Revista Kuadro No. 10 by Revista Kuadro

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Apolo

Adaptaciones De La Vida De Rockeros A La Pantalla Grande

Elis Paprika

Los 10 Videos De Concierto

Siddhartha

The Dark Side Of The Oz

Daniela Spalla

Kuadro Beat

Panic! At The Disco

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Record´ando

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Revista KUADRO es una publicación bimestral. Editor responsable: Francisco Zamudio, con domicilio en Calle La Ideal No. 54 Col. Industrial, México, D.F. CP 07800 Deleg. Gustavo A. Madero. Teléfono: 29783750. Número de reserva al título en Derecho de Autor: 04-2011-090609421400. Número de certificado de licitud, título y contenido en trámite, ante la Comisión Certificadora de Publicaciones y Revistas Impresas. Imprenta a cargo de Sandoval Impresores, Tizapana 172 Col. Metropolitana 3era Sección C.P 57750. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta publicación por cualquier medio, incluyendo los electrónicos, sin previa autorización por escrito de parte de la Dirección. El material publicitario se acepta con un criterio ético, pero los editores declinan cualquier responsabilidad respecto a la veracidad y legitimidad, de los mensajes contenidos en los anuncios. Revista KUADRO considera sus fuentes como confiables y verifica los datos que aparecen en la revista, en la manera que le es posible. Todas las marcas, logotipos, nombres e imágenes mencionadas en esta publicación, tienen derechos reservados. El uso de los mismos es sólo de manera informativa. Revista Kuadro No.10 Marzo 2014.

DIRECTORIO Dirección General Laura Romero Dirección Adjunta Ivana Castro

El inicio del año empezó muy fuerte, con mucho trabajo y más activo que nunca en el mundo de la música y cuando veo todo lo que se ha trabajado para esta nueva edición y todo lo que está involucrado, me da una tremenda alegría y satisfacción ver como ha crecido nuestra familia Kuadro, tanto en colaboradores, como en número de lectores, seguidores, uno que otro troll, pero todos son bienvenidos; mil gracias por estar con nosotros. Una de nuestras grandes pasiones es el cine, y por eso en esta ocasión escogimos la pantalla grande y el rock, para adentrarte en este tema que va en muchos aspectos de la mano del rock y sus creadores, espero que la disfrutes mucho. También quiero platicarte que estamos estrenando programa de radio, todos los domingos podrás escuchar el resumen de las noticias más importantes de la semana, tendremos invitados, complacencias, hablaremos de conciertos y por supuesto habrá muchos regalitos. Como siempre esta vez quiero agradecer y dedicar este número a un grupo de personitas llenas de amor, pasión y con mucha #ActitudKuadro que han hecho esta hermosa revista, vamos paso a paso, todos somos Kuadro Laura Romero

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Colaboradores Carlos Valle @ValleSitja

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Verónica Vázquez @YoSoyHippie

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Rockberto Jiménez @rockbertoj1

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Community Manager/ Web Master Danhiel Romero

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Medios y Prensa Valeria Lazcano

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Editor Francisco Zamudio Consejo Editorial Danhiel Romero Verónica Vázquez Eduardo Del Olmo Alan Navarro Mayela Zuñiga Corrección De Estilo Ana Ceballos

PR Uriel Sánchez Diseño Editorial Abraham Salazar Diseño Citlalli Mazariegos Cármen García Sayra Sanchéz Alejandro López Mariana Torres Israel Arana Grissel Coutiño Mauricio Gutiérrez Alan Benavides Germán González Nancy Cárdenas Jennifer Navarrete

Fall Out Boy Quique ﾃ」ila

Matﾃｭas Aguayo Abraham Salazar

Los Black Jacks Grissel Coutiﾃｱo

Wild Beasts Bruno Muﾃｱoz

Anika Abraham Salazar

Pedro Piedra Eder YaĂąez

Silver Apples Abraham Salazar

Kaiser Chiefs JesĂşs Cornejo

Texto y fotos por: Javier Gopar

CECI BASTIDA“La edad de la Violencia”

Tuvimos la dicha de entrevistar a Ceci Bastida, quien nos cuenta algunas anécdotas desde Tijuana No!, hasta Julieta Venegas y su progreso como solista. sensación de impotencia y de no saber qué va a pasar. Por eso las canciones hablan de ello, de una violencia con la que hemos vivido siempre.

¿Cómo surge Ceci Bastida musicalmente? Empecé a tocar desde hace años. Con Tijuana No! grabamos tres discos juntos. Después, con Julieta Venegas, del 2000 hasta el 2008. En ese entonces ya estaba componiendo un poco como solista, pues aunque con Julieta Venegas el trabajo era muy divertido, la desventaja que tienes en tocar con un grupo o con alguien más es que tienes que acoplarte a sus cambios.

¿Cuándo se estrena el disco? En marzo de este año. ¿Cuál va a ser el primer sencillo? Hasta donde yo tengo entendido, será ¨Una vez más¨.

¿En qué año empezaste como solista? Diría que en el 2008, pero saqué el disco (“Veo la Marea”) hasta el 2010 de forma independiente. Me dejó muy satisfecha, ya que trabajé muchísimo y los resultados fueron sorprendentes.

Cuéntanos de tu participación en el Vive Latino 2014. Es uno de los festivales más increíbles en los que me ha tocado presentarme. Me fue muy bien con el primer disco y también con la participación que tuve como artista invitada de Tijuana No!. Estoy muy emocionada de volver a tocar aquí en la Ciudad de México y qué mejor que en el Vive Latino. Para este año tocamos el sábado presentando mi nuevo material y también del disco anterior.

¿Cómo fue tu evolución de tocar en un grupo a estar como solista? Empecé a tocar el piano de forma clásica pero no lo hice por mucho tiempo. De ahí toqué con un grupo de géneros Punk y Ska. De alguna manera estaba muy clavada en hacer ese tipo de música y no exploraba otras cosas. Cuando comencé con Julieta Venegas estudié mucho sus canciones pues las tenía que tocar, y vi cómo componía ella. A partir de ahí aprendí mucho y lo mejor que se me quedó es tener la mente abierta. Eso me hizo crecer.

¿Qué sigue después del Vive Latino? Aún no tenemos definido nada pero sí pensamos regresar al D.F. Ceci Bastida finalizó la entrevista con una invitación a todo el público para el próximo Vive Latino, en el cual ella estará presentando su nuevo disco titulado ¨La edad de la Violencia¨.

¿Qué esperamos de tu nuevo disco ¨La edad de la Violencia¨? Siempre me gusta hablar de temas sociales. Ahora que la violencia está en su máximo esplendor en México y en todo el mundo, me siento con una

Por: Danhiel Romero Foto: Marisol Armenta

¿Qué tanto les ha costado estar aquí, en el DF? Ha sido un camino largo, cuando llegamos básicamente no teníamos nada e igual nos pasó cuando llegamos a Monterrey. Fue empezar desde cero, pero siempre ha sido lo mismo: echarle ganas, tocar y disfrutarlo al cien. ¿De dónde nace la idea de dejar Chihuahua e irse a Monterrey a intentar hacer algo? Ya habíamos tocado en todo el circuito de bares de Chihuahua y decidimos irnos sin amigos, sólo con la confianza en lo que hacemos y en nosotros mismos. Fue tocar puertas, llegar al bar más pinche o ir a los toquines y así pudimos conocer a más personas. ¿Los invita alguien a venir o es decisión de ustedes? Fue decisión de nosotros, porque en Monterrey estaba pasando lo mismo que pasó en Chihuahua: había lugares, pero eran muy pocos y la Ciudad de México era muy buena opción; además de que todo está súper cerca aquí. ¿Cuáles eran sus expectativas al momento de salir de Chihuahua? Queríamos estar toque y toque en donde fuera, no nos imaginábamos estar en el punto donde ahorita. Tienen un gran apoyo, que es Omar Rodríguez, ¿Cómo llega a la vida de Apolo? Fue una vez que nuestro manager lo invitó a vernos tocar. A Omar le gustó el proyecto, firmamos un contrato y a partir de ahí ha sido una relación padre, cree mucho en la banda y se siente iden-

tificado con nosotros porque también le ha chingado. El 2013 fue un gran año para ustedes, le abrieron a Foo Fighters, el Vive Latino y ahora empezaron el año tocando con Panic! At the disco y Fall Out Boy, ¿cómo toman todos estos logros? Sorpresivamente, porque no lo esperábamos. El 2013 nos benefició, pero también fue gracias a que estuvimos trabajando. Tuvimos 33 fechas, muchas veces sin ganar nada o tenías que meterle ahí para comer o lo que sea, pero al final es una inversión que tuvimos que hacer. ¿Cómo fue la invitación de Foo Fighters para que le abrieran el concierto? Nace de que a Dave Grohl le gustó la banda. Le llegó por Butch Vig, que fue el productor de Nevermind, y pues es muy buen amigo de Dave, entonces le llegan las propuestas de Ocesa de las bandas para que abran los shows y Dave les dijo que quería que nosotros le abriéramos y nos dejaron tocar el miércoles. ¿Hubo un contacto directo con Dave Grohl? Conocimos a toda la banda. Son personas bien chidas. Estuvimos platicando como 20 minutos, había momentos en los que se nos olvidaba que era el güey de Nirvana, porque es súper sencillo.

En este nuevo EP, Tercer Solar, ¿qué cambios ha tenido la banda conforme al anterior? Vienen tres tracks, que son la misma línea que traía el anterior EP y dos tracks en donde quisimos presentarle a la gente lo nuevo que estamos trabajando que son “Siddhartha” y “Galatea”, canciones súper enérgicas. Para este año viene su primer LP, que ya nada más están esperando grabarlo, ¿no? Todavía queremos hacer más canciones para llegar con un abanico amplio; Omar tiene muchísima experiencia en el estudio y esperamos aprender mucho de él, ya sólo es cuestión de que se cuadren los tiempos y meternos a grabar. ¿A qué va sonar su disco? Creemos que va a estar ruidoso porque el tipo de grabaciones que hace Omar se ha caracterizado siempre por eso y de hacer todo más orgánico, como en un toquín en vivo. ¿Para cuándo tienen pensado sacar el nuevo LP? Nos gustaría que fuera para verano. ¿Qué viene para Apolo en este nuevo año? Queremos ir a Latinoamérica, es como la primera gran meta que nos queremos poner y también tocar en el sur de Estados Unidos. .

Celebrando sus 10 años Elis Paprika nos cuenta a detalle todos su planes para este 2014.

Por: Danhiel Romero Fotos: Jesús Cornejo

Diez años se dicen fácil pero has pasado por infinidad de cosas, ¿cuál crees que sea tu momento más complicado? La pelea con la disquera. Me la pasaba casi todo el tiempo borracha, súper mal. No tenía, según yo, otra salida. Me desgastó mucho.

¿Llegaste a pensar que sería el fin de tu carrera? Sí. Si quería empezar otro proyecto no podía porque no firmé como proyecto sino como persona. Vimos todas las maneras hasta que pudimos comprobar que no cumplieron ninguna cláusula del contrato y entonces se anuló. ¿Cuál sería tu mayor logro? He logrado casi todo lo que me he propuesto. Lo único que me falta es Glastonbury y ser una artista consolidada. Muy pocas bandas logran repetir tres veces en un Vive Latino. ¿Qué sientes de que te hayan convocado una vez más? Cada Vive Latino ha tenido su magia. El primero

era la meta de todos, el segundo ya habíamos salido de todas las broncas que teníamos con disqueras y esta vez es celebrando nuestros diez años. ¿Tienes pensado hacer algo especial para estos diez años? Estamos haciendo, entre Pablo Camarena y yo, el documental de Elis Paprika. Queremos estrenarlo para el próximo año. También estamos haciendo lo del disco de celebración de los diez años. Serán dos EPs: Elis Paprika and Friends y Elis Paprika and the Black Pilgrims. Cuéntanos algo de este disco que estás promocionando. Lo hice porque hay gente que conoce a Elis Paprika a raíz del Animal o del Maldito, pero no conoce lo de atrás. Antes de los diez años quería que supieran algo de la historia y era una forma de hacer un recuento de todas la historia por medio de las rolas. Siempre seguimos con la idea de una banda y composiciones sencillas. Tal vez en Elis Paprika and Friends varía un poquito porque va a

ser con el invitado que está acostumbrado a hacer con secuencias. Una cosa es ser intérprete, pero tú eres músico. ¿Cuándo te das cuenta que puedes escribir y hacer una canción? Lo que pasa es que me corrieron de muchas bandas porque cantaba muy mal o me decían “tú sólo cantas, no eres músico”, entonces me enojaba y me metí a estudiar música para poder componer mis propias cosas. Cuando me fui a Inglaterra a vivir fue difícil porque estaba sola. Ahí fue donde empecé a componer las cosas que me gustaban. Ahí hice “Give Me Love”. Eres de Guadalajara. ¿Cómo ves el boom de la llegada de muchas bandas de allá al D.F.? Siempre hemos sido lo más fregones, jajaja. Guadalajara tiene la magia. No porque yo sea de allá. El rollo que tiene Guadalajara es que no hay muchos lugares para tocar. Lo único malo es que no se quieren mudar todos acá al D.F. que si no les quitamos la chamba.

