PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ
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¿Quién se ve bien? ¿Quién se ve mal? ¿Quién está mandando un mensaje con su atuendo y quién lleva puesto lo que puede? ¿Quién se ve como todos quisiéramos vernos y cómo lo logra? ¿Es una incógnita que las páginas de las sesiones de moda realmente solucionan? ¿Se cubren únicamente de percheros humanos acomodados con ingenio? ¿Donde termina el catálogo de prendas y empieza el de situaciones a desear experimentar? Y fuera del vestir, ¿tus dispositivos electrónicos están de moda además de dar soluciones a lo que realmente debes resolver? Tus utensilios domésticos, de trabajo, de movilidad... ¿están de moda? ¿La moda se volvió una utilidad, o lo útil se pone de moda? ¿Finalmente la moda se declara inútil o su papel ha mutado? Regresa el “September Issue” de Marvin, enfocado a la moda, cerca y lejos de la pasarela. Aunque a diferencia del número del año pasado, ahora nos enfocaremos más en identificar aquello que tiene oportunidades de marcar tendencia que en lo que se asoma ya inequívocamente popular... si tal cosa es hoy posible.
ADMINISTRADOR EMMANUEL CORTÉS
En un momento en que la tecnología no sólo nos permite, sino que nos insta a descubrir lo que más nos queremos acomodar de la moda y convertirnos en la tendencia, analicemos pues, qué moda es esa que hoy está de moda.
ASISTENTE LUIS MAQUEDA
Uili Damage
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Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 124 correspondiente a: SEPTIEMBRE 2014. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102. MARVIN es una Marca Registrada.
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CONTENIDO:: MVN:: 124 ::THE SEPTEMBER ISSUE:: 37 - EN PORTADA LA ROUX 8 EN MEGÁFONO. Perfiles y noticias de música, cine y arte MÚSICA
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18 ATLAS SONORO. Propuestas emergentes interesantes: Praga 20 BLONDE REDHEAD. La justicia del tiempo 22 NORTEC COLLECTIVE PRESENTS: BOSTICH+FUSSIBLE. El final de una trilogía 24 DEATH FROM ABOVE 1979. Reincendio de viejas pasiones 26 INTERPOL. Todavía no hemos cometido todos nuestros errores 28 ELSA DE ALFONSO Y LOS PRESTIGIO. El orgullo de sentir 30 PAOLO NUTINI. La nueva gran voz del soul (y la mejor parecida) 46 DE CULTO: Jobriath. El glamour de una leyenda que se extinguió en el Hotel Chelsea FESTIVALES 32 PITCHFORK MUSIC FESTIVAL 2014. Ampliando el panorama… Pero lo que importa es la moda 34 CEREMONIA. Sin miedo a proponer o esceneando bien en Toluca CINE 52 MEXPLOITATION. El cinismo sexual y la frescura en boga 48 DE CULTO: William Klein. Dentro y fuera de la moda
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ARTE 58 GALERÍA: Cecilia Carlstedt. Encanto súbito 50 DE CULTO: Iris Van Herpen. La científica de la moda CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA 65 MÁS MODA Y MASS MEDIA. Trazos que marcaron tendencia (ideológica) 66 MODO Y MODA. Comic-reportaje MARVINISMO
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44 LAS MODAS IMPOSIBLES REPORTAJE 68 LA MODA DEL SEX-APPEAL. ¿Qué vestimos para provocar? DE FONDO 72 EN BÚSQUEDA DE UN NUEVO ESTADO DE GRACIA. Una reflexión con ayuda de las figuras de Anne Hathaway y Jennifer Lawrence LITERATURA
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75 6 LIBROS QUE VINCULAN A LA LITERATURA CON LA MODA COLUMNAS 76 BAJO PRESUPUESTO: La moda demodé. Por Hugo García Michel 77 AGUARRACES PORTEÑAS: Argentina subcampeona. Por Rafael Toriz RECOMENDACIONES 78 ESTILO 79 TECNOLOGÍA 80 EL PILÓN: Lydia Lavín. ¿Qué es la moda?
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on el propósito de generar dinámicas de diálogo, difusión, intercambio y profesionalización en la práctica fotográfica, se llevó a cabo la segunda edición de PORTFOLIO (14) Festival Internacional de Fotografía, evento que reunió en diversas actividades a creadores visuales, editores, curadores y teóricos que exploran vías de producción, difusión y coleccionismo de la fotografía contemporánea. PORTFOLIO (14) es una iniciativa bienal de Centro ADM, espacio dedicado a la promoción, enseñanza y producción en artes visuales, diseño y nuevos medios. En esta segunda edición el festival recibió el apoyo del programa de Conversiones del FONCA–CONACULTA y la Fundación BBVA Bancomer. Entre los participantes del festival destacaron Stefan Ruiz y Richard Kern, dos de los exponentes de la fotografía documental y de la fotografía editorial -respectivamente- con mayor reconocimiento alrededor del mundo. Pablo Ortiz Monasterio, Javier Ramírez Limón, Corinna Koch, Pavka Segura, Pablo López Luz, Oswaldo Ruiz y Ramiro Chaves se suman a la larga lista de participantes del festival, el cual es una iniciativa creada por el fotógrafo y artista visual Misael Torres en 2012. El evento tuvo lugar del 28 de julio al 9 de agosto en distintas sedes, como Centro ADM, Centro de Cultura Digital, Compañía de Acción Cultural, Museo de Arte Moderno y la Ex Capilla de Guadalupe, mismos que presentaron, además talleres, mesas redondas y conferencias en torno a la práctica de la fotografía en México. Descubre más sobre este suceso en: portfolio.com.mx
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l salón de exposición Desfilia tuvo el honor de recibir este evento mundialmente reconocido, con la participación de los célebres diseñadores Pineda Covalin, David Salomón, Sandra Weil y Simple by Trista, los pasados 19 y 20 de julio, además de ofrecer un homenaje especial a la exitosa trayectoria y orgullosas representantes del estado de Jalisco, Julia y Renata. Heineken, presentador del primer Mercedes-Benz Fashion Weekend Guadalajara ofreció un coctel “sumándose a la pasarela” con el estreno de su Club Bottle de edición limitada, diseñada por Matt W. Moore. Fashion Week México, el evento de moda más prestigioso del año, apuesta por este proyecto satélite a la semana de la moda, buscando tener una extención de la misma en los lugares más emblemáticos de nuestro país, reforzando de esta manera el turismo e integrándose a las diferentes actividades culturales y sociales que ofrece intrínsecamente cada una de las diferentes sedes. Con Mercedes-Benz Fashion Weekend Guadalajara, el alto diseño en el vestir se encuentra con nuevos horizontes y llega a nuevas audiencias, ávidas de mantenerse a la vanguardia mundial de la moda.
del país en los siguientes meses. Cabe recalcar que este año se espera una mayor participación de creativos en inscribir sus trabajos. Por sólo mencionar que en 2013 se recibieron 632 propuestas provenientes de 54 países, un número bastante alto para la temprana edad del festival, en comparación con eventos como el Encounters de Londres, el Ottawa de Canadá y el Annecy de Francia, que anualmente reciben de entre 2 mil y 2,500 entradas tras 19, 20 y 54 ediciones respectivamente. Atrévete a conocer lo que diseñadores gráficos, texturistas, directores de arte, músicos, productores, guionistas, actores de doblaje, ilustradores, coloristas, fotógrafos y artistas plásticos (del mundo y principalmente de México) están haciendo en conjunto en la próxima edición del CutOut Fest, un lugar para las nuevas ideas.
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uevas formas de ver” es el slogan de CutOut Fest, y dicha frase no podría ser más acertada, pues se trata de un evento que celebra los resultados más novedosos que se consiguen al transformar las ideas en algo tangible. El CutOut Fest es un festival no sólo de animación y arte digital, sino de la creatividad en general llevada a sus límites más arriesgados, lo cual lo convierte en unas de las convenciones culturales que no te puedes perder en nuestro país. La edición de este año se llevará a cabo del 13 al 16 de noviembre en Querétaro, y contará con diversas actividades (entre laboratorios, conferencias, mesas redondas, talleres y conciertos) que ayudarán a comprender cada una de las perspectivas que componen el universo del arte digital y la animación. Como en cada edición, se proyectarán los trabajos seleccionados de la Competencia Internacional de Cortometrajes de Animación y que integrarán las categorías de Narrativa, Experimental, Videoclip y Universitaria. Lo interesante es que los cortos ganadores no sólo serán exhibidos durante el marco del CutOut Fest, sino que acompañarán a éste en las diferentes visitas que realizará a lo largo y ancho
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La evolución natural de la creatividad
Un oasis cinematográfico en San Miguel de Allende TXT:: FOT::
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sistir a un festival de cine es fascinante, debes estar consciente que se aproximan días de ir de una sala a otra, de un largometraje a un corto animado; quizá después vendrá algún documental o una conferencia magistral de un importante cineasta; homenajes a directores o actrices, y la proyección de películas ganadoras de importantes premios son algo que no debe faltar en una cita cinematográfica de calidad, y el Festival Internacional de Cine de Guanajuato
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(GIFF) no es la excepción. En esta ocasión asistimos a la primera etapa de este evento que presenta lo más destacado del cine internacional e independiente en lo que va del año. San Miguel de Allende fue la sede que nos recibió con unas alegres, coloridas y elegantes mojigangas, con sus calles repletas de arquitectura barroca, su exquisita comida, los siempre cordiales pobladores y, para fortuna nuestra, un sol radiante que iluminó el inicio del GIFF; un oasis ideal para el séptimo arte. Fue la actriz Angélica María, conocida como “La novia de México”, la encargada de inaugurar el festival cinematográfico, la proyección de una de sus películas, 5 de chocolate y 1 de fresa, complació a todos aquellos que se dieron cita en el jardín principal de San Miguel, precedida por un nostálgico pero muy divertido concierto de Los Teen Tops, importante banda de rock & roll en la década de los años 50. A una calle de ahí, en el Cine Los Aldama, se presentaba el filme inaugural, un documental que impresionó por representar a la mujer afroamericana a través de pinturas reinterpretadas de la época renacentista; hablo de Kehinde Wiley: An Economy of Grace de Jeff Dupre. Y fue precisamente la mujer, su empoderamiento, debilidad y su importante papel en las distintas sociedades del planeta, uno de los temas más proyectados en la pantalla grande del GIFF.
AMARO PAULO
BAUTISTA VIDALES
Primero estuvieron las cintas nacionales, Las horas contigo, de Catalina Aguilar Mastretta y Edén, de Elise DuRant. La primera es una poderosa historia que habla sobre el temor que el hombre tiene constantemente a la muerte y la negación por reconocerlo, a través de una familia de cinco mujeres que están a punto de perder al miembro más longevo: la abuela, muy emocional, pero sobre todo sincera, con un excelente guión que entre los sucesos posiciona a la mujer como el auténtico responsable de lo que sucede en su vida; mujeres autónomas. Por otro lado, Edén es como agua de limón a la que olvidaron ponerle azúcar; les explico: la historia es sobre una mujer que regresa de Estados Unidos a San Miguel de Allende para encontrar las respuestas al asesinato del novio de su padre y al exilio que tuvieron que realizar tras ese suceso. El planteamiento resulta interesante, pero la principal dificultad de la película es su edición, la manera de ser contada hace complicada su interpretación más allá del ritmo lento y cansino, que en muchos filmes es esencial, aunque aquí no acaba de funcionar. Las producciones internacionales no se alejaron del tema, la francesa Party Girl, ganadora de la Cámara de Oro en Cannes, impresionó por su natural movimiento de cámara en mano, además de la historia: una mujer madura que tras años de trabajar en un cabaret, se “enamora” y decide casarse. También estuvo Ida, de Pawel Pawlikowski, una de las películas del país invitado: Polonia, sobre una monja cristiana que se entera, días antes de entregar por completo su vida a Cristo, que es judía; y finalmente Han Gong-Ju de Corea del Sur: un grupo de 12 jóvenes viola a una adolescente, crimen que deja ver la doble moral coreana y las vejaciones que sufre la víctima por el hecho de ser mujer. El GIFF en San Miguel de Allende fue más que cine, fue música, tradiciones y el descubrimiento de una cultura: la polaca. La experiencia cinematográfica siempre es virtuosa en este festival, que con la selección ecléctica de este año sin duda satisfizo a los cinéfilos que se dieron cita a una de las dos principales fiestas cinematográficas del país. ¡Enhorabuena! A esperar 12 largos meses para volver a está obligada cita festivalera.
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El tema de su séptima edición es Culturas Urbanas
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as culturas o tribus urbanas son una realidad insoslayable de nuestro tiempo y una expresión incrustada y propia de nuestra sociedad moderna. El dhfest en su séptima edición dedica su temática a estas culturas urbanas y a su búsqueda de autenticidad frente a la masificación, abordando el tema con el fin de profundizar sobre los ataques que han recibido estas culturas alternativas, para quienes, en muchos casos, se quebrantó el estado de derecho, se les excluyó y se les negó el derecho a la no discriminación. En esta edición que tendrá lugar del 1˚ al 5 de octubre, en la Ciudad de México, se propone reflexionar sobre el derecho a la diferencia y sobre la importancia de la diversidad cultural y el respeto a las libertades fundamentales bajo el tema “Culturas Urbanas: Derecho a la igualdad, derecho a la diferencia”. Tuvimos la oportunidad de charlar con Flavio Florencio, director general y artístico del dhfest, de este y otros aspectos.
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¿Cómo te involucraste con derechos humanos? Flavio Florencio: Yo creo que mi trabajo siempre estuvo relacionado con derechos humanos, pero no lo sabía; siempre estaba haciendo gestión cultural, eventos... Yo viví como siete años en Zanzibar, Tanzania, y estaba relacionado con muchas causas, al tiempo que me empezaba a interesar en el arte y la cultura y comencé a enfocarme buscando siempre un contenido más profundo, porque más que causas personales, me surgió la necesidad de generar “algo” en el espectador. También dirijo cine, pero es muy intangible y es difícil medir cuál es el cambio que puedo producir en una persona. Entonces, desde la parte de organizar eventos, surge la posibilidad de crear un espacio para celebrar algo, como las victorias en derechos humanos. Así que el festival lo que intenta no solamente es mostrar la parte obscura y directa, sino también una celebración por los privilegios por los que se lucha. ¿Cómo se encuentran los derechos humanos en este momento histórico tecnologizado? FF: En internet hay algo bueno y hay algo malo. Es una ventana que te permite estar prácticamente en el bombardeo de Gaza (por poner un ejemplo reciente), y en el momento en el que empiezas a participar en las redes sociales compartiendo imágenes e información, se ejerce presión pública, se genera un activismo cibernético y sientes que estás haciendo algo sin saber qué alcance tienes. Siento que al crecer esto se banaliza un poco porque todo el mundo opina y cree que sabe, se genera una desinformación, no se profundiza tanto.
¿En esta edición, puede decirse que el festival está enfocándose en el individuo en relación a la masificación? FF: Yo le digo “singularidad”; estamos trabajando alrededor del hecho de ser seres singulares. En el inconsciente colectivo se entiende que todos somos iguales. Pero en realidad no lo somos y eso es bueno. Todos somos distintos, y en esa diferencia reside la riqueza, y en lo que somos iguales es en los derechos que portamos como individuos. Digamos que un adolescente en un pueblo se quiere pintar el pelo azul. Y lo señalan por eso o por gordito, o por lo que sea; es distinto al resto que son todos iguales, y la diferencia se percibe como algo malo. Rechazamos lo distinto. Pero los personajes de García Márquez los recordamos porque son únicos y propios de esa literatura. La misión de este festival es crear un espacio donde se promueva una cultura de que ser algo único y singular es algo bueno y que, por suerte, no somos iguales. Lo que queremos reflexionar es “tengo derecho a la igualdad, cuando la diferencia me inferioriza; pero tengo derecho a la diferencia, cuando la igualdad me descaracteriza”.
El Mundial de surf más importante del país
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TXT:: ORQUÍDEA VÁZQUEZ
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uego del reciente Mundial de Brasil, nos hemos percatado de quizá todo el fanatismo que circunda al futbol en México –extremista y exacerbado– no tiene forma de compararse con el que se tiene por el surf, uno de los deportes extremos más intensos e interesantes. Sin embargo, los esfuerzos de acrecentar su popularidad en nuestro país tienen como líder a Surf Open Acapulco, evento que en su tercera edición –realizada del 5 al 13 de julio–, dejó en claro que existe una creciente comunidad de surfistas y que lo único que se necesita son más festivales como éste para exacerbar aún más el amor que se tiene para desafiar las olas e incrementar el número de jóvenes que quieren comenzar a especializarse en dicho deporte. Con un escenario tan esplendoroso como la Playa Revolcadero en el Puerto de Acapulco, se llevaron a cabo todas las actividades del Mundial de surf más importante del país. En primera instancia, el campeonato de este año contó con una gran cantidad de participantes que logró rebasar a las ediciones anteriores, tanto en la competición nacional, como en la internacional. Surf Open Acapulco reunió a atletas de 30 naciones diferentes para ponerlos a competir durante varios días. A través de las eliminatorias, las cuales iniciaban a las siete de la mañana, se llegó hasta la semifinal con participantes de Argentina, Brasil, Costa Rica y Estados Unidos. Luego de lucha y varias confrontaciones, a la gran final llegaron el costarricense Noe Mar McGonagle y el estadounidense Luke Davis, resultando vencedor este ultimo, quien fue festejado por sus compañeros con un baño de agua fría y una botella de champán.
FOT:: ABIGAIL ARANDA
Durante los nueve días en que el sol, el buen ambiente, la arena y las sonrisas acompañaron la emoción de conocer al gran vencedor, se pudo disfrutar de gran programación de actividades entre las cuales se incluyó una increíble pool party y la proyección de dos cintas cinematográficas: The Crash Reel y El Objeto Antes Llamado Disco; ambas presentadas por Ambulante. La experiencia de disfrutar de una película entre el calor y la serenidad que otorga la orilla de la playa, fue sin duda uno de los momentos que más recordaremos del evento. Por otro lado, y para apoyar el objetivo inicial, se ofrecieron clases de surf todos los días del evento. Los cursos eran impartidos y avalados por la Asociación de Surfing del Estado de Guerrero ASEG y la Federación Mexicana de Surfing FMS a un precio muy accesible para que los aficionados dejaran de sentir dicho deporte como algo lejano y experimentaran en carne propia los desafíos de la marea. Surf Open Acapulco continuó aumentando los niveles de adrenalina con el fascinante show de freestyle motrocross patrocinado por Monster Energy, en el cual participaron FMX riders como el mexicano Johan Nungaray. Las piruetas y acrobacias realizadas muy alto en el aire no dejaron de poner los pelos de punta para que los espectadores admiraran el riesgo y la intensidad de llegar a los extremos. Para cerrar de forma inigualable el festival, era inevitable no terminar con una gran fiesta en la playa, la cual estuvo perfectamente musicalizada por el proyecto electrónico proveniente de Nueva York, Penguin Prison. No somos extremistas al decir que aquel fin de semana fue extraordinario y que toda la buena vibra y energía que se propagó por varios días en el Fairmont Acapulco Princess, nos asegura que este gran evento irá cobrando fuerza y que, algún día, quizá no muy lejano, la comunidad de surfistas en México será de las más grandes.
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Una transformación provocada por 8 animales
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l pasado 18 de agosto salió a la luz Metanoia, el segundo disco de Run Golden Boys, banda defeña que ha defendido el estandarte del post-rock nacional desde su primer lanzamiento, Entropía, en 2011. Desde ese momento, sufrieron varios cambios y pasaron por un proceso de reinvención y descubrimiento. Federico, líder del proyecto, explica el significado del disco diciendo que “Metanoia se refiere a una transformación profunda de corazón y mente, un examen de toda actividad vital que representa un cambio de perspectiva sobre la manera de cómo se ven y aceptan los hombres y las cosas. Nos gusta la palabra, porque al momento de componer canciones sentimos esa transformación. Con este disco buscamos ser el soundtrack de su metanoia”. La alienación actual lleva apenas unos cuatro meses conformada y marca el punto en el que la banda se define tras cinco años de existencia. El álbum cuenta con ocho canciones y cada una es representada por un animal, uno que la banda eligió al sentir que hacía resonancia con el imaginario que los sonidos inspiraron. Por ejemplo, en “Petrichor”, Federico comenta: “La canción nos transporta a un bosque en el cual hay dos escenarios: uno agresivo, al ocurrir una tormenta, y otro que viene después de la tormenta cuando se percibe el petrichor y todo comienza a florecer. El oso es un animal emblemático del bosque, por lo que fue asociado con este escenario”. Y así se desenvuelve el disco Metanoia, con visiones sinestésicas que generan un cambio en la percepción y, ya cuando te clavas en el post-rock con toques de math que emana, un cambio en las profundidades del alma.
