MVN 182 | SECH :: LOS COGELONES - SEPTIEMBRE 2020

EDICIÓN

182 $52.

00

EXHIBIR HASTA:

05-OCT-20

SECH

Una propuesta necesaria

+ LOS COGELONES

Experimentación Mexica

+ METH MATH

Bailar en el apocalípsis

+ ELA MINUS

Rebelión sin máquinas

+ MEXPLOITATION Cine serie B mexa

COFUNDADOR CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx CLÉMENT SORIA soria.clement@gmail.com ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS joseaureliovasan@gmail.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pv.lphant@gmail.com DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS REPRESENTANTES EN LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com

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Cozumel #61- PB. Col. Roma Norte CP 06700.

México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@marvin.com.mx Suscripciones: suscripcion@marvin.com.mx

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DIRECTORIO

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 182 correspondiente a: SEPTIEMBRE 2020. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2019012816402300-102. MARVIN es una Marca Registrada.

EDITOR EFRAÍN RAMÍREZ "MAKO" mako@marvin.com.mx DIRECTORA DE ARTE FRYDA MAGAÑA FLORES diseno.marvin@gmail.com EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx REDACTOR WEB KARINA CASTILLO COLABORAN EN ESTE NÚMERO Jonathan Villicaña, Thelma Ascencio, Karina Castillo, Manú Charritton, Paulina García, Francesc Messeguer, Toño Quintanar, Diego Urdaneta, Nacha Vollenweider, Jorge Flores ‘El Ozz’

ENCUÉNTRALA EN

EDICIÓN

REPORT COMIC

CONTENIDO

CENTRAL

LOUDSPEAKER

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SEPTIEMBRE 2020

8 10 22

38 42

182

FREYJA SEWELL / Crear para la mente

ELA MINUS/ Una revolución de autoconocimiento sin computadoras DANIEL QUIÉN / La nostalgia entendida a través de melodías MELENAS / Las chicas no solo quieren divertirse WILL JOSEPH COOK/ Buscando algo para sentirte bien LUKE JENNER/ Construyendo el soundtrack del adulto contemporáneo METH MATH / Soñar para perrear y llorar

SECH / El próximo elegido LOS COGELONES / Forjando una nueva identidad nacional

DANNY ELFMAN/ El protector del legado musical del cine MEXPLOITATION / Cine serie B con sabor azteca

CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA / APUNTES PARA UNA HISTORIA DE GUERRA CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA / NACHA VOLLENWEIDER #MARVINARTCHIVE / JORGE FLORES ‘EL OZZ’

D

EDITORIAL

urante más de 19 años Marvin se ha dedicado a hablar de lo mejor del entretenimiento. Se han cambiado formatos, imagen, los contenidos; siempre buscando nuevas generaciones que se acerquen a nuestras páginas mientras que los que han estado cerca de Marvin desde antes siguen aquí, en búsqueda de nuevas cosas que llenen su sed de conocimiento.

Hoy en la revista mostramos dos caras que comparten una misma esencia: no importa quién seas y cómo te veas, si haces buena música te encontrarán.

La gente reconocerá tu música pero también conocerá tu historia. Por un lado Sech, de Panamá, que llevó su conocimiento y gusto por el jazz y el soul a un género como el reggaetón. Del otro lado, Los Cogelones, rock 100% mexa, desde la periferia, los olvidados. Ambos con su propia identidad pero siempre buscando cómo ayudar a su barrio desde donde pueden hacerlo.

Después de 182 ediciones seguimos aquí. Saludos hasta el encierro. Usen su mascarilla, cuidémonos todos.

Efraín Ramírez “Mako” @makowww

Aún quedan cosas por descubrir y cosas por resolver.

Pero un desastre a la vez.

Jonathan Villicaña Soy de esas personas que viven de la música sin ser músico. Locutor en Bullterrier FM, también escribo en 7Boom y Aftercluv, y de hobby pongo música en bares de la CDMX.

Manú Charritton Productor General de Festival Marvin. Autor de la columna La Lámpara del Ladino en revista Marvin. Director general de Forastero Shows & Media y lider de la banda Carmen Costa..

Thelma Ascencio Practicante periférica de la cultura oral y escrita. Investigadora de las fuentes alternativas del conocimiento. Onironauta doméstica en busca de liberar su conciencia recreando ambientes educativos a través de la música y la literatura.

Escribe y canta en el dueto Thelma y Luis. Integrante de la comunidad artística Eres buena y lo sabes.

COLABORADORES

Diego Urdaneta Es periodista musical, desde hace más de 10 años ha escrito sobre música pop y ha colaborado para algunos de los medios más importantes del mundo: VICE, Playboy, Esquire, Washington Post, entre otros.

Paulina García Locutora, Diseñadora, y DJ de la Ciudad de México. En 2013 comenzó la sección Viernes de Perreo en su programa de radio que convirtieron en eventos para darle espacio a productores nacionales jóvenes y formar una escena para el reggaetón, trap, dembow, cumbia y más.

Actualmente está haciendo música como .PAW. y Esa Mi Pau.

Toño Quintanar Escritor, adicto al cine, cuentista, guitarrista en Los Riot y nigromante frustrado. Estudió Literatura e Historia del Arte en la UNAM. Ganador del XXI Certamen Literario Juana Santacruz.

Francesc Messeguer Compositor, productor y arreglista.

En 2019 fue nominado en la categoría de Mejor Música Original en el 48 Hour Film Project. Participó en NarcoData, investigación ganadora del premio IIID Award de periodismo en 2017. Como como compositor, escribió la música del reportaje “Por qué se cayó mi edificio” de la organización Mexicanos Contra la Corrupción y la Impunidad, que trata sobre el sismo del 19 de septiembre de 2017. Es profesor de música en la IBERO.

Karina Castillo Comunicóloga y periodista egresada de UNAM FES Aragón. Femininja amante de la música y el cine aún en busca de su lugar en la Tierra pero siempre con la ambición de ser y conocer más. Duerme poco, sueña mucho y escribe más.

Jorge Flores ‘El Ozz’ Diseñador, ilustrador y muralista freelancer. Me especializo en creación de personajes, lettering, matte painting y diseño de merchandising como stickers, pines y playeras. He trabajado con marcas nacionales como Jack Daniel’s, Los Muppets y Volkswagen México, también algunas internacionales como Puma, Microsoft y Red Bull Dubai, además de Stranger Things y Netflix Polonia.

Nacha Vollenweider Nació en Río Cuarto, obtuvo el segundo lugar en la categoría Historieta del VI Premio Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti, publicó su novela gráfica Fu帕noten con la editorial alemana AvantVerlag, también publicada en Argentina y en Francia. Resultó seleccionada dos veces como finalista en el concurso de Novela Gráfica Alemana de la fundación Berthold Leibinger. Actualmente reside y trabaja en Córdoba, donde participa del colectivo de dibujo callejero Carbonillas Projekt.

FREYJA SEWELL

Freyja Sewell

SEPTIEMBRE 2020

MODA

Crear para la mente

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Freyja Sewell es una diseñadora que se ha enfocado en crear cosas que faciliten tener espacios para la privacidad y desarrollar la conciencia plena, encontrar ese punto en donde a través de herramientas tu energía y paz sean canalizadas hacia que tú estés bien en este mundo agitado. Freyja se graduó en Diseño 3D en la Universidad de Brighton y se ha dedicado a explorar cómo ayudar a la gente para su bienestar mental a través de la mezcla de muebles tradicionales y lo más nuevo en tecnología.

Después de su paso por la universidad ganó una beca en la Universidad de Artes de Nagoya, el vivir ahí le permitió encontrar inspiración en la cultura del diseño japonés que la llevó a aplicarlo a su vida personal y profesional. En el 2012 fue premiada por el Museo de Diseño de Londres, su silla HUSH es producida por Raskl Design, un despacho de diseño con mucha historia y de gran importancia a nivel global, y ha participado en múltiples exhibiciones.

Mientras vivió en Japón -como parte de su beca- trabajó con Nendo y Kengo Kuma, arquitecto que diseñó la casa para gallinas en donde se hace la recolección de huevos de la fundación Casa Wabi en Puerto Escondido, México.

Como parte de su diseño e ingenio, decidió rendirle tributo a los distintos agentes que básicamente han ayudado a mantener el mundo “estable”, funcionando durante la pandemia. Así que decidió crear unas máscaras que simbolizan cada una de estas partes. Si bien no todos han hecho el mejor trabajo, no podemos decidir a quién ponerle una máscara y a quién no. Son 8 piezas clave las que Freyja Sewell ve dentro de la estabilidad del mundo: 1. Utilidades, servicios de comunicación y servicios financieros 2. Servicios públicos 3. Educación y cuidado de los niños 4. Transporte 5. Comida y otros bienes necesarios 6. Salud y cuidado social 7. Seguridad pública y seguridad nacional 8. Gobierno local y nacional Además, Freyja se ha sumado a los diseñadores alrededor del mundo que han dedicado tiempo a crear y fabricar mascarillas para la población.

Si quieres ver y conocer más sobre Freyja Sewell visita su sitio http://www.freyjasewell.co.uk

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ELA MINUS

LOUDSPEAKER

10 UNA REVOLUCIÓN DE AUTOCONOCIMIENTO SIN COMPUTADORAS

“Puedes vivir actuando pretendiendo hacer lo que crees correcto para encajar o puedes desafiarte dándote la oportunidad de conocerte de verdad”

TXT:: Thelma Ascencio FOT:: Cortesía de la artista

¿Cómo has vivido estos tiempos de aislamiento? ¿La contingencia te ayudó a terminar este disco?

