MVN 183 | Idles - Octubre 2020

IDLES

Ser el Ultra Mono

EDICIร N

183 $52.00

EXHIBIR HASTA:

05-NOV-20

+ LUCIA TACCHETTI El nuevo pop

+ WILL BUTLER

Museo de la supervivencia

+ DEFTONES

La diversiรณn no envejece

+ VAYA FUTURO

Enfrentando el silencio

PRESENTA

NUEVO LIBRO DE LA COLECCIÓN R

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D AV I D BOWIE MANUAL DE AMOR MODERNO PARA ALIENS

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DE LA MÚSICA A LOS LIBROS

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COFUNDADOR CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx CLÉMENT SORIA soria.clement@gmail.com ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS joseaureliovasan@gmail.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pv.lphant@gmail.com DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS REPRESENTANTES EN LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com

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DIRECTORIO

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 183 correspondiente a: OCTUBRE 2020. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2019012816402300-102. MARVIN es una Marca Registrada.

EDITOR EFRAÍN RAMÍREZ "MAKO" mako@marvin.com.mx DIRECTORA DE ARTE FRYDA MAGAÑA FLORES diseno.marvin@gmail.com EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx REDACTOR WEB KARINA CASTILLO COLABORAN EN ESTE NÚMERO Jonathan Villicaña, Susana Medina, Thelma Ascencio, Lenin Calderón, Daniela Galván, Juan Carlos Hidalgo, Francesc Messeguer, Toño Quintanar, Sara Benítez, Citlali Pótamos, Daniela Ládance

ENCUÉNTRALA EN

EDICIÓN

CONTENIDO

LOUDSPEAKER

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OCTUBRE 2020

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183

BALENCIAGA VS EL CÁNCER DE MAMA FELICES 35 SUPER MARIO BROS / 35 años creando nuevos mundos

VAYA FUTURO / El inminente final de un proyecto musical como detonador creativo ASHNIKKO / Music Is Female WILL BUTLER / La guía de supervivencia al 2020 MIDNIGHT GENERATION / Funk de alto octanaje y manufactura nacional NURIA GRAHAM / Faena extrapersonal de inspiración bucólica LA DAME BLANCHE / Tod@s somos Ella LUCIA TACCHETTI / El nuevo pop latinoamericano

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CENTRAL

COMIC

REPORT

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IDLES / La autobúsqueda constante

DEFTONES / Divertirse te da vida DOVES / De cuando el tiempo y la épica se expanden HANS ZIMMER/ El rockstar nerd de la música de cine KENNETH ANGER / (Legítima) simpatía por el diablo CENTRO HISTÓRICO, CORAZÓN DE MÉXICO / Un recorrido por la historia del primer cuadro de la ciudad

CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA / IRMINA La memoria y el olvido CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA / CITLALI PÓTAMOS #MARVINARTCHIVE / DANIELA LADANCÉ

EDITORIAL

C

onforme pasa el tiempo las despedidas son más complicadas, cuando llegué a Marvin no tenía de todo lo que iba a suceder. Publicar dos libros, participar en tantas revistas, formar parte de un festival fue sólo una parte de mi historia aquí.

Como todo, afortunadamente/desafortunadamente, en algún momento tiene que terminar, los ciclos se tienen que cerrar y los caminos se tienen que separar para poder cumplir objetivos.

Esta es mi última editorial con esta HH revista que lleva casi 20 años en la independencia, con altibajos pero siempre dando una vista fresca al público que se acerca a buscar cosas nuevas. Y qué manera de cerrar esta época con Marvin, con ustedes… Teniendo textos increíbles en sus manos, con propuestas interesantes y con una banda que lleva un par de años siendo la favorita de varios: Idles. Este año sería el bueno para verlos en México pero la pandemia nos ha jugado chueco y muchos de los grandes álbumes del 2020 no los podremos ver en vivo hasta quién sabe cuando… La incertidumbre alrededor del mundo es gigante alrededor de la música en vivo, en China ya hay festivales, en Europa han habido algunos conciertos con sana distancia, en México estamos con los streamings y los conciertos en coche y ya se anunció el primer concierto con público en sana distancia. Si bien la esperanza muere al último, el futuro es incierto pero aquí vamos a estar esperando que podamos volver a abrazarnos mientras tomamos una cerveza y cantamos.

En el Loudspeaker encontrarás propuestas increíbles de las que estaremos hablando en poco tiempo; proyectos que están establecidos pero que tienen un nombre importante e interesante para los amantes de la música.

Además tenemos nuevas plumas que buscan darle frescura a estas páginas para que Marvin se siga renovando y dure muchos años más.

Gracias a todos, pronto nos volveremos a encontrar.

Efraín Ramírez “Mako” @makowww

Aún quedan cosas por descubrir y cosas por resolver.

Pero un desastre a la vez.

Daniela Galván

Locutora de radio desde hace 5 años en estaciones como Ibero 90.9, Bullterrier FM y ahora Yo Radio.

Curadora de playlist en Topsify, coordinadora de podcast y account manager en Warner Music México.

Habla sola y le gustan los perritos.

Jonathan Villicaña Soy de esas personas que viven de la música sin ser músico. Locutor en Bullterrier FM, también escribo en 7Boom y Aftercluv, y de hobby pongo música en bares de la CDMX.

Susana Medina Publicista, locutora y amante de los perros. Durante muchos años se dedicó a tomar cerveza por trabajo. Amante de la música indie y el pop digno.Actualmente hace podcasts en Sonoro.

COLABORADORES

Sara Benítez Egresada de la Universidad Iberoamericana de la licenciatura en Historia, realizó una estancia académica en Leiden University, Países Bajos. Creadora del proyecto de divulgación de la Historia y A.C. Historia Chiquita. Actualmente estudia el posgrado en Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño en la UNAM. Detective salvaje.

Thelma Ascencio Practicante periférica de la cultura oral y escrita. Investigadora de las fuentes alternativas del conocimiento. Onironauta doméstica en busca de liberar su conciencia recreando ambientes educativos a través de la música y la literatura. Escribe y canta en el dueto Thelma y Luis. Integrante de la comunidad artística Eres buena y Lo Sabes.

Toño Quintanar Escritor, adicto al cine, cuentista, guitarrista en Los Riot y nigromante frustrado. Estudió Literatura e Historia del Arte en la UNAM. Ganador del XXI Certamen Literario Juana Santacruz.

Francesc Messeguer Compositor, productor y arreglista.

En 2019 fue nominado en la categoría de Mejor Música Original en el 48 Hour Film Project. Participó en NarcoData, investigación ganadora del premio IIID Award de periodismo en 2017. Como como compositor, escribió la música del reportaje “Por qué se cayó mi edificio” de la organización Mexicanos Contra la Corrupción y la Impunidad, que trata sobre el sismo del 19 de septiembre de 2017. Es profesor de música en la IBERO.

Lenin Calderón Coleccionista de archivos musicales pirata, películas de culto clonadas y libros prestados, a partir de los cuales intenta entender un mundo confuso.

Otro habitante más de la CDMX en espera de que la 4T funcione mejor que la 3D o la RV.

Juan Carlos Hidalgo

Daniela Ladancé

Columnista de la revista Marvin, Diario Milenio Hidalgo y Radio BUAP. Jurado de la Beca María Grever. Ha publicado las novelas Rutas para entrar y salir del Nirvana y La vida sexual de P.J. Harvey.

Daniela Ladancé es una dibujante e ilustradora chihuahuense que llegó a Guadalajara para estudiar la Licenciatura en Diseño para la Comunicación Gráfica. Tiene casi cinco años haciendo ilustraciones por encargo y dibujando las cosas que le salen del corazón. Actualmente trabaja desde su casa - estudio como freelancer, entre proyectos personales, comisiones, dos perri asistentes y mucho amor.

Citlali Pótamos Dibuja, escribe, lee, hace video, animación, fotografía análoga, litografía, muchos carteles y cómix.

Hace muchos cómix porque siente que es la manera más divertida y emocionante de explicarse porqué el mundo está tan destruido y podrido.

BALENCIAGA MODA OCTUBRE 2020

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Balenciaga Vs El Cáncer de mama Moda que ayuda

El mes de octubre marca el mes de la lucha contra el cáncer de mama. En México el cáncer de mama es la primera causa de muerte en mujeres que se encuentran en edad laboral, y se calcula que al día fallecen entre 10 y 12 mujeres en nuestro país por esta causa. Y a falta de una cura para este padecimiento en este momento en donde se enfoca la lucha es en la detección temprana.

Cada año distintas empresas se suman a la lucha contra el cáncer de mama, hacen donaciones a fundaciones, crean productos especiales para la temporada y Balenciaga, la marca francesa dirigida creativamente por Demna Gvasalia, se une en la lucha con una colección especial de temporada. Con esta colección Balenciaga donará el 10% de las ganancias de la joyería, sudaderas, playeras y camisetas de manga larga al Institut Curie para fondear un proyecto de investigación para detectar la recaída del cáncer de mama.

Estas prendas formarán parte de la colección Primavera/Verano 2021 de Balenciaga y se podrá conseguir a partir del 1 de octubre. La colección lleva por nombre We Are Pink, esta frase está estampada en las piezas además de tener un moño rosa, un símbolo que caracteriza la lucha contra el cáncer de mama; las prendas son unisex así que todos podrán utlizar esta ropa y apoyar a fondear este proyecto que es por buena causa.

El Instituo Curie es el centro de cáncer más importante de la región y tiene un hospital que trata todos los tipos de cáncer y fue fundado en 1909 por Marie Curie.

En México también contamos con fundaciones e institutos que dedican su vida a la prevención y lucha contra el cáncer de mama. Para apoyarlas sólo debes entrar a sus sitios y revisar cómo hacerlo, aquí te dejamos algunas: • FUCAM www.fucam.org.mx/fucam.html • FUNDACIÓN CIMA www.cimab.org • Grupo de Recuperación Total RETO www.gruporeto.org/ • Asociación Mexicana de Lucha Contra el Cáncer www.amlcc.org

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MARIO BROS TECNOLOGÍA

Felices 35 Super Mario Bros OCTUBRE 2020

35 años creando nuevos mundos

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TXT:: Efraín Ramírez “Mako”

Tal vez hay pocas cosas que me unen con mi padre pero esas pocas van a vivir en mi cabeza por siempre. La primera de ellas es la música de Queen, me presentó mucha música cuando era un niño pero las canciones de Freddie Mercury y compañía es la que más disfruto, se volvió mi banda favorita y cada que la escucho me acuerdo de esos momentos el Volkswagen blanco escuchando “Bohemian Rhapsody” con él. La segunda cosa que siempre tengo en mi cabeza es que gracias a él comencé a jugar videojuegos.

Tenía 4 o 5 años cuando agarré un control de videojuegos por primera vez, mi papá amaba jugar un videojuego con un bigotón pixeleado que saltaba sobre tortugas, lanzaba bolas de fuego y era una especie de super héroe que tenía que rescatar a una princesa.

Super Mario Bros. llegó a mi vida y sin pensarlo me cautivó, de ahí le di seguimiento a Mario y a Nintendo. El SNES llegó a mi vida casi al mismo tiempo y ahí jugué el Super Mario World, acá Mario ya no volaba con una cola si no que ya usaba una capa y por fin conocí a Yoshi, mascota/amigo dinosaurio que se metió en mi corazón y en el corazón de varios. De ahí no hubo forma de parar, cada consola tenía su juego de Mario y la tecnología te iba sorprendiendo cada vez más; verlo en 3D sorprendió y Shigeru Miyamoto debe de verlo como un hijo.

Ahora en 2020, Mario Bros. iba a tener un lugar muy especial en la historia con los Juegos Olímpicos en Tokyo; la pandemia arruino esto porque aparte hacía el match perfecto con la celebración del aniversario número 35 de Super Mario Bros. Durante 35 años hemos visto a un plomero escapar de mundos, reunir estrellas y salvar princesas mientras come hongos. Ha sido el compañero de muchos, una tradición para otros. Cuando platico con amigos que son más grandes me platican cómo se sentaban enfrente de la televisión para jugar Nintendo y lo recuerdan como uno de sus momentos más atesorados.

¡Felices 35 Mario!

