Revista Kuadro No. 24

REVISTA KUADRO NO. 24 “ENTRE CALLES Y RIMAS” JUNIO-JULIO 2017

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Revista Kuadro No. 24 Junio-Julio 2017.

Todos en alguna etapa de nuestra vida hemos recibido a modo de consejo o en cualquier charla etílica y banquetera, la vieja confiable frase de “nunca cambies”. Aunque suene hasta un poco poético aquello, lo único que podemos concluir durante la estadía milenaria del hombre y después de miles de chaquetas mentales, es que la única constancia en el universo: es el cambio.

Después de seis años de que este proyecto tiene pulso y camina día a día, decidimos que era un buen momento de cerrar un ciclo y comenzar una nueva etapa. El primer paso de esta nueva faceta lo damos, presumiéndoles y sintiéndonos muy orgullosos de nuestra nueva piel y... voilá.

No había mejor manera de enaltecer esta nueva cara y nuestra edición 24, que con el rey, Kendrick Lamar. Hemos sido seducidos en este número por los sonidos de las tornamesas, bajo scratch’s y rimas de rap.

En nuestras páginas encontrarán el néctar de este género, desde los ancestros de estos ritmos, hasta los nombres de esta nueva ola que han venido a revivir y llevar a su segundo aire al hip hop.

Podrán encontrar entrevistas con BrunOG, Magdalena 3 Vidas, Mare Advertencia, LNG/SHT y más dignos representantes del trap y hip hop en español. Hay que poner atención a estos nombres que trabajando se han ganado que los reflectores los volteen a ver.

Un breve recuento de los últimos conciertos y festivales que se han robado nuestra euforia. Recomendaciones, reseñas de discos, un poco de beats y las secciones que edición tras edición les dejan algo para su biblioteca musical personal.

Seis años de que esta revista anda haciendo ruido, siendo desde semillero y cuna de profesionistas en la materia, hasta catapultando talentos de la escena. Gracias a todos nuestros lectores, seguidores, crew, partners, amigos y familia que nos alientan a que esto siga con vida y ganas de dar más.

Seguiremos de manteles largos los próximos meses, así que no se despeguen de nuestras redes y medios de contacto que se vienen más sorpresas. Este número es para ustedes, disfrútenlo. ¡Somos unas revista, no un blog!

Javier Jarquín

REDACCIÓN

DIRECTOR GENERAL LAURA ROMERO EDITOR EN JEFE JAVIER JARQUÍN DIRECTOR DE ARTE IVANA CASTRO EDITOR WEB DORA MÉNDEZ & MARTÍN VARGAS MEDIOS & PRENSA VALERIA LAZCANO & BENJAMÍN DÍAZ RP MAJO SÁNCHEZ & CARLOS SAÍN DIRECCIÓN FOTOGRAFÍA BRENDA ARRIAGA JEFE DE INFORMACIÓN IVÁN ROVA ASISTENTE DE DIRECCIÓN ALAN DE AQUINO ASISTENTE DE ARTE JAVIER SOTO CONSEJO EDITORIAL DORA MÉNDEZ MAJO SÁNCHEZ IVÁN ROVA MARTÍN VARGAS

CARLOS VALLE CECILIA RANGEL ALAN DE AQUINO BENJAMÍN DÍAZ MAJO SÁNCHEZ MARTÍN VARGAS EDER YÁÑEZ JAVIER SOTO GERARDO CARRILLO JAVIER JARQUÍN ENRIQUE GUTIÉRREZ MARVELY GARNICA ARTURO ROJAS KENYA GIOVANINI DORA MÉNDEZ RODRIGO GUERRERO JUAN CARLOS GARCÍA STEPHANIA CARMONA

FOTOGRAFÍA DIEGO VIGUERAS JAVIER SOTO MAJO SÁNCHEZ EMILIO SANDOVAL STEPHANIA CARMONA CECILIA RANGEL ANA DÍAZ

DISEÑO

CUEMANCHE! SUCK MY PONIS THE JAVIS CEFFECT ROBERTO “ZEPOL”

Feminismo Y Crítica Política, Desde La Cuna texto Cecilia Rangel / fotos Javier Soto

Durante mi camino para encontrarme con Mare pensaba en aquel primer encuentro, en Oaxaca; ahora recurrí nuevamente a ella para seguir conociendo más sobre su trabajo, próximos planes y su último álbum: Siempreviva.

Mare Advertencia Lirika es de la Ciudad de Oaxaca de Juárez. Se trata de una ciudad conocida por ser un territorio en constante resistencia desde el ámbito social. La música de Mare no se aleja de esta realidad, al contrario, intenta hacer reflexionar a quien le escucha sobre éste y otros temas. Se le considera una rapera con una fuerte conciencia social y política.

Dentro de sus planes existe la creación del ‘’1er Encuentro de Rap Originario’’ en la ciudad de Oaxaca. Un proyecto que surgió como un sueño entre ella y varios de sus compañeros para comenzar a darle forma y aplicar su conocimiento como gestora cultural. Lanzó una convocatoria por internet junto a Gran Om e invitó a participar a los proyectos de rap y de reggae soundsystem, que se identificaran con un pueblo originario desde tres aspectos: la identidad, el territorio y el lenguaje. ‘’Fue sorprendente porque tan sólo de México encontramos alrededor de 80 proyectos que hacen rap o reggae soundsystem y lo conformamos en tres líneas: la identificación como parte de los pueblos originarios, la identificación dentro de los territorios en resistencia o que hablen la lengua originaria. Con la globalización y la migración forzada hay muchas personas que han tenido que crecer en la ciudad y ya no se asumen

como indígenas porque no hablan la lengua. La idea en este proyecto es no excluir, para no sólo retomar a las personas que sí hablan una lengua indígena porque entonces estaríamos negando el proceso de colonización, de migración y de globalización que han atravesado a los pueblos”.

El feminismo es otro elemento que se añade al trabajo musical de Mare.

Desde este pensamiento muchas de sus letras están inspiradas, tal y como en la canción ‘’Vivas y libres’’. Con este tema en sus presentación invita a las asistentes a corear: ‘’Vivas y libres nos queremos’’. Esta frase la retoma de

-EN SU RECIENTE PRODUCCIÓN, TRATÓ DE MOSTRARSE COMO UNA HUMANA SENSIBLE, Y PARA EL PRÓXIMO SEGUIRÁ LA MISMA LÍNEA-

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En 2015, tuve la oportunidad de platicar con la rapera zapoteca Mare Advertencia Lirika por algunas horas. Conocí muchos de los aspectos que la han convertido en una rapera con una amplia conexión con el feminismo y la crítica política.

las heridas, pero también a partir de reconocer el apoyo que hay de otras personas, en el amor en las relaciones interpersonales de familia o amistad. Ha sido un proceso personal, sin embargo, como la frase lo dice: ‘lo político es personal y lo personal es político’ ahí recae todo”.

Por otro lado, el álbum Siempreviva es la última producción de Mare A. L. y fue lanzado en abril de 2016. En él se encuentra una narración de emociones y sentimientos, para pasar a temas en los cuales cuestiona al sistema político mexicano, además de analizar la vida cotidiana desde el feminismo para cerrar con un tema dedicado a su hermano.

En este álbum, Mare trató de mostrarse como una humana sensible en la que existe mucha fortaleza y para 2018 se ha propuesto seguir una misma temática en cuanto a los temas que trata. También planea formar una banda para grabar y comenzar a presentarse en eventos de esta manera.

‘’Siempreviva marca un antes y un después en mí. Me di cuenta que atravesaba un momento de mucho dolor, mucha tristeza y muerte. Si yo no sanaba eso, era muy difícil salir adelante.

Lo que traté de hacer en este disco fue buscar sanar a partir de supurar

‘’Desde la música el proceso que estoy llevando tiene que ver con la misma denuncia, pero también con una resignificación sobre la necesidad de cuidarnos, reconocernos, querernos y asumirnos como humanos. Creo que el construir una banda tiene relación

con eso, porque mi proyecto había sido individual, pero ahora cada vez más estoy teniendo otras entradas; hay un diálogo colectivo en la creación musical y a partir de eso puedo encontrar nuevos aspectos en la reflexión de la otra u el otro. Este nuevo álbum viene en la misma línea de la crítica política y social, pero seguiré incluyendo la cuestión de reconocernos como humanidad y desde ahí poder fortalecernos entre unas y otros.’’

El rap de Mare Advertencia Lirika demuestra que el rap es una manera de activar con el público una comunicación y una reflexión sobre diferentes temas, para hacer de su rap una herramienta en pos del cambio.

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un movimiento feminista que se viene gestando desde hace años con la misma consigna. La sororidad es eje importante para su trabajo, considera fundamental crear diálogos entre mujeres para que surgen redes de apoyo y concientización de las violencias machistas.

Sin El Sentimiento No Se Puede Hacer Música De Calidad por Alan De Aquino / fotos cortesía

Por lo general este submundo del hip hop, o el reggaetón, es uno que genera polémica. Sin embargo, hay tantos exponentes ahora de todas las clases sociales y resulta imposible no toparlos en algún lado. Por eso me parece importante conocer y tratar de generar una pequeña idea de quién es BrunOG y por qué sus padres le permitieron dejar la prepa para que el siguiera sus sueños.

Revista Kuadro: ¿Cuál ha sido tu experiencia como productor? Has encontrado muchos talentos y empezado a despegar.

BrunOG: A mí se me hizo muy rápido el ascenso, yo les he platicado mi historia dentro de la producción musical y la escena independiente. Desde el año pasado he tenido la oportunidad de estar en el Boiler Room, en Ceremonia; pero el trayecto ya lleva 10 años. El día que empecé a producir hablé con mis padres y les dije que me iba a salir de la preparatoria y que en un año yo les iba a rendir cuentas y justamente, después de ese año logré contactarme con Alex Malverde y hemos hecho varios trabajos a partir de ahí.

-“SIN EL SENTIMIENTO NO SE PUEDE HACER MÚSICA DE CALIDAD, NI MUCHO MENOS GENERAR ALGÚN SENTIMIENTO EN LA GENTE.”-

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Al norte de la ciudad me tocó platicar con un músico y productor que está dando mucho de qué hablar. Su nombre me era familiar, pero no sabía en realidad mucho más allá de lo que había escuchado hablar o algunos talentos con los que ha trabajado, lo cual para mí ya era referente importante de un submundo que cada vez se expande más.

RK: ¿Cómo fue el acercamiento con Ceremonia?

B: Se me acercó Lalo Rojas, que forma parte de Tape. Él había ido a una fiesta donde toqué y le gustó mucho lo que hice. En diciembre me comentó: “¿oye, qué tan libre estás en tal fecha?”, le dije que no tenía nada, entonces me invitó a Ceremonia. Mi proyecto le gustaba mucho, encajaba con el evento y su intención era llevarlo al escenario. Yo dije: “¡Hagámoslo!”

