Revista Kuadro No. 25

PORTUGAL. THE MAN FOTOS POR JAVIER SOTO

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Vaya que los últimos meses de este año se han tornado un poco complicados.

Lluvias intensas, terribles sismos que desmoronaron nuestra entrañable ciudad, pero quedando intacta nuestra esperanza de seguir adelante. Todo lo vivido durante este tiempo, sin duda, nos ha dado una gran lección y nos ha hecho poner los pies sobre la tierra, así como valorar todo lo que tenemos y todo lo que nos rodea.

Aunque resulte un poco complicado darle vuelta a la hoja, a veces es más que necesario para poder continuar y es aquí, en donde Revista Kuadro quiere poner su granito para despejar la mente y captar su atención con una de las mejores medicinas del mundo: la música.

Después de estos meses apocalípticos, llega nuestro #25 a sus manos y monitores. Como cada número sobra decir lo gratificante que significa para todos los que conformamos este proyecto, ver una edición más materializada.

Para este número nos echamos un clavado a una parte importante de la industria musical: las disqueras y todo lo que implica hablar de ellas. Mientras unos dicen que el formato que ofertan ya es obsoleto y que las plataformas de streaming les han comido el mandado, también nos encontraremos otras opiniones que los defienden a morir y que piensan que “son un mal necesario”. Un tema controversial, pero para tener un panorama más amplio, los invitamos a checar en nuestras páginas los temas que hemos desarrollado en nuestro issue: “The Making Of”.

Para este #25 tenemos en portada a los chicos de Portugal. The Man, con quien tuvimos una charla imperdible para todos ustedes. También encontrarán entrevistas con Titán, los plastilinos, Niña y más. Sumado a todas las secciones, reseñas y galerías que edición tras edición acompañan y visten nuestra amada revista.

Disfruten esta edición, que es un trabajo hecho con mucho esmero y amor para todos ustedes queridos lectores y seguidores. Recuerden visitar nuestro sitio web para seguirle la pista de cerca al mundo de la música, así como a nuestras redes sociales donde siempre encontrarán boletos, información y algo ideal para ustedes.

Gracias a todos quienes nos inyectan confianza a seguir adelante con este proyecto que sigue creciendo día a día. Como siempre digo y comparto, mérito a todos nuestros colaboradores, partners, amigos y familia que son parte fundamental de Revista Kuadro. ¡Bienvenidos a nuestro #25!

Javier Jarquín

REDACCIÓN

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FOTOGRAFÍA JAVIER SOTO QUIQUE ÁVILA BRENDA ARRIAGA ERICK SALDIVAR MAJO SÁNCHEZ EMILIO SANDOVAL STEPHANIA CARMONA RICARDO RUELAS LUIS DAVID ZAVALA RODRIGO GUERRERO

DISEÑO CUEMANCHE! SUCK MY PONIS THE JAVIS CEFFECT

La Primera Línea De La Banda Era Realizar Un Disco Totalmente “Fresa”. texto Erik Duarte / fotos cortesía

Platicamos con Emilio Acevedo, quien nos adelantó un poco sobre qué es lo que se le viene a la banda en los próximos meses.

Revista Kuadro: Al momento de empezar a crear Dama ¿ya tenían considerado que el disco iba ser un tanto oscuro?

Emilio: No, lo que nosotros queríamos hacer era un disco más fresa, es más creímos que lo habíamos logrado; sin embargo, cuando la gente lo empezó a escuchar recibimos esos comentarios, que para la mayoría el disco era un tanto oscuro.

RK: Su regreso fue muy especial, ya que así como llegaron presentaron disco e hicieron un lleno total en El Plaza Condesa, ¿esperaban que la respuesta del público fuera así de buena?

Emilio: Nosotros trabajamos mucho en este nuevo disco y al terminarlo lo que más queríamos era presentarlo ante todos. Cuando fue el concierto en El Plaza creo que tardamos mucho en reaccionar en lo que estaba pasando, estábamos muy clavados en tocar y que saliera todo de la mejor forma y al parecer lo logramos.

RK: Entre esta oscuridad que nos trae Dama está el track “Dark Rain” del cual ya hicieron video junto a Gary Numan.

Si querían un disco fresa, ¿entonces por qué se tornó más oscuro con la participación de él?

Emilio: Somos admiradores de Gary y de su synth pop y no lo vimos por la parte oscura, sino creímos que el pop sintetizado de él le caía bien a “Dark Rain”. Ya que el video haya salido oscuro ya es otra historia, él se involucró mucho con nosotros, nos gustó las ideas que daba y así fue como se dio.

TITAN es un trío que deja lapsos muy largos sin tocar ¿esto se seguirá dando o ya podremos verlos más seguido?

-EL TRÍO EMPEZARÁ A CREAR NUEVAS CANCIONES Y PODER SACAR UN DISCO EN UN POCO TIEMPO-

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TITAN es una banda que desde sus inicios fue considerada con un sonido adelantado a su época. Luego de un tiempo de inactividad, el año pasado volvieron con un nuevo disco titulado Dama, mismo que ha dado mucho de qué hablar por la calidad que muestra.

RK: Los tres son unos personajes muy ocupados dentro del rock mexicano con distintos proyectos, ¿crees que las cosas que viven aparte es lo que los complementa al momento de crear cosas dentro de TITAN? Emilio: Sin dudarlo las diferencias que tenemos son muchas, pero eso nos complementa bastante al momento de componer. Antes hacíamos tipo bohemias electrónicas e íbamos viendo qué salía. Ahora ya colaboramos el uno con el otro y creo que es mucho mejor esta versión de TITAN.

RK: ¿Recuerdas que en sus inicios les decían que estaban adelantados a su época? ¿Crees que ahora sí están en el momento exacto?

Emilio: Lo recuerdo perfectamente; el que no creyeran en lo que hacíamos en nuestros inicios nos hizo que nos fuéramos algunos años de México a tocar en Europa. En parte fue bueno, pero por otro lado era feo que en tu país no te entendieran. Nunca he creído que estábamos adelantados, lo que hacíamos nosotros ya lo hacían otras agrupaciones en otros países sólo que aquí no lo escuchaban. Y sobre el ahora; por igual no creo en los tiempos exactos. Nosotros no hemos dejado de hacer música hay veces que algo gusta más otras menos, pero no creo que exista un tiempo exacto.

RK: Cuentan con tres discos y el penúltimo salió hace once años, sin embargo, ya son considerados como una banda representativa dentro de la música electrónica y el rock garage ¿Ustedes se consideran así?

TITÁN: No, todo lo que es TITÁN es un enigma, al principio no nos entendían, ahora dicen que somos representativos. Nosotros sólo queremos seguir tocando esperando que no se nos acabe esta complicidad que tenemos Jay de la Cueva, Julián Lede y yo.

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Emilio: La ideas es ya tocar un poco más y, hacer otras presentaciones con esta nueva producción, de igual forma, empezaremos a crear más canciones y poder sacar otro disco en un tiempo corto, andamos como inspirados.

La Misión: Que La Gente Comprenda Que Cada Disco Es Algo Único En Todos Los Sentidos por Giovanna Angulo / fotos cortesía

“Rebelde. Así defino mi música en una palabra. El proceso para que HiperAsia sonara a hip hop sin dejar de lado lo que me caracteriza fue largo y complicado. Tienes altibajos y cosas buenas, pero se trata de encontrar el punto técnico y hacerlo

fluido, lo disfruto mucho”. El Guincho no lleva una línea específica de cómo grabar, constantemente se encuentra escribiendo, grabando, rompiendo y empezando desde cero.

En 2008 con su disco Alegranza, El Guincho ya estaba en boca de todos.

Fue así que en 2010 con la salida de Pop Negro se consolidaba como uno de los productores del momento. A lo largo del tiempo ha pisado ya grandes festivales. “Tuve suerte en mi inicio dentro de la escena musical”, refirió.

“Para mí, cada proyecto es individual, en HiperAsia tenía todo el sentido hacerlo en ese formato de pulsera, explicaba muy bien la música de sonidos electrónicos y el hip hop.

Entonces empataba con lo visual, seguro haré algo diferente, algo que no sea un CD o una pulsera como HiperAsia. Cuando tenga un poco más de cuerpo del álbum entraré al área

visual, ahora pienso más en lo visual, pero más en la parte de videos”. Él es un artista que definitivamente siempre buscará la manera de poner algo nuevo a cada disco pero sin perder el sentido real de quién. Su pretensión es llevar la música a otro nivel, que se hable de ella, no sólo musicalmente, sino abarcar todo el formato y la gente con la que decide trabajar en colaboraciones.

El músico y productor español quiere que la gente comprenda que cada disco es algo único en todos los

-PARA EL ESPAÑOL TRABAJAR CERCA DE BJÖRK FUE UNA EXPERIENCIA MUY DULCE-

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Hoy en día la escena musical es más competitiva que años atrás. Los ritmos se repiten, las letras se parecen y en realidad es un reto para cualquier músico innovar y, a la par, seguir teniendo su sello característico en cada álbum pero con nuevas propuesta.

Pablo Díaz-Reixa, mejor conocido como El Guincho, es uno de esos músicos que están en constante transformación, nuevos ritmos y las maneras en las que lanza a la luz sus materiales discográficos. Él es un tipo muy guay y así fue la plática que tuvimos, unos minutos bastaron para saber todo lo que ha pasado con HiperAsia y los proyectos que tiene en puerta.

Para El Guincho, innovar y perder fans es bueno, saludable, ya que no concibe que se mantenga siempre una firme relación, porque en algún momento terminas cediendo a lo que la gente espera o quiere de ti.

El español tuvo suerte de firmar al inicio de su carrera con una disquera inglesa. Su trayectoria se desarrolló en su natal país y aunque dicho sello cuenta con grandes “gigantes” de la música (aunque distinto género musical) como Alejandro Sánz, Miguel Bosé; Pablo Díaz-Reixa se destacó por tener un sonido distinto. Ese estilo lo ha colocado en los favoritos dentro y fuera de España.

El Guincho planea visitar México a finales de este año, “seguramente tocaremos material nuevo aunque no esté publicado y por ahí podrán ver cuál es mi plan, pero seguro será del agrado del público que me sigue”.

DE BJÖRK Y OTRAS COLABORACIONES Sin duda, de todas las colaboraciones que tiene, Björk resalta en su currículo.

Tuvo la oportunidad de ser parte de Biophilia: “Me inspiró su manera de trabajar, me marcó mucho conocerla y a su equipo de trabajo. Ver el control que tiene a la hora de trabajar no sólo en la parte musical, sino en la parte visual, el formato, el cómo se presenta.

Me abrió la mente, a tener paciencia con los proyectos que cada uno tiene su trayecto, su ritmo, sacarle jugo y mirarlos de fuera, sacarlos pa’lante y tener fe”.

Dentro de sus otras colaboraciones, aparece El Tangana, músico español que entre sus ritmos aparece el hip hop, el trap y con el cual ya ha trabajado. En Mala Mujer estuvo implicado dentro de y en la mezcla.

“Claro que seguiré trabajando con él y para fin de año y próximo año vienen muchas sorpresas que ahora no puedo contar” aclaró.

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sentidos y que si van a pagar por su música, tengan acceso a más cosas.

Su propuesta musical ha sido del gusto de muchos y también del disgusto de otros tantos.

Plasman Armonía, Honestidad Y Dinamismo En Cada Álbum

texto y fotos por Brenda Arriaga

“Armonía, honestidad y dinamismo” Tres simples palabras que pueden describir lo que Joseph trata de transmitir en cada álbum y cada concierto. Hace unos años, Natalie (guitarra y voz) hacía música por su cuenta pero, gracias a un muy honesto amigo, se dio cuenta que no la satisfacía en lo más mínimo; descolgó el teléfono, llamó a sus hermanas para que acudieran en su ayuda. Lo demás es historia.