Por: Danhiel Romero Fotos: Jesús Cornejo

Este trabajo es muy diferente a lo que habías estado haciendo, ahora en este disco estás acompañado de varias personas. ¿Por qué? Ha sido un proceso natural. Los discos pasados habían sido un poco agotadores, me llevaba mucho tiempo grabar. Lo hice de manera diferente para no repetir una fórmula de trabajo. La mayoría de la gente que participó en este disco son amigos míos; no fue una participación en ningún caso planeada, sino que las cosas se fueron dando. ¿Qué tan complicado para ti fue grabar con gente acompañándote en el estudio? Nunca había trabajado a nivel creativo con ellos y en general con otros músicos. No me fue difícil, más bien creo que enriqueció en muchos aspectos. ¿Qué tantos cambios hay desde la maqueta inicial de las canciones hasta lo que podemos escuchar en el disco? Hay un mundo de cambios en medio. En este disco, por ejemplo, hay temas que desde la primera vez ya sonaban prácticamente igual, lo que se hizo fue pulirlos, grabarlos bien, detallarlos, aterrizar los arreglos, pero hay temas en los que prácticamente no encuentras la raíz. ¿Qué tan difícil es descartar algunas canciones para el disco? Lo que he hecho es cortar las canciones

que están maduras, la que ya hayan llegado a un punto de madurez y se sientan mucho más aterrizadas que el resto. ¿Por qué llamar El Vuelo Del Pez tu disco? El título del disco hace referencia a un proceso de cambio, justo se refiere a un pez que sale de su hábitat y empieza a desarrollar la habilidad de volar, consecuencia de querer aspirar a un siguiente nivel y conocer no solamente el entorno que tiene sino el que desconoce; el arte trata de ejemplificarlos con este pez que ahora está volando y ve el agua desde arriba como su mundo pasado. ¿Con quién trabajaste el arte? Con mi hermano Iram González que ha trabajado en mis dos discos anteriores y con Jorge y Andrés Solís, quienes son un colectivo de diseñadores. Después de los éxitos que has tenido con tus dos discos, ¿te han ofrecido algo con alguna disquera? ¿Estás interesado o quieres seguir siendo independiente? No estoy ni casado con la independencia, ni tampoco compraría la idea de tener que trabajar con un trasnacional. No estoy cerrado y ojalá se diera para que tuviéramos más promoción y que el proyecto llegara a otros niveles, pero siempre tratando de respetar esa línea musical y artística.

Daniela Spalla Por: Danhiel Romero Fotos: JesĂşs Cornejo

“Ahora vienen por nosotros” Revista Kuadro se congratuló en charlar con una belleza argentina que reside actualmente en la Ciudad de México. Es una gran promesa femenina que seguramente pondrá en alto el nombre de su nación el próximo Vive Latino… ¿Cómo es regresar a tu país natal después de un rato de estar en México? Lindo, fue más que nada un viaje para ver a la familia, pero también pude ver a algunos amigos que trabajan en medios allá, todos estaban ansiosos por saber cómo estuvo mi año, las cosas que he estado haciendo. Me reconecté con la gente que conocí y con quienes crecí allá. Para una chica como tú, sobre todo como mujer, ¿es difícil pasar de Córdoba a Buenos Aires y de ahí a un país totalmente distinto como lo es México, y estar sola? A mí se me hizo más complicado cuando me fui a Buenos Aires porque estaba bastante sola al principio. No conocía mucha gente y era chica cuando me mudé. Como que no me movía muy bien, no iba a los lugares que tenía que ir, me quedaba mucho en mi casa, entonces eso fue lo más difícil. Al llegar a México, ya tenía la experiencia de estar en una ciudad diferente, entonces sabía las cosas que tenía que hacer para que no me pasara lo mismo; también encontré un grupo de amigos muy integradores y rápidamente encontré compañía en ellos. ¿Cuál crees que es la mayor diferencia en el aspecto musical entre Argentina y México? La mayor diferencia que yo encuentro es que en Argentina es más entre bandas, no tanto de solistas. “Ahora vienen por nosotros”, ¿de dónde sale el título de tu nuevo disco? Muchas de las letras del disco hablan sobre relaciones frustradas o que no avanzan y hay un deseo de salir. El título del disco viene a manera de esperanza de que algo me va a sacar de ahí.

¿Han intentado boicotear tu carrera musical? Yo no creo que sean malas intenciones, pero sí he tenido relaciones laborales que no han funcionado… precisamente “Arruinármelo” se refiere de una en la que el productor no quería que yo avanzara en ciertos aspectos como en composición, producción, de las primeras cosas que hacía. ¿Qué tan difícil fue para ti definir tu sonido? Fueron años, fue tiempo y fue muy de a poco… Escuchaba Rock nacional, Spinetta y Fito Páez, ellos tienen una influencia como de Stevie Wonder, que tiene un elemento de Soul. Entonces iba creando un poco mi música y aplicando esas influencias de Soul y Rock y después me empecé a voltear hacia el pop que era la música que yo escuchaba en la adolescencia y fue la música que a mí me hizo despertar las ganas de tener esto como profesión. En este nuevo disco el productor es Rafael Arcaute, ¿Cómo te acercas a él? Me lo presentó un manager que tenía en Buenos Aires. Le mostré tres canciones y le gustaron, sobre todo una que está en el disco y en el EP que se llama “Si no lo cortas” y entonces me dijo que siguiera escribiendo que faltaban canciones. Y empecé a escribir y también nos faltaba financiamiento para poder hacer el disco, al final cuando lo conseguimos lo llamé, nos pusimos a elegir repertorio.

Desde agosto se empezaba a hablar de este disco y tardó en salir, ¿Cuáles fueron las razones de la espera? Fue más que nada por una cuestión de que estábamos aliándonos con Warner entonces teníamos que definir esa alianza y cuando se terminó de arreglar ya era un poquito tarde en la época del año y por eso decidimos a principios del 2014. ¿Cuándo sale el nuevo disco? El disco sale 18 de marzo. Si comparamos “Magma”, tu primer disco, con éste, ¿Qué diferencias hay? En este disco las estructuras y el ritmo de las canciones tienen más arreglos... El disco también tiene una energía un poco más rockera por momentos. El EP es un poco lo que tenía en la época de jazz, porque también está producido por un músico de jazz entonces ahí está la mayoría de los cambios y después yo creo que hay muchísimas más guitarras. ¿Qué representa para ti el formar parte de este cartel del Vive Latino? Un reconocimiento, un orgullo muy grande y esta emoción de que coincida con los 15 años. Es también un desafío muy grande la oportunidad de mostrarle a la gente que cosas se hacen en Córdoba, al público mexicano de qué se trata.

¿Qué tanto aportó Rafa en el sonido del disco?

¿Qué tienes preparado para ese día?

Mucho. Rafa a lo que me ayudó es que sonaran las cosas bien porque en mis maquetas sonaba todo muy mal y sobre todo a salir un poco de las referencias que yo le mandaba, como a despegarme de ello y entender el camino por el que yo quería llevar el disco para sacarlo y aportarle algo de originalidad y que la canción terminara de cerrar con el arreglo y la estructura que mejor justicia le hacía a la canción.

Me interesa hacer un show en el que pueda mostrar que las chicas podemos ser muy románticas y sentimentales pero hay una energía visceral en el escenario que puede ser canciones de amor, pero ese sentimiento se transforma en el escenario en algo muy potente; en cuanto a energía eso quiero hacer, es mi objetivo poder hacer el show bien arriba.

Panic! at the Disco Los “showboys” de Las Vegas

Por:Laura Rangel Fotos: Cortesía de Warner

“La casa siempre gana”. Más que una frase, es toda una ideología que Panic! at the Disco ha sabido practicar y compartir al mundo; desde su natal ciudad del pecado y tras 10 años de carrera, han cumplido muchos sueños, han logrado mantenerse en el gusto del público y han dejado en claro que van para largo.

La banda ha estado de gira junto a Fall Out Boy y pasó recientemente por México, en un concierto el cual tuvimos la dicha de cubrir y Revista Kuadro tuvo la oportunidad de platicar con Brendon Urie, vocalista de Panic! at the Disco y en entrevista, esto fue lo que nos dijo:

En el momento en que escuchas el nombre de la banda o de alguna de sus canciones, das prueba plena de que, definitivamente, tiene algo especial, y es que tratar de encasillarla dentro de un sólo género sería materia difícil, más aún cuando tenemos la oportunidad de apreciar alguna de sus presentaciones en vivo.

“Too Weird to Live, Too Rare to Live” es el nuevo material discográfico y es el cuarto en su haber, ¿qué tal les ha ido con él, tras casi 10 años de estar presentes? Es loco, ha habido muchísimo apoyo y muchísima exposición. Este nuevo disco nos gusta mucho, lo trabajamos mucho y ha sido toda una aventura el presentarlo a nuestros fans. Ahora que lo pienso, no se siente como que llevemos 10 años, hemos salido de gira durante 9 y aún queremos hacer más. Estamos ansiosos por saber qué nos depara el futuro, hacer colaboraciones, todavía nos falta conocer a muchos de nuestros héroes. Ha sido muy placentero pero aún queremos más y estamos seguros de que todavía nos queda muchísimo camino, en lo personal hay una cantidad infinita de cosas que aún no hemos tenido oportunidad de hacer pero que queremos lograr. he hecho colaboraciones, lo cual es una meta más que subirnos al escenario y salir de Recientemente estuvieron en México, ¿cómo estuvo? ¿Cuál que alcanzar. gira. Es cuestión de transmitir toda fue el cambio más importante que notaron la primera vez que esa energía que solamente se geestuvieron aquí comparado y ésta última? Porque, la primera Se dice que la vida antes era más simple (quizá nera en un concierto, moldearla vez, el “Emo” y el “Punk Rock” estaban en su máximo apogeo, lo era); refiriéndonos a la música, antes se esy regresarla para que puedan abera toda una revolución. cuchaba más rock o pop. Hoy en día tenemos sorberla de nuevo. Cada vez que tantos géneros y constantemente estamos salimos de gira, la producción que Recuerdo que tocamos por ahí del 2006 en la Ciudad de México, etiquetando todo que a veces se vuelve confutraemos es diferente y tenemos que nunca antes habíamos salido del país y el estar allá fue algo comso y encima de eso, están aquellos que juran trabajarlo de otra manera, así es pletamente nuevo, no lo esperábamos, sólo teníamos un disco que el rock está en agonía, que la industria como funciona, no creo que tenga y el show fue maravilloso, los fans se entregaron por completo. está matando a la música, que el talento está chiste que entreguemos una y otra En esta reciente ocasión no sólo tocamos en la Cd. de México, sobrevalorado o la alta dosis de exposición a vez la misma presentación, podríatambién lo hicimos en Monterrey y nos encantó. Amo México, éste, hace que lo subvaluemos. ¿Qué pienmos decir que en nuestros shows me gustan muchas cosas, me encanta viajar y tener la oportunisas acerca de esto? ¿Te parece que el género es el sello que nos gusta imprimirdad de regresar fue magnífico. Ver caras nuevas pero también simplemente está cambiando, que el etiquetar le, que sepas que ninguno va a ser reconocer caras familiares que te han seguido desde el principio todo lo está matando o simplemente sí existe completamente igual. y eso es lo que te llena como banda, al final a quien te entregas es una falta de verdadero talento en la escena? al público. El apogeo de esos géneros sin lugar a dudas dejó que Teniendo en cuenta eso, ¿Consinos posicionáramos y que ganáramos seguidores. Yo no tengo problemas con las etiquetas, si alderarían, o han pensado alguna guien se siente cómodo poniéndonos en tal o cual vez en rendirle tributo a alguien o Hablando estrictamente de música, hay un par de bandas tamgénero, está bien. Creo que a veces la gente se trabajar un material de covers? bién provenientes de Las Vegas que, como ustedes, ya tienen pone ansiosa si no tenemos etiquetas, es como su lugar dentro de la escena pero no son tan teatrales como es la vida ahora. No creo que la falta de talento No tanto así, más bien nos encanPanic! ¿Es así como “Las Vegas” se refleja en la banda? ¿Se esté afectando, por como yo lo veo, creo que taría cooperar con otros artistas, consideran ustedes mismos como los “showboys” de esta eshay muchísima gente que está esperando su mohay colaboraciones que tenemos cena? mento, que aún no se ha acabado la originalidad en mente. En estos años hemos e inventiva del ser humano, simplemente creo conocido a muchísima gente con la Eso suena interesante (jajaja). Pues supongo que sí, hay bandas que la manera en la que nos llega es la que ha que nos gustaría trabajar y el poder, que, como nosotros, salieron de Las Vegas, como The Killers o mutado tanto que en vez de que esté muriendo el hoy en día, tener la oportunidad de Imagine Dragons que están haciendo lo suyo, pero sí, somos género, está más susceptible a perderse, todo es trabajar con algunos de nuestros diferentes. A mí me encanta Las Vegas y creo que, sobre todo muy rápido: la información, las noticias, es todo ídolos es uno de los mayores logros en nuestro primer disco, “A Fever You Can’t Sweat Out” se hizo al instante y cada vez necesitas destacar más y que vemos reflejado y que gracias a presente esa teatralidad de la que hablas, nos gusta hacer cosas allegarte de las mejores armas, pero es lo que lo nuestro trabajo, todo ha empezado diferentes y más que nada poder aportar algo que nadie más, algo hace interesante. Me siento cómodo pensando a rendir frutos. Justamente he esúnico. Es lo que nos define. que somos parte de algo y no me siento encasillatado platicando con un buen amigo do con las etiquetas. dentro del medio con quien en parTuve la oportunidad de estar en su primer concierto aquí en la ticular me gustaría trabajar y poco Ciudad y recuerdo que en esa ocasión tocaron “Eleanor Rigby” Durante toda la entrevista, Urie se mostró amable a poco se ha empezado a crear ese de The Beatles, ¿Fue algo que planearon o simplemente se y siempre atento a nuestras preguntas, entre risas ambiente de reconocimiento endio? y sin querer despedirnos, fue momento de termitre nosotros como banda y demás nar la entrevista y le agradecimos el tiempo que artistas. Siempre está abierta la A cada uno de los shows que presentamos, tratamos de darle concedió a Revista Kuadro y nos dio las gracias posibilidad de colaborar. Así que un toque especial y hacerlos diferentes, así que en esa ocasión en nombre de Panic! at the Disco. no descartamos que en un futuro realmente no estuvo planeado por completo, sólo sabíamos que tengamos cada vez más participaqueríamos entregarnos y hacer que los fans pudieran recibir un ciones de otros artistas, incluso yo buen trabajo y pudieran apreciar lo que nos gusta, que no es más