Durante la cuarentena estuve sola en Nueva York, pero en realidad disfruté estarlo, fue extraño, en los últimos años me era imposible pasar tiempo en casa porque siempre estoy de gira. El disco lo terminé desde Septiembre del 2019. Hice todo sola, escribir, grabar y producir. Tenía planeado sacarlo antes, mi idea era acabar y publicarlo como siempre he hecho con mi música. Pero cuando firmé con Domino Records y tuve un poco más de tiempo y presupuesto quise mezclarlo con Marta Salogni, una ingeniera londinense de la cual me considero fan.

Después de publicar sólo EPs ¿Cómo ha sido esa transición al sacar tu primer disco con un label como Domino Records?

Desde que empecé con mi proyecto varias disqueras se interesaron creando cierta expectativa de mi debut con un disco. Tuve que dejar de girar para anunciar mi deseo por producir un disco como tal, ahí me contactaron diferentes sellos. Conocí a los de Domino y les gustó mucho el disco; fueron los únicos que no quisieron cambiar nada, les encantaba como estaba, me dijeron ya así, este es el disco que queremos. Yo respeto y admiro mucho su trabajo, así que fue un proceso natural y orgánico.

Al escuchar Acts of Rebbellion pude notar diferentes matices, una introducción enérgica y oscura, que también descansa en melodías suaves, ¿nos puedes contar como fue el proceso creativo en este disco bilingüe?

Al ordenar las canciones fui encontrando el hilo conductor, las letras y la música tenían su relación representando un desafío, de ahí el nombre del disco. Lo que tiene más sentido para mí en este disco es que por primera vez me tomé en serio el trabajo como Ela Minus. Me sirvieron mucho los primeros años, porque improvisaba y cometía errores, así aprendí a conocerme muy bien, dentro y fuera del escenario. Descubrir la oscuridad que me habita, reconocer lo mucho que disfruto producir y convivir con beats más fiesteros me impulsó a responsabilizarme sobre lo que quiero hacer y el mensaje que quiero dar. No es casual que la primera mitad del disco comience en un viaje enérgico con 140 bpm que después vuelve hacia adentro, en un camino íntimo como cuando terminas solo en la cama dándote un abrazo a ti misma. ¿Cómo y cuándo decides experimentar con tu voz?

En realidad cantar no fue una decisión, lo que sucedió es que después de tocar batería por mucho tiempo, me empecé a aburrir, estaba muy cómoda, entonces comencé a cantar desafiándome a mí misma. La relación con mi voz es la relación más profunda que he tenido. Y con este disco la descubrí pues antes no tenía idea de cuál era mi propia voz. Puedes vivir actuando pretendiendo hacer lo que crees correcto para encajar o puedes desafiarte dándote la oportunidad de conocerte de verdad. ¿Qué papel juega el minimalismo en la música electrónica que haces?

El tiny dance es un approach hiperminimalista de la música que hago, yo sólo uso los sintetizadores cuando toco en vivo, no uso computadoras ni hago overdubs, bueno, sólo con la voz porque ya está establecido. De esa forma, poder tocarla en vivo se vuelve indispensable, me gusta hacerlo a la old school. La música que yo quiero hacer es a través de canciones que se queden contigo después de décadas, que te acompañan en la vida, que puedas oír la melodía cuando te sientes sola y que también te entusiasme ir al concierto y perderte en el dance. Por eso para mí es esencial que haya contenido y sustancia, no solo estética. Más allá de que yo haya estudiado música, para mi es valioso que las personas se puedan identificar sin necesidad de tener conocimientos musicales.

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LOUDSPEAKER

GABRIELA JIMENO A.K.A., Ela Minus es una artista autosuficiente, pues desde 2015 ha grabado e interpretado su música utilizando su voz sobre sintetizadores análogos que ella misma construye. Su acercamiento musical comienza desde los 12 años con clases de batería y piano, permitiéndole tocar casi por una década en la banda de hardcore punk Ratón Pérez. Más tarde la joven colombiana se muda a Nueva York para realizar dos especialidades en batería jazz y diseño de sintetizadores en Berklee College of Music. La sintetista ha lanzado cuatro EPs de forma independiente, sin embargo a finales de julio del año en curso se estrenó el segundo sencillo “Megapunk” que es parte de su primer disco Acts of Rebellion con el que debutará a través del sello londinense Domino Records. A propósito de su primer disco platicamos con Ela para entender cómo ha sido esta transición.

DANIEL QUIÉN

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12 LA NOSTALGIA ENTENDIDA A TRAVÉS DE MELODÍAS

Daniel Quién forma parte de una nueva ola de jóvenes músicos caracterizados por su peculiar forma de escribir canciones que abordan temas como el dolor y el amor adolescente. Y ahora viene dispuesto a terminar de posicionarse entre los favoritos con Aroma a nostalgia, su nuevo material discográfico.

TXT:: Karina Castillo FOT:: Cortesía del artista

entra la melodía, que es un lenguaje universal, el más acertado que podemos tener, porque a veces las palabras se quedan cortas o a veces no alcanzan a explicar bien un sentimiento y siento que la melodía no tiene ese limitante”.

Definitivamente el cantautor sabe bien cómo lograr transmitir estos sentimientos a través de sus melodías. “Lo supe de ti” es una clara muestra de ello, ya que basta escuchar sus vibrantes ritmos para darte cuenta que el Daniel Quién detrás de esta canción es alguien que por fin ha experimentado la divinidad del amor. Una faceta que veremos mucho en este disco que está por venir: “Estará más enfocado en el amor y el desamor pero desde el punto de vista de la nostalgia, o sea mirando hacia atrás, entendiendo esos sentimientos y viéndolos de forma objetiva, tanto lo positivo como lo negativo”. Esto lo realizará utilizando ahora canciones que “empiezan a coquetear con la orquesta, con el bolero clásico, con el shoegaze y el dream pop”.

Aroma a nostalgia es el título que llevará su nuevo material discográfico, pero ¿qué significa?, ¿a qué huele la nostalgia? Para Daniel puede ser el olor de la mañana, cuando las plantas están llenas de brisa o una habitación recién pintada. Pero en realidad este juego de palabras surge tras una temporada en la que él escuchaba mucha música portuguesa, en la que se suele utilizar el término “saudade”, que es una sensación de extrañar a alguien que no conoces o algún lugar en el que nunca has estado. “El objetivo de Aroma a nostalgia es hacer un trabajo atemporal que tanto pudo haber sonado bien hace 30 años, como va a sonar excelente en otros 30 años en el futuro. Hablar de la nostalgia es un tema muy fructífero y más en canciones porque hay muchos de esos sentimientos que todavía no entendemos y no sabemos escribirlos bien pero ya cuando los sientes con melodías te acercas un poco más a la verdad y a entender qué son y para qué están ahí”, explica.

Daniel Quién aún tiene muchas metas y sueños por cumplir, entre ellos lanzar un disco con sus canciones en versión orquesta o que próximos artistas lo vean como una inspiración. Y Aroma a nostalgia es sólo el primer y exitoso paso a un largo camino que le espera pero que está decidido a recorrer y no parar hasta conseguirlo todo.

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LOUDSPEAKER

DANIEL QUIÉN ES ACTUALMENTE una de las propuestas más cautivadoras en la escena musical mexicana. Podríamos enumerar un sinfín de razones por las que el músico originario de Sinaloa se ha robado el corazón de muchos, sin embargo la que más se destaca es su forma tan peculiar de retratar en sus canciones temas tan complejos como lo son el amor y el dolor que se puede llegar a sufrir especialmente durante la adolescencia.

Todo esto además de llamar la atención de cientos de personas, también lo llevó a ponerse en la mira del sello discográfico Universal Music, con quienes finalmente firmó y está emprendiendo una nueva etapa en su carrera, la que él ha descrito como emocionante por el simple hecho de ser una gran oportunidad de que su música llegue a más oídos. “Lo supe de ti” fue el sencillo encargado de dar a conocer esta siguiente faceta, una canción que instrumentalmente hablando viene mucho más enriquecedora que sus trabajos anteriores pero que no pierde la esencia de Daniel. “Decidí lanzar primero ‘Lo supe de ti’ porque siento que es una buena carta de presentación entre el Daniel de sus inicios que tiene esas letras un poco interpretativas, entre poéticas y familiares, y a la vez tiene a este nuevo Daniel que está un poco más instrumentalizado, hace uso de más recursos sonoros y de atmósferas. Siento que esta canción podía pasar por esa brecha cómodamente y dar esa impresión. Y ha resultado, tanto los fans de antes como los que van llegando lo han recibido bien”, me comenta.

Por sus letras tan profundas y su forma tan impactante de combinar la metáfora con un lenguaje interpretativo, se creería que el sinaloense se inclina más hacia la escritura, sin embargo cuando le pregunto sobre su proceso para llegar a esta creatividad, me explica que en realidad es todo lo contrario: “Es definir qué sentimiento quiero transmitir, porque a mí me gusta considerarme más un ser de melodías que de letras. Me gusta mucho la música instrumental, la clásica, soundtracks de películas, música en otros idiomas, y desde chiquito siempre me impresionaba como aunque no se diga nada o venga en otro idioma aún así se entiende lo que te quiso hacer sentir el autor. Entonces en mi proceso creativo siempre checo el ‘¿qué te va a hacer sentir la melodía?’ o si fuera cantada en algún idioma desconocido ‘¿qué transmitiría?, ¿qué te haría pensar?’, que ahí es en donde yo creo que

MELENAS

LOUDSPEAKER

14 LAS CHICAS NO SOLO QUIEREN DIVERTIRSE

“En un inicio no hubo un planteamiento de querer sonar de alguna forma en especial. Sonábamos a lo que iba saliendo”

TXT:: Manu Charritton FOT: Dani Cantó

¿Cómo vive Melenas estos Días Raros?

Ohiana: Con altibajos Leire: Es un poco montaña rusa.

O: Ha estado bien porque hemos estado sacando el disco durante la cuarentena y ha tenido comentarios bastante positivos. Eso nos ha llenado de alegría y energía. Además hemos podido centrarnos en la promo sin estar tocando a la vez.