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Eso hizo Super Mario Bros., reunió generaciones, hermanos, amigos alrededor de una consola donde lo único que veíamos eran pixeles moviéndose mientras alternabas entre Mario y Luigi para rescatar a la princesa Peach que había sido secuestrada por Bowser.

Antes de ser Mario, se llamó Jumpan y rescató a Pauline de las garras de Donkey Kong, ahí empezó la historia. De ser Jumpan pasó a Mario para su primer videojuego y se convirtió en el emblema de algo más importante que solo ser un superhéroe en 8bits.

Ahora para el 35 aniversario, Nintendo decidió celebrarlo entregando una trilogía de videojuegos para Nintendo Switch llamada Super Mario ·D All Stars, el cual incluye 3 juegos que marcaron a la siguiente generación de videojugadores que dejaron de ver las cosas en 2D y comenzaron a usar a Mario en un nuevo formato. El Super Mario Bros. 64, Super Mario Sunshine y Super Mario Galaxy cambiaron el juego para volarnos la cabeza y ahora los podremos volver a jugar. Aunque haya algunos detractores que dicen que Nintendo sólo nos entrega refritos, hay algo que tenemos que entender: La nostalgia vende, y nos gusta la nostalgia.

VAYA FUTURO

LOUDSPEAKER

12 EL INMINENTE FINAL DE UN PROYECTO MUSICAL COMO DETONADOR CREATIVO

“El que teme al silencio, es porque teme a sus voces enfrentar” es una de las primeras frases que puedes escuchar en El peso del mundo, y deja claro el realismo reflejado en este viaje introspectivo a manera de disco.”

TXT:: Jonathan Villicaña FOT:: Cortesía de la artista

vivimos alrededor. Puede sentirse que el desaliento es el copiloto del disco, aunque también esta saga interna, narrada a través de canciones, están presentes el aislamiento, venganza, incertidumbre, oscuridad, y tristeza. Dando como resultado un disco triste, que circunstancialmente hace match con los tiempos de pandemia en los que coyunturalmente fue lanzado el disco.

De cierta forma, pero no directamente, el migrar a la CDMX, le ayudó a Vaya Futuro, a abrir los ojos, logrando dar vida al disco más oscuro y maduro que han hecho, tanto en producción y lírica hasta el momento. Estos 5 años en la capital del país los ha llevado a crecer como individuos, así llegamos a la conclusión de que Vaya Futuro debería tocar otros temas más allá de la peda, el desmadre, el amor, que aunque no están mal, hay muchas cosas más en las que te puedes inspirar para hacer canciones.

Miguel considera que no es el disco más atrevido de la banda, aunque haya cambios en el sonido, y hayan salido de la zona de confort, considera que todos los discos de Vaya Futuro son atrevidos, y eso les ha permitido saltar entre sonidos, demostrando que son un proyecto cambiante, con una constante evolución. Pero El peso del mundo más que atrevido, si es el material más maduro y responsable que han hecho.

Vaya Futuro es una banda que da todo en el escenario, si has tenido la oportunidad de verlos sabrás de lo que hablo, si aún no has sido testigo de uno de sus conciertos, eventualmente debes de hacerlo, porque en directo es en donde realmente desdoblan todo su potencial. Por eso se proclaman en contra de presentar este disco a través de un concierto transmitido en internet, así como tampoco les gusta estar tratando de mostrar demasiado a sus fans en videos en vivo por redes sociales.

Aunque han sido invitados por medios, y promotores a hacer este tipo de conciertos por streaming, este proyecto prefiere reservarse, pese a que la situación es difícil, al estar viviendo y lanzando un disco en medio de una pandemia. El trío cree que fue tanto el esfuerzo que imprimieron en poder dar vida a El peso del mundo, que será mejor esperar a otro momento mejor para poder regresar a la experiencia completa de vivir un momento de comunión entre Vaya Futuro y su fans.

Síguele la pista a Vaya Futuro, escucha el disco y si te gusta lo suficiente, ya hay una edición en vinilo.

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LOUDSPEAKER

SI NO LOS TIENES EN LA MIRA, Vaya Futuro es una banda de Tijuana que migró a la CDMX buscando empujar su carrera, se volvieron una leyenda dentro del nicho underground a lo largo y ancho del país, pero la falta de posibilidades de crecimiento los llevó a cuestionarse el futuro del proyecto, jugando un volado al enfrentarse a la centralización de la industria musical del país en las tres principales capitales.

En su discografía Vaya Futuro se mantiene leal a la independencia, editando por ellos mismos, o en sellos emblemáticos como es el caso de Quemasucabeza de Chile, en el que nos entregaron su disco anterior: Tips para ir de viaje.

Al borde de la desaparición, Miguel, Luis, y L.E. Ross decidieron darle un empujón a la banda, ahora como trío, lanzándose al vacío dando vida a su cuarto disco, entregando como resultado El peso del mundo, un álbum oscuro, y único. Por el lanzamiento de este disco editado por Devil in the Woods, tuve una llamada con Miguel Ahuage, quien me ayudó a hilvanar los puntos críticos que hay detrás de este álbum.

El baterista me platicó que comenzaron a grabar en enero de 2019, “luego de un punto raro y estar inconformes como banda”, así decidieron comenzar a trabajar por su cuenta, haciendo los mismos integrantes de la banda la producción, y mezcla, contando con el apoyo de Arturo Vázquez de Little Jesus como arreglista de cuerdas, para lograr que el quinteto que formó parte del disco diera vida a esa sección, que la da un aire muy especial al disco.

Con El peso del mundo, los integrantes de Vaya Futuro se enfrentaron a la creación de un disco diferente, en el que por un año estuvieron experimentando en la producción, ajustando todo para que estuvieran completamente satisfechos, en esta ocasión le apostaron a dejar un poco atrás el rock y ser un tanto más electrónicos, tomando un camino poco explorado por la banda, pero que se nota que colateralmente, L.E Ross estuvo en su momento experimentando con su proyecto alterno Fuck Laptops.

La temática del disco es el realismo, aunque pueda parecer pesimista el recorrido que abre con “El abuelo” y concluye con “Sosiego”, no es la intención. Es más bien, un disco que a lo largo de sus canciones habla del ser consciente de todas las problemáticas con las que

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ASHNIKKO

14 MUSIC IS FEMALE

Ashnikko parece ser la Sailor Moon del mundo real, una joven que su único propósito es derrocar el mal pero a través de poderosas canciones llenas de feminismo y empoderamiento. Es la heroína que hacía falta.

TXT:: Karina Castillo FOT:: Micaela McLucas

en el mundo no fuera nada más tirar al patriarcado a través de enérgicas melodías: “Creo que estoy tratando de poner de mi parte, de hacer lo que puedo con mi habilidad. Destruir al patriarcado con mis letras, propagar la positividad sexual, estándares de auto-empoderamiento y la confianza de tu cuerpo”.

“No siento que yo tenga una confianza absoluta. No creo que nadie lo tenga. La gente real tiene días malos, yo definitivamente tengo días malos pero creo que tener días malos es lo que me sigue empujando a crear esa confianza en mí, son principalmente como unas charlas de ánimo para mí misma, el tratar de volverme una persona confiada es algo que trabajo día con día. Sí, lo estoy haciendo, pero es una constante batalla que conlleva un constante trabajo. Lo estoy intentando. Estoy escribiéndome una carta de amor y las canciones son para mí, de cierta forma, cartas de amor”, continúa platicándome.

Ashnikko se acercó al feminismo a través de Tumblr y para ella es igualitario, “es interseccional o no es feminismo”. Su entrega hacia la mujer es total, no por nada sus más grandes influencias musicales son únicamente mujeres, cantantes que escuchaba cuando tenía alrededor de 11, 12 años y que ahora forman parte importante de lo que es, y entre ellas se encuentra Gwen Stefani, M.I.A., Hayley Williams de Paramore, Joan Jett y Janis Joplin. Y no sólo eso, sino que Nicole me reveló que en realidad, desde hace ya un buen rato, ella únicamente escucha música que provenga de mujeres, puro girl power.

Por esto y por muchas cosas más, Ashnikko se está convirtiendo en todo un icono para nuevas generaciones dispuestas a derrocar el mal, mismas que han hecho de las plataformas digitales un lugar en donde puedan alzar la voz. E incluso la cantante está reinando una de ellas, la más usada últimamente: Tik Tok. Ahí su canción “STUPID” se hizo increíblemente viral, posicionándola también a lo alto de las tablas y ganando en tan sólo un mes alrededor de 170k de followers. Además de que recientemente ahí tuvo su propio y exitoso challenge.

Ashnikko ya ha demostrado que ni siquiera una pandemia puede detenerla porque ella siempre va un paso adelante. Se vienen próximamente cosas grandes para ella, un futuro muy prometedor con un reinado que apenas está comenzando.

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JOVEN, SALVAJE, FEMINISTA Y TALENTOSA... Así podríamos describir a Ashnikko, la cantante que se está robando las miradas de todos. Originaria de Carolina del Norte, Estados Unidos y con tan sólo 24 años, Ashton Nicole Casey es una de las promesas musicales más grandes que hemos visto surgir en los últimos años, ya que su pegajoso electro-pop/hip-hop más que ponernos a bailar, nos pone a analizar los problemas que atraviesa la sociedad, o para ser más específicos la mujer y su entorno.

Este año Ashnikko planeaba adueñarse de un montón de escenarios, sin embargo debido a la pandemia, todo se suspendió, así que un verano que se suponía sería de tour, terminó siendo un tiempo en el que la cantante se ha dedicado a aprender nuevas cosas desde su hogar, como el pole dance y la guitarra. “Me mantengo ocupada, sigo trabajando, haciendo videos a la distancia. Sólo trato de que el miedo existencial no se quede, así que hago varias cosas para estimularme”, me explica durante una llamada zoom que tuve con ella.

Y de hecho entre las cosas que ha hecho durante este tiempo, Ashton ya también enlistó una colaboración que no cualquiera: un dueto con Grimes. “Amo su música, así que una canción con ella salió muy natural. Desde hace tiempo había querido trabajar con ella, así que la busqué y sucedió”, comenta. Y de hecho este feature titulado “Cry” vino acompañado con todo y un impactante videoclip, algo digno de ambas artistas.

Quien conoce el trabajo de Ashnikko sabe que sus videos son algo tremendo, un hipnótico viaje audiovisual que le vuela la cabeza a cualquiera. Y hablando sobre el origen de estas obras maestras, ella me explica: “Amo colaborar con directores, y siento que estos son un tipo de colaboraciones. Ellos llegan con sus ideas y después yo le pongo de este tipo de cosas estúpidas y demás. Es como un pin pong de ideas de ellos y mías y siento que es una manera artística muy natural de colaborar. Sí estoy muy involucrada en el proceso creativo de los videos pero no los controlo completamente, porque yo estoy más del lado de la música.”

La música de la estadounidense es un todo, más allá de lo visual, el verdadero poder viene en sus letras. Canciones que buscan empoderar a la mujer, transmitir confianza y seguridad a una nueva generación, es como si Sailor Moon hubiera cobrado vida y su propósito

WILL BUTLER

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16 LA GUÍA DE SUPERVIVENCIA AL 2020

“He estado intentando descifrar cómo la música puede ser útil en medio de todo la mierda que estamos viviendo”

TXT:: Susana Medina FOT: Cortesía del artista

que intrínsecamente la música contiene esperanza y te impulsa hacia adelante. Te dice que estás aquí y que estás vivo. Me sentiría raro con mis letras y aún más raro hablando sobre desesperación, si la música no hiciera una contraparte.”

La música tiene la capacidad de hacer que pensemos algo nuevo o diferente, pero en este caso nos ayuda a adaptarnos. Aunque Generations parece el soundtrack original del 2020, es capaz de dar confort a nuestros traumas generados en los últimos años. “He estado intentando descifrar cómo la música puede ser útil en medio de todo la mierda que estamos viviendo”, Will se refiere a las protestas y disrupción en Estados Unidos y el mundo, “he escuchado por parte de personas que trabajan en resolver estos temas, que la música los restaura. Es como una comida que te reconforta. Últimamente he tenido esto en mente: la música en una forma mística es como dormir o comer. Intelectualmente sé que va de tus oídos a tu cerebro, pero se siente como si viajara por tu cuerpo, como el bajo se siente en tu estómago, puedes sentirla físicamente.”