“Tuve una corazonada: de que cantar con ellas iba a sentirse súper bien.

Cuando lo hicimos por primera vez, así fue”, cuenta Natalie. “A veces los hermanos pueden tener roces pero es muy bonito cuando realmente nos llevamos bien, ese frente unido que creamos cuando subimos al escenario es muy poderoso” asegura.

“Yo ni siquiera podría decir que tenemos un “estilo”, cada una ponemos diversos conceptos e ideas en la mesa y acordamos cosas que a todas nos gustan, todo se crea a partir de ahí”, cuenta Natalie.

Dichas ideas han dado frutos y son los 11 tracks presentes en su último disco llamado I’m Alone, No You’re Not que nos dice, en palabras de Natalie y del mismo título, que no somos los únicos que tenemos ciertos sentimientos – tanto buenos como malos–.

“Sin ser cursis, queremos dar esperanza a la gente”, asegura Meegan.

Canciones como “SOS (Overboard)” y “Honest”, presentes en este álbum, nos transportan a parajes lejanos y tranquilos, fácilmente encontrados en alguna de nuestras películas favoritas, si ellas pudieran escoger de qué película ser el soundtrack, concuerdan en que sería algún tipo lo que las disqueras esperan o tienen contemplado.

“Cuando vivía en Los Ángeles y necesitaba tiempo para pensar, manejaba a la playa y pasaba por este momento cuando llegabas y veías el

-“SIN SER CURSIS, QUEREMOS DAR ESPERANZA A LA GENTE”.-

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En una época donde todos son beats e instrumentos que ni sabíamos que existían, cual bella excepción sobresalen Meegan, Natalie y Allie, tres hermanas de Portland, Oregon, que conforman Joseph. Esta es una agrupación con una perfecta armonía de voces y mayormente acompañadas de una guitarra; actualmente se están comiendo a otros actos en festivales alrededor del mundo.

Gracias a su estancia en la capital de california, Natalie tiene mucha idea del negocio musical, y menciona que le parece interesante la manera en la que se maneja estos días; para ella lo que dicta la escena es lo que la gente quiere y pide a gritos. Estos gritos pueden no ser siempre que a ellas no les ha pasado, nos contaron que muchos de sus amigos sí pasaron malos tragos con este tema: “Nuestro equipo es maravilloso, siempre nos cuidan mucho pero nos siguen dejando ser las mentes creativas detrás de todo lo que hacemos. Pero eso no siempre pasa, hablando con amigos que han tenido varias experiencias con otras disqueras, el entusiasmo y la energía,

pero algo pasa; una canción no pega tanto. De pronto su equipo no tiene la pasión para seguir retándolos y se quedan ‘atorados’ en ese contrato. Yo recomendaría las disqueras pequeñas e independientes porque de verdad se encargan de construir tu audiencia y estar contigo, antes que otra cosa”, Natalie.

Efectivamente, tienen mucha gente siguiéndoles la pista después de que su single “White Flag” fuera un No.1 en Billboard; seguramente parte de esta gente pronto las podrá ver en el Corona Capital de este año, evento que todo mundo espera ansiosamente.

Ahora, ¿qué esperan ellas de esta visita?

“¡La gente! Todo mundo dice que el público mexicano es muy apasionado y me emociona vivir eso” comenta Natalie.

“Yo estoy emocionada por explorar la ciudad, ir a la casa de Frida Kahlo y a los diferentes museos que nos han contado son maravillosos, apenas y he visto la ciudad y ya me encanta”, asegura Meegan.

Finalmente, solo nos queda esperar la visita de Joseph a nuestro país y ver qué tienen preparado para todos los mexicanos, pero estamos seguros que serán grandes sorpresas.

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mar, yo quisiera una escena así. Frente al atardecer y teniendo ese momento para pensar”, relata Natalie.

Evolución Con Un Sonido Invasor

por Carlos Edmundo/ fotos Erick Saldivar

RK: Ya que lo mencionan, y como pregunta ese gran filósofo llamado Chicoché, ¿dónde les agarró el temblor?

“Pues veníamos ahora a un combo de toquines. Al Rockfest, y al Carauda. No podíamos perder la oportunidad de tocar con la Maldita Vecindad”, aseguran entre risas.

RK: Entre sus amigos del gremio, ¿cómo se está viviendo todo esto?

Revista Kuadro: “Voto Colectivo por la Paz” decía el evento. ¿Incide realmente un toquín en eso que le decimos “la paz”?

“Pues es que está muy chingón. Las ideas, si las plantas, crecen. Algo que es por la paz está chingón porque aunque no funcione mínimo estás pensando en eso”.

“Estábamos en Monterrey, pero un chingo de nuestros amigos viven aquí.

Batallamos mucho para contactarlos, pero también entendíamos que no iban a reportarse con la banda que estamos por allá lejos y tampoco los queríamos estar chingando para que nos contaran”.

“Llevamos días hablando de esto. Todos estamos en shock. Llega el punto en que cuentas la misma historia varias veces porque no acabas de desahogarte del todo”.

RK: Y es que son una banda bastante dinámica. Han tocado con distintas alineaciones, ¿qué los ha hecho seguir tantos años?

“Precisamente lo que decías, que somos un círculo de amigos. En los 90

hacías una banda y algunos eran bien celosos pero nosotros nunca tuvimos eso. Entraba uno, salía, llegaba otro.

Era como una comuna, un colectivo y sigue siendo. Ninguna despedida ha sido violenta. Con nadie nos hemos peleado.

Bueno, yo con estos pendejos sí, pero es lo normal” (Risas).

RK: Dados todos esos cambios que mencionan, entonces, ¿cómo se definirían al día de hoy?

“Hemos evolucionado. Empezó medio indie, fue a alterno, pero tenemos unos 5 años que es más sólido el rocanrol, o sea, las raíces de lo que nos gustaba de morros pero yo creo que ahora sí aquí nos vamos a quedar, ya estamos viejos”.

(Risas).

-“ESTAMOS TERMINANDO UN DISCO NUEVO Y YA NO ES TIERNO”-

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Tocas el timbre y te abre Alejandro Isassi en persona. Sin reparo te da un abrazo; “Pásale compa”. En la sala están riendo y fumando Gino Marchetti y Enrique Camacho, quienes junto a Alan Robles, quienes son la alineación actual de Niña, esta banda de quizá no tan numerosos, pero vaya que fieles seguidores. Somos los primeros y no hay que esperar. No bien preguntarles cómo estaban y empiezan a contarnos…

“Le damos muchas vueltas y creemos que es por nuestra relación con los medios para promocionar. Es que es tanto el equipaje emocional con el que hacemos un disco y el arte, que cuando tenemos que ir a hablar de ello ya estamos exhaustos, y mejor sacamos el disco y que haga su jale sólo. Los que lo quieran oír lo van a oír”

“Se vuelve de culto porque lo quieres compartir. Si llegas a un concierto y ves poquitos pero que todos se saben las rolas, y ves por ahí al wey de la banda que te late, y puedes echar desmadre con él porque están oyendo lo mismo se pone más chingón”.

RK: Y eso que su rock es como más bonito, ¿no? Como tiernón…

“Ya nos está saliendo el diablo. Estamos terminando un disco nuevo y ya no es tierno. Es un giro. Digo, tampoco es metal, pero es más agresivo. Se llama INVASOR”

“Sí le intentamos; hicimos “Punk Robot”, y metimos todo lo que pudimos y jaló, pero no tanto como para hacer esos sacrificios, y vimos que de todos modos cuando no hacemos nada también jala, y a partir de ahí le hacemos al revés”

“La Niña se está haciendo señorita”.

RK: ¿Serían entonces como una banda para “true fans”? ¿Una banda para bandas?

“El sistema, la manera en cómo se organiza la sociedad aunque no les pregunten. Yo la hice pensando en el

RK: En un momento como este, se antoja gritar muchote: “Malditos cerdos fascistas” a este “Sistema Perfecto”. ¿Quiénes son esos?

sistema financiero, porque si tienes un problema no hay con quién hablar. Te ponen un gerente que está igual de jodido que tú y un problema de 1 se hace un problema de 2, porque ni este wey te lo arregla. ¿Cómo confiamos en algo que es tan endeble como la religión? Digo, tú crees que ahí está dios y tú crees que ahí está tu lana, pero no están. Y así nacimos, no nos dieron a escoger”.

RK: El “No sistema” hizo algunas cosas esta vez, ¿no?

“Exacto. El no sistema salió para hacer, para resolver lo que el sistema no pudo hacer”.

RK: Bueno, el sistema es perfecto…

“El sistema es perfecto, y métete el dedo en tu sistema”. (Risas). entrevista nacional

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RK: Esa evolución es muy evidente, y de hecho los ha consolidado en tanto tiempo, aunque aun así, creo que no tienen la convocatoria que merecen. ¿Por qué creen ser más de culto que masivos? ¿Es así como lo ven?

Dos Presentaciones En México Este Año Y Cocinando Nuevo Material por Javier Luna / fotos cortesía

Tuvimos la oportunidad de platicar con ellos y esto fue lo que nos contaron: “ ‘Fuck They’ es nuestro nuevo sencillo. Es una canción bastante divertida y bailable, siempre nos divierte escucharla. Estamos emocionados por tocarla en Monterrey. El video fue grabado en Toronto, fue como estar de fiesta tres días, fue un sueño grabar este video, Mac Boucher, director del clip nos llevó un ambiente relajado y te hacía sentir como si no fuera trabajo”.

Comentaron también que se sienten orgullosos de que “Fuck They” haya sido escuchada ya más de 3,000,000 de veces en streaming como Spotify, es algo que nunca se esperaron pero esas sorpresas de la música y respuesta del público es lo que hacen realmente sentir que lo que haces como músico vale la pena.

“Nos inspiramos en todo lo que vivimos en el momento para componer, siempre hacemos todo juntos y cualquier decisión que tomamos es un acuerdo entre los dos, y eso se plasma siempre en el estudio”, declaran.

Para Sofi Tukker, colaborar con algún artista siempre será de suma importancia, por ejemplo, ellos desean algún día poder colaborar con Die Antwoord, Grimes, Bomba Estereo; también les gusta mucho

la música de Natalia Lafourcade.

Han tenido la oportunidad de escuchar la música de la solista mexicana y les parece bastante interesante, y sobre el tema de México, tuvieron la oportunidad de presentarse en el Corona Capital el año pasado. En dicho evento dijeron que la euforia de los mexicanos es algo impresionante, nunca habían sentido una energía tan grande en el escenario. “Los mexicanos realmente saben cómo ser fans de algún artista”, resuelven.

-“LOS MEXICANOS REALMENTE SABEN CÓMO SER FANS DE ALGÚN ARTISTA”-

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Para esta nueva edición del Hellow Fest hubo grandes presentaciones: Kendrick Lamar, LCD Soundsystem, Weezer; pero una que destacó por lo innovadora y energética fue Sofi Tukker, un dúo originario de Nueva York.

“Tuvimos la fortuna de presentarnos en Lollapalooza y Outside Lands este año y el estar en un escenario grande o pequeño nunca ha sido de gran importancia para nosotros, damos todo en el escenario, sin importar la cantidad de personas que nos estén viendo. Incluso lo podrías notar en una de nuestras últimas presentaciones aquí en México:

SALA es un lugar pequeño pero que disfrutamos por la cercanía con los asistentes. En Hellow Fest fue increíble ver cuántas personas fueron a vernos, algunos nos conocían, otros no; pero al final dejamos todo en el escenario para que esa gente que no nos conoce, se conecten con nuestra música”.

Sofi Tukker tuvo dos grandes presentaciones en México este año, en SALA y en el festival Hellow Fest, para ellos fueron muy importantes ya que les gusta conectar mucho con sus seguidores de otros países.

presentarse en los mejores festivales del mundo, saben lo que se tiene que hacer sobre el escenario y en el estudio.