RK: ¿Cuándo decidiste ser productor? y, sobre todo, ¿Cómo crees en un proyecto y decides entrar en él?

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B: Como productor me gusta tocar de todo, he tenido la oportunidad de tocar y hacer proyectos enfocados en cumbia, pero me gusta ese toque y darle una vuelta, no que sólo sea cumbia. Me gusta cuando hay un género que me propone una fusión con varios estilos y que yo diga: “va, se puede hacer”.

Me gusta cumplir retos, que la gente diga que yo hice ese reggaetón y que le guste. También me gusta conocer a la gente detrás de ese proyecto para que de verdad congeniemos y se cree un proyecto aún más fuerte.

RK: Cuándo quieres producir algo, ¿por dónde llegas?

Siempre es distinto, luego me llegan propuestas con letras, acordes y yo funjo como arreglista y productor. Así ya me meto en más cosas. Pero hay otros casos en los que creo una pista con base en lo que yo siento, en lo que quería comunicar en la canción y se la presento a Maquena, si le gusta le mete letra, pero la mayoría de tiempo vienen conmigo con alguna idea y ya les creo todo lo que hace falta.

RK: ¿En algún punto te ha molestado lo que están cantando?

B: Sí, hay casos en los que estoy en desacuerdo con lo que se está cantando. En muchos de esos casos han sido proyectos más de chamba que de BrunOG, es como cuando a un diseñador le piden que dibuje algo o a una mujer desnuda y se siente incómodo, pero tiene que hacerlo. Hay casos así, y hay otros en los que sí decido y procuro no quedarme callado, porque son proyectos donde meto mi nombre y trato que cuiden eso ellos también.

RK: ¿Con quién te gustaría trabajar actualmente?

B: Con medio mundo, con muchos de mis artistas favoritos, lo cual sería una meta: con Diplo, Major Lazer, Caloncho, Daddy Yankee, J Balvin, Maluma, de verdad no tengo etiquetas. Puedo trabajar con todos, no hay barreras, ni en el sello, ni conmigo, por eso en los shows puede ver géneros como tropipunk, hip hop, de todo un poco. Así es el sello y así soy yo.

RK: ¿Qué es lo que más te apasiona de la música?

B: Me gusta mucho lo que genera en el público, que la gente me diga: “¡esta canción la dediqué!”. El sentimiento que genera esa música, el resultado y el proceso creativo, donde uno se puede expresar. Sin el sentimiento no se puede hacer música de calidad, ni mucho menos generar algún sentimiento en la gente.

RK: ¿Qué viene para BrunOG? B: Viene un disco. Está muy bueno. Viene una gira por México y esperemos que eso abra espacio para una gira ya no solo nacional, posiblemente proyectos en la radio, y por su puesto colaboraciones en el sello.

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Sigo trabajando duro. Estoy feliz con lo que he logrado, pero hace falta más trabajo para cumplir varias metas.

Sin Barreras, Sin Tapujos Y Sin Misericordia

por Benjamín Díaz / fotos Cecilia Rangel

En una plática para Revista Kuadro, nos contaron todo ese machismo-feminismo y autocrítica de ser mujeres en la escena del rap y hip-hop actual, pero más allá de ese cliché/tabú, nos cuentan cómo ha sido sobresalir para aquel público que las anhela y que gracias a sus rimas se han identificado, lo que las ha convertido en un peldaño más para crecer como mujeres y artistas; ahí donde hoy el hiphop está más vigente.

“No somos cholas, más bien son los ideales y ya. Para empezar, es difícil ser un grupo de rap de morras en una

sociedad machista y ya luego que tú te nombres chola en una escena, es muy difícil, porque puede llegar alguien más y decir: ‘yo soy más cholo que tú y con su pose’. [...] Corazón cholo por dentro [...] eso es lo que dice nuestra rima. La onda aquí es ser fiel a tus ideales.”

Más allá de ser una agrupación de rap femenino más en la escena, ellas tienen bien definido su público, ya que al ser rap de mujeres va hacia ellas mismas pero sin poner etiquetas, no se limitan a que llegue a más tipo de gente, género o cosa. Mujeres siendo mujeres y no tratar de competir contra aquel ser que porta —como muchos creen— la voz del rap/ hip-hop: el hombre.

“De niñas para niñas. Yo empecé (expresa Nicole) escuchando a Alika, Ariana Puello y a la Mala mucho después. Siento que Alika y Ariana eran más del pueblo, pero siento que otras morras hablan del ‘yo, yo y yo’

queriendo ser como un vato, porque muchos raperos utilizan: niggas, money y my dick. Hay raperas que actúan siendo hombres, que incluso su tono y sus temas quieren competir contra con los hombres y lo que hablamos desde un principio es que nosotras somos un producto diferente, que queríamos ser esa voz y sonar como mujeres y hablar por la mujer.”

Llegando a este sentido común, encontrar la sensibilidad y la posesión de un arte como expresión y de enajenación, Magdalena 3 Vidas crea todo un umbral de géneros adentrados a no tener etiquetas y que dentro de éste,

-“QUERÍAMOS SER ESA VOZ Y SONAR COMO MUJERES Y HABLAR POR LA MUJER.”-

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Originarias de la Ciudad de México (CDMX), Priscila y Nicole a.k.a Magdalena 3 Vidas expresan no sólo un sentimiento, sino un modo de vida que pone en juego todo aquello que el hip-hop ha puesto sobre la mesa, como si fuera una censura constante. Poner su voz dentro de un umbral para expresar una voz como arte, es el ideal de estas morras.

“El rap lo vemos como un umbral para poder transmitir la voz. Tenemos fans gays y nos cuestionan por eso, el por qué tocamos para ellos, pero si los gays se sienten identificados con nuestra música y una voz y si nosotras se las estamos dando, qué chingón. Si alguien se identifica con nuestra música y siente lo mismo que nosotras, sentimos que ya se cumplió el objetivo, ya se jugó adecuadamente.” ¿Pero por qué nos adentramos a este tipo de género sin saber qué nos puede preparar la crítica de una sociedad que se limita a escuchar más allá de que si es mujer, hombre, trans o máquina?

Sin pensarlo así, encontramos a la música como un portal de alegorías

interesantes y que haciendo una materia heterogénea, el arte como música te vuela la cabeza. El público es lo importante aquí, pues ellos eligen si eres su portavoz o si es que eres aquel que hará que sus vidas se marquen por un sonido o movimiento. Magdalena 3 Vidas encontró un público extenso y se ve reflejado en cada show que han podido dar en su corta carrera musical.

M3V tuvo eso, tres vidas pasadas que unidas crearon una explosión sin igual y que el rap se adhirió a ellas para demostrar que el girl power sigue vigente.

“Magdalena 3 vidas tiene tres vidas pasadas: una monja, una bruja y una puta.” ¿Y si tuvieran tres vidas más por delante, serían lo mismo?...

“Que se chinguen, seríamos lo mismo.

No, nos gustaría ser lo mismo, nos encanta. Quizá un perro, algo que vuele… un perro fresón con alas, una hermafrodita. Lo que sea.”

La Magdalena 3 Vidas no se va, no morirá y seguirá presente. Sin barreras, sin tapujos y sin misericordia. Llegó para derramar rimas y no sangre. Llegó para satisfacer tus necesidades con perico y tapioca. Tu corazón cholo se llenará de rosa a mares y no se detendrá, pues su única arma es ser auténticas y llenas de perplejidad en una sociedad llena de sacrilegios, horrores y machismo.

El sonido de M3V está por definirse, pues es un cambio constante encontrar aquello que te haga sentir tú mismo.

Cree en tus ideales. Cree en ti. M3V te ayudará en el camino.

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lo más importante es hacer lo que te gusta sea o no, para ti. Sentirte cómodo y encontrar algo o alguien que lo diga por ti, que lo exprese por ti y que lo demuestre por ti.

Trampa Records, Lugar Para Experimentar Con Los Sonidos Del Trap

por Cecilia Rangel / fotos Ana Díaz

En una plática que tuvimos con él, nos comentó sobre el panorama general del trap en español, sus intenciones de crear fiestas de trap curadas por los integrantes de Trampa Records, acerca de la búsqueda de nuevos talentos en el trap; así como los planes que se trae entre manos.

Yoga Fire me recibe en las inmediaciones de Homegrown Entertainment, sello discográfico fundado en 2013 que representa a diversos artistas de trap y hip hop como La Banda Bastón, Alemán, Fntxy, Dee, Simpson Ahuevo, Álvaro Díaz, BrunOG y más.

“El trap se creó en Atlanta. Como género musical es el hijo rechazado del hip hop, aquí lo hemos adaptado a otro subgénero conocido como trap latino y nos basamos en las mismas temáticas: fiestas, chicas, drogas y dinero. Pero en español y con versos muy pegajosos. Es una forma de hablar de maldades sobre un ritmo muy bailable”, responde él.

“Creo que eso pasó en todos los países de habla hispana. Estos chicos que estaban escuchando a los nuevos ritmos a principios de los 2000. Tal vez ni siquiera conocen el hip hop de los 90.

Simplemente les gustó el trap y que haya sido en español. Nosotros decidimos abrir camino en este género para los que se integran”.

Este boom sobre el género, me explica Yoga, es creado por todos aquellos chicos que crecieron escuchando los nuevos sonidos que el trap de Atlanta desencadenó. Esto me hace reflexionar sobre el vínculo entre el trap en español y el reggaeton. Gracias al reggaeton el trap es aceptado porque ahora los reggaetoneros más importantes cantan sobre un beat de trap. Ve al trap y al reggaeton como brothers.

Dentro de Homegrown Entertainment se desarrolla la Trampa Records, una vía para que los que están dispuestos a experimentar con los sonidos del trap puedan producir canciones. Están planeando la realización de eventos con música trap.

-EN MÉXICO HEMOS ADAPTADO AL HIJO RECHAZADO DEL HIP HOP: YOGA FIRE. EL ARTISTA PLANEA EL LANZAMIENTO DE TRES PRODUCCIONES-

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El trap ha sido apropiado por músicos hispanohablantes, en México, uno de los representantes indudables es Yoga Fire.

Como un fiel seguidor del hip hop, la evolución hacia este nuevo género le ha permitido experimentar y hacerse de un nombre en la escena.

“El trap es desechable porque a veces no perdura. Es más como de cantidad y de ir sacando temas porque los españoles están también sacando algo todo el tiempo y por otro lado están los boricuas. La gente está recibiendo estas canciones y los puedes enganchar por la cantidad para no dejarlos voltear”.

En cuanto a nuevos proyectos, Yoga Fire ha estrechado su trabajo junto a Fntaxy y de vez en cuando se da a la tarea de buscar talentos en internet.

“Fntaxy es de los mejores en el trap, tienen una idea muy acertada de cómo debe sonar el trap mexicano. Me acabo de encontrar con un morro que tiene de 300 a 900 plays y son unas rolotas”.

