Revista Kuadro No. 13

REVISTA KUADRO NO. 13 NOV/DIC 2014

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04. Kapturados 08. Celso Piña 10. Is Tropical 12. Aurum 13. Screaming Headless Torsos y Code Red 14. Caloncho 15. Saúl Hernández 18. Kinky 20. La Gusana Ciega 24. Momentos Memorables Kuadro 28. Zoé 31. Kuadro Escucha 32. 13 Ritus 34. Los 13 Brujos del Rock and Roll 36. La Música y los Astros 38. Charles Manson 40. 13 Desgracias en el Rock 42. Rock on Digital 43. Kuadro Beat 44. Reseñas de Discos 46. Kuadro Live 49. Puerta de Entrada: Cardiel 50. Kuadro de Honor 51. Rekord´ando

Revista KUADRO es una publicación trimestral. Editor responsable: Vania Castaños, con domicilio en Calle La Ideal No. 54 Col. Industrial, México, D.F. CP 07800 Deleg. Gustavo A. Madero. Teléfono: 29783750. Número de reserva al título en Derecho de Autor: 042011-090609421400. Número de certificado de licitud, título y contenido en trámite, ante la Comisión Certificadora de Publicaciones y Revistas Impresas. Imprenta a cargo de Sandoval Impresores. Tizapan 172 Col. Metropolitana 3era Sección C.P 57750 Tels: 57934125 5793-7224 impresos_sandoval@yahoo.com.mx Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta publicación por cualquier medio, incluyendo los electrónicos, sin previa autorización por escrito de parte de la Dirección. El material publicitario se acepta con un criterio ético, pero los editores declinan cualquier responsabilidad respecto a la veracidad y legitimidad de los mensajes contenidos en los anuncios. Revista KUADRO considera sus fuentes como confiables y verifica los datos que aparecen en la revista, en la manera que le es posible. Todas las marcas, logotipos, nombres e imágenes mencionadas en esta publicación, tienen derechos reservados. El uso de los mismos es sólo de manera informativa. Revista Kuadro No. 13 noviembre – diciembre 2014.

Han pasado varios años desde que iniciamos este sueño, así lo llamé porque creo que en la vida todo nace de un sueño o por lo menos para mi, así son las cosas. Pero no se trata de mi, se trata de la vida de nuestra Revista Kuadro que ha sido corta, pero que nos ha dado tanto y que gracias al trabajo de muchas personas se ha logrado; y obviamente gracias a lo más importante TU nuestro lector y cómplice, a ti y a todos los que aman la música y que están ahí siempre, detrás de una noticia, de un concierto, organizando e inventando nuevos eventos para transportarnos a un mundo mágico, no sé ustedes pero yo me rijo así y vivo así a través de la música.

Dicen que cuando trabajas o haces lo que te gusta, resulta fácil, pues les comento queridos lectores y amigos, que Revista Kuadro está cumpliendo 3 años de vida, y al llegar a esta edición No. 13: número místico, enigmático se me ocurrió, esta vez, hacer un ejercicio con mis colaboradores y personas cercanas para saber que ha sido para ellos esta experiencia.

Pero sin tanto rollo les platico que una de las primeras bandas que pudimos entrevistar en aquel Número 0 de Revista Kuadro fue con La Gusana Ciega, y hoy toca el honor de tenerlos en nuestra portada de aniversario, además que nos platican de su nuevo álbum. Otro muy querido, que digo querido, queridísimo de nuestra revista, bueno de su servidora es Saúl Hernández que fue nuestro padrino hace 3 años ya, y les platico que fue nuestro primer entrevistado y también la primer portada en aquel mayo de 2011. ¡Ah que tiempos!, podría hablar de tantas cosas y personas que han estado al lado que no acabaría. Por lo pronto les platico que tenemos muchas entrevistas súper interesantes, Celso Piña y su acordeón, desde el UK Is Tropical, Caloncho imparable, Screaming Headless Torsos banda con una fusión súper interesante directa de Estados Unidos, Kinky, Zoé, etc. etc. ya no les platico más mejor los invito a leer esta mística y mágica edición.

Por: Laura Romero

DIRECTORIO DIRECCIÓN GENERAL: Laura Romero DIRECTOR ADJUNTO: Ivana Castro EDITOR EN JEFE: Vania Castaños DIRECTOR DE ARTE: Brenda Arriaga DISEÑO EDITORIAL: Jennifer Navarrete MEDIOS Y PRENSA: Valeria Lazcano WEBMASTER: Samuel Becerril RP: Uriel Sánchez

DISEÑADORES: Grissel Coutiño Germán Gonzalez Isabel Gonzalez Ksenia Guerrero Raúl Hernández Alejandro López Liliana Medina Abraham Salazar Luis Sobrado Caroll Ventura FOTÓGRAFOS: Brenda Arriaga Enrique Ávila Jesús Cornejo Rodrigo Díaz Javier Gopar Bruno Muñoz Eder Yañez

REPORTEROS: Giovanna Angulo Paola Arriaga Vania Castaños Carlos Edmundo Flores Mariana García Javier Jarquin Alan Navarro Adolfo Rivas Berenize Rosales Gisela Terrazas Carlos Valle Francisco Zamudio Nayeli Díaz

oastt The G Cornejo Jesús

K Ede ISS r Ya ñez

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Jesú Kasabi s Co an rnej o

n Leo f o s jo King s Corne Jesú

5

The Brend Drums a Arri aga

y nbur u B e u Enriq ue ﾃ」ila Enriq

6

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Mode st Rodr Mouse igo D Ă­az

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¡AQUÍ PRESE

Amada por muchos, odiada por otros tantos, pero bailada por todos; así es la cumbia. Hablar de cumbia en México es hablar de alegría, de folklore popular, de fiesta y gozo. También es hablar del que se fue a las raíces de esta música y que en esa regresión, encontró la perfecta aleación entre la cumbia mexicana y la original cumbia colombiana… Hablar de cumbia es hablar de Celso Piña.

Entre tantos instrumentos que existen, ¿por qué eliges el acordeón?

Antes de empezar con la Ronda Bogotá, anduve en 3 grupitos. Allí llegué a agarrar la guitarra, el bajo, el órgano, agarré la batería, las tumbadoras, todo… Lo agarraba por curiosidad, me gustaba cómo se oían. Hasta que

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oí un disco de Colombia, en un sonidero, a lo lejos, dije: “Oye, suena con madre ese acordeón, no suena como los acordeones de aquí, de nosotros”, ahí fue donde empecé. Y dije: “Yo voy a tocar esa música y voy a tocar el acordeón.”

Aquí presente compa, es el nuevo material de Celso Piña y su Ronda Bogotá. Más de 25 años de trayectoria respaldan a un Celso que se muestra emocionado por este nuevo disco.

Un Celso que jamás ha dejado de participar y estar presente en esta dinámica evolutiva musical; cargando con su acordeón, su sombrero ‘vuelteao’ y sus composiciones.

Empezaste hace 27 años a

ENTE COMPA!

Texto por: Alan Navarro Fotos por: Jesús Cornejo

hacer música, ¿Qué cambios encuentras en la escena musical y qué cambios tiene el nuevo CD? Tú sabes que la vida cambia, todo cambia.

Tú, hace 10 años, no eras el mismo, hace 20, menos; y espérate a que pasen otros 20 y menos. Ese es el sentido de la vida, todo cambia ¿Este disco qué cambios tiene? ¡Ninguno! Te puedo decir que es un disco a petición del público, ¿sí me entiendes? La gente tarda para asimilar algo así. Entonces esa misma gente me dice: “Oye Celso, lo que has venido haciendo de los duetos está chido pero hazte un disco solo, acá, pa’ que vean esos putos”. Me gustó la idea, se lo comenté a la compañía y les dije que

quería hacer este disco así (solo) y a ellos les latió y me dijeron ¡Va! La vibra tan positiva de Celso motiva a querer platicar largo y tendido con él. La experiencia la refleja en sus canas y cada vez que aprieta las teclas de los bajos de su acordeón. Siempre se le agradecerá a gente que, como él, traigan música de otros lugares y la hagan algo tan propio y cercano de nuestro espectro musical; recordando siempre el origen cultural, preservando el espíritu original y siempre recordando al público, el cual es la raíz de su creación.

Es que la cumbia es colombiana. Que hay cumbia villera, que hay cumbia mexicana, que hay cumbia norteña, que hay cumbia chilanga; sí hay, pero la auténtica es la que sale de Colombia.

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Is Tropical: Haciendo amigos en México y el mundo.

Texto y fotos por: Brenda Arriaga Ilustracion: Luis Fdo. Sobrado

“Tener fans en México y sentir que ya eres parte del país es increíble.”

Platicamos con Simon, Gary, Dominic y Kirstie en su más reciente visita a México y los encontramos trabajando a marchas forzadas en su tercer y más reciente material discográfico que verá la luz en poco más de un mes; lee y descubre por qué esta agrupación londinense merece un poco de tu atención.

“Somos una banda muy atractiva tratando de llevarla bien en este mundo loco.”

-Dominic K: Esta es la introducción que nos da Is tropical, trío londinense que comenzó tocando en la capital inglesa pero que, ahora, un par de años después, se presenta ante miles de personas en Monterrey y el D.F., donde sumando a Kirstie a su alineación, conquistaron de nueva cuenta muchos pares de oídos mexicanos, ahora como cuarteto.

“Estamos trabajando en nuestro 3er álbum, el cual saldrá a

la venta en un mes. Nuestra música tiene esa vibra que va desde synth pop hasta guitarras pesadas. Y el principal objetivo es viajar y tocar en tantos lugares como sea posible” -Simon

K: Con su último LP lograron pisar territorios variados, llenos de gente dispuesta a escuchar su propuesta musical.

Uno de ellos, México, lugar que los ha recibido en múltiples ocasiones y diferentes estados, pero siempre de una forma amigable y cálida.

“Mucho afecta la hospitalidad del país, los mexicanos no se olvidan de ti. Anunciamos los shows y toda la gente con la que convivimos la vez pasada nos escribió mensajes muy emocionados; es toda esa atmósfera de bienvenida que hace que estés ansioso de tocar para ellos” -Dominic

K: Ante tal recibimiento por

parte de la fanbase nacional, los británicos se sienten agradecidos por el impulsó que su disquera, Kitsuné (FR), ya que fue y sigue siendo clave para la difusión y aceptación internacional que han tenido.

Sin embargo, quieren cambiar la ruta para su 3ra placa, pues este material verá la luz a través de un sello americano; hecho que muestra ser otra etapa en la evolución dentro la cual se ven constantemente envueltos, según las propias palabras de Gary.

“En Native To, era más como una combinación de ideas, los tres escribiendo cosas por nuestra cuenta y uniéndolas para hacer un álbum. En I’m Leaving se volvió un grupo ideando y creando un proyecto más coherente.

Tuvimos un enorme crecimiento como compositores, además, con “Dancing Anymore” tuvimos un gran éxito entre la gente, lo que nos permite estar haciendo este 3er disco en diferentes continentes” - Gary

K: La mayoría podrá decir

que todos reaccionarán de la mejor manera, pero a veces, las disqueras no son de la misma opinión. Prueba fehaciente de ello es la falta de promoción que la música tiene en países como Rusia o Mongolia, ambos lugares que la industria

musical ha preferido no poner en el mapa de muchas bandas, ambos lugares que IS TROPICAL ha visitado y logrado encantar.

“Para mí Mongolia fue uno de los pasos más importantes.

La mayoría de las bandas a las que se les ofrece ir, terminan cancelando,

probablemente porque las cosas allá no están en orden y no hay ventas de discos y esos negocios que hace que las disqueras te lleven a tocar. Pero lo hicimos, y lo queremos seguir haciendo con otros lugares que no son blanco de tours, queremos ir y mostrarles nuestra música”

pero también está quien se queda en el fondo, escuchando. Habrá personas que bailarán y se la pasarán muy bien en el momento pero no se llevan nada con ellos, en cambio, puedes tocar para una audiencia que no se mueve pero después te mandan miles de mensajes diciéndote lo increí-

-Gary

ble que estuviste” -Gary

K: Tal propósito ha rendido frutos pues, además de conquistar lo inconquistable, logran tener a diferentes audiencias frente a sus ojos, recopilando las reacciones más variadas ante la interpretación de sus temas.