Generations te entiende, te representa, te da energía, te eleva, te indigna, te impulsa a la acción. Pero, ¿acción contra qué o quién?

“Teóricamente la gente joven la está regando, pero para mí tienen las cosas claras. Me gusta que la gente joven me diga qué hacer. Si no sé algo intento pensar qué haría alguien más joven que yo.” Lo interesante sería saber si piensa lo mismo al componer, pues Will junto con Arcade Fire son casi duques del indie, un género musical que explotó mientras la generación Z estaba en la cuna. “Una de las piedras angulares para este álbum fue escuchar los Top 50 de Spotify de varios países. Pero mucho de eso es demasiado avant garde. No hay baterías, pero hay beats provenientes de dos lugares opuestos del mundo y una vocal loca generada por computadora.

Es más avanzado que cualquier experimento que yo haría y sin embargo lo hicieron y es un hit. Muchas cosas horrorizan, otras son muy buenas, pero fue como visitar un museo en el futuro”.

Retomando las palabras de Will Butler, este álbum puede ser un gran representante de su género, pero equivale a visitar un museo de lo que todos estamos viviendo entre generaciones este 2020. En el museo de Will, estamos siendo representados con autenticidad, cuestionados, y al mismo tiempo aliviados y empoderados.

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LOUDSPEAKER

EL SEGUNDO ÁLBUM DE ESTUDIO de Will Butler, ha sido lanzado en medio de una crisis global. Las canciones terminaron de ser editadas en Marzo de 2020 desde su sótano en Brooklyn y los videos de sus primeros tres sencillos fueron producidos mientras arrancaba el fin del mundo. El contenido detrás de sus tracks tanto en música como en letra, retrata la abrumación, culpa y anhelo por saber cómo ayudar, algo que todos sentimos leyendo encabezados de los últimos años. Lo único frustrante es que suena como un disco muy emocionante para ser escuchado en vivo: un imposible en plena pandemia.

“Hubiera estado de gira ahora. He estado pensando que sería un gran momento para estar de tour en Estados Unidos, particularmente alrededor de las elecciones,” Will Butler reconoce con tristeza. “No estoy hecho para el online, haré unas cuantas cosas pero no es mi ambiente natural. Quiero estar afuera con mis amigos y ser ruidosos.” Y este comentario no podría ser más acertado porque a pesar de ser su proyecto solista, los primeros tracks se perciben como un trabajo en equipo, la segunda parte como algo más íntimo. Esto se debe a que algunas canciones se trabajaron en vivo, otras tienen más producción. Además, la mezcla se dividió entre dos productores: Shiftee y Mark Lawson, el ingeniero de Arcade Fire. “Creo que el álbum tiene una sensación muy fuerte de Lado A y Lado B. El disco tiene un arco. Es como ir bajando en la corriente de un río, a veces es rápido, a veces tiene curvas, a veces va más despacio,” este poder narrativo también es notorio en cada canción, “En ‘Bethlehem’ la batería es bailable, punk rock, y luego se hace pequeña y electrónica, y vuelve a florecer.”

Will Butler parece estar obsesionado con los encabezados. En el track abridor “Outta Here” confiesa que está harto de leer malas noticias y harto de cierta generación. En “Close My Eyes” admite que tiene que ponerse a bailar para evitar llorar, al toparse con la misma primera plana de siempre. “Sentirse abrumado no es una emoción útil, pero creo que muchos la compartimos. Quise intentar expresarlo sinceramente y traducirlo a música,” Will anotó que no se trata sólo del contenido lírico, “la música por sí sola es una fuerza creativa. Aunque cantes sobre la falta de significado en la vida, la música está presente y actuando en ti. Siempre descubro

MIDNIGHT GENERATION

LOUDSPEAKER

18 FUNK DE ALTO OCTANAJE Y MANUFACTURA NACIONAL

México tiene un ecosistema musical tan grande que puedes encontrar el sonido que quieras producido localmente y con mucha calidad, todo depende del saber buscar, Midnight Generation es el proyecto de funk que necesitas en todas tus playlists.

TXT:: Jonathan Villicaña FOT:: Cortesía del artista

En un contexto como es la escena musical independiente en México ¿por qué prefieren usar el inglés?

Es una pregunta que nos hacen muy constantemente, ya que aquí es difícil que los mexicanos acepten a mexicanos que cantan en inglés.

Es como una barrera que normalmente nos ponen aquí en México, pero nosotros lo hacemos por el estilo que nosotros tocamos, no lo imaginamos de otra manera.

No imaginamos este tipo de música funk cantada en español, nosotros creemos que se escucharía un poco raro, por eso lo hacemos en inglés, pero no, no significa que nunca vayamos a querer hacer cosas en español. ¿Cuándo comenzaron a trabajar el nuevo álbum?

Este disco lo empezamos a trabajar hace como dos años. Se hizo el primer track, ha sido un recorrido bastante largo para un disco. Un disco normalmente se debería hacer en cinco meses, no en dos años, y ha sido una evolución muy, muy grande, para para Midnight Generation.

Antes los sonidos eran muy digitales, eran un poco más de electrónica.

Ahorita nos empezamos a meter sonidos más reales, más análogos, más naturales, eso es lo que nos ha inspirado y hemos estado cambiando un poco. La gente no se espera lo que vamos a lanzar. ¿De qué forma evolucionó la banda de su disco pasado a este, tras la salida de un integrante de la banda?

Todos tenemos caminos diferentes. Cambió un poco la dinámica, ya que ahorita pues no contamos con baterista, la verdad es que no nos perjudicó mucho, ya que justamente David decidió dejar la banda cuando empezó esto de la pandemia.

Se cancelaron todos los shows, y las canciones ya estaban casi todas compuestas, no grabadas al cien por ciento, pero ya estaban

todas compuestas y se fue. Creo que se fue en el momento indicado para la banda, ahora estamos buscando un baterista, para cuando pase la pandemia y que empiecen los shows en vivo. ¿Narrativamente existe un hilo conductor entre las canciones que forman parte de Odissey?

Hay cosas que unen al disco, por la manera en la que fueron grabadas y tocadas. Creo que todo encaja muy bien en un contexto, porque si escuchas la primera canción y escuchas la última, te vas a dar cuenta que encajan, le dan forma al disco. Es a lo que me refiero. Ha ido evolucionando el sonido con cada canción, sin duda. ¿Qué tiene Midnight Generation que pueda ofrecer al público mexicano que no se pueda encontrar en otro proyecto?

Creo que no hay una banda que sea como Midnight Generation ahorita en México, normalmente nos dicen que la música que hacemos viene de de Estados Unidos, o incluso de Europa.

Por eso creemos que nuestro mercado está más bien allá, y eso lo comenta la gente, no lo comentamos nosotros. Si hay bandas de aquí, de México que suenan y que tienen cosas similares en nosotros. Pero ellos siguen cantando en español.

Nosotros lo que podemos ofrecer es esa vibra como francesa que traemos o incluso del funk americano. Eso creo que no se encuentra normalmente en una banda mexicana.

Dentro de las múltiples escenas locales que hay actualmente en México, ¿ junto a qué otros proyectos les gusta verse?

Me gusta Clubz, siento que es una gran banda, Camilo Séptimo, los Rubytates, hay muchas bandas más que me gustan, pero me enfocaría en esas tres.

Este es un momento con aciertos y retos para lanzar música, por un lado que la gente esté en casa hace que escuche más música, y más música nueva, pero no se pueden dar conciertos ni ir a radios a promocionar el disco, ¿cómo es su sentir al respecto?

El que parara todo, nos ayudó a enfocarnos cien por ciento en el disco. Que es lo que hicimos durante los últimos seis meses, y ya que acabamos el disco estábamos ansiosos por tocarlo en vivo, es lo que más queremos, pero pues todo depende de cómo va evolucionando el mundo.

Ahora ya conoces a otro proyecto que a lado de Clubz, Mylko y Tayrell está haciendo funk con influencias francesas en nuestro país.

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LOUDSPEAKER

LA LLEGADA DE LOS MILLENNIALS tardíos y los primeros centennials a la industria musical están aportando muchos nutrientes a los sonidos nacionales, Midnight Generation es un gran ejemplo de esto.

Aunque su debut discográfico fue en 2015, con Funk your Bones, este proyecto musical ha tenido que evolucionar, así como replantear muchas cosas, como su misma alineación, ya que de camino al lanzamiento de su nuevo disco, Odissey, tuvieron que renovar y aceptar que la continuidad del proyecto estaba en las manos de su núcleo creativo, los hermanos Mau y Fer Mares, y fue con el primero que pude hablar para conocer más del disco:

NURIA GRAHAM

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20 FAENA EXTRAPERSONAL DE INSPIRACIÓN BUCÓLICA

“Podría decir que en este disco estoy en el papel de semiobservadora y semiresidente, repensando mi manera de vivir las emociones y aprendiendo a expresarlas. Confío en mi intuición y creo que eso se refleja en mi manera de trabajar”.

TXT:: Thelma Ascencio FOT:: Marc Cusco

¿Cuáles fueron los ejes transversales que guiaron el concepto de tu último álbum Marjorie?

Lo más bonito de hacer música es que también resulta ser una sorpresa para mí, porque no estaba nada planeado, yo solo sabía que quería grabar un álbum. Hay canciones muy introspectivas pero también hablo de personajes reales para entenderme a través de ellos, manteniendo siempre un poco de misterio. Por casualidad me encontraba viajando mucho más a Irlanda y me entró la curiosidad de observar e investigar detenidamente a la gente que me rodea, de ahí la primera canción “Connemara”, que habla del suicidio de un chico joven, vecino de mi tía, y aunque me parece una canción triste, la letra es más como un saludo a lo desconocido, a la muerte. Esta canción es muy especial, porque la escribí un día en el piano después de levantarme con la melodía y la letra casi resueltas, siento que fue como una especie de iluminación. En el videoclip estamos ahí, los protagonistas son mi tía y su novio Irlandés que es pescador y me pareció muy significativo hacerlo en este lugar al que he viajado durante muchos años, mi segunda casa. Podría decir que en este disco estoy en el papel de semiobservadora y semiresidente, repensando mi manera de vivir las emociones y aprendiendo a expresarlas. Confío en mi intuición y creo que eso se refleja en mi manera de trabajar. En todo el disco hablo de situaciones o acontecimientos reales que reinterpreto desde el lugar en el que me encuentro, como en “Another Dead Bee” pues en un viaje a Irlanda me encontré con muchas abejas muertas porque hacía mucho calor, pero aún podía escuchar su zumbido, eso me hizo reflexionar en cómo intuimos cuando algo se ha terminado pero seguimos ahí, inmersos, escuchando el ruido.

¿Cómo surgieron las primeras canciones para este álbum, comenzaste tú sola, o con los músicos de tu banda?

Todas las canciones han surgido de estar yo sola en casa tocando la guitarra y también el piano, de hecho creo que este es el primer disco donde la mayoría de las canciones las empecé a componer desde el piano, después de pasarme horas probando. Marjorie es de las primeras que escribí, es un homenaje a mi abuela que no pude conocer.

Mi padre siempre me ha dicho que nos parecemos mucho en el carácter y con esta canción quise empatizar con ella. Por muchos años mi abuela vivió ansiosa, esperando que mi abuelo regresara en la noche del bar. De alguna forma y en otras circunstancias sentí que estábamos experimentando la misma angustia. En el video también estoy en Connemara, en un bar que tiene una gran ventana porque nos parecía que lograba hacer alusión a esa espera eterna. Esta sensación va ligada con “The Stable”, cuando digo “Cause I don’t think that I would have the balls to leave”, abordo esa idea errónea del amor romántico que se vuelve dependiente. A diferencia de “Toilet Chronicles” que la escribió Marcel Pujols, mi primer novio de la adolescencia y que me marcó mucho, no sólo a nivel personal sino también melódico. La canción en realidad se llama “Amor de garrafa” e hice mi propia versión como respuesta. Al final este disco habla de muchos tipos de amor, pero en este caso, este es el amor más puro, el de la amistad que perdura. El vídeo lo hicimos en una tienda de discos de Barcelona con los amigos, la idea era hacer una celebración cercana, dando soporte a las bandas y tiendas de discos locales.