ACTORES Y DIRECTORES

ROCKSTARS Por: Verónica Vázquez

Una película sin música carece completamente de sentido; sin música no se recrearían atmósferas, no habría tensión ni mucho menos emociones. Ésta es una lista de diez personas que no sólo pueden impactar en un ámbito en los medios, sino que pueden ser padres, madres, cineastas, actores, rockstars y más. 1.-Rob Zombie

2.-Jared Leto Hombre mil usos, líder de 30 Seconds to Mars. Con tan sólo 43 años de edad consolida una de las bandas mejor posicionadas en su género, sin olvidar, claro, sus memorables actuaciones en cintas icónicas: desde Fight Club, Requiem for a Dream, hasta Panic Room, por sólo mencionar algunas. Se refleja en sus videos musicales la diversidad de contribuciones que tiene en su vida, hace de cada uno un cortometraje y una experiencia multimedia inigualable. Por si faltaba mencionarlo también dirige, produce y ha tenido varios papeles protagónicos como en Mr. Nobody y Chapter 27. Jared siempre se ha distinguido por sus caracterizaciones extremas, como la última que realizó para su más reciente cinta en Dallas Buyers Club.

Metalero, director y escritor envuelto siempre en una imagen “tenebrosa” que forma parte de su identidad, ha dado vida a obras magistrales no sólo en la música, donde ha colaborado con personas como Alice Cooper. Como solista cuenta con cinco álbumes de estudio y se ha inmortalizado en el séptimo arte por su único e inigualable “Halloween”, una versión que a los cinéfilos de corazón agrada muchísimo… ¿no me crees? Si te gusta el cine de terror (literalmente terror) Rob Zombie es el genio que te quitará el sueño.

4.- David Lynch

3.-Justin Timberlake Lo siento, sé que no es un rockero, pero es un músico muy reconocido en su ámbito y ya con una amplia experiencia que lo respalda. Es bailarín, compositor, cantante, actor, empresario, productor discográfico, ¿cuántas mujeres no estarán tras de él? Ex miembro de la banda noventera N-Sync como bien recordarán y con tres discos en su haber como solista, Justin ha formado parte de veinte películas como actor, así sólo sea incidental o secundario; recientemente presentó un protagónico con In time, uno de los filmes de crítica a la sociedad con un toque de ciencia ficción que no te puedes perder.

Reconocidísimo cineasta, parteaguas y ejemplo a seguir para futuros directores. Emblemático y característico en producciones surrealistas y únicas.

5.- Jason Schwartzman La mayoría de los casos anteriores no sólo son guapos. Jason es hijo de la actriz Talia Shire y el director Jack Schwartzman y primo de los hermanos Coppola. 100% criado en una familia de cineastas, ha tenido una aparición muy representativa en dieciséis películas, sobre todo con Wes Anderson, donde ha aparecido en casi todos sus largometrajes. En el ámbito de la música, durante un tiempo formó parte de Phantom Planet, donde fungía como baterista.”

8.-Jon Bon Jovi Músico, actor y cantautor, líder de la banda Bon Jovi, pero también solista con cuatro discos. Bon Jovi no sólo se ha encargado de ser una de las figuras más icónicas y sensuales de su tiempo dentro del glam rock, ni ha sido uno de los intérpretes más coreados de todos los tiempos, más allá de la trayectoria que conocemos de él como músico, ha actuado en catorce filmes en los que se destaca Cadena de favores y con más actualidad, New Years Eve.

9.- Debbie Harry 6.- Björk Diosa islandesa, leyenda de la música experimental, cantautora, multinstrumentista, actriz y productora. Amante de las ciencias naturales y, como pudimos ver en Dancing in The Dark, de los musicales… fue así como comenzó su carrera. Única e irreverente con más de catorce álbumes que han impactado en las nuevas artes como el diseño y la moda. En el 2000 se unen dos genios: Lars Von Trier y esta magnífica intérprete que da vida a un personaje que te lleva al borde de la desesperación en una trama donde desearías poder ingresar a la pantalla y hacer algo al respecto.

Hermosa líder de Blondie, esta rubia jamás perdió su tiempo: tras el break up que tuvo la banda en 1982, se dedicó a la televisión y el cine, apareciendo en la primera versión de Hairspray, My life whitout me, Videodrome y más. Ahora ya en su madurez, México fue dichoso de poder presenciar su talento en vivo, en sus más recientes visitas al Teatro Metropólitan y al Corona Capital. Para que no sólo se deleiten las damas, también, caballeros, hay mujeres muy talentosas.

10.- Anthony Kiedis

7.- Johnny Deep Mejor conocido por sus emblemáticas actuaciones, ya nos imaginábamos que “Cry Baby” con esa imagen tan alternativa al medio en el que pertenece, tendría algún affair escondido con la música. Actor, productor, pintor y músico, cincuenta y ocho actuaciones, y la mayoría como protagónico; tres premios Óscar y más de diez nominaciones al Globo de Oro, este hombre es una joya. En 1997 tocó con Oasis “Fade In Out” para su disco Be Here Now, y formaba parte de una banda que llevó el nombre de “P”, Integrada por Gibby Haynes, Flea de Red Hot Chili Peppers y Steve Jones de Sex Pistols.

Concluimos con un ídolo, un hombre que causa furor y controversia como se caracterizan la mayoría de personajes en esta lista. Conocerlo es parte de la cultura general pues es el fundador de Red Hot Chili Peppers; para despedir esta alfombra roja, un aplauso al nomidado a uno de los vegetarianos más sexys en el 2008, cantante y actor incidental en Breaking Point y ocho películas más: Anthony Kiedis. Una de sus participaciones más inolvidables fue la que hizo para la película Thrashin, marcando así una tendencia entre los jóvenes alternativos y la cultura del skate.

Revista Kuadro concluye su paseo por los famosos más talentosos, versátiles e interesantes en el mundo.

Por: Marisol Armenta Ilustración: Israel Arana

DOCUMENTALES DEL ROCK Está de más decir que la relación del séptimo arte y la música es estrecha, que van de la mano en todo momento. ¿Qué sería de una película sin musicalización o sin un soundtrack? Hoy nos enfocaremos en cinco documentales sobresalientes de la música, que si aún no los han visto podrían ayudarlos a reflexionar, entender, conocer, disfrutar, indagar y hasta debatir sobre alguna postura que en ellos se maneje.

Who Killed Nancy? En 1978 una de las parejas más populares dentro de la música, Sid y Nancy, protagonizaron un hecho que podría haber sido sacado de cualquier película de terror, del cual Sid fue culpado y lo llevó en poco tiempo a su muerte. En este documental se muestran las posibles teorías del asesinato de Nancy, cosas que se “investigaron” y otras teorías que suponen personajes que tuvieron una relación estrecha con los involucrados en esta historia de terror de la cual Vicious puede ser culpable o inocente.

Rebel Beat: The story of LA Rockabilly Un documental dirigido por la hermosa Betty B. en 2006, que retrata la historia del rockabilly y su vigencia hasta nuestros días. Ubicado en Los Ángeles, California, el Rebel Beat ilustra también la inclusión de la gente latina que migra a esta ciudad y de cómo adopta la cultura rockabilly como su estilo de vida. Si te interesa conocer más de la historia del rockabilly, ésta es una excelente opción para que, con imágenes y música, te inundes de información sobre la cultura kustom, el ambiente que se vive en los shows y todo lo que conlleva el rockabilly life style.

Seven age of rock Fue producido por William Naylor. Es un documental de la BBC que se divide en siete capítulos en donde grandes e importantes bandas y cantantes sacan a flote lo mejor de su apogeo musical y de la evolución de éste. En el primer episodio nos muestra el nacimiento del rock, donde podrás observar y conocer la historia de personajes como Elvis Presley, The Rolling Stones, The Who, The Beatles, entre otros. En el capítulo dos, Pink Floyd, el nacimiento de la psicodelia y de grandes exponentes de esta década como David Bowie y The Velvet Underground. Dentro de esta evolución de géneros pasa por el Punk Rock en el capítulo tres. En el Heavy Metal, en el cuatro, donde hay exponentes como Judas Priest, Black Sabbath y Iron Maiden. En el cinco encontraremos Rock de estadio y bandas como Queen, Led Zeppelin, The Police yU2. Capítulo seis y la década de los 90, donde sin duda alguna la banda que marcó a esta generación fue Nirvana, sin dejar de

lado a grandes exponentes noventeros como R.E.M., Perl Jam y Pixies. Esta década culminó con la muerte de Kurt y su legado musical. El episodio siete. El documental finaliza con El Brit Pop, que tuvo a uno de sus mayores representantes en los años ochenta con The Smiths, posteriormente con Stone Roses y más, en nuestros tiempos actuales, como Blur y la banda liderada por Chris Martin, Coldplay. Seven age of rock es un documental bastante interesante cuyos testimonios te sitúan en tiempo y espacio.

Sound City Documental del 2013 que marca el debut de Dave Grohl en el séptimo arte. ¿Siempre has querido saber los secretos que esconde el rock en sus entrañas? Pues Grohl te contará muchos que están guardados en un recinto sagrado del rock: el estudio de grabación “Sound City”, donde algunas bandas como Metallica o Nirvana grabaron con aquella mágica consola de audio. De la mano de estrellas que grabaron en ese emblemático lugar, considerado el mejor estudio de grabación de EUA, te enterarás de verdaderas cosas interesantes que ocurrieron en esas paredes y de lo que Grohl hizo en este lugar para beneficio de sus seguidores.

Woodstock: 3 days of music and peace En 1969 por tres días se realizó uno de los festivales más importantes en la historia: Woodstock, festival que rompió las expectativas de asistencia en los organizadores y que en su cartel contó con personajes como Richie Valens y Jimmy Hendrix, quienes participaron en esa primera edición. El lema de “sexo, drogas y rock&roll” ocurrió fielmente en este festival. Jóvenes hartos de los actos bélicos y hippies, fueron el público. Tan relevante fue este festival, que en 1970 se estrenó el documental que narra todo lo ocurrido durante aquellos días. Fue dirigido por Michael Wadleigh y editado por Martin Scorsese, este documental ha sido galardonado mundialmente por el contenido “histórico” que en él se presenta. Fue ganador al Oscar por mejor documental en 1970.