L: Hemos hecho el video de “Primer Tiempo” también, durante la cuarentena.

O: Y tuvimos que grabarlo en casa.

Me gustaría que me cuenten sobre los orígenes de la estética sonora y visual de su música.

En un inicio no hubo un planteamiento de querer sonar de alguna forma en especial. Sonábamos a lo que iba saliendo. A medida que fuimos aprendiendo a tocar los instrumentos pudimos comenzar a aplicar las cosas que teníamos en mente. A posteriori pudimos ver que fueron saliendo cosas de bandas que nos gustan como Television Personalities, Marine Girls o Stereolab. En este segundo disco hay un sonido más Lo Fi como Broadcast, clásicos como Carole King, algunos grupos australianos actuales o Vivian Girls. ¿Qué música están escuchando ahora?

Yo estoy escuchando muchísimo a un chico francés llamado Flavien Berger, que hace una electrónica con un punto pop, un poco de kraut y por momentos rockero, con sintes. También estoy escuchando muchos nuevos grupos, con los que nos relacionan en las críticas que hacen de nuestro disco, como ser Liechtenstein. Cada semana podría decirte uno nuevo. ¿Y tu Leire?

Five or Six, que son ingleses como noventeros, y The Gist, de Stuart Moxham, de Young Marble Giants.

¿Cómo describirían la escena musical de Pamplona y del País Vasco?

En cierta manera Pamplona es como un ghetto. Hay unas referencias que hacen alusión a música de todo el mundo. Pero si que es verdad que tanto en Pamplona como el País Vasco ha habido una cultura bastante punk en relación a temas políticos y conciertos en Gaztetxes (casas okupas). Nuestro segundo disco lo grabamos en un Gaztetxe. ¿Qué sabor de boca les ha dejado su primer disco y que esperan que suceda con este segundo?

L: Con el primer disco recién empezábamos a tocar. Un verano nos juntamos a probar y esas navidades acabamos, mientras aprendíamos, grabando unas canciones en un estudio. Pusieron algunas de nuestras canciones en la radio y tuvieron muy buena acogida, lo que fue muy grato para nosotras. Decidimos entonces sacar el disco y también tuvo buena respuesta. En seguida nos empezaron a llamar para tocar. Fue una sorpresa que nos alucinó. No tuvimos que hacer mucho esfuerzo para conseguir shows sino que la gente nos comenzó a invitar.

O: Como fanáticas que somos, conocíamos SXSW. Rellenamos la solicitud a horas de que cerraran el plazo y quedamos seleccionadas. No teníamos ahorros ni nada pero fuimos, y eso nos llenó de alegría y energía para continuar. Esa experiencia hizo que un sello de Chicago comprara nuestro disco y nos invitaran a enviarles las canciones del siguiente. Luego de eso editaron nuestro segundo álbum lo cual nos dio un gran avance. Hemos podido llegar a bastante gente más. Y como nos encanta viajar nos hace mucha ilusión, aunque ahora no se pueda. ¿Su experiencia más inolvidable?

El SXSW. Pero tenemos otra. Un mes antes del coronavirus fuimos a tocar al Fashion Week de NY. Una gran diseñadora llamada Ulla Johnson nos escribió un mes antes para invitarnos a tocar en su desfile. Fue una gran sorpresa que conociera al grupo y luego que nos invitara. Claro que fuimos. Toda la experiencia estuvo muy guay.

Ensayos con las modelos, hospedaje en Manhattan y el backstage del evento. ¿Qué planes tiene Melenas para el futuro posterior a la pandemia?

O: Grabaremos algunos videos en directo y canciones.

L: Trouble in Mind Records nos invitó a ir a girar por Estados Unidos por lo que, cuando se pueda, nos gustaría.

O: También Europa y México.

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LOUDSPEAKER

HACE TIEMPO RECIBÍ LA RECOMENDACIÓN, de parte de los amigos del Festival español Monkey Week, de escuchar a un llamativo cuarteto de chicas de Pamplona, tierra de bandas como El Columpio Asesino, con quienes comparten cercanía.

La banda participó con éxito en la penúltima edición de SXSW -este año se hizo una versión virtual del festival-, donde llamaron la atención de la disquera de Chicago llamada Trouble in Mind para editar su más reciente trabajo que lleva por nombre Días Raros. Me gustó su sonido y trabajo visual despreocupados, frescos y que me remiten a paisajes cercanos al kraut, post rock, psicodelia, de guitarras, sintetizadores y dream pop. Platique a distancia con ellas para compartir un rato con Ohiana y Leire y conocer más acerca de Días Raros.

WILL JOSEPH COOK

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16 BUSCANDO ALGO PARA SENTIRTE BIEN

TXT:: Karina Castillo FOT:: Cortesía del artista

Will Joseph Cook regresa para lanzar su segundo material discográfico Something To Feel Good About, un disco en el que el joven músico presenta su faceta más íntima y madura. Además de que ahora viene dispuesto a romper todas las fronteras y llegar a dominar la escena musical a nivel mundial.

emocional si lo comparamos con su antecesor. “Creo que mis experiencias se volvieron más adultas y de hecho sentí que tenía que usar la música más como una herramienta para procesar estas experiencias, así que sentí muy necesario escribir. Cuando era más joven, hacía música porque era una forma divertida de hacerlo. Y este álbum es mucho más vulnerable y se volvió más necesario para mí hacerlo de una forma emocional”, comenta.

Mostrar su lado más vulnerable le fue difícil en algunos momentos, pero él está decidido en contar la historia de su vida a través de canciones con las que puede que otras personas que estén pasando por situaciones similares se identifiquen y les ayude a sentirse menos solos. “Estoy ansioso por cantar estas canciones, ser vulnerable y ver qué tipo de mensajes recibo de parte de los fans, porque creo que cuando escribes música emocional la gente termina conectándose de una forma muy fuerte y es grandioso cuando una canción puede ayudar a alguien”, dice Joseph.

Something To Feel Good About es un disco muy personal con el que podemos adentrarnos ya de manera profunda al mundo de Will Joseph Cook. Mientras que musicalmente, me adelanta que escucharemos algo con tintes de música de los noventa e influencias de artistas como los Jackson 5 y Beck. Aunque basta con escuchar su último sencillo, el que le dió título al álbum, para darnos cuenta de que su regreso viene a lo grande en todos los aspectos. Éste específicamente me explicó que fue escrito para su ex novia y que es sobre el tratar de ser el elemento positivo en la vida de alguien cuando todo va realmente mal.

Will Joseph Cook actualmente está rompiendo todas las fronteras. Su música ya no sólo domina Europa sino que ya también Norteamérica y Sudamérica, lo que lo tiene muy emocionado y que, según me menciona, espera pronto llegar a dar sus primeros shows de este lado del mundo.

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EN EL 2017 SURGIÓ UNA DE LAS PROPUESTAS más interesantes de los últimos tiempos en la escena musical de Reino Unido, Will Joseph Cook. Un chico que con tan sólo 17 años lanzó su álbum debut Sweet Dreamer, con el que inmediatamente logró capturar la atención de un público que se vio atraído por sus composiciones multidimensionales y su poderoso e innovador sonido. Esto lo llevó a posicionarse como uno de los artistas más jóvenes, al nivel de Rex Orange County y Declan McKenna, en dominar el género.

Fue tanto su impacto que tan sólo seis meses después del lanzamiento de su primer disco regresó con el EP If You Want To Make Money, sin embargo, tras esto Cook se tomó un largo descanso. Y es hasta este año en el que por fin presenciaremos su regreso a la música con su nuevo material discográfico Something To Feel Good About, que se espera vea luz a finales del otoño. Pero ¿por qué esperar tanto para lanzar algo nuevo? “Había estado haciendo música como mi pasión de tiempo completo desde que tenía 15 años y en realidad nunca había parado y mi mundo entero era la música. Y creo que definitivamente necesitaba al menos tomarme un tiempo libre para experimentar otras cosas, así que me fui a viajar con un amigo y empecé a trabajar más en la música de otras personas y haciendo otro tipo de cosas para ver cómo era allá afuera y no sólo enfocarme en mí todo el tiempo. Después fue en 2019 que emprendí un viaje a Los Ángeles para escribir y ahí fue en donde conocí a varias personas con las que terminé haciendo el disco y fue un tiempo muy inspirador. Así que creo que 2018 fue un año para ser sólo un ser humano y 2019 fue el año de escribir y hacer este álbum”, me responde.

Durante este período alejado de los reflectores, su viaje a América fue el que más influyó en su forma de hacer música ya que me platica que cuando era más joven, era muy devoto en hacer todo él solo hasta que llegó un punto en el que ya se le fue de las manos: “Este viaje fue mucho de trabajar con un par de amigos y todo lo que hacíamos era pasar un buen rato y fue una experiencia mucho más colaborativa y en general, más creativa. Pero creo que eso fue porque crecí mucho y me volví más confiando en mí mismo, lo que me permitió poder trabajar con más personas y creo que era algo que necesitaba como artista”. Asimismo, esto también fue un tiempo importante de transición entre el ser adolescente y comenzar a entrar a una vida de adulto, en la que se tuvo que enfrentar con otro tipo de problemas, como la ruptura de una larga relación o incluso el haber tenido que perder familiares, todo esto finalmente quedó plasmado en su nuevo disco, en el que parece ser veremos a un Will Joseph Cook más maduro y

LUKE JENNER

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18 CONSTRUYENDO EL SOUNDTRACK DEL ADULTO CONTEMPORÁNEO

Luke Jenner está contento con este momento de su vida, pero siente que el dad rock está muy lejos del zeigeist generacional.

TXT:: Jonathan Villicaña FOT:: Gena Tuso

¿Cómo fue para ti iniciar a hacer estas canciones solo por ti mismo?

Si miramos para atrás siempre he hecho música por mi cuenta, yo inicié The Rapture solo, ya luego invité a Vito el baterista, pero siempre escribí la mitad de las canciones por mi cuenta, y la otra mitad con la banda.