Al final sí, tengo mi banda y en realidad ensayamos muy poco pero creo que lo más güai de tocar con músicos es que tienes que aprender a confiar en lo que van a hacer. Con ellos tengo una buena amistad pues yo siempre he pensado que lo musical y lo personal van ligados, porque si a nivel personal conectas, al momento de tocar o improvisar se nota muchísimo. ¿Has intentado componer en español?

Lo he intentado, de hecho le he compartido un par de canciones a Amaia Romero, y tengo algunas escritas para mí, pero cuando las canto no me gusta mucho como suenan. A nivel de influencias me gustan mucho los boleros y me encantaría cantarlos bien, pero siento que no soy buena intérprete en castellano. Y desde que empecé a escribir siempre me ha salido en inglés, creo que es lo más natural, pero no descarto el español ni el catalán, ya me saldrá si tiene que salir.

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LOUDSPEAKER

CONNEMARA ES UNA REGIÓN AL OESTE DE IRLANDA que ha servido de inspiración para Nuria Graham en la realización de su tercer álbum Marjorie, publicado a mediados de Febrero del 2020 por Primavera Labels.

A sus escasos pero muy provechosos 24 años la cantante española nos muestra cómo la pasión y el compromiso con su carrera musical le han permitido cumplir sus sueños, pues la niña que comenzó tocando guitarra clásica ya compartió escenario con St Vincent, artista que admira desde la adolescencia. Nuria sobresale por su enorme capacidad para tocar la guitarra, cantar y componer con el piano, mostrándonos su extenso bagaje musical al crear canciones que pueden ir del pop hasta el jazz, o del folk al alternativo. Oriunda de Vic, Cataluña y de ascendencia irlandesa, Graham nos cuenta cómo aquellos viajes a Connemara fueron esenciales para crear su último disco.

LA DAME BLANCHE

LOUDSPEAKER

22 TOD@S SOMOS ELLA

“El artista es competitivo por naturaleza. Nos gusta competir y trabajamos para ser los mejores. Ahí, el hip hop tiene algo único: el featuring, las colaboraciones, invitaciones a último minuto que generan grandes cosas. Ese es el lado del hip hop que más me gusta.

Cualquier rapero que se me acerque sabrá que puede trabajar conmigo sin problemas”

TXT:: Lenin Calderón FOT:: Maxi Guterman

Tu nuevo disco se llama Ella, sale en un año particularmente turbulento y revolucionario para la causa feminista, ¿alguna relación?

El disco lleva el ADN de estos tiempos. Se llama así en honor a la madre extraordinaria que tengo. Pero “ella” somos todas. Meterte en la piel de muchas mujeres, te hiere. “A veces” fue un grito de impotencia y en un inicio no había intención de hacerlo disco, más bien quería desahogarme. Pero si escuchas las letras, dicen “vamos a hacerlo”, “llevemos esto hasta el final”. Entonces, hagamos un disco. Ahora es real. Así como crece esa cadena de impunidad y de brutalidad también tiene que crecer una cadena de justicia y me uno al cien.

El disco contiene 10 historias de 10 mujeres ¿cuál de ellas eres tú?

Soy un poco todas ellas. Sus causas son mías también. La que más me identifica es “La exiliada”. Hay que saber vivir como exiliada, no dejarse llevar por el racismo y aprender a vivir fuera de casa. Muchos años canté en bodas o fiestas privadas y realmente me dolía porque a mí me encantan esas ceremonias, cantaba con el alma pero al final, me daba cuenta que nadie escuchaba. En Cuba, si hay una cantante dándolo todo la gente por lo menos aplaude. En Francia todo es más frío.

La fe es parte clave de tus letras ¿cómo te ha ayudado en el plano profesional?

Soy santera desde la mañana hasta la noche. Vivo todo el tiempo con mi religión, con mis espíritus y mis muertos. Prefiero ir acompañada. Si por ellos fuera, ya me habría ganado todos los Gammy, pero soy muy trabajadora. Los méritos que pueda tener han sido muy sudados. Pero, el power o la posibilidad de decir “yo puedo” me la dan mis espíritus. En escena, sé que nada me va a pasar porque voy segura, con mi tabaco y bien acompañada. ¿Qué tanto has sido tú “La maltratada”?

Yo no he sido víctima de maltrato pero no deja de afectarme. Esto es mundial y brutal. Tengo dos hijas, por eso me duele hasta los huesos.

Sé que no hay comparación con el dolor de alguien que sí lo ha sufrido, pero aún así lo siento. Con esta música ligera, puedo llevar el

mensaje de empoderamiento a la puerta indicada y levantar la moral para tomar una decisión, dar un paso al frente. Es mejor hacer, que no hacer nada. Doy gracias que la musa que me hizo componerla y me puso también en posición de fuerza y combate. En ella, mando toda mi energía al mundo y espero que los espíritus se calmen porque esto se ha desbordado.

“La americana” habla un poco del idioma y sus clichés, cuéntanos más.

Surge de algo que me horrorizó: Latinos discriminando a otros latinos ¡por no hablar inglés! A muchos los sacaron de restaurantes por no hablar inglés entre latinos. Los latinos siempre nos unimos, si hay un latino en problemas la bronca también es mía. El problema es Trump, no el idioma.

En tiempos de Covid, ¿cómo se colaboró en el disco?

Colaboramos con grandes, pequeños y todo el que nos mandó un mensaje. Con esta pausa y a distancia, pude ayudar amigos que ya me lo habían pedido y viceversa. Recibí mucha música de amigos que quería oír desde hace tiempo. Así pudimos trabajar con Flavia Coelho y con Mambe. Con Las hijas del rap estamos por cerrar un disco que armamos pasito a pasito por la pandemia.

Percibo un acento andaluz en tu flow, ¿qué tan cierto es esto?

Es muy lindo porque nunca ha sido mi intención. Esto es una sonoridad que nace en mi voz cuando soy sincera o cuando quiero llorar.

Fuimos colonizados por los españoles o sea que el que no tiene de congo, tiene de carabalí. Seguramente por eso. O tal vez es una gitana que está por ahí dando vueltas y vino a dar su energía. En realidad nunca he trabajado en ese acento pero ya me lo han dicho y es un halago.

Sale solo y viene cuando viene.

Háblanos del empoderamiento latino, que también tiene un lugar en tus rimas.

En todos mis discos me presento al público con mis virtudes y defectos. Tengo muchos elementos escénicos que justifican mi feminismo y negritud. Tal vez puede ser chocante que esta negra con su tabaco venga y se imponga pero lo hago siempre con una sonrisa, nada es forzado. Para mí, la prueba de que esta pose es real, es que siempre ha sido bien aceptada y comprendida, incluso en lugares donde no hablan español. Siempre hay una mujer o un hombre que me dice “negra, dame un abrazo”. No sé que voy a hacer ahora con el Covid, porque tengo muchas ganas de estar otra vez en contacto cercano con el público.

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A PUNTO DE ESTRENAR EN NACIONAL RECORDS su tercer disco de estudio, tuvimos la oportunidad de charlar con La Dame Blanche acerca de Ella, un disco mezcla de hip-hop, dancehall y trap, con un insólito dejo andaluz.

LUCIA TACCHETTI

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24 EL NUEVO POP LATINOAMERICANO

Los abusos en contra de las mujeres, y la búsqueda de un ecosistema social equitativo entre géneros, es un problema en todo Latinoamérica, y se ve retratado en este disco, que esperemos coyunturalmente pueda resonar en toda la región.

TXT:: Jonathan Villcaña FOT:: Martín Pisotti

¿De dónde se nutre tu imaginario musical?

Tengo como una fusión bastante extraña de inspiraciones, pero quizás te puedo decir lo que más estoy escuchando, que fue también lo que estaba escuchando en el proceso del disco. Hay mucha inspiración de Mura Masa. Es un artista que me gusta mucho, que es super libre con sus creaciones. Como me deja que cada canción vaya por su camino. Y me gustaba esa premisa.

Estuve escuchando bandas de España como: Cupido, y Cariño, que no tienen tanto que ver con lo que yo hago. Más a comienzos de la cuarentena escuche un EP de de C. Tangana, que es hermoso, es como algo nada que ver para lo que estamos acostumbrados de él. Y después tengo como mis dos o tres bandas ya de cabecera que son Sylvan Esso, que es una banda de Estados Unidos me gusta mucho, así como LCD SoundSystem y Arcade Fire, que ya son como más clásicos. ¿Cuál crees que es el común denominador que hilvana a las canciones de este disco?

El disco lo teníamos desde el verano pasado, y era un disco un poco más ecléctico. En la cuarentena, surgió el cover del “El magnetismo”, que no estaba en mis planes, eso dio un poco de quiebre al álbum. Ahí empezamos a pensar de nuevo y compuse dos canciones, hace dos meses. Sentí que tenía que reemplazar cosas, y me gustó porque terminó cerrando con un concepto diferente.

Finalmente es un disco que tiene muchas variaciones, y hay una raíz común que está en el pop, en los sintes, los ritmos y el juego de voces. ¿Cómo fue que te enamoraste tanto de “El magnetismo”, de El mató?

Es una canción que siempre me gustó, es medio un himno para mi, siempre me ha representado mucho esa canción. Y cuando empezó todo esto de los shows en streaming hice uno cada dos semanas. Y entonces empecé a querer diferenciar cada concierto por si había publico que estuviera repitiendo.

Comencé a montar uno o dos covers para cada show, se me ocurrió hacer esta canción que tanto me gusta, la grabé para un compilado que hicieron en Brasil, y cuando se la mostré al equipo con el que trabajo, me dijeron; “saquémosla” y ya está. Fue muy lindo el resultado. ¿De dónde nace el coro “la libertad te salva” en “Gritan fuerte”?

Viene de años atrás de la revolución feminista, así que a raíz de unos

hechos cercanos, hablaba mucho con mis amigas y decidí hacerle una canción a ellas, a las mujeres que me representan y que me formaron como soy.

Lo único que necesitamos las mujeres es ser libres, poder caminar sin miedo, hacer lo que tengamos ganas de hacer, sin que nos digan que hacer, o bajo qué reglas. ¿Cómo fue que tejiste esta red de colaboradores en Hispanoamérica, para este disco?

Fue muy hermoso, es la primera vez que me animo a compartir mi música, hay 4 colaboraciones en 10 canciones. Me encanta pensar en esto como una comunidad, en la que estamos en el mismo nivel como artistas, desarrollando una carrera, y siempre es importante apoyarnos.

Se dio tan natural, cada persona queda perfecta con cada canción.

Además genera una red, comunicación y expansión para todos. ¿Hay alguien en Latinoamérica por quien te mueras por colaborar pero aún no se ha dado?

Sí, un montón, pero mi mayor fanatismo es por Javiera Mena, a quien ya le hice un remix, y eso fue un primer acercamiento.

También me gusta mucho Clubz, Ella Minus, Little Jesus, y bueno muchos más, pero principalmente ellos. ¿El año pasado pudiste dar un pequeño tour en México, qué recuerdos atesoras de este viaje?

Fue hermoso, fue una gira que la recuerdo con mucha alegría porque la pasé muy bien, me encantó la recepción de la gente y el cariño, me sentí como en casa, una cosa muy rara. Me sentí muy apoyada todo el tiempo, tengo muchas ganas de volver.

Y dentro de tu país ¿ junto a qué otros artistas te identificas o con quienes podrías hacer escena?

Es medio difícil, porque siento que hay más escena de un pop más con bandas, si bien hay solistas, están en otros planes. Pero de bandas que me podrían gustar compartir aunque cada una está en su propio universo, hay una banda que se llama Peces Raros que me gusta mucho, después Bandalos Chinos, que aunque no es algo que escuche mucho se me hacen muy admirables, y recién escuché una canción de “Mi Amigo Invisible” que me gustó mucho, siempre estoy buscando música, y muchas sonoridad. ¿Qué consideras que podríamos cambiar en Latinoamérica para que todo sea más favorable para los artistas?

Creo que lo que más falta son lugares para tocar bien equipados, que técnicamente esté bien, que no hay problemas de electricidad. Luego que los arreglos sean justos, que les sirva a las dos partes.

Y luego, una red favorable, que se unan el artista, el periodismo, los lugares, los promotores. Debemos unirnos y no estar compitiendo el uno con el otro, tenemos que estar lo más abiertos posibles a crecer todos a la par, porque no sirve que uno se enaltezca y el otro se quede abajo.