Si Yoga Fire pudiera hacer un festival, el lineup de cinco propuestas sería de los músicos que lo han influenciado: Travis Scott, Young Thug, Lil Uzi Vert, PnB Rock y Wiz Khalifa.

Yoga Fire junto a sus compañeros planean el lanzamiento de tres producciones ya grabadas. Uno en colaboración con Fntaxy de nombre Trendy Super Latín, el cual describe como un álbum con mucha identidad y cree que definirá el sonido del trap hecho en México. Historias del 55 es otro álbum que grabó junto a Dee del que sólo falta la masterización y por último un mixtape hecho por la Trampa Récords, que sacarán a la par de Trendy Super Latín y trae nueve sencillos con la colaboración de traperos latinoamericanos. Sin embargo, por el momento no se encuentra grabando algo, ya que: “el objetivo es hacer algo nuevo, quiero inventarlo o encontrarlo”.

El trap está inundando a las fiestas.

Los festivales de música ahora añaden en sus lineups a los artistas más representativos del trap en español.

Incluso si prestas atención y paseas por el centro de la ciudad o por algún tianguis, de ley hay trap. Lo podría considerar el nuevo pop, se ha creado una escena extensa.

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“Los miércoles vamos a empezar una residencia en el bar Departamento en la Colonia Roma. Es importante tener un lugar para cotorrear, como una nueva vía para expresarnos y poder hacer DJ sets de música trap en el que incluiremos trap de muchos lugares. También hay bastante gente que nos pregunta ¿dónde puedo bailar esto?”, justifica Yoga.

Es El Género Músical Que Ha Llegado Más Lejos En Los Últimos 20 Años por Majo Sánchez / fotos cortesía

Fue la primera vez que escuché que alguien hablaba sobre su vida y la de los veinteañeros que no crecimos en el barrio —o tal vez sí lo hicimos pero no nos tocó tan hardcore—, que vivimos buscando un lugar en el mundo y que no queremos perder un cacho de alma mientras lo logramos.

LNG/SHT lleva ya muchos años forjándose, desde 2014 que salió el primer demo. Salir de su zona de confort para convertirse en lo que es hoy, implicó dejar una carrera de leyes en Cancún y trabajar sin descanso durante tres años y medio, para llegar

a festivales importantes como el Vive Latino. Al final de todo, comprendió que vivir de la música va más allá de la idea romántica generalizada e idealizada que todos tenemos.

“Es bien feo equiparar lo que haces, el arte o como quieras llamarlo con un negocio, pero ha sido con una mentalidad de verlo como una empresa pequeña y estar trabajando día a día. Ser constante y olvidar completamente esas ‘bohemiadas’ que les gustan tanto en la música de: «uuuh es que no estoy inspirado», «uuuhh es que mis vicios son el motor de lo que hago». ¡No!, ¡no!, ¡ni madres!”.

- “NOSOTROS NOS PARAMOS TEMPRANO A TRABAJAR Y TRABAJAMOS HASTA QUE YA NO PODAMOS MÁS O HASTA QUE HAYA UNA TOCADA CHIDA A LA CUAL IR”.-

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Me encontré con la música de LNG/ SHT por casualidad. Vagaba en YouTube cuando encontré en el canal de Revancha —una de las tiendas más padres para comprar viniles, por cierto—, un show case y ahí estaba Gastón, rapeando frente a pocas personas, inmediatamente dije “este tío flipa”.

El estilo de Gastón está influenciado por el rap en español de Tote King y SFDK, sus rimas no hablan de niggas o armas, sino de parrandas de sábado por la noche, de las inconveniencias del desamor, el existencialismo o ser godín. Resulta refrescante escuchar una propuesta como la de LNG/SHT. Sin embargo, nunca faltan los haters que demeritan las nuevas formas de hacer rap.

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“Soy muy afortunado porque la gente que yo admiraba antes de que nuestro nombre tuviera una clase de peso, son mis amigos y me han tirado buen rollo desde el principio y si bien, tal vez algunos escuchen o no nuestra música, ha habido un respeto mutuo. Ha existido un apoyo y me he dado cuenta de que la mayoría de gente que tira comentarios negativos o que se mete contigo sin razón, son güeyes bien frustrados porque su carrera no está yendo a ningún lugar. O todavía más común, chavitos de prepa que todavía viven con sus papás que creen que es real meterte con el güey que está haciendo algo diferente. La neta, lo he dicho antes, el hecho de que la Banda Bastön nos tire buen rollo, nos invite a shows y al escenario con ellos, es una forma de decir que mi yo del pasado está satisfecho.”

Con giras por toda la república, entrevistas en todas partes, show-cases y ya con un Vive Latino en su haber, LNG/SHT creció de una manera muy rápida en la escena musical, pero ¿realmente había imaginado que esto ocurriera de esta manera?

“Creo que sí lo imaginé pero nunca asumí que pasaría, o sea como que uno siempre fantasea y espera estos escenarios bien chidos en los que logra las cosas, pero yo siempre fui muy malo en todo lo que hacía. Ya fuera escuela. Ya fuera ejercicio y

demás, entonces destacar en algo que me gusta y que me importe es algo que nunca había logrado y estoy muy feliz de estar lográndolo. Siempre está como el chavito guapo que es como carismático, rico, bueno en los deportes y luego estamos los güeyes como gordos barbones que hacemos el comentario incómodo y fracasamos en todo.

Es bueno decirle a los güeyes como yo: «güey sí se puede, algo vamos a hacer bien, vamos a encontrar nuestro lugar y vamos a rockear en ese aspecto y vamos a tener una buena época»”, expresó.

LNG/SHT pertenece a una nueva generación de músicos que lograron desarrollarse en la escena del hip hop mexicano de una manera extraordinaria. Esto junto a figuras como Tino el Pingüino y la Banda Bastön que proponen una nueva forma de concebir y consumir este género.

“Es el género musical que ha llegado más lejos en los últimos 20 años. Entonces, la gente no puede seguir jugando a ignorar (que es lo que ha pasado en México durante décadas), no le han dado su lugar. Inclusive en este momento, es una falta de respeto que artistas de la talla de Charles Ans o C-Kan no tengan una presencia en festivales grandes como Vive Latino. Hace poco Bonnz de Hello Seahorse subió una foto del horario cuando ellos tocaron creo que hace cinco años en Coachella y ellos tocaban justo a la una de la tarde y Kendrick Lammar a las dos de la tarde, en cinco años Kendrick pasó de ser un raperito que tocaba todavía de día al headliner del festival.”

Tal vez LNG/SHT no sea el rapper que la escena esperaba, pero al final de cuentas ¿quién lo es? Sólo sabemos que un día juró que sí iba a llegar y en cuanto lo hizo, nos reinventó la forma de entender el hip hop.

LOS TRES DISCOS FAVORITOS DE LNG/SHT Yo, Mi, Me, Contigo, Joaquin Sabina And out Come The Wolves, Rancid Un Tipo Cualquiera, Tote King

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Nosotros nos paramos temprano a trabajar y trabajamos hasta que ya no podamos trabajar más o hasta que haya una tocada chida a la cual ir”, comenta.

por Carlos Valle / ilustraciรณn Cuemanche!

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a importancia del hip hop en el mundo contemporáneo radica en su propósito: siempre tuvo un carácter social que otros géneros adolecían. En ese aspecto era una especie de punk afroamericano. Aunque musicalmente son las antípodas. La clase obrera inglesa que subsistían de las minas y como podía; hacía paralelismo a la situación de los guetos en la sociedad afroamericana. Hasta ahí se terminan las similitudes, ya que el hip hop se encargaría de crear su propia cultura.

Visualmente con el graffiti y el break dance, musicalmente con el rap y el papel de los DJ y los MC, la parte integral de toda esta cultura; samples y scratching para acompañar a las rimas del quien llevaba el micrófono. Ya fue un largo tiempo de eso, se ha mezclado en diferentes estilos con las diferentes zonas, no era lo mismo vivir en Harlem que en Compton, ni en Georgia.

Así nació el nuevo milenio. Se quedó con los reflectores que el rock dejó, las canciones pop de moda ya no tenían un sólo coro pegajoso, sino un verso rapeado por algún invitado.

El hip hop estaba más vivo que nunca, aunque su esencia estaba más perdida que nunca. Se seguía glorificando la violencia en lugar de condenarla.

Eran otros tiempos, musical, social y políticamente. Por eso, Barack Obama cuando irrumpió en la escena mundial fue todo un parteaguas. No importaba tu afiliación política, él era algo diferente.

Era el joven (para la política), abogado afroamericano, de nombre poco común para el léxico anglosajón. Es curioso porque coincidió con el ascenso de otro todavía más joven afroamericano: Kendrick Lamar.

Obama fue electo como el 44o presidente estadounidense entre los lanzamientos de C4 y Overly Dedicated. El último hablaba del verdadero potencial para los álbumes que se venían y cómo iban a ser.

Hoy, el trap de Atlanta se ha masificado hasta ser el referente número 1 en cuanto a artistas, ventas y música. Ha terminado un proceso de canibalismo que iniciaron las costas, que nunca pudieron verse como una unidad, algo previsible en una cultura heterogénea.

Ambos personajes tenían, entonces, una visión similar a pesar de los contextos tan diferentes de donde surgieron.

Barak estudió en las mejores escuelas disponibles. Tuvo las universidades de Columbia y Harvard en su currículum.

Kendrick tuvo como alma máter la Centennial High School en Compton (cuyo alumno más reconocido era Dr. Dre). Los dos alumnos sobresalientes.

Todo esto a un precio, las letras empezaron a ser dominadas por esa glorificación del estilo de vida callejera. Pasó a abrazar todo lo negativo: la violencia y las drogas hasta el extremo. Las letras han perdido eso que hacía que conectara a otro grado, ese legado de Tupac y Rakim se diluye con cada single, con cada video.

Desde esos inicios en su mixtape Overly Dedicated en Kendrick se ve esa conciencia social, ese compartir lo que estaba pasando en las calles de manera real, sin querer ser el PIMP, el líder de la gang. Y más de un lugar como Compton, históricamente afroamericano; históricamente azotado por crimen y desdén de la clase política.

central

La manera en la que lo hacía, casi como sátira, sobre todo un track particular, “Ignorance Is Bliss”, a priori parece todo lo contrario a lo que hemos hablado. Compararse a Shaq en el poste porque tiene un rifle de asalto, que tienes que proteger tu cuello porque así son las calles. Pero cada verso lo termina con “la ignorancia es una bendición”, lo que no sabes no te puede lastimar, o no vale en las calles. El estilo de vida de todos los que viven ahí, seas o no raper, seas o no todo un gangsta’, además del verso con las referencias de cómo lo empezaban a llamar: un conscious rapper y las referencias a Martin Luther King Jr y Malcolm X. El paralelismo tiene un momento clave.