Por: Carlos Edmundo Ilustración: Mariana Torres

in duda, uno de los (millones de) problemas fundamentales de la contemporaneidad es que nos estamos empezando a sentir expertos en todo, nos estamos volviendo críticos despiadados del trabajo de otros y eso, poco a poco, está matando nuestra capacidad de asombro y de goce. Esto le sucede a todas las actividades creativas, especialmente al cine y, particularmente, al cine mexicano. Y sí, ya sé que quizá la “Época de oro del cine mexicano” murió con Ismael Rodríguez y con Pedro Infante (dupla que no le envidia nadota a una Burton-Deep o a una Cameron-Di Caprio), pero a pesar de ello, se sigue haciendo cine en México, y si bien su calidad puede discutirse, algo que sí nos quedó como enseñanza es que el mejor acompañante para una película es buena música, porque siempre es aliada, complemento, pretexto e incluso, razón. Probablemente por eso es tan común escuchar preguntas de índole «¿Cómo se llama la canción que sale en tal película? », o escuchar «¿Cómo se llama la película donde sale tal canción?» Si hablamos de cine mexicano —que a mí sí me gusta—, hay un montón de ejemplos de esa dicotomía cine-música. A mí, por ejemplo, me es difícil pensar en películas como “Piedras Verdes”, sin traer a la mente el gran cover que le hizo El Gran Silencio a la canción de Ángeles Negros: “Déjenme si estoy llorando”. También me cuesta trabajo escuchar “Al lado del camino” de Fito Páez sin pensar en la película “Por la Libre”, y me pasa hasta con canciones que no me gustan, como “No hay nada más difícil que vivir sin ti” del Buki, que siempre me recuerda la memorable escena de “Y tu mamá también” donde Gael y Diego bailan con Maribel Verdú, para luego bailar más acá, pero entre ellos. Y es que el cine, mexicano o extranjero, necesita la música exacta para tener impacto (sea poco o mucho). Yo nunca hubiera sentido la loquera de las chicas de “Perfume de Violetas” si no hubieran bailado al ritmo de “Baila Monstruo” de Las Ultrasónicas, reído al ritmo de “Si tu boquita fuera” de Salón Victoria, o fajado al ritmo de “Olvidemos el romance” de Lost Acapulco. O para los románticos, ¿de verdad no sintieron ni poquitos escalofríos viendo “Amar te duele” con las melosísimas y enternecedoras canciones de Ximena Sariñana? Algunas veces sucede que las popularidades compiten de tú a tú y se vuelve difícil dilucidar, como con el huevo y la gallina, qué fue más importante, si la peli o

la rola. Eso pasa, por ejemplo, con “Sexo, pudor y lágrimas”, que no sé decir si es de Aleks Syntek o de Antonio Serrano, aunque si a mí me preguntan, yo diría que más bien es de chiquibaby Susana Zabaleta. O como cuando salió “El tigre de Santa Julia”, con esas maravillas llamadas “Hiéreme de muerte” de Ivonne Montero. O ¿qué tal la estupenda película de culto intitulada “¿Cómo ves?” con la participación de mi amado Rockdrigo González, del grandísimo Jaime López, de una espectacular Cecilia Toussaint y hasta de El Tri en su época más brillante? Incluso hay para todos los gustos, porque hasta la película ésa “Niñas mal”, tuvo su rolita popera, y tuvo los espectaculares senos de Martha Higareda, cuando todavía no estaban más vistos que la estupidez del presidente. No obstante todo lo anterior, mi ejemplo (y disco) favorito de la pareja perfecta que hace el cine con la música, es el caso de “Amores perros”, que además de sus Arieles, su BAFTA, su Cannes y su injusto no-Oscar, tiene su propia obra maestra de rock mexicano, porque ese disco, que combina soundtrack y tributo, de verdad es tan inefable, que si no lo han escuchado, les suplico que se hagan ese favor. Sus oídos estarán agradecidos. Siempre puede ser que el cine mexicano no te guste porque no lo dirige un Guilliam o un Scorsese, o porque es medio naco, o nomás porque nel, pero siempre también puede ser la oportunidad de disfrutar una buena canción, un buen soundtrack, o un buen score. A final de cuentas, para eso es el cine, ¿no?, para disfrutar. Y para eso es el rock ¿no?, para disfrutar…

Películas de rock animadas El rock siempre nos ha podido llevar a lugares que sobrepasan la imaginación: nos transporta a donde es imposible llegar, por eso suena tan coherente una película animada de rock. Sólo la animación puede entender este sentir donde lo extraordinario se encuentra. Aquí le presentamos cinco de las mejores películas animadas de rock:

Yellow Submarine

Es difícil no encontrar a los Beatles en una lista de lo que sea, ya que su legado no es sólo meramente musical. También tienen cine y, obviamente, una película animada, donde los miembros son los protagonistas (a pesar de que ellos no hacen las voces, solamente las canciones) se convirtió en uno de los mejores testimonios de los años 60.

Heavy Metal

Nacida de la revista homónima, tiene varios temas, pero en general siempre tenemos dos constantes: sexo y violencia. La película sigue esta idea: animadas mujeres desnudas de rigurosa participación, así como el lujo de detalle de la violencia. El film tiene la ventaja de contar con un soundtrack bastante variado que va perfecto con la película, que pasa por Don Fender y Cheap Trick, luego por el Grand Funk Railroad para seguir por Black Sabbath, Blue Öyster Cult y Nazareth. Una verdadera película de culto, esencial para los metaleros fanáticos del SciFi.

Por: Carlos Valle Ilustración: Grissel Coutiño

Beavis and Butthead Do America

Un viaje a Las Vegas para tener sexo. Una premisa completamente rockstar ejecutada por los protagonistas menos rockstar posibles. Las playeras de AC/DC y Metallica aprovechan para pasearse por la pantalla de plata, sólo que esta vez sin criticar todos los videos musicales (de cuando solían importar). Nos quedamos con esa musicalización tan noventera de la mano de White Zombie, los Red Hot Chili Peppers con clásicos como AC/DC u Ozzy Osbourne.

Rock & Rule

La segunda película canadiense de nuestra lista, también de temática fantástica. Y lo usual, el legendario vocalista que tiene que despertar un demonio para poder ser inmortal. Incluye canciones de Debbie Harry, Chris Stein (integrantes del grupo Blondie), Lou Reed, Iggy Pop y Earth, Wind & Fire, por lo que no es de extrañar las protestas, censuras o todo eso con lo que el rock tiene que lidiar por tener temas como uso de drogas, adoración al diablo o sexualidad implícita. Sobra decir que todos ellos forman el soundtrack de la película, apoyados por Cheap Trick.

The Wall

La película animada más importante de todos los tiempos... y posiblemente la película más importante de rock. No importa que sólo sean 15 minutos de animación, ya que esos pocos minutos son esenciales para darle sentido y cohesión a la trama de Pink Floyd. Todo gracias a la imaginación de Gerald Scarfe, donde salió este complemento perfecto para la obra que Roger Waters.

Por: Mayela Zuñiga

Fue dirigida por Todd Haynes en 1998. El título está inspirado en una canción homónima de David Bowie, por lo que esta película está influida por el Camaleón e Iggy Pop, pero no del todo, ya que Bowie no aceptó que utilizaran su música. En esta película pueden apreciar un poco el entorno del Glam Rock. Fue dirigida por Rob Reiner y es un falso documental sobre una banda de heavy metal. Tanto fue el éxito de la película que decidieron sacar un disco y hacer giras de presentación. ¿Cómo olvidar a Los Ramones y su buena música? Esta película es un gran tributo a la banda y muestra la verdadera esencia de lo que fueron Los Ramones. En este film se narra la carrera del grupo desde su comienzo y su largo camino por ser reconocidos y pertenecer al Salón de la Fama del Rock and Roll.

Siempre es bueno recordar o revivir esos momentos que marcaron una parte importante dentro del ámbito de la música y ¿qué mejor que plasmarlos en una película? Exacto, esa forma audiovisual compuesta por fotogramas creando toda una narración, historia o como se quiera llamar. Aquí les dejamos diez películas clásicas de rock:

Fue escrita por Alun Owen y protagonizada por los auténticos Beatles. Se caracteriza por ser una comedia británica que describe un par de días en la vida del grupo. Recuerden que la trama de esta película es ficticia pero la calidad de músicos que contiene el film es totalmente real.

Es una película británica escrita por Frank Cottrell Boyce y dirigida por Michael Winterbottom, en donde un presentador de noticias, Tony Wilson, no se encuentra satisfecho con su trabajo, por lo que opta por crear una serie semanal de conciertos de punk en donde aparecen Sex Pistols, Happy Mondays, Joy Division y el surgimiento de New Order. Se basa en la historia de la empresa productora más grande de Manchester: Factory Records. Recuerden que esta película es la combinación de eventos verídicos y leyendas urbanas por lo que les sugiero que no se crean todo lo que ven.

Es la película ficticia inspirada en los últimos días de Kurt Cobain, dirigida por Guns Van Sant. Aunque el personaje se llame Blake, tiene las mismas características del ex-vocalista de Nirvana. Esta película fue dirigida por James Mangold. Se basa en la vida de Johnny Cash y la relación que llevaba con June. El buen desempeño y desarrollo del film hizo tener numerosos premios y nominaciones.

Simon John Ritchie, mejor conocido como Sid Vicious, fue bajista del grupo responsable de haber iniciado el movimiento punk: Sex Pistols. Sid y Nancy son los protagonistas de esta película y nos muestran la relación que tuvieron hasta la muerte. El filme fue criticado por John Lydon, ex cantante de Sex Pistols, pues según él, la historia no se ajustó a lo que realmente fue Sid Vicious.

Martin Scorsese tuvo la oportunidad de plasmar las presentaciones de la banda Rolling Stones durante su gira mundial A Bigger Bang.

Forever alone, por siempre Morrissey Por: Rockberto Jiménez Ilustracion: Alan Benavides

La historia de Morrissey surge en Inglaterra, para ser más precisos, en Manchester, donde el joven llamado Steven Patrick Morrissey pasó una adolescencia marcada por una relación sumamente estrecha con su madre, y otra casi inexistente con su padre. Fue un joven que, si bien se salvó de ser alguien marcado por el bullying escolar, fue (según sus propias palabras) alguien solitario e incluso depresivo, característica que aún lo acompaña hoy en día. En lo referente a esos ídolos que de una manera u otra plantan eso que más tarde será fundamental para elegir nuestro camino de vida, se encuentran el actor James Dean y el grupo de los New York Dolls, que para Morrissey fueron claves para su look e inclinación por la música, respectivamente.

Las raíces del Britpop tuvieron una importante semilla En la década de los 80, Morrissey conoce a Johnny Marr, con quien fundó al ahora mítico grupo conocido como The Smiths. Su sonido fue tan característico y tan propio que ha dejado un legado sin el cual simplemente no podríamos concebir bandas como Oasis, Blur y todas las agrupadas en ese estilo musical conocido como Britpop. Sin embargo, tras grabar un total de cuatro álbumes de estudio, la banda se separó como otras tantas bajo el cliché de las famosas diferencias creativas. Es en ese momento que Morrissey decide grabar como solista y publica el clásico Viva Hate de 1988, un disco que contenía uno de los himnos por excelencia de los ochenta… obviamente nos referimos a SuedeHead. 25

un retiro momentáneo y un regreso triunfal

Siempre contestatario

Morrissey continuó con su carrera como solista, con discos como Kill Uncle (1991) y Your Arsenal (1992). Luego de estas producciones tuvo un retiro momentáneo tras la muerte de su representante Nigel Thomas y de su gran amigo Mick Ronson, guitarrista que acompañó a David Bowie en la agrupación The Spiders From Mars. Tras este breve exilio, regresó con la producción del ‘94 titulada Vauxhall and I, que nos muestra un compositor más reflexivo y cuya producción nos regala otro de sus himnos musicales por excelencia: la aferrada The More You Ignore Me, the Closer I Get, que marcó su triunfal regreso a las listas de popularidad británicas.

ducción que está marcada por la crítica hacia el gobierno estadounidense y por contener el sencillo nombrado First Of The Gang To Die, el cual lo hace entrar en el nuevo siglo con el pie derecho y lo consagra como uno de los letristas más importantes del mundo de la música. Para 2006 nos presenta Ringleader of the Tormentors y tres años después publica Years of Refusal, que es, hasta la fecha, su más reciente disco de estudio.

¡oye, Esteban! Tras publicar discos como Southpaw Grammar

(1995) y Maladjusted (1997) sorprendió a sus fans de habla hispana con el anuncio de su gira titulada ¡Oye, Esteban!, una traducción de su nombre que dejaba ver las claras intenciones de visitar Latinoamérica, una gira que eventualmente lo llevó a presentarse por primera vez en países como Argentina, Brasil, Chile y nuestro amado México, aquel histórico 24 de marzo del 2000, en el Auditorio Nacional.