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LUCIA TACCHETTI es una productora, compositora, cantante argentina, en fin un estuche de monerías, el 25 de septiembre estrenó su segundo disco de larga duración, Eleté, un álbum que da pie para comenzar a forjar una marca alejándose de su carrera como Lucia Tacchetti, y aprovechando para separar su persona y mostrar al mundo una evolución hacia un personaje que en estos momentos gusta de llamar “Eleté”.

Para conocer más de este disco, sus colaboraciones y lo que hay detrás pudimos platicar a la distancia.

IDLES La autobĂşsqueda constante

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arece una locura pensar todo el tiempo que nos ha dado la pandemia para hacer y deshacer en casa. Muchos días, después de probar miles de cosas en las mismas 24 horas, me ponía a reflexionar todo lo que soy, bueno y malo, y como puedo usarlo para crecer.

Muchos decían que teníamos que salir de esto con un nuevo talento, un nuevo idioma o con una cantidad infinita de libros leídos. Para mi solo fue tiempo para aprender más cosas de mi. De mis miedos, ansiedades y frustraciones en la vida.

Sé y sabía que no era la única en vivir eso y después de platicar con Joe Talbot, líder de Idles, me di cuenta que a muchas horas de distancia hay gente que también ha aprovechado este espacio para encontrarse a sí mismo. Eso es Ultra Mono el nuevo álbum de la banda de Bristol.

Con esta necesidad de estar unidos con los amigos, creaste este show llamado Bailey TV. Platícame un poco más de esto.

Es algo que yo quería hacer desde hace tiempo. Un show de música con música en vivo, donde se tiene una conversación abierta con personas con las que quiero hablar y estar conectado con la audiencia. Realmente crear contenido para que las personas estén entretenidas y conectadas. Es una forma de mostrar nuestro agradecimiento.

Tener un show de televisión o canal de Youtube, lo que sea es algo divertido de hacer y mantenerte creativo. ¿Sabes?

TXT:: Daniela Galván FOT:: Nwaka Okparaeke

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¿Cuál fue la inspiración para la temática visual?

Me recordó a este show de MTV2 llamado Wonder Showzen. Es extraño. Como un puppet show y hay niños haciendo preguntas de adultos pero visualmente me recordó a eso.

Yo crecí con un programa llamado TFI Friday y The Word.

The Word fue una gran inspiración de cómo MTV era. Yo creo que hubo una era dorada en la televisión. Había una sensación de peligro y de impredecibilidad y la gente realmente estaba interesada en lo que la gente tenía que decir. ¿Qué pasa en internet? Es un mar de opiniones que no importan realmente.

Cuéntame de esta unión entre músicos con amigos como Jehnny Beth o incluso Danny Nedelko.

Hablé con Jehnny en zoom o por teléfono a veces. Hablo así con muchas personas. Trato de ver cómo están seguido, porque sientes que hay una conexión ahí. Ambos están en una situación similar. Con IDLES en una posición privilegiada, siendo abrazados por el lanzamiento del disco y los seguidores y eso.

Danny es un buen amigo mío. Nos hemos visto algunas veces en Bristol recientemente. Pero sí, yo siempre estoy conectado con esas personas. Es agradable poder hablar con ellos y sentir que tienes a alguien que te entiende.

¿Sientes alguna responsabilidad de tener que darle a tus fans un sentimiento de bienestar?

No siento la responsabilidad de decirle a alguien que las cosas van a estar bien. Mi responsabilidad como artista es, como yo lo veo, solo darle esperanza y realidad a la gente. Hablar de cómo yo me siento y mis errores y mis experiencias y ser un espejo de mi persona. Mi responsabilidad es progresar como persona. Yo solo puedo controlar lo mío. Eso es Ultra Mono, conciencia de sí mismo y aceptación. Es procurarme a mi mismo para poder ir adelante y crecer. Educarme y re-educarme sobre mi mismo.

“Mr. Motivation” me sonaba como un “todos vamos a estar bien. Salgamos de esta.” pero después viendo el video de “Grounds” se siente un poco como desesperación y ansiedad. No sé si intentaron imprimir esto en el disco.

No es una buena o mala vibra. Todo el álbum es sobre el “ultra mono”, la frase “ultra mono”: yo soy yo. Es una aceptación momentánea de uno mismo. Es la conciencia de uno mismo. Y la conciencia, la verdadera conciencia son partes buenas y partes negativas en la vida y aceptar ambas en balance. Tener una versión completamente positiva de la vida es irreal. Hay negativos y positivos en todo. El sufrimiento es una parte natural e importante en la vida para entender las partes buenas. Ultra Mono es sobre todo el ser en el momento y eso es todo. Así que habrá dolor y sufrimiento.

Yo he tenido suficientes traumas para entender que son los positivos y negativos en mi vida y cómo aprender de eso para poder seguir adelante. Así que hay momentos en los que Ultra Mono es muy negativo y eso engrandece lo positivo.

En los discos pasados habían referencias literarias a The Descent Of Man de Greyson Perry. ¿Hay nuevas referencias en Ultra Mono?

Sí. Awareness de Anthony De Mello y otro libro llamado The Power Of Now de Eckhart Tolle. Que hablan sobre la presencia en el momento y atención plena y dejar de lado el pasado y el futuro y estar presente en el ahora para poder aceptar el autocuidado y seguir adelante. Progresar. ¿Cómo fue para ti el poder llegar a tener este pensamiento y ser consciente de todo lo que te hace ser tú ahora?

Creo que es solo aprender. No creo que esté ahí todavía.

No puedo meditar correctamente ¿Sabes?. Es sobre tener esta conversación y comprometerte para poder salir adelante. El disco no es para decirte cómo vivir, es para decirme a mí como hacerlo.

Yo no puedo controlar cómo vives o cómo reaccionas ante nuestra música o lo que pienses u odies. Pero yo controlo lo que pienso y como me comporto. El disco es un lugar de terapia y cambio. Todavía no triunfo, pero estoy aprendiendo y creciendo lentamente.

“Abraza el momento y trata de vivir un día a la vez”

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FOT:: Bradley Wood

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Ustedes dicen “todos son bienvenidos a unirse a nosotros y hacer magia juntos” pero al mismo tiempo dicen “nosotros no tenemos que darles cosas que no queramos hacer”. ¿Cómo logran cautivar a los fans que ya están esperando algo específico de ustedes?

Pero ese el roll del artista ¿no? No se trata de darte lo que quieres, es crecer como artista. Yo no controlo lo que tú quieres y lo que piensas o dices. Lo que amas o lo que odias. Yo solo puedo controlar lo que tengo y se trata de deshacerte de esa idea de complacer a la audiencia para poder darles lo que quieren. Que es reflexión, porque lo que sea que tú ves en una canción o una pintura o un libro es tu perspectiva no mía. Yo hago el arte para mi y esa es la única forma verdadera en la que yo puedo ser transparente. Es viendo hacia adentro y no volverse obsesivo tratando de controlar lo que tú quieres. La música, el cine, literatura, todo es una perspectiva y un universo que el artista crea. Pero siempre es de ellos, no suyo. Y entonces en cuanto leas ese libro o escuches esa canción o veas esa pintura se vuelve tuyo. Entonces te pertenece y no tiene nada que ver con el artista.

Abrazar que eres insignificante es la cosa más poderosa que puedes hacer. No puedes evitar la muerte, solo puedes ser y absorber todas las cosas a tu alrededor pero nunca vas a ser tú. Yo solo puedo hacer arte desde mi perspectiva y esa es la belleza en la individualidad. Es entender que eres insignificante y ese es el poder de la comunidad. Celebrar las diferencias y la individualidad. ¿Qué opinas de las redes sociales y la individualidad? La gente joven en esta cuarentena están teniendo este momento masivo con las redes sociales como Tik Tok ¿Qué opinas de eso?

Creo que son cáncer. No lo sé, nunca he estado en Tik Tok, yo solo uso Facebook. Me gusta mucho Instagram. Creo que básicamente las redes sociales son un poco como el arte. Es una plataforma donde puedes sentir que eres parte del mundo y puedes expresarte pero creo que uno de los problemas con las redes sociales es que hace pensar a la gente que tienen poder sobre la vida de otras personas. No lo tienen. Es un lugar donde sientes que eres parte del mundo pero el mundo está aquí. El arte, la música y demás en su mejor forma, en su forma más productiva es cuando estás leyendo un libro o estás en una exposición o en un concierto. Escuchas el disco y te sumerges en él. Pero de alguna forma si controlas eso es bueno. Las redes sociales le dan a las personas esta idea equivocada de que son dioses.

Para terminar, qué le recomendarías a esa gente que sigue en confinamiento para poder luchar contra estos sentimientos que estamos experimentando.

Creo que no luchar contra los sentimientos. Es completamente normal sentirse solo y triste y deprimido. Sentir enojo y sentir desilusión. Está bien. Son tiempos extraños y deprimentes para muchas personas. Así que hay que abrazarlo e intentar hacer algo hermoso de todo eso.

Abraza el momento y trata de vivir un día a la vez.

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Deftones

Divertirse te da vida

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34 TXT:: Efraín Ramírez “Mako” FOT:: Cortesia del artista

“Todo lo que podemos hacer es ser nosotros mismos”

creíbles dentro de la alineación pero la batería es un sello característico de la banda. Cuando vas a verlos tocar en vivo, se apagan las luces y suena la tarola de “My Own Summer (Shove It)” sabes que todo se va a ir a la mierda, ya después la voz desgarradora de Chino Moreno te lleva a sentir cosas especiales. Y después de tantos años de estar arriba del escenario hay canciones que van y vienen de los setlists, hay canciones que después de tocarlas tantas veces debes darles un descanso, así fue con “7 Words” que viene en Adrenaline, el álbum debut de Deftones: “Es curioso porque hubo un tiempo en el que no nos gustaba tocar ‘7 Words’ y la gente se enojaba porque la sacamos del setlist. Esa canción la escribimos cuando teníamos 17 años y hace poco la volvimos a tocar y fue muy divertido. Creo que hay distintas perspectivas, cambiamos una canción que le gusta a mucha gente pero a veces tienes que darle un descanso. Pero después recuerdas que esa canción fue la que te dio tantas oportunidades y tienes que respetarla y tratarla bien. No puedes hacer siempre a la gente feliz, lo intentas pero es complicado”, apunta Abe después de que le pregunto si tiene una canción que no le gusta tocar.

El nuevo disco está producido por Terry Date, pieza fundamental del sonido de Deftones como los conocimos en sus inicios. Para Abe es parte de la familia, produjo los primeros 4 álbumes además de Eros, el álbum que nunca vio la luz después de la muerte de Chi Cheng. Se podría decir que bajo la producción de Terry Date se forjó gran parte de la música de esa generación, produjo a Pantera, White Zombie, Helmet, Incubus, Limp Bizkit, Slipknot, Korn; entre otros.

Después del álbum homónimo, Deftones trabajó con Bob Ezrin y Shaun Lopez para el Saturday Night Wrist, Nick Raskulinecz produjo el Diamond Eyes y Koi No Yokan; y el Gore fue producido por ellos y Matt Hyde.

Después de tantos años de carrera, 9 álbumes, altibajos y millas recorridas, Deftones se coloca como esa banda que va a costar trabajo verla envejecer. El nuevo disco es brutal, te derrite la cara y la producción es notable. Pero ¿Cómo una banda así se acopla a los nuevos tiempos en donde todo tiene que ser más rápido? “Todo lo que podemos hacer es ser nosotros mismos. Es muy emocionante tener esta parte de marketing pero es raro porque la gente ya está dentro del sitio intentando descubrir los secretos que tenemos. Es un mundo interesante porque todo es muy rápido, yo no puedo hacer nada, así es el mundo. Para nosotros que ya somos grandes intentamos mantenerlo divertido mezclando estos dos mundos”.

La banda se encontraba a 8 horas de partir rumbo a la primera parte de su nuevo tour, su destino era Australia y Nueva Zelanda cuando recibieron la llamada de que todo se había tenido que detener. Para Abe, su parte favorita de tocar en vivo es viajar, conocer ciudades, comer, probar nuevas cosas y el tener que detener este proceso lo hace volverse loco; quiere tocar pero antes que todo quiere que el mundo esté bien para poder regresar con fuerza.