El discurso A More Perfect Union que dio Obama en 2008, para arrancar su candidatura que se volvería histórica. El momento de Kendrick vendría un poco después, en 2012 —para terminar el primer mandato de Barack— con su segunda placa de estudio: good kid, m.A.A.d city. Este disco fue el que cimentó a Lamar en el status quo que tiene ahora. To Pimp a Butterfly fue el que le dio ese reconocimiento como músico.

“Bitch, don’t kill my Vibe”, probablemente la signature song del californiano, de su primer álbum con una disquera grande. A veces el contexto de la canción se pierde un poco con el hook que todos se saben, pero es su crítica más clara al panorama del hip hop de ese momento.

“That anger may not get expressed in public, in front of white co-workers or white friends. But it does find voice in the barbershop or around the kitchen table... occasionally it finds voice in the church on Sunday morning, in the pulpit and in the pews”.

Ese es un extracto del discurso, que bien podría pasar por un verso del single, excepto que Obama no tenía ese flow —solo el swag—.

“I can no more disown him than I can disown the black community. I can no more disown him than I can my white grandmother—a woman who helped raise me, a woman who sacrificed again and again for me, a woman who loves me as much as she loves anything in this world, but a woman who once confessed her fear of black men who passed by her on the street, and who on more than one occasion has uttered racial or ethnic stereotypes that made me cringe”.

Parece que Obama también sabía de antemano de las canciones que le daban nombre al disco, de cómo “good kid” y “m.A.A.d. City” hablaban del entorno de la ciudad, de como era tóxico todo lo que lo rodeaba, de que la respuesta rojo o azul, sería la que te mantendría con vida o te daría una bala.

Más allá de si eres fan de Kendrick o lo que pienses de cómo terminó la administración de Obama, ambos fueron iconos importantes para la cultura actual, no solamente la cultura pop (ni que fuera Drake), al darse cuenta de los problemas sociales que imperan en la sociedad. Compton y Chicago se parecen más de lo que aparentan.

Nueva York, Ciudad Multicultural Con Resultados Fascinantes

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El hip hop no entiende de limitaciones. A lo largo de su historia se ha alimentado de varias raíces y cada postura se acurruca en su seno como si fuera su cuna propia: esta es la posibilidad que ha dado desde hace casi 40 años, la de la identidad.

No obstante, por más que intentemos clasificar a los exponentes de este género por antonomasia como afroamericanos (o afrodescendientes para evitar conflictos), lo cierto es que ninguna raza quedó vetada de poder ser parte del hip hop. Esto es simple: no existe un solo hip hop, ni su origen es el mismo. Los latinos y los blancos también han sido parte fundamental en la transformación y consolidación del mismo. Es una historia aún con la tinta fresca.

ilustración Suck My Ponis /

artículo

Para este proyecto subversivo el hip hop fue la gran oportunidad para saltar al estrellato. Su álbum debut (producido por Rubin) Licensed to III alcanzó las nueve millones de copias vendidas en Estados Unidos.

Posteriormente a este proyecto se le fueron sumando talentos como DJ Hurricane.

Con la nueva década, la época dorada del hip hop en Nueva York moría. En los albores de los 80 la próxima capital del hip hop daba uno de sus primeros frutos: Cypress Hill, el lugar: Los Ángeles, California.

La historia del género que nos reúne en este texto fue distinta en la capital del Estado Dorado, pues ahí fue el nacimiento del denominado gangsta rap. Scholly D (desde Filadelfia) y principalmente Ice-T fundaron las bases de este subgénero que utilizaba al hip hop para denunciar la violencia hacia los sectores más vulnerables de la sociedad y cómo ésta formaba parte de su realidad.

Sin demeritar el papel de Sean Dog en el proyecto, es interesante que DJ Muggs, B-Real, y Eric “Bobo” Correa (los últimos dos con ascendencia latina) fueran parte de la alineación. Su legado se ve reflejado en el surgimiento de Soul Assassins, sello discográfico que consagró a Muggs como uno de los mejores productores de rap, llegando a la altura de Dr. Dre o Marley Marl.

Por último, pero no menos importante, cabe destacar el indiscutible legado de Eminem para los noventas y los primeros años del nuevo milenio.

La versatilidad y frescura de su estilo lo volvieron referente obligado en el hip hop aun cuando residía en Detroit; no sólo por su discografía sino, también por 8 Mile, largometraje que estelariza.

Como puedes ver, querido lector, lectora; el hip hop no entiende tampoco de exclusión; su brazo se va extendiendo y ahora parece acercarse más al pop y sus fusiones. Esperemos que todavía lleguen más lejos.

por Martín Vargas

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Es importante tener en cuenta el lugar de origen: Nueva York. Esta ciudad se ha caracterizado por siempre una amalgama de culturas y más de encuentros que de desencuentros. Quizá era cuestión de tiempo para que algo como el hip hop se engendrara; cuando lo hizo, la experimentación fue bandera del movimiento, pues no sólo era música, sino baile y los esbozos de lo conocido hoy como arte urbano.

Eran los 80; el hip hop había encontrado una estabilidad y, por fin, se había hecho de un lugar en la industria musical como un un género rentable y prometedor. No fue sorpresa que la aceptación del público blanco en Manhattan para lo que nació como diversión en El Bronx, alcanzara otros niveles cuando Blondie lanzó el tema “Rapture”. Este tema presentaba a los seguidores lo que era el rap, sobre todo la aparición de Grandmaster Flash, uno de los más grandes DJ y líder indiscutible del movimiento.

Sin embargo, si a alguien se le debe el haberse producción del hip hop como algo en serio es a Rick Rubin. Para sorpresa de los MC y DJ’s del momento, él no era negro, sino un chico blanco de Long Island recién salido de la universidad y con un sello discográfico incipiente: Def Jam Records. Él tenía en mente grabar un tema de hip hop, fue T La Rock y Jazzy Jay quienes le dieran vida en 1984; se trataba de “It’s Yours”.

Después de hacer mancuerna con Russell Simmons, legendario promotor y mánager de los pioneros del hip hop, lograron convencer a RUN-DMC de hacer un remix de una canción de Aerosmith. “Walk This Way” no sólo sirvió para hacer más popular el género, sino para salvar la carrera de la banda de Steven Tyler, que en aquel momento atravesaba aguas turbias. Ya lo he mencionado: el hip hop es un árbol de muchas raíces, no ha de causar sorpresa que el rock, así como el funk, sean parte de este.

Cuando los Beastie Boys entraron en escena, si bien existía cierta estabilidad y reconocimiento para el hip hop, ningún otro proyecto carecía de talento afrodescendiente (por lo menos en apariencia).

-GÉNEROS COMO EL ROCK, FUNK ENTRE OTROS HAN LLEGADO A FORMAR PARTE DE ÉL-

La Estética De La Escena Fue Gracias A Él

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Tupac Shakur. Ese nombre que genera una gran cantidad de emociones por todo el legado que dejó. Alguien que siempre está en conversación del GOAT MC, siempre cuello a cuello con Biggie Smalls y otros nombres que se han agregado a la lista como Jay Z, Eminem y los más recientes como Kendrick. Pero el nombre de Tupac no sólo causa veneración por sus habilidades en el micrófono: fue un artista más trascendental que eso. Las rimas, el flow, la actitud en el escenario se quedan cortos para expresarlo.

Incluso cosas mundanas como la estética de la escena del hip hop son culpa de él. Así como en su tiempo Rob Halford de Judas Priest, Tupac formó a los raperos; les dió esa imagen. A los que hacían hip hop en la Costa Oeste. Esta fue otra de la razones por las que esta costa se diferenció de la del Este, para lograr su propia identidad y emerger como punto de creación.

No por nada se sigue esperando la segunda venida de Tupac.

estratos sociales y los diferentes barrios. Siempre junto a Suge Knight quien estuvo con él el día que le dispararon, incluso algunos dicen que Suge lo orquestó, hasta tener de amigo íntimo a Mike Tyson, cuando era el hombre más temible del planeta. Cuando gastaba como si fuera narcotraficante colombiano.

Por si faltara algo, la enorme dicotomía, fue originario de Harlem, uno de los barrios afroamericanos más renombrados de la Costa Este. Para ser la figura principal de la Costa Oeste.

Tal vez por eso era reconocido y respetado, más allá de su habilidad con las rimas. Él sabía lo que era pertenecer a los dos mundos, a los dos tipos de gangsta que hablaban en las canciones. Era amigo de Dre y de Notorious B.I.G. Es innegable el legado de Tupac no sólo en el hip hop, sino en la música y en la cultura. Solamente han resucitado a dos artistas norteamericanos con hologramas: uno es Michael Jackson, el otro fue Shakur y este fue antes, para Coachella en 2012.

Este es un hecho que podría parecer de poca importancia, pero siendo Coachella, un festival donde la mayoría de nombres de los inmortales, vivos o fallecidos es un gran adicción para el cartel.

De todo el panteón de inmortales, Tupac fue el principal. No porque fuera local es una hora en avión de Indio a Oakland sino por el legado.

No es la bandana, no fueron los tatuajes, ni los anillos; fue el sacar a la gente de la burbuja de la situación, mostrarles que había otro mundo, en una sociedad tan racialmente diversa y fracturada como la norteamericana. El alzar la voz para hacer algo... es algo que ya no se ve en estos días.

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LAS PERSONAS DE SU BURBUJA Y LES MOSTRÓ OTRO MUNDO-

por Carlos Valle /

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Sin embargo, no fue el primero. Los Adidas concha o los relojes gigantes fueron símbolos antes, pero el paliacate al revés, con todo el bling, sin playera y notoriamente ejercitado. Tal vez demasiada influencia de toda esa situación entre las gang rivales, Blood y Crips. Suge Knight era miembro de los primeros, Snoop Dog era miembro de los segundos (aunque hoy lo niegue).

Pero exactamente va eso de la mano con todo lo que hizo y estaba haciendo Tupac. Él fue el que le dio ese sentimiento, esa crítica social a todo lo que estaba pasando, describió las situaciones y hablaba del hood en sus letras.

Esto va más allá de renombrar a todos los miembros de Outlawz como enemigos del gobierno norteamericano o dictadores en general.

Lo traía en las venas. Muchos integrantes de su familia tenía lazos directos e indirectos con las Panteras Negras, ese grupo de nacionalismo y poder negro que tuvo su momento cumbre en las Olimpiadas del 68 (un año tumultuoso para los derechos civiles, humanos y para México) con el saludo de Tommie Smith y John Carlos en la coronación de los 200 metros planos.

Fue la representación de lo que pasaba en California que durante mucho tiempo fue el epicentro de los eventos que convulsionaron a la comunidad afroamericana. La creación y el crecimiento de las Panteras Negras va ligado a la línea de lo que hacía y el posterior asesinato de Martin Luther King Jr. Todo eso en Oakland.

