LOS COCALEROS
R E V I S TA M A P L E #008/ CULTURA EMERGENTE/ Aﾃ前 002/ MARZO>ABRIL 2014/ REVISTAMAPLE.COM Foto: Luciano Gonzalez
Staff & Colaboraciones
Revista Maple. Año 002. Número 008. Edición Marzo/Abril 2014. Revista Maple es una publicación independiente sobre cultura emergente. DIRECCION GENERAL
Roxi Vera, Enrique Jozami, Agustina Checa, Angel F. Biela. DIRECCION DE MARKETING Y PUBLICIDAD:
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Antonella Grosso DPTO. DE REDACCION MUSICA: Agustina checa CINE: Enrique Jozami TEATRO: Nicolas Morelli LIBROS: Romi Viola REDACTORES: Danilo Castillo, Francisco Muñoz,
Valentino Cappelloni, Mariano Rodriguez FOTOGRAFÍA: Pelado Jerez, Luciano Gonzalez,
Wini Sierra Guzman EN LA TAPA: Luciano Gonzalez COLABORACIONES: Francisco Melano, Mercedes
Lopez
CONTENIDOS COBERTURA
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C HATARR A
No es la típica muestra de arte en donde las obras están prolijamente cuidadas y acabadas, sino que se trata de obras libres, desprolijamente bellas.
Pg 44.
RESEÑA
Nymphomaniac
El Oso Antártico
la nueva novela de Federico Lavezzo. Combinando realidad y ficción. Pg 15
Nebraska
La nueva de Payne combina perfectamante el blanco y el negro para anclar su historia. Pg 20
28.
ADEMAS
No Editorial
Texto: Danilo Castillo Foto: Pelado Jerez . Pg 08
Alta fidelidad
Redri Skinazi y temas no tan otoño invierno. Pg 12
El mundo de Haruki Murakami
38.
Un vistazo rapido al mundo de Haruki Murakami. Pg 18
Recomendados CINE
¿Qué ver? LA RESPUESTA AQUÍ: Pg 26
Recomendados MÚSICA
¿Qué escuchar? LA RESPUESTA AQUÍ:. Pg 42
Ilustraciones
Tim Doyle y una peculiar muestra de escenarios de series bastante conocidas. Pg 14,17,25
volante discos
MAPLE#08:
PG30.
FOTO PELADO JEREZ
NO EDITORIAL
Córdoba semillero de ídolos En los últimos tres años, casi como un despertar de década, la producción discográfica de la ciudad de córdoba viene asistiendo a un mantenido crecimiento de su volumen así también como de su calidad. Esto, sumado a la notoriedad mediática local y nacional han llevado a esta música habitués de escenarios “underground” a otros de masividad contada de a miles. Estos síntomas confirman al menos buen augurio para la escena citadina; conciencia en su obra, posibilidad del desarrollo de la misma y difusión puertas afuera. Que la “movida” del rock en Córdoba hace años viene activa y vigente, es harto sabido. Nuestra ciudad conserva en su memoria exponentes locales de todas las décadas pasadas, de estilos variopintos y de distinta permanencia en el tiempo. En lo que a mí respecta como cronista, miembro satelital y activo de una movida, el descubrimiento de la misma se dio a partir del comienzo del 2000 cuando la escena se alimentaba constante de nuevas bandas y propuestas, solo bastaba con recorrer la zona del ex mercado de abasto para confirmarlo. Allí convivían generos tan disimiles en estéticas y tan parecidos en las intenciones de 08. Revista Maple. Abril 2014
Texto: Danilo Castillo
producción y de puja en la incipiente movida cultural. Por otro lado Córdoba siempre ha sido también plaza de diversos artistas internacionales por su basto público de ecléctico gusto, aunque la escena rockera vernácula nunca se vio beneficiada por esta audiencia. Imposible saber a ciencia cierta cuales son los motivos por los cuales esta ciudad tan ac-
Una nueva mirada a nuevos estilos, a una diversa paleta de propuestas que le escapan a los canones dogmáticos de los estribillos radiales. tiva culturalmente nunca estuvo a la medida de las circunstancias en cuanto a taquilla. Difusion?; (falta de) interés o valoracion? He asistido a inumerables e inolvidables shows locales en los de los cuales el interrogante que dejaban era el de donde estaba la audiencia. A saber, audiencia no en términos de relevancia masiva, si no de interés, de apoyo, de esa Córdoba docta sedienta de conocimiento. Hoy todavía nos sobran los
Foto: Pelado Jerez
dedos de las manos para contar los casos que han trascendido las fronteras provinciales a nivel audiencia y relevancia mediatica pero el panorama es alentador. Esto se trata de un recambio generacional, a mi modo de ver, una nueva conciencia en la obra y en el devenir artístico a futuro que muchas veces queda trunco por el escaso apoyo con el que suele contar la producción artística cordobesa. Espacios de difusión como el Domo Naranja en el pasado cosquin rock hablan de una pujante escena sub 25 que reclama la atención del “publico fm”. Una nueva mirada a nuevos estilos, a una diversa paleta de propuestas que le escapan a los canones dogmáticos de los estribillos radiales y hasta los modos de producción de una industria que solo alberga propuestas en sentido de redito económico. Este destape, hoy lo vivimos en nuestra ciudad, está latente, se encuentra en las disquerías que visitan hordas de desinteresados, o desinformados, esta en la noche, a la vuelta del boliche de precios inflados, está en los medios de comunicación de más tirada, y hasta en las pantallas, pero de nada sirve si vos no estás ahí.
