Revista Kuadro No. 12 by Revista Kuadro

Revista Kuadro No. 12 AGOS/SEPT 2014

molotov zurdok mexican dubwiser Mastuerzo pxndx porter 69 Nombres viva el rey

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ÍND ICE 4

Kapturados

Medio tiempo Super Bowl

Reyno

Grandes estadios grandes conciertos

10 69 Nombres

Soundtrack de la victoria

Matuerzo

Videojuegos y deportes llenos de rock’n’roll

Viva el Rey

Olímpicamente celebrado

Pxndx

Kuadro Escucha

Mexican Dubwiser

Rock on Digital

We are enfant terrible

Puerta de entrada

Porter

kuadro beat

20 Molotov

Reseñas de Discos

22 Zurdok

Kuadro Live

24 Coldplay

Kuadro de honor

28 Canciones hechas himnos del deporte

Rekord’ando

30 Fútbol y música

La Kolumna

Revista KUADRO es una publicación bimestral. Editor responsable: Danhiel Romero, con domicilio en Calle La Ideal No. 54 Col. Industrial, México, D.F. CP 07800 Deleg. Gustavo A. Madero. Teléfono: Revistas Impresas. Imprenta acargo de Sandoval Impresores, Tizapana 172 Col. Metropolitana 3era Sección C.P 57750 Tels: 5793-4125 5793-7224 impresos_sandoval@yahoo.com.mx Prohibida la reproducción total o p arcial d el c ontenido de e sta publicación por c ualquier m edio, i ncluyendo l os electrónicos, s in p revia autorización por escrito d e parte d e la D irección. E l mate rial publicitario se acepta c on u n criterio ético, p ero l os e ditores d eclinan c ualquier responsabilidad respecto a l a veracidad y l egitimidad d e los mensajes c ontenidos e n los anunes posible. Todas las marcas, l ogotipos, nombres e i mágenes mencionadas en esta p ublicación, t ienen derechos reservados. E l uso de l os m ismos e s sólo d e manera i nformativa. Revista Kuadro No.12 Agosto-Septiembre 2014.

CARTA DEL DIRECTOR Por Laura Romero Como todo en la vida y es muy cierto, lo que vale la pena no puede ser fácil, debemos dar un extra y todo nuestro empeño para seguir consiguiendo día a día un logro más, esta edición está dedicada al rock y los deportes; hablando de esfuerzo y de constancia, esa relación que siempre hay entre el deporte en sus muy variables modalidades y la música, como las canciones que se han hecho himnos y que han marcado la historia del mundo, el fútbol y la música, como olvidar los famosos espectáculos de medio tiempo en los Super Bowl, grandes estadios y grandes conciertos, soundtracks y videojuegos llenos de rock and roll. Si eres amante de los deportes, no puedes dejar de leernos hasta la última página, ya que esta edición también está llena de adrenalina y empeño, es así como llegamos al número 12 de Revista Kuadro y en portada a una banda que es por mucho de mis favoritas, Llámalo magia, Llámalo verdad, Yo lo llamo magia cuando estoy contigo... Coldplay, es como Magic que hicimos un artículo muy peculiar para todos nuestros lectores, también tuvimos tiempo para conversar con bandas de antaño y reencuentros como Zurdok, Porter, Pxndx y Molotov quienes nos platicaron sobre su Agua Maldita; propuestas nuevas como Reyno, Viva el Rey y El Mastuerzo y los Jijos del Maiz; todas nuestras secciones con mucha información y recomendaciones para ver, escuchar, pero sobre todo para conocer, sentir y vivir. ;)

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Mariana García Nayeli Díaz Julián Larios Alan Navarro Jarvier Jarquín Vania Castaños Carlos Edmundo Eduardo del Olmo Carlos Valle Danhiel Romero Rodrigo Hernández Valeria Lazcano Francisco Zamudio Dulce Orozco Miriam Almeida José Hernández Edwin López

Carmen Garcia Jennifer Navarrete Grissel Coutiño Omar Hernández Germán González Isabel González Luis Fernando Sobrado Raúl Hernández Caroll Ventura Liliana Medina Mauricio Gutiérrez Brenda Arriaga

CONSEJO EDITORIAL Francisco Zamudio Brenda Arriaga

UN VIAJE POR LO ETERNO CON REYNO

Reyno, es una banda que empezó su viaje en el 2012, teniendo como una de las primeras paradas El Imperial, venue que ha dado lugar a grandes bandas que hoy se encuentran entre nuestras favoritas. Tuvimos la oportunidad de estar con ellos y platicar un poquito acerca de su disco, de sus próximas presentaciones entre otras cosas. El trío está conformado por Christian Jean (The Abstract Ceremony) Sebastián Franco (Bengala) y Pablo Cantú (The Y’s). Talentos pertenecientes a otras bandas que han logrado crear una química nada forzada y por ende una magia increíble con su primer material discográfico, el cual lleva el nombre de “Viaje por lo Eterno”. Muchas veces uno cree que al formar parte de una banda, dejar a un lado ese proyecto donde estuviste un largo tiempo y querer hacer algo nuevo con personas diferentes, es algo bastante complicado, pues las bases y pensamientos que se tuvieron en los proyectos pasados marcaron una gran parte de ti y ahora forman parte de tu esencia, mismas que pueden llegar a chocar con la apreciación y la manera de hacer lo que más amas con la conceptualización de las otras personas, con las cuales quieres tener un mismo fin. Sin embargo no muchas veces es así, al contrario, se fragmentan en una sola. La idea de formar Reyno nace de Christian, con ideas claras

de crear un proyecto donde pudiera compartir esa pasión que tiene y que se le da muy bien, hacer música. Es increíble lo mucho que se puede hacer con tan poca instrumentación, pues la producción del disco estuvo a cargo de una voz por supuesto, guitarra, bajo, batería y unos cuantos coros. Y esto no fue impedimento para que lograran hacer su primer disco. LAS ROLAS Las letras de las canciones han sido compuestas por Christian a excepción de “Ahrimán”, en el cual Pablo también trabajo, mientras Sebastián se encargaba de difundir la propuesta de Reyno. Les preguntamos acerca de la elaboración de las rolas, en que se basan para poder crear las letras, finalmente nos respondieron que el amor, los sentimientos y las experiencias, son la base de estos 10 tracks que forman el disco. Son canciones que nos hablan de temas que muy a menudo forman

parte de nuestra vida, el apego hacía una persona, el estar completamente enamorado, el querer que una persona esté por siempre contigo e incluso, el dolor y la tristeza que esta misma nos provoca. Un logro para muchas bandas y más que un logro, sino la manera de compartir el corazón y la música, es haciendo colaboraciones, mismas que ya están presentes en la mente de los chicos, y que harán en cuanto tengan oportunidad. “Dos mundos” ha sido una canción muy bien recibida, cuestión que a ellos los tiene muy contentos, pues ya desfilar en una lista con canciones que fueron seleccionadas como las mejores interpretaciones del año, haciendo una selección de los mejores proyectos nuevos internacionales y nacionales ya es algo que habla muy bien acerca del proyecto y de lo que están logrando en demasía, su rola figuraba entre canciones de bandas como Café Tacvba y Porter.

LA EXPERIENCIA EN EL VIVE LATINO Automáticamente cuando se piensa en un festival de música como lo es el monstruo del Vive Latino, lo que se viene a la mente para muchos de nosotros es ¡música sin precedentes! Sin embargo, los chicos que se encargan de llevar a nuestros oídos a un plano más allá, probablemente estén más nerviosos de lo que uno puede creer, pues parece fácil el poder subir a un escenario y hacer lo propio, pero lo difícil viene cuando es una primera presentación en un evento con tal magnitud, escuchar la frase; Vive Latino, muchas veces atemoriza, otras simplemente termina enamorando a los oyentes y a los que se encargan de llevar la música por diferentes conductos para finalmente terminar en el corazón. Y en efecto, siempre existirán los nervios de lo que pueda pasar en un escenario así, subieron al escenario, y entre lluvias y canciones que hacían del día algo meramente meloso y romántico, muchas personas se refugiaron en la carpa para ver la propuesta que traían, claro, aparte de que, para ellos eran increíble ver que muchas personas estuvieran cantando sus rolas a pesar de que el disco había salido una semana antes de que ellos se presentaran. COMPARTIR ESCENARIO CON ZOÉ Reyno es la banda que ha estado y seguirá abriendo las 28 fechas de la gira de Zoé, comentan que ha sido increíble el estar compartiendo escenario con ellos, entre risas comentaron que esperan que los inviten para abrir su show en el Foro Sol. PLANES A CORTO PLAZO Hace poco estuvieron compartiendo escenario en el Foro Landó con Camilo VII, Rubytates y Los Turrubiate. Pisarán la ciudad de Monterrey, pues son parte del cartel del Festival Pal’ Norte donde estarán compartiendo escenario con talentos como La Ley, Andrés Calamaro, Enrique Bunbury, sólo por mencionar algunos. También van a estar trabajando en lo nuevo que se viene. Esperaremos con ansías las nuevas sorpresas que nos trae la banda, probablemente sean los encargados de llenar los corazones de muchos melómanos en el Foro Sol junto con Zoé. ¿Ustedes qué es lo que esperan?

Texto por: Mariana Garcia Fotos por: Rodrigo Díaz

69 Nombres

Una propuesta fresca desde Barranquilla

Texto por: Nayeli Díaz Fotos por: Álvaro Peña

Provenientes de Barranquilla, Colombia, llega a nuestro país una banda conformada por cuatro músicos, Jose, Hans, Orlando y Oliver con influencias que van desde Zoé hasta otras bandas latinas como Caifanes o Soda Stereo; 69 Nombres se hacen llamar. Revista Kuadro tuvo la oportunidad de tener una amena charla con dos de los integrantes, José y Hans. Les dejamos la entrevista, no sin antes mencionarles que están próximos a sacar su tercer material que llevará por nombre 69 Nombres, es decir, un disco homónimo. Cuéntenos un poco de su historia: Hans: Pues básicamente a finales de los noventas nos conocimos y empezamos a tocar acústico y luego llego la felicidad del instrumento conectado, bueno, empezó todo el proceso ahí, salió este primer disco que se llama “Alba” de 13 tracks que lanzamos en 2002 y de ahí nos dimos a conocer a nivel, luego nos tomamos una pausa para componer, hicimos muchas canciones, pero como que no queríamos direccionar a una nueva etapa el sonido, nos gustaban las canciones pero quizá nosotros teníamos nuestro reparo con el sonido y empezamos a contactar productores, un productor que nos guste y que pudiera redireccionar el sonido sin

tener nombre, fue ahí cuando entro Phil en el proceso y ya tenemos cinco años de estar trabajando junto a Phil. Jose: Este es nuestro tercer trabajo. ¿Quién escribe las canciones? Jose: Todos somos compositores, todos hemos aportado canciones y hay otras que se hacen de manera colectiva. Díganos una influencia muy fuerte, en cada uno de ustedes, que los haya marcado en su trabajo Hans: A mí, cuando yo escuche a Radiohead en cuanto al Rock británico como que ¡wooow! Jose: A mí, el que me marcó mucho fue Cerati. Hans: Con Jonny Greenwood, bueno pero con Soda Stereo también en cuanto a digamos Rock en español obviamente es una influencia como indudable, pero

yo crecí, en lo personal, escuchando metal. Jose: En mi caso como te digo, una influencia es Cerati, obvio me gusta mucho otras cosas del rock argentino, del rock mexicano, me encantan las letras de Caifanes, de Café Tacuba... ¿Cómo Definen en una sola palabra el nuevo disco? Jose: Emoción, diría yo. Hans: Expectativa… ¿Se pueden dos? Ok, si quieren otra (risas) Jose: Este disco es bastante emotivo, con mucha nostalgia pero sin embargo es fresco y hay mucha emoción ahí, emociones muy Íntimas… fíjate que mi palabra es íntima.

