Revista Marvin 101 :: Pubertad by Revista Marvin

PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com

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ECTORI R I

EDITOR EN JEFE VICENTE JÁUREGUI vicente@revistamarvin.com

CARTA TORIA DI L E

¿Qué tienen en común Atlas Sound, The Boxer Rebelion, Crocodiles, Carla Morrison y Rebel Cats? Más allá de géneros, categorías o nacionalidades, se trata de cuatro proyectos musicales que brillan con luz propia, un conjunto de músicos que desde su única e irrepetible perspectiva, apuntan hacia el futuro de manera firme y decidida. Además, se trata de cuatro headliners del #Marvin12, un festival que inició como un experimento, y que hoy repetimos guiados por la confianza y el buen sabor de boca que la primer edición nos dejó. Como anticipamos en nuestro pasado número 100, Marvin arranca un nuevo ciclo, una etapa editorial que ofrecerá sorpresas cada mes. Así, damos la bienvenida a ping pong, una sección en la que un músico mexicano, entrevista a otro extranjero. Para la primera entrega, pedimos a Alejandro Otaola que entrevistara a Annie Clark aka St. Vincent; dos guitarristas cuyo ping pong verbal fue coronado por un temblor de 6.6 grados (nada mal para comenzar, eh). Además, Marvin presenta La Tortilla, un suplemento con propuestas mexicanas de todo tipo y un formato de diseño que puedes doblar o usar como póster en tu recámara. Por otra parte, el tema de esta edición es pubertad; sí, ese periodo insufrible que aunque breve y efímero, deja huellas imborrables en cada ser humano. Entrevistamos a Xavier Velasco para que nos platicara sobre La edad de la punzada, su más reciente novela. También visitamos el Alicia, un foro legendario que dejó atrás la pubertad, ahora que cumple 16 años de rockear ininterrumpidamente. Entre todas las desventajas de la pubertad, una virtud notable es que la creatividad se torna impulsiva e ilimitada. Quizá por ello nos aventuramos a hacer cuatro portadas de colección, enfoques distintos de lo que vendrá en el festival #Marvin12, con bandas que sintetizan el carácter ecléctico de una fiesta que busca celebrar con todos ustedes, entrañables músicos y lectores.

ATLAS SOUND FOT:: MICk ROCk

THE BOXER REBELLION FOT:: ABSENTEE RECORDINGS

CARLA MORRISON F O T : : FA B R I C I O T O M É

VICENTE JÁUREGUI

CONTACTO MARVIN

Cozumel #61-4. Col. Roma Norte CP 06700. México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@revistamarvin.com Suscripciones: suscripcion@revistamarvin.com

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REBEL CATS F O T : : FA B R I C I O T O M É

MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. 4, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte / Editor Responsable Luis Vicente Jáuregui Chagollán. Edición 101 correspondiente a: MAYO 2012. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102. MARVIN es una Marca Registrada.

R TA

DA A

TLA

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BertaD

S SO UND, THE BOX ER REBELLION, CARLA MORRISON Y REBEL

16 BREVARIO. Perfiles y noticias de música, cine y arte.

MúSICA

14 COORDENADAS. Nuevos talentos musicales. 16 #NewkidInTown. Porque la moneda del hype tiene dos caras. 18 PING-PONG. La entrevista entre dos músicos: Alejandro Otaola y St. Vincent. 22 En terapia con Descartes a kant. 24 Norah Jones. Entrevista exclusiva. 25 Alabama Shakes. ¿En México por octubre? 26 Spiritualized. El esperma instantáneo. 27 City & Colour. Un infierno con olor vaquero. 28 Beach House. Dejan detrás su sueño adolescente. 30 Jack White. ¿El guitar hero que el rock & roll esperaba? 32 Fenomenología del hype. 56 DE CULTO. El verano de los chicos enojados. O de por qué el punk es el género perfecto de la pubertad.

CINE

42 Wim Wenders presenta Pina. 58 DE CULTO ¡Pubertinaje! La mala adolescencia de Eva Ionescu.

LITERATURA

44 Xavier Velasco. La edad de la punzada.

MODA

46 El placer de la inocencia.

ARTE

50 CÓMIC 52 Cinco años en un momento. 78 DE CULTO ¿Pubertos geniales?

MVN

101

COLUMNAS

62 BAJO PRESUPUESTO. Pubertad, ¿divino tesoro? Por Hugo García Michel. 62 OFF THE RECORD. Textos, brasieres y video. Por A. A. Gore. 63 HABLO PORQUE TENGO BOCA. Cómo arruinar una fiesta fresa. Por Chico Migraña. 63 EL CUADERNO AMARGO. De 12 a 16. Por Paola Tinoco. 64 Aguarraces porteñas. La tierra de la eterna pubertad. Por Rafael Toriz.