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Se trata de una interesante revisión al pop alternativo esde hace casi dos, años los Ventilader han estado trabajando en la producción de No es un adiós, el quinto disco en su carrera, donde cada canción es como el capítulo de una gran historia. Este álbum es la continuación de Ápice (2008), Olas (2009), Guía y Pasajero (2010) y Astromelia (2011) y con No es un adiós se agregan al elenco de Sony Music/Culebra. Todos sus miembros han participado creativamente en la concepción de los temas, aportando su talento en los diversos instrumentos como piano, batería, bajo, guitarra y teclados, mientras que las letras han sido plasmadas en su totalidad por su vocalista Jorge Marrón. La banda integrada por Jorge (voz), Ignacio (teclados), Prime (guitarra), Gonchis (bajo) y Mersi (batería) contó en la grabación, entre otros, con la producción de Leonel García, a quien vemos trabajando con el grupo en el video de su primer sencillo “Ecos”. Ventilader ha participado en el Festival Vive Latino (2007, 2008 y 2010), el Festival SXSW en Austin, Texas (2010), en el Festival Marvin (2012) y el Festival Corona Capital (2012). También ha sido el grupo invitado de bandas y artistas como Café Tacvba, She Wants Revenge, Razorlight y José González. Con su música han recorrido prácticamente toda la República Mexicana y también se han presentado en el famoso Piano Bar de Nueva York, el lugar donde comenzaron a darse a conocer The Strokes.
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PRAGA, REPÚBLICA CHECA
TXT:: ALEJANDRO MANCILLA
@nosoymoderno
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he Prostitutes, gran banda con provocador nombre y sonido heredado del post-punk y el new wave, pero con un espectro de influencias bastante amplio. Con algunos cambios en la alineación, el grupo se mantiene como uno de los actos más importantes de la República Checa. Platicamos con Andy T. Bell, cantante y fundador de la agrupación, quien es de origen británico, pero emigró a la ciudad hace mucho tiempo, ¿será porque Praga tiene el consumo per capita de cerveza más grande del mundo (132 litros por año)?
El mundo ha cambiado, ¿han cambiado también los intereses de la banda en estos años? Andy T. Bell: Eso espero. Como todos, comenzamos tocando en pequeños clubes, donde nos aceptaban, y ahora, una década después, ya tenemos cuatro discos y un quinto en el camino que saldrá el próximo otoño. Ya crecimos, tenemos familia y proyectos alternos que te dan una perspectiva diferente de las cosas.
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Se llaman The Prostitutes porque alguna vez declaraste que el simple hecho de tocar ante un público y ser un grupo de moda, ya es un acto de prostitución… ATB: Depende cómo lo veas. Siempre he odiado la música basura comercializada y siento que muchos artistas juegan a ser famosos e ir con la moda, y lo anteponen a hacer buenas canciones. Eso del nombre de Las Prostitutas fue ironía, pero creo que hasta el momento, hemos mantenido nuestra integridad artística. Aunque si van a pagar por vernos a un concierto, acabamos siendo prostitutas, ¿o sólo es un servicio?
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¿Te siguen molestando las comparaciones con Joy Division? ATB: En realidad nunca me molestaron, creo que sería peor que me dijeran que canto como Britney Spears. Pero en nuestros recientes discos, ya traemos otro sonido. Nuestras influencias siempre fueron Siouxsie, The Stranglers, Nick Cave… Trabajaron con Youth (ex Killing Joke) recientemente… ATB: Es un gran tipo, se puso bien exigente para explotar más al grupo. Yo era muy fan de los inicios de su banda. ¿Cómo es la escena musical del rock independiente en Praga? ATB: Es más grande la escena DJ. La gente prefiere ir a bailar a un club o ir a un festival grande y ver a diez grupos, que a un lugar indie pequeño y ver sólo uno o dos grupos. Así las cosas… ¿Qué es lo más raro que te puede pasar en una ciudad como Praga cuando tienes una banda de rock? ATB: Como hay muchas cosas por hacer, fue extraño acabar tocando para siete skinheads en un bar hace años, y yo, para colmo, iba con un sombrero de vaquero. El promotor olvidó hacer la difusión del evento y nadie fue. Estuvo divertido, hicieron un mosh pit.
El grupo está integrado por: Adrian T. Bell (voz) Martin Destroyer Přikryl (guitarrista que, hasta donde sabemos, no tiene parentesco con Héctor Suarez “El Destroyer”) Stevie LFO Převrátil (bajista) Luk Santiago (baterista) Adam Piaf (tecladista) Más información en: http://www.theprostitutes.cz
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podemos mencionar a bandas como Monkey Business (que cantan en un inglés muy raro) y que le deben más a Jamiroquai que al punk; los exitosos Kabát; los coloridos (demasiado quizá) Nightwork (una especie de Scissor Sisters); The Tchendos, que llamaron la atención con un tema inspirado por una sobreviviente judía de los campos de concentración; o los radicales Maniac Butcher, quienes en su canciones hablan de los Lucanianos, antepasados de los checos que luchaban contra la religión occidental desde sus castillos (y supones que contra los orcos). Sí, la vida en Praga ha evolucionado a niveles cosmopolitas desde hace casi tres décadas, lo que actualmente ofrece un panorama muy interesante, una escena de música electrónica muy vasta y un universo de música. De los actos contemporáneos llamativos, tenemos indie folk: Pivoňka a Pánové; los aún vigentes The Prostitutes; el elegante indie rock: Please the Trees; el punk de Freak Parade y la electrónica art de Midi Lidi. Sobresale el festival United Islands de Praga, donde bandas internacionales y locales encuentran un escaparate de primer nivel. Luce bien el horizonte de esa ciudad de cuento de hadas. Extra: El manifiesto Charta 77 fue lanzado por activistas en la Ciudad de Praga en 1994, con el fin de mostrar al mundo que los artistas querían un régimen democrático y que su arte no fuera censurado.
Otra banda recomendada:
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El factor The Velvet Underground: En 1990, Václav Havel, el primer presidente de la República Checa, invitó a Lou Reed a Praga y le confesó que sin The Velvet Underground jamás hubiera llegado a ser presidente, ya que lo inspiraron a rebelarse contra el sistema de su época y convertirse en activista político. M
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Formados en Praga en 1995, la banda representa muy bien el espíritu actual de la ciudad, con su música híbrida (su nombre significa Noise of Human Art) y sus integrantes de diferentes nacionalidades que en común tienen la fiesta, la electrónica y la moda.
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a romántica Praga está considerada una de las capitales de la moda en el mundo y esa estela de glamour también se extiende a muchas de las propuestas musicales actuales. Pero no siempre fue así. Remontándonos muy atrás en la edad moderna: de 1939 a 1945, la ciudad fue ocupada por Hitler y posteriormente, concluida la guerra, la nación se volvió parte del bloque socialista. Esto duró hasta 1989, cuando Checoslovaquia abandonó ese sistema de gobierno y posteriormente, se dividió en Eslovaquia y República Checa, estado del cual Praga forma parte actualmente. Y es justamente por esos antecedentes, que los movimientos contraculturales en esos años fueron más bien subterráneos. Si bien Želva, el primer disco de rock checo, fue publicado por el grupo Olympic en 1968, ya en plenos años 80, las bandas eran aún perseguidas y registradas en una lista negra; pero eso no evitó que surgieran obras como la editada por el grupo Proges 2, una ópera rock llamada Dialog s vesmírem (Platicando con el espacio), que versaba sobre un astronauta del futuro y su viaje por una atmósfera formada de heroína. Claro, lo censuraron. En esos años, hasta los grupos de new wave trendy sufrían una represión absoluta; sin embargo, lograron destacar bandas como Pražský Výběr, una especie de XTC mezclados con The B52’s; y Jasná Páka, un poco más sombríos; además, sonaron clandestinamente los obscuros Vítkovo Kvarteto. Posteriormente, ya en los años 90, se dio una avalancha de grabaciones que se produjeron en la década anterior, pero que no habían podido tener difusión como consecuencia de la abolida represión: Laura a Její Tygři, Garáž y Plexis son algunas de esas agrupaciones que encontraron su camino. Ya entrados los 90 en una Praga muy diferente de esos años, en donde la moda, la cultura y el arte ya florecían con esplendor,
LA JUSTICIA DEL TIEMPO TXT:: PABLO PULIDO Es abrumador descubrir que Blonde Redhead cumple este año más de 20 de carrera; pero hay quienes aseguran que sólo 10 de éstos son los que realmente cuentan. En 2004 la banda lanzó su primer álbum (Misery is a Butterfly) bajo una disquera de renombre: 4AD; fue entonces cuando la historia de “verdadero éxito” comenzó. El público quedó estupefacto con la quimera sonora creada por Kazu Makino y los hermanos Simone y Amedeo Pace en hermosas y frágiles (en el buen sentido de la palabra) piezas como “Melody” y “Equus”. Esta dirección creativa, que se extendió en posteriores discos, fue resultado –como es bien sabido– de una crisis física y emocional que sufrió Kazu en un accidente con uno de sus caballos (su más grande frenesí). La banda ha anunciado un nuevo material, Barragán, que continúa con ese legado electrónico de su antecesor Penny Sparkle, pero lejos están de ser similares; con este material, Blonde Redhead retoma su oscuro pasado como una metáfora de la sencillez que se logra con la experiencia; irónicamente, la misma con la que también iniciaron, cerrando un ciclo lleno de drama y autodescubrimiento creativo.
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a primera década del trío asentado en Nueva York fue caótico y enigmático al mismo tiempo; a primera instancia se diría que sus canciones seguían varias direcciones, desde un punk bipolar hasta post-rock de mensajes subliminales. La constante discrepancia entre pasado y presente hacía que la banda nunca cayera en los aburridos terrenos mediáticos de la comparación. Basta con ver las grabaciones caseras de sus shows de aquellos ayeres para entender que no había nada que entender: tres personas sobre el escenario jugando con sus guitarras y cantando acerca de personajes invisibles, sentimientos encontrados y demás lindas subjetividades que tenían
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Gossip Music for Men Columbia Al mismo tiempo que Blonde Redhead, Gossip abrió la puerta a los sonidos electrónicos para conjugarlos con su punk feminista.
sentido dentro de un ambiente orgullosamente gris (de esta época resalta el maravilloso LP Fake Can Be Just As Good). Pero después, teniendo detrás a un monstruo como 4AD, en algún momento la abstracción debía tener coherencia. Y así se aseguró la presencia de Blonde Redhead en el feliz mundo de la rentabilidad indie; pero la “venta” (quizá el antónimo favorito de la escena under) de su talento se desarrolló dentro de un acertado esqueleto de matices por demás brillantes. La trilogía Misery is a Butterfly-23-Penny Sparkle es delicada en todos los sentidos; sobria en sonido e inquietante en palabras. Incluso en vivo la banda recurrió a toda una construcción dramática cuyos personajes emulaban discursos tan vagos como bellos y la orquesta se veía inmersa en una comedia de muerte y perfección, que con el paso de los años aumentaba su majestuosidad (como evidencia, recordar las giras de 23 y Penny Sparke, ambas presentadas en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris en 2008 y 2010, respectivamente). Es válido afirmar que Kazu y los hermanos Pace han encontrado confort y seguridad gracias a elementos electrónicos ligados con pegamento pop, pero la discusión es más extensa. Barragán es un álbum limpio de banalidades y exageraciones, lleno de pasiones (una vez más la vocalista y guitarrista dedica un tema a su caballo Harry; además, la portada incluye la imagen de un feto equino) y surrealismo (“Dropping”), pero, sobre todo, luminosidad; de hecho, el álbum fue titulado en honor al arquitecto mexicano Luis Barragán Morfin (1902-1988), creador de las Torres de Satélite y la Casa Giraldi. Blonde Redhead se encuentra con el reflejo de sus primeros años; la austeridad existencial se convierte en el desenlace perfecto de esta evolución que tomó más de 20 años. Nada queda por demostrar, sólo se debe continuar. M
Yeah Yeah Yeahs It’s Blitz! Interscope Records Y hablando de evolución de sonido (o mejor dicho, la necesidad de adaptarse a los nuevos tiempos) la banda de Karen O apostó por incluir sintetizadores a su desfachatez.
The Fiery Furnaces Blueberry Boat Rough Trade En 2004 salió a la luz esta obra tan confusa como agradable, cargada de temas de hasta 10 minutos de duración, saturadas de cambios de ritmo y genialidad.
“Queríamos hacer algo atemporal y puro, y quizá algo minimalista también”. —Simone Pace
FOT:: MARLENE MARINO
EL FINAL DE UNA TRILOGÍA TXT :: VICENTE JÁUREGUI “Te tocó hacer la primera entrevista de Motel Baja”, me dice Ramón Amezcua, mejor conocido como Bostich. Todo un honor, considerando que son una de las escasas bandas mexicanas que literalmente han dado la vuelta al mundo con su música. Este 16 de septiembre, Bostich y Fussible nos entregan el esperado cierre de una trilogía. Un disco que reúne todos los sonidos que los han encumbrado como la banda más representativa de la música electrónica en México. Acá, lo que comentaron para Marvin.
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otel Baja cierra una trilogía, es muy significativo el título que le dieron al disco. Ramón Amezcua: Este viaje arranca con el disco Tijuana Sound Machine; después viene el Boulevard 2000, un álbum que juega con la imagen de una carretera y un auto, que ahora finalmente regresa a Tijuana para estacionarse. Llegando al Motel pasan muchas experiencias de placer, de confort, y todo eso lo contamos en este disco.
Música
Musicalmente es un disco muy retro, como si regresaran a las influencias de su adolescencia. Pepe Mogt: Sí, nos fuimos muy atrás, sobre todo a los 60. Hay mucho mellotrón en el disco, un instrumento que The Beatles hicieron famoso con “Strawberry Fields Forever” y que después, todo mundo usó. También usamos flautas y sonidos grabados de casete, tecnologías de los 60, aunque también hay muchas referencias a los 70 y 80. Creo que el disco dio un salto, hay canciones que suenan al Nortec clásico, pero muchas otras cosas que jamás habías escuchado en la banda. RA: Es una recapitulación para cerrar un ciclo, ya experimentamos con todo y hasta aquí llega el sonido que Nortec quería plantear.
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El track titulado “Moda Mákina” combina beats de hip-hop de la vieja escuela con sintetizadores tipo Kraftwerk y una tuba… RA: De hecho Wolfgang Flür, ex músico de Kraftwerk, hace la voz y las percusiones. Tocamos con él en Guadalajara y
Tom Tom Club Tom Tom Club Warner La semilla del retro futurismo en primera persona. Un disco debut que arrojó clásicos instantáneos para las pistas de baile post-disco como son “Wordy Rappinghood” y “Genious of Love”. No por nada estos músicos fueron la mejor alineación que tuvo Talking Heads.
Tijuana; después surgió esta colaboración. Fue un sueño trabajar con alguien que admiramos tanto. Por otra parte la letra es una historia que Flür cuenta y que ocurrió justo en un motel en alguna parte de México. La canción “Temporary Paradise” tiene un arreglo de música barroca sobre una banda norteña. ¿Ustedes mismos escribieron el arreglo? RA: Los hizo Alberto Núñez Palacio y los músicos son de la Orquesta de Baja California. Aquí usamos una caja de ritmos muy usada en el electro y el techno. También aquí colaboran Tina (Weymouth) y Chris (Frantz), de Tom Tom Club, que es gente que nos influenció mucho con su sonido futurista. Las colaboraciones fueron muy importantes en este disco. Han comentado que al principio no les gustaba tanto la música de banda, ¿de dónde surgió entonces la fusión? PM: A mí se me ocurrió la fusión y el concepto. Pero cuando le enseñé a Ramón, no me creyó, pensó que era broma, pero le dije que consistía en reciclarlo para transformarlo en algo que nos guste. Al final del día, es música electrónica. Es como si no te gusta ver un bote tirado en la calle, lo transformas en un objeto que ya te agrada. Pero a mí no me vas a ver bailando “La pollera colorá”, ¿me entiendes? (Risas). En los años 90, en Tijuana escuchabas algunas bandas que después se volvieron muy grandes, como Nirvana o Björk. ¿Qué recuerdan de ese momento? PM: Yo fui a ver a Nirvana, pero no me gustó y me salí (risas). Me asomé y había poquita gente haciendo slam; fue previo al Nevermind. NIN presentó su primer disco, también fue Skiny Puppy, Psychic TV, Pearl Jam, Johnny Rotten de Sex Pistols, Sugarcubes (N.d.R.: en la que Björk era vocalista). Fue una época dorada que ya no se ha repetido. M
Kraftwerk Radio-Aktivität EMI El primer disco en el que toca la alineación clásica de Kraftwerk, con Wolfgang Flür en la percusión electrónica. Su sonido de synth pop industrial es una gran referencia para Nortec, quienes ahora cuentan con una colaboración de ensueño.
The Beatles Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band Parlophone Cuando The Beatles tomaron ácido, decidieron experimentar con nuevas técnicas de grabación e instrumentos como el mellotrón o la sitar, con plena conciencia de que establecerían un estándar de producción atemporal.
Música
“Nortec inició como todo un movimiento con artistas gráficos que ahora son muy importantes. El NY Times llegó a dedicarnos ocho páginas en aquel entonces”. —Pepe Mogt
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FOT:: JOSUÉ CASTRO
REINCENDIO DE VIEJAS PASIONES TXT:: AARÓN ENRÍQUEZ Todos hemos tenido alguna vez, o al menos hemos estado cerca para observar, el tipo de relación amorosa en la que todo es apasionante y divertido durante el primer año; es evidente que el sexo entre esa pareja es simplemente magnífico, todo el mundo nota lo bien que lo pasan juntos; todo es risas, adrenalina al tope, fiestas interminables, conversaciones que pueden durar toda la noche; se entienden tan bien que no necesitan hablar para saber lo que necesitan. Incluso se acoplan al bailar, sacan chispas cuando están cerca el uno del otro, parecen ser la pareja del momento entre su grupo de amigos; bueno, hasta a la tía más recelosa parece caerle bien la nueva conquista. Pero una vez cumplido el año, algo sucede y simplemente todo tiene que terminar. No es que se haya extinguido la pasión, no es que alguien haya traicionado a alguien, es simplemente que ambos son un par de almas inquietas que tienen la necesidad de seguir adelante y no estancarse en la monotonía del amor.
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Música
sí pareció ser la primera parte de la historia entre los canadienses Jesse F. Keeler –A.K.A. JFK– y Sebastien Grainger, cuando decidieron lanzar su primer álbum You’re a Woman I’m a Machine en 2004 como Death From Above 1979. Este par de mentes musicales crearon juntos uno de los discos de culto más recordados de los años 2000, para después simplemente abandonar el barco. Alguna vez Keeler publicó en su página web que ambos habían cambiado tanto, que las personas que eran al final de todo, probablemente no llegarían a ser amigos si se volvieran a conocer. Los dos siguieron su rumbo musical, Ke-
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The Faint Dance Macabre Saddle Creek Este álbum de 2001 fue lanzado en un momento en el que el revival del post-punk vivía un auge importante. Las líneas de bajo y el uso de sintetizadores marcaron el sonido en bandas como The Rapture y los mismos The Faint para poner de moda el dance-punk a principios de los 2000.
eler se juntó con Al-P para crear MSTRKFT y Grainger hizo su propia banda. Pero como en todas las relaciones que dejan huella, no falta que tiempo después coincidan en una fiesta, en un festival, o simplemente uno de los dos decida buscar al otro para rememorar viejas glorias. Al parecer, esta euforia del reencuentro fluyó bien entre ambos cuando se juntaron nuevamente para dar algunos shows en 2011, por lo que decidieron realizar un álbum nuevo diez años después que lleva por titulo The Physical World y que verá la luz de forma oficial este 9 de septiembre. Falta esperar antes de cantar victoria; por ahora hemos escuchado el primer single titulado “Trainwreck 1979”, cuyo sonido fue descrito por el propio dúo “como si Bruce Springsteen conociera a Sonic Youth”. Lo cierto es que el coro: ”Cause I want it all, I can´t get enough…” denota que el reencuentro ha removido antiguas energías y retomaron el hambre de tocar juntos, aquellos shows de 2011 dan esperanza a los fans; aunque el más nostálgico podría sentirse decepcionado porque parecieron desvanecer el hardcore de su paleta de sonidos con dicho track. Hay que recordar que no siempre un par de polvos con la ex para recordar viejas pasiones significa necesariamente que tengas de nuevo una relación. Por ahora “Trainwreck 1979” es una buena probadita de lo que se avecina. Si Grainger y JFK quedan como la pareja que se ve sólo de vez en cuando, pero cada que se ven siguen sacando chispas, los fans podrán respirar tranquilos, al menos otros diez años. M
Test Icicles For Screening Purposes Only Domino Se trata del único álbum creado por esta banda originaria de Londres (la cual guarda varias coincidencias sonoras con DFA 1979). La banda de Dev Hynes exploró más allá del dance-punk, logrando una presencia musical efímera.
Bruce Springsteen Born to Run Columbia Records El álbum más “punk” de The Boss con el que logra dar el salto a un sonido más basado en las guitarras. Pensemos en que es este Springsteen el que DFA 1979 quisiera que conociera a Sonic Youth para lograr el sonido que ahora tienen los canadienses.
