Revista Kuadro No. 29

FOTOS POR QUIQUE ÁVILA

CARTA DEL EDITOR Tardamos esta vez un poco más de lo debido en llegar a ustedes queridos lectores, pero la satisfacción y garantía de ver este material por fin materializado, hace valer cada momento de pena y gloria.

Revista KUADRO es una publicación bimestral. Editor responsable: Javier Jarquín, con domicilio en Calle La Ideal No.54 Col. Industrial. México, D.F. C.P 07800 Delg. Gustavo A. Madero.

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Revista KUADRO considera sus fuentes como confiables y verifica los datos que aparecen en la revista en la manera que le es posible. Todas las marcas, logotipos, nombres e imágenes mencionadas en esta publicación, tienen derechos reservados. El uso de los mismos es solo de manera informativa. Revista Kuadro No. 29 “Darwinismo Musical” Oct-Nov.

Así que como la espera ya fue larga, entremos en materia. “Evolución” esa palabra que se define como “el cambio o transformación gradual de X cosa” y que siempre ha sido indicio de teorias, hipotesis, declaraciones y claro, tambien de roces, por que mientras algunas mentes se oponen al cambio, hay otras que hacen que esto suceda.

Lo mismo ha pasado en la industria de la música, la tecnología, el talento, las herramientas y hasta las mismas circunstancias, han contribuido a su evolución.

Shows, equipo, perfomance, instrumentos, producción, arte; todo ha cambiado y sigue en constante transformación. Algunos puritanos lo ven mal, otros sacan ventaja y nosotros les ampliaremos el panorama de este fenómeno que hemos titulado para esta edición como: Darwinismo Musical, artículos de oro puro que les darán una perspectiva más amplia y detallada de estos cambios.

Es seguro, que a estas alturas ya se hayan deleitado la pupila con nuestra nueva piel, en donde lucimos al colectivo de Londres de neon soul. Así es, tuvimos la oportunidad de sentarnos a charlar con la parte medular de Jungle y nos compartieron su perspectiva de la influencia de plataformas como Spotify, para definir line up de festivales o de Instagram para tendencias, además de que nos dieron detalles de su nueva placa y de su propia evolución musical.

Como cada edición, los arropamos en nuestras secciones de casa con recomendaciones para su biblioteca musical personal, reseñas de los últimos materiales que han visto la luz, un breve recorrido por los gigs que se llevaron nuestro aliento, y charlas con Cut Copy, La Banda Bastön, Ximena Sariñana, y otras joyitas más.

Este 2018 lo cerramos con nuestra edición #29 y con siete años de vida de este proyecto, en el que muchas personas con pasión, talento y amor por la música, meten mano, sudor y hasta lágrimas. Gracias a todo el equipo que hace posible esta continuidad, a los fieles parroquianos de Kuadro y a todas las personas con las que trabajamos día a día.

Y por supuesto, gracias al apoyo de ustedes que nos leen, que confían en el proyecto, que interactúan con nosotros a través de redes, en conciertos y cientos de momentos, de verdad, ¡gracias! Nos seguiremos la pista en 2019, que las sorpresas ya se están cocinando. ¡Disfruten de este material, que es suyo!

Javier Jarquín

REDACCIÓN

DIRECTOR GENERAL LAURA ROMERO EDITOR EN JEFE JAVIER JARQUÍN EDITORES WEB MARÍA JOSÉ SÁNCHEZ DORA MÉNDEZ MARTÍN VARGAS DIRECTOR DE ARTE IVANA CASTRO DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA BRENDA ARRIAGA MEDIOS & PRENSA BENJAMÍN DÍAZ RP CARLOS SAÍN MARÍA JOSÉ SÁNCHEZ JOSÉ CURDA

CARLOS VALLE MARIANA VELASCO MARTÍN VARGAS MARÍA JOSÉ SÁNCHEZ DORA MÉNDEZ DIEGO VENEGAS ERIKA RODRIGUEZ BENJAMÍN DÍAZ ARTURO J. FLORES JAY ROS ADAM NIETO DANIEL DABID JAVIER JARQUÍN JAVIER LUNA ENRIQUE GUTIERREZ CARLOS SAÍN KENYA GIOVANINI ERIC DEL REY EMILIO SANDOVAL SHARON PONCE MARIANA HERNÁNDEZ MARIANA MENDOZA NELLY MARTÍNEZ

FOTOGRAFÍA QUIQUE ÁVILA RODRIGO GUERRERO BRENDA ARRIAGA MARÍA JOSÉ SÁNCHEZ EMILIO SANDOVAL

DISEÑO

THE JAVISCONTRERAS EFFECT SAC MEDINA DANIEL SOLÍS MARÍA ALEJANDRA SH ROBERT “ZEPOL”

EN PORTADA JUNGLE; FOTOGRAFÍAS POR QUIQUE ÁVILA

El Drama La Tiene Despreocupada, Probablemente Ya Tampoco Le Importa Si Mató A Renata por Erika Rodríguez / fotos Brenda Arriaga

RK: ¿Cómo llegas a ese “no pasa nada, no importa”, es la esencia de todo el disco?

XS: No sé si es por la edad, la experiencia, los años de carrera, pero es un momento sano para decir “estoy bien con quien soy, no me importa lo que digan o piensen los demás”, es importante llegar a ese punto en la vida. Quizá no se va a ver reflejado en todas las letras pero sí es un disco en el que me encuentro en un momento muy

cómodo y en el que estoy tranquila, fueron las ganas de hacer un material nuevo para mí, reinventarme.

El reto aquí fue permitirme ser sin necesidad de probarme a mí misma nada, ni que me tuviera que costar mucho trabajo y pensar “si no te cuesta, está horrible”, hay momentos en los que solo se trata de disfrutar.

RK: ¿Cómo va a ser el show en vivo con este nuevo ritmo?

XS: Es de las partes más divertidas, es un reto siempre el incorporar nueva música a un show pero también es una oportunidad de montar un espectáculo que viva por sí solo. A mí me gusta mucho ir a ver a artistas en vivo en donde no necesariamente lo que escuchas en el disco es lo que ves en el show. Siempre me ha gustado tocar con músicos, es algo que voy a seguir respetando y los visuales están en el mismo proceso.Es como crear otro disco, es una experiencia más, porque

el disco lo grabas y al final existe ahí, pero el show en vivo es algo que repites y vas perfeccionando, experimentando distintos públicos y escenarios.

(Aprovechamos que a Ximena Sariñana le encanta crear y la plática se transformó en el rincón de Cositas, o para los más jóvenes en un Art Attack; el resto de la entrevista sucedió mientras nos representaba como se vería el próximo álbum si fuera un dibujo)

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¿Qué tiene si hasta hace cuatro años y casi siempre nos cantaba desde la melancolía y un corazón un tanto estrujado? Crecer, abrazar el cambio y bailar son las malas -buenísimasintenciones de Ximena Sariñana al regresar inesperadamente a nuestros oídos con un “¿Qué tiene?” en el que pareciera deja muchos de los issues adolescentes que cargamos toda la vida y que viene a representar un futuro álbum contenido de influencias dance, urbanas, hip-hoperas, R&B y electrónicas en 11 tracks que serán revelados hasta principios de 2019.

SOBRE SER MUJER ARRIBA, ABAJO DEL ESCENARIO Y SUS DIFICULTADES

“Si te gusta maquillarte o vestirte con una falda, ya por eso te ven con sospecha, como una artista plástica, es feo que puedan llegar a pensar eso por el simple hecho de ser mujer. Es una dificultad extra por la que todas las que nos dedicamos a esto tenemos que pasar, luego viene todo a lo que se enfrenta un músico: mantenerse vigente e inspirado.”

RK: ¿Cambia algo en ti como mujermúsico al ser mamá?

ANTE TODO, NACEMOS FANS Y XIMENA TAMBIÉN

XS: Yo creo que sí, coincidió que esta etapa de mi vida me encontré reflexionando mucho qué es la feminidad.

Para mí era muy importante aceptar mi parte femenina en este disco, y no en un lugar cliché como “muy niña”, más bien abrir esa discusión de qué es para mí ser mujer y mostrarlo ante el público, sobre todo en un trabajo donde siempre estás muy rodeada de hombres; tratando de comprobar que estás porque tienes talento, porque eres capaz de producir, escribir y no necesariamente siempre de la mano de una figura masculina.

RK: De canciones favoritas, ¿cuáles son las que envidias no haber hecho tú?

XS: Todo el Plastic Ono Band de John Lennon, me encantaría hacer un disco así, que fuera tan desvestido, con poca instrumentación y con un concepto muy transparente.

nudito en la garganta, con Radiohead también perdería la compostura, con Caetano Veloso fui la típica que interrumpió su cena, pero no le pedí foto eso sí me dio pena.

Antes de despedirnos nos contó que Andy Shauf es su último descubrimiento y de quien se está haciendo muy fan, descubrimos que no es tan mala dibujando como dijo serlo, y ahora sólo queda esperar un par de meses para escuchar por completo a una Ximena Sariñana a la que el drama la tiene despreocupada.

Probablemente ya tampoco le importa si mató a Renata, vamos a superarlo de una vez por todas.

RK: ¿Con quién se te sale lo fangirl?

XS: Con gente totalmente inesperada; Laura Pausini, para mí era top y cuando me invitó a cantar con ella se me hizo un

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Recordó a Russo, Hulda Guzmán y Georgia O’ Keeffe como una de sus más grandes referencias visuales al momento de escribir y reinventar su sonoridad; inspirada en la luminosidad, colores vibrantes, y la fuerza de la feminidad.

Nuevo Álbum, Nueva Música Y Nuevas Maneras De Presentarla

por Majo Sánchez / fotos cortesía

“También creo que hay un tiempo para todo: debe haber un tiempo en el que uno ya no se sienta tan cómodo en el escenario o la misma gente ya no te reciba tan bien. Yo creo que ya se verá, pero ahorita estamos alcanzando nuestro mejor momento. Creo que la historia de cada humano, de cada persona, proyecto musical, por llamarlo así, es diferente”.

Dr. Zupreeme y Muelas de Gallo se han armado de su pasión, de una familia y de aliados en el camino. Esto les han permitido no sólo mantenerse vigentes, sino convertirse en piezas fundamentales de la escena mexa del hip hop. Al respecto Muelas comenta:

Hacia finales de los 90 el hip hop llegó a México, sin embargo no había una forma de hacer las cosas. Todo surgía como resultado fortuito de la prueba y el error. Sin embargo, es necesario hacer mención de La Vieja Guardia, uno de los crews que determinó mucho la esencia y estética del hip hop nacional. Figuras como Gogo Ras, MC Luka, Dj Aztek 732 y La Banda Bastön fungieron como pioneros de una escena.

“Cuando hablo con Zupreeme, nos gusta pensar que vamos empezando porque a pesar de llevar tanto tiempo como una banda tenemos solamente dos LP apenas: el Todo Bien y Luces Fantasma.

Como quien dice apenas le estamos agarrando la onda hacer discos. Entonces yo creo que todavía tenemos que hacer siete u ocho discos.

Muelas: “Yo creo que uno hace esas cosas sin pensarlas. Cuando estábamos haciendo rap en aquellos tiempos, no pensamos en que queríamos establecer las bases o todo va a ser como nosotros

digamos, nosotros hicimos las cosas como pudimos pensar que deberían ser.