No le pierdan la pista a este dúo porque seguro en un futuro darán mucho más de qué hablar. Por ahora se están preparando para su próximo álbum, componiendo nuevas canciones durante la gira y al mismo tiempo presentándose en vivo.

Su música es una de las mejores recomendaciones que se podrían dar en la música. Son dignos de entrevista anglo

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“Siempre que vamos a un país nuevo para nosotros, nos gusta tener alguna expectativa sobre cómo será la reacción del público, y ahora que regresamos a México así fue. Sabíamos cómo serían nuestras presentaciones en SALA y en Hellow Fest, y por supuesto que no decepcionaron en lo absoluto.

Fue grandioso el sentir a la gente y conectarnos con ellos”.

Nuevo Disco Y Concierto Íntimo En CDMX Para 2018 por Carlos Valle/ fotos cortesía

RK | ¿Cuál fue la inspiración para el nuevo sencillo “MJLM”?

“No fue una idea muy específica, fueron dos nombres que por mucho tiempo predominaban el sonsonete comercial en la industria. Era jugar con ese concepto de cómo es pasajero y el caso es que una chavita nos preguntó quiénes eran, entonces te das cuenta que hasta ellos son mortales. Es la parte de lo asquerosamente jocosa de la canción: un sencillo tan comercial de algo tan comercial, hablando de dos personas tan comerciales”.

RK | ¿Cuántos chavitos no saben quién es Paul?

“Los chicos están en su mundo y eso ya no les importa, eso fue el mundo de otros chavitos. Esa nostalgia nos lleva a reconocer ese aparato promocional en el que estamos metidos, ya sea como consumidores o generadores, y esta es la canción más punk y comercial que pudimos haber hecho”.

RK | El Saber que los ídolos tienen fecha de caducidad “Exacto, aunque yo prefiero escuchar algo de Luis Miguel o de Michael Jackson que de lo que está ahorita, eso no sé qué nos dice, pero nunca pensé que los fuera a extrañar y ahora los extraño”.

RK | ¿Cómo han sentido la evolución desde “Mr P Mosh” hasta ahora?

“Sigo con la opinión de que no hay un crecimiento de madurez o de creatividad como artista en el proyecto.

La tecnología es parte importante de este proyecto pero no tanto como un parteaguas de lo que gestamos.

Seguimos haciendo la música de la misma manera, pero no creo que sea atemporal, aunque sí todo tiene esa misma esencia que se nos da”.

RK | Sus discos cada vez tardan más en salir, ¿eso les da cierta aura?

No creo que estemos consagrados, aunque no es la intención. El primer disco fue un éxito comercial por la época, nos empujó y nos puso en el psique de la gente. En el segundo

-“SOMOS DE MONTERREY, PERO LA PLASTILINA ES CHILANGA”-

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Plastilina Mosh es una de las bandas que nos trasladan inmediatamente a los 90, aquellos tiempos en los que sonaba por la radio y circulaba en televisión “Niño bomba” y cómo olvidar a “Mr. P Mosh”. Platicamos con Rosso, parte fundamental del dúo que nos enseñó que experimentar con géneros, slang y estética kitch puede darnos grandes joyas.

RK | ¿Qué opinas de la escena contemporánea en el rock?

“Lo que yo le digo a los músicos es que no conozco a nadie, yo no sé quién está tocando en tal lugar y cosas así. Si tú me dices cómo suena Franz Ferdinand u otros, yo no sé cómo suenan, me ponen la canción y no sé quién es. No es por ser cool, solo que nunca me ha gustado tanto el rock, entonces no lo escucho”.

RK | ¿Son una banda apolítica el ambiente contemporáneo?

“Para mí, usar nuestra música para dar mensajes no es el objetivo de la banda, nuestro mensaje debe ser la música.

Lo más importante es hacer lo que tú quieres manifestar y expresar. Creo que existen otros instrumentos de realidad para expresar manifestar y percibir, la música con temas políticos a mí me parece como cuando vas al cine y ves los trailers, que ya eres tan idiota que te pasan toda la película en 3 min y dices ya no me cuentes el final. No me siento con esa arrogancia de mandar un perfecto mensaje político y tampoco es la naturaleza de Jonás”.

RK | Hablando de Jonás y sus proyectos, ¿afectan a PM? “Al contrario, porque esas rolas a mí me dan hueva. A él le hace bien, y va mejorando según yo, lleva su carrera y si esto llega a terminar no importa, no pasa nada, no es un matrimonio”.

RK | ¿Alguna inquietud?

“Estamos grabando un disco nuevo que vamos a estar presentando en CDMX después de varios años de no hacerlo.

Lo que salía no nos gustaba y ahorita estamos en ese punto en que tenemos material para tocar y lo sacamos como salga. Hasta el sencillo fue el jengibre en el sushi para quitarnos sabores anteriores, para terminar el año aparte de los proyectos paralelos”.

RK | ¿Viene Vive Latino 18?

“Depende de ellos, nos invitaron en 2016 y fuimos después de varios años, aunque nos emociona más El Plaza, pues es más íntimo con disco nuevo y en la ciudad que nos vio nacer, porque en Monterrey nadie nos pelaba y siempre hemos dicho que somos de Monterrey pero la Plastilina es chilanga y por eso vamos para allá y ya veremos que trae el 2018”. entrevista nacional

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quisimos evitar eso, por eso hicimos un disco más raro para que no se pareciera.

Si hay algo constante en este proyecto, es que nunca estamos de moda pero siempre estamos de moda, creo que es parte de la esencia de nosotros, es un proyecto donde nunca ha existido un interés más que expresar algo creativo y si pasan 5 años y no hay divertido pues se acabó y ya”.

por Carlo s Valle / f otos Javie r Soto

La Banda Estadounidense Siente Como Deber Hablar De La Situación Ac

J

usto antes de verlos en acción durante la presentación que ofrecieron en El Plaza Condesa, como parte de su gira internacional “Woodstock”, tuvimos la oportunidad de charlar con Portugal. The Man; específicamente con Eric Howk, encargado de las guitarras en dicha agrupación; además compartimos palabras y algún otro aporte de Jason quien iba, venía y paseaba mientras se realizaba la entrevista.

Revista Kuadro: Este nuevo disco, ¿cómo se diferencia de los otros siete?

RK: Tienen muchos créditos para un álbum de rock.

E: Tenemos demasiados productores, tal es el caso de Asa Taccone que produjo el sencillo “Feel it Still” y trae una energía única. Danger Mouse es simplemente cool; quizá el tipo más cool que conocemos.

Es muy ecléctico y siempre traen algo de ellos, dejan y le dan un toque especial a cada colaboración.

RK: Hacen mucha música en comparación de otras bandas.

Jason: Pasa muy rápido y siempre estamos cambiando el sonido de la banda a propósito. En ocasiones las bandas sólo tienen un álbum y renuncian; no sienten que sean para ellos y lo dejan. Nosotros no. Para nosotros es algo que siempre disfrutamos. También el problema es de enfrentarse al hip hop con solo una guitarra acústica y un juego de batería.

E: Muchas cosas chingonas tiene este trabajo, como viajar por el mundo, beber mientras se labora; pero no es muy fácil, y puedes pelearte con la banda. Por eso muchas bandas no tienen la oportunidad de diversificarse y no tienen éxito. Un ejemplo: la diferencia con el punk y algo más como el math rock es algo que muchas bandas no se dan la oportunidad de experimentar; porque intentan solo cuatro años y se acabó.

E: El rock es aburrido, muy seguro y predecible.

Las disqueras no quieren tomar riesgos. Los que tienen los trajes no quieren tomar nuevos horizontes, quieren hacer lo que funciona y dicen tenemos esas dos guitarras, bajo, batería y el que se ve bien y todo es sobre chicas o lo que sea. El hip hop es el nuevo punk: habla de lo que está pasando, de lo que está jodido, empezando desde lo que está pasando a tu alrededor. Desde Grandmaster Flash la escena ya tenía un mensaje que sigue hasta ahora.

RK: Además de que son los nuevos rockstars.

E: Por supuesto, toda la moda que han impuesto, todo lo trascendental que se han vuelto y hasta otros clichés que han tomado; como tener lentes oscuros de noche como símbolo de status. Es algo como Kanye (West, obvio). Lo amo. Es alguien a quien no puedes serle indiferente, tanto para bien o para mal, por todo lo que genera a su alrededor.

RK: ¿Qué bandas escuchan?

J:Hay muchas bandas que lo hacen muy bien como Cage the Elephant, pero también escuchamos rock más clásico y algunas bandas de la escena local. Proyectos sin sin mucho renombre. Realmente no tenemos alguna banda que llene arenas y que nos emocione.

E: Hay bandas que trabajan en Seattle o Portland que lo hacen muy bien. Ellos hacen todo lo que debe hacer, sólo que no han logrado estar en el ojo del público como otras proyectos.

RK: Es curioso que su disco se llame Woodstock, por todo el peso histórico del nombre y ese debate que se acrecenta de que los tiempos pasados eran mejores.

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Eric: Es un álbum que tiene muchos géneros, muchas cosas y va a muchos lugares. Cuando vas a un festival lo mejor es la diversidad que hay entre cada acto. En el Woodstock original tenías a Santana, Creedence Clearwater Revival, y no suenan igual; porque piensas en hippies, flores y ellos no suenan a eso. La diversidad también pasa en un festival moderno que tiene a Diplo, Major Lazer y luego el rock. Está todo junto y nuestro disco tiene esa influencia de los 90: hip hop, soul y ese estilo de motown.

RK: ¿El hip hop ya sobrepasó el rock?

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ctual Del Mundo, Principalmente De La Política E: En el camino perdimos la visión respecto del rock & roll. Escuchas a CRC en tu carro y no piensas en las letras, pero el primer disco, “Fortunate Son”, era político como el demonio. Iba cortando las cabezas de los reyes y las reinas. En algunos caminos la narrativa se quedó que los músicos deberían quedarse con sus opiniones, sólo debe hacer música y eso lo volvió aburrido.

RK: ¿Sienten que deben hablar de política o dejarla de lado?

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E: Esta es mi perspectiva: hemos viajado a muchas culturas, hemos estado en 200 ciudades, en muchísimos países. Estuvimos, incluso, en Londres, cuando pasó en Manchester el atentado para el show que iba a ofrecer Ariana Grande. Estuvimos en Alemania y Austria cuando eligieron un nuevo canciller con todo ese movimiento de extrema derecha que se está dando en Europa. Mientras estábamos allá tuvimos una plática con otra revista y jugamos algo: teníamos que adivinar qué anuncios eran de extrema derecha. Es algo muy extraño que te habla de lo que está pasando en el mundo. Si voy a casa y no hablo de eso no tiene caso que viaje y obtenga todas esas experiencias. De eso sigo y voy a seguir hablando sino para qué lo hago.

RK: ¿Qué les ha parecido México? (En esta pregunta hago referencia a la chamarra que lleva la leyenda “Mexico is The Shit”).

E: Es algo increíble. Esta chamarra la vi cuando estábamos en Alemania y unos mexicanos la estaban vendiendo. Acto seguido, me explicaron que era para ayudar a todo lo que pasó en el sismo en septiembre. Después de saber eso, le dije: “dámela, no importa lo que cueste”. Además de que me impresiona esa pasión que tienen para los deportes, desde que llegamos en plena serie mundial hemos visto cómo todos están bien al pendiente. Están hablando de eso igual que con los partidos de la NFL. Puedo estar seguro de que Portugal. The Man no se mantendrá ajeno a la situación del mundo que habita, pues siempre se mantendrán en busca de un nuevo punto de vista. John Baldwin Gourley, Zachary Scott Carothers, Kyle O’Quin, Jason Sechrist y John Sechrist así lo harán.

