Revista Kuadro No. 32

CARTA DEL EDITOR Lo único constante en este universo es el cambio. Aunque muchos se aferran, es imposible librarse de él. Hoy, seguimos mutando en muchos aspectos sociales, culturales, de pensamiento, de políticas globales y todo ello siempre repercutirá en las múltiples disciplinas del arte y éste como válvula de escape y agente de cambio, nos lleva la mayoría de las ocasiones a una profunda reflexión.

Revista KUADRO es una publicación bimestral. Editor responsable: Javier Jarquín, con domicilio en Calle La Ideal No.54 Col. Industrial. México, D.F. C.P 07800 Delg. Gustavo A. Madero.

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Revista KUADRO considera sus fuentes como confiables y verifica los datos que aparecen en la revista en la manera que le es posible. Todas las marcas, logotipos, nombres e imágenes mencionadas en esta publicación, tienen derechos reservados. El uso de los mismos es solo de manera informativa. Revista Kuadro No.32“Contraculturadelhype”Oct-Nov2019

Bien diría Gepe, hoy en “un mundo gigante, cambiante y jodido”, es bueno echar un vistazo al efecto de la contracultura actual, y la música siempre será un gran espejo para saber lo que acontece o siente toda una generación.

Para deleite de todos ustedes, queridos lectores, esta edición la hemos dedicado a echarnos un clavado a este nuevo desafío de lo ya establecido, ver cómo a través de la música se les ha dado foco y voz a los grupos vulnerables, el esfuerzo por el empoderamiento de la mujer en la escena, la nula crítica a una “nueva forma de gobierno”, las ganas por derribar las fronteras entre los géneros para un fin común: tener nuevos y más sonidos.

Nuestras finas plumas de casa los esperan en este dossier que lleva por nombre Contracultura del HYPE, todo un recorrido y análisis detallado que los dejará con un buen sabor de boca y eso, solo es una parte de lo que conforma esta edición Les compartimos una exquisita charla con Devendra Banhart, quien engalana nuestra portada en esta edición número 32. Uno de los artistas contemporáneos que lleva marcando la escena del folk en los últimos 15 años. Nos encontramos con un Devendra en otra de sus facetas como artista y persona, disco nuevo bajo el brazo y compartiendonos su experiencia sobre cómo la música llega a ser sanadora. ¡Imperdible!

Tuvimos oportunidad de platicar con Carl Barât, fundador y guitarrista de The Libertines, así como con Temples, el cuarteto piscodélico de Kettering que se encuentra rompiendo todos los escenarios; además de entrevistas con Kakkmaddafakka, el fenómeno Bomba Estéreo y más talento que seguro no sale de sus playlist.

Además, podrán encontrar en nuestras secciones de casa más música, recomendaciones, reseñas de disco, un resumen de lo último que ha pasado en conciertos, plumas invitados con Arturo Flores en La Kolumna y Jay Ros en Kuadro Beat.

Como cada edición, no me queda más que agradecer a este generoso equipo de trabajo que conforma a Revista Kuadro. Editores, prensa, arte, redacción, fotógrafos, rp, quienes son los responsables principales de que esta edición salga a la luz. A todos nuestros lectores, seguidores, partners, agencias, marcas, ¡gracias por seguir apoyándonos y creyendo en el proyecto!

No se diga más, y bienvenidos a la edición número 32 de Revista Kuadro, ¡disfrutenla!

Javier Jarquín

REDACCIÓN

DIRECCIÓN GENERAL LAURA ROMERO EDITOR EN JEFE JAVIER JARQUÍN EDITORES WEB MARÍA JOSÉ SÁNCHEZ ALDO FRANCO DORA MÉNDEZ MARTÍN VARGAS DIRECCIÓN DE ARTE IVANA CASTRO DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA BRENDA ARRIAGA MEDIOS & PRENSA BENJAMÍN DÍAZ RELACIONES PÚBLICAS CARLOS SAÍN

MA. JOSÉ SÁNCHEZ DIEGO VENEGAS BRENDA VALDERRÁBANO CARLOS VALLE SARAÍ ARTEAGA ALDO FRANCO DORA MÉNDEZ ARTURO FLORES JAY ROS QIQE ÁVILA SHARON PONCE ERIC DEL REY VÍCTOR HERNÁNDEZ MARIANA VELASCO

FOTOGRAFÍA BRENDA ARRIAGA ALEJANDRO SERVÍN QIQE ÁVILA CARLOS SAÍN RODRIGO GUERRERO AXEL NAVA MARIANA MONDRAGÓN EMILIO SANDOVAL EDWIN LÓPEZ

DISEÑO THE JAVISCEFFECT ROBERT “ZEPOL”

E N T R E V I STA S

04/ O Tortuga 06/ Bomba Estéreo 08/ Ruido Rosa 10/ Kakkmaddafakka 12/ Carl Barât 14/ !!!

16/ Temples

DOSSIER

18/ Devendra Banhart 22/ La Institucionalización De La Contracultura 24/ La Resistencia Femenina Es Contracultura 26/ El Curioso Caso De Lil Nas X 28/ Adiós A Las Etiquetas, La Mezcla Es La Respuesta 30/ Y Ahora... ¿Dónde Jugará Molotov?

32/ La Contracultura Si No Muere, Se Convierte En Cultura 34/ Kaudro Live 38/ Kuadro Escucha 39/ Puerta De Entrada: Tajak 40/ Kapturados 44/ Kuadro De Honor 45/ La Kolumna 46/ Kuadro Beat 48/ Reseñas De Discos

Decidieron Desempolvarse De La Escena Para Volver Con Un Álbum Honesto Y Con Una Marcada Evolución por Mariana Hernández / fotos Alejandro Servín

A estos cuatro chicos les impulsa a hacer música porque les encanta y la disfrutan, además siempre tienen la necesidad de estar tocando, les gusta el rock. Al final para ellos, la música es algo lindo y una de las artes más bellas. “Nos motiva el hecho de tocar, estar con amigos, pasarla bien y echar el rock un rato”, menciona Fer.

Revista Kuadro (RK): ¿Cómo ha sido su comienzo por el camino de la independencia?

Fer (F): Las ganas de empezar con O Tortuga fueron las ganas de ver a bandas que admiraba. Fue ese impulso de que sí se puede y de desear un lugar en la escena, así fue como nos lanzamos a grabar el primer EP Palma Linda, aprendiendo a la par a producirnos y a grabarnos. Ese primer EP fue el que nos abrió muchas puertas, fue muy orgánico. Al mes de que se subió a Internet, Reactor nos contactó y enviamos una rola para que la pusieran en programación y en ese momento nos dimos cuenta de que ya estábamos en esto, de ahí solo ha sido seguir trabajando, nos gusta el camino que hemos escogido y a donde nos ha traído, ahora el proyecto está sólido.

Al hacer un recuento de sus materiales, su primer EP Palma Linda les representa nostalgia, “escuchar las

rolas que grabamos hace seis años y que se siguen oyendo frescas es muy cool, ha envejecido muy bien ese EP”, comenta Fer. Su primer álbum homónimo fue estrenado justo el día que tocaron por primera vez en el Vive Latino, un debut doble que recuerdan con mucho cariño. O Tortuga cumplió seis años de existencia, para ellos este tiempo significa madurez, incluso el último disco, Se Necesita Libertad, es un reflejo de eso con el sonido que ya los caracteriza.

-“SE NECESITA LIBERTAD DE SER TÚ MISMO, DE ESCOGER TU CAMINO PARA LLEGAR A DONDE QUIERES.”-

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El cuarteto mexicano de surf y garage O Tortuga, lanzó este año su segundo álbum Se Necesita Libertad con el que se sienten como una banda más consolidada.

La agrupación comenzó a rockear en el 2013, e iniciaron en la música por gusto. Juntos descubrieron sus instrumentos y aprendieron a tocar. Sus primeros demos fueron grabados con el micrófono de la compu y con toda la banda al mismo tiempo, sonaba muy mal, pero fueron aprendiendo durante la época de MySpace

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“Dejamos de tocar un par de meses y nos alejamos de todo para realizarlo y para que fuera un disco honesto, es continuación del trabajo que hemos hecho, se siente una evolución, pero al mismo tiempo seguimos fieles a nuestro sonido de alguna manera.

Estamos muy contentos y quedamos muy satisfechos con el resultado final” Para este disco cambió un poco la composición, quizá se escucha más maduro porque ya no son las mismas personas que estaban detrás del primer disco, “creo que eso es importante de la música, a veces cuando haces un disco que le va bien, la respuesta lógica es seguir haciendo discos parecidos porque es algo que ya funcionó y más bien, nosotros intentamos seguir haciendo música que nos guste, no tanto influenciada por lo que pasa afuera sino lo que pasa en nosotros”, expresó Christian.

RK: ¿Por qué Se Necesita Libertad?

F: Se Necesita Libertad de ser tú mismo, de eso va casi todo el álbum, creo que es un disco conceptual, todo va de la libertad, de escoger tu camino para llegar a donde quieres. Nosotros ejercemos nuestra libertad en la música siendo fieles a nosotros mismos, es crecimiento y desde que empiezas a hacer música y aprendes a producirte y grabarte. Somos de esa generación y tenemos esas herramientas a la mano y ahí está la libertad de que escogemos cómo y cuándo hacer las cosas que queremos..

RK: ¿Alguna vez imaginaron que tendrían tanto éxito?

F: Siempre es el sueño, todas las bandas que empiezan quieren que se reconozca su chamba y a nosotros nos pasó y logramos tocar en el Vive Latino del 2015 y fue una experiencia muy chida. Estamos agradecidos con la gente que nos ha

apoyado tantos años, también con la industria que siempre nos ha tendido la mano.

Gracias a su proyecto,los chicos de O Tortuga han transformado sus vidas al encontrar la oportunidad de desarrollarse creativamente,sin embargo, lo más importante es la gente y las experiencias al crear lazos más fuertes porque están metidos en la música con el corazón.

O Tortuga se caracteriza por la amistad y la diversión, su actitud invita a otras bandas a realizar música en México y les agrada sentir que inspiran a otros para llevar a cabo sus proyectos. Su música es buena onda e ideal para disfrutarse en las playas imaginarias de la ciudad y qué decir de el show en vivo es muy enérgico, contagian al público y viceversa, provocan la fiesta y el descontrol, inspiran energía y movimiento.

“El Mundo Pasa Por Un Momento Tan Difícil Que Necesita La Música Latina Para Sobrellevar Y Nivelar Lo Dura Que Puede Ser La Vida.”

Hoy parece que lo latino está de moda, y si bien el reggaetón, y artistas como Shakira, Maluma, y Ricky Martín, se han encargado de llevarlo por el mundo, también lo ha hecho Bomba Estéreo, con sus coquetos ritmos y música bailable. Para Simón, la popularidad de este sonido pasa por la vibra y energía que transmite lo latino.

“Creo que hoy día el mundo pasa por un momento tan difícil que necesita la música latina que tiene tan buen mood en general, y es tan alegre, tan llena de ese baile y esa buena onda, que sirve para sobrellevar y nivelar lo dura que puede ser la vida.”

Para Li Saumet esta expansión latina, más bien, es un proceso de años de mucho trabajo. “En la época en que empezamos, la escena se reducía a un festival, no había otra cosa, era todo lo mismo, la misma música. Festivales alternativos no había. Entonces la clave era tocar, tocar, tocar. Esa es la realidad del artista, sobre todo hoy en día que los discos no se venden como antes”, me dice Li, y remata con “entonces el público fue dándose cuenta de que en Latinoamérica estaba pasando algo, y luego, con el tema de la globalización fase Instagram, todo se fue mezclando. Lo que pasa en es que primero tienes que pegar afuera para pegar en tu tierra”.

Una vez que llegamos al tema de su origen, Simón me dice lo orgulloso que está de sus raíces y de poder llevar un poco de su música por todo el mundo.

“Colombia siempre ha tenido una cultura musical muy fuerte de siglos, y pues la sumatoria de su cultura, su historia y su diversidad indígena es la que tiene a Colombia, hoy en día, como una de las potencias musicales del mundo”. Li también se siente muy orgullosa de su país, tanto que, si pudiera tocar con un músico fallecido, sería con el icónico

-“A NOSOTROS LO QUE NOS HA HECHO LO QUE SOMOS ES TOCAR EN VIVO”-

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“A nosotros lo que nos ha hecho lo que somos es tocar en vivo” dice Li Saumet, la carismática líder y vocalista de Bomba Estéreo, banda latina de cumbia psicodélica y su rock mestizo que no necesita mucha introducción. “Desde que empezamos nos propusimos tocar donde fuera y así fuimos a Dinamarca, Japón, China, Marruecos…”, la interrumpe Simón Mejía, el encargado de poner la psicodelia y las atmósferas eléctricas a la banda: “¡Y sin ganar dinero!” dice, haciendo notar que la clave de su éxito fue arriesgarse a la aventura, sin esperar realmente nada.

por Diego Venegas / fotos Edwin López

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Joe Arroyo, cantante y compositor colombiano de salsa, considerado como uno de los más grandes intérpretes de su país.