Nuestra banda es como el amor libre:

El Mastuerzo y los jijos del Maíz Texto por: Julián Larios Fotos por: Dulce Orozco

Hablar de la historia del rock nacional o de las personas que han contribuido a que el rock nunca deje de escucharse, es entrar en una larga lista de las personas que han colaborado en esto, pero sin duda un nombre que siempre resaltará es el de Francisco Barrios "El Mastuerzo", toda una institución dentro del mundo de la música nacional y que hoy trae un nuevo proyecto acompañado de grandes músicos titulado El Mastuerzo y Los Jijos del Maíz. ¿Cómo surgen Los Jijos del Maíz? Fue una serie de encuentros que se combinan con la necesidad de armar una banda que no sólo sea la banda del Mastuerzo, primero fue Carne de Res y hoy nos enfocamos a este proyecto. Josué, Gus y yo (Paco) empezamos a trabajar a en un disco llamado Guadalupe Reyes que de cierta forma era algo más de solista y después se nos une Iker, quien es un gran guitarrista, todo se dio de manera natural. Se montaron canciones viejas y empezar a buscar un sonido propio. Para Josué, Gus e Iker, ¿cómo es trabajar con el Mastuerzo en este proyecto? Iker: Una de las cosas que han sido necesarias es el matiz, tener un mensaje para decir y otra encontrar la fuerza para llegar a todo el público. Al final del día terminamos por combinar nuestros conocimientos con la experiencia de Paco para hacer nuevos sonidos y ponerle nuestro estilo a cada rola. Gus: Es muy libre tocar con Los Jijos, cada uno va encontrando el sonido que quiere meterle a la rola, la libertad que hay aquí nos

hace encontrar nuestra meta más rápido. Josué: Hemos tocado en diferentes lugares desde el Zócalo hasta un panteón y la experiencia es diferente y hace más rico este primer disco que después de 4 años saldrá a la luz. ¿Este disco termina por ser su más grande trofeo? Hemos tenido cientos de tocadas en México y en varias partes del mundo, lograr que este disco, que nos ha costado un huevo, salga a la luz es un gran logro y más con un sonido tan ácido, tan triposo. Hay mucha gente que nos ha apoyado y gracias a la gente del barrio es donde la banda se ha formado, termina por ser una mentira que porque el Mastuerzo este incluido en el proyecto todo nos sea más fácil, probablemente es igual o más difícil salir adelante. Para nosotros es como el amor libre, en donde no tenemos que atarnos a este proyecto y seguir experimentando en otras cosas, tenemos la libertad de seguir en el momento que queramos y hay Jijos para rato. El llegar al Teatro de la Ciudad termina por ser una parte especial para la banda y nos hace darnos cuenta que el partirnos la madre ha valido la pena.

VIVA EL REY VIVA EL REY VIVA ELYREY VIVA EL REY SU MULTICOL VIVA EL REY Y SU MULTICOLOR YYSUSU MULTICOLOR MULTICOLOR Y SU MULTICOLOR No todos los días tienes las oportunidad de sentarte a charlar con una banda que, aparte de ser extremadamente buenos en los que hacen, son personas súper cools.

Tres individuos encargados de contornear con melodías multicolor el escenario, se encontraban sentados en un sofá muy cómodamente. Sin preámbulo alguno comenzamos a platicar con ellos. ¿Cómo se forma Viva el Rey? Chikiz: Hace un año y medio, Lian es el que crea las canciones, nos la muestra, y nos dice: “Oigan, ¿Qué onda? Estoy haciendo esto, ¿Hacemos una banda?” Nos acoplamos muy bien, empezamos a crear y a divertirnos. Empezó a tener seriedad, comenzamos a visualizarlo como un proyecto y decidimos ensayar bien duro, crear el camino hacia donde íbamos a dirigirnos, a partir de enero salimos a la luz, en redes sociales y medios para formalizar la banda. ¿Por qué Viva el Rey? Lian: Es un lema, veníamos de grupos diferentes donde había muerto todo, entonces fue: “Seguimos con la música, con este proyecto y seguimos vivos.” ¡La música siempre nos da vida!

¿Cuáles son sus influencias? Graham: Son variadas, diferentes estilos, Chikiz escucha hasta salsa. Todo es influencia musical, me baso mucho en la naturaleza para escribir (comenta Lian) lo que nos enseñan nuestros papás de chiquitos como José José. Han tenido oportunidad de tocar con bandas que también van empezando como Little Jesus Lian: Compartimos escenario con ellos y esperamos seguir en varios toquines, en la Feria de Texcoco con La Tremenda Korte, no es de nuestro género pero ya es una banda consolidada. ¿Alguna colaboración? Ya terminaron de grabar su EP, está próximo a salir Lian: Ya sale en Septiembre, estaría muy bueno armar algo con Little Jesus o con algún otro artista. El video está muy multicolor, ¿Cómo fue la producción? Chikiz: Tuvimos juntas con Benjy, quien es el productor, sacamos una lluvia de ideas con lo

que queríamos enseñarle a la gente, el viaje multicolor y todas esas tomas vienen de su cabeza, es un tipo genial. Esperamos seguir trabajando con él. ¿El público? Lian: Cada vez nos damos cuenta que va creciendo. Dejamos todo cuando vamos y tocamos, la gente se da cuenta de lo que hacemos. Esa buena vibra sí la transmitimos. Antes de sacar el EP ¿Tienen otras tocadas? Lian: Vamos a hacer unas sesiones, Julio ya viene con tocadas en Coacalco, Edo de Méx, el interior, Zacatecas, seguir promocionando el video de Bam Bam y grabar el video del tercer sencillo. Entre risas culminamos la charla con Viva el Rey pronto tendremos noticias acerca de lo que están haciendo, seguirán enamorando escenarios pero sobre todo oídos. Texto por: Mariana García Fotos por: Larisa Flores

Una de las bandas que más duras críticas ha recibido en su carrera, sin duda alguna, es PXNDX. Escándalos relacionados con supuestos plagios a diversas bandas, les costaron tiempo, fanáticos y muchos problemas. ¿Cómo se sale de eso? Simple, con sangre fría y una misión clara: seguir creando música. En Revista Kuadro tuvimos la oportunidad de acercarnos a José Madero, líder y vocalista de la banda, quien nos dejó claro el presente de la banda, recorrió el pasado de la música y nombre de la agrupación. Hace aproximadamente 14 años surgió la banda en Monterrey. Panda, así llamados en ese entonces, llegó rápidamente a los oídos del público con una propuesta de happy punk que cautivó al mismo. Formaron parte de la “Avanzada Regia” y ayudaron a poner a Nuevo León bien presente en el ámbito musical. “Yo tengo 33 años y cuando salió Arroz con Leche tenía 19. La diferencia entre el Pepe de 19 al Pepe de hoy pues es obvia, ya no escribo lo mismo. Muchos nos han dicho que la trayectoria de la banda se divide en cuando estábamos felices y ahora que estamos tristes, pero no es eso, simplemente es la evolución de las personas. A mí me gusta escribir sobre las cosas malas del ser humano y antes escribía sobre el desmadre.” El tiempo pasó y maduraron. Los gustos cambiaron y, tras 6 álbumes de estudio, hoy se encuentran promoviendo el séptimo: Sangre Fría. Un disco que muestra una esencia más profunda y más oscura, pero más sincera. Ya no buscan agradar a la gente como tal, buscan hacer lo que les gusta en este momento, y que ese gusto los mantenga unidos como banda.

Texto por: Alan Navarro Fotos cortesía de Class Music

“Este disco ya es el séptimo y tenemos una trayectoria detrás que avala el nombre de la banda. Más que seguir la formulita, es mantenernos a todos interesados, porque cuando se van las ganas de tocar y de crear es cuando empiezan los problemas.” El Tour “Sangre Fría” inició a principios de este año y ya pisó, en abril pasado, el Auditorio Nacional. Regresarán a este recinto el mes de agosto, algo inusual para ellos ya que siempre tocan un par o más de fechas, pero todas seguidas. ¿Qué pueden esperar los fans del DF en este segundo show? Así lo comentó Pepe: “Cuando hacemos conciertos en Monterrey, metemos una sección de complacencias y el público nos grita las canciones que quieren escuchar. Vamos a meter esta sección en nuestro tour y pues a ver cómo nos va, nunca lo hemos hecho fuera de Monterrey” El futuro de la banda también está claro. Pxndx recorrerá muchas ciudades de México y también pisarán Sudamérica. Países como Colombia, Ecuador y Chile, recibirán el “Sangre Fría Tour” y se emocionarán con todo el sentimiento que alberga la agrupación. Así mismo, ya están a la espera de lanzar el video de “Usted”, canción que será el tercer sencillo desprendido del disco y que buscará seguirle cosechando éxitos al grupo.

Mexican Dubwiser Texto por: Vania Castaños Fotos por: Rodrigo Díaz

En estos tiempos hacer música diferente pero aún agradable, es un arte. Y como en la pintura, mezclar tonos distintos de una sola gama no representa mayor problema pero compenetrar colores opuestos y desiguales podría resultar complicado. Marcelo Tijerina, hace de todos los ritmos uno sólo. Mexican Dubwiser tiene su propia tonalidad; reúne todo lo tocable y hace de su música algo bailable. “De eso se trata, de seguir creando y poder usar e implementar elementos de diferentes tipos de música y que se peguen”. Antes de su viaje a Inglaterra, para presentarse en el festival Glastonbury, platicamos con Meixcan Dubwiser un artista regio que lleva la fiesta por dentro. La música de DJ siempre es difícil de encasillar pero al parecer es justo esto lo que Mexican Dubwiser trata de evitar. A pesar de que world music es el género que involucra los sonidos tradicionales o populares como podría ser la cumbia en nuestro país, Mexican Dubwiser aventaja la etiqueta y crea algo mucho más dinámico. Su estilo es único. “La onda es tratar de no parecerse a nada de lo que se escucha. Empecé proyectos de música electrónica con cumbia y muchas bandas suenan muy parecido. Entonces, la cosa es usar un poco de esos elementos y algo de la música que me gusta como es el funk, el soul, el dub, el blues, el reggae, el hip-hop y de eso se trata, de meter todo esto a la licuadora y ver que va saliendo. Si no te sale algo chido pues le falta azúcar o le falta sal y ahí le vas midiendo”. La historia de Mexican Dubwiser comenzó en bares de Monterrey. El joven músico estaba estudiando comunicación y trabajaba en un estudio de grabaciones y en una radiodifusora, poco a poco se fue dando cuenta que su rol era hacer cosas diferentes así que a los 21 años se mudó a Los Angeles, a empezar de cero otra vez. “Todo lo fui aprendiendo en la calle, dejé mi carrera y empecé a trabajar en un estudio de grabaciones y así fue como me fui metiendo más a la música y conociendo gente que es lo que me ha abierto la posibilidad de topar personas como Myron que me gusta lo que hace, tiene un sonido fresco y diferente que se puede implementar con muchos estilos y de eso se trata, de mezclar todo lo que se pueda y no nada más seguir las reglas del juego”.Marcelo Tijerino entiende de ritmos. Él es un tipo sencillo y sensato y el nombre que eligió como DJ, es simplemente perfecto.