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ALTAFIDELIDAD INTERACTIVO
rodrigo eskinazi Bajista de Apolo Beat. Entusiasta de los sintetizadores virtuales y anal贸gicos. 12. Revista Maple. Abril 2014
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DR. DRE - Xxplosive Apolo Beat - Polaroid (LOWPEZ Bassmix)
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Chela - ZERO
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Miami Horror - Real Slow
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Chromeo - Come Alive (feat. Toro y Moi)
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El error como principio de una bella historia
texto: Nicolás Morelli La escultura del Oso Polar, hoy emplazado en la vieja entrada del museo Caraffa, es el eje sobre el cual gira El Oso Antártico, la nueva novela de Federico Lavezzo. Combinando realidad y ficción, el autor construye un relato conmovedor sobre la errática historia de una de las obras de arte más popular de Córdoba.
Libros
L
a del Oso Polar es una historia tragicómica por todos conocida. En los últimos días del gobierno de Perón, allá por el año cincuenta y cinco, el municipio de Córdoba encarga a los artistas Roberto Viola y Alberto Barral, la escultura
de un oso polar para embellecer el puente Antártida Argentina, próximo a inaugurarse. Pero horas antes de que esto ocurra, y con el animal de piedra ya sobre el puente, alguien le dice al intendente: “señor, en la Antártida no hay osos polares, es una especie que solo habita en el Ártico”. Atónito, el mandamás municipal pide que se saque inmediatamente al animalito blanco de ahí, antes de hacer el ridículo a gran escala. Así comienza el deambular errático de este oso por la ciudad, que fue dejando su indeleble marca en todos los lugares en que fue asentado. “Algunas cosas pueden ser más o menos ciertas y otras las han ido inventando, es como un rumor que circula hace cin-
cuenta años y nadie le acierta de todo a lo mosca. Para esto Dumont necesitamos hacer este libro”. Quien dice esta frase es Sembera, ex trabajador municipal y quien tuvo la idea de colocar un oso polar en el Puente Antártida. Dumont, es un joven estudiante de letras y aspirante a escritor, que acepta el encargo del viejo Sembera de escribir un libro que cuente de una vez y para siempre la verdadera historia detrás de la escultura. De este proceso de escritura y búsqueda de la verdad trata la novela de Lavezzo. El Oso Antártico es un libro sobre otro libro. Así, entre datos históricos, rumores (que son ya leyendas urbanas) y ficción, el autor va desarrollando su historia, conRevista Maple. Abril 2014
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Reseña/Oso Polar
“Algunas cosas pueden ser más o menos ciertas y otras las han ido inventando, es como un rumor que circula hace cincuenta años y nadie le acierta de todo a lo mosca. Para esto Dumont necesitamos hacer este libro”. tándonos otra versión de los hechos que todos conocemos. El texto tiene un poder de seducción casi inmediato, en parte debido a la utilización de distintos recursos (ficcionales e históricos) que Lavezzo ha sabido combinar con éxito, que componen lo que él ha denominado como “docu-ficcion”. Y por otro, debido a su prosa, que nos atrapa y nos obliga a avanzar hoja tras hoja para conocer la “verdadera” historia del oso y la de su ideólogo hasta ahora anónimo, Sembrera. Uno de los conceptos más interesantes que trabaja el autor en el libro es la identificación de Córdoba con el “error”, y como estos la han modelado física y subjetivamente. El primero de estos errores fue el de Jerónimo Luis de Cabrera, que fundó la ciudad en un lugar distinto del que se le había encargado, costándole más tarde la cabeza. También se hace alusión a Cassaffousth y Bialet Massé, quienes construyeron una de las mayores presas hidráulicas del momento con materiales extraídos de la misma provin16. Revista Maple. Abril 2014
cia, sin utilizar las bolsas de portland que eran importadas de Inglaterra. Debido a este pecado, ambos fueron humillados públicamente y encarcelados. De este tipo de “errores” nos habla Lavezzo en su libro, ubicando al oso entre uno de ellos. Y esta equivocación la pagaron el autor y su obra. El primero fue echado de su trabajo en la municipalidad y debió cargar todo la vida con la humillación de su equivocación. El oso pago su parte transitando la ciudad, como un vagabundo que sirvió de lugar de reunión para las prostitutas o para las parejas que buscan un poco de intimidad a su lado, sin olvidar los niños que durante décadas usaron su cuello como tobogán. En El oso antártico Federico Lavezzo viene a contarnos otra historia sobre el oso que parece hoy haber encontrado un lugar donde hasta hace unos años nunca lo hubiéramos imaginado, emplazado como objeto artístico en uno de los principales museos de la ciudad. Y quien sabe, por allí dentro de
unos años, en su placa, que atribuye su autoría a Viola y Barral, sumen otro nombre, el de un tal Sembrera. O quizás, y más probable aun, la próxima vez que pasemos por allí la escultura haya desaparecido, y la encuentren en alguna plaza perdida de ese error que nos gusta llamar “nuestra ciudad”.
El oso antártico Federico Lavezzo Editorial Cartografías 122 páginas
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R E SE ÑA
EL ABSURDO Y HERMOSO MUNDO DE HARUKI MURAKAMI
Conozco a Murakami de nombre hace tiempo. Fue mi amiga Sofía, fiel embajadora cultural personal desde el principio de nuestra amistad, quien me presentó al japonés. Ella estaba leyendo “Crónica del pájaro que da cuerda al mundo”, y a mí me pareció un libro gigante que adentro tenía un imán que la atraía hacia él. Me acuerdo, también, que me ofreció prestármelo y me negué. Así como me pasó con Radiohead, el amor por Murakami me llegó en un debido momento, no necesariamente uno que había decidido yo.
U
TE X TO : ROM I V IOL A
nos años después, entré a trabajar en una agencia de publicidad. En una de las primeras conversaciones con mis hoy amigos y compañeros de área, me preguntaron qué me gustaba hacer. “Leer” respondí, como respondo siempre desde que tengo memoria. - “¿Conocés Murakami?” me preguntó S., mi jefe de área. “No” – contesté después de pensarlo brevemente – “Lo conozco de vista nomás”. Entonces él agarró un post-it y sin dudarlo ni un segundo, escribió “TOKIO BLUES – H.