Ya entrados en una buena plática (aunque ellos están cansados por la grabación de un comercial) me cuentan que están trabajando en un nuevo material que saldrá en “cinco o seis años”, según Simón, aunque yo bien sé que saldrá en el 2020. Así que pregunto por sus canciones favoritas de Bomba Estéreo. La primera respuesta de Li Saumet me fascina. “Las que todavía no hemos sacado” dice, aunque después agrega que, de las ya existentes, sus favoritas son “Algo está cambiando en mí”, “Bosque” y “Pájaros”. “¡Pregúntale a Simón cuales son las que no les gustan!” me dice Li en broma y lo hago.

Simón responde que las que menos le encantan son los grandes éxitos, y se refiere en particular a una canción. La más popular, la que, irónicamente los

convirtió en íconos mainstream: “Con ‘To my love’ pasó algo muy curioso.

Hay veces que cuando haces música y estás en el estudio, es tuya. Pero, cuando la sacas al público, deja de serlo, y se vuelve de la gente que construye sus mundos y universos. Cuando sale, la sueltas y ya. La gente hace lo que quiere con ella.”

Cerca del final de la entrevista, les preguntó sobre lo mejor de ser músicos.

El primero que responde es Simón.

“Todo el mundo está mediado por el dinero y la aceptación en redes sociales.

Así que, si logras pequeños cambios de conciencia y puedes aportar al mundo algo mejor a través del arte, eso es muy satisfactorio.” Complementa Li, mostrándose muy agradecida con todo lo que les ha pasado. “Lo bueno es que nosotros hemos tenido una cosa muy grande, hemos podido hacer lo que queremos como tocar y viajar, y al mismo tiempo, seguir siendo personas normales. Esa es una suerte inmensa.”

Al final, Bomba Estéreo simboliza para muchas personas, además de la fiesta y el fuego, los anhelos que tanto Simón como Li guardan. “Como ser felices” me dice Li Saumet antes de terminar.

“Lo que te hace feliz son las pequeñas cosas.” Cosas como viajar o encontrar una casita frente al mar. Lo orgánico, las caracolas, los amaneceres, resultan horizontes musicales que no son novedosos, pero sí vigorizantes.

La Banda Camina Con Paso Seguro Para Acercarse A Su Propia Definición Del Éxito

Después de una sesión de ensayo, Daniela, Ale, Carla y Alice, integrantes de Ruido Rosa, toman asiento bajo una sombrilla que nos cubre del fuerte sol de verano en la CDMX, para contarnos un poco más de Fragmentos, su nuevo EP que fue hecho precisamente, por fragmentos, ya que no todas las integrantes se encontraban en el país durante el proceso.

Hacer Fragmentos de esta forma fue un proceso extraño, ya que estaban acostumbradas a hacer música de forma continua y Carla se encontraba en China, sin embargo terminó por funcionar muy bien, y el resultado final es lo que importa.

“Hoy en día es fácil hacerlo así, la tecnología de ahora te permite hacer un disco estando en distintos países, y aunque todo se grabó en México, pudimos estar en contacto durante el resto del tiempo. Es decir que se puede hacer, que si quieres hacer un disco, no hay excusa”, menciona Alice.

En el EP estuvieron involucradas varias personas que fueron especialmente importantes para la composición. Un ejemplo son José Pablo Ibarra y Patricio Dávila, quienes son sus productores y que también las acompañaron durante la presentación del EP en el Foro Bud Light. Ellos ayudaron a Ruido Rosa a ver las cosas desde otra perspectiva, experimentando con nuevos beats y distintas estructuras, que complementaron el producto final.

Una parte clave de este proyecto son las influencias que toman de todo tipo de arte, y que van metiendo poco a poco en sus canciones o incluso en la

portada, que fue una colaboración con Zack Hyman, cuyo estilo es capturar momentos fragmentados; es una sola toma, sin edición ni otro tratamiento, todo es totalmente orgánico.

“Todo nos inspira, nos encanta el arte, el cine, hasta el maquillaje. Lo que queremos mostrar es la imagen pensada como un estilo de partes de la cultura general”, agrega Daniela.

-“QUEREMOS MOSTRAR LA IMAGEN PENSADA COMO UN ESTILO DE PARTES DE LA CULTURA GENERAL”-

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La escena de rock en México ha cambiado constantemente con los años, y aunque ahora no tiene la misma intensidad que antes, la banda Ruido Rosa viene a reinventar la forma de hacer este tipo de música en el país.

por Brenda Valderrábano / fotos cortesía

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Dentro del mundo de la música existen muchas etiquetas, y la que es inevitable que escuchen de vez en cuando, es el término de Girl Band, porque, efectivamente, son una banda de chicas.

Carla: Esa etiqueta viene mucho de la idea de que el rock de cierto tipo es de hombres y otro tipo más suave o femenino es para mujeres. Pero es bueno ver que eso está cambiando y que todo puede ser de ambos géneros.

Ale: Es una onda de cultura en la que tenemos que procurar que las mujeres seamos visualizadas en otros trabajos.

Falta verlas tocando más pero creo que lo estamos haciendo, en verdad, es bien padre ver más bandas conformadas por mujeres, no porque afecte a la música, sino porque cuando te quieres dedicar a esto, está padre verlas y decir “puedo hacerlo, puedo verme como ella”.

Gracias a estas nuevas propuestas y al crecimiento de mujeres en la música,

ya no es tan común ver la diferencia entre apoyos para bandas integradas por hombres y las integradas por mujeres.

Ale: Ya no es tan grande, y es más que nada un problema cultural y social en el cómo se trata a la mujer en México.

Lo que nos llega a pasar es que nos han impedido ir de gira o a ciertos lugares porque sí, ser mujer es un poco más peligroso. Creo necesario hacer equipo con los hombres y expresar esto y tal vez hacerlo de una nueva manera.

La música, sea para quien sea, es una carrera larga y se debe tomar como tal, como cualquier otra profesión en la que se tiene que trabajar todos los días, y no esperar que el éxito llegué al momento de comenzar. Darse por vencidas no es una opción para Ruido Rosa, al contrario, no dejan de trabajar, en estudiar sus instrumentos, en ver o imitar a la gente que admiran e incluso conocer cuestiones legales.

Ruido Rosa camina con paso seguro hacia arriba, por un sendero lleno de rock, cambios y fragmentos de vida, y poco a poco se están acercando a su propia definición del éxito. Para Carla sería la autorrealización el estar contenta y orgullosa de lo que estás haciendo; para Ale es medirlo tú mismo con base en tus límites y donde puedas decir con esto estoy feliz.

Daniela considera que es un estado mental, en el que te sientas completa sin preocupaciones y con abundancia en todo. Por otro lado, Alice considera al éxito como un tema complicado porque es una ilusión que evoluciona todo el tiempo, que cuando alcanzas lo que querías, te das cuenta que hay algo más y todo vuelve a empezar.

Este Año Lanzaron Diplomacy Y Toda La Música Está Inspirada En El Clima De Bergen por Saraí Arteaga / fotos cortesía

La primera aparición de los hermanos Axel y Pål Vindenes, Jonas Nielsen y Stian Sævig fue un éxito total, a tal grado que tuvieron presentaciones en vivo su país hasta que, en 2006, lanzaron su EP Already your favourite.

Un año después, debutaron oficialmente con su LP Down to Earth. De ahí tardaron cuatro años en producir un segundo álbum, y pasaron dos años más para el tercero, pero los últimos tres discos han salido casi de manera consecutiva.

Pål nos contó “mi hermano y yo somos los que solemos escribir las canciones.

Llegamos con algunas ideas y las vamos desarrollando con la banda, ahí es donde todos nos involucramos para darle el

sonido que queremos a cada track”. No tienen una constante obligatoria en cada canción, pero buscan que la música sea explosiva, que la letra sea buena y que hable de algo en específico. Eso sí, siempre en inglés y nunca en noruego porque desde que comenzaron a ser populares en Bergen, quisieron ser una banda internacional.

Este año lanzaron su sexto álbum y lo llamaron Diplomacy. Les tomó alrededor de cuatro meses grabarlo y toda la música está inspirada en el clima de Bergen. “Fue un verano cálido e inusual, había la temperatura ideal para componer, y qué mejor que en nuestra ciudad natal.” También influyó que Pål acababa de terminar una relación, por lo que todos esos sentimientos también quedaron plasmados en el disco.

En este álbum contaron con el apoyo del músico y productor Matias Tellez, quien es amigo de la banda desde sus inicios. Él les ayudó a producir su

Already your favourite y ahora, 13 años después, influyó mucho en el sonido y grabación de Diplomacy. “Siempre ha sido increíble trabajar con él. En cada colaboración deja una parte de él y en este disco en especial, nos incitó a salir de nuestra zona de confort y nos ayudó a explorar un sonido diferente, algo mucho más eléctrico”.

- “MATÍAS TELLEZ NOS AYUDÓ A SALIR DE NUESTRA ZONA DE CONFORT Y NOS AYUDÓ A EXPLORAR UN SONIDO DIFERENTE, ALGO MUCHO MÁS ELÉCTRICO”.-

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Imagínate triunfar con la banda que formaste con amigos para una presentación única en un centro juvenil de tu ciudad natal. Así fue como nació Kakkmaddafakka en Bergen, Noruega, durante 2004.

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Su video más reciente es el de “Frequency”, el cual fue grabado en Japón (sin planear) durante su tour en el país. “Teníamos ganas de grabar un video y a la vez contar una historia que nos reflejara.

Conocimos a una mujer hermosa allá y el resto se dio solo”. Pero, no es lo más reciente que han grabado para sus fans, KMF lleva tres meses filmando su tour alrededor del mundo, y por cada país que recorren, suben un pequeño clip a su canal de YouTube para compartir más de cerca con sus fans como es que están viviendo la gira, desde su llegada al aeropuerto, los ensayos y la presentación final.

A pesar de que se divierten en cada lugar que tocan, no es tan sencillo para todos simplemente viajar, subir al escenario y dar un show. La banda está siempre en constante evolución, componiendo siempre para el disco que sigue y además,

hay quienes tienen proyectos en paralelo como Stian Sævig con Sti Cobra, con el cual ya sacó un álbum completo titulado My Names y el cual incluye una canción en español: “Mamba Negra”.

“Es muy difícil llevar proyectos en paralelo, pero siempre hemos trabajado mucho. Buscamos la manera de ayudarnos mutuamente y que no nos afecte en ninguno de nuestros ámbitos. Al final todo siempre sale bien porque somos gente muy trabajadora”.

Kakkmaddafakka ya ha estado en México anteriormente, “la comida es la mejor en todo el mundo” según Pål, pero además de eso tienen un gran público en nuestro país. La Ciudad de México es el lugar que más escucha a la banda en Spotify, pero eso no es impedimento para que toquen en el resto del país, por eso tienen programadas cinco

fechas a lo largo y ancho de la república mexicana.

El 17 de Octubre estarán en Monterrey; forman parte del cartel de Coordenada en Guadalajara; el 24 estarán en Cholula, el 25 en El Plaza Condesa y finalmente el 26 tocarán en Tecate Península en Baja California.

“En definitiva serán los mejores shows que hayan visto de nosotros.

Estamos preparando algunos invitados especiales para México”.

La Química Con The Libertines Sigue Ahí, Intacta

por Carlos Valle / fotos Qiqe Ávila

te van a pagar por hacer eso. Aunque también son un poco de ganas de darle a la gente algo al diferente, que a veces no logro nada poniendo let’s play pero es una fiesta donde todos nos divertimos, es algo especial por la cercanía que se crea en un show así, creo que por eso nada más vale la pena.

Aprovechamos que Barât, además de ser el guitarrista y tener sus propios proyectos, se iba a presentar para un DJ set en el Caradura, nos regaló un poco de tiempo para hablar de todo. De su show personal, como ha sido estar con los Libertines en todo este tiempo y el nuevo disco que tiene con ellos.

RK: ¿Cómo te sientes de ser parte de una banda que ya es ícono de una época que ya forma parte no solo de una generación sino de la historia de la música?

Revista Kuadro: ¿Por qué hacer un DJ set, teniendo una banda del tamaño de los Libertines con todo su legado, varias bandas y un proyecto solista exitoso?

Carl Barât: Es bastante sencillo en realidad, subirse a un avión poner unos cd, poner play y al final te diviertes con la fiesta que tú solo armaste y además

CB: Cuando lo piensas así, es un sentimiento muy hermoso, porque además parece que hemos formado una familia con todos los fans que han crecido con nosotros hasta fans que nos están compartiendo con su nueva familia, más los que nos conocen apenas hasta ahora. Es conmovedor cuando escribes música que conecta de esa manera, durante tanto tiempo con las personas y valida algo que estabas pensando y haciendo, es increíble hacer que algo así trascienda de esa manera.

RK: ¿Todavía tienes ese sentimiento después de 20 años de hacerlo, de hacerlo con las mismas personas, sobre todo ahora con un nuevo LP de The Libertines en puerta?

CB: Es complicado, hemos llegado tan lejos y hemos vivido tantas cosas, además somos tan diferentes en nuestras personalidades, tal vez esa sea la razón de que la química ha sido la misma que siempre ha existido. Algo en los que nos consideramos muy afortunados, porque

-A VECES FIRMAR -CON UNA LABEL- ES COMO VENDERLE TU ALMA AL DIABLO PORQUE PARECE QUE SER ARTISTA SIMPLEMENTE YA NO ES SUFICIENTE-

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Hay algunas bandas que ya se han ganado un lugar en el panteón de rock inglés -algo muy difícil por la compañía que tienes ahípor la época que han marcado y el estilo que han impuesto. The Libertines es una de estas bandas por lo que Pete Doherty y Carl Barât ya tienen cierto crédito por lo que han logrado.