Para el año 2004 lanza You’re the Quarry, una pro-

Activista, escritor y enigmático por naturaleza Pero más allá de su talento musical, ¿quién es el hombre detrás de la fama? La respuesta a esta pregunta es tan compleja como su misma personalidad. Morrissey es un hombre que se define como Humasexual (¡Sí! ¡Leyeron bien! “Humasexual”) en respuesta a un cuestionamiento sobre sus preferencias sexuales. Asimismo es un escritor con la capacidad de convertir su autobiografía, lanzada en 2013, en todo un éxito, ya que en sus páginas nos cuenta su historia y sus memorables anécdotas de una manera directa, sin tapujos y por supuesto, sin

esa necesidad de caerle bien a alguien. Por si esto no fuera suficiente es también un reconocido activista en contra del consumo de carne, y en sus ratos libres sigue siendo ese eterno melancólico.

Las sorpresas para este 2014 Su talento para escribir ya no sólo se verá reflejado en la lírica, pues actualmente se encuentra escribiendo una novela, de la cual aún se desconoce la trama. Por otro lado y luego de que entusiasmara a su público con un homenaje al fallecido Lou Reed con el cover a Satellite Of Love, se anuncia que para antes de que termine este 2014, se editará un nuevo disco de estudio, pues ya se tiene un contrato para grabar su décima producción en solitario. Se dice que se realizará en Francia, bajo la mano del productor Joe Chiccarelli quien ha trabajado para gente como Beck, Tori Amos, The Strokes o The White Stripes por mencionar sólo algunos. También se sabe que uno de sus temas inéditos llevará el nombre de Istanbul (Estambul) como una dedicatoria a su segunda ciudad favorita, pues la primera es Roma.

una melancolía siempre esperada Tanto de la novela como del nuevo disco podemos esperar que contendrán temas muy introspectivos, tal y como nos tiene acostumbrados. Morrissey siempre se ha caracterizado por ser un gran solitario, de hecho durante una entrevista donde se le preguntó acerca de ese tema, respondió con una gran reflexión en la que decía (palabras más, palabras menos) que cuando se es joven se tiene miedo a estar solo y cuando se va madurando se aprende a vivir así y ya no haces nada por deshacerte de ese estado, por el contrario, te resignas. No es algo malo, sino que es parte de un aprendizaje de vida en donde se debe aprender a convivir con uno mismo. Esto nos habla de un ser humano que de verdad transpira el arte pues no se limita a contar lo que sucede en el día a día, por el contrario lo vive en carne propia al grado de desmenuzar el acto de vivir. Gracias a esto ha logrado conectar con miles de seguidores a lo largo del planeta, principalmente con aquellos que como él, viven un existencialismo exacerbado. Por algo Morrissey se ha convertido (sin quererlo y sin importarle, seguramente) en la voz de esas almas solitarias que deambulamos intentando descubrir el para qué de ese algo llamado soledad.

Por Miriam Almeida Ilustración: Nancy Cárdenas

Lo ideal en la vida es que nos dediquemos a alguna profesión con la cual nos sintamos plenos, sin embargo, hay ocasiones en las que podemos realizar una actividad que nos guste y en la que somos buenos aunque también podemos tener la espinita de involucrarnos en otros ámbitos. De eso se trata este artículo en el que les mencionaré a algunos músicos que se han aventurado al mundo cinematográfico, donde han realizado los llamados “cameos”, es decir, hacen una muy breve aparición dentro de la trama de la película, sin ser un papel importante. Algunos cantan en inglés y otros son de habla hispana.

“Point Break”: Cinta dirigida por Kathryn Bigelow, en la que un

agente encubierto del FBI trata de descubrir a una banda de delincuentes, y por aras del destino se ven involucrados en el mundo del surf. En esta película podemos observar al vocalista de la agrupación RHCP, Anthony Kiedis, quien realiza el papel de un surfista.

Santa Sabina es una de las bandas con mayor peso en la escena del rock nacional y uno de sus integrantes ha tenido un par de participaciones especiales en el cine. Nos referimos a Poncho Figueroa, el cual tuvo una pequeña aparición en “De la calle”, haciéndola de un tragafuegos. La cinta mexicana “La mujer de mi hermano”no tuvo gran aceptación, sin embargo, hay una escena donde el dueto mexicano Plastilina Mosh aparece haciéndola de recepcionistas en un hotel.

“Zoolander”: Si algo han caracterizado a las películas de Ben Stiller, es que ha logrado que diferentes. Algunos famosos hacen apariciones especiales en sus cintas; en esta ocasión, el camaleónico David Bowie interpreta el papel del Duque Blanco, quien es el juez en una pasarela de modas que se desarrolla entre Stiller y Owen Wilson, en la que tratan de limar asperezas. Cabe mencionar que casi en la misma escena de la pasarela, también hace una brevísima aparición el vocalista de Limp Bizkit, Fred Durst. “Bromas que matan” (Jawbreaker): Película dirigida por Darren

Stain, es una comedia al puro estilo hollywoodense. Es sobre un grupo de amigas del Instituto Reagan que provocan accidentalmente –por un caramelo- la muerte de quien fuese la reina del baile de graduación, lo que el al tratar de ocultar tal hecho, hacen todo tipo de peripecias para llevarlo a cabo. Aquí podemos observar un cameo del controvertido Marylin Manson, quien aparece teniendo relaciones sexuales con una de las protagonistas del filme. En esta aparición, lo vemos con bigote.

“Back to the future II y III” (Volver al Futuro): Cintas de ciencia ficción de la década de los ochenta, y dirigidas por Robert Zemeckis. Marty McFly (protagonista de la trilogía) viaja a través del tiempo con ayuda del invento de su amigo “Doc”, el automóvil DeLorean. En la segunda entrega, viaja al futuro y ve cómo será su vida de adulto. Mientras que en la tercera parte, viaja al viejo Oeste. Podemos observar algunos de los cameos que ha realizado el integrante de los Red Hot Chili Peppers, Michael Balzary, -mejor conocido como Flea- quien hace el papel de una persona déspota, engreída y abusiva con McFly.

Ciudad de Ciegos es otra película mexicana que puede llegar a considerarse de culto para todo a quien guste de la escena del rock nacional. En esta película podemos apreciar un cameo entre Rita Guerrero (q.e.p.d), Saúl Hernández (Caifanes) y Sax (Maldita Vecindad), haciendo de ésta una escena entrañable por la interpretación musical que realizan dentro de la película.

“Muerte a 33 RPM” (Trick or Treat): Esta película, dirigida por Charles Martin Smith, fue estrenada durante la década de los 80. La trama es acerca de un adolescente (Eddie Weinbauer) quien es un gran admirador del músico Sammi Curr y, tras la muerte de éste útlimo, el joven descubrirá un secreto que se encuentra en la última grabación vynil del cantante. En dicha cinta se encuentran dos cameos interesantes. El primero es por parte del integrante de Kiss, Gene Simmons, quien funge el papel de locutor de radio. Y por otra parte, también podemos ver a Ozzy Osbourne, -también conocido como: The Fucking Prince of Darkness- quien interpreta a un cura que se presenta en un programa de televisión para externar su opinión en contra del rock.

“Todo sobre mi madre”: Película dirigida por el reconocido español Pedro Almodóvar, cuya trama es acerca de una madre que busca al padre de su hijo muerto. En esta cinta, hay un cameo con el cantante de rock argentino, Fito Paéz, a quien podemos observar como parte del público que está en una sala de cine, viendo una película. Estos son sòlo algunos de una gran lista de músicos que han dejado sus instrumentos y las letras de sus canciones para aparecer en el cine.

Scores y Sounstracks Por: Carlos Valle Ilustración: Abraham Salazar

Uno de los elementos más “artísticos” que tiene el séptimo arte llegó hasta que se hizo sonoro, lo que fue provocando una evolución constante y acelerada que nos daba como resultado la musicalización de todos los momentos, los hechos y las sensaciones. Incluso ya hasta ha caído en el cliché: ¿quién no sabe que cuando empieza a sonar un saxofón, es porque viene una escena que te hará sentir incómodo junto a tus papás? Por eso no es extraño que personas dentro del negocio de la música son invitadas a participar cada vez más en esto, a crear complejos mundos sonoros que encajen en el mundo imaginario que se está proyectando. Deben mover los sentimientos y las sensaciones del espectador, pero de una manera completamente diferente a la que están acostumbrados. Aquí tenemos una lista de diez soundtracks/scores (por la vaguedad de la diferencia entre ambas) hechos por personas que viven del rock:

Trent Reznor - Social Network (2010) Junto con Atticus Ross, creó estos pasajes oscuros y sombríos que logran tensión durante la película. La idea central de las relaciones humanas siempre va acompañada por sonidos, a los que Treznor no es ajeno, donde por momentos recordamos su Ghost I-IV. Es raro: un sonido que parecería simple para Trent, logró capturar la esencia de la película.

Omar Rodríguez-López - El Búfalo de la Noche (2007) Soundtrack hecho en Ámsterdam, donde grabó varias ideas, muchas inspiradas en una novela de Guillermo Arriaga, donde de manera directa salió trabajo y un LP solista: Se Dice Bisonte, No Búfalo, así como varios sonisdos que se usaron para el Amputechture de los extintos The Mars Volta.

Pink Floyd - More (1969)

Tom Waits - One From The Heart (1982)

Pioneros en muchas áreas musicales. También fue de las primeras bandas en tener la labor de hacer un soundtrack completo. Es su tercer LP, por tanto, continuaron en su etapa más psicodélica, antes de entrar a una más progresiva, por lo que los coqueteos con el avant garde, junto con otras baladas folk, se complementan con algunas de sus canciones más pesadas de su catálogo. También es el único en que Gilmour lleva todas las voces con Waters en la banda.

A Tom Waits se le dio una responsabilidad enorme: crear la música para el tipo que venía de hacer Patton, las partes uno y dos de El Padrino y Apocalypsis Now. Esta nueva entrega de Francis Ford Coppola no llegó a ese nivel, caso contrario al de Tom Waits, que con este soundtrack de Jazz y Blues dio alma a una película que se encontró lejos de las expectativas.

The Beatles - Let It Be

Todo esto es una rareza: una película infantil animada y basada en una obra de los años sesenta, musicalizada por una de las artistas indies más importantes del nuevo milenio, además de un mini súper grupo indie, ya que también tiene incluido a sus compañeros de los Yeah Yeah Yeahs, a Dean Fertita y a Jack Lawrence para crear un resultado que fue inesperado para todos.

Karen O - Where the Wild Things Are (2009)

Independiente del LP del mismo nombre, esta película es un documento histórico importante, que nos va marcando todo el proceso que erosionó a la banda. Más que película es un documental sobre la última etapa de una de las bandas más importantes de la faz de la tierra. Además, el soundtrack es mucho más largo que el LP pues tiene medleys, nuevos arreglos o algunos covers como “Bésame Mucho”. Solo le faltó ese concierto en la azotea.

The Who - Tommy (1975) Hay bandas que tienen tanto talento, que inspiran a otras a personas a crear otras obras. Eso pasó con su Ópera Rock Tommy sobre un niño ciego, sordo y no tan brillante. Además de un verdadero súper grupo, ya que además de los miembros de The Who se añaden nombres como Eric Clapton, Elton John, Tina Turner, Ronnie Wood y Jack Nicholson. Éste se ganó su lugar en la lista porque es el soundtrack que dio origen a la película.

Ry Cooder - París, Texas (1984) Ry Cooder es de los artistas que parece que nunca van a tener el reconocimiento que se merecen. Uno de los Guitar Heroes anónimos (por más oxímoron que parezca, sí existen). Todo el alma necesaria para tocar el blues se siente a lo largo de la película... incluso es ésa una de las razones por las que es el filme favorito de Kurt Cobain.

Queen - Flash Gordon (1980)

Neil Young - Dead Man (1996)

¿Quién dice que todo se trata sobre sexo, alcohol y drogas cuando se habla sobre los rockstars? Algunos también tienen sus placeres culposos. Para los de Queen se hizo más evidente cuando hicieron este soundtrack para una de las series más importantes de ciencia ficción y pionera del género. Y también estos británicos dejaron su marca. Fue en un momento donde la banda seguía en un pico creativo, además de dejar su marca aún en estos días, pues todos los que vieron Ted, escucharon ahí varias canciones.

Un western posmodernista que gira en torno a la poesía de William Blake requiere de elementos muy particulares. Por eso Neil Young es el encargado de musicalizar este pasaje creativo. En sus tiempos experimentales, armado con su guitarra eléctrica, empezaba a improvisar mientras veía el film. Tenía el toque final con poesía de Blake leída por Johnny Deep. Ya sabemos de dónde sacaron su idea Buckethead y Viggo Mortensen.

El séptimo arte no ha quedado fuera de los alcances de la música y en especial de los ídolos, íconos o leyendas del rock. Más de un director ha llevado a las salas de cine la vida de quienes nos han hecho vibrar con sus melodías. Historias que nos estremecen desde la butaca y generosos soundtracks es algo de lo ofrecido en estas cintas.