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“No importa lo que Jesse y yo hagamos; en cualquier escala de éxito está allí, siempre hay una referencia hacia Death From Above. Es frustrante porque es muy flojo. Así que estamos sacando un disco de Death From Above y si la prensa responde algo como: ‘No es lo que esperábamos’, o como sea que reaccionen, entonces diremos: ‘Bueno, es lo que estaban pidiendo’”. —Sebastian Grainger
TODAVÍA NO HEMOS COMETIDO TODOS NUESTROS ERRORES TXT :: LUIS ARCE Escribo esto mientras escucho un fantástico álbum del año de 1968 titulado Orgasm. Éste pertenece tanto en autoría como en ejecución al hermano mayor de Wayne Shorter, el trompetista Alan Shorter. Conozco pocos álbumes capaces de crear tal intensidad con elementos tan heterogéneos; es como si recularan en sí mismos, como si descendieran en diagonal hacia las estructuras e ideas que los forman, desanudando en el proceso toda conjetura que pueda establecerse sobre la música dispuesta en ellos.
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discos como estos el escucha atento puede exigirles deterioro, puede exigirles añejamiento, resultado de 40 años en el vertedero de olvidos y consideraciones afanosamente críticas. Son discos mutantes, nerviosos. Lo ideal es que uno pueda escucharlos sin mover una pieza de su mentalidad y esperar a que los sonidos contenidos en el álbum terminen por empujarla. La música popular posee un empuje bastante inferior en relación a otros géneros o estilos más libres, pero de vez en cuando permite fugas que evocan la aniquilación de sus más estrictos paradigmas. Dichas fugas parecen y suenan desde el comienzo como un error. Suenan ajenas, como designadas más que por la sorprendente inocencia de sus creadores que por el ingenio. Fugas que permiten encender un estilo a ratos inconfundible, pero necesariamente relacionado con el conjunto del que escapa. Fugas como la que alguna vez representó, digamos, Interpol. Fugas que sometie ron durante largo rato la atención de los escuchas y promovieron el surgimiento de toda una colmena de fanáticos carentes de atención, incapacitados para considerar, por al menos una ocasión, que su banda favorita había cometido un error severo al lanzar tal o cual pista, al dar a conocer éste o cualquier otro álbum. De tales fugas suele retenerse únicamente cierta imagen temporal, cierta imagen que muestra en plenitud el desarrollo y confusión que la fuga, digamos Turn on the Bright Lights, generó durante su lanzamiento. Luego la fuga se
diluye y la confusión se convierte en un esquema cada vez más clarificado de un estado musical carente de cualquier ambición. De ahí ese sentimiento de escasez, de incompletitud cuando atendemos a las propuestas que, ya se ha dicho, Interpol colocó en los álbumes que siguieron a su espectacular debut. La vacuidad de las mismas sorprende precisamente porque en ellas aún es posible escuchar el espíritu que hizo del primer álbum del grupo una obra majestuosa. Paradójicamente podríamos pensar que Turn On puede ser la obra de Interpol que menos asume su lugar dentro de la discografía de Interpol. Es ajena, suena equivocada, sus aciertos son borrados por sus errores en una sucesión de música total entendida sin la pretensión de Our Love to Admire, la carencia de talento compositivo presente en su álbum homónimo, e incluso los falsos anhelos de alcanzar en Antics al menos un minuto de la maravillosa estampa musical creada en Turn On. De aquella diminuta frase queda también una lección antitética: “turn on”; encender, prender, iluminar, abrir, despertar, excitar; todos, verbos regulares que evocan el comienzo de algo. La iluminación de una carrera que contrario a lo que podría esperarse, jamás respetó lo dispuesto por la máxima que le dio presentación. Finalmente, toda luz que es encendida tiende a apagarse. Es una regla, pero el tiempo que continúa prendida depende generalmente del deseo no de mantenerla encendida, sino de simplemente no apagarla. En casos más extremos la luz comienza a resultar tediosa y apenas permite dormir. Esto produce un efecto conocido como “microdespertares”, periodos que alteran el orden del sueño haciendo que el cerebro permanezca “casi dormido” durante varios segundos. Este “casi dormir”, pequeña suspensión que a todos nos debe ser familiar, ocurre frecuentemente cuando la luz está encendida, haciendo que pasemos más tiempo en la primera etapa del sueño (poco profunda), y menos tiempo en la tercera o cuarta etapa (altamente profundas). En este sentido, tal vez sea tiempo de apagarla. M
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Arcade Fire The Suburbs Merge Tercer lanzamiento de la banda de Win Butler. Una obra épica (?) que se debe escuchar y analizar a profundidad, todo el tiempo.
She Wants Revenge She Wants Revenge Perfect Kiss Un divertido experimento que simulaba una versión electrónica de Interpol. Lástima que, al final, la broma agotó toda su gracia.
The National High Violet 4AD En muy raras ocasiones a una banda relativamente nueva se le adjudica en su haber la palabra “clásico”. La crítica dice que este disco lo es. El tiempo lo dirá.
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”La música popular posee un empuje bastante inferior en relación a otros géneros o estilos más libres, pero de vez en cuando permite fugas que evocan la aniquilación de sus más estrictos paradigmas. [...] Fugas como la que alguna vez representó, digamos, Interpol”.
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EL ORGULLO DE SENTIR TXT:: PABLO PULIDO “Dime una razón, dímela tú”, así busca intimar Elsa de Alfonso con un receptor que todo el tiempo está dudando, tanto de lo que le rodea, como de su propia capacidad crítica. Pero la compositora, que ha sido descrita por la revista Rockdelux como una “activista incansable de la escena alternativa barcelonesa”, no tiene por qué fingir; su talento para construir figuras retóricas inspiradas en los sentimientos y su voz para recitarlas, deleitan hasta el punto de aceptar de manera automática esas suaves obras sonoras como un inocente acto de donaire. Pero el trabajo no lo hace sola; Elsa se acompaña de Los Prestigio, detrás integrado por Borja Rosal y Pau Riutort (de Extraperlo), y Marc Ribera y Laura Antolín (de Doble Pletina), cuatro mentes que han regresado emoción a la música pop hecha en España. Desencuentros es su EP debut –cuatro temas a favor de una sensibilidad perdida– esperando por su descubrimiento.
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l parecer, la banda cuenta con una alineación envidiable. Pero esa abundancia de talento puede ser algo peligrosa, ¿no creen? Es obvio que cada uno pone de su parte para construir su sonido, pero ¿cómo logran dicha equidad? ¿Se han enfrentado a la situación de que alguien quiere tomar las riendas de todo? Elsa de Alfonso: La verdad es que nuestra visión es mucho más inocente desde dentro, tal vez porque siempre hemos tenido la sensación de que nuestros talentos son bastante complementarios. Nos sentimos más como un organismo donde cada persona es valiosa a la hora de canalizar la magia de las canciones, y no creemos en la necesidad de una jerarquía. Como yo soy la compositora principal y sólo tengo que cantar, intento concentrarme en tener una visión más global y guiar al resto de músicos para que pongan lo mejor de cada uno al servicio de las emociones.
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¿Cómo te gustaría que fuera el público de Elsa de Alfonso y Los Prestigio? EdA: Personas que han vivido emociones intensas y que quie-
Doble Pletina De lo Concreto a lo General Jabalina Música Tanto las voces como la música de este disco asemejan a un sueño saturado de fábulas sobre la madurez y la nostalgia de la juventud.
ren rendir culto a ellas. También nos gustaría que nuestro público fueran personas que se encuentran muy perdidas, pero que saben que pronto descubrirán su camino, porque en el fondo son valientes. Su EP, Desencuentros, parece invitar a un estado onírico eterno, en el que la metáfora del amor está presente en cada momento. ¿Qué historias hay detrás de todo el concepto de Elsa de Alfonso y Los Prestigio? EdA: Esa pregunta es fácil: desencuentros. En otras palabras, los momentos en los que sale a relucir y nos llega a desconcertar por completo el axioma absurdo que rige el amor: escoger a alguien y amarlo por encima del resto. ¿Crees que es la música como tal lo que pone a una banda en el mapa? ¿O es toda la estrategia de marketing detrás? ¿Elsa de Alfonso y Los Prestigio quiere estar en el mapa o todo lo que hace es por amor al arte? EdA: Preferimos estar en el mapa del amor a hacer arte, o mejor dicho, hacer el amor al mapa del arte. Hay cierta alquimia en los fenómenos populares, y son cosas por las que nos interesamos, pero principalmente en cuanto a su implicación musical, intelectual e interpretativa, que es la parte que a nosotros nos toca realizar. Aunque, la verdad, nos gusta más entender nuestra obra desde la eterna inocencia y la búsqueda de la autenticidad de cada uno. Este número de Marvin gira en torno a la “Moda”. ¿Qué papel juega la estética visual en la banda? EdA: Cuando escuchas la radio o lees un libro lleno de caracteres, tu mente crea imágenes por sí sola. En cierto modo, acompañar la música de una experiencia visual es un poco spoiler, pero actualmente es difícil que la música llegue a alguien sin componente visual. Ese gran poder en el proceso de representación no se puede ignorar y por tanto, la estética es algo que hay que manejar con cuidado, cariño y con la ayuda de profesionales. M
Those Dancing Days In Our Space Hero Wichita En 2008, un grupo de chicas suecas se esforzaba en sacar las mejores notas de la clase. y al mismo tiempo grababan un álbum tan delicado y colorido como su juventud.
Joe Crepúsculo Supercrepus Independiente Un álbum conceptual integrado por 20 temas que exploran las bellas complejidades que trae consigo el enamorarse y no saber cuándo parar.
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“En momentos de conflicto, se refuerzan las emociones y crece la necesidad de buscar la autenticidad, de retomar la inocencia y establecer lazos de amor y comunicativos”. —Elsa de Alfonso
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LA NUEVA GRAN VOZ DEL SOUL (Y LA MEJOR PARECIDA) TXT:: UILI DAMAGE ¿Qué es lo que está pasando con el soul? ¿Por qué tiene un constante boom de unos diez años para acá, que no termina por explotar y consolidarse en las listas y el gusto popular? Desde la aparición de Raphael Saadiq, Sharon Jones, Lee Fields, Adele, Mayer Hawthorne, Alabama Shakes, Eli “Paperboy” Reed y varios actos más, da la sensación de que finalmente en México tendremos un espacio razonable para este gran sonido, y tristemente, no sucede.
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n nuevo intento llega en la grabación más reciente de un enorme talento que sinceramente desconcierta, por varias razones... Su nombre es Paolo Giovanni Nutini. Es un cantante/compositor nacido en Paisley, Escocia, de padre también escocés, pero de familia toscana (de ahí el nombre italiano) y madre galesa. Paolo tiene hoy 27 años y un aspecto de modelo que francamente no le da credibilidad en el universo soulero, históricamente lleno de feos. Sin embargo, a pesar de este puñado de contradicciones tan alejadas del ambiente all-american de la música negra ribereña, cuando abre la boca escuchamos una sentida y potente voz, a medio camino entre los gritos grasientos de “Paperboy” y la sedosidad sensual de Fields, arriba mencionados. Con dos grabaciones como antecedente, en las cuales exploró los caminos del sonido de sellos icónicos como Motown, Stax, Atlantic o Daptone, Caustic Love, su producción tercera, entrega 13 cañonazos que extienden el mismo camino, coproducidos por el ingeniero Dani Castelar, registrados de mano de una orquesta mayor, en estudios de Gales, Valencia, Londres y Nueva York. Los temas relucen con elegancia y brillo, abriendo mayor brecha entre lo que se escucha y el aspecto de estatua romana de Nutini.
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Booker T. Jones Sound the Alarm Stax Cuando se creía enterrado, uno de los grandes del sonido Stax regresa oficialmente a su sello-hogar con todo el poder de su órgano Hammond, una base rítmica a prueba de balas que no desmerece a los MG’s y colaboraciones impresionantes de Mayer Hawthorne; Poncho Sánchez y Sheila E; Vintage Trouble; la deliciosa voz de Kori Withers y más.
Caustic Love abre con el sencillo “Scream (Funk My Life Up)”, trayéndonos a la mente el sonido de The Temptations, de bases rítmicas gordas, sabrosas, bailadoras, alientos explosivos y un ambiente lleno de whisky. “Let Me Down Easy”, el segundo corte baja la velocidad arrancando con un sampleo sensual y enervante de la voz de la leyenda soulera Bettye LaVette, al cual Paolo se le une desgarbada pero sólidamente, como si estuvieran haciendo dueto cara a cara. En seguida se escucha un experimento sonoro con voces trastornadas con efectos para dar paso a un romance de cuerdas y órgano Hammond de título “One Day”. Aquí es inevitable recordar la “It’s a Man’s Man’s Man’s World”, de James Brown, con una instrumentación lenta, dramática, llena de eco, atmósferas y arreglos de cuerdas ensoñadores. La voz de Paolo nos trae a los mejores crooners a la mente, entre falsettos sentidos y potentes fraseos apasionados. Sin apartarse de este groove, “Diana”, el noveno corte de Caustic Love ataca con toda la sensibilidad romántica de la que este crooner puede echar mano. Punto y seguido para regresar al upbeat con un boogie súper sexy titulado “Fashion”, en el que invita a la voz de Janelle Monáe a rapear un poco redondeando un corte que nos recuerda el porno sonoro de Prince. Esta colección de música negra cierra con “Looking for Something”, “Cherry Blossom” y “Someone Like You”, dejando claro que este “libro” no debe juzgarse por su portada, pues cumple puntualmente con el ABC del delta sureño norteamericano y los caballos de fuerza de la capital del automóvil, al servicio del sonido del alma y con la esperanza de poner esta emoción entre las favoritas del reticente gran público millennial. M
Charles Bradley Victim of Love Sangre, sudor y lágrimas en la voz cavernosa de este fenómeno del “gritty-soul”. De la mano del súper productor Thomas “Tommy TNT” Bennet (integrante de The DapKings y The Budos Band), entrega un sonido clásico y confiado tras demostrar con soltura en su álbum previo que no le intimida interpretar a Rodriguez, Neil Young, Nirvana o Black Sabbath con groove.
Vintage Trouble The Bomb Shelter Sessions Vintage Trouble Records Tomando todo el poder soulgarage-punk de The Detroit Cobras, la fuerza histriónica y aplanadora vocal de su frontman Ty Taylor y la influencia de clásicos como Otis Redding, Albert King o los Funk Brothers, este cuarteto angelino por poco derrumba el escenario que se les asignó este año en Vive Latino. Éste es un debut fulminante.
FOT :: SHAMIL TANNA
“Paolo tiene hoy 27 años y un aspecto de modelo que francamente no le da credibilidad en el universo soulero, históricamente lleno de feos”.
PI TC H F O R K M U
Ampliando el panorama…
Festivales
TXT y FOT:: ROBERTO GONZÁLEZ CLAPÉS
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SZA y Kelela
Deafheaven
DIIV y Sky Ferreira
Pitchfork ha gozado de un gran crecimiento durante los últimos años. Su contenido está pasando por una afortunada expansión hacia nuevos panoramas que abarcan un amplio espectro musical. Después de 18 años de mantenerse como medio digital y justo cuando las páginas físicas están en extinción, Pitchfork recién dio un nuevo y sorprendente paso al inmiscuirse en el mundo del impreso con The Pitchfork Review, una publicación trimestral coleccionable que contiene –además de artículos y ensayos– galerías de fotos, cómics e ilustraciones.
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ste crecimiento se torna aún más evidente al asistir al Pitchfork Music Festival que este año cumplió nueve ediciones. En esta segunda ocasión que viajamos a Chicago para disfrutar de los shows repartidos en tres escenarios a lo largo del Union Park durante un fin de semana, nos dimos cuenta de que su oferta es cada vez más ecléctica e incluyente; sin embargo, es notorio que mantienen una línea que mucho tiene que ver con sus propuestas e inclinaciones editoriales… Pero, bueno, este número de Marvin es de moda, y parte de lo que nos interesaba explorar era qué tipo de ropa visten los artistas para festivalear. Nos adentramos a ratos al backstage para fotografiar y conocer a algunos de nuestros actos favoritos del cartel. Nuestro primer encuentro fue con Zachary Cole Smith de DIIV, que manejaba su tradicional look de camisa holgada psicodélica
S I C F E ST I VA L 2 0 1 4
Dum Dum Girls
floreada, gorra y pantalón caqui arriba de la cintura. Iba acompañado de su novia, la modelo y cantante Sky Ferreira, cuyo outfit nunca merecerá críticas negativas, pues tiene un gran encanto y le puede sacar jugo a cualquier tipo de prenda que porte, como estos shorts rotos y blusa negra. Más adelante, nos topamos con la bella Meredith Graves, cantante en Perfect Pussy, con un vestido de niña-buena-rumboa-comida-familiar que contrasta con sus alocados movimientos y rugidos furiosos que exhibe en el escenario. De la misma manera, George Clarke, vocalista de Deafheaven, cambió su atuendo después de bajar de tocar, pasando de las tinieblas en camisa, pantalón y zapatos negros, a un jugueteo con la moda al vestir una sudadera Gucci colorida. En cambio, Malia y Andrew de Dum Dum Girls se mantuvieron enropados de negro en todo momento, como si quisieran absorber los rayos del sol y contenerlos. Rachel Goswell, vocalista de Slowdive, llevó un vestido único que advierte la llegada del otoño al reflejar la luz veraniega con sus elegantes hojas metálicas de tonalidades terrestres. Quizás el encuentro más afortunado fue el que tuvimos con Kelela y SZA, que juntas hacen un contraste interesante. Kelela, despojada de sus ropas sensuales que luce en su show sin perder la sensualidad, y SZA con la misma actitud de flojeando-en-domingo-viendo-pelis-encasa que presumió en el festival mientras cantaba. Aquí algunos de los artistas que posaron para nuestra lente, representantes de las tendencias festivaleras de este año. Los asistentes, de cierta forma, vestiremos igual. M
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Perfect Pussy
Festivales
… Pero lo que importa es la moda
CEREM
Sin miedo a proponer... TXT:: PABLO PULIDO
Festivales
FOT:: ORQUÍDEA VÁZQUEZ Y AZUL RAMÍREZ
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Theophilus London
Milkman
CLUBZ
Aún recuerdo la primera edición de Ceremonia. Juerga y lodo, pero, sobre todo, un cartel que no temía al hype ni a la venta de boletos, sólo la obsesión por ser diferente. Y este año, la consigna innovadora no falló. Tener como headliners a una banda que ni disco ha lanzado y a dos exponentes de un género no tan aclamado en México demuestra algo: el no titubear al momento de marcar una nueva tendencia en festivales o, mejor dicho, en la curaduría. Ya basta de las mismas bandas; miremos hacia otros lugares.
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i algo sabemos hacer los mexicanos es criticar, pero ¿qué sucede cuando lo que se nos presenta no corresponde a ninguna experiencia anterior? Es cuando nuestra capacidad de asombro se desempolva. Ceremonia es sorprendente por muchas razones, principalmente porque no responde (o responde poco) a los caprichos de unos cuantos para abrirse al espectro de la proposición sin la desidia del error sobre la prueba. ¿Cuándo pensaríamos ver en nuestro país a Ty Segall, ASAP Ferg, Theophilus London o a Tycho? Pero algo sí es verdad: nos falta acostumbrarnos a este tipo de eventos. A pesar de la inconmensurable sorpresa de sonidos que segundo a segundo se expulsaban de las bocinas, a la audiencia le costaba discernir entre tanto rebuscamiento creativo. La energía allí estaba, pero la capacidad de emular
MONIA
Suuns
Pitchfork ha gozado de un gran crecimiento durante los últimos años. Su contenido está pasando por una afortunada expansión hacia en movimiento lo que entraba porunlos ojos yespectro oídos simplemente no podía Asistir, entonces, a este tipodigital de festivales la mejor nuevos panoramas que abarcan amplio musical. Después deigualarse. 18 años de mantenerse como medio y justo es cuando las manera aprender estancarse en un foreverismo cultural, al cerebro con autores en queelno se estudian en la con escuela páginas de físicas están aennoextinción, Pitchfork recién dio un nuevo yalimentando sorprendente paso al inmiscuirse mundo del impreso The de la extrema mediatización. Pitchfork Review, una publicación trimestral coleccionable que contiene –además de artículos y ensayos– galerías de fotos, cómics e ilustraciones. Otra particularidad que acompañó al festival fue el aterrizaje oficial del normcore en México. Así es, la burla se convirtió en realidad. La moda más idealizada comienza a hilarse en los oscuros rincones de una tierra con sed de identidad. Se han dejado atrás los de pasta, las playeras excéntricos patrones, los pantalones extremadamente y lasediciones. gorras deEnvisera ste lentes crecimiento se torna aún máscon evidente al asistir al Pitchfork Music Festival que este año entubados cumplió nueve esta plana; segunda toda esaocasión basuraque hipster ha mermado. su disfrutar lugar, lo de de los hoyshows es vestir unos pantalones cortos de unaPark playera sin viajamos a ChicagoEn para repartidos en tres escenarios a locolor largooscuro, del Union durante estampado usasdeunque domingo para lavarvez la ropa) y unas sandalias (porsin citar algún es ejemplo, un fin odecamiseta semana, (de nos esas dimosque cuenta su oferta es cada más ecléctica e incluyente; embargo, notoriolos queintegrantes mantienen de Dress Well). unaHow líneaToque mucho tiene que ver con sus propuestas e inclinaciones editoriales… Pero, bueno, este número de Marvin es de moda, y parte deEsta raquítica y, al mismo tiempo, genial la visten pudimos apreciarpara en el outfit de Nos los adentramos participantesa ratos del festival. Ya seapara en lo que nos interesaba explorar era qué tipomoda de ropa los artistas festivalear. al backstage Ruban Nielsen de Unknown Mortal Orchestra, se siente cómodo con prendas sobrias, o en Liam O’Neill de Suuns, que disfrutó fotografiar y conocer a algunos de nuestros actosquien favoritos del cartel. sol primer sin quitarse nuncafue sus gafas. Todos cómodos, con la ropa más simple, el Centrolook Dinámico Pegaso. M psicodélica el agobiante Nuestro encuentro con Zachary Cole Smith de DIIV, que manejaba su en tradicional de camisa holgada floreada, gorra y pantalón caqui arriba de la cintura. Iba acompañado de su novia, la modelo y cantante Sky Ferreira, cuyo outfit nunca merecerá críticas negativas, pues tiene un gran encanto y le puede sacar jugo a cualquier tipo de prenda que porte, como estos shorts rotos
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Unknown Mortal Orchestra
Festivales
o esceneando bien en Toluca
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LA ROUX FOT::
SIMON PROCTER
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TXT:: PABLO PULIDO
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Un retorno imperfecto con el mejor disco pop del ano FOT::
ARCHIVO
Elly Jackson tiene 26 años, edad en la que –en teoría– se ha dejado atrás la época escolar para adentrarse en el mundo laboral, disfrutar de los beneficios de la temprana madurez, como gastarse la quincena en banalidades y amar a todo ser que se deje. Esto –también en teoría– debería estar disfrutando la cantante y líder de La Roux, pero su camino se desvío desde hace unos años y su vida no es lo que precisamente llamaríamos “normal”, pues en vez de salir a divertirse con sus amigos o visitar museos, ella prefirió construirse desde temprana edad un imperio en el que no tendría que seguir los parámetros de un cierto estilo de vida; sólo ella y sus más ambiguos secretos le marcarían el camino de la abundancia y la creatividad. Y sí que ha ganado: ha vendido una cantidad industrial de discos, recibido premios (entre ellos un Grammy), se codea con gente importante (como Kanye West, a quien ahora detesta) y disfruta de un abundante séquito de fans –incluso es considerada una figura de culto en la comunidad LGBT– que la acecha a cada segundo. Elly, sin duda, está en el paraíso, pero el drama (ese ingrediente que le agrega interés a todas las cosas) por ningún motivo la dejaría vivir tan cómodamente. El productor Ben Langmaid la ha abandonado a mitad de camino, situación que ha puesto en duda el talento de la chica del cabello de fuego. ¿Librará Jackson la partida de su íntimo amigo o se hundirá con su bote, pero con la frente en alto?