RECOMENDACIONES 66 Música 72 TV 74 Libros 78 Estilo

80 EL PILÓN. Nacho Pineda. La sabiduría de los 16.

C AT

PECTI V A

PuBerta

STEVE DIggLE (BUzzCOCkS) JUSTIN BIEBER

“Me siento como el Kurt Cobain de mi generación, pero la gente simplemente no me entiende”.

“¡Fueron buenos años esos! Tratar de encontrarle el sentido a la vida, empezar a interesarte en las mujeres y tomar una actitud de ‘fuck society!’ no tener que trabajar si no quieres (risas). Era duro sobrevivir y encontrar la felicidad, ya sabes, todas esas preguntas de ¿quién soy?, ¿cómo lidio conmigo mismo? Te cuestionas todo y al mismo tiempo es cuando descubres música, libros, cosas que te definen para siempre. Es una etapa en la que es muy difícil encontrar un lugar donde pertenecer. Yo siempre les digo a los chicos: "Toma la vida por los cuernos y lidia con eso, no física sino emocionalmente”.

gERMAINE gREER (ESCRITORA).

“Lo que deberíamos ver en las agonías de la pubertad es el resultado de la sociedad condicionando a la mujer, en orden de hacer espacio para lo ‘femenino’”.

EDgAR ALLAN POE

“La mejores cosas de la vida te hacen sudar”

EDDIE IzzARD (COMEDIANTE)

“La pubertad es lo broma más pesada que Dios no hace; de pronto comenzamos a notar a los miembros del sexo opuesto y claro, cuando queremos lucir mejor que nunca, Dios dice: ‘¡No! Te verás horrible, deforme y con barros”.

ANNIE CLARk (ST. VINCENT) “Cuando estaba en séptimo grado recuerdo que fue la primera vez que llegue muy tarde a mi casa. Regresé de una fiesta con mis amigos y entré a la casa muy despacio y sin hacer ruido, no quería despertar a mis papás, según yo era muy tarde. Lo chistoso es que casi se acababan de dormir ya que eran como las 10 de la noche”.

BOB gELDOf

“Fui muy afortunado; justo cuando salí de la pubertad el mundo se encontraba en un punto muy emociónate, la política y la música estaban completamente entrelazadas”.

JOhNNY DEPP

“La pubertad fue muy extraña. Literalmente me la pase encerrado en mi cuarto tocando la guitarra”.

BREVARIO

—MÚSICA

Miike Snow La felicidad y el afterpop pueden salvarnos

FOT

:: S ON

y M uSI C.

En pleno 2012, bien vale la pena preguntarnos acerca del comportamiento del pop con relación al arte musical. Si bien en otras disciplinas la posmodernidad es un concepto superado, poco se habla del post-pop o avant-pop en la música; una relación que sí logró entrever Eloy Fernández Porta en Afterpop: la literatura de la implosión mediática. Según este pensador español: “el establishment cultural ha inventado criterios de jerarquía generacional y cultural que legitiman cualquier producto que sea presentado”. ¿Se ha alcanzado un grado cero en las fronteras entre ámbitos estéticos y franjas de comercialización? ¿Los involucrados en crear este tipo de pop mutante distinguen separaciones o todo es lo mismo para ellos? No puedo pasar por alto que productores como Christian Karlsson y Pontus Winnberg, sean los responsables de “Toxic” de Britney Spears, dos cortes del Confessions of a Dance Floor de Madonna y parte del X de Kylie Minogue. La quintaescencia del pop más puro y duro del mercado globalizado es producido por un dueto que parece no hacer distinciones, ¿nosotros deberíamos hacerlas nosotros? Porque las dudas se agolpan al momento de escuchar Happy to You, la segunda entrega de Miike Snow. El disco es grandioso, en él convive la luminosidad del pop más prístino con estructuras plagadas de detalles interesantes. Sin embargo, surgen dos preguntas más: ¿En ambas facetas ponen lo mejor de sí mismos? ¿En dónde dirían que está su verdadera aportación a la música? Ciertamente, hay que tener pocos prejuicios y mucha lucidez para saltar de una escena a otra. Karlsson y Winnberg, se hacían llamar Bloodshy & Avant y no les iba nada mal, pero decidieron sumar a Andrew Wyatt, un vocalista norteamericano que no había tenido suerte, para formar un grupo cuyo nombre –según cuentan– está inspirado en el apellido del director japonés Takashi Miike. Tal vez los suecos lo tomaron como un divertimento, pero su primer disco epónimo (2009) no pasó desapercibido. Lo que parecía una discreta iniciativa tomó notoriedad y con ello dieron otro gran salto. Para Happy to You no sólo contaron con su gran arsenal de teclados, sino que han agregado muchas capas de instrumentos, principalmente cuerdas, vientos y detalles de percusión. Además, saben que Wyatt obtiene el máximo rendimiento de su falsete –medio en la onda de Hot Chip–. Aún con su pasado mainstream consiguieron una colección de canciones jodidamente buenas, refrescantes e imaginativas. “Devil’s Work” y “Paddling Out” son tremendas e incontestables y la edición de lