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MVN 125 :: SECRETOS :: THE HORRORS Y KILLOFFER

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PORTADA ILUSTRACIÓN DE PATRICE KILLOFFER EN EXCLUSIVA PARA REVISTA MARVIN. COLABORAN EN ESTE NÚMERO Enrique Blanc, Lenin Calderón, Aarón Enríquez, Arturo J. Flores, Juan Carlos Hidalgo, Luis Jasso, Alejandro Mancilla, Toño Quintanar, Paola Tinoco, Nahum Torres, Regina Zamorano. . CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo J. Flores, Alejandro González Castillo, Jorge Grajales, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla.

MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. PB, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

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Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 125 correspondiente a: OCTUBRE 2014. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102. MARVIN es una Marca Registrada.

CONTENIDO:: MVN:: 125 :: SECRETOS :: 32 - EN PORTADA - THE HORRORS 38 - EN PORTADA - KILLOFFER 6 EN MEGÁFONO. Perfiles y noticias de música, cine y arte

MÚSICA 16 ATLAS SONORO. Propuestas emergentes interesantes: Malasia 18 ZOLA JESUS. Canciones que vienen de los bosques 20 CARIBOU. Transmisiones directas de emociones vía música electrónica 22 THE ACID. Misterio, anonimato y subgraves 24 BLACK ISLANDS. Debutando en el noise pop con el pie derecho 26 LOS NIÑOS ESTELARES. Nevermind the reptilians 46 DE CULTO: JJ72. Rindamos tributo a quien lo merece FESTIVALES RECOMENDACIONES CORONA CAPITAL 2014

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28 MØ. La nueva consentida de Dinamarca 29 THE JULIE RUIN. ¿Qué queda del riot grrrl?

30 JUNGLE. Todo es sobre la música, incendiemos la pista

CINE

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52 KLIP. La adolescencia secreta en Serbia 48 DE CULTO: Julien Temple. En confidencial TELEVISIÓN 54 UTOPIA. Alimento para consparanoicos ARTE

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58 GALERÍA: Patty Carroll. Identidades ocultas 50 DE CULTO: Los artistas de la CIA. Y sus armas ideológicas CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

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62 VIÑETAS ISRAELÍS, VIÑETAS PALESTINAS. Otra perspectiva del conflicto social y armado 63 3 CÓMICS QUE RETRATAN EL CONFLICTO ISRAELÍ-PALESTINO 64 CÓMIC DEL MES: Alejandra Espino MARVINISMO 42 TODO ES UNA CONSPIRACIÓN REPORTAJE

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66 EXPEDIENTES SECRETOS ROCKOTITLÁN. La increíble y triste historia de un recinto y sus bandas desalmadas DE FONDO 70 LA INVENCIÓN DE LA VERDAD. Umberto Eco y su péndulo narrativo

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LITERATURA 72 ALFREDO LÈAL. Escritor secreto e incendiario 73 ESCRITORES PARA DESCUBRIR Y PERDER EL SECRETO COLUMNAS 74 OFF THE RECORD: Ovnis, cráneos, Chabelo y un cangrejo que habla. Por Arturo J. Flores 75 EL CUADERNO AMARGO: No se lo cuentes a un escritor. Por Paola Tinoco 76 SANGRE DE METAL: Acrania, gran secreto del metal mexicano RECOMENDACIONES 78 ESTILO 79 TECNOLOGÍA 80 EL PILÓN: Jaime Maussan. “El contacto con vida inteligente está cerca”

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CARTA EDITORIAL

¿Por qué guardamos secretos?

¿Por intimidad? ¿Por lealtad? ¿Por vergüenza? ¿Por compasión? ¿Por seguridad? ¿Por conveniencia? ¿Por poder? ¿Por temor?

¿Por qué en Marvin guardaríamos un secreto cultural, musical, de arte, de cine? Tristemente en nuestro caso sólo es por falta de espacio, porque lo que más queremos es que estos secretos se hagan públicos.

Que esos sonidos, imágenes o ideas que se te habían escondido largamente los conozcan tú y todos los que gustamos de cultivarlos. Que esos artistas que estrenan, salgan de la oscuridad y compartan su talento, sus aciertos, desatinos y ocurrencias, genialidades y formas de ver el entorno con toda la gente a la que alcanzamos a llegar con estas entusiastas páginas.

Y en este tomo develamos el secreto de la fotógrafa de Park Ridge, Illinois, Patty Carroll, artista de la lente con entrenamiento formal y clásico en la instantánea documental, quien se recluye en lo más secreto de su estudio para crear un universo doméstico y colorido que aquí ponemos bajo el ojo público.

Descubrimos a la banda metalera Acrania, lo nuevo de Zola Jesus y Caribou, a los grupos noveles The Acid, Black Islands y Los Niños Estelares.

Presentamos a los seguidores de la narrativa dibujada a la perla oculta en la concha llamada Alejandra Espino y también al francés talentoso Patrice Killoffer, quien expone por primera ocasión en nuestro país y de paso engalana nuestra portada en compañía de The Horrors; y a los seguidores del cine punk a uno de los más grandes documentalistas de esa puntiaguda historia, Julien Temple.

Sin embargo, no nos resistimos a quitar el cerrojo de unos cuantos secretos conspirados: En literatura, revisamos a los escritores que no se callan intimidades; abrimos el archivo secreto del gran secretólogo mexicano, Jaime Maussan; revisamos el caso Malasia, cuya punta del iceberg es sólo el caso de los aviones desaparecidos; las historias menos mencionadas del conflicto en el Medio Oriente, expuestas mediante el cómic; los misterios que plantea el libro El péndulo de Foucault de Umberto Eco y, por supuesto, algunas interesantes teorías de conspiración que revisamos a través de nuestra sección “Marvinismo”.

Con esto deseamos, finalmente, que sea Marvin tu secreto mejor guardado y lo reveles en conversación con todos aquellos que puedan replicar con la más amena de las charlas.

¿Tienes algún secreto que revelarnos?

Uili Damage @uili

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i te acostumbraste a los espectáculos multidisciplinarios de la legendaria banda de rock La Castañeda, prepárate para una fiesta muy especial tras los muros del Pepsi Center WTC que te sorprenderá:

El sábado 1o de noviembre, el quinteto celebra 25 años de hacer excelente música, performance y arte, con un espectáculo único e irrepetible. Bailarines, actores de performance, artistas visuales y más, seguirán la línea musical de esta banda veterana que promete un recorrido intenso por los temas favoritos de toda su trayectoria, incluyendo versiones acústicas y toda la electricidad de sus descargas musicales, dirigidas a mentes y corazones de sus “desquiciados” seguidores.

Además, esta presentación será “todo un viaje a los pabellones de La Castañeda, al interior de la mente afectada de sus huéspedes y de quienes en todo momento los socorrían: sus médicos de guardia”.

El espectáculo de la locura en donde el rock se vuelve el lenguaje principal para contar las distintas historias que han quedado en el baúl de los recuerdos, y que tal vez, con el tiempo, los espectadores que sean parte de esta obra sonora puedan reflexionar lo que fue y significó para México el mítico sanatorio del que la banda tomó su nombre.

Su guitarrista, productor e ingeniero de grabación, Oswaldo de León nos comentó que “... es una celebración de veinticinco años en la que estamos preparando todo para ‘tirar el manicomio por la ventana’; reunimos un equipo enorme de amigos, colaboradores que han participado con nosotros desde los inicios y gente nueva muy talentosa que participará en el evento con una serie de disciplinas que siempre han formado parte de las presentaciones de La Castañeda”.

Para asistir, ya puedes adquirir tus entradas en taquillas de Pepsi Center WTC y todos los puntos de venta Ticketmaster. ¡No te lo pierdas!

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Este 2 de noviembre, Día de Muertos, regresa a México el icónico bajista y su más reciente banda, Peter Hook And The Light, y estará tocando en vivo la música de Joy Division de Unknown Pleasures, el disco debut de la banda y su sucesor, Closer, álbumes que resumen lo mejor de la trayectoria de una de las grandes influencias de la música actual.

La noche empezará con una selección de temas de New Order, y en seguida, con los de Joy Division, pues ahora cuenta en su repertorio con todas y cada una de las canciones grabadas por su antigua banda, tales como “Atmosphere” y “Love Will Tear Us Apart” (cortes incluidos en el setlist).

Con Hooky y compañía celebraremos la genialidad de los fallecidos Ian Curtis, Martin Hannet (productor de esos dos álbumes de Joy Division) y Tony Wilson, el brillante disquero que los puso en el ojo del mundo con Factory Records.

Con esta banda ha estado realizando fechas en las que interpreta también álbumes completos de New Order, como Low Life y Brotherhood en Francia y Alemania, o Power, Corruption and Lies y Movement en Nottingham (R.U.) o Cardiff (Gales).

Al lado de Hooky, su voz y su bajo, la alineación de planta de The Light se conforma por Jack Bates (bajo), David Potts (guitarra), Paul Kehoe (batería) y Andy Poole (teclados).

Recuerda: la cita es el 2 de noviembre en el José Cuervo Salón y ya puedes conseguir tus entradas en Ticketmaster y taquillas.

Otro de los sitios encantadores de esta extensión de tierra que te robará el corazón es Nuevo Vallarta, la puerta de entrada a la experiencia de la Riviera Nayarit. Cuenta con cinco kilómetros de playa, una moderna marina, hoteles, restaurantes y una zona residencial con muelles privados que se conectan con el mar.

Además, es el lugar perfecto para disfrutar épicas fiestas y noches intensas en clube s nocturnos como The Jungle o Christine.

Aunque, si lo que a ti te importa son los deportes extremos en la playa, Sayulita, será el lugar donde podrás conseguir la adrenalina que buscas, ya que es una pequeña localidad ubicada en el sur de la Riviera Nayarit donde se practica ampliamente el surf y las actividades acuáticas como el esnórquel y el kayak. También puedes gozar de paseos en caballo o buscar aventura en la selva circundante.

Además de extraordinarios destinos y paisajes, Nayarit alberga 4 grupos étnicos –Huicholes, Coras, Tepehuanos y Mexicaneros– cuya cultura se ha impregando en la Riviera y con la que podrás maravillarte tras conocer a fondo. No permitas que tanta belleza siga siendo misterio para ti y entrégate a su cobijo pronto.

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no de los secretos mejor guardados de México es la Riviera Nayarit, corredor turístico ubicado en la costa occidental del país, que cuenta con 307 Km de maravillas naturales que van desde Nuevo Vallarta hasta la playa El Novillero.

Después de ser presentada de manera oficial en 2007, la Riviera Nayarit ha desarrollado increíbles zonas hoteleras orientadas a fomentar un turismo premium que ofrece la oportunidad de exponenciar el disfrute de actividades como el golf, la pesca deportiva, el ecoturismo, el turismo de aventura o el turismo cultural.

Al ser un paradisiaco lugar, los destinos turísticos son abundantes y el encuentro con ellos una experiencia que todo mexicano debería vivir. Sin embargo, hay tres sitios en específico cuya visita debería ser obligada, entre ellos se encuentran Las Islas Marietas, grupo de pequeñas islas deshabitadas a las que se accede nadando por un túnel natural. Al entrar, uno se encuentra con Playa Escondida, breve extensión de tierra semidescubierta por una pared de rocas que la vuelven un escenario esplendoroso. Ésta fue creada artificialmente tras el impacto accidental de una bomba durante ensayos militares del siglo pasado; pero allí podrás ver tortugas marinas, mantarrayas, delfines, pulpos y hasta ballenas jorobadas.

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El tesoro del Pacífico Mexicano

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n 2006, Grupo Imagen Multimedia lanzó el concepto RMX en la ciudad de Guadalajara.

El objetivo fue crear una idea radiofónica dirigida a un público de 18 a 30 años, que reflejara los valores de libertad, responsabilidad y construcción del Grupo.

Desde el segundo mes de transmisiones, RMX se consolidó en el primer lugar del gusto de la audiencia y en los primeros lugares de la tabla general de popularidad. Esto a través de contenidos balanceados, uso de tecnología, promoción intensa al aire y en la calle y formatos novedosos que “globalizan lo local”.

El discurso de la estación ha privilegiado la libertad como método de crecimiento y el público que sintoniza la frecuecia ha adoptado ese estandarte como bandera de su cotidianeidad. RMX no se cataloga como una estación de rock, sino como una estación de buena música y por eso se dio a la tarea de presentar el festival 212 RMX desde 2010.

Durante este evento gratuito, tan sólo en su edición 2013, el público jalisciense tuvo la oportunidad de disfrutar a 61 bandas, distribuidas en cinco escenarios y un DJ Booth, con diferentes estilos, propuestas y sonidos; cada acto llevando un mensaje de fiesta y unión, en donde las grandes figuras de la música compartieron escenario con bandas emergentes, con nuevos proyectos

y con DJs de diferentes localidades del país.

Grupos emblemáticos como Los Tres, Los Amigos Invisibles, Public Service Broadcasting, Los Bunkers y Los Tetas, formaron parte de los sonidos del 212 unidos nuevamente en el que ya se considera “el festival de la ciudad”, donde las calles se transforman en el escenario idóneo y el mejor pretexto para cantar, bailar y convivir durante más de 10 horas de armonía y música novedosa.

Al igual que en las ediciones anteriores, junto con 100.3 FM de Guadalajara, las repetidoras de Laredo 94.1 FM, Querétaro 94.7 FM, Celaya y San Miguel 105.9 FM, Riviera Maya 90.7 FM y RMX HD en DF 90.5.2, se darán a la tarea de transmitir este magno concierto el día 22 de noviembre de este año. Y por si fuera poco, se ha lanzado una convocatoria a los grupos de todo el país para que tengan la oportunidad de ser incluidos al enorme cartel y figurar con los primeros confirmados que se han anunciado hasta el momento: Nortec Collective presents: Bostich + Fussible, Little Jesus y Porter.

Sin duda, se aproxima otra convivencia memorable, a la que no podemos dejar de asistir.

Si quieres aplicar a la convocatoria para presentarte con tu proyecto musical, entra a: www.rmx.com.mx/2014/09/12/convocatoria-212

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che es una agencia de comunicación y eventos que se ha lucido por diez años brindándonos conciertos entrañables entre muchas otras actividades. Sin embargo, se toman las cosas con mucho humor y para “no celebrar”, lanzan el libro titulado Los hechos menos trascendentes de la última década. Del equipo Ache, Carlos Verástegui nos responde un breve cuestionario al respecto de este suceso.

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¿Qué produce Ache? ¿Qué es lo más intrascendente de lo que produce?

Carlos Verástegui: Producimos lo efímero: eventos, actividades y acciones que son por un momento para no ser nunca más, que existen para promover productos e incentivar su compra, cuyo consumo irrelevante puede volverse un hábito. Somos productores de ideas dedicadas a generar necesidades innecesarias, pero latentes a partir de una noción sembrada. Todos somos consumidores, listos y receptivos a nuevos productos; la función de Ache es sacar provecho de esta receptividad a favor de la marcas, generando experiencias únicas, inherentes a cada momento que permiten de manera natural generar un deseo de consumo. En el papel suena superficial pero en la práctica va mucho más allá, porque siendo críticos, mucho de lo que hacemos cada día es intrascendente: comer, ir al baño, dormir, ir al cine… Sin embargo, todo esto es lo que conforma nuestro día a día, lo que nos hace vivir –sin que le demos esa medida aunque la tenga–, es decir, nuestra vida se compone en gran medida de la intrascendencia que le da sabor. ¿En qué sección de la librería va este libro, si eso es trascendente?

CV: En novedades en un inicio, después, espero, en “agotado”; si este deseo no es concedido, quizá en “rarezas” o en “ofertas” ¿Quién debe leer este libro para que tengamos un mundo más intrascendente (o menos)?

CV: Es un libro para todos, no fue pensado para ninguna persona

especifica, todo aquel que se tome lo suficientemente en serio como para reírse de si mismo, lo disfrutará. Su temática es universal: lo irrelevante; y como mucho es irrelevante en nuestras vidas todos tenemos la noción de esto y nos podemos relacionar.

Cada día, a todos nos pasa algo irrelevante que nos hace reír, llorar o compartir. Nosotros sólo decidimos compilarlo y darle la importancia que merece dentro de lo irrelevante que es.

Además del libro, ¿qué otras cosas trascendentes o intrascendentes se unen a los 10 años de Ache?

CV: El libro nació como un “no cumpleaños”; no queríamos hacer el clásico “cumplimos 10”; sin embargo, queríamos celebrar a todos los que lo han hecho parte de su vida. Entonces, esta idea sirvió para que todos en Ache fueran parte: cada nota está escrita o ilustrada por un colaborador, cliente, amigo o persona entrañable del pasado, presente o futuro de la empresa. Así, el proyecto celebra sin celebrar, incluye a todos dejando además un testimonio partiendo de lo intrascendente. Porque, seamos honestos, fuera de la gente de Ache, ¿a quién más le importa si cumplimos años?

A nadie… De esto partimos para celebrarnos. Por supuesto, tendremos el clásico pastel con mucho betún relleno de mermelada y el gusto de compartir con la gente que nos ha hecho posibles ayer, hoy y mañana, es por ellos que creamos y nos divertimos en el proceso. ¿Cuándo está disponible?

CV: Estará en Gandhi, FCE, Sótano y otras librerías de prestigio desde octubre. También podrán ordenarlo en el site irrelevante. mx o descargarlo online en Amazon. ¡A todos los que han estado, están y estarán junto o dentro de Ache: ¡No-felicidades de 10 Aniversario de parte de la familia Marvin!.

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a marca de rasuradoras mundialmente famosa, Schick, consiguió durante 3 días darnos una experiencia llena de sorpresas llenas de estilo, aventura y rock and roll, en las plácidas playas de Riviera Nayarit.

Allí, el Hard Rock Hotel All Inclusive nos abrió sus puertas dejándonos ver que si tienes alma de rockero ¡éste es el hotel ideal para ti!

Como cada Hard Rock, todos los muros del hotel están decorados con memorabilia que descubre increíbles historias ligadas a la música.

Uno de los servicios que más nos gusto y llamó la atención fue el de Sound of Your Stay: imagínate pedir un servicio a la habitación de Guitarras Fender, con el que puedes escoger de un menú de 20 guitarras eléctricas y bajos, incluidas las legendarias Stratocasters o clásicas Telecasters, como las que han dejado huella en el rock and roll de todos los tiempos.

Este increíble servicio 24 horas te ofrece, además, videos de clases de música en tu habitación en los que encontrarás todos los secretos de la guitarra, así como un pedal de efectos Fender Mustang Floor, un amplificador y un par de audífonos DSOUL by Ludacris.

Las instalaciones también tienen cuartos Rock Star Deluxe, cinco diferentes restaurantes para todos los gustos, Spa, Fitness Center, WiFi, dos piscinas, cuatro bares y lounge.

Una vez instalados y con un delicioso cocktail en la mano, descubrimos todos los secretos para tener una barba llena de estilo gracias a Nacho Azcárate, Gerente de Marca de Schick México.

Jamás nos hubiéramos imaginado que de sólo seis tipos de cara se pudieran lograr tantos esti-

los de barba, como: barba completa, perilla, piocha, barba de candado, patillas, barba de tres días, barba delineada, listón y rasurado completo, cada de las cuales tiene un dato interesante y su grado de dificultad o mantenimiento, es todo un rito.

La plataforma digital de streaming de música, Deezer, se encargó de la música con la presentación de la banda indie pop, Coronel, de Monterrey, que nos deleitó con temas como “Me la paso muy bien” y “Sabes que seré yo”, que escuchamos en el festival Ceremonia junto a Adán Cruz y Tino el Pingüino, y que les volveremos a escuchar en el Hellow Festival de Monterrey.

El recorrido por Riviera Nayarit corrió a cargo de Vallarta Adventures, quienes se dieron gusto estimulando nuestra adrenalina al máximo en esta visita, pues nos llevaron a un emocionante paseo Off Road por Bahía de Banderas, Bucerías, El Valle de Banderas y La Cruz de Huanacaxtle

Hicimos una parada en El club de playa, Eva Mandarina, donde nos recibieron con un cocktail de la casa, probamos muchos platillos hechos de mariscos, y a continuación seguimos nuestro recorrido hasta Sayulita, un acogedor poblado con muchas tiendas para el surf, restaurantes y bares.

No dejes escapar estas divertidas experiencias y sigue las fanpages de Facebook de /SchickMX, /rivieranayarit.mx, /Hardrockhotelvallarta y /DeezerMéxico y sus perfiles de Twitter: @SchickMexico, @RivieraNayarit, @HRHVallarta y @ DeezerMexico.

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SUAVE FATALISMO TXT:: ALEJANDRO MANCILLA

@nosoymoderno

De safari en Malasia, descubrimos una banda obsesivamente cautivadora: Soft. Con influencias del shoegaze y el post-rock, la banda oriunda de Ipoh, sin duda, es una propuesta que no hay que dejar pasar. Platicamos con ellos: ¿Les emociona la gira de reunión de Slowdive? Vi en su Facebook que son fans…

Estamos más que excitados (risas). Van a tocar en Singapur y verlos en vivo es algo con lo que hemos soñado desde que éramos unos adolescentes, ¿sabes? En Malasia la gente aún está muy sensible con los años 90.

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¿Hay alguna razón por la cual se llaman Soft?

Nos sonó bien el nombre para unos tipos que aman la música atmosférica de décadas pasadas. Es un nombre fácil de recordar, y me encanta pronunciarlo.

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¿Qué tipo de efectos le recomendarías a un chico mexicano que quiera hacer shoegaze?

Los de cajón; el Cathedark, el Echo Park, el fuzz y mucho eco. Sobre todo, que busquen crear un ambiente y no dejen de experimentar. ¿Qué te viene a la mente cuando te dicen la palabra México?

Nacho Libre, burritos y Santana.

¿De verdad hay mucho shoegaze en Malasia?

No hay muchas bandas de este tipo, en realidad deberíamos estar tocando punk, pero nos encanta lo que tocamos y hemos logrado tener un espacio. La ventaja es que en Malasia la gente es muy receptiva a las bandas nacionales.

Sobre los aviones desaparecidos, queremos la versión de unos malayos…

Es aún muy confuso y seguimos sintiendo la misma desesperanza de cuando vimos en las noticias que un avión había desaparecido misteriosamente. No me gusta especular y menos cuando la gente habla sobre lo que pasó sin respeto por las familias de los desaparecidos. No estoy listo para hablar de eso, lo siento.

¿Cómo comenzó todo?

En Ipoh, hay un sello que fue pionero en la música indie, se llama Bodysurf Music. Comenzamos a tocar sin importarnos las limitantes de la religión; al final, si nos contradecimos con lo que ésta dice, no pueden prohibirnos nada.

Más sobre Soft:

¿De qué problemática puede hablar un grupo de Malasia?

No tenemos temas específicos, por lo general, nuestras letras van por el lado de lo que nos pasa, del existencialismo… Pero el amor sigue en nuestras mentes.

Su disco debut es A Warm Romanticism In Coldwave Room, disponible en CD y cassete

Son fanáticos del cine, ¿qué películas los han influenciado? ¡High Fidelity es la mejor película! Ésta provocó que nos pusiéramos a buscar vinilos por todos lados. Soy un junkie de los LPs.

facebook.com/softloudgaze soundcloud.com/softt softt.bandcamp.com softloudgaze@gmail.com

¿Lo quieres? Escríbeles a:

LA CONEXIÓN MALASIA Bollocks (banda que es de culto en países como Francia). La llegada de los años 90 tuvo gran impacto en la escena local, y las bandas de la época influenciadas, claro está, por el rock alternativo, en menor medida por el shoegaze y por la moda grunge, comenzaron a recibir cobertura internacional y buenas críticas por su originalidad. Revistas como la NME proclamaban que las subculturas malasias estaban “rompiendo estereotipos con su propia versión del punk rock y el grunge”. En esa época, destacaron bandas como Glottis (más tarde se pusieron Necrotic Chaos) y Warhead, los punks Disaster, Funhouse, Skinning Pit, Pet Hate Minors y Muck. Finalizando los años 90, y ya recientemente aterrizado lo que se conoce con el romántico nombre de la primavera indie malasia, y donde bandas emergentes retomaron el dream-pop y el noise e interesantes proyectos agrupados en sellos como Bodysurf Music (aún vigente), quienes apoyaban un movimiento que incluía bandas como Free Love, Bittersweet, Scandal 26 y Elisebelle Tears, continuaban de manera un poco más melódica el legado de sus abuelos punketos. En Malasia se habla inglés y la lengua nativa ahasa, pero a diferencia de otras zonas del mundo más “nacionalistas”, parece que los artistas locales nunca han pretendido hacer música occidental en otro idioma que no sea el de Sid Vicious. M Gracias a Ahmad Norsaiful por la información y plática sobre la historia del rock malasio.

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Hace meses, cuando un avión de Malaysia Airlines desapareció del radar, generando discusiones en torno a conspiraciones y abducciones, el mundo volteó hacia aquel país.

Meses después, la noticia de que otra aeronave malaya (de la misma aerolínea) había sido derribada, encendió los foquitos de la alarma paranoica de hasta el más escéptico.