K: Probablemente eso es lo que dijeron sus fans cuando se presentaron en nuestro país, donde pocos fueron los afortunados de estar a escasos metros de la agrupación londinense. Porque han de saber que estos cuatro músicos siempre han sido adeptos a los lugares pequeños en donde no hay pudor, pero vaya que hay sudor.

“En los mejores shows a los que he ido hay gente brincando por todo el lugar

“Es genial tocar en un festival porque te escuchan muchas personas, pero creo que es mejor cuando estás mirando al

público, cuando puedes incluso tocarlos desde el escenario” -

Simon

“Nosotros empezamos tocando en sótanos en Londres, sin ninguna remuneración, donde la gente no cabía en estos pequeños cuartos, así que siempre nos hemos sentido cómodos tocando en lugares pequeños” -Gary

K: Y así sucedió, pues al juz-

gar por la respuesta de dicha presentación, los británicos tuvieron un éxito rotundo y no dudarán en volver pronto.

Porque, si algo mueve a esta agrupación a seguir dando lo mejor de sí, es el acercamiento que tienen con sus seguidores que, a la vez y con el tiempo, se vuelven sus amigos.

“Estamos a punto de lanzar nueva música, con una firma diferente, y estamos muy emocionados. Acérquense a hablar con nosotros, somos muy amigables” -IS TROPICAL

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Por: Berenize Rosales

Así como en los 90 con la avanzada regia, a principios del los 2000, México vivió un oleaje de bandas emergentes enfocadas al punk rock. En donde nacieron Allison, Delux, Masappan y Aurum.

Este último grupo es un cuarteto originario de la tierra del tequila, que actualmente se encuentra promocionando su cuarto álbum de estudio, llamado Fantasmas.

La placa está compuesta por 11 canciones creadas con base en “experiencias y recuerdos con personas que han sido importantes en la vida del grupo”, gente que a lo largo de 10 años han dejado huella y han influido en la evolución, no sólo grupal, sino también de cada uno de los integrantes.

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“Básicamente de eso se trata, de poner el sentimiento de lo que hemos vivido en 10 años”, explicó Paul, bajista.

Durante esta década Aurum ha tenido varios cambios en su alineación; Antonio Altamirano y Eduardo Vela se conocieron durante la adolescencia, Paul Richards llegó a sus vidas en la prepa, pero se unió a ellos varios años después.

Para festejar los dos lustros de trayectoria que cumple está agrupación, el cuarteto pretende realizar algo especial, y aunque aún no saben con certeza cómo celebrarán, dijeron que el festejo se llevará a cabo antes de que termine el año.

“Queremos hacer algo especial, no sabemos si lo juntaremos con la presentación de este disco, porque sería lanzar muchas cosas al mismo tiempo, pero queremos hacer algo que represente estos 10 años”, aseguró Tano.

Actualmente se encuentran recorriendo la República mexicana con Fantasmas Tour, gira que los llevará a lugares como Chihuahua, Yucatán, Nuevo León y el Distrito Federal, donde regresarán para presentar oficialmente su disco.

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Texto por: Carlos Edmundo Fotos por: Cortesía Cassette

No exagero si digo que Caifanes

es una leyenda, una que afortunadamente está viva de nuevo, sin embargo, Saúl Hernández, su fundador y vocalista no se ha conformado con esta banda inmortal, sino que ha estado en constante experimentación antes, durante, y después de ella. Saúl estuvo en la primer portada y entrevista de Revista Kuadro, y hoy comparte con ustedes el último viaje al que se ha aventurado: Su disco Mortal, además de su percepción sobre la contemporaneidad y algunos otros recuerdos.

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Revista Kuadro: Tomando en cuenta la importancia de Caifanes y su regreso, ¿cómo decides hacer un disco de solista? ¿Qué tiene este proyecto que no se puede hacer con Caifanes?

Saúl Hernández: El origen empieza por una curiosidad, no me preguntes por qué, pues yo tampoco sé como vino ese impulso de curiosidad pero empezó en Crónicas de un Laberinto con Jaguares. Grabando el disco con Vampiro (César López) y Alfonso (André) les comparto este sentimiento de brincar a otro lugar y dialogar con otros músicos. No lo pude hacer porque terminamos el disco y fueron 2 años de gira, luego vino “45” y su gira, y fue cuando tome la decisión de meterme a este proyecto si no ya no iba a poder, y entonces salió “Remando”, que ya conocen, y les agradezco la portada, y viene la gira de Remando.

Empezamos en el Lunario y crecieron los espacios y las canciones, empiezo a incorporar más en los conciertos y empiezo a reencontrarme con ellas, como “Hoy”, “Por un beso”, “Sangre”, y me empiezo otra vez a adaptar y es cuando empiezo la gira “La memoria de los sentidos: Canciones y caminos”, que nos lleva finalmente a la Sala Netzahualcóyotl donde se grabó el disco en vivo y se resuelve un proceso que se volvió un territorio de experimentación, no solamente de presentación o interpretación, sino que rompemos esa solemnidad y rigidez; y quiero darle un crédito muy importante a grandes músicos, compañeros que me presentó la vida, grandes seres humanos que son Marco Rentería en el bajo, Bernardo Ron en la guitarra y Gustavo Nandayapa en la batería.

Que ahora están también contigo en este disco…

De hecho Remando fue un trío, porque Bernardo no tenía pasaporte (risas). Quería entrar en una dinámica de trabajar juntos porque ya teníamos un diálogo muy claro.

No pasó por esto que ahora ya sabes, pero desde el primer concierto de Remando, Bernardo se incorpora obviamente, y entramos al estudio, pero con la extensión del proceso de lo que fueron los conciertos y los ensayos, tuvimos nada más 4 días para montar el disco. Es un proceso, es la conclusión de un primer paso que inicié con la imagen de remar y acabó con una dualidad entre la la vida y la muerte. Como un mortal.

Finalmente es una búsqueda interna.

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Todo tiene que ver con una necesidad creativa. ¿Cómo es tu proceso creativo? ¿Cómo conceptualizas? ¿Cómo creas tus canciones?

Tendría que explicarte distinto, por ejemplo, cuando estoy con Jaguares, o con Caifanes, la iniciativa para abordarlos es muy diferente. Cuando voy a entrar en territorio con mis compañeros pienso en ellos. Y no es que haga una canción en la que sepa que Alfonso vaya a hacer un patrón, pero sí me ayuda mucho a delinear. El sonido de Sabo (Romo), los teclados de Diego (Herrera), inclusive con Alejandro (Marcovich) cuando trabajamos, es decir, cada quien tiene su personalidad como músico. Pienso en ellos y trato de saber qué les gusta. Esa es la dinámica. La otra es sentarte en tu rincón, en un cuarto donde no hay ventanas, pero encuentras la libertad. Tu libertad. Porque trabajando con mis compañeros también encontramos la libertad.

Pero una libertad de otro tipo…

Exacto. Una libertad compartida, definida de otra manera y dialogada de esa forma. No quiere decir que una sea mejor que la otra, son simplemente caminos diferentes y muy poderosos los dos, pero aquí, esta sensación de movimiento tiene otra experiencia fuerte, porque estás siendo tú, estás frente al espejo y no frente a tus amigos. Es obviamente una dinámica muy distinta y así hago yo las canciones, así escribo, y así empiezo a dejarlo, que eso es muy importante.

No tener miedo de controlarlo, sino dejarlo que fluya.

Como escuchamos en la primicia de este disco, te das la oportunidad y libertad de hablar de un personaje tan propio como Kalimán… Ahí también estuvo la Maldita…

Es parte de nuestra cultura popular. Con “Solín”, que me impactó con Roco y sus secuaces. Me encantó esta fibra, pero la mía es una canción muy triste porque habla de falta de credibilidad en un sistema, y el coro es un momento de virtud, de furia y enojo. Ya no hay paciencia, ya no podemos ser pacientes, y lo envolvemos de una manera muy particular. No podía no grabarla. Esta canción, si la escuchas en el “45”, es un bonus track de guitarra acústica y voz, pero ahorita… Ya está presente Kalimán dando unos zapes (risas). Me pareció interesante el desarrollo musical, hasta un ambiente teatral tiene, siempre para seguir en la lucha.

Continuará...

Espera la segunda parte de esta entrevista en el número siguiente de Revista Kuadro.

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inkY Kin

Uno de los hijos pródigos de la tan citada avanzada regia, trayendo la cara folclórica de la capital de Nuevo León a la escena del rock nacional y no sólo del rock, sino también de la electrónica, Kinky acaparó los reflectores hace 14 años con una sola misión en la mente: tocar buena música y tocar en vivo. Hoy, tras todo ese tiempo transcurrido, que podría parecer mucho para algunos y nada para otros; Gil, Ulises, Carlos, Omar y César, están emocionados por unirse a una lista selecta de artistas que han realizado un MTV Unplugged; logro que pone una estrella dorada en la frente de la consolidada carrera de la banda.

La idea de realizar el Unplugged no nació de la nada, MTV les presentó el proyecto y fueron las ganas de experimentar y de llevar el sonido de la banda a un nuevo horizonte lo que los llevó a aceptar la misión. Tras grabarlo y pulirlo, la banda se encuentra lista para transmitirlo.

Ulises: No es lo más fácil de visualizar el cómo sucedería, eso fue parte de lo que nos llamó la atención de hacer esto, el reto que significa, además de re-versionar tus canciones, el cómo vamos a hacer que Kinky, siendo una banda electrónica, suene en acústico.

Omar: Nos enfocamos más en la cuestión norteña porque se divide en tres partes el Unplugged: Canciones nuevas, inéditas, originales para el Unplugged; canciones nuestras rehechas, las que más nos gustan y covers de alguien más, los que escogimos fueron covers

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Kinky, sin enchufe, sin miedo y sincero:

TOCAR HASTA QUEMARNOS. Texto por Alan Navarro y fotos por Brenda Arriaga

de música norteña tradicional.

A Kinky no le es incómodo trabajar con géneros lejanos al rock ruidoso, desde el principio optaron por el camino de la fiesta y el baile, tomando armas de cualquier género que provoque mover el pie y la cabeza. Sus integrantes presumen con fuerza las raíces del norte que los han mantenido siempre bien firmes en el proyecto. Ellos lograron abrirse paso rápido pero tomaron el camino más difícil y decidieron firmar con un sello inglés independiente. En 14 años lograron consolidar tan fuerte a Kinky, no como un producto comercial, sino como un esfuerzo independiente bien hecho, ingenioso y para nada cercano a algo previamente conocido.

Ulises: El primer disco nos puso, luego luego, en la mira de películas, soundtracks y giras por diferentes lugares. Eso ayudó a que en 14 años pudiéramos haber hecho más cosas, comparado con una banda que a lo mejor hasta el tercer o cuarto disco se le empieza a hacer justicia y se le da el reconocimiento.

Omar: Algunas bandas se detienen un tiempo para tener un break y Kinky es una banda activa todo el tiempo. 5 discos y ahora el sexto disco es un Unplugged; yo creo que es un buen

momento, para una banda como nosotros, el hacer un disco de esta manera.

Hacerse llamar independiente, en estos tiempos, ha perdido un poco de peso; parece que hoy en día la etiqueta “Indie” no va más. Sin embargo, sí hay una manera de seguir haciendo las cosas independientes y no morir en el intento. Hace falta inteligencia y Kinky la tiene.

Omar: La clave quizás es esa, no seguir un camino que te digan “es por aquí o es por allá”, cada quien se va yendo por un camino único, no hay una fórmula para llegar a una u otra parte, porque todos somos diferentes. Después de 15 años seguimos aquí, con disqueras grandes que editan nuestros discos pero con el formato independiente todavía.

Ulises: El control creativo y mantener honesta la propuesta es lo que le da la independencia a nuestra banda y es el consejo que podríamos darle a los nuevos.