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ace ya un lustro que el álbum debut de La Roux salió a la venta, y por alguna extraña razón (como la misma Jackson ha comentado) se percibe austero y quizá hasta viejo. ¿Será que la música hecha con sintetizadores es más temporal de lo que pensábamos? Por dicha razón, la compositora decidió hacer un disco electrónico-anacrónico, capaz de augurar el futuro a partir del pasado; Trouble In Paradise, tiene una gran influencia en el vanguardismo a la Grace Jones y diversión al estilo Tom Tom Club, pero muy dentro de ese cálido pop que denotan “Tropical Chancer”, “Sexotheque” o “Cruel Sexuality”, está una oscura psicología sobre temas como la frustración sexual, la infidelidad y la traición. Y a pesar de que Elly trata de concentrar toda la atención a su persona, no puede negar la relevancia de Ben en el proyecto (que produjo cinco temas del nuevo disco) y a quien le dedica la aguda “Silent Partner” –en palabras de la cantante– el primer tema épico de La Roux que pone en descubierto el verdadero sentir de Elly respecto de ese socio no sólo de trabajo, sino de la vida, tirando duro con frases como: “Tú no eres mi compañero, no, tú no eres parte de mí”. Por su parte, Ben se ha limitado a mantener la misma silente distancia, aunque con ruidosos episodios, por citar uno: al declarar a mediados de año que la verdadera razón por la que partió de La Roux fue por culpa de un idiota llamado Ian Sherwin, ingeniero que ayudó a Elly a terminar de grabar Trouble In Paradise. Podríamos plantear diversas tesis acerca de todo lo que rodea a Elly Jackson en el momento más crucial de su carrera, pero quién mejor que ella para calmar el morbo. Desde Londres, la soprano del synthpop nos concedió una entrevista:
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¡Hola, Elly! Después de muchos intentos, logramos establecer contacto… Elly Jackson: ¡Hola! Es bueno hacer cosas en México porque cada vez que me conecto en mis redes, sólo veo comentarios de fans diciendo: “Ven a México, ven a México”. Estamos arreglando unas fechas para ir en enero del próximo año, pero aún no sabemos bien cómo va el asunto. Te tomaste un gran descanso entre tu debut y la salida de este nuevo disco… EJ: Bueno, sí tuve un descanso, pero no fue tan largo. Comenzamos a grabar en 2010, trabajamos muy duro durante dos años; después, me tomé seis meses, pues quería mantenerme lejos del estudio, quería estar libre; luego, hice un par de shows. Posteriormente, mi voz se fue y tuve otro descanso, pero no fue para relajarme, era necesario para regresar a grabar el disco y salir de gira una vez más. Hay algunas modificaciones en tu nuevo sonido de estudio y en tu show en vivo. Ahora tienes guitarras y una batería, no una eléctrica, una batería normal. ¿Por qué este cambio?
EJ: El primer álbum fue asombroso, pero lo sentía muy unidimensional, y no es algo que me gustaría hacer en toda mi carrera; fue bueno en su momento, pero no soy realmente fan de esas bandas que hacen un disco similar dos veces o repiten un sonido una y otra vez, procuro y me esfuerzo en explorar nuevos campos en cada disco, se trata de una característica intrínseca en La Roux, siempre quiero conocer otros lugares, nuevas áreas, otras perspectivas de producción, nuevas referencias… Para Trouble In Paradise me sentí muy atraída por la música disco, especialmente hacia artistas como Grace Jones; entonces, reuní todas esas influencias y salieron temas como “Sexotheque”. Otra de las cosas que quería hacer en este álbum era lograr un sonido más cálido; creo que el primer disco era, en algunos momentos, muy frío; muchos afirmaban que tenía un aspecto épico, sin embargo, yo no sentía que lo fuera, creo que poseía una buena textura en las voces y era muy emocional, pero en lo que respecta a sonido, no lo sentía épico y era algo que quería lograr en este nuevo disco, y por eso, hay ritmos inéditos en el proyecto como los de “Cruel Sexuality”. ¿Sabes? Viví en Brixton toda mi vida, crecí rodeada de reggae, dub y todos esos sonidos; lo que era raro es que, hasta el momento, no había permitido que las personas supieran esa parte de mí; tenía que darlo a conocer, quería representar esa gran parte de mí en el disco. También deseaba plasmar mi obsesión por los bajos, algo que no había podido hacer en el debut. Leí en una reciente entrevista en The Guardian que la ruptura entre Ben y tú sucedió porque él no estaba de acuerdo con el tipo de artista que querías ser. Pero ¿cómo era, entonces, el concepto creativo que él tenía pensado para ti y por qué no te gustó? EJ: Sí, hubo muchos desacuerdos… Espera un momento… Hay un sonido muy molesto acá al lado (N. Del E.: Elly comienza a discutir con una persona que se encuentra cerca de ella). Disculpe, señor, ¿hay alguna forma de detener ese ruido? Ya, perdón, es que estoy en mi carro y no sé qué es. Bueno, él no estaba pensando en nada, yo siempre fui muy clara desde un inicio en lo que quería hacer, es muy difícil explicarlo; la verdad yo no quería seguir el modelo tradicional de la música pop. A Ben no le interesaba estar en el estudio y trabajar para que todo sonara perfecto, apoyando en la construcción de lo que tenía en mente para este disco, a pesar de que se lo explicaba constantemente. Así que, al final, terminamos discutiendo mucho, incluso hubo un momento en el que me comentó que yo tenía que ser más femenina o debía actuar de manera más cercana al ideal femenino, lo cual me pareció extremadamente ofensivo. Yo quería hacer lo que era correcto para mí, para mi música, para las canciones que estaba escribiendo y para las referencias con las que había llegado. Él me decía que no me entendía, y comentaba cosas como: “Oh, deberías pasar más tiempo en Twitter” o quería que saliera más con celebridades en
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“Viví en Brixton toda mi vida, crecí rodeada de reggae, dub y todos esos sonidos; lo que era raro es que, hasta el momento, no había permitido que las personas supieran esa parte de mí; tenía que darlo a conocer, quería representar esa gran parte de mí en el disco”.
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“A Ben no le interesaba estar en el estudio y trabajar para que todo sonara perfecto, apoyando en la construcción de lo que tenía en mente para este disco, a pesar de que se lo explicaba constantemente. Así que, al final, terminamos discutiendo mucho; incluso hubo un momento en el que me comentó que yo tenía que ser más femenina o debía actuar de manera más cercana al ideal femenino, lo cual me pareció extremadamente ofensivo”.
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vez de estar componiendo, lo cual me parecía muy superficial.
Fue muy polémica una declaración tuya en 2010 acerca de la música hecha con sintetizadores, la cual afirmabas estaba muerta y que no volverías a grabar en tu vida ese tipo de música. ¿Qué sucedió? EJ: Creo que la música indie es la que está acabada. Pero, bueno, en ese momento me refería al éxito que tenía en 2009, me refería a que si lanzara mi primer disco en este momento, no hubiera tenido éxito alguno, pues creo que capturamos el sonido de un momento en específico, y estuvo bien en ese entonces, pero los tiempos cambian. Aparecieron muchas cosas en 2009, Lady Gaga, yo, etc., que fuimos exitosos debido al contexto histórico. Siempre amaré la música de sintetizador, pero hay que encontrar nuevos horizontes. Trouble In Paradise, por ejemplo, contiene música hecha con teclados, aunque en un plano mucho más complejo.
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Hubo dos rumores detrás de tu nuevo álbum y quiero que me expliques todo. El primero sucedió en 2010, cuando revelaste que estabas trabajando con una banda indie y la gente comenzó a especular alguna colaboración tuya con White Lies, Arctic Monkeys o Milky Wimpshake. Después, en 2012, Nile Rodgers comentó que estaba trabajando contigo en un nuevo material. Pero nunca supimos qué sucedió en realidad. ¿Realmente ocurrieron dichas colaboraciones? Y si es verdad, ¿en dónde están? EJ: Sí, sí sucedieron. Charles y Harry de White Lies y yo salíamos mucho; en ese momento estaba explorando una nueva forma de componer porque yo comenzaba a sentirme desapegada, y durante esa época surgieron las primeras versiones de “Tropical Chancer” y “Cruel Sexuality”, pero nunca salieron a la luz, y la verdad es que eran buenas, pero comencé a trabajar de lleno en este nuevo disco y no he vuelto a pensar mucho en ello desde entonces. En lo que respecta a Nile Rodgers, en 2012, un día llegó al estudio a saludar y comenzamos a hablar horas sobre música, nuestro amor por ciertas canciones de artistas como los Bee Gees, me preguntó hacia dónde quería ir con mi música y discutimos acerca de su increíble carrera; luego, me invito a subir al escenario durante su show en el Montreux Jazz Festival, y acordamos grabar algo en el estudio; sin embargo, comenzó a estar muy ocupado trabajando con otras bandas y nunca pudimos empatar nuestras agendas. No grabamos nada, pero compartimos buenos momentos.
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Me enteré que tocas la marimba en “Tropical Chancer”, 41 ¿cómo te encontraste con este instrumento? EJ: Ian y yo estamos obsesionados con ella, siempre he amado usar este tipo de instrumentos tropicales, pues te ofrecen otras texturas y se mezclan muy bien con lo electrónico, y el resultado es más interesante de lo que podrías obtener sólo utilizando teclados y programación, que tratan de emular dichos sonidos, aunque no es lo mismo. Fue en 2012 cuando grabamos “Tropical Chancer” y tratamos de incluir todo lo que fuera parecido
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“La verdad no soy amante de la moda; de hecho, la palabra como tal la encuentro sucia. Yo prefiero el término de estilo personal”.
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a una marimba en todo el disco. ¿Crees que la moda en importante para la cultura? ¿Qué significa para ti? EJ: Creo que es importante, aunque no creo que sea lo suficiente al momento de expresar lo que realmente eres; muchas personas tratan de definirse a través de ella, lo cual encuentro bastante enfermo. La verdad, no soy amante de la moda; de hecho, la palabra como tal la encuentro sucia. Yo prefiero el término de estilo personal. Cuando hojeo revistas de moda y veo lo que se considera como “nuevas tendencias” o “alta costura”, me es realmente asqueroso. Creo que la moda es algo personal que nadie puede dictaminar o etiquetar, es algo tan subjetivo. La moda, incluso, se puede apreciar mejor como una pieza de arte, no como un lujo. Mi parte favorita de la ropa es la forma en la que te hace sentir cuando la usas; un día sólo uso una chaqueta y me siento de cierta edad, o luego me pongo algo elegante y cambia toda mi persona. Tengo una mala
relación con la “moda”; la verdad, creo que es importante para la cultura, pero también puede ser muy dañina, especialmente las revistas que se encargan de crear inseguridad y fomentan la comparación del cuerpo y la aspiración a ser como las celebridades; son muy materialistas. Regresemos a 2009. Tu debut salió al mismo tiempo que otro: Hands, de Little Boots. Y, rápidamente, tanto la prensa como el público crearon un tipo de guerra entre Victoria Hesketh y tú. ¿Qué pensabas o sentías en ese entonces? ¿Compartías dicho pensamiento? ¿Te gusta la música de Hesketh? EJ: Realmente no quiero hablar sobre ello. Creo que muchas personas y yo compartimos la idea de que es injusto hablar sobre otras en su ausencia; pienso que es de mal gusto. No puedo decirte si soy fan de su trabajo y dudo que ella sea fan del mío (risas), pero mucha gente ha llegado a hablar sobre el tema. Todos competimos contra todos y es algo que odiamos, a nadie le gusta ser comparado, pero sí debo aceptar que fue extraño que dos mujeres hicieran algo similar al mismo tiempo y que
TXT:: ALEJANDRO MANCILLA @NOSOYMODERNO
Muchas tendencias quedan registradas en la memoria colectiva como iconos de una época o un estilo de vida. Pero también hay miles que se quedan en el camino. La obsesión de ser parte de ese dragón de mil cabezas que en la frente lleva tatuada la palabra moda, está ligada a la premisa de los 15 minutos de fama que prometió Warhol, pero más –potencialmente– a los intereses económicos. Si no vende, se retira y ya. En la cultura popular existen muchos casos de modas que nunca pudieron ser. ¿Cuántos juguetes olvidados le envidiarían al cubo de Rubik esos atributos simbólicos que lo convierten en una moda multicolor ochentera? ¿O a las camisas de franela, su capacidad de adaptarse y de ser trapos para rednecks o traileros, pasar a ser parte del ajuar de un tipo grunge furioso con agujeros en el pantalón? ¿O a las bolas de espejo disco todas esas referencias culturales? Hay modas que se convierten en instituciones, pero por lo general, esos momentos en la historia en que nosotros los frenéticos humanos decimos “esto es lo de hoy” y rompemos con el pasado, son una consecuencia de lo efímero, están dictados por instantes congelados en el tiempo que irónicamente cuando pasa la fiebre, se derriten, orgullosos de haber cumplido la misión de ser parte de lo que todos hablan, de lo que todos usan y de lo que, tarde o temprano, habrá de ser desechado. Sí, por más que se reciclen, al final, continúan siendo basura moderna. Pero si no logran ponerse de moda, entonces habrán fracasado:
Marvinismo
Hoy se ve muy bien en tu escritorio la manzanita destellante, pero en 1986 vestirse con algo de la línea The Apple Collection era terrible. El fracaso de la marca en esa área fashionista, se debe principalmente a que su ropa era horrenda y a que si ahora tiene mucha onda andar con un iPhone, ser un experto en redes sociales o ser un geek, en esa época de las películas de La venganza de los nerds, era improbable que usar una gorra con el logo de una compañía de computadoras multicolor se pusiera de moda.
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Era la época de la locura por el VHS y la desaparición del Betamax… Pero un nuevo y sorprendente formato parecía que iba a ser the next big thing. En aquellas épocas de magia digital, la idea de un disco del tamaño de un L.P. que almacenaba video y audio, y que suplía las carencias de la cinta análoga, parecía que iba a ser la moda entre los consumidores. Y si bien en Japón el mercado lo aceptó moderadamente, en el resto del mundo no pasó de ser una curiosidad que sólo los más clavados y los coleccionistas compraron en su momento (duró de 1978 hasta el año 2000), para luego desahuciarlo y mandarlo de viaje a ese mismo lugar donde el minidisc se fue para no volver. En la serie de animación A Regular Show se burlan de esa moda que nunca fue, en un episodio donde los protagonistas se encuentran con una película en ese formato y emprenden una (surrealista) odisea para encontrar “el último reproductor Laserdisc”.
La Coca-Cola ya está más allá de la moda (exceptuando su tropiezo con la New Coke). Si bien otros refrescos tuvieron su época moderna, como la Fanta, creada para que los nazis no se sintieran mal de tomar una bebida norteamericana, el clásico refresco color negro es adictivo y, en todo caso, su presencia es parte ya del paisaje cotidiano. Por años se rumoró que la bebida contenía pequeñas dosis de la planta de coca (se supone que desde 1903 ya no lo hace), pero acá el asunto es por otro producto que se intentó popularizar: Cocaine. En México, esta bebida energizante intentó entrar al mercado en el 2009, presentando una solicitud de registro, pero el permiso les fue negado cuando las autoridades alegaron que sacar esta marca al mercado “supondría un uso en contra del orden público y las buenas costumbres”. En algunos países la bebida sí fue aceptada con todo y su polémico nombre, pero en Estados Unidos fue retirada tras muchas críticas. Claro que la bebida no contenía cocaína en realidad.
2. Edun. La marca de ropa de Bono, supuestamente producida en África como un “compromiso para incentivar el comercio en la región”. Sí, cómo no. Y no es que fuera mala la ropa, sino anodina y los intereses que están detrás no convencieron al usuario. 3. Los MSN Direct Smart Watches. ¿Te imaginas haber comprado uno en el 2004, caer en coma y despertar en la actualidad para darte cuenta que ya no existe el MSN? Lo bueno es que se deben de haber vendido como 15. Venían con diseño de Dick Tracy, por si fuera poco…
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5. Cigarros sin humo: En 1988, RJ Reynolds Tobacco lanzó “Premier”, unos cigarros que no producían humo y que intentaron popularizar con base en una gran campaña de publicidad y a una inversión de millones de dólares. ¿Has visto a alguien fumando sin humo? Obviamente este producto nunca se puso de moda, pese a que ahora serían la sensación en muchos bares donde está prohibido fumar. M
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1. La realidad virtual. Se ha tratado, de muchas formas, de ponerla de moda, pero hasta el momento, todo parece una mala película de ciencia ficción setentera. Ojalá el futuro sea más prometedor.
4. Segway: Tiene uno que otro usuario, pero no las masas de gente que se suponía. Además de impráctico y caro, a estas alturas jamás se pondrá de moda. En el D.F. lo utilizan algunos policías por Reforma que luego andan todos mojados. Siendo realistas, son aparatos lentísimos, un placebo futurista kitsch.
Marvinismo
No se trata de Roswell ni del Área 51 (espera el siguiente número de secretos). En 1982, un grupo de ilusos rasgados que trabajaban en Atari, pensaron que podían capitalizar el éxito de E.T. El Extraterrestre, la película de moda dirigida por Steven Spielberg, si trasladaban al personaje al formato de las muy en boga consolas caseras de videojuegos. No había pierde: el público adoraba al personaje y si a eso le sumábamos que el ese entonces conformista público gamer seguía excitado con cosas tan minimalistas como Pac-Man, pues la fórmula no tendría fisuras. Era tanta la seguridad de los ejecutivos de la marca de que estaban lanzando el juego que se pondría de moda en todo el mundo, que mandaron a fabricar 5 millones de cartuchos previo pago de una licencia costosísima a los estudios de cine, dueños de los derechos. Meses después, se consumó el fracaso: además de que el juego era terrible, mal hecho y aburrido (lo diseñó bajo presión de entrega de 30 días un tal Scott Warshaw), jamás despertó el interés del público y no recuperó ni siquiera la inversión; incluso fue factor para la posterior bancarrota de la empresa. Además, es considerado el peor videojuego de la historia y por años se corrió el rumor de que Atari había enterrado millones de las unidades en el desierto, leyenda urbana que se corroboró cuando el pasado abril, un grupo de documentalistas encontró gran parte del stock (no eran millones, pero sí miles, incluyendo material promocional) enterrado en el desierto de Nuevo México. Sobre la historia de este gran fracaso, Xbox Entertainment (irónicamente), está o estaba produciendo el documental. Por cierto, que en YouTube está parte del videojuego y sí, es una pesadilla efectivamente.