Las teorías más disparatadas afirmaban que se trataba del mismo avión desaparecido, que se utilizó para simular y fabricar pruebas de que Rusia lo había derribado. Entonces, a propósito de esta edición de “Secretos”, fue que miramos otra vez hacia el lejano país asiático, pero ahora para descubrir la otra cara de la moneda: el arte y la música que florecen en esta región islámica donde aún reina la monarquía y donde, por lo tanto, es normal que exista tradicionalmente su antítesis: la anarquía. Nos remontamos a la escena subterránea punk de la zona, que se puede rastrear en un pequeño poblado llamado Dungun, que es parte, a la vez, de Terengganu. Finalizando los años 70, era común ver a los chicos con raros peinados (para la época, porque hoy ves a cualquier vendedor de discos piratas del Metro con mohawk). Las bandas florecían como la espuma del mar asiático, pero no podemos hablar de un crecimiento sino hasta los años 80, cuando comenzaron a surgir fanzines y a brotar pequeños combos hardcore. La invasión de sonidos modernos estuvo a cargo de bandas como Carburetor Dung, The Hijrah (más tarde conocidos como The Pilgrims) y The

Una banda a seguir: Tenderfist Chicos malasios haciendo pop con juguetes musicales en un país asiático. ¿Su meta? Escapar del aburrimiento. ¿Qué podría superarlo? El dueto cuenta con varios EPs, destacando This Wasted Heart, de 2011. Gracias a Internet han logrado salir de su país natal para abrir actos de Kings of Convenience y The Rapture, y tocar en países como Suecia. Sin duda, una propuesta que no tiene nada que envidiarle a proyectos como Casiotone for the Painfully Alone.

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CANCIONES QUE VIENEN DE LOS BOSQUES

Música

TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO FOT:: CORTESÍA DEL ARTISTA

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Para el sistema global del arte, llegar a mostrar tu trabajo en un museo de gran prestigio significa obtener una validación de muy alto valor cualitativo para la propuesta. Existen diversos filtros que analizan el trabajo antes de que llegue a las salas de estos simbólicos recintos. Y aun al referirnos a este circuito de exhibición, existen ciertos lugares de tan alto valor que resultan icónicos; uno de ellos es el Guggenheim de Nueva York, una construcción que en sí misma es ya una de las cumbres de la arquitectura contemporánea (diseñada por el arquitecto Frank Lloyd Wright). No sólo para los artistas plásticos constituye un acontecimiento entrar a su programación, para un músico también se trata de un cita crucial. El 10 de mayo de 2012, Zola Jesus sorprendió a sus seguidores con un concierto en que realizó nuevos arreglos a sus temas conocidos y los adaptó para que fueran interpretados por el Mivos Quartet. No sólo se redimensionaron por la brillantez de las cuerdas, también la acompañó una figura de culto entre el underground más alucinado: el australiano J.G. Thirlwell –a quien la vanguardia conoce como Foetus–, que completó tal reinvención.

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es que Nika Roza Danilova posee una formación operística y de música culta, pero también una tendencia neo-gótica que completa con recursos tecnológicos. Lo suyo es una mixtura en la que destacan los pasajes oscuros y se completa con una voz poderosa y llena de matices. Se trata de un proyecto que no desentonaría en un club de sadomasoquismo o en algún tugurio de los bajos fondos, pero que en aquellas deslumbrantes salas blancas se resignifica.

A Zola Jesus le interesa transitar por distintos ámbitos, resistirse a los encasillamientos, e incluso se ha presentado en festivales masivos, ajustando la necesidad de intimidad de lo que hace a un formato de verbena popular. No le molesta trasponer fronteras.

La actuación de aquella noche sería el antecedente inmediato de Versions, el disco que editó con Sacred Bones, un sello neoyorquino en completa alza y gustoso de los sonidos ásperos, rudos y experimentales.

Lo que hace esta rubia de complexión menuda no les resultó ajeno, en el entendido de cómo explica ella misma lo que hace: “Crecí con punk y música clásica, así que la electrónica llegó un poco más tarde, en el instituto. Empecé con Autechre y Aphex Twin, luego me sumergí mucho en la música contemporánea de orientación electrónica, que ha sido una gran pasión mía desde entonces”.

Y cuando uno hubiera esperado que este animal urbano siguiera desplazándose entre la ciudad y el ruido –a los

“Quién contiene a la diversidad y es la naturaleza quién es la amplitud de la tierra y la rudeza y sexualidad de la tierra y la gran caridad de la tierra, y también el equilibrio…”.

—Walt Whitman en Cosmos

colocan inmersa en un pop electrónico mucho más amable, pero no por ello menos atractivo.

Ha insistido en que a ella le interesa cambiar siempre la dinámica interna de las canciones y para ello también recurre a distintos estilos interpretativos. Lo curioso es que del sencillo de adelanto existe un remix de parte de Maps, una práctica que antaño no hacía feliz a esta mujer (a menos que lo hiciera David Lynch como ocurrió con “In your nature”: “Soy una gran fan tanto de sus películas como de su música. Ambos medios encapsulan sus ideales artísticos y filosóficos, que es la raíz de lo que respeto de su obra”).

Nacida en Phoenix, Arizona, durante 1989, pero de ascendencia rusa, recientemente ha declarado que se siente como si estuviera grabando su verdadero debut, ya que es la primera vez que se siente tan abierta y liberada. Taiga fue co-producido por Dean Hurley, quien ha colaborado con el director de Terciopelo azul y Salvaje de corazón, pero también con Danger Mouse y Sparklehorse, y significa su paso a la mítica disquera inglesa Mute.

Juntos detallaron temas como “Dust”, “Go (Blank sea)”, “Ego” y “Lawless”, hasta completar una oncena en total. Las composiciones proceden de una temporada que Nina decidió pasar en la isla Vashon, en el estado de Washington, y que posteriormente fueron trabajadas en Los Angeles. Pasó del aislamiento en la naturaleza al bullicio urbano de la ciudad con alas.

A través de temas como “Hunger” y “Hollow” busca probar con la combinación de metales y beats; no le molesta que pueda resultar lo más accesible que haya hecho en su carrera, pues sabe que no ha perdido la parte apasionada. Lo que permanece en un sitio de relevancia es la voz.

Zola ha buscado crear canciones que transpiren bosques, ya sean los de Wisconsin o de la lejana región de Rusia desde la que llegaron sus ancestros y de la que se siente en parte nativa. La Taiga promete envolvernos con sus poéticas y lánguidas imágenes que desde un pop sofisticado obtienen una naturaleza inédita. M

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que tanto ama–, su siguiente producción promete llevarnos hasta lugares muy lejanos y llenos de exuberancia natural.

El que será su tercer LP con material inédito llevará el nombre de Taiga, ese territorio inhabitado, cubierto de vastos bosques que se localiza entre el norte de la Rusia europea y Siberia, un poco del norte de Europa, la región de la Bahía del Hudson, al norte del Canadá y parte de Alaska. Se dice que es una franja intermedia de la estepa y la tundra; el paso de la vegetación frondosa a la languidez de lo ártico. He allí una marcada transición que hipotéticamente pudo llevar a Nina a utilizar el término.

Esta colaboradora de gente de la talla de M83 y Orbital, contraria a que se le tome como una figura hipersexual, aun no llega a los 30 años y cuenta con una discografía muy elogiada, que es sumamente madura para su edad. Ahora se ha colocado en la Taiga porque es una franja que le permite decidir hacia que lado de las cosas moverse, lo que va muy acorde a su postura: “Me atraen los extremos. Nunca puedo existir en el medio. No entiendo la vida en el medio. La oscuridad y la luz son técnicamente la misma cosa, simplemente espejos polarizados.

Me muevo de un sitio a otro como una pequeña pelota de tenis”, como lo declaró al periodista español Álvaro García, en un encuentro previo a su concierto en el Festival Benicassim.

Ahora enfrenta a Taiga sin una banda en forma, controlando todo, y nada de ganas de repetir las formas que le valieron tantos elogios con Stridulum II, por ejemplo; ella sabe que ahora es una persona muy distinta y ha querido plasmar su actual perspectiva.

El primer anticipo es “Dangerous Days”, tema en que conserva ese halo de fantasía –como si fuera un personaje mítico–; Zola no puede negar ese lado oscuro que la acompaña, pero ha llegado hasta parajes prístinos que la

Zola Jesus The Spoils Sacred Bones Siempre quedará como un referente su debut –mucho más oscuro-; aunque ella lo considera tiempo extinto.

CocoRoise Tales of a GrassWidow CitySlang Otras ninfetas de la bizarrez y lo torcido a las que les ha dado por buscar entre un pop algo más luminoso.

Grimes Visions 4AD Hay cierto pulso generacional la acerca a Zola: les gusta combinar lo bizarro con el universo pop (algo que la Jesus apenas enseña abiertamente). Pero si se lo pones a mamá, se sentirá en confianza para negociar tu nuevo Ford Ikon.

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que

TRANSMISIONES DIRECTAS DE EMOCIONES VÍA MÚSICA ELECTRÓNICA TXT:: ROBERTO GONZÁLEZ CLAPÉS FOT:: CORTESÍA DE TERRÍCOLAS IMBÉCILES

Dan Snaith, mejor conocido como Caribou, estuvo muy ocupado desde el lanzamiento de Swim en 2010, álbum que impulsó su carrera debido a las excelentes críticas y el gran recibimiento que tuvo. Dio vueltas por el mundo para presentarlo, se fue de gira con Radiohead, con quienes bajó a México en 2011 para tocar en el Foro Sol. Tuvo una hija y otro hijo (más bien un nuevo proyecto) llamado Daphni, con el que se introdujo de lleno en la cultura de música dance tocando en prestigiosos clubes londinenses. Tras cuatro años, está de vuelta como Caribou con un nuevo título, Our Love (editado en nuestro país por Terrícolas Imbéciles), razón por la cual me enlacé con él para que me contara todo al respecto.

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Lo primero que llama la atención tras escuchar este nuevo disco es que se siente una cercanía calurosa con el artista, algo que no se percibía tan evidente en tus trabajos anteriores.

Dan Snaith: Ésa era justo la idea, me alegra que lo digas. En Swim, la voz estaba enmascarada en reverb y los sonidos estaban flotando por ahí, que es algo con lo que me siento orgulloso y feliz, pero en éste no quería esconderme tanto entre efectos, quería hacerlo más directo, cerrando la distancia entre el escucha y yo. Mi perspectiva cambió mucho desde el disco pasado. Antes hacía música estrictamente para mí mismo. Pero al haber pasado por tantas experiencias comunales, tener una hija y estar más conectado con mi familia y amigos, me hizo querer hacer un disco más abierto, más para compartir porque sabía que todos lo iban a escuchar.

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En ese sentido, ¿cómo fue distinto el proceso de escribir y grabar?

DS: Fue grabado en el mismo tipo de lugar, un pequeño estudio en el sótano de mi casa. Casi todo lo hice yo mismo, excepto por las aportaciones de Owen (Pallet) y Jessy (Lanza). Lo diferente es la forma en la que he estado trabajando por tener una hija. Ella tenía uno o dos años cuando lo estaba componiendo, así que era como que tenía un par de horas para hacer música y, de repente, se despertaba de una siesta y tenía que estar con ella, salir al parque, ir a un museo o ver amigos. Antes podía trabajar 12 horas seguidas sin salir del estudio, pero ahora el proceso está integrado con el resto de mi vida más que nunca.

Es más emocional entonces, sobre crear un lazo con todo lo que está alrededor…

DS: La música puede generar emociones espontáneamente.

Siempre he disfrutado eso. Entro al estudio y hago una canción que suena triste o feliz y no necesariamente porque yo me sienta de esa manera, sino por la emoción de que la música te transporta a algún lugar. ¿A dónde te transporta este álbum?

DS: Este disco se trata sobre capturar lo que estaba pasando en mi vida, más allá de generar otro mundo al cual escapar. Fue como hacer un álbum de fotos o un diario de mi vida del momento.

Desde mi perspectiva, es el disco que alguien a mediados de sus treintas haría, acerca de todas las complejidades que hay en las relaciones alrededor de ellos: familia, amigos e hijos.

¿Lo consideras como tu álbum más personal?

DS: Definitivamente, aunque resulta ser una contradicción.

Las letras son sobre mi vida o sobre gente cercana. Antes sólo eran letras inventadas. Pero éste lo hice con la intención de que conectara con la gente, así que es más personal y, al mismo tiempo, más abierto en la forma en que la gente lo va a escuchar.

Hablando de cosas personales, hay algo que quieras compartir que jamás le hayas contado a un medio. El número donde saldrá esta entrevista lleva el tema de “Secretos” así que…

DS: Me agarras desprevenido, pero esto es algo que no le he contado a nadie. Como sabes, fuimos de gira con Radiohead y nos hicimos buenos amigos de ellos y de Nigel (Godrich). Nigel tiene este increíble escritorio hecho a mano por Bill Putnam, quien fue un inventor fundamental de equipos de grabación.

Ahí se grabaron muchas cosas de Radiohead e incluso, el Sea Change de Beck y otros grandes álbumes. Cuando llegó el punto de mezclar mi disco, Nigel me dijo: “Bueno, yo no voy a estar, pero puedes entrar al estudio y mezclar tu álbum con David (Wrench)”. Era un favor de amigos y no quería llamar la atención de eso, por eso, jamás lo he mencionado ni se incluye en los comunicados. No quería hacerlo un tema de prensa porque si no, todos preguntarían al respecto.

Genial, ¿y qué tal la experiencia?

DS: Increíble, era el ambiente perfecto. ¿Y la vibra?

DS: Muchos de los discos que hago los hago en casa y los termino en casa. Eso no te permite tener la perspectiva de escucharlo en un espacio distinto con gente distinta.

Cuando lo estábamos mezclando, Kieran (Four Tet) o Sam Floating Points entraban al cuarto, incluso Nigel estuvo un par de veces. De hecho, logramos que abrieran el Fabric temprano. Fuimos y escuchamos el disco ahí. Después logramos que nos abrieran el Plastic People y lo pusimos ahí. Hubo un tiempo que en que estábamos juntos David, Sam, Nigel, Kieran y yo. Sentado ahí, pensaba: “Tengo a

unos de los mejores pares de oídos en el mundo de la música escuchando mi álbum. Si no logramos que suene bien con toda esta gente en el mismo lugar, entonces, no va a funcionar”. En mi opinión, eso fue en gran parte la razón por la que suena tan bien, por la retroalimentación de toda esta gente. Por cierto, eso tampoco se lo había contado a nadie antes.

Y hablando de secretos, ¿crees que en el futuro no podamos tenerlos? ¿Crees que se desvanezca la privacidad por el tema del Internet y las nuevas tecnologías?

DS: Es un área en la que los matemáticos están involucrados, incluso algunos de mis amigos. La gente está siendo cazada para hacer este trabajo y siempre existe esta tensión entre la ciencia y la ética de que tienes la habilidad de hacer ese tipo de cosas, pero ¿deberías? Opino fuertemente que el público no debería ser monitoreado. Debería haber una esfera privada que no esté disponible y que sea impenetrable. Pero, definitivamente, la combinación de la tecnología y los lazos entre las corporaciones y el gobierno significa que eso se está evaporando. Me asombra lo poco que la gente se opone a eso.

Por último, ¿de qué manera has logrado involucrar las matemáticas en tu arte?

DS: Es puramente emocional e intuitivo. La gente casi no experimenta el lado de las matemáticas. Después de aprender, lo básico se convierte en algo creativo y filosófico. Por eso, es una especie rara de gente; las cosas se convierten en algo muy abstracto. No creo que haya una relación directa en la manera en la que la gente piensa sobre que tengo una fórmula que hace que todo funcione. Lo genial de la música es que es como estar buscando algo en la oscuridad intentando encontrar la forma. Entonces, tienes esta emoción increíble cuando te das cuenta que algo empieza a funcionar y que no podrías recrear jamás. Así que tienes que tomar ese instante y no soltarlo, nunca entenderás por qué funcionó y eso es lo emocionante. M

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Sí, no les importa mientras tengan la conveniencia de la tecnología.

DS: Es como hervir una rana. La pones en agua fría y lentamente subes el calor hasta que hierva. La rana no se da cuenta hasta que

es demasiado tarde. Es una metáfora un poco dramática y entiendo que la amenaza inmediata a corto plazo de que revisen tus cosas no es masiva si sólo haces una entrevista como tú y yo. Pero es muy cegador no pensar en lo demás y creo que tenemos que defender el futuro. Como doctor en matemáticas tengo cierta perspectiva. Los académicos a veces dicen: “Bueno, yo estoy haciendo mi ciencia y no es mi problema”, pero ha habido matemáticos prominentes que dicen que eso no se debe hacer y que llevan a cabo campañas en contra. Al menos se está entablando ese diálogo en la comunidad.

Stevie Wonder Songs in the Key of Life Motown Records Dan escuchó los álbumes clásicos de Stevie Wonder –mientras componía de Our Love– cuando jugaba LEGO con su hija. Después, se dio cuenta que la esencia de este álbum inconscientemente se impregnó en su disco en el sentido de que es directo y dice “ok, esto es lo que estoy sintiendo y este es el estado de ánimo que quiero generar [en mi música]”.

FKA Twiggs LP1 Young Turks, 2014 Con su álbum debut de R&B minimal y future bass, la cantautora y bailarina inglesa Tahliah Debrett Barnett, mejor conocida como FKA Twigs, se llevó en alto la nominación al álbum del año del Mercury Prize, al lado de otros 11 grandes grabaciones. Pero estos no son argumentos para convencer a mamá de que necesitas tu nuevo Ford Ikon. A ella ponle el disco y ya.

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21 Four Tet Pink Text Records Kieran Hebden es de los mejores amigos de Caribou, constantemente intercambian música y se ayudan mutuamente en sus proyectos. Según mencionó Dan Snaith en la entrevista, la primera persona –después de su esposa– a quien le muestra bocetos de su música es a Kieran, además de que no hay nadie con quien tenga una visión musical tan similar. En este disco se puede apreciar que ambos están en la misma vena musical.

MISTERIO, ANONIMATO Y SUBGRAVES TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO

Durante el pasado Festival Marvin me tocó atestiguar a muy corta distancia una candente actuación de los Frikstailers; ese dueto argento-mexicano que se coloca unas pelucas de rafia fosforescente y unas gafas freak para esconder sus verdaderos rostros. Por otra parte, durante los últimos meses se ha extendido el interés por el proyecto británico Jungle, un par de jovenzuelos a los que les dio por hacerse pasar por bailarines de color en sus primeros videos y por soulsingers veteranos a lo largo del disco debut epónimo. Y resulta que son unos mozalbetes blanquitos. Se trata de uno de los actos más calientes del Reino Unido al que veremos en el Corona Capital.

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mitad del verano, el Boiler Room organizó una serie de presentaciones en la paradisiaca Ibiza que, además de a Ellen Allien, incluyó la participación de Skream y Benga, maestros de lo que un día fue el dubstep y que ahora danzan por una etapa post. Entre palmeras y alberca, pudimos ver a estos muchachos delante de las tornamesas y desprovistos del misterio en cuanto a sus identidades, algo que los acompañó durante sus primeros desplantes. Y debo reconocer que sin el anonimato de por medio algo interesante se perdió.

Si pensamos en que a gente como SBTRKT, Burial, Nosaj Thing, The Suicide of The Western Culture, John Talabot, Flying Lotus y Shackleton no les encanta dar a conocer directamente su cara, el tema del anonimato se antoja estimulante, considerando en los megalómanos que se han convertido en las

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estrellas del llamado EDM –la electrónica más comercial y barata–. No viene mal al mundo de la música un principio de menos culto a la imagen y personalidad y más detalle a la obra en sí misma.

Insisto en el asunto porque otro de los proyectos más inquietantes del momento también se dio a la tarea de crear confusión e ir escatimando la información explicita a propósito de las personas involucradas. En un mundo donde todo es aparentemente explícito es conveniente ocultarse, difuminar la personalidad y destantear tanto al amigo como al enemigo. El juego de mostrarse como uno y en la intimidad ser otro.

Especulando sobre al arte de convertirse en celebre y anónimo a la vez –un poco de cuántica social a lo Banksy– les propongo una frase de la filósofa francesa Simone Weil: “Toda obra de arte tiene un autor, pero cuando es perfecta, sin embargo, tiene algo de anónima. Imita el anonimato del arte divino. La belleza del mundo, por ejemplo, es muestra de un Dios a la vez personal e impersonal, y ni lo uno ni lo otro”.

El ejercicio de la creación tiene algo de empatía con la idea de una divinidad que construye las cosas; buscar un arte perfecto sin que medie un concepto de autoría. Bajo este esquema se movía un trío que conocía de sus talentos y capacidades sin pretender que sus nombres se convirtieran en algo del completo dominio público. Los primeros pasos de The Acid descolocaban y causaban mayor atracción a través de una electrónica llena de tensión y misterio.

A la postre resultó que no eran personajes del todo desconocidos, pues ya tenían algo de envión en el medio. La triada que nos interesa está compuesta por Ry X, un australiano que aporta la voz, en conjunto con el angelino Steve Nalepa, colaborador de The Weeknd, Drake y The Glitch Mob, y el complemento del productor británico Adam Freeland, durante largo tiempo al frente del sello de breaks Marine Parade. El punto de partida era no recurrir a su trayectoria y reiniciar desde un agradecible punto cero.

Así que se fueron durante seis semanas a instalarse en lo más ignoto de la provincia australiana para concebir un debut que reboza de sofisticación y magnetismo. El trio conoce a la perfección los secretos de la bass music que vibra por el planeta y recurrió a crear una música llena de capas que sacude al escucha por su atasque de graves y subgraves. “Creeper” es la prueba fehaciente de esta amalgama de ritmos lentos, partes impredecibles de teclado y un absoluto charmé a la hora de cantar.

Liminal (Infectious Music, 2014) nace en medio de un buen periodo de aislamiento rural, pero paradójicamente parecería que su espacio natural es el conglomerado urbano o la claustrofóbica atmósfera de los clubes. Puede provocar profundos momentos de introspección, ya sea en completa soledad individual, cuando alguien se ha fundido con la masa que avanza por una enorme avenida citadina o que baila aisladamente en los claroscuros de un bar. Puede acomodarse en los mismos intersticios en que lo hace la música de The XX, James Blake –en su momentos más up beat y en versión remezclada– o de creadores igual de elusivos como SOHN.

The Acid se convierten en ese papelito psicotrópico y sonoro que te hace alucinar entre los recovecos del post-dubstep y la claridad del pop electrónico de más avanzado cuño.

Canciones infestadas de recursos y trucos de estudio que incluso logran que algo que puede entenderse como folktrónica

–como en “Ra” y en la esplendente “Veda”– avance al siguiente nivel –como un Bon Iver más cyber–, una influencia que Ry X ya había explicitado en una “Berlin” firmada en solitario.

Es innegable, crecieron escuchando a Portishead y Massive Attack; para la maquinaria periodística de las islas ya forman parte de una generación post-Burial, en el entendido que fue el teórico del dubstep. Aunque hoy día no es posible ceñirse a patrones rígidos, es menester buscar la fluidez y la flexibilidad aun cuando esto implique adentrarse en los terrenos del deep house –subgénero renacido y tan vital como antaño–; “Fame” y “Ghost” evidencian tales incursiones.

En suma 11 canciones para viajar debajo de la piel y al interior de la mente. No en vano Liminal es algo que puede percibirse bajo los parámetros normales de los sentidos, luego entonces a lo que van es a expandir la experiencia sensible y por ello se entiende que nombren a una de sus piezas más enigmáticas “Animal” –una vez más con los bajos desatados y que habíamos conocido en el EP previo–.

Y el asunto no termina ahí, “Basic Instinct” está destinada a arrasar en las presentaciones –por su poderío–, considerada el punto de encuentro entre una inflamada canción indie y la faceta más accesible del deep house; como si lleváramos la folktrónica de los ingleses Tunng a un sitio de baile.

The Acid han dado con un disco notable que nos hace pensar en las bondades del anonimato personal, en las posibilidades que suma el misterio a la música y en las derivaciones de la electrónica a través del tiempo; en este sentido, el periodista español Santi Carrillo hace un apunte en el que podemos pensar mientras repetimos una y otra vez Liminal, siendo conscientes de la presencia de nuestro cuerpo: “Así, agitando aleatoriamente pies, brazos y caderas, el disfrute y el hedonismo siguieron marcando el territorio de la confraternización bailable de las sucesivas generaciones; entre la liberación y el exhibicionismo, entre lo sensual y lo sexual”. M

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“No se trata de elegir estilos o caminos. Se trata más de confiar en el proceso, mantenerlo abierto. La clave es componer lugares inspiradores. Es importante para nosotros dejar que todo crezca y siga adelante”. —Ry X

Maya Jane Coles Fabric 75 Fabric Sencillamente la diosa del deep house; y además es muy joven y bella.

Burial Untrue Hyperdub El alfa y omega de lo que fue, es y será el dubstep y todos sus posts imaginables.

SOHN Tremors 4AD Otro proyecto de nuevo cuño que –como The Acid– no pueden negar el ramalazo del fenómeno James Blake. Esta es la música electrónica que debes escuchar con mamá para convencerla de que necesitas tener tu nuevo Ford Ikon.

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DEBUTANDO EN EL NOISE POP CON EL PIE DERECHO TXT:: UILI DAMAGE FOT:: CORTESÍA DEL ARTISTA La historia de Black Islands empezó más o menos así: Pedro Martínez y Dani Rosa aprendieron a tocar el bajo y la batería específicamente para este proyecto tras la obstinada persuasión del guitarra Javier Adrover, allá por el 2011. Su plan era hacer música por gusto, entre cuates, tratando de hacer lo que sonaba en los discos que amaban, así que montaron su cuarto de ensayo en un garage y fueron componiendo música hasta que ya tenían un puñado decente de temas para mostrar a sus amigos.

“Aunque todo fallara seguiríamos tocando hasta que nos tragara el océano”. —Javi

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on la incorporación de Cesar Sempere es que encontraron la motivación para salir a tocar, sin tener muy claro por dónde empezar y con su buena ración de pánico escénico. Por un golpe de suerte en 2012, Pablo Molinero, organizador del International Surface Fest en Barcelona les escuchó su demo y los invitó a tocar en el festival en 2012.

El evento es tal cual una batalla de bandas, las cuales tienen 20 minutos para mostrar lo que hacen; Black Islands hizo lo suyo y resultó ganador de la grabación de su primer EP.

César deja la banda al tiempo que el grupo se encuentra con Manu, presentándose en el Kaboki Festival (Sala Casino, el Prat). Manu entra de inmediato a la banda y con su primer EP Moix!