Emoción se nota en las caras de todos los Kinky; una emoción que es pura, sincera y que llega como premio a los largos años de trabajar en su proyecto y de estar buscando que su gente siga bailando.

Ulises: Todavía es muy pronto (para pensar en el estudio), definitivamente vamos a estar de gira como un año y medio o dos años, algo así, y en ese transcurso iremos trabajando, como le hemos hecho siempre, en ideas nuevas para otro disco.

Gil: Lo que quiere Kinky es tocar.

César: También la onda ahorita es el cómo vamos a llevar este Unplugged a la gente porque lo queremos presentar en vivo. Ese es el enfoque, llevar esto a la gente.

Aún no hay una fecha clara, ni un plan concreto; lo que sí hay son ganas; las hay de sobra.

No nos queda más que ser pacientes y esperar sólo unos cuantos meses para ver a Kinky haciendo dupla con Carla Morrison y hasta Los Recoditos, en algo que realmente busca salirse del esquema y darle un giro completo al catálogo de la banda.

El avance de la División del Norte conquistó una nueva frontera; Kinky clava la bandera de la avanzada que nunca se detuvo, en un terreno donde antes se habían parado luminarias del tamaño de Soda Stereo y Los Fabulosos Cadillacs, y aunque Zoé también puso la vara alta en cuanto a calidad de desenchufe, ellos van a dar el manotazo fuerte sobre la mesa y, con canciones nuevas, variadas pero grandes colaboraciones y un flip de 360º, buscarán quedar en la cima de la memoria colectiva y trascender al siguiente nivel. ¿Lo lograrán? Tendremos que esperar un poco para saberlo.

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Por: Francisco Zamudio

A menos

de un lustro de que el disco compacto entre en un periodo indefinido de hibernación en México, todavía hay grupos que le apuestan no como mera “carta de presentación”, sino como una muestra de arte-objeto.

Para su más reciente álbum, La Gusana Ciega enmarcó su quehacer musical con un empaque alucinante, donde la mariposa de la portada se transforma en otra cosa a través de láminas de acetato superpuestas, las cuelas acompañan una historia contada con dibujos y textos escritos al revés en el booklet, etc. Además de invitarte a descubrir qué hay tras el papel celofán, te dejamos una charla que sostuvimos con la banda, precisamente a raíz del lanzamiento físico de Monarca.

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FotografĂ­a por: MoisĂŠs Echartea Agradecemos las facilidades proporcionadas por AAVI

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La producción de Monarca se hizo en Canadá, con un productor externo. Considerando que llevaban tres álbumes previos autoproducidos, ¿qué los motivó a salir de su área de confort y buscar otra sonoridad fuera?

Germán Arroyo: Queríamos “un quinto ojo” tal cual. Esa fue la idea de trabajar con un productor. Haciendo los discos aquí en México, sentíamos un poco menos de presión.

Queríamos hacerlo fuera, porque sabíamos que al hacerlo aquí, nos iba a pasar lo mismo.

Vimos a varios productores y ya que hicimos el conecte con Howard, fue con el que decidimos trabajar y él estaba en Vancouver, así que decidimos hacerlo allá.

“Lu” Martínez: Otra cosa que se nos antojaba mucho era grabar los cuatro juntos, tratar de llegar ahí a la rola. Varios tracks de Monarca son así, en Conejo En El Sombrero, cada quien había grabado sus partes y después todo se unió.

Volvieron a retomar el efecto de banda en vivo, pero en un estudio.

Daniel Gutiérrez: Exacto... ¿Por qué escogieron a este productor?

Daniel: Tuvimos entrevistas con tres productores. Hablamos con Mickey Petralia (Eels, Beck, The Dandy Wharhols, etc.), con Garrett Jones en Inglaterra y con Howard Redekoop (The New Pornographers, The Paper Cranes, Tegan And Sara, etc.) en Vancouver.

Y aunque hubo muy buena respuesta de los tres, con el que hubo una química y una como transferencia muy especial, fue con Howard.

Los tres, a nivel técnico o de calidad podían haber entregado un producto increíble, pero estos cuatro individuos que ves aquí, necesitaban justamente ese elemento que balanceara las energías de todos.

Monarca ¿Qué hay detrás del nombre?

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Daniel: El nombre lo propuso Germán. A mí me gusta mucho, el simbolismo que representa la mariposa, en particular la Monarca, la transformación del gusano a esta forma increíble y maravillosa. Siento que La Gusana Ciega, después de mucho tiempo de reptar, de ser un gusano… logramos plasmar muchísimas cosas en este disco y se siente como esa madurez y al mismo tiempo esa novedad.

La mariposa viene a ser, aunque es una criatura ya de cierto tiempo de vida, parece que acaba de nacer en el momento en que rompe la crisálida y sale. Yo siento que con este disco sucedió eso a nivel musical, a nivel de la banda, en fin, creo que es un momento muy especial para nosotros.

Germán, ¿cómo llegó a ti esa imagen mental de la Monarca?

Germán: Yo cuando pienso en el nombre de los discos, pienso en la parte visual. Yo hablé mucho con el diseñador, con el que hizo el arte.

El estudio donde grabamos se llama Monarch (Monarca), su logotipo es una mariposa y me llamaba mucho la atención. En mi cabeza, al principio tenía una mariposa bonita, ni siquiera la monarca, entonces, no me gustaba la idea de una mariposa.

Pero lo comenté con el diseñador, le dije que el disco se llamaba Monarca y qué podíamos hacer. Y me dijo: “Deberíamos hacer una mariposa que no exista, basarnos en la Monarca pero que no exista”. Entonces, para mí el nombre me ayudó mucho a proponer visualmente el arte del disco.

Al ver el disco, se adivina que aquí hay un trabajo de diseño muy fuerte…

Daniel: Realmente estamos haciendo un arteobjeto o un artículo de colección de la banda.

La música la pueden conseguir en digital o te la quema un amigo, como que conseguir la música no es tan complicado. Entonces, ¿por

qué la gente va a tener que ir o le interesa ir a la tienda y conseguir un CD hoy en día? Yo creo que hay que ofrecerles algo que realmente valga el dinero y el esfuerzo.

Germán: A mí también me gustaría darle el crédito a Miguel Dittner, nuestro diseñador, que ya ha hecho varios discos con nosotros.

De hecho, para Conejo En El Sombrero, él ya tenía la idea mucho antes de que nosotros grabáramos el disco. Él me platicó la idea y yo le decía: “Bueno, a ver, no tenemos ni título del disco ni las canciones y tú ya tienes el arte”.

Y me decía: “Sí, yo ya tengo la idea de lo que quiero hacer con el arte”. ¿Qué tan difícil fue llevar las ideas a este resultado en tiempo, dinero, etc.?

Germán: Literalmente fue “un dolor de huevos”. Yo estaba muy entusiasmado con el arte y luego sí me topé con barreras: “Es que es muy caro, es que el material no existe”. Y sentí un poquito como, no voy a decir nombres, pero de gente ya no ve el disco como un objeto de arte, sino lo ven como un mero trámite para que estés en una tienda. Y entonces sí fue un estira y afloja, porque no sólo es un objeto que queríamos llevarlo a una tienda, queríamos que estuviese “muy chingón”.

Lu: Hasta te cuestionaron: “¿De veras vas a querer hacer esto?”.

Arroyo: Sí, y más que te estás peleando con los tiempos. “Tiene que estar para el 19 de… y ya estamos a… y no han encontrado el material donde lo quieres imprimir”. Y mi respuesta era: “A mí no me importa, consigan el material porque tiene que ser así”.

Yo siempre lo he dicho, lo más importante en un disco es la música, pero el arte también tiene que ser importante, también tienes que darle un valor. Y sí, fue un dolor de huevos y definitivamente no quedó exactamente como en la primera planeación, pero quedó muy cerca.

La Gusana Ciega ha construido un sonido identificable. ¿Qué diferencias musicales vamos a encontrar entre Conejo En El Sombrero y Monarca?

Daniel: Yo creo que experimentamos más que nunca con el silencio, con generar espacios, con dejar que el arreglo de teclado en una parte o el arreglo de guitarra en otra o la voz, tuviera su lugar especial y no saturar de cosas.

La verdad, es que con los discos anteriores y creo que es algo que caracteriza al sonido de La Gusana Ciega, es que medio llenábamos de ideas y ahora escogíamos la idea que queríamos y esa era la que iba; entonces, se escucha como ese espacio en el audio, yo creo que esa es una de las principales búsquedas de la banda para Monarca.

Hablando del 0 al 100%, ¿qué porcentaje de ideas del productor quedaron en este disco, que no tenían contemplado originalmente?

Daniel: Una de las cosas bien padres que se hizo fue el trabajo entre la batería y el bajo, ¿no? Creo que ustedes (refiriéndose a sus compañeros) trabajaron muy bien con Howard y justo en ese esqueleto donde montamos todo lo demás, la aportación de Howard fue bastante especial. Como que sí llegamos al estudio con ciertas cosas para improvisar un poquito y ahí estaba el Howard trabajando con el eco que había, con el tape delay; con los sonidos de los sintetizadores, haz de cuenta que comenzó a sacar unos sintes viejitos, que yo no había visto, con discos ópticos. Ahí el sí puso su aportación a la cuestión sonora y a los arreglos.

Germán Arroyo: En la confianza, a mí me ayudó mucho, luego no sabes si estás haciendo lo correcto para la canción y entonces sí es padre que alguien te diga: Haz esto, cámbialo por aquí… ¿Se grabó en análogo este disco, en cinta?

“Lu”: Las bases…

Jorge Vilchis: Y algunas guitarras...

Daniel: Y el piano… Sí, sí pasamos por la cinta de dos pulgadas en un proceso que pasa por la cinta y después se pasa al Pro Tools. Se reúsan 20 minutos de cinta y sobre eso estás haciendo tomas y una vez que se termina, que se acaba la cinta, la borras y la vuelves a usar.

“Tiempos para amar” me suena, en primera instancia, como el inicio de una obra conceptual: “Los hombres anunciaron el final, pero nunca nos dijeron la verdad”. ¿Es Monarca un disco conceptual?

Daniel: No fue concebido como un disco conceptual. Pero inevitablemente, en el proceso de hacer el disco y en el proceso de irnos a grabar y estar aislados un mes en Vancouver, como que va adquiriendo cierta homogeneidad; va siendo una radiografía del momento que estamos viviendo, pero que podría ser de los últimos seis meses o el último año que estamos viviendo, emocionalmente.

De alguna manera, sí tiene cierta línea o hilo conductor, que podríamos pensar que lo hace conceptual o que tiene un concepto, pero no fue concebido como tal. ¿Cuál sería esta línea en las letras y qué lo diferencia de Conejo En El Sombrero?

Daniel: Creo que es un disco bastante sensual, pero que tiene “un amargo” y tiene un filo y tiene un sabor ahí, que no nada más se queda en esa cuestión. No es una sensualidad sexual primitiva, sino que tiene una sensualidad que tiene una profundidad y una complejidad muy particular, como la que podría tener la relación entre un violador y su víctima, o un secuestrador y su víctima.

No habla de ningún violador ni de ningún secuestrador, estoy exagerando, pero sí quiero transmitirte que dentro de esto que pareciera que es una canción donde alguien está diciendo “Te dejé y no te puedo olvidar y

todo es amor hacia ti”, está hablando de una depresión total, de un abandono hacia uno mismo, de un verdadero hoyo en el que está el personaje, eso es lo que está diciendo. Si le buscas a las capas, te encuentras que no es lo que parecía a simple vista, que es lo que pasa un poco con el arte del disco.

En el marco de nuestro especial por el número 13, nos despedimos de la banda con un par de preguntan en esta sintonía. ¿Qué tanto ha sido buena suerte que la banda siga y que hayan sacado un disco nuevo, después de una separación de algunos años a principios de esta década?