Luego vino Meditation Tunnel, e hice más cosas, bueno, me he dedicado a producir por mi cuenta y a hacer una red de productores e ingenieros con los que me apoyo y les mando mis canciones para que me den sus comentarios, está chido. ¿Cuándo comenzaste a trabajar con estas canciones?

Empecé a idear algunas partes desde que inicié a escribir mis primeras canciones, la verdad es que este es un proyecto muy personal, el disco inicia con una grabación de mi hijo, luego puedes escuchar a mi esposa, eso hubiera sido muy difícil de hacer con The Rapture, ahora por mi cuenta lo puedo hacer a mis anchas.

Con The Rapture era difícil lograr un consenso, yo fui el que propuso que hiciéramos canciones más dance, y el resto estaban en contra, y no quiero tener que explicar el porqué de cada cosa, trabajando solo tengo toda la libertad, sin tener que explicar por qué escribí de esto o en una entrevista hablé de aquello.

Si pensamos en este disco como una estructura ¿cuáles son los cimientos que sostienen al álbum?

Antes estaba muy obsesionado con hacer canciones, y seguir una estructura, pero “House of Jealous Lovers” echó todo a perder, luego de esa canción todo tenía que estar pensado para ser un hit, eso me estaba matando como compositor.

Este disco arranca con muchos sonidos, y así nació, me puse a hacer sonidos con efectos y a armar un collage, sin pensar en construir una canción. Este disco está hecho como si fuera una película, o una pieza de audio completa, no como un disco tradicional al que estamos acostumbrados, con canciones tras canción.

Así comencé la primera canción, experimentando, y ya que estaba hecha apagué las luces y me deje guiar, ponía un foco suave, como los que se usan para iluminar las recámaras de los bebés, y así trabajé tratando de estar en un estado de meditación, eso hizo que este trabajo sea lo que más he escuchado de mi música.

Antes sólo hacía una canción y la mandaba para que saliera y nunca lo volvía a escuchar, aquí estuve escuchando una y otra vez todo, para decidir qué faltaba. Creo que lo que más importa en este disco son las transiciones y las entrevistas, quiero darle más peso

a lo que digo acerca de eso, más que a mi propia voz cantando algo.

Pero por sobre todas las cosas, lo más importante era dedicarle una carta de amor a mi familia y hacerlos sentir especiales. ¿Tienes planeado un show en vivo para tocar este disco cuando sea posible?

Ya he tocado algunas de estas canciones, me gusta mucho tocar en mis cumpleaños, y lo hice este año. Ya tiene bastante tiempo que toco estas canciones, una vez abrí un concierto de The Rapture, tocando con otros amigos, también parte de este proyecto es hacer comunidad, para tener gente con quien tocar este disco.

Hemos crecido, esto genera cambios en nuestra identidad ¿cómo defines al Luke Jenner de 2020?

Bueno, nunca voy a dejar de ser un niño, sufrí mucho cuando fui niño, y creo que eso hizo que, como otros músicos, me quedara detenido en esta etapa. Pero también soy un artista, y puede ser que ese mismo daño me haya vuelto este artista, porque a veces el arte deriva del daño, pero ahora me estoy tratando de reconciliar con muchas cosas y crecer.

Además me volví life coach hace poco, y además soy padre, y ese es un trabajo aún más importante que la música. ¿Qué estuviste escuchando mientras trabajabas este disco?

Al tener tanto tiempo trabajando estas canciones, no te puedo resumir todo lo que escuché en estos 9 años. Pero más que nada, escucho radio, la radio en NY es como una institución seria, la gente que está ahí ama la música, tienen muchas y muy diversas influencias, así como mucho que mostrar.

Realmente quería hacer un disco para el adulto de hoy, alguien con una familia, que ame a su esposa, porque no hay discos así y acabo de hacer uno, y no quiero llevarme los créditos de inventar un género, porque si lo piensas ahí está el Dad Rock, pero es como Creedence Clearwater Revival, no hay un solo disco con las características que te digo. ¿Hay planes a futuro para Meditation Tunnel?

Sí, hay un EP en camino, pero no sé, me da miedo lo que vaya a pasar, la música electrónica es muy efímera, lo que se escucha ahora puede sonar viejo en unas cuantas semanas, por eso no estoy seguro. Todos mis amigos de la música electrónica están espantados por esto.

Con The Rapture viniste muchas veces a México, y como Dj tú solo también ¿Qué es lo que más te gusta de aquí?

Tengo una gran historia de amor con México, mi abuela era mexicana, y ella le enseñó a hablar español a mi papá. Mi familia es de california desde que era territorio mexicano, además crecí rodeado de mexicanos, he comido tacos toda mi vida, así que no lo siento como un lugar lejano o diferente, es como estar en casa.

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LOUDSPEAKER

LUKE JENNER tiene un disco solista titulado 1, un álbum como respuesta al crecer, el ser adulto, así como este disco es una carta de amor para su familia, y a la par satisface su necesidad de encontrar música para el adulto contemporáneo.

METH MATH

LOUDSPEAKER

20 SOÑAR PARA PERREAR Y LLORAR

TXT:: Paulina García FOT:: Cortesía de la artista

¿Qué inquietudes musicales traía cada uno de ustedes al formar Meth Math?

Yo nunca pensé que iba a hacer música. Siempre me ha encantado y siempre me ha parecido muy misterioso todo ese tema de las frecuencias, como viaja y rebota el sonido. La verdad es que yo me veía más como una artista plástica, más visual. Así que una vez estaba aburrida en Hermosillo y subí algo sobre que quería hacer música. Entonces Efrén (ErrorError) me contestó y caí a su casa donde vive con To, así que ahí mismo nos pusimos a “jugar”. Estuvimos un buen rato jammeando y nos divertimos mucho, entonces nos quedamos en ver de nuevo. Ellos me enseñan cosas todo el tiempo y las cosas han fluido de forma muy natural, así que el resultado de lo que va saliendo es un conjunto del mood de los tres. Nos gusta que nuestro estilo sea así… feo (se ríe). Y al principio si me daba pena, pero me daría más hacerlo mal, así que prefiero meterme en un personaje. Por eso siempre traigo pelucas y así puedo dejar de ser Ángel y ser esa persona que va cantar las canciones. ¿Cómo influye lo que hacen con cómo vas escogiendo cosas para caracterizarte?

Siempre estamos pensando en temas muy melancólicos, nos vamos mucho por sentimientos. Los tres pensamos todo el tiempo en temas como el apocalipsis y el poder pasar a otra dimensión para transformarnos.

“Perreando y Llorando” es un gran ejemplo… ¡Exacto!

El reggaetón se ha metido en el ADN musical de todos los géneros, ¿la música de Meth Math se ha visto influenciada por dichos ritmos?

Pues los tres somos “chavos de provincia”, yo me acuerdo de perrear con La Factoría desde chiquita, desde antes de saber que eso era perrear. El reggaetón siempre fue parte de mi entorno, y más bien luego llegué a la prepa y entré en el rollo de “no, eso no es música” porque me gustaba el rock y los rockeros siempre han tenido esa postura. Ya después dejé de ser una poeta pendeja, regresé al reggaetón y me di cuenta que sí estaba chido. De hecho, tenía unas fiestas muy chidas de bellaqueo hace como 5 años en México y después en NY. O sea, nunca pensé en realidad que yo iba a terminar haciendo un reggaetón a pesar de siempre tenerlo en mi entorno. Pero con este EP más bien, quisimos hacer una rola de ambient, y un poco lo mismo con “Perreando y Llorando”, se nos ocurrió hacer un reggaetón . Pero también ha sido así con las otras canciones, pensamos en algo que nos gustaría hacer y vemos qué sale, no tanto por estar de moda. Lo que sí es que nos dio mucha curiosidad que saldría si hiciéramos un reggaetón entre los 3, y ese fue el resultado.

Y de las cuatro canciones del EP, ¿cuál te retó más que todas, o cual sientes que fluyó más que todas?

Hicimos “El Vals de la Piedra” y “Perreando y Llorando” a principios del 2019 y ya llevábamos un rato tocándolas, entonces de tanto escucharla supongo que me cansó un poco y empecé a pensar que podría estar mejor, pero “Perreando…” es la rola que más pegó. “El Vals de la Piedra” me gusta muchísimo, y esa canción en específico fue de esas que sale desde la primera vez que la tocas. Se armó super rápido, y la letra salió de un sueño muy lindo que tuve con una piedra, así que escribirla también fue bastante natural.

Ustedes que son un proyecto nuevo, lanzando su material bajo este peculiar contexto, ¿cómo han logrado darle la vuelta a esta situación y lograr promover lo que van sacando?

La verdad sí ha estado triste porque a nosotros nos gusta mucho toda la cuestión del performance, pero más bien hemos aprovechado también para clavarnos y mejorar técnicamente. Estamos haciendo música nueva y concentrándonos en otras cosas: generalmente estábamos grabando en el cuarto de To con unos monitores todos rotos y mejor decidimos ponernos las pilas para ver como ir armando un mini estudio. Más bien es como un tiempo de construcción, es preparar el camino para salir mejor que antes. Obviamente, como todos, teníamos mejores planes que tuvimos que cancelar.

Siento que para muchos músicos, DJs y productores este tiempo ha sido un poco como para reagruparse, generar, explorar y todo lo necesario para salir con vuelo conforme las cosas vayan recuperando una cierta normalidad.

Espero que sí sea así para todos. Nosotros en específico llevamos 4 años y este año todo cambió cuando firmamos, entonces las cosas se han “oficializado” más, y con ellas el trabajo se tornan en fechas de entrega y esas cosas. Entonces la manera de nosotros rifarnos es mejorar y ponernos las pilas hasta que podamos volver a salir a tocar, pero no está mal. De hecho a mi me ha gustado mucho.