Rodney King y los disturbios de Los Ángeles. El gansta’ Rap y N.W.A. N.W.A. tal vez llegó antes, pero era demasiado agresivo para la mayoría. No tenían el lirismo que tenía Tupac. La manera de comunicarse era diferente, ya que tenía algo más que enojo: tenía un propósito. Sabía muy bien de la fractura que había en la sociedad, al moverse entre los

ilustración TheJavisCEffect

-LOGRÓ SACAR A

Hoy En Día, Este Género Se Ha Convertido En El Pop Mundial

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En México todas las modas, corrientes de innovación y de arte llegan con un poco de delay, a menos que se hayan generado aquí mismo. Hoy en día, esto ha cambiado, la apertura de las telecomunicaciones ha hecho que en un parpadeo podamos tener el mundo a un sólo click y con éste, un maremoto de información que no siempre es lo que buscamos. Esto pasa muy seguido con los géneros musicales en la década de los 70, cuando en El Bronx ya florecía el movimiento de los DJ, MC’, B-Boys y Taggers. En nuestro país había aún un auge por los hoyos funky donde tocaban en su mayoría géneros más cercanos al rock y psicodelia, mientras que en el mainstream podíamos encontrar diferentes tipos de artistas haciendo lo que en ese momento llamaba la atención, Rigo Tovar, Rocío Durcal y todo lo que Televisa programaba cotidianamente.

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Del 2000 en adelante se desdobló la escena partiendo en las diferentes vertientes de hip hop; justo como en el gabacho algunos jalaron al mood de fiesta, otros al rap gangsta, al crunk, al pop, al los sonidos latinos y a hacer una combinación y mezcla de todos contra todos con la única idea de estar presentes en las radiodifusoras, sí, exacto hasta llegar al bodrio chafa ese que es hoy en día Calle 13.

El hip hop ha sufrido cambios radicales en su presentación, aunque la idea y la esencia trate de mantenerse al día de hoy. El origen del hip hop en nuestro país tiene sólo dos vertientes, el hip hop producto, que es el que se diseñó como las boybands en las oficinas de las disqueras y las propuestas de calle que fueron descubiertas o incluidas al mainstream por méritos propios, que para bien de todos son las que aún tienen presencia en las estaciones y en los oídos de todos los seguidores del género.

Para buscar el verdadero origen del movimiento nacional tendríamos que recorrer las discografias de todos los que hicieron proyectos antes que el mainstream se apoderara de todo, en lo personal me gusta escuchar a los rateros que cuentan historias, que sirven de juglares y nos comparten realidades a las que estamos expuestos, esa sensación de identificarte con LNG/SHT después de una peda al buscarte las “Llaves, Teléfono y cartera” es algo que vivimos en carne propia, lo mismo pasa cuando El Babo del Cartel de Santa canta los mensajes del WhatsApp, es algo real en comparativa con las propuestas de rap de millones de dólares y brillantes y autos de lujo de Kanye West, que en realidad no nos representa de ninguna manera.

por Eder Yáñez /

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Hoy hablamos de lo actual de una manera más coloquial, de los artistas que los medios masivos de comunicación nos arrojan a la cara día con día, de las estrellas de dos horas en los trenes del mame incansables que pasan sin dejar una huella en la historia. Hoy debemos hablar de un género que ha tenido un auge en el mundo entero desde hace algunos años, nos referimos al rap y al hip hop, el sonido de la calle y la voz de un sector racial adecuado a todos los sectores sociales actuales, el género ha alcanzado el nivel de aceptación en el mainstream para que pueda ser consumido por todos. El rap empezó como una voz del ghetto, de lo marginal y de lo poco aceptado, hoy en día el hip hop es equivalente a las más altas esferas de las compañías capitalistas y ha dejado de ser el Statement de los 70 y 80 para convertirse en el pop.

En nuestro país, el hip hop empezó con el Sindicato del Terror y con 4to del tren, por el año 85, aunque esa semilla floreció hasta la década de los 90 donde se empezaron a programar canciones del género nacional en las estaciones de radio y en alta rotación. Caló rompió las listas con éxitos que contaban historias de fiesta y vacías en comparativa con el statement de las bandas americanas o chicanas que tenían una filosofía más enfocada a las historias de la calle y del ghetto.

Para la primera mitad de los 90, grupos como Speed Fire, Rapaz, Controversia Funk y Sociedad Café quienes ya tenían algo más que decir que el “Ponte atento” de Caló. Para la segunda mitad de la década llegaría el verdadero boom del género en nuestro país, Control Machete y Los Caballeros del Plan G se apoderaron de los reflectores, pero detrás de ellos en el underground había ya un bullicio brutal de bandas y agrupaciones que buscaban hacer camino en la escena.

ORIGEN DEL MOVIMIENTO NACIONAL TENDRÍAMOS QUE RECORRER LAS DISCOGRAFíA DE TODOS LOS QUE HICIERON PROYECTOS ANTES QUE EL MAINSTREAM SE APODERARA-

ilustración Roberto “Zepol”

-PARA BUSCAR EL VERDADERO

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Cuando te dedicas al periodismo musical a veces necesitas recurrir a las etiquetas. Sí, son malas, ya lo sé, pero ayudan, de alguna forma, a describir y definir una propuesta o estilo. Así es como han nacido conceptos compuestos como postpunk, synth-pop, noiseavant-garde, trap, etcétera.

En este afán de catalogar y definir qué es qué, en este mundo han surgido ciertas lagunas de conocimiento que han tergiversado conceptos y confundido a todos respecto al uso correcto de estos. Por eso vengo aquí, no como portadora de la verdad, pero sí como una esclarecedora de mitos o como me gusta llamarme: Miss Myth Buster.

Los Mc, En Un Principio, Estaban En Segundo Plano

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La rola utiliza y pone en un primer plano a la rítmica vocal, las rimas cuestionan la vida en el ghetto. Se convierte en un documento sociológico con valores estéticos y artísticos que encajan perfectamente en el molde del hip hop.

Creo que una de las razones por las que se llega a separar el hip hop del rap es por la descalificación inmediata. Para muchos amantes del género, un rap que no coincida con el discurso con el que se identifiquen queda desechado, cuando realmente es el hip hop quien abraza dentro de su ideología a todos esos actos discursivos. Esto sin importar el tema, pues logran ser una expresión pura del género en cuestión.

Concebir al rap como un elemento extraño al hip hop es una equivocación, ya que ambos van de la mano.

Ambos transgreden y tienen la capacidad de comunicar aspectos particulares de lo que es ser una persona en diferentes contextos a través de letras, por un lado, o de los ritmos, por otro. Estas letras mismas que van desde la onda gánster como el estilo de Cartel de Santa, la vida dentro del barrio como narra Bocafloja en sus canciones o hasta tocar el tema del feminismo y el empoderamiento como lo hacen las M3V. Poner estos dos elementos a pelear es, pues, inútil.

No se trata más que de una batalla imaginaria.

por Majo Sánchez /

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Para llegar al punto deseado, es necesario remontarnos al sur del Bronx en los años 70, en los que el hip hop nacía y aún era un género sin nombre. Entonces comenzaban a integrarse los elementos que definieron a la cultura que conocemos hoy en día: los DJ, B-boys, el graffiti y los MC, de quienes quiero hablar de una forma más profunda.

En un principio, los “maestros de ceremonias” estaban relegados a un segundo plano. Su papel era equiparable a la voz que escuchamos en aquellas grabaciones del sonidero de algún barrio de nuestra bella CDMX: su papel era mandar saludos, dar anuncios, ya saben ‘algo tranqui’.

Poco a poco el hip hop comenzó a desarrollarse a pasos agigantados, pronto encontró su alma sonora y se definió un camino a seguir en el que figuras como DJ Kool Herc, Grandmaster Flash, Grand y Wizzard Theodore comenzaron a experimentar con diferentes breaks de percusión para crear una base con la que se pudiera insertar la rítmica vocal.

Fue así que los MC llegaron a cobrar protagonismo en la escena y a armar mejor sus shows. Algunos utilizaban el back and forth con frases elegidas al azar con el fin de animar a la audiencia y jalar más gente a sus fiestas. Pese a que aún sea difícil definir quién fue el primer rapper de la historia, sí es fácil determinar quién marcó la línea compositiva que definió lo que sería el rap: Melle Mel quien era el MC de Grandmaster Flash & The Fourious Five ¿La razón? Fue uno de los primeros en escribir sus propias letras y logró comprender que el rap era Rythm and Poetry y lo demostró con “The Message”, una canción que definió por completo el modelo del rap que conocemos actualmente.

HOP) TRANSGREDEN Y TIENEN LA CAPACIDAD DE COMUNICAR ASPECTOS PARTICULARES DE LO QUE ES SER PERSONA EN DIFERENTES CONTEXTOS A TRAVÉS DE LETRAS, POR UN LADO; O LOS RITMOS, POR OTRO”.-

ilustración TheJavisCEffect

-“AMBOS (RAP Y HIP

Qué Une A Los Graffitis, Los Mc Y El Brakedance

Conoce los elementos característicos del hip hop 026

Me imagino que por donde vives hay graffitis con una variación en formas y tamaños, unos más legibles que otros.

Seguramente, también has visto en algún lugar público a breakdancers practicando una rutina. Sin duda, has estado en una fiesta donde hay alguien encargado de ser el DJ y por supuesto, sin importar si escuchas o no rap lo reconoces a la perfección.

Todo lo mencionado anteriormente son los elementos del hip hop.

Aunque suele entenderse como sólo a la música (rap), se trata de un conjunto de cuatro elementos principales: el MC (maestro de ceremonias), el DJ (disc jockey), breakdance y graffiti. A partir de dicha conexión se moldeó lo que hoy es uno de los movimientos culturales con mayor expansión a nivel mundial, que es retomado principalmente por jóvenes que encuentran en él una forma de expresión para dar voz a sus pensamientos, denuncias y vivencias.

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perspectiva en la que a los jóvenes del Bronx pudieran expresarse a través de la creatividad, el líder de una de las pandillas más violentas bajo el seudónimo de Afrika Bambaataa, decidió dejar ese estilo de vida y conformar la ‘’Zulu Nation”, una organización que reunió los elementos del hip hop para crear todo un movimiento con una clara intención: ser una vía alterna y pacifista de vida respecto a la existente en El Bronx.

A estos elementos se le han añadido más, pero principalmente se trata de una transformación de los cuatro pilares principales. Por ejemplo, la figura del DJ ha cambiado, el encargado de seleccionar la música en los setenta en las fiestas del Bronx se aleja un poco a la percepción que se tiene en la actualidad sobre el DJ que mezcla música electrónica.

La forma de hacer rap ha variado significativamente de igual manera. Nos encontramos con toda una industria detrás de este género que se mueve de acuerdo a las tendencias y por otro lado nos topamos con las y los raperos que siguen sus ideales y utilizan sus palabras como un motor de cambio.