(2013 HMM Records) llegaron diferentes eventos y festivales como el Festival Bailes de Mar 2013, el FIB Showcase 2013 (Barcelona), o el showcase en Xtrarradio MusicFest 2013. Radio 3 de Radio Nacional Española y la prensa especializada local ya los mencionaban como favoritos.

De ahí, como es de esperarse, todo comenzó a tomar forma y hace menos de un mes finalizaron la grabación de su álbum debut homónimo bajo los mandos del reputado productor Santi Garcia en los estudios Ultramarinos Costa Brava. Masterizado por Víctor García, el disco cuenta con colaboradores de lujo como Eli Molina de Fighter Pillow o Rick Froberg de Obits y Hot Snakes…

Black Islands cumple con el ABC del altpop guitarrero de manera asombrosamente certera. Bajo esta calificación no tendrían por qué sobresalir de entre otros de la categoría, pero estas son las herramientas de base del grupo. Así armados, lo que sigue es despuntar echando mano de su gran calidad melódica y

compositiva al construir canciones memorables; figuras musicales que se engrapan a la mente, estructuras en la canción que arropan las emociones que todo el conjunto hace brotar.

Tuvimos la oportunidad de extenderle un cuestionario a la banda, mismo que el propio Javi, a nombre del grupo, nos responde: La experiencia de meterse al estudio de grabación, ¿fue diferente de lo que soñaban?

Javi: Fue mejor de lo que esperábamos. Sabíamos que Santi García, el productor, entendería nuestras canciones ya que nos gustan muchos de los discos que ha producido. Pero es que además sabe como hacerte sentir bien durante toda la grabación. Es un genio. Ademas contamos con la ayuda de su hermano Víctor en el proceso de mastering.

A diferencia de México, España en general ha aportado una cantidad apabullante de excelentes letristas (simplemente por la cantidad de lectores per capita). Teniendo este antecedente, ¿cómo se deciden sonar en inglés y qué retos presenta contra, por ejemplo, el caso de “Bennicàssim 97”?

J: Supongo que pasar largas temporadas en países anglosajones y absorber mayoritariamente grupos de allí influye a la hora de crear tu propia música. Aunque tampoco queremos que el hecho de cantar en inglés se convierta en un dogma. Y que tampoco lo sea cantar en español. Nos gusta poder elegir los ingredientes de las canciones que cocinamos. La lengua es sólo un ingrediente más. “Benicàssim 97” se canta en español porque es nuestro humilde homenaje a los micropoemas de Ajo que un día por algún

motivo nos hicieron recordar con nostalgia los grupos que vimos y que no pudimos ver ese mismo año en el Festival Internacional de Benicàssim, especialmente el de Urusei Yatsura. Un concierto increíble que se vio interrumpido por culpa de una violenta tormenta que destrozó el escenario mientras seguían tocando. Fue bastante impactante.

mismos. El disco suena exactamente como queríamos y fiel al directo de la banda. No hay efectos especiales. Lo que suena es lo que hay.

“Si todo fallara” y tuvieran qué dejar la música los cuatro, ¿qué oficio tomarían?

J: Aunque todo fallara seguiríamos tocando hasta que nos tragara el océano. Como los músicos del Titánic. De todas formas, compaginamos el hecho de tocar en el grupo con nuestros oficios. Pedro enseña ciencias; Dani es comercial; Manu toca también en el grupo Fighter Pillow, y yo me encargo de la logística de una empresa de Óptica.

¿Qué sello se encargará de lanzar Black Islands?

J: Nos llegó un mail desde Burger Records porque están interesados en distribuir y promover este disco por E.U. a través de su subsidiaria Wiener Records. Todo muy lo-fi, pero es el rollo que nos va.

El estilo de su álbum en general es muy británico y especialmente del alternativo ‘85-’95 (cuando “alternativo” era una orgullosa bandera y no una mala palabra). ¿Componen con nostalgia de ese sonido?

J: Aunque todo fallara seguiríamos tocando hasta que nos tragara el océano. Como los músicos del Titánic. De todas formas, compaginamos el hecho de tocar en el grupo con nuestros oficios. Pedro enseña ciencias; Dani es comercial; Manu toca también en el grupo Fighter Pillow, y yo me encargo de la logística de una empresa de Óptica. ¿Se puede decir que el álbum Black Islands tiene un tema general?

J: No creo que haya una canción que resuma el disco. Intentamos que cada canción tenga su propia personalidad.

Si hubiera que explicarle lo que pasa en este disco a un nativo de una isla lejana, incomunicado con la modernidad, ¿qué le dirían?

J: Si sientes pasión por algo y no puedes evitar dedicar tu tiempo a ello, una isla o la sensación de estar lejos de todo es un caldo de cultivo perfecto para volverte un loco y empezar a crear tu submundo. Seguro que esta sensación le sería bastante familiar al habitante en cuestión. Hemos pasado miles y miles de horas juntos en una casa aislada en las montañas del Prepirineo catalán.

Allí componemos canciones, ensayamos, cocinamos, bebemos, charlamos, fumamos, nos reímos, discutimos, y volvemos a ensayar. Este disco es en el fondo como un retrato de todas esas horas en un momento determinado de 2014. Un foto tomada con la cámara de Santi García.

Siempre hay “tiempos muertos” para alguno o varios de los involucrados en el proceso. ¿A qué los dedicaron?

J: La verdad es que todos nos implicamos bastante en la grabación de los otros componentes del grupo. Nos involucramos todos mucho. Excepto Dani, que por temas de trabajo tuvo que ausentarse varios días del estudio. De todas formas, siempre había tiempo para visitar bares y locales de Sant Feliu de Guixols.

Desde esta reciente experiencia, ¿pueden dar algún consejo a otras bandas que estén por poner pie por primera vez en el estudio?

J: Ensayar mucho antes de entrar y disfrutar lo máximo que se pueda durante la grabación. Una grabación puede convertirse en una auténtica pesadilla si las cosas se tuercen.

A Love & Rockets, terminando las grabaciones del álbum Sweet F.A. y antes de ponerse a mezclarlo, se les incendió el estudio con equipo, grabaciones y todo. En un caso así, ¿tratarían de repetirlo todo, apegados a lo que llevaran hecho?

J: Que te pase eso tiene que ser horrible. En un caso así, evidentemente volveríamos a grabarlo todo con el extintor en la mano. Hay que ir a por todas y nunca dejar de intentarlo. ¿Qué canción de Black Islands les funciona para banda sonora de un incendio?

J: “Rage” nos parece un buen tema para quemarlo todo. ¿Qué grupos con los que han compartido escenario recomiendan?

J: Es difícil escoger pero recomendamos mucho la música de Jamie 4 President, Anímic, Las Ruinas y Susan’s.

Si entrara un miembro más al grupo, ¿qué instrumento tocaría?

J: Teclados y voces. ¿Cuáles son loscuatro escenarios en los que más les gustaría tocar en su totalidad el Black Islands?

J: Puestos a pedir nos encantaría tocar, por ejemplo, en alguna edición del Canela Party, PrimaveraSound, Coachella y el Festival Marvin, claro.

Por favor agreguen aquí lo que deseen que el público mexicano sepa de ustedes.

J: Nos hace especial ilusión que se escuche nuestra música en México y nos encantaría poder presentar el disco allí y conocer un poco mejor la escena mexicana de grupos. También nos encantaría ver actuar a Silverio en directo. Somos fans. Sin haber tenido la oportunidad de presenciar un directo del grupo, adelanto que este larga duración debut es una medida muy alta, que provoca ansias de atestiguar cómo se cumple la promesa frente a frente, desde el escenario con todas las características que aquí emocionan. M

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Cuando llegan a escuchar el master de la grabación, ya han escuchado cada track de sonido de cada canción “un millón” de veces… ¿Qué sentimientos les deja este último momento?

J: La sensación es de satisfacción y de que hemos sido fieles a nosotros

¿Con qué alimentos/bebidas debe acompañarse su álbum?

J: Cerveza o pacharán.

Sugar Cooper Blue Ryko Es difícil decir cuál de los montones de discos de Bob Mould es el bueno, pero en esta piedra angular de 1992 viene “If I Can’t Change Your Mind”, himno que no muere. La cita más famosa relacionada con su obra es, sin duda, el clasificado que pusieron Black Francis y Joey Santiago cuando estaban formando a Pixies: “Se busca bajista para banda de rock con influencias de Peter, Paul and Mary y Hüsker Dü (la primera banda de Bob Mould)”.

Parts & Labor Mapmaker Jagjaguwar Records Cuarta grabación de un trío de Brooklyn que nunca sentirá empacho en darle el uso más cavernario a los sintetizadores, logrando que no extrañemos en ningún momento un requinto de guitarra tradicional. Aquí se ejemplifica puntual el término “anthem rock”, y si encuentras un momento en el que falte cohesión entre sonidos, verás que la voz grave de Dan Friel mantiene todo apretado, en su lugar y corriendo a todo vapor.

The Wedding Present Watusi Island De la impecable discografía del grupo, éste es el menos respetado por haber salido con una multinacional, pero aún así, no tiene falla alguna. Los temas “Yeah, Yeah, Yeah, Yeah, Yeah” y “Catwoman” son un buen resumen de lo que se tratan los “weddoes”, con letras que hablan del amor y despecho, excelentes para convencer a mamá de lo bien que se escucharían a bordo en tu nuevo Ford Ikon.

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NEVERMIND THE REPTILIANS TXT:: ALEJANDRO MANCILLA @nosoymoderno FOT:: CORTESÍA DEL ARTISTA ¿Quiénes son estos tipos puertorriqueños que cantan sobre conspiraciones? Aunque igual de repente lo hacen sobre amor y otros asuntos más triviales, pero lo que nos llamó la atención fueron sus canciones entre hip-hop y folk, contra el Nuevo Orden Mundial, expresamente “La Dictadura Científica”, donde ni dejan ningún cabo suelto: reptilianos, marxismo, televisión, extraterrestres, etc. Sus tres discos están disponibles gratuitamente en lastfm.es/music/Los+Niños+Estelares. Platicamos vía Skype con Fernando Castro (Dario Constaín es el otro 50% de la dupla). Mientras devoraba una sandía, el cantante del grupo nos contó algunas cosas bien interesantes:

¿Antes de formar las banda ya tenían en mente hacer letras sobre conspiraciones?

Fernando Castro: Sí, y cosas de amor joven y algo de comedia, conspiraciones, etc. Ahora ya estamos en otra cosa, pero partiendo de esos temas de paranoia. ¿Qué tanto de paródico y qué tanto de serio tiene lo que hacen?

FC: Tiene de ambas cosas. No es algo que hagamos a propósito, yo soy muy serio, pero a la vez tengo mucho sentido del humor. El propósito es que sean cosas serias, pero que el discurso sea diferente a un mensaje fanático o filo-marxista.

El truco está en el balance, en darse cuenta que a veces es mejor reír que llorar.

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¿Creen en lo que cantan?

FC: Sí, pero recuerda que las canciones están escritas como si fueran misterios esotéricos, hay mucho fanatismo y hay que tener mucho cuidado, no meterse en estas cosas de manera muy abrupta y no saber de qué están hablando.

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Y por ejemplo, los reptiloides…

FC: Los reptilianos son un tema que siempre ha estado ahí.

Siempre han existido esos fenómenos paranormales. Esto existe, pero se le da más valor de lo que tiene, yo soy más espiritual y académico en ese aspecto. Esa programación de conspiración es una programación adicional, pero la gente no entiende eso, el misterio y el asunto es más complicado que lo que la gente cree. La batalla real no está afuera. Hay dos guerras, la pequeña guerra que está fuera de nosotros, la problemática de estar vivo, los problemas con la naturaleza, los amigos… la vida en sí. Pero la verdadera guerra está dentro de uno mismo y la consciencia, algo con lo que tenemos que pelear todos los días.

La biblia dice que “no es una lucha contra carne y sangre”…

FC: Correcto, y ahí mismo en Job dice que la vida del hombre sobre la tierra es “lucha” y esa idea se ha perdido. Sí, todas las religiones del mundo siguen los parámetros tradicionales.

Entonces, como todo está en uno mismo, ¿nevermind the reptilians, nevermind the NWO, no importan las falsas banderas?

FC: Sí importan, pero hay que analizar el proceso histórico, después del medievo, con el surgimiento del capitalismo comienza el proceso. El viejo orden cambió a la modernidad, el enemigo real es ése: la modernidad, la supresión que está mutando a este nuevo orden. El enemigo es intangible, es otra trampa, el problema es esa perspectiva materialista de las cosas.

Uno cree que las cosas importantes son la sobrepoblación, la comida… y eso es lo que nos está esclavizando.. ¿Qué opinas de los vuelos perdidos de Malaysia Airlines y el supuesto derribo de uno posteriormente?

FC: Creo que son operaciones de falsa bandera abortadas por “x” o “y” motivos. Realmente no he investigado a fondo, pero apostaría por la hipótesis más loca.

Y esa programación de la que hablas, ¿quién la dicta?

FC: Es algo automático, según el mundo va caminando a esa tecnocracia global omnipresente, se convierte todo en automático. Por ejemplo, la burocracia internacional, la tecnología, la forma de viajar e incluso en el modelo de lo que es políticamente correcto o no, es el problema de la automatización del pensamiento. Tú eres mexicano, conoces la historia del antiguo imperio mexicano, y cómo los masones lo derrocaron y luego lo instauraron con el austriaco (Maximiliano). Ese tipo de cosas que se perciben como antiguas, como pasivas, como anti-modernas, he ahí la raíz del problema. ¿Por qué tantos gobernantes mundiales que en apariencia están en pugna, se saludan con señales masonas? Si no tuviera repercusiones en el mundo físico, ¿por qué se da todo eso?

FC: No digo eso, tiene implicaciones en el mundo físico. La francmasonería no tiene tanto poder como antes, hoy el poder está en los oligarcas, en los banqueros… es un proceso involutivo y todo tiene que morir antes de que pueda cambiar y las cosas van a empeorar. Hay profecías que dicen que las cosas no van a cambiar hasta que las personas comiencen a comer fetos humanos y, de hecho, ya hay cosas tan

locas como ésa y la gente las considera normales. O los rituales, que hacen para entrar en contacto con seres de otra dimensión, sacrifican niños, etc. Lo del Bohemian Club no es nada comparado con el big fish, lo que pasa en mansiones y sitios cerrados, yo he leído de casos de que en Estados Unidos buscaban niños haitianos para eso. La magia negra es algo egoísta, pero el poder seduce y es horrible y se tiene que parar, pero no se puede parar porque la gente no cree en eso. Llegamos a un momento en que la medicina es peor que enfermedad. Estamos en una etapa en que la gente está tan hipnotizada que tú le dices las cosas y lo van a rechazar. Por eso yo no pretendo ser un gurú, al revés, no se puede, lo único de lo que cada quien tiene que preocuparse es de su alma. ¿Hollywood y la T.V. con cosas como They Live o V son para que la gente las vea y no se tome en serio las cosas, digamos como el Efecto Streisand?

FC: Hay películas que sí hacen que gente vea las cosas, sobre todo en la independencia… El propósito de Hollywood es mantener a la gente programada y esclavizada, por eso nos llena de esperanzas falsas.

Después de la Segunda Guerra Mundial sólo quedaron el marxismo y el capitalismo, pero son la misma cosa. Chávez era lo mismo que Obama.

No es una pugna, es una fusión violenta, lo que estamos viendo es que después de la guerra, hay un ámbito ideológico en el que el americanismo se desarrolla en un estilo de vida de “sex, drugs and Rock & Roll” y es la anatema de la cultura, la destructora, por eso vas a D.F., Paris, San Juan, Cairo y Tokyo y vas ver lo mismo, gente con celulares, las mismas marcas…

Entonces, ¿ningún sistema humano funciona?

FC: Estamos literalmente entre ruinas. Los valores están en decadencia, mira tu país, está en medio de una guerra, o nosotros, que somos la tercera frontera, mira la comida, la programación… La única manera es hacer un movimiento, pero si lo haces, la gente cree que estás loco. Estamos bajo esa dictadura pasiva que nos esclaviza no con las cosas que odiamos o que nos molestan, sino con lo que amamos y lo que nos causa placer, alegría y felicidad constante y sobresaturada todo el tiempo.

“Pandemias orquestadas Desastres no tan naturales (HAARP) En mercados artificiales ¡Invasión extraterrestre!

El futuro no será como el presente Falacias neo-maltusianas En tecnocracias infrahumanas La ciencia con su idiosincrasia Hará de ti una especie exacta Con el pragmatismo, transhumanismo El fanatismo del ambientalismo Darwinismo, fetichismos Fármacos y consumismo”. (fragmento de “La dictadura científica”, canción de Los Niños Estelares). M

Música

“El propósito de Hollywood es mantener a la gente programada y esclavizada, por eso nos llena de esperanzas falsas. Después de la Segunda Guerra Mundial sólo quedaron el marxismo y el capitalismo, pero son la misma cosa. Chávez era lo mismo que Obama”. —Fernando Castro

Ministry The Last Sucker Planet Records Disco anti-NWO que presentaba a George Bush en la portada, con la particularidad de que si la inclinabas a contraluz, se volvía una especie de reptil. De nuevo, musicalmente nada que ver.

AJ Dávila Terror Amor Primer álbum solista de este paisano de Los Niños Estelares y Menudo, que ha conquistado el mundo indie latino con su particular versión del pop y el rock and roll.

Café Tacuba Café Tacuba Warner Más que en la música en sí, son afines en la asimilación de ritmos y el uso de melódica y guitarras acústicas sobre bases electrónicas post-modernas. Así, cuando se lo pongas a mamá a bordo de tu nuevo Ford Ikon, se sentirá igual de moderna y apapachada por los clásicos mexicanos.

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Es bien sabido que muchos de los sonidos manufacturados en la península escandinava se han transformado en un importante tesoro para el anaquel de la música pop bien hecha. Basta con recordar nombres como ABBA, The Cardigans, The Knife, Lykke Li, Robyn, Little Dragon o Röyksopp para saber que lo que aquella región del noroeste de Europa tiene para ofrecer es exquisito. Uno de sus nuevos motivos de presunción es Karen Marie Ørsted, cantante danesa mejor conocida como Mø, quien después de ser fan a morir de las Spice Girls (durante su infancia), pasó a ser una reconocida chica punk en Dinamarca que negaba cualquier relación con la música comercial. Años después, tras la urgencia de todo adolescente por expresar lo que realmente recorre su interior, lanzó su disco debut No Mythologies To Follow, material que le concedió grandes expectativas a su proyecto electropop y ahora la trae hasta nuestro continente para presentarse en la próxima edición del Corona Capital.

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ué tan emocionada estás de venir a México?

MØ: Mucho, pues es la primera vez que visitaré el país y, además, está muy lejos del mío. Eso siempre es emocionante. También tengo amigos por allá y hay otros que me han dicho que es increíble. Ojalá pueda visitar varios lugares, realmente espero ver muchas cosas.

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Cuéntame cómo ha sido la transición de ser un acto punk y luego, una estrella pop a la que se le han adjudicado grandes expectativas.

MØ: A veces no lo quiero admitir, pero la presión de todo eso ha sido un poco difícil. Cuando haces música, es muy importante dejarse ir y no pensar en lo que la gente dirá o si les gustará; lo importante es aferrarse al proceso creativo y sólo hacer lo que se siente correcto. Tampoco hay que preocuparse tanto por ello, la industria cambia muy rápido, puedes ser muy popular un día, pero estar completamente fuera al otro. Se trata de mantener honestidad hacia ti mismo y hacia lo que crees. ¿Qué es lo que más extrañas de tus años punk?

MØ: Supongo que la libertad, sólo éramos yo y mi mejor amiga, tocábamos alrededor de Europa, era muy divertido, siempre íbamos a lugares increíbles, conocíamos gente interesante, todo muy cool. Nos emborrachábamos tocando música. Era tanta libertad, que no pensaba en mi vida o en mi futuro; sólo vivía.

Sé que no tiene mucho que te volviste gran amiga de los Reptile Youth, ellos estuvieron en el Festival Marvin de 2013.

MØ: ¡Sí! De hecho, el vocalista es mi novio. ¿En serio? ¡Wow!, entonces debes saber que le rompió la nariz a una chica durante su concierto…

MØ: ¡Oh sí! Cuando se lanzó a la audiencia (risas). Él es como mi mentor cuando se trata de aventarse al público, a él le encanta hacer eso. ¿Él te enseñó a hacerlo?

MØ: Salió en una plática, y como yo soy muy enérgica durante mi acto en vivo, siempre quise hacer eso, así que él se ofreció a enseñarme. Sin embargo, sólo lo hablamos, y después lo comencé a hacer porque quería impresionarlo (risas).

En los países escandinavos hay muchos fondos para las artes y la educación, ¿crees que eso tiene mucho que ver con su gran éxito en la música?

MØ: El gobierno le da a todos, y eso hace mas fácil para la gente disfrutar de sus pasatiempos, pero también creo que el hecho de que seamos tan consentidos es malo, realmente no hay algo por qué pelear y el arte bueno no surge de la comodidad.

El próximo número de nuestra revista es sobre secretos, ¿hay alguno que nos puedas compartir?

MØ: Cuando era una niña temía mucho a la oscuridad, dormí con las luces prendidas hasta que fui adulta.

Tenía unas fantasías muy locas porque mi imaginación es muy intensa. Actualmente, cuando salgo de gira y me da miedo, duermo con las luces prendidas. También fui corredora profesional en Dinamarca, gané varias medallas. ¿Tienes algo especial preparado para tu show en México?

MØ: Tengo mucho amor por el arte mexicano, así que quiero planear algo que esté relacionado con eso, pero ya veremos. M

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el nuestro. Tristes coincidencias que pasan la estafeta de la ira de una generación a otra, pero que abren espacio a expresiones y líderes creativos tan surreales e increíbles como nuestra riot grrrl consentida.

Es cierto que el Corona Capital ha aportado, sin duda, momentos imborrables para la memoria colectiva de varias generaciones en México, pues ha tratado de mantener un balance entre la aparición de bandas emergentes y de artistas consolidados, como en este año lo serán Beck, Jack White, Damon Albarn y Kings of Leon (este último de dudosa calidad), pero hay algo en las presentaciones de este tipo –si comparáramos a The Julie Ruin estaría en la misma categoría que de The Breeders, Echo and the Bunnymen o Dinosaur Jr., por ejemplo– que tiene un valor más; se trata del culto más allá del culto. Quienes vayamos a ver a Kathleen Hanna destriparse la garganta en el escenario en busca de la ira femenina contenida en canciones de Bikini Kill, Le Tigre y The Julie Ruin, seguramente encontraremos todavía más que eso. Encontraremos la convicción de una generación, los ideales invencibles y el espíritu aún adolescente de quien no se cansa de librar batallas. Daremos paso a las féminas que asistirán para que estén al frente del público y haremos una especie de moshpit moderado; las veremos, a ellas, delirar en baile y gritos, con su sudor y sus Dr. Martens. M

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uizá no sea sencillo entender lo que implica hoy en día haber sido la líder de Bikini Kill y la cara más reconocida del movimiento riot grrrl en los 90, ser la responsable de que Kurt Cobain le pusiera “Smells like teen spirit” a la canción más representativa de toda una era, curar festivales musicales, no tener ganas de parar de cantar nunca, darse tiempo para escribir, y con todo esto, tener que luchar contra la enfermedad de Lyme, que incluso la ha alejado de los escenarios durante gran parte de este año –menos mal que tiene al lado a un Beastie Boy para cuidarla–; pero lo que es seguro es que todo esto no pasa desapercibido, menos aún si tenemos la oportunidad de verla con banda nueva, en el Corona Capital.

Tal vez habría motivos, si se buscan, para pensar que el riot grrrl no sigue vivo en 2014, que fue solamente un movimiento efímero, engendrado en una generación que vivió el vacío existencial y lo vomitó en trozos de música, grafiti, cine, arte y activismo social de fanzine. Aunque sólo si se piensa en ello, es como se pueden entender cosas que suceden justo ahora, a principios del siglo XXI; incluido el valor del activismo político de Pussy Riot, aunque este solo ejercicio no nos logre explicar el porqué de la cerrazón y las injusticias de los gobiernos que dominan el orbe, que quizá no disten mucho de lo que pasa también en países de tercer mundo, como

Festivales

Existen cientos de motivos por los que Kathleen Hanna debe ser considerada más que un icono pop de nuestra era. La actual cantante y líder de The Julie Ruin no sólo fue la vocalista mujer más vapuleada por los punks moshpiteros de los 90 que no entendían nada de activismo feminista, y se sacaban de pedo cuando Hanna invitaba a los hombres a pasar a la parte trasera del bar y dejaba a las chicas hacer su desmadre a gusto en el frente, durante los conciertos de Bikini Kill. También es un personaje importante para el desarrollo de la llamada tercera ola del feminismo, activista social y defensora de la libertad sexual, el queer y promotora de un pensamiento –libre de estereotipos– de los roles sexuales y sociales que debieran adoptar los individuos ante las sociedades conservadoras.

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En un ejercicio totalmente contrario a lo que regularmente se hace con un nuevo proyecto musical, J y T, las mentes detrás de Jungle, decidieron lanzar su primer álbum sin avisar a nadie y viralizando videos en la red; si uno se encontraba con el disco homónimo de este par de viejos amigos de la infancia originarios de Inglaterra, no tendría mayor información sobre quién lo realizó, pero seguramente ya habría visto a la pequeña B Girl Terra de seis años prendiéndole fuego al piso con el beat atascado de una especie de soul espacial que contiene “Platoon”, cuarto track del disco.