Con el paso de los años, todo esto tiene que ver con la experiencia. Entendimos en algunos de nuestros trabajos que debemos entretener a la gente. Me ha tocado ver algunos actos de rap que son más pretenciosos que otra cosa; son buenos para escribir, crean música interesante pero no entretienen a la

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“Los sueños se construyen, la realidad se derrumba”, esta es una línea de “Gracias”, la última canción de Luces Fantasma (2017). En la que se proyectan las historias personales de muchos de nosotros pero también las historias que han construido a La Banda Bastön, misma que en 2018 cumplen dos décadas de carrera.

El estilo de La Banda Bastön es una oda a la versatilidad, tanto en las letras como en los beats. En su más reciente álbum podemos ver el abanico de posibilidades que exploran para crear nueva música nueva y nuevas formas de presentarla.

Tanto Dr. Zupreeme como Muelas de Gallo son talentos que destacan en su área pero que estando en el escenario no se opacan, lo comprobé días antes de la entrevista ya que pude verlos en La Casa Del Lago y fue inevitable preguntarle a Mü sobre cómo la poesía lo ha influenciado a la hora de crear sus letras: “Yo creo que la poesía está en todos lados.

Por ejemplo: cómo van cayendo las sílabas en frases como ‘languidece en el verano’.

La conjunción de sílabas, las palabras la inflexión que hay en las consonantes a mí me llaman mucho la atención.

“Cuando mi papá se juntaba con sus amigos maestros a empedar siempre escuchaba cómo citaban a autores y se ponían a discutir, a discernir sobre filosofía, sobre pensamiento, sobre doctrinas incluso. Entonces siempre se me quedaron un montón de frases y un montón de maneras de entender la vida y así también frases que le escuché a mi abuelo. Algunas las meto en mis canciones en la manera que yo entiendo y de ahí viene una influencia bien grande y creo que tiene que ver con la poesía”.

es lo que le diría a los morros nuevos: una cosa es ser rapero o rimador y otra cosas es ser MC. Como maestro de ceremonias tienes un mensaje que dar, siempre tener un discurso, una filosofía de vida. Si de verdad quieren hacer eso, trabajen y que no les importe el resultado. En algún momento llegará y lo que sea que pase, estás haciendo lo que disfrutas”.

“Haré que los MC mejoren, que otros deliren y los demás se retiren. Aprenderán la lección en cada canción”. Es lo que rima Muelas de Gallo en “Cortázar” y tiene que ver precisamente con lo último que nos dejó como consejo: “La otra vez hablaba con un amigo japonés y me decía que allá en Japón siempre dicen ‘que disfrutes tu trabajo’ y eso se me hace chido porque si tú te dedicas a tu trabajo o te gusta tu trabajo no lo ves como una carga. Entonces eso

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gente. La situación aquí es entretener y hacer que la gente se divierta y dejar por ahí una semillita que va a crecer en un punto si tiene que crecer, dentro de su mente y la evolución va por ese aspecto”.

Solo Pasión Y Amor Al Arte Pueden Justificar Más De Treinta Años De Caminos, De Giras Y Festivales

Sus orígenes se remontan a más de treinta años atrás cuando Asa-Chang, reunió a más de 10 músicos de la escena underground de Tokio. “El movimiento de dos tonos de los años setenta llegó a Japón en los ochenta y comenzamos a reunirnos para disfrutar de algunos covers de las bandas que nos gustaban, como Skatalites. Incluso antes de que se formara la banda, ya teníamos un concepto llamado Tokyo Ska Paradise Orchestra.” Ahí, a lado de la legendaria banda de origen jamaicana de 1964,

podemos encontrar otras bandas emblemáticas que han influenciado su música como The Specials o Madness.

De los covers, pasaron a buscar un sonido propio, que se alejara de toda la chatarra comercial que crecía en la escena japonesa. Un sonido callejero, underground, sin pretensiones.

Básicamente, como cualquier otra banda de ska, que lo único que pide al espacio, es tiempo para jamear con los amigos, para ensamblar un sonido de orquesta, disfrutar un rato de la libertad que proporciona la música. Casi como si esas tres letras, estuvieran hechas a la medida de sus necesidades expresivas.

Por eso, cuando se les pregunta qué piensan sobre el paraíso no dudan en contestar: “es donde pueden conectar con su música con la gente”. Eso explica muchas cosas, y deja en claro que lo bello para ellos es lo comunitario. ¿Cómo enlazar con el público si ellos mismos no se comprometen? “Estamos muy cerca

el uno del otro. Todos amamos la música desde el fondo de nuestros corazones.”

Ese es el secreto tras su éxito, y que, a través de las décadas todavía conserven a más de la mitad de aquellos que iniciaron, sin perder la esencia.

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Mucho de ritmo, un poco de orquestra y otro poco de paraíso. Eso es Tokyo Ska Paradise Orchestra o “Skapara”, para los cuates, para los amigos de todo el mundo que no se dejan convencer por el EDM, el trap y el jpop. Esta banda es un referente mundial y promotor de un sonido tan improbablemente oriental como el ska. “Ciertamente le agrega emoción a la música, con su ritmo, y los offbeats que la aceleran y la energía que transmite”.

por Diego Venegas / fotos cortesía

Y eso se nota, en la energía que transmite en cada concierto, en cada nota, en cada nuevo disco. Como en su última producción Glorious, donde colabora con ILe, cantante y compositora puertorriqueña que fuera la voz femenina de Calle 13, y en donde solo hay una intención: mover el cuerpo, la pierna, pintar en el rostro una sonrisa. No podía ser de otra manera. Sólo pasión y amor al arte pueden justificar más de treinta años de

caminos, de giras, de festivales fatídicos por Europa e invasión de instrumentos por grillos.

Al final, eso es el ska, un sonido reutilizable, reciclable, pero nunca reducido. “¡El ska fue sensacional para nosotros! Tiene ritmos muy simples pero muy fuertes. Creo que eso es emocionante. A la gente le encantó.”

Lo que permite que el ska siga siendo un género muy famoso es su versatilidad.

“Debido a que la estructura básica es muy simple, se puede adoptar y hacer varias interpretaciones. Hay muchas bandas que mezclan rock, punk y metal en la música ska en Japón». Es increíble, que en esas tres letras, en eso que ellos llaman ska, quepan tantas historias, anécdotas y mensajes posibles.

Trompetas, teclados, sax, guitarra eléctrica, acústica, trombones, batería, bajo, múltiples posibilidades de percusiones, coros, piano, acordeones.

Vientos suaves, vientos fuertes. Reggae, rock, ritmos africanos y latinos, R&B, pop, principios de jazz y bossa nova.

Música de salón, de elevador, de playa, o de Vive Latino. Intro de manga, canción de videojuego o la mejor ejecución en vivo de un colectivo. La música de TSPO no conoce fronteras. Lo mismo colabora con artistas de la escena japonesa, como con los Auténticos Decadentes.

Lo mismo evoca a los Skatalites, o le rinden tributo al verdadero himno nacional “Cielito Lindo” o “Eres” de Café Tacvba. Al final la música no es de quién la tenga, sino de quien la trabaja.

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Mas unidad no significa dependencia.

Y por eso, la mayoría de los miembros tienen sus propios proyectos secundarios. “Kawakami tiene una auténtica banda de ska llamada Tsuyoshi Kawakami and his Mood Makers, o Kinichi Motegi con So Many Tears.” Sin embargo, cuando se trata de Skapara, cada uno de los integrantes está dispuesto a dejar un poco ese yo por ese nosotros, que al final es la esencia de un género que antepone lo colectivo sobre lo individual.

Del Convencimiento De Que La Música Nos Une

por Carlos Valle / fotos cortesía

No es de extrañar que haya existido mucha cercanía pese al formato de esta entrevista. En una llamada telefónica fue posible escuchar una historia de evolución, de cara a una plataforma multimediática abrumante como Internet, pero que ha sido provechoso para este proyecto dedicado al indie rock, rock alternativo y el new wave, pero sobre todo, a la necesidad de hacer música.

Por mera cuestión estilística, esta entrevista se volvió más plática casual, pero su mejor formato al final fue un monólogo.

―Es algo raro. Nosotros por lo general no lo vemos así. Por lo general la gente cree vivir en otro tipo de época a como cuando nuestros padres crecieron. Ahora la plataforma nos da algo diferente porque podemos llegar a las personas de una manera distinta. Incluso es cómo podemos hacer nuestra música.

Llegar al séptimo disco sin una gran corporación detrás de nosotros es algo que nos da gusto. Nos enorgullece el poder hacer música con nuestros principios y como queramos. Podemos tener la energía que hemos tenido con todos los miembros de la banda. Porque esa energía es lo que siempre hemos tratado de mantener a través de todo este tiempo. Hacer música no es lo mismo, no es que sea más fácil o más difícil, pero cada disco es diferente porque todos como personas vamos cambiando.

Tanto el mundo como nosotros hemos sido diferentes a través del paso del tiempo.

También la experiencia que adquieres como músico va evolucionando conforme

el paso de los años. Pero también en ocasiones resulta un poco más complicado realizar lo que queremos hacer, porque sabemos que podemos dar más.

Es un gran mérito y esfuerzo el tener a Medal-Johnsen en la producción después de haber estado en una gran disquera (aunque seguimos grabando en nuestro estudio). También cambia la dinámica de cómo tenemos que hacer las cosas; el tener otra voz en el estudio. Después de

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Tuvimos la oportunidad de tener una charla con James Shaw, guitarrista, productor y miembro fundador de la banda canadiense Metric, formada en 1998. Nos platicó sobre lo que vendrá para la agrupación en los próximos meses, así como algunas anécdotas. Dónde son y dónde están.

Luego de seis discos de estudios y una cantidad considerable de EPs y sencillos, este cuarteto canadiense parece que aún tiene muchas historias por contar.

Tratamos de no repetirnos. Una cosa es tener un sonido que nos identifique, pero tratamos de que cada disco tenga un sonido propio. Que se sienta diferente al resto. Cada material es especial para nosotros, por cómo hemos evolucionado en la banda a través de 15 años de trayectoria.

Los momentos que hemos pasado se reflejan cada vez que hacemos un disco.

También hemos aprendido del ojo del público. El internet ha sido algo maravilloso y en momento algo que seguimos sin entender. Nos pasó algo que nos arrastró un poco a nosotros.

Hemos visto que tenemos que luchar. El poder hacer de esto una manera de vida, porque amamos hacer música, es de lo que queremos seguir viviendo. Con todas las maneras de descargar o escuchar música, es fácil olvidar que hay un artista y varias personas trabajando del otro lado.

Tampoco nos quejamos de las ventajas que esto nos da. El no tener una gran corporación que nos diga lo que tenemos que hacer, podemos hacer nuestras cosas en nuestros propios términos. No solamente en tiempos, sino en ideas de cómo tenemos que hacer lo que queremos.

Porque uno de los aspectos que no nos gusta de internet es que es demasiado inmediato y es retomar un poco lo que comentamos al principio. Tratamos de hacer algo que perdura más allá de esperar que llegues a la siguiente estación.

Pero parece que ya nos estamos aclimatando a este modo de trabajar.

Esto no es algo fácil. Parece que todo esa exposición, que es algo que nos fascina, hemos encontrado que tenemos seguidores en lugares del mundo que ni siquiera conocemos. Esto nos ha hecho querer ir ahí a tocar, lugares donde la cultura y el idioma parece que son opuesto, pero la música es lo que nos une.