Por: Javier Jarquín Ilustración: Nan Cárdenas

What’s Love Got to Do With It by Brian Gibson

Walk the Line by James Mangold

La vida de la famosa cantante Tina Turner, catalogada como “La

Uno de los músicos norteamericanos más influyentes de todos los tiempos, sin duda es Jhonny Cash. En el 2005 bajo la dirección de James Mangold, sale esta cinta que narra la vida del cantante, siendo Joaquín Phoenix el protagonista de esta historia que se desarro lla por 135 minutos. Con varias nominaciones a diversos premios, de lo sobresaliente fue el galardón otorgado a Reese Witherspoon, ganadora del Oscar como mejor actriz por su interpretación de June Carter Cash.

I’m not There by Todd Haynes

RAY by Taylor Hackford

En el 2007 el director de cine Todd Haynes dio de qué hablar con su cinta biográfica y musical inspirada en el ídolo americano del rock y folk, Bob Dylan. Durante toda la película podemos ver a seis actores diferentes que interpretan a Dylan en las diversas facetas de su vida, siendo la actuación de Heath Ledger la más destacada. Un filme interesante digno de ver por todos los fan y no tan fans de Robert Allen. Y claro, como es de esperarse el soundtrack es algo de lo más sobresaliente.

El actor estadounidense Jamie Foxx fue galardonado con un Oscar por su excelsa interpretación del músico invidente de góspel, jazz, soul y R&B, Ray Charles Robinson. El filme narra la vida del músico que fuese estrella de los años 50. Taylor Hackford fue el encargado de llevar esta cinta que tardó 15 años en salir, siendo el 29 de octubre del 2004 su estreno. Una de las películas más taquilleras, hablando de adaptaciones de músicos a la pantalla grande. Además del Oscar otorgado por la Academia a Foxx, la cinta se llevó otro por mejor sonido.

reina del Rock”, ya ha sido llevada a la pantalla grande. El guion salió de un libro autobiográfico de nombre “Yo, Tina”. Gran parte del filme, muestra la relación oscura de Tina con su esposo Ike Turner. Angela Bassett fungió como la protagonista de esta cinta que recaudó 50 millones de dólares, pese a las críticas.

Great Balls of Fire! by Jim McBride

La Bamba by Luis Valdez

Cuando se habla de los pioneros del Rock and Roll, no podríamos dejar afuera al famoso “The Killer”. La vida de Jerry Lee Lewis fue llevada a la salas de cine en 1989 por Jim McBride y estelarizada por Dennis Quaid. A lo largo de una hora con 43 minutos se tocan varios puntos parte aguas en la cerrera del músico, desde su comparación con Elvis Presley hasta su polémico matrimonio con su sobrina Myra Gale Brown.

Ritchie Valens se convirtió en un ícono del rock’n’roll después de su infortunio suceso en donde perdió la vida al lado de otras promesas del rock. La Bamba es una de las películas más conocidas y vistas por todos, donde Lou Diamond Phillips interpreta la vida del mexico-americano Valens. Luis Valdez es el director de este filme que vio la luz en 1987. La mayor parte del soundtrack está realizado por Los Lobos.

Sid & Nancy by Alex Cox

Control by Anton Corbijin

Cuando uno piensa en punk, quizás algo de lo primero que se nos viene a la mente es la emblemática banda británica de nombre Sex Pistols. Uno de los elementos clave de esta legendaria agrupación fue su tan excéntrico bajista Sid Vicious. Es por eso, que Alexander Cox, reconocido director de cine de origen británico, se dio a la tarea de realizar una película biográfica acerca del músico, así como de su relación con Nancy Spungen. El filme salió a la luz en 1986 y cuenta con Gary Oldman como protagonista, dándole vida a Sid. Esta cinta causó polémica pues John Lydon -antiguo vocalista de Sex Pistols- mencionó que no refleja nada la vida de Simon John Ritchie, Sid Vicious.

Una interesante fotografía acompañada de una ambientación majestuosa de los años setenta y un ícono de la música, hicieron de “Control” una de las películas sobresalientes del 2007. El filme se basa en el libro “Touching from a Distance”, que son las memorias escritas por Deborah Curtis, viuda del afamado Ian Curtis, vocalista de Joy Division. La dirección corrió a cargo de Anton Corbijin, quien llegó a ser fotógrafo de Nirvana y de los propios Joy Division. A lo largo de toda la cinta se narra la vida de Curtis así como de su relación con esta mítica banda del post punk. Cabe destacar la musicalización de la cinta así como el gran parentesco entre el actor Sam Riley, quien interpreta a Ian Kevin Curtis.

The Doors by Oliver Stone

In his life: The John Lennon Story by Dave Carson

No hay duda que la obra de Oliver Stone quizás sea la adaptación de la vida de un músico en la pantalla grande, con mayor audiencia y una excelente realización. El guion de esta cinta salió del libro “Riders On The Storm” de John Densmore. Val Kilmer pieza clave de esta cinta interpretando a Jim Morrison. Los miembros de la banda y familiares cercanos del “Rey Lagarto” quedaron inconformes con el resultado, pues la cinta contiene errores históricos y se basa más en los escándalos del músico así como en sus vicios, dejando fuera el lado artístico de James Douglas Morrison. Varias de las prendas que uso Val Kilmer fueron prendas auténticas del propio Jim.

Seguramente una de las agrupaciones que más películas tenga en su haber, puede que sea el cuarteto de Liverpool. Ya sea del mítico grupo o de cada uno de sus integrantes por separado, la filmografía da para cualquier gusto. Pero quizás una de las que más guste en cuanto a realización, musicalización y precisión de datos acerca de la vida de John Lennon, es el filme realizado en el 2000 por Dave Carson y escrito por Michael O’Hara. En la cinta se plasma la vida de Lennon de los 16 a los 23 años. Cabe destacar la actuación de Philip McQuillen quien le dio vida a esta leyenda de la música.

Los 10 videos de concierto

Por: Verónica Vázquez Ilustración: Alejandro López/ Sayra Sánchez

¿Qué mejor registro de un concierto, que la grabación profesional del mismo? Una de las ventajas de estas grabaciones es que nosotros también trascendemos al formar parte de esos momentos irrepetibles que se quedan para la eternidad. Después de una exhaustiva investigación, la lista se compone de aquellos registros que tienen calidad y están más que bien posicionados en el inconsciente colectivo de millones de personas, causando furor y locura entre sus fans… así que ¡comenzamos!

1.- Michael Jackson: This Is It Se preguntarán por qué Michael Jackson encabeza esta lista y la verdad es que los récords en ventas y el título que se ganó con todas su producciones como artista son irrefutables. Fue un ícono de la moda, del baile, y también del cine, por ello es que el rey del pop no puede faltar. Lo que puedes encontrar en este material es un documental sobre los ensayos y últimos días del rey del pop. Definitivamente, parte del éxito de este filme se debe a que la fecha en que se estrenó va de la mano con la muerte del ícono.

2.- Queen At Wembley Stadium

6.- Pink Floyd: Pulse

Una de las imágenes con más difusión alrededor del mundo: “Mr. Fahrenheit” con su peculiar y única chamarra de cuero amarilla, en uno de los conciertos más épicos de la historia del rock; el lugar, Wembley, Londres. Por cerca de dos horas podemos ver un momento legendario irrepetible, en el que Freddie Mercury mantuvo a sus fans hasta el tope a través de todos sus géneros y ritmos. Como cultura general, no puedes seguir viviendo en este planeta sin apreciar este recital infinito.

1994, veintiséis canciones, dos discos… como siempre suelen sorprendernos: al adquirir tu DVD incluía un LED que latía como un corazón. Éste, más que un álbum recopilatorio, es un tesoro donde podemos escuchar no sólo los temas más conocidos de la banda sino también temas de David Gilmour. El DVD fue grabado con 24 cámaras y los visuales te ayudarán a emprender un viaje a otro mundo. 7.- Red Hot Chili Pappers: Live at Slane Castle

3.- AC/DC: Live At Donington Aunque aquí entró en cuestión incluir la obra del gran Martin Scorsese, preferí otro video que recrea tal cual lo que era la sensación de ver a la banda en sus años dorados; sin tantas tomas, sin tantos ángulos ni una fotografía espectacular, simplemente siendo ellos, dejando el alma en el escenario, con energía y con esa incertidumbre de dónde se posicionarían en un mañana. En este DVD podemos apreciar al natural y a la máxima potencia a este quinteto, de igual manera este es un archivo que va directo para la cultura general del rock. 4.- Live 8 (2005) Nueve sedes, una causa altruista y más de 100 artistas de lujo. ¿Quiénes? Te diré sólo algunos: Coldplay (a dueto con Richard Ashcroft ), The Killers, Paul McCartney, Madonna, Pink Floyd, U2, Muse, The Who, Björk, Deep Purple, Mötley Crüe… sólo por mencionar algunos. ¿Cómo no va a valer la pena esta joya? Podrás encontrar en cuatro discos, un antecesor para grandes festivales y una excelente causa para combatir la pobreza y con la cual se recaudaron 79 millones de libras. 5.- U2: Elevation Live From Boston Tanto los fans como la banda en su máxima expresión, visuales increíbles, un diseño de escenario muy conveniente para todas las perspectivas, el ánimo hasta los cielos y una fotografía que con el contraluz incidental recrean un momento mágico. Este video es del 2001 y fue grabado en lo que antes era el Fleet Center. Como dato curioso, una minicámara fue instalada en las gafas de Bono. No te lo puedes perder..

Concierto en el que se le rompe una cuerda a John Frusciante. Veinte canciones de aquellos momentos en los que comenzaba a apagarse poco a poco la llama de los RHCP. Seguramente te traerá muchísimos recuerdos de buenos tiempos. 8.-Green Day: Bullet In A Bible Con una entrada triunfal y más de tres millones de copias alrededor del mundo. Tan sólo Billie Joe, Mike Dirnt y Tré Cool crearon uno de los conciertos más entretenidos en la historia de la banda. El concierto es divertido, entretenido y, en verdad, una sobredosis de euforia. La dirección estuvo a cargo nada más ni nada menos que de Samuel Bayer, quien dirigió también “Smells like teen spirit”. Esta presentación se llevó a cabo en Londres, en 2005. 9.- Metallica: Through The Never Podríamos haber elegido cualquier otro concierto, pero esta producción se lleva muchos méritos. Dirigida por Nimród Antal (con cinco largometrajes en su haber), se desarrolla una historia surrealista donde la ficción y la trama se unen. A través de dieciséis canciones, un concierto en Canadá y la historia de un protagonista que tiene que salvar al mundo, se une este largometraje que dará mucho de qué hablar.

10.- Muse : Live at Rome Olympic Stadium Finalizamos nuestra lista con innovación tecnológica para todos los rubros de la grabación, ¿por qué? Demos la bienvenida a las nuevas cámaras Sony PMW-F55 donde toda, absolutamente toda imperfección no puede huir. Son veintiún canciones que se distribuyeron en noviembre del año pasado en nuestro país, sin embargo si no te quieres perder esta experiencia donde parece que tienes a Matt Bellamy frente a ti en carne y hueso, ya puedes adquirir esta belleza que también incluye un CD.

Por: Carlos Valle lIi Mazariegos Ilustraci贸n: Citla

ya que la mente humana puede crear, pensar, imaginar o divagar prácticamente con lo que sea. Hay fenómenos de todo tipo. Un ejemplo para esto es la Apofenia, que se puede explicar como aquello que empuja a una persona a ver algo donde no lo hay, a buscar las conexiones o las explicaciones entre varios hechos que no tienen ninguna relación. Por lo que también parece irónico que los mismos que estudian estos fenómenos intenten explicarnos. Como Carl Jung con la sincronicidad, que nos dice que existe una relación, aunque no causal, entre dos o más sucesos y que tienen una coincidencia temporal, sin que tengan que existir al mismo tiempo. Dicho eso, parece que tenemos el ejemplo perfecto para todo esto en the Dark Side of the Oz, donde según la teoría de Jung, tenemos dos sucesos:

Una película de 1939 basada en el mismo universo de principios del siglo XX donde tenemos la historia de Dorothy de Kansas, interpretada por Judy Garland, y sus icónicas zapatillas rojas; tiene que ir a ver al gran mago de Oz mientras en su trayecto va recolectando aliados como el León Cobarde, el hombre de hojalata y el Espantapájaros, o Glinda, la bruja buena del Norte, misma que se alió con Dortothy para derrotar a la malvada bruja del este con una parvada de monos voladores, para ayudar, de paso, a los Munchkins.