De Culto Música
JOBRIATH EL GLAMOUR DE UNA LEYENDA QUE SE EXTINGUIÓ EN EL HOTEL CHELSEA TXT :: JUAN CARLOS HIDALGO
Hace no mucho me volví a instalar en la barra del restaurante El Quijote, parte indispensable del Chelsea Hotel. Y como siempre, allí estaba el español que despacha. A la segunda cerveza, nos puso su típico plato de calamares rebozados. El lugar tiene muebles viejos y una iluminación tenue. El tiempo se distiende y parece que allí no han pasado los años. El 222 de la Avenida 23 Oeste parece ser eterno.
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oy día suele ser un sitio silencioso y discreto, pero uno llega buscando algún grito resonante desde una esquina que nos haga sentir que el poeta Dylan Thomas sigue bebiendo whisky antes de subir a su habitación a suicidarse. Seguro un día Sid Vicious bebió en aquel largo tablón antes de la noche de tormenta que acabó con la vida de su novia Nancy. Se trata de uno de los templos de la historia del rock and roll y la contracultura. Muchísimos de sus episodios están documentados a detalle. La habitación 110 fue la cuna de esos pasajes tóxicos y ama-
torios entre Jim Morrison y Nico. En el elevador se toparon Leonard Cohen y Janis Joplin y terminaron fornicando. Jimmy Hendrix vivió allí mientras detallaba su estudio –el Electric Ladyland–. El inmenso Allen Ginsberg organizó sesiones de orgiástica poesía. Lou Reed era otro de sus comensales ilustres. Cada rincón nos remite a un músico, a sus canciones e historias. Es considerada una de las guaridas favoritas de Bob Dylan, mismo lugar de residencia de su deseada Edie Sedgwick, una de las divas de la corte del rey Warhol.
“SOY EL PRIMER VERDADERO MARIQUITA DEL ROCK” El periodista Hugo Izarra cuenta que Brandt le lavó el cerebro a los ejecutivos de Elektra para convencerlos de que tenían entre manos a un “nuevo Mesías del rock, un tipo en la línea de Bowie, pero con mucho más estilo; con el desparpajo de Elvis, pero mucho más refrescante; con el talento compositivo de The Beatles, pero con un mensaje trasgresor: era Jobriath, el artista definitivo”. Se dice que la firma con Elektra superó el medio millón de dólares –uno de los contratos más altos de la historia–
De Culto Música
NIÑO PRODIGIO, SOLDADO PERSEGUIDO Nacido en diciembre de 1946 en un lugar de nombre tan surrealista como King of Prussia, Pennsylvania, luego se mudó a Houston, Texas; desde pequeño demostró gran talento para el piano y otros instrumentos, y fue presentado al reputado director de orquesta Eugene Ormandy, quien lo apoyó y reforzó en su formación clásica. Desafortunadamente, el proceso se truncó cuando a mediados de los 70 realizó el servicio militar. Al terminar se traslada a Los Ángeles y obtiene un papel en el legendario musical Hippie Hair, en el que además tocaba el piano. Hace temporada en el Aquarius Theater de Sunset Boulevard, desempeñando el papel de un adolescente gay. En 1969 forma su primer grupo de folk rock. Con Pidgeon lanza el sencillo “Rubber Bricks” y un álbum epónimo a través de Decca Records. No se sabe bien el motivo por el que es perseguido por la policía militar, que lo recluye seis meses en un hospital psiquiátrico, lo que le provoca un fuerte quiebre emocional. Durante el encierro comienza a escribir las canciones que presentaría bajo una nueva personalidad. Al salir tiene claro que seguirá como Jobriath Salisbury, pero su vida sigue dando tumbos. Su economía es precaria y se prostituye por unos dólares y cerveza, pero aun así, logra grabar unas canciones que cruzan el país y llegan hasta la oficina de Clive Davis, presidente de la Columbia Records. El disquero no estaba seguro de editar aquel material al que encontraba caótico, pero ocurrió que fue escuchado por Jerry Brandt, un descubridor de talento de una voracidad insaciable. El hombre que firmara a Carly Simon encuentra en Jobriath una verdadera revelación, a la que decide cooptar con un tremendo contrato y convencer a una disquera para que lo lanzaran con una campaña de proporciones megalómanas.
y marcó la llegada de un artista abiertamente gay a una major. Trabajan en el álbum debut para el que el presidente de la compañía prepara una campaña gigante que incluía más de 250 grandes pósters en autobuses de Nueva York y un billboard en Times Square. Jobriath –el álbum, 1973– es coproducido con Eddie Kramer e incluye participación de la Orquesta Sinfónica de Londres, lo que acentúa el toque cinematográfico del autor. La idea publicitaria es hacerlo pasar como una mezcla entre Patti Smith y Barry Manilow. Para su lanzamiento se publican anuncios en revistas como Vogue, Penthouse, The New York Times y Rolling Stone, que salen de las sesiones del arte de portada, realizado por el famoso fotógrafo Shig Ikeda. Anuncian una mega producción que arrancaría en la Ópera de París y en la que el cantante aparecería como un King Kong subiendo por un mini Empire State que se transformaría en un pene y el cantante en una Marlene Dietrich. Habría una gira europea en lujosas salas de concierto. Pese a las buenas reseñas en general del disco, los planes son cancelados por incosteables, aunado a ventas menores a las esperadas. Lo que no obsta para que lo siguieran vendiendo como “Una hada verdadera” y que soltaran aseveraciones tan desproporcionadas como: “Elvis, The Beatles y Jobriath”. Su debut en la televisión nacional tampoco libró la polémica. Fue invitado a The Midnight Special. Originalmente tocó “I’maman” y “Take Me I’m Yours” con recargadas coreografías, pero la segunda fue sustituida por “Rock of Ages”, alegando que se trataba de un tema sadomasquista. Ante tanta presión por los gastos, consigue presentar su directo en el verano del 74 con dos shows totalmente vendidos en el New York’s Bottom Line Club y lo ponen a trabajar a marchas forzadas para grabar Creatures of the Street, en el que lo acompañan el guitarrista Peter Frampton y John Paul Jones de Led Zeppelin. Apenas pasaron seis meses entre ambos trabajos y, mientras tanto, la gira norteamericana continuó como Jobriath and the Creatures; Elektra y Brandt perdían interés. Ya no gastaron en publicidad y el segundo LP marchó sin pena ni gloria, hasta que tras un concierto en la Universidad de Alabama, que tuvo cuatro encores y un público enardecido que terminó por activar la alarma de incendios, Jobriath decide dejar su carrera sumamente decepcionado. Imposibilitado para volver a hacer un disco por contrato, su recuerdo se desvanece en medio de la vorágine del rock and roll. Incluso Morrissey, que se involucró en el lanzamiento de la compilación Lonely Planet Boy (2004), quería que Jobriath le abriera la gira del Your Arsenal, ignorando que había muerto años atrás. Mucho tiempo su figura se mantuvo en una nebulosa muy lejana para el gran público; se trata de una figura que requería ser analizada, por lo que el cineasta Kieran Turner se planteó dedicarle un documental (2010) que nos permite aquilatar al personaje: “Siempre había escuchado hablar de Jobriath como un gran chiste sin talento que intentaron vender con base en mercadotecnia, explotando su homosexualidad. Como no existía ningún acceso a su música, creí que era verdad y que su historia ejemplificaba la justicia de un público que despreció su parodia de un Bowie sin talento… Pero de repente, pude escuchar su disco y me quedé petrificado. No sólo era bueno, sino que era muy, muy bueno. Era un artista con un talento inconmensurable que había sido convertido en una especie de producto sin alma y no era verdad. Inmediatamente supe que estaba ante uno de los peores casos de homofobia de la historia”. Entre algunas reediciones japonesas y otros rescates, en mayo de este año aparece As the River Flows (Eschatone Records), que recupera material de 1971-72. Así se prolonga la estela de un artista que quiso llevar al glamour a otro nivel y proyectarse incluso hasta al espacio exterior, pero que sólo consiguió ser un remedo de sí mismo, un eco que se terminó por extinguirse en el último piso del Hotel Chelsea. M
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Basta con leer Éramos unos niños, la biografía de Patti Smith, para vibrar mientras colocaba piezas suyas y de su amado Robert Mapplethorpe en el recibidor. El Gobierno de Nueva de York lo ha nombrado un edificio histórico protegido y todavía viven allí unas 90 personas que se niegan a abandonarlo. Al hurgar en la historia del Chelsea, me topo con otros tantos músicos relevantes: de John Cale a Édith Piaf, de Joni Mitchell a Dee Dee Ramone, y entonces aparece un nombre que me intriga por revelarse como un desconocido: Jobriath. En enero de 1975 este tipo anuncia que deja formalmente su carrera para recluirse en el departamento más alto del hotel tras no obtener el papel del amante de Al Pacino en la película Dog Day Afternoon. Se trataba del capítulo casi final del primer músico de rock abiertamente gay en ser firmado por una compañía trasnacional, además de uno de los primeros en morir debido al Sida, cuando está enfermedad estallara con virulencia a comienzos de los años 80. Bruce Wayne Campbell –homónimo de Batman, por si fuera poco– falleció en agosto de 1983, y durante los ocho años finales apenas si dio unas cuantas presentaciones bajo el seudónimo de Cole Berlin –en tributo a Cole Porter e Irving Berlin– en un sitio llamado The Covent Gardens, que se hacía pasar por restaurante, pero que tenía fama de ser un tugurio de prostitución. Todavía le dio tiempo de participar en las actividades para conmemorar los 100 años del hotel, que se llevaron a cabo en noviembre de 1992. Murió una semana después de que expirara un célebre y leonino contrato que lo ató a su disquera durante unos rigurosos 10 años.
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WILLIAM KLEIN
DENTRO Y FUERA DE LA MODA
TXT :: JORGE GRAJALES “Polly Magoo es la quintaescencia del movimiento pop, pero con una toma de conciencia. Un universo muy complejo y sumamente visual; el de la moda es expuesto a la luz en un momento donde era considerada una verdadera revolución. La fotografía en blanco y negro es apantallante y todo menos banal. No es por nada que el realizador, William Klein, es un gran fotógrafo. Polly Magoo es uno de los raros retratos inteligentes que existen de este mundo de la moda, su belleza, su futilidad, su delirio, su comercio, su snobismo y la ingenuidad de las modelos”. De esa manera es como se refiere el cineasta Pedro Almodóvar a la cinta francesa de 1966, Qui êtesvous, Polly Magoo? de William Klein; sin duda, la visión más satíricamente despiadada que se ha hecho del mundo de la moda en el cine. Seguramente hay otros filmes que intentan hacer lo propio, como Caprichos de la Moda de Robert Altman o El Diablo Viste a la Moda de David Frankel, pero carecen de algo que tiene Polly Magoo: la experiencia de una década de su director William Klein como fotógrafo de modas para la revista Vogue.
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no es de extrañar que Klein se sintiera atraído por las películas, pues qué es el cine, sino fotografías en movimiento. El artista norteamericano avecindado en París, previamente ya había tenido sus flirteos con el séptimo arte; cuando realizaba su libro de fotografías sobre Roma, tuvo la oportunidad de conocer a Fellini, quien lo invitó a ser su asistente en Las Noches de Cabiria en 1956 y sirvió de consultor artístico para el filme de Louis Malle, Zazie en el Metro. Su primera incursión en el cine fue el cortometraje de 1956, Broadway bajo la luz, un collage rítmico de los anuncios luminosos encontrados en Times Square, considerado hoy día como la pieza pionera del arte pop del séptimo arte. Siendo fiel a su espíritu iconoclasta, Klein despliega en Polly Magoo una afinidad por la nouvelle vague –improvisación, cámara en mano, técnicas del cinema verité–, aunque su filme no duda en arriesgarse a experimentar con otros recursos, como la animación cut-out. El delirio visual pop plasmado en la pantalla resulta natural para enmarcar el delirante mundo de la moda, la sociedad de consumo y los medios masivos de comunicación que retrata Klein de manera mordaz. Basta ver la secuencia inicial del filme para que quede de manifiesto lo anterior: dentro de una especie de imposible “cueva de diseño”, se presenta una nueva colección para ser sometida a juicio de la influyente editora Miss Maxwell (basada en la persona de Diana Vreeland, editora de Harper’s Bazaar y Vogue). Dicha colección se basa en couture de aluminio que las modelos lucen con aplomo en la pasarela, mientras que, tras bambalinas, vemos cómo una de ellas resulta herida por los filos de su vestido. Es una visión esperpénticamente chic, tono que mantiene todo el filme, un perverso cuento de hadas moderno que resulta ser el lado B de La Cenicienta de París de Stanley Donen, en donde Audrey Hepburn es reemplazada por la modelo en la vida real Dorothy McGowan como la maniquí viviente Polly Magoo. William Klein seguiría su carrera como cineasta ya fuera con descarnadas sátiras o documentales abiertamente políticos al margen de cualquier moda o tendencia cinematográfica, siendo reconocido en la actualidad como uno de los más influyentes fotógrafos del siglo pasado. Por su parte, esta primera película suya se ha convertido en objeto de culto cuyo discurso sobre el mundo de la moda se sigue sintiendo actual. Y es que mientras este mundo fashionista continúe como tal, Qui êtes-vous, Polly Magoo? seguirá siendo un filme que no pasará de moda. M
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Habiendo estudiado pintura en La Sorbona bajo la tutela del cubista Fernand Leger, Klein centró sus inclinaciones artísticas hacia la fotografía cuando al revelar las fotos de unos paneles movibles, consiguió un efecto abstracto en el desenfoque. Es en ese periodo de fotografía figurativa que el director de arte de la revista Vogue, Alex Liberman, quien también era pintor y con amplios conocimientos en arte y diseño avantgarde, fascinado por el trabajo de Klein, lo contrata para que desarrollara un diario fotográfico sobre la ciudad de Nueva York; el resultado fue un libro titulado Life is Good & Good For You in New York, que desmontaba la idea romántica que se tenía de la Gran Manzana a través de granosas imágenes en blanco y negro llenas de movimiento, que parecían tomadas por un etnógrafo y cazador urbano. Al momento de su publicación en Francia en 1956, el libro causó bastante polémica, al grado de negársele su edición en Estados Unidos, bajo el pretexto de que lo capturado en esas fotos no era Nueva York; vaya, incluso se puso en duda si era arte fotográfico lo que mostraba el libro, que además estaba diseñado de una manera nada convencional para la época. Hoy, se le considera como una de las publicaciones fotográficas más importantes del siglo XX, cuyo estilo cambiaría por siempre este arte. Ese estilo atípico dentro de la fotografía, la llamada street photography, de la cual Klein sería pionero, se convertiría en el sello característico del autor que continuaría haciendo posteriores ensayos citadinos, como Roma, Moscú y Tokio, realizados en entre 1957 y 1964. A la par de desarrollar esta obra, William Klein comenzó a trabajar de lleno como fotógrafo de modas, donde llevó sus preocupaciones artísticas al considerado mundo de la frivolidad. A Klein le interesaba menos la ropa que la atmósfera que podía crear. Utilizando telefoto, lentes anchos y flashes, el autor fue pionero en sacar a las modelos a la calle creando situaciones únicas y mundanas que capturaba a la perfección, otorgándole a la fotografía de la moda una cualidad muy diferente. La fotografía de modas no sólo le sirvió a Klein para desarrollar sus habilidades técnicas como un entrenamiento pagado, sino también para ambientar lo que sería su primera película, Qui êtes-vous, Polly Magoo?, la historia de una modelo norteamericana que llega a París para grabar un programa de televisión llamado ¿Quién eres tú?, en donde su productor intenta desenmascararla exhibiendo lo ridículo que es el mundo de la moda. Habiendo sido artista gráfico y fotógrafo,
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Iris Van Herpen
LA CIENTÍFICA DE LA MODA
TXT :: REGINA ZAMORANO Iris Van Herpen, una joven diseñadora sin pretensiones, poses, ni extravagancias nos demuestra que la moda es más que bonitos trapos para lucir chic, trendy o sensual. Lo que surge de su taller podría fácilmente confundirse con arte contemporáneo y ciencia ficción. Siendo sinceros, son pocos los creadores de ropa que en verdad tienen algo qué decir y, sobre todo, que se atreven a decirlo sobre la pasarela. Normalmente se limitan a mandar a su parvada de chicas y a recoger las ganancias sin proponer nada muy arriesgado; apenas lo que pueda seguir aceitando el motorcito de las temporadas. Es una lástima porque no hay nada más parecido a un performance que un desfile, y las modelos podrían hacer mucho más que sólo caminar.
VESTIDOS LÍQUIDOS Una hoja de acrílico, unas pinzas y una ola de calor, eso es todo lo que necesita Iris Van Herpen para modelar un vestido que simula una ola de agua sobre el cuerpo. A mano, y con infinita paciencia, la diseñadoraartista va modelando cada detalle de este “cristal” flexible. El resultado es asombroso: una prenda que parece un chorro de agua congelado para siempre en el tiempo (aquí puedes ver el proceso: http://showstudio.com/project/splash/process_film). Pero eso apenas es una parte mínima de lo que Van Herpen puede hacer. Desde que inició su propia marca, la diseñadora neerlandesa se ha propuesto llevar a la moda a terrenos poco explorados, como la ciencia y la arquitectura. Y esto no es un asunto de estampados o textiles: la creadora ha sido de las primeras diseñadoras de moda en utilizar la tecnología de la impresión 3D para producir sus prendas, las cuales empezaron un tanto rígidas y sumamente estructuradas, pero poco a poco, gracias al avance de las técnicas, han ido flexibilizándose hasta seguir el movimiento natural del cuerpo, un tema importante
IMPRIME TU GUARDARROPA Quizá por el grado de experimentación, investigación y por su trabajo codo a codo con expertos del MIT (Instituto Tecnológico de Massachusetts), arquitectos reconocidos, diseñadores industriales e incluso biólogos, algunos llaman a Van Herpen la “científica de la moda”. “Me pregunto si seguiremos usando tela en el futuro, o si vestirse se convertirá en algo inmaterial, algo visible, pero no tangible o concreto”, ha dicho en entrevista. También se ha interesado por formas de vida no-orgánica y a menudo juega con esa idea en sus creaciones. La creadora también sueña con el momento en el que será posible vender sus diseños en forma de archivo listo para descargar y llevar a tu impresor 3D de confianza, previo escáner de tu cuerpecito con tu webcam: “La gente tendría ropa a la medida bajo pedido. Quisiera algún día hacer eso accesible”. Sin embargo, medio en broma, advierte de los peligros que esto conlleva: “Quizá si subo toda mi colección prêtà-porter, la gente la descargaría ilegalmente; uno nunca sabe”. ¿LA “NEO” DE LA MODA? Una cosa es cierta: cada una de sus colecciones expresa su espíritu libre, crítico, anticonformista y su visión un tanto oscura de nuestra época. Sus propuestas invariablemente buscan generar reflexión y confrontar al público con el modo de vida actual y sus consecuencias. En su última colección, Biopiracy, que podría traducirse como “Piratería biológica”, Iris se pregunta si aún somos dueños de nuestro cuerpo, pues hay compañías que ya han adquirido patentes de algunos genes humanos. Durante la pasarela, algunas de las modelos se encontraban suspendidas, simulando estar empacadas al vacío, listas para venderse como un producto, en un set que recordaba un poco a The Matrix, mientras otras desfilaban frente al público atónito, incómodo y maravillado. En tanto, en su colección Escapismo cuestionaba nuestra irrefrenable avidez de consumir entretenimiento, de hacer que las cosas parezcan más grandes o importantes de lo que son en realidad (vienen a la mente los reality shows, por ejemplo), en suma, de escapar de nuestra cotidianidad con espectáculos y adicciones vacíos. De ahí que los tocados de las modelos eran partes de computadoras. Por otro lado, para su línea Embossed Sounds, Iris creó ropa que produce sonidos al tocarla. Presentada en París, en el bar Silencio, propiedad de David Lynch, las modelos no desfilaron; más bien realizaron un verdadero performance sensual, bizarro y futurista, con la “orquesta de ropa”, en su mayoría hecha de piel, que traían puesta. Van Herpen es una artista adelantada a su tiempo, que no tarda en convertirse en figura de culto, pues combina no sólo habilidades estéticas y manuales, también filosofía, visión, vanguardia, tecnología y ciencia para crear no sólo prendas extravagantes, sino realmente hacer una diferencia en el mundo, por lo menos en el de la moda. M
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MODA Y ¿MEDITACIÓN? Al ver la estética de las prendas de Iris Van Herpen, uno esperaría encontrarse con una personalidad estrafalaria, dura y severa, pero la mujer detrás de las colecciones con nombres como Humo de refinería, Voltaje o Piratería biológica tiene una mirada cálida, modales suaves y viste de manera sencilla. A pesar de que sus diseños son apreciados y portados por Björk, Lady Gaga y hasta Beyoncé, Van Herpen conserva cierta timidez, que tal vez se debe a sus orígenes en un pueblo de los Países Bajos, cuando no tenía televisión ni computadora ni revistas, y pasaba las tardes disfrazándose en el ático de su abuela. Con voz dulce y tranquila, relata en una entrevista que le empezó a interesar la moda a los 12 años y que en ocasiones confeccionaba su propia ropa. Pero no fue hasta que estudió en la Academia Artez, en Arnhem, cuando descubrió su vocación sin dejar de experimentar con las artes plásticas. Al terminar la carrera, fue becaria de Alexander McQueen, donde aprendió los secretos de la manufactura dedicada y perfeccionista; ahí se dio cuenta de que “hacer algo toma siglos y de cierta forma, hay que rendirse al trabajo. Es casi como una especie de meditación”. Aunque aprendió mucho del proceso real de fabricación, no le gustaba trabajar para otros y dejar a un lado su propia visión. Por ello, fundó su propia marca en 2007 sin saber nada de finanzas ni marketing. Hoy, a sus 30 años, es dueña de un lugar destacado en el campo de la moda, ha ganado premios, es ya una habituée de la Fashion Week de París, le han organizado un buen número de exposiciones individuales y su firma sigue creciendo. ¿Qué la hace tan especial?
para Iris, quien deseaba ser bailarina de niña. Ahora, incluso ha logrado crear sacos impresos en 3D que puedes meter a la lavadora. Su estilo está hecho de contrastes, suavidad y dureza, feminidad y violencia, claroscuros, picos y curvas, y todo ello conforma un universo de texturas inquietantes, entre orgánicas e industriales, caparazones, fractales, figuras geométricas, estructuras que recuerdan esqueletos de insectos, superficies que reflejan la luz y, en resumen, ropa que, sin duda, parece venir del futuro. Cada vestido es una verdadera escultura, así como los zapatos, bolsas y accesorios para el pelo, que realiza en colaboración con otros artistas y diseñadores.