En cuanto al graffiti, la esencia visual del hip hop, es una expresión artística callejera que tiene diferentes propósitos. Desde ese graffiti ilegal en espacios públicos con o sin mensaje político a los murales que en ocasiones son autorizados por el gobierno. Y para finalizar, los breakdancers que con sus desplazamientos, en ocasiones surreales, nos aproximan a las capacidades que tiene el cuerpo si se trabaja en ello.

ilustración Suck My Ponis

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A comienzos de 1970, en los clubes nocturnos de Nueva York principalmente en Manhattan, la música disco era la más transmitida en la radio. Una época en la que el glam reinaba. Entonces las personas lucían sus mejores prendas y pasos en la pista de baile, pero del otro lado de la ciudad la historia era diferente.

Al Sur del Bronx, la violencia por las pandillas y el abandono en el cual se encontraba esta área mantenía una atmósfera social muy diferente a la de sus vecinos.

En este lugar, la comunidad estaba compuesta por afrodescendientes y una amplia presencia de latinos.

Es en este momento, cuando el hip hop se comenzó a gestar como una herramienta de cambio social y una alternativa para alejar a los jóvenes de las pandillas.

Con la creación de las fiestas callejeras o dentro de los edificios, se gestó el tipo de eventos que serían parte de la génesis del movimiento cultural. En 2010 el New York Times nombró al edificio ubicado en la avenida Sedgwick #1520 como el lugar del nacimiento del hip hop. El año: 1973, DJ Kool Herc fue el anfitrión de esta fiesta, con un sistema de sonido en el que mezclaba música funk que hizo vibrar a las 40 (o 50) personas que se encontraban ahí.

Esta emblemática fiesta conectó por primera vez a todos los elementos que le dieron forma al hip hop. Había un DJ y un maestro de ceremonias (MC) que animaba a los asistentes, también había chicos haciendo graffiti en los muros y los B-boys, como se les conoce a los que hacen breakdance. Sus movimientos fueron influenciados por la emblemática figura del funk, James Brown, e intentaban copiar su forma de bailar adaptándolo a los breaks que el DJ hacía al mezclar la música.

Para reducir las peleas entre pandillas y ofrecer otra

TIENES QUE EVOLUCIONAR PARA SEGUIR VIGENTE-

por Cecilia Rangel /

-ANTE EL TIEMPO,

/por Javier Soto

En la escena electrónica siempre se ha relacionado el vinil como uno de los formatos utilizados por los DJ para tocar en sus presentaciones. Pero la realidad es que los plásticos rectangulares con una banda magnética, también han formado parte de la historia de la música electro.

Cuando era un escuincle de 14 años, mi primer y única forma de conseguir un cassette de techno fue gracias a un regalo. Quien me lo dio, me contó que también se lo habían regalado y que sería muy difícil encontrar otro igual. En el momento, no le tomé importancia al valor de lo complicado que era tener una grabación de un DJ Rush tocando en vivo en Stammheim.

El cassette compacto es un soporte de almacenamiento de audio que fue introducido en Holanda por la empresa Philips en 1963, luego llegó a Estados Unidos al siguiente año. Aunque había otros sistemas de cinta magnética en ese entonces, el cassette llegó a ser el que dominó el mercado.

EL MOVIMIENTO “INDIE” NO ES CONTEMPORÁNEO “La otra cara de un jardín” fue un proyecto de Francisco Felipe, quien realizó su debut en este formato en 1981, fue uno de los pioneros en producir y editar por sí solo, al realizar un trabajo totalmente artesanal. Cortaba y pegaba partes de diferentes cintas que producía.

Algo que también era muy común en esos años, fue que los mismo creadores de sonidos hacían la distribución de su trabajo.

Por otra parte, Interacción es un dúo de Madrid que destacó en la escena electrónica de cassettes y que auto editaron dos trabajos en dicho formato a mediados de los ochenta. Cabe resaltar que estos trabajos fueron publicados en septiembre del 2015 en un formato de vinil. Minimal Wave es uno de los sellos dedicados a recuperar y remasterizar estas joyas de la música electrónica y así poder volver a publicar en formatos más fáciles para reproducir en nuestra época.

Comando Bruno es un proyecto de Rafael Flores quien es uno de los músicos más prolíficos de España, pues editó decenas de cassettes de diferentes sellos de diversos países. Flores se caracterizó por realizar diferentes colaboraciones, pero lo curioso de estos trabajos es que se realizaban por medio del correo postal. Y digo curioso porque en la era de la inmediatez en la que vivimos, nos podría resultar extraño recibir un paquete que tardó semanas en llegar a tus manos.

El sonido de este proyecto es considerado experimental (muy rudo), ya que utilizaba instrumentos caseros como un radiocassette con el que podía manipular varias cintas en un mismo tiempo.

Dentro de esta red de edición y distribución de cassettes que casi terminó a finales de la década, existía un apoyo de varias revistas, fanzines o emisoras de radio alternativas que crearon una especie de directorio con todos los contactos que se dedicaban a trabajar con dicho formato. El arte postal también fue un elemento muy importante dentro de este movimiento y en Italia, quién fue uno de los países más activos en este género, surgieron plataformas importantes como el sello Trax, cuyas ediciones eran espectaculares, pues incluían fotos y postales dentro de las cajas; presentaciones realmente increíbles convirtiendo en verdaderos objetos artísticos.

Ortega y Cassettes fue uno de los primero sellos en Barcelona en impulsar a los artistas underground de dicha ciudad, uno de eso grupos es Camino al Desván. Este proyecto fue creado por la pareja Jordi Cabayol y María Dolores, cuyo sonido está formado por grabaciones en piano, violines con efectos electrónicos, así como sintetizadores y cajas de ritmo.

Actualmente, Richard D. James es uno de los músicos que ha recurrido a dicho formato para presentar nuevas propuestas con un concepto asequible y de calidad análoga, en donde la justificación que podría encontrar para recurrir a dicha “tecnología”, es haberla consumido en la juventud, a lo que podemos también definir como nostalgia.

De alguna forma este era el auge de los estudios caseros y la ideología: “Hazlo tú mismo”, fue llevado al límite, pues uno podía hacer la música, grabarla, editarla en su propio estudio y distribuirla directamente al público.

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Y realmente era muy engorroso, pues en los 90 la única forma conseguir un cassette, vinilo o CD de música electrónica era viajando; solo así podías conocer la música que se estaba haciendo en Alemania, Ibiza, Chicago, Detroit, etcétera.

—“EL AUGE DE LOS ESTUDIOS CASEROS Y LA IDEOLOGÍA ‘HAZLO TÚ MISMO’ FUE LLEVADO AL LÍMITE, PUES UNO PODÍA HACER LA MÚSICA, GRABARLA, EDITARLA Y DISTRIBUIRLA DIRECTAMENTE CON EL PÚBLICO”—

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Max Cooper es un científico que ha mutado a ser productor musical. Nació en Irlanda del Norte y su formación artística tiene un origen poco común. Con un doctorado en genética, Cooper encuentra una relación más profunda entre la música y las matemáticas.

Chromos, es el nombre a su más reciente creación musical, en ella ha logrado traducir datos abstractos, conceptos e investigaciones en música. Tal material está compuesto por cinco tracks que en conjunto tienen una duración de 35 minutos; tiempo suficiente para exponer conceptos pocos comunes en la música electrónica contemporánea. El resultado son piezas inmersivas y multidimensionales.

Resulta impresionante que temas musicales pueden convertirse en verdaderos monstruos sonoros. Chromos no solo es sonido, también viene acompañado por una pieza audiovisual creada en conjunto con Andy Lomas, en donde construyó una interfaz desde cero para poder mapear los datos (sonidos) con precisión.

Chromos es un ejemplo de que las artes y la ciencia tienen más conexiones de las que imaginamos y Cooper nos da un recordatorio de lo complejo y hermoso que es nuestro ser y lo que nos rodea.

POR GERARDO CARRILLO / FOTO DIEGO VIGUERAS El dúo neoyorkino conformado por Sarah Barthel y Josh Carter, Phantogram estaba listo para pisar El Plaza Condesa.

En esta ocasión vinieron a promocionar su más reciente material Three, lanzado el 7 de octubre del año pasado.

Los encargados de abrir el concierto fue la banda mexicana Yo Camaleón, quienes en un breve set de poco más de 30 minutos demostraron por qué Phantogram los había invitado personalmente a tocar.

Minutos después de las 21:30 de la noche y con una asistencia considerablemente alta, se apagaron las luces principales del recinto para recibir al dúo, quienes venían acompañados a su vez de dos músicos encargados de la batería y sintetizadores.

El concierto comenzó con “You’re Mine” de su último disco, Three, para continuar con éxitos como “Same Old Blues”, “Black Out Days”, “Fall In Love” y “When I’m Small”, para mostrar su versatilidad, gran energía y entrega a su público.

Después de poco más de una hora Phantogram anunciaba su despedida con una última canción, sin embargo, los ánimos se prendieron en su totalidad durante los primeros acordes de “You Don’t Get Me High Anymore”.

UNA FIESTA EN EL PLAZA CON BREAKBOT POR JAVIER JARQUÍN / FOTO JAVIER SOTO El Plaza Condesa albergó una gran fiesta que comenzó con el sonido de Wet Baes, proyecto nacional de Andrés Jaime, que con menos de 20 años se encuentra rompiendo la escena nacional.

Minutos después las luces se apagaron y llegó el momento deseado por muchos. Apareció un elegante Breakbot con un traje blanco, su fiel melena larga y lacia, y esa barba que le da un look hippie. Se apoderó de los sintetizadores y comenzó la fiesta con “Star Tripper”, a la par que subían los integrantes de la banda que lo acompañó toda la noche.

Entre sus temas más ovacionados “Break of Dawn”,”Fantasy”, “Get Lost”, “Kiss to Swiss” y uno de los hits favoritos de los fans: “Baby I’m Yours”. Después de bajar por un momento a tomar aire, el DJ regresó para concluir la fiesta. El encore comenzó con “2 Good 4 me”y pese a que algunos rostros lucían cansados por las casi dos horas de baile, los asistentes respondieron como buenos seguidores a los ritmos del francés.

No hubo mejor manera de cerrar la noche que con otra de las favoritas del repertorio de Breakbot: “You Should Know You”, tema encargado de ponerle fin a su acto. Buen sabor de boca el que dejó a todos los presentes y así como una enseñanza para los incrédulos de la música electrónica y sus alcances.

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ÁNIMOS A TOPE CON PHANTOGRAM

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LA PRIMERA VEZ, LA MÁS RECORDADA: FESTIVAL L4TIDO POR BENJAMÍN DÍAZ / FOTO STEPHANIA CARMONA Esta “primera vez ” del Festival L4tido contó con propuestas de bandas locales que demostraron a todos los asistentes que su talento estaba presente. Entrada la tarde, los actos principales se apoderaron de las tarimas que había a lo largo del Parque Bicentenario Guanajuato: como Enjambre, Los Románticos de Zacatecas, Natalia LaFourcade, Rey Pila, Little Jesus, Bomba Estéreo, Los Amigos Invisibles y más, quienes entregaron todo para crear una experiencia que pusiera a vibrar los corazones de todos los asistentes.