Abe recuerda con mucha emoción esas 3 noches en las que tocaron por primera vez en México, pero si pudiera regresar a un show en especial, volvería a alguno de los malos shows que ha tenido Deftones en su carrera para cambiarlo.

Pasarán los años y Deftones seguirá ahí, porque se siguen divirtiendo juntos y nosotros nos divertimos con ellos.

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eftones es una de esas bandas que por azares del destino terminó muy cerca de mi vida, más allá de sus canciones y discos, pude vivir cosas increíbles gracias a ellos y junto a ellos. Hace 10 años se presentaron en el Vive Latino, era su regreso a México después de muchos años y un muy buen amigo me dijo que teníamos que ir al Hotel Camino Real del Aeropuerto para recoger nuestras pulseras. Cuando llegué pensé que sólo recogeríamos los accesos y nos iríamos pero cuando estábamos en el lobby esperando, vi salir a un tipo medio regordete con camisa de cuadros salir del pasillo que te llevaba a los elevadores; la realidad es que los accesos para el Vive Latino llegaban por parte de Deftones y al que veía ahí era Chino Moreno. Llevábamos marihuana y quesadillas de Coyoacán, esa era la única regla para ir por las pulseras; eso había pedido Chino y en el lobby le entregamos el paquete y nos dio nuestras pulseras. Nos invitó a su cuarto a platicar y subimos con él. Ahí escuché las maquetas de Crosses, canciones que verían la luz algunos años después pero que en ese momento parecían sólo un proyecto más de esos que se les ocurren a los artistas en sus tiempos libres.

En ese Vive Latino los vi desde arriba del escenario, nunca había visto ese nivel de destrucción en la gente; después se volvería algo que vería una y otra vez en sus visitas.

Deftones es esa banda que pareciera que no envejecen, si los vemos cada vez más madreados pero una vez que se suben al escenario todo cambia. “Tal vez eso lo podemos seguir haciendo pero va a llegar el momento en que no, a todos nos llega. Pero honestamente es divertido, cuando te subes al escenario te atrapa, suena simple pero es divertido. Lo divertido te mantiene joven. Y debes de tomar agua.

Me gusta la cerveza, el mezcal pero el agua es importante. Hemos tenido altibajos en nuestra carrera, momentos muy divertidos, así es la vida. Somos bendecidos por seguir aquí y lo más importante es que disfrutamos estar juntos, nos divertimos mucho juntos, somos hermanos, hablamos de todo, nos reímos, peleamos pero nos disfrutamos”, me dice Abe Cunninham en una plática que tuvimos hace unas semanas con motivo del lanzamiento del primer sencillo de su nuevo disco Ohms.

La nostalgia en estos tiempos locos es algo importante para el mundo y tener un nuevo álbum de Deftones nos ayuda a varios a recordar ese primer acercamiento que tuvimos con la banda. Para muchos ese primer acercamiento fue el White Pony, es tal vez el disco con el que explotaron, el Adrenaline tiene grandes canciones y el Around the Fur también pero esa portada con el pony y sus canciones marcan un antes y un después para la banda y para los fans.

El disco cumple 20 años y están preparando cosas por la celebración, acerca de esto Abe me dijo: “Fue nuestro tercer álbum pero es el disco que la rompió. Después de 20 años la gente sigue queriendo el disco de la misma forma. Tenemos una nueva versión del disco en vinyl con frases y mejor calidad y vamos a lanzar un disco de remixes llamado Black Stallion. Esta es una idea que salió hace 21 o 22 años, ni siquiera habíamos grabado el White Pony pero queríamos hacerlo y ahora si lo vamos a lograr, tiene remixes de muchas personas, así que tendremos 3 discos este año”.

Platicar con Abe Cunningham es especial, Deftones tiene cosas in-

Doves

De cuando el tiempo y la épica se expanden

Mexploitation: cine serie B con sabor azteca

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36 TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: REALA

“We will breathe again/ No more sorrow/ We will love again… I hope”

dad? Alguien en Pitchfork que vaya y les pregunte a los Stones o Dylan que piensan al respecto.

Y es que además en las piezas elegidas sobran elementos que hablan de actualidad, más allá que tengan algo de la pátina que los identifica. “Mother Silverlake” es la mejor prueba de ello y va incrementando el groove conforme transcurre y sustentada en un bajo tremendo. Pero también es importante destacar “I Will Not Hide” por su trabajo rítmico, que acoge además un sintetizador en pleno subidón, guitarra acústica, y una letra que de entrada pone en duda la existencia de un capítulo pasado: “You know I cannot lie/ I’ve never been before/ But the lines upon your face recall a different time”.

Se trata de un disco de contrastes que va desde la reflexión acerca de la muerte temprana de gente a la que quieres y admiras (“Cathedrals of Mind” está íntimamente relacionada a David Bowie) y en ella baja la velocidad establecida previamente en el disco, ya que desde el comienzo elevan alto la vibra con “Carousels” y esos punteos de guitarra que hacen juego con una batería sinuosa; cada elemento contribuye a ese crecendo de la épica a la que nos lleva la voz: “So tell me, why are we living this life we’re fitted to?”.

Precisamente ante la polémica del peso que ejerce la nostalgia en relación a la intención de mostrar un sonido actual, Alexis Petridis para The Guardian encuentra influencia del dubstep en el bajeo de “Carousels”, relaciona “Mother Silverlake” con el Italodisco y señala un discreto Auto-tune en “I Will Not Hide”, además de apuntar que esas baterías sincopadas que tanto les gustan tienen que ver lo mismo con el breakbeat de comienzos de los noventa, pero también con un interés por el afrobeat -esa maravillosa invención de Fela Kuti-.

De mi parte -y con sinceridad- encuentro The Universal Want (Virgin Records) como un disco vinculado totalmente al presente.

Me ha hecho pensar en que es como si se le exigiera a Irvine Welsh que los personajes de Trainspotting se quedaran únicamente en el momento preciso de esa historia, cuando el escritor encontró más interesante especular cómo es que habría seguido su vida en Porno e incluso también creó la precuela en Skagboys. Nada permanece estático.

Doves se concentraron en maximizar la experiencia de tocar juntos, de probar nuevos recursos técnicos y se preocuparon menos por el discurso. Cada vez expresan sus ideas con mayor sencillez y no ocultan la etapa de la vida por la que atraviesan. No hay posibilidad de no asumir cada momento, si algo enfatiza el disco es que no queda de otra sino implicarse. Ellos nos cuentan que han encontrado la manera para capotear los fuertes vientos de la mediana edad.

No es de extrañar que cuando el año pasado Jimi Goodwin, Andy y Jez Williams anunciaran unos inesperados conciertos en el Royal Albert Hall, el resultado fue de llenos totales noche a noche. Lo dicho, este sigue siendo su tiempo y cuenta con fieles seguidores interesados en su peculiar mezcla de melancolía y épica. Los acontecimientos y la experiencia se acumulan, y Doves decidieron cuando era el momento de compartirlo con el mundo. Saben que podrán establecer complicidad con quienes los han acompañado en el viaje, pero podrán sumar a todos aquellos que abran sus sentidos a esta espléndida experiencia estética.

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n regreso más que inesperado -11 años de una pausa que se anticipaba permanente-. El 11 de septiembre -¡Vaya fecha elegida! acometieron con The Universal Want, ya en su versión completa y su impacto fue inmediato. Se multiplicaban las voces de aquellos que crecieron junto a las canciones de la banda y fueron seducidos por sus maneras siempre refinadas aun cuando recurrieran a la épica desparramada en sus canciones más incandescentes.

La gracia musical no sólo pertenece a los nombres que suelen encabezar los lineups de los grandes festivales; muchísimas veces existe más magia entre quienes se localizan en las letras pequeñas o que actúan en salas de menores dimensiones. He ahí parte de la grandeza de Doves, siempre tirando por delante su búsqueda estética a partir de esos juegos de guitarra tan evidentemente británicos. El último antecedente fue Kingdom of Rust (2009), que parecía ponía punto final a la historia.

En este delirante 2020 nos sorprenden con 10 canciones que pretenden acusar al momento presente sin renegar por ello del pasado; me parece que “For tomorrow” trae consigo unas líneas que funcionan como una excelente exposición de motivos: “We will breathe again/ No more sorrow/ We will love again… I hope”.

Nadie ha conseguido congelar el tiempo y vivir en un eterno presente; bien se dice que el arte es hijo de su tiempo. Aquí estamos ante seres humanos que han vivido mucho y a tope; recordemos que antes de ser Doves, encarnaron Sub Sub y en 1993 ponían de cabeza a The Hacienda con su himno acid house: “Ain’t No Love (Ain’t No Use)” –¡Manchester ardía y bailaba!-.

Se acomodaron en la cresta del rave, pero luego buscaron una forma distinta de expresión que se apegaba al rock, agregando una gran riqueza en su parte rítmica. Fraguaron su sonido mediante tres Ep´s antes de debutar en el 2000 con Lost souls y establecer con “Black and white town” del álbum Some Cities (2005) su punto más álgido sintetizado en una sola canción.

En 11 años se acumulan tantísimas vivencias tanto en lo público como en lo privado; ¿acaso los músicos veteranos deben de privarse de expresar su manera de entender las cosas en el momento en que lo creen conveniente? ¿Será que existe cierta consigna mediática en contra del rock hecho por y para adultos contemporáneos? ¿Se le puede poner edad a la música en sí misma?

Pienso en ello por el balazo que le han colocado a la reseña del disco hecha por Ian Cohen para Pitchfork y en la que, además de sobrevivientes del britrock, anotan que suenan como hombres en sus cincuentas canalizando sus memorias teenagers a través de la música de sus treintas.

Compartí la frase provocativa y morbosa con algunos amigos periodistas, y Alejandro González Castillo respondió con esa rabia y precisión que lo caracteriza, que parece que el párrafo de Pitchfork: “lo escribió un tipo de 30 queriendo parecer de 20, aunque su mentalidad es de 70”. ¿Quién hubiera pensado que habría que tener en cuenta la edad para disfrutar o no de una propuesta en específico? Pienso en The XX y James Blake, por mencionar a dos proyectos ingleses cuyos integrantes arrancaron siendo muy muy jóvenes. ¿De verdad importaba e importa el año que lleve impreso el carnet de identi-

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Hans Zimmer

El rockstar nerd de la mĂşsica de cine

“Mi instrumento musical es la computadora”

TXT:: Francesc Messeguer FOT:: Zoe Zimmer

tipo escuálido que aparece en un par de escenas tocando los teclados es Hans Zimmer.

Sus scores contienen guitarras, percusiones, sintetizadores, los instrumentos musicales de la gente que, como él, se enseña a sí mismo cómo hacer música, y no los de las personas que estudian en un conservatorio cómo tocar el repertorio que nos dejó Mozart.

Su gira de conciertos, Hans Zimmer Live On Tour lo llevó en 2017 a presentarse en el festival Coachella, con un espectáculo más parecido a un concierto de Metallica o Beyoncé –dos de los grandes actos en vivo en la actualidad– que a un recital de fin de semana en la Sala Nezahualcóyotl. Por lo tanto, colabora con instrumentistas, productores, ingenieros que también provienen de ese mundo. En el tráiler de Dune los escuchamos: Guthrie Govan (The Aristocrats, Steven Wilson), prodigio de la guitarra eléctrica, Tina Guo, la cellista cuyo instrumento suena en el tema de Mujer Maravilla en Batman V Superman: Dawn of Justice (2016). Pero también ha trabajado con Pharell Williams en películas como Hidden Figures (2017), Johnny Marr en Inception (2010) y la nueva entrega de James Bond, No Time To Die (2020), Jason Bonham –el hijo del legendario baterista de Led Zeppelin, John Bonham–, en Man of Steel (2013), entre muchos otros.

Curiosamente, a pesar de provenir de ese mundo, Hans Zimmer no es, en sí mismo, un gran instrumentista. En una entrevista para el documental Score: A Film Music Documentary (2017) dijo famosamente: “mi instrumento musical es la computadora”. Su valor como compositor es que entiende y utiliza la tecnología a su favor.