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n tanto sorprendidos y sin entender el ruido que provocó en la prensa especializada el misterio que se generó al no saber exactamente quiénes eran este par de locos que lanzan beats al aire como si aún existiera el Studio 54, J y T –Jay & Ti– explican que no hay otro motivo más que mantenerlo real. Los tipos están hartos de la gente que publica cosas en Facebook, Twitter, Vine, etc., rogando por los likes de sus amigos y autoeditando su fabulosa vida profesional: si no sabes quién esta detrás del proyecto, no puedes más que decir lo que realmente piensas.

Entonces es eso, Jungle no se trata más que de la música, no busca la fama, no les importa que los pongan en Lollapalooza a las 2 de la tarde, no quieren tus misericordiosos likes en sus videos, les importa un carajo pensar en influencias musicales. Se trata de los pocos proyectos en donde la honestidad no está en duda y que tendremos la oportunidad de ver en directo, sin los grandes reflectores que otras bandas acaparan, pero con el respaldo de ser la única banda del cartel que está nominada al Mercury Prize de este año.

Por eso, nos gustan los proyectos sin rostro; es posible que en 2014 estemos más interesados en la experiencia vivencial que puede brindarnos la música, y en este caso, los festivales, que en la otra manera de acercarse a las expresiones artísticas, quizá más multimedia, pero, al mismo tiempo, impersonal. Mucho se habla de la

posibilidad que ofrecen los eventos de este tipo, de conocer propuestas nuevas, de escuchar por primera vez a una banda en vivo. En el caso de Jungle, veremos de qué manera logran trasladar una experiencia sonora concebida cien por ciento en estudio por un par de productores al acto en vivo, en el que uno no sabe exactamente lo que le espera, pero en el que lo único que importa es la experiencia sonora.

Entonces, no nos tiene que importar que los nombres completos del par de mentes detrás de Jungle sean Josh Lloyd-Watson y Tom McFarland, da igual si el disco está editado por XL Recordings, no queremos saber si son un par de amigos que se conocen desde los 10 años y que hasta donde recuerdan, no hay algo que les guste más que encerrarse a hacer música en un pequeño cuarto; esos datos podemos encontrarlos en Wikipedia. Aquí lo que nos importa es el viaje musical, los cuerpos sudorosos acercándose peligrosamente al ritmo de un funk pegajoso como mariguana recién cortada, soul galáctico, la mente en blanco registrando imágenes conectadas directamente con el beat, el sabor amargo de la cerveza tibia con la que piensas pasar la pastillita que tienes de reserva, las luces estroboscópicas sobre el rostro de tu ligue y los oídos de todos a punto de reventar con los primeros acordes de “The Heat”.

“Right on time, back by the beach... Still gonna bring the heat”. M

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TXT:: VICENTE JÁUREGUI

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FOT:: CORTESÍA DE TERRÍCOLAS IMBÉCILES

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Si tuviéramos que poner en perspectiva los atributos por ciertas bandas inglesas que aventajan en linaje a su contraparte norteamericana, sin duda, alguno de ellos sería la capacidad innata de suspender las expectativas, la renuencia a la involución o al estatismo que generalmente se sustenta por el confort comercial. Desde el incipiente Strange House, un ánimo ensordecedor y deliberadamente dañino les alejaba del sonido pusilánime de Oasis, la catarata auto-plagiaria de bandas como Placebo, o la “rudeza” meramente mediática de The Libertines. Quizás en el interés de un sabueso como es Chris Cunningham, que les “descubrió” y dirigió su primer video, ya se anticipaba que detrás de los atuendos post-gothic había cinco músicos lo suficientemente serios con la música para sorprender con cada entrega, sin mayores concesiones que las que cedieron a Geoff Barrow de Portishead cuando éste les produjo el Primary Colours, un segundo disco muy bien logrado, con un salto gigantesco que para los críticos fue responsabilidad del productor, y no de la banda. Aunque Barrow mismo dice que sólo fue un conducto en ese proceso, es notable y sospechoso que la extensa sección final del primer sencillo “Sea Within a Sea”, sea tan similar a “The Rip”, el tema con que Portishead regresó triunfal después de años de mutismo. Como sea, a los cinco jóvenes de Southend-on-Sea les disgustó lo suficiente la falta de credibilidad como para olvidarse de productores de ahora en delante. De hecho, lo anterior los llevó a desarrollar un mecanismo de hermetismo extremo, pues decidieron construir su propio estudio, un espacio sagrado al que se presume, sólo los miembros de la banda pueden entrar con una opinión sobre la música. En ese espacio de autoexilio, The Horrors ha confabulado frontal y decididamente contra lo que dentro de la lógica del capitalismo tardío se define como “the next logical movement would be…”. Ahí comenzó la elaboración de Skying, un álbum que no veía contradicción en compenetrar el minimalismo rítmico del krautrock, con las paredes sonoras a la Phil Spector, también ya desde entonces, la incursión hacia detalles reminiscentes al techno de Detroit y el house de Chicago, se preludiaba que la mayor sorpresa llegaría con Luminous, un álbum que desde el título cimienta sus bases en las antípodas de su álbum debut.

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Es un riesgo grande si tomamos en cuenta que desde hace unos años trabajan en su propio estudio, sin un productor o un oído externo que opine sobre lo que van construyendo. ¿Cómo logran unificar la dirección estética, son una democracia o existe cierto fascismo al interior del grupo?

RW: Oficialmente somos una democracia…

¿Crees que los fans que escucharon su disco debut, aquellos que estaban fascinados por el sonido áspero del garage y la indumentaria gótica, han evolucionado con ustedes, o creen que pudieran ser intolerantes con el drástico cambio de sonido?

RW: Me parece que sí han cambiado con nosotros. Cuando grabamos el primer disco, de verdad hicimos lo que se sentía más natural, era lo más real que sentíamos en ese entonces, salíamos juntos a clubes de rock and roll de los 50, escuchábamos discos de rockabilly, garage de los 60, éramos realmente muy jóvenes, teníamos una especie de pandilla y vivíamos esa vida de verdad todos los días. Cuando iniciamos la banda, lo que surgió fue natural y honesto, queríamos tocar música oscura a volúmenes muy fuertes.

Siempre hemos hecho lo que hemos querido. Tuvimos muchos shows y fuimos lo suficientemente afortunados para tocar en México por primera vez con Primary Colours, en esa época todavía tocábamos bastante material de Strange House. Después de esto sentimos que comenzamos a cambiar como personas, a crecer bastante, era necesario un cambio en el sonido, en mirar hacia delante, no quedarnos estancados con lo mismo. De verdad creo que somos muy afortunados porque esa evolución, ese crecimiento, fue bien recibido, la gente ha crecido con nosotros, sin importar si son de México, Japón o Londres, hay una sensación de que el público disfruta igual que nosotros cada cambio que damos.

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La evolución que ha tenido el sonido del grupo es notable, sobre todo al tomar en cuenta que se trata de una banda joven aún. Pareciera que buscan seguir los pasos de gente como Bowie, The Beatles o Radiohead, que se reinventan en cada disco. ¿Qué intención existe cada vez que graban un nuevo álbum?

Rhys Webb: Para nosotros, cada vez que pensamos en hacer música, la vemos como la posibilidad de explorar nuevas ideas y sonidos, eso es muy importante para nosotros, es lo que nos mantiene a flote como banda y como individuos. La evolución es algo que siempre nos planteamos, nunca queremos hacer el mismo disco dos veces. Cada vez que nos sentamos a hacer uno, lo vemos como un reto para hacer nuevos sonidos: cada álbum se vuelve así un nuevo paso en esta jornada y nunca sabemos que viene en el siguiente.

… ¿Y en la realidad?

RW: Creo que nos gusta esa dificultad, en ocasiones no estamos de acuerdo, siempre hay partes de un track en las que alguien cree tener una mejor manera de resolver un arreglo. Pero creo que siempre terminamos contentos porque existe una gran afinidad entre nosotros, siempre que hay tensión se disuelve porque nos conocemos muy bien, cuando algo requiere de trabajo extra, en lugar de estresarnos, ese desafío es algo que nos complace. Somos el tipo de banda que cierra las puertas y se pone a trabajar simplemente. No le mostramos a nadie el material, ni siquiera a la disquera o incluso a nuestro manager. Cuando se trata de tomar decisiones sobre un tema en específico, el único criterio es hacer música que realmente disfrutemos, cuando eso se percibe en el ambiente, sabemos que vamos por la dirección correcta.

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a urgencia de sacudirse la etiqueta de oscuros es ahora inminente. Las guitarras eléctricas fueron contenidas para cimentar un recaudo de atmósferas sintetizadas, y desde luego, se extrañan los pedales que Joshua Hayward modifica para extraer sonidos rugosos y demoledores. En ocasiones la amabilidad de las melodías vocales por momentos desconciertan porque no parecen haber salido de la voz de Faris Badwan. El disco ha dividido opiniones de sus fans más aguerridos y críticos por igual, pero la banda está en su mejor momento y ello no ha mermado la cantidad de personas que mantiene un fervor cuasi religioso: sus feligreses han entendido que lo suyo es el desgarre camaleónico y que la banda primero se desintegra antes de repetir cualquier tipo de fórmula. Platicamos con Rhys Webb, bajista en la banda, para tratar de despejar las dudas sobre el cambio de sonido del grupo, y dentro del hermetismo que generalmente reflejan como banda, habló con entusiasmo sobre lo fundamental que perciben al reinventarse en cada álbum.

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Como banda, ustedes alcanzaron un nivel de fama y popularidad casi inmediata cuando aún eran muy jóvenes, muchos grupos no saben enfrentar ese tipo de situaciones, ¿cómo sientes que les afectó eso, tuvo alguna consecuencia en ustedes?

RW: Puedes creer o no lo que te voy a decir, pero realmente no creo que ninguno de nosotros haya cambiado mucho, seguimos disfrutando las mismas cosas: hacer música juntos, escuchar muchos discos, nos gusta salir a clubes por la noche, estar de fiesta y hacer nuevos amigos. Lo único que cambia es cuando te subes al escenario y ya, pero no nos la creemos tanto, hay que ver las cosas de manera simple. Fuera de los shows no siento ningún cambio realmente, quizá Faris sienta más algún tipo de consecuencia porque es la cara reconocible del grupo, yo no, soy muy tranquilo y sólo hago lo que me gusta hacer y ya, mantengo a mis viejas amistades y las frecuento mucho (risas).

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Eres alguien muy involucrado en la música, si no estás tocando con The Horrors, haces de DJ o tocas con The Diddlers, (N. del A.: una banda de covers dedicada a Bo Diddley). ¿Cómo surgió la idea de hacer una banda tributo a una figura legendaria de blues?

RW: (Risas) Es curioso, cuando estoy con The Horrors trabajamos con mucha intensidad, le ponemos mucho esfuerzo y dedicamos bastante tiempo a la banda. En este tributo no me tengo que preocupar de todo eso, es pura diversión realmente.

Quería hacer algo que fuera una banda de rock and roll primitivo, sencillo y primigenio, pero combinado con cierta esencia de Suicide. La idea era tener la máxima cantidad de guitarras posibles, y tenemos tres, así que el resultado es verdaderamente insano, en realidad no suena mucho a Bo Diddley (risas), bueno, a veces sí suena, pero es algo muy divertido de hacer, simple y sencillo rock and roll.

The Horrors es un proyecto muy cinematográfico. Conceptualmente hablando, ¿qué tienen en mente cuando ligan la música y el cine para lograr una estética coherente?

RW: Sí, pienso que somos una banda muy cinematográfica. No creo que haya cierto estilo o género en mente, lo que realmente nos importa es que la música se transforme o se traduzca en una experiencia muy visual, que los sonidos sean como fotografías, paisajes visuales que empaten con paisajes sonoros, no quisiera ser muy específico en tanto a directores o películas, quizá Faris podría responder eso… Creo que es una inspiración y un recurso muy importante para buscar los sonidos adecuados y mantener las cosas interesantes.

Finalmente, me imagino que coincides con muchos músicos en la calidez del público mexicano. Acá hay cierto culto por ustedes y la gente es muy entusiasta de su música…

RW: Coincido, hemos comentado que en México los shows han sido muy intensos, hay mucha entrega durante todo el show y ya queremos tocar en el festival…

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¿Te consideras entusiasta de México en algún sentido?

RW: Sí, disfrutamos mucho comer y todas las bebidas que probamos por allá (risas)… Disfruto mucho los colores brillantes y me parece que México es un buen lugar para disfrutarlos. M

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TXT:: OSCAR G. HERNÁNDEZ ILUS:: CORTESÍA DEL ARTISTA

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Pasó toda la noche trabajando en su revista Lapin, también bocetando a The Horrors –una banda que apenas había escuchado– para la portada de una revista que no podía leer por no dominar el idioma, sin embargo, no paraba de decir: “Ante todo, soy un profesional”. El llamado monstruo sagrado del underground francés y ahora también famoso por ser considerado el Tarantino del cómic, hacía rayones, se quebraba la cabeza para resolver cómo construir la portada, observaba la foto y seguía dibujando.

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on su tono de voz irónico, sus cabellos descompuestos y unas ojeras enormes que denotaban no haber pegado el ojo, Killoffer nos contaba de esa ahora gran editorial de novela gráfica que creó en los 90, hoy considerada una referencia a nivel internacional: “Fundamos L’Association porque teníamos el placer de hacer libros, éramos unos aventureros… En ese momento la industria francesa del cómic estaba esclerosada, más bien los editores de cómic estaban esclerosados y estandarizados. Por otro lado, había una gran explosión de autores y propuestas, fue así como aparecimos nosotros”.

Resulto inevitable no mencionar el gran éxito de la casa editorial el Persepolis de Marjane Satrapi: “Lo que paso con Persepolis fue una sorpresa, no era algo que esperábamos, fue un fenómeno extraño, es decir, la historia nos parecía muy interesante, una gran historia, la forma no tanto”.

Killoffer dibujaba cada vez menos, parecía que se había rendido ante la portada de Marvin con The Horrors, al parecer los únicos cómics mexicanos que había visto eran esas pequeñas ediciones pornográficas. El francés inesperadamente tomó la edición de su obra El Rock y si estoy en lo correcto el Roll por primera vez publicado en México, por primera vez traducido al español y comenzó a hojearla: “No, ésta no es la primera vez que me traducen al español, más bien es la primera vez que me traducen al mexicano… Me encantó por el ‘¡Que onda putos!’. Es genial”.

Killoffer llegó a México gracias a una residencia cultural de la Embajada de Francia/IFAL y la Maison des Auteurs d’Angouléme, sin embargo, no tiene una opinión sobre lo que pasa con el cómic mexicano pero cree que probablemente está aquí para contribuir a la explosión de la novela gráfica en el país.

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Abre una cerveza, nos habla de cuando hizo una campaña publicitaria para Volkswagen, la verdad es que apenas la recuerda: “Son trabajos muy delineados, bien definidos y de ejecución, son encargos por dinero y que a veces me aburren… No deberíamos hacer trabajos que nos aburren”. Después, recuerda de cuando hizo la portada para El Manifiesto del Partido Comunista del mismísimo Karl Marx y Friedrich Engels: “Fue muy interesante hacerlo. Fue un trabajo para una editorial enorme, Pengüin Books, sin embargo, me compliqué y les entregué tarde. Se molestaron, la cagué y pienso que ahora no quieren saber más de mí”.

Da un trago a su cerveza, la coloca a lado de una botella de vino que al parecer fue mal descorchada y abordamos su tan célebre obra 676 apparitions of Killoffer, nominada al mejor álbum del festival de Anguleme y para muchos considerado su mejor trabajo y el cual marco un parteaguas en la tendencia internacional de hacer cómics autobiográficos o bitácoras de viaje. Había sido enviado a Canadá para hacer un álbum del cual pensó seguiría la tendencia general, pero una vez más le daría un giro al tema y lo cambiaría por completo: “Cuando llegué a Montreal tenía la idea de hacer un cómic autobiográfico, empecé con una idea así pero me aburrí por completo, dejé el proyecto por un año… Hubo una confusión acerca de que el proyecto fue rechazado pero no fue así, eso era sólo una confusión debido a que lo abandone porque no me gustaba la dirección que estaba siguiendo, esperaban de mi algo autobiográfico, todos hacían eso, me molestaba, me daban ganas de vomitar, no me gustaba, lo detestaba. Al final lo cambié e hice lo que quería”. El resultado, un trabajo que lo proyectó a nivel internacional, un álbum delirante con mucha fuerza que no sólo le dio un giro a la tendencia de contenidos autobiográficos, sino que impuso formas graficas secuenciales y expresivas pocas veces vistas en un cómic.

Patrice Killoffer continúa bebiendo de su cerveza, pero esta vez parece dejar por completo el lápiz, la tinta y los bocetos de The Horrors; parece hacernos a la idea de que prefiere conversar que dibujar: “Las novelas gráficas autobiográficas no son de mi interés, aunque hay muchos autores buenos, así como cosas bien hechas, es una corriente muy desarrollada en Francia y que tiene ya mucho tiempo. Es una tendencia, es una moda, pero creo hay que ir hacia otro lado, hay que saltar… Es necesario buscar otro camino”. Se alinea el cabello y bebe, nos observa, mira a la cámara, la lluvia ya cae, no es por nada su idea de un país caluroso.

Ahora está interesado en el cómic-periodismo –o periodismo dibujado– y en la búsqueda constante de otras formas de narrar: “Mi maestro de cómic era mi influencia, había muy pocos en ese momento en Francia, él decía que para hacer cómics había que buscar las influencias en otro lado y no sólo en los dibujos… Por ejemplo, mi inspiración viene del avantgarde, el surrealismo y el cubismo.

El pop art no me gusta”.

Nos muestra una serie de trabajos que está desarrollando, un trabajo que hizo a seis manos con otros autores franceses de cómic en México para la revista Le Tigre y uno que ahora hace con Charles Burns: “No me gusta el arte pop porque ellos tomaron del cómic para

brillar… Si nosotros tomamos del pop art o nos influenciamos por éste, todo se vuelve un circulo vicioso”. Se detiene, piensa en lo que lee ahora, al parecer todos los autores que prefiere pertenecen a L’Association, no puede mencionar más que algunos clásicos: Moebius, Tardi y Crumb.

Siempre rebelde, siempre buscando, rompiendo las reglas, siempre experimental; ahora se interesa por la narración gráfica tridimensional, es lo que más le preocupa hoy día, razón por la que creó Le Libapo, un lugar para la potenciación de la narrativa grafica y sus formas: “El cómic es un arte hibrido, mezcla literatura, pintura, dibujo, secuencia, una gran cantidad de formas. Hay mucha mezcla y experimentación dentro del cómic… No olvidemos a Picasso y el cubismo”.

Pare este momento la portada de The Horrors parece haber quedado en el olvido, nos despedimos no sabemos si dicha portada estará lista para el cierre de imprenta, nuestro editor le menciona de verificar el formato, Killoffer se repone y muy convencido nos dice: “Killoffer, el que todo lo puede hacer”. M

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… O quizás hacernos pensar justamente eso es el complot perfecto. Lo cierto es que hay circunstancias muy sospechosas que rodean ciertos sucesos ante los cuales no hay explicación lógica; pero una vez agotada ésta, terminamos adjudicando todo a tramas oscuras elaboradas por mentes siniestras (claro está) que sueltan risotadas, mientras le dan vuelta a un globo terráqueo que adorna su escritorio. Cuando alguien me dice “es que no puedes desconfiar de todo”, les doy algo de razón: no todo es una conspiración, pero contraataco con la idea de que tampoco NO todo NO es una conspiración; así como hay circunstancias casuales y naturales que provocan situaciones que parecen diseñadas para cumplir con una agenda, también deben existir, sin duda alguna, aquellas perfectamente planeadas, no por villanos caricaturescos, pero sí por personajes con intereses más allá de lo evidente. Hay que saber diferenciar teorías tipo “Paul McCartney fue reemplazado por un doble, pero en realidad murió en los años 60”, descartando claves ocultas que muchos convencidos afirman que son determinantes, de aquellas conspiraciones orquestadas con objetivos más plausibles, como, digamos, adueñarse de los recursos naturales de un país o provocar un genocidio por fines ideológicos. Desafortunadamente, para curarse de la adicción no basta con ingresar a un grupo de apoyo colectivo, pedir la palabra y confesar llorando “me llamo Alejandro Mancilla y soy un consparanoico”. La solución no es tan obvia, sino cualquiera la patentaría, se volvería multimillonario o, mínimo, ya le hubiera vendido la receta a alguna Miss Universo para que sus sueños de paz mundial se hicieran realidad. Al final del día, los secretos son lo que mantienen intactos esos hilos de los que pende la estabilidad de eso que conocemos como civilización y que parece condenada a fallarnos. A continuación, algunas de las teorías de la conspiración más conocidas y las razones para creer o no creer en ellas:

EL ETERNO Marvinismo

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as teorías de la conspiración aseguran que el mismo gobierno de Estados Unidos aplicó un autoatentado el 11 de septiembre de hace 13 años, lo que se conoce como una operación de falsa bandera, es decir, fabricar una acción que parece que proviene de un enemigo con el fin de obtener ventajas al tener a quién acusar. En la red circulan miles de documentos y videos con pruebas muy convincentes sobre este hecho, que indican que la explosión no pudo haber sido provocada por el impacto de unos aviones y que se trató de un derrumbe controlado por la explosión de miles de “minibombas nucleares” colacadas estratégicamente. La opinión pública está polarizada, pero gran parte de los mismos ciudadanos norteamericanos creen posible la teoría del autoatentado. ¿Las causas? Tener un gran pretexto para iniciar una guerra que activaría la economía bélica… Pero ésta es sólo la punta de la pirámide.

Es posible porque: Hay muchos antecedentes de Banderas Falsas en la historia, como el incendio de Roma por Nerón realizado por él mismo; o La mano negra en España, que realizaba actos de terrorismo y que, en realidad, era una célula del mismo gobierno. O qué decir de la operación Himmler, realizada por el ejercito nazi durante la Segunda Gran Guerra y donde oficiales de la Gestapo se hicieron pasar por militares polacos para lanzar mensajes falsos a través de la radio de ese país. Sobre el 9/11, tan sólo en la web voltairenet.org hay más de 115 incongruencias que refutan la versión oficial.

No es tan posible porque: Un secreto tan grande es difícil de mantenerse y a pesar de que Los Simpson lo habían predicho años antes en el episodio donde la familia amarilla viaja a N.Y. con elementos como Dinero/las torres gemelas y un 9 (o en la película Matrix, ya que el pasaporte de Neo, el protagonista exiliado a una realidad prefabricada se vence el 9 de septiembre), no hay pruebas (las que presentó recientemente Rusia no son contundentes) ni una versión oficial que demuestren que hubo una conspiración. La verdad es que casi nadie se cree la historia de que Bin Laden (Q.E.P.NO.D.) fue el autor del atentado; después de todo, había sido socio de los Bush, pero es un lugar común asegurar que se trató de una conspiración cuando no hay elementos probatorios.

EL POP,

EL ROCK

Y LOS ILLUMINATI La teoría dice que los Illuminati controlan el mundo y lo hacen por razones más oscuras y profundas de las que podemos comprender. Las implicaciones existencialistas y hasta religiosas son muchas, pero éstas han alcanzado incluso el mundo del pop y del rock. El constante uso de simbologías secretas y de control mental, ha provocado que hoy más que nunca desconfiemos hasta de lo que escuchamos. Siendo los Illuminati una organización secreta con una agenda que cumplir, la lógica consparanoica indica que se valen de la moda fácil y manipulable y de los medios masivos para controlarnos, lanzando mensajes subliminales, donde signos como la pirámide con el ojo que todo lo ve en medio, las mariposas monarca (que simbolizan el control mental) y otros elementos como el número 6, las vacunas (la serie inglesa Utopía es muy explicita al respecto) o el chip implantado, por ejemplo, son pistas que ellos mismos colocan para que los demás miembros sepan que se está cumpliendo con el plan que tienen todas las noches: “Tratar de conquistar el mundo”, dice Cerebro.

Es posible porque: Es un hecho comprobado que desde tiempos antiguos han existido sociedades ocultas con fines de dominación global con una simbología estratégicamente colocada. ¿Con qué fin? Quizá nunca lo sabremos, pero si abrimos un poco los ojos, hay una realidad de la que parecemos no percatarnos (leerlo con música de Twilight Zone de fondo). Katy Perry, Lady Gaga, Miley Cyrus y hasta U2 están en la mira de los consparanoicos, ya que los signos que ocupan en la parafernalia que los rodea, corresponde literalmente a lo que estas teorías tratan de desenmascarar. Webs como putasparanoias.blogspot.mx recopilan minuciosamente esas fotos de la cultura pop con referencias al respecto.

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No es tan posible porque: Hay una moda en la industria del pop y del diseño que tiene muchas implicaciones posmodernas y que tiene que ver con el uso de símbolos de ese tipo sin que necesariamente relacione a los artistas con conspiraciones. O sea, si tú como diseñador ves que está en boga usar pirámides o pisos cuadriculados en tu obra porque es la tendencia, los usas. ¿O será que eso quieren que creamos? Katy Perry declaró recientemente que le encantaría ser Illuminati “si es que existieran”, aunque, curiosamente, alguna vez que platiqué con Alaska (la de Dinarama y Fangoria), dijo exactamente lo mismo. Y volvemos al punto de que la mejor manera de convencer a la gente de que un hecho no existe, es ridiculizarlo y hablar abiertamente del tema. Sin embargo, es poco probable que con tantos implicados no haya quienes se rebelen.