“Mexican Dubwiser es, el mexicano sabio del dub, literalmente. Pero es un juego de palabras, pensando en eso de implementar y mezclar 2,3 cosas que podrían ser eclécticas a principio. El Dubwiser se usa mucho en el reggae, no hay ningún mexicano que lo estuviera llevando y de cierta manera pues como se trata de mezclar cosas pues fue un nombre que se me ocurrió y ya.” La formación de Mexican Dubwiser ha sido lenta pero segura, el primer disco tardó 4 años en salir. La concepción de un proyecto que lo involucre no solamente a él como músico si no a una mezcla interminable de ritmos y muchas colaboraciones no siempre es fácil, sin embargo, Marcelo lo ha logrado de manera fenomenal. En varias ocasiones, la banda nacional Kinky invitó a Marcelo a ser parte de su show y poco tiempo después, Ulises Lozano se convirtió en colaborador de Mexican Dubwiser. En el primer disco actuó como productor pero actualmente, se funde más como parte de la banda. “Estamos implementando que Mexican Dubwiser no sea sólo yo sino que sea toda una banda, más como un sound system. Produjimos el segundo disco con Ulises y participa en varios de los tracks. Ya es parte de la banda. Traemos diferentes MC y tenemos muchos invitados en vivo”.

nales The Wookies. Al respecto, Marcelo comentó que no será la primera vez que comparta escenario con los peludos pues han estado en eventos juntos ya sea en vivo, o haciendo DJ set . “Son super buena onda, antes de conocerlos como The Wookies, tuve la oportunidad de conocerlos por otras cosas y son bien buena onda y tienen un rollo muy padre. Yo creo que por eso nos vamos juntos a representar a México y es un orgullo”. Marcelo Tijerina es un genio musical. A él no le importa tener presentaciones de miles de asistentes o con 3 personas oyentes; “la cosa es tocar y si le llegas a uno o si le llegas a mil eso ya no importa, yo estoy compartiendo mi música y eso está chido”. Su segunda producción está próxima por salir y una vez más, tiene la colaboración de grandes y especiales artistas que hacen de Mexican Dubwiser un gran lienzo musical.

Los ensayos y el internet han sido pieza clave en Mexican Dubwiser que es cada vez más grande. La organización no siempre es fácil pero Marcelo admitió que hacer que todos los integrantes se sientan parte de la banda es fundamental para fundir los ritmos que los han hecho característicos. “Todos están abiertos a no nada más escuchar rock, sino que les gusta de todo, les gusta el jazz, les gusta el soul, el hip hop, el rock, la música electrónica y por eso embonan tan bien, con el instrumento en el que participan en Mexican Dubwiser porque están en la línea de tocar y mezclar diferentes cosas.” Mexican Dubwiser forma parte del cartel del Fesitval Glastonbury de este año, junto con los también nacio-

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Texto por: Alan Navarro Fotos por: Brenda Arriaga

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Es raro escuchar que bandas francesas lleguen a nuestro país, porque no es una escena muy conocida en estos rumbos. Sin embargo, siempre se agradece cuando se trae música propositiva e interesante desde el otro lado del charco. En esta ocasión tuvimos la oportunidad de platicar con una propuesta francesa de Electro-pop 8-Bit hecho, nada más y nada menos que con un gameboy.

We Are Enfant Terrible es el nombre que, en conjunto, reciben Clo, Thom y Daryl; tres músicos oriundos de Lille, en Francia. Desde hace poco menos de 5 años que se juntaron para innovar la escena de Francia con música electrónica sintetizada a través de un dispositivo electrónico portátil para videojuegos, mejor conocido como Gameboy. Esta agrupación visitó por primera vez nuestro país para realizar una serie de conciertos en el Distrito Federal y también en Texcoco. A su paso por esta Ciudad, tuvimos una charla amena y llena de colorido, tanto por el lugar en donde realizamos la entrevista como por tantos matices de la cultura pop que encontramos en las creaciones de WAET. Al momento de realizar la entrevista, los integrantes de la banda llevaban menos de 24 horas en el DF y ya se sentían anonadados por la grandeza de la ciudad. Ellos crecieron en la ciudad de Lille y actualmente residen en París; mencionan que no existe comparación, que París es grande pero la Ciudad de México está impresionantemente llena de gente, autos y caos, algo que les sorprendió sin

embargo les encantó. Clo, vocalista de la banda, comentó que: “al llegar me sentía perdida, pero la arquitectura me recuerda a muchas partes de Francia. Por ejemplo, el Zócalo y la catedral es impresionante y nos hace sentir como pequeñas personas ante tanta grandeza.” Otra de las cosas que más les llama la atención de la cultura mexicana es el arraigo y la cercanía que tenemos con la muerte; cosa que les encanta porque la alegría y los colores que le damos a las calaveras es algo que no se ve en otra parte del mundo. La idea de venir a México surgió de la necesidad que tiene como banda de expresar sus ideas y mostrar el electropop 8 bit, algo que tal vez no inventaron ellos, pero que buscan incluir en la escena musical. ¿Cómo es el 8 bit? Tan simple y a la vez complicado como crear sonidos usando un gameboy. “Encontramos a un tipo que inventó un juego para crear música. Insertas un cartucho en blanco, usando un cable mini usb, insertas el software en el cartucho y listo. Así es como comenzamos a hacer música utilizando un Gameboy”, explicó Daryl. Añadió que es muy difícil mezclar los sonidos que se crean con el videojuego con sonidos de instrumentos

reales. Les ha tomado un poco de tiempo encontrar la mezcla perfecta pero ahora la tienen y se llama We Are Enfant Terrible. La banda a pesar de ser francesa canta muchas de sus letras en inglés. Clo, quien es la que compone y escribe los lyrics, nos explica que parte de esto es querer llegar a la gente con el lenguaje que casi siempre consumimos: el inglés. “En esta generación crecimos utilizando internet y leyendo casi todo en inglés. Por eso se me facilitó el componer en inglés.”, dijo Clo. A primera vista, WAET pareciera un proyecto raro y pretencioso; sin embargo, los integrantes nos explicaron que la idea es simplemente sencilla de expresar porque ellos no eligieron el amor por este sonido del 8 bit, simplemente crecimos en una época en que la música de los videojuegos dejó un gran legado en nuestras mentes. Por último, Thomas comentó que esperan que la gente en México se quede con la esencia del grupo que es crear y ofrecer música nueva, distinta a lo que se conoce y hecha con el alma y gustos de quienes la componen.

Porter

La metamorfosis ha culminado: Moctezuma Hace menos de seis meses, Revista Kuadro se reunió con el quinteto de Guadalajara, donde pudimos platicar de manera íntima con cada uno de los miembros de esta familia que se hace llamar Porter. Aquel día platicamos acerca del futuro de la banda, pues una vez más se anunciaba la salida de Juan Carlos; además de la nueva sangre que estaba por venir, declarando lo que sería y es hoy en día, el tercer álbum de este proyecto lleno de experimentos, ideas y excelso sonido.

Justo en noviembre, cuando nos reunimos con ellos, nos contaron acerca de lo que podría llegar a ser este nuevo álbum, donde tratarían de rescatar nuestras raíces mexicas a través de su música —de ahí un poco la idea del nombre del disco para abarcar el concepto—. Sin duda, la primera pregunta era clara: ¿qué los llevó a indagar en ese tema? a lo que respondió David: “El conocer y aprender la verdadera historia a través del náhuatl, a través de él nos dimos cuenta que las interpretaciones occidentales no corresponden a lo que en verdad es”.

“Aprendimos que se trata de regresar y empezar de cero, para nosotros todas las piezas de este disco traen ese mensaje que hemos ido descubriendo poco a poco en este camino” añadió Bacter. Este nuevo viaje musical de Porter completa una faceta de transición de la banda. Moctezuma ha llegado para sacar una nueva cara de la agrupación. Esta vez el concepto del álbum juega con el contexto de la época pre-colonial, definiéndolo ellos mismos como “rock mexica”. La tan conocida línea musical de la banda será esta vez aprovechada para contar historias fantásticas y hoy más que nunca se siente y se nota una fuerte unión dentro de Porter. “Nosotros decimos que somos un canal, y al final de cuentas hacemos música y las canciones son historias interpretadas por nosotros, no es un álbum histórico o apegado a la realidad. Fue como meter varias ideas acompañadas de música a una licuadora y aquí está el resultado”, comentó David.

“Tiene mucho que ver con lo que ya hacíamos o veníamos haciendo, historias fantásticas y surrealistas pero por primera vez llevado a un contexto prehispánico” añadió Víllor. “Moctezuma es una evolución, es el tercer paso de Porter, en el mismo camino pero un escalón más. Empezamos en un bosque y ahora estamos en una pradera. Creemos que este disco tiene palabras clave y al final, la gente siempre termina la historia. El productor de este nuevo disco es Héctor Castillo, lo conocimos aquí en el D.F. en noviembre, justo después de nuestra tocada en El Plaza. El álbum saldrá en agosto y tendrá ocho canciones, vendrán los cortes que hemos estado compartiendo como lo son “Palapa” y “Murciélago”. “Kiosko” no estará, ya que sólo fue un tema para el regreso en el Vive Latino” nos comentó Fer. Con la salida de Juan Carlos, quien en su momento no sólo era el responsable de darle voz a la banda, sino también del material lírico, salía la pregunta al aire: Y ahora ¿quién escribe? O bien, ¿qué tan difícil ha sido esta parte de las letras? Aunque David, en su proyecto ajeno a Porter ha podido experimentar esa parte, hay a quienes esto les da curiosidad, a lo que nos compartió Víllor: “Es un trabajo en equipo, David empezó a trabajarlas y entre todos las fuimos puliendo. Bacter llegaba con otras canciones, vaya, todos llegábamos con propuestas y en conjunto fue como se fue terminando de armar”.

Porter ha estado en los últimos meses inmerso en unas situaciones que parecerían querer detenerlos en su intento por hacer y compartir más música. Hoy en día, hay más idea de qué es Porter y a dónde quieren ir, que cuando la banda se encontraba pastando con los ponys. “Más que una resurrección de Porter —hablando de Moctezuma— ha sido la etapa de voltear y ver hacia nosotros mismos, encontrar un significado individual y colectivo que nos ha ayudado a sacar este nuevo material. Es una nueva etapa donde tuvimos un nuevo despertar como músicos y un enamoramiento por completo con nuestras raíces” comentó David, vocalista de la banda. “Creo que es la mejor etapa de Porter. De todas nuestras facetas, ésta la siento más conectada y la disfruto más y creo, todos. En la anterior etapa no tenía nada que decir en su momento, ahora sí, tengo un mensaje y lo quiero y deseo transmitir. Ya hoy todo cobra sentido, siempre he hecho música, pero hoy ya tiene un sentido y un por qué.”, añadió Bacter.

respetar las ideas de los compañeros”. No hay duda, la banda luce más unida y tranquila. Han pasado aquel acoso de medios y fans por la partida de su ex vocalista y lo que ahora buscará la banda es conquistar a propios y extraños con este nuevo “rock mexica experimental” del cual estará lleno Moctezuma. Y para quienes preguntan: ¿Y Juan Son?, la verdad es que no se sabe mucho de él. Los mismos Porter aseguran que, a pesar de su salida, la relación de amistad continúa pero que desconocen de él y sus proyectos desde hace ya algún tiempo. Deseándole suerte en su trip y en lo que venga, Porter continúa cosechando éxitos. “Se bajó del trip, se subió David y la inercia nos tiene aquí, nosotros continuamos”, añadió por último Fernando. Texto por: Javier Jarquín Fotos por: Brenda Arriaga

Para Porter hoy en día su responsabilidad es hacer música con un mensaje, sin pretensiones y bajo la filosofía de “aprender a valorar y

Hay una banda que en 1995 quiso decir: “No es que no nos importe sino que nos vale madres.” ¿Pero cómo lo iban a decir sin ser crucificados con la inscripción de “Amargados” en la cabeza? La respuesta fue: Con un estilo musical que no se veía en México y con un discurso real, sin autocensura. A poco menos de 17 años de la fecha de inicio, 7 de su última producción y muy lejos de la fecha de caducidad, la actitud más Punk que los años 90 vieron nacer, que trascendió en México y sentó bases para muchas nuevas bandas en Latinoamérica está de vuelta. Molotov se congratula en presentar “Agua Maldita”, su séptimo álbum de estudio. Randy, Tito, Miky y Paco, nos platicaron cómo se gestó esta placa y refrendaron, sin quererlo, el seguir siendo únicos en su especie. En ser los únicos que sin tapujos puedan decir:

¿Qué pasó en esos 7 años? La obviedad es que se hicieron viejos, pero ¿qué ha cambiado en la banda y en sus personas?