Woodstock ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, así como Feel It Still, un EP que recoge las distintas versiones que proyectos como Gryffin, Lido, Coldabank o Flatbush Zombies han hecho de este sencillo perteneciente a su más reciente álbum.

Las Disqueras Nacionales Viven Del Recuerdo

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En México la industria discográfica no es muy distinta a la de otros lados del mundo. Por fortuna o por desgracia la cultura nacional no es autosuficiente y estamos constantemente influenciados por lo que crea y consume en Estados Unidos. Sin embargo, en un principio, los primeros sellos discográficos lograron consolidar a una escena musical original que se apoyaba principalmente en la industria cinematográfica para promocionar y consolidar su talento.

El cine sonoro tuvo su primer éxito con Santa (1931), bajo la producción de Juan de La Cruz Alarcón y la dirección de Antonio Moreno. El tema principal para este largometraje fue obra del gran pianista Agustín Lara. Casi al mismo tiempo, en 1930, otra gran industria tomó fuerza en México: XEW-AM comenzó sus transmisiones y con ello la manera en que los éxitos musicales se difundieron para llegar a cada vez más público.

Por otra parte, Discos Peerless fue la primera disquera enteramente mexicana. Su registro data

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que se escuchó en el Festival de Rock y Ruedas de Avándaro en 1971 pudo contrastar en lo más mínimo con el poder que Raúl Velasco impuso al gusto popular musical. Gran parte de lo que se escuchaba en México tuvo que ser parte de alguna transmisión del programa Siempre en domingo para procurar el éxito comercial en el país.

Desde Timbiriche, Grupo Niche, Los Ángeles Azules; pasando por Los Rebeldes del Rock y Los Tigres del Norte. Pero también Hombres G, Willie Colón, La Maldita Vecindad, Caifanes, Café Tacvba y Soda Stereo. Por poco menos de 30 años, el gusto popular estuvo mediado por un conglomerado de medios que controlaba Televisa. Era un negocio redondo, pues lo que se promocionaba en televisión se podía consumir en discos, conciertos y hasta revistas.

El control sobre las disqueras no fue la excepción.

Lejos quedaron los tiempos de los convenios con XEW; Fonovisa, sello de Grupo Televisa, suplió de manera tajante a cualquier competencia desde Estados Unidos. Las divisiones Melody (pop y rock) y Musivisa (grupero) fueron las más exitosas. Actualmente el sello es propiedad de Universal Music Group.

Paulatinamente Sony Music Entertainment, Universal Music y Warner Music establecieron sus oficinas en México y con ello el esquema de consumo musical actual; en gran medida por la creciente preferencia hacia proyectos musicales del extranjero. Actualmente, pertenecer a ellos o alguna división de estos sellos asegura un lugar dentro de la cambiante industria musical. Eso sin mencionar el prestigio que conlleva.

Entonces, desde el ámbito musical, ¿ha sido bueno no ser autosuficientes?

por Martín Vargas /

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de 1921, pero el inicio de sus operaciones fue en 1933.

Con un deseo insaciable por expandirse, logró en pocos años hacerse de un catálogo envidiable, puesto que aún conserva luego de haber sido absorbido por Warner Music. El ya mencionado Agustín Lara, Pedro Vargas, Toña La Negra y demás cantantes de renombre en México..

Al iniciar el periodo conocido como la Época del Cine de Oro Mexicano, Peerless tuvo un auge importante, pues gracias al convenio existente con XEW para distribución de estrellas como Pedro Infante, grandes temas como “Luna de Octubre” o “Rosalía” fueron comercializadas a la par de los filmes donde apareció el “El Ídolo de México”.

Luego, los fundadores de Peerless se separaron y con el tiempo nueva música fue añadida a su catálogo, como La Sonora Dinamita; pero también, como parte de la licencia de distribución que obtuvieron del sello discográfico inglés Decca Records, un álbum triple de The Rolling Stones durante la década de los 60.

También introdujeron otros sellos como Mercury (jazz) o Polydor (blues y R&B).

Discos Orfeón, por su parte, se fundó a finales de los 50, pero cobró importancia hasta los 60, cuando procuró un catálogo dedicado al incipiente rock and roll nacional con grupos como Los Locos del Ritmo, Los Hermanos Carrión o Los Rebeldes del Rock. Caso distinto al de Discos Musart, que, entre otras cosas, introdujo a Creedence Clearwater Revivial, bajo licencia de Liberty Records y a The Beatles por medio de la distribución de Capitol Records, subsidiaria de EMI Records.

Sin embargo, la labor de las disqueras nacionales se vio mermada por la manera en que los éxitos musicales fueron forjados en México desde finales de la década de los 60. Ni el eco innegable del rock

EXTRANJERA Y BÚSQUEDA DEL TALENTO NACIONAL FUERON ALGUNAS DE SUS FUNCIONES-

ilustración Suck My Ponys

-PUERTA DE LA MÚSICA

Somos parte de una era nueva respecto a la manera de consumir música: el stream es el rey pero, como siempre ha pasado en la historia, para una nueva coronación es necesario un funeral. El disco fue el que sufrió, lenta, tortuosa y dolorosamente.

Los usuarios nos hemos adaptado, no sin empezar a sufrir los estragos del nuevo modelo, que parecería no tener fallas porque era algo muy universal; algo que cualquiera pudiera tener sin más requerimientos que Internet.

Empero, los problemas no tardaron en aparecer respecto al streaming, no muy distinto de la situación de la programación televisiva. Antes se podía contratar cualquier sistema de paga para la televisión y tenías todos los canales que querías más todos las otras decenas de canales que a nadie le importan.

Ahora, las opciones parecen agobiantes: Netflix, Hulu, Amazon Prime, HBO Go, Blim, ClaroVideo; más los que se vienen, como el que va a ofrecer Disney (Lucasfilms, Marvel más todo lo de Disney).

-POR HABER DESCONFIADO EN LA TECNOLOGÍA LAS DISQUERAS NO TIENEN UNA POSICIÓN IDEAL EN EL MERCADO ACTUAL DEL CONSUMO MUSICAL-

por Carlos Valle / ilustración Cuemanche!

Sólo Led Zeppelin podría tener uno de los discos más vendidos de todos los tiempos, sin un solo logo, sello o nombre. Algo por lo que, obviamente, las disqueras pusieron el grito en el cielo. Pero después de ese trío de discos con lo que iniciaron, estaban en la cima del mundo y aún así fue un lujo que casi les cuesta la disquera.

Porque también a veces para firmar, aprovechándose de la ingenuidad de algunos, que se querían comer el mundo a puños, se aprovecharon de la necesidad de otros porque les urge vivir de esto.

Muchas veces las disqueras se quedaban con los derechos de la música.

Los que componían, los que tocaban y los que reproducían no podían ser los dueños de su música. El caso más famoso: apenas Paul McCartney recuperó el control de su obra. Paul McCartney, de The Beatles.

Pocos nombres más reconocibles en el planeta ¡y no era dueño de su música!. Para que “Yesterday” estuviera en algún comercial no le tenían que preguntar a él.

Por supuesto que es un negocio: tenían que calcular y sacar sus ganancias. Algo perfectamente comprensible y que no deja de ser un negocio. Pero por todo eso siempre se van a ver como el villano.

En este romanticismo por la música y por la vida de rockstar, ya tenemos un villano identificado, because you have to fight the Man. Pocas veces también identificado, por eso no es de extrañar la situación actual de la industria discográfica.

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Del lado musical están: Spotify, Apple Music, ClaroMúsica, Google Music, Deezer, Amazon Prime Music —aunque aún no ha llegado a nuestro país—, TIDAL, más los que se agreguen. Y similar a la estrategia de Disney, todavía hay alguien que no ha aparecido en escena con esa misma táctica y, de hecho, son las culpables de todo esto.

Si hay alguien que sufre en la nueva manera en que se consume la música, son las disqueras. Pero las tres grandes, las tres que gobernaban el mundo tienen casi toda la culpa. Su principal pecado es menospreciar la tecnología. El facilitar la herramienta para quemar discos, hasta no entender el valor del MP3. El pionero de todo esto, no tenía nada que ver con la música.

Steve Jobs, en cambio, sí tuvo un gran y enorme logro sin Steve Wozniack: el iPod. El iPod significó el fin de traer tu colección entera de discos, de dejarle aviso al valet parking que le dejabas miles de pesos en la parte de atrás del coche, porque qué pena viajar sin tu música; ¿qué clase de melómano serías si te limitas solamente a Exa, Alfa o Universal Stereo y su programación que deja mucho que desear?

Fue ese pequeño aparatito el que terminó de incrustar el formato MP3, porque nunca entendieron —ni las bandas, honestamente— que no queríamos piratear música. No queríamos lucrar con la música ni con su arte.

Todo era disponibilidad, una entrada auxiliar y listo: música por horas. Fue una pelea que no pudieron ganar, no fuimos como los artistas; porque esa fue una pelea fácil, ellos los necesitaban, y nunca al revés. El costo de producir vinilos era prohibitivo. Una banda indie era impensable por lo mismo, no había cartera privada que aguantara ese ritmo, porque también faltaba promocionarlo.

Independientes, En Alianza Con Estos Grandes Monstruos

En la actualidad quedan tres grandes sobrevivientes que siguen más vigentes que nunca: Sony, Warner y Universal.

Resulta interesante abordar la importancia de las disqueras en relación al crecimiento del artista. Si bien, ahora las redes sociales han hecho que la forma de difundir la música haya evolucionado, las disqueras siempre, siempre, serán un mal necesario, ya que el artista necesita un apoyo; ese soporte que los ayude a darse a conocer con medios que hacen que en ocasiones internet no sea suficiente.

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APUESTAS TAN ARRIESGADAS POR ARTISTAS EMERGENTES-

ilustración TheJavisCEffect

artículo

-YA NO SE REALIZA

por Dora Méndez /

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Es sabido por la gran mayoría que pertenecer a una disquera trasnacional representaba grandes cosas. En el pasado, las disqueras soltaban los miles de pesos a los artistas, para hacer producciones, promoción, shows, etcétera. Además de que las compañías se dedicaban a distribuir la música por todos los medios posibles. Aunque los tiempos han cambiado y estar firmado ya no significa vivir en abundancia. ¿Cuál es su importancia?

Warner, Universal y Sony siguen realizando una gran labor para que sus artistas se sigan manteniendo en el top. Además, se han ido adaptando a las nuevas tecnologías, formas de distribución y promoción que la vida nos ha regalado.

Por otra parte, las disqueras independientes hacen alianzas con estos grandes monstruos para darles

más impulso a los artistas y lograr que su música traspase fronteras. De esta forma, el trabajo ya no es responsabilidad únicamente de uno, sino de un equipo completo que hacen lo posible por apoyar la música.

Eso sí, ya no realizan apuestas tan arriesgadas por los artistas que firman, en ese aspecto podríamos decir que se encuentran un poco estancados y sólo buscan darle al público la música que es seguro que sea vendida.

Lo que es de aplaudir es que Warner, Universal y Sony, se esfuerzan por tener entre su catálogo artistas de varios géneros, entre ellos rock, ya que de cierta forma se preocupan por darle al público un poco de buena música y variedad. Esas propuestas no tan comerciales, ya que están conscientes de que un sector de la población disfruta de este género.

Tal es el caso de Siddhartha y su entrada a Sony, lo que significó un gran paso para el músico que desde el inicio de su carrera se mantuvo en la independencia y que ahora, cuenta con el respaldo de una disquera trasnacional. Así la disquera se ha enfocado en tener unos cuantos artistas que antes fueron independientes para darles la mayor difusión posible.

Por su lado, Universal, se ha preocupado por mantenerse vigente, firmado artistas como Enjambre, Caloncho, Mon Laferte, Zoé, Costera, entre otros.