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LOUDSPEAKER

TODAS LAS GENERACIONES tienen una banda cuyo peculiar estilo y sonido empieza a perforar el underground hasta llegar a ser esos abanderados que firman con un sello trasnacional o, en tiempos de internet, con un sello internacional. Sin embargo, en la generación de los proyectos de “peculiar estilo y sonido”, el proyecto que sobresalga tiene que poder subir esa barra un poco más. El caso de Meth Math es ese: el junte de dos músicos de diferentes sonoridades con una artista plástica de mente espacial y sueños etéreos que se traducen en letras interpretadas por una voz que podría cobrar mil formas en cabeza de cada quien, desde una criatura diminuta y curiosa hasta una presencia obscura y un tanto tenebrosa.

El primer EP de Meth Math, Pompi es mucho el reflejo de qué pasaría si estos tres personajes hicieran música juntos sin importar si era un reggaetón, algo con tintes más synth pop o un coqueteo con el ambient. Algo que permea en este trabajo es el mood constante que ronda en la nostalgia dentro de texturas de ensueño. Para adentrarnos más en este nuevo universo sonoro que nos ofrece Meth Math, tuvimos una charla con Ángel, una morra con toda la soltura y expansión para convertirse en una frontwoman camaleónica que pueda llevarnos de la mano a través de varios de sus sueños, que a juzgar por la letra y video de “El Vals de la Piedra”, son tan bizarros como divertidos.

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EL PRÓXIMO ELEGIDO TXT:: Diego Urdaneta FOT:: Luis Alejandro Marquez Ocando “Vomba

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“Quiero inspirar a cualquier persona, decirles que si yo lo logré, cualquiera puede”.

la persona que la escucha. Pero vaya que funcionó: más de 500,000,000 millones de plays en YouTube, #1 en Billboard Hot Latin Songs, fue nombrada por Spotify México como la canción del verano, y para Spotify mundial fue la #7 en esta misma categoría.

El catálogo de Sech se caracteriza por jugar con las estructuras de sus canciones; no siempre apegándose a los estándares y logrando obtener un tipo de canciones difíciles de encontrar dentro del género. El de Río Abajo lo sabe: “Yo hago las canciones como las sienta, y sí, es verdad que mis estructuras son raras. Trato de no guiarme por estas ideas. Así es toda mi música. ‘Otro trago’ es así. ‘Fabuloso’ es así. Si yo voy en mi carro y la pongo y siento que la vibra está ahí, olvídate, así se queda. Las reglas ya las rompí desde el principio”, opina.

Un éxito como “Otro trago” le cambia la vida a cualquier artista. Te abre puertas que antes estaban cerradas o eran impensables. Hoy vivimos un presente en el que la industria musical en español es una de las más competitivas y saturadas del mercado. Cada semana aparecen cientos de canciones.

Cada semana algún artista estrena una canción. O dos. Las mismas características del juego y el género hacen que se tenga que estar inundando de contenido a la gente para seguir siendo relevante. Daniel Ek, CEO de Spotify, dijo a Music Ally que “los artistas que no les está yendo bien en las plataformas de streaming son personas que quieren lanzar música de la forma que antes se hacía”. Haciendo clara referencia a esos músicos que lanzaban discos cada tres o cuatro años. Hay mucha competencia, Sech lo sabe, y dice que nadie es más exigente consigo mismo que él.

“Por ‘Otro trago’ créeme que lloré, estuve madrugadas despierto. La gente me preguntaba: ‘¿Con qué vienes? Porque ‘Otro trago’ rompió el mundo’.

Entonces tenía una presión increíble. Y en las entrevistas lo primero que me preguntaban era sobre el siguiente tema. Sobre cómo seguir mi carrera luego de una canción tan grande. Y yo obvio decía que estaba listo, pero no tenía nada. Pasé madrugadas despierto, despertaba a Dímelo Flow, mi productor, y le decía: ‘Escucha esta’, y él decía: ‘Esa no me corre’ y así. No fue fácil. Es que yo soy una persona bien rara en el sentido de que me exijo demasiado.

Hay muchos amigos que me dicen: ‘Bro, ¿tú no ves lo que has hecho?’ Y yo digo: ‘No, yo no he hecho nada’.

Yo sé a lo que quiero llegar y no estoy cerca. Quiero ser como Daddy Yankee, Farruko, Zion y Lennox”, cuenta decidido Sech.

Su disco Sueños marcó el despegue internacional del artista panameño. Logrando ser reconocido por la crítica internacional, teniendo un ascenso enorme, colocando su nombre y números al mismo nivel de artistas mucho más consagrados.

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uando se cuenta la historia de las raíces del reggaetón hay una rara costumbre de obviar la importancia de Panamá dentro de la creación de este género.

Situación que sucede por la tendencia de la cultura popular a blanquear géneros con raíces afrodescendientes y subestimar a sus protagonistas y fundadores por otros artistas blancos que llenan portadas de revistas y titulares de medios de comunicación.

En el siglo XXI, el reggaetón hecho e interpretado por artistas de Puerto Rico y Colombia ha logrado una revolución e impacto cultural global notable; logrando desaparecer barreras culturales que antes parecían imposibles pensar en derrotar: desde estar presente en los festivales más importantes del mundo hasta tener la canción con más éxito comercial para la historia de la música (“Despacito”). Pero nada de esto hubiese sido posible sin los primeros cimientos y pasos que se dieron en Panamá en los 80 y 90, con nombres como Nando Boom, El General y Renato; artistas que cultivaron y moldearon el primeramente llamado “reggae en español”.

Panamá estuvo escondido en el mapa del reggaetón popular y comercial; apareciendo solamente en contadas ocasiones cuando algunos historiadores, periodistas nombraban las raíces del reggaetón, pero en el 2020 vuelve a estar en la conversación gracias a la aparición de una de las propuestas más necesarias para la música latina: Carlos Isaías Morales, AKA Sech.

El artista y productor nacido en Río Abajo es una de las caras más reconocidas y exitosas de la llamada (para descripciones fáciles) “nueva generación” del reggaetón de la última parte de la segunda década de los dosmiles. Hoy, Sech es el artista #91 en el mundo más escuchado para Spotify, cuenta con tres nominaciones al Grammy Latino y ya ha editado dos mixtapes: The Sensation (2018) y A Side (2020).

The Academy (2019), un EP y sus dos LP: Sueños (2019) y 1 of 1 (2020), su disco más reciente.

“Creo que hoy soy una persona con más experiencia, disciplina pero con los mismos sueños. Madurez musical. Uno va mejorando, aprendiendo lo que le gusta más a la gente. Ya luego reflexionas: ‘bueno, aquí en este álbum me faltó en las letras, en esta estrofa podía mejorar, en el coro’. Ahí señalas y encuentras para dónde seguir mejorando e innovando”, cuenta Sech en una videollamada para Marvin desde Panamá, recién bajado de un avión privado que venía de Miami.

El 2019 fue un año clave y definitorio para Morales: tuvo la canción más grande de su carrera, y una de las canciones más exitosas del año en “Otro trago”; obra que desafía los mandamientos de cualquier idea de lo que debía tener una canción de reggaetón o pop para tener éxito. Desde su estructura y cadencias, “Otro trago” engaña y confunde a

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“Lo mío no es ser el más bonito, con el mejor físico, lo mío es la música realmente.

Música, sueños y ganas de echar adelante, personalidad”

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El 2019 vio a Sech cerrar el año en el festival Coca Cola Flow Fest en Ciudad de México; cantando frente a casi 60,000 personas consagrando su música en uno de los países claves en posicionar artistas para la región. Esto abrió el camino para que en el 2020, pudiese tener un disco como 1 of 1, que se siente como el más ambicioso y mejor logrado de su cortísima carrera.

Pero para él, siendo congruente con sus exigencias, esto es “solo un upgrade” y un disco que comenzó “lento”.

“Yo siento que al principio de la cuarentena estaban pasando tantas cosas por la mente de las personas que, y lo digo abiertamente y con seguridad: la mayoría de los temas de este disco iban lento. Incluso, no quiero mencionar nombres porque tú sabes, pero un buen par de mis colegas que hacen números increíbles, no los tenían…Todo estaba muy lento. El mundo estaba en otra onda claramente. Pero yo siempre supe que algo iba a pasar con ‘Relación’. El tema es muy cabrón. Yo pensé: ‘Vamos a darle alegría a la gente, que respire de todo esto’, porque hay personas en su casa que no pueden salir, unos están sin trabajo. Y es la realidad de la vida, ahora las cosas se están calmando un poco más y mira… la canción es uno de los temas más famosos en Tik Tok actualmente”; cuenta Morales sobre el éxito que está teniendo “Relación”, el sencillo de su más reciente disco.

Y hablando de Tik Tok; lo bien que le van a las canciones de Sech en una plataforma primordialmente dominada por jóvenes Gen Z, no es cosa nueva: los niños y niñas son público importante del conglomerado de personas que consumen la música del panameño. “Esto es algo que viene pasando hace tiempo. Yo creo que lo bueno de mi música o de mi persona es que como que le agrado a todo mundo, hay personas que dicen: ‘Ah, el gordito le mete’. Y bueno, pues es que lo mío es eso. Lo mío no es ser el más bonito, con el mejor físico, lo mío es la música realmente. Música, sueños y ganas de echar adelante, personalidad”.

El reggaetón y sus artistas han sufrido discriminación, racismo, clasismo y prohibiciones históricamente. El género ha salido bastante victorioso, convirtiéndose en bandera de la exportación y conquista cultural de la música latina, algo sin precedentes para cualquier género hecho en este lado del planeta.