Uno de los mejores álbumes en la historia, no sólo del Rock sino de la música en general, gracias a sus más de 25 millones de copias vendidas o las 741 semanas en la lista del Billboard, varios conteos donde siempre pelea en lo más alto. Marcó de lleno la entrada de Pink Floyd al progresivo conceptual. Cada uno es un hito en un mercado diferente, además de adquirir ese carácter de culto mainstream tan difícil de lograr, de esas pocas cosas que ponen de acuerdo a todos sobre lo grandioso que es. Incluso en el apartado técnico, el Mago de Oz fue la primera película en Technicolor, por lo que ver esos colores tan vivos, en esa época era mágico y es algo que tendemos a perder de perspectiva en la época del UHD. Dark Side of the Moon fue mezclado en los estudios Abbey Road, en Inglaterra, en uno de los estudios más modernos para la época, fue de las primeras bandas en implementar las grabaciones por dieciséis canales, cuando lo común eran ocho o incluso cuatro canales. Casi, casi los podríamos llamar los padres del sonido cuadrafónico después de este álbum. Y aquí es cuando la teoría de Carl Jung emerge, haciendo que tengan una relación. Uno de los grandes mitos urbanos dice que The Dark Side of the Moon sirve de soundtrack para The Wizard of Oz, teoría loca dada a conocer por un DJ de Boston, y argumentos no faltaban para creer en tal fenómeno.

Pink Floyd no era una banda ajena a realizar soundtracks para diversas películas. Para la época del Dark Side of the Moon, ya habían realizado cuatro bandas sonoras. Y tal vez la parte más crucial es que Pink Floyd (y todos los demás) notaron cómo su trabajo crecía en compañía de las imágenes. “Live at Pompeii” fue un parteaguas en la carrera de Pink Floyd, con una idea genial: tocar en el viejo anfiteatro de la ya extinta ciudad de Pompeya, (conocida por todos por ser víctima de la brutalidad del Volcán Vesubio), mientras tocaban ante nadie, sólo ellos a la mitad del foro, con los fuertes rayos del sol como única compañía. En esta poderosa presentación, se sentía un efecto diferente, el mejor ejemplo es el mosaico de calavera al momento de empezar “Careful with That Axe, Eugene”. Además de que en alguna ocasión Mason ya había dicho que muchas veces veían películas como sustento ideológico, para poder fortalecer alguna idea o darle otra perspectiva. Por lo que la evidencia apunta a que tal vez, todo esto era cierto. Tal vez ese afán de juntar dos de los picos más altos, en cuanto arte se refiere, es cierto... Pero lo más probable es que no fuera así. En algunas partes de la película quizá existen coincidencias extraordinarias... mientras que el resto ocurre sin relación alguna. Simplemente, el álbum dura 43 minutos por 101 de la película, aludiendo que termina la película junto con la canción, que los latidos para cerrar el álbum son los mismos que cuando el hombre de hojalata recibe su corazón terminando la audiencia con Oz. Esto simplemente estaría, porque le negaría a Dorothy la oportunidad de regresar a casa, quitándole toda la mística a la película con esa duda de si todo fue real o si sólo fue un sueño; nos estaría negando que hay lugar como el hogar. Además, atentaría contra todo el concepto del álbum de Pink Floyd en sí y todas sus referencias sobre todas las emociones humanas. Aunque sí habremos de admitir que la escena del huracán, junto con “The Great Gig in the Sky” es algo que nos pone a dudar, que nos haga pensar que, tal vez, aunque tengamos las evidencias, no todo es lo que parece y que hay cosas más allá de lo evidente; tal vez Carl Jung sí tenía razón.

La música disco y su influencia en la electrónica Por: Israel Yonka

Hace relativamente poco tomaba un curso sobre creación y desarrollo de música electrónica, y para entender el origen del género, tenemos que hablar de su historia. Para eso nos remitimos a algo que se conoce como “música concreta”, que desarrolló un tipo llamado Luigi Russolo, el cual tenía un laboratorio de investigación sonora en la radio pública francesa, allá por el año de 1913. Ahora, está el asunto de “¿Cómo empezó la música electrónica y cuándo?” El tema puede ser muy amplio y como dispongo de poco espacio, nos dedicaremos a explicar un poco de uno de los fenómenos que dio inicio al género: el asunto música disco. Y como aquí, en Revista Kuadro estamos en todo, te mostramos parte de la historia del género. Cuando uno menciona el concepto de música de disco, muchos se remiten a cosas como los Bee Gees, Gloria Gaynor y a películas como “Fiebre de sábado por la noche”, o al famoso Estudio 54 y cosas que en sí, sólo son una pequeñísima parte del verdadero fenómeno disco. Se preguntarán algunos “¿Y todo esto qué tiene que ver con la electrónica?” Pues bien, se juntan dos aspectos: por un lado, sus orígenes en la música negra como el soul, el R&B, el funk, etc. Y no menos importante, los DJs que tocaban esta música y fueron los pioneros en mezclar. Quizá ahora les quede más claro. Realmente el periodo de la música disco y su apogeo fue corto, (la primera época de la disco se sitúa entre 1969 con el llamado sonido Filadelfia) algunos marcan el año ‘73 como el declive del género, otros piensan que hubo un “boom” con el Spaguetti Disco o Italo Disco, aunque esto fue en Europa y específicamente en Italia durante los 80.

Algo de lo que dejó la música disco es lo que se conoce como el beat 4/4 que descubrió Earl Young (que además era DJ) durante sus sesiones en la batería, es decir, al tocar los cuatros tiempos fuertes en el bombo funcionaban mejor para el baile (el punchis punchis, pues). De los primeros DJs en mezclar, tenemos a Francis Grasso, Davin Mancuso que desarrolló el Sound System y en el cual se basan muchos géneros. Larry Levan, uno de los primeros DJs famosos obtuvo éxito gracias a sus primeros sets mezclados con música disco. La historia de este género también se encuentra marcada por una parte oscura, como la homofobia y el racismo, que fue acabando con ella, pero que dio origen a otros sonidos como el High Energy y el Techno, que en un principio no era muy distinto al House, que seguía siendo música disco con elementos electrónicos. No estaría mal que le dediquen algo de su tiempo a escuchar música disco; existen también otros géneros de los cuales les podré hablar en otro momento si hay posibilidad, como el Cosmic Disco, el Slow Motion Disco, el Nu-Disco, etc. Los cuales se han popularizado en los últimos tiempos.

Por: Oscar Martínez Fotos: Bruno Muñoz

REEDS

Dentro de la música independiente existen miles de sonidos. Millones de bandas, pero pocas sobresalientes que ofrecen algo diferente encaminado a una buena letra y sonido amigable. Afortunadamente Revista Kuadro sabe dónde encontrarlas y esta vez tiene el gusto de presentarles a los Reeds. Originarios de los Mochis, Sinaloa y radicando actualmente en el D.F., los Reeds, agrupación fundada en 2009 y apoyados por Conaculta y de la mano del instituto sinaloense de cultura, nos presentan su primer LP Tú Me Descompones, con sonido fresco y auténtico. La banda conformada por Micho Vega (batería), Frano Verdugo (guitarra y voz), DeMarco Leyva (guitarra y voz) y Francisco B. Calderón (bajo y sintetizadores) propone tanto musicalmente como líricamente un sonido de rock alternativo con toques electrónicos.

Tú Me Descompones, disco que vio la luz el 15 de diciembre de 2013, está compuesto por diez temas de auténtico rock electrizante con rolas como “Rimming” o “Tic tac”, que demuestran la potencia e intensidad de la banda. En el material discográfico, el cual podemos disfrutar de manera digital en su perfil de Soundcloud y obtenerlo de manera física en sus presentaciones, nos encontramos con rolas de amor, desamor y una canción con colaboración de Los Impostors. Pero para no contarles más y ustedes los disfruten y para que estén más al pendiente del camino de la banda, los pueden seguir en sus redes sociales única y exclusivamente como reedsoficial.

Billy Idol - Charmed Life - 1990

Por: Laura Romero

Del baĂşl de mis recuerdos 40

Por: Francisco Zamudio

KISS: LIVE IN NÜRBURGRING DVD

FOO FIGHTERS: LIVE AT BIG WEEKEND 2011 DVD

¿“En vivo”, en dónde? Nürburgring es un autódromo ubicado alrededor del pueblo de Nurburgo, en las montañas Eifel, Alemania. Ahí se realizó en 2010 el Festival Rock Am Ring, cuya edición tuvo, como uno de sus estelares, a Kiss. “Vamos a patear sus traseros esta noche”, sentenció Paul Stanley a los miles de personas que asistieron a uno de los espectáculos rockeros más vibrantes del mundo. Rolas como “Modern day Delilah” y “Say yeah” del disco Sonic Boom, se amalgamaron junto a clásicos de toda la vida como “Black diamond”, “Detroit rock city” y “Love gun”. También homenajearon a dos monstruos sagrados: Ronnie James Dio, de quien Paul dijo que siempre lo van a recordar y a Led Zeppelin, con un mini-cover de “Whole lotta love”. Todo estuvo en orden salvo la omisión de “100,000 years”, rola presentada en aquella ocasión pero no incluida en esta edición que corta feamente la cadencia del concierto y, por supuesto, la portada, ¿por qué sacar del baúl una foto vieja con Peter Criss y Ace Frehley, si ellos no están ya en la banda?

Otra emisión de la BBC 3 hecha DVD. Otro material cuyo mercado natural son los fanáticos devotos, esos que quieren tener todo de su banda favorita. La mala calidad de imagen y sonido, se minimizan con la energética actuación que los Foo Fighters ofrecieron un buen día de 2011, en Inglaterra, con canciones poderosas, golpes al pecho, de intensa adrenalina, materializados en las notas de “All my life”, “My hero”, “Learn to fly” o “Best of you”. Pat Smear y Christopher Shiflett aplicaron su magia guitarrera a “Monkey wrench” y “This is a call”, en tanto que Taylor Hawkins se dio el lujo de cantar “Tie your mother down”, el cover a Queen con el cual cerraron ciclónicamente su actuación, aquí disminuida en propiedades sonoras o imágenes nítidas. Lo dicho: sólo para colectores aferrados, de los llamados “completistas”.

KASABIAN: LIVE AT READING FESTIVAL 2012 DVD Una imagen sin definición… un sonido bastante alejado de cualquier parámetro HD o 5.1… un logo de la BBC 3 “Live” ubicado en la parte superior izquierda de tu pantalla que nunca se quita, porque está tatuado en la reproducción. Evidencias de sobra hay para pasar de largo, si no estás familiarizado con la banda y sólo buscas un registro audiovisual con el cual poder alimentar alguna colección. Por el contrario, si la neo-psicodelia de ambientes electrónico-alternativos, mezclada con los pasos de baile que Tom Meighan y Sergio Pizzorno derraman sobre el escenario en canciones tipo “Take aim” (precedida por el tema de la película Naranja Mecánica como introducción) o “Club foot”, te ponen al 100 sin importar la calidad, este documento es para ti. Otras referencias al cine (la música de E.T. que antecede a “Let’s roll just like we used to do”), a The Korgis, Fat Boy Slim e incluso a “She loves you” de Los Beatles, con un párrafo cantado a capella por Meighan, completan esta transmisión televisiva que ahora está en DVD.

SCORPIONS UNPLUGGED

RESEÑAS Scorpions nos acaba de regalar un gran disco a sus fans: un Unplugged ofrecido en la ciudad de Atenas, Grecia, el pasado septiembre, disco en el que combinaron nuevos temas y grandes éxitos en excelentes versiones acústicas. Este álbum bien puede ser el capítulo final de la banda y una forma de despedirse de gran manera, entregando toda su alma en este proyecto. En este disco podemos escuchar temas que hace mucho no tocaban en vivo o que nunca habían sido tocados como “Where the river flows”, “When you came into my life” o “Born to touch your feeling”. Dieciocho músicos reunidos en el escenario y con numerosas estrellas invitadas e instrumentos tan variados como el acordeón, la armónica o el sitar, dándole la mejor combinación posible. El “MTV Unplugged”, lamentablemente ha llegado a México sólo en su versión de 2 CDs y DVD. Nos hemos quedado con las ganas de poder disfrutar la versión en vinilo y BluRay. Por: Danhiel Romero

High Hopes recupera temas eliminados en discos anteriores, además de que cuenta con covers y con colaboradores de lujo (ej. Tom Morello). Fue producido con el calor y amor que normalmente pone en sus grabaciones. La prensa musical no trató del todo bien la llegada del nuevo material, pero tampoco es un disco malo. No tendrá la coherencia que caracteriza al Wrecking Ball o al clásico Born to Run, pero tiene un infinito valor y honestidad. El momento cumbre del disco llega con “The ghost of Tom Joad”, donde una suave cama de guitarras acústicas hacen marco para una historia extraída de la novela de John Steinbeck, The Grapes of Wrath, integrando su discurso “I’ll be there” en la canción. Springsteen sigue siendo “The Boss” y a sus 64 años luce como quien es: el tipo rudo con enorme corazón.