Germán: A mí en lo personal no me gusta decir que estamos aquí por suerte. Yo creo que “le hemos chambeado”, que hemos estado rompiéndonos la madre para ganarnos los espacios. No nos los han dado por suerte, la verdad. Creo que hemos sido una banda que ha empujado por lograr las cosas, no nos hemos esperado a que lleguen solas. ¿Qué tanto jugó la suerte en el 2001 con su canción en inglés que apareció en el soundtrack de la película American Pie? Daniel: Yo no creo que tuvo mala suerte, en todo caso no era una canción tan buena como debía de ser…

Germán: No, yo creo que la que no era buena era la película…

Daniel: Pero la canción podría haber jalado tremendamente y que fuera una de esas canciones que no se pueden dejar de tocar en un show. Yo pensaría que una canción en inglés de La Gusana Ciega tuvo mucha suerte de encontrar su nichito en los créditos de American Pie II. ¿Adónde iba una canción en inglés de La Gusana Ciega cuando la banda es 100% en español?

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Por: Gio Angulo

Soy de las reporteras más veteranas dentro de la redacción (lo digo por los años de colaboradora no por la edad) y es por ello que en 13 momentos les contaré lo fantástico y fructífero que ha sido el camino dentro de mi segunda casa. La verdad es que en 3 años he vivido de todo dentro de este medio, cosas bonitas, cosas no tan bonitas, lidiar con gente no muy agradable, tener amigos de siempre, conocer nuevas personas, fiestas, cumpleaños, sesiones, entrevistas, conferencias, conocer a tu grupo favorito o rifarte los conciertos no tan favoritos, pero el amor a la música y a un medio en específico es lo que te hace rifar día con día. El 3 un número especial, 3 años de haber llegado aquí, 3 años de buenas experiencias, 3 años de escribir infinidad de palabras y sí, como han pasado los años.

Así es como me dieron oportunidad y me anime a rifarme los mejores 13 momentos de Kuadro en este tercer aniversario, que seguramente el crew armará una buena fiesta y para todos aquellos lectores tendremos muchas buenas sorpresas.

1.

Sin dudarlo ni un segundo el momento número uno y seguramente uno de los más especiales para el crew Kuadro y mucho más para las primeras personitas que con todas las ganas, sacrificios y horas de trabajo vieron llegar al mundo al primero número impreso de lo que sería Kuadro, ese número que en portada tenía a Saúl Hernández, cabe mencionar que en aquel inicio los colaboradores eran como 8 o 10 a lo mucho y aún con ese número de colaboradores el dossier 0 estaba en las manos de ya cientos de personas, así fue como comenzó la travesía de la revista, de la directora general, de los colaboradores que ya pasaron y de otros tantos que seguimos dentro de esta aventura llamada Kuadro.

2.

La fiesta no oficial del primer aniversario fue de los momentos más gratos para Kuadro y para los pocos pero emocionados colaboradores de ese entonces, siendo participes de la organización de tal pachangon, desde elegir la locación, la realización del video que fue especialmente hecho para ese día, hablar con las bandas que se presentarían, los amigos, los seguidores que nos han acompañado en todo el proceso de ser lo que ahora somos, las horas largas de trabajo pero sobre todo llenas de mucha diversión. Así fue como poco a poco todo fue tomando forma y la fiesta se hizo presente aquel 27 de julio del 2011 en un club del D.F, donde las bandas que nos acompañaron hicieron un excelente papel. Finde, fue una de las bandas que se dieron cita en aquel lugar para poner energía y ganas de fiestar a cada alma que se encontraba en ese sitio, esperando celebrar lo que era el inicio de este sueño. Una noche llena de regalos, de fotos, de sonrisas, etc, es lo que puedo recordar de aquella fecha, que parece que fue ayer.

3.

Han desfilado grandes bandas por cada número que hay de la revista, bandas con varios años de experiencia y bandas nuevas, pero siempre con buenas propuestas musicales. Una banda que a lo largo de los años ha ido cosechando grandes éxitos y el reconocimiento de miles de personas es Porter. Que para alegría de muchos, pero más de nosotros como colaboradores, fue el poder entrevistarlos, sin duda forma parte de los momentos más especiales para el crew Kuadro, por su forma tan sencilla y buena onda, que cabe recalcar que más allá de ser una entrevista, fue una plática amena, entre amigos, contando lo nuevo que se acercaba con su nuevo vocalista, lo que fue alejarse de los escenarios por un tiempo, su memorable regreso en un Vive Latino.

Una tarde amena, llena de risas, de historias, de sonrisas, de interminables fotos para la entrevista y las fotos del recuerdo para cada uno del crew.

4.

Bandas mexicanas, argentinas, inglesas, chilenas y más han pasado por la redacción e indudablemente también esta banda fue de las más importantes para el número que saldría, agrupación chilena, pues si, quien más podría ser que los mismísimos Bunkers. Al igual que Porter, son de esas bandas que inspiran un momento ameno, lleno de recuerdos sin fin, de historias padres, de sonidos exquisitos, letras que nos ponen sentimental y otras tantas bailarines.

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5.

Algo importante dentro de los 3 años, fue aquel dossier navideño, donde los encargados de ser la portada ni más sin menos que Allison. Algo distinto, algo muy adoc para el mes, una portada llena de espíritu navideño, de música y sobre todo de experiencias que se guardan para siempre en ese gran baúl. Uno de los números más completos, más llenos de música, de buenas propuestas, de bandas ya consagradas dentro de la escena musical. Bastantes buenas fotografías, que al leerlo, te transmite a distintos puntos de reunión para escuchar a nuestro grupo favorito, a revivir lo que fue lo mejor de ese año. El especial de navidad debe ser hojeado por todos.

6.

En 3 años la revista ha tenido gratos momentos, entre ellos, verse nominados en algunos premios como mejor medio digital, con competencias sumamente directas y que llevan más tiempo dentro de la escena musical, con más seguidores, más reconocimiento, pero jamás fue impedimento para que Kuadro, sacara la casta y peleara por un buen lugar dentro de todo lo existente. Se ha notado claramente el crecimiento que ha tenido a revista y sobre todo la gente que colabora para dicho proyecto, con o sin nominaciones Kuadro ha demostrado fuerza, trabajo en equipo.

7.

Con los años, con la dedicación, con el esfuerzo; es como el trabajo de cada uno de los colaboradores ha funcionado bastante bien para hacer una lista interminable de likes en Facebook, seguidores en Twitter junto con Favs y RT. Sin duda las redes sociales han sido un tremendo boom en los 3 años de aparición de Kuadro, el hecho de realizar dinámicas para ganar boletos, discos, playeras, etc, ha sido la manera en que más gente está cerca y pendiente de lo que se hace y escribe en la redacción. En conjunto se ha logrado posicionar alto cada una de las plataformas que maneja la revista y en ello se ve el incremento tan padre de seguidores llegando a los 46 mil seguidores en FB, y en Twitter 77 mil; cifras que sin duda han beneficiado mucho.

8.

El ambiente que se forma entre cada uno de los colaboradores es algo indescriptible, algo padre, algo que se disfruta cada que uno se ve en esas juntas editoriales que se realizan para que ustedes puedan encontrar un número lleno de cosas interesantes y sobre todo llenas de buena música. Los convivios y cumpleaños son la parte alterna, pero sin duda no podía quedarse fuera de este conteo, ya que es parte fundamental de los 3 primeros años de vida. No es con lujo de detalle el que ustedes sepan lo que pasa tras bambalinas, pero siempre se nos ha tratado de festejar el cumpleaños y de verdad que son una bomba esas reuniones, cada colaborador que ha pasado por ahí le ha tocado disfrutar de ellas.

9.

A ciertas personas se les ocurrió la idea de crear un canal exclusivo, donde se pudieran grabar sesiones de distintas bandas, conocidas y no tan conocidas, formando un proyecto llamado Kuadro T.V, que a pesar de haberse dejado por un lapso de tiempo, se volvió a tomar en cuenta para poder seguir disfrutando de sesiones más íntimas, bandas de Ska, Jazz, Rock, bandas mexicanas, nicaragüenses, han compartido su música talentos para tener este canal que sin duda ha sido muy visto.

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10.

Tan importante es el llegar a mucho público, como tan importante el que las bandas ya vayan conociendo bien quién es Kuadro, el crecimiento del reconocimiento con las bandas también ha sido muy bueno, ya que nos identifican más, comparten el material escrito y visual que se hace de ellos y por lógica así hemos llegado a mucha más gente de este país y Latinoamérica.

11.

Así como en puntos anteriores se tomaron como buenos momentos las entrevistas con ciertas bandas, tampoco se puede olvidar aquel número donde la portada fue Molotov, una banda totalmente desinhibida que habla de lo que quiere en cada canción, sin miedo alguno a lo que pueda repercutir en ellos, así es como los molochos han llevado su carrera musical y tuvimos la oportunidad de platicar con ellos.

12.

Lo más fructífero de estos 3 años, es el apoyo de cada persona que nos sigue, de la familia que está al pendiente de lo que hacemos y como ya lo he mencionado a lo largo del texto es el apoyo de las bandas, cientos de entrevistas se han realizado, Adanowsky, Zoé, Los Daniels, Carla Morrison, Beto Cuevas, Ska-P, son algunas de las bandas con un mayor número de seguidores, pero también el conocer bandas nuevas como Odisseo, Carmen Costa, Siddhartha, Comisario Pantera, ha llenado de buenas experiencias a cada uno de nosotros. Sin duda estos 3 años van con agradecimientos especiales a todas aquellas personas que creen en el proyecto, en lo que inicio como un sueño.

13.

Y como último momento pero no menos importante, si no todo lo contrario, dedicarle este punto al capitán del barco, a la líder que sabe cómo manejar cada buena y mala decisión, a Laura Romero (Directora General), que más que ser una “jefa”, sabe llevar muy bien el papel de amiga, de compañera de conciertos, de mamá postiza.

Por la confianza depositada a cada persona, por las palabras que da en el momento que puede o que uno necesita. Sin ella, nadie de los que pertenecemos a Kuadro, podríamos escribir de lo que nos apasiona, de lo que amamos hacer, ya sea tomar un papel o una computadora y comenzar a escribir o contar historias a través de los ojos y congelar esos momentos.

Tres años de larga vida para ustedes Kuadritos, por el apoyo, por la preferencia y por llenar este libro de anécdotas junto con todos nosotros. Felices 3 años Kuadro, vamos apagando las velitas y anexando más hojas blancas para los años venideros.

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s o c i t á s prism

“Túnele

Angulo Giovanna z Texto por: ño u M Bruno Fotos por:

Hace algunos números pasados de Kuadro, tuvimos la oportunidad de hablar con León Larregui, vocalista de Zoé, mismo que nos platicaba sobre su más reciente material discográfico, titulado Programaton.

“Programaton fue nuestro quinto álbum de estudio, fue muy padre poder regresar al estudio a crear nuevos sonidos, y con un año ya de existencia hemos recorrido bastantes países con la gira más extensa a lo largo de toda nuestra carrera.”

Ante la dimensión y lo impactante que puede resultar hacer un Foro Sol, Zoé está consciente del papel que debe hacer el 8 de noviembre para cada alma que se encuentre ahí, festivales importantes como Coachella, Austin City Limits y Vive Latino les han dado las herramientas, y sobre todo experiencias, para enfrentarse con más fuerza en lo que será su show más importante dentro de los 17 años que llevan en la escena musical.

Si bien Zoé siempre ha sido de marcar mucho lo musical y el aspecto visual en cada show en el que se presentan, con imágenes que van de la mano con la canción que se está tocando en el momento, así es como Rodrigo Guardiola,

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l” o S o r o en el F

además de ser baterista, es la principal cabeza que atiende esos detalles para dar un espectáculo lleno de recuerdos, magia y viajes por planetas nuevos.

“Ha sido gradual, desde finales del 2013 vamos probando cómo incorporar las luces con los visuales, hemos ido haciendo modificaciones al show y creo que ya vamos más cerca de lo que deseamos, lo que queremos lograr es que la gente se sumerja al estado de ánimo indicado de cada canción.”

Desde que la gira del disco Unplugged se apagaba, Zoé ya preparaba nuevas sorpresas y a finales del 2014, los rockanlovers conocerán un poco más de León y compañía con un documental que los acercará a la banda.