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MURAKAMI” con una fibra edding fucsia y me lo pegó en el monitor. “Tarea para la casa”, dijo. Pero nunca me gustó el concepto de la tarea y por equis motivo, lo volví a postergar, dejando el post-it en el monitor. No recuerdo cómo, pero eventualmente Tokio Blues terminó en mis manos. Y así empezó. El universo Murakami muchas veces es comparado con el universo (nos ponemos de pie) Lynch. Es fácil ver porqué: el absurdo, lo surreal, la no-linealidad, la incapacidad abso-
luta de distinguir lo onírico de lo concreto. Pero además, pasa por otro lado. Leí una vez que la literatura tiene un pacto de confianza con el lector. Es tan implícito como real, y verán por qué: uno lee sin cuestionarse las raíces o las formas de lo que está trazando en su interior. Una vez leído algo, las palabras ya forman parte de uno. Tanto Murakami como Lynch presentan personajes de alta
Tanto Murakami como Lynch presentan personajes de alta complejidad y al mismo tiempo, alta humanidad.
complejidad y al mismo tiempo, alta humanidad. Problemas reales como la muerte, la ausencia, el abandono son tratados desde una perspectiva un tanto diferente: ¿quién te dice que en otro plano las cosas no son distintas? En “Crónica del pájaro que da cuerda al mundo” – que eventualmente terminé leyendo – el protagonista enfrenta el inminente abandono de su espo
sa metiéndose en un pozo profundísimo del que desaparece la escalera (ejem, La Mujer de las Dunas) y ante la imposibilidad de salir hasta ser encontrado, el hombre atraviesa un canal invisible hacia un hotel. En “Sputnik, mi amor”, solo basta ir a una isla remota de Grecia y subir a una montaña para mudarse de realidad. O, también, basta con mirar una ventana distante desde una rue
da de la fortuna para ¡OH! verte teniendo apasionadas relaciones carnales con un desconocido. Pero Murakami es mucho más que eso. No sólo te transporta a atrapantes sur-realidades absurdas, sino que también te lleva sin escalas a un psiquiátrico de Kyoto, un cantero en el medio de una calle abarrotada en Shinjuku, a almorzar un sánguche de mostaza, queso y tomate con Tooru parado en su cocina, o a un restaurante finísimo con tu jefa de la cual, obviamente, te terminás enamorando. La comida es tan tangible que hasta existen libros de recetas Murakami. ¡Y la música! Empezando por su amor a The Beatles (a quienes debe su nombre Tokio Blues, también llamada Norwegian Wood), y pasando por las constantes referencias al jazz (género favorito del autor), hoy podemos encontrar playlists basadas en sus obras que contienen a Bob Dylan, Joni Mitchell, The Beach Boys… y a Puccini. Si aún no incursionaste en él, poné un post-it en tu monitor que diga Murakami. Alguien lo hizo por mí y hasta hoy, le agradezco por eso. Revista Maple. Abril 2014
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¿Querés saber lo que es estar muerto? Nebraska Alexander Payne,2014
Woody Grant (Bruce Dern) es un viejo que percibe sólo la mitad de las cosas que suceden a su alrededor. La policía lo detiene caminando en el medio de la ruta, solo. Woody planeaba llegar desde Montana hasta Nebraska para cobrar un premio de un millón de dólares (un premio falso, de esas estafas para comprar revistas que tanto se acercan a los spam que llegan por mail). Woody no puede manejar, entonces camina. Una vez, dos veces. Siempre es detenido. Su hijo David (Will Forte) interviene, pero el viejo es inflexible. No sólo es imposible hacerle entender que el premio es falso, sino que es capaz de salir caminando una y otra vez en esa odisea hasta que le gane la muerte.
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David no le queda otra que lle- de diálogo lo condensan: Woody recién llega a varlo él mismo, entre los gritos lo de su hermano, “¿Qué ha pasado?”, “Nada, ¿y de su madre. Fortuitamente, en vos?”, “No mucho”. Después la familia se reúne, el medio del camino queda el son diez tipos mirando la televisión en silencio. pueblo donde su familia transcu- La muerte debe ser una cosa así. Otra escena: rrió gran parte de su vida, así que deciden vi- en el cementerio, la mamá de David le habla a sitar a los parientes. Esto es lo verdaderamente sus viejos conocidos, enterrados a sus pies, se importante. Más allá de los cuadros satíricos y levanta la falda frente a un posible amante; el diálogo está habilitado porque despiadados que la película propone –sean los familiares brutos El blanco y negro tiñe esa es muy poco lo que los separa. e interesados que quieren una En definitiva el viaje depara un suspensión de los tajada (porque todos le creen a nuevo encuentro de los miempersonajes, la refuerza y bros familiares, una reconstrucWoody cuando él les dice que está en camino a convertirse en le da un anclaje expresivo ción de la historia que habilita un entendimiento y una pequemillonario); o los “amigos” que al guion. ña victoria al final. quieren cobrarse las viejas deudas-, lo que subyace, ese juego del pasado-pre- Pienso que la utilización del blanco y negro en sente, del que vuelve cambiado a un lugar que el cine contemporáneo es, al menos, inusual. permaneció como suspendido en el tiempo, es Pareciera que su elección propone una justifilo interesante porque es completamente ilu- cación inmediata, un por qué alejarse del regissorio. No sabemos si pasaron quince o veinte tro usual. Una razón que la convierta en algo años pero todo sigue igual. Unas pocas líneas más que un capricho.