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desde el día uno ha estado. En lo personal sigo tratando de buscar otros sonidos, de experimentar, de buscar.

El primer disco fue muy complicado, por todo el entorno y lo que estábamos buscando, pero no quiero hacer el primer disco una y otra vez. ¿Lo lograremos? No lo sé, pero la química que es una parte muy importante, sigue ahí intacta.

RK: ¿Cómo ha sido tratar con las mismas personas durante 20 años, sobre todo con tanto tiempo en el camino por las giras?

CB: Para empezar las crudas son más fuertes, el cuerpo lo ha resentido. No es tanto como lo veo la relación con los demás, hemos tenido nuestros altibajos, pero todo sigue marchando. Lo veo más bien como me siento yo y me siento igual, no sé si debería sentirme diferente. No me siento diferente, todavía me aterra salir a hacer un show así. A algunas personas no les pasa nada antes del show, incluso si es Wembley lleno, pero ese terror, esa electricidad sigue como en el día uno, si no, cuál es el punto de hacerlo.

RK: ¿Cómo te sientes de los festivales que han tomado el mando en la escena y son menos los show individuales con sets más largos?

CB: Creo que es algo positivo poder ver varias bandas, en lugar de una. Las experiencias sí son muy diferentes pero creo que puedes ver el beneficio de ver más cosas, que ya no son solo bandas, ya tienes exposiciones, performance y más cosas.

RK: Siendo una banda millennial -por su boom- han visto cómo toda la industria ha dado paso a la era digital...

CB: Extraño vender CDs; es extraño el hecho de que todo el mundo se apanicó, pensaron que la industria se iba a ir al pique, pero sigue funcionando, solo que ahora es más difícil para bandas nuevas porque es obligatoria una presencia y es difícil.

No es por lo que firmamos, soy horrible para eso, es como venderle tu alma al diablo con todo el tiempo que les tienes

que dedicar y todo lo de tu vida que tienes que poner ahí porque parece que ser artista simplemente ya no es suficiente.

RK: Para terminar con un cliché y que ya son varias veces que nos visitas en la CDMX ¿Qué es lo que más te gustado de México?

CB: El mezcal jajaja, ya en serio es muy complicado, no puedo decir una cosa, pero el espíritu del país es algo que no he visto en ningun lugar, he estado en varios lugares y hay algo de aquí, de el trato y los fans que los hace únicos.

Así Como Iggy Fue Un Pionero Del Punk Rock, !!! Ha Logrado Reinventar El Género A Través De Esa Fusión Llamada Dance Punk

“El dance”, continúa Offer, “es el ritmo en el que se basa casi toda la música de hoy. Toca todo, excepto el metal... bueno, tal vez con Ministry”. Camina, agarra un vinil de Iggy Pop, y me dice que es uno de los artistas que más lo ha marcado en su trayectoria musical. Es entendible. Nic, junto a Rafael Cohen,

Allan Wilson, Mario Andreoni y Dan Gorman, provienen de una tradición punk que, en apariencia, nunca se ha llevado muy bien con la electrónica, los raves, el baile. Pero, así como Iggy fue un pionero del punk rock en los setentas, también !!! ha logrado reinventar el género a través de esa fusión llamada dance punk.

La clave ha sido no fetichizar el pasado del punk, como muchos lo hacen al glorificar a grupos de tipo The Clash, Sex Pistols o Bad Religion, y llevar ese mensaje a otros terrenos donde Daft Punk, Sonic Youth y James Brown son coordenadas necesarias. “Hay algo acerca del punk que cansa a un montón de gente, eso de ponerse playeras de grupos de hace 40 años no nos interesa”, confiesa el líder de la también llamada Chk Chk Chk. Bajo esa idea, el punk, más que un estilo musical, es una condición contestaria, una forma de resistencia, una búsqueda

de espacios alternos desde los cuales soportar la tormenta. “Para mí, el punk es la actitud de hacer lo que uno quiere y liberarse de lo que la sociedad normal espera o quiere de uno”.

“La música dance evolucionó hacia una cultura alternativa, como la escena gay, por ejemplo, donde la gente se reúne en clubes de total secrecía. El punk también empezó en lugares así.

-“EL PUNK ES LA ACTITUD DE HACER LO QUE UNO QUIERE Y LIBERARSE DE LO QUE LA SOCIEDAD NORMAL ESPERA O QUIERE DE UNO.”-

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“El dance se ha vuelto el nuevo blues” dice Nic Offer, vocalista de !!!, en entrevista en la célebre tienda de discos de la Ciudad de México, La Roma Records. El líder de la banda estadounidense nos contó sobre la repercusión que ha tomado en las últimas décadas ese género en el mundo. ¿Qué pasó? ¿En qué momento cambiaron las bases musicales? Para él es fácil encontrar el punto de quiebre: “Cuando todos se pusieron a reciclar los mismos sonidos del blues, el rock se volvió predecible y hasta aburrido.

Eso hizo que se voltearan a ver otros caminos, como la música dance, que le da nueva vida al pop”.

por Diego Venegas / fotos cortesía

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El lugar donde se encuentran el punk y el dance es la escena alternativa, la underground”. Eso me responde cuando le pregunto acerca del punto donde convergen ambos movimientos.

Ahí, en la clandestinidad, se encuentran dos tradiciones que !!! ha sabido perfectamente sintetizar en sus más de 20 años de carrera, a través de discos memorables como el Strange Weather, isn’t it? (2010), el Thr!!!er (2013) y el Shake the shudder (2017).

La agrupación originaria de Sacramento, pero con residencia en Nueva York, acaba de sacar su octavo LP, Wallop. El nuevo álbum continúa la línea dejada en el anterior material, Shake The Shudder, sólo que esta vez los músicos han decidido ir un poco más allá de sus propios límites. “Pienso que en los últimos discos hemos intentado obtener un nuevo sonido, y cada uno de ellos se siguen paso a paso, pero éste sí que suena diferente, mucho”, comenta el líder de la banda.

Después agrega: “siempre estamos tratando de sonar más intensos, extraños, pegajosos y funkys, y creo que, en éste, al fin lo conseguimos”.

De Wallop se desprenden los sencillos “This Is The Door”, con Meah Pace en la voz, “Serbia Drums”, “Off The Grid” y “UR paranoico”. Del nombre del disco, Nic nos cuenta que “proviene de una palabra anticuada que significa golpe directo. “Y eso es lo que conseguimos, un sorprendente golpe directo que, además, te paraliza”. Con una gran variedad de productores echando mano, incluido Cole M.G.N. (quien ha trabajado con Beck, Ariel Pink’s Haunted Graffiti, Julia Holter) y su antiguo colaborador Patrick Ford, Wallop reafirma la posición de !!! como una banda de culto, categoría que se han ganado a punta de mucho trabajo, actitud punk y mucho mucho baile.

En tiempos en los que países como Inglaterra y Francia se vuelven cada

vez más conservadores y el mundo se acerca a una recesión, ¿qué puede hacerse? Para Nic Offer y !!! sólo hay una respuesta. “Cuando realmente ganas, es cuando lo haces, cuando estás bailando.

Si, al final del día, con la mierda que pasa en el mundo no estás bajoneado y estás pasando un buen rato, quiere decir que estás resistiendo. ¡Y eso es lo mejor!”

Al final, ese es su concepto. Como dice su canción más conocida (su himno), “Dancing is the best revenge”, el baile es (definitivamente) la mejor venganza.

Debido al reciente estreno de su tercer disco Hot Motion, nos sentamos a hablar con James, líder de los ingleses, sobre el show que van a dar en octubre, y de cómo es complicado reemplazar miembros y adaptarse a los nuevos.

Revista Kuadro (RK): ¿Estás satisfecho con este disco? Ya es el tercero, un hito en una carrera que marca el futuro de una banda.

James (J): Estamos muy felices con el resultado, aunque es difícil compararlo con los dos primeros trabajos. Creo que hay unas similitudes con el primero, porque intentamos encontrarnos como banda, a qué queremos sonar; en el segundo no queríamos repetirnos y fuimos en una dirección pero nos volvió algo retrospectivos.

Creo que este disco es a lo que Temples debería sonar.

“Todo lo que hemos hecho es porque somos las mismas personas, con todo lo que hemos pasado y a pesar de todo hemos tratado de evolucionar juntos en la búsqueda del sonido”.

RK: Una de las ventajas de esta era es que pueden sacar varios singles y EPs sin tener que comprometerse al estilo de un disco.

J: sí, definitivamente esa experiencia es muy valiosa, nuestro primer álbum era muy fresco y ahora tenemos una expectativa.

Tenemos que ver esos nuevos trabajos, en lo que hicimos, cómo los tocamos, por qué es importante tocar y cómo suena en vivo, algo que llevamos haciendo siete años. En vivo las canciones se sienten como son y como deben de sonar. Son cosas que te ayudan a ir mejorando.

RK: Entonces, ¿los nuevos shows vienen cargados del nuevo disco?

J: La mayoría de las canciones son algo difíciles, pero estamos esperando tocarlas.

Hemos tocado tres hasta ahora. Conforme las tocas aprendes cómo debes hacerlo para

que suenan mejor. El tema es adaptarte y va a ser muy diferente. Estamos listos para ir a ensayar y vamos a tocar una buena porción del álbum para el show de octubre.

Además nos emociona hacer este tour, por todo lo que estamos preparando con la música.

-“ESPERAMOS SALIR DE GIRA, ES DONDE SE VA A SABER LO QUE LA MÚSICA PUEDE HACER”-

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Temples es de esas bandas que hasta parece que llegan con pedigree. Desde su primer disco causaron una sensación con un sonido que parecería ya no está encontrando lugar entre las listas de lo mejor o de lo más vendido.

por Carlos Valle / fotos cortesía

“Hemos Tratado De Evolucionar Juntos En La Búsqueda Del Sonido”

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RK: ¿Cuántas veces han tocado en México?

J: Una en 2014 en Guadalajara y en 2017 fuimos a Tijuana, por lo que va a ser la tercera vez que estemos en México y la primera en la ciudad pero siempre la gente ha sido muy prendida. Los shows siempre han estado cargados de energía, muy activos.

RK: ¿Han escuchado algo de la gente, de los shows en México?

J: La última vez la gente fue salvaje, que es genial, sobre todo, como la gente de Inglaterra es más calmada, no se siente esa vibra cuando estamos en casa y eso es algo que ayuda a que lo reflejemos en el escenario, aunque obviamente siempre hemos tratado de hacer el mejor show posible.

RK: ¿Cómo es la relación de la banda con Ren? J: Es muy diferente con un nuevo baterista y aún no lo sé. Es un humano diferente que trae elementos diferentes y tiene otras habilidades que poner sobre la mesa. Creo que ha hecho que los shows en vivo nos

hagan evolucionar como banda, ya que tenemos muchos años pero no tenemos tantos shows. Esperamos salir a la gira, que es donde se va a saber lo que la música puede hacer. Siempre nos podemos adaptar más para intentar aportar todos más hacia el fin común.

RK: ¿Cuál es la relación con ATO Records?, ¿qué papel juega en su carrera?

J: Creo que es importante porque tienes muchas personas detrás de ti que creen en el álbum y es complicado porque lo hacen aún sin que sepan cómo está y cuál es el resultado final. Es triste que varias disqueras indie tengan esos problemas para salir adelante, aunque incluso las grandes están teniendo los mismos problemas con la velocidad a la que se está moviendo todo.

Nos encanta por todo el apoyo, porque hace falta que alguien haga esto para que nosotros podamos preocupar solamente de la música .

RK: Además, ser parte del catálogo de esas disquera es importante con todos esos artistas...

J: Sí, es muy ecléctico, pero nos sentimos privilegiados de estar ahí con Alabama Shakes, Les Claypool y sus bandas King Gizzard and the Lizard Wizard, Chicano Batman, Rodrigo y Gabriela o Pish, que les está yendo bien. Tienen un rango muy grande de géneros como los mencionados, la dirección es más bien sobre talentos y propuestas, no sólo una línea como muchas otras lo hacen porque suenan parecido a algo que les gusta.

Sin duda Hot Motion es la prueba palpable de cómo Temples se ha adaptado y evolucionado, para madurar como banda.

Morimos por verlos en vivo ya que, como James afirma: “en vivo las canciones se sienten como son y como deben de sonar”.

Su Nuevo Álbum Muestra El Lado Más Personal Que El Siempre he creído que la música, más allá entenderla y apreciarla, es capaz de conectar por sí solos jamás se tocarían gracias a su Porque vamos, no es necesario ser un entender de qué parte del alma proviene

de conocerla, extremos que universalidad. erudito para una canción.

Algo así me pasó con Ma, el último disco de Devendra Banhart, en el que pude conectar de una manera diferente, más como persona que como periodista. En él me encontré con cuestiones humanas sobre la maternidad, la pérdida, el dolor, la inocencia y quizá el lado más personal que el músico ha develado hasta ahora.

Más allá de la falsa idea de objetividad que cargamos en el oficio, decidí aprovechar los pocos minutos que tuve con Banhart para hablar de su disco, los sentimientos que yacen en él y la importancia del arte en nuestra sociedad como un elemento sanador.

y ese dolor de no poder ayudar, tiene que ver mucho con esa idea de tener una madre que no se da cuenta que es una madre aún.

Y también es una manera de expresar mi gratitud hacia la calidad materna de la música.