“La gente va a poder ver otro lado de nuestro sonido, llevamos casi 4 años con ese proyecto, tengo mucha fé en que la gente se llevará buenas sorpresas, no es un documental como lo imaginan, no es la vida de Zoé, es más bien como una lupa a nosotros, a nuestro universo. Lo vamos a presentar en un festival a finales de este año, es como el estreno oficial, y el estreno comercial pasando un par de meses después del 2015”.

A lo largo del tiempo han demostrado ser una banda completa en muchos de los sentidos. De esas bandas que persisten y permanecen a pesar de lo malo. No olviden que Zoé estará presentándose en el Foro Sol el 8 de noviembre, donde contarán con muchas sorpresas y un viaje por gratos recuerdos con sus melodías.

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escucha Sassu Ripatti Como saben, no siempre lo nuevo es necesariamente lo mejor, hay cosas que a veces están escondidas en algún recóndito lugar o muy pocos se han dado cuenta de su existencia, este es el caso de la música producida por el multifacético finlandés Sassu Ripatti, mejor conocido por sus distintos proyectos bajo alias como Conoco, Luomo, Sistol, Uusitalo, Vladislav Delay, etc.

Sassu comenzó a experimentar a finales de los noventa, jugando con ritmos entre el techno, el house, el ambient y otros con delicadas texturas. Con Luomo (quizá su faceta más bailable) ha producido 6 discos con ritmos que rayan entre la sensualidad y la elegancia, con vocales tenues que invitan al goce sonoro.

Texto por Nayeli Díaz

The Kooks Es increíble que un maestro, como lo es David Bowie, sea inspiración para hacer de una canción de él, el nombre de una banda, hago referencia a The Kooks.

Luke Pritchard, Hugh Harris, Alexis Nunez y Peter Denton forman a The Kooks, banda británica originaria de Brighton, los cuales deciden comenzar su viaje en el 2004. Han logrado posicionarse como una de las bandas de indie brit-pop emergentes adoptando una serie de fuentes para crear su propio sonido.

Sus canciones son ideales para cualquier día, tienen letras que nos hacen desear estar con nuestra persona favorita y del lado b tienen esas canciones que deseamos escuchar en tono bajito, con luz tenue, ideales para esos días lluviosos.

Texto por Mariana García

Thee Oh Sees Melodías para esquizofrénicos, ritmos envolventes y dramáticos o metamorfosis

psicodélica…, eso y más es Thee oh sees, una propuesta de garage rock con tintes punk y altas dosis de droga musical. Desde San Francisco para el mundo llega John Dwyer, cabeza principal del proyecto que se discute las vocales y el trabajo rudo de la guitarra, Timothy Hellman en el estruendoso bajo y Nick Murray en las tarolas hipnotizantes. Si naciste en los 90’s te puedes identificar con ellos, pues vieron la luz como banda en 1997 y hasta el día de hoy han editado 8 valiosos discos, siendo Drop el editado este año. No se queden con la duda (que de nada sirve) y escuchen ‘The Dream’, ‘Rainbow’, ’Tidal Wave’, ‘Toe Cutter’, ‘Putrifiers II’, ‘The Lens’ etc., y sabrán a qué me refiero cuando digo que la música es como el amor y la aventura, y ésta, llamada Thee Oh Sees, es bastardamente una que no te puedes perder, pero aguas con enamorarse, aguas.

Texto por Gisela Terrazas

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Texto por: Adolfo Rivas

EL 13

Bob Marley: De acuerdo a la tradición musical de su país, se ha descubierto la esencia del género reggae en un símbolo estético. Bob Marley consideró expresar su música por medio de una imagen e incluso manifestarlo por largos años.

Entre estas creencias, Marley reposaba por algunos minutos su espiritualidad para estar en total purificación. Con esta ideología, Marley se hacía trenzas en su cabello permitiéndole sentir alegría, pasión y amor para poder cantar a su público. De ahí proviene el movimiento de los dreadlocks.

Mayhem: Esta agrupación de Black Metal de origen europeo, creó mucha controversia debido a las locuras de su vocalista “Dead” que dentro de los escenarios sentía la presencia de la muerte. Según él afirmaba que durante su niñez conoció el legado de los muertos algo que la gente no debe saber.

Antes de comenzar el evento, Dead realizó su ritus en un cementerio, enterrando toda su ropa con la cual se presentaría en el día del concierto, además llevaba consigo una bolsa negra… cuando llegaba el momento para unirse con Mayhem, Dead desenterraba todas sus cosas, (sin limpiarlo) se vestía, agarrando el contenido de la bolsa negra. Una vez estando con la banda, Dead hacia su último ritus, abría la bolsa negra e inhalaba la putrefacción de un cuervo muerto, según él decía que lo hacía para sentir el hedor de la muerte.

Niccolo Paganini: El violinista pasó su juventud lleno de adicción a los juegos de azar, al alcohol y a las mujeres, gracias a su majestuosa composición que cautivó a casi toda Europa. Paganini tenía el sueño de ser el mejor violinista del mundo pero su música era complicada de ser aspirada por el publico debido a que durante sus presentaciones, afirmaban tener una composición sin estilo, porque él acostumbraba a tocar de manera rápida, sublime y exasperante.

Cuenta la leyenda que el italiano decidió tomar clases nuevamente con un músico desconocido en aquella época que le enseñó a sentir los matices de la melodía que desprendían aquellos sonidos melódicos, de manera asombrosa pudo dominar efectos que ningún otro músico podría lograr, solamente él: Niccolo Paganini.

Su rito fue permanecer por unos instantes solo junto a su instrumento para lograr el efecto de la “Nota 13”. Concluyendo: “Les pregunto a ustedes ¿De qué manera seria posible tocar como yo lo hago?”

Snoop Dogg: El rapero más emblemático de la música hip hop ha declarado que si tiene su propio rito antes de ofrecer su show. Está conformado por

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RITUS

una capilla donde le implora a sus raíces de la música legendaria (blues, hip hop, reggae, funk) para motivarse a ofrecer su mejor espectáculo ante miles de fanáticos y seguidores del hip hop, ya que él confesó sentirse nervioso antes, durante y al finalizar cada concierto y más si es en un territorio nuevo.

Elvis Presley: El Rey del Rock and Roll es uno de los influenciadores a instruir el rito hacia a la juventud. Presley se miraba frente a un espejo para ver su cuerpo ensayando movimientos sensuales para que las mujeres se rindieran a sus pies, era una seducción de forma inestable.

Alice Cooper: Vincent Fournier es una persona que dedica su vida al cristianismo pero cuando tiene que cantar deja de ser una persona amable para convertirse en un… Alice Cooper. La máscara del cantante refleja el lado oscuro de la personalidad, dado que en una entrevista afirmó ser un monstruo que ha vivido por muchos años, tiene que expulsarlo cantando, cuando compone, “soy lo que ustedes no quieren que sea y seguiré así” El rito del cantante es realizar espiritualismo, ya que predica prometer la gloria y la dominación del mundo, a través de la música para generar riquezas en abundancia.

Ozzy Osbourne: El cantante inglés efectúa su rito poniéndose una cruz (cerca del corazón) porque decía que anteriormente hacia cosas malas, que posiblemente tuviera que pagar de forma inesperada en algunas de sus presentaciones. A su vez dijo sentir miedo por la ira de Dios.

Marilyn Manson: Provoca y representa la doble moral, este cantante extrovertido realiza su rito leyendo y transformando su imagen en algo versátil y grotesco para encontrar el sabor de la censura, con ello manifestarlo ante sus admiradores.

Charly García: El argentino más influyente del rock internacional siempre realiza su rito en la oscuridad, también dentro de él pueda mirarse frente a un espejo enorme para llenarse de mucha energía, así poder transmitirlo en su concierto.

Motorhead: El rito de la banda es tener mucho alcohol porque sin ella no hay concierto.

Red Hot Chili Peppers: El rito del grupo es meditar.

Rolling Stone: La banda liderada por Mick Jagger considera que su rito es jugar ping pong, billar y tener su consola de videojuegos mientras esperan la hora dar su show.

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Texto por Javier Jarquín

Entre las supersticiones más comunes de la humanidad, se encuentra el misterio sobre el número 13, el cual sin pena ni gloria, goza de la fama de tener “mala suerte”, además de ser considerado y etiquetado hasta como número cabalístico.

La música no se encuentra alejada de este mar de misterios y supersticiones, al mismo rock se le asocia con el número “666” que también es relacionado con una conexión con el amo de las tinieblas. Y como era de esperarse, también quienes dan vida a esas grandes peizas musicales que tanto adoramos; gozan de cierta famita o relación con magia, satanismo y hasta brujería.

En esta ocasión, Revista Kuadro les comparte los 13 músicos y/o bandas que han tenido una cercana relación con todo aquello que es considerado, “prohibido” o bien, “obscuro”, así como sus pactos con el diablo y demás mitos y sucesos que se narran en la órbita del rock.

El mítico, legendario y autonombrado The Prince of Darkness, Ozzy Osbour-

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ne porta con orgullo y hace valer aquel pseudónimo por el que es conocido en el mundo del rock. Ozzy en algún momento de su vida tuvo acercamientos con la brujería, algunas de sus experiencias al lado de su compañero de banda Geezer Butler, dieron como resultado su mítica canción homónima: “Black Sabbath”.

Otro caso que sobresale, sin duda, es el de Cronos, bajista de la banda de black metal Venom. En varias de sus canciones interpreta su gusto hacia el satanismo y otras actividades consideradas como “negras”.

Dicen que el mejor blues fue compuesto por el mismo diablo, ya que en los años 50’s el músico Robert Johnson vendería su alma al mismísimo Lucifer a cambio de tocar el mejor blues de todos los tiempos.

Se menciona que el trato fue pactado en el cruce de la autopista 61 con la 49 en Clarksdale en Misisipi. Prueba de aquella anécdota, se encuentra y vive aún su tema: “Me and the Devil Blues”.

La banda más vieja del mundo, por supuesto refiriéndonos a The Rolling Stones, también fue asociada con “conexiones con el lado oscuro”. Su álbum Their Satanic Majesties Request y su tema clásico “Sympathy for the Devil”, han sido señaladas como prueba de ello.

Los mismos Beatles, pese a que por algunos han recibido la etiqueta de ser los “ñoños del rock”, también dieron de que hablar en este tema con la portada de su disco Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, donde se muestra en el arte del disco a Aleister Crowley,

un hechicero y mago ceremonial inglés que goza de “muy mala fama”.

Posterior a lo originado con el álbum del cuarteto de Liverpool, Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppellin, comenzó cierta adoración hacia la imagen de Aleister Crowley y la magia negra, tanto que dicen que cayó una maldición hacia él y toda la banda.

El Yin y Yang de Brian Hugh Warne es conocido por todos como Marylin Manson. Algunos han mencionado que el músico americano es un sacerdote de la iglesia satánica y que se autodenomina el “anticristo superestrella”, igual al título de su primer disco.

Agrupaciones icónicas como Black Sabbath y Led Zeppellin llegaron a realizar varias piezas musicales relativas al satanismo, así como diversos comentarios aceptando su adoración hacía las fuerzas oscuras.

Pese a que el jurado falló a favor de la banda Judas Priest, en 1990 se acusó a la banda de mensajes satánicos en sus canciones que propiciaron la muerte de varios jóvenes. Su tema “Backmasking” quedó manchado por todas las víctimas, ya que era el tema encontrado sonando justo en el momento que se suicidaron aquel grupo de seguidores.

Per Yngve Ohlin, ex vocalista de la banda de noruega de black metal Mayhem, tenía un gusto y fijación extrema por la muerte, la decadencia y la oscuridad, tanto que se autonombró y fue conocido por todos como “Dead”.

Antes de su suicidio, Dead tuvo una experiencia “astral” y muy cercana

con la muerte, ya que en algún accidente estuvo “médicamente muerto” por algunos segundos y gran parte de su obsesión y gusto surgió de dicha anécdota.