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LOS REPTILOIDES ENTRE NOSOTROS

Hay una antigua serie de TV (el remake reciente no cuajó) llamada V que muestra una invasión llevada a cabo por seres en apariencia benevolentes, que al final resultan ser una especie de lagartos híbridos con camuflaje de apariencia humana. Por su parte, la película ochentera de John Carpenter, They Live, muestra en tono un tanto ingenuo lo que sucede cuando la humanidad está dominada por corporaciones extraterrestres que son en realidad seres con apariencia de reptil que sólo se pueden ver tal como son a través de unos lentes oscuros especiales que también revelan una realidad en la que la publicidad es un medio de control que nos bombardea con mensajes agresivos de control. ¿Les suena conocido? Pues ya en terrenos de supuesta realidad, investigadores, como David Icke, aseguran que nuestros ilustres gobernantes mundiales son en realidad seres de sangre azul (anfibia) descendientes de antiguos seres reptiloides (que viven entre nosotros desde que uno de estos entes cayó al jardín del edén y provocó la caída del ser humano). Estas teorías sugieren que la familia real inglesa está compuesta de reptilianos y que la Princesa Diana fue asesinada porque iba a revelar la verdad al mundo.

La mitología de los reptiloides ha dado lugar a cientos de ensayos, libros y videos en Internet donde, se supone, hay “pruebas fehacientes”.

Es posible porque: Si miras a tu alrededor, verás que todo gira en torno a serpientes, dragones y demás. Todas las civilizaciones antiguas hablan de seres de este tipo paseándose por ahí y deslumbrando a los seres humanos. Es más, si te das una vuelta (si vives en el D.F.) por la avenida Reforma a la altura de la plaza 222, encontrarás un monumento que representa a unos humanoides tipo lagarto navegando sobre una canoa. Un libro llamado La conexión reptil-humana (de John Rhodes) explora el tema a profundidad. Ahora que si quieres tomártelo más a la ligera, puedes hacerte de una colección de revistas Duda, Lo increíble es la verdad, y hacer de cuenta que todo es una mala película y que las comparaciones entre reptilianos y extraterrestres de la ficción es tan casual como el hecho de que alguien de color verde te está robando la energía absorbiendo tu materia gris con un popote.

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Es poco posible porque: No hay evidencias fotográficas ni congruentes (más que vestigios ancestrales como la supuesta existencia de Quetzalcóatl o Kukulkán, que no prueban nada) de que haya intrusos ocultos bajo hologramas, que en realidad sean reptiles disfrazados de humanos. Además, si en Internet (y no estamos hablando de la deep web) existe un listado oficial de seres de esta especie que incluye a Tony Blair, James Cameron, Barack Obama y la actriz XXX Jennifer White, significa que el asunto no puede ser tan serio.

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LAS NUBES ASESINAS

¿Has visto esas estelas que quedan en el cielo? Se supone que son marcas que dejan los aviones, pero en realidad, y como Billy Corgan lo aseguró en vivo en un concierto en Arizona en el año 2010) y Prince apoyara la noción (en el late night show de Tavis Smiley) se trata de humo tóxico que literalmente nos está envenenando con fines tan loables como evitar la sobrepoblación (si lo ves por el lado bueno, habrá menos aglomeraciones en el Metro, aunque quizá no vivas para verlo…), diseminando nuevas enfermedades en beneficio de la industria farmacéutica, alterando el clima e incluso, provocando colapsos en países no alienados.

Es posible porque: Hay otras teorías que buscan demostrar que existen proyectos como el HAARP (High Frequency Active Auroral Research Program) que, a través de manipulación geológica, es capaz de producir terremotos y alteraciones, como los ocurridos hace no mucho en Haití o tsunamis como el de Indonesia. Los fines de estos experimentos, tanto los del HAARP como los de los chemtrails, son militares, pero… Si históricamente está documentado el uso de una bomba nuclear sobre una población civil en Hiroshima… ¿Por qué no habrían de existir este tipo de experimentos en los que nos usan como ratas de laboratorio?

Es poco posible porque…: Estas estelas son consecuencia natural del paso de los aviones y se trata de vapor de agua que siempre ha sido resultado del paso de las aeronaves, determinado por ciertas condiciones de clima y humedad en algunas zonas de la atmósfera. Además, desde que Richard Finke (consparanoico profesor de química de la Colorado State University) acuñó el concepto chemtrail (que significa estela química) en 1997, la población mundial ha aumentado casi 1,300 millones habitantes, por lo que el supuesto objetivo no se cumplió.

BATMAN Y LA TEORÍA D E

SA N DY

H O O K

En 2012 hubo una tragedia en la escuela Sandy Hook de Newtown, Connecticut, cuando un tipo asesinó a 20 niños y siete adultos. La masacre desencadenó toda clase de teorías, incluyendo la del control mental (MK Ultra), pero llegó a su punto más alto cuando alguien descubrió que en la película Batman: The Dark Knight Rises, estrenada meses antes, había una escena que mostraba proféticamente (?) el nombre de Sandy Hook en un mapa con una secuencia de los lugares que iban a ser atacados. La paranoia que surgió en una página web de conspiraciones (revelationNow.net, que fue retirada poco después), trascendió a la vida real y la policía cerró cinco escuelas de los alrededores.

Es posible porque: ¿Por qué tenía que salir justo ese nombre? La ola de rumores que se esparció después se avocó en teorías que afirman que todo fue un montaje y que los padres de las víctimas en realidad eran actores contratados (hay evidencias en video) y que nunca ocurrió ese terrible atentado. ¿Otra operación de falsa bandera para limitar? Según los consparanoicos, las sociedades secretas suelen dejar indicios de lo que están haciendo para que los iniciados vean que se está “cumpliendo”. El gran apagón de Nueva York de 1977, las cartas illuminatis…

Todo está ahí.

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Es poco posible porque: Las casualidades existen y están documentadas en la historia de la humanidad. Que haya aparecido el nombre de Sandy Hook puede tratarse de una coincidencia. Además… ¿Es necesario un montaje, contratar actores? De qué clase de mundo estaríamos hablando si algo así fuera posible… En Snowpiercer (2013), la película coreana dirigida por Bong Joon-Ho, se narra en medio de una realidad distópica, la vida en un tren especial que da eternamente la vuelta al mundo. Afuera, el mundo vive un segunda era glacial consecuencia de un experimento fallido para detener el calentamiento global. En los primeros vagones del tren, viven los privilegiados, los que comen bien y tienen todo tipo de lujos. Hasta atrás, los oprimidos, los que tienen que comerse los unos a los otros para sobrevivir, los que sostienen el gran locomotor. La historia se desarrolla entre conspiraciones y giros de tuerca (literales), y es un reflejo de este mundo tan ridículo a veces, en el que nos ha tocado vivir, lleno de secretos y sus respectivas y a veces inventadas conspiraciones que buscan mantenerlos fuera del alcance de los simples mortales. Pero eso es una película. M

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RINDAMOS TRIBUTO A QUIEN LO MERECE TXT :: PABLO PULIDO La palabra “culto”, según el diccionario de la Real Academia Española, tiene nueve significados. Entre sus conceptos encontramos uno referente a la agricultura; sin embargo, las denotaciones más adecuadas para el presente texto son: “Admiración afectuosa de que son objeto algunas cosas” y “Honor que se tributa religiosamente a lo que se considera divino o sagrado”. Entonces, entramos en un desafortunado conflicto: ¿a qué nos referimos exactamente cuando decimos que un autor u obra es “de culto”? Se cree que lo precursor es aquello que debe portar indudablemente el polémico adjetivo, y mejor aún, si dicho autor u obra pioneros son desconocidos para la mayoría. Pero ¿es verdad que todo lo referente a lo hecho con anterioridad debe ser de culto? No lo creo.

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a vieja escuela. Claro, no seríamos lo que hoy sin ella. Gracias a una inevitable evolución cultural, lo que experimentamos en la actualidad es posible gracias a la experimentación que nuestros antepasados se atrevieron a realizar con sus objetos de trabajo, ya sea en la ciencia, las artes plásticas, las humanidades, etc.; algo que, no olvidemos, también es resultado de los antepasados de éstos. Entonces, ¿cuáles son los parámetros que dictaminan qué admirar con más ímpetu y qué otras cosas no?

Las generaciones nacen y mueren, pero los ídolos se quedan. Y es normal que cada época exija su reconocimiento para la posteridad, y también lo es que adjudiquen a sus contemporáneos más talentosos –hablando en el aspecto artístico– el carácter de divinidad. Como podemos apreciar, todo es un círculo, eso sí, vicioso de reconocimiento y con un terrible miedo al olvido. Por ello, no extraña que la juventud sea –casi

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la semana del 20 de enero de 2001. El disco, compuesto por 12 oscuras canciones, retrata las inquietudes de un Mark que no ve claro hacia dónde va la humanidad, acompañado de un sonido tal vez nada complejo, pero cuya estructura rinde homenaje a un pop beatlesco. Claro que entre una extenuante gira de promoción (que incluyó el abrir para U2, Embrace, Coldplay y Muse) y la presión de un segundo disco, el estrés fuera tal que Mark se quedara sin voz en diversas ocasiones y lo más pertinente era acabar con todos los pendientes rápido y de la mejor forma y comenzar otro capítulo, uno llamado I To Sky.

Dicho disco vio la luz en 2002, producido y mezclado por los mismísimos Flood y Alan Moulder, respectivamente, dos grandes héroes para Mark, ya que trabajaron también para una de sus bandas favoritas: The Smashing Pumpkins. Como era de esperarse, la obra cumbre de este trío es más minucioso en sonido y lírica. Desde “Nameless” uno se da cuenta que Mark ya no piensa sólo en él, ahora en todos los que le rodean, para ser más específico en Irlanda, la opresión que sufre su país por parte de Inglaterra y los conflictos civiles que ha traído consigo. I To Sky es rock agresivo y, al mismo tiempo, naif, pues a pesar de la furia que pueda contenerse en la mayoría del disco, no puede ocultarse la esperanza de Mark, Hillary y Fergal por un mundo feliz.

Desafortunadamente, y a pesar de los buenos comentarios alrededor del disco, éste fue un fracaso de ventas.

Rápidamente las cosas se fueron en picada. Un año después de la edición de I To Sky, Hilary decidió abandonar la banda, siendo sustituida por Sarah Fox (de historial metalero y que nunca terminó de gustar a los fans). Aunado a eso, Mark comenzó a tener diferencias creativas con Lakota y Sony a propósito del tercer disco del proyecto, cuyos primeros cortes ya comenzaban a sonar en una breve gira en 2005 y estaciones de radio. Sin embargo, la tensión fue más grande que la voluntad y finalmente JJ72 se separó en 2006, dejando sólo dos registros oficiales en siete pulgadas de ese tercer disco: “She’s Gone” y “Coming Home” y abandonando en el limbo grandes temas como “Everything”, “Radio y “Take From Me”.

Posteriormente, Mark comenzó en 2007 un proyecto como solista que no rindió frutos; luego, vendría su prometedora banda, Concerto For Constantine, con la que tuvo algunos shows muy exitosos pero no ha firmado nada serio hasta el momento. Por otra parte, rumores indican que Fergal se mudó a Noruega, en donde toca la batería en una banda llamada Blodhevn, mientras que Hilary se enfocó en su carrera 47 como artista visual, hasta que en 2013 llamó nuevamente la atención con la salida de su disco de corte experimental titulado The River Cry.

Y, simplemente así, acabó todo. La historia de una banda que manufacturó –en sus propias palabras– “dos monumentos de magnificencia para el futuro placer aural y dolor de todos los próximos creyentes y escépticos de JJ72”. No hay por qué darle más vueltas al asunto. Rindamos culto a la genialidad de estos tres mártires de su propia lucha: hacer buenas canciones. Tal vez, ya lo veían venir, como Mark canta en “Oiche Mhaith”: “Cada quien tiene su razón, cada quien tiene su momento, porque nadie sabrá a dónde iremos”. M marvin.com.mx

siempre– tachada (por la old school) de inmadura y sin el conocimiento suficiente, debido al terror de que estos últimos sustituyan aquellas vacas sagradas por carne empaquetada y lista para comer. ¿Acaso no fue así como nació todo lo que adoramos hoy?

Teniendo este bagaje, quiero plantear a una banda para rendir culto. No, no es clásica; tampoco es pionera, incluso ya no existe, pero vale rescatarla porque creó música casi perfecta correspondiendo a su contexto, dirigida a una generación que no vivió los 90 y quería construir su propia historia. Estoy hablando de JJ72, un trío irlandés del que mucho se habló en su momento y que, de la noche a la mañana, desapareció, dejando en un abismo nostálgico a sus incomprendidos seguidores que esperan ingenuos algún retorno de esa banda que parece nunca haber existido. Entonces, al ser un grupo autor de dos enormes y hermosos discos y adorado por un pequeño séquito, ¿merecen ese nombramiento como “de culto”? Según la Real Academia Española, sí.

JJ72 es el claro ejemplo de que no importa la edad para crear algo sorprendente, sólo el claro objetivo de hacer buenas canciones. Y es que la historia de la banda no es nada sorprendente. 1996, Mark Greaney era el típico adolescente irlandés: escuálido, de tez blanca y pelo corto, pero sabía tocar la guitarra y, gracias a su agudo tono de voz, emitía un armónico y, a la vez, particular canto. En alguna extraviada entrevista hecha a inicios del nuevo milenio, Fergal Matthews (quien le bastó sólo una hora de clases profesionales de batería para posteriormente hacerse autodidacta) relató su primer encuentro con Greaney: “Sabía que Mark podía tocar la guitarra, y se me hizo fácil hablarle, pues siempre llevaba una chamarra que me parecía muy cool”. Las cosas no tienen que ser tan complicadas, seguro era lo que pensaban al momento de formar la banda, razón por la que tal vez eligieron de entre tantos candidatos a Hillary Woods –conocida de Mark– para tocar el bajo, a pesar de que ella nunca en su vida había tocado uno.

Dejemos la hipocresía, los tres jóvenes (que ninguno llegaba a los 20 años) se juntaron para sonar en la radio, vender muchos discos y vivir de la música. Si no, no hubiesen mandado constantemente sus demos a las radiodifusoras, revistas y disqueras. Hasta que el gran golpe llegó. Surgió la oportunidad de tocar en el Falcon, un antiguo bar en el barrio de Camdem, lo que seguía era actuar con cautela: “Sabíamos que vendrían muchos inversionistas, pero había tanta gente, que tuvieron que esperar afuera del lugar en una fila muy larga. Ése fue uno de los momentos en los que notamos que tocar en una banda podía ser un trabajo real, por supuesto, el mejor que uno puede tener”, relató Mark en los primeros años de JJ72.

Y a pesar de lo peligroso que puede ser el hacer esperar a la gente que mueve el medio musical, la banda fue fichada por Lakota Records (subsello de Sony en Dublín) a mediados de 1999. El resultado es más que conocido: un álbum homónimo que significó más de 500 mil unidades vendidas tan sólo en el Reino Unido (lo cual nos hace pensar si en realidad pocas personas conocen a la banda), apariciones en televisión y en listas de popularidad, así como una portada de la NME de

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EN CONFIDENCIAL TXT :: ENRIQUE BLANC FOT :: REG GORDON

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La imponente estructura de la Cineteca Nacional está sobre mi cabeza. Frente a mí, Julien Temple jala un cigarrillo, lo lleva hasta su boca, le prende fuego y le da una calada larga. En unos minutos, ambos estaremos frente al público que ha venido a escuchar la clase magistral que impartirá sobre su trayectoria en el marco de la muestra retrospectiva de su obra que organizan la Casa del Cine en colaboración con la propia Cineteca. No es la primera vez que departo con el cineasta inglés, a quien conocí años atrás en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara. Recuerdo haber puesto en sus manos un ejemplar del libro Paso del Nortec.

This Is Tijuana, minutos antes de que subiera al vuelo que lo llevaría de regreso a Inglaterra, con la idea de que se interesara en hacer un documental sobre uno de los engendros musicales más singulares del México contemporáneo, proyecto que nos llevó a encontrarnos de nuevo en la ciudad fronteriza, pero que no pudo cristalizar, y que aún hoy le representa un interés similar al que tuvo por Londres, Detroit y Río de Janeiro, urbes sobre las cuales ha realizado largometrajes que las describen de manera singular.

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Aquella llamada obedecía a que en 1984, Dylan lanzaba al mercado un álbum en vivo, Real Live, y quería que Temple hiciera el clip de “Maggie’s Farm”. Temple viajó a Los Ángeles con la propuesta de negociar con Dylan y éste le pidió que lo encontrase en el afamado hotel Hyatt de Sunset, una tarde como tantas otras, pero que preguntara por un nombre que no era el suyo. Siguiendo aquellas instrucciones, el inglés acudió al hotel a la hora pactada. El hombre en la recepción le dio un número de cuarto. Temple tomó el ascensor y subió hasta el piso señalado. Caminó por el largo pasillo del edificio, pensando que estaba a punto de conocer a Dylan, nada menos. Una vez que dio con la puerta debida, golpeó varias veces, pero nadie respondió. Acto seguido, notó que la puerta estaba abierta, y decidió trasponerla. Para su sorpresa, la habitación estaba vacía. Pero allí, sobre la mesa de noche, había una nota con el siguiente mensaje: “Encuéntrame en la esquina de Sunset y La Cienega, estoy en una pick up Chevrolet”. Temple volvió a la planta baja del hotel y salió a la calle, cruzó la avenida y encaminó sus pasos hacia una destartalada camioneta allí estacionada. De lejos, el conductor parecía más bien un extraño, pero una vez que el cineasta se acercó a la puerta del vehículo y miró a través de la ventanilla, vio que el hombre que lo invitaba a entrar era el mismo Dylan. Temple subió y ambos recorrieron algunas calles de Los Ángeles hasta detenerse en un café donde charlaron. El proyecto del video no fructificó finalmente, pero Temple, que años después residió en Los Ángeles, siguió frecuentando a Dylan, quien inesperadamente aparecía en su casa y lo invitaba de nuevo a subir a su pick up para pasear, y luego detenerse en algún bar donde hablar. A Dylan le interesaba producir entonces un largometraje sobre la impresionante vida del baterista de jazz Buddy Rich, músico judío al que admiraba. No obstante, dicho proyecto por distintas razones tampoco llegó a concretarse.

En su largo recorrido como realizador, Temple se ha acercado a creadores tan disímiles como David Bowie, a quien dirigió en la cinta Absolute Begginers; Tupac Shakur, con quien trabajó en Bullet; e incluso Janet Jackson –a quien produjo un par de videoclips–, y quien lo citó en su casa de Los Ángeles, junto a su hermano Michael, en otro encuentro de igual manera surrealista.

Pero la otra anécdota que recuerdo con igual asombro refiere a Neil Young. Cuenta Temple que éste adquirió un rancho en el norte de California, a inicios de los 70, cuya extensión rebasa en dimensiones el territorio de Bélgica. Para desplazarse en éste, Young tiene un ferrocarril, al cual invitó a Temple a subir con la intención de pactar con él la realización de dos videoclips. Narra Temple que el trayecto en el ferrocarril tuvo una duración de unas tres horas, durante las cuales pidió en distintas ocasiones escuchar las canciones en las que trabajaría, petición de la que Young parecía evadirse sin explicación alguna. Una vez que el tren se detuvo y que ambos bajaron del mismo, Temple se topó con un lago y una balsa en la orilla. Young le pidió que subiera a la balsa y luego remó hasta la mitad del lago. A lo lejos, Temple divisó un par de construcciones de madera, como si fueran graneros. Allí, Young agitó la mano haciéndole señales a alguien en la distancia. Sorpresivamente, de cada uno de los graneros brotaron enormes monitores. Un momento más tarde, desde éstos, surgió a todo volumen el sonido de “Rockin’ In The Free World”, aquella canción brutal del álbum Freedom, cuyo videoclip se sumaría a la larga lista de los dirigidos por el cineasta inglés. M

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ntes de iniciar la primera de sus charlas, acuerdo con él que intentaré no interrumpir a menos de que sea necesario. Temple me pide que destine parte del tiempo que disponemos –tres jugosas horas– para interactuar con el público asistente. El director de The Greatest Rock and Roll Swindle, la cinta que contribuyó a definir la estética punk, a través de ese acercamiento salvaje y elocuente que hace de los Sex Pistols, aborda la estrecha relación que mantuvo con el grupo encabezado por Johnny Rotten y cómo el azar lo llevó a que fuese él quien terminara haciéndose cargo de la cinta. A la fecha, Temple ha realizado ocho filmes sobre el célebre cuarteto.

A medida que la charla avanza, Temple incorpora algunos de los videoclips que ha realizado a través de los años. Uno de ellos es “Into The Great Wide Open” de Tom Petty, y otro más “Undercover of The Night” de los Rolling Stones. Lo más interesante de cada uno es la historia que hay detrás. Por ejemplo, sobre los Stones, narra que vino con ellos a México para producir los tres que se hicieron de Undercover, el álbum que editaron en 1983, en un momento en que el Jagger y Richards estaban en conflicto por saber quién de los dos determinaría el rumbo artístico del quinteto, disputa que Temple simbolizó en el clip mencionado cuando, al final de éste, Keith, revólver en mano, dispara en contra de Mick.

Un día antes, se proyectaron las dos cintas que perfilan a Ray y Dave Davies, los hermanos que en la década de los 60 fundaron The Kinks. Entonces, Temple habló de la extraña relación entre ambos, con quienes tiene una estrecha amistad, y del guión en el que ya trabaja para una cinta de ficción que contará sus vidas. Esa tarde, concluyó diciendo que el acercamiento definitivo entre ellos, luego de una larga temporada de distanciamiento, se dio tras la embolia que sufrió Dave y el interés de Ray por acercarse para ayudarlo a recordar cómo tocar la guitarra, habilidad que perdió tras su padecimiento.

Mucho habló Temple también de su fuerte relación con Joe Strummer, con quien primero tuvo un desencuentro tras el hecho de que él optara por trabajar con los Pistols, pero a quien luego tuvo como vecino, situación que los acercó e hizo que coincidieran en numerosas ocasiones a través de la costumbre de organizar fogatas donde departían y profundizaban en su amistad. A la muerte del otrora líder de The Clash, en 2002, Temple quiso rendirle homenaje con una cinta que recontó su vida, una de las más celebradas de su filmografía: The Future Is Unwritten. The Story of Joe Strummer. El hecho de que la mayoría de los colegas que lo recuerdan en la cinta, lo hacen alrededor del fuego, evoca aquellos momentos que ambos compartieron años atrás.

Pero de entre todas las anécdotas que brotaron de la memoria del también autor de Oil City Confidential, hay un par que me impresionó de sobremanera y que revelan la excentricidad natural con que ciertas figuras del rock asumen su existencia. Una de ellas está vinculada a Bob Dylan.

Según las narra, muchas de las historias de Temple arrancan con una llamada telefónica. El timbre suena y él levanta el auricular.

—Sí, ¿quién habla?

—Éste es Bob… —¿Bob?

—Bob Dylan.

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Y SUS ARMAS IDEOLÓGICAS TXT :: REGINA ZAMORANO LICEA

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Estás seguro de que tus ideas son tuyas. Crees que tus gustos artísticos y musicales te pertenecen. A ti nadie te ve la cara: el gobierno, las multinacionales, Obama, Televisa, tú ya te la sabes… Conoces todos sus trucos, artimañas y campañas, te dices, mientras te zampas cuatro minutos de comerciales con la mirada perdida frente a la televisión. Eres un ser libre, pensante, crítico, informado, porque manejas perfecto la tecnología y estás al día en los trending topics, ¿cierto? Me gustaría responder que sí, pero cuando te enteras de que uno de los movimientos artísticos más importantes del sigo XX fue un arma más de la CIA durante la Guerra Fría y que esto es sólo la punta de un iceberg de propaganda tan gigante que abarca desde Pollock hasta Juan Rulfo, de Jim Morrison a los Rockefeller, del MoMa al LSD, uno empieza a cuestionar las más simples afirmaciones.

EL MUSEO DE MAMÁ Pero ¿cómo fue posible todo esto? El Museo de Arte Moderno (MoMa) de Nueva York fue fundado por una de las familias más influyentes de Estados Unidos: la dinastía Rockefeller, dueña de uno de los primeros monopolios petroleros a principios del siglo XX.

El “museo de mamá”, como le decía Nelson Rockefeller, se convirtió en el amable auspiciador de varias exposiciones de arte vanguardista gringo que se llevaron a cabo en las principales ciudades de Europa a finales de los 40 y en los 50. Cuando a esto se le agrega que la CIA, el gobierno estadounidense y, por supuesto, el museo se intercambiaban personal sin problema, las conexiones resultan obvias, tal como reveló la revista Ramparts en 1967.

La investigación, que causó un escándalo entonces, informaba que la CIA había utilizado el arte moderno como arma para propagar las ideas del imperio gringo por toda Europa, con el fin de contrarrestar el comunismo de Stalin. Y en verdad, lo había hecho; con gran éxito, para entonces, nadie dudaba de que América era la tierra prometida.

“ME ALEGRA QUE LA CIA FUERA INMORAL” Después, vinieron las declaraciones de los propios ex agentes, como Thomas Braden, quien ese mismo año, en su artículo “Me alegra que la CIA fuera inmoral”, confirmó, sin pelos en la lengua, el papel de la agencia en la promoción de la ideología del Tío Sam a través del arte, la música, el ballet y los medios impresos del otro lado del océano, entre otros subterfugios.

HOLA, ALMIRANTE MORRISON Los trapitos sucios se lavan también en nuestro patio. El periodista Manuel Buendía, asesinado en 1984, afirmaba que al menos tres presidentes de México fueron agentes de la CIA. ¿Y quién le pagaba religiosamente una beca a Juan Rulfo? La Fairfield Foundation, que ya mencionamos, a través del Centro Mexicano de Escritores, con el objetivo de contrarrestar las ideas de sus colegas comunistas, como Pablo Neruda.

Asimismo, la CIA tomó gran interés en el LSD y lo utilizó en experimentos de lavado de cerebro como parte del programa MK-ULTRA, el cual desarrolló igualmente durante la Guerra Fría. Algunos investigadores aseguran que la CIA creó a los hippies para desacreditar el verdadero movimiento antiVietnam, y que varios de los músicos más famosos de la época, incluidos Frank Zappa y Jim Morrison, provenían de familias de altos rangos militares y/o muy acaudaladas. En efecto, el papá de Jim, George Morrison, era almirante de las fuerzas navales y se encontraba en las costas de Vietnam justo cuando se desencadenó el conflicto y el de Zappa desarrollaba armas químicas… Aunque quizá insinuar algo al respecto es ir demasiado lejos.