Tito: “Es muy cagado porque por más que cambies como persona, en lo creativo te encuentras a ti mismo de siempre. A la hora de ponerte a escribir eres tú otra vez, el mismo güey que hizo “Voto Latino” en el 95. Esto es un colectivo, a la hora de tener las ideas de los demás, te encuentras a Miky, a Paco y a Randy, su esencia, sus ideas y su humor.”

Paco: “Estos 7 años sin disco nuevo son los que realmente nos hicieron aprender lo que es Molotov, antes no nos dimos cuenta porque no paramos de chingarle. Y en estos 7 años tampoco paramos de chingarle pero nos dimos cuenta que nos tenemos que hacer cargo de nuestro proyecto.”

-----“No es por menospreciar pero nos vale verga su opinión.”-----

Randy: “Nadie va a cuidar tu proyecto como tú

Voltear al pasado y ver cómo ya están más cercanos a los 20 años que a los 15 debe ser extraño.

Mucha gente pareciera empecinada en decir que el mensaje de Molotov ya no es el mismo, que se vendieron e incluso que ya no tienen los mismos “huevos” que al principio.

Tito: “El de los 15 nos lo recordaron así de: “¡Oigan, hoy cumplen 15 años!” Ah, pos muchas gracias. Seguíamos preocupados como en planes a mediano plazo. Como que estamos viendo permanentemente qué pedo con los proyectos.” Paco: “La música no la puedes planear, por lo menos no a largo plazo. Pero está chingón, ahorita estamos muy emocionados de por fin tener disco nuevo. Fue una historia turbulenta y regresar es como respirar aire nuevo.”

mismo.”

Tito: “Es muy fácil decir: “¡Ah, no mamen! Ya no hicieron otra como ‘Gimme the Power’”. Pues no, ya la hicimos y no somos Maná que hacemos 10 veces canciones sobre mariposas. Sin embargo, le damos la maroma y hacemos canciones como “No Existe” o “ La Necesidad” (canciones del nuevo disco), son dichas de otra manera pero son cosas que siguen pasando. Está de la verga que hayamos hecho “Gimme the Power” hace 20 años y siga siendo lo mismo.”

Miky: “Supongo que este disco les va a sonar muy extraño

Yo no entiendo cómo muchas bandas, y no voy a decir nombres, cómo pueden sacar lo mismo y lo mismo y lo mismo.”

a las nuevas generaciones porque está grabado en cinta, no está súper editado, no está hecho como se hacen los discos hoy en día. Compramos micrófonos antiguos, amplificadores antiguos, compresores, cintas, etcétera; para tener eso como parte del museo.”

¿Creen que la percepción que existe de la banda sigue siendo la misma que al principio?

Trabajaron con alguien histórico en el Hip-Hop. Debió ser algo completamente excitante el encontrarse con DMC en el estudio.

Tito: “La verdad ya nos vale ma-

Tito: “Empezó como de a Pitbull porque nos habían invitado a hacer un remix para una marca de tennis y eso culminó en una tocada en Argentina donde tocamos “Walk this Way”. Imagínate tocar esa rola con él, es lo máximo. Terminamos siendo muy compas de él, es un tipazo. Quedamos de que si hacíamos disco él participaba y, si él hacía disco, nosotros participábamos y pues se dieron las cosas. Nos fuimos a grabar a Acapulco y colabora en dos canciones. Increíble trabajar con él.”

Randy: “También como artista.

dres. Nunca nos ha importado. Al principio no podíamos ni grabar el ¿Dónde jugarán las niñas? Y después nos lo censuran. Por eso ya como que ese personaje de “a ver qué dice la gente” ya nos vale verga.”

Paco: “La gente tiene el derecho a que te diga que el disco es una mierda. Creo que el objetivo de nosotros y del productor era lograr tener un bonche de rolas, 10 temas buenos y formar un disco de buenos temas, no de un sencillo o dos. Prácticamente es eso, la emoción de tocarlo en vivo es más importante porque si estás esperando a ver qué dicen, a huevo a mucha gente no le va a gustar.” ¿Fue difícil reencontrarse en el estudio?

Todos: “¡NO!” Miky: “¡Al contrario!” Tito: “¡Para nada! Siempre estuvimos componiendo chingaderas.”

Ya no hay vuelta atrás, el disco está listo y reproduciéndose en muchos dispositivos. Yo los veo muy satisfechos.

Tito: “El resultado es algo que nada más pudo haber pasado de esa manera, con una quinta persona (Un Productor) organizándonos las mentes.” Paco: “Todos los discos y todas las producciones te involucran siempre a echarle más huevos y ser mejor músico. Al grabar a la antigua te tienes que chingar el triple porque las herramientas digitales de hoy en día te hacen poder ser ni músico y tener buenas rolas.” Ahora con un nuevo disco, buscan seguir cosechando éxitos y dándonos pretextos para cagarnos de risa con el “humor lacra” que sólo ellos tienen, porque al final Molotov siempre funcionará como ese alter ego talentoso y sin miedo ni restricciones que todos deseamos tener.

Texto por: Alan Navarro Fotos por: Brenda Arriaga

ejano aquel 2002 (año en el que anuncian oficialmente la disolución) y tras varias reuniones “fallidas”; en el 2013 sucedió el verdadero regreso de esos jovencitos que pusieron a Monterrey en el mapa. Chetes, David Izquierdo, Maurizio y Catsup regresaron siendo adultos, dejando atrás el silencio y los egos, para revivir la flama que en un inicio incendió sus carreras. Acompañados por el Rojo en la batería, Zurdok dio el gran salto de vuelta a los escenarios; un salto que no fue al vacío y mucho menos lo dieron con el ‘empujón de alguien’. El Gran Salto 1997-2014 lo dieron juntos, así lo platicaron Chetes y el Catsup.

Chetes: “La dinámica es hacer todo paso a paso, ir metiendo el pie poquito a poquito. Hicimos las grabaciones y fue un ok; después tocamos y se sintió bien y cada vez estamos acercándonos más. Entonces, es así, poco a poco. Ahorita, digamos que ya entró al corazón de todos. Estamos todos muy emocionados.” Catsup: “Ponerle pausa a Zurdok fue una decisión completamente interna, no externa.” Chetes: “¡Y el volver también! También cuando decidimos esto de regresar. A veces la gente cree que era una cosa que se hizo porque nos invitó el Vive Latino o algo así.” ¿Para dónde iban? En un principio parecía incierto. Para muchos era una reunión “nomás por varo”, para muchos otros era un regreso que nos abría la posibilidad de ver el eclecticismo musical de músicos sin complejos que, en su momento, revolucionaron la forma de hacer rock en México. Catsup: “En aquel entonces cuando empezamos a tocar se venía gestando cierta manera de hacer las cosas distintas y, generacionalmente en el país, vinieron un montón de bandas que hacían las cosas distintas.” Chetes: “Muchos de los grupos querían sonar a otros grupos mexicanos que estaban sonando y nosotros no teníamos tanta influencia del rock nacional. Teníamos influencias de lo que estaba sonando en el rock americano. Muchos grupos querían sonar a Caifanes o no sé, pero nosotros traíamos otra línea.” A principios de este año pudimos escuchar “Azul Oscuro” y “Amanecer”. Un Zurdok nuevo, sin embargo viejo; ecléctico como siempre. Quizás no tan pesado, pero verdadero. Verdadero porque, como ellos mismos lo explican, estas canciones fueron la base del impulso tomado para dar el Gran Salto. Catsup: “Decimos que fue lo primero que hicimos porque realmente fue el primer trabajo que hicimos de vuelta juntos. Y de alguna manera creo que a la banda nos emociona mucho el trabajar en el estudio. El de repente encontrarnos en el estudio trabajando y con la duda de cómo iba a fluir y cómo iba a ser el trabajo en equipo de vuelta, creo que el llegar a hacer eso nos dejó claro que hacemos buen equipo los 4 y fluyó muy padre.”

Chetes: “Fue espontáneo. Pero también fue fácil. La verdad yo no sentía presión, hicimos lo que nos gusta.” ¿Pero cómo es que alguien se puede ir por tanto tiempo, justo antes de alcanzar el clímax de su carrera y regresar siendo ícono? Simple: con música honesta y sin complejos. Chetes: “Siempre, la gente tiende a agarrar un grupo por algún elemento estético o por una moda. Pasan los años y empiezan a apreciarlo todavía más, entonces ahorita gozamos de un status que no teníamos. Y eso es lo que realmente siempre quisimos hacer, que la gente nos viera por eso (la música), no por la ropa que traíamos o si traíamos el pelo largo.” Catsup: “Nosotros estábamos ahí por la música, después de que pasan la modas, lo único que queda es la música.” “Azul Oscuro” fue el sencillo que trajo de regreso a Zurdok. Una canción quizás lejana a lo que muchos fans de Antena esperaban, pero que reflejó ese Gran Salto entre el pasado y el presente. Se habían ido como niños o jovencitos, regresaron como grandes. Catsup: “Las nuevas canciones nos gustan mucho. Creo que el llegar directamente a hacer estas canciones nos dejó claro que hacemos buen equipo y fluyó muy padre.” Hay intriga sobre el cuarto disco. El “nuevo” Zurdok, por llamarle de una forma, está lejos de cualquiera de los tres primeros discos, sin embargo, conserva una misma esencia que acompañó la carrera de esta agrupación. Chetes: “Hagamos lo que hagamos, seguirá siendo muy parecido porque seguimos siendo los mismos integrantes ahí, pero no tenemos la intención de sonar a Maquillaje. Queremos prendernos con algo que sea nuevo y que le sume al catálogo de la banda. Ese balance entre lo que hemos aprendido y algo nuevo.” Catsup: “Buscamos soltar las riendas y sorprenderte. Decir: “¡Ah cabrón! ¿Qué pasó aquí?”. Estilísticamente todavía no está definido, apenas se está gestando. Creemos que estamos en el mejor momento de la banda.”

Está más que claro ahora. Zurdok regresó y dio el Gran Salto pero no al vacío. Están fuertes, contentos y seguros en esta nueva etapa. Un nuevo disco que les abre una puerta grandísima en busca de retomar el camino que durante algunos años se siguió construyendo en silencio.

Ol Texto por Eduardo del

Diría Alex Lora que ‘el rock es un deporte, practíquenlo’. La relación entre el deporte y la música va estrechamente ligada a que ambos conceptos son pasiones que mueven al mundo, yendo de la mano en un camino popular y pasional, en donde grandes canciones han sido adoptadas en diferentes competencias, a veces, de manera involuntaria. Aquí les va una recapitulación de algunas canciones, en su mayoría de rock –o qué, ¿cuándo han escuchado a la hinchada alentar a su equipo con una rola de Fey? –, que se encuentran presentes en distintas disciplinas del deporte.

SEVEN NATION ARMY La canción que compuso Jack White para el Elephant que marcó a la primera década del presente milenio, inexplicablemente, se coló como un cántico futbolero. Algunos hinchas se pelean la idea original de corear el clásico riff del bajo durante los partidos de futbol. La primera versión radica desde Italia, donde los tifosi de AS Roma usaron este cántico a partir del 2006. Esta moda capitalina se expandió por toda la bota europea y se llegó a usar para alentar a la squadra azzura durante el mundial de Alemania, en 2006. La popularidad del cántico y la energía que transmitía hacia los jugadores fue tanta que al inicio y durante el transcurso de cada partido de la Eurocopa de 2008 era coreada. Algu-

nos equipos cantaban el nombre de un jugador con el ritmo de Seven Nation Army –Liverpool a Mascherano y Arsenal a Eboué–.