Metric se encuentra entrenando desde hace un par de días, su nuevo álbum que lleva por nombre Art of Doubt, material que seguramente estará sonando en los próximos escenarios a cerrar su tour de este año. Con paso firme y dejando en claro que siguen siendo de los favoritos de la escena indie mundial, los canadienses nos auguran que tendrán un 2019 muy movido, lleno de nuevas ciudades, escenarios y claro, ¡más música!

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tres discos fue una nueva dinámica que pensamos se refleja en este álbum, le da un giro a lo que estábamos haciendo.

Sobre Cómo Ser Hermanos Y Tener Una Banda

por Mariana Velasco / fotos cortesía

Son hijos del músico John Kongos, quien fue muy reconocido en los años 70. Son completamente autosuficientes: ellos escriben, producen y mezclan su propia música.

Johnny, Jesse, Dylan y Daniel vivieron ocho años en Sudáfrica, y gracias a su padre, siempre estuvieron rodeados de música y aprendieron producción desde muy chicos, por lo que un día decidieron probar suerte con un proyecto musical entre ellos. “Siendo hermanos es mucho más fácil permanecer juntos. Las peleas en una banda son normales, pero la

diferencia de estar con extraños es que, si un día los conflictos son irreparables, puedes fácilmente decir ‘no necesito esto en mi vida’ y romper”, dice Johnny.

Algo que hace peculiar la música de KONGOS es la influencia sudafricana.

No es que tenga alguna clase de ritmos tradicionales sudafricanos, sino que la vibra simplemente se siente cuando empiezas a escucharlos. Tambores fuertes; un sonido que según Johnny es “pegajoso, infeccioso y alegre”. Eso hace que sus canciones te llenen de energía y buena vibra, “Come With Me Now” es la canción más famosa de todo su repertorio por su peculiar inicio con acordeón. Ciertamente, ese es un inusual en el rock, pero usual en su obra.

“No tenemos reglas para ningún instrumento. Cuando estamos en el estudio simplemente llegamos al sonido correcto, que es la mezcla de todo lo que escuchamos y hacemos cada uno de nosotros”, dice Johnny acerca del proceso creativo de la banda.

Cada uno de los tres discos que KONGOS ha lanzado hasta el momento significa una etapa diferente. “Nuestro primer disco (homónimo) representó sólo el inicio, no pensábamos en disqueras o en salir en la radio o en revistas ni nada, sino que fue hasta Lunatic cuando nos dimos cuenta de que podíamos hacer

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Ser descendientes de un icónico compositor setentero, haber estado inmiscuidos desde siempre en los estudios de grabación y terminar en una exitosa banda con tus hermanos es algo que se definiría como destino. Este es el caso de KONGOS, un cuarteto de hermanos originarios de Sudáfrica que hacen un rock fresco y divertido; pero aún auténtico, pues tiene toques de ritmos sudafricanos.

KONGOS ya visitó México en dos ocasiones: en el Festival Corona Capital 2014 y posteriormente en un show propio en El Plaza Condesa en 2017. Johnny explicó que se sintieron anonadados por la reacción tan positiva del público en el festival y porque hubo mucha gente que los siguió hasta tres años después para verlos actuar por su cuenta. “Son excelentes recuerdos. La vez del Corona Capital nos quedamos en un hotel de la Condesa, nos subimos a un Uber y le pedimos al conductor que nos paseara por la ciudad por 45 minutos. Terminamos en una taquería cuyo nombre no recuerdo y nos encantó la comida. Nada comparado a la ‘comida mexicana’ que venden en Estados Unidos”.

El nombre del próximo LP de la banda es 1929 y va a reflejar todo lo que han aprendido, cómo han mejorado en estos años. “Va a sonar muy natural y bien trabajado, fue hecho en un muy bien ambiente”, aseguró Johnny. 1929 no será un lanzamiento cualquiera, pues planean hacerlo a través de un documental llamado Bus Call, que mostrará sus vidas mientras estuvieron de gira en 2016 y 2017. Cada capítulo estará musicalizado con canciones nuevas.

“No queremos que sea algo como ‘pues ahí está el álbum y nos vemos en otro par de años’. Queremos lanzar todo lo que tenemos poco a poco en la serie y luego las canciones por sí solas. Hay mucho material para eso, y posteriormente saldrá el álbum en duración total”.

“Creo que mi canción favorita de KONGOS sería “This Time I Won’t Forget” de Lunatic, porque es una balada muy relajada. Sé que nos conocen por nuestras canciones más rockeras, pero tracks así también son importantes.

Por otro lado, no hay algo que me guste ahorita” —dice Johnny acerca de la música popular—. “Todo lo que está en los charts me aburre. Lo que atrae mi atención en este momento es un nuevo sonido sudafricano llamado GQOM, pero no sé si nos influenciará en el futuro”. ¿Qué hace tan especial y fructuoso el trabajo de KONGOS? Es el hecho de que son hermanos: se acoplan, son unidos y siempre trabajan en un espacio en el que se mezcla positivamente la energía de los cuatro. Probablemente necesitamos más bandas así.

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una carrera de esto; ese disco nos dio nuestros primeros éxitos. Egomaniac fue la continuación para hacer todo más grande, pero cometimos errores a pesar de lo orgullosos que estamos de ese álbum. Ahora queremos aplicar lo que aprendimos de esas fallas en el próximo”.

Hacer Música Sin Pensar En Etiquetas

por Carlos Valle / fotos cortesía

Revista Kuadro: ¿Cómo se sienten de estar de tour por América Latina?

“Ya hemos estado aquí varias veces, muchas más en México, es nuestro cuarto tour y a través de los años hemos podido recorrerlo muchas veces y nos encanta. La energía de las personas de aquí es muy diferente”.

RK: Tienen una fanbase muy grande, a pesar de la diferencia de culturas...

“Sí, es algo extraño, pensamos que tal vez es una conexión en nuestra música y la cultura, y eso los hace querer bailar. No tenemos que decirles ni que hacer, simplemente se ponen a bailar desde la primer, hasta la última canción.

Es casi como una conexión espacial que tenemos con esta parte del mundo”.

RK: ¿Qué opinas de los ritmos que hay en México?

“Hay muchos ritmos para bailar y una emoción en la música que creo que no solo te hace bailar, sino que te puedes enganchar con las letras”.

RK: ¿Cuál es su opinión de la industria musical?

“Es buena y mala al mismo tiempo, de las cosas buenas es que al ser australianos estamos muy lejos del mundo, por lo que es muy difícil que nos escuchen en otro lado sin una disquera y la radio. Para nosotros fue muy difícil iniciar nuestra carrera, pero gracias al internet, pueden escuchar música en todo el mundo y eso para bandas jóvenes es increíble; lo malo es que tal vez no tengamos el mismo dinero que había hace 20 años. Para un artista es difícil vivir de esto”.

RK: ¿Y qué opinan de la música que se hace ahora?

“Aún se escucha música interesante. Con el stream, nos gustaría que los artistas vieran más de ese dinero reflejado en su trabajo. Es algo que ha cambiado, es caro estar en una banda y hacer música, toma tiempo y dinero.

No entras aquí para hacerte rico, pero si te gustaría vivir de eso, además creo que es justo que los artistas reciban más de lo que están recibiendo. Para que el mercado se está acomodando otra vez para eso, aunque tome un poco de tiempo”.

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Cut Copy, una de las grandes bandas de los últimos tiempos, visitó recientemente nuestro país y los músicos se dieron el tiempo para contarnos un poco más de su sonido y lo que han vivido en los últimos años.

RK: ¿Sienten peso del cliché de Australia al hablar de rock y que la gente inmediatamente piense en AC/DC?

“También somos DJ’s y montar un show en vivo que es lo que principalmente queremos sale mucho más caro que el set, pues no sólo se necesita una USB. En cambio en un show normal, hace falta todo el crew y los instrumentos. Por eso en la música electrónica es solo un tipo con su laptop tocando sus canciones y está bien, eso les gusta a muchas personas. Pero crecimos con una idea más tradicional de lo que debería ser un show, el ver a toda la banda tocando varios instrumentos, tocando tu último álbum creemos que es una de las fortalezas, tocar para la multitud y todo lo que genera”.

“Mucha gente no piensa así, creo que es una banda tan, tan grande que se les olvida que es de Australia y se sorprenden cuando se los recuerdas. También es reflejo de la diferencia que ha habido la última década en la música electrónica o por lo menos rock más tradicional, se ha vuelto más accesible.

Es algo que ha crecido el ser una banda de rock más tradicional”.

RK: ¿Ha evolucionado la música electrónica?

“Creemos que la música electrónica era mejor hace 10 años, había algo más para conectar con la gente que solo una laptop. En Australia, cuando empezamos no había esos actos, por eso empezamos abriendo para actos de punk y rock. Necesitábamos un buen show en vivo para sobresalir”.

“No somos una banda política, ni que sea parte de nuestra agenda, a pesar de que individualmente tenemos una; la música la hacemos como una escape a la pista de baile, para que durante la hora y media que dura nuestro show, te puedas desconectar y son de las cosas que te transportan de la música para bailar. Es sobre lo que se trata la música.

Hay un momento importante para las dos cosas. Escucho a Childish Gambino y Marvin Gaye, que es también importante escuchar lo que están diciendo, creo que es importante reconocer que hay momentos para las dos”.

RK: Es complicado categorizarlos en un género...

“Solo queremos hacer música sin pensar en las etiquetas, no es algo importante si somos synth pop o dance, las personas siempre forman su decisión. Eso es lo que importa.

Cuando empezamos, era un show para abrirle a Wolfmother que en el espectro musical, no estamos tan juntos”.

RK: Las letras de Cut Copy se sienten muy atemporales...

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RK: Además es más caro ser estrella de rock, un artista de hip hop solo requiere una caja de ritmos y está listo...

Debes Confiar En Tu Propio Talento Y En Lo Que Sale N Jungle en muy poco tiempo se ha posicionado como un nuevo referente, con un primer álbum que sorprendió a la crítica y al público por igual. Reseñas y ventas se volcaban sobre este sonido old school, pero con un toque fino y más moderno, no es solamente que suenan como una banda vieja, sino que ese groove lo han transportado al siglo XXI y a nuevas generaciones.

Con un show en solitario en el Auditorio Blackberry como parte de la gira que presenta For Ever, su segunda placa, Revista Kuadro se sentó a hablar antes del show con Josh y Tom, los cerebros tras el colectivo; donde se tocó su presente, su pasado, su futuro y cómo ven al mundo.

RK: Ya no es tan común que una banda funcione como un colectivo, ¿cómo hacen que funcione Jungle?

RK: Ser un par de ingleses que se conocen desde la prepa, ¿les da un contexto diferente?

J: ¡Sí! Muchos nos dicen que somos Jagger/Richards, pero creemos que es más similar nuestra historia a Lennon/McCartney, pero no sabemos qué va a pasar después, ha sido mucho tiempo el que hemos podido pasar juntos, ya es casi como un matrimonio. Pero siempre cae bien el ser comparados con ellos, aunque sea en ese aspecto. Nosotros apenas vamos empezando, todavía nos falta mucho por lograr.

RK: Hablando de eso su primer disco sorprendió a la crítica y al público, ¿qué opinan?

J: Fue una gran sorpresa, cuando empezamos hacer el disco no teníamos idea de que estábamos haciendo algo más grande que nosotros Ahora que el segundo está listo, solo queremos hacer más álbumes, más tours, más shows, más cosas, más música.

Con sus complicaciones, el segundo disco siempre es diferente.