Sin embargo, uno no puede sino preguntarse: ¿qué otros movimientos artísticos, musicales, vanguardistas o no, habrá impulsado la CIA con tal de seguir engordando el libre mercado? ¿Será coincidencia que el arte contemporáneo estadounidense más publicitado y lucrativo se inclina más por hacer esculturas gigantes de perros que por cuestiones sociales? Si la libertad es un producto más que agitan frente a nuestros ávidos ojos, ¿cuál es el precio que estamos realmente pagando por esa apetecible mercancía? ¿Estás seguro de que tus ideas son tuyas?. M

De Culto Arte

GLAMOUR, SÍ. POLÍTICA, NO La historia de cómo la CIA comenzó a apropiarse del arte moderno comienza a finales de la década de los 40, es decir, al inicio de la Guerra Fría, la cual enfrentó a comunistas (especie prácticamente ya extinta de la faz de la Tierra, que vio la luz en Rusia) contra capitalistas (casi todos los demás…) por décadas, hasta la caída del muro de Berlín en 1989.

A los agentes de la recién creada Agencia Central de Inteligencia, CIA, egresados de prestigiosas universidades como Yale, les llamó la atención un movimiento artístico, conformado por artistas como Pollock, Rothko y Kooning.

Desde su aparición, en 1946, el expresionismo abstracto hizo pedacitos al realismo, y a los convencionalismos y tradiciones que dominaban el panorama del arte estadounidense hasta entonces.

Inspirados por las teorías del crítico de arte Clement Greenberg –quien difundió la idea de que el arte debía abandonar cualquier pretensión política–, estos pintores reivindicaban la libertad del artista por sobre todas las cosas y favorecían la forma, el gesto (action painting), la estética, la intuición y el instinto. Pintaban a gran escala y se autoproclamaban anarquistas y antisistema, y lo eran.

En su momento, este estilo causó verdadera repulsión, tanto en los críticos de arte, los gobernantes y el público común y corriente.

Se descalificaba por completo, tachándolo de “degenerado”.

Sin embargo, actualmente el expresionismo abstracto es reconocido como el primer movimiento artístico estadounidense que alcanzó renombre internacional y que propició que Nueva York se convirtiera en la nueva capital mundial del arte, destronando así al viejo –y tal vez demasiado contaminado por ideas comunistas– París.

Las vidas desajustadas, alcoholizadas y fuera de control de estos artistas eran la comidilla de los medios, y contribuyeron a la imagen ya bastante regordeta del “artista maldito”, que aún hoy ronda nuestro imaginario pop, inmerso en un glamour sombrío, decadente y muy cool.

Los impuestos del americano promedio se habían utilizado para promover obras que en su propio país se calificaban de “degeneradas” (una linda palabra que ha sido usada por distintos regímenes totalitarios, como el nazismo, el comunismo y el capitalismo para describir el arte de avanzada).

Los lineamientos eran flexibles, por lo tanto, difíciles de detectar. Es decir, que se podía financiar –siempre a través de fundaciones o instituciones, como el MoMa, la fundación Fairfield o el Congreso para la libertad cultural (CCF), la principal tapadera de la CIA– a cualquier artista, revista, grupo político o espectáculo, que reforzara los valores de libertad, individualidad y democracia a la gringa (Nelson Rockefeller llamaba al expresionismo abstracto la “pintura de libre mercado”).

Así, la élite estadounidense usó deliberadamente las obras, tanto de los pintores, como de los jazzistas, entre ellos, Louis Armstrong, y de la Orquesta Sinfónica de Boston, para atacar directamente los ideales comunistas, haciéndolos ver totalitarios, rígidos, represores, y, de esta manera, dejar muy claro de qué bando debías estar si te considerabas “libre pensador”.

No hay duda de que Stalin cometió innumerables crímenes contra la humanidad y que hubiera continuado hasta donde le fuera posible, pero ¿acaso Estados Unidos es una blanca paloma? Podríamos preguntarle a cualquier atenquense, chiapaneco, guatemalteco, chileno, argentino, iraquí, afgano, japonés, vietnamita… La lista es larga, y es probable que tú ni siquiera habías nacido cuando Estados Unidos ya había comenzado su plan de “salvar” al mundo de cualquier sistema que no sea el suyo.

Esto no quiere decir que Pollock ni los demás artistas hayan sido maquiavélicos agentes, o unos vendidos, muchos ni siquiera sabían que sus creaciones se estaban usando como propaganda. La cuestión es que la nación que aún lucha por ser la más poderosa de la Tierra ha llevado a cabo una cruzada para imponer su ideología de libertad, paz y transparencia con métodos nada libres, pacíficos ni transparentes, y éstos no se limitan en absoluto a las guerras. Por otro lado, su concepto de libertad se resume en buena medida a poder vender y comprar.

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uena un tanto paranoico, lo sé, pero varios de los clichés que rondan incansablemente nuestras cabezas, del tipo: “el gobierno nos manipula” o “los gringos quieren dominar el planeta”, pueden ser mucho más que un lugar común que todo el mundo manosea sin detenerse realmente a palpar.

LA ADOLESCENCIA SECRETA EN SERBIA TXT :: TOÑO QUINTANAR

El mundo es un lugar de escondites. Aquello que llamamos realidad no es más que la superposición infinita de una serie de pequeñísimas imágenes que, observadas de forma individual, se vuelven enigmas autónomos, puertas subterráneas hacia nuevas existencias que generalmente pasan desapercibidas para el ojo poco observador de nuestra sociedad.

La juventud actual, ese océano de expectativas y aprehensiones al que tenemos la osadía de llamar “adolescencia”, es una muestra de esa doble naturaleza clandestina que ostenta cada rincón de la condición humana. La directora Maja Miloš explora estas posibilidades en Klip (2012), ópera prima que nos invita a visitar ese indolente universo juvenil que los adultos no se atreven siquiera a vislumbrar.

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asna (Isidora Simijonovic) es una chica preparatoriana que vive con sus padres en una zona marginal de Belgrado, Serbia. La existencia de esta protagonista se encuentra regida por una indiferencia absoluta hacia los lazos que deberían de ser predominantes en su formación como un individuo “funcional” de su comunidad (al menos con respecto de las expectativas normalizadas que su contexto exige de ella).

La principal muestra de esto es su total y declarado desapego por su familia, institución que le parece absolutamente caduca, más por una aparente noción instintiva que por una auténtica postura existencial.

El hecho de tener que convivir con su padre, un hombre gravemente enfermo, no hace más que inflamar su desprecio por la frágil condición de aquellos que le rodean en su hogar. Jasna se desentiende de todo y de todos, sumida en aspiraciones que sólo encuentran satisfacción mediante el desenvolvimiento de su lujurioso egocentrismo.

Este rabioso desasosiego no es exclusivo del nicho familiar. Los escenarios donde se desarrolla la cotidianeidad de Jasna se ven dotados de un matiz frío y pesimista que nos exhorta a vislumbrar un intratable entumecimiento emocional.

La fotografía empleada por Miloš ayuda enormemente a reforzar esta idea, ya que la lente de la cámara se encuentra claramente comprometida con la tarea de capturar la desolación generalizada que predomina tiránicamente en cada una de las locaciones de la cinta.

Belgrado se muestra ante nuestros ojos como una ciudad fantasma que, después de haber sobrevivido a las asperezas de la postguerra, se encuentra huérfana de cualquier tipo de certidumbre, infectando el ánimo de sus habitantes con su melancolía visual. Sin embargo, esta realidad es capaz de doblarse sobre sí misma, develando un nuevo plano cuya esencia desgarradora apunta hacia nuevas probabilidades.

Una vez que ha salido de su casa con la excusa de ir a estudiar con alguna amiga, o bajo el amparo de cualquier otro pretexto casual, 52 Jasna corre a los brazos de la vida nocturna serbia, paraíso subterráneo que la espera a ella y a sus amigas con su banalidad decadente e inmediata. Es en este edén donde se verá irremediablemente atraída por Djole (Vukasin Jasnic), un violento y errático joven que la conducirá hacia una agresiva experimentación sexual completamente depurada de calidez y afecto.

Miloš no escatima en crudeza al momento de plasmar ese peligroso ambiente que los adolescentes desencantados de este nuevo siglo adoptan como el suyo. En cada uno de nuestros personajes vemos reflejadas emociones marcadamente autodestructivas, pero que al mismo tiempo sorprenden por su profunda honestidad, cualidad que las vuelve un incómodo reflejo de la realidad psíquica que predomina en múltiples naciones del planeta.

La única expectativa que Jasna alberga es la de escapar de su hartazgo anímico a través del placer, mismo que es procurado a través de distintas vías que van desde el alcohol y las drogas, hasta el gozo efectista que descubre después de comenzar a grabarse con su celular mientras realiza múltiples y variadas actividades eróticas.

FICHA TÉCNICA: Título: Klip Dirección: Maja Milos Año: 2012 País: Serbia Reparto: Isidora Simijonovic, Vukasin Jasnic, Sanja Mikitisin.

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siempre. Ese universo oculto de fiestas y ángeles perversos habrá de serles arrebatado algún día.

A pesar de la rudeza con la que Klip aborda los conflictos y aprehensiones de la juventud actual, la finalidad de Maja Miloš no es la de presentar un filme de carácter moralizante. La verdadera trascendencia de este trabajo radica en su naturaleza casi documentalista, rasgo que, lejos de buscar un sensacionalismo pueril, nos empapa con las virtudes de su realismo certero e incendiario, mismo que es capaz de impactar por la intensidad lacerante de su discurso y no exclusivamente por el alto contenido sexual de su estética.

Las conductas de los muchachos protagonistas de esta cinta, hábitos que permanecen completamente desconocidos para sus familias debido a su carácter licencioso, no son más que el resultado de un contexto que se ve francamente superado por sus limitaciones, situación que lo torna estéril e irrelevante.

No debe de extrañarnos que la juventud, agobiada por la contradictoria obligación de indexarse en una sociedad que no le ofrece nada, se vea forzada a construir un nuevo código de afectividades, basado en la obtención del éxtasis inmediato y sin compromisos.

Al igual que el resto de las generaciones de adolescentes que han poblado los cinco continentes del planeta a lo largo de la historia de la humanidad, aquella que nos presenta Maja Miloš sólo pide una cosa: su derecho a perseguir una tentativa de felicidad, aun cuando ésta venga acompañada de efectos inéditos, capaces de transgredir los valores que sus padres, y los padres de sus padres, siempre imaginaron como ídolos imposibles de abatir. M

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Es precisamente en este fetichismo postmoderno, tan propio de las nuevas generaciones, en el que encontramos el aspecto más analítico de esta cinta. Klip es un vívido retrato de la relación que prevalece actualmente entre la globalización y la emotividad vivencial. El mundo sólo parece mostrar sus verdaderos matices cuando éste es documentado imparcialmente a través de las grabaciones amateur de nuestra protagonista. Todo se vuelve un asunto vago, carente de substancia; lo único que importa es capturar el momento, salvar su existencia para la posteridad, ya que, de otro modo, sería como si éste jamás hubiera existido.

El grabarse a sí misma resulta ser el ejercicio hedonista por excelencia, una auténtica reinvención mecánica donde la personalidad puede ser construida de forma híbrida, volviéndose un objeto más dentro de ese superfluo escaparate que resulta ser la convivencia de nuestros tiempos. Esta declaración se vuelve francamente perturbadora cuando observamos con atención los vicios que han surgido a partir de la cada vez más profunda intervención de la tecnología en la sociabilidad humana.

La tajante apatía que gobierna la psique de los protagonistas no los salva de asuntos tan duramente terrenales como son la debilidad, el abandono y la muerte.

Estas ansiedades se encuentran presentes en cada esquina y el egoísmo de nuestros actantes sólo vuelve aún más dolorosa la llegada de una realidad implacable que, como una tragedia a la que no se puede ignorar, invade su mundo de manera abrupta, confrontándolos con emociones descarnadas que habían jurado jamás padecer.

Una terrible noción brota en medio de este fluir de sensaciones encontradas: la adolescencia no durará por

ALIMENTO PARA CONSPARANOICOS TXT :: ALEJANDRO MANCILLA @NOSOYMODERNO

No es un secreto que Inglaterra está exportando series grandiosas y que, sin chocar de frente con las fórmulas estandarizadas de ya saben quién (aunque los de las barras y estrellas también hacen cosas increíbles cuando se lo proponen), han alcanzado momentos delicatesen en el pasado reciente. Podemos mencionar producciones que en México son más bien deleite de algunos cuantos, por ejemplo, la epopeya de anti-superhéroes juveniles Misfits, la genial actualización no oficial de Dimensión Desconocida de la era cibernética: Black Mirror; o la casi olvidada y más lejana saga policiaca de viajes en el tiempo que fue Life in Mars. Pues bien, el tema de las conspiraciones, tan recurrente en clásicos americanos como X-Files o Fringe: La Gran Conspiración, toma un nuevo giro más moderno y menos solemne con Utopia, serie que es como un oasis para los consparanoicos más aferrados y un coctel de dinamita para quienes son fans de las propuestas novedosas con aire independiente y no necesariamente clavados en teorías alarmistas.

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í, su puesta en escena con influencias de Danny Boyle, el cine de serie B, el antiguo MTV y los momentos más lúcidos de Lynch, no deja fuera ninguno de los leitmotiv que pueblan el universo de las conspiraciones actuales, pero gracias a un guión ambivalente, es apta para todo mundo, hasta para quienes creen que a Kennedy lo mató un tirador solitario o que lo de la Torre de PEMEX fue un accidente.

Olvídate de los aburridos ovnis e interminables historias de nunca acabar; olvídate de tipos perdidos en una isla con claves que nunca resuelven nada, en Utopía todo es vertiginoso y las vueltas de tuerca adquieren otra dimensión al unificarse de manera inteligente a favor de un buen guión que, a pesar de retomar por momentos elementos clásicos del cine de intriga y suspenso, no recurre burdamente a clichés calcados. Y es gracias a esta dinámica de cómic y a una fotografía destacada que por momentos hace pensar que Wes Anderson está dirigiendo de manera anónima un thriller de sci-fi en tonos amarillos, que Utopia atrapa desde el primer momento.

Y eso que no hemos dicho de qué va: un grupo de inadaptados se reúnen para tratar de descifrar los códigos secretos contenidos en una novela gráfica llamada “The Utopia Experiments”, escrita por un científico demente, y que contiene revelaciones misteriosas a través de Mr. Rabbit, una especie de conejo híbrido diabólico (referencia u homenaje a Donnie Darko, la cinta de culto de 2001). El libro que está en manos de uno de los protagonistas, ha predicho terribles sucesos de repercusiones catastróficas a nivel mundial, por lo que tras establecer contacto en un foro de Internet, esta pandilla de frikis debe luchar por revertir ese repulsivo plan que parece destinado a cumplirse (sí, como agenda Illuminati). Este grupo de héroes atípicos está integrado por Jessica Hyde (Fiona O’Shaughnessy), una suerte de súper-mujer (y muy atractiva) que, además de guardar muchos secretos, vive en constante peligro al ser perseguida por una sociedad secreta corporativa; Becky (Alexandra Roach), una chica desconfiada que busca saber la verdad sobre agobiantes sucesos de su pasado; Grant (Oliver Woollford), un niño de 11 años al que eventualmente acusan de planear un asesinato masivo de estudiantes en su escuela; Ian (Nathan Stewart-Jarrett, también actor de MIsfits), un experto en computadoras que se convierte en perseguido casi accidentalmente, y Wilson (Adeel Akhtar), un personaje que es un verdadero tributo a los consparanoicos: raro, desconfiando, con un solo ojo en determinado momento de la serie (sí, saquen sus propias teorías) y seguidor convencido de la veracidad de todas las teorías de la conspiración que inundan la red y las revistas anti-NWO.

Pero toda historia que se precie de ser interesante debe contar con unos antagonistas de altura… ¿De quién huyen estos héroes involuntarios en los seis episodios que dura la primera temporada? De esa mencionada organización secreta en la que nada es lo que parece: La Red, una metáfora reloaded del Gran Hermano, una versión televisiva de las corporaciones dominando los destinos de la humanidad a través de la salud y los experimentos genéticos (curiosamente, sólo en Internet podrás encontrar esta serie). El brazo derecho de esta organización es un par de asesinos de los cuales destaca un misterioso tipo con extraños poderes (“Raison Boy”) del que poco a poco se irán develando secretos, pero que sin lugar a dudas es el tipo más frio e inexpresivo que hemos visto en T.V. en mucho tiempo; y en eso reside su carisma, en esa arrogancia extraña que irrita y en la ausencia de emociones que nos hacen sentir vulnerables.

Televisión

La serie creada por Dennis Kelly (quien se ha desarrollado sobre todo en teatro) para Channel 4, se estrenó en 2013 con un buen recibimiento de la crítica y el público en su país, aunque no exento de polémica, ya que sus principales detractores alegaron violencia innecesaria, el uso incorrecto de menores en situaciones extremas, apologizar a los grupos subterráneos de creyentes en conspiraciones y de satanizar al gobierno y corporaciones y, por si fuera poco, hacer una crítica directa al sistema de salud y a las vacunas, aumentando la paranoia reciente sobre su supuesto uso con fines de control poblacional. Lo cierto es que de algún modo, la serie le da cierto glamour al tema, lo saca de las catatumbas presentándolo como un producto light de buena manufactura que sí, trivializa esas teorías secretas, pero que al mismo tiempo las pone en la mira de quienes piensan que una vida normal es que te sucedan cosas como de un capítulo de How i met your mother?

Originalmente creada como una serie unitaria y concluyente en una sola entrega de tan solo seis episodios, la serie acaba de estrenar una segunda parte que es en realidad una precuela sobre los sucesos que desencadenaron esta crisis distópica, en la que además no mencionamos a los otros protagonistas: niños índigo, prostitutas infiltradas, políticos chantajeados, asesinatos en masa y demás elementos divertidamente perturbadores. Por cierto, que el mismo tipo que nos legó cosas como Seven o The Fight Club, David Fincher, hará una versión estadounidense muy pronto. Mientras tanto, vale la pena sumergirse en la vorágine de entretenimiento con signo de sospecha que provoca la serie en su versión inglesa original. M

FICHA TÉCNICA: Título: Utopia Creador: Dennis Kelly Año: 2013 País: Reino Unido Reparto: Fiona O’Shaughnessy, Adeel Akhtar, Paul Higgins, Nathan Stewart-Jarrett, Alexandra Roach, Oliver Woollford y Neil Maskell.

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IDENTIDADES OCULTAS

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“Nací en los suburbios de Chicago, en donde la vida era muy idealizada: el hogar debía ser un lugar de perfección y armonía, libre de la cruel realidad de la ciudad, de la violencia o el desorden, en donde las cortinas y el sofá hicieran juego; la gente era normal sin pequeños y oscuros secretos. Actualmente, muchas mujeres se encuentran en esta posición, silenciosas entre las labores de la casa y la familia, creando belleza y orden a partir del caos, sin saber nada del mundo exterior, sin conocer a otra gente a su alrededor, incluso a ellas mismas. La perfección entre objeto-espacio llega a convertirse en un tema tan importante, que la propia identidad se fusiona hasta desaparecer, se vuelve invisible. Creo que todo el mundo tiene un lado secreto formado por tradiciones personales, recuerdos e ideas que están vestidas del mundo exterior. El cultivo de estos mundos psicológicos, emocionales e intelectuales es, quizá, nuestro mayor reto como personas, de dónde venimos o dónde vivimos. Estoy creando fotográficamente mundos que desacreditan, critican y satirizan estos mitos de la perfección claustrofóbica”. M

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OTRA PERSPECTIVA DEL CONFLICTO SOCIAL Y ARMADO

TXT:: ÓSCAR G. HERNÁNDEZ

Cómic y narrativa dibujada

La persecución de judíos iniciada en alguna de las eras que, sin duda, a ninguno de nosotros correspondió vivir, ya sea que tales ataques hayan sido realizadas por Tutankamon, la inquisición, o por los nazis, seguirá siendo tema para las generaciones de los siglos venideros. El secreto conspirativo para eliminarlos, suprimirlos, borrarlos del mapa, hacerlos desaparecer… surgió ya desde hace unas décadas, pero el tema continúa expandiendo su eco.

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Aunque fue por demás expuesto que todo era una invención, alucinación y una enorme ficción para hacer creer a las grandes masas –que se lanzaron con ferocidad y vileza contra una comunidad de ideas distintas sobre la vida y algún dios–, el impacto que todo esto causó en la historia de los humanos tiene una resonancia que llega a niveles enfermizos.

El conflicto palestino-israelí es quizá la muestra viva y latente de lo que ocurrió en la Segunda Guerra Mundial. La nación judía fue creada y armada hasta los dientes para defenderse de cualquier posible conspiración y/o persecución posterior. La ironía de todo esto radica en que esa comunidad antes masacrada ahora actúa de manera similar a los persecutores de sus ancestros.

Existen varias novelas gráficas que abordan este tema, pero es el Maus de Art Spiegelman la obra que nos da un testimonio brutal y personal de lo que ocurrió en ese momento; Spiegelman muestra el sufrimiento judío llevado al extremo por los nazis, y lo hace construyendo una narración en diversos niveles que van de lo autobiográfico a la ficción plasmando página por página todas las torturas y humillaciones sufridas por los judíos de mediados del siglo pasado.

Para los grandes críticos, Maus es uno de los pilares de la novela gráfica contemporánea; multigalardonado y referencia histórica del noveno arte y ahora también referencia en la historia del arte contemporáneo.

Será otra obra del arte secuencial la que muestre la continuidad del eco en la historia del pueblo judío, pero ahora desde una posición en que son judíos no errantes e hiperarmados. Es Palestina por Joe Sacco también multi premiada y considerada esencial en la narrativa gráfica de este siglo. Es interesante observar que de entre todas las artes, la que dará pie para tomar el tema de la comunidad judía desde otro ángulo, lanzar el debate y poner el dedo en la yaga, ocurrió en el terreno del cómic.

El sufrimiento de los judíos durante el Holocausto ha sido tratado por una cantidad significativa de películas y obras literarias, una suma considerable de ellas esta catalogadas como grandes obras artísticas. Pero hasta ahora, el cine y la literatura no han ofrecido una obra importante que dé cuenta del proceso de transformación del pueblo israelí de oprimidos a opresores capaces de recrear y mejorar varios de los actos sufridos por sus antepasados.

Es el álbum Palestina de Sacco, que expondrá de manera soberbia la cara maniática del gobierno israelí, la lectura de este cómic nos traslada de forma vivencial para sentir e identificarse con los horrores vividos por el pueblo palestino. Viñeta por viñeta, veremos la elaboración de una obra considerada como uno de los relatos más impactantes de lo que ocurrió en los territorios ocupados. Sacco desarrolla una obra integral y honesta que concuerda en total armonía con contenidos que van a la par del estilo gráfico de los Comix.

El álbum de Sacco se ganó de inmediato la consagración, no sólo por su número de lectores o por dar voz a los palestinos, sino que más allá de todas las virtudes plasmadas en su trabajo, es considerado como el padre fundador del comic-periodismo; corriente de la narrativa gráfica que ha puesto en alto lo que para muchos es una de las máximas expresiones que ha alcanzado el llamado periodismo literario. Este hecho marca el regreso de los grandes corresponsales capaces de hacer crónica e investigación cómo sólo el periodismo puede lograr y hacer sentir.

Maus y Palestina ganaron su lugar en la historia del arte, comparten muchas cosas en común; la principal quizá sea narrar en viñetas los episodios más abominables de la especie humana que coinciden en las dos caras de una comunidad que fue brutalmente masacrada en nombre de una ideología nacionalista e imperial que promulgaba su divinidad y superioridad sobre el resto del mundo. La broma, la ironía, el chiste malo o quizá la muestra de la imbecilidad mayor de nuestra especie, es repetir las ideas y los horrores sufridos para hacerlos vivir a otros; a otra comunidad que por igual tiene ideas distintas sobre la vida y algún dios. Todo en pos, una vez más, de un nacionalismo, una bandera y una superioridad vil y sin razón. M

GUY DELISLE

Crónicas de Jerusalem Astiberri Ediciones Premio al Mejor Álbum en el Salón Internacional del Cómic de Angoulême 2012 Crónicas de Jerusalem se ha colocado como uno de los comics de viajero más aclamados por los adeptos al estilo autobiográfico. En esta novela gráfica, Delisle nos muestra el cotidiano de un hacedor de cómics en la llamada ciudad santa. Lo que encontraras aquí es una manera clara sin complicaciones y limpia de lanzar otra óptica al conflicto palestino-israelí.

Notas al pie de Gaza Mondadori Editores Premio Eisner 2010 mejor autor no ficción En este álbum, Joe Sacco entra a las zonas ocupadas con el objetivo de rescatar del olvido una importante masacre de palestinos perpetrada por el ejército israelí en 1956. Una vez más despliega todo su talento como periodista y dibujante para demostrar por qué es considerado el rey del cómic-periodismo.

Cómic y narrativa dibujada

JOE SACCO

SARAH GLIDDEN

Una judía americana perdida en Israel Norma Editorial Premio Ignatz al mejor nuevo talento 2008 Otro álbum autobiográfico de viajero donde una mujer busca resolver de manera personal su posición frente al conflicto entre árabes y judíos. Probablemente, de las obras más coloridas en trazos y fondos, aunque de contenidos muy reflexivos que abordan el hecho de poner en duda el simplismo de judío malo y árabe bueno.