La cruzada de Sech por convertirse en la próxima cara para pararse al lado de los nombres clásicos más sonados en todo el mundo es una bastante valiente, noble y con muchísimo potencial. Hace tiempo no salía a la luz un artista con estas características. Una voz que puede encontrar similitudes dentro del soul; estructuras musicales ajenas al género y una representación afrolatina que necesita el reggaetón mainstream. Canciones como “Otro trago”; “Relación”, “Qué más pues”, “La discusión”, “Falsas promesas”, “Boomerang” demuestran su rango y madurez vocal y musical.

Es complicado, debido al blanqueamiento que tuvo y tiene el género, ver propuestas como las de Sech colarse en medios masivos dentro del imaginario popular. Sinceramente, Carlos Morales tiene todo para quebrar (o aportar) al binomio J Balvin y Bad Bunny en lo más alto de las listas.

De ser el próximo elegido. Por sus características musicales es un producto que funcionaría muy bien en mercados anglosajones. Esto sirve para devolver el nombre de Panamá a la conversación y educar a toda esta nueva generación de niños y niñas que están descubriendo al reggaetón por primera vez. Y todo usando como vehículo la discografía de Sech.

El arquetipo físico del panameño se termina convirtiendo en una apuesta necesaria y renovadora. Un discurso que logra que un artista mainstream del género sea escuchado por su música y no por sus aptitudes físicas acercadas a lo que Occidente entiende como “buen cuerpo”.

Una renovación de prioridades dentro de un género que últimamente ha prestado muchísima atención a cómo se ven sus exponentes. Cuerpos irreales para la mayoría. Sech da una cucharada de realidad que hace bien y muestra las carencias de este movimiento.

Personalmente, cada vez que me ha tocado hablar de Sech, concluyo o que la música latina popular actual necesita urgentemente a Sech más de lo que el mismo Sech necesita ser parte de una narrativa como la que existe a día de hoy.

Si Sech es una de las referencias de lo que viene para el reggaetón y sigue conquistando al planeta entero como va, definitivamente nos hará a todos un favor como sociedad y consumidores de este tipo de música.

“No hubiese hecho nada distinto hasta ahora. Prefiero todo lo que he vivido. He tenido mucho tiempo de mirar atrás y ver lo que he hecho bien y lo que no. Quiero inspirar a cualquier persona, decirles que si yo lo logré, cualquiera puede”, despide Sech la videollamada.

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H TXT:: Jonathan Villicaña FOT:: Patricio Malagón

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Desde Ciudad Neza los Hermanos Sandoval nos ayudan a reconectar con los orígenes de la mexicanidad con una fusión de rock en la era digital.

ablar de identidad es difícil, y si hablamos de la identidad de un grupo semántico tan grande como nuestra nación, es complicado. Hablar de una identidad nacional en tiempos de cambio, es aún más difícil, actualmente muchos sectores nos comprometemos a una deconstrucción, social, de consumo, de identidad, de sexualidad.

Llegó un tiempo de cambiar, de voltear a ver quiénes somos y reconstruir de lo individual a lo colectivo, a veces las nuevas generaciones por hacer ejercicios así son mal llamados de cristal o de mazapán, pero en verdad es hora de romper con cosas que no van.

En medio de toda esta tormenta entre los millennials hijos del stablishment y la Gen Z dispuesta a cuestionar todo, y a cuestionar lo que no entra en los nuevos modelos de moralidad, hay un poderoso resurgimiento musical de una nueva mexicanidad, que si bien por tirar nombres podemos nombrar a proyectos como Los Cogelones, Lázaro Cristóbal Comala o Belafonte Sensacional, que llevan años bebiendo del subsuelo una patana de mierda que nos ha deja el sistema social, y político que por décadas siempre prometiendo un cambio, pero a la par a posteriori jura un progreso inexistente.

Los Cogelones han logrado alzar la mano y posicionarse como un estandarte musical del cambio, de una revolución, quizá no sonora y de pensamiento.

El 6 de julio Los Cogelones lanzaron un disco que pudieron trabajar en un estudio imponente como Panoram, en el arte tuvieron a Dorian López, y en la producción al legendario Pablo Valero, guitarrista original de Santa Sabina, que comparte crédito con Enrique Tena Padilla, a quien seguro recuerdas como productor de Oh Sees.

Días antes de haber lanzado Hijos del Sol, su disco debut, tres cuartas partes de Los Cogelones se conectaron en una llamada telefónica en la que confiesan sus orígenes, la vida en Neza, esta nueva mexicanidad y su experiencia formando niños.

Musicalmente Los Cogelones imponen, mandan, son una mezcla de las cintas del Polo Pepo con cantos en náhuatl, el uso de instrumentos prehispánicos y banda de guerra, aunque puede ser difícil conceptualizar esta mezcla de primera mano, lo mejor que puedes hacer es enfrentarte a ese puñetazo de realidad que es descubrir la música de Los Cogelones.

La neta la mezcla está de huevos, descubrieron los elementos que tenían cuando comenzaron como una banda de covers, y pudieron producir algo nuevo por su gusto al rock & roll, nutridos de los sonidos de El Haragán, Charlie Monttana, los Doors.

La historia personal de cada uno de los 4 hermanos, más su colectividad ha dado vida a un proyecto único

y necesario en estos tiempos. Aunque me confiesan que no topan al Polo Pepo, a mi me siguen sonando a ese “San Felipe es punk” mítico, que es todo un himno de la zona conurbada que sufre de los problemas debido a la falta de planeación de la mancha urbana en la mega urbe.

Los Cogelones son oriundos de una de las colonias más antiguas del municipio de Nezahualcóyotl, en el Estado de México, sí, ese Neza que viste en Roma de Cuarón, y que no dista demasiado del Neza actual, que puede oler mal y sufrir por el abasto de agua, pero recordemos que estos barrios suburbanos, muchas veces sin ley, son los que acogen a la fuerza trabajadora de esta ciudad. Pero como millones más Marco, Víctor, José Alberto y Jesús Adrián, han aprendido a hacer su día a día en este contexto.

Me llama la atención que 4 chicos de Neza, puedan tener tanta sensibilidad por las tradiciones precolombinas, cuando un graduado de antropología del INAH no puede bajar de este modo todos los conceptos que son su objeto de estudio para producir un bien cultural, les pregunto por ello, en esta llamada en la que no pudo estar Beto, el trío me platica que su familia tiene orígenes en la zona de los volcanes y en Oaxaca, de ahí que ellos tengan tan cercana esa mexicanidad, de la que poco a poco han ido aprendiendo y con razón de conocimiento han logrado producir contenido con el que hoy día nos podemos identificar o sentir, sin el acto reflejo de la ignominia, o el no visualizar aunque todos los días veamos en las calles a población rural o descendiente de comunidades indígenas.

Ya entrados en confianza, luego de dos o tres chistes, me confiesan su gusto por el rock pesado, que fueron descubriendo por proyectos como Led Zepellin y Black Sabbath y tanto El Vago como el Haragán son de sus bandas favoritas.

Nos ponemos serios para platicar de sus planes, y ahí es que ya me explican que bajo el manejo de su manager pudieron llegar con Pablo Valero para grabar este disco en Panoram, pero lo mejor de todo es que el trabajo final, además de llegar a las plataformas de stream tendrá una versión de vinyl, y para esto en los días que platicamos, estaban juntando a posibles clientes para cerrar una orden de pedido del primer tiraje de este acetato, está pre compra cerró los últimos días de agosto, ahora mientras lees esto deben estar llegando los primeros vinilos del disco debut de Los Cogelones.

Pero ojo, al tiro carnal, esto no llega de la noche a la mañana, los integrantes de Los Cogelones llevan unos años en esto de la música, y apenas pueden sentir que están creciendo, arrancando como una banda de covers, luego con canciones hechas por ellos, Los Cogelones han llegado a su punto más álgido al día de hoy, y yo espero que lleguen aún más lejos.

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A diferencia de millones de músicos que radican en la CDMX y la mega urbe, Los Cogelones no están haciendo esto pensando en su plan de vida, ellos son maestros, y han formado a cientos de niños, como lo han hecho con sus propios hermanos menores, a los que puedes ver en una sesión en Youtube desde la azotea de su casa.

Los Cogelones aceptan que así como aman tocar, entre la alegría de su día a día está compartir el conocimiento, porque este no tiene que ser selectivo, debe llegar, y se debe compartir, y son muy orgullosos de aplicar esta máxima tanto en su vida diaria como en el mensaje dentro de su obra.

Yendo más allá de su música, me gustan sus lineamientos generando estructuras sociales y la manera en las que las valoran, y organizan; de esa manera me arriesgo a buscar, dentro de este mensaje que comparten, y es muy simple, cuidar a los mayores, educar a los menores, no creerle más a tu ego, compartir lo que sabes, y con toda la congruencia posible y con mucha humildad me encanta su forma de ver las cosas.

En medio de tiempos de encierro, y pandemia, Los Cogelones recomiendan acercarse a los seres queridos, regresar al pasado, así como ellos han hecho con el Náhuatl, que es la lengua de sus abuelos, y con conocimiento recibir el día de mañana, no idealizando, solo recibiendo.

Divididos entre dar clases de banda de guerra a nivel primaria, enseñar danza mexica y trabajar en la Central de Abastos, Los Cogelones nutren de su visión diaria sus canciones, dando vida a una narrativa que en México olvidamos con la ausencia de proyectos como José Luis DF, Rockdrigo, o Trolebus. Un bagaje cultural ocultado por las pretensiones de un rock que busca ocultar a las clases sociales más bajas.

Le deseamos el más grande de los éxitos a los hermanos que acuñaron el mote de Los Cogelones en sus inicios, como algo cagado, y lo mantienen al día de hoy para incomodar a los defensores de la moralidad y de las tradiciones anquilosadas, así como lo hacen con el uso de su música que sincretiza décadas de rock urbano, una nueva mexicanidad y todo el folclor que nos da identidad, Ahora ya sabes más de ellos, síguelos, busca sus tocadas, pero también la primera edición de su disco de vinyl, porque seguro se volverá un objeto de colección y deseo.