Eso también lo percibimos en el tráiler de Dune. Burlingame reporta en Variety que para poder hacer la adaptación de “Eclipse” se grabó un coro de 32 personas dentro de su complejo Remote Control Productions, divididas en ocho grupos de cuatro, en los estudios de Zimmer, para atender las recomendaciones de salud por la pandemia de COVID-19. Guthrie Govan y Tina Guo grabaron por separado.

Al final, tenemos como resultado el tráiler de Dune, una pieza musical que es testimonio de la manera en que Hans Zimmer ha trabajado por años –misma que ha abierto paso a decenas de compositores que trabajan así hoy–: rompiendo barreras de espacio y tiempo, gracias al uso generalizado de la computadora y el estudio de grabación como instrumentos musicales.

Antes de la pandemia, 2020 pintaba a ser uno de los años más ocupados de Zimmer: las secuelas de Mujer Maravilla y Top Gun, No Time To Die, la película número 25 de James Bond y la última película que veremos con Daniel Craig como 007. Pero quizás sea Dune, la segunda colaboración que tiene con el canadiense Denis Villenueve, después de Blade Runner 2049, el proyecto más personal que Zimmer ha tenido desde The Lion King, cuando estuvo obligado a confrontar, musicalmente, la muerte de su padre a una edad muy joven, tal y como pasa con Simba y Mufasa. La novela de Frank Herbert es uno de los libros favoritos de Zimmer, y eso lo llevó a escoger Dune sobre Tenet, la nueva película de Christopher Nolan. Cuando el tráiler con la nueva versión de “Eclipse” fue publicado, el propio Zimmer lo compartió desde sus redes sociales, diciendo: “éste es un sueño de la infancia para mí”.

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l primer tráiler de Dune, la esperada adaptación del libro de Frank Herbert empieza con un score similar al de casi cualquier otra película musicalizada por Hans Zimmer: texturas, sonidos, golpes percusivos, instrumentos musicales tocando una cosa distinta para la que fueron creados. De pronto, se vislumbra el primer vestigio de una pieza musical, menos abstracta, la frase: “All that you touch”. Conforme avanza el video suena otra frase –“All that you see” – y luego otra y una más, hasta que nos damos cuenta de que “Eclipse”, la canción que cierra el monumental Dark Side of the Moon (1973) de Pink Floyd, ha invadido por completo las imágenes.

Mientras el tráiler empezaba a circular por Internet, el feed de un grupo de Facebook, dedicado enteramente a noticias en torno a Hans Zimmer y su grupo de colaboradores, se empezó a inundar de artículos informando sobre la adaptación del clásico de Pink Floyd.

Se trata de Hans-Zimmer.com, un espacio en el que no solo hay fanáticos de la música cinematográfico sino también compositores, productores, desarrolladores de herramientas e instrumentos, es decir, gente a la que además de apasionarle la música de cine, también la hace.

Es natural que todo lo que se comparte ahí sea comentado e inspeccionado minuciosamente por sus miembros. Uno de los artículos que llegó al grupo decía algo como: “Escucha esta increíble versión de “Eclipse” de Pink Floyd, hecha por Hans Zimmer para el nuevo tráiler de Dune”, al que un usuario comentó, con desdeño, que era importante que la prensa especializada en esos temas entendiera, de una vez por todas, que los tráilers de los grandes blockbusters de Hollywood no son musicalizados por los compositores que están escribiendo el score de la película en cuestión.

El usuario tenía un punto. Por poner un ejemplo, The Rise of Skywalker o Avengers: Endgame, ambas películas estrenadas en 2019 contaron tráilers que utilizaron los temas compuestos por John Williams y Alan Silvestri para ser promocionadas, pero no fueron musicalizados por ellos. Comenzaron las preguntas sobre si, en efecto, Zimmer había estado involucrado en la música del tráiler de Dune, hasta que después de muchos comentarios, el propio Hans Zimmer cerró las dudas con un simple: “¡Fuimos nosotros!”. Los detalles de la participación de Zimmer y su equipo en el tráiler de Dune fue después reportada por Jon Burlingame –quizás el cronista más famoso de música de cine en Estados Unidos– para la revista Variety.

A primera vista, el que apareciera específicamente “Eclipse” en el tráiler de Dune, podría estar relacionado con el hecho de que, a mediados de los años 70, el director chileno Alejandro Jodorowsky intentó hacer una adaptación de la novela de Herbert que nunca fue, y buscó a Pink Floyd para compusiera la música de la película.

Si se mira más de cerca, sin embargo, el contexto del que surge la adaptación de la última canción del Dark Side of the Moon por parte de Hans Zimmer, para un tráiler promocionando la nueva versión de Dune, nos revela elementos importantes que hay que considerar.

Hans Zimmer, para decirlo rápido, es el rockstar de la música de cine. Lo es por varias razones. La primera de ellas es porque que proviene de ese mundo. Si estaban vivos en 1986 y vieron el lanzamiento de MTV con la canción “Video Killed The Radio Star”, ese

Kenneth Anger:

(legítima) simpatía por el diablo

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TXT:: Toño Quintanar FOT:: Cortesía del artista

FANTASMAS EN LA MÁQUINA Muchas leyendas han circulado alrededor de esa extraña figura que es Kenneth Anger (1927). Algunos lo definirían como el “Aleister Crowley del Cine”, un auténtico ocultista quien ha encontrado en las potencias cognitivas del montaje fílmico la estructura idónea para inducir nuevos estados de percepción.

Otros podrían catalogarlo como uno de los fundadores más paradigmáticos del queercore, subgénero el cual pretende visibilizar un submundo transgresor que escapa a las garras de la normatividad heteronormada.

Lo cierto es que, a agrandes rasgos, el cine de Anger se trata de un descomunal misterio, un encriptado panteón de imágenes las cuales, lejos de permanecer pasivas ante nuestra mirada, parecen interpelarnos socarronamente mientras nos seducen con su encanto luciferino.

La carrera de este realizador oriundo de Santa Monica, California, se vio compuesta de forma temprana por una potente colección de cortometrajes –el primero filmado en 1941- los cuales rápidamente dieron testimonio de esa vena provocadora que definiría al joven Kenneth.

Las primeras obras Anger se encontraron abiertamente marcadas por un contenido explícito el cual se alzaba como un grito de reivindicación en un mundo regido por la hipocresía y la represión religiosa; misma situación que, por supuesto, pronto hizo que las proyecciones de sus cintas estuvieran constantemente monitoreadas por la policía.

Sin embargo, no fue sino hasta su época descaradamente satanista que Anger logró conjuntar todo un nuevo coctel de símbolos y emociones que dejaron en claro que su verdadera misión era la de sacar el máximo provecho de las capacidades sugestivas del psicodrama fílmico para invocar fuerzas de carácter oscuro.

Durante la década de los sesenta el esoterismo y el mundo del espectáculo se vieron emparentados de forma intermitente. El resultado de este encuentro fue una nueva “movida” ocultista que parecía reptar tras las bambalinas de una Hollywood cada vez más surreal. Fue en este lapso que Anger dirigió Invocation of My Demon Brother (1969), cinta cuya banda sonora estuvo compuesta, ni más ni menos, que por Mick Jagger.

A pesar de su entusiasmo inicial, el líder de los Stones pronto se mostró receloso, aseverando que “la vibra que se percibía en el set era de lo más rara”. De hecho, durante los seis meses posteriores al rodaje, Jagger se acostumbró a llevar una cruz colgada al cuello.

Otra estrella invitada para esta cinta fue Anton Lavey, mítico líder de la Iglesita Satánica quien se había ganado una reputación infame en Hollywood debido a su supuesta “relación” con la muerte de la actriz Jayne Mansfield. Según testimonios cercanos, Lavey se había vuelto amante de Mansfield y, tras su inevitable ruptu-

ra, el líder ocultista maldijo tanto a la intérprete como a su pareja, Sam Brody. Ambos murieron en 1967 durante un aparatoso accidente automovilístico.

El siguiente gran proyecto de Anger sería Lucifers Rising (1972), cinta que, inicialmente, iba a contar con música compuesta por Led Zeppelin. Problemas de agenda impidieron que esta colaboración se concretara, sin embargo, Anger resolvió el asunto poniendo a cargo de la banda sonora a Bobby Beusoleil, individuo quien poco tiempo después sería enjuiciado por su involucramiento en los crímenes perpetrados por La Familia de Charles Manson.

La cinta se antojó maldita desde el principio. El niño de seis años que había sido elegido como protagonista se “suicidó” poco antes de que el rodaje comenzara. Más adelante se tomó la decisión de usar como actriz principal a Marianne Faithfull, intérprete quien pronto se volvió presa de los maltratos de un Anger quien estaba obsesionado con la perfección. Tal era la falta de empatía por parte del director que éste no tuvo reparos en usar para la edición final de la cinta una grabación en la que Faithfull realmente se desvanecía a causa del estrés.

PADRINO DE MTV A pesar de las críticas negativas que ha acumulado con el paso de los años, el trabajo de Keneth Anger destaca como uno de los antecedentes más radicales con respecto a ese surrealismo norteamericano el cual, durante las últimas décadas, se ha armado de nuevas herramientas tanto técnicas como estilísticas para gestar una escuela subterránea de la cual son herederos directores tan sui generis como Edmund Elias Merhige (Begotten), Lucifer Valentine (Slaughtered Vomit Dolls) y Fred Vogel (August Underground), entre otros.

Sin embargo, a la par de este legado tan decididamente encaminado al underground, Anger también cultivó un lenguaje iconográfico plenamente identificable el cual, con el paso del tiempo, daría como resultado un auténtico fenómeno de masas: el videoclip.

Célebre fue aquella ocasión en la que Anger se autonombró como el “Padrino de MTV”, mismo título que no resulta nada disparatado si tomamos en cuenta que, hasta la fecha, el estilo entre sugerente y ritualista del director puede considerarse como una pieza clave dentro de los arquetipos y convenciones audiovisuales que serían adoptados de manera casi dogmática por la Generación X. Un claro ejemplo de la vigencia de Anger lo encontramos en My Surfing Lucifer (2009). Esta producción se trata de una auténtica carta de amor por parte de Anger a su natal California, misma ofrenda que se centra particularmente en la figura de Bunker Spreckels, legendario surfista quien, bajo la perspectiva de Anger, resalta como el héroe satanista por excelencia.

93 años han pasado desde que Kenneth Anger llegó a este mundo. Casi todo un siglo ha desfilado frente a sus ojos y este auténtico Drácula del celuloide se antoja más longevo que nunca; como una suerte de leyenda urbana que, a pesar del pavoroso avance de la modernidad, continúa fija en nuestro inconsciente colectivo, aguardando por ese momento preciso en el que los planos de lo palpable y lo etéreo convergen en un mismo rictus de pavor.

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l cine es, en sus pormenores más primitivos, un acto abiertamente siniestro. Su economía referencial se encuentra marcada por la “fantasmagoría”, fenómeno decididamente ambiguo mediante el cual lo palpable y lo onírico se fusionan de forma estrecha para dar como resultado una huella espectral que navega indefinidamente por un limbo alterno. Este afianzamiento perceptivo transforma al dispositivo fílmico en una máquina alquímica, un auténtico caldero de brujas capaz de invocar mundos, presencias y sensaciones que, por momentos, nos obligan a creer en lo paranormal.

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42 Centro Histórico, Corazón de México Un recorrido por la historia del primer cuadro de la ciudad

El MODO regresa en una modalidad distinta, grupos pequeños, citas y más con una exposición que nos lleva a recorrer la historia del primer cuadro de la Ciudad de México. Nostalgia pura.

TXT:: Sara Benítez CRED:: Cortesía MODO

que la propagación del tabaco en Europa se remonta a 1518 cuando Fray Román Pane lleva algunas semillas a España. Y para 1571, el Doctor Francisco Hernández hablaba del picyetl o hierba yetl en su Historia natural de la Nueva España. Asimismo, los holandeses son muy famosos por consumir tabaco en una especie de pipa hecha de una cerámica especial.

La segunda sala de la exposición aborda una parte del México independiente, tan importante para todos nosotros sobretodo en los orígenes de nuestra nación. Y creo que debemos de tomar a consideración dentro de la sala un ejemplar de un Mundo Ilustrado, periódico semanal importante para la sociedad de élite de la época de Porfirio Díaz. El contenido de esta publicación era sumamente fotográfico e incluía…¡si! anuncios. Y la Cigarrera El Buen Tono, no podía faltar. Asimismo, esta sala de la exposición nos muestra algunas cosas sumamente curiosas, entre ellas un gorrito “réplica” que se dio durante las celebraciones del centenario de la Independencia, cuando Porfirio Díaz era presidente.