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NEBRASKA. RESEÑA
Sucede que en Nebraska es menos un capricho Nebraska penetra en la naturaleza misma de que un intento por transmutar el estado en que los personajes y del paisaje. Todos son una ruilos personajes vibran. El despojo flota a lo largo na (basta ver cómo camina Woody), restos de del film. El blanco y negro tiñe esa suspensión hombres, proyectos que han fracasado, lugares que son similares pero con las de los personajes, la refuerza y le da un anclaje expresivo al guion. variaciones que el tiempo impoEl mérito de Payne es aplicar la Nebraska penetra en ne: la ruina queda expuesta con todas sus grietas. Nebraska es misma lógica a la dirección, hay la naturaleza misma pocos planos, pocos movimienuna gran obra tragicómica que, tos, el mismo despojo en un cor- de los personajes y del humildemente, se eleva sobre sí misma y destruye cualquier te indie para una película que paisaje. parece hecha con dos mangos límite impuesto. En su carácter (para el standard de la indusde patetismo, de humor negro, tria). Hecho que la vuelve más valiosa porque de desenfado y de redención simple e infantil Nebraska es una de esas películas que aparecen (curioso cómo algunos ancianos se van asememuy raramente. El cine, en el peor de los casos, jando a los niños en ese asunto circular que es es aburrido, en el medio es entretenido y en el la vida), Nebraska triunfa porque logra respirar mejor deja la sensación de llegar a una esencia. más allá de la pantalla.
VER TRAILER 22. Revista Maple. Abril 2014
EL GRAN PROVOCADOR
Nymphomaniac Lars Von Trier,2013
Lars Von Trier debe ser uno de los pocos autores de cine que comprende que el lugar que un film debe ocupar primeramente es simbólico: la boca de los medios. Es decir, de qué modo tan intrínseco se enlazan las obras y su inserción en un circuito que le habilite una proyección y una vigencia. Esto es, asumiendo que hay una intención oculta a sus acciones y no que sólo disfruta del alboroto. Porque siempre que está tomándole el pelo a los medios lo hace con una sonrisa de nene que acaba de cometer una travesura. TE X TO : VA L E NT I NO C APPE L LONI QQuizás porque sabe que está ganando, que es él quien los vampiriza y no al revés como siempre sucede; porque en el fin lo único que necesita es que se esté hablando de él, de su última película. Una síntesis en una imagen: Von Trier se abre la campera en el Festival de Berlín, las cámaras iluminan con el flash una remera negra donde se lee “Persona non grata” sobre la palma dorada, escrito con la tipografía del Festival de Cannes. El año pasado lo negaban del suelo francés por haber hecho un chiste sobre los nazis. No hace falta ver más de una de sus películas para apreciar qué clase de sentido del humor tiene. Digámosle filoso. Entonces Von Trier vuelve a la carga, montado en su último caballo. La primera entrega de Nymphomaniac constituye su último film en la trilogía que aborda la depresión. Precedida por la estremecedora Anticristo (2009) y la prescindible Melancholia (2011) (nótese el acervo marketinero de Von Trier al reducir sus títulos a una única palabra fuerte), Nymphomaniac retoma los méritos del danés, el drama
punzante, la complejidad de los personajes, y (re)carga las tintas con algo ya complejizado pero no tanto como ahora, puesto en el centro de la escena: ese asunto que tanto escozor le genera a muchas personas, la sexualidad. “Una mala película porno”, dijo Stellan Skarsgard, uno de los principales del film. Que al verla, las escenas de sexo explícito se acomodan a lo convencional que la diégesis propone. Eso del lado del espectador. Los medios, no lentos pero sí perezosos, hicieron eco del poco “cuidado” (“censura” podríamos pensar) con que se presentan dichas escenas, algo que recuerda al revuelo que generó Blue is the warmest colour. Esta última ganó la Palma de oro del último Cannes y llenó salas en todo el mundo. Pero Von Trier es un maldito. Y un condenado porque en su condición de maldito no se doblega ante nadie. Con su film anterior pagó un precio: Melancholia, por ejemplo, no tuvo estreno en nuestro país (suponiendo que hay una relación entre su persona y su obra). Y Von Trier se disculpa pero no se arrepiente. ReRevista Maple. Abril 2014
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Nymphomaniac. RESEÑA
LA PRIMERA ENTREGA DE NYMPHOMANIAC CONSTITUYE SU ÚLTIMO FILM EN LA TRILOGÍA QUE ABORDA LA DEPRESIÓN. dobla y vuelve con otra confrontación. Mientras, suma defensores y adeptos. Uma Thurman, en sus últimas entrevistas, defiende a Von Trier de quienes lo califican de misógino, alegando que el tiempo y la dedicación que otorga a la construcción de los personajes femeninos, la elaboración y el acercamiento a la complejidad y las contradicciones de la mujer, lo sitúan en la vereda de enfrente ante aquellos verdaderos misóginos: los escultores de un standard vacío y repetitivo sobre la mujer. Paralelamente, Shia LaBeouf aparece de smoking en la alfombra de Berlín con una bolsa de papel madera que dice,
VER TRAILER 24. Revista Maple. Abril 2014
en fibrón, “ya no soy famoso”, y parece ensayar la misma estrategia de Von Trier proclamando una frase de Eric Cantoná en la conferencia de prensa del film: “Cuando las gaviotas siguen al barco es porque creen que van a tirar sardinas al mar”; entonces se levanta y abandona la sala. No hay dudas, es preciso inflar el globo. La buena noticia es que lo más probable, teniendo en cuenta el alcance de Von Trier como realizador, es que dentro no haya aire sino una gran película, una forma con muchas aristas, un relato que haga temblar la sala.