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El protector del legado musical del cine

“El único tema de Batman” TXT:: Francesc Messeguer FOT:: AP

Ben Affleck en una serie de películas que intentaron lanzar un universo cinematográfico que compitiera con el MCU de Marvel, en las que la música varía según la aparición en turno, pero que incluye a Tom Holkenborg, alias Junkie XL, Hans Zimmer y Steven Price.

De modo que, considerando lo anterior, ¿por qué el de Elfman es el verdadero tema de Batman? En términos narrativos, funciona en el contexto de la película, si consideramos que, en efecto, es Bruce Wayne quien se encarga de enlistar a los miembros de la Liga de la Justicia, en su lucha en contra de las fuerzas cósmicas que amenazan a la Tierra.

Eso explica que el score esté lleno de sutiles guiños a las cinco notas que hicieron tan emblemático el tema de Elfman, cuando apareció por primera vez en 1989.

A nivel musical teóricamente funciona también por la manera en que plantea el tono de todo el score y cómo interactúa con las demás ideas musicales. El tema de Superman es, al fin y al cabo, una pieza orquestal, al igual que el tema de Batman. Tienen, esencialmente, el mismo vocabulario. Famosamente, Elfman incluso utilizó el celebrado tema para Mujer Maravilla que compuso Hans Zimmer para Batman V Superman: Dawn of Justice (2016), pero cambió su orquestación: la melodía ahora la lleva la sección de alientos metales (trompetas, cornos franceses) combinada con la de cuerdas, en lugar del cello eléctrico de Tina Guo. A un nivel político, ciertamente le funciona a Elfman utilizar su tema y privilegiarlo sobre el que, por decir, compuso Hans Zimmer para la trilogía de Christopher Nolan, simplemente porque a él le tocó componer el score. Además, el Batman de Christian Bale, por ejemplo, es infinitamente más complejo que el de Affleck y su música explora esa complejidad, en un score mucho menos melódico y más enfocado en pasajes percusivos y llenos de texturas. La música de Keaton –que es de algún modo retrabajada para Affleck– es una versión un poco más oscura y ominosa de los tropos que encontramos en el Superman de John Williams. En Justice League, Batman encarna un héroe más convencional que el que vemos en toda la trilogía de Nolan, por lo que al final del día el score, aunque menos destacable, funciona.

Actualizar esta discusión en torno a Danny Elfman y su score para Justice League casi tres años después de su estreno, ha cobrado una nueva dimensión ahora que se anunció que el corte del director original de la película, Zack Snyder, se estrenará el próximo año, después de una larga campaña promovida por fans alrededor del mundo a lo largo de cuatro años, en HBO Max. Esto es porque esta versión de la película será musicalizada por Junkie XL, colaborador de Zimmer en Man of Steel (2013) y Batman V Superman: Dawn of Justice (2016), lo que invariablemente lanza la pregunta: Si Junkie XL considera el legado de estos héroes, ¿a cuál de estos hará referencia?

Cuando en 2017 fue anunciado que tanto Zack Snyder y Junkie XL serían reemplazados por Joss Whedon y Danny Elfman, en general los fanáticos de las películas del Universo Cinematográfico de DC protestaron su inclusión porque ambos trabajaron juntos para Marvel en Avengers: Age of Ultron (2015), en una película que se inserta en una filmografía que en muchas ocasiones privilegia un tono más ligero y cómico para sus historias, y cuyos scores han tendido más al sonido orquestal clásico que al estilo más moderno que caracteriza a Zimmer y Junkie XL. Con el corte original de Justice League, y bajo la supervisión de Whedon, la música de Elfman funciona, pues es la película que supuso un golpe de timón para aligerar el tono de las películas de DC hasta ese momento. Pero tomando en cuenta que el score ganador del Oscar este año pertenece a una película que representa a uno de los personajes más oscuros del mundo de los cómics, el Joker, probablemente lo que nos espera en la corte de Zack Snyder apele a la oscuridad que alguna vez fue rebajada.

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E

n 2017, cuando Danny Elfman vino a México como parte de su gira conciertos de la música de películas de Tim Burton, concedió una entrevista al portal Reporte Índigo, en la que le preguntaron sobre su emblemático tema para el Batman de Michael Keaton, una de las piezas musicales más conocidas del compositor. La pregunta obedecía a que el estreno de Justice League estaba cercana a la fecha del concierto de Ciudad de México y Elfman se había sumado de último minuto a componer el score.

En ella reveló varias cosas interesantes sobre la música de la Liga de la Justicia. Para los fans de DC Comics, aparecerían dos viejos conocidos en el score: el tema de Superman de John Williams, que apareció por primera vez en 1972, y el de Batman compuesto por Elfman, para las dos películas del Caballero de la Noche que hizo Tim Burton al inicio de los años 90. Ante la pregunta por la inclusión de estas melodías en una película que claramente no incluye a las encarnaciones de Superman y Batman de Christopher Reeve y Michael Keaton, Elfman contestó que su interés era el de preservar el legado musical del cine norteamericano y que en realidad el suyo es el único tema de Batman que ha existido, a pesar de las diferentes iteraciones del personaje.

Para la gran mayoría de las personas, este episodio quizás pasaría desapercibido. Verían la película, escucharían el score. Pero en el mundo de la música de cine, las implicaciones que hay en declaraciones como éstas son interesantes en términos de cómo pensamos en el legado de la música de cine y el rol que ésta tiene en filmografías más recientes, que precisamente sigue valiéndose de composiciones de hace más de 50 años.

Veamos algunos ejemplos. Probablemente una de las melodías más antiguas en el cine sea el tema principal de la película original de Godzilla de 1954, compuesto por Akira Ifukube, que recientemente utilizado en Godzilla: King of the Monsters (2019), por Bear McCreary.

Otro caso es sin duda la música de James Bond que ha acompañado a 007 desde 1962. John Williams, quien como nadie se ha encargado de escribir un amplio catálogo de grandes temas del cine, se posiciona como un caso emblemático con Star Wars, una franquicia cinematográfica cuya música se ha expandido constantemente por más de 40 años, con él al frente.

Todas estas franquicias cuentan con películas con fechas de estreno próximo, que utilizan, ocurren o expanden el mismo universo musical con el que han operado por años. Más aún: con el que nos hemos identificado por años. Basta con ver Goldeneye (1995) y escuchar el score electrónico de Eric Serra para darnos cuenta de que hace falta algo de 007 en la música.

El propio Danny Elfman no es ningún extraño en incurrir en esta práctica. En 1995 cuando se estrenó la primera película de Misión Imposible, Elfman utilizó el famoso motivo en 5/4 que compuso Lalo Schifrin para la serie de televisión de los años 60. De modo que, el hecho de que decidiera utilizar música preexistente del catálogo de Warner Brothers para Justice League, tiene no solo un precedente sino una explicación un poco más clara. Es como si forzosamente se necesitara de aquellos temas para Batman y Superman para que los personajes que vemos en pantalla se sintieran, en efecto, como Batman y Superman.

Las declaraciones de Elfman, en las que establece que el suyo es “el único tema de Batman” que ha habido en el cine, son problemáticas cuando consideramos que, desde Keaton, ha habido cuatro actores que han interpretado a Bruce Wayne/Batman en la gran pantalla, todos ellos con una música particular. Tenemos a Val Kilmer y George Clooney, quienes protagonizaron Batman Forever (1995) y Batman & Robin (1998), respectivamente, cuyo score corrió a cargo de Eliot Goldenthal.

Luego, Christian Bale, en la celebrada trilogía de Christopher Nolan, musicalizada por Hans Zimmer y James Newton Howard. Por último,

Mexploitation: cine serie B con sabor azteca

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TXT:: Toño Quintanar

UNA CANASTA DE ESPANTOS El género fantástico –específicamente aquel que se decanta por lo siniestro- es una estructura la cual se encuentra irremediablemente ligada al cine de serie B, misma situación que se debe en gran medida al legado inaugurado por la Universal y su amplísima colección de criaturas antropomorfas.

Al igual que su contraparte norteamericana, la filmografía de bajo presupuesto producida en México se vio tempranamente influenciada por temáticas de naturaleza monstruosa las cuales adquirirían una personalidad sumamente específica gracias a la carismática presencia del luchador, superhéroe nacional por excelencia el cual se convertiría en símbolo definitivo de esa conexión que persistiría entre el mexploitation y las identidades populares de su público.

Imposible no evocar a íconos clave dentro de nuestra cultura como El Santo, Blue Demon, Zoveck, Huracán Ramírez, La Sombra Vengadora, El Murciélago Velázquez, El Lobo Negro y Nathanael León; sin embargo, mención especial merece la llamada “saga de las luchadoras”, epopeya la cual, mediante entregas como Las Luchadoras contra el Médico Asesino (1963), Las Luchadoras contra la Momia (1964), Las Lobas del Ring (1965) y La Mujer Murciélago (1968), se encargaría de dotar al género de una importante presencia femenina.

Por supuesto, vale la pena destacar que esta saga estuvo dirigida por René Cardona, auténtico padrino del mexploitation quien, con casi 150 títulos en su haber, es responsable de algunas de las minas de oro más notables dentro del entretenimiento popular mexicano. Ejemplo de dicha visión mercenaria es la infame franquicia de La Risa en Vacaciones. Sin embargo, este realizador tam-

bién fue responsable de clásicos de culto como La Noche de los Mil Gatos (1972) o El Triángulo Diabólico de las Bermudas (1978), ambas cintas de corte gótico tropical que aún hoy en día refulgen como legítimas joyas de nuestro cine autóctono.

PUNKS VS. RANCHEROS Nos guste o no, el cine funge como uno de los dispositivos ideológicos más potentes dentro de la historia moderna. Dicha situación adquiere especial radicalismo dentro del cine de serie B debido al carácter abiertamente sensacionalista de su discurso. Es de esta manera que en su narrativa nos encontramos con todo un sisma moral en el que los tabúes más arraigados de nuestra civilización se ven abordados bajo una perspectiva absolutamente tosca e irresponsable.