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Tal vez se deba a que la moda se encuentra demasiado dominada por los estándares de belleza que ella misma creó y le cuesta trabajo encontrar nuevas formas de expresión que no entren en conflicto con la imagen frívola, unidimensional y políticamente correcta que mantiene e impone. Afortunadamente, siempre hay una oveja negra que, si bien no renuncia a ganar miles de euros, tiene en mente cambiar el status quo, inventar y, en este caso, a desafiar la aguja y el hilo para introducir tecnología que nunca antes había estado presente en una blusa o falda. Se trata de Iris Van Herpen, quien renunció a ser un engranaje más en la firma de Alexander McQueen y se lanzó por su propio camino a los 23 años de edad.
La cinematografía de explotación es un fenómeno que se caracteriza por poseer una afilada sinceridad que, en más de una ocasión, raya en la abierta desfachatez. La meta principal de este tipo de filmes es la de recaudar el mayor número de ganancias a través de un presupuesto que generalmente se instala en los terrenos de lo risible. El éxito de esta misión depende, en gran medida, de la audacia de destacados directores que no se tientan el corazón al momento de emplear escandalosas “carnadas” que aseguran la asistencia del público a las salas de cine (suponiendo que estas producciones no sean lanzadas directamente al formato casero).
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ocos eventos en la cinematografía mexicana cuentan con un universo tan vasto como aquel que se deriva de su industria de explotación. Esto se debe principalmente al hecho de que en esta corriente prevalece el culto a lo heteróclito, a la hibridación descarada y atractiva que crea sus propios códigos y tendencias. Claro ejemplo de esto es la mirada desenfadada con la que esta clase de cintas logran adaptar múltiples aspectos de la moda de su tiempo en la indumentaria de sus personajes, asunto que se vale de la exageración para amarrar una estética incendiaria que se vuelve un ejercicio de notable poderío visual. La contextualización es una de las principales herramientas de esta corriente. En innumerables trabajos de este tipo presenciamos la notable mexicanización de ciertos elementos que, si bien son propios de otras naciones, pronto se volvieron parte de la realidad estética del mexploitation. Es de esta manera que nos encontramos con arreglos multiculturales como son los atuendos spaghetti western regiomontanos de los Hermanos Almada o las prendas estilo playboy que tan bien lograban americanizar la imagen de Hugo Stiglitz en trabajos como La noche de los mil gatos (1972). EL ARTE DE MOSTRAR PIEL Obviamente, la sensualidad era uno de los principales ganchos del mexploitation y, a lo largo de varios años de producción, presenciaríamos atavíos vertiginosos y atrevidos que recibieron influencia directa de las tendencias boyantes de su momento.
Una temprana muestra de este asunto es el filme de ciencia ficción La nave de los monstruos (1960), importante obra del cine de explotación nacional donde somos testigos de la llegada a la tierra de una nave espacial que guarda en sus adentros a dos féminas intergalácticas interpretadas por Ana Berta Lepe y Lorena Velázquez; ambas engalanadas con ardientes uniformes espaciales que desvergonzadamente aludían a la moda de los trajes de baño de una sola pieza de esa época. Por otra parte, el desfachatado efectismo del mexploitation encontraría un punto álgido en su muy exacerbada adaptación de los movimientos juveniles globales. Ejemplo de esto es Intrépidos Punks (1980), filme psicotrónico donde unos pandilleros, enfundados en unos pantalones de cuero que recuerdan más a los personajes de Mad Max que a los Sex Pistols, recorren los caminos en busca de aventuras y atracos. De entre este pantano de cabelleras pintarrajeadas y estoperoles picudos destaca la figura de La Fiera, emperatriz de ese exageradísimo mundo de decadencia y sexo explícito. La hoy vedette de culto, Princesa Lea, fue la encargada de caldear la pantalla con su interpretación de esta explosiva mujer. Vestida con una escandalosa ropa interior de piel negra que nos remite al sadomasoquismo, esta actriz se vuelve el símbolo por excelencia de la voluptuosidad salvaje que era tan característica de esta cinematografía, atributo que cumplía cabalmente con la función de inflamar los sentidos del espectador. Sin duda alguna, el fenómeno de la explotación sensual en el cine mexicano se consagraría con Lola la Trailera (1983),
UN CALDO DE EXTRAVAGANCIAS La existencia de la moda en el cine de explotación mexicano cumple con diversas finalidades. Generalmente encontramos la inserción de iconos culturales de la filmografía extranjera dentro de los cánones estéticos de nuestro país; postura que propicia una dislocación de estos conceptos, volviéndolos una quimera barroca, capaz de reflejar el carácter ocurrente y estrambótico de nuestra cultura. La agresividad fresca y delirante es el atributo que define las distintas tendencias del mexploitation. Rasgo que, lejos de ostentar una pasión velada, nos salpica insolentemente con el caluroso voltaje de su voluptuosidad. M
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SANGRE, DOLOR Y MODA El horror es el género más recurrente dentro de la amplia enramada de estilos que abarca el cine de explotación. México ha producido un gran número de trabajos de este tipo, mismos que tienden a utilizar la moda estadounidense como un icono de la juventud “ingenua” de una determinada época. Al igual que en las producciones norteamericanas del género slasher, en el horror mexicano también destaca el conflicto entre lo juvenil y lo arcaico en títulos como Cementerio del terror (1985), Vacaciones del terror (1989) y Ladrones de tumbas (1990). Esta última se vuelve una importante muestra de este recurso al presentarnos a un gallardo Fernando Almada que deberá enmendar las sobrenaturales equivocaciones de un grupo de adolescentes ataviados al más puro estilo Salvados por la campana. El contraste que se mantiene entre la ya clásica vestimenta del veterano actor y la de los jovenzuelos irresponsables resalta uno de los conflictos más antiguos en el cine de terror: el arraigo enfrentándose a las “disparatadas” consecuencias de la modernidad. Sin embargo, también encontramos casos excepcionales donde las facetas oscuras y bizarras del cine de serie B se vuelven un tópico transgresor; inquietud que suele recubrir a la filmografía mexicana de un aura de misticismo. Mención especial merece en este rubro el destacado trabajo de caracterización exigido por el director Juan López Moctezuma durante el rodaje de Alucarda (1978). El recargadísimo estilo gótico de los vestidos usados por Tina Romero (clara herencia de los filmes europeos de horror) al momento de encarnar a la Hija de las Tinieblas, sólo puede ser opacado por los atuendos surrealistas que caracterizan a las monjas del convento donde se desarrolla la narración. López Moctezuma se valió de una descarada artificiosidad en el diseño de los ropajes de estas mujeres (mantos blancos que parecen construidos con vendajes quirúrgicos, cuya blancura se ve salpicada por tonalidades carmín) para construir una reflexión visual acerca del dolor inútil, casi patológico, que espera a aquellos que entregan su vida a la rigidez del catolicismo. Esta joya cinematográfica nos hace pensar en la capacidad que tenían ciertas prendas excesivamente rebuscadas del cine de explotación para construir agudas críticas en contra de las tradiciones conservadoras de nuestro país.
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producción que legaría uno de los iconos más arraigados de la carnalidad cinematográfica autóctona al presentarnos a Rosa Gloria Chagoyán luciendo unos brevísimos shorts de mezclilla que dejaban al descubierto su par de robustas piernas; atuendo que se veía complementado por unas botas que se extendían hasta las rodillas. La ruda indumentaria del mundo de la carretera encuentra súbitamente su contraparte femenina, atributo que no sólo ayudaría a volver emblemático el uso de estas prendas en la cotidianeidad mexicana, sino que también remarcaría la personalidad de esta heroína como la de una mujer aguerrida, capaz de hacerle frente a los peligros de un mundo que la normalidad cultural de nuestro país define como exclusivo del género masculino.
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Fotógrafo: Gustavo Dueñas para Revolver
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Love is Blindness Productora: Rocio Martinez Maquillaje y peinado: Alex López Modelos: - Iram Murra GH management - Daniela Skidelsky Paragon Models - Diego Tamez GH Management
¿Esta serie de fotos ha visto la luz previamente? ¿Es un proyecto personal o cómo fue comisionado? Gustavo Dueñas: Estas fotos aparecieron en una pequeña publicación de nicho, la gaceta del Revolver, que es el estudio fotográfico que nos representa a mí y a otros fotógrafos y las conceptualicé pensando en mostrar un trabajo fresco y diferente en este espacio que está dedicado a mostrar a los clientes potenciales del estudio que son principalmente personas de agencia de publicidad, casas productoras de cine y mercadólogos. ¿Cuáles fueron los puntos de complejidad en este proyecto, aspectos técnicos, foro, iluminación, dirección, efectos especiales, retoques, etc.? GD: Quería que la iluminación fuera “puntual”; esto es, puntos de luz enmarcados en sombras densas. Tuve que escoger muy bien los lugares de luz para mostrar los armazones de los lentes enmarcando los ojos de cada uno de los “ciegos”. Este efecto generó dramatismo a las imágenes. Por otro lado, el reto de crear cataratas en los ojos nos hizo estudiar cómo es en realidad este fenómeno para lograr el mayor realismo posible. Nos basamos en decenas de ejemplos para encontrar el punto exacto.
¿Cuáles son los proyectos que más restringen tu trabajo y cómo los enfrentas? GD: Normalmente los proyectos que piden copiar un boceto predeterminado. Este tipo de sesiones hay que afrontarlas con mucha paciencia y estómago, ya que definitivamente van en contra de cualquier proceso creativo. Trato de evitar este tipo de trabajos en la medida de lo posible. ¿En qué proyectos estás trabajando actualmente? GD: Terminé una campaña muy grande para una marca de café que actualmente se encuentra anunciada por todo el país, y estamos también en los ajustes finales de un lanzamiento muy importante de la refresquera más grande del mundo. ¿Usas música en tus sesiones? Y si es así, ¿qué sueles poner? ¿Esto afecta el proceso positiva o negativamente? GD: Es esencial para mí. La música pone el mood en mis shootings y la elijo dependiendo del ambiente que quiera generar. ¿Qué es lo que más ha sonado en tu reproductor este mes? GD: “All About the Bass”, de Meghan Trainor; me pone de buenas. Viéndolo a distancia, ¿qué música te gustaría ahora para acompañar esta sesión? GD: El ritmo de la canción “This is Hardcore” de Pulp, hubiera sido ideal para una sesión como ésta. ¿Tres ideas fundamentales que aconsejes a todo fotógrafo sin importar su nivel? GD: Uno: intenta siempre poner tu estilo y creatividad antes de copiar algo. Dos: uno puede llamarse fotógrafo el día que pueda plasmar en papel lo que tiene en la mente. Tres: fotografía con el alma, la cámara y el equipo son secundarios. M
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n 2006 decide salir del mundo de las agencias para trasladar su experiencia como publicista en el campo de la fotografía, donde se desarrolla como fotógrafo profesional hasta el día de hoy. Ha trabajado en proyectos para las marcas y editoriales más importantes del país y el extranjero. Su trabajo ha sido distinguido en festivales nacionales e internacionales de Nueva York, Londres, México y Francia. “Dentro de todas las especialidades fotográficas, el retrato en particular me parece fascinante. Trabajar con gente se ha convertido en mi pasión, ya que no hay nada como la adrenalina que causa la incertidumbre de fotografiar a alguien por primera vez. Siempre impredecible y mágica, la fotografía de personas se ha vuelto una constante en mi trabajo sin importar si se trata de un proyecto personal, un encargo editorial o una campaña publicitaria”. Aquí te compartimos una breve sesión de preguntas y respuestas que sostuvimos con Gustavo:
¿Cómo llegaste a conceptualizar hacer imágenes de “modelos con glaucoma”? GD: Conseguimos el apoyo de Dr. York con los lentes y pensamos que una manera diferente de mostrarlos sería sobre las últimas personas que los utilizarían.
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Con más de 13 años de experiencia en el campo de la publicidad, Gustavo Dueñas ha trabajado como creativo en algunas de las agencias más importantes de México, como Leo Burnett, DDB y finalmente FCB, donde desempeñó el cargo de Vicepresidente Creativo.
¿Cuántas fotos sueles “tirar” para poder llegar a esta colección? ¿En qué consiste el proceso de selección, qué tanto interviene el gusto vs. aspecto técnico? GD: No tengo un número exacto de tomas por sesión, pero en este caso fueron muchas. Me gusta darle libertad a los modelos para moverse, de gesticular y seguir su ritmo hasta encontrar el momento perfecto. Soy enemigo de las posturas inmóviles y actitudes acartonadas. La selección siempre tiene que ver con el gusto y luego con la funcionalidad. Finalmente siempre hay que considerar los formatos, el medio y el fin para el que se va a utilizar el material.
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“Nací en Estocolmo en 1977. La ilustración ha sido mi medio de expresión desde temprana edad. Comencé mis estudios de Arte y Diseño en bachillerato, seguido de un año de teoría en Historia del Arte en la Stockholm University. Al mismo tiempo, comencé a trabajar por mi cuenta como ilustradora de moda para revistas, como la edición sueca de ELLE. En 1998 fui aceptada en el programa de la Graphic Design Foundation en el London College of Communication, en donde me gradué en Diseño Gráfico y Creación de Imagen Experimental. Después de terminar, regresé a Estocolmo para comenzar a trabajar de tiempo completo en ilustraciones bajo encargo con un gran número de clientes enfocados en moda. Describiría mi trabajo como intuitivo, experimental y esencialmente ligado al mundo fashion. En el aspecto técnico, me gusta obtener efectos inesperados y me siento atraída por la mezcla y contraste de medios tradicionales, como lápiz y tinta, en combinación con otras herramientas modernas como gráficos en vectores. Mi principal motivación es crear imaginarios visualmente interesantes, que espero expresen un aspecto contemporáneo de la cultura popular de mi época. Algunos de mis clientes son Vogue, ELLE, New York Times, H&M, La Perla, Victoria Beckham, Swarovski, Ricci Ricci, Estée Lauder, Salvatore Ferragamo, Victoria’s Secret y LVMH”. M
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TRAZOS QUE MARCARON TENDENCIA (IDEOLÓGICA) TXT:: ÓSCAR G. HERNÁNDEZ
Cómic y narrativa dibujada
Formar y uniformar han sido las principales categorías que explican los comportamientos elementales en los fenómenos sobre la moda. Éstos se muestran en varios niveles que se refieren siempre al consumo de masas. En los años 60 el ensayo de Umberto Eco Apocalípticos e Integrados se convirtió en lectura obligada para sociólogos, comunicólogos, antropólogos y todo aquel que quisiera explicar las construcciones ideológicas en los humanos a través de los medios masivos de comunicación.
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ste ensayo es uno de los primeros estudios sobre el rol de los cómics como “Mass Media”; Eco hará referencia a ellos como integradores de la cultura de masas y como espora del discurso y la ideología del capitalismo. Es muy cierto que muchos de los cómics que se publicaron en el periodo de la Segunda Guerra Mundial y durante la Guerra Fría –específicamente en el género de superhéroes– fueron enfocados para difundir los valores y las ideas de la cultura estadounidense, la cual debía ser protagónica sobre el resto del planeta. Los héroes norteamericanos representaban el bien, y el enemigo era el nazismo o comunismo, y seguramente en nuestra era globalizada el terrorismo. Aunque es difícil pensar que las historietas de esa época eran concebidas en un sentido de creación puramente ideológico, si revisamos las publicaciones producidas durante ese periodo en realidad veremos que las temáticas son bastante diversas, ya que no sólo existieron impresos sobre superhéroes y aventuras. Los cómics, como cualquier industria de masas, estuvieron impregnados por alguna tendencia ideológica; sin duda, hubo muchos que se crearon con ese fin. Es en este punto donde actúan como objetos culturales con funciones propias que repercuten en los fenómenos de la moda; entendiendo a ésta como la manera de propagar modelos de pensamiento que devienen en formas de crear productos y, por tanto, en formas de consumir. Superman es el producto e imagen icónica analizada por Umberto Eco. El discurso de esta imagen y su simbolismo
como representante de la llamada cultura yanqui se desvanecería convirtiéndose en un verdadero fracaso para las industrias de consumo, tanto del cómic como del cine. Este fracaso llegó a tal grado, que en el cómic debieron matarlo, resucitarlo y ahora hacerle renunciar a su nacionalidad, todo en intentos desesperados por mantener un símbolo y una imagen viva. Sin embargo, Superman no logró estar a la moda y tampoco permaneció en el tiempo para preservar la cultura de masas a la que refiere Eco. Sus pares Batman, Spiderman y personajes considerados menores en los cómics, como es el caso de Iron Man, no sólo lo logran, sino que consolidan las temáticas de este arte en el cine, convirtiéndose en grandes productos con ganancias multimillonarias. Lo interesante del simbolismo en Superman es que su imagen pasa a la historia como una muestra de que todos los valores que ésta contiene no cuentan con ningún significado para el gran público, el cual no se identificará con ella y, por tanto, no la seguirá, y es donde queda condenada a su no reproducción masiva. Es evidente que el uso de su estética del cómic fue tomado por la industria textil, la cual no sólo plasmó las imágenes surgidas de éstos, sino que han recurrido a su estructura como medio de comunicación y ha creado sus propias historietas, como las de Gucci y Perry Ellis. En otra perspectiva más allá de la oportunidad por utilizar y explotar una imagen por una industria, el icono surgido desde la narrativa gráfica que se ha insertado y reproducido de manera natural por su significado, es la máscara de Guy Fawkes en V de Vendetta; la creación de Alan Moore está presente en todas las protestas sociales y se ha convertido en un símbolo que llama a la rebeldía. Desde el uso de la imagen del Ché no se había vuelto a ver algo así. La contraposición entre Superman y “V” muestra que a pesar de la repetición de ideas, discursos y contenidos que intenten dictar las formas de consumo para convertirlos en moda, el asunto es mucho más complejo y siempre habrá una delgada línea entre el triunfo y el fracaso de cualquier visión, ya sea que provenga de los apocalípticos o de los integrados. M
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FOT::ARCHIVO
LA MODA DEL SEX-APPEAL TXT:: ORQUÍDEA VÁZQUEZ Y NERVADURA CORONA
FOT:: ORQUÍDEA VÁZQUEZ
“El vestido es como un barniz que da relieve a todo”. —Honoré de Balzac Marifer tiene 29 años y es scort profesional; después de varios años en su oficio, sabe que la lencería se debe elegir con cuidado: algo que le haga figura, le dé un toque sexy, pero sobre todo que le guste al cliente. Entre sus elecciones siempre se encuentra el encaje, las transparencias, los bóxers cacheteros y las tangas. Para ella es evidente la frontera entre lo vulgar y lo sexy; por eso, siempre opta por verse elegante y aplicarse maquillaje de colores bajos. El universo de la moda sensual es fascinante y aun sin estar conscientes, dentro de él tendemos a reflejar más de lo que pareciera. La seducción nace al dejar entrever lo oculto, Roland Barthes se refería a ello como “la evidencia de lo interior”. Al parecer, toda elección de prenda siempre conlleva un juego estético y erótico en el que los impulsos exhibicionistas reprimidos sólo aumentan la curiosidad y la fantasía por el cuerpo desnudo. Para Marifer, la elección deliberada de su vestuario es imprescindible para su vida y su trabajo, pero, de igual manera, para todos es evidente la relación directa entre las prendas que portamos y la forma de vivir nuestra sexualidad.