Cabe destacar, que la trasnacional ha optado por realizar alianzas con varias disqueras independientes para que el apoyo que los artistas reciben se encuentre respaldado.

Mientras que Warner, también hace su labor en el sentido de apoyar la música y su crecimiento. Con un catálogo de artistas que podemos considerar “rock”.

Una noticia reciente es la del acuerdo que logró la disquera con Apple Music; lo que nos lleva a las nuevas formas de disfrutar la música.

La distribución de discos ya no es el principal negocio de estas disqueras, aunque sigue siendo parte esencial de su trabajo del día a día.

Estando en la era digital podemos ver cómo además de vender el material discográfico de forma física, también se hace de forma digital. Finalmente, habrá que esperar cuáles serán los siguientes pasos y las adaptaciones que tendrán que tomar las disqueras para su permanencia dentro de la industria musical, lo que sí es seguro, es que es muy difícil que desaparezcan en un largo tiempo.

Sin La Difusión Las Cosas Serían Totalmente Distintas

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En alguna de las muchas pláticas durante clases en la universidad con el profesor Rodolfo Rocha Garnica, que actualmente desempeña el cargo de consejero en el Instituto Nacional Electoral, identificamos los principales medios de comunicación; asimismo planteamos la posibilidad de que la radio decayera y fuera perdiendo el impacto que durante décadas tuvo.

Sin embargo, según datos de la última Encuesta Nacional de Consumo de Contenidos Audiovisuales que realiza el Instituto Federal de Telecomunicaciones (IFT) muestran que la radio sigue teniendo millones de escuchas en nuestro país. Este medio, pues, puede ser eterno. Esta es razón suficiente para que las empresas que distribuyen música sigan viendo una gran e importante oportunidad para difundir su contenido.

“El 41% de las personas escucha la radio, de las cuales el 82% reportó consumirlo en el hogar. Los contenidos musicales,

difusión a los artistas que tienen firmados en los diferentes medios de comunicación; uno de ellos es la radio y a mi parecer es el segundo más importante.

Trabajan en conjunto para asegurar que la radio reproduzca los sencillos más recientes de los artistas, el éxito de las disqueras radica que guste y suene durante muchos días. De esta manera se aseguran ventas, ya sean físicas o digitales.

El market share de las disqueras en la escena radial mexicana del 2016 identifica cuáles son las disqueras que cuentan con mayor presencia en la radio en nuestro país en las categorías Regional Mexicano, Pop y Anglo.

Universal Music es el sello discográfico que dominó la primera y la tercera casilla. Sony Music se mantuvo al frente en la segunda categoría. Sin embargo, las disqueras independientes en los tres estilos musicales han ido ganando terrenos. Tal vez, en unos años encabecen los primeros puestos de participación en la radio mexicana.

Aprovecho estas últimas líneas para mencionar de una vez por todas que cada emisora tiene su línea; no podemos hacer gran cosa por que cambien el estilo en cuestiones como la programación y el tipo de música que se sintoniza. Lo que podemos hacer como consumidores es conocer la amplia gama de estaciones que tenemos en nuestro país y elegir la que mejor se adecúe a nuestros gustos.

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noticiosos y de entretenimiento son los favoritos de las audiencias y el dispositivo que más utilizan es el estéreo o grabadora (66%), seguido del teléfono celular (21%) y el radio del coche o transporte (16 por ciento). Sólo el 6% de la población que escucha radio lo hace por internet, principalmente porque puede encontrar programas repetidos o podcast (39 por ciento)”, menciona la encuesta.

Si bien ver a un solista o banda tocar en algún show en vivo y que sea transmitido por televisión es algo sumamente atractivo, escuchar la canción favorita transmitida por alguna radiodifusora siempre es algo indescriptible. Desde música tradicional mexicana hasta las bandas más underground de diferentes nacionalidades que se puedan imaginar: todos han sido parte de esta gran difusión.

La historia de la radio en México inicia durante la segunda década del siglo pasado, con diferentes actores en el país. El primer espacio radioeléctrico del que se tiene registro fue el programa Vivo de Estudio.

Llegaron los años 30 y con ellos la XEW, XERF “La Poderosa” y Radio UNAM. Las dos primeras, fueron espacios para que las voces de Francisco Gabilondo Soler, mejor conocido como “Cri Cri”, Pedro Vargas, Agustín Lara, Jorge Negrete, Gonzalo Curiel, Lucha Reyes, Los Panchos, Amparo Montes y Toña la Negra comenzaran a sonar en diferentes poblaciones y casas de nuestro país.

Casi 20 años después comenzó a existir la Frecuencia Modulada (FM), que poco a poco desplazó a la Amplitud Modulada (AM).

En las disqueras existen los departamentos de publicidad y de promoción, éstos se enfocan a darles

POBLACIÓN ESCUCHA RADIO; CONTENIDOS MUSICALES, NOTICIEROS Y DE ENTRETENIMIENTO, LOS FAVORITOS -

por Ivan Rova / ilustración TheJavisContreras Effect

-EN MÉXICO, 41% DE LA

Intolerancia, Terrícolas Imbéciles y Abolipop, sellos indies

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La industria musical es un universo lleno de diferentes elementos que le dan forma, por lo que definirla resulta algo complicado; no sólo en lo económico ya que en lo cultural genera un legado. En este gran conglomerado de piezas no sólo participan los músicos, sino también el soporte de los mismos, como las disqueras, mánagers, productores, ingenieros de audio, prensa, conciertos, festivales, fiestas, cine, el público. Es toda una estructura que da paso a los nichos y escenas musicales.

Hablar de una industria musical independiente recae en reconocer que fuera de los grandes corporativos musicales, existen personas creando espacios y redes para la promoción de la música fuera del mainstream.

Cada proyecto musical necesita de un sustento, algo que esté detrás, por más Do it Yourself que pueda parecer, siempre involucra el trabajo de otras personas para generar funcionalidad al momento de entrar directamente al mercado.

Cada lugar genera sus propios nichos y escenas musicales, entiéndase como nicho todo aquello que engloba a los encargados de producción y distribución de la música en sus diferentes estilos, hasta llegar al

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u otras formas fuera del discurso principal.

Del lado de lo independiente existen disqueras que han logrado un público interesado y dispuesto a consumir, pero sin duda atraviesan por una cierta incertidumbre al apostarle a un ambiente fugaz. Muchas veces es difícil hacerlo voltear, sino se cuenta con los recursos que la misma época exige respecto al sonido de la producción.

Hablé con una amiga que por algunos años le dio forma a una disquera independiente, quise que desde su punto de vista pudiera ofrecerme una retroalimentación respecto a mis ideas. El referirse a una disquera actualmente, retoma por la idea de lo que se solía entender por tal. Más que una maquilación (que no existe en digital), estas nuevas empresas se basan en la distribución.

Digamos que te interesa proyectarte con tu trabajo musical y realmente no tienes conexiones para entrar a la industria. En palabras de mi amiga ella sugiere: “Para que no pierdan el tiempo, los músicos tienen que considerar en buscar con una agencia que permita hacerlo de una manera profesional, también para contar con una logística, producción y un buen plan de trabajo”.

Algo en lo que hizo hincapié fue en la inversión que se tiene que hacer para poder tocar y sonar bien, la agencia ayuda con el desarrollo. Entre las dos pensamos que los proyectos musicales tienen que estar concebidos como una marca, así al momento de enfrentarse a la industria, por más under que sea, puedan hacerlo de manera profesional. Esto con la finalidad de que puedan tener fundamentos fuertes, ser más atrayentes y, en algún punto, vivir de la música.

ilustración Suck My Ponis

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consumidor. Una escena musical es algo más particular, localizado y definido por la identidad que cierto género musical genera.

El tener bien ubicado un nicho o una escena hará más fácil entender los patrones que generan las personas que consumen cierto tipo de música, es aquí la importancia de las nuevas maneras de distribución musical.

En México, la primera disquera (Discos Peerless) surgió hace más de ochenta años y esta concepción se ha visto modificada por el constante cambio respecto a la música debido al avance tecnológico. Debo de afirmar que aún existe un fuerte apego por lo análogo, lo que propicia que exista un nicho para la producción y venta de vinilos, cassettes y CD, en contraste con el streaming de música por Internet.

Pensar cómo funciona aquello detrás de la música resulta en ocasiones confuso, por un lado están las disquera que acaparan la industria con eventos de producciones impresionantes, con la capacidad de distribuir música en múltiples opciones y que cuentan con un cuerpo administrativo que entiende a la perfección la oferta y la demanda. Por otro lado, están las disqueras independientes que surgieron de la necesidad de salir del monopolio que han logrado definir un público y crecer a partir del consumo de sus artistas, tales como Intolerancia, Terrícolas Imbéciles, Abolipop y Homegrown Entertainment, por mencionar algunas. Estas disqueras han atravesado las constantes modificaciones tanto en los nichos y la escena, y muy al fondo de todo, están las nuevas generaciones de creadores; aquellos que se están encargando de crear una industria musical independiente con la conformación de netlabels, colectivos, fiestas, festivales

AQUELLO DETRÁS DE LA MÚSICA RESULTA EN OCASIONES CONFUSO-

por Cecilia Rangel /

-PENSAR CÓMO FUNCIONA

Internet No Podrá Eliminar A La Industria Discográfica

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¿Cuándo fue la última vez que compraste un disco, tomaste el booklet y le pusiste atención a cada detalle del arte? Es más, ni siquiera pienses en la última vez que gastaste tu dinero en eso, mejor haz memoria y recuerda cuándo tomaste cualquier CD y lo insertaste en una bandeja. Probablemente, ha pasado mucho y ya lo dejaste olvidado ahí.

Lo Que Ya No Se Necesita De La Industria Un día dejó de ser un problema que las grandes disqueras pusieran ojos y oídos en los grandes nombres, que éstas fueran los espacios más destacados para grabar, comercializar y distribuir música. Con la llegada del Internet y plataformas como MySpace, SoundCloud y YouTube pertenecer a ellas parecía importante, pero ya no necesario, por lo menos no si querías sacar tu música del garaje.

Actualmente, una banda tiene la posibilidad de armar un show con sus propios recursos y sostener

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atención o se queda como un nombre más en tu lista de Artistas.

Igual, no pasa nada si se te olvida, sólo es una manera de representar lo veloz que perdemos el interés por obtener todo tan rápido y de manera fácil, por el puro placer de consumir, casi como un servicio de fast food.

La Música En Los Tiempos Del Do It Yourself (DIY) Contratos, estafas, la obligación de vender o desaparecer, una disquera a la que debes obedecer o bien, la opción de buscar un tutorial en YouTube, encontrar un programa de audio, grabar un par de canciones, subirlas a la red, conseguirte un manager con labia y crear un evento en Facebook para tu primer evento. Como si no necesitaras de nadie.

Tal vez si eres independiente, te va a costar cinco años lo que a una disquera un mes. Desde una postura muy optimista tal vez puedas lograr tus propósitos si no te desesperas y te mantienes constante, creativo y entero frente a los golpes y las buenas recompensas que te da la posibilidad de hacerlo bajo tus propios recursos a lo DIY. La verdad, y aunque mucho se hable sobre el escaso apoyo a las bandas sin sello discográfico; la música independiente está en uno de sus mejores momentos, sólo hay que echarle un poquito más de ganas (contactos) si ya tienen ganado parte del terreno. Otra verdad es: la mayoría de las bandas independientes que logran crecer, terminan bajo la adopción de un buen sello discográfico, ¿o no?

por Erika Rodríguez /

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de la misma manera el proyecto, además de lo increíble que resulta para ellos y sus fans contar con mercancía (merch) en eventos y tiendas en línea. Un día, simplemente Internet nos dejó claro que había llegado para quedarse y adaptarnos a él junto con nuestras necesidades.

