moz nos recuerda que el maldito sistema está mal pero que “All the Young People Must Fall In Love”.

G-EAZY

INCOMODANDO A LAS CELEBRIDADES por Javier Jarquín

Se acaba el año y como regalo de Navidad llegó el nuevo álbum de G-Eazy bajo el nombre de The Beautiful & Damned (basado en la novela de Scott Fitzgerald). El quinto disco del “raperopopero” californiano salió a hace un par de semanas, dejando un buen sabor de boca en el mundo del hip hop, y llevándose la etiqueta de ser parte de los mejores álbumes de este año, estando en varias listas de conteos del año.

A comparación de materiales pasados, aquí Gerald hace un trabajo más oscuro, potente en materia lírica, haciendo críticas a celebridades y con un beat digno de presumir y de ponerse en ese pedestal de las estrellas del hip hop.

74 minutos repartidos en 20 temas (2 discos, en formato físico) y con más de ocho features con diversos artistas, hacen que esté bien cobijado el rapero y que sea un material bastante digerible y agradable a la escucha.

Entre los tracks más destacados, sin duda, su sencillo “No Limit” que fungió como su primer anzuelo al lado de A$AP Rocky y por supuesto “Him & I”, compartiendo el micrófono con la cantante Halsey.

MIEL Y DANCE CON LOS FUTURE ISLANDS

por Javier Jarquín

Este nuevo álbum de los oriundos de Carolina del Norte vio la luz los primeros meses de este 2017, justo el viernes 7 abril llegó a nosotros. Ese día nos despertamos con la buena noticia de que estaba listo el quinto álbum del trío que gusta de navegar entre los ritmos del synthpop.

The Far Field es el título de este material que por 12 tracks nos lleva y envuelve entre sintetizadores, atmósferas y letras de amor, siendo éste último el recurso más repetitivo a lo largo del álbum. En ocasiones puede sonar muy parecido a sus pasadas producciones; y aunque no figure entre los discos más vendidos o sonados del 2017, la verdad es que resulta agradable, elegante y hasta satisfactorio la escucha. Desde el tema uno hasta el cierre nos atrapa y nos deja con ganitas de más.

Los temas poseen una lírica muy personal, creación de Samuel Herring.

Entre lo más destacable resaltan “Ran”, “Day Glow Fire”, “North Star”. Entre los aciertos, sin duda, la colaboración de la reina Debbie Harry en “Shadows”. Si aún no conoces a esta banda, puede que este álbum sea una buena carta de presentación.