En el primero no tienes reglas, para el segundo ya tienes un sonido establecido. Podíamos haber hecho otro con un sonido más clásico, pero no sería un disco de Jungle, porque ya hemos establecido algo, de otra manera te pierdes y el sonido es lo que les gusta a los fans.

RK: ¿Lo mismo sucede con sus videos? Las piezas que crean con esa narrativa, ¿también se sienten diferentes?

J: Nosotros somos los que hacemos los videos, como anteriormente lo dijimos, ese es el poder del colectivo aunque también tenemos gente asombrosa que nos ayuda con las coreografías, que es lo que nos ayuda a crear esa atmósfera y esa narrativa.

RK: Siendo de la generación que vio todo el cambio analógico a digital ¿qué piensan de cómo consumimos música hoy?

J: Creo que es grandioso que la música sea culturalmente accesible instantáneamente, en unos días le da toda la vuelta al mundo, no solo es compartir música es compartir cultura.

Que tampoco es algo nuevo, desde hace 20 años podías descargar música en napster, teníamos los mp3 que compartían y ahora creo que tenemos un mejor escenario para la bandas, porque otra vez se está monetizando la música. Es como uber, no puedes pelear con la tecnología, tienes que entenderla y abrazarla El mundo cambia y tienes que adaptarte. Nuestro primer récord vendió 800 mil copias. Ya no estamos en esas épocas donde Oasis vendía un millón la primera semana. Este disco ha vendido menos, porque muchas personas lo escuchan en streaming; que es lo que nos da gusto.

RK: ¿Esa es la razón por la cual Drake es el artista más vendido por Spotify?

J: Sí, que también es una locura de querer estar en el top 10 con Drake porque todo mundo lo escucha, con todos los followers de instagram, se crea una bola de nieve como Kim Kardashian,

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J: Somos un grupo de individuos haciendo arte, tratando de colaborar con más personas, con más ideas y que al final buscamos que pase algo, siempre es excitante trabajar con otras personas. Es más fácil que alguien se pueda concentrar en una actividad, alguien se encarga de los videos, alguien más hace al arte, hay que hacer la coreografía y es un trabajo en equipo. Siempre es complicado trabajar con varias personas, pero la unidad de la visión es lo que nos facilita que todos vayamos a la misma dirección de lo que queremos hacer.

Debes confiar en tu propio talento y lo que estás haciendo con lo que naturalmente sale, aceptas lo que puedes hacer y crees en eso. No intentas hacer algo que está fuera de tu alcance.

central

Naturalmente tienen tantos seguidores y siguen creciendo porque cada vez más gente los busca y eso es algo que Spotify parece notar por todo el alcance y te lo pone en todos lados.

RK: ¿Entonces pueden explicar este éxito en la era de las redes sociales?

J: Creemos que ese éxito ha sido porque creamos música que es honesta, hacemos algo que amamos hacer y se nota, porque así es más fácil conectar con quien sea, ahora todo mundo puede hacer lo que quiera, todos pueden hacer lo que quieran con su plataforma; lo que nosotros hacemos es más como un escape de la realidad, es algo diferente a lo que está en el día a día. Además es la manera de comulgar en un mundo con tantas ideologías, religiones y opiniones tan diferentes. Como artistas no queremos alinear a nadie y tratamos de tocar la mayor cantidad de personas posibles.

RK: Todo lo que ha cambiado de la época de los 70’s de Kiss a lo que se maneja hoy en redes, ¿cómo lo digieren ustedes?

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J: Nosotros buscamos dar un balance, queremos dar la parte del artista, por ejemplo: ¿quién era David Bowie?, ¿The Thin Duke?, ¿Ziggy? él era un enigma como los Stones o The Who, es una de las razones por las cuales están en un pedestal, ahora siento que conozco a Justin Bieber con todas las cosas que comparte y parece que las personas esperan lo mismo de ti, y es aburrido no quiero hacer lo mismo, no es lo que yo quiero compartir.

RK: ¿Se nota ahí más la brecha generacional que con los que están arriba?

J: Crecimos antes de que hubiera wifi, cuando descargar una canción tomaba horas, pero somos de una generación con otra perspectiva.

Vemos que la conexión entre personas es más difícil para los más jóvenes, porque siempre están con el teléfono. Cuando crecimos llamabas a la casa para decir que te veo en el parque y estabas en el parque. Aprendimos a vivir de manera conectada y sin conexión.

RK: ¿Los Festivales se han convertido en el nuevo estándar?

J: Los festivales siempre son excitantes por convocar a tantos músicos, es como music camp para nosotros. Tienes la oportunidad de ver al headliner que todos quieren ver y aprovechas para darte a conocer. A veces solo hace falta una canción en vivo para ganarse un nuevo fan que no tenía idea que existías. Pero sí son hoy en día un estándar, con todo que ahora son muy eclécticos, pero eso es muy bueno, ya que siempre tienes una audiencia lista para descubrirte y con Spotify, eso nos fascina. Lo vemos como que siempre tenemos un público nuevo al cual conquistar.

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¿Recuerdas tu primer concierto? ¿Qué recuerdas de él? Seguramente el cómo te sentiste: la emoción recorriendo tu cuerpo. Esa emoción que hace un hueco en el estómago. Las personas a tu alrededor. Las luces.

Las canciones. Sobre todo la confrontación sensorial y onírica con la realidad en el instante cuando termina el concierto.

El poder de ellos es una de las formas de consumo musical (sí, estamos hablando de dinero) que ha mutado y se ha enriquecido con el paso de los años (sí, estamos hablando de otras formas de conseguir más dinero). Sin embargo, no hemos pensado ni valorado en un aspecto sustancial en este tipo de eventos: la puesta en escena.

Para analizar la importancia de la puesta en escena y cómo esta ha logrado evolucionar y trascender con el paso de los años es necesario analizarla a partir de sus elementos primarios.

Imaginar los primeros conciertos de rock nos remonta justo a estos elementos básicos donde el lenguaje visual en el escenario resultaba aún muy rupestre. Algunas luces iluminando solo lo necesario, los

-“EL SHOW DEBE CONTINUAR” SU CAMINO DE EXPLORACIÓN HACIA NUEVOS LENGUAJES-

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instrumentos, algo de equipo de audio. La banda tocaba en un bar de mala muerte. Sin más. La magia de la música ocurría de una forma primitiva que buscaba nuevas formas de expresar un mensaje más allá de lo evidente.

Seguro en tus recuerdos están incrustadas las imágenes de las primeras presentaciones de The Beatles ¿Cómo las describirías? Un tanto planas, sí, pero poderosas. Cargadas de una fuerte simbiosis entre público y banda. Puedo afirmar que los originarios de Liverpool fueron los primeros en entender el potencial de las presentaciones en vivo y la gran energía que puede mover un buen show (sí,también pensaban en dinero).

Con esta conciencia y demanda de crear shows cada vez más elaborados (que cuestan y se pagan por más dinero), la intención era crear nuevas experiencias. Las pequeñas presentaciones migraron a los grandes espacios, como muestra están los primeros festivales musicales. Necesariamente en Estados Unidos. Necesariamente de rock.

Durante la época de los 70, cuando el rock había alcanzado la perfección —según Homero Simpson y yo—, aparecieron bandas como Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath.

Estás bandas abarrotaban estadios, como lo hizo The Beatles en su momento, sin embargo, la atmósfera y la forma cambiaba hacia una estética diferente en la que todo importaba; se pensó para que el fulano de la última fila tuviera la misma experiencia, o por lo menos algo parecido, a la de los de la primera. La

apuesta era hacer de cada concierto algo diferente, algo mítico de lo que un mortal pudiera ser testigo. Si no pregúntenle a Ozzy Osbourne sobre el murciélago al que le arrancó la cabeza de una mordida.

Al llegar la siguiente década, la fórmula no había cambiado mucho. Luces, pirotecnia, algo de maquillaje por aquí y unos tacones por allá: el glam había llegado a los escenarios para darle teatralidad al show business.

Mötley Crue, Guns & Roses y Queen fueron los maestros de esta nueva forma de presentarse en vivo. La exageración, los solos de guitarra con chispitas de pirotecnia, conformaron lo que sería llamado espectacular y casi inalcanzable. Lograron dotar de una nueva estética al concepto del rockstar.

Durante los siguientes 20 años de historia del rock sobre los escenarios dominó el concepto, la atmósfera creada en la puesta en escena tenía razón de ser. De alguna forma todo encajaba dentro de un universo creado para durar un poco más de una hora y media.

Esta generación de músicos no estaba descubriendo el hilo negro de los shows en vivo, sólo lograron por primera vez poner todo junto y darle un estilo y sentido uniforme a las diferentes direcciones que cada elemento sobre el escenario tenía. Se trataba de exponer el potencial de sensaciones con la fuerza de su sonido.

Hoy día en la era digital, la búsqueda constante de formas para transmitir nuevas sensaciones (bitcoins, PayPal y otros eufemismos para decir dinero) y las posibilidades de revolucionar los shows son infinitas. Es por eso que shows como los de Gorillaz, Björk, Miku Hatsune —primer artista virtual— o Kraftwerk, han logrado mezclar la tecnología y música para convertir sus presentaciones en algo que rebasa los límites de lo establecido hasta ahora “El show debe continuar” su camino de exploración hacia nuevos lenguajes. Sin embargo, muy a pesar de toda la evolución que ha ocurrido sobre los escenarios, siempre habrá grandes experiencias universales que hacen de un concierto inolvidable.

Tan inolvidable como es que, sin esperarlo, te caiga un vaso de pipí en la cabeza mientras ves a tu banda favorita.

por María José Sánchez / Ilustración Sac Medina

Aun Las Implicaciones Tecnológicas, Siempre Habrá Motivos Para Asistir A Los Conciertos

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Aunque no se conoce con exactitud la fecha en que surgieron, los conciertos siempre han tenido como esencia la contemplación de la ejecución musical. Naturalmente esto tuvo más sentido cuando aparecieron los primeros soportes capaces de registrar un sonido; ya no era necesario ir personalmente con un músico para escuchar su creación, pero la experiencia de ver cómo la crea es algo distinto.

Después de la Segunda Guerra Mundial los conciertos se convirtieron en lo que hoy conocemos. Luego del surgimiento de la radio como medio de comunicación, la invención de la televisión y un periodo propicio para el crecimiento económico, el entretenimiento musical pudo florecer como negocio. Pero los lugares en donde se presentaban la mayoría de los músicos eran salones de baile o bares de no muy buena reputación.

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por Martín Vargas / Ilustración TheJavisCEffect

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¡Pero ese era el sueño de los creadores musicales! Encontrar que alguien los escuchara y, con suerte, firmar un contrato con una disquera. Contrario a lo que se pueda pensar, el primer concierto contemporáneo del que se tenga registro fue Moondog Coronation Ball, una suerte de festival radiofónico.

El 21 de marzo de 1952, en la Arena Cleveland en Ohio, Alan Freed, un reconocido locutor y por recomendación de Leo Mintz, dueño de una tienda de discos local.

La mala organización —parece que la historia siempre se repite cuando se da la oportunidad— del evento provocó su cancelación apenas iniciado. Un cartel lleno de músicos jazz, necesariamente afroamericanos, y otros exponentes de R&B: The Dominoes, Tiny Gimes (guitarrista) Paul Williams (saxofonista) y un público sorprendido de que Freed fuera blanco. No habrá sido un éxito, pero sí lo que especialistas llaman un ‘Big Band para el rock and roll’.