Lo Que Internet No Se Llevó Nadie con el fin de ayudar a la industria musical sugirió el Internet como una herramienta, sólo apareció y encontraron mil formas de sacarle provecho. Aquello, que en un principio parecía buena noticia y un avance (por supuesto lo fue), quizá se convirtió en el dolor de cabeza de bastantes empresarios, o en general, para toda la estructura que sugiere una disquera.

Sin embargo, siguen siendo líderes en el mercado y un monopolio que, ni toda la piratería ni todos los usuarios del ciberespacio van a eliminar.

Principalmente porque no es objetivo de nadie y porque es la fuente de recursos, apoyo y marketing para muchísimos proyectos.

Consumo; Porque Puedo Y Cuando Quiero Un buen día se quedó el Walkman, nuestros discman y las cajas de discos en casa; guardados, arrumbados.

Nuestra más preciada colección ya no nos acompañaba a todos lados, ni sonaba en el estéreo de la sala y a todo volumen. Vimos al menos nuestra primera computadora infestada de virus gracias a Ares. Mucho tiempo después vemos como Spotify nos facilita la vida.

El gran paso de no necesitar físicamente un disco y obtener música en segundos se volvió tan útil como desechable e insignificante para el que consume: puedes ir a un festival y toparte con una banda que no conocías y te agrada: en segundos (si es que tienes señal) guardas sus cinco discos y tres EP. Entonces surgen dos posibilidades: lo vuelves a escuchar con

QUEDÓ EL WALKMAN, NUESTROS DISCMAN Y LAS CAJAS DE DISCOS GUARDADOS EN CASA-

ilustración Cuemanche!

-UN BUEN DÍA SE

/por Cecilia Rangel

Lao, Referente En México De Este Género

Una significativa escena de productores y DJ’s de música electrónica se encuentra utilizando los ritmos propios de la cumbia, salsa, bachata, dembow o folclor latino para añadirlos a sus bases y darle un giro.

Esta fusión rompe con lo que tradicionalmente se piensa acerca de cómo debe sonar la electrónica. Actualmente, no todos los ritmos que se ensamblan provienen de un sonido orgánico, se están creando éstos desde una computadora, la tecnología permite un sin fin de posibilidades en cuanto a la mezcla, por eso considero atrayente todos aquellos encargados en la difusión de este tipo de música.

Nicola Cruz, un DJ que he escuchado bastante recientemente, pertenece a ZZZ Records, una disquera independiente argentina que se enfoca en este género a la que se le añaden ritmos latinoamericanos, creando un diálogo entre las raíces de la música latina y un público interesado en esta unión. ¿La historia? La disquera surge en 2008 a partir de una serie de fiestas con este toque particular, unir la electrónica y lo latino. El lugar de estos festejos fue el Zizek Club. Entre la lista de artista de ZZZ Records se encuentran músicos como La Yegros, Dat García, Fidel Eljuri y Frikstailers.

— EL TECHNO, AMBIENT, HOUSE, JUNGLE, ETCÉTERA, EN UN CÓCTEL CON LA CUMBIA, SALSA Y BACHATA— En México no nos encontramos tan alejados de esta tendencia. El colectivo que surgió en 2010, encargado de algunas de las mejores fiestas en la Ciudad de México y otras partes del mundo, se convirtió en promotora y disquera: N.A.A.F.I.. Uno de sus integrantes es LAO, productor y DJ, encargado de llevar a flote el proyecto, él tiene una propuesta en la que mezcla géneros como el techno, ambient, house, jungle, entre otros, para entrecruzarlos con ritmos latinoamericanos.

Quise de igual forma saber más sobre el productor Borchi, y me encontré con Cassette blog, un sitio en internet que funciona también como netlabel, encargado de ser un punto de reunión para la promoción de productores y DJ’s de música electrónica con presencia en Latinoamérica, España y Estados Unidos, el cual retoma la característica de unir la música folclórica latinoamericana y la música electrónica.

Creo que a partir de ahora, será un ejercicio constante, porque a través de prestarle atención a lo que hay detrás, o de frente, no sé qué posición darle ahora, pude también localizar otras disqueras independientes que tienen una tendencia similar, estas sólo fueron algunas aproximaciones a una gran variedad de opciones.

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No era de las personas que miran de cerca que se encuentra detrás de un músico, con esto me refiero a que no indagaba con qué disquera trabaja, o si es independiente, en general no buscaba quién se encarga de la promoción y difusión de su trabajo. La música electrónica puede ser difícil de relacionar con una disquera, tal vez porque muchos de los productores que conocemos se piensa destacan sin la necesidad de algo detrás de una agencia, disquera, colectivo o netlabel, pero creo que es indispensable para alcanzar un spot en la escena. Empecé a empaparme sobre este tema y me sorprendí de lo específico que esto puede resultar.

En un viaje a Londres hace siete años Paurro se topa directamente con la escena de DJ under, así comienza su atracción por la música electrónica y la posibilidad de convertirse en una. Al regresar a México decide hacer un curso, después un amigo le prestó un mixer con el que practicó hasta sentirse lista para tocar ante un público, esta primera presentación Paurro entre risas me dice que le fue pésimo, pero su emoción por hacer un DJ set era más fuerte.

“Comencé mezclando nu-disco, conforme pasó el tiempo me di cuenta que tenía más posibilidades y fui cambiando la música para tener una temporada techno. En este momento me siento muy próxima al house pero dispuesta a seguir experimentado”, explicó.

Hay una escena de mujeres DJ en la Ciudad de México activa y en crecimiento, pero con poca representatividad, Paurro coincide conmigo, ella también cree que las chicas están tomando fuerza y además me cuenta sobre las limitantes que ha notado.

“Me ha tocado que no creen que yo sepa tocar por ser mujer, o que no me quieren pagar lo mismo, existe machismo. Creo que como mujer tienes que validarte más en esta escena predominada por hombres”, admitió la artista.

Paurro cuida mucho no llevar el mismo set a cada evento, para escucharla en vivo la encuentras en el bar Departamento de la Colonia Roma Norte, donde tiene una residencia.

POR CECILIA RANGEL El momento más esperado del festival llegó: ¡La primera presentación de Kendrick Lamar en México! No hay duda que fue un acto digno de recordar. El público lo esperaba con ansias y es seguro que muchas personas asistieron al festival por ver su presentación.

Con mucha exaltación el público aclamó al MC, después de esto se escucharon los primeros segundos de su canción ”DNA”. Kendrick se mostró en el escenario y un cálido recibimiento del público se hizo notar. La primera parte de su presentación estuvo guiada por canciones de su más reciente álbum, DAMN.; mismo que ha sido reconocido como el mejor del año. Asimismo cantó temas como ”B*tch, Don’t Kill My Vibe” y “All Right”.

El rapero bajó en varias ocasiones el volumen para ofrecer al público la posibilidad de corear sus temas, no tuvo una respuesta tan extraordinaria: sus rimas no son fáciles de reproducir y más cuando son en inglés. Sin embargo, esto no detuvo a Kendrick en intentarlo en varias ocasiones. Por lo menos el coro de ”HUMBLE” se escuchó muy bien.

EL GRAN SILENCIO SIGUE SIENDO UN ESTRUENDO POR CARLOS EDMUNDO Cuando decía yo que me latía muchísimo El Gran Silencio, mis detractores tuvieron, según ellos, la comprobación de yo era un naco hecho y derecho. Me valía madre entonces, y más me valió cuando para celebrar sus 25 años de existencia, optaron por dar, más que un concierto, un festival idéntico a un muy chilango tíbiri a pesar de ser ellos regios. Y es que el 12 de agosto, en punto de las 18:00 horas, la Sala de Armas de la Ciudad Deportiva el entorno se convirtió en un polvorín digno de Ciudad Neza.

Dejen ustedes de que estuvo Tropikal Forever convirtiendo éxitos internacionales en charangas, o de que el mismísimo Sonido La Changa se puso a dar saludos interrumpiendo las canciones como a un sonidero de su calibre corresponde, o que estuvieron también antes Los Astros de Mendoza, Tropical Killers y Los Master Plus, echando desmadre. Ni siquiera es incluso que Lost Acapulco comprobó que el surf es igual o más efectivo que el reggaetón para mover el cuerpo, o que La Sonora Dinamita demostró por qué es de las consentidas de nuestros padres y abuelos. Más bien lo que pasó es que El Gran Silencio de silencioso no tiene nada, y ha convertido su discografía, que regalaron por más de 2 horas, en clásicos de los que sólo un muerto podría abstraerse de bailar y cantar.

Larga vida al Chuntaro style del Gran Silencio.

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EL INOLVIDABLE HELLOW FESTIVAL: KENDRICK LAMAR

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TENEMOS THE CHAMANAS POR MUCHO TIEMPO MÁS

NO TE VA GUSTAR PRENDIÓ FUEGO EN CARPA ASTROS

POR MONSERRAT VELÁZQUEZ Celest, banda de la CDMX, fue la encargada de iniciar la velada; entre sintetizadores y letras melancólicas, atraparon la atención de los asistentes. Minutos después se abrió nuevamente el telón. Las luces teñían de rojo el escenario, para que The Chamanas presentara su nuevo álbum Nea.

POR MONTSERRAT VELAZQUEZ Suenan Las Alarmas es la última producción que se sumó a la discografía de No Te Va Gustar, como una propuesta que llegó a refrescar el sonido de los uruguayos, en la que se dieron oportunidad de experimentar y divertirse más al componer.

“Por fin llegó esta gran noche; estamos muy contentos de pisar el escenario de este teatro y estamos muy agradecidos de estar aquí. Hagamos una terapia, una sesión para que todo salga bien que al final para eso es la música”, mencionó Paulina para dar la bienvenida al público.

El momento melancólico de la noche llegó con la presentación de “Masunea”, tema que calificaron como muy especial y pidieron a su público valorar, los besos y las personas que quieren. Dedicaron la noche a todos aquellos que ya se fueron, porque al final sólo nos queda celebrar la vida y la muerte.

Con un par de temas más, llegó el encore para el cual regresaron con un cambio de vestuario y se despidieron con “El corrido de Chihuahua”.

Carpa Astros fue el lugar que albergó el último show de NTVAG en nuestro país. Cerca de las 22 horas, un público impaciente, el lugar quedó en total oscuridad; con el sonido de las alarmas salieron cada uno de los integrantes abriendo escenario con un tema del nuevo disco y que también da nombre a la gira. “Para cuando me muera”, seguida de “Destierro”, “Al vacío” y “A las nueve” sirvieron de introducción para que Emiliano saludara a su público con un “Buenas noches México” para que le respondieran con gran entusiasmo.

Un poco más de dos horas bastaron para armar una gran fiesta. “No hay dolor”, “Pensar” y “No era cierto” marcaron el final del show y una vez terminado se acercaron a sus fans para agradecerles y regalarles las baquetas y plumillas.

20 AÑOS NO PASAN EN VANO: MOLOTOV EN EL PALACIO DE LOS DEPORTES

POR CECILIA RANGEL La cuarta edición de NANO MUTEK sorprendió al integrar tres propuestas diferentes entre sí, pero cada una con una fuerte conexión con la estridencia. Wasted Fates, Jlin y Lotic fueron parte de esta celebración, la que también resalta el inicio de MUTEK en Montreal.

POR DIEGO GARCÍA VENEGAS Han pasado dos décadas desde el lanzamiento de ¿Dónde jugarán las niñas?, y aunque muchas cosas han cambiado, cuando se trata de un concierto de Molotov, pareciera que en realidad todo sigue igual.

El Foro Normandie nuevamente fue el espacio seleccionado para brindar una fiesta electrónica con los ritmos poco convencionales de los DJ invitados. El productor mexicano, Wasted Fates, dio inicio a su set; él mezcló un sonido particular. Con una fuerte sensación de rave y ambient.