Gracias al arte y la música que han sido una madre de una manera muy literal y concreta.”

“It begins with a question, I just asked one and now I’ll carry on” Devendra estaba ahí, lejos de las expectativas que tenía, el músico se mostraba como una persona real. Usaba una gorra que tenía bordada la palabra “México” con los colores de la bandera y vestía un suéter tejido en color azul marino junto a unas sandalias con calcetas blancas. Nos recibió con una sonrisa cálida y familiar. Mientras le daba un sorbo a su café preguntó: “Primero que nada ¿Qué está escrito en tu espalda?”

“Yo soy un otro” contesté. Bastó una pregunta sencilla para que Banhart iniciara la conversación con una plática pequeña sobre Arthur Rimbaud para llegar las conexiones espirituales y conceptuales que yacen en Ma, su nuevo disco.

“El hilo que corre entre la primera canción que es una pregunta y la última canción que también es una pregunta, es la maternidad y los diferentes temas tienen que ver con diferentes aspectos de la misma. La maternidad literal, cantándole a un infante que no existe pero que está hecho de todos los infantes con los que yo paso tiempo, porque toda la gente en mi grupo, que es mi familia, tiene bebés, entonces yo soy como la tía que les enseña a andar en patineta. Después está el aspecto de Venezuela, que es un país que ha sido mi madre y está esa relación de desilusión

“Bueno, no sé si haya un punto porque el planeta parece que se va a morir y 10 personas se van a Marte, entonces no sé si hay punto - nos reímos-. Pero igual esas 10 personas que se van a Marte, van a necesitar leer, oír y mirar algo y bueno mientras están mirando ese planeta para colonizarlo, se espera que tengan hijos, mismos que van a necesitar un poquito de arte. Para mí, personalmente, todavía el arte no ha perdido su capacidad de cambiar la mentalidad, el estado de la mente y el estado espiritual. Todavía es muy poderoso por esa razón, todavía es muy útil. También es muy importante darse un poquito de espacio para pensar que en este momento alguien está escribiendo tu canción favorita o quizá aún no la hayan escrito, cosas nuevas siguen pasando.”

En ese momento me contó que una de sus amigas había escrito una canción y que no podía sacar de su cabeza, mencionó que le parecía mágico, porque de “ayer para hoy” ya había quedado marcado por

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Dentro del disco destacan varias canciones entre ellas “Abre Las Manos” dedicada indirectamente a Venezuela y la otra es “Kantori Ongaku”, en la que realiza un homenaje a Haruomi Hosono y su Yellow Magic Orchestra. En ella además plasma unas líneas de vital importancia para cuestionarnos desde lo individual, el papel del arte -y el artista- dentro el contexto actual y la deshumanización de la humanidad.

Músico Ha Develado Hasta Ahora la melodía. Ese fue el momento perfecto para hablar de una canción en específico de Ma: “Memorial” y cómo esa melodía logró traducir en palabras y sonidos un dolor muy particular.

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-“EN ESTE ÁLBUM SOY YO Y LE CANTO A DIFERENTES PERSONAS, ALGUNAS QUE EXISTIERON Y OTRAS QUE NO EXISTEN”-

“La música sigue sanándome, porque nadie sana y ya para.

Nadie se sana una vez y ya no existe una razón para sanarse.

Por eso la música, el arte y la cultura son sanadores y va a ser necesaria en la sociedad porque la realidad de nuestra vida es que no hay momento desde que nacemos, que de verdad... y hay que preguntarse esto si es verdad o no, pero no hay muchos momentos en nuestra vida en los que no estemos sufriendo, mentalmente o físicamente. Si no es físicamente estamos sufriendo por algo que estamos inventando o que está pasando en un espacio metafísico. Y el arte en este contexto está a un lado de la espiritualidad y son los lugares donde encontramos refugio de la realidad en la que estamos siempre, toda la vida, sufriendo mentalmente. El arte siempre va a ser sanador, por supuesto.”

Un silencio prolongado me ayudó a entender que Devendra ya llegó a un punto diferente de su vida y de su carrera, las canas de su barba y su mirada demuestran que ya no es la misma persona que en los años del Cripple Crow. Ahora es Devendra Banhart creando música desde su propia perspectiva sin la necesidad de comunicarse a través de un personaje surreal. La vulnerabilidad plasmada en el disco, es suya, es real y aceptarla de esta manera, es valiente.

“Es una de esas cosas por las que para mí es muy diferente este álbum y es que no hay personaje como en los últimos cinco álbumes… ah qué viejito soy. Todos estos años y ninguna canción buena todavía... Bueno por lo menos en cinco, seis canciones inventé personas pero en este álbum soy yo y le canto a diferentes personas, algunas que existieron y otras que no existen.”

RK: ¿Y cómo fue confrontarte a ti mismo en este proceso creativo?

Un fastidio, un gran fastidio. ¿Cómo se dice “pain in the ass”? Es que tienes que mirar en todos los lugares que no quieres mirar, ¿me entiendes? Tienes que mirar, las cosas que no quieres alcanzar y claro es ahí donde está el material de verdad, ahí está de lo que debería escribir o explorar pero no es un placer… es un total dolor en el culo... y así.

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por Aldo Franco / Ilustraciรณn TheJavisCEffect

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En los noventa, “el rock seguía oyéndose entre los chavos de todos los estratos sociales, pero para muchos había muerto. Eso sí, definitivamente se había institucionalizado”, dice el escritor de La Onda, José Agustín, en su obra La contracultura en México (2016), en referencia a ese género musical que por años había sido un estandarte para quienes iban a contramarea, que no aceptaban lo establecido, para quienes la anomia era la única forma de romper con décadas de represión contra la juventud de abajo.

Sí, la contracultura siempre fue de abajo (y a la izquierda, como proclamó Panteón Rococó) y fue ejercida no necesariamente por los más radicales, sino por las mayorías que no encajaban con lo políticamente correcto, como los contestatarios de Tijuana No! o años antes, Botellita de Jerez.

Más de dos décadas después, es difícil delimitar el contramovimiento actual, empezando por su imparable mutación y maldición: la contracultura que logra su objetivo de ir a barlovento para quebrar el orden y ser aceptada se topará con que ahora es parte de lo normal, de la cultura; la institucionalización de la contracultura.

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Fumar marihuana, utilizar piercings o tatuajes sin ser juzgados, la izquierda en el poder, la derecha fuera de él. Por todas esas cosas luchaban las bandas de aquellos años; en pleno 2019 eso no es más que el orden de lo normal. Inclusive el rock ha dejado de ser algo mal visto, bueno, no hay que ir tan lejos, hasta el reggaetón-movimiento musical que fue más que contracultural por atreverse a atentar contra al pudor y los valores de la gente bien- ahora es aceptado sin distinción de clases, y hasta bailado en fiestas de XV años o festivales escolares.

Ni siquiera el trap, con todo su descaro, se está salvando de su normalización, y no es que haya algo de malo en romper barreras sociales, sino que mucho del atractivo de estos géneros musicales ha sido su rebeldía, su forma de incomodar y provocar. Es decir, de tan disruptivos que estamos siendo, nos estamos orillando a lo que será una gran monotonía, que para ser honestos, es dirigida por el mercado y ni siquiera por la necesidad de libertad.

Todavía más sorprendente es la rapidez con la que se institucionaliza lo disruptivo: Por la mañana se avienta diamantina rosa a un funcionario, por la tarde se vuelve un movimiento, días después se politiza y en menos de una semana alguna tienda nice ya comercializa bolsos alusivos al evento.

Ahora, que tras décadas de luchar por ese bando, la izquierda llegó al poder en México, ¿qué sigue para aquellas agrupaciones que tanto la promovieron? Ser el soundtrack del oficialismo sería una muerte lenta, retomar viejos valores

conservadores como estandarte sería un rápido balazo.

Quizás la juventud-quien históricamente ha llevado la bandera rebelde-se encuentra en un estancamiento de la contracultura.

O quizás no. Tal vez la batalla contra el moralismo se ha agotado, pero aún existen- o permanecen- otros motivos: la imparable violencia contra las mujeres, que artistas como Ana Tijoux mantienen en pie, o Yoko Ono, quien ha pasado de irrumpir el orden con su amor y paz a llamar a la agitación feminista; la migración, la cual aún es atendida por cantantes ya no tanto contemporáneos como Manu Chao o la asfixiante contaminación.

Si bien la moral y lo políticamente correcto fueron el blanco de los contramovimientos, ahora eso está más que gastado.

No se trata de qué tan grande le gusten a Becky G, de cuántas drogas se pueda meter 6ix9ine en una canción, ni de el número de balazos que utilizó Larry Hernández después de un levantón. A las nuevas generaciones se nos ha vendido una falsa idea de rebeldía como sinónimo de explícito. Disfrutamos que nuestros padres se persignen (algunos ya no) por las letras de lo que escuchamos, pero se olvida que la contracultura tiene no sólo el elemento provocador, sino el aportador.

-“NOS ORILLAMOS A LO QUE SERÁ UNA GRAN MONOTONÍA, DIRIGIDA POR EL MERCADO, NI SIQUIERA POR LA NECESIDAD DE LIBERTAD”.Pese a todo algunos se preguntarán qué tan relevante o necesario es llevarle la contra al orden (pre) establecido, y la respuesta está precisamente en las problemáticas ya mencionadas. Es poco probable que en una sociedad de tantas etiquetas, clases, tribus, nichos y demás se vuelvan a ver grandes movimientos como los pachucos, los jipis, los rockeros, los punks y por qué no, como los reggaetoneros.

Seguramente una lucha bajo una misma máscara ya no será viable, y la nueva contracultura hallará su lugar en lo humano per se, es decir, en aquello que todos- o bueno, la mayoría-compartimos. Quizás la música dejó de ser una parte importante para la rebeldía.

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Si bien nos ha acostumbrado a los carteles con poco talento femenino, no crean que los proyectos hechos por mujeres, no han encontrado la forma de llegar a la gente.

Si bien hay espacios físicos creados para albergar proyectos y las comunidades alrededor de ellos, también existe el espacio virtual que ha ayudado en el despegue y difusión de los mismos, incluso ha permitido que lleguen al mainstream, ¿sí o no Ms. Nina?

Al menos en México, existe un proyecto impulsado por la rapera Jezzy P que se llama Amazonas Urbanas Fest, es un evento anual que tiene como sede distintos lugares de la CDMX. En él se celebra la cultura del street art y participan mujeres de todas las edades interesadas en el skate, el graffiti, el tatuaje y el rap.

- LA LUCHA CONTINUARÁ EN EL UNDER, FORTALECIÉNDOSE ENTRE RIMAS, GLITTER ROSA Y MISOPROSTOL-

También existe La Gozadera un punto de encuentro en el que además de conciertos, fiestas e inclusión, también existen talleres para compartir conocimientos sobre herbolaria, autodefensa y distintas expresiones que ayudan a crecer el espíritu, deconstruirlo y curar las heridas hechas por el patriarcado a través de rica comida vegana.

Podría seguir enlistando espacios que promueven valores de inclusión, pero quiero resaltar el hecho de que muy a pesar de la negativa patriarcal de integrar y visibilizar el trabajo hecho por mujeres, personas no binarias o de la comunidad LGBTTIQ+, estas han logrado generar sus propios espacios y escribir su propia historia desde la marginalidad donde la “cultura dominante” las ha colocado y desde ese lejano lugar, su lucha resiliente continuará en el under, fortaleciéndose entre rimas, glitter rosa y misoprostol. ¡El patriarcado se va a caer!

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Cuando pensé en este artículo, imaginé iniciarlo diferente sin antes darme cuenta que la resistencia femenina en todas las disciplinas, siempre ha sido contracultura, claro si nos basamos en el concepto acuñado por Theodore Roszak en El Nacimiento de la contracultura, la señala como “los valores, tendencias y formas sociales opuestas a las establecidas en una sociedad”, así como “la realización de de las aspiraciones de un grupo marginal” y ¿Quiénes han sido marginalizadas durante toda la historia de la humanidad? Sí, las mujeres.

Tal vez no sea muy feminista de mi parte sustentar un fact con lo que escribió un hombre en los sesentas para poder definir las nuevas formas de entender la cultura antisistémica de esa época, en la que nacía el movimiento beat o hippie, sin embargo puedo partir de ahí para explicar cómo esa oposición, esa “rebeldía” y ruptura de dogmas vino cargada de cambios y revoluciones, entre ellos la ola feminista que luchó por la píldora anticonceptiva, derecho fundamental de la libertad sexual.

Luchar por principios básicos de humanidad, se ha convertido en el pan de cada día del feminismo. “Feministas las de antes” dirán, pero pocos comprenden que a las mujeres se nos ha prohibido el acceso a las instituciones sociales, a la vida académica y artística por el simplemente hecho de ser mujer o de no pertenecer a la norma. Hola también hermanes LGBTTTIQA. Girls invented punk rock, not England Esa leyenda estaba escrita en una playera portada por Kim Gordon, cuando aún tocaba con Sonic Youth, en esa prenda se leyó de forma implícita el discurso feminista de la artista, aludiendo a que uno de los movimientos que más se rebeló contra los valores, tendencias y formas sociales establecidas en ese estadio de la sociedad británica, había sido inventada por mujeres. No Sid Vicius, no Sex Pistols, no Iggy Pop, No The Clash, sino mujeres resilientes que han sido borradas de la historia de la música.