Luego vino un proceso de grandes cambios. La música no había sido como una industria tal sino hasta la entrada de una banda. Para la fortuna de muchos y el desprecio de otros tantos más, las giras extenuantes entraron a escena gracias a The Beatles. Antes eran aquella banda que iba en una camioneta sin parabrisas, según Neil Aspinall en el documental The Beatles Anthology, cuando el cuarteto probaba suerte en alguno que otro estudio. El éxito les llegó a tal grado que debían viajar en una camioneta sin parabrisas y debían alternarse de lugar para conservar la temperatura.

Entonces llegó la beatlemanía. La locura juvenil abarrotaba los conciertos del cuarteto; entonces no importaba más que estar ahí y la música pasaba a un segundo plano frustrante.

El éxito radicaba en la figura antes que en la calidad de la presentación: como muestra está el documental The Beatles: Eight Days a Week - The Touring Years de Ron Howard.

Aunque no todos los músicos tuvieron la misma suerte con las presentaciones en vivo, para finales de la década de los 60 se volvió a los orígenes.

Como mencioné párrafos arriba, el primer concierto como lo entendemos ahora del que se tenga conocimiento fue una suerte de festival. La radio, naturalmente, justificó y legitimó la calidad de los festivales: la curaduría de los carteles corría por parte de emisoras famosas. Tal es el caso del primer gran festival de rock, eclipsado por otros como Woodstock. El Fantasy Fair and Magic Mountain Magic Festival se celebró en junio de 1967 en Marin Country, California, gracias a la influencia de KFRC 610 en AM. Esta era la estación estrella de RKO Radio. La organización corrió por parte del dirección de la estación Bill Drake.

Aunque la concurrencia fue de cerca de 36,000 personas— poco más de las 25,000 que registró el Monterrey Pop Festival en 1968; aquel mítico evento donde Jimmy Hendrix quemó su guitarra y Pete Townshend destrozó la suya— la semilla ya estaba plantada. The Doors, Jefferson Airplane, Penny Nichols y otros más llevó música, drogas, amor y paz a la juventud californiana en lo que después se conoció como el Verano del Amor. Woodstock, por su parte, pasó a la historia por congregar 400,000 asistentes.

Podría decir sin temor a equivocarme, que el sentimiento de unión ya no se iría de los asistentes a cualquier festival musical; pero la historia y la industria nos ha mostrado otra cara. Ahora, con los múltiples festivales que existen, ya no sólo en el mundo, sino en nuestro país, queda una pregunta latente: ¿cómo es que se han mantenido en tendencia a lo largo de los años? Pues esta es una época donde nada parece permanecer y las barreras musicales tienden a desaparecer.

Tal vez esa es la pregunta a responder la próxima vez que nos dispongamos a adquirir un bono sin saber nada del line-up.

La Industria Se Encontró Por Muchos Años Controlado Por Los Medios Convencionales Y En Eso Llegó Internet

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La industria de la música como la conocemos hoy en día, se debe entender de distintos modos. Claro, depende del contexto y este puede incluir, desde luego; el país, el momento histórico y el momento sociocultural de la región.

Aunque la creación artística no está intrínsecamente ligada al dinero, la música demostró por muchos años que el billete mandaba, pero como todo en la vida, algo cambió.

EL PODER DEL MAINSTREAM En el caso de nuestro país, la industria se encontró por muchos años bajo el poder de empresas que controlaban el entretenimiento a todos niveles. Eran los años de la exclusividad y los canales de difusión eran limitados para la audiencia. El control lo tenían unos pocos y tú no podías decidir qué escuchar.

El respaldo de una empresa disquera te daba la oportunidad de tener a tu alcance a productores, músicos, ingenieros, mánagers y todo lo que se te ocurriera, con el simple tronar de tus dedos. Era la época del artista inalcanzable.

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-EL DIY EN LA MÚSICA EMPEZÓ, AUNQUE NO LO CREAS, EN 1977-

Fue en 1977, cuando los Buzzcocks, un grupo de punk, generó aquel primer EP totalmente independiente que a la fecha es reconocido como una de las primeras, si no es que la primera producción Do It Yourself (DIY), totalmente independiente de las disqueras como las conocíamos.

LA TECNOLOGÍA COMO DETONADORA DEL DIY Aunque los medios para desarrollar un proyecto musical comenzaban a ser accesibles para algunas personas, no bastaba con tener un demo o un EP grabado: la industria seguía estando en el poder de algunos cuantos. Aunque podías grabarte haciendo ruido, no contabas con las formas de poder darte a conocer entre un público mayor al de tu barrio.

El proceso de dar a conocer tu música volvía al mismo punto, convencer a una disquera. Una disquera que invirtiera plata y creyera en ti.

Muchas disqueras lograron captar nuevo talento con estas grabaciones hechas en casa, y en algunos circuitos musicales que existían en cada ciudad, pero los dueños del pastel seguían siendo los del dinero.

Es en la época moderna cuando la revolución tecnológica rompe esquemas de lo que conocíamos como el “DIY” o “Hazlo tú mismo”.

Ya no solo podías grabarte haciendo berridos, ahora también existían los medios para que tu producto fuera escuchado por un loco al otro lado del mundo.

Las herramientas te permitían ser el productor, la vía de distribución y hasta el marketing de lo que personalmente llamas arte. O bien, ahora ya no son necesarios los programadores de radio, uno mismo hace una playlist y decide que sonará en su vida.

El negocio había cambiado, y ahora eras capaz de generar tu ‘propia empresa artística’, con tu amigo como staff, y un conocido como mánager.

La digitalización del negocio nos da la oportunidad de ser nosotros mismos, desde nuestra posición de creadores, o simples consumidores. Ahora como los responsables de cambiar el paradigma de la música o dejar que lo siga controlando los de siempre.

por Daniel Dabid / Ilustración Daniel Solis

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Divos y divas musicales que coparon radio, pantallas, y tiendas de música con un marketing impresionante, muy bien armado y que representaba miles de millones de pesos.

En aquellos años podría haber decenas de personas detrás de una canción, decenas de rostros e historias que jamás conoceríamos.

EL INVITADO INCÓMODO La música se convirtió en un movimiento social y dejó de ser ‘tan’ inalcanzable. La variedad de estilos explotó en todo el mundo, la contracultura había surgido de un modo orgánico en casi todo el mundo. El underground comenzaba a tomar forma.

En México, esta explosión llegó con sus limitantes y sus nacionalismos que incluían que esta rebeldía patrocinada por los antes mencionados dueños del entretenimiento nacional.

Al igual que en buena parte del mundo, la música rebelde y contestataria, era posible y ya la realizaban muchos, pero si querías lograr un éxito medianamente aceptable tenías que entrarle al negocio de las disqueras establecidas.

Muchos géneros y grupos musicales se adaptaron a la industria que existía, por que según ellos nacieron para que todo el mundo los escuchara.

Aunque por otro lado, existía un grupo de gente que no buscaba eso, estaban aquellos que habían nacido para perder y eran el invitado incómodo de la industria de la música como la conocíamos: el punk.

La autogestión puede ser referida de muchos modos por la cultura —no el género— punk, y su intento por mantenerse apartados de lo establecido y lo convencional.

El accionarse y autogestionar la vida propia, en todos aspectos fue un reto para el mundo en general, y para la música no fue la excepción.

Los 140 Millones De Usuarios Activos De La Compañía Sueca, Avalan El Éxito De Los Servicios De Streaming

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O la música en los tiempos del streaming. O la gran transformación de la experiencia de escuchar una canción. Ya en 1997, Radiohead, lo había advertido con un álbum cumbre,Ok Computer. La tecnología y la electrónica eran el futuro, para bien o para mal.

La pregunta estaba, en cómo utilizar el desarrollo tecnológico como herramienta emancipadora y no una enajenante. Al menos en la música, el paso ya estaba dado, sobre todo con la conversión de MTV en la meca musical en el que bastaba un gran video para que te conocieran en el mundo.

Sólo había que ver todo lo que estaba sucediendo.

El auge de la electrónica y losraves, el crecimiento acelerado de las pequeñas productoras y la música indie, el surgimiento de una banda virtual como Gorillaz, la aparición de programas como Winamp o Itunes para escuchar tus canciones descargadas

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ilegalmente a través de Limeshare o Ares, el mp3 y un extraño mp4 que no siempre sonaba en el estéreo del coche. Luego vinieron los ipodsshuffle, nano, primera, tercera, cuarta generación, y se pensó que eso era el futuro definitivo, toda la música en un sutil y genial aparato que te dejaba hacer listas, borrar canciones, acceder a tu catálogo desde artista, género, álbum o hasta compositor. Pero no, todavía faltaba (y falta) mucho futuro.

Hoy, todo eso, parece historia antigua o un llamado a la melancolía de muchísimos millenials. De ese encanto de regalar un disco grabado a alguien especial o de creerse programador con una memoria USB poco queda. Todo cambia: el rock, lo alternativo, las bandas, la moda, el mundo.

Nos guste o no, lo digital ha reemplazado lo físico. Unclick, una tarjeta de crédito y un celular, son suficientes para tener el mundo al alcance de la mano: compras, transporte, citas, comida, boletos de avión, servicio de lavandería, películas, series, y por supuesto música.

Es sorprendente saber que solo ha pasado una década y un par de años desde que se fundó Spotify y que, hoy, es un gasto tan necesario como la luz, el Internet, o la renta. Bueno, para algunos. Apple music, Deezer, Google Play, Amazon Music Unlimited, Tidal o SoundCloud, han venido a revolucionar la

por Diego Venegas / Ilustración María Alejandra SH

- “LA RECOMENDACIÓN BOCA EN BOCA HA SIDO REEMPLAZADA POR UNOS ALGORITMOS INTELIGENTES QUE CREA UNA SELECCIÓN ESPECIAL PARA EL USUARIO”-

música y a acaparar la forma como nos relacionamos con los artistas y sus productos. Los 140 millones de usuarios activos mensuales sólo de la compañía sueca, avalan el éxito de los servicios destreaming. Es innegable reconocer las ventajas que las aplicaciones de música ofrecen, más allá de todas las críticas sobre lo poco que se les paga a los artistas, y la pérdida de la experiencia musical. Son prácticas, fáciles de usar y cómodas. Si lo vemos con optimismo, representan la posibilidad de acceder a una extensa audioteca online con artistas de todas épocas, géneros, estilos, sin esforzarse en buscar y pagar por los discos en una tienda. Lo mismoChopin queMaluma, lo mismo la Mala RodriguezqueJohn Coltrane, lo mismoAvicciqueNick Cave & the Bad Seeds. Si a estos servicios, se cuentan también el creciente mercado de podcasts en línea, y los millones de usuarios que descubren música a través de Youtube, pues… “welcome my son, welcome to the machine…”La recomendación boca en boca ha sido reemplazada por unos algoritmos inteligentes que crea una selección especial para el usuario. Las listas, antes definitivas a las que no se le podía ni agregar ni quitar canciones, ahora, se caracterizan por una flexibilidad inédita en donde todo cabe aunque el usuario no sepa acomodar. Por si no fuera suficiente, las plataformas cuentan con curadores especializados, algo así como programadores de radio 5.0, que seleccionan contenido para los cuatro estados de ánimo, cruda, pacheca, depresión o erizo. It’s evolution baby, gritaría a todo volumenEddie Vedder. Para bien o para mal.

Claro que siempre habrá personas que se resistan al futuro, a la tentación del reggaetón, de la electrónica, o del trap, más como una necesidad casi natural que como una necedad.