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ALEJANDRA ESPINO Los cómics de Alejandra Espino exploran una variedad de temas, que van de lo femenino a los conflictos de género y el amor a través de la ficción. Es parte de la primera generación de la disciplina de narrativa gráfica por el FONCA. Actualmente, trabaja en su primer proyecto de novela gráfica. Ha colaborado en antologías como There’s only Alice... (en homenaje a Lewis Carroll), Keret en su tinta (Ed. Sexto Piso) y Planet Western, este último del colectivo de historieta de autor Internauta Cómics y del cual es miembro y fundadora.

Blogs: http://alejandraespino.wordpress.com/ http://loscomicsdealejandraespino.wordpress.com/

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Twitter: @ComandanteA

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LA INCREÍBLE Y TRISTE HISTORIA DE UN RECINTO Y SUS BANDAS DESALMADAS TXT:: ARTURO J. FLORES

El 14 de septiembre de 2015 cumpliría 30 años el club de música en vivo más paradigmático en la historia de México.

Levantado tras un incendio en el que murieron 12 personas, por su escenario desfiló la totalidad de las bandas de los 80, 90 y los músicos que hoy protagonizan la escena. Pero hubo detrás una historia de sangre, acusaciones de tranzas, palomazos, sexo y hasta fantasmas.

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urioso porque le habían inflado la cuenta, el 14 de junio de 1980 Víctor Rodríguez Becerra salió en busca de venganza del Cabaret Casino Royal, antes Terrazza Cassino, ubicado en la esquina de Pensilvania e Insurgentes. Estaba borracho. Llegó hasta su automóvil, abrió la cajuela y extrajo un bote de gasolina que siempre traía por si acaso. No hay derecho de agriarle la fiesta a un funcionario como él, pensaba el jefe de compras de la Secretaría de Programación y Presupuesto en el sexenio de José López Portillo, mientras esparcía el líquido inflamable por la entrada del número 953 de la avenida más larga del DF. Acto seguido, a la usanza de las películas de acción, sacó un fósforo de su bolsillo y contempló complacido el poder infinito que contenía la diminuta flama. Echó una mirada hacia el bar, donde la gente bailaba y reía ajena a sus intenciones, igual que lo había hecho él antes de que le sobraran de más. Después, sencillamente echó el cerillo al piso. “Light my fire”, como en la canción de The Doors, que habían tocado a unas cuadras en 1969.

“Decían que se aparecía un niño, el hijo de una de las mujeres que murieron en el incendio. Yo lo vi una vez”, me cuenta Tony Méndez, quien fuera propietario en dos periodos de la historia de Rockotitlán, el bar que se levantó donde fallecieron 12 personas en la tragedia del Casino Royal.

Rockotitlán se convirtió en un punto de encuentro para las bandas mexicanas nacidas en la década de los 80 y 90. Tuvo como antecedente a La Rocola (Miguel Ángel de Quevedo 609, Coyoacán), en el que Botellita de Jerez actuaba como grupo residente. Al cerrarse, los

hermanos Sergio y Fernando Arau, guitarrista de la mencionada agrupación y ex integrante de Los Cachunes, respectivamente, rentaron el local en el que alguna vez Jim Morrison, borracho y sin guarura, fue a ver tocar la guitarra a Javier Bátiz.

“Los socios de Rocko éramos los Botellos, a mí me tocaba como el 6% del lugar; a Paco (Barrios, “El Mastuerzo”) le tocaba un poquito más porque le entró a la administración.

También estaban Salvador Arias, socio de Fernando Arau; no me consta, pero decían que era prestanombres de (Emilio) Azcárraga, y Eduardo Gamboa, productor de Botellita”, comenta Armando Vega-Gil, el bajista.

Quizá lo haya sido, porque Tony Méndez, que estuvo cerca del proceso como guitarrista de Kerigma, la banda que junto a Botellita inauguró el escenario de Rockotitlán la noche del sábado 14 de septiembre de 1985, menciona: “No recuerdo su nombre, pero estaba asociado un güey de Televisa”.

Dato curioso aportado por Vega-Gil, a esa inauguración acudió hasta el célebre cantante obeso que se anunciaba como “150 kilos de rock”.

Poco después de la apertura, el 19 del mes, un terremoto de 8.1 grados devastó a la ciudad. Lo inevitable fue que se abrió un espacio para el rock que en un arranque de nacionalismo impuso en sus contratos a bandas como Dangerous Rythym o Kenny and the Electrics que se anunciaran como Ritmo Peligroso y Kenny y Los Eléctricos, además de cantar en español.

“Había una cláusula que decía al pie de la letra que sólo Javier Bátiz podía hacerlo en inglés”, rememora Vega-Gil.

QUISIERON SER ALCOHOL Reconstruir la historia de Rockotitlán equivale a zurcir una lona de circo con parches. Además de algunos artículos periodísticos, un texto redactado por Tony Méndez sin fechas exactas, el resto se compone de los recuerdos que cada uno de los involucrados guarda, aunque, a menudo, no estaban en sus cinco sentidos.

“Hay gente que decía que yo parecía un ser muy místico”, dice Gerardo Montagno, quien fuera programador de Rocko y, además, autor del Mural del Rock Mexicano que adornaba los muros del bar, “yo era todo lo místico que se puede ser después de meterte litro y medio de tequila almendrado”.

Pero Rockotitlán redefinió no sólo la vida nocturna de los fans mexicanos del rock, sino hasta los procederes de la industria. Para pisar su escenario, las bandas tenían que vender boletos, como prevalece hasta hoy en algunos foros.

“Se me hacía un agandalle”, reconoce Ayelén Hernández, que entonces trabajaba como publirrelacionista del bar, quien también vio fantasmas en su interior y que después se convertiría en manager de Paté de Fuá, “pero eran las bandas que tocaban los jueves o domingos. Los viernes y sábado, nunca”.

Méndez, a quien sus detractores llaman “Tony Vendes”, se justifica: “Los domingos yo arrendaba el antro a otras personas, ellos sí obligaban a vender boletos a las bandas, uno de ellos sigue viviendo así. Lo que yo hacía era prevender ciertos eventos. Algunos grupos me pedían que les vendiera 300 boletos por adelantado, y entonces los dejaba tocar en un día fuerte. Con esos 300 salía para pagarle a Caifanes”.

A ROCKEAR, SEÑOR PRESIDENTE

Reportaje

Sin embargo, a Rockotitlán lo distinguió la espontaneidad con la que trabajaba, ajeno por completo a las “formas” y protocolos de la industria. Gente como Adrian Belew (King Crimson) acudía sin “label managers” de por medio a ver a Santa Sabina, porque le gustaba la forma de tocar del baterista Patricio Iglesias. Sabo Romo y Alfonso André (Caifanes), quienes se unían a Lino Nava (Raxas, posteriormente La Lupita) para interpretar sin haber ensayado un concierto homenaje a The Police. Javier de la Cueva, padre de Jay (Moderatto), orinó en la puerta del bar en medio de una juerga –según recuerda Méndez– y Eric Burdon (The Animals) subió al escenario a acompañar a Piro (Ritmo Peligroso), sin que algún ejecutivo discográfico se escandalizara por ello. Charly García tocó enyesado del brazo y bajó a Kenny del escenario porque no se sabía las canciones del argentino.

Tony recuerda muchas otras historias. El ex presidente Carlos Salinas acudió una noche con todo y Estado Mayor “para saber por qué el bar le gustaba a su hijo”. Otros políticos que bebieron cerveza de pie, porque Rocko carecía de sillas, fueron Cuauhtémoc Cárdenas, Alejandro Encinas y Amalia García.

“Hasta (Ernesto) Zedillo tocó en Rocko. No recuerdo cómo se llamaba su banda, pero él era guitarrista. ¡Sonaba horrible! Yo fui el culpable de se volviera presidente porque le dije: ¡Mejor dedícate a otra cosa!”

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UN HÉROE IMPIDE EL SILENCIO “Uno de los toquines más exitosos fue el de Héroes del Silencio en 1994. Me llamaron de su disquera para pedirme una fecha, porque en México según no eran muy conocidos ni los tocaban en la radio. Cuando llegó el día del concierto, la gente formada le daba la vuelta a Insurgentes”, evoca Méndez.

Casi a punto de salir a escena, la presentación se canceló, “porque Bunbury se puso pedísimo una noche antes y se quedó sin voz. Obligué al manager a subir al escenario, con el antro lleno, para explicar que la tocada se repondría 15 días después, y aunque me rompieron algunas mesas y ventanas, no pasó a mayores”.

Sin embargo, la historia no acabó ahí, “el domingo que si tocarían, después de recorrer otros antros, llegó el inge, Tenoch, a conectar todo y me dijo: ‘Tony, no es por intrigar, pero supe que los Héroes se van hoy de México’. ¡Otra vez tenía yo a la gente formada varias cuadras sobre Insurgentes! Tuve que averiguar en qué hotel estaba la banda y amenazar a su manager con echarles a Gobernación si no tocaban, para que no los volvieran a dejar entrar a México por incumplir un contrato. Al final, tocaron. Lo peor es que el manager se los quería llevar para que estuvieran en un programa chileno tipo Siempre en Domingo”.

En el disco Héroes del Silencio Tour 2007, grabado en el Foro Sol, Bunbury menciona antes de interpretar “Apuesta por el rock and roll”: “Nosotros venimos de tocar en los clubs de rock and roll del DF, empezamos tocando en El Antro, tocábamos en el Rockstock, en Rockotitlán. Les debemos mucho”.

A poco estuvieron de que no fuera así.

DONDE MANDA CAPITÁN, NO GOBIERNA MURALISTA

Reportaje

Gerardo Montagno es el artista plástico a quien se le debe la creación del Mural de Rock Mexicano, en el que inmortalizó a 36 personajes recurrentes en la programación del bar. Sobresalen Saúl Hernández y Alfonso André (Caifanes), Paco Huidobro y Leonardo de Lozanne (Fobia), Lalo Tex (Tex Tex), Rita Guerrero y Poncho Figueroa (Santa Sabina), Rubén Albarrán (Café Tacvba), Paco Barrios (Botellita de Jerez), Kenny Avilés y Cecilia Toussant, entre otros.

“Puse a Tony Méndez porque era el dueño, pero ignoro por qué no pinté a Ansia, que fue la banda que tocó en la inauguración del mural, junto a Raxas”, reflexiona Montagno (ésa tuvo lugar el 1 de diciembre de 1990), “mucha gente pensó que la pinté en blanco y negro porque era muy darky, pero no, en realidad responde a que por esa época atravesaba una fuerte depresión. Por aquellos días, Saúl (Hernández) y yo éramos muy allegados y los días se nos iban en emborracharnos y llorar por nuestras viejas”.

Montagno siguió como programador del lugar algunos años, consiguiendo que, por ejemplo, Café Tacvba fuera abridor de El Tri o Masacre 68 de Caifanes, hasta que renunció, aburrido del giro empresarial que Méndez insistía en darle al antro.

Me fui de viaje, y a mi regreso, Tony me dijo que me llevara el mural porque lo iban a desarmar para remodelar Rocko.

Pero ¿a dónde, si yo vivía en casa de un compa? El pobre mural acabó en pedazos que se utilizaron para parchar el escenario.

Bajo ese escenario, recuerda Tony entre risas, “había unas camas, en las que unos se quedaban a dormir la peda y otros, a tirarse a la novia de algún desgraciado que esa noche la hubiera llevado a ver a una banda”.

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Hasta en las mejores familias sucede, y en la rockera no podía ser la excepción. Rocko tuvo dos capítulos especialmente negros en su historia. El primero, cuando los Arau y los Botellos se deslindaron del bar y se hizo cargo Tony Méndez por vez primera.

“Es un tipo repulsivo”, dice Armando Vega-Gil sin cortapisas “por mí, mejor ni encontrármelo”.

La controversia vino un día en que, después de ya no ser socios de Rocko, Méndez negoció con Botellita la realización de un concierto con Real de Catorce.

“Pero Tony no nos quería pagar, así que el Mastuerzo y yo nos pusimos a tocar en la fuente que había enfrente (en la de Holbein); le decíamos a la gente que no entraran porque no tocaríamos”.

Méndez tiene una versión distinta: “Los Botellos querían que les pagáramos una cantidad fija, cuando lo establecido es que las bandas se irían a porcentajes. Ya no estaba con ellos Sergio Arau, ya no jalaban igual”.

En resumen, el rompimiento fue irreparable.

Hoy, a tres décadas de su apertura, con Rockotitlán desaparecido, Méndez tiene el proyecto de lanzar una productora televisiva y Botellita reagrupada en los escenarios por segunda vez sin Sergio Arau, con quien también tuvieron diferencias Armando y Paco; cada involucrado tiene su conclusión.

“Rocko tenía un angelote, pero Tony lo bastardizó”, concluye Armando.

El aludido se defiende: “Lo que yo hice fue demostrar que el rock podía ser un buen negocio”.

Reportaje

AQUÍ SE ROMPIÓ UNA BOTELLA

EPÍLOGO Varios años después de aquel infortunado incendio en el Casino Royal en 1980, dos años después de aquel último concierto en Rockotitlán con El Tri y Kenny como estrellas y sólo 200 personas como público, el antro ya afincado en el número 2640 de Canal de Miramontes, luego de cerrar el local de Insurgentes en diciembre de 1999, un guardia de seguridad llamado Juan Sánchez Rosales, de 60 años, asesinó de un balazo en la cabeza a Alfonso Cravioto Ruiz, nieto de un famoso tenor. La sangre salpicó el pavimento a sólo unos metros de donde había sido Rockotitlán, un bar que se llamaba, como invocando involuntariamente el incendio, Humo.

Ahí no sonaba rock, sino música dance. M

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De Fondo

El péndulo de Foucault fue un experimento hecho en 1851 para ilustrar el movimiento de rotación de la Tierra. Con la ayuda de un objeto esférico fijado en una cúpula, podía observarse que éste giraba 360º sobre su propio eje tras 32 horas. El periodo varía según la latitud en la que se haga el experimento. Por ejemplo, en el Polo Norte el péndulo tarda 24 horas en girar sobre su propio eje, al igual que en el Polo Sur, aunque allí giraría en sentido contrario. El experimento demuestra un hecho de la física del cual difícilmente nos percatamos.

Pero también implica un enigma, pues si extendiéramos el punto fijo lo suficiente, éste podría también comprobar el movimiento del Sol, nuestro Sistema Solar y hasta la misma galaxia. ¿Hasta dónde se puede extender ese punto fijo? Umberto Eco, en su novela titulada igual que el experimento hecho hace 163 años, usa precisamente ese misterioso punto fijo para que de él penda la narración de su texto, que a su vez gira en torno a un misterio que desde hace siglos genera las polémicas más apasionadas y las teorías más descabelladas.

SEMBRANDO PISTAS No por nada, una y otra vez, Casaubon se ve a sí mismo como Phillip Marlowe, el investigador privado protagonista de las novelas policíacas de Raymond Chandler. El desarrollo de un método de asociación de ideas hace que Casaubon sea capaz de encontrar, o inventar, la respuesta a prácticamente cualquier enigma. Cuando su amigo Belbo afirma que su computadora, a la que ha llamado Abulafia, es capaz

DAN BROWN NO EXISTE En cuanto a la historia de los Templarios, El Péndulo de Foucault contiene tanta información de cómo se han mimetizado y reconstituido a través de los siglos, que toda la intriga de El Código Da Vinci queda explicada en menos de un capítulo. Creado 15 años antes que la novela de Dan Brown, no ha faltado el ocurrente que ha comparado ambos libros, por el tema en común. Al respecto, Umberto Eco se ha limitado a comentar, con su recalcitrante humor: “¡Dan Brown es un personaje de El Péndulo de Foucault! Yo lo inventé. Comparte las obsesiones de mis personajes –la conspiración mundial de rosacruces, masones y jesuitas–. El papel de los templarios. El secreto hermético. El principio de que todo está conectado. ¡Sospecho que Dan Brown ni siquiera existe!”.

Al final, el libro de Eco termina siendo una novela circular, que acaba justo donde empieza y en la cual, más allá de descubrirse algún secreto, se plantean montones de interrogantes. Los rosacruces, los cátaros, el Santo Grial, los sinarquistas y los Templarios con todo y su plan maestro, actúan como una intoxicante bomba de humo, que deja entrever la obsesión humana por lo secreto, lo que no puede nombrarse y mucho menos revelarse. El final trágico de casi todos sus personajes principales, constata lo peligrosa que puede resultar dicha obsesión y revela también el riesgo de creerse o tomarse demasiado en serio una mentira o una ficción, porque al final pueden convertirse en la realidad misma. M

De Fondo

JUGANDO CON FUEGO FATUO El caso es que las cosas se salen de control y lo que comienza como un juego y una especie de mofa intelectual, termina siendo una maldición que pone en riesgo sus vidas. A uno de sus dos colegas se le diagnostica cáncer justo en los días en los que se encontraban desarrollando su propia teoría conspirativa, “El Plan” como ellos lo llaman. Diotallevi, que es el nombre de este desafortunado, piensa que la enfermedad es un castigo divino por involucrarse en misterios que no son de su incumbencia y por haber creado un plan que se burlaba de algo más grande que todos ellos. El otro editor, Belbo, es igual de desafortunado, pues tras entregarse obsesivamente a la invención del Plan, perderá la vida la misma noche en la que el relato comienza, al igual que su novia. Sólo Casaubon sobrevive y suponemos que su existencia de allí en adelante estará acompañada por el delirio de la persecución y el martirio de la paranoia.

A primera vista, los personajes de la novela parecen tener poca profundidad. Su vida personal, o lo que nos dejan ver de ella, es poco relevante y prácticamente nunca los vemos retratados en situaciones cotidianas, mundanas. Pero eso habla mucho de la forma en la que se han entregado a la consecución del conocimiento, primero, y después, a la confección del Plan. De ellos, no vemos su vida social, porque pareciera que no la quieren tener. Como Casaubon, quien en plena escena de alcoba se la pasa hablando sobre el Grial, los Rosacruces y el Vellocino de Oro, sin importar que a su lado se encuentre una brasileña que ha despertado las pasiones de más de uno. Él mismo, al regresar de Brasil a Milán, percibe cómo ha dejado de convivir con la realidad por adentrarse tanto en su materia de investigación, que luego servirá para desarrollar el Plan: “Había regresado de Brasil sin saber quién era. Iba a cumplir los 30 años. A esa edad mi padre ya era padre, sabía quién era y en qué mundo vivía”.

de encontrar las conexiones más inéditas entre datos diversos escogidos al azar, Casaubon afirma que en su caso hacer esas conexiones está a cargo de Samáspade, su ordenador personal integrado, en quien confía más. El nombre elegido por Casaubon es una referencia a Sam Spade, el detective protagonista de El Halcón Maltés y varias novelas policíacas más de Dashiell Hammett, otro gran maestro del género. De alguna forma, por el suspenso narrativo y la búsqueda constante de un enigma, El Péndulo de Foucault tiene mucho del género policíaco. Y no es para menos, porque para descubrir qué es lo que hay detrás de los misterios que rodean sociedades tan secretas como la de los Caballeros Templarios, se requeriría de los detectives más finos.

Más allá de la estructura narrativa, que oscila entre el pasado y el presente, apoyándose también en los archivos personales escritos por Belbo en su computadora, la novela está dividida de forma hermética: 120 capítulos, número que se repite de forma obstinada una y otra vez durante el libro, seccionados en diez partes que llevan el nombre de las diez sefirot de la cábala hebrea, que a su vez representan los diversos atributos que El Infinito ha escogido para revelarse. Además, esparcidos entre los párrafos que narran la historia desafortunada de estos insolentes editores, aparecen docenas de citas halladas en libros de ocultismo, filosofía e incluso literatura, como la de Jonathan Swift, que hablan de conocimientos secretos y la búsqueda de la iluminación suprema. No por nada, en 1990 se editó un Diccionario de El Péndulo de Foucault, una herramienta para conocer más a fondo las referencias, nombres y fechas utilizadas por Eco. Aunque un diccionario sobre la novela podría darle mala fama (podría pensarse que sin su ayuda sería imposible entenderla), el compendio de términos y nombres resulta muy útil para cerciorarse de que tenemos en frente referencias reales y no cebos literarios, como las enciclopedias universales ficticias urdidas por Borges.

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a novela comienza con Casaubon, personaje central y narrador, escondido durante la noche de San Juan en el Museo parisino de artes y oficios. Ahí, mientras se oculta de los guardias nocturnos y espera la confirmación del plan que él mismo ha urdido, comienza la narración de su historia en una especie de reflexión sobre lo sucedido en los últimos 15 años. Durante todo el texto, la narración va a oscilar entre el pasado y el presente en el que encontramos al protagonista, al borde de la locura y preso de la paranoia más inquietante. Casaubon recuerda cómo conoció, siendo aún estudiante universitario, a dos editores de libros en Milán con los cuales desarrolló, además de una amistad basada en el gusto por los juegos de palabras y los retos intelectuales, una ficticia y sarcástica teoría conspirativa, según la cual los Caballeros Templarios planean controlar el mundo. Se trata de los Caballeros medievales guardianes del Santo Grial claro está –nada más faltaba que Eco también estuviera hablando de Michoacán–.

Escritor secreto e incendiario TXT:: NAHUM TORRES Secretos. La literatura está plagada de ellos. Secretos literarios, autorales, existenciales. A solicitud de Marvin, contacté a Alfredo Lèal (DF, 1985), narrador, traductor, ensayista y actor de doblaje. Es uno de los escritores secretos de la novísima literatura mexicana. Amplio conocedor de las letras francesas y argentinas, es autor de dos novelas: Circo y otros actos mayores de soledad (2010) y Carta a Isobel (2014), así como dos libros de cuentos: Ohio (2006) y La especie que nos une (2010), y creador de una narrativa reflexiva conformada por ecos literarios y resabios de autoficción.

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ué cuento o relato (universal) debería dejar de ser secreto para encontrar a sus lectores mexicanos?

Alfredo Lèal: Por más que me gustaría traducir, o en el peor de los casos, que otros tradujeran, a Raharimanana lo antes posible, concretamente sus “relatos” compilados bajo el título Lucarne.

Otro libro de cuentos que debería dejar de ser secreto para los lectores mexicanos es L’Opéra de Beaucaire de Jack Thieuloy. Ni siquiera los llama “cuentos”, sino “novelas”, como las de Perec. Es un libro en el que la palabra se materializa, materializando a su vez una historia, una historiografía de un mundo imposible como la que no he leído en ningún otro autor ni libro. Thieuloy es un autor fundamental para comprender esa historia secreta de finales del siglo XX. Ojalá lo lea algún editor de esos que publican cosas “raras”: le iría muy bien con las ventas... ¿Aún narran historias los cuentos?

AL: Los míos no. O no sé. Ya no sé. No es lo que me importa, al menos. Los que enseñan a escribir en los talleres de escritura creativa sí. Esos sí. Y por eso son tan despreciables. ¿Qué secreto literario sigue vigente?

AL: Uno que no tardo en revelar en mi tesis de maestría del modo en el que se debe pero que te adelanto acá: el robo que hizo Vargas Llosa del concepto de “novela total” de Romain Gary. Vargas Llosa publica una reseña sobre el Pour Sganarelle garyano y se apropia del concepto. En Gary aparece contrapuesto al de “novela totalitaria”, pero como Vargas Llosa es un totalitario decidió decir: “Novela totalizante”. Ese plagio no se lo perdono, y cuando lo vi en la FIL de Guadalajara el año pasado, quería, en la mejor tradición de Thieuloy contra Tournier, echarle catsup en la camisa. Lástima que sea un hombre que camine con satélites a los lados. ¿Qué tiene de ingrato ser actor de doblaje?

AL: Que las fans son terriblemente feas.

La música desapareció de tus relatos...

AL: No tanto, si leen con atención. Hay un pasaje importante en Carta a Isobel que se refiere a la que es, por mucho, mi canción favorita, perdón por el sintagma: “Who Can I Turn To?”, interpretada por Oscar Peterson. En la novela que acabo de concluir hay toda una parte dedicada a Peterson. Él es el que siempre me acompaña cuando escribo. Recomiendo en especial su concierto en vivo en Chicago, julio de 1961, junto con Ray Brown y Ed Thigpen, remasterizado en 1997. Pero es cierto que ya no me importa tanto la música. Tal vez se debe a que la única novela que escribí pensando en hacer literatura con la música fue un tremendo fracaso editorial: Circo y otros actos mayores de soledad. ¿Merece algún comentario tuyo la actual escena de rock mexicano?

AL: Sí, es una mierda. Hay sólo dos grupos en la historia del rock mexicano: 1) Chac-Mool (Caricia digital es un álbum al que vuelvo constantemente, a pesar de las letras), y 2) Caifanes, para mí, la mejor banda de rock de latinoamérica –sólo después de Soda Stereo–, por supuesto. El rock mexicano, comparado con el rock argentino, es nada. Recién adquirí el Artaud de Pescado Rabioso y confirmó todas mis expectativas. Además, sigo sin entender qué demonios es el “rock en español”. ¿Es Bunbury, es Cerati, es Jay de la Cueva? ¿Son todos al mismo tiempo, más: “Es que siempre estamos viviendo de noche”, esa melodía ochentera y despreciable? ¿Por qué lo escucha la gente? ¿Sólo por hueva de aprender inglés? En español tenemos géneros hermosos, perfectos, diría yo, ejemplificados con la obra de Óscar Chávez, La Sonora Santanera, Tomatito, por diferentes que puedan parecer. En la última década, en Argentina, se produjo un movimiento que no sé cómo llamar, pero que no es, de ningún modo, rock en español: Pablo Dacal, Alvy Singer, Julieta Rimoldi. Me pueden fascinar sus letras, sus armonías, su instrumentalización. M

TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO

Nació en Querétaro en 1967 y terminó con su vida en 2012. Tras estudiar letras en su ciudad natal, se movió en diminutos sellos independientes para buscar dar salida a su obra. Consiguió publicar La máquina de hacer pájaros (Herring Publishers de México, 2008) y El whisky del barbero espadachín (Urano, 2010).