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MÁS ALLÁ DEL COMBO ¿Qué se estrena en la primera parte del año? ¿Tendremos otra opción aparte de “Transformers IV” o “Indestructibles parte III”? No entren en pánico, hay buenas opciones para ir al cine, o bien, quedarte en el living de tu casa. Texto: Enrique Jozami El 2014 nos depara un año cargado de emociones al menos en los papeles. Si uno repasa las listas del mainstream verán que hay muchos superhéroes edulcorizados, tanques rimbombantes, y aquellas películas que a bombo y platillo aparecen en la meca de nuestros cines con despliegues de promoción que asustan, con el sólo hecho de entrar a una sala y ver a Jennifer Aniston en una gigante
Inside Llewyn Davis
marquesina vestida de ninja. Y allí, no apuntamos nosotros. Cineastas prestigiosos volverán al ruedo con estrenos esperados, en una ecuación favorable para el espectador exigentemente reacio a las propuestas en las cuales la entrada de una película viene acompañada con el pancho y la coca. Ésto rescatamos, algunos estrenos que llegaron y se fueron rápido, y otros que están por venir. Los Coen son un bicho raro de la industria. Te regalan un “Fargo” y después te salen con “El Gran Lebowski”, recalando en postales del cine negro, pasando por comedias disparatadas y fumadas. Algunos dicen que sus mejores obras son las comedias. Ahora recaen en la bohemia musical, de la escena del Greenwich Village neoyorquino de principios de los 60. Cómo un cantautor folk (el guatemalteco Oscar Isaac) sobrevive y convive en un viaje singular a la eterna búsqueda del éxito.
Oldboy. Frances Ha Todos queremos a Greta Gerwig. Ya la vimos bailando con Arcade Fire en “Afterlife” y nos conmovió con su torpe espontaneidad. Nos presenta a una joven bailarina en New York, con problemas de dinero, incrustada en relaciones tensas. El hecho está en que gana nuestro corazón al mostrarnos como disfrutar la vida, ser feliz despreocupadamente a pesar de ese dominó de malas noticias que es la misma vida. Fábula moderna de la juventud. Aunque es una película del 2012, he aquí el estreno del comienzo de año. 26. Revista Maple. Abril 2014
Un ejecutivo es secuestrado y mantenido aislado en una habitación durante ¡20 años! Al ser liberado encarna una bestial venganza por el asesinato de su mujer. Spike Lee realiza la remake del director surcoreano Park Chan-Wook. Será difícil superar la versión original (no hay que dejar de verla), del año 2003, por ser tan impactante como feroz. Lo bueno: protagonizada por Josh Brolin. Lo malo: las remakes nunca fueron buenas.
Spike Jonze no sólo deber ser reconocido como autor de “¿Quieres ser John Malkovich?” o “El ladrón de orquídeas”. Un tipo que trabajó en la industria musical, en el mundo MTV de los 90 y de los principios del 2000, haciendo videos para Beastie Boys, Daft Punk, Björk, y Arcade Fire. Merece nuestro respeto. Con Her presenta una película encantadoramente inquietante donde un hombre solitario (Joaquin Phoenix) se enamora perdidamente del sistema operativo de su teléfono (con la voz de Scarlett Johansson).
HER. Only God Forgives. No fue estrenada en el cine en Argentina. Pasó de largo, desapercibida. Forma parte de esta lista por el sólo hecho de ser dirigida por Nicolas Winding Refn. El autor danés del premiado “Drive” vuelve a trabajar con el pibe de oro (Ryan Gosling) y nos muestran que la violencia, propiamente dicha, es una fuente a la que acude siempre la estética. Algunos la acusan de violencia vacía, superflua. Pero el que disfrutó de “Drive” tendrá que verla para sacar sus propias conclusiones. Personalmente, me quedo con la siempre presente venganza, las luces de neón, el lecho onírico en el que transita sin dejar de lado cada cuota que rebalsa de sangre.
The Grand Budapest Hotel
Wes Anderson trae consigo una horda de sequitos que defienden a capa y espada su biblia filmográfica. Cada vez supera su legado y nos demostró en Moonrise Kingdom que el discreto encanto de los perdedores no pasó de moda. Tal como expresa el propio director: “Quiero tratar de no repetirme. Pero al parecer lo hago continuamente en mis películas”. Y justamente eso es lo que queremos Wes.
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RE SE ÑA
ENÉRGICO POP
Los cordobeses de Cintia Scotch lanzaron a principios de año su primer EP homónimo. Este debut, compuesto por cinco canciones grabadas durante su estadía en México, los posiciona bien alto dentro de la nueva y prolifera escena pop local.
E
T E X TO: NIC OL ÁS MORE L L I
l debut de Cintia Scotch va directo al grano. Cinco temas, de aproximadamente tres minutos cada uno, con la bandera pop-rock como insignia. Dueños de un estilo fresco y optimista, la banda ha sabido dotar a sus canciones de una actitud enérgica. Esto da como resultado canciones pop perfectas, con estribillos y melodías que quedan bailando en la cabeza. ¿Reminiscencias? Muchas, pero no hay duda de que sus composiciones tienen una fuerte personalidad. El excelente juego de guitarras que logran, combinando ritmos cercanos al funk con riffs certeros y la expresiva voz del cantante, dotan a la banda de un charme particular, logrando una combinación verdaderamente atractiva. El EP abre con dos canciones de corte estrictamente pop, Darte todo y El kahn, que tienen capacidad de hits instantáneas. Sigue Escape, donde la banda baja un poco la intensidad, para decirnos que “no hay razones para estar mal”. Escuchame es el track mas rockero, donde sobresalen los riffs distorsionados de las guitarras y la potente voz del cantante. Y para cerrar nos despistan con un sonido surf rock, trasladándonos a un mar de playas bailables, en Pájaros. El debut de Cintia Scotch es un disco perfecto para caminar atrapando los últimos rayos del sol del verano que ya se acaba. Pero a diferencia de la estación que ya se va, los días de esta banda recién están comenzando, y lo hacen a pura actitud pop. F OTO: F E DE K E NI S
ESCUCHAR DISCO Revista Maple. Abril 2014
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T E X TO: AGUST I NA C H E C A
E X PE R I E NC IA
SURF &
DESTRUCCIÓN
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os adentramos en los orígenes de una de las bandas más icónicas del under de Córdoba, para intentar reflejar un modo de vida nucleado en amistad, rebelión y eterna veneración a Joe Strummer.