Ahí están los ídolos inalterables estiloDave Grohl. Están los metaleros y las tribus que proclaman una pureza inexistente de su género, los que conservan los rituales casi religiosos del vinyl, de la escucha completa e ininterrumpida del disco. Están también los estoicos que defienden a las tiendas de música del triste desenlace de losBlockbusters, o los que resguardan sus colecciones físicas como tesoros faraónicos. El futuro será de quien lo trabaje, de quienes puedan al fin conservar la esencia de sus actos. Lo de hoy es el streaming. Mañana… ya veremos.

CUT COPY LA ROMPE EN EL PLAZA

POR JAVIER LUNA / FOTO RODRIGO GUERRERO La noche del pasado sábado 13 de octubre, Against Me! tuvo una presentación sublime en SALA Puebla haciendo una de las mejores presentaciones de punk del año.

POR BENJAMÍN DÍAZ / FOTO CORTESÍA La última vez que pude disfrutar a la banda australiana fue hace varios años cuando presentaron Free Your Mind en el ya extinto José Cuervo Salón por ahí del 2014,

Laura Jane Grace y compañía dieron un repaso por toda su discografía y con un setlist que constó de 23 canciones, demostraron porque son una de las bandas más influyentes de los últimos años dentro del punk.

Este año Cut Copy, regresó a los escenarios de tierras mexicanas para presentar Haiku From Zero y el lugar elegido fue El Plaza Condesa. Diré que este show y es una joya de synth pop en vivo, aunado a la compañía de Mylko.

Canciones como “Stop!”, “Trash Unreal”, “Up The Cuts”, “White People For Peace” y “American Abroad” fueron las elegidas por la banda para tocar de este álbum irónico para la historia del Punk Rock.

Ese típico baile de Dan Whitford hace que te den más ganas de bailar, si se ve que él lo está disfrutando ¿Por qué tú no? Así pasaron de las 21hrs hasta las 23:30hrs para que el show en un abrir y cerrar de ojos se terminara. Cabe destacar que la banda siempre da un show muy auténtico, cada miembro se destaca al son de cada instrumento tocado. Así sonaron éxitos como “Need You Now”, “Take Me Over”, “Nobody Lost, Nobody Found” y los éxitos más sonados en toda su carrera “Hearts on Fire” y “Lights & Music”.

Pero no solo sería presentar este disco, Against Me! tenía preparado un setlist largo con joyas como “Unconditional Love”, “True Trans Soul Rebel”, “Black Me Out”, “Miami” y “Sink, Florida, Sink” fueron el clímax y donde todos los fans dejaron el alma en el recinto, que bien sabemos, es pequeño pero con una acústica perfecta.

Against Me! vino a dar todo a nuestra ciudad, y lograron hacer un show único que será recordado por sus fans para toda la vida. Son una banda icónica y quedó muy claro, la pasión que manejan no se compara con ninguna otra banda.

Mucho baile, amistad, reencuentro con viejos fans y con unos nuevos. No tan nuevos.

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AGAINST ME! Y SU REGRESO TRIUNFAL A MÉXICO

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UN DÍA DE LIBERTAD EN EL HELLOW FESTIVAL 2018

AL MÁS PURO SONIDO BRITÁNICO DE JOYNNY MARR

POR ENRIQUE GUTIERREZ / FOTO RODRIGO GUERRERO

POR CARLOS SAÍN / FOTO EMILIO SANDOVAL

El Hellow Festival celebró su noveno aniversario de la mejor manera, pues presentó un cartel variado para poder complacer el gusto de cada uno de los asistentes.

Johnny Marr llegó a la CDMX con un escenario súper sencillo, sin nada en especial y con los acordes de “The Tracers” arrancó el recital. El músico que es considerado un genio musical, encendió el Plaza con “Bigmouth Strikes Again” rola que compuso al lado The Smiths.

Una tardecalurosa que no fue impedimento para que disfrutar del buen ambiente. Álvaro Díaz fue el primer talento en tomar el East Stage, mientras que Grouplove fue otra de las bandas que visitó por primera vez Monterrey.

Kali Uchis no se cansó de derrochar talento y sensualidad, pues incrementó la temperatura con su inigualable voz y llamativos bailes. Jimmy Eat World hizo su regreso triunfal a tierras aztecas, después de cinco largos años de espera.

Tyler, The Creator demostró ser todo un showman gracias al buen dominio que tiene sobre su escenario multimedia. La presentación estelar fue la de Maroon 5, banda que regresó a México como parte de su gira Red Pill Blues. Nervo se presentó ante un público cansado por estar mucho tiempo parado; no obstante, el dúo de música electrónica cerró dignamente esta edición del Hellow.

Para continuar con un viaje por el sonido puro de Mánchester, llegó “Jepardy”, sencillo de su nueva producción, para después dar paso a “Day in Day Out”, ”Hi Hello”, canciones donde nos enseña el porqué de los halagos que la crítica ha mencionado en su regreso.

Para una noche perfecta, más canciones perfectas, tanto de su carrera en solitario como con los grandes proyectos que realizó como The Smiths y Electronic; como “Hey Angel”, “Last Nigth I Dreamt That Somebody Loved Me”, ”Spiral Cities”, ”Get The Messege” y ”Easy Money”.

Para concluir, sonaron esas canciones poderosas de su carrera, al grado que llegaran a ser parte del soundtrack de vida para muchos, como son “How Soon Now” y “There Is Ligth That Never Goes Out”.

Johnny Marr un humilde genio que lo vistieron de villano pero con capa de héroe, donde la razón musical siempre lo respalda.

POR BENJAMÍN DÍAZ / FOTO RODRIGO GUERRERO Imagen femenina, sensual y poderosa. Todas estas visiones se proyectaron en El Plaza Condesa cuando se anunció el regreso de Kali Uchis a CDMX. La euforia se hizo presente y se convirtió en uno de los shows más demandados.

Este regreso se hizo acompañado de su disco debut Isolation, que salió este año y que lo hizo en compañía con grandes nombres como Damon Albarn, Jorja Smith y Tyler, The Creator y pues bueno, este era el pretexto ideal para hacer acto de presencia con un acto en solitario.

La joven de 24 años que radica en EE.UU pero originaria de Colombia pisó tierras mexicanas en un show que empezó a las 21 hrs y que terminó un poco después de las 22 hrs, sí, nos dejo con ganas de más, pero los resultados fueron los necesarios y los que necesitábamos. Con canciones de su primer EP Por Vida (2015) como “Rush”, “Loner”, “Ridin’ Round” y con música nueva como “Nuestro Planeta”, “Tyrant”, “Dead to Me” hicieron que el tiempo y el calor sacudiera el recinto.

SIMPLE MINDS Y LA ESPERA TERMINÓ…

POR KENYA GIOVANINI / FOTO MAJO SÁNCHEZ No importa si el tiempo comienza a cobrar la factura de esos años de exceso y mucho rock and roll, mientras sigamos disfrutando de la música y haciendo lo que nos apasiona todo vale la pena… hasta la calvicie. O al menos así lo transmitió Jim Kerr, vocalista de Simple Minds, durante su presentación en el Pepsi Center.

Kerr dirigió unas palabras y se disculpó por demorar más de 30 años en pisar tierras mexicanas; justificando con un poco de humor, que si no habían venido era porque nadie los había invitado.

Sus hits más ovacionados fueron “She’s a River”, “Someone Somewhere in Summertime”, “See the lights”, y sí, “Don’t You (Forget About Me)”, tema que se ha robado el corazón de varias generaciones y con el que los asistentes dejaron el alma en la pista.

La noche finalizó con “Alive and Kicking”, dejando a los presentes felices y satisfechos, mientras que Jim y compañía agradecieron una vez más y prometieron volver pronto.

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KALI UCHIS LLENA DE SENSUALIDAD AL PLAZA CONDESA

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MARK LANEGAN Y SU REGRESO A CDMX

NICK CAVE Y LAS ALMAS QUE TRASCENDIERON UNA NOCHE

POR ERIC DEL REY / FOTO CORTESIA

POR MARÍA JOSÉ SÁNCHEZ / FOTO CORTESÍA

Mark Lanegan ha sido un personaje siempre activo en el mundo del rock alternativo y ha llegado a colaborar con Nirvana, Queens of the Stone Age, entre muchos otros y es así que su camino lo trajo a cruzarse, una vez más, a la caótica Ciudad de México.

La noche comenzó con “Jesus Alone”, la figura de Nick Cave entró al escenario, alta, larga, imponente. Vestido con un traje negro, desenfadado y natural, pero con un porte increíble. El show comenzó envuelto en una atmósfera llena de misticismo y energía que buscaba un escape, un lugar donde explotar.

Una guitarra, un teclado, una caja de ritmos y tres voces es todo lo que se necesitó para llenar de energía el Plaza Condesa. Con sólo dos músicos y la presencia de Lanegan se presentó un concierto que recreó el concepto de intimidad. Cercanía que se veía en un público que ha seguido al músico desde su faceta más ruidosa y ahora que presenta música más madura y que deja entre ver el kilometraje recorrido.

“Loverman”, “Red Right Hand” desbordaron energía. Era como si el ambiente estuviera electrizado. Todos en trance e hipnotizados por los movimientos de Warren Ellis sobre el escenario. Él también se dejaba embriagar por la pasión que en ese momento se había convertido en -nuestra- energía vital.

Casi dos horas de recital dejaron al público embelesado con el dolor de sus letras, la pasión de la interpretación y lo áspero de su voz, todo ese tiempo de música y no fue suficiente, muchos nos quedamos con ganas de más. Al final, el cantante ratificó el gozo de la noche, salió a dar autógrafos y a convivir un poco con sus fans.

El mood continuó con “Distant Sky”, donde la voz de Else Torp se hizo presente y vimos su rostro proyectado en las pantallas gigantes.

“Tupelo” y “Jubilee Street” sonaron por todo el Pepsi Center preparando a todos los asistentes para el momento cumbre.

Con “Stagger Lee”, perdimos la cabeza, gente de la multitud empezó a subir al escenario. “Es el concierto del año”, “es el concierto de mi vida” pude escuchar mientras salíamos del Pepsi Center.

Por una sola noche, Nick Cave & The Bad Seeds logró elevarnos a partir de nuestras experiencias personales para trascender a la colectividad y eso, amigos… pasará muy pocas veces, al menos, en esta vida.

POR BENJAMÍN DÍAZ / FOTO BRENDA ARRIAGA The Vaccines regresaron para presentar su más reciente material de estudio Combat Sports y el lugar se incendió una vez que Justin Hayward-Young soltó sus primera notas en “Nightclub” y al decir: “Good evening, Mexico”.

The Vaccines traen un cambio en su alineación, después de la salida de su baterista Pete Robertson, pero ello no influyó en la nueva alineación, ya que traen el mismo punch que antes y con ello dieron uno de los conciertos más enérgicos de lo que va de este 2018.

Cinco integrantes, 21 canciones, cuatro discos, un Pepsi Center -casi- lleno y un ambiente que se envolvió en lo necesario, ni más ni menos, solo lo justo. Canciones que van desde “No Hope”, “I Cań t Quit”, “Take It Easy”, “20/20”, “Post break-up Sex” y la más esperada por todos “All in White”, fueron unas de las tantas que demostraron la energía contenida en la banda y en los fans que se citaron en una reunión de fans íntima y extravagante.