Si bien las mujeres en la música existen, la gran mayoría son borradas por quienes escriben la historia y ¿Quiénes la escriben? Sí, nosotros. Como público, como medios de música, como periodistas, que aún ante la necesidad de documentar lo que ocurre en nuestras escenas locales para dejar un gran acervo histórico, decidimos pasar por alto lo que ocurre a nuestro alrededor por revivir viejos cadáveres rancios del rock cuyas cabezas principales, son hombres con privilegios.

La resiliencia en la música hecha por mujeres, es un fenómeno que tiene que verse y vivirse de cerca, no se necesita ir muy lejos para descubrir cómo han formado sus propios espacios para desarrollarse. La autogestión y la generación de espacios es una de las formas de contracultura más pura en los tiempos donde el patriarcado y el capitalismo ya nos ha arrebatado y acabado con todo.

025 por Ma. José Sánchez / Ilustración TheJavisCEffect

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por Carlos Valle / Ilustraciรณn TheJavisCEffect

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Probablemente antes del 2018, el country y el hip hop eran cosas que las personas nunca pensaron que van juntas.

Sí, sabemos que está el country rap, hasta sabemos que está el hick hop. Pero rara vez han tenido un lugar en el mainstream, aunque tampoco podemos decir que nunca lo han intentado.

Desde los intentos por Sir Mix a Lot, que más mérito que cantar sobre nalgas grandes era todo un visionario aparentemente. Hasta Taylor Swift, antes de aventar todo al pop, tuvo una colaboración con B.o.B. cuando todavía tocaba el banjo y no sabía quién era Jack Antonoff o Max Martin. O con T-Pain para unos premios country.

También estuvo Snoop Dogg y Willie Nelson, Nelly y Tim McGraw y varios intentos más. Algunos con más éxito que otros. Otros pasando al olvido, pero no dejaba de ser algo del momento, nada más allá de la oportunidad de fumarse un porro con Snoop y la anécdota con Nelson con la anécdota. Porque lo común era alguien de hip hop con alguien de country -o viceversa-.

Porque lo importante es que las mezclas de música siempre han existido, igual llevar a alguien de invitado de un género opuesto. Pero todos estos eran casos excepcionales y sin importar el éxito que pudieran tener, no pasó de ser la nota del día y ya. Eran casos efímeros.

Entonce llegó el 2019 y llegó algo que cambió todo, no solo la música, sino algo que también hizo de esas conversaciones que tampoco pasan muy a menudo. Llegó el torbellino de Lil Nas X. Llegó al mundo del Country, al del Hip Hop y el mainstream... de la mano del rock. Otra parte de esa ecuación.

Un sampleo de Nine Inch Nails, de Ghost, ese álbum instrumental de dark ambient. A eso se suma un afroamericano, homosexual, de los projects de Georgia en Atlanta. Cantando sobre su caballo, su sombrero... Gucci y su Wrangler. En el video es el vaquero más fashion que has visto en tu vida.

Junto con Billy Ray Cyrus, ahora conocido por tres cosas: el dueto con Lil Nas X, ser el papá de Miley Cyrus y por un tiempo, ser la cara del country mundial con su éxito “Achy Breaky Heart” que puso a todo el mundo a no poder coordinar. Junto con sus millones de ventas en discos -cuando ese concepto importaba-.

Todo lo que ha pasado después es para hacer un estudio.

La canción que más tiempo ha pasado en el Billboard 100, con 19 semanas en el número uno. Sobrepasando por tres semanas el récord de “Despacito” de Luis Fonsi y Daddy Yankee, y a Mariah Carey junto a Boyz II Men con “One Sweet Day”.

Con todo los factores que tenía la canción, que llegara a ese puesto y además compitiera contra todos los pedos que por lo regular dominan estas listas. Parecería que cualquiera se pondría feliz. Claro que no sería 2019 si todo mundo fuera feliz sin quejarse de algo.

En una esquina estaba esos de Nashville, que decían que hablar sobre tractores, sombreros y caballos no es suficiente para ser considerados como música country. En este sentido, el track fue quitado de la lista del Billboard de country -donde obviamente estaba arrasando-.

Y en la otra esquina, estaban esos que pregonaban que su triunfo, es el triunfo de la PC Culture, porque cumple con todas las casillas. Una tormenta perfecta según ellos, para mostrar esa superioridad moral si no te gusta o lo criticas, por el hecho de ser de una minoría, de una preferencia sexual que no va con lo que Tennesse esperaría, haciendo algo que “ellos” no acostumbran hacer.

-PROBABLEMENTE LIL NAS X NUNCA VUELVA A TENER UN ÉXITO MUSICAL DE ESTE TAMAÑO, PERO SU LEGADO NO SE VA A CONSTRUIR SOBRE MÚSICA.-

Cuando la lección de esto es mucho más sencilla. Las etiquetas musicales ya estaban viéndose anacrónicas, pero esto llegó a ponerles lo que debería ser el último clavo ya que hay cosas más importantes que determinar si es esto o aquello, lo más importante debe ser seguir siendo la obra creada y el mensaje que transmite.

Además de encapsular perfectamente el tiempo en el que está pasando. Toda la crítica y el aprecio, cuando estemos viendo esto desde el futuro lejano, va a dar una perspectiva de lo que era esta época.

De cómo va evolucionando la música y el arte, que las ataduras de referentes a la geografía deben ser ignoradas y solamente. Ya no es solamente esos jóvenes afroamericanos que intentaban triunfar en el hip hop para dejar atrás eso -esos que no tenían la habilidad para estar en la NBA- ahora tenemos una nueva plataforma y hay gente dispuesta a usarla.

El tiempo va avanzado y la música también te va dejando atrás, porque ser un artista de nicho cuando puedas cambiar al mundo. Probablemente Lil Nas X nunca vuelva a tener un éxito musical de este tamaño, incluso apostaría cómodamente a eso... pero su legado no se va a construir sobre música.

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posibles a su alcance, y por tanto, que la música se mezcle libremente. La música, al igual que las grandes ciudades, se ha convertido en un fenómeno multicultural, de mucho roce y mucho mestizaje.

Nos acercamos a la era del panmusicalismo (recién acuñado por un servidor), donde todo entra y todo cabe; donde ya no hay diferencia entre unos géneros y otros; donde es posible encontrar quimeras tan abstractas como la cumbia psicodélica, el neo soul, o el dance punk. La moda ahora es sonar a quién sabe. ¿Cómo definir la música de Blood Orange, la de Bomba Estéreo, The Guadaloops, Tyler, The Creator? ¿A qué suenan Arca, Rosalía o Björk? Incluso en escenas como la del jazz, han surgido movimientos como el del jazz fusión, que se ha esforzado por mezclar con otros ritmos. La mezcla es la respuesta. Con deseos y ganas de experimentar, todo puede combinarse para formar los sonidos más extraños y originales.

-:¿A

QUÉ DEMONIOS HA SONADO ESTE MILENIO? SI SE TRATA DE CLASIFICAR, LA TAREA SE VUELVE COMPLICADA.-

En mi experiencia, una de las respuestas más difíciles de conseguir en alguna entrevista es cuando le preguntas a un artista por su género. La pregunta le quema. Casi como si le preguntaras por su religión.

No es que no sepan lo que hacen, simplemente ya no tienen la necesidad de reducir toda su obra a un término. ¿Para que etiquetar y generalizar? ¿Cuál es el caso? Entonces, ¿etiquetas para qué? Si al músico no le gustan, el lector a menudo no está de acuerdo, y el periodista cada vez la necesita menos. No es que el escritor, el crítico o periodista musical esté en riesgo de desaparecer. Solo tiene que encontrar nuevas formas para hablar sobre la música sin poner etiquetas. En una época donde no existen palabras para definir la música, parece que solo quedan dos caminos. O se inventan. O simple y sencillamente, se deja de nombrar.

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A pocos meses de finalizar una nueva década en la historia musical del mundo posmoderno, es válido preguntar, ¿a qué demonios ha sonado este milenio?

Es fácil trazar ciertas coordenadas y aventurarse a mencionar nombres que han venido a renovar la escena musical con nuevas propuestas. Si tuviéramos que citar algunos, se me ocurren artistas como Radiohead, Bon Iver, Gorillaz, Muse, Coldplay, Kendrick Lamar, Drake, Post Malone, Daft Punk, The Chemical Brothers, Lorde, Beyoncé, Maluma o Bad Bunny, entre muchos otros, que definitivamente, son indispensables para entender lo que ha ocurrido en el siglo XXI. Pero, si se trata de palabras para sintetizar, clasificar o agrupar, la tarea se vuelve más complicada.

Antes, si no se trataba de jazz, música clásica, o electrónica, todo podía reducirse al pop o rock, con cada uno de sus respectivos géneros. El surgimiento de una industria musical generó una necesidad enorme por agrupar y clasificar todos los proyectos que surgían de la masificación. A cada proyecto se le nombró y si no se parecía a nada escuchado antes, se inventaba una nueva palabra. Así surgió el britpop, el synthpop, o el dancepop dentro de la música pop. Lo mismo ocurrió con el rock, solo que, en su caso, la división fue más abrupta e intensa. Del rock devienen géneros tan variados como el R&B, el punk, el heavy metal, el grunge, el progresivo, el postpunk, el garage, géneros extintos como el nü metal, o el glam rock, y el género de miscelánea que agrupa todo y nada: el rock alternativo.

Hoy, sin embargo, la vieja dialéctica de decir “rock” o “pop” ya no alcanza para definir toda la música que suena. No es que esos géneros hayan desaparecido.

De hecho, bandas como Greta Van Fleet o cantantes como Lana del Rey, demuestran la vigencia de la fórmula binaria. Lo que ha cambiado, es que ya no son los únicos géneros vigentes ni necesariamente, los más populares.

La tendencia apunta hacia otros horizontes más allá de lo conocido. El hip hop, la electronic dance music, el indie, el hip hop, el trap, y (nos guste o no) el reggaetón, han acaparado las plataformas musicales del mundo, y llevan tiempo consolidados en el gusto de la gente.

En tiempos donde Spotify ha transformado la manera de relacionarnos con los artistas, con un par de tecleos podemos escuchar a Kamasi Washington en un hotel de Bangladesh. Los festivales han incrementado sus ofertas y es posible escuchar a Los Ángeles Azules o a J Balvin en un Coachella. Páginas como Soundcloud, Bandcamp, y las redes sociales, han posibilitado que cada vez más personas, se animen a formar sus propias bandas y a plasmar sus sonidos más locales. Eso ha hecho que los artistas tomen influencia de cualquier lado, que beban de todas las fuentes

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por Ma. José Sánchez/ Ilustración TheJavisCEffect

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A través de este dossier, hemos estudiado el papel de la contracultura como un fenómeno que debe responder a ciertas características para poder ser llamado o considerado como tal. Sin embargo, en tan solo dos décadas, los dosmiles nos han puesto sobre la mesa, diversos análisis de casos que podrían ser una perfecta rebelión contra el sistema que esporádicamente explotan y con esa misma intensidad, se acaban, al menos en nuestro país. ¿Realmente esta generación de mexicanos jóvenes, tiene alguna inquietud que los lleve a rebelarse contra el status quo? Primero que nada, hay que entender de dónde partimos. Nuestro referente inmediato es lo que José Agustín relata en La contracultura en México, cómo aquellos chavos de La Onda reinventaron el mundo a través del “encueramiento, marihuaniza, degenere sexual, mugre, pelos, sangre y muerte”.

Un contexto en el que el rock y los hoyos funky fungieron como lugares de encuentro para compartir ideas de cambio, desde el uso de la píldora hasta las movilizaciones estudiantiles de finales de los sesenta. Sin duda, la contracultura resultó incómoda para las instituciones en ese entonces… y siempre.

Para la mala fortuna de nosotros, mexicanos luchones y trabajadores, siempre ha existido esa necesidad de resistencia al status quo generado por “el maldito sistema retrógrada”(sic), que se ha prolongado durante varias décadas. Gobiernos corruptos, violencia, sobreexplotación de recursos, pobreza han decantado en miles de protestas, artísticas, simbólicas, culturales y musicales… que si bien algunas han tenido repercusión, muchas otras se han quedado en el olvido.

Aquí es donde retomo la pregunta y añado, ¿los jóvenes de ahora tienen las herramientas críticas para rechazar el sistema o simplemente viven en la corriente? Para contestar esa cuestión quizá debamos conocer lo que escuchan, lo que leen, lo que ven… y no, con eso no quiero ser una señora ñeñé que descalifique y señale la apatía o la falta de interés que tienen las nuevas generaciones, porque algo que omiten los señorxs ñeñé es que, como Bob Dylan dice: the times they’re a-changing y el viejo discurso de rebeldía contra el gobierno quedó gastado como las suelas de los converse que nos jodieron las rodillas.

Ser joven hoy en día es enfrentarse a la catástrofe, el mundo colapsa y muy a pesar de que Lisa Simpson alguna vez gritó que “todo este maldito sistema está mal” no significa que todos debamos aceptar el discurso gastado de los mismos personajes que se quedaron inamovibles en el tiempo que si bien algunos son piezas clave de la historia, otros pues, meh. Saludos a Elena Poniatowska, la oficialista más longeva y VIVA del país.