F OTOS : LUC IANO GONZ AL E Z Revista Maple. Abril 2014
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U LOS COCALEROS
n paisaje apocalíptico, desértico, un paisaje norteño, con olas que se están llevando todo por delante y la mujer coya”: la tapa del disco debut de Los Cocaleros en palabras de Ariel Pantaleón, bajista de la banda. Todo aquel que la haya visto, no podría sacar una conclusión contradictoria.
Ésta es la imagen mental que deberíamos establecer al momento de intentar acercarnos al ser cocalero. La conjunción de elementos dista de ser azarosa y de hecho es aquella que, cual ayuda mnemotécnica sintetiza eficazmente el viaje que a fines del año pasado supo materializarse en un disco. Camino que comienza mucho antes que la banda adquiera lo que ellos consideran “conciencia de cocalero” en la ya distante Total Trash de agosto de 2010. Y que se remonta a algo tan
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determinante como el lugar que los vio crecer en rebeldía y fanatismo a los Clash: San Salvador de Jujuy. “Tenemos un viaje muy particular: ser de Jujuy y tener otra cultura desde un comienzo, ya nos diferenció desde la manera de pensar” comparte Hernán Lettoli, el hipnótico guitarrista que acapara miradas con su histrionismo escénico: “Jujuy es otro ambiente, se escucha otra música, es otra cultura, y nosotros compartimos esa cultura”.
LOS COCALEROS
“Es una combinación de todos esos elementos que nos hacen pensar la música diferente”, explica “El Lustra”, Martin Pose, frontman de la banda: “todas las bandas son diferentes entre sí, pero es la manera en la que invertimos esos condimentos en la música la que marca nuestra diferencia”. Y sin embargo, Los Cocaleros es una banda de Córdoba, y ellos se reconocen como tal. “Somos músicos jujeños de una banda de Córdoba”, comenta Ariel, “musicalmente maduramos acá, y fue Córdoba lo que nos estimuló a consumir más música y querer ser parte de todo eso”. “Madurar y crecer musicalmente va de la mano con lo que se está gestando aquí en esta escena, porque vos ves gente que está trabajando un montón y vos no te podes quedar”, termina de desarrollar el Lustra. Competencia, si podríamos llamarla de alguna manera, es lo que, según Hernán, hace que “el círculo gire ” y la cultura no se estanque. Conscientes y efusivos del movimiento que se está gestando en la provincia, los Cocaleros se enorgullecen de ser una parte esencial del movimiento, y el Lustra no muestra señal de titubeo cuando exclama que “hoy en día es el mejor lugar del país donde hay música”, en gran parte debido a la diversidad de propuestas que tiene para ofrecer.
“todas las bandas son diferentes entre sí, pero es la manera en la que invertimos esos condimentos en la música la que marca nuestra diferencia”
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LOS COCALEROS
“Los temas que estamos haciendo ahora tienen otra madurez, otra manera de pensar los temas y expresarlos”
gran conectarse al unísono. “Los temas que estamos haciendo ahora tienen otra madurez, otra manera de pensar los temas y expresarlos”, expresa. Más afianzados y con una confianza renovada ante el recibimiento de su trabajo, Los Cocaleros no tienen límites (nunca los tuvieron). No imaginan un techo para todo lo que se proponen ser y se plantean como objetivo la expansión, abrir el viaje cocalero a nuevos horizontes. El Lustra muestra convicción cuando expresa: “nosotros artísticamente podemos crecer todo lo que podamos, si nos lo proponemos” y sus palabras son tan potentes como todo lo que genera con Ariel, Hernán y el “Cala” (Agustin Flores Courtade). Las posibilidades son incontables para una banda que parece demoler todo a su paso. Y, mientras los caminos del viaje cocalero se vuelven cada vez más excitantes, sólo podemos anhelar que éste nunca tenga fin.
Volviendo a lo que venimos aludiendo como “viaje cocalero”, se encuentra un punto de inflexión que marca un momento sin retorno: el disco. Creación que, a través de diez canciones dotadas de potencia visceral y energía electrizante, materializa la evolución de la banda en sus ya cuatro años de trayectoria. “En el disco intentamos perfeccionar lo que veníamos haciendo hace mucho y poner las cosas nuevas”, comenta el Lustra, “el mismo orden de las canciones es una evolución de lo que fuimos siendo nosotros, como un orden cronológico”, agrega Ariel, de un disco que se permite presentar de manera cohesiva canciones que llevan años en el repertorio cocalero, con otras fruto de la evidente maduración que han experimentado. Para tener una idea más clara, el Lustra considera que los últimos dos temas reflejan lo que son ahora, y lo que posiblemente estará plasmado en un segundo disco. loscocaleros.bandcamp.com/ Hernán se muestra particularmente entusiasmado con el crecimiento del grupo, sobre todo en la facilidad con la que hoy lo-
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VOLANTE DISCOS
ARTESANOS DIGITALES
DEL CASSETTE EN EL SIGLOXXI Mientras da vuelta el cassette para reproducir el lado b en una conversación casual, responde con disimulo ‘soy muy entusiasta en mi trabajo’. Y esta frase será la que implique todo. Dado que fue una madrugada en la que Juan Morán, tucumano,criado en Catamarca y técnico en sonido, dejó el primer vestigio en su computadora del concepto de lo que después iba a ser su trabajo veinticuatro-siete o full time. Entretanto atravesaba desventurados momentos personales, lo que salió a flote fue ese ‘entusiasmo’ que Juan conserva hasta la fecha cuando comenta que su departamento es su hogar y su trabajo, él su propio jefe y el único junto a su novia y socia aliada en el proyecto, implanta cada día el esfuerzo, la delicadeza, el detalle y el corazón a Volante discos, la nave de difusión (musical) para el universo. Texto: Francisco Muñoz Fotos: Luciano Gonzalez