Sí, no puedo dar más detalles, por que es una explosión de todo, de todo literalmente. Joder, si no los han podido ver en vivo o de plano no saben quienes son, se los recomiendo. ¡Gracias por un show tremendo The Vaccines!

SOY UN CHARLATÁN… ¿Y QUÉ?

POR EMILIO SANDOVAL / QUIQUE ÁVILA Eran las 9:05 pm cuando los originarios de Manchester salieron al escenario. Casi puntuales, como buenos ingleses, y sin teloneros, porque una banda con la trayectoria de ellos no los necesita.

Con su ya característica cabellera y un “Hola México” mientras grababa al público con su celular, Tim Burgess y compañía daban inicio a la noche.

“Totally Eclipsing” fue la primera en sonar, le siguió “Emilie” y “One to another”, esas tres canciones bastaron para darnos que teníamos enfrente a una banda muy buena.

En vivo suenan excelente, pocas veces he escuchado un bajo y una batería tan bien amarrados, y si a eso le agregas unos teclados que acompañan siempre con el ritmo, más un guitarrista que parece salido de las filas de Oasis y los movimientos un tanto extraños del vocalista; convierten su acto en algo digno de disfrutar.

La banda se despidió de su público con “Tellin Stories” y “Sproston green”, esperando tanto ellos, como nosotros, que no fuera su última visita.

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THE VACCINES EN EL PEPSI CENTER WTC

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FATHER JOHN MISTY Y UNA BUENA NOCHE EN CDMX

EL REGRESO DEL MESÍAS ALBARN: GORILLAZ EN CDMX

POR JAVIER JARQUÍN / FOTO EMILIO SANDOVAL

POR JAVIER JARQUÍN / FOTO CORTESÍA Una gira de cerca de 2 años, 95 shows, dos discos de estudio -cabe señalar que entre Humanz y The Now Now solo hay un año de diferencia- y más de 12 músicos en escena, tenía que culminar con un show épico y para fortuna de varios de nosotros, la Ciudad de México, fue la elegida.

Después de una íntima presentación en 2017 en el teatro Metropólitan, Josh Tillman regresó a la CDMX con nuevo material bajo el brazo. En esta ocasión, fue El Plaza Condesa el elegido para hacer sonar temas de su recién estrenado God’s Favorite Customer.

Posterior al acto telonero de la banda mexicana Silver Rose.

Father John Misty salía al escenario en medio de una ovación y este respondía con los riffs de “Nancy” tema de su álbum Fear Fun. Un set con cerca de 15 temas ejecutados, en donde fue de lo nuevo hasta sus clásicos, fue lo que brindó el oriundo de Rockville que gusta jugar en los diferentes contrastes del folk y que con su banda, deja en claro que es uno de los favoritos y mejores exponentes del género. Quienes esperaban ver un show potente y con una impecable ejecución, seguro salió más que satisfecho.

Entre sus temas más ovacionados de aquella velada sobresalen “Please Don’t Die”, “I Love You, Honeybear” y “Real Love Baby”, cerrando la velada al ritmo de “HolyShit”.

La noche comenzó a cobrar vida con los primeros acordes de Jupiter & Okwees, quienes hicieron lo suyo en el escenario con su afrobeat. Terminando la presentación de los congoleños, comenzaba la cuenta regresiva para tener por segunda ocasión en el año a Gorillaz en México.

Un Palacio en sold out estalló en cuanto se apagaron las luces y sonó “M1A1”, el primer tema de la noche. La mala fama de la acústica del domo de cobre era algo que inquietaba, pero conforme el set continuó el sonido fue mejorando, el juego de luces sublime, mientras que las pantallas se proyectaban las animaciones que hemos amado desde el Gorillaz hasta The Now Now. Pudimos presenciar a uno de los artistas contemporáneos, si no en su plenitud, sí en uno de sus mejores momentos. El setlist muy equilibrado, temas clásicos y de sus nuevos materiales hicieron desgarrar la garganta de los presentes.

BAHÍA SWITCH: UNA PROPUESTA EMERGENTE

POR MARIANA HERNÁNDEZ Desde Costa Rica llega Patterns.

Han tocado desde el 2013, año en que lanzaron su primer disco Dangerous Intentions.

Esta es una agrupación inspirada en la música de los 80, el synth pop y el dance y tropical disco, ritmos que encontramos en rolas como “Sunny Days” y “Burning Man”.

Esta es otra de las bandas que se unió a la escena independiente latinoamericana y ha pasado por cambios de alineación, sin embargo, no dejan de ser talentosos.

La guatemalteca, Estefani Brolo imprime su peculiar voz a las canciones, mientras que los costarricenses Mario Miranda y Luigi Jiménez aportan los synths y la creatividad disco.

Actualmente están trabajando en un nuevo disco en español y por su talento bien podrían ser parte de algunos de los grandes festivales que tenemos en la ciudad para echar el dance floor.

DON: MÚSICA PARA BAILAR Y COREAR

POR MARIANA MENDOZA En esta ocasión en #KuadroEscucha te tenemos una banda de la escena hard core en México. Se trata de DON, un grupo tijuanense conformado en el año 2008 por Carlo Rojas a cargo de la voz y guitarra, J.C. Haro en guitarra y coros, Hiram Valles en el bajo y voz y Jorge Varela en la batería.

Con seis materiales en su haber, DON ha demostrado ser una banda muy completa.

Con un estilo a la pop/punk y hardcore, además de letras positivas que motivan, hacen que inevitablemente quieras aprenderte sus canciones y corearlas a todo volumen. Como un plus, verlos en vivo es todo un agasajo, pues tienen un show lleno de energía en el que no dejarás de brincar y gritar.

Ya lo sabes, esta banda tiene 10 años de existencia y, si aún no los conoces, deberías darles una oportunidad. En caso contrario te estás perdiendo de música de excelente calidad y, además de todo, es producto nacional. Qué mejor, ¿no?

CONOCE A LOS TEMPESTADES

POR NELLY MARTÍNEZ Los Tempestades son una banda de rock que nace en la Ciudad de México. Desde el año 2013, se han estado abriendo camino en la línea de los géneros rock y folk.

Está conformada por Francisco Cravioto (bajo, voz y composición), JM Cravioto (guitarra), Omar Chávez (teclado), Ballo (guitarra) y Gonzalo Quinteros (batería).

Su primer EP homónimo incluye canciones como “Macabro”, que aunque podemos definirla entre un pop agridulce y balada setentera. Hoy en día han cambiado su línea musical significativamente.

Los capitalinos se están posicionando cada vez más en el mercado nacional, pues a pesar de no tener tanta publicidad, los amantes del rock comienzan a poner los reflectores en ellos.

Como banda independiente, han trabajado duro en componer y producir su material, hoy en día Los Tempestades presentan su material en diversos recintos del país.

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POR SHARON PONCE Una mezcla de funk, latin, new wave, con atmósferas electrónicas logradas por los sintetizadores, hace imposible definir un género para la música de estos chicos.

Solo basta con sentir el groove en sus canciones para saber que Bahía Switch tarde o temprano hará mover tu cuerpo.

Con más de tres años como banda han pisado escenarios como el Zócalo de la Ciudad de México, entre otros importantes venues. Rolas como “Universos” de su primer EP y el reciente lanzamiento de “Altamar”, segundo sencillo de su próximo disco.

Con letras que son la expresión de pensamientos abstractos hacia las vivencias que tienen día con día. Llevan temas desde la pérdida de un ser hasta experiencias amorosas.

Recalcan siempre lo que dicen los sentimientos sin dejar a un lado la realidad.

TROPICAL DISCO Y MUCHOS SYNTHS: PATTERNS

por Dora Méndez / foto cortesía

035 En este número te traemos una gran propuesta para que llenes tus oídos de buena música, y que aunque pocos conocen, merecen más fama de la que poseen. Se trata deEl Shirota, una banda formada en enero del 2013, originaria de Atizapán de Zaragoza en el Estado de México. Comenzó en un garage, sin público, sin nada, más que las ganas de hacer buena música y pisar otros escenarios.

Con David Lemus(Bajo),Eman Brenes(Batería),Ignacio Gómez Kurth (Guitarra y voz) y Rubén Anzaldúa(Guitarra) como pasajeros de este viaje musical, quienes a pesar de su corta edad, nos demuestran ser expertos en crear sonidos y atmósferas.

Chiluca No es Satélite, fue su EP debut (2013), con él que lograron comenzar a hacer ruido en la escena nacional.

Esta agrupación nos regala un sonido hardcore/punk, ideal para toda ocasión, estado de ánimo y momento en la vida.

A pesar de su corta trayectoria, los hemos podido ver evolucionando desde lo experimental y psicodélico hasta llegar a algo más pesado como garage, punk y noise.

Su segundo material fueEl Shirota, con una línea centrada en el punk. Además superan con creces la calidad de su entrega anterior. Con la ayuda del productor Hugo Quezada, lograron hacer algo diferente con su música y gracias a sus mezclas, ayudó a impulsar a estos jóvenes músicos al siguiente nivel para que los reflectores voltearan a ver lo que se estaba gestando en la escena musical de aquél entonces.

Mientras que en abril de este año, su tercer material titulado ESH002 vio la luz y estos músicos se consolidaron como uno de los proyectos mexicanos con más talento y que debería ser conocido por más personas, pues su talento vale la pena.

Las canciones que sí o sí debes escuchar de esta banda son “Saqué siete”, “Chiluca” y “Tenemos que hablar sobre la estética de la banda”, “Aquí no hubo escena”; éstas son nuestras promesas de calidad que es casi seguro puedan conquistar tu corazón y tus oídos para volverse de las grandes favoritas en tu reproductor.

No les pierdas la pista y recuerda que su música está disponible en todas las plataformas digitales y si te interesa, basta con hacer una búsqueda en Internet para poder disfrutar de su sonido en todo su esplendor.

/por Jay Ros

Mira todos los eventos que Facebook te sugiere en estos momentos, basándose en los artistas que sigues, el país donde vives y las conversaciones que tienes. Seguro puedes observar interminables listas de artistas desconocidos para ti. Si pones atención por un año completo, notarás que esa lista se hace más y más larga. Al igual que los océanos saturados de sanguinarios popotes, la escena musical ya llegó a un punto donde la sobrepoblación de DJs es notoria.

Cuando se llega a esta situación, los individuos más débiles hacen lo que sea para sobrevivir y en el caso de los DJs y productores, está acción se ve reflejada en aceptar cualquier evento, firmar con cualquier sello, grabar un set para radios virtuales sin escuchar y un sin fin de actividades más. La escena electrónica pasó de estar encerrada en su recámara, sin sitios en donde presentar su talento, a aceptar tocar en la primera marisquería que se le ponga enfrente. ¿Te has puesto a pensar en todo el tiempo que estás invirtiendo en crear un press kit, grabar un set y producir un track para terminar tocando en un sitio donde la gente asiste por decenas de razones excepto para escucharte? Antes, era una exigencia que el bedroom DJ saliera de su casa para darse a conocer. Aparentemente, ahora convendría más que se encierre en su cuarto si quiere, algún día, vivir de la música.

Amigo DJ, date cuenta. No vas a llegar a ningún lado si el promotor te invita a tocar de 22:00 a 23:00 horas al club, cuando la gente sabe que ese lugar abre puertas a las 23:30 horas. Casi imposible ARTE/ROBERT“ZEPOL”

que los tres meseros presentes a esa hora sean cazatalentos disfrazados. La situación no cambia mucho si te abren las puertas de un restaurante cuyo público, generalmente mayor, preferiría que “le bajen a ese ruido”. Y la cereza es tu pago: tres chelas baratas.