La tarde era cálida, demasiado para el gusto de un chilango para ser sincero, las cervezas se veían caminar de un lado a otro, los vestidos se balanceaban ligeros y las gafas ocultaban las emociones de los rostros. El suelo estaba caliente pero no se sentía por las caminatas entre los escenarios que eran largas pero eso ya es costumbre.

El Festival L4tido fue lo que esperábamos: buena organización, buena producción, buena logística, atención, seguridad, obvio algunos detallitos que esperamos se puedan arreglar para las futuras ediciones. Gracias por el buen recibimiento. Esperamos volver el próximo año para llenar nuestros corazones de más música made in Guanajuato y de muchos L4tidos.

KONGOS SIGUE SORPRENDIENDO POR ENRIQUE GUTIERREZ / FOTO EMILIO SANDOVAL Kongos, la banda sudafricana que sorprendió a todos en el Corona Capital 2014 regresó a la Ciudad de México para poner a bailar a todos en el Plaza Condesa, en el último show de su gira por Latinoamérica: Egomaniac Tour 2017.

En su repertorio hubo temas de Lunatic (2014) y Egomaniac (2016) principalmente. Posteriormente “The World Would Run Better” fue la antesala de una sorpresa que tuvieron los chicos de Kongos, pues la siguiente canción fue “Get Back” la famosa canción de The Beatles.

Fue Johny Kongos quien minutos después prendió al público de una manera espectacular, cuando tocó los primeros acordes de “Come With Me Now”, la canción más popular de la banda que ya se convirtió en todo un himno.

Ya en la recta final, no podían faltar los temas clásicos como “Autocorrect”, “Take It From Me” y “I’m Only Joking”, fue con esta última canción con la que se fueron al clásico encore Algunas personas apuradas en salir comenzaron a retirarse de la multitud, pero muchas otras pedían más y Kongos regresó al escenario para cerrar el concierto con “Escape” y “Blue Monday” de New Order.

AT THE DRIVE IN ROMPE EL PEPSI

POR MONTSERRAT VELAZQUEZ / FOTO JAVIER SOTO Los bosques tienen la característica de poseer cierto misticismo y magia por donde mires. Hay una atmósfera que invita a disfrutar del día y dejarnos sorprender con lo que vaya ocurriendo. Si esto lo fusionamos con buena música, deportes extremos, zonas de descanso y una buena compañía, el resultado es el Festival Bravo.

POR CARLOS VALLE SITJA / FOTO DIEGO VIGUERAS El Pepsi Center no sabía lo que le esperaba… literal. Desde temprano Le Butcherettes ya sonaba en el escenario y la entrega fue total. Teri, la total dueña del escenario, con una voz impresionante y en su euforia, cantaba sin micrófono.

El escenario principal contó con la presencia de Salvador ft El Unicornio, Wet Beas, Ela Minus y Curtis Harding. De la mano de deportes extremos, la gente aprovechó para aventarse de la tirolesa o jugar a la ruleta. Uno de los actos más esperados fue Little Jesus, subieron al escenario para tocar cerca de una hora sus éxitos, así como un cover de “Stay together for the kids”, tema original de Blink 182.

En un pequeño escenario entre el bosque, Pantha Du Prince regresó a nuestro país luego de presentarse en el 2014 en el festival Mutek. La segunda y última presentación de una mujer en el festival estuvo a cargo de Crussen, quien pidió a las mujeres se hagan más presentes en este tipo de festivales y se dediquen a hacer música sin que el género sea un problema.

La primer edición del Festival Bravo #BravoKraken nos dejó con un buen sabor de boca. Sin duda, regresaremos el próximo año para ver con que nos sorprenderán.

Unas luces en rojo es todo lo que la banda necesita para dar un show donde la energía se desborda. Sus fieles seguidores coreaban y le festejaban todo a la vocalista.

La banda estelar se hacía del rogar. Al primer guitarrazo, se hacían molinos de personas que se aventaban unas sobre otras, demasiada energía acumulada por mucho tiempo.

Todas y cada una de las canciones las coreaba el público. Algo que opacaría a muchos frontman, pero Cedric no forma parte de esa estadística. Ni se notaría que cancelaron fechas por problemas con su voz, justo cuando el tour empezaba.

Era una banda entregada a su público. Las primeras tres cuartas partes del show, lo único que dijeron al público fue un “Viva México Cabrones”.

Un show corto pero lleno de frenesí. Como prácticamente todas las veces que tocan en este país en alguna de sus variaciones Omar y Cedric dieron un show que se recordará.

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¡BRAVO!, POR EL FESTIVAL BRAVO

REVOLUTION FEST, 033

UNA REVOLUCIÓN QUE NO QUEREMOS QUE ACABE

POR STEPHANIA CARMONA / FOTO MARÍA JOSÉ SÑANCHEZ El Revolution Fest dio inicio de la mano de Los Delicados, Alan Munro y Chingadazo de Kung Fu, quienes concentraron a pocas personas en el escenario, pues muchos asistentes aún no accedían al Hípico Alamitos en Guadalajara. Fue hasta Camilo Séptimo donde la gente comenzó a reunirse. A estos le siguieron Azul Violeta y el reggae de Gondwana, que comenzaron a animar a la gente que disfrutaba de una cerveza fría para poder lidiar con los 35 grados Celsius del día.

Oh Wonder debutaron en tierras tapatías y constantemente agradecían a sus fans el haber asistido, todo eso con un español poco fluido. Del otro lado, La Maldita Vecindad armaba el slam entre el público. El único que gozó de un escenario completamente lleno fue Babo de Cartel de Santa, quien a pesar de estar sosteniéndose en sus muletas, logró que la gente no dejara de cantar sus éxitos mientras elevaban las manos en el aire. Galantis también prendió la noche en la que, para ese entonces, la temperatura comenzaba a descender.

Die Antwoord, uno de los headliners, fueron los que llevaron el festival a su punto más alto. Aunque el festival contó con cinco escenarios, fueron el Jalisco Stage y el Corona los más concurridos, este último fue cerrado por Zoé, quienes hicieron un breve repaso por todos los discos de su carrera, la cual ya acumula veinte años y con la que tienen una gira.

DE SUDÁFRICA CON AMOR: DIE ANTWOORD EN LA CDMX

TEXTO Y FOTO DIEGO VIGUERAS Han pasado 5 años desde la primera vez que Die Antwoord pisó por primera vez México y desde entonces, la relación de la banda sudafricana con el país ha crecido. Por fortuna, pudimos ver una vez más a Ninja y Yolandi Visser ante un Pepsi Center WTC totalmente lleno.

El concierto empezó con “We Have Candy”, “Fatty Boom Boom” y “Girl I Want 2 Eat U”, así como sus temas nuevos “House of Zef” y “Love Drug”.

Con varios cambios de vestuario, dos bailarinas, bailes sensuales por parte de Yolandi y la interacción de Ninja con el respetable; fue todo lo necesario para conquistar al público mexicano.

La elección del setlist fue buena, interpretando algunos de sus hits como “Ugly Boy” y “Cookie Thumper!”. Llegó “Baby’s On Fire”, seguida de “I Fink U Freeky” y el set principal terminaría con “Never Le Nkemise”.

“Enter The Ninja” marcaría el final del show donde el vocalista enseñó las nalgas al público antes de retirarse. Una despedida fuera de lo común. Concierto corto, pero por una hora Die Antwoord nos hicieron partícipes de su fiesta al estilo sudafricano donde todos bailamos y cantamos sin importar que fuera lunes.

DESDE TIERRAS DE VIKINGOS CONOCE A FANATU

SATELLITE STORIES, BANDA EN DESPEGUE por Stephania Carmona

por Benjamín Díaz

por Marvely Garnica

Me llamo Sebastián es un proyecto de un joven chileno.

Hasta el momento cuenta con cuatro discos de estudio, en cada uno de ellos hay un poco de “Magia” al estilo de un cuento de hadas y fantasías. Tiene letras muy cotidianas, sobre un día en su vida, pero contado de una manera muy peculiar y ocurrente. Las melodías de sus canciones, parecen salidas de películas de princesas o de Disney. Sin embargo, este ocurrente cantante ha tenido colaboraciones con Mon Laferte y Torreblanca.Te aseguro, que si le das una oportunidad endulzará tu día y alguna de sus letras te sacará una sonrisa. ¡Ah! y si decides ver algunos de sus videos, seguro tendrás una experiencia extraña, pero chistosa.

NOVEDADES CARMINHA Y SU APUESTA POR EL ROCK por Arturo Rojas

Originarios de Santiago de Compostela (Galicia, España) Novedades Carminha es un trío con influencias rock y garage punk de los años setentas, mismas que los trajeron al Vive Latino de este año.

Cuentan con siete discos de estudio y a lo largo de estos, han experimentado con diferentes mezclas de sonidos. En Campeones del Mundo (su más reciente producción) apostaron por un sonido más cargado al rock and roll bailable y los sonidos latinoamericanos.

Entre sus canciones se puede identificar piezas llenas de letras graciosas, acompañadas con riffs y estribillos mordaces, sencillos y sobre todo muy pegadizos.

Olli-Pekka Ervasti (batería), Jyri Pesonen (Bajo), Marko Heikkinen (Guitarra) y Esa Mankinen (Voz-Guitarra) son los encargados de darle vida a las canciones de Satellite Stories. Provenientes de Finlandia, este cuarteto ha logrado ser catalogado como una de las bandas prometedoras en su país desde el 2008.

Su sonido explosivo y refrescante los ha llevado a ser comparados con agrupaciones como Two Door Cinema Club.

Este 2017 estrenaron Young Detectives, su cuarto álbum de estudio, luego de dos años del lanzamiento de Vagabonds. Si aún no los conoces es el momento perfecto para no despegar la lupa de esta agrupación que seguramente sonará en todos lados más adelante.

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ME LLAMO SEBASTIÁN, LA OCURRENCIA EN LA MÚSICA

Fanatu es una banda de postpunk originaria de Reykjavik, Islandia que llegó para demostrar que lo hecho a lo lejos suena bastante trascendental. Con tan sólo dos LP, esta banda viene con todo para poseer tu cerebro y llevarlo a través de una especie de viaje emocional para surgir bajo los gruñidos de su bajo perfil.

Con tan sólo Few More Days To Go y Sports (producido por Nick Zinner de los Yeah Yeah Yeah’s) juegan como piezas de ajedrez que llegan a atemorizarte para que salgas de aquello convencional. Es una propuesta fresca a la que debes seguirle el hilo, ya que pueden llegar a convertirse en tu banda favorita

En Su EP Hay Cinco Canciones Con “Onda Diferente” por Dora Méndez / foto cortesía

CAUTÍVATE CON EL POST PUNK DE En esta edición de Puerta de Entrada te traemos a Empty Kingdom, una propuesta originaria de la Ciudad de México.