Reportaje
EL ORIGEN DEL VESTIDO
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harles Darwin ya lo afirmaba; el vestido nació del placer instintivo del hombre por la ornamentación y no tanto así por la necesidad de protegerse de los rigores del clima, la caza u otras actividades. Sociólogos y antropólogos aseguran que desde los albores de la historia, el hombre siempre ha huido instintivamente de la homogeneidad que representa la piel, el uniforme común para todos los seres humanos. De ahí que el embellecerse sea sinónimo de autenticidad. Por otro lado, el cubrirse no siempre significó reducir las emociones sexuales, muy por el contrario, las ha refinado y potenciado. Ocultar provoca, y si el objeto sexual está fuera del alcance de los sentidos, se acentúa el erotismo. “En mi caso me gustan usar ropa sexy, prefiero los vestidos y escotes que dejan algo a la imaginación. Por lo regular elijo vestidos, blusas escotadas o leggins que siempre combino con zapatos de tacón para modelar aún más el cuerpo”, dice Valeria Martell, otra chica scort de 28 años respecto de los momentos en que se encuentra frente al armario.
El sociólogo Nicola Squicciarino señala en su libro El Vestido Habla que el desnudo de los salvajes no fortalecía atracción erótica, pues la costumbre de ver cuerpos desnudos comporta una menor excitabilidad sexual. Agregando que “los hombres de algunos grupos étnicos de África Occidental le negaban a sus mujeres cualquier tipo de vestido, pues, de lo contrario hubieran llegado a ser sexualmente atrayentes a los machos de otros pueblos. En cambio, en otros lugares del mundo, eran sólo las prostitutas las que llevaban ropa”. Valeria continúa: “A mí siempre me ha gustado cuidar cada detalle de mi arreglo, desde que la lencería, ropa y zapatos combinen, hasta que el maquillaje, peinado y fragancia sean los adecuados. A un hombre se le llega por la vista. Me gusta llegar a una habitación y que la persona que me espera vea que me arreglé para él y para nadie más”.
LA VARIEDAD DEL EXHIBICIONISMO
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uando comparamos las opciones que existen para hombres y mujeres en cuanto a ropa interior, es irrebatible el hecho de que la cantidad es mayor para uno de los géneros. Según Mario, o Xander –como se hace llamar por las noches cuando trabaja de stripper–, “definitivamente en las mujeres hay más variedad de lencería; en el caso de los hombres es muy típica, hay tres o cuatro modelos y de ahí no sales. No nos queda más que irnos por las marcas, los colores o el tipo de tela”. Como señala el sexólogo Hernán Ramírez, “la mujer tiende más al exhibicionismo porque, al contrario de los hombres, la libido sexual está más extendida por la superficie corporal”. Y, claro, no debemos olvidar los condicionamientos de género: una mujer debe enseñar más, su cuerpo siempre ha sido mayormente simbolizado, sexualizado, exhortado a la incitación. Como menciona Xander, los colores o la textura de la tela también son factores importantes a la hora de apoyar el sex-appeal. Según Nicola, “las sensaciones libidinosas no surgen necesariamente por medio del contacto entre personas, pues pueden provocarse también tocando objetos inanimados, como prendas de vestir. Basta pensar, por ejemplo, en la experiencia sensualmente agradable de acariciar o simplemente rozar seda, terciopelo o pieles”.
LO QUE MÁS SE VENDE Y LO QUE MÁS EXCITA
Reportaje
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n la glorieta del metro Insurgentes en la Ciudad de México se encuentra una serie de coloridos comercios de prendas eróticas. “Los atuendos de colegialas, de mucamas o enfermeras son de los que más se nos venden; también las tangas. De colores lo que más piden es negro, rojo y blanco”, señala uno de los trabajadores, quien decidió omitir su nombre. Al visitar el resto de las tiendas, se repitieron las respuestas y se agregaron: el disfraz de policía, los pelajes, las medias de red o vestidos descubiertos. En contraste, las tiendas de centros comerciales lujosos destacan la venta del babydoll. Hablando con el primer trabajador sobre sus clientes y la relación de las prendas con el sexo, comentó: “Anteriormente, teníamos la idea de que la mujer debía tener cierta pureza y pudor, ahora la vemos agresiva, se salió de esa feminidad, el pudor se acabó”. Valeria compra su lencería en Victoria’s Secret, Bésame México, Leg Avenue y en algunas sex-shop cuando se trata de coordinados de malla de red. Recomienda a las chicas “elegir lo que las haga sentir cómodas y no disfrazadas. Usar las tallas adecuadas para no sentir pena de mostrarse ante sus parejas y recordar que las medias y ligueros están presentes en las fantasías de todos los hombres. Sin olvidar que parte de la lencería son los tacones, que además de levantar los glúteos, nos hacen lucir más estilizadas y sexys”. “Los colores que más me gustan son negro y rosa, pero varían en cuanto a temporada. Por decir, en estas fechas, veo muchos colores cálidos y nunca pasa de moda el negro”, me comparte Marifer. En la percepción de Xander a través de su trabajo, lo que siempre está de moda es el policía, el vaquero, el soldado, superhéroes (Superman, Batman, El Hombre Araña), gladiadores o bomberos. “Ésos siempre están en las fantasías de las chicas. Por ello, uno debe ser más selectivo y refinado con la ropa interior, doy un show y no nada más me ve una chava; en una noche me pueden ver hasta 150. Le tengo que invertir a mi imagen, pues el grado de inversión que le metas será en medida el nivel de respuesta de ellas. Este oficio te desarrolla el ego, la vanidad. Yo por lo menos compro mi ropa de marca, porque me debo a algo, mi presentación tiene que ser impecable. Soy muy narcisista; entre mis marcas favoritas está Armani y Hugo Boss”, finaliza Mario. Por otro lado, el éxito de portar prendas sexys recae en autoestima. “Debemos entender que la prenda no nos viste, nosotras debemos sentir que somos sexys. Una lencería no es sexy porque es chiquitita o porque es de cierto color. La lencería es sexy, cuando nosotras tenemos esa actitud”, recalca Valeria.
DEL CORSÉ AL WONDERBRA
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a necesidad del ser humano por exacerbar la belleza de su cuerpo –de acuerdo a la percepción y tendencias de su contexto histórico– lo ha llevado hasta el extremo de provocar deformaciones brutales y nocivas para la salud. El corsé, por ejemplo, lastimaba la carne y alteraba la posición de los órganos internos; su auge no sólo fue motivado por la función estética de modelar la cintura, sino también fue apoyado por factores culturales, de igual manera que la costumbre china de deformar los pies con vendados, la modelación del cráneo y del cuello en África, o la esteatopigia que posteriormente evolucionó en el cul de Paris en Occidente. Todos ejemplos de moda sexy que en principio estuvo impuesta por distintas mentalidades y factores sociales, pero que más tarde se transformó, apoyada por la liberación sexual, para dar lugar a atuendos más libres y funcionales. A principios del siglo XX, las prendas íntimas comenzaron a revolucionarse, iconos sexuales como Madonna surgieron y prendas como el Wonderbra cobraron toda la popularidad y vitalidad posibles tras conseguir aumentar el busto sin la necesidad de cirugías. Con la sofisticación en los diseños y la reducción en los tamaños, llegamos a la actualidad, en la que las prendas íntimas han cobrando una diversificación inmensurable.
Reportaje
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¿EL CAMINO HACIA LO UNISEX?
a enunciación de “moda”, entendida como idea abstracta y como industria, remite a varias cuestiones que vale la pena pensar: de la primera acepción debe destacarse su proximidad o sinonimia con lo efímero y superficial; de la segunda, su capacidad para tener un fuerte impacto social. Ya han sido muchos los que han planteado, formal e informalmente, académica y artísticamente, muchas de las cuestiones referentes a pensar la moda como industria. Tenemos ejemplos conocidísimos: las ideas de Lipovetski –la moda como expresión de la democracia– o las representaciones dadas en la novela (y la película basada en ella) The Devil Wears Prada. En el caso de la lencería, el halo de la moda está no sólo en lo superficial de la piel, sino de los actos sexuales sin más finalidad que el disfrute; el carácter efímero lo hallamos, quizá, no en la actualización constante de nuevos diseños de calzones o brasieres, pero sí en la excitación sexual y su ulterior desarrollo. La industria de la moda se puede asociar a nuestra sexualidad desde una diversidad de manifestaciones muy amplia. Ya mencionamos a l@s scorts, tenemos una idea de lo que la gente busca, en materia de ropa íntima, en una sex-shop, pero ¿qué hay de la
sexualidad no heterosexuada? Aquí también la moda del sex-appeal tiene algo que decirnos. Por ejemplo, la edición primavera/verano de 2014 de la segunda colección del diseñador Marco Marco estuvo dedicada a lo que se ha llamado diversidad sexual: con energía y colores vivos desfilaron por la pasarela varios de los artistas drag-queen más conocidos en E.U., modelos evidentemente gays, otros que destacaban por su masculinidad, así como la modelo transexual Carmen Carrera, cuyo nombre resonó cuando desde la plataforma de peticiones Change.org, se apelaba a su inclusión como un ángel más de Victoria’s Secret, la casa de lencería más famosa del mundo. Tenemos aquí un ejemplo de qué se considera sensual o erótico desde una perspectiva no heterosexual, y sí desde la industria: lencería con transparencias en las zonas como el trasero y la espalda, sedas colgantes, colores fluorescentes, bóxers ajustados, etc. Sirva esta referencia como indicador de las formas en que la industria de la moda también se puede relacionar con una sexualidad alternativa.
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TE QUITAS O TE PONES
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ara Nicola “el hombre moderno, que considera la forma como sustancia, busca en el cuidado de la imagen un disfraz estéticamente agradable para poder crear y representar el personaje que ha ‘elegido’, en un intento de ocultar con arte todas las disonancias psíquicas que pudiera interferir en su ficción. Motivado por la necesidad de una aceptación social y por un aumento de conciencia de sí mismo como actor, se somete a un opresivo y riguroso control de conformidad estética y de comportamiento”. Adornar nuestro cuerpo no es necesariamente para atraer al Otro; en dicha acción subsiste una compleja dimensión cultural y biológica que en su lado más oscuro cumple la función de esconder lo que llevamos dentro. Una suerte de furtivas apariencias que consciente e inconscientemente pueden transformar nuestro cuerpo real en el “ideal”. M
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Reportaje
Una reflexión con ayuda de las figuras de Anne Hathaway y Jennifer Lawrence TXT:: ALEJANDRO FLORES VALENCIA
I LOS OSCAR
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l sol prepara su salida. Estamos en Los Ángeles, California. Es la alfombra roja de la entrega de los Premios Oscar 2013 que otorga la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Las dos actrices más mediáticas de esta edición, Anne Hathaway y Jennifer Lawrence, son favoritas para alzarse como ganadoras del Oscar; la primera como Mejor Actriz de Reparto, la segunda como Mejor Actriz. La primera se robó las cámaras desde la alfombra roja al aparecer con un vestido a través del cual se transparentaban o enmarcaban sus pezones. Y la segunda se robó el show cuando tropezó en las escaleras del estrado al momento de subir a recibir su premio, y hasta que se dirigió con desenfado y naturalidad a los reporteros en la rueda de prensa e, incluso, cuando coincidió con Jack Nicholson en el after party de la premiación. Los pronósticos se convierten en realidad (con #Mazaseñal de Lawrence, incluida). Durante la temporada de premios, Hathaway y Lawrence han ganado todo por sus participaciones en Les Miserables y Silver Linings Playbook, respectivamente. Al finalizar, posan juntas, divinas, con sus estatuillas doradas en las manos. No las sueltan ni un momento. Los dedos de las manos albas de Hathaway lucen rosados de tanto apretar el galardón. Ellas renuevan la idea de divinidad en un cielo que anuncia el despertar del dios Pan. Estas actrices son sagradas y son también una promesa, la promesa de que volver al Paraíso es posible. Pero la ceremonia es tal porque comienza en esa alfombra roja que tiene una duración aproximada de dos horas. Esta transmisión
que se sale del tiempo o que va en un tiempo distinto, tiempo imposible de entender sin los vestidos de moda, el nuevo estado de gracia. Se trata nuevamente de la elegancia, la blanquitud radical de la piel –rasgos de la supremacía occidental–, después de la primavera grunge que en su momento representó la emergencia radical de lo obsceno con Kate Moss y su perfecto halo de impureza. Ni siquiera en 2014 la función de una actriz de color, la keniana Lupita Nyong’o como Mejor Actriz de Reparto, contradice esta marca fundamental, pues el vestido (la marca, el ser vestida por) es, y no la piel, lo que marca la divinidad contemporánea y su máxima ceremonia son los Premios Oscar.
II GRACIA Y DESNUDEZ
En su luminoso ensayo Desnudez, el filósofo italiano Giorgio Agamben enfatiza una oposición teológica en el contexto de la Caída: gracia es el vestido y naturaleza es desnudez, pero la gracia (dada por Dios a Adán y Eva) fue primero que la naturaleza; entonces, la corporeidad desnuda es una naturaleza corrompida. Es decir, la moda nos ha quitado la vergüenza, nos ha posibilitado (bueno, una ilusión más del capitalismo: el acceso para todos) la adquisición de un velo gracioso. En los aparadores, en las ceremonias del Oscar, en los desfiles de moda, la gracia hace gala de su atroz presencia.
III PARAÍSO PÁNICO
Desnudos, arrojados, demediados, despojados, decapitados, ¿cómo podemos hablar de gracia en contextos como el mexicano donde la desnudez es obscena? Es imposible. En cambio, ¿por qué en sociedades como la mexicana hemos adoptado el velo de la (des)gracia?
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Porque el crimen organizado ha posibilitado una industria pánica de la muerte y el desarrollo personal de un sujeto acrítico que la filósofa mexicana Sayak Valencia llama sujeto endriago (el dador de muerte). Miles de personas fallecieron durante los últimos ocho años en el marco de la guerra contra el narcotráfico, varios de ellos inocentes, destinando también a cientos de familias mexicanas al dolor y al desamparo. La reproducción múltiple del homo sacer (sujeto fuera de la ley) comprueba la instalación de un producto (los cuerpos), una fábrica (de sicarios formados en el arte de la tortura y el asesinato y de los capos en su sagacidad para operar en altas esferas financieras) y un mercado (capitalismo gore: muertos que generan dinero). De cara a la imposibilidad de la gracia, la (des)gracia se presenta como una vía sagrada alterna (homo sacer = hombre sagrado, fuera de la ley) que se constata con el desmembramiento del cuerpo; y, si bien, en la gracia el secreto de lo bello y sublime se desvela en el rostro, en la (des)gracia lo pánico y siniestro se revela en la decapitación, y en algunas manifestaciones artístico performativas que han intentado dar cuenta de esta realidad, pecando de ser demasiado obvias: la estilización abyecta del cuerpo demediado. El filósofo Eugenio Trías propuso la hipótesis de que lo siniestro constituye la condición y el límite de lo bello. Si bien lo bello es una categoría del siglo XVIII que se define por la armonía y la perfección, lo siniestro es un concepto mutante (fronterizo y relativo), ya que debe actuar bajo forma de ausencia (como una falta lo define el filósofo francés Paul Virilio en su Estética de la desaparición), debe estar velado, no puede ser visible. Por lo tanto, es un punto exacto de oscilación entre lo que se puede ver y lo que debería mantenerse oculto. Lo bello, lo sublime y lo siniestro conforman la ambigüedad de la experiencia íntima de la persona, en una hora que marca la vuelta del dios Pan, la atroz y abyecta constatación del pánico. En ese marco de ideas, Telecápita 2014 “Paraíso Panóptico”. IV Encuentro de Arte, Pensamiento y Nuevos Relatos propone analizar el paraíso establecido por las sociedades contemporáneas, en las que, a pesar de las comodidades y desarrollos tecnológicos, así como de las promesas de armonía, paz, libertad y prosperidad, se vive una era de pánico, violencia, vigilancia y explotación exacerbadas, o como la llama Sergio González Rodríguez en su ensayo Campo de Guerra: “La era del transhumanismo planetario de cariz tecnológico y militar”. La figura del panóptico –torre penitenciaria de vigilancia y control– aparece entonces como el dispositivo global que desde el satélite, la pantalla o el ciberespacio, instala “la hegemonía creciente del Dios bicéfalo de la técnica y el dinero como eje del mundo programable hacia el futuro a través de los aparatos”. El binomio creado a partir de las palabras “paraíso” y “panóptico” establece una ironía a propósito de la normalidad y la ceguera de las sociedades contemporáneas y su confortable hipnosis o adormecimiento. Paraíso Panóptico implica, pues, una versión del paraíso en la cual la liquidación de la conciencia es sintonizada y producida por las pantallas que median nuestra experiencia de la realidad, de la que somos partícipes idiotizados, pero sonrientes. M
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ENCUENTRO TELECÁPITA 2014. “PARAÍSO PANÓPTICO” Centro de Cultura Digital Viernes 17 y sábado 18 de octubre Entrada libre Más informes: http://www.telecapita.org/encuentro-anual
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La fotografía de Hathaway y Lawrence al finalizar la premiación nos indica dos líneas de interpretación complementarias sobre el proceso de invención de los códigos de la ultramodernidad. Una, el entendimiento del cuerpo como consolidación de relatos ultramodernos (o sea que el cuerpo es imagen y representación del mundo, el cuerpo es concentración material de lo desbordado y también es homologación de lo bello y del hechizo de lo bello) y la otra, la moda es la gracia posible (y la divinidad posible) de frente a la ausencia de teología en la sociedad postcristiana, la cual se caracteriza por la vuelta demediada y obscena del dios Pan, momento en el cual el vestido a la moda (una apariencia desnuda) sustituye al desnudo angelical del precedente sacro; es decir, si Adán y Eva perdieron la gracia por obra de Dios y perdieron ese vestido invisible que les impedía darse cuenta de su mutua desnudez (que en sí era una no desnudez, como aclara Giorgio Agamben), la moda reconstituye la gracia en la estación ultramoderna, pues los velos/vestidos de la moda y, por ejemplo, los de Lawrence, Hathaway o Jessica Chastain implican una desnudez aparente, es decir, una corporeidad estilizada en el vestido, y el vestido se muestra como velo bello que esconde y protege la belleza; asimismo, el secreto se ubica en el rostro como signo divino en un tiempo sin dioses. Con sus vestidos, Hathaway y Lawrence son las diosas del ahora, son sagradas, signos de la promesa en tiempos de pánico. Menciona Agamben que hoy en día “existe sólo el vestido de la moda, es decir, un indecidible de carne y tela, de naturaleza y de gracia. La moda es la heredera profana de la teología del vestido, la secularización mercantil de la condición edénica prelapsaria”. Y como la cereza del pastel, la belleza es ahora la apariencia en la medida en que “nada aparece a través de ella. El lugar donde esta apariencia, esta sublime ausencia de secreto de la desnudez humana, se signa de manera eminente es el rostro”. El vestido es apariencia que desnuda de forma bella al cuerpo, mostrándolo en apariencia, y el rostro es lo sublime en tanto más transparente es. Mediante esta dialéctica, la gracia más completa se posa en Jennifer Lawrence. Mientras crecían los hathahaters (odiadores de Hathaway), en gran medida debido a que en todos sus discursos de aceptación parecieron ensayados y artificiales en la temporada de premios (Globos de Oro, BAFTA, Oscar); en cambio, la sinceridad de Lawrence la puso por delante; su secreto se transparenta en su sonrisa, en su aparente honestidad al responder las preguntas de la prensa, en la entrada de su discurso al recibir el premio como Mejor Actriz, espontáneo y divertido. No obstante, la suya sigue siendo una promesa de segunda naturaleza y corrompida. Porque intentar regresar al Paraíso (recordemos que ya anunció en el siglo XX el apóstol maldito Emile Cioran que no hay retorno) es volver a la inadvertencia y la comodidad, a la atemporalidad y la cancelación de la distancia; por lo mismo, todo aquello que nos ha sido lejano sería próximo, aunque careceríamos de sorpresa, seríamos bellos e infinitos, estaríamos llenos de gracia. La gracia es selectiva y aspiracional. Por eso, estas actrices son divinas e inalcanzables, incluso para sí mismas. El progreso en manos de la mayor industria de relatos (Hollywood) y la mayor industria de seducción (Fashion Week) ha facultado al ser de una divinidad modular (pues el vestido de alta costura existe bajo la lógica de la novedad) y artificial (es representada, no vivida), capaz de mostrarnos el mapa de los caminos, el canto de las sirenas o el sublime sonido de la flauta que nos marque el rumbo de una marcha acelerada y enceguecida que ya hemos emprendido de vuelta al Paraíso.
6 LIBROS QUE VINCULAN A LA LITERATURA
CON LA MODA
TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO
Margo Glantz HISTORIA DE UNA MUJER QUE CAMINÓ POR LA VIDA CON ZAPATOS DE DISEÑADOR
Ed. Anagrama
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a protagonista de esta novela construye su relación con el mundo poniendo su cuerpo en un sitio primordial, bueno, más bien, a sus pies, y después a los zapatos caros, que resultan un nexo fundamental con la realidad. Glantz cuenta con sobrados recursos la historia de Nora García como si fuera una autobiografía y esa mujer estuviera devastada y en lucha perpetua también con el lenguaje. El libro también funciona como una crítica para cierta clase de literatura femenina. No deja de tener gracia que la mujer se pregunte: “¿Qué tipo de calzado habrá usado Vera Nabokov?”.