WE ARE THE CHAMPIONS Una oda a la victoria. Freddie Mercury la compuso para el álbum News of the World, el cual vio la luz en 1977, y es el resumen de aquellos que han ganado una final: somos campeones, mis amigos, y nos mantendremos luchando hasta el final. Sobra decir que suena al final de una competencia.

THE FINAL COUNTDOWN ¿No les suena el nombre de esta rola? Seguramente si son fanáticos de deportes con la famosa pausa de los dos minutos –o si se han subido al micro y el chofer viene escuchando Univer-

sal Stereo– la han escuchado en ese momento. ¿Nada? ¿Esa canción con teclados ochenteros? Si ni así la ubican, nada más busquen esta canción de Europe en YouTube y sorpréndanse por el número tan alto de views con los que cuenta. La canción viene en el álbum del mismo nombre y su temática es un tanto espacial, donde un par de viajeros abandonan la Tierra y se dirigen a Venus. La relación con distintos deportes es el coro. Es puesta en una pausa y ya casi al término de un partido. “El Conteo Final” es para animar a los jugadores a dar todo ya que el encuentro está por concluir.

ARGENTINA De las pasiones más fuertes que se manejan en Argentina –dirían en “El

Secreto de Ojos” – es el futbol, si no es que la que más predomina. Cada clásico, llámese Clásico de Avellaneda –Independiente Vs. Racing–, Clásico Rosarino –Newell’s Old Boys Vs. Rosario Central–, sin dejar pasar el Superclásico entre Boca Juniors Vs. River Plate, es a muerte –y en ocasiones, ha sido literalmente en cuanto a enfrentamientos físicos entre las barras de cada equipo–. Aquí el chiste es modificar la letra de una canción, utilizarla textualmente como apoyo para su equipo o cambiar totalmente todo y solamente usar como base la melodía. Es cierto que la hinchada argentina no fue la primera en utilizar canciones para apoyar a sus equipos, sin embargo lo interesante es el uso de canciones de Los Fabulosos Cádillacs –Carnaval Toda la Vida–, Andrés Calamaro –La Parte de Adelante– o Fito Páez –Y Dale Alegría a Mi Corazón–, entre otras.

FEARLESS Pink Floyd hicieron casi de todo. Desde haber compuesto enormes discos de música provocados por los estados alterados derivados de los efectos del LSD, hasta tener un equipo de futbol en la década de los setenta, y de paso brindarle un homenaje al Liverpool. En el LP Meddle viene incluida “Fearless”, en la cual utilizan al final aquel cántico clásico de Anfield ‘You’ll Never Walk Alone’ uno de los lemas más reconocidos del futbol, perteneciente al Liverpool inglés. Tal homenaje fue propuesto en su momento por Nick

Mason y Richard Wright, fanáticos de los reds, ya que es bien conocido que Roger Waters y David Gilmour son grandes hinchas del Arsenal de Londres.

CIELITO LINDO Podremos no sabernos el himno nacional, no haber terminado la universidad, ser padres de familia antes de los 18 años, pero algo es inevitable en el pueblo mexicano en general: todos nos sabemos, por lo menos el coro, aquella canción llamada “Cielito Lindo”, compuesta por el mexicano Quirino Mendoza y Cortés. Cierto que no es una canción que vaya relacionada con el rock –y si recuerdan, al principio del texto se hizo hincapié que en su mayoría lo eran–, sin embargo es casi imposible imaginar una victoria de la Selección de México en un mundial, el obtener una medalla olímpica, o ganar en cualquier disciplina importante en el deporte, sin un grupo de personas cantando en el Ángel de la Independencia “Cielito Lindo”. Caso aparte en el futbol es el de los hinchas españoles, quienes la usan cuando cae un rival tras una falta y tarda mucho en levantarse. Aquí la parte que corean es “canta y no llores”. Ni cómo reclamarle a los ibéricos, pues el origen del “Cielito Lindo” es español. K

Fútbol y música Texto por: Carlos Valle

"Algunos creen que el fútbol es solo una cuestión de vida o muerte, pero es algo mucho más importante que eso". Bill Shankly “Sin música la vida sería un error.”

Friedrich Nietzsche

El primero es uno de los técnicos más ganadores en la historia del futbol (tres Uefa Champions League con el Liverpool, único con tres trofeos con el mismo equipo); el otro Friedrich Nietzsche es alguien que realmente no requiera explicación (creemos). Y dos personas tan dispares en aficiones y trabajos tienen visiones muy parecidas. Necesitas tener algo que te apasione, y nada mejor que el futbol y la música. El deporte más hermoso del mundo junto a una de las bellas artes por excelencia. Van de la mano en la pasión y las rivalidades no se pueden esperar. Los inventores de futbol, coincidentemente fueron los que inventaron el rock (debatible por varios puntos de vista, pero bastante defendible) por lo que hemos sido testigos en la capital británica de intensas rivalidades, tanto en el campo como en los charts. Una banda que no puede faltar en las peleas es Oasis, que tiene que ver en la pelea que puso al Britpop en el mapa contra Blur (que se puede decir que ganaron aunque al final Albarn le ganó a los Gallaghers) y en el campo se sabe que los hermanos son grandes aficionados del Manchester City, junto con Johnny Mars de The Smiths. De el último campeon de la Liga Premier de Inglaterra hay varias

fotos de los músicos en el campo, celebrando el logo con el Kun, Dzecko o incluso portando el gafete de capitán de Komapany. Este resurgimiento del City, ha aumentado esa rivalidad (menos hablado en los medios musicales he ignorada en los medios deportivos) con otros famosos hinchas del Manchester United, el equipo mandón de Inglaterra, a pesar del dinero árabe de los vecinos. Los Stones Roses y Radiohead son conocidos aficionados, incluso Eric Cantona fue a la última gira de los Stones Roses en Inglaterra. También son conocidos los pleitos entre músicos y futbolistas, y hay uno con dos nombres de alto calibre. En su libro sobre su club The Hacienda, narra como literalmente hecho a Ryan Giggs (actualmente una leyenda viviente del

club, siendo la persona que más títulos ha levantado y que más partidos tiene con el club) porque se recargó en su auto... que Peter estacionaba dentro. Simplemente le dijo al saca borrachos profesional y aventó a Giggs a la calle, como cualquier hijo de vecino. Pero también tenemos historias que terminan bien como Piqué y Shakira (si, Shakira no es rock... pero estar con alguien que se ve así es de rockstar), que se han convertido en una de las parejas sensación... por lo menos de la prensa rosa; cuando esos dos mundos se encuentran hay poco que se pueda hacer para quien se ponga en medio. Otros han aprovechado las enormes fortunas que han amasado, como el genio de Sir Elton John, que increíblemente y contra todo pronóstico, fue el presidente más exitoso en la historia del cub. Empezando como chairman fue el que empezó con los cambios que harían escalar en el vasto sistema inglés de futbol. Siendo el encargado de poner al técnico y hacer otros movimientos, los dejó en la antesala de la liga Premier. Lugar donde se ha mantenido a pesar del cambio de dueño y la renuncia de Elton como presidente vitalicio por problemas internos de la institución. Él nunca jugó, solo fue desde una posición directiva, caso contrario a Robbie Williams, el mayor accionista del Port Vale F.C. Aprovechando que se encuentra en la liga One (sería la tercera división) es bien sabido que seguido “cascarea” con el equipo y es bien sabida su calidad técnica de esos

partidos benéficos donde jugadores como Ronaldo, Zidane o Figo echan la reta contigo... por lo que si debemos ser honestos, parece que es un caso como el de Schumacher, no importa quien seas, a Ronaldo le echas una sandía y te baja una almohada, Zidane te la va a poner en el hueco al pie solo frente a la portería o le “ayudaste” a Figo para jalar la marca para que el desbordara. Nimiedades que no opacan las ganas que le pone en el campo cada vez que la número cinco está en juego. Y los más importante sigue siendo la música, esos momentos antes de que comience el partido, cuando vas al estadio y suenan los himnos, hasta se te sale una lagrimita y se te olvida todo lo que ha hecho mal la selección, esa combinación de sentidos es brutal para los presentes y hasta para el que lo está viendo por televisión. Dicen que una de las experiencias más estremecedoras es cuando vas a Anfield, hogar del Liverpool (donde Bill Shankly dirigía) y desde que vas por las calles hasta que entras al estadio y empieza el partido, la gente no deja de cantar lo que está grabado en piedra en los tuneles: “You´ll never walk alone” por los casi 50,000 que cada quince días están presentes sin importar las circunstancias. No importa que estés acostumbrado a tener show en estadios frente a 60,000 personas. Esto tiene algo que toca todas las fibras de tu ser. Si queda alguna duda de la pasión, de la sangre que corre por las venas, de las emociones que genera; solo hay que ver como Rod Stewart estaba en un llanto de felicidad cuando el equipo de sus amores (El Celtic FC) derrotó al Barcelona en Escocia por un juego de la UEFA Champions League. Pasión pura.

Texto por: Danhi Romero

No hay evento deportivo más visto en todo el mundo que el Super Bowl, la final de la NFL donde el mejor equipo de la Americana lucha por el Trofeo Vince Lombardi contra el mejor equipo de la Nacional. Pero no fue sino a partir de la década de los 90’s que el medio tiempo de este encuentro cobró fuerza y se convirtió en un espectáculo para generar mayores ratings pero sobre todo mayores ventas. Solo los 12 minutos que dura el medio tiempo del Super Bowl logra que 110 millones de personas alrededor del mundo sintonicen el evento, en el mundo de las redes sociales se realizan 2.2 millones de tuits en el medio tiempo. Por lo mismo hoy en Revista Kuadro hacemos un conteo de los mejores shows del medio tiempo en donde se han presentado los artista más importantes del momento, realizando un show que no escatima en recursos, volviéndolo así, tan importante y comentado como el mismo resultado del partido.

MICHAEL JACKSON La presentación que marcó un antes y un después en los shows del medio tiempo del Super Bowl. Con temas como “Jam”, “Black or White” y “Billie Jean”, Michael Jackson se convirtió en la sensación del medio tiempo del Super Bowl XXVII del año de 1993. La presentación de Michael Jackson fue la primera en la que un solo artista se presentaba, además de que fue un show lleno de espectacularidad, también contó con un mensaje a la paz mundial cantando “Heal the World”. MADONNA Como la Reina del Pop que es, salió cargada por sus súbditos que la acompañaron durante su presentación en la edición número XLVI del Super Bowl con un gran escenario y dos cambios de vestuario, acompañado por LMFAO en las tornamesas para “Music” y en donde también aprovechó para presentar un nuevo sencillo “Give me all your luvin’” al lado de M.I.A. y Nicki Minaj. Su presentación finalizó con una de sus canciones más representativas “Like a prayer” y dejando un mensaje al mundo “World peace”, para dar continuación al partido entre los Giants y Patriots ganando los de New York 21 a 17. ROLLING STONES Era el Super Bowl XL y que mejor que tener a sus majestades satánicas, los Rolling Stones quienes se presentaron en un escenario con la imagen que los ha acompañado desde su creación, una enorme lengua saliendo de la boca y 27 toneladas de luces. En la transmisión televisiva a cargo de la cadena estado unidense ABC decidió censurar dos de las tres canciones que interpretaron los ingleses por considerarse “sexualmente explicitas”, fue así que “Start me up” y “Rough Justice” fueron silenciadas unas palabras. JANET JACKSON Sin duda, uno de los espectáculos del medio tiempo más polémicos del Super Bowl, cuando la hermana de Michael Jackson compartió escenario con Justin Timberlake en el año de 2004 cuando Carolina se enfrentaba a New England en la ciudad de Houston Texas. El momento polémico llegó cuando interpretaban la canción “Rock your body”, cuando Justin arrancó una parte del traje de Janet dejándole un seno al descubierto de millones de personas que veían el Super Bowl por sus televisores.