Sí hubo una razón para ir a NANO MUTEK fue por la presentación de Jlin, la productora estadounidense ha seguido la ola del footwork para darle fuerza y añadirlo a sus mezclas.

Durante el DJ set de Lotic lanzó pistas para llevarnos por diferentes estados de ánimo, con ritmos bajos para después explotarlos y acelerarlos. La escena de música electrónica cuenta con tantas propuestas singulares que seguramente el público pedirá más de este tipo de eventos.

El lugar elegido para este gran show fue el Palacio de los Deportes. Ellos abrieron su concierto con la misma rola con la que abren su icónico disco: “Que no te haga bobo Jacobo”. Le siguió “Molotov Coktail Party”, con un Randy cambiando papeles con Mickey, y luego “Voto Latino” que fue acompañada por un público que reconoció que dicha canción es más actual (y necesaria) que nunca.

Con “Chinga Tu Madre”, el “Domo de Cobre” repleto reventó con miles de voces mandando a la chingada todo. Entonces llegó el viaje al futuro en vez de al pasado con “Gimme the Power”, himno que demostró que México es un país que al menos en apariencia nada pasa.

La agrupación interpretó el disco de inicio a fin, en el mismo orden, como si se tratara de una versión en vivo en un discman de los noventas. El recuerdo es latente, y sí es lo mismo Molotov 20 años después.

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DIVERSIDAD Y ESTRIDENCIA: CUARTA EDICIÓN DE NANO MUTEK

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OMD: LA NOCHE DE LOS 80 MÁS ELECTRIZANTE POR CARLOS SAÍN El reloj marcaba las 21:30, pero todos regresamos a la época donde OMD era uno de los reyes de la escena synth.

La introducción consistía en el sonido de ballenas en altamar para dar paso a “Messages” y “Tesla girls”.

Andy McCluskey y Paul Humphreys, prepararon una noche de nostalgia que comenzó con “Pandora’s box”, uno de sus últimos grandes éxitos a principios de los 90 y antes de su desintegración.

21 temas que fueron coreados y bailados por esa generación que vivió la caída del muro, La Guerra Fría, el Mundial del ‘86, el paso del cassette a el CD. Con un cierre fenomenal, OMD dieron las gracias e hicieron sonar “Enola gay”,”Secret” y “Electricity” para que los asistentes dieran los últimos pasos de baile.

Una noche perfecta, donde OMD y la gente se conectaron de principio a fin. Fue una noche llena de luz electrizante.

EL RAPTO DE BLONDIE EN EL PALACIO DE LOS DEPORTES POR JOSÉ CURDA Todo comenzó con Shirley Manson, que entre la negrura del Palacio de los Deportes aún vacío, resonó en las bocinas “Empty”, “Vow” y “Stupid Girl”; entre otros, sin embargo lo que todos esperaban era el show que Blondie daría en el recinto.

“One way or another” fue el inicio del gran robo emocional del concierto, al sonar los primeros acordes los espectadores se pusieron de pie y comenzaron los gritos.

La vocalista, originaria de Florida lució un vestido de color amarillo y negro con máscara de abeja atuendo acorde con el concepto de su nuevo disco Pollinator. De pronto, la música nos hizo recordar el soundtrack de Trainspotting al sonar “Atomic”, cuando sonó “Heart of Glass”, el Palacio de los Deportes se convirtió en una fiesta disco.

Todo el concierto fue un secuestro del recuerdo y mente de los espectadores. Todo fue un rapto de música y belleza. Un reencuentro entre Blondie, Garbage y el público mexicano.

WET BAES, JUVENTUD Y TALENTO UNIDOS

DESCUBRIENDO A THE REIGN OF KINDO

Jaime Andrés le da vida al fabuloso proyecto de Wet Baes, con tan sólo 21 años de edad es productor y músico, y su talento musical es muy grande.

Changes es su primer disco, producido por él mismo y lo puedes encontrar en todas las plataformas digitales. Éste, te puede hacer volar, transformarte y sentir esa atmósfera ochentera. Sus melodías se enfocan y desenvuelven con letras románticas, bailables, que transmiten cierta felicidad pegajosas, melancólicas y viajadas. Su sonido es una combinación entre funk y algunos estilos de Nueva York y Chicago, una mezcla entre Pink Floyd con un toque de Justice, entre un panorama de luces y sintetizadores.

El proyecto puede atraer a toda clase de público, debido a que su música no necesariamente es para un mismo espectador. Vale la pena clavarse a escuchar cada segundo de Changes, cada tecla, cada cuerda y cada atmósfera.

The Reign Of Kindo es una banda de rock alternativo combinado con toques funk y un jazz que agrada a todo el mundo, se formaron en el año 2006 en Nueva York, E.U. La banda formada por Joseph Secchiaroli tiene ese estilo que a mucha gente les llama la atención, un poco de fuerza con su rock alternativo pero al mismo tiempo la tranquilidad y perfección de un jazz para llevarte a un ambiente diferente.

Sin hacer tanto ruido, esta es una agrupación que a nadie le desagradaría escuchar, con siete discos de estudio, siguen saliendo de gira, aunque sus presentaciones son en pequeños bares o en algún club de la ciudad donde se encuentren.

Esperemos que pronto vengan a México y la gente empiece a escuchar este gran, gran proyecto norteamericano. Ideal para un Corona Capital u otro festival. No olviden escuchar su disco Rhythm, Chord & Melody.

por Paola Bautista

JUAN INGARAMO,

NUEVA PROPUESTA DE POP LATINOAMERICANO por Arturo Aldair Rojas Flores

SORGE JANCHEZ: ELECTRÓNICA OSCURA HECHA EN MÉXICO por Diego García Venegas

¿Necesitas un soundtrack ideal para esas noches largas y melancólicas? Sorge Janchez, músico mexicano oriundo de Pachuca y también integrante de la banda Grafix, es la opción ideal.

Su propuesta está enfocada en el género electrónico, su sonido evoca un poco a James Blake, aunque más deprimente, denso y esquizofrénico.

Sorge (2017), es su primera producción como solista, y la puedes encontrar en plataformas digitales. Este primer material es capaz de envolvernos en un trip melancólico y minimalista.

A través de 14 canciones con duración de un poco más de una hora, Sorge Janchez experimenta con beats y el color de su voz sin pausas ni concesiones.

Con canciones como “Red Moon”, “Lost Myself in You” y “Ascendants”, armarás la playlist ideal para noches intensas de embriaguez solitaria; de contemplar el metal, el techo y la ciudad desierta.

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Juan Ingaramo es un músico argentino originario de Córdoba, Argentina, que cuenta con un pop sofisticado y de buen gusto, canciones llenas de diferentes atmósferas sonoras, pueden ser uno de sus sellos más significativos.

Sus melodías están por encima del pop comercial, sin llegar a las esferas de la alta cultura o a las élites musicales. Las letras pueden identificarse como digeribles, directas y con las cuales se pueden identificar los más jóvenes, se combinan a la perfección con ritmos frescos, calmados y juguetones.

Cuenta con varios discos de estudios desde el comienzo de su carrera allá por el 2012, fue músico de Daniella Spalla y su más reciente producción discográfica Músico cuenta con la colaboración de Adrián Dargelos (Babasónicos) y puedes encontrarlo disponible en plataformas digitales.

por Javier Luna

Ella No Sólo Es Una Chica Triste Con Una Guitarra, Va Más Allá

por Dora Méndez / foto cortesía

En este número, te traemos una nueva propuesta que con tan sólo un año de existencia ha comenzado a sonar con mucha potencia en la escena musical. Se trata de CocóCecé, una cantante que salió de Ciudad Juárez para triunfar y sin duda lo está logrando.

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Carmen Cassandra Bálcazar, decidió emplear el nombre de CoCóCeCé, utilizando sus iniciales y haciendo referencia a C.C. Babcock, personaje de La Niñera. Dando como resultado este nombre artístico.

Su primer EP se titula Bestias de Ciudad, en él podemos ver reflejado un estilo con un toque de frescura, en él plasma las dificultades de mudarse de una ciudad a otra y los cambios que esto conlleva. Ya que aventurarse sin tener miedo no siempre resulta tan fácil. Por lo que la cantante decidió hablar sobre aquella etapa de su vida por la que estaba atravesando.

Bestias en la Ciudad cuenta con cinco canciones: “Amor en la Metrópoli”, “Niki”, “Bestías en la ciudad”, “Marginado” y “Supuestos”. “Marginado” y “Niki”, fueron los primeros sencillos lanzados, actualmente se encuentra promocionando “Amor en la Metrópoli”.

Como el nombre de este material, en él podrás descubrir más sobre las “Bestias de la Ciudad” con las que se tuvo que enfrentar para que su carrera musical pudiera mantenerse.

El nivel vocal de CoCóCecé es algo que deja maravillados a muchos, te aseguramos que tú también te podrás llevar una gran sorpresa.

-EN BESTIAS DE CIUDAD PLASMA LAS DIFICULTADES DE MUDARSE DE UNA CIUDAD A OTRA Y LOS CAMBIOS QUE ESTO CONLLEVA-

Ella no sólo es una chica triste con una guitarra, va más allá.

Algo que resalta es el estilo visual que le agrega a CoCóCeCé.

Capturando la atención; música que no sólo entra por los oídos, sino también por los ojos.

Actualmente, la cantante se encuentra viviendo en la Ciudad de México, demostrando así que su talento puede llegar a posicionarse dentro de la escena. Abriendo paso poco a poco; por lo que ha tocado en diferentes festivales y escenarios. Para compartir su talento con todo el público.

Hasta el momento, la artista se ha presentado en pequeños venues y su propuesta ha ido conociéndose de boca en boca, de recomendación en recomendación; presentando un show que vale la pena experimentar. No dudes en buscar su música, se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.

Mientras que en las redes sociales la puedes encontrar como CoCóCeCé, así siempre estarás actualizado de lo nuevo que vaya saliendo.

Esta historia apenas comienza, así que no le pierdas la pista, seguramente en algunos meses esta mujer dará mucho de qué hablar.

Es difícil elegir sólo un álbum en la discografía de Soundgarden a pesar de no ser tan extensa, pero hay uno que resalta entre los seis—tristemente finales—, trabajos de la banda. En estas líneas me quiero referir a uno de ellos: Superunkown, lanzado a la venta en el ya lejano 1994.

Este fue el álbum que más se vendió y el que mejor fue recibido por la crítica.

En términos generales tal vez es el más reconocido en el grunge después de Nevermind de Nirvana. Pero éste fue el trabajo que englobó todo lo que la banda liderada por Chris Cornell había hecho al principio.

Cornell en esta entrega tiene probablemente su momento más lúcido de su carrera, que ya es mucho decir. No es un disco tan oscuro como al principio por lo menos en su totalidad, porque “Black Hole Sun” es bastante denso.

Pero además su trabajo en la voz, demostró todo su rango y toda la potencia; desde “Fell on Black Days” que es más melosa, más lenta, pero grave y penetrante a “Spoonman”; más potente y energética. Chris cumplió en cada uno de los tracks.

También Kim se suelta, riffs, solos, hasta acompañamientos a la parte rítmica.

Ya había demostrado lo que tenía, pero hacía falta que la banda terminara de cohesionarse para terminar de soltarse.

Eso también le faltaba a Ben Shepard, le hizo falta un disco para afianzarse en el bajo. Porque no es que su trabajo en Badmotorfinger sea malo, pero no es el que logra aquí. Se creó, entonces, una mancuerna demoledora con Matt Cameron.

Esa sección rítmica le da todo el peso a la banda, para poder crear esa atmósfera que te atrapa, que te hace matear, no importa que tenga esos cambios de 0 a 100 en todo el disco, marcado por ritmos bastante atípicos. Algo normal para una banda atípica.