GRACE. MEMORIAS
Ed. Turner
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l número de septiembre es el más importante del año para la Vogue; tan es así, que incluso se realizó un documental sobre el proceso que se estrenó en 2009. Las expectativas pasaban porque la directora de la revistas Anna Wintour acaparará la atención, pero no sucedió así; Grace Coddington, la directora creativa, atrapó a los espectadores. La septuagenaria inglesa se puso tan de moda, que decidió atreverse con sus memorias. Por supuesto, tiene una vida llena de anécdotas interesantes que la vinculan ya sea con Mick Jagger, Manolo Blahnik, Jeanloup Sieff o Helmut Newton, a las que implican a sus dibujos y fotografías.
CHANEL ÍNTIMA
Ed. Nerea
UNA PASIÓN VINTAGE
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Literatura
na fotografía realizada por Boris Lipnitzki en 1937 se convierte en la portada de una obra que surge en el entendido de que se trata de una mujer y un icono inagotables. Así lo entendió la autora al buscar un punto de vista distinto al que ya había probado en Coco Chanel: un parfum de mystère (1999). La investigadora tuvo acceso a los archivos familiares y de la compañía, además de contar con testimonios de Gabrielle Palasse-Labrunie, sobrina nieta de la diseñadora con la que convivió estrechamente a lo largo de más de 40 años y única descendiente viva. El libro contiene además 150 ilustraciones y fotografías de Francis Hammond. Un acercamiento poliédrico y a profundidad.
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Ed. Lumen
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na historia que se centra en saber apreciar los viejos vestidos y las telas de antaño. No es que resulte revolucionaria, pero para quien tiene una pasión por la ropa le resultará cuando menos entrañable. Todo gira alrededor de la tienda que una mujer de 33 años instala en un suburbio de Londres para vender prendas vintage. La trama cobra fuerza cuando aparece Thérèse, una anciana francesa que desea vender toda su fabulosa colección de vestidos, a excepción de una prenda: un abrigo de niña azul que tiene tras de sí una escondida y larga historia que se remonta hasta Avignon.
Cecil Beaton
Varios autores
EL ESPEJO DE LA MODA LA CAJA DE DIOR
Ed. Assouline
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e trata de esas cuidadísimas ediciones de arte a las que sólo puede acceder un verdadero fan. En un solo estuche de lujo se encuentran contenidos Dior Fashion de Caroline Bongrand, Dior Fine Jewellery de Jérôme Hanover y Dior Perfume de Jérôme Hanover, cada uno de 80 páginas repletas de datos históricos y fotografías –algunas inéditas– que reconstruyen los derroteros de la exquisita firma francesa y el célebre diseñador. Cada una de las líneas comerciales más importantes de la marca es analizada en su esencia y sobre la línea del tiempo.
Ediciones B
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l autor tiene de su lado haber sido un muy destacado fotógrafo y diseñador, que además dibujaba y conoció de cerca a varias de las grandes luminarias de la industria de la moda. Con todo ese bagaje acumulado decidió hacer un repaso histórico a partir de su personal perspectiva. Conoció y colaboró de cerca con gente como Elsa Schiaparelli, Greta Garbo, Coco Chanel y Christian Dior. Material de primera mano de parte de alguien que también se ganó un par de Oscar por el vestuario de Gigi y Mi bella dama. Se trata de un clásico que no pasa de moda y sigue tan vigente desde la segunda mitad del siglo XX.
ILUS :: BEATRIZ OLIVER
BAJO PRESUPUESTO TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL Columnista de Milenio Diario
Columnas
@hualgami
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Por definición, las modas son efímeras, fugaces, pasajeras, y la música no es la excepción de esta regla. Por eso, se suele repetir la frase, bastante paradójica, de que tal o cual músico “nunca pasará de moda”, lo que en buen cristiano significa que en realidad nunca fue una moda, pues jamás resultó efímero, fugaz o pasajero. Lo que hoy llamamos música pop es en esencia momentánea y está modelada por fórmulas predeterminadas, sobre todo en esta época en la que la tecnología lo domina todo y en particular a los diferentes modos de comunicación. Pero esto no es nuevo. Los primeros dos o tres lustros de la historia del rock están repletos de canciones que aparecieron, causaron furor y luego se desvanecieron. De ellas, muy pocas sobrevivieron al recuerdo. Lo que hoy se conoce como one hit wonder es parte sustancial (o más bien insustancial) de dicha historia. ¿Cuántos grupos y solistas que estuvieron de moda se han perdido en el oscuro y proceloso mar del olvido y la ignominia? No me refiero necesariamente a grupos y solistas malos. De hecho, es una lástima que tanta gente talentosa haya sido devorada por la desmemoria. Centrémonos, como ejemplo, en una de las décadas más importantes para el rock: los años sesenta del siglo pasado. Recuperemos los nombres de algunos músicos que merecerían permanecer al menos en nuestras remembranzas y que por una u otra razón, prácticamente desaparecieron del panorama. En ese tiempo hubo agrupaciones que realizaron una o dos canciones memorables (hayan estado o no entre sus éxitos) y que quiero traer a la superficie. Ahí está The Association con su composición “Six Man Band”, una joya absoluta del mejor rock, aunque al grupo estadounidense se le conoció más por su bobalicona “Windy” o su edulcorada (aunque muy bella) “Never My Love”. Qué decir del pesadísimo trío de San Francisco Blue Cheer, famoso por su tremebunda versión al “Summertime Blues” de Eddie Cochran (quizás el primer tema plenamente metalero), aunque nadie sepa de esa maravilla suya que es “Fruit and Icebergs” (una enorme composición, a pesar del titulito). Muchos deben acordarse de The Turtles y su éxito perenne, “Happy Together” (sin duda una grande y
entrañable canción), pero en su momento, casi nadie reparó debidamente en temas tan espléndidos como “You Showed Me” (rescatada en los noventa por The Lightning Seeds) o “House of Pain”, y ahí están los mismísimos Monkees, grupo de moda si los hay (recordemos que fue uno de los primeros conjuntos prefabricados, si no es que el primero), que se volvieron famosos con piezas como “Daydream Believer”, “Mary Mary” o el inefable “Tema de los Monkees”, pero que también grabaron cosas muy valiosas como “(I’m Not Your) Stepping Stone”, “Goin’ Down” o “Take a Giant Step”. Hasta en la música del underground sesentero se daba, de alguna manera, esto de la moda. Para quienes más o menos conocen la música de Frank Zappa, de su primera época recuerdan bien los tres primeros álbumes de The Mothers of Invention (Freak Out de 1966, Absolutely Free de 1967 y We’re Only in It for the Money de 1968, una triada de absolutas maravillas), pero son escasos quienes mencionan el disco debut de Zappa como solista, Lumpy Gravy, producido en 1968 y que aún sigue oyéndose como un trabajo ultravanguardista. En el rock nacional, tan falto de identidad como suele ser, las modas pegan de manera impiadosa. Por eso, en sus inicios tomaba todo del rocanrol estadounidense, para luego tratar de parecerse al rock británico. A finales de los ochenta, todos querían sonar como los rockpoperos argentinos, españoles y, actualmente, lo de hoy, lo que rifa, es sonar como gruperos o cumbiancheros. Esa es la moda dentro de este triste seudorrock nuestro de cada día. Modas van y modas vienen. Lo que permanece es casi siempre lo que jamás estuvo de moda. Sin embargo, es claro que siempre habrá quienes prefieran seguir lo que se encuentra en boga, con tal de no sentirse excluidos de la grey. Los humanos en su mayoría son gregarios, se mueven en masa y como dicta la masa. Por eso, tantos bailan gustosos al son de “Happy” de Pharrell Williams. Es la moda. M
AGUARRACES PORTEÑAS T X T : : R A FA E L T O R I Z Escritor y vagabundo @ninyagaiden
no sólo que son mayoría en el país, sino que una sociedad como ésta ha podido construirse de espaldas a sí misma a través de un rasgo perverso y preciso: acá a la fealdad se le cierra la puerta, se la niega y se la esconde. Por ello es violento en todo sentido el encuentro del burgo con las villas; alguien está fuera de sitio. Y tiene muchas ganas de romper, de beber y de incendiar, como sucedió en los festejos del subcampeonanto en el Obelisco, un verdadero desmadre que terminó con acuchillados, inconscientes y numerosos detenidos. Luego de que la marejada de gente fuera intolerable –la organización estuvo marcada por la indolencia y la precariedad– huí a un bar para mirar el partido, donde otro tipo de argentinos celebraban –aunque preciso sería decir injuriaban– el hecho de que Brasil no disputara la final de la Copa y Neymar estuviera lesionado. Y eso es algo que llama poderosamente la atención del extranjero. Más que enorgullecerse por estar hasta la cima, lo importante era que el otro no había llegado, en una suerte de vanidad negativa adolescente que se solaza en decir “yo sí y tú no”, uno de los instantes más bajos de la competencia deportiva y que yo sólo he visto arguir con tanta vehemencia en estas tierras. No seré yo, mexicano y militante, quien juzgue a una pisque acomplejada y malherida; sin embargo, compruebo con tristeza que en este país, se gane o se pierda, la tónica recurrente es el incendio y el abuso, haciendo del futbol, pese a la belleza que lo anima, un pretexto en el que sólo permanece una furia ciega y desmedida.M
Columnas
ILUS :: FERNANDA COLIN
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Para nadie es una novedad que en la república Argentina –tierra de esperanzas permanentes y mujeres esplendorosas– la única religión sin incrédulos es la presidida por el Dios inobjetable, Diego Armando Maradona, que para efectos prácticos y desde cualquier ángulo específico, ha quedado en el olimpo como una deidad más grande que Pelé, sobre todo desde que el astro negro decidió volverse la cara más visible y descarada del albañal facineroso que constituye la FIFA, cónclave de mafiosos a quienes ningún oprobio ha sido ajeno. Por ello, tener la oportunidad de atestiguar desde Buenos Aires el lugar del evangelio que constituyó la final de la Copa del Mundo no puede sino sumir al pagano en un estupor que me atrevo a calificar de beatífico. Y soy ateo. Una de las ilusiones más crueles del mundial, como sucede en el caso mexicano, es la presunción inherente de que en todo equipo late un campeón, al menos de manera soterrada. En teoría, al iniciar el torneo cualquiera de los equipos participantes puede, merced de un milagro o de un método –ya sea implementando argumentos futbolísticos o sencillamente poniendo los güevos elusivos– alzarse con la Copa que remedie las miserias cotidianas, al menos por unos días. Tal ilusión, que alimenta los estadios, la prensa y los delirios alegóricos y fundamentalistas de la parte más primitiva de nuestro cerebro, se ve henchida porque probablemente en ningún deporte moderno pese tanto la suerte para definir un resultado. En el futbol no siempre ganan los mejores, sino los que hacen los goles y saben aprovecharse, como Robben, del entramado de las circunstancias. Un futbolista de valía, como no se trate del genio casi autista Messi o de máquinas aceitadas de precisión y de técnica como el equipo alemán es, en esencia, un estupendo lector de la cancha (Figo, Zidane y Pirlo ilustran claramente mi argumento). Asistí en mi faceta de antropólogo social a la plaza San Martín, con la finalidad de ver el color local y darme una idea del tamaño de su pasión, que es eterna y combustible. En poco tiempo, el espacio se llenó de gente de todo tipo, desde los fenotipos a los que nos tiene acostumbrados la televisión, hasta los especímenes propios de las villas miseria en Argentina, gente pobre y maltratada que tiene muy poco que ver con el imaginario que exportan los porteños al mundo entero, y que revelan
Lee Cooper es una marca de ropa que nació en el East End de Londres en 1908. Con más de 100 años en el mercado, la marca más antigua de mezclilla en Europa se ha popularizado al lucirla innumerables estrellas de rock. La empresa fue fundada por Morris Cooper y su mejor amigo, Luis Maister. Por supuesto que el estilo rocker que manejan, viene de una relación que se remonta a los años 50, desde los teddy boys hasta los mods, y de los mods a los rockers. Bandas como The Rolling Stones y los Beatles también los usaron, ya que Lee Cooper es la marca original británica de jeans. Lee Cooper presenta los modelos más recientes con su colección Otoño/Invierno 2014, ahora disponibles en los principales almacenes de nuestro país.
ADIDAS Originals lanza nuevamente los Stan Smith, un par de zapatos deportivos, diseñados en honor al tenista norteamericano del mismo nombre, los cuales vuelven con más fuerza y con un diseño actual sin perder el estilo clásico que los caracteriza y que los ha convertido en uno de los modelos más icónicos de la marca. Para actualizar este clásico, se han diseñado nuevas versiones en las que se juega con texturas y colores.
Estilo y Tecnología
Dando otro paso fuera de la disciplina cinematográfica (ya había explorado profusamente el mundo de la música), el director David Lynch, en colaboración con Live The Process (una propuesta de venta en línea que se autocalifica como “una guía de bienestar y salud holística según el punto de vista modernista”), está lanzando una línea de ropa deportiva para damas, que incluye corset bras, scoop bras y leggings geométricos, todos con un patron floral de edición limitada diseñado por Lynch y que oscila entre los $100 y $200 dólares. Las ventas se destinarán a ayudar a víctimas de abuso (sin más especificaciones).
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Así es, la marca más importante de gorras se ha unido con Doritos® para crear una pieza que refleja toda la actitud Hardcore, un nuevo producto que no puedes dejar de probar y vivir #ForTheBold. Doritos y New Era tienen para ti esta gorra edición especial (y súper limitada) modelo 9Fifty. Para ganar, debes contestar correctamente las siguientes preguntas y mandar tus respuestas a contacto@revistamarvin. com con todos tus datos y el asunto “Doritos y New Era”. 1. Menciona qué artistas han formado parte de las Esencias Marvin, presentadas por Doritos®, en este 2014. 2. ¿Qué músico apareció en la portada de Marvin #122?
La reconocida marca de lifestyle, Nixon presenta con orgullo su más nueva bocina portátil The Blaster. Su producto más potente y duradero con un diseño que combina estilo y tecnología, hecho para durar y llevar tu música a donde quiera que vayas: arena, concreto o nieve. Este potente equipo mide tan sólo 21.85 x 9.5 x 4.5 cm y es compatible con Bluetooth para dejar los molestos y anticuados cables a un lado. Es resistente al agua y a las caídas como ninguna. La vida de su batería es de 12 hrs de música continua y tiene un alcance de 10 m a la redonda gracias a su conectividad wireless. Pesa únicamente 525 gramos, su sonido es potente y nítido y viene en colores tan variados como brillantes: negro, púrpura, azul eléctrico, rojo, naranja y celeste.
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1. ¿Dónde se encuentra el corporativo de AMD y cuál es el nombre del Presidente y Director General de AMD? 2. ¿Qué significan las siglas AMD? 3. ¿Qué número de serie corresponde a las APUs más avanzadas y amigables para los desarrolladores? 4. ¿Qué artista apareció en la sección Arte de la Marvin #121?
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Belkin es una de las marcas de accesorios para la familia Apple que más se ha preocupado por mantener una línea cuidada y de la mejor calidad, capaz de emparentarse con los equipos de la manzana sin desmerecer. Ahora presenta sus nuevos cables premium USB, MIXIT Lightning, trenzados con hilos metálicos en tonos oro, plata y gris, diseñados para coordinar con los colores del iPhone 5s, y también útiles para iPad y iPod Touch. Este nuevo diseño hace que el cable sea más flexible, tenga mayor duración y evita que se enrede, agregando de paso un aspecto más sofisticado. La línea de cables MIXIT Lightning de Belkin son certificados MFi (Made For iOS) y se conectan directamente a cualquier puerto USB 2.0 para cargar y sincronizar rápidamente, y está disponible en longitudes de 1.2 metros y 6 pulgadas.
AMD revoluciona las computadoras y se convierte en el mejor amigo de los gamers. La rapidez en un equipo de cómputo es algo esencial para todos nosotros, por esta razón: AMD (Advanced Micro Devices), innovadora empresa de tecnología que desarrolla el cerebro de las computadoras y productos tecnológicos, revoluciona el cómputo y el entretenimiento UltraHD con los procesadores acelerados APU AMD Serie A, ofreciendo experiencias superiores para los usuarios de equipo de cómputo y desempeño superior para los gamers. Las APUs AMD Serie A 2014 son hasta la fecha las APUs más avanzadas y de uso más amigable para los desarrolladores de AMD. Las tecnologías de cómputo y gráficos en las APUs permiten a los consumidores aprovechar la mejor tecnología en sus aplicaciones de juego, oficina, elevando el estándar en la experiencia de PC de escritorio. Marvin y AMD tienen para ti un increíble regalo: se trata de una Lenovo FLEX 2-14D de 14”, con memoria RAM de 8 GB y procesador AMD A6 BM. Para ganar, debes contestar correctamente las siguientes preguntas y mandar tus respuestas a contacto@revistamarvin.com con todos tus datos y el asunto “AMD”.
Estilo y Tecnología
Si estás list@ para empezar una guerra de canciones con el enemigo, entonces estás list@ y armad@ hasta los dientes con el nuevo sistema de audio en casa de alta potencia, con Bluetooth, SONY SHAKE-33, un sistema integral Hi-Fi con 2200 watts de potencia y el exclusivo diseño de bocinas Pressure Horn, el cual proporciona un sonido estremecedor y líneas de graves que realmente resuenan. Además, las luces LED de estas bocinas de 3 vías y los efectos de DJ ayudan a mantener la pista de baile en movimiento, junto con su diseño angular y controles en metal pulido.
¿Qué es la moda? TXT:: ROBERTO GONZÁLEZ CLAPÉS
Lydia Lavín inició su pasión por la moda desde pequeña; disfrutaba vacacionar en la fábrica de su papá y poner sus esfuerzos para ayudarlo en tareas que iban desde ir por las tortas, hasta colgar blusas, ordenar los hilos y coser. Apenas tenía 16 años cuando comenzó a diseñar sus propias colecciones. Una de las cosas que distingue el trabajo de Lydia –ganándole gran reconocimiento– es que involucra a las comunidades indígenas en su propuesta de diseño, invitándolas a formar parte en el proceso, desde el bordado, hasta la pasarela. Pero hablamos con ella para que nos contara –en términos adecuados para los mortales– sus percepciones de la industria, su gusto por la música y el lado honesto de este mundo bizarro e infinitamente atractivo.
El Pilón
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a aproximación consciente a la moda puede generar cierta ansiedad en las personas, un nerviosismo que va desde encajar con un grupo de gente, hasta sentirse bien por lo que visten. Mucho tiene que ver con las imágenes que se asocian con este mundo que, a menudo, es considerado superficial y banal. Después de enlazar la llamada, le pregunté al respecto: “Desgraciadamente sí existe [esta falsedad], incluso lo podríamos llamar ‘violencia en la moda’, que va desde el bullying, hasta la anorexia. También está el tema del mal pago y las condiciones laborales en algunos casos de explotación. Definitivamente hay contravalores en la moda, y por supuesto también está lo banal y superficial, en donde algunas marcas te pueden decir ‘tú eres alguien chido y aceptado por nuestro grupo’. Las personas sienten esta presión y, la verdad, para uno, como diseñador que quiere hacer una propuesta sensata, a veces es difícil porque no quieres encasillarte ahí. Quieres hacer un trabajo con el que puedas entrar en todo lo positivo que tiene la moda”. Si tú, lector, eres alguien atormentado por la complejidad de este entramado y buscas un poco de serenidad, debes saber, en palabras de Lydia, que “al vestirte tienes que ser honesto y pensar en qué te va bien, qué te gusta, qué te hace sentir a gusto y qué habla de quién eres. Es muy importante que la ropa te ayude a proyectar tu personalidad y tu propia historia”. Y si tú, lector, eres de esos que rechazan las tendencias y se quieren excluir del mundo de la moda, debes saber que “la gente que es antagónica a la moda
acaba convirtiendose en propuesta. Es inescapable, de cierta forma; marcan una tendencia”. Eso significa que la evolución de la moda es un esfuerzo colectivo y no sólo es definido por la élite de la industria como muchos de nosotros pensamos, indica Lydia: “Eso es algo maravilloso de la moda. Las tendencias no sólo se captan de las pasarelas, sino de lo que la gente viste en las calles”. Hablando de pasarelas, no pude más que pensar en qué rayos pasa con todos esos diseños alocados que parecen venir de un futuro extraterrestre –y que definitivamente aprecio–, pero que estoy seguro, nunca usaré ni para ir al Oxxo ni para una cena elegante en París. Sin embargo, Lydia tiene su perspectiva: “Son visiones estéticas de un diseñador que lo que quiere es conmover al público, llamar la atención y hacer una propuesta atrevida. Abren paso a la innovación y con el tiempo, se decantan y afinan para que la gente lo pueda consumir”. Alguna vez tuve la oportunidad de ver una pasarela de Lydia, y además de sus increíbles propuestas que reducen la brecha entre las tradiciones textiles mexicanas y el mundo contemporáneo, me llamó mucho la atención la música que usó: “Mi hijo musicaliza mis pasarelas y logramos transmitir ese dejo del espíritu del lugar porque rescata sonidos de las comunidades, y después les mete un toque vanguardista. Eso está padre, pero a mí me gusta la música metal. Metallica, Dream Theater, Marillion… Luego me voy a los conciertos cuando nos dan chance de entrar a los de la tercera edad. Voy vestida muy discreta, pero de negro, sí. Me fascina la música; cuando no hay música, pierde sentido mucho en la vida”.