Lo inconveniente de esto es que el arquetipo de contracultura construida en nuestra conciencia colectiva, se ha caricaturizado y ahora son chairos y Rubén Albarrán es su pastor. Cantan a todo pulmón “Gimme The Power” de Molotov y se sienten conectados a sus raíces mestizas cada que escuchan a Lila Downs.

Con lo anterior no pretendo demeritar los proyectos, cada uno logró marcar una diferencia en su momento al ir contracorriente y han construído sus trayectorias de forma sólida, sin embargo, su discurso se gastó tanto que el mainstream ya lo asimiló, lo plastificó y lo vendió en pequeñas botellas que ahora contaminan los océanos. En otras palabras, en algún punto dejó de ser auténtico y útil para lo que en un principio representaban, si es que lo hacían; porque es muy fácil caer en generalidades tóxicas y no porque se aluda a que todos somos hijos de la Pachamama, existe una unidad.

-“EL VIEJO DISCURSO DE REBELDÍA CONTRA EL GOBIERNO QUEDÓ GASTADO COMO LAS SUELAS DE LOS CONVERSE QUE NOS JODIERON LAS RODILLAS”Es 2019 y “la izquierda” -entre comillas porque es altamente cuestionable- llegó al poder. AMLO prometió acabar con la corrupción, mejorar la economía, no cometer crímenes de Estado y sacar a los ninis del limbo.

Aparentemente, la resistencia al status quo de los últimos cien años como nación, triunfó. Virtualmente, en la cuarta transformación ya no hay nada por qué protestar y las deudas históricas de Ayotzinapa y Acteal quedaron borradas por la aparición de la Guardia Nacional. Ahora que el país es “feliz, feliz, feliz,” habrá que preguntarse ¿Dónde jugará Molotov?. ¿A quién le van a mentar la madre? ¿A AMLO bebé? Inconcebible.

El mundo colapsa, amigos y la contracultura como la conocimos ya no existe porque los problemas se agravaron y las ganas de remediarlos desde el under y a contracorriente ya no es suficiente. Es más, si Café Tacvba toca o no “La Ingrata” en sus conciertos como un acto político de justicia social, ya no importa porque, saben….el mundo ya nos rebasó.

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No es de extrañar que el hip hop llenara el vacío anti establishment, al hacer alarde a toda la vida de gangster, con drogas mujeres y violencia -algo que coincide con todo lo que pasaba en Colombia y el culto que se ha ganado figuras como Pablo Escobar-. También se generó todo una discusión social y racial no solo por lo que significaba el rap.

Raro que el siguiente paso fueran sus primos, el trap y el reggaeton. Hoy ya nadie se escandaliza por sus letras ni por cómo se baila. Mamás alentando sus hijas a perrear. MTV dominado por eso -otro caso de mención, de ser el líder de la contracultura, a ser el establishment con todas sus letras-.

Lo importante ahora, es preguntarse es ¿quién lleva esta batuta?, si está visible o si todavía hay contracultura. Parece ser la oportunidad perfecta para el resurgimiento del Rock pero no está generando ese impacto para ser la “resistencia”.

-“HASTA

LAS TÍAS QUE MANDAN PIOLINES LE QUITARON LO POQUITO QUE HABÍA DE CONTRACULTURA A LOS MEMES.”-

Tal vez lo más complicado es que ahora sí va implicar un esfuerzo, porque tal vez esta off line, lejos de donde todos estamos conectados, donde todos dicen lo que hacen y dónde están 24/7. Hasta las tías que mandan piolines le quitaron lo poquito que había de contracultura a los memes.

La fragmentación que ha tenido todo con el Internet hace muy complicado resaltar una verdadera corriente. Todo al alcance de todos, todo ha dejado de ser especial de alguna manera. Tantas opciones hacen sentir que a veces no hay opciones. Ya no se descubre nueva música, los algoritmos descubren nueva música.

Lo más cercano que podrían ser contracultural, sería ir en contra de la PC Culture, para cerrar un poco el círculo de algo que no se debe de cerrar, porque...que los standuperos sean la nueva contracultura... también es triste.

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El status quo es de esos conceptos que nadie parece poder explicar bien, pero todos parecen entender por el reflejo e impacto que tiene a nivel cultural, social y económico. Se refleja en todos los estratos de la sociedad de manera nítida.

Además, es bastante predecible.

Por eso es la importancia de la contracultura, eso que va en contra de todo lo establecido, a veces por el simple hecho de ir en contra. Sin ninguna razón a veces, pero debería ir con un propósito, no solo llevar la contraria. Eso sí, por cualquier medio posible, como todo los hemos visto en algún punto.

Uno de esos clichés es que aquellos que no conocen la historia están condenados a repetirla. En la música también vemos eso, la contracultura que nació en los 60 de la manera como la conocemos. Con la guerra de Vietnam, Nixon y lo estricto de la sociedad. Por eso tiene sentido cómo se veían los primeros rockstars.

Pelo largo, patillas, ropa estrafalaria. Todo lo opuesto a los buzzcuts militares y trajes aburridos. Todo lo que requieres para el servicio militar, es el tipo de cosas que no ibas a encontrar en Woodstock o en Monterey. Todos esos pantalones se interponían al sexo libre.

Sin embargo, el peligro de la contracultura es que muera y se convierta en cultura. Cuando todo ese movimiento del rock, fue adoptado por los papas, -la mejor manera de saber que tu movimiento está muerto- se adueñaron de eso. Cuando las bandas y el género perdió ese fuego que los había hecho.

Por eso llegó el punk, a pelear contra esos grandes rockstar que se habían aburguesado, que ya solo sabían gastarse el dinero en la cocaína más cara, las groupies más jóvenes y las fiestas más salvajes. El arte sufría, el mensaje moría y se notaba. La pasión ya no era el motor del arte. Y estaban del lado de la monarquía.

Pero el punk sufriría lo mismo, víctima de su propia pasión. La ironía: ”vive rápido y deja un cadáver hermoso”.

No sabemos si el punk dejó un cadáver hermoso. Pero sí murió, sí dejó ese sentido social, la crítica por el anarquismo sin sentido. Un discurso que se volvió estéril. para dar paso al hair metal y los excesos.

Los 80 fueron una época en la que el enojo social laboral del punk, se transformó en atacar las buenas conservadoras costumbres. Bandas hipersexuales, entre las letras y los miembros todo era sex appeal andante. Excesos y lujos que la gente decente no podía tener ni aspirar.

Con ello, llegaron los yuppies que querían ascender la escalera social y a los que el grunge se oponía. Esos que no querían ser rockstar,que no querían ser famosos.

Introvertidos contra todo ese mundo lleno de alarido y color brillante y en tu cara, junto al “me voy a borrar de la fiesta”. La contracultura también es extraña.

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por Carlos Valle/ Ilustraciรณn TheJavisCEffect

foto Qiqe Ávila

foto cortesía Santiago Felipe

UN MILLÓN DE ESTRELLAS CON BENGALA

POR THE JAVIS CONTRERAS EFFECT

POR DORA MÉNDEZ

Cornucopia no es un concierto como tal, es un show con un formato más similar a un musical o un happening de arte contemporáneo. Para Björk, es el show más elaborado que ha desarrollado en su carrera, un espectáculo que logra fusionar el arte, la música análoga y digital/electrónica, la tecnología, vanguardia creativa e innovadores conceptos visuales.

Disfrutamos el regreso oficial de Bengala a los escenarios, teniendo a El Plaza y sus fans como testigos. El show comenzó con “Un millón de estrellas”, misma rola que abre Laberinto, su nueva producción y básicamente lo que vivimos aquella noche.

Entre los instrumentos y efectos de sonido presentados destacan una ocarina, una flauta poco convencional, ejecutada por cuatro personas al mismo tiempo, un órgano con un tubo de ocho metros de largo suspendido en el aire a la mitad del recinto, recipientes dentro de una vitrina llena de agua con los que al caer del agua se producía ritmo y percusión, una cámara de eco en la que Björk entraba para interpretar a capella.

Una vez más, Cornucopia no está pensado como un recital para los grandes hits; si bien el eje del show fueron temas de su reciente Utopia, también nos regaló algunos de sus clásicos.

La nostalgia del Bengala de 2016 llegó con “Planeador”; los fans se notaban muy emocionados y el momento fue aderezado con “Vamos otra vez” y “Soñé”, a la que le siguió “Horizontes”, una de las grandes del nuevo EP. Camilo Froideval, quien produjo Laberinto, acompañó a los músicos para “Otra vez”, siendo la gran sorpresa de la noche.

La ejecución de Diego y compañía fue casi perfecta, con algunos pequeños detalles que pasaron desapercibidos. El vocal demostró que a pesar del tiempo, sigue siendo un showman, y para deleite de algunas, se quitó la camisa y comenzó con “Cárcel”, otro de sus grandes clásicos.

El concierto, más que la presentación de un nuevo disco, fue un pequeño viaje por el pasado y un vistazo al futuro que ellos mismos nos han prometido.

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BJÖRK, UNA UTOPÍA EN LA CDMX

foto Carlos Saín

foto Axel Nava

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ZION, UN MENSAJE EN LA OBSCURIDAD DE ELY GUERRA POR JOSÉ CURDA

HOCICO: PROFETA EN SU TIERRA POR CARLOS SAIN

Zion es perderse en soledad y encontrarse caminando en el campo de lo inevitable, es la confrontación entre la vida y la muerte, entre Eros y Thanatos.

Ely Guerra en El Cantoral se desplaza en el sonido, entre lo gutural y la emoción. Poemas malditos y prosas benditas viajan entre neblina artificial que te hace sentir alguien real pero al mismo tiempo te hace cuestionar ¿quién soy?.

Esto no es un concierto, es una obra con final abierto, una emoción compleja, una cuestión intrigante y sobre todo un paso inevitable, semejante a morir. Es la madurez de un artista frente a buscadores de respuestas, respuestas a cuestiones tan personales que canciones como “Inevitable defeat”, solucionan cada interrogante, cada duda y cada incertidumbre a quienes nos levantamos cada mañana con una duda ¿qué haré de mí?

Zion es compartir un mensaje, es repartir el pan en la cena y el vino en la mesa, es la visión del amor de un artista en la inevitable altibaja vida en que fuimos arrojados, es la manera en que Ely Guerra dice “No estamos solos”.

Hocico y su dark electro-neuro punk llegaron a El Plaza Condesa como parte de su gira World Wide Extinction. El dúo más importante de la escena gótica mexicana a nivel mundial nos dio un recorrido de energía, synths y rudeza como nos tienen acostumbrados en cada una de sus presentaciones.

El poder electro de las secuencias y bases industriales de esta noche no sólo la mostraron ellos ya que una de las características principales de Hocico es siempre tener sorpresas antes de su presencia en el escenario, como invitar a nuevas propuestas nacionales e internacionales. En esta ocasión no fue la excepción, las bandas invitadas fueron Dimitri Berzerk, que se lució con un set de industrial pop, y Resistor, colombianos que prendieron increíblemente a toda la comunidad under presente y, desde Arizona, KREIGN con un poderoso set electro-industrial.

Hocico demostró que son la bandera total de la escena under mexicana, representándola en los mejores escenarios y festivales de muchas partes del mundo.

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foto cortesía César Vicuña

foto Carlos Saín

EL LEGADO DE IRON MAIDEN SIGUE LLENANDO

POR CARLOS SAÍN

POR CARLOS VALLE

El Teatro Ferrocarrilero presentó a aquellos quienes llevaron su música a Woodstock , ese gran festival que este 2019 celebra su 50 aniversario. Con una voz de fondo anunciaban Ten Years After, la agrupación inglesa que con más de 15 discos y esas cinco décadas de historia continúan sonando ¡y de qué manera!

Si vas a ver una banda donde el más joven tiene 61 años, te da una idea de lo que deberías esperar del show. Pero es Iron Maiden. Bruce Dickison es alguien que desafía las leyes de la realidad, por lo que dan un show acorde a eso. Si tienes de esos lugares donde te toca detener el techo y no ves el escenario, parecerían unos mozalbetes, por toda la energía que irradia el escenario.

El poder de los teclados de Chick Churchill y la genialidad bárbara de la batería de Ric Lee, miembros originales del proyecto y responsables de que sigan grabando discos. Y, para que la agrupación no muera: en el bajo, Colin Hodgkinson, quien ha trabajado con leyendas como Whitesnake, Mick Jagger y Jon Lord, nada más..

De verdad fue un lujo y toda una experiencia para los oídos, a la juventud de Marcus Bonfanti, excelente guitarrista, sobretodo luciendo perfecto en esos momentos donde el sentimiento de una buena ejecución es más que necesario.

Todo esto, para complacer a un público multigeneracional: personas de entre 60 y 80 años, acompañados de sus hijos, nietos y por ahí uno hasta con su enfermera.

No es sólo Bruce o Eddie. Steve Harris sigue teniendo dedos de titanio, Dave Murray, Janick Gers y Adrian Smith siguen siendo esas incansables fuentes de riffs, junto con Nicko McBrain, el más veterano que es capaz de tocar a un millón de bpm. Todo con una sonrisa, como si fuera un paseo por la ciudad.

La razón del tour también no tiene nada que ver con su generación o con promocionar su juego para teléfonos. Esto también dio un setlist donde se repasó la historia de la banda.

Un show imponente, con canciones que hacen que el lugar se convierta en un karaoke gigante, con coros que retiemblan el suelo, demostrando por qué son una banda que libró el más grande obstáculo: el tiempo.