Hasta su muerte trabajaba en una trilogía de ciencia ficción que incluía elementos fantásticos y literatura del absurdo. Casi al término de las dos primeras novelas, sus amigos cercanos las detallaron para publicarlas juntas a través de Tierra Adentro.

Se dice que su obra se emparenta lo mismo con Samuel Beckett que con Stephen Hawking. Un narrador alucinante para descubrir postmortem.

Libro recomendado: Meth Z

Literatura

Es un escritor y músico argentino nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1977, y acaba de publicar Electrónica (Ed. Interzona), su segunda novela, de la que se ha dicho que es un fresco de una generación, el retrato de “una forma de hablar, de drogarse, de bailar, de pensar el amor, de plantarse en la vida.

Contada desde un narrador alucinante”, según la periodista Gabriela Cabezón; y “una historia encantadora de chicos ricos que tienen tristeza, carne de Palermo cocinándose en el fuego lento del tiempo, siempre inexorable, casi siempre cruel”, en palabras del crítico Horacio Convertini.

Libro recomendado: Electrónica

A veces ni el Premio Pulitzer y el National Book Critics Circle Award facilitan el acceso a una escritora importante. Y no es que a la literatura norteamericana no se le preste importancia, el asunto para establecer verdaderos vínculos se centra en la traducción. De cualquier manera, se requiere de una pesquisa importante para dar con El tiempo es un canalla, la estupenda novela editada en 2011 por la editorial española Minúscula. Se trata de un libro ambicioso que va de los 70 hasta el año 2020 y en la que aparece un ejecutivo disquero que alguna vez fue un punk insigne –una voz en una estructura poliédrica–. Nacida en 1962 y habitante de Brooklyn, dada la calidad de su obra ha sido comparada nada menos que con Jonathan Franzen y Foster Wallace. A seguirle la pista.

Libro recomendado: El tiempo es un canalla

Primero, escribió cuatro poemarios que reunió en Barlovento, luego, se ganó un premio con el siguiente, Fantasmas esenciales. Desde el 2004 ha estado al frente del sello Lastra Editores y ha buscado también abrirse camino en Argentina publicando en revistas. El año pasado sorprendió a propios y extraños con La felicidad es un arma caliente (Librosampleados/Animal de invierno, 2013), un muy logrado libro de cuentos en el que destaca una búsqueda de lo emocional antes que de lo meramente anecdótico. Se dice que sus historias “resuenan en la música y arquitectura de las texturas”.

Libro recomendado: La felicidad es un arma caliente

Se trata de una auténtica figura de la novela negra; tan es así, que le han considerado el heredero de Manuel Vázquez Montalbán y el Jim Thompson español. El asunto es que este también poeta y crítico recién ha develado con fuerza su veta musical. El nacido en Barcelona en 1966 se fue a los barrios bajos en la novela Yo fui Johnny Thunders (Ed. RBA, 2014) para recrear un particular sueño de rocanrolero, y allí no se detuvo; hace muy poco editó un poemario con el explícito título de Rock & roll (66 RPM Ediciones, 2014). Ha logrado crear toda una épica de los outsiders.

Libro recomendado: Yo fui Johnny Thunders

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OFF THE RECORD TXT:: ARTHUR ALAN GORE Novelista, soñador y Editor en jefe de Playboy México.

Columnas

@arthuralangore

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Dos días antes de escribir esta columna, el ex baterista de Megadeth, Nick Menza, subió un video a YouTube de un supuesto avistamiento OVNI registrado en el patio de su casa en California. “Un objeto de forma triangular rodeado de unas esferas amarillas y blancas”, así describió lo que en pantalla luce como una bola blanca desenfocada. El músico se justificó diciendo que la cámara de su Samsung Galaxy 4 (en estos tiempos de branding desconfío cuando una figura pública menciona una marca, pero supongo que no era su intención hacer un comercial) tenía el zoom a todo lo que daba.

Lo que me llamó la atención es que la noticia –y el consabido video en YouTube– pasó sin pena ni gloria, cuando otrora un suceso similar hubiera causado revuelo, por lo menos, entre la comunidad metalera. Fue mucho más viral, también en quienes hacen cuernitos con los dedos el lanzamiento, responsabilidad del señor de los masajes con saiote, Cristian Castro, de un disco con guitarras trepidantes y baterías machantes. Pero de Nick Menza, nada. A su OVNI, como le pasó a su legado en Megadeth entre los avenidos hipsters, se lo llevó el viento.

¿Qué será de nuestra música cuando se acaben las teorías de la conspiración, las leyendas negras, las mentiras que de tanto repetirse se convierten en verdad?

La primera vez que estuve en Tijuana busqué como loco a Ejival, el creador de la disquera Static, decana en la producción de música electrónica, pero, además, el único mexicano que entrevistó a Nirvana cuando el grupo ofreció un concierto en la ciudad fronteriza a principios de la década de los 90. Luego de dar con él gracias al escritor Javier Fernández, autor de Señora Krupps, Ejival me platicó de viva voz que comió burritos con Cobain, el bajista Chris Novoselic y el ahora famosísimo Dave Grohl en un puesto callejero de Tijuana. Lo que no es poco: se tomó una selfie rupestre (todavía con cámara análoga) con Cobain, misma que se traspapeló entre los múltiples discos, libros y documentos que tiene en casa. No importa: yo choqué la mano que chocó la mano de Kurt Cobain.

La tecnología, sin lugar a dudas, ha mutilado nuestra susceptibilidad a sorprendernos y esta suerte de mitos alrededor de la música cada vez son menos.

Cuando yo estudiaba el último año de secundaria, WFM transmitía un programa especializado en metal llamado El cráneo. El locutor, que mucho después me enteré, era Eduardo Videogaray, utilizaba un efecto en la voz similar

ILUS :: BEATRIZ OLIVER a la forma de cantar “gutural” propia del black metal. Para Juan Carlos, mi mejor amigo, y yo, los viernes eran días de fiesta: nos encerrábamos en el Shadow blanco de su hermano mayor a escuchar El cráneo acompañados por un six de cervezas compradas de contrabando. “¿Quién es este cabrón que sabe tanto de música?”, nos preguntábamos muchas lunas antes de que Google, ese sabelotodo aguafiestas, pudiera decirnos que se trataba del compadre de José Ramón “El Estaca” San Cristóbal.

Para teclear esta columna, me comuniqué con un metalero de cepa y colaborador de Marvin, Luis Jasso “Chico Migraña”. Él fue uno de los testigos presenciales de un supuesto OVNI que sobrevoló el concierto de Pink Floyd registrado en el Autódromo Hermanos Rodríguez –aún no existía el Foro Sol– en 1994. Reproduzco sus palabras: “El Foro no existía, se construían gradas de madera tipo las que usan en los circos. La producción era, para su tiempo, brutal. Estábamos ahí, ya había empezado el concierto y varias personas miraban y señalaban al cielo. Cuando yo miré hacia arriba, había una luz que giraba sobre sí misma, y así, de la nada, de pronto, se esfumó. No fue pachequez, porque aparte de que yo no me meto nada, pues éramos muchos los que vimos ese OVNI. Yo he escuchado la historia en voz de tres o cuatro personas más”.

Secretos como éstos sobreviven gracias a los cronistas, pero en tiempos de teléfonos inteligentes y humanos cada vez más idiotas, lentamente asistimos al funeral de nuestra capacidad de asombro. En la actualidad, ¿cuáles son nuestros secretos mejor guardados? ¿Que Jonaz es el líder de Band of Bitches? Bitch, please.

Les voy a contar un último. Hace como diez años entrevisté a Chabelo (y no, no descubrí el secreto de su longevidad) para el periódico en que laboraba. Después de la charla “oficial”, el actor nos mostró a mí y al fotógrafo un video que tomó con su cámara. Se trataba de un cangrejo que había visto en la playa y que aparentemente… Hablaba. Yo lo vi y escuché, nadie me lo contó. Y sabía que algún día tenía que escribir de ello. Espero que Xavier López no lo haya borrado. Seguro, haría más escándalo que Nick Menza.M

EL CUADERNO AMARGO T X T : : PA O L A T I N O C O Escritora, editora y promotora literaria. @paolatinoco

de la cotidianidad una novela (varias) digna de leerse de principio a fin. La crítica literaria no pudo tratar este libro de diario personal convertido en novela; todo lo contrario, la elogió. La muerte del padre, el primer libro que llegó a México, se agotó en poco tiempo, aun cuando se trata de un libro de más de 600 páginas y el escritor no ha pisado nuestro país ni ha causado revuelo como lo hizo en Nueva York. Recuerdo que mi amiga Delia J. rechazó en principio Un hombre enamorado (la segunda entrega de esta saga) cuando se la envié porque las primeras páginas le parecieron el registro del día a día de un escandinavo sin chiste. Terminó enfrascada en la historia a tal grado, que espera con ansia la tercera parte. ¿Qué dice él al respecto? “Si pudiera quemar estas novelas como quemé mis diarios a los 25 años, lo haría, pero ya es imposible”.

También pensó en algún momento en limpiar su conciencia por haber revelado tantas cosas personales de sus conocidos y familiares donando las ganancias de Mein kampf a Greenpeace, pero lo consultó con su esposa y le dijo que no.

Knausgård dice que no volverá a escribir. Hasta cierto punto, no se considera escritor, pero sí sentía la necesidad de sacar todo esto de sí mismo y no esperaba que a tanta gente le gustara (y le disgustara) que lo hiciera. Recibió una enorme cantidad de mensajes de odio en Noruega y decidió irse a Suecia y comenzar una nueva vida, pero Su lucha lo persigue. Veremos si cumple su palabra de no volver a escribir. M

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ILUS :: FERNANDA COLÍN

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La ventaja: los escritores son creativos para contar una historia real o ficticia, aplican la literatura pura y dura para hacer, en ocasiones, que parezca algo distinto a lo que le contaron. La desventaja: el secreto estará al descubierto para quien conozca al escritor, o conozca la relación del implicado con él y sume dos más dos.

Los escritores no saben guardar secretos, ni siquiera los propios. Y para muestra, algunos botones; me quedo corta porque podría ir mucho más atrás en la historia de las letras, pero aquí algunos de ellos: Hanif Kureishi escribió de su relación con su padre en Mi oído en su corazón y dejó saber algunas verdades familiares que disgustaron a su hermana. Chales Bukowski escribió Mujeres (y muchos otros libros), donde hizo de las historias de sus amantes las delicias morbosas de millones de lectores. El más reciente caso de incontinencia verbal-escritural se llama Karl Ove Knausgård, escritor noruego que hasta hace cinco años era un completo desconocido. Este escritor, a quien la prensa neoyorquina llamó ridículamente el Brad Pitt de las letras por el éxito que obtuvo en su visita a esa ciudad, salió a la palestra con Mein Kampf debajo del brazo. Nada que ver con la obra de Hitler más allá del nombre. Esta otra lucha de Knausgård está compuesta por seis libros autobiográficos que le valieron una serie de premios y ganancias por la venta de casi medio millón de copias en Europa, aunque también se ganó la enemistad de una gran cantidad de gente: la mitad de su familia no le habla y perdió buena parte de sus amistades cercanas. ¿La razón? No tuvo empacho en hablar de los problemas de alcoholismo de su padre, del engorro que representó en su momento la paternidad, de los motivos por los que decidió divorciarse, de los asuntos personales de sus amigos y parientes cercanos, hasta sus diferencias con los vecinos. Todo esto para enmarcar su propia historia, a la que tampoco quitó detalles ni cambió nombres. Suena trivial, pero el talento de este escritor hizo

SANGRE DE METAL T X T: : C H I C O M I G R A ÑA Chico Migraña, metalero y ya.

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Sucede. Es muy poco común pero su existencia es la razón por la cual hay un nombre para explicarla; es una condición llamada Acrania, y significa nacer sin cráneo.

Debe ser terrible, sobre todo para los padres de la criatura que nazca así. Pero es también la denominación de uno de los grandes secretos del metal mexicano, una banda de fusión que mezcla death metal melódico con ritmos latinos y tintes de jazz. Guitarras con distorsión y voces guturales que se mezclan en pasajes de ensueño con instrumentos como trompeta, congas y saxofón.

In Peaceful Chaos fue su debut discográfico en 2007, un EP que ya mostraba lo que potencialmente podría alcanzar la banda, elementos auditivos que se solidificaron con el arribo en 2010 de Unbreakable Fury, su debutante larga duración. Son pocas en el mundo las bandas que se atreven a fusionar elementos que parecen tan disímbolos, y menos aún las que lo han hecho con elegancia y buen gusto.

El quinteto celebró la llegada de su primer disco con una pequeña gira en Alemania, auspiciados por la Wacken Foundation y le sacaron jugo. En Dresden, por ejemplo, el dueño del club donde tocaron ante un lleno total, les dijo que jamás en su vida había visto que la audiencia le pidiera otra a una banda de fuera, y no sólo eso, como apenas tenían un disco, lo que hicieron fue tocar el mismo set una vez más y aun así, enamoraron a la gente.

En 2012, con el apoyo de una beca (ganada a pulso y en concurso) de CONACULTA, Acrania editó An Uncertain Collision, su segundo LP. Excepcional en su ejecución y composición, no sólo es un disco más maduro sino una muestra desoladora de cómo el talento en México es desperdiciado. El primer tiraje de mil discos se agotó a los pocos meses y un altísimo porcentaje de las ventas recayó en países distintos al nuestro. Nada fuera de la norma, México es un lugar en el que se acostumbra a despreciar lo hecho en casa hasta que triunfa fuera, y

entonces sí, se le sigue despreciando, pero por lo menos, con la idea clara de que el objeto a denostar existe.

Es una pena, pues que una banda con estas características tenga que vivir en el subterráneo y sin poder conocer el sol. Actualmente, están en el estudio porque ganaron otra beca, ésta del FONCA, para grabar un disco nuevo. Ya con algunos años de experiencia bajo el brazo, luego de compartir escenario con bandas como Diablo Swing Orchestra y Death To All, de haber participado y llegado a la final en dos ocasiones en el concurso Wacken Metal Battle México, lo que debemos esperar de ellos es crecimiento, consolidación y excelencia musical.

Son muchas las dificultades que pasan como banda. El baterista de entrada siempre tiene que llevar tambores, atriles y platos extra de lo que normalmente ofrecen los promotores porque eesa es la única manera de darle a la gente la experiencia Acrania en su total integridad. Ganaron también un concurso de CONACULTA para poder viajar al extranjero en el lapso de un año.

Tenían la invitación del festival Italiano Total Metal para ir a tocar, pero la beca salió a destiempo. La buena noticia es que ahora pueden buscar alguna otra opción para ir a Europa, ya que los vuelos ahí están.

Pronto llegará el día en que su paso por el Viejo Continente (el público allá es mucho más receptivo a estas fusiones y en México a muchos les causan escozor) sea tan exitoso que entonces sí, en México se les valore.

Es Acrania una banda que además de la música se preocupa por ofrecer una experiencia total en torno a la banda. La mercancía es de primera calidad, las portadas de sus discos las ha hecho el reconocido artista Eliran Kantor (Atheist, Mekong Delta, Aghora, Testament, Master, Sodom) y sus presentaciones en vivo son sencillamente espectaculares. Se trata entonces de un secreto que urge deje de serlo cuanto antes, por el bien del metal en México. M

El icónico músico, actor y rebelde de la moda, Iggy Pop, diseña prendas exclusivas para la línea de ropa “The Flash Collection” de Sailor Jerry Clothing, inspirada por los legendarios tatuajes de Norman “Sailor Jerry” Collins. Este es el segundo año de la Flash Collection, cuyo debut contó con la colaboración con el artista y músico Paul Simonon de The Clash, para crear una chamarra de piel de edición limitada en 2013. Este año, “The Flash Collection by Iggy Pop” presentará tres artículos de edición limitada, entre ellos, la pieza central de la colección, un icónico chaleco de mezclilla.

Estilo y Tecnología

Parfumerie Versailles lanza Halloween Kiss Sexy del diseñador español Jesús del Pozo; una fragancia para mujeres ardientes y audaces que saben llevar las riendas. Se trata de una esencia floral, afrutada, con toques de madera que deja gusto a manzana verde, limón y zumo de melocotón; es un bouquet romántico de peonías, fresias y ciclámenes, rematadas con un fondo de madera de sándalo y musc. Es el aroma de la pasión que los hace perder a ellos.

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Como parte de la campaña “El Arte del Futbol”, Pepsi reúne a seis de los artistas urbanos más destacados alrededor del mundo: la artista londinense Hattie Stewart; Merijn Hos, artista visual de Holanda; el artista argentino Jaz; el artista visual radicado en España Zosen; el ilustrador brasileño y artista urbano Ricardo AKN y el artista urbano argentino Ever, de una manera nueva y emocionante más allá del lienzo. La colección “Vive Hoy” incluye ingeniosas patinetas de SHUT con diseños de los artistas, de las cuales Marvin tiene tres ejemplares distintos (aquí mostrados) y te obsequiaremos una si eres de los tres primeros en enviarnos un correo con el asunto “Patinetas Pepsi Vive Hoy” a contacto@revistamarvin.com.mx, con Nombre, Dirección y Teléfono, y diciéndonos quién diseñó cada patineta de la foto, en orden.

Piénsalo bien, porque ahora los teléfonos Lumia con Windows Phone tienen aplicaciones alucinantes que van a convertir tu experiencia sonora en algo completamente espectacular:

La Ultrabook Lenovo Yoga de 13,3” es lo último en versatilidad, pues combina la productividad de una Ultrabook, con la experiencia táctil de una tablet. Conviértela a los cuatro modos para aprovechar, como desees y cuando desees al máximo, las ventajas de Windows 8, apoyado con un procesador Intel Core i3. Si eres músico de laptop o simplemente amas la música que disfrutas en ella, puedes ganarte esta Ultrabook Lenovo Yoga: envía un correo con el asunto “Promo Intel” más tu Nombre completo, Dirección y Teléfono, a contacto@marvin.com.mx y con una breve historia que relate “por qué la música es tu pasión y cómo es que la tecnología (de cualquier tipo) te ayuda a llevar a cabo tus proyectos por grandes o pequeños que éstos sean”. ¡Qué esperas!

A través de MixRadio puedes “diseñar” tu estación de radio personal, seleccionando tus canciones favoritas que suenan en las distintas estaciones del radio y, además, te muestra información actualizada de los artistas y las letras de las canciones. ¿no te quedes con la duda de quién canta o cómo se llama esa canción que te encantó escuchar por primera vez!

Y si eres de los que no pueden vivir sin saberlo todo de su artista favorito, puedes seguirlo o también descubrir música nueva con Sleeve: una ventana para acceder a la información de los artistas sin necesidad de pasar mucho tiempo en Internet buscando las últimas noticias. Esta aplicación tiene comunicación con MixRadio, Last.FM, Soundcloud, YouTube, Songkick, Facebook, Instagram y Twitter, y puedes compartirla con tus amigos en redes sociales y en otros reproductores de música.

Pero si sientes que te estás quedando sin las canciones que más te gustan, Deezer lo tiene todo. En verdad, todo para que lo disfrutes exactamente como tú decidas: crea listas de reproducción de tus artistas favoritos o de las canciones que mejor suenan para cada estado de ánimo y ocasión especial; descubre recomendaciones de sonidos nuevos, escucha sus canales de radio, conoce sus gustos musicales y comparte tus “deezerlists” con quien tú quieras.

Estilo y Tecnología

De tan sólo 63gr la Action Cam Mini es la más pequeña de Sony, aproximadamente 2/3 más que otros modelos existentes, excelente para acompañarle adonde te lleve la aventura. Descubre nuevas maneras de eternizar la acción con su control remoto de muñeca Live-View con GPS, fantástica calidad de imagen con óptica ZEISS Tessar®, sensor CMOS Exmor R™ y estabilización de imagen avanzada SteadyShot™ y sus capacidades de streaming de video por Internet vía USTREAM™, a través de las cuales podrás compartir tus experiencias con los amigos de forma inmediata, con una espectacular calidad de imagen y sonido. Es una diminuta cámara de video Full HD preparada para la aventura.

Con Hey DJ! puedes acceder y controlar toda la música en la librería de tu Lumia usando la voz. Con sólo decir el nombre de la canción, artista, álbum, género o lista que quieras escuchar, la música sonará inmediatamente. ¡Es excelente para realizar actividades con las manos libres!

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La bocina inalámbrica UE BOOM de Ultimate Ears ganó recientemente el oro en el prestigioso concurso International Design Excellence Award. Éste es el primer galardón IDEA para la marca Logitech y el cuarto premio en la categoría de Diseño para UE BOOM desde su introducción al mercado en mayo de 2013.

“Nuestro objetivo era construir una bocina que cambiara el sonido estándar unidireccional.

Fue por esto que creamos un aparato que ofreciera una experiencia de 360 grados para que las personas puedan compartir y escuchar sus canciones favoritas con los amigos, tal y como se supone que la música debe ser disfrutada”, comenta Rory Dooley, Gerente General de Ultimate Ears. UE BOOM es un altavoz portable inalámbrico, equipado con características específicas que establecen un nuevo nivel al escuchar música en cualquier ambiente. Puede llevarse dondequiera, ya que cabe en cualquier mochila o portabotellas de agua, además de estar forrada con una capa que le protege contra agua y manchas.

El contacto con vida inteligente está cerca

TXT:: ARTHUR ALAN GORE @arthuralangore

Desde principios de los 90, Jaime Maussan y su programa Tercer Milenio se han ubicado en el imaginario popular como todo un referente del fenómeno OVNI. Lo ha estudiado con detenimiento y dado a conocer cientos de casos de avistamientos en el cielo y contacto con seres de otros planetas. ¿Quién mejor que Jaime para hablar de secretos?

El pilón

¿Por qué hay a quienes les interesa mantener en secreto todo lo referente al fenómeno OVNI? Jaime Maussan: Considero que en el fondo más profundo se encuentra el miedo a aceptar que existen seres mucho más inteligentes, que nadie podría defendernos de ellos porque son superiores a cualquier gobierno. Por otro lado, se debe a los cambios que un encuentro con ellos podría generar en la civilización humana. Desconocemos qué sucedería con nuestros sistemas económicos, políticos y sociales. No te digo religiosos, porque creo que, cuando menos, la religión católica se está anticipando a este cambio. Se siente muy cercano el contacto con otras formas inteligentes.

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¿Alguna vez recibiste amenazas por la información que das a conocer?

JM: No, porque ya no es necesario amenazar a los testigos o bloquear la información, como en los primeros años. El fenómeno está tan manoseado y manipulado, que es más sencillo no responder. En abril pasado, se presentaron imágenes de un objeto en Marte que fueron captadas por Curiosity. La NASA ni siquiera se molestó en explicarnos qué era. El 14 de junio, se presentó otro video en donde se ve una nave de clara apariencia extraterrestre en Marte. Uno pensaría que ante una evidencia de este tamaño algo nos deberían estar diciendo, pero no, simplemente no nos dicen nada. ¿Qué pensar de las imágenes donde se ven objetos más grandes que nuestro planeta, cerca del sol, tomando energía del sol? La NASA no da explicaciones, y cuando lo hizo, lo hizo de una forma torpe y burda. En México, presentamos un video tomado por la Defensa Nacional, en el que se veían hasta 11 objetos sobrevolando cerca de un avión, y los científicos de la UNAM dijeron que era una centella. Los medios se dieron por satisfechos y se acabó, aunque el mundo científico se levantó para decir que aquello era una barbaridad. ¿La tecnología ha sido determinante para que no se guarden esos secretos?

JM: Cuando me inicié en el fenómeno de manera profesional en 1991, me di cuenta de que la cámara de video sería un instrumento definitivo para darle la credibilidad. Hoy, cada persona con un celular tiene

una cámara de fotografías y de video, incluso en alta definición. Hay cámaras infrarrojas, de seguridad, que van al espectro de lo no visible para el ojo humano. Objetos que están ahí y no vemos. ¿Hay algún caso que te haya marcado?

JM: Es difícil elegir uno. Mañana mismo me voy a Inglaterra como cada año para sorprenderme de las marcas que aparecen en los campos de trigo. Es muy fácil para los que nunca han ido decir: “Las han de hacer unos cuates”, pero no, porque aparecen de la noche a la mañana, son perfectas, las plantas lucen peinadas. Aparecen en cinco horas en medio de la noche, ¿quién puede hacer eso? Es inexplicable. También haber visto dos seres fosforescentes el 27 de mayo de 1999 al estar investigando un caso cerca de La Rumorosa, me marcó. Podría decir muchos otros; todos han dejado huella en mí.

A la par del fenómeno OVNI, también has trabajado con ahínco el tema ambiental, también ahí hay secretos que las grandes corporaciones no quieren que se difundan.

JM: Ya no tanto. Ahora existen innumerables organizaciones civiles honestas e Internet, que nos permite estar perfectamente comunicados. Ya no hay tantos secretos. Evidentemente está el daño que le hacen algunas empresas al medio ambiente. A veces, tardamos en darnos cuenta. Sabemos que los insectos polinizadores están desapareciendo debido al uso de pesticidas, lo cual podría significar la debacle en la producción de alimentos. Es asunto de seguridad nacional en Estados Unidos.

Hace tiempo apareciste en la portada de un compilado de dance y muchos músicos, como los integrantes de Muse, que son apasionados del fenómeno OVNI, ¿Qué música te gusta?

JM: Me gusta el rock, no me atrae el hip-hop y el rap. Coldplay, por ejemplo, me gusta mucho. Su último disco me encantó. Imagine Dragons me parece una banda sensacional, aunque también escucho lo de mi época, como The Beatles. Supertramp me agrada bastante. Conozco a Muse, también los escucho. Me gusta la música cósmica, que te eleva y te hace pensar. M