Este los colocó inmediatamente en el mundo del culto, donde su huella perdurará por siempre sin importar lo que pase... sin importar a quién perdiéramos. Perfecto legado, para quien sea que haya participado aquí.

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Fueron la banda que le dieron una importancia al movimiento, hicieron que firmaran a otras bandas de Seattle y toda esa historia. Con este disco terminaron de marcar que no era un accidente, como si hiciera falta.

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Del BaĂşl De Mis Recuerdos; Laura Romero

Escribió Albert Camus en 1942, dentro de “El mito de Sísifo”, que el suicidio era el único problema filosófico verdaderamente serio.

Cincuenta y un años después, Kurt Cobain se desgañitó cantando: “corazón y huesos rotos, imagina cómo se ha de sentir un caballo castrado” en un tema conocido como “I Hate My Self And I Want To Die”, incluido en el soundtrack de la película “Beavis and Butthead Experience”.

Como en una involuntaria conversación sostenida sin que el filósofo francés y el músico norteamericano se lo propusieran, el cantante de Nirvana acabó poniendo punto final quitándose la vida en 1994.

Ejemplificando lo que parece una obviedad gramatical: el suicidio, como verbo, sólo es posible conjugarlo en primera persona.

Quiso la Generación X encontrar en Cobain a ese vocero carismático.

Lo tenía todo: rubio, indefenso, enfermizo y con alma de poeta.

Provenía además de una familia disfuncional como las que comenzaban a descubrirse. Porque antes de los 90, el matrimonio era para toda la vida, sin importar que representara un infierno para los contrayentes y su descendencia. Había que mantener la fachada.

Porque los hijos de padres separados sufrían de la segregación de los patios escolares. No les quedaba otra que lamerse las heridas del bullyng y colocarse los audífonos del walkman para llenarse las orejas de los gritos de aquel jovenzuelo originario de Aberdeen, a quien sus papás habían endosado a una de sus tías para que lo criara. Un tipo flacucho de ojos azules a quien le tocó dormir en el sillón de la casa de sus amigos, que dibujaba fetos deformes en sus cuadernos y que terminaría por escribir junto a su banda el himno rockero de la década. Uno que a la letra decía: “carga tus armas y trae a tus amigos, ¡qué divertido es perder y pretender!”.

El destape mediático de Nirvana hizo que la industria se dedicara a auspiciar un movimiento. Habemus nombre, se dijo: Grunge.

Habemus abanderado: Cobain. Faltaba ahora condecorar generales.

Agrupaciones todas en las que se licuaban los ingredientes emocionales que caracterizaban a los jóvenes de clase media educados por la MTV: desesperanza, rabia, soledad, desorientación y melancolía.

La canción que inaugura “Ten”, el primer disco de Pearl Jam podría ser leída como prólogo del libro del Grunge. Eddie Vedder gruñe, como el perro al que se le quiere arrancar un pedazo de carne, la frase: “Llevo una bomba en mi templo que está a punto de estallar”.

Una que explotó puntualmente el 5 de abril de 1995. Fecha en la que Kurt se colocó una escopeta debajo del mentón.

Nunca prometió que el sueño iba a durar para siempre.

Si una vez se le achacó a James Dean la frase “vive rápido y muere joven para que tengas un cadáver hermoso”, aunque en verdad quien la dijo fue Nicholas Ray dentro de la película “Knock on any door”, para los generales del rock alternativo de los 90 pareció existió una consigna distinta. La que Camus escribió en “El mito de Sísifo”, a propósito del suicidio: “Un acto como éste se prepara en el silencio del corazón, lo mismo que una gran obra. El hombre mismo lo ignora.

Una noche dispara o se sumerge”.

Así lo hicieron aparentemente Layne Staley, Scott Weiland y Chris Cornell.

Y si a Eddie Vedder correspondía escribir el prólogo del libro, también lo hará con el epílogo. A más de 26 años de la grabación de aquel primer disco del grupo cuyo nombre hace honor a la jalea de hongos alucinógenos de su abuela, uno pareciera leer en el coro “I’m still alive” una suerte de profecía.

“Sigo vivo”.

Al final, él se mantiene a flote, aunque solo.

Y el Grunge, cada vez más huérfano.

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Dicen que fue Mark Arm, vocalista de Green River, quien le puso grunge a esa bestia musical que nació en una noche en la que el heavy metal, el punk y el blues se fueron de copas y acabaron por acostarse, entregados a un suculento ménage à trois que habría de transformar la historia. Drogados hasta las manitas de psicodelia, tuvieron un orgasmo denso y deprimente. Hablo de los maravillosos 90. La última década de la ingenuidad. Los años de la propagación del Sida, la guerra del Golfo Pérsico y la llegada de Internet. Cuando los adolescentes anhelaban de un ídolo, no importando quien fuera.

Por cada cuando la humanidad necesita seguir a un Mesías. Sea que esté o no de acuerdo el receptor de la admiración. Llámese Mahoma, Jesucristo, Steve Jobs o el Subcomandante Marcos.

Los trajeron de quienes abrevó el trío (cuarteto en su primer disco y en su etapa final también, tras la incorporación de Pat Smear), como Meat Puppets o los Melvins. Pero también de sus más o menos contemporáneos. Alice in Chains, Stone Temple Pilots, Soundgarden, Pearl Jam. Incluido el incestuoso retoño que engendraron los integrantes mezclados de estos últimos dos: Temple of the Dog.

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HALO DE JUANA MOLINA

En su quinta entrega discográfica, Lana del Rey parece regresar a lo básico y volver con un aire al estilo de Born To Die (2012), pero ahora, con mensajes más duros y canciones prolongadas.

De la mano de Interscope Records y con Rick Nowels como productor, Lana Del Rey buscó, una vez más, ambientar sus creaciones musicales bajo ese sonido de los años 50, aunque ahora, con tintes políticos que van más allá de solo amores tormentosos.

Un toque de trap, destellos de R&B, colaboraciones con artistas como A$AP Rocky, The Weeknd y Fleetwoock Mac, durante poco más de 70 minutos, Del Rey nos ofrece un disco que nos recuerda a sus inicios, aunque de una manera un poco más madura y un sonido mejor ejecutado.

Lana se niega a dejar la melancolía de lado y a pesar de darle un tipo de giro contextual, eso no evita que Lust For Life llegue a hacer tedioso y aburrido. Quizás Lana del Rey no busque dejar su zona de confort, pero este disco deja abierta las posibilidades de que lo haga en el futuro.

Juana Molina nos concede Halo, su más reciente placa; digna de ser escuchada de principio a fin, una y otra vez.

Cada canción te puede transportar a diferentes sensaciones, va más allá de lo que trata de decir con las letras. Un disco en el que los sonidos encajan a la perfección para despertar estados de ánimo a través de los arreglos musicales.

Juana Molina intentó transmitir un concepto experimental bien elaborado y rebosante de fusiones musicales, tales como el folktrónico, pop, ambient y psicodelia.

Este álbum contiene 12 temas y fue producido por la misma Juana Molina en colaboración con Eduardo Bergallo y Odín Schwartz. La disquera encargada de lanzar tan exitoso material fue Crammed Discs, el cual comenzó a grabarse en el estudio de Juana en Argentina para finalizarlo en el emblemático Sonic Ranch. No cabe duda que con la extensa carrera de Juana Molina, desde su debut en 1996 con Rara, logra una vez más destacar con el séptimo disco. La artista nos demuestra que es posible presentar un estilo diferente en cada entrega.

por Stephania Carmona

por Cecilia Rangel

LA LUCHA DE TYLER, THE CREATOR POR SER ÉL MISMO

por Cecilia Rangel

Tyler, The Creator nos muestra su lado más sensible este año. La atención está puesta sobre su cuarta y nueva placa titulada Flower Boy. Este material deja de lado esa faceta hostil y hueca para corregirse, y nos acerca de una manera sincera a sus angustias, también capturando reflexiones de amor y superación personal.

Esta producción comprende coros destacados y armoniosos, rimas pegajosas con la resonancia de su voz. La favorita de Tyler es ”See You Again” ft Kali Uchis.

Algunos tipos de argumentos que se encuentran en Flower Boy es el encanto de Tyler por ser el centro de atención.

Pasamos por los obstáculos en su vida, la soledad, su depresión e inseguridades para finalizar con ”Enjoy Right Now, Today”; una canción con un sonido brillante, sin letra.

Este material además ha sorprendido en cuanto a su sonido, ya que él mismo lo produjo.

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LUST FOR LIFE BY LANA DEL REY

EVERYTHING NOW DE ARCADE FIRE

4:44 AGRESIVO Y APROPIADO A LA VEZ

CAGE THE ELEPHANT: UNPEELED

La versatilidad del sonido de Arcade Fire ha sido plasmada en cuatro discos de estudio. Ya sea en el sonido o en las letras, Win Butler y compañía logran reinventarse un poco más con Everything Now. Para esta quinta placa musical, la banda liderada por Butler contó con Thomas Bangalter (Daft Punk) y Steve Mackey (Pulp) como productores bajo el sello de Sonovox Records. En él, Arcade Fire habla de la cultura de la inmediatez y la sobrecarga de información que vivimos actualmente. Refleja la necesidad de la gente por llenar sus vacíos con toda la información que pueda encontrar en la internet. Hace una crítica abierta a la inmediatez de las cosas.

Las canciones llenas de mensajes duros van acompañadas de ritmos alegres. Entre tintes de funk setentero y sintetizadores, estamos frente a uno de los discos menos pensados de la banda canadiense, pero también ante el más experimental y más arriesgado de ellos.

Un material que intenta llevar un mensaje que, así como lo habla en Everything Now, probablemente será olvidado en un abrir y cerrar de ojos.

Con tan solo 36 minutos de duración, 4:44 de Jay-Z, es solamente un artefacto único en su especie. Además de ello, es una pieza en la evolución, un documento del rap sobre la infidelidad y los cuates, sobre cómo la misma sociedad nos va configurando, en cómo la paternidad los va dirigiendo en una evolución personal.

Pero bueno, además de ello, este viene siendo el legado de cómo Jay- Z se refleja en el mundo, cómo es que quiere que lo recuerden; el legado que le dejará a sus hijos y el cambio que está queriendo hacer por la sociedad.

4:44 tiene insinuaciones sutiles que dentro de la revelación personal, una de las piezas más grandes del rap descubre su agudeza. Pero Jay-Z es un poco consciente de los conflictos y trata de conciliar las inconsistencias; él trata el negocio como otro ajetreo. Por supuesto, el juego de palabras que hizo y la médula legendaria no suenan fechados cuando están salpicados de sus fallas personales. Él examina ideas sobre la riqueza y el éxito con una confianza. Con esto, Jay-Z se mantiene frío y áspero cual retorno de un grande. Claro, sigue siendo el dios del rap odiado y amado por muchos.

Hace falta reiterar que Cage The Elephant forma parte del Corona Capital 2017, y casi como si pudiéramos adivinar el futuro, les aseguramos que después de tal suceso, México va a conocer a una de las mejores propuestas que trae el festival.

A través de violines y una versión más detallada de cada canción surge Unpeeled; una elegante recopilación de sus mejores canciones empezando por su homónimo (2008) con “Ain’t No Rest for the Wicked” y “Back Against the Wall”, la mejor versión de “Rubber Ball” del Thank You, Happy Birthday (2011) una gran parte del Melophobia (2013), hasta su último álbum de estudio Tell Me I’m Pretty (2015) con “Trouble” y “Punchin’ Bag” y tres covers: “Whole Wide World” de Eric Wreckless, “Instant Crush” de Daft Punk con Julian Casablancas y “Golden Brown” de The Stranglers.

21 temas en vivo, con un ligero cambio de instrumentos casi en su misma versión y el contraste de la energía de Matt Shultz con la quietud del resto de la banda.

por Stephania Carmona

por Benjamín Díaz

por Erika Rodríguez

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