Aunque Justin Timberlake negó rotundamente que esto hay sido a propósito en el 2004 Janet aceptó que esto fue preparado, aunque nunca pensó que provocaría tanto escándalo pero sobre todo una multa de 550 mil dólares. Desde entonces se tomó la decisión de transmitir diferido el espectáculo e invitar artistas que no generen riesgo ni a la televisora ni a la misma NFL. PAUL McCARTNEY Después del escándalo que produjo la cantante Janet Jackson, en el 2005 se invitó a Paul McCartney quien hizo recordar a The Beatles en el Super Bowl XXXIX, interpretando alguno de sus éxitos con el cuarteto de Liverpool como “Drive my car” y “Get back”. El momento del show se lo llevo al cantar “Live and let die” en donde erizó la piel tanto de los espectadores que estaban viéndolo por televisión como los presentes en el estadio de Jacksonville en Florida cuando hubo una impresionante despliegue de fuegos pirotécnicos, finalizando su presentación con el clásico “Hey Jude” que fue coreado por los miles de presentes. U2 El Super Bowl del año 2002, después de los ataques terroristas a las torres gemelas de la ciudad de New York el 11 de Septiembre del 2001, fue entonces que se eligió a la banda Irlandesa que llevo un mensaje de paz no solo a Estados Unidos, sino al mundo entero con la canción “Where the streets have no name”, brindando un homenaje a todos los muertos con una gran pancarta con cada uno de los nombres de las víctimas de ese triste día, junto a un escenario iluminado y culminando con Bono mostrando la bandera de Estados Unidos en el interior de su chamarra. Uno de los momentos más emotivos en la historia de los medios tiempos del Super Bowl. DIANA ROSS En el marco del Super Bowl XXX, Diana Ross en el año de 1996 hizo un show plagado de éxitos que incluyeron cuatro cambios de vestimenta, fuegos artificiales y un medley que incluyó más de 10 canciones finalizando con “Take me higher” en donde ella subió a un helicóptero para despedirse del estadio en Tempe Arizona, algo nunca visto ni antes ni después haciéndolo por ello de los shows más espectaculares del medio tiempo.

SOUNDTRACK DE LA VICTORIA Texto por: Rodrigo Hernández

A estas alturas del año en curso, algunas personas ya estarán hartas de tanto futbol, sin embargo es importante mencionar que el deporte y la música nunca han estado peleados, es más, la música ha sido vehículo del mensaje deportivo durante décadas. Es por eso que cada futbolista al igual que cada atleta tiene creada una lista de reproducción tan personal como su propia maleta.

Sin duda la música puede cambiar tu forma de ver las cosas o simplemente te puede ayudar a encontrar ese punto de relajación en el que tu cabeza puede asimilar mil cosas, pero existen canciones cuyo ritmo, letra y energía pueden hacer de ti un verdadero ganador, piezas únicas en las que los atletas encuentran una motivación que no llega en el vestuario ni en los entrenamientos, canciones que crean en el deportista una mentalidad totalmente positiva y que, sin demeritar el alto rendimiento que puede tener éste, han valido victorias y momentos épicos dentro de la historia del deporte. Los grandes ganadores tienen sus canciones favoritas para escuchar antes de una competencia, algo así como su propio “soundtrack de la victoria”. A veces éste se arma en equipo o bien de manera individual, dependiendo de la disciplina de la que hablemos, para ejemplificar mejor la situación, remontémonos a uno de los últimos momentos de gloria dentro del deporte mundial, aquel lejano año del 2008 en donde Michael Phelps rompió varios records y se logró colgar varias medallas; antes de eso, en todas sus competencias se puede recordar a Phelps usando sus audífonos,

logrando la máxima concentración o una gran motivación pues dentro de sus canciones favoritas antes de lanzarse a la piscina esta “Till I collapse” interpretada por Eminem; o el mismo Usain Bolt quien luego de que sus declaraciones fueran víctimas de un remix por parte del DJ Steve Porter, “El hombre más rápido del mundo” hizo de “Faster Than Lightning” su favorita antes de cada carrera. Otros deportistas que se concentran con música son Bradley Wiggins, quien fue capaz de ganar el Tour de France y la medalla olímpica en el mismo año; y Chris hoy su compañero de deporte, pero británico, ellos prefieres escuchar a The Who y a The Chemical Brothers, respectivamente. Quizá solo haya que buscar entre todas las canciones del reproductor aquella que saque lo mejor de cada uno de nosotros, o con la que más identificados estemos; quizá con la canción correcta algún día dejemos de celebrar el gol en el llano para hacerlo en un estadiolleno de personas gritando. Y es que a veces solo hay que encontrar la canción indicada para poder vencer el miedo, tirar el muro que nos detiene y correr hasta alcanzar nuestros objetivos.

Videojuegos y deportes llenos de

rock n roll

Para quienes gustan de gastar su dinero, tiempo y vida en las consolas de videojuegos, tienen la fortuna de poder gozar así como escoger entre una amplia gama y diversas opciones de títulos con los cuales pasar horas de “diversión”. Y sin duda, entre esas opciones la de los sports video games es una de las preferidas. Nada como caer en la ilusión de ser por un momento Lionel Messi, Lebron James o un skate profesional. Más allá del nivel de gráficos que hoy en día es lo importante, así como los tipos y estilos de juego, un factor al que algunos títulos le han dado importancia es a su soundtrack. Quizás para muchos la combinación entre videojuegos, deportes y un buen track list sea lo mejor que les pueda pasar en una tarde o en días. Así es, diversas series o sagas de deportes han buscado hacer más atractivos sus juegos acompañándolos de bandas y canciones que complementen el concepto. Sería muy difícil tratar de mencionar todos los títulos importantes, ya que la cantidad de videojuegos que hay hoy en día es simplemente descomunal, pero lo que si podemos es mencionar algunos nombres relevantes en esta gama de virtualismo.

Uno de los primeros videojuegos de deportes enmarcar una pauta importante ha sido la saga del skate profesional norteamericano Tony Hawk. Así es, este patinador tuvo la brillante idea con ayuda de dos corporaciones importantes de animación, de llevar el skate a un concepto virtual a través de diversas consolas. A través de 18 ediciones y una número 19 en camino, hemos podido disfrutar de un sinfín de bandas donde sobre salen nombres como Dead Kennedys, Primus, Rage Against the Machine, Papa Roach, Motörhead, Red Hot Chili Peppers, Metallica entre muchos, muchos más, aunque quizás sobre sale la edición Tony Hawk’s Underground 2 donde cuenta con un soundtrack con más de 50 temas.

sus más 20 de ediciones que van desde 1993 hasta la fecha, aunque el primer soundtrack apareció en su edición del 98, cuando “Song 2” de Blur era tomada como el título del juego. Un generoso track list en cada una de sus ediciones donde desfilan bandas

Otro título importante que ha sacado provecho de esto ha sido FIFA, saga exitosa creada por EA SPORTS y ELECTRONIC ARTS, prueba de ello son

Texto por: Javier Jarquín

como: Fatboy Slim, Moby, Gorillaz, Kings Of Leon, Bloc Party y donde han llegado a aparecer bandas mexicanas como Plastilina Mosh, Kinky y Café Tacvba. Como podrán darse cuenta ni los videojuegos se han podido salvar de su respectiva dosis de buena música. Algunos otros títulos como: NBA Live, BMX y el wrestling de WWE son otros títulos que se unen a este desfile de bandas para sus videojuegos.

Texto por: Valeria Lazcano

Como éste número está dedicado a los deportes yo quisiera hacer un repaso de la última edición de Los Juegos Olímpicos que se celebraron en Londres, Inglaterra. Nos enfocaremos en las ceremonias de inauguración y clausura que fueron espectaculares. Aunque hay que enfatizar que fué tres veces más barata que la edición en Beijín 2008 . ¿Pues no que los asiáticos todo lo hacen más barato y de excelentísima calidad? Para Londres no fué nuevo, ya que sería la tercera ocasión, en la edad moderna, que serían cede anfitriona. La hora de la espectacular ceremonia de inauguración dirigida por el reconocido cineasta Danny Boyle había llegado. ¿La reina Isabel llegando en helicóptero y cayendo de un paracaídas? Solo era el comienzo de un gran tour de risas y emociones encontradas que nos traería la noche del 27 de julio del 2012. El himno para los atletas fue Survival, compuesto por Muse. Durante la celebración felices escuchando a los Arctic Monkeys covereando a The Bleatles, aunque The Beatles son The Beatles, nadie les llega ni a los talones. El momento cumbre que todos esperábamos era la aparición de Paul McCartney, lastima que el sonido falló, aunque eso pareció no importarle en lo absoluto, para que vean que los accidentes le pasan a cualquiera, aunque seguro el ingeniero de audio que la regó no volverá a tener empleo de eso en muchísimo tiempo.

Después de 16 días de competencia el momento de la despedida había llegado y obviamente el tema sería el pop británico. La maqueta tamaño natural con la que representaban los puntos más emblemáticos de Londres era fenomenal. Madness montados en un típico autobús inglés tocando su famosísimo “Our House” daban oficialmente inicio a la clausura de los XXX Juegos Olímpicos de la era moderna. Grandes talentos nos hicieron vibrar esa noche como: Kaiser Chiefs, George Michael, Annie Lenox, Ed Sheeran, Fatboy Slim,Jessie J, Tinie Tempah, Liam Gallaguer, entre otros. Un coro de niños interpreta Imagine mientras que se va formando una imagen 3D con la cara de John Lennon, y claro fue un momento lleno de nostalgia y alegría. La presentación más esperada era el reencuentro del grupo femenil más importante de los años noventas las Spice Girls. A bordo de 5 taxis londinenses Victoria Bechkam, Mel B, MEl C, Emma B y Geri Halliwell hicieron suyo el escenario del estadio olímpico. Para cerrar con broche de oro los integrantes de Queen se juntaban y en las pantallas comenzaba la presentación de Freddie Mercury, juntos cantaron “We will rock you” fué uno de los momentos más emotivos de todos. No puedo esperar para Rio de Janeiro 2016, ¿qué sorpresas nos traerá? La vara quedó muy alta espero que no nos decepcionen.

escucha Dead Letter Circus: Esta agrupación tiene su origen en el 2004 y es originaria de Brisbane Queensland, Australia. Está conformada por 4 integrantes: Kim Benzie (voz), Stewart Hill (bajo), Scott Davey (bateria) y Rob Maric (guitarra), estos dos últimos abandonarían el grupo para dar paso a Luke Williams (batería) y Clint Vicent (guitarra) durante la trayectoria de la alineación. El género que trabaja esta banda es Rock-AlternativoProgresivo-Electrónico y lo interesante de ella es que en sus canciones puedes encontrar “riffs “ de guitarra muy variados, ya que se juega mucho con la rítmica y el tiempo de la canción, a su vez, encontrarás que la voz no es gritada o cantada guturalmente si no es una voz completamente limpia y aguda, se podría decir que se puede comparar un poco con el trabajo de bandas como Karnivool o Muse, pero hay que recordar que cada banda cuenta con su esencia propia al igual que su sonido, pero sin embargo, si disfrutas de este tipo de bandas, los Dead serán un grupo más en tu playlist del diario. Por: Rodrigo Guerrero Howlin’ Wolf, con su particular estilo donde aullaba, técnica que implementa al no poder hacer yoodle, de un blues todavía más primigenio se convirtió en su sello característico. Con una voz única y distinta, capaz de alcanzar varios tonos, acompañado de su guitarra, y un sonido simple pero desgarrador. Mucho menos melancólico que sus compañeros de ese Chicago Blues (ya no digamos del Blues del Delta) y esa habilidad para hacer que las notas suenen lo más posible, un dinamismo que no se veía en esa época, con canciones que a la fecha siguen sonando... aunque tal vez no en su voz. Pero “Smokestack Lightnin”, “Spoonful” y “Red Rooster” son canciones que todo mundo ha escuchado. Su legado invaluable, ya que también trabajó al lado de Sonny Boy Williamson II. Y de manera personal también ya está en todos los reconocimientos (postumos en su mayoría) que podría aspirar. Y al día de hoy se ve no solo en sus fanáticos de su manera de tocar la guitarra (como Clapton o Harrison) sino también en Mick Jagger y James tienen siempre una especie de tributo con sus enérgicas presentaciones, como cuando Howlin incendiaba los escenarios. Por: Carlos Valle