BRUCE SPRINGSTEEN HIGH HOPES

Por: Eder Yañez

BROKEN BELLS AFTER THE DISCO

Brian Burton y James Mercer nos llevan por un viaje lleno de descargas de energía, y en combinación con tintes de indie nos muestran After the Disco. Con un tono muy bailable, nos dejan ver un lado más experimental, logran capturar la esencia cósmica de la banda en 11 tracks que terminan por ser una exquisitez sensorial para quien disfrute esta música. “A Perfect World”, tema que abre este disco, nos lanza en un viaje de seis minutos y nos muestra el sello de la banda. “Holding On for Life” y “The Changing Lights” tienen la combinación perfecta entre el bajo y los teclados, para así culminar una pieza para sacarle brillo a la discoteca. Este dúo logra consolidarse dentro del género y pasa al espacio de las bandas que uno deberá de seguir este 2014, gracias a la talentosa producción llena de baile y música bien hecha. Por: Julián Larios

La banda de Boston presentó a Paz Lenchantin, como la nueva encargada de las bases, y la segunda parte de su nuevo material, el cual lleva por nombre EP 2. Cuatro cortes –al igual que EP1– integran el material. En este material podremos encontrar algo más tranquilo a diferencia del primero. “Magdalena”, sencillo de este material, nos muestra una cara de la banda, que hacía mucho no sonaba. Un buen trabajo lírico en todo el disco. EP 2 inicia con la potente guitarra de Joey Santiago en “Blue Eye Hexed”, seguida de su sencillo. Como tercer corte viene "Greens and Blues”, que comparte el estilo e idea musical de “Magdalena”. Por último, “Snakes” cierra de manera potente este disco. Un buen material, pero no lo mejor de unos Pixies que aunque muestran nuevo repertorio, quizá lo mejor es que trasciendan con el legado que han conseguido. Por: Javier Jarquin

PIXIES EP 2

Por: Danhiel Romero

DE HONOR

Hace unos días, el mundo celebró el 50 aniversario de la llegada de The Beatles a los Estados Unidos, resultado de un gran trabajo por parte de Brian Epstein, George Martin y por supuesto, de los cuatro miembros de The Beatles.

The Beatles pueden ser reconocidos mundialmente por muchas canciones, pero la más versionada de la historia es, y por mucho, “Yesterday” que viene en el disco, compuesto por McCartney y acompañado por un cuarteto de cuerdas que le da a la canción una melancolía única. Le podríamos dedicar un artículo completo a “Yesterday”, hablar de la letra de la canción o sus perfectos acordes, sin duda de las favoritas y que sigue McCartney tocando en sus giras.

Con las puertas de Norteamérica abiertas, la banda se dedicó a hacer giras largas alrededor del mundo y discos con pocos meses de diferencia entre uno y otro; ejemplo claro fue Help!, quinto álbum de estudio de la banda británica y que además vino acompañado de una película bajo la dirección de Richard Lester, segunda película de la banda. En el disco se nota una gran influencia de Bob Dylan, pero además esa reacción dentro de la banda después de los últimos años, su éxito a nivel mundial y la presión como reacción a ella, claro ejemplo la canción que le da el título al álbum.

The Beatles Help! -1965Dentro del disco también se encuentra un tema de Ringo Starr “Act Naturally”, con ese sonido country y la voz de Ringo dándole un toque especial. También se notaba el gran crecimiento al momento de componer entre Lennon y McCartney con canciones como “Ticket to ride”, llena de guitarras y un gran ritmo por parte de Starr en la batería.

Este álbum de The Beatles marca sin duda alguna, un antes y un después en la carrera de la banda, aunque para el siguiente disco “Rubber Soul”, que en algún momento podremos hablar sobre él, sería un renacimiento y el inicio de un viaje hacia lo que fue uno de los grandes álbumes de la historia “Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band”.

INDIO ALTER ROCK FEST El regreso del pop punk a México Por: Danhiel Romero Foto: Quique Ávila

El domingo 12 de enero fue tiempo de disfrutar el primer festival del año: Indio Alter Rock Fest. Antes de las presentaciones estelares, Radio Rebelde, Allison, Apolo y A Band of Bitches hicieron sonar sus instrumentos. En cuestión de la organización y de los tiempos de cada banda, fueron muy respetados, salvo con A Band Of Bitches, quienes salieron retrasados varios minutos. A las 7:40 los tres integrantes de New Politics tomaron el escenario de la Arena Ciudad de México e hicieron que la gente se levantara de sus asientos con canciones como “Give Me Hope” y “Fall Into These Arms”. Una de las bandas más esperadas era Panic! At The Disco la respuesta fue evidente con gritos y aplausos de los fans de esta banda de Nevada, quienes subieron antes de las 9:00 pm. Fall Out Boy salió unos pocos minutos después de las diez de la noche. Tomaron sus instrumentos e hicieron vibrar a los asistentes con canciones como “The Phoenix” o “This Ain’t a Scene, It’s an Arms Race”, despedirse del público con tres canciones más: “Save Rock and Roll”, “Thnks fr th Mmrs” y “Saturday”. Finalizó así este festival y el primer concierto en la Arena Ciudad de México en este nuevo año.

TRICICLO CIRCUS BAND Pone de cabeza el Lunario

Por: Eduardo Del Olmo Foto: Fernado Aceves

Triciclo Circus Band es un conjunto cuyo origen se encuentra

en la calle, donde comenzaron a tocar. La evolución que han demostrado en sus presentaciones ha llamado la atención tanto de chicos como de grandes, la noche del sábado 8 de febrero el Lunario del Auditorio Nacional fue testigo de ello. En punto de las nueve de la noche comenzó la función con los integrantes de Triciclo Circus Band —a excepción del baterista Agustín Medrano, quien entró desde la parte baja del escenario entre el público—. La canción más coreada de la noche, a pesar de que la letra se encuentra en francés, es la ya clásica “Excuses Moi”. Durante el concierto no faltaron los gags actuados, improvisaciones chuscas o los clásicos chistes de Pedro Krustofsky, sumados a momentos como la participación de Liber Terán y Alejandro Preisser tocando en el banjo el riff de “Jinetes en el Cielo” y Pedro practicando pasos de tap e interpretando una “nueva canción” a cappella con sonidos guturales. El desempeño de Triciclo Circus Band, fiel a su costumbre, rompió la barrera artista-público con una actuación enérgica y agradable, puso de cabeza el Lunario del Auditorio Nacional.

SIDDHARTHA Enamora El Plaza Por: Julián Larios Foto: Danhiel Romero

Hoy en día, que un artista logre posicionarse dentro de los gustos del público y que aparte tenga tres producciones discográficas con una respuesta exitosa, es muy complicado. Siddhartha podría dejar de ser considerado una promesa dentro de la escena nacional, ya que al paso de los años y del éxito rotundo de cada uno de sus discos; vemos que sólo le faltaba el empujón —para tener esa solidez que busca todo artista dentro del medio—que ha alcanzado con El Vuelo del Pez y con su presentación en El Plaza. Las voces de los fans se unieron con su ídolo y crearon una energía increíble junto a diversas visualizaciones en el escenario. Siddhartha tocó su primer sencillo, “El Aire”, mismo que sonaba a la perfección. Así fue la gran combinación de canciones del nuevo y antiguo material que hicieron vibrar con cada tema, todo gracias a su talento y dedicación. ¿Cuánto tiempo tendremos que esperar para disfrutar de otra presentación de Siddhartha? Probablemente mucho, pero pocos podrán presumir que asistieron a la mejor que ha dado hasta el momento.

KAISER CHIEFS El desorden británico en la ciudad Por:Javier Jarquín Foto: Jesús Cornejo

Una vez más el conjunto de Leeds pisó la Ciudad de México. Posterior a su presentación en el teatro Diana en Guadalajara. El sábado 22 de febrero, Kaiser Chiefs arribó a El Plaza Condesa donde la entrada logró casi el lleno total. Muy puntuales, salieron Ricky Wilson y compañía, comenzando su set en punto de las 20 hrs. Lo primero que sonó en las bocinas el recinto de la colonia Condesa fue “The Factory Gates”. Sin una ostentosa producción pero si un potente y excelso sonido, interpretaron temas de toda su discografía así como de su próxima placa a salir Education, Education, Education & War. Whitey, Peanut, Simon Bix y el nuevo miembro Vijay, mostraron sus grandes cualidades como músicos, pues cada uno de ellos ejecutó a la perfección sus instrumentos, dándole energía y vida a cada uno de los temas, al par que Wilson cautiva al público en las vocales. “Everyday I Love You Les And Les”, “Never Miss A Beat”, “The Angry Mob”, “Cannons” y por su puesto su gran éxito “Ruby”, fueron parte del set list de 15 canciones que otorgaron los británicos durante hora con veinte minutos de show. El tan especial british rock del conjunto sonó fuerte y cautivó a todos los presentes, mostrando una faceta más madura de la banda. El famoso “ole, ole, ole…” retumbó por momentos en el inmueble, así como el bullido del público. Antes de bajar de escenario, cerraron su presentación con “Oh My God” y con una bandera de México entre sus manos, decían adiós unos Kaiser Chiefs que pueden presumir der ser explosivos y potentes en directo.

Por: Salvador Colin

The Mesektet y Mini Toolbooth Discos producidos por Flako, con interesantes propuestas musicales que no están comprometidas, mas que con su sonido personal y donde mezcla una paleta sonora con colores analógicos, llevándonos a escuchar emociones. En la antigua mitología egipcia, el dios sol Ra usaba dos barcos, uno para viajar en el día y otro para la noche, este último era llamado The Mesektet. Flako lo interpreta para dar fin a un estilo de producción y llegar a nuevas ediciones musicales. La portada, realizada por el artista surrealista Dan May, muestra hilos o cabellos, característicos en las

obras del pintor, que nos evocan los ritmos que se mezclan y entrelazan en el disco. Mini Toolbooth se basa en la novela “Phantom Toolbooth”, un cuento de hadas moderno que nos lleva por mundos infantiles llenos de calma y donde todo puede pasar. La portada, realizada por Iain Macarthur, refleja los viajes que puedes hacer al escuchar el disco, sin saber a que dirección te llevarán. Con estas dos producciones no queda nada más que decir que felices viajes.

“El rock en la TV y otros fiascos”

Por: Javier Jarquín

Cuando me informaron los “ejecutivos” de Revista Kuadro que tendría mi espacio para escribir de lo que mi pequeña y retorcida mente quisiera, exploté de felicidad y festejé. Después del festejo y el reordenamiento de ideas, intenté buscar un buen tema para estrenar esta sección. Como en pocas veces, prendí el televisor y al ver la repetida y castrosa programación en 140 canales de paga, me aventuré a ir a los canales de música, aquellos que son memorables y con los que crecimos varias generaciones. ¿Recuerdan esos años cuando pasábamos horas frente al televisor en los canales de música? ¿Cuando transmitían única y exclusivamente música? O bueno, uno que otro cartoon bizarro no caía mal, pero vaya, jamás salían de esa línea. No miento. Juro que desde el momento en que puse aquel canal que se dedica a patrocinar los famosos Unplugged, tardé más de una hora en ver un video musical. Lo curioso fue que al terminar el video, otro programa de cómo saber ser una madre de 17 años, abordaba la programación. ¿Dónde quedaron aquellas épocas en las el rock circulaba por la televisión? Es más, ya no pedimos rock, simplemente música. ¿Quién dijo que era buena idea llenar esos canales que alguna vez tuvieron un peso especial en el rubro de la historia de la música, con programas huecos y reality shows fallidos? Después de aprender por una hora cómo es la vida de una madre de 17 años y unos festejos exuberantes de 16 años,

decidí cambiar de canal y recurrí a la alternativa nacional: aquel canal que contiene la videografía de los inicios de varias de las bandas nacionales y de Latinoamérica. Ellos que alguna vez impulsaron el crecimiento de la escena, ahora optan por poner en su programación las mismas historias de siempre. Vaya decepción la mía al saber que aquellos emblemáticos canales de videos han perdido su base y ahora se encuentran navegando en las penumbrosas aguas de los realities. Después de esos sentimientos encontrados a causa de un televisor, giré la cabeza y vi la computadora en mi escritorio. Una sonrisa se dibujó en mi rostro y sin esfuerzo salió un “Gracias, internet”. Por fortuna para todos los que aún disfrutamos de ver las propuestas visuales de nuestros artistas, ahora las tenemos al alcance de un click. Que alguien les diga a los “canales de música”, que sus contenidos cada vez hacen que nos alejemos más de ellos y lo único que ganan es el desprestigio de lo que alguna vez fueron. No harían mal en mirar atrás y ver en qué temporada de la vida de Ozzy Osbourne se equivocaron.

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