El bajista de Deicide, Glen Benton, es uno de los fieles seguidores del satanismo y en reiteradas ocasiones lo ha expresado abiertamente. Se declara gustoso del black metal y del satanismo tradicional o teísta. Afirman que el músico fue ordenado sacerdote satánico por Anton LaVey al igual que Marilyn Manson y más artistas.

Tanto Iron Maiden como Mötley Crüe, también tuvieron sus menesteres en este tema. Los primeros y precursores de heavy metal fueron puestos en jaque con su tema “The Number of the Beast”, que hace referencia a la famosa marca de la bestia y al polémico “666”. El número relacionado con Satanás y el Anticristo, según el Nuevo testamento de San Juan.

Por su parte, Mötley Crüe dio de que hablar con su polémico álbum “Shout at the Devil”, donde un pentagrama funge como la portada del álbum, suceso que trajo consigo varias críticas y acusaciones hacia la banda, además de que sus canciones contenían mensajes de satánicos, violencia y rebelión en la juventud.

la musica y los astros

Texto por Paola Arriaga Ilustraciones Liliana Medina

La vida terrenal se dibuja a partir de sueños, deseos y todo tipo de ilusiones. Como resultado, las civilizaciones que han existido a lo largo de la historia, han emprendido una búsqueda eterna, para predecir el futuro y hacer realidad sus deseos. Es a partir de esta búsqueda, que el hombre comienza a conjugar su destino a los astros y una conexión mística se gesta para originar el horóscopo. Los planetas influyen en la personalidad, carácter, misión de vida y profesión de las personas. Aquí veremos cómo lo hicieron para cada signo, en cuestiones musicales.

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ARIES: Estos signos son de tomar riesgos, asumen retos nuevos y se lanzan a lo desconocido; la innovación es su estilo de vida. Para un Aries, la música llena de ritmo y sonidos poco usuales es la adecuada.

El house, la electrónica o el dance, van perfecto con ellos, porque los mantiene dinámicos y rompen con la monotonía.

Un chico que lleva la fiesta a cualquier lugar que pisa es Georg Listing (31 de marzo).

GÉMINIS: Trabaja siempre en colectivo, las alianzas son su mayor fuerza y no puede estar alejado de ningún grupo. Expande sus círculos y toma muy enserio el rol que desempeña en cada uno de ellos. El género musical que más le va, es el Rock & Roll, que necesita muchos elementos para que suene potente y se logre una armonía con ayuda de todos. Paul McCartney (18 de junio), es el géminis por excelencia.

TAURO: La tranquilidad y paciencia son sus mejores aliados. Su vida está llena de grandes retos, son sentimentales pero no lo demuestran siempre.

Son firmes y siguen patrones por lo que el pop y su repetitiva conformación va con ellos.

La repetición de sonidos y estrofas, característicos de este género seducen el oído de este signo. Nuestro Tauro favorito es el señor David Gahan (9 de mayo).

CÁNCER: Tiene grandes oportunidades, lo que desea se le otorga en tiempo y forma y no desaprovecha lo que tiene. Actúa de forma integral y se enfoca en todo lo que sucede a su alrededor.

El blues y el rock, por su elaboración y su integración de elementos, pueden ser la mejor compañía de un cáncer. Un cáncer legendario es el grandioso Jack White.

(9 de julio).

LEO: Sueña despierto, es alegre y tiene una gran imaginación.

No tolera lo estático y busca estar activo. Es independiente y aventurado, no se ata a nada ni a nadie. Vive intensamente y como el toque fresco del Indie, un leo se renueva y hace cosas distintas siempre. Mick Jagger (26 de julio) es nuestro fiel representante del rey de la selva.

SAGITARIO: Vive de aventuras y los riesgos son su estilo de vida. Quiere tantas cosas que al final no obtiene ninguna, sin embargo si se lo propone, llega a tener grandes planes y brillar como nadie más. La cultura underground va con ellos. El post- punk y rock alternativo, describen a un sagitario por su peculiar forma de ser. El inusual Brian Molko(10 de diciembre), es el ícono de este signo.

VIRGO: Son analíticos y sumamente detallistas; la perfección es su forma de vida. Encuentra el detalle en todo lo que realizan, calculan bien sus planes y por lo regular no hacen algo que no tengan contemplado anteriormente. El R&B va con un virgo por su peculiaridad y su rareza, por su forma distinguida. El rey Michael Jackson (29 de agosto) es el que representa este signo.

CAPRICORNIO: Siempre tiene un as bajo la manga. Se mueve calculando cada uno de los movimientos que hace. Es propositivo pero cuando no quiere hacer algo, nada lo hará cambiar de opinión. La complejidad de este signo, asemeja a la composición del Rock and Roll, que si no se hace de forma precisa, simplemente no puede llevarse a cabo. El guapo y talentoso Caleb Followill (14 de enero), representa a los ‘cabritos’.

LIBRA: Es un signo complicado, bastante orgullo, le gusta ser notado y que lo reconozcan. A veces se enrola en su egocentrismo y puede tomar decisiones equivocadas, pero siempre busca reconciliarse y volver a reunirse con los que tiene a su lado. El rock es su mejor amigo, único y notable como este género musical.

El distinguido Thom Yorke (7 de octubre), es nuestro representante Libra.

ACUARIO: Está pendiente de su entorno pero siempre busca más allá. Le gusta lo relacionado a las diversas culturas y retoma elementos de éstas para su formación. Su vida es una experiencia única y trata de hacerla alegre y no preocuparse demasiado. El reggae describe la vida de un acuario, haciendo de todo una experiencia única. Robbie Williams (13 de febrero), es nuestro acuario elegido.

ESCORPIO: Se ve envuelto en problemas y su vida tiene muchas complicaciones. Sin embargo, es un signo que triunfa gracias a su paciencia y estabilidad. Trabaja por ser reconocido y lo logra con dedicación y esfuerzo. El rap y el hip hop le sientan bien ya que le sirven de escape a la vida tan agitada que lleva. El tercero de los hermanos Followill, Jared, es nuestro escorpión consentido (20 de noviembre).

PISCIS: Amor y cariño, es lo que tienen para dar. Su intuición está alerta siempre, activa sus cinco sentidos para no dejar pasar alguna señal y aprende de las experiencias que vive.

Busca renovarse y estar presente en todo por lo que el rock alternativo y/o el Indie, eliminan estructuras y le dan libertad. Mark Hoppus (15 de marzo), es el ‘pececito’ representante de su signo.

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Los 60 fueron una época por demás extraña, en el ‘68 estaban todos ocupados con el verano del amor, escuchando a Procul Harum y a los Beach Boys; además de tener el álbum blanco de The Beatles.

En el ‘69 The Beatles no sólo volvieron a cambiar la música con ese álbum blanco, sino cambiaron la visión de una persona muy particular. Quién más podría pensar que se

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podría comparar con el último libro de la Biblia: Revelaciones.

Cuando tu amigo personal es Dennis Wilson y grabas en el estudio personal de Brian Wilson (los dos miembros fundadores de los Beach Boys), cualquiera pensaría que eres un artista psicodélico de los 60, de esos que proliferaban.

Así era Charles Manson, todo un personaje. Es el líder de un culto. Y eso está lejos de ser una apología, pero siempre es difícil de entender cómo alguien así pueda tener ese... ¿carisma? Una personalidad magnética y presencia.

Ted Bundy, Jeffrey Dahmer o John Wayne Gracy son otros asesinos seriales prominentes en la cultura americana que han inspirado varias canciones, libros o películas; pero ninguno inspiró a Marilyn Manson a ponerse un nombre, o ser pen pal con Henry Rollins. Ni mencionar que Guns ‘n’ Roses, White Zombie o el mismo Manson lo han covereado.

Tal vez las “ventajas” de ser el único artista. Incluso sus atrocidades como ser humano están relacio-

nadas con el arte. Su víctima más famosa: Sharon Tate; modelo de los años 60’s y esposa y casi madre del hijo de Roman Polanski (el mismo que dirigió El Pianista y acusado en Estados Unidos de abuso sexual; pero es historia de otro artículo).

Sería el encargado idóneo de inaugurar el salón de la infamia del Rock and Roll. Porque además, ¿cuánta suerte puedes tener? De las pocas veces que el sistema judicial es eficiente.

Capturado, enjuiciado y sentenciado, de manera apropiada, con pena de muerte; para que a los pocos meses, esperando tu condena, se derogue la pena de muerte. A la fecha sigue cumpliendo esa sentencia y cada 6 meses su abogado hace el procedimiento necesario para que salga por buen comportamiento. Casi de automático la rechazan, lo extraño es que, casi como si fuera rockstar, tiene unas groupies empedernidas que lo apoyan. Hablando de un mundo enfermo y triste.

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Desgracias en

el

Texto por: Vania Castaños Superstición, creencia, fetichismo o lo sea, pero el trece, siempre ha estado acompañado de malas ideas. Si naciste un viernes 13 y lo compartes con tus amigos, probablemente piensen que eres de mal agüero. Así está socialmente definido; el trece es de mala suerte.

El número por sí sólo evoca tragedia y en verbos coloquiales eso es: tener un fin desgraciado. Pero, para conmemorar la no infortunada treceava edición de Revista Kuadro, aquí recapitulamos 13 muertes que permutaron el rock.

Los finales desdichados llegaron casi, al mismo tiempo que el género. Las primeras víctimas fueron Ritchie Valens y Buddy Holly. El primero, intérprete de “La Bamba” y el segundo una de las primeras estrellas que entraron al salón de la fama del rock & roll. El 3 de febrero de 1957, Ritchie y Buddy fallecieron en un accidente aéreo.

Desde entonces, esa fecha es conocida como “El día que murió la música” y a la cual Don McLean le dedicó la canción American Pie. Siguiendo con la línea de las desgracias, es poco conocido pero de gran relevancia la muerte de Brian Jones, ex guitarrista de The Rolling Stones y quien le dio el nombre a la banda.

rock 3 años después del suicidio de Drake, y en el continente americano, Lynyrd Skynyrd, comenzaba a despegar cuando perdieron a su principal vocalista y compositor Ronnie Van Zant, quien murió en 1977 después de que su avión se estrellara en Misisipi.

En esa misma tendencia, la de las muertes que no involucraron drogas, como causa principal, es vital mencionar a Ian Curtis, quien el 18 de mayo de 1980 decidió suicidarse en la cocina de su casa.

7 meses después, en Nueva York, otra desgracia sucedió. John Lennon fue asesinado en la puerta del edificio Dakota, donde vivía con Yoko y su hijo Sean. El culpable es David Chapman, quien decidió asesinar al ex Beatle el 8 de diciembre de 1980.

“La vida es aquello que te pasa mientras estas ocupado haciendo otros planes” le dedicó Lennon a su hijo en Beautiful boy, canción publicada en el disco Double Fantasy, que fue lanzado 3 semanas antes de que el frenético Chapman tomara la decisión de dispararle 5 veces a John. Y eso, atiende justamente a la siguiente desgracia en el rock.

El 3 de julio de 1969, Jones apareció ahogado en la alberca de su casa. Las sospechas y su mala fama anunciaban muerte por drogas, sin embargo, los estudios post-mortem no indicaron fuertes cantidades de alcohol o droga.

¿Quién puede olvidar “surfing USA” de The Beach Boys?. Todo fue maravilloso en la playa hasta que en 1983 Dennis Wilson, el único integrante de la banda que realmente surfeaba, falleció ahogado en Los Ángeles.

En julio del año pasado, Jake Bugg le abrió un concierto en Hyde Park a The Rolling Stones y días después, publicó un cover de la canción Pink Moon, de Nick Drake, un cantautor ingles que se suicidó en 1974, a los 26 años. Un rockero depresivo que junto con su guitarra, ha influenciado a grandes bandas como: R.E.M, Blur y The Cure.

Así, entre sin razones, en 1986, el bajista de Metallica, Cliff Burton, falleció en un accidente automovilístico. La banda se encontraba de gira cuando el conductor del autobús perdió el control de la unidad y ésta comenzó a rodar. Cliff, de 24 años, salió expulsado y el colectivo le cayó encima.