Six Gallery es una banda de rock progresivo indie que surge en Athenas Ohio, y que cuenta con tres guitarristas un bajista y un baterista, pero bien… ¿Cuál sería la diferencia entre esta agrupación con otras que trabajan igual con 3 guitarras? La diferencia sería que dos guitarras e incluso también el bajo emplean la técnica llamada “Tapping” o mejor conocida como “Fingertapping” que es una técnica que se ejecuta utilizando los dedos de la mano derecha en vez de utilizar la plumilla para así presionar las cuerdas sobre el mástil del instrumento haciendo sonar las notas, esta técnica llega a darle un toque diferente al sonido pues la cuerda ya no es frotada con una plumilla si no es percutida por los dedos, con esto los Six Gallery le dan un toque algo diferente al sonido. Esta agrupación cuenta con un disco llamado “Breakthroughs in Modern Art” y el tema que sobre sale del disco es “A live Nativity Scene” rola que te ejemplifica lo anteriormente mencionado y es el sencillo del álbum. Por: Rodrigo Guerrero

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Rock on Digital DEPECHE MODE: ROCK AM RING

Los malos días se habían hecho añicos por fin en las entrañas del pasado. Ya sólo servían como referencias oscuras y nebulosas de tiempos pretéritos abrazados por la muerte y, para el 2006, los músicos de Depeche Mode estaban sobrios, habían lanzado Playing The Angel, el primer álbum donde Dave Gahan se atrevió a escribir canciones y eso se trasladó con fuerza desmedida hasta el escenario. Prueba de ello fue su presentación del 4 de junio de ese año en el festival Rock Am Ring de Nurburgring, Alemania, donde un impulso arrollador envolvió a miles de personas, sacudiéndolas entre una odisea rítmica de piezas nuevas tipo “Suffer well” o “Precious” y la energía con la cual fueron representadas varias de sus más célebres composiciones: “A question of time”, “Personal Jesus”, “Enjoy the silence” y “Never let me down again” traspasan aquí la piel instalándose en las caderas, el corazón y el cerebro, órgano que codifica un mensaje claro: “La resurrección sí es posible”. Al menos en una de sus manifestaciones.

JOE COCKER: LIVE!

La imagen de este rescate audiovisual se nota añeja, arcaica. En ningún lugar aparece el nombre del sitio donde se realizó el concierto y sus fans de debaten entre Canadá o Italia. Pero el sonido recibió un tratamiento decente, provocándote el efecto natural de entrar en contacto con una leyenda: La música suena fresca, sin una filiación cronológica específica, sólo te permite abandonarte y dejarte cargar en los tonos de una voz privilegiada, una que suena a lamento afroamericano mientras su transmisor luce un par de ojos bañados en tonos azules. John Robert Cocker no es una mega estrella, pero está en la escena desde los 60 y ha edificado su propia mitología como intérprete (con todo y un epiléptico estilo para cantar) y por reconstruir canciones de otros, las cuales ha hecho prácticamente suyas, como la que cierra este show: “With a little help from my friends”, que para algunos, suena mejor que la obra original de The Beatles.

ARCADE FIRE: LIVE AT READING FESTIVAL 2010

Las primeras letras grandes que se leen en este DVD dicen claramente, en inglés y en español: “Di no a la piratería”. Pero, ¿cómo pretender alejar al público de un material no oficial, si lo pueden ver con mucha mejor calidad en YouTube y no en este DVD lanzado legalmente? Decepciona mucho que la actuación del grupo canadiense de indie rock con alcances kilométricos de folk en Reading, se aprecie notablemente pixeleada en el plato “original” y, en contraste, aparezca en alta resolución en la red, de donde cualquiera puede bajarlo a su computadora. Si la industria quiere conservar a sus cada vez más escasos clientes, debe ofrecer mejor calidad en sus productos. A la memoria de Aldo Arancegui, un estupendo ser humano, fan de The Who Por Francisco Zamudio

Por: Dulce Orozco

PUERTA DE ENTRADA Mississippi Queens En esta sección te invitamos a conocer a bandas con proyectos creativos y llenos de estilo que buscan ser escuchado y seguidos. Bandas con el talento que se encuentran escondidas pero que haremos llegar a tus oídos. En esta ocasión presentaremos a una banda regia con una propuesta llena de energía, Mississippi Queens tienen algo que decir, y estos son sus tiempos. Está integrado David Cavazos (Voz y guitarra) Raúl Escamilla (Baterista y Voz) Diego Cavazos (Guitarra y voz) Saverio Giandusa (Teclados y Voz) y Óscar Cereceda (Bajo y Voz). Estos chicos inician en el circuito subterráneo de la ciudad de Monterrey hace 10 años con un estilo basado en el rock con letras de críticas. Años llenos de trabajo que seguramente hizo de la banda una gran propuesta que no podemos dejar de escuchar.

Mississippi Queens tiene su primera producción autobiográfica titulada “Los tiempos de la Bola”, este disco está conformado por 11 temas donde la banda refleja los cambios de la sociedad en esta última década, fusionando el sonido de guitarras potentes y letras con mensajes hacia la sociedad. “Los Gitanos” es el tema elegido como primer sencillo debido a que engloba el concepto general que se aborda en el disco, describiendo ese tiempo donde nos encontramos en la sobre saturación de la información, donde la sociedad se encuentra, ocupa y busca pertenecer a todo y nada a la vez. Voy cayendo resistiendo firme en su paso , sin miedo a su lado es aquel que de nada ,hace vida por este lugar..

Texto por: Valeria Lazcano Ilustración por: Luis Sobrado En Revista Kuadro, llevamos varios números contándoles el origen de la música electrónica. Les hemos platicado nuestros gustos y les hemos dado recomendaciones para pasar un buen rato; pero en ésta ocasión quiero expresar mi más sentido pésame a todos aquellos productores de talla internacional que tienen que presenciar nuestros “festivales de música electrónica” en el Distrito Federal. De verdad lamento el estarlos decepcionando. ¡Ojo! No pretendo quejarme de la organización, no me quiero meter en camisa de once varas, aunque de verdad, ¿creen que el estacionamiento del Palacio de los Deportes era el mejor lugar para realizar un festival? Seguramente los grandes artistas que trajeron no lo merecían, un estacionamiento no estaba a su altura, ¿o sí? No sé ustedes pero yo preferiría mil veces ver el amanecer en medio del bosque en Bahidorá, que tener a un hombre que te embarre un pastel en la cara y tengas que pasar toda la noche pegajoso y sucio, por cierto, éste individuo aceptó públicamente que él NO ES DJ. Y no conforme con eso tengas que pagar un boleto carísimo para chutártelos en un escenario donde

NISIQUIERA TIENEN PRENDIDAS SUS MIXERS…Pero el “punchis punchis” está increíble ¿no? La peda que te estas poniendo será inolvidable.. claro inolvidable para tus amigos que tendrán que estarte aguantando vomitando todo el camino de regreso porque te la pasaste como nunca en la vida. Las agencias organizadoras grandes, deberían apostarle más a los talentos mexicanos, no tenerle miedo a hacer un festival de una semana, como cada año pasa en Playa del Carmen. Reconozco que no es el ambiente más familiar del mundo, pero me ha tocado ver a cincuentones bailando y gozando a lo grande y a familias disfrutando del ambiente, conviviendo con la gente que tiene a su alrededor. Al final es una playa, es un espacio público, esta en cada persona el como lo disfruten. El BPM llega a México para reunir a la crema innata de la escena mundial de la música electrónica, especialmente del House y el Deep House y para que nuestros mexicanos nos den una probadita de lo que han aprendido lejos de su tierra. Ésta semana no le pide nada a las mejores fiestas de Ibiza, si talento si tenemos, pero nos faltan…ganas de hacer las cosas en grande. ¿Por qué no lograr esto también en la ciudad? En mi muy personal recomendación no se encasillen en la música de moda, si les gusta el beat pues estén atentos a las carteleras de los bares locales, investiguen que ferias, que exposiciones vienen, una cosa lleva a otra, y recordemos que la música electrónica es un gran ejemplo de celebración y que no se necesita una ocasión especial para celebrar que estas vivo.

MICHAEL JACKSON -XSCAPE Es difícil sacar un álbum póstumo ya que en la inmensa mayoría de los casos son canciones que no pasaron el corte para un LP en particular. Afortunadamente hay casos donde el artista simplemente es muy prolífico que junto a la mano del talento, se quedaron guardadas varias piezas que valen la pena. Este es el caso de Xscape de Michael Jackson, el segundo álbum de este tipo en su catálogo y el resultado es sorprendentemente bueno. Producido por Timbaland (casi todo) nos entrega un trabajo que pareciera la evolución natural del sonido de Michael, incluso después de Dangerous porque Invincible fue bastante flojo. Canciones de todas las eras, desde el 83 hasta los primeros años del nuevo milenio. Pero ese revestimiento las hace sonar frescas, guardando la esencia, dándole prioridad al trabajo vocal y no a los sampleos y beats como la inmensa cantidad de artista de hoy en día. Una de las canciones que sobresalen es “Blue Gangsta” que bien podría ser la continuación de “Smooth Criminal”, la otra es el sencillo lider “Love Never Felt So Good”, una canción que había escrito con Paul Anka, que se va a convertir en una segura para las siguientes recopilaciones y listas de lo mejor de Jackson.

ODISSEO -DÍAS DE FUEGO Con letras llenas de ironía, melancolía, nostalgia, amor y desamor ve la luz el segundo álbum de Odisseo, banda mexicana originaria de Ecatepec. El álbum titulado “Días de fuego” fue producido, mezclado y masterizado por Julián Navejas, tecladista de Enjambre y editado bajo el sello Discos Valiente de Universal Music. El álbum contiene 11 temas de los cuales actualmente suena el sencillo “Las penas por amor”, el cual se está promocionando con un videoclip dirigido por Ricardo Velasco y fotografiado por Conrado del Campo, en donde se muestra a la banda en un estudio tocando la canción. En el disco se nota fuertemente la mano de Navejas y su influencia tanto en las letras como en los detalles sonoros, imprimiéndole sentimiento a la baladas y potenciando los temas de rock y blues, destacando la limpieza y la precisión en la ejecución de sus canciones, pero definiendo muy bien un sonido propio para darle personalidad a la banda, ubicándose en el gusto de nuevos seguidores y reinventándose para sus fans, prueba de ello es que el disco se ha situado en los primeros lugares de ventas. “Días de fuego” ya está disponible en tiendas en formato físico y digital.

RESEÑAS TURN BLUE-BLACK KEYS Fueron tres años los que tuvieron que pasar para que Black Keys nos volviera a presentar un nuevo material discográfico (el octavo en su carrera musical), y lo hicieron con Turn Blue en el que volvieron a confiar en el trabajo de Brian Burton para la producción del mismo. Si bien es algo completamente distinto a lo que presentó en su anterior trabajo Camino, donde podría considerarse como un disco completo, Turn Blue nos muestra un sonido completamente diferente a lo que nos habían acostumbrado este dueto. Como suele ocurrir cuando salen nuevos materiales discográficos en el que las opiniones se dividen, con Turn Blue ocurre lo mismo; sin embargo, hay grandes temas dentro de esta producción que valen la pena repetir una y otra vez, como lo son: Turn Blue, 10 Lovers, Weight of Love. Cabe destacar que hay momentos del disco en el que el sonido puede llegar a ser un tanto psicodélico, que es algo de lo nuevo que presentan. Sin duda, es de aplaudirse que Black Keys no haya querido repetir la misma fórmula de sus discos pasados, lo que hubiera hecho que cayeran en lo mismo de siempre y hubieran perdido su completa frescura.