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TEN YEARS AFTER UN PEDACITO DE WOODSTOCK

foto cortesía

foto cortesía César Vicuña

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MUSE DÍA PARA NO OLVIDAR

KING CRIMSON 50 AÑOS EN OPULENCIA

POR DIEGO GARCÍA

POR CARLOS VALLE

Muse y 2 de octubre, tremenda combinación para la Ciudad de México. Una fecha que no se olvida y no se debe olvidar, y para ello, las marchas estudiantiles de Tlatelolco al Zócalo y un concierto se encargaron de que esta fecha sea memorable.

Desde que llegas y ves tres baterías en el escenario, entiendes que estás ante algo especial, algo que pocos tienen siquiera la osadía de intentar y muchos menos, tienen la capacidad de lograr. Pero era King Crimson, que venían nuevamente al Metropolitan para festejar 50 años de In the Court of the Crimson King.

Si algo hace bien Muse es plasmar su concepto en escena.

Aunque no hubo columnas ni pirámides espectaculares, las pantallas, la iluminación y la aparición de bailarines con trompetas y cascos cyberpunks le dieron continuidad a la línea más electrónica y futurista que la banda ha seguido hasta la fecha en busca de llegar a un nuevo público a través de mucho synth y techno. No por nada la música de fondo que evocaba a Stranger Things y el setlist que estuvo repleto de canciones de su último material, Simulation Theory.

Arriba del escenario, la aparición de un “Eddie”-alien versión Muse se robó toda la atención de las miradas y las pantallas del celular. Sólo faltaba una canción. Con el monstruo en el escenario, sonó “Knights of Cydonia”, ad hoc para cerrar una noche sublime, una noche que nos dice que ha llegado el tiempo para hacer las cosas bien, pelear por nuestros derechos, y no olvidar.

Un magno evento en el que ofrecieron dos sets en los que se repasaba la discografía de la banda haciendo énfasis en el mencionado festejado. Con joyas sonoras como “Epitaph” o “In the Court of the Crimson King” -que sí hizo falta “21st Century Schizoid Man”- demostraron que no hace falta nada más que un buen par de luces y una gran banda para dar un show de primer nivel.

Hasta para usar las luces rojas no se debe abusar, por lo que ese escenario carmesí en “Starless”, más que cliché, es todo un performance audiovisual. Ese crescendo de Robert Fripp en el que todos se van sumando y perdiendo el control poco a poco, son de esos momentos que hacen que valga la pena el precio del boleto.

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JAIN SOULDIER UNA ACTIVISTA MUSICAL POR SHARON PONCE

POR ERIC DEL REY

Teksti-TV 666 es una banda de Finlandia, fundada apenas en el 2013. El proyecto mezcla punk, garaje, post punk, krautrock, noise y shoegaze en un bella amalgama de sonidos. Al solo saber esto podría leerse muy raro, pero ya en la ejecución es una sorprendente inyección de energía y buenas canciones.

Lo interesante de esta banda, además de su música, es su alineación: cinco guitarras, bajo y batería impulsan las piezas de los fineses que, como cereza del pastel, cantan sus líricas en su idioma natal. Estas deberían ser razones para que los busques en plataformas y disfrutes su disco de larga duración (Aidattu Tulevaisuus, 2018) y sus tres entregas de duración extendida (1 (2014), 2 (2015) y 3 (2016)).

KHRUANGBIN PARA TODO EL MUNDO

PURASANGRE EXPERIENCIA SENSORIAL

POR BRENDA VALDERRÁBANO

POR MA. JOSÉ SÁNCHEZ

No hay forma de negar la diversidad dentro de la música de Khruangbin.

Esta banda texana crea una magnifica fusión de distintos ritmos, estilos y géneros de muchas partes del mundo.

Mark Speer y DJ Johnson Jr. Se conocieron en el coro de la iglesia, posteriormente, Mark conoció a Laura Lee y coincidieron en el gusto por la música afgana y arquitectura de Medio Oriente.

Con tintes de soul, dub y un estilo totalmente psicodélico, Khruangbin sorprende con la calidad e ingenio para tomar todo tipo de referencias musicales. Crear obras como ninguna otra; que suenan como si cada elemento estuviera en el lugar perfecto para inducir al trance mientras se aleja de las canciones instrumentales típicas.

Para muchos, la ciudad de México es infinita y los sonidos que nacen en ella también.

Existen para todos los gustos y las ganas de experimentar de cada quién y ante la necesidad de explorar -con o sin drogas duras- los paisajes sonoros caóticos de nuestra realidad, está PuraSangre.

Choke/Date y QPATME son los dos materiales de PuraSangre que ya vieron la luz -oscura-, en ellos experimenta con las imágenes mentales, el discurso audiovisual y el campo sonoro del no-wave, la psicodelia y las voces superpuestas.

“Hago música para que combinen con mi outfit” es una de las premisas que envuelven el concepto de PuraSangre; lo irónico y transgresor de su propuesta también transmite una experiencia que te cuestiona o te incomoda, yumi.

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Este es un año para el descubrimiento musical de proyectos liderados por mujeres. Hace un tiempo escuché una canción que me hizo bailar con sonidos muy peculiares. Se llama “Makeba”, como la reconocida cantante africana y activista por los derechos humanos Miriam Makeba.

Jain demuestra que el poder femenino en la música no está peleado con las causas humanas y sociales.

Jeanne Galice es de origen francés y tiene un claro objetivo: no hacer el clásico pop francés. La mezcla de distintos elementos como el pop y algunos sonidos clásicos africanos son su principal influencia. Gran parte debido al largo tiempo que vivió en el Congo. “Souldier”, “Come”, “Feel it” figuran entre las canciones más populares.

TEKSTI-TV 666 UNA INYECCIÓN DE ENERGÍA

por Dora Méndez / foto cortesía

En este número, te traemos otra banda que está dando de qué hablar en la escena nacional. Se trata de Tajak, una banda que tiene distintas influencias y que se distingue por un sonido experimental, sin miedo a buscar entre las frecuencias de sonido.

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El nombre significa “esqueleto” en una etnia originaria de Baja California Sur, siendo el concepto de su música, exactamente eso, un soporte para las emociones y la mente del ser humano.

Además, el próximo 26 de octubre se presentarán en el festival Hipnosis, compartiendo escenario con bandas como Stereolab y Mild High Club, por lo que esta propuesta ya es garantía de calidad.

La banda nació por allá del 2014 en Baja California, aunque actualmente viven en Ciudad de México. Está integrada por Álvaro Castro (batería y voces), Coco Badán (bajo y voces) y Carlos Arias (guitarra y voces), tres amigos que se conocieron y decidieron crear juntos algo trascendente.

Tajak tiene influencias de krautrock, psicodélico, drone, shoegaze, ambient, punk, sonidos que los han hecho son capaces de crear atmósferas tensas y lisérgicas que no llevan por un viaje musical infinito,que está listo para ser explorado kilometro a kilometro y sin ningún control.

Cuentan con dos materiales, Amsterdam 211, el primero salió hace algunos años, mientras que el segundo vio la luz en el 2018 y lleva por nombre Ciclos. Hace unas semanas nos sorprendieron con una versión en vinilo de su primer material, dedicada especialmente para sus fans de hueso colorado, pues las primeras copias vendidas incluyen un cd con rarezas grabadas en el periodo previo a la grabación del disco, un verdadero tesoro.

Incluso para la creación de su primer material, se aventuraron a crear su propia disquera, Hole Records, con la que pudieron darse ellos mismos ese impulso que

tanto buscaban, sin límites y creando música con el único propósito de satisfacer su creatividad propia, y de la misma forma también quisieron apoyar a varias bandas que se encontraban en el mismo lugar que ellos y así expandir su universo.

Los músicos además de presentarse en el festival Hipnosis, también han pisado otros festivales alternativos, dando a conocer así su música de norte a sur, por toda la república mexicana e incluso su talento los llevó a realizar un gira por Europa el año pasado; creando así nuevas experiencias y más fuente de inspiración para seguir creando y superándose.

Tajak es de esas bandas que buscan dar más a su público, exploran más allá de los sonidos y nos regalan un ritmo diferente al que acostumbramos escuchar en los medios convencionales, siendo cada canción una joya nueva por descubrir.

Si te interesa conocer más de esta agrupación y disfrutar de su música, te invitamos a que los sigas en todas las redes sociales. Y para conocer su música, puedes visitar la plataforma digital de tu preferencia, en todas partes los encuentras como Tajak. Te prometemos que tu tiempo será bien invertido y recompensado con buena música y una gran vibra.

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J BALVI N - HELLOW FESTIVAL POR RODRIG O GUERRERO

LIN DSEY STIRLING POR RODRIG O GUERRERO

TH E OFFSPRI NG POR RODRIG O GUERRERO

A$AP ROCKY - H ELLOW FESTIVAL POR RODRIG O GUERRERO

LOS PERICOS POR RODRIG O GUERRERO

TEM PLES POR EMILIO SANDOVAL

BURTON POR MARIANA MON DR AG ÓN

KAROL G POR EMILIO SANDOVAL

/por Carlos Valle

Pocas bandas tienen la capacidad de dominar el ciclo de noticias el día de hoy. Tool no es una banda cualquiera. Con el lanzamiento de su nuevo proyecto siguieron en boca de todos -pocas veces que esto no es una hipérbole- porque la noticia de que toda su discografía iba a estar en servicios de streaming como Spotify o Apple Music, sacudió a la industria entera y esta es lamejor excusa para regresar a revisar su trabajo debut, el que empezó todo esto. Ænima, es el álbum que tal vez dejará la marca, pero Undertow, el primer trabajo fue el que cimbró todo. Era Tool en su estado puro, antes de la secuencias matemáticas, antes de los visuales de Alex Grey, del tercer ojo y los chiste de los 10,000 dias.

En las voces además de tener a Keenan dejando todo sobre el micrófono, con su particular timbre, está también Henry Rollins de invitado. Alguien que personifica la violencia vocal -obviamente co-escribiendo ese track-. Con ese estilo más lo que traía sobre el escenario inmediatamente lo puso en la estratosfera.

Por el otro lado, Paul D́ Amour -en su único crédito con la banda-, en el bajo, Adam Jones en la guitarra y Danny Carey, el ancla, en la batería. No era una banda de progresivo, no era una banda de Heavy Metal, tal vez era Metal Alternativo, pero no se parecían a NIN, Primus o Rage Against The Machine -tal vez eso es el metal alternativo, al margen de esto-, sonaba a Tool.

Lograron una de las cosas más complicadas, tener un sonido característico que además se ha intentando replicar pero nadie puede. Esos ritmos extravagantes, se empezaban a alejar de de ese 4/4 tan característico de todos. De esa manera que crearon una influencia que sigue notándose al día de hoy.

Además de la los visuales que tenían para acompañar los dos sencillos del álbum eran como si El extraño mundo de Jack más bien te hiciera sentir vació por dentro. Como si Tim Burton además de todo lo que tenía, fuera nihilista amargado. De esos que hacían que los cuidadores de las buenas costumbres pidieran que no tuviera tiempo al aire.

Para cerrar “Swamp Song” es una joya dentro del álbum pero que no recibe la atención que merece por culpa de los dos videos antes mencionados.

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Todo el trabajo crudo, metódico y brillante. Las letras de que alguna enferma manera iban de la mano de la música. Pocas veces las letras de una canción pueden rivalizar la oscuridad de la música. Pero Maynard tampoco se detenía por nadie, pero funcionaba. Un disco que llegó a las listas de los charts con canciones sobre abuso infantil.

/por Arturo J. Flores

F U C K

T H E

( F A S H I O N )

C

aminaba un domingo con mi familia por una plaza comercial. En medio de parejas novios cogidas de la mano, niños que veían escurrirse sus helados y compradores compulsivos en busca de la oferta de temporada, un escaparate llamó mi atención.

En una boutique, en el área de ropa para mujeres, se exhibía –empotrado en un maniquí sin rostro– un blusón de corte amplio con un estampado que me remitió a mis días de preparatoria. Se trataba de Vic Rattlehead, la sempiterna mascota de Megadeth que originalmente trazó el cantante y guitarrista Dave Mustaine para que apareciera en las portadas de sus discos.

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Me extrañó que se tratara de una banda de thrash que no goza de la popularidad de Black Sabbath, Metallica, Guns n’ Roses o Joy Division, todas ellas bandas a las que había visto impresas en camisetas “de marca” con anterioridad. Porque aunque alguien no las haya escuchado en su vida, se siente “cool” desfilar con ellas por la pasarela de la vida y porque –en el caso del grupo de Ian Curtis– una serie como “Stranger Things” hace el favor de exhumar su recuerdo para volver a ponerlo de moda.

No es raro que el sistema (y me acordé justo del disco “The system has failed”, de Megadeth) absorba aquellas manifestaciones periféricas de cultura o de descontento, y nos la devuelva procesadas, listas para su consumo. Es decir, que si en otros tiempos colgarte una camiseta de Megadeth significaba “algo” (por lo menos que te gustaba el thrash), hoy sólo representa que dispones de los recursos para vestirte con marcas de medio pelo.

Porque tampoco es que la camiseta de Megadeth que vi, cueste lo que colección de lujo que J Balvin lanzó de la mano con Guess. Ahí sí, el hip hop y el reggaetón pueden presumir haber hecho alianzas con marcas de ropa de mucho más alto perfil.