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Los compañeros de Burton trataron de mover el autobús, lo levantaron un poco pero la fuerza no fue suficiente y las toneladas mataron a uno de los mejores bajitas de la historia.

En 1979, Ian Dury lanzó la canción Sex & Drugs & Rock & Roll y parece que es una filosofía fácil de adaptar por los músicos quienes se han dejado llevar por las drogas y muchos han muerto en cocteles de heroína, cocaína, y demás drogas sintéticas.

Pero, como los estupefacientes no son suficientes, también ha habido infortunios por el “Sex” que viene implicado en la frase.

Freddie Mercury murió en 1991, después de vivir casi 3 años con SIDA. El vocalista de Queen había sufrido acoso por parte de los medios quienes insistían que Mercury era seropositivo, sin embargo, el cantante Tanzano mucho tiempo lo negó.

El 23 de noviembre de 1991, un día antes de su muerte, Freddie aceptó padecer SIDA, y pidió se unieran a él en esa enfermedad. La causa oficial del deceso fue bronconeumonía, complicada por SIDA. La década de los 90’s apenas empezaba y 3 años después de la muerte de Freddie; en 1994, el rey del grounge, Kurt Cobain, se disparó. El 8 de abril el cuerpo del vocalista de Nirvana fue encontrado en su casa de Seattle, muerto por una bala infligida en la cabeza.

Casi para finalizar la lista de tragedias, el 8 de diciembre sale una vez más a la conmemoración. En 1980 Chapman asesinó a Lennon y 24 años después Nathan Gale, le disparó Dimbag Darrell, legendario guitarrista de Pantera.

Gale comenzó el tiroteo durante un concierto de la banda en Ohio.

Disparo, tras disparo, el asesino subió al escenario y mató a Darrell con un tiro a quemarropa.

Para rematar el conteo, el 15 de mayo de 2010 el cantante argentino Gustavo Cerati entró en estado de coma del cual nunca despertaría y fue declarado muerto el pasado 4 de septiembre de 2014.

La tragedia aventajó a estos 13 músicos, sin embargo, su música e influencia es la prueba de que aún en la desgracia, la música rebasa.

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SMASHING PUMPKINS: OCEANIA LIVE IN NYC (DVD)

PINK FLOYD: SHINE ON LIVE (DVD)

En septiembre del 2012, Billy Corgan regresó al Distrito Federal, para presentarnos a sus nuevos Smashing Pumpkins y ofrecer junto con ellos un show entrañable, generacional en extremo, pero escoltado por una escenografía de espíritu futurista. Todo eso más el cover a David Bowie (“Space oddity”); interpretaciones afectivas a clásicos noventeros en la vena de “Cherub rock”, “Disarm”, “Zero”, “Tonight, tonight” o “Ava adore”, así como una magnífica puesta en escena para enmarcar canciones nuevas tipo “Quasar”, “Panopticon” o “The celestials”; podremos encontrarnos encapsulados en un viaje de dos horas en alta definición, con opción a un sonido envolvente de 5. 1 canales. También hay una galería de fotos y una entrevista con Sean Evans, el arquitecto del escenario donde una bola gigantesca reproducía imágenes sicotrópicas. Mike Byrne, Jeff Schoeder, Nicole Fiorentino y el propio Corgan se ven y se escuchan omnipresentes, estrechamente coordinados, eternos incluso. Un único pero, no se incluyeron las infaltables en sus conciertos “1979” o “Thirty-three”. ¡Grrrrr!

Por primera vez en 20 años, Pink Floyd reaparecerá en el spotlight del rock a nivel mundial gracias a The Endless River, su primer álbum de estudio en dos décadas. Para acompañar la fiebre que se avecina, apareció esta placa cuya única virtud, si a eso se le puede llamar así, es su nueva portada. Y es que nos encontramos de nuevo frente al Delicate Sound Of Thunder: Pink Floyd In Concert, material audiovisual editado en VHS y en Laser-disc hacia 1989, dirigido por Wayne Isham y que ahora es lanzado en DVD. No se aprecia aquí, ni en la imagen ni en el sonido, ningún trabajo de remasterización digital, incluso, se omitió la canción “Money”, que en aquellos tiempos era exclusiva del formato NTSC (¿alguien se acuerda de ese membrete o el de PAL?). Apto sólo para coleccionistas muy aferrados o fans del karaoke de los sábados por la noche (trae las letras de las rolas en forma de subtítulos), acompañado de enormes cantidades de cerveza, tabaco y cantos amateurs.

NIGHTWISH: ROCK WERCHTER FESTIVAL 2008 (DVD) El jueves 24 de mayo del 2007, Anette Olzon, la ex cantante sueca de la banda Alyson Avenue, fue anunciada como la nueva vocalista del grupo finlandés de metal sinfónico Nightwish, en sustitución de Tarja Turunen. Anette duró en el cargo hasta principios del 2013, tras una serie de declaraciones encontradas con Tuomas Holopainen, el Director Artístico de la banda, quien no vio con buenos ojos… Su embarazo. Pero quedaron algunos testimonios audiovisuales, este por ejemplo, grabado en el Rock Werchter Festival 2008 de Bélgica. La gracia y alcances vocales de Olzon, se manifiestan vigorosamente desde piezas tipo “Bye bye beautiful” (dedicada a su antecesora), “Amaranth” o “Sahara” de su disco debut, Dark Passion Play. No obstante, fueron las interpretaciones a los temas tatuados por Tarja en sus incondicionales: “Nemo” o “Wish i had an angel”, las que le abrieron de par en par las puertas de la aceptación total entre sus seguidores. Aceptable calidad de sonido, catastrófica y pixeleada reproducción en video.

Dos mentes son mejores que una, así lo prueba el majestuoso dj, quien dio vida a los sonidos agridulces en una mezcla de baile esquizofrénico que hasta el momento sólo es una personalidad.

La sonrisa del Diablox seduce a cualquier persona que quiera conocerlo, de ojos altamente concentrados al insomnio en un cuerpo bastante corrosivo, implacable e indescriptible. Su naturaleza reflejada físicamente ha manifestado a una contraparte de su vivencia, es decir, el concepto musical de: dos mentes son mejores que una.

De esta manera, buscó el origen de la oscridad relacionándose con sucesos irritables y de horror para acomplejarlo en la paranoia de la felicidad, o sea, su estructura. Con sonidos melódicos, de mucha energía umbrosa, de múltiples combinaciones brillantes, hipnotizó con un estilo único e irrepetible.

Entre las dimensiones sonoras, existen cuatro especulaciones bastante asombrosas sobre su experimento con la música electrónica. Con cinco entrevistas realizadas a lo largo de su carrera, este dj decidió grabar sonidos de resonancias en lugares solitarios, siniestros e inadecuados para la gente compun. Hasta el momento no ha sido revelado el escenario con fotografías o video pero las mejores hipótesis son Sótano Generador Eléctrico (caseta) Submarino Hospital Psiquiátrico

Durante su estancia de grabación en el Hospital Psiquiátrico, este dj liberó o encontró la parte frontal de su vida pasada, por medio de melodías que plasmaba a la medianoche en el transcruso de la inquietud del silencio de su habitación. Había historias confusas e irreales, inspirándose de esta manera, a escuchar la dosis de locura, mentalizado en supersticiones de la esquizofrenia para desglosarlo en el delirio del arte musical.

Entonces, el origen de su pseudónimo va de acuerdo a las experiencias donde radicó, desde la soledad hasta la alegría. Por lo tanto, “la comunicación” de su hermano gemelo, lo hizo ver “El Pulso Sensorial de la Electrónica”, es decir, entre tantas conexiones siempre debes concluir una emoción en la música sin importar el tiempo que se va desarrollando porque los oídos y la mente encapsulan la ideología de la utopía. Con este propósito rindió homenaje a su hermano mayor (quién murió a temprana edad) dando nacimiento a su nombre artístico, basándose en referencia a una marca de sonidos que él conocía transformándolo en un bis como resultado de este trabajo, de ahí surgió su lema: “Dos mentes es mejor que una”: APHEX TWIN.

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Calle 13 Multi-Viral Texto por: Alan Navarro

Con este disco Calle 13 da muestra de la gran evolución musical y lírica que han vivido a lo largo del tiempo. Multi-Viral es el quinto álbum de estudio de René Pérez y Eduardo Cabra, con el que dejan claro a sus detractores que el mensaje que ellos quieren transmitir es uno y sólo uno: hacer música honesta.

Al Residente hace tiempo que le dejó de interesar escribir canciones de fiesta y prefirió los temas profundos en cerebro, aderezados con excelentes y bien construidas composiciones musicales obra del Visitante. El nuevo material coloca a Calle 13 entre los grupos más populares de la escena actual y se quita todos aquellos estigmas que antes había tenido, atrayendo cada vez a más seguidores del rock.

Los puntos fuertes de la placa son ‘El Aguante’, ‘Ojos color Sol’, una tierna canción de amor en compañía de Silvio Rodríguez; ‘Multi_Viral’, un proyecto al lado de Julian Assange y ‘Adentro’, una durísima crítica hacia los raperos de hoy en día.

Multi-Viral es un disco completo y bien trabajado que demuestra lo mucho que ha crecido Calle 13.

Redeemer of Souls Judas Priest Texto por: Carlos Valle

Siempre es difícil cuando alguien se va, cuando alguien que ha estado contigo desde el inicio, hace ya 44 años, se va. Este es el caso de Judas Priest donde K.K. Downing, uno de los pioneros y que popularizó junto a Glenn Tipton las guitarras gemelas ha dejado la banda.

Richie Faulkner es el que ha tomado su lugar, dando siempre la altura; donde por talento no ha parado. Aunque debemos de admitir que se siente un poco esa armonía que se había construido durante cuatro décadas. Glenn manteniendo esa habilidad de siempre, aunque en la velocidad se ve que el paso de los años no pasan en balde.

El Dios Halford, es otro que parece más mortal con el paso de los años, pero como buena deidad es sabio; sabe cuando hacer el gasto, ya sabe el momento exacto para hacer lo que mejor sabe.

Hill y Travis, se oyen impecables, dictando el ritmo de todas las canciones, subiendo o bajando el tempo necesario para escuchar las guitarras gemelas a todo lo que dan o para escuchar la voz desgarradora.

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Uno de los mejores discos de la banda en todo su catálogo.

RESEÑAS Interpol El Pintor Texto por: Gisela Terrazas

Con un historial de éxitos cardíacos como “Slow Hands”, “C’mere”, “Obstacle 1”, Interpol marcó la brecha generacional del rock alternativo al post punk revival, totalmente independiente. La voz de Paul Banks es una gema de tono barítono que no puede compararse con ninguna. Banks ha sacudido al mundo en compañía de Daniel Kressler en guitarra y Sam Fogariano en batería — antes lo hicieron junto a Carlos Dengler y Greg Drudy—. El regreso de Interpol, ahora en trío, es más de lo que esperábamos. Desde 2010, cuando salió su cuarto álbum homónimo, no habían regresado al principio de nada, no había retorno. Con El Pintor, una transposición de la palabra Interpol, puede asegurarse que han vuelto a la fórmula que tanto sumergía cabezas en formol para adormecerlas de la realidad inherente al dolor. La melancolía narrativa y lírica, el delay del bajo (que ahora toca Banks) y el reverb en teclados, nos deja conscientes de una incógnita que se ha planteado sin respuesta ¿Ha sido difícil volver al arte del pasado? Sólo es tiempo de pintar la vida de Interpol y prolongarla hasta quedar sin óleo.

I Mastodon Once More Around the Sun Texto por: Carlos Valle

Mastodon sigue en línea ascendente. Cada álbum es mejor que el anterior, una cualidad única en estos días. Además están logrando de esos cruces que parecen imposibles, están haciendo que una audiencia no “metalera” voltee a verlos.

Tal vez por lo mismo, lo único que han perdido, era esa gran cohesión entre las canciones, dando álbumes totalmente conceptuales pero han ganado que las canciones ya funcionen mejor por si mismas.