SKRILLEX-RECESS El pasado mes de marzo pudimos conocer el esperado primer material discográfico de Sonny John Moore, mejor conocido como Skrillex. El lanzamiento del disco fue anunciado durante la gira “The Mothership Tour”, realizada por los Estados Unidos. Antes del lanzamiento oficial fue lanzada una APP en la cual había que descifrar ciertos elementos, donde al juntar 500 puntos podías escuchar algunos de los tracks. Con un marcado y diferente estilo podemos escuchar sonidos más regulares y menos saturados, a diferencia de tracks anteriores donde podemos reconocer su música por este marcado estilo que lo caracteriza. Podemos escuchar interesantes colaboraciones en varios tracks con Ragga Twins, Kill the Mouse, Fatman Scoop, Michael Angelakos, Kila Graham, Alvin Risk, G-Dragon, Niki and The Dove y Kid Harpoon. Sin duda el productor de Dubstep, Brostep y Electro House ha hecho de su primer material LP un material que no puedes dejar de escuchar.

LIVE Machaca Fest: Los Regios también saben hacer festivales

Carla Morrison: Una noche de lágrimas y sueños cumplidos

El Parque Fundidora en la ciudad de Monterrey albergó uno de los festivales más épicos y cargados en la historia de la ciudad. Un festival que dejó con un gran sabor de boca a propios y extraños, locales y foráneos. Un festival que superó las expectativas y que, a pesar de ser su primera edición, logró complacer al público, entregando lo que un buen festival debe entregar: música sin parar. Banda tras banda, la música era continua, terminaba un escenario y ya estaba comenzando el siguiente; bastaba con girar la cabeza y fijar tu vista en el escenario contiguo.

Llegaba el día en que Carla Morrison pisara por primera vez el Auditorio Nacional, un logro muy grande, tomando en cuenta que solo tiene un disco de larga duración.

Wolfmother y Papa Roach fueron los encargados de encabezar este evento, en donde tocaron muchos de los éxitos que los ponen en selectas ‘élites’ musicales. A ellos los precedieron actos llenos de baile y buena vibra. ¿Los más destacados? Todos y cada uno. Panteón Rococó, El Tri, Las Victimas del Dr. Cerebro, Los Auténticos Decadentes, Fobia, Cartel de Santa, Tex-Tex y hasta 3BALL MTY, dieron cátedra musical e incendiaron los pies y corazones de quienes pudimos presenciar el Machaca Fest. Entre chilangos y regios, siempre habrá competencia; pero algo quedó más que claro en el Machaca Fest: en Monterrey también saben hacer festivales.

Texto por: Alan Navarro Foto por: Rodrigo Díaz

Tras una espera que se hizo un poco larga, las cortinas del Auditorio Nacional se abrieron y un octeto de cuerdas empezó a tocar y de esta forma dar comienzo al concierto, luces de celulares la recibieron, lo cual hizo que derramara sus primeras lágrimas de la noche por el hermoso recibimiento de su público. Agradeció a sus fans por estar esta noche, por haber comprado el boleto y por estar ahí con ella y hacer realidad su sueño, un sueño que inició 2 años y medio atrás cuando ella seguía en Tecate y tenía el corazón roto, pero gracias a eso, ella escribió todas estas canciones, que esta noche la hacían estar ahí, en el Auditorio Nacional y hoy su público es quien la hace feliz. Durante todo el recital Carla Morrison, se la pasó agradeciendo a sus fans, notablemente emocionada y hasta nerviosa en ciertos momentos, donde bromeaba que quería salir corriendo del lugar por ver tanta gente reunida viéndola a ella. La noche llegó a su fin pero complació a todos sus fans con cada canción que ella interpretó junto a su banda que la acompañó en esta velada que quedará en la memoria de ella y de sus pajaritos del amor. Texto por: Danhi Romero Foto cortesía de Ocesa

Zurdok: Abre los ojos bien

Noche disco junto a Adanowsky

Nueve en punto de la noche, se apagan las luces del Metropólitan y el público ansioso se agarra de su lugar, mientras vemos salir a Zurdok tras la especie de telón, en el mismo se empiezan a proyectar imágenes del concierto, logrando el asombro de todos los que estábamos presentes, pues lo que se pudo ver en cuanto a producción, sale por completo de lo que las mayorías de bandas nos tiene acostumbrados.

Sensualidad, carisma y seducción, son los elementos perfectos para describir a Adanowsky, quien en compañía de su banda, convirtieron a El Plaza Condesa en una pista disco para la presentación de Ada, el nuevo alter ego del polifacético artista.

“Abre los ojos” es la canción elegida para dejar caer de golpe ese telón y dejar al descubierto a la banda regiomontana, se veían estar disfrutando igual o más que los que solo podíamos quedarnos viendo la gran producción que traían. Entre palabras de agradecimiento, Chetes saludaba y disfrutaba con todos el gran momento, por su parte Maurizio se limitaba a levantar su botella de vino para brindar por ese gran momento. Uno de los mejores momentos ocurrió cuando entre los integrantes se mostraron con otros instrumentos, y así Maurizio le dejó el bajo a David, para poder cantar “No encuentro la manera”, después el mismo Maurizio dio muestra de su talento como baterista para que “Rojo” tocara el bajo.

Luciendo un traje blanco y labios rojos carmín, Ada saltó al escenario para comenzar la noche con “Dancing To The Radio”, seguida de los éxitos de Ada, el nuevo disco del intérprete que se hacían desfilar a través del show, además de dar un pequeño espacio para recordar a sus dos antiguos amigos: El Ídolo y El Amados, con los temas: “Estoy Mal”, “Me Siento Solo”y “Déjame Llorar”, las que desataron lágrimas, drama, baile y mucha pasión por parte de los fans. La noche retomaba el ambiente disco y los temas nuevos siguieron sonando, abriendo paso a “Sexual feeling“, que provocó todos los instintos de Ada, quien bajó del escenario para repartir besos a sus seguidoras.

En la parte final del concierto entre guitarras acústicas, Zurdok invitaría a Alfonso André para cantar “¿Cuántos pasos? y posteriormente en la batería con “Tropecé”; tras varios coros llegó el momento que hizo vibrar a todo el recinto cuando Tino el Pingüino se subió al escenario para cantar “Gallito inglés”. Después de casi dos horas de concierto, luces y efectos visuales, “Sin explicación” fue la canción elegida para cerrar una noche para recordar. Texto por: Rodrigo Hernández Foto cortesía de Ocesa

El show tristemente llegaba al final y al ritmo de la versión personalizada de “Jump” y “Ghostbusters”, temas ochenteros, llegó al final del show, ¡pero el público quería más! El equipo de músicos y Ada regresaron al escenario para complacer a los espectadores con “Let’s bring it back“, la cual provocó que entre baile, luces de colores, pasión, coqueteo y muchos, muchos piropos, llegara un cierre con broche de oro, convirtiendo esta noche en algo inolvidable.

Texto por: Edwin López Foto por: Brenda Arriaga

DE HONOR Texto por: Vania Castaños

La música crea historias. Oasis marcó toda una época. Su primer disco Defenitely Maybe perfiló el Brit Bop. Más de 48 minutos de libertad, los hermanos Gallagher paralizaron a toda la ciudad. Desde los años 60 los reflectores del rock han estado alternando entre Estados Unidos e Inglaterra. A finales de los 80, Nirvana y Pearl Jam mantenían toda la atención mediática. Ambas bandas norteamericanas habían llegado a la cima con sus sonidos grunge; atascados de guitarras y melodías obstruidas de energía.

El 5 de abril de 1994, la noticia del fallecimiento de Kurt Cobain, vocalista de Nirvana, sorprendió al mundo. 4 meses después, apareció Defenitely Maybe, el álbum presentación de Oasis. La flecha entonces, giró a favor de Manchester. El destino confabuló en su beneficio. Los hermanos Gallagher estaban haciendo lo que mejor sabían hacer: ser ellos mismos. No le pertenecían a nadie, eran naturales, volátiles y sensatos.

Oasis Definitely Maybe 1994 Oasis era la banda de la clase trabajadora. Noel se ganaba el dinero honradamente en construcciones mientras que Liam prefería robar bicicletas o podadoras para cambiarlos por marihuana. Así eran ellos, y así llegaron con su primer disco a cambiar las reglas, criticar lo criticable y musicalizar realidades.

The Psychedelic Furs Midnight to Midnight 1987 Cortesía del Baúl de Martín Pérez

A la otra, mejor no hagan nada Texto por: Carlos Edmundo Ilustración por: Liliana Medina

El ser humano es un ente festivo, o si no, por lo menos sí es muy de conmemoraciones, de ritos, de ceremonias. Desde bienvenidas a clubes infantiles y novatadas en equipos deportivos, pasando por toda tradición familiar —con o sin absurdos complementos religiosos— y llegando hasta lúgubres iniciaciones de sociedades secretas o cárteles del narco, todas son ceremonias al fin. Siendo así, claro que algo tan importante como una justa mundialista (aunque justa ¿para quién?) debería tener una ceremonia inaugural de trascendencia MUNDIAL, y aunque tratemos de no cuestionar tanto si la importancia del evento es legítima o manipulada, es innegable que la inauguración ofrecida valía para puro topi. (Si el lector no sabe qué es topi, repita muchas veces el naquísimo término, siempre que sea mexicano. De no ser así, preguntar a un compatriota por qué pito y puto tienen significación dependiendo del contexto). Y es que uno cree que un acto de tal envergadura (amo el término) sorprendería por su chidez (sic), y no por su mediocridad. A mí me dejó más confundido que enterarme por quién me dejó mi exnovia, pues tanto en el caso de esa mujer, como en el del “Teletón” o ese, y sobre todo en el de las inauguraciones de eventos mundiales, se debería siempre superar a la versión anterior, ¿no? Entonces es incomprensible que nos hayan acabado zampando a unos imbéciles carentes de talento, credibilidad, del mínimo cociente intelectual y —carajo— hasta de nacionalidad, porque el ese “Pitbull”, o la “López” esa que salieron, no tienen otra nacionalidad que no sea la de las modas, y la del dinero. Y de verdad que no soy intolerante, claro que respeto que Brasil haya elegido para la ceremonia a personas con discapacidades. Es más, soy tan tolerante que siempre aguanto las tartamudeces de “gente” como “Lady Caca”

(sic) haciendo su esfuerzo por “cantar” «Pa pa pa pa pa, no-se-qué», o a la otra igual de tartamuda, aunque de distinto color, intentando «umbrella-ela-ela-eh-eh.eh». Es más, esto ni es nuevo, hasta en el mundial pasado, una muy decadente Shakira intentó un «waka-waka-eh-eh», que nada tiene que ver con el canto africano en el que según ella se inspiró, y con el que a los sudafricanos no les fue mejor en la vida. Y conste que lo imperdonable de ella, no es el rubio asqueroso, ni que en este mundial haya lanzado un nuevamente insultante «la-la-la», sino tener verdadero talento y preferir vender carne. Pues sí, otra vez nos tuvimos que conformar con un denigrante «Ole ola» como si estuviéramos en el año 2020, pero A.C, pero lo más lamentable es que Brasil es un maravilloso país con gente que sí protesta cuando los oprimen una cultura musical tan basta y elevada, que no deberían de andar pidiendo prestado, y menos productos de pésima calidad y además ya gastadísimos. Unadisculpita.Loquepasaesquecreoquemerecemosmejoresceremonias en todo sentido, porque así las cobran. Esperemos que la de Rusia esté mejor, y si no, mejor comencemos nomás con el partido inaugural. Sería más digno.