V
EL PROYECTO:
olante discos es un sello de handcrafting artesanal desarrollada por dos personas, una de ellas ya mencionada, Juan Morán, principal precursor del proyecto y su pareja, Paola Barengo. Ella tiene participación directa en el sello, ya que como Morán dice ‘un hombre solo no puede hacer nada’. Su presencia toma significación en el apoyo absoluto al ideador de lo que es Volante y además suma la sutileza del trabajo con el proceso de packaging. Pero Volante no es sólo eso que mencionamos como definición de la Rae es también calidad musical en envase pequeño, en un elemento polimérico y hasta se puede mencionar vintage o noventoso, el Cassette. Este objeto es la pieza sacra para Morán, porque reúne el anhelo de volver para atrás, de volver al pasado a reconstruir el ensamble perfecto entre lo físico y lo digital. Sin dudas resulta paradójico pero él mismo se ríe cuando todo lo que es del sello haya
pasado por la vía electrónica y desembarcado en una reivindicación sonora de lo que el cassette y tantos otros objetos del siglo pasado tan lejano y tan cercano cimentó en una generación que vuelve a ellos para apreciar lo que la era digital no permite tocar al menos de forma física. En la burbuja de Juan, encontramos todos los instrumentos cual médico lleva su estetoscopio porque en su casa vive y trabaja, respira y exhala, y vuelve a reencauzarse, en un principio de forma autodidacta, en el diseño de las tapas para los cassettes, el corte y pegado de las impresiones. Claro, también, el proceso de masterizado y grabación para cada cassette como copias desde el original siempre pasan obviadas para un técnico en sonido; pero Morán también se encarga que el espíritu de la banda, eso que lo cautivó como mantra cósmico se embellezca en una copia directa con amplia calidad auditiva. Porque, en conclusión, “lo que importa es el contenido, lo que lleva adentro”, dice el comandante del sello. Revista Maple. Abril 2014.39
VOLANTE DISCOS
LOS CASETTES Juan Moran y su produccion en una valija
“lo que importa es el contenido, lo que lleva adentro” Tal vez podríamos pasar por alto esto como si fueran nimiedades pero todo lo contrario sucede cuando uno ve el trabajo del dueto ya que si lo ponemos al lado de una copia industrial de un cassette pasaría desapercibido el trabajo de hormiga que tiene estos pequeños objetos como es el caso de The Psychedelic Schafferson Jetplane, banda de culto trasandina, que en su interior viene con una modelo para armar aviones de papel y el arte de tapa combina con el viaje eólico de los aviones. O sino podemos mencionar los stickers de Los Cocaleros incluidos en el cassette, la cruz roja del cobertor de Fármacos, banda chilena en ebullición. El jue40. Revista Maple. Abril 2014
VOLANTE DISCOS
‘soy una persona que no para un segundo para dejar de pensar en el sello’
go artístico tal vez en broma, tal vez no tiene mucho que ver con el plus que tiene el esfuerzo de Volante por dejar algo más en escena para descubrir.
T
anto el comienzo como el presente es esperanzador y prometedor desde el aspecto y punto de fuga que se lo mire. Desde su primer producción enteramente realizada por él para Panamá hasta sus comunicaciones cuasi-epistolares con David Kilgour, gema neozelandesa, o los norteamericanos Tropical Popsicle. Quién en su sano juicio penderá de su cordura para atinar objetivos tan magnos,
sólo Juan Morán lo pudo lograr. En las visiones futuristas, el sueño ya se ha cumplido indudablemente pero me remito a la frase de Morán, ‘soy una persona que no para un segundo para dejar de pensar en el sello’ y también a ‘esto no va a frenar’ (jamás). Lo venidero será aún más arduo que lo que quedó atrás con nuevas sensaciones en su haber como bandas ‘locales’, como Juan menciona a toda la Argentina sin distinciones de provincias, y también a las que están al otro lado del ecuador. Él por lo pronto no permite dejar de seguir rotando la cinta interna que gira y gira para no volver atrás y siempre mirar para adelante, como en un principio su entusiasmo lo trajo hasta ahí. Revista Maple. Abril 2014.41
RANDOM: Discos Por: Agustina Checa y Romi Viola
THE WAR ON DRUGS
Lost in the Dream Columbia/Polydor The War on Drugs nos presenta su tercer disco de estudio, un imprecedible LP de diez canciones de un incofundible tinte Dylanesco, baterías de tiempos poperos y teclados de décadas pasadas. En una montaña rusa que escala entre sonidos ochentosos y temas que bien podrían ser de Boards of Canada (o de Bruce Springsteen – como la gran “The Haunting Idle”) – la agrupación de Adam Granduciel nos invita a explorar lo inexplorado.
ST. VINCENT St. Vincent Loma Vista La decisión de bautizar un cuarto disco homónimamente, supone ambición, una promesa de grandeza. St. Vincent (tanto si hablamos del disco, o del alter ego de Annie Clark) es todo lo que pretendía ser y mucho más. Muestra la evidente evolución de una persona que vive y respira música, aferrándose a una merecida confianza apañada en cualquiera de sus trabajos anteriores. Incorpora nuevos matices, se desafía a sí misma, y en el mismo impulso, juega con nuestras emociones. Nunca en vano, siempre con buenas intenciones.
REAL ESTATE Atlas Interscope La melancolía puede ser algo hermoso, ya lo ha demostrado Lars Von Trier. La manera de abordarla puede incluso provocar la reacción inversa. Eso es lo que hace Real Estate, y lo confirma aún hoy en su tercer trabajo, disco que los eleva aún más y los muestra en otro tipo de madurez. Para un día gris, para apreciar un poco más el otoño, Atlas es amor.