Un buen ejemplo de dicho asunto es el llamado “cine psicotrónico”; hijo incómodo del Mexploitation el cual retrata en clave absolutamente fársica un panorama social en el que la brecha generacional se torna un trauma irreconciliable que lleva a la juventud más “descarriada” a enfrentarse violentamente con la longevidad tradicionalista del mundo normalizado.

Cintas como Pandilleros de la Muerte (1971), 357 Magnum (1981), Aborto: Canto a la Vida (1983), Siete en la Mira (1984), Olor a Muerte (1987), Intrépidos Punks (1988), Noche de Buitres (1988), La Venganza de los Punks (1991) y Pandilleros (1992) pintan un mundo juvenil de tintes pesadillescos -muchas veces con reminiscencias a Mad Max- en el que la locura, la degeneración y la criminalidad antisocial parecen ser los puntos vitales de cualquier forma de pretensión “contracultural”.

Es frente a este panorama irreconciliable que justicieros otoñales como los Hermanos Almada toman en sus manos la obligación de hacerle frente a una juventud “sociópata” cuyas actitudes degeneradas no son sino un síntoma de la descomposición social experimentada por nuestro país a partir de la llegada de la “modernidad liberal”.

MÉXICO EN TINIEBLAS El cine de tintes oscuros –así como el universo de arquetipos y ansiedades subconscientes que su existencia conjura- es un formato el cual ha estado presente en el cine mexicano desde sus inicios más precoces. Por supuesto, algunos de sus antecedentes más potentes pueden rastrearse en esa triada expresionista estrenada coincidentemente en 1934 la cual estuvo compuesta por La Llorona (Ramón Peón), Dos Monjes (Juan Bustillo Oro) y El Fantasma del Convento (Fernando de Fuentes).

Entrando de lleno en la era del cine de explotación, nuestra propensión a las narrativas de vena macabra no tardó mucho en expandirse de forma espléndida mediante cintas que hoy en día forman parte activa del patrimonio audiovisual más selecto de nuestra nación gracias a esa finura desvelada con la que logran introducir al espectador en una serie de atmósferas que se debaten entre lo espléndido y lo soterrado.

Producciones como Ladrón de Cadáveres (1956), La Momia Azteca (1957) El Hombre y el Monstruo (1958), El Barón del Terror (1961), Muñecos Infernales (1961), Museo del Horror (1963), Satánico Pandemonium (1975) así como el western sobrenatural El Extraño Hijo del Sheriff (1982) dejan en claro que la belleza es una experiencia terriblemente compleja que ocurre de distintas y variadas formas que incluyen tanto lo extraño como lo decididamente abyecto.

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a cotidianidad mexicana se encuentra repleta de pequeños rituales, códigos cargados de significado que nos recuerdan que inclusive los objetos de consumo más inmediato guardan entre sus pliegues todo un caudal de identidades cuya potencia antropológica es el verdadero eje rector de nuestro imaginario cultural.

El cine, al tratarse de una plataforma que se encuentra a medio camino entre el arte culto y la atracción de feria, destaca como uno de los referentes más potentes con respecto a la comunicación afectiva que persiste entre nuestra sociedad y sus plataformas de entretenimiento popular.

El cine de serie B gestado a mediados del Siglo XX es un movimiento el cual siempre hondeó una serie de ideales cínicamente incorrectos.

La misión primaria era “extraer sangre de las piedras”; es decir, recaudar la mayor cantidad de ganancias mediante las inversiones más risibles. Por supuesto, estos modelos de producción pronto dieron pie a toda una escuela estética que hacía de la precariedad su principal rasgo formal.

El llamado “cine de explotación” fue un fenómeno el cual proliferó de manera fecunda en casi todos los continentes del mundo y, por supuesto, nuestro país no se mostró indiferente ante este modelo de atracción.

El Mexploitation podría definirse como un macrocosmos de íconos y leyendas; una auténtica maquinaria de mitos que supo apoderarse de casi todos los géneros habidos y por haber para resignificarlos a su manera mediante mescolanzas y códigos que, al igual que nuestra gastronomía, destacan por una rica combinación de sabores los cuales casi siempre se ven rematados por un toque picante que imbuye de tremenda personalidad al platillo en cuestión.

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APUNTES PARA UNA HISTORIA DE GUERRA

Apuntes para una Historia de Guerra “Si te fijabas bien podías ver los agujeros de las bombas” TXT:: Oscar G. Hernández

cida de manera literal al español como Apuntes para una historia de guerra. Esta novela se hizo acreedora al premio René Goscinny y a la hoja de oro del Festival de Angouleme. En el mundo de la novela gráfica Gipi es considerado hoy como uno de los grandes maestros contemporáneos. Su obra es de una estética expresiva que se desplaza entre colores al óleo y la acuarela. Con una narración soberbia que alude en todo momento a la conservación de la memoria.

La guerra que dibuja el narrador gráfica en este libro no existió, el autor parte de una premisa cotidiana de los países acomodados: Guerras que no existen porque sencillamente no las vivimos de forma directa. Porque nuestro cotidiano las niega en invisibiliza de manera natural. Gipi nos dice: “Esa guerra, como la guerra de Bosnia, las de África, Argelia, Oriente Medio o el Sureste Asiático, no era nuestra guerra”, y agrega: “Me encontré preguntándome una cosa: ¿Por qué no es mi guerra la guerra de Bosnia?; y luego ¿Qué hace que no me pertenezca, que a esas personas que son asesinadas yo consiga sentirlas distantes?”.

En Apuntes para una historia de guerra el autor dejó tendida una reflexión de esas que hacen eco. El libro es lo que muchos llaman un clásico contemporáneo, no solo por el brillante tratamiento temático y estético. Sino sobretodo porque en la época de pandemia mundial y crisis económica mundial, es la primera vez en la historia humana que todos nos sentimos identificados, por un conflicto que nos toca directamente. Es a la conciencia y al despertar de ese sentido de identificación al que alude la novela gráfica de Gipi.

Cuando el gobierno Alemán y Francés se refirieron a la situación del Covid-19 como una guerra, no estaban equivocados. Muchos no entendimos en ese momento cuál era el significado de esos discursos; e incluso nos parecieron un tanto exagerados.

Es hasta ahora cuando vemos miles de personas sin empleo, casas que comienzan a ser abandonadas, negocios y oficinas que debieron cerrar, muertes y enfermos por la pandemia y sin duda muchas cosas más; que entendemos los efectos y secuelas de una guerra, por lo menos un poco. Es como la explosión en Beirut que finalmente nos hizo entender la fuerza de una onda expansiva.

Es en novelas de este tipo que el noveno arte, nos acerca al descubrimiento de esos sucesos que aunque parecieran no existir, nos envuelven porque siempre han estado ahí para quien se atreva a mirarlos. En una de las viñetas Gipi nos recuerda: “Si te fijabas bien podías ver los agujeros de las bombas”.

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e dice que estamos en una tercera guerra mundial desde hace mucho. Se dice también que las guerras cambiaron de formato y ahora se desarrollan y se definen en el terreno económico. Las batallas se dan en el dominio y control de una economía sobre otra.

Lo interesante es que con una gigantesca globalización económica suelen ser las marcas quienes son atacadas directamente, en vez de las naciones. Los gobiernos no envían más un ejército para someter a un país; ni colocan misiles apuntando a un territorio. Simplemente cancelan o bloquean el acceso de un producto al mercado.

Resulta interesante que esto ocurra en su mayoría en el terreno de los fabricantes de tecnología relacionadas a la comunicación. No pude evitar una enorme carcajada cuando me encontré con el famoso meme del perro fortachón, que en esta ocasión se titulaba guerra fría.

En él se muestra la bandera de los Estados Unidos y la de la extinta URSS de aquellos años en que se apuntaban mutuamente y podían llevar al planeta a la devastación nuclear. El perro llorón simplemente decía: “Si le sigues te voy a cancelar Tik Tok.” Este agosto también Rusia anunció su vacuna contra el covid, la ola de memes haciendo alusión a la guerra fría no se hizo esperar.

Es verdad que somos varias generaciones las que desconocemos el significado de una guerra, de esas que llaman legendarias, por lo menos no lo sabemos directamente. El 6 de agosto pasado fueron recordadas las explosiones de las bombas nucleares que destruyeron las ciudades de Hiroshima y Nagasaki. Para muchas generaciones esto es algo muy lejano y remoto; aunque hemos visto durante décadas las devastadoras imágenes, lograr una conexión con esos sucesos no es fácil. Dos días antes del recordatorio sobre las explosiones nucleares de la segunda guerra; las imágenes de una explosión en Beirut nos hicieron comprender de un solo golpe la dimensión de lo que es un estallido devastador.

Lo que provocó la explosión en Beirut al parecer fue un enorme caso de negligencia combinado con asunto económico simple; la confiscación de un producto por razones de un pago por derechos portuarios. El golpe económico de la explosión es la destrucción del 80% de los almacenes de alimentos de Líbano. La situación en ese país, sumadas a la de pandemia muestran un escenario por demás bélico.

Gian Alfonso Pacinotti, mejor conocido en el mundo de la narrativa gráfica como Gipi, en el año de 2004 creó una novela, la cual le otorgó el reconocimiento internacional: Appunti per una storia di guerra tradu-

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48 Jorge Flores ‘El Ozz’ Ilustrador | Instagram: @ el.ozz

EDICIÓN

LOS COGELONES

Experimentación Mexica

182

+ SECH

$52.

00

Una propuesta necesaria

+ METH MATH

EXHIBIR HASTA:

05-OCT-20

Bailar en el apocalípsis

+ ELA MINUS

Rebelión sin máquinas

+ MEXPLOITATION

Cine serie B mexa