Conformados por Alejandro García (Voz y bajo), Adrián Pastrana (Guitarra), Pablo Ortiz (Guitarra) y Germán González (Batería).

Los capitalinos cuentan con un EP titulado Hiraeth, el cual fue lanzado a finales del 2016. En entrevista con Revista Kuadro nos compartieron un poco más sobre este proyecto, así como el proceso de este material discográfico.

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Empty Kingdom se formó en el 2016 y meses después ya tenían conformado su primer material que fue grabado en Freeland Records.

“Fue un proceso medio largo, ya teníamos las maquetas de las canciones”.

El sonido de la banda salió de una forma fluida, ya que ellos tenían clara una idea de lo que querían lograr en conjunto.

“Nos tardamos siete meses en todo el proceso y ya después en diciembre del año pasado, lo subimos a todas las plataformas”.

El nombre de la banda surgió gracias a una lluvia de ideas, de forma muy natural.

“La verdad fue medio raro […] estábamos buscando en internet, diciendo nombres y palabras al azar[…] y al final nos quedamos con Empty Kingdom”.

Acerca de los tracks de este EP, nos dijeron lo siguiente:

Son cinco las canciones que confirman Hiraet: “Prelude”, “First Idea”, “Reject”, “Red Goddes” y “Grey Border”.

En cuanto al arte de este EP, estuvo a cargo de la diseñadora Paulina Pimentel. En conjunto con las canciones, la presencia de la figura femenina está muy marcada.

“Todas las canciones hablan de un mujer, pero no una en específico… partimos de esa idea, en torno a que fueron escritas las letras, esa fue la idea”.

Entre sus próximos planes están poder promocionar este primer EP en diferentes parte de la República Mexicana e incluso del mundo, cada lugar donde se pueda tocar es perfecto.

“Todas tienen lo suyo, todas las disfrutamos de diferente manera y es algo muy cabrón, son cinco rolas, pero no son iguales, cada una trae onda”, nos comentaron.

“Nos vemos tocando mucho y componiendo más canciones y estar tocando en festivales, en lo que sea, desde un Vive Latino, en Estados Unidos, Europa, queremos tocar en todos lado, todo el tiempo”, afirmaron.

-ENTRE SUS PRÓXIMOS PLANES ESTÁN PODER PROMOCIONAR ESTE PRIMER EP EN DIFERENTES PARTE DE MÉXICO E INCLUSO DEL MUNDO-

Si lo tuyo es el post punk, te aseguramos que Empty Kingdom, te dejará cautivado con su gran estilo. La música de esta banda está disponible en Spotify para que vayas corriendo a buscarlos. No les pierdas la pista, porque ten por seguro que darán mucho de qué hablar en un futuro.

The Idiot Uno de los mayores legados que nos dejó David Bowie fue Iggy Pop. Aunque ya era un artista reconocido por su propio mérito por todo el poder crudo que generó con The Stooges. Simplemente por eso, ya tiene un lugar especial en el panteón del rock.

Pero Bowie le ayudó a llegar más allá, a enfocar toda esa rabia y poder, en técnica con potencia. Logrando que su sonido diera un giro radical. The Idiot la placa debut de solista de pop es el claro ejemplo.

Siendo también pieza esencial para todos esos que se presentaban como esa oleada de new wave de finales de los 70, por eso Blondie, Boy George and The Cars se encuentran entre los que han covereado piezas de este disco.

Incluso NIN y su quintaesencial “Closer” tiene un un sampleo modificado de “Nightclubing”, además de que Reznor también la ha covereado con Peter Murphy. Ambos más alejados del género original de la canción.

Esos detalles son los que marcan el legado de un disco, cuando el espectro de artistas que lo respetan y usan como influencia es tan variado, te hace dar cuenta del valor. Más cuando está cumpliendo 40 años, marcando el debut de una carrera solista que sigue evolucionando.

Todo el camino marcado desde “China Girl” hasta “Gardenia” para alguien que se ha seguido reinventando y sigue siendo un icono. Que los altibajos son como discos como éste, porque fue un riesgo enorme pasar del poster boy del proto punk, a realizar un disco de Art Rock, algo que sonará más a Krautrock.

Esta fue la primer piedra de su legado, porque The Stooges merece su lugar aparte, esos tres discos con más potencia cruda que ninguna otra banda en fila. A veces criticado porque la mitad del crédito de composición es de Bowie... como si eso fuera un punto negativo para quien sea.

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Hasta parece que es una versión beta de la era de Berlín con este disco.

Clásicos instantáneos que hasta el mismo Bowie puso en sus discos, también es parte del OST de Trainspotting —aunque canibalizado por él mismo con “Lust for Life”— con “Nightclubing”.

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Del BaĂşl De Mis Recuerdos; Laura Romero

AT THE DRIVE-IN Y LAS GANAS DE ENFOCARSE

LOS CAMBIOS DE CAFÉ TACVBA EN JEI BEIBI

por Rodrigo Guerrero

por Carlos Valle Sitja

por Juan Carlos “Gardera” García

Paren todo y échenle una oreja al nuevo disco de Incubus, ¡sí! La alineación regreso con su nuevo material que lleva por nombre 8. Este álbum contiene 11 temas para el deleite de todos los fans que esperábamos música nueva.

At the Drive-In es una banda que siempre provoca algo cuando su nombre es mencionado.

“Han cambiado”, “ya no suenan como cuando sacaron el Re”. Oh, amigo lector, permíteme hacerte una pregunta: ¿tú eres el mismo que hace 20 años? ¿Diez? ¿Cinco? Bien. Jei Beibi es el octavo álbum de estudio de Café Tacvba, nuevamente producido por el galardonado Gustavo Santaolalla, su productor de cabecera.

El disco fue producido por Dave Sardy, cuenta con colaboraciones de Skrillex, y Chino Moreno, vocalista de la alineación Deftones.

El disco tiene un inicio poderoso con dos temas (“No Fun” y “Nimble Bastard”) que te harán recordar aquellos buenos tiempos del álbum Make Yourself; seguido a esto, el sonido del material es más pasivo y experimental con tintes de mezclas de trabajos anteriores.

Si eres muy fan del grupo seguro te gustarán temas como: “State of the Art”, “Loneliest”, “Familiar Faces”, pues cuentan con ese sonido peculiar que ha adoptado la banda.

Esta es la banda de Cedric y de Jim Ward.

Omar se unió a ellos y esta es la razón por la cual esta banda tiene su propia personalidad, sus propios logros. Por eso, 17 años después de que la banda rompió, nos dieron gira para presentar In•ter a•li•a, mucho ha cambiado desde entonces. Se nota en la energía, no es que carezcan de ella, se escucha más enfocada.

Cedric en la voz y en las letras, filoso.

Omar Rodríguez-López en la guitarra —y producción— Keeley Davis en la otra guitarra, Paul Hinojos en el bajo y Tony Hajjar en la batería. Todos con más experiencia, pero no es como una colaboración de viejos amigos: se notan las ganas de volver a tocar juntos, de querer hacer música porque quieren y no porque necesitan.

Jei Beibi contiene trece temas que nos ofrecen un cóctel auditivo. Nos lleva emocionalmente de un lado a otro en cada track por su música y sus letras. En la primera canción se hace mención a los 43 estudiantes de Ayotzinapa y del mismo track se toma el título del álbum. Sólo un par de pistas son difíciles de digerir por sus matices de pop electrónico.

Recomendable en su totalidad pero no esperes algo sorprendente. Las favoritas: “Vaivén”, “Diente de León” y “Futuro” además de la ya acostumbrada melodía cantada por Meme, “El Mundo en Que Nací”.

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8 DE INCUBUS; 11 TEMAS QUE DELEITAN

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HUMANZ DE GORILLAZ TE HARÁ VIBRAR por Gerardo Carrillo Después de siete años de haber lanzado The Fall, aunado a fuertes rumores sobre la separación del proyecto creado por Damon Albarn y Jamie Hewlett, Gorillaz regresa con Humanz.

El cuarteto animado reclutó para este álbum a grandes personalidades del género, así como del brit rock como Kali Uchis, Kelela, De La Soul, Jehnny Beth de Savages e incluso al ícono Grace Jones, entre otros, mostrando una cuidadosa curaduría.

Después de abrir con un “I Switch My Robot Off”, Humanz nos recibe con una pegajosa “Ascension” con Vince Staples a cargo de las rimas, seguido de un sonido más fresco y tempo más ligero con “Strobelite” y “Saturnz Barz”, respectivamente, pasando por varios interludios y una extensa lista de temas (26 en su versión deluxe), que aunque cuenta con un puñado de temas para recordar, no tiene una esencia que lo unifique; bien podría tratarse de una compilación curada por Albarn.

PSICODELIA Y ROMANCE, LO NUEVO DE KASABIAN por Kenya Giovanini Seis semanas bastaron para que Sergio Pizzorno y sus cómplices crearán For Crying Out Loud, sexto disco de Kasabian lleno de psicodelia, con un toque romántico y mucha influencia de décadas pasadas para hacerte bailar por más de 40 minutos.

El diseño de la portada quedó a cargo de Aitor Throup, quien usó el busto desnudo de Rick Graham y es el primer material de la banda con la etiqueta ‘Parental Advisory’.

Este álbum abre con “Ill Ray (The King)”, un sencillo que desde los primeros segundos provocará una fiesta en tus oídos y le abrirá paso a su hit “I’m in love with a psycho”, un tema más tranquilo pero con tono demasiado pegadizo. Una de las favoritas es “Put Your Life on it”, te invita a viajar hasta los 60 solo para estrellarte con “TwentyFourSeven”, otra rola llena de energía y fuerza.

INNOVACIÓN DEL ALT- J por Martín Vargas Tal parece que las pretensiones del alt-J, trío inglés, nunca han sido mantenerse en una línea: el sonido de ésta, su tercera producción discográfica, tiene pocas semejanzas con An Awesome Wave (2012, y de los mejores álbumes debut que he escuchado) y This Is All Yours (2014).

Relaxer tiene de todo: piezas fuertes y extrañas como “Hit Me Like That Snare” o “In Cold Blood”. Estas dos piezas son lo menos relajante que tiene el álbum.

El inicio es un poco ambiguo, y a decir verdad es la canción menos lograda de todas, también hay silencios al principio de las canciones muy prolongados; a veces confunde, tal como en “House of the Rising Sun” o “Last Year”, tema con voces extrañas que se van perdiendo.

Pero los mejores temas son “Deadcrush” y “Adeline”; propuestas en la antípoda, quizá es por eso que resulta curioso (y hasta irónico) que estén juntos en la lista. La canción que cierra este viaje, “Pleader”, es un deleite auditivo de principio a fin.