Como siempre las voces de todos se hacen presentes, algo que también los diferencia de otras bandas, junto a los ya acostumbrados artistas invitados como Ikey Owens o el ya casi miembro honorario Scott Kelly, más el talento innato de los cuatro de la banda. No necesitas más para tener un sonido monstruoso.

Una evolución que va de la mano con el productor que ha trabajado con los Foo Fighters y con Rush, logrando juntar pasajes melódicos junto con riffs pesados, a veces incluso coqueteando con el hard rock, pero siempre con ese sludge metal por el frente, nos han entregado no solo el mejor disco de su carrera, sino uno de los mejores discos del año.

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LIVE Corona Capital La cuarta edición del Corona Capital llegó inundada, literal, de mucha música y energía. Desde el 2010, cuando el CC anunció su primer cartel, las cosas han ido variando y este año, el festival tuvo un color distinto.

La experiencia comenzó el 11 de octubre pasando las 12 de la tarde con MO en el escenario Doritos. Después del gran show que incluyó “Pilgrim”, “Walk This Way” y “Don’t Wanna Dance”, era momento de bajar el nivel de energía en el cuerpo y satisfacer los oídos con las guitarras de Real Estate.

Weezer Por: J esús C ornejo

Kongos, Hercules and Love Affair y Pond, elevaron la energía de los presentes antes de que Weezer subiera al escenario a encantar a los miles de fans que se deleitaron con los grandes éxitos de la banda como “Island in the Sun” “Ain’t Got Nobody” y “Memories”.

Zedd, y SBTRKT también compartieron sus beats electrónicos en la noche que cerró con los estruendosos guitarrazos de Jack White.

El segundo día de Corona Capital, estuvo inaugurado por las guitarras de James Bay, seguido por el vigor de Rixton y el romanticismo de Sam Smith en el escenario Doritos. La lluvia ya estaba cayendo, una vez más, sobre los asistentes del festival pero las grandes sorpresas estaban por empezar.

Temples, Kasabian, Damon Albarn y para finalizar Beck, fueron las bandas encargadas de cerrar el domingo musical.

La calidad de los músicos presentados en el Corona Capital 2014 nos hace entender que, efectivamente, México está siendo considerado como uno de los mejores países para tocar.

Por: Vania Castaños

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Hell and Heaven Metal Fest Después de todas las dudas, uno de los festivales más esperados se pudo llevar a cabo. El Hell and Heaven Metal Fest ‘14 si se pudo convertir en la despedia del Autódromo Hermanos Roríguez (y todos los foros de aquí) hasta nuevo aviso por la F1.

El primer gran festival de metal eligió el día perfecto para ser, día perfecto y soleado... aún que si tomamos en cuenta que todos iban de negro a lo mejor no era lo ideal, pero si mejor que un chubasco. Además de la hora extra del cambio de horario que era necesaria.

Más de 40 bandas se iban a presentar en un solo día, con un cartel que trataba de cubrir todos los géneros del metal. Teniendo varios escenarios, dos para los monstruos ya consagrados, otro para los trves y dos más para darle su lugar a las bandas emergentes que se estan ganando su lugar a penas.

Havok, Cephalic Carnage, Obituary y Venom fueron los encargados de romper cuellos en el Trve Stage, que a pesar de las fallas en el audio, hicieron que los slams se armaron con todo. El que no salía afónico era como si no hubiera estado.

En el principal hubo de todo, Metal Clásico con U.D.O.; trash old school con Overkill y Annihilator, Nü Metal con Korn y Limp Bizkit; la primera visita a Rob Zombie que cumplió la deuda que tenía con el público mexicano y Kiss para cerrar el festival con su gran show como siempre. Si el sonido hubiera estado bien sería el mejor festival del año.

Ki ss añez Y r e d E : Por

Por: Eder Yañez

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Hellow Festival ¿Quien dijo que en Monterrey no hay buenos festivales?

La mayoría de las personas que son fans de asistir a conciertos y festivales de música, donde la principal vertiente es el rock esperaron con ansias a que llegaran los días viernes 19 y sábado 20 de septiembre. ¿Por qué? Pues esos días fueron el regreso triunfal del Hellow Festival, después de haber sido pospuesto algunos años por diferentes motivos.

Y vaya que lo hicieron de la mejor manera; en cuanto se dio el anuncio del line up sorprendieron a propios y extraños y demostraron que no solamente se hacen festivales de tal magnitud en el D.F, que también puede haber propuestas interesantes en ciudades no tan cosmopolitas como es la capital del país.

Cuando se menciona la ciudad de Monterrey pensamos primeramente en el calor infernal que siempre hace en tierras regias, tal vez para el público local no representaba problema alguno, pero, para aquellos que están acostumbrados a un clima más templado vaya que la sufrieron…bebieron litros y litros de cerveza para no sufrir deshidratación.

El primer día se engalanó con bandas como Calle 13, She´s a Tease, The Antlers, Kongos, Julian Casablancas + The Voidzy y Modest Mouse. Todo pintaba para que fuera un día perfecto lleno de música y experiencias gratas por contar, pero como dicen por ahí “no todos los cuentos tienen finales felices” en efecto, el primer evento desafortunado en suceder fue un aguacero de aquellos… cabe destacar que en Monterrey casi no llueve y cuando llega a suceder es de una manera catastrófica, el segundo; debido a la lluvia que se estaba suscitando en esos momentos uno de los headliners del festival canceló, sí QOTSA no se presento por las inclemencias del clima, pero trajo consigo dos buenas noticias; todos los que tengan boleto del viernes tendrían acceso gratuito al segundo día del festival

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hasta las 17:00 hrs y al próximo concierto de QOTSA que esta por organizarse.

El segundo día pintaba para ser soleado y muy caluroso, ademas el festival tenía dos maratónicas misiones, la primera: ver la forma en la que se podía erradicar en su mayoría el lodo que causó la lluvia de la noche anterior, y la segunda: tener mayor organización, ya que entrarían más personas de lo que se tenía contemplado. Vaya que se logró, a pesar de que había un lodazal del infierno no fue impedimento para que las personas disfrutaran de bandas como Cut Copy, Die Antwoord, MGMT, El Columpio Asesino, El Gran Silencio, Caifanes y DeadMau5. Aunque los pronósticos para el festival se veían muy fatalistas a causa del primer día, el segundo día de actividades terminó por ser un verdadero éxito, una fiesta permanente que, sin duda, todos los que tuvieron la oportunidad de asistir la recordarán por mucho tiempo. No sabemos si habrá una próxima edición del festival, pero en caso de haberla, mejorarán todos los aspectos que fallaron en ésta, para así posicionarse como uno de los mejores festivales del país.

Por: Abraham Salazar

J ulian C Por: R a sablanca s odrigo Día

PUERTA DE ENTRADA Texto y fotos por: Enrique Ávila

Hemos estado vagando en tiempos donde una niebla de música popular nos ha quitado las ganas de seguir escuchando lo que se nos impone en la radio, en la televisión o en los medios digitales.

Sin embargo tenemos la fortuna de tener una escena muy rica y fresca para todos los géneros, sólo hace falta pasar a un bar para conocer una banda que nos mueva.

En esta ocasión te presentamos una propuesta que será cual cobija para el frío o brisa fresca para las altas temperaturas.

Originarios de Venezuela. Miguel y Samantha se unen para ser Cardiel, banda formada en el DF desde hace cuatro años, han estado haciendo mucho ruido en esta capital y en muchas partes de la república Mexicana y no piensan parar hasta llegar a más oídos.

Este dúo se unió inicialmente con el fin de hacer música para videos de Skateboarding, pero con el paso del tiempo fueron surgiendo más y más canciones así que conforme se juntaba el material decidieron convertirlo en un proyecto formal.

Samantha en la bateria y Miguel en la guitarra hacen un conjunto de elementos rápidos y estruendosos donde un frenesí se apodera de todo aquel que ose escucharlos.

Por un buen rato han estado muy activos presentándose en competencias de patinetas y también en venues, compartiendo escenario con bandas como Trash Talk, Bad Seed, Maruta, Green Jelly. Además de turear con bandas amigas como Los Viejos, Gula, Dolores de Huevos, Joliette entre otras; donde han logrado establecer una buena amistad.

Este par de genios, además de ser unos excelentes ejecutores de sus instrumentos, son también Geeks del audio y trabajan en su propio estudio de grabación, donde ellos mismos grabaron su primer disco que por el momento están estrenando.

Cardiel Compuesto de 12 canciones y llevando como título Local Solo, ha salido por fin a la luz, el cual podemos escuchar directamente en su Bandcamp, además próximamente estará disponible para su descarga digital y sin duda faltan bastantes sorpresas que nos tienen preparadas los muchachos amos del Psychodub del DF. Cardiel nos hace una invitación a asomarnos a la escena nacional, donde se encuentran muchas bandas underground con un enorme potencial, también para que como asistentes compremos la mercancía que traen las bandas a los shows, ya sean discos, playeras o un simple sticker, pues de esto es de lo que pueden sobrevivir y obtener recursos para seguir haciendo música.

Sí aún no los has escuchado te recomendamos ampliamente a échales el ojo, puedes encontrarlos en sus redes sociales como CardielTheBand.

Seguramente querrás sacudir la cabeza un rato con este brutal conjunto de riffs y beats.

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Kiss probablemente sea una de las bandas con la opinión más bipolar de nuestros días, pero es fácil entender a los que la idolatran. Y todo por Destroyer, su cuarta placa, fue con la que cimentaron esa capacidad para hacer canciones.

Tal vez nunca fueron la banda más profunda (y tampoco lo necesitaron), siempre estuvieron lejos de hacer un disco conceptual decente, pero su talento radicaba en hacer canciones que funcionan por si mismas. A pesar de que era fácil saber si la había escrito Paul porque era una canción más tierna y romántica; o si la había escrito Gene porque hablaba de sexo desenfadado y salvaje.

Esta combinación de estilos resultó una canción memorable

Texto por: Carlos Valle

A -Destroyer

de la banda, God of Thunder compuesta por Gene, pero interpretada por Paul. Épica y enorme, grandilocuente y sencilla, es (discutiblemente) la mejor canción que ha dado la banda, lo cual ya es algo bastante grande.

También ya se veían las proezas que Simmons era capaz de lograr por el bien de la banda, “Beth” esa balada que fue un hitazo inesperado (que también hizo retorcerse a todos los fans travels from hell... sin saber que se venía “I Was Made for Lovin’ You”). La manera en la que le dieron espacio a Peter Criss fue para incluirla como sencillo de “Detroit Rock City” y obligar a las estaciones de radio a tocarla.

Sin saber que también la balada sería ya parte del folklore de la banda.

Ace Frehley también es donde le demuestra al mundo su habilidad en las 6 cuerdas, haciendo de todo, desde riffs memorables, solos que te hacían sacudir la cabeza... y hacer ver bien a Paul en la guitarra.

El Alive por lo general siempre sale nombrado como el mejor album de Kiss y aunque no vamos a negar su importancia no solo para la banda, sino para los discos en vivo; el hecho de que hicieran “trampa” en su vivo, le da a Destroyer la ventaja definitiva en el catálogo de la banda (porque además al Alive le faltan canciones de este disco y que los subsecuentes Alive II al IV distan de la calidad del primero), ya que es el conjunto perfecto de la imagen de la banda con el sonido de la banda.

Ganándole también por un suspiro al debut Kiss porque es un disco más sólido, mejor escrito y más pulido (bastante mérito de Bob Ezrin), manteniendo esa fiereza y desfachatez que los hizo conquistar al mundo.

Influenciando a otras bandas no solo en el sonido, sino también el arte. Esa portada hecha por Ken Kelly (con obviamente ideas de Gene), fue de las primeras con esa idea fantástica salida de un comic, y como no, era el mismo artista que había trabajado en Tarzán o Conán, que después le sirvió de inspiración a Rainbow, DIO y por supuesto Manowar

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AZTEC CAMERA - Stray (1990) Por : Laura Romero

Cortesía del baúl de Martín Pérez (Silver)

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