A ropósito, no hace mucho platicaba con la española Bad Gyal, figura del trap, de lo curioso que resulta que firmas tan prestigiadas como Dior o Gucci hayan volteado hacia la ropa deportiva y el llamado Street wear, de modo que las estrellas contemporáneas del hip hop desfilen por las alfombras rojas más exclusivas con tenis provistos de incrustaciones de diamante y amplias sudaderas de varios miles de dólares. El Bronx llevado a Milán.

P O L I C E

“Porque así nos vestimos y no queremos dejar de hacerlo”, remató Alba, como en realidad se llama Bad Gyal.

Los darks del pasado se las venían negras (vaya ironía) para ataviarse. Tengo una amiga que se desgastó los ojos cosiéndose un vestido de terciopelo similar al que Wynona Ryder utilizó en “Beetlejuice”.

Idéntico a los que hoy se pueden comprar en tiendas departamentales o en Internet.

También otro conocido que invirtió mucho tiempo colocando estoperoles metálicos en su chamarra de cuero, para que se pareciera a las que usaba Mötley Crüe.

Hoy te puedes ahorrar muchas horas si te gastas mucho dinero –paradójicamente– y adquieres una con los estoperoles colocados por algún obrero chino al que se le pagó muy poco por su trabajo.

La industria del vestido, de acuerdo con Greenpeace, es la segunda más contaminante del mundo, sólo por debajo de la petrolera. Miles de litros de agua son utilizados sólo en elaborar un par de jeans, que con cada lavada desprenden litros de contaminantes a los oceános.

De ahí que los auténticos punks de hoy no sean quienes se cuelgan una cadena al cuello, que quizá fue forjada en los talleres de un renombrado artista plástico, sino aquellos que reciclan su ropa, que compran en bazares de segunda mano, que buscan aprovechar hasta el último hilo y alargar la vida de sus prendas. Los que repudian el consumo desmedido y el impacto que sobre el planeta tiene.

De hecho, existe un movimiento muy interesante de bazares de ropa de segunda en Instagram, de los que podríamos hablar en otra Kolumna.

Hace unas semanas compartía unos mezcales con mis amigos Martín y Daniel.

Ellos estudiaron juntos en la Universidad.

Daniel, envalentonado por el espirituoso, me confesó que una vez le “chuleó” su par de Converse a Martín. Eran los años 90 y grupos como Alice in Chains, Nirvana y Pearl Jam vivían un auténtico esplendor comercial.

–Este cabrón los traía todos rotos y descoloridos– me dijo Dani –y yo pensé que era un auténtico grunge. Se veían poca madre.

–Y a mí me daba pena decirle que era porque no tenía dinero para comprarme unos tenis nuevos –intervino Martín.

Ojalá y si te pones una camiseta de Megadeth, cuando menos hayas escuchado “Symphony of Destruction”.

/por Jay Ros

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aracterizada de forma constante por la experimentación y la innovación, la música electrónica es una escena que siempre está desafiando los límites políticos, tecnológicos y sociales. Llega a lugares donde se pensaba que no podría llegar, se renueva de formas que solo en sueños se podía imaginar y le da voz a personas que creyeron que jamás la podrían tener.

A finales de la década de 1970, la música disco, electrónica por excelencia, le abrió la puerta de los sitios más exclusivos, como el Studio 54, a la comunidad negra y LGBT que constantemente era rechazada en las pistas de baile y, posteriormente, en la década de 1980 la música house y techno colocó en la radio a esas mismas comunidades, quienes ahora eran los encargados de producir y generar los sonidos populares del momento. Pero no vayamos tan lejos, ni tan atrás en el tiempo.

En mayo del 2016, la música electrónica abrió las puertas del mundo a una isla fuertemente olvidada por la sociedad: Cuba, con el Festival Manana. El proyecto fue conformado por músicos y voluntarios, financiado con ayuda de donaciones y un proyecto de Kickstarter, para dar voz a la gran comunidad de artistas que habían pasado décadas creando música con las migajas que el mundo les dejaba.

Computadoras obsoletas, software pirata, cintas viejas y una gran pasión por la producción y experimentación sonora finalmente tenían un espacio donde expresarse que no sólo sería escuchado por los residentes, sino visitado por el mundo, con cobertura de los principales medios digitales especializados en esta música.

Pero este fue, quizá, uno de los últimos grandes movimientos que la electrónica ha visto no sólo en Latinoamérica, también en todo el mundo. Creemos que grandes proyectos siguen emanando de la escena electrónica día con día pero es sólo una ilusión creada por el gran acceso que tenemos a noticias de todo el mundo. En realidad, pareciera que la electrónica ha dejado de pelear contra la sociedad y ha caído en el conformismo.

La música underground o experimental dejó de ser un movimiento para ser una moda, un negocio. El business techno no es sólo un meme, es una realidad. Ser underground es cool. Crear tu propio colectivo está de moda. Poner una bandera progresista en tu identidad visual de artista es casi obligatorio. Olvidémonos de lo político o lo social, ¿quién está generando un verdadero cambio musical a nivel global?

Ahora que hay un mayor acceso a las herramientas, hay una menor necesidad y la falta de necesidad genera flojera. Acaso será que, como predecían Ewan Pearson y Jeremy Gilbert en su libro Cultura y Políticas de la Música Dance, la cultura dance se ha convertido simplemente en “una válvula de escape social, distracción y consuelo a una generación para las que las perspectivas de trabajo seguro, el aumento del nivel de vida y las oportunidades de control democrático sobre sus propias vidas parecen sombrías”. ¿Atrás quedó la era en que la música electrónica servía como una herramienta de lucha para conseguir un futuro mejor, ya fuera personal, político o social?

Y no es que la generación actual no desee un futuro mejor, sólo que la apatía parece haber vencido.

Similar al personaje de Bender en Futurama, cuando no somos aceptados en una escena a la que deseamos pertenecer, rápidamente queremos crear por nuestra cuenta una nueva, mi propio colectivo, mi propio sello discográfico “con juegos de azar y mujerzuelas”, pero sólo el pensar en el gran trabajo que eso requiere nos lleva a decir “olviden todo el asunto”. Una broma televisiva de 15 segundos resume a una generación completa.

La apatía es tal que no podemos ni apoyar los pequeños movimientos sociales y culturales en torno a la escena electrónica que si están teniendo éxito. ¿Cuántos proyectos del Festival Manana lograron salir de la isla para darse a conocer en el mundo? ¿Cuántas ediciones del festival se han llevado a cabo posterior a la primera? ¿Cuántos medios siguen cubriendo música de esa región? Se podrían contar con los dedos de una mano.

En los últimos años, una larga lista de proyectos, como Discwoman, Pink Noise y Womxn, han buscado darle voz en la escena electrónica a las mujeres que por muchos años se les ha negado un espacio, de la misma forma en que un festival como Manana intentó dar exposición a proyectos que por décadas fueron silenciados por el embargo económico de Estados Unidos en contra de Cuba. ¿A ellas sí las estamos escuchando o también nos hemos limitado a echarles porras desde lejos porque no es nuestra lucha?

METRONOMY Por Víctor Hernández

A 10 años del primer disco de Metronomy con banda completa, recordando que Pipe Paine (2006) fue obra sólo de Joseph Mount, se ha relanzado esta producción como regalo perfecto para fans. Dividido en dos discos, el primero con las 12 rolas en la versión original, y el segundo con 13 tracks.

El lado B es el motivo de esta nota, pues contiene demos inéditos y rarezas como “Young Americans”, “Output” y “Das Booty”, con beats pegajosos y repetitivos que incluso te relajan con su flow, e “Into Thing”, un tema que va acelerando e incluyendo notas que nos invaden los oídos. Tenemos: una versión Bedtime Dub de “Holiday”, otra perspectiva sin voces que nos enchina la piel; un “A Thing For Me” más sensual al estilo y en compañía de Breakbot; la versión en francés de “Heartbreaker”; y déjate sorprender por las nuevas rolas.

Nights Out es referente de la esencia de Metronomy, mismos que basándose en sintetizadores nos sorprende con el abanico de escenarios que crean. Así que… recuéstate y disfruta de esta experiencia.

LANA DEL REY

DEVENDRA BANHART

Por Mariana Velasco

Por Brenda Valderrábano

En su sexto álbum de estudio, Lana Del Rey se encargó de reinventar lo que la llevó al estrellato en Born To Die. La cantautora neoyorquina volvió a los sonidos suaves del piano y los violines que conforman la base de la mayoría de las canciones para regalarnos una producción sumamente romántica, con una estética marina y líricas que hablan de amor y añoranza, lo cual aunque no es nuevo en ella, esta vez logra darles una vibra totalmente distinta.

El elemento más presente es la guitarra acústica y eléctrica en sus formas más simples en tracks como “Venice Bitch” o “The Next Best American Record”, donde a pesar de que las secuencias son sencillas, logran un sinfín de matices. Lana incluso se adueñó de “Doin’ Time”, un cover de la banda Sublime que supo exactamente cómo hacer suyo. Norman Fucking Rockwell! es fácilmente uno de los mejores trabajos de la cantante y donde dejó salir al 100% su lado poético y sus melodías más sublimes.

Finalmente, y para suerte de muchos, Devendra Banhart lanzó su último álbum Ma, una apología de las relaciones humanas y del amor que nos une con las personas que nos rodean. El nombre del disco hace clara referencia a la madre y varias canciones del disco hacen una mención directa a ella, aunque Banhart nos cuenta de todo: amor, vida y muerte.

Todas las canciones tienen historias que contar y por ende le da protagonismo a su voz en todas las canciones, aunque las melodías son las que en verdad se te quedan grabadas. A diferencia de sus primeros discos, Ma resulta más tranquilo, más íntimo, con esa vibra armoniosa que lo hace más afable y orgánico con los oídos que escuchen por primera vez a este artista, aunque canciones como “Abre Las Manos” bien podrían ser parte del Cripple Crow.

Aunque experimenta con sonidos y arreglos nuevos, como siempre, Devendra se escucha como el músico que ya conocemos pero sin máscaras, mientras hace una reflexión profunda sobre los lazos de nuestra vida.

NORMAN FUCKING ROCKWELL

/ Issue No. 32 Contracultura del HYPE

MA

048

NIGHTS OUT (10TH ANNIVERSARY EDITION)

IGGY POP FREE

049

Por Qique Avila

Podemos creer que evolucionar puede implicar un cambio rotundo, pero el caso específico de Free tiene la cualidad de contener la esencia casi intacta que Iggy Pop tenía con The Stooges y aunque no es de la misma forma, están contenidos ciertos aspectos del audio en este nuevo álbum.

Esta nueva producción tiene elementos que aprietan mucho la calidad y el virtuosismo que saltan al llegar a nuestros oídos, como la incorporación de vibrantes instrumentos de viento que cobijan los 33 minutos que dura este escape y son, sin duda, una marca distintiva de este trabajo.

Después de escuchar el adelanto “James Bond”, era evidente que para la realización se incluyeron los ingredientes más selectos al alcance de Iggy y sorpresivamente no podríamos imaginarnos que el contenido completo de este álbum tendría una personalidad que no conocíamos, una que estuvo contenida dentro de él y que después del cansancio de las giras decidió meterse al estudio a liberarla y regalarla para nuestro simple deleite.

KING GIZZARD AND THE LIZARD WIZARD

TOOL

Por Qique Avila

No fueron 10 mil, sino casi la mitad (4 mil 750), los días que tuvimos que esperar para el regreso de una de las mejores bandas de la historia. Se dicen pocos, pero en 13 años sí que pasan cosas. En el caso de Tool, el tiempo les ha asentado las ideas, fortalecido los conceptos y perfeccionado la técnica.

Fear Inoculum es una joya aplastante y demoledora que habrá que diseccionar durante algunos meses, y -¿por qué no?incluso años. La versión más suavizada de Maynard James Keenan contrasta con la interpretación más intensa, a la fecha, de un virtuoso Adam James en plan guitar hero; de un atleta como Justin Chancellor, maestro de la resistencia en el mar de bajos densos y gruesos, y de un tribal Danny Carey en modo dios-John-Bonham.

Aunque es pronto para poder analizarlo, está lejos del poderoso Undertow (1993) y del magnífico Ænima (1991), pero muy cerca (al lado, quizás), del épico, legendario y trascendente Lateralus (2001). El mejor disco del 2019, sin duda, y probablemente el mejor de la década.

INFEST THE RATS’ NEST

Una vez más, King Gizzard and The Lizard Wizard logra sorprendernos y ahora nos inunda en un universo que nos lleva a un futuro hipotético -que no es difícil imaginar porque ya estamos ahí-, uno en el que nuestros recursos naturales se agotaron.

A través de la crítica intenta hacer que razonemos y hagamos conciencia, mientras arroja sátira al Metal y Trash, sin dejar de lado esa gracia que los caracteriza y entregando su excesiva destreza detrás de cada rasgueo y un sonido muy cuidado, lo cual hace parecer que es una obra de hace un par de décadas.

Este álbum es digno de ser considerado “de culto”, incluso para los puristas del género y será difícil no incluir alguna de estas pistas en su lista de reproducción favorita. Por otra parte, Infest The Rats’ Nest podría ser elemental para las nuevas generaciones que van educando su oído y será parte importante para recordar este final de década. Sin duda, los australianos tienen el poder de atrapar escuchas y generan mucha ambición de verlos en vivo.

/ Issue No. 32 Contracultura del HYPE

FEAR INOCULUM Por Carlos Valle