Las grandes leyendas que hoy se presentan en festivales como EDC o Tomorrowland se educaron tocando en vivo, porque no había YouTube, ni blogs o escuelas. Hoy, tienes todo eso al alcance de tu laptop y son esos mismos personajes quienes muchas veces crean tutoriales para enseñarte cómo crean su sonido o cómo produjeron algún track específico. Invierte esas cuatro horas de tocar entre camarones y pescados a la plancha en aprender algo nuevo. En la era donde a todo mundo le hace falta tiempo, tú lo estás regalando.

Actualmente, más que la experiencia laboral, el que produzcas algo que los demás no están haciendo es lo que cuenta. Tienes que ser único y diferente.

Estás compitiendo con decenas de miles de artistas en tu país y posiblemente con más de un millón en todo el mundo (para finales del 2013, Beatport contaba con tracks de más de 350,000 diferentes productores, así que date una idea).

Sí, necesitas practicar en vivo, pero quizá hoy vale más la pena que hagas un streaming desde tu recámara y lo guardes en YouTube, SoundCloud o Facebook a que cargues más de $30,000 pesos de equipo a un restaurante o pases semanas produciendo un track para publicarlo en el sello de tu primo o amigo (a menos que tu primo sea Sasha o John Digweed).

/por Arturo J. Flores

L

e pregunté una vez a Xavier Velasco por qué había dejado de escribir de rock. “Porque a la misma edad se hace un rockero viejo que un escritor joven”, respondió.

La razón lo asistía. Cuando su novela Diablo Guardián obtuvo el Premio Alfaguara, Xavier tenía 39 años.

La misma edad que yo mientras escribo. Entonces, me contó, estaba asqueado de Limp Bizkit y la plaga bíblica de grupos numetaleros que, como cucarachas en el estiércol, se reproducían de manera incontrolable.

Optó por hacer suyas las palabras Eskorbuto: “Prefiero morir como un cobarde, que vivir cobardemente”.

Se bajó del barco. Saltó por la borda y no volvió a teclear una sola palabra sobre rock. En cambio, son ya varios libros, entre novelas y volúmenes de cuentos y crónicas, los que engordan su currículum como escritor. Todavía, aunque pasa de los 50, hay quien lo consideraba hasta hace poco un enfant terrible de la literatura.

Hace mucho que ser rockero dejó de ser cool. De representar lo que sus defensores a ultranza como viajeros que se quedaron en el viaje dicen que representa. Ni suena vanguardista, ni resulta subversivo ni mucho menos es el soundtrack de una generación… actual.

Con ello no quiero decir que dejemos de escuchar rock. Yo mismo mientras escribo estas líneas dejo que una playlist de guitarras, batería y bajo, circule a través de mis oídos. Sencillamente es un llamado a la tolerancia. Al respeto al gusto de los demás y su sano derecho a llevar un shuffle dentro del alma.

Estoy cercano a cumplir 40. Cuando leas esto, habré apagado –espero– las velitas de mi pastel. Sigo escuchando música nueva. No hace ni dos días me entusiasmé por el estreno del video de Yo no escuché, sencillo de la banda mexicana de punk Kira. También me voló la cabeza el segundo disco de los británicos de Idles. Me generó horribles pesadillas el video de Clout Cobain, del rapero Densel Curry.

Pero cada vez me cuesta más trabajo engancharme con las canciones como antes. La nostalgia, igual que un infección de las que uno pasa por alta, ha comenzado a extenderse por mi cuerpo y mi alma. He llegado a pensar, aunque no lo diga en voz alta, que en mis tiempos se hacía mejor música.

No es verdad. Sólo un mecanismo de defensa que pretende detener la erosión natural del tiempo.

Como quienes programan a un pandilla de cincuentones como Pixies a un concierto que se hace llamar, cínicamente, Semana de las Juventudes.

Cada vez tengo más ganas de botar todo esto y empezar a escribir recetarios de cocina, novelas de superación pasional o los horóscopos de un portal de enlace romántico entre solteros. Cualquier cosa antes que convertirme en el vecino que iba a golpear de la casa cuando yo era adolescente y escuchaba rock a todo volumen.

Durante esa misma charla, Xavier citó a Roger Daltrey, el vocalista de The Who, cuando pronunciaba un retador “ojalá muera antes de volverme viejo” en My generation. La realidad es que el hombre 74 años la sigue cantando y no entiendo cómo no se ha mordido la lengua.

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Al novelista se le presentaron dos caminos. Predicar la fe de Bowie para enderezar los gustos torcidos de los adolescentes de la época, o comenzar a escribir reseñas hipócritas en los que ponderaría las bondades de una música que le generaba arcadas.

Podría decirse que se salió con la suya. Aún le quedan muchos años para seguir contando historias mientras que el nu metal ya suena más viejo que las fumarolas que de vez en cuando avienta Don Goyo.

Jungle |For Ever

Por Erika Rodríguez

Por Eric del Rey

Alt-J, banda inglesa originaria de Leeds, nos presenta una nueva versión de su más reciente producción. En junio del año pasado la banda había entregado Relaxer, un álbum con tintes bastante eclécticos, canciones con compases poco comunes, piezas rotas y voces femeninas, pero para este 28 de septiembre los británicos nos dan esta nueva forma de escuchar su disco previo.

Reduxer es un disco de “remixes”, pero es bastante más que eso, pues las nuevas versiones exploran facetas muy diferentes de lo que ya se nos había mostrado originalmente, se internan en un mundo lleno de rimas, beats y hip hip que antes sólo era percibido por los más imaginativos escuchas.

Esta nueva entrega tiene su encanto y es de muy disfrutable, sobretodo si eres gustoso de esos ritmos; pues empujan las canciones a nuevos extremos y les cambian completamente el sentido original, pero también puede ser que primero le des una escucha al material original si deseas entender todos los guiños que este hace a los fans.

Interpol |Marauder

Por Mariana Velasco

En estos tiempos, si apenas escuchas a Interpol por primera vez, sientes que los conoces de toda la vida. Esto es por dos razones: porque han estado haciendo música por 21 años y porque se mantienen cien por ciento fieles a su esencia y ritmo.

Marauder no es la excepción a esto. Tardó cuatro años en salir este material y tuvo su inicio en nuestro país, cuando apareció la portada del álbum en un edificio de la Ciudad de México.

Como siempre, logran ritmos adictivos con sólo guitarra, bajo y batería, que a veces son tranquilos, luego más rápidos, a veces más bailables, pero siempre repetitivos.

“The Rover” tiene mucho de sus materiales pasados, pero es muy pegajosa.

“Number 10” llama la atención por el riff de guitarra de Daniel. “It Probably Matters” es buena por su vibra de jazz y por ser un buen cierre.

Marauder es el disco de más duración que la banda ha hecho hasta hoy (por sus dos interludios poco perceptibles).

Está lleno de misterio e historias de amor oscuras. La clave de Interpol sigue siendo la simplicidad.

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Siete, el número perfecto. Siete es el número de integrantes que hacen posible la magia, la explosión y la grandeza de Jungle en For Ever; el segundo álbum de estos londinenses.

For Ever es una fuerza que no podemos negar. “Smile” nos abre las puertas con sus percusiones, las voces agudas y los coros son contrastes que más allá de crear un equilibrio entre el caos y lo discreto, sólo no paran de sumarle grandeza tanto a la primera canción como a todo el álbum.

Sin importar si son canciones con bastante energía como “Heavy, California”, “Happy Man”, “Casio”, “Give Over” y “Cosurmyne”; o temas lentos y pensados en el ritmo natural de la calma presente en “Beat 54 (All Good Now)”, “Cherry”, “Mama Oh No”, “House In LA”, “Home” y “(More and More) It Ain’t Easy” y si hasta altura pensamos que el disco es enteramente bueno, nos regalan un gran final de suspenso con “Pray”.

Diremos que se trata de una montaña rusa sonora en la que las pausas te van a hacer gritar tanto como estar de cabeza.

No sería sorpresa de nadie ver este álbum dentro de algunos conteos finales de este 2018.

Alt-J |Reduxer

Lenny Kravitz |Rise Vibration

Paul McCartney |Egypt Station

Lenny Kravitz regresa después de cuatro años con una carta de amor a la humanidad titulada Rise Vibration, un álbum que hace a un lado el hard rock para navegar en los matices del soul y funk.

Sus sencillos “Low”, “Rise Vibration” y “We Can Get It All Together” son una constante invitación a crear consciencia de cómo ser mejores seres humanos y sacar la mejor versión de nosotros en pro de reencontrarnos con la humanidad que por momentos parece ausente.

Si bien el álbum no contiene muchos elementos que nos remitan al sonido hard rock que el californiano nos tiene acostumbrados, si mantiene la esencia de su trabajo comparable con algunos de sus antecesores, Let Love Rule, Baptism y 5 retomando cajas de ritmos digitales, sintetizadores, piano, alientos y percusiones latinas.

Rise Vibration puede ser un trabajo poco ambicioso en cuanto a experimentación sonora, sin embargo, es un disco sumamente orgánico con un sonido fresco y bien estructurado.

Podría pensarse que Paul McCartney ya ha recorrido todos los caminos musicales.

Por eso no es raro ver con buenos ojos cualquier lanzamiento nuevo: ahora con Egypt Station, su álbum número 18 de estudio.

La producción corre por parte de Greg Krustin, ganador en cinco ocasiones el Grammy como Mejor Productor. No es raro que la intención de McCartney haya sido darle algo de frescura a sus composiciones, pero el resultado son 16 canciones que no aspiran a la grandeza.

Sería insulso e iluso esperar un gran éxito como aquellos creados con The Beatles; pero hay lugares comunes y una intención de no ir a nuevos horizontes. Este álbum número 18 no encuentra un lugar claro en la discografía, ni aporta grandes cosas a la figura que ya es McCartney.

Sin embargo, el lanzamiento de un nuevo álbum asegura una gira de promoción, donde si acaso, dos o tres canciones de Egytp Station serán interpretadas. Porque Paul McCartney es historia vibrante; es un pasado que sabe mantenerse vigente, por más nuevos álbumes que vengan.

Por The Javis Effect

Por Martín Vargas

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Underworld & Iggy Pop |Teamtime Dub Encounters

Por Adam Nieto

En 1996, la película de culto Trainspotting, dirigida por Danny Boyle y basada en la novela homónima de Irvine Welsh, enlazó con 19 años de diferencia al sacerdote, padrino o semidios del punk, Iggy Pop, con el dúo (trío en aquellos años) Underworld. Con las canciones “LustforLife” y “Born Slippy (Nuxx)”, respectivamente.

El EP inicia con “Bells & Circles”, con una predecible que la base electrónica del dúo gales, continúa “Trapped”, un homenaje sonoro, con el frenesís electrónico que aporta Underworld y una letra irónica, burlona de Pop. “I’llSee Big”, un ensamble que nos lleva a una reflexión sobre madurar ser exigentes con nosotros mismos, mientras que “Get Your Shirt”, tiene sonidos pegajosos y coros que le dan aún más fuerza a la voz de Iggy Pop. Veinte años después, ambos con disco nuevo bajo el brazo, incluso lanzado el mismo día (otra gran casualidad), intentaron crear una pista totalmente nueva para que formara parte de la esperada secuela de Trainspotting, intento que si bien no funcionó, un par de años después se materializó en el EP Teamtime Dub Encounters.