La tercera sala, nos lleva a una parte sumergida, es decir hay que bajar a una especie de sótano, y esto nos remonta a cómo es que la ciudad en algún punto de la historia no fue puro terreno y calles, sino ríos y lagos. Esa sensación de frescura que existe en los sótanos de la Ciudad de México, nos permite imaginar un poco más la relación de nuestra ciudad, el Corazón de México con la humedad de los mantos fluviales. La experiencia de esta sala muestra el cuadrilátero de la ciudad con nosotros al centro y un cheque además de unas letras metálicas del Banco de México. ¿Cuántas veces algunas personas no fumaron un cigarrillo Buen Tono en ese cuadrilátero? Es por ello, que insisto, incluir al Buen Tono como parte del ADN de nuestra ciudad, es una parte importantísima. Y por ello, es que cuando pasamos al siguiente piso, podemos observarlo en todos lados, en muchas marcas. No sólo está el Buen Tono; están los calcetines Oscar, la pomada del Dr. Bell, las zapatillas de las damas y las fotografías de la tienda departamental El Puerto de Liverpool o El Puerto de Veracruz. Cada uno de estos productos o tiendas, presentes en la exposición acompañando al calendario Buen Tono que muestra el paso del tiempo…

Por último, tenemos presente una serie de salas relativas a la vida en los parques, la vida nocturna y la arquitectura como parte de la vida cotidiana en nuestra ciudad.

Es encantador saber que aunque existe únicamente una sala dedicada a la vida nocturna, en donde se mencionan varios lugares icónicos de la historia de los espectáculos de nuestro país, mencionan a Salón México, un lugar que no estaba ubicado directamente en el centro. El cual más adelante sería representado por Aaron Copland después de una visita organizada por el mismísimo Carlos Chavez a bailar.

En las entrañas de la Ciudad se pueden retomar más productos como el cigarrillo, para contar cómo es que la vida puede ir y pasar de un momento a otro. Podríamos imaginar el vaivén de un billete de cualquier denominación hasta el cigarrillo, para entender porqué para muchos el Centro Histórico es uno de los lugares más importantes para comprender la cultura de nuestro país.

Es por ello, que algunos pueden contar historias a modo del Abrigo de Mink, que termina incendiándose como lo cuenta la película en un recóndito pueblo, pero que se adquirió en el corazón de nuestro país… la Ciudad.

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espués de seis meses de estar cerrado por la pandemia, el Museo del Objeto del Objeto reabre sus puertas con una exposición relacionada con los sentimientos encontrados que tenemos todos nosotros en nuestra nueva normalidad: el Centro Histórico.

La exposición, es un recorrido por la historia del primer cuadro de la Ciudad de México, un lugar único y especial en nuestro país, reconocido por el valor patrimonial y cultural que hay a su alrededor. Y esto es lo que más me gusta de la exposición…

Desde que era niña, mi madre tomaba todos los viernes para llevarme con gusto a visitar a mis abuelos a la Colonia COVE, la cual se encontraba muy cerca de la Prepa 4. Cuando salíamos de la periferia de la ciudad y llegábamos a la colonia, se percibían siempre distintos sentimientos; felicidad, pobreza, apuro, enojo, hartazgo, júbilo, etc.

Hablar de la Ciudad de México, nos orilla a mirar hacia la vida de otros, y así reconocernos en esas otras personas para hablar de nuestra Vida Cotidiana. No sólo por las fotografías que existen de la época, sino también por todos los objetos que están alrededor de la misma, y considero que la exposición se desenvuelve muy bien en torno a esto.

Es por ello que me gustaría hablar acerca de un objeto en especial que me llamó mucho la atención y que creo que hemos olvidado con el paso del tiempo.

Un calendario de cigarros “El Buen Tono”, me encantó en cuanto lo vi. Habla de tiempo y cigarros. Me recordó mucho a los caballeros que suelen fumar porque “es algo varonil” y también me trajo buenos recuerdos de las fotografías de las divas, que venían dentro de las cajetillas para animar a los hombres a seguir fumando “El Buen Tono”.

La cigarrera El Buen Tono nació a finales del siglo XIX y es considerada como una de las más importantes de nuestro país. Sus productos se exportaron en algún punto a Europa y Estados Unidos de América. Comenzó a operar en 1884, con el rol a cargo de Ernesto Pugibet, un empresario de origen francés que había patentado además una máquina para producir cigarros estilo “ruso”.

Y es que una de las cosas que más se han olvidado de nuestra Ciudad es la cigarrera el Buen Tono así como el papel que tuvieron en la aviación en México, al ser de las primeras empresas en utilizar dirigibles y aviones para anunciarse, todo promovido por Juan B. Urrutia.

Me parece bastante atinado por parte del Museo del Objeto del Objeto, incluir diversos productos relacionados con la cigarrera El Buen Tono, sobretodo por el papel que ha desempeñado el consumo del cigarro en el día a día de los mexicanos y que está en todas las esferas que toca la exposición, de manera indirecta.

La cual comienza con la fundación de México-Tenochtitlán y muestra algunos mapas relativos a la ciudad. Una de las cosas que más llaman la atención, y que algunos preguntaron durante el recorrido, es ¿cómo es que alguien que nunca ha estado en la ciudad puede hacer un mapa de la misma? Esto último porque dentro de la primera sala se admira un precioso mapa neerlandés de la Ciudad de México, con detalles castillescos de sus alrededores.

No se puede dejar de pensar que probablemente ese personaje que dibujaba, había recibido hojas de tabaco y las utilizaba para fumar mientras desarrollaba su talento en la pieza de papel... Ya

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44 IRMINA: LA MEMORIA Y EL OLVIDO

Irmina

La memoria y el olvido TXT:: Oscar G. Hernández FOT:: Cortesía del artista

años después del inicio de esa guerra , difícilmente queda alguien vivo que recuerde lo que pasó. Es sólo por medio de la memoria y hábitos culturales que sigue presente la memoria de esa guerra y son sólo las interpretaciones y vagos recuerdos de esos hechos lo que permanece.

En la novela gráfica Irmina, dos personajes que comparten el nombre se encuentran por primera vez. El primero es una anciana alemana, el segundo una joven de Barbados que porta su nombre en homenaje a esa anciana que durante su juventud era intrépida y desafiaba el sistema y los moldes de su época.

La anciana se encuentra con un gran conflicto sobre ese tributo, ya que su vida cambió con los años y dejó de ser esa chica desafiante y rebelde para tan solo convertirse en una mujer acoplada a un sistema del que fue incapaz no sólo de combatir, sino de rechazar, Irmina se adaptó y se aprovechó de las bondades de ser privilegiado por pertenecer a un régimen.

Esta novela gráfica contiene muchos nodos, este es uno de ellos sin embargo el arco principal es el paso del tiempo, la memoria y el olvido.

El planteamiento de la novela envuelve al lector en una trama que pareciera predecible por su contexto histórico; la en ese entonces joven alemana desafía las costumbres de su época en que se daba prioridad a la educación masculina, ella abandona Alemania para formarse en Inglaterra, en ese Londres racista la joven Irmina se mezclara con población afro, algo inconcebible para aquellos años.

El destino y la guerra separan a la pareja interracial, el paso del tiempo y el azar harán que aquella joven se desvanezca para simplemente acoplarse al nazismo y depúes sobrevivir a la derrota.

Barbara Yelin narra en Irmina la vida de su abuela, esta novela gráfica es un libro que resalta no sólo por la manufactura de su dibujo y narración. Podemos decir que se une a esas historias de la Segunda Guerra contada por los alemanes. El libro logró colocarse a nivel internacional como una de las novelas gráficas más importantes de la Alemania actual.

Yelin rescata las memorias de su abuela y se atreve a mostrar eso de lo que los alemanes no suelen hablar, y es que en su mayoría todos tienen un vinculo nazi que viene de sus abuelos o para algunos ya de sus bisabuelos. La historia de Irmina es la que muchos vivieron y a la que se unieron, por creer en una idea imperial.

La lectura de este libro es fascinante por los diferentes estratos de la narración que nos dejan percibir cómo poco a poco el personaje se transforma para integrarse y aceptar las comodidades que el régimen ofrecía. Aunque Irmina no milita de manera abierta hace oídos sordos a los atropellos y la barbarie.

El cierre es fenomenal Irmina se encontrará con la otra Irmina, el contraste y coincidencia de la misma moneda. El simbolismo de ese encuentro es enorme ya que no sólo es la presencia de dos épocas, sino de dos ideas con las que el paso del tiempo y la memoria jugarán.

Leer Irmina de Barbara Yelin es un placer imperdible, por todos sus contenidos y belleza, pero lo es además porque nos hace pensar en todas esas cosas que no debimos olvidar. Y porque también al final es de humanos errar y sobre todo sobrevivir.

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l uso de la memoria es siempre complejo, a pesar incluso del avance tecnológico que permite cada vez registros más precisos sobre los acontecimientos de la vida humana, la mayoría de las veces se impone la interpretación, esto en muchas ocasiones suele ser más que libre.

La historia alemana es crucial en nuestra vida como occidentales; para las generaciones actuales la segunda guerra mundial resulta algo lejano. Es un asunto de viejitos que les gusta coleccionar antiguas historias. Sin embargo en nuestra época las repercusiones de esos hechos están muy vivas, las ideas fascistas crecen como nunca gracias a un perfecto caldo de cultivo, conocido como la desmemoria.

El primero de septiembre se cumplieron 80 años del inicio del conflicto bélico que cambio para siempre el rumbo del planeta. Fue ese 1 de septiembre que los cañones nazis atacaron la ciudad de Danzing, esta ciudad fue lo que se conoce como estado-ciudad, Danzig era una ciudad perdida por los alemanes en la primera guerra mundial de frontera con Polonia. La invasión y caída de Polonia era inminente. Para el 3 de septiembre Francia e Inglaterra declararían la guerra a Alemania con lo que la segunda guerra mundial quedaba iniciada formalmente.

En sólo 26 días murieron 60,000 soldados y 25,000 civiles; una cifra de 85,000 muertos, para que tomemos dimensiones de este hecho, al momento de escribir este texto son 70,000 los muertos por Covid-19 en México. La guerra duraría 6 años, involucraría a 72 países, durante ella morirían 51 millones de personas.

Son ya 80 años en que la vida del planeta giraba en torno a este suceso, es hasta ahora que nuevamente absolutamente todo el planeta se ve involucrado en un suceso, y aunque no es una guerra, es sin duda un acontecimiento que cambiará la vida del mundo para siempre. También y más cercano a nuestros días; el 11 de septiembre se conmemoraron 19 años de los ataques a las torres gemelas otro acontecimiento que le daría una enorme vuelta de tuerca al planeta, como el tan presente Covid-19.

La segunda guerra mundial produjo una enorme cantidad de productos culturales, fue inspiración para hacer miles de películas, libros, cómics, música, etc. Durante más de 30 años siempre aparecía una película o un libro que narraba alguna historia de la segunda guerra. Las obras producidas son enormes y son en realidad pocas las que han logrado consagrarse como verdaderas piezas de arte.

Esta piezas en su mayoría han sido creadas por los vencedores y es desde ahí que nos muestran la historia nazi. Es difícil encontrar películas, libros y demás obras creadas desde la perspectiva alemana.

Fue hasta 2004 que la película Der Untergang castellanizada como: La Caida, del director Oliver Hirschbiegel que el mundo conoció una obra alemana sobre la historia nazi, esta película logro reconocimiento internacional. En México cada cuando aparece un meme que utiliza el personaje de Hitler de esa película.

Los que no vivimos esa guerra en realidad nunca sabremos lo que realmente pasó, sin embargo esa guerra sigue cercana, recordemos que al inicio de la pandemia tanto la canciller alemana como el presidente francés se refirieron al covid como un hecho tan serio como el de la segunda guerra mundial. Lo cierto también es que 80

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CITLALI PÓTAMOS

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47 Instagram: @citlalirio

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48 Daniela LadancĂŠ Ilustrador | Instagram: @ yosoyladance