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RANDOM: Discos
BECK Morning Phase Capitol Beck presenta la secuela tardía de Sea Change y los doce años de separación valen la pena. Morning Phase es un disco hermoso, un viaje de inmersión a un lugar nostálgico y de alguna manera, mucho más sabio. Con voces a la Bon Iver, cuerdas a la Nick Drake y letras bastante alejadas a su top 5 clásico, Beck presenta un disco que esperamos, sea mucho más que una fase
TELESCOPIOS Verbo El tan esperado disco de los cordobeses es ahora una realidad. VERBO es sutil pero impactante, prolijo y esencialmente cautivante. Es un producto ambicioso, ecléctico en sus numerosos matices que pueden remitir al tacto de Cerati sin perder ese dejo folk.
BERTHEX Corazón de Hashtag Berthex, excepcional tecladista, ex Frutilla Camarosa, nos deleita con un EP de cinco canciones cubiertas de ineludible sensualidad. Una fiesta de 20 minutos en una explosión de sonidos y emociones.
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Cobertura
DE TRANSMISIONES Y TRANSFORMACIONES Te x t o :
Puede ser pertinente dar el puntapié inicial con un “todo transmite”, a modo de axioma. Ahora bien, ¿Qué es lo que transmite qué cosa? Así po- M a r t i n i a n o demos definir un poco mejor el rumbo R o d r i g u e z hacia el que apuntamos, porque estamos obligados a bucear más profundo dentro de los significados, las abstracciones y las habitaciones del pensamiento. Y Chatarra, la muestra de arte Pe l a d o Je r e z colectivo que ancló en el Buen Pastor, W i n i S i e r r a Gu zm an transmite.
Fo t o s :
E
C H AT A R R A
n ningún momento nos encontramos con la típica muestra de arte en donde las obras están prolijamente cuidadas y acabadas, sino que se trata de obras libres, desprolijamente bellas. Y es que lo que comúnmente se podría nombrar como chatarra o materiales obsoletos es el agente rector del cual se nutren las obras presentadas en la muestra y, al tomarse como materiales aptos para la creación, el uso y consumo, se abre el cerrojo de un nuevo significado para lo que se denomina “materiales obsoletos”. Se deja de considerar a estos materiales como desechos para declararlos aptos como materia prima para la creación, el uso y la comunicación. Además, estos materiales se combinan con la tecnología para dar el formato predominante
de las obras en la muestra: la instalación. La fusión da como resultado una enorme carga conceptual amalgamada en cada una de las postas de Chatarra. El “Portal” lleva a un mundo fantástico y miniaturizado: Un barco es un barco y un pez, y viceversa; una lámpara es el hogar de una minúscula persona; pastillas recicladas forman una montaña conquistada que obliga a verla con lupa para apreciar cada uno de sus detalles. “Terreno y texturas” vuelca reflexiones al mezclar tierra con planos de una construcción e impresiones de huellas digitales. Cada una de las instalaciones de la muestra es una batidora de los sentidos y desde el vamos se propone una experiencia lúdica, en donde el público es invitado a sumergirse en el remolino para emerger a la superficie dentro de un cóctel de novedosas sensaciones y sensibilidades. Revista Maple. Abril 2014
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CHATARRA
C ada una de l a s i ns t a la cio n e s d e la m u e s t ra e s un a ba tido r a de l o s s e n t id o s y d e s d e e l vamos se pro po ne una e x pe r ie n cia lú d ica , e n d o n de e l pú blico e s i nvi ta do a s u m e r g ir s e e n e l re m olin o par a eme r g e r a l a s u p e r f icie d e n t ro d e u n c óct e l de no ve do s a s s e nsa cio n e s y s e n s ib ilid a d e s. “Hacer lo que me saliera” fue la premisa creativa que Martin Vicens tuvo para con sus instalaciones cuando lo consultamos acerca de ello. Dentro de toda la diversidad creativa, su libre asociación y su espontaneidad extrema son más la excepción que la regla, ya que todos los artistas parecen haber puesto especial cuidado y haber pulido largamente sus ideas en movimiento para que, paradójicamente, su arte quede tan desprolijamente bello. En el otro polo, la importancia del espectador, del transeúnte de la muestra, es invaluable. “Por más sentido que uno le haya querido dar, la gente es la que completa la obra” confiesa Emilio Zárate al respecto. Y en este lado de la misma moneda sí es ley la espontaneidad y la libre asociación. Se juega a propósito con lo abstracto e intangible para provocar un análisis que varía según el ojo que se posa para deconstruir e interpretar. Otro punto sobresaliente de Chatarra nos lo cuenta Mercedes López Moreyra, su coordinadora general, al confiarnos el frenesí de actividades agendadas en cada uno de los quince días que dura la muestra. Por eso es que nos desengañamos nuevamente y no nos encontramos con una muestra estática, congelada durante 15 días, sino con dínamo novedoso que nunca se queda quieto (mien-
tras dure su existencia). Al distanciarnos de la muestra nos queda un sabor a belleza diferente que surge de lo
01. Ensamble emergente de martin viecens 02. Maria Guglielmelli y Gabriel Mosconi / “274 horas hombre” 03. Sara Efe, Ernesto Ochoa / sin titulo 04. Martin Viecens junto a su obra “ensamble emergente” 05. Emilio
Zárate dentro de su instalación “”ARTIFICIALIDAD Ensayo N°1 “LEVEDAD“ creada en conjunto con Agustin Albrieu Llinas yCamila Lukasiewicz. 06. Ensamble emergente de Martin Viecens 07. las hijas de israel (compuesto por Matías Díaz, Iván González, Fátima Madonna) es una instalación que se titula “terreno.texturas” 08. The Junk Factory - “lord ebenezer” el nombre del robot 09. sin título de Ivan Vianello 10. El podio de los imbéciles de Martin Viecens
despreciado y precisamente esa era la idea al transmitir: transformarnos. ¿Por qué desechar algo que todavía tiene mucho para dar? es el mensaje que se filtra insospechadamente en la mente de cualquiera que experimente Chatarra y hace que ahora piense dos veces antes de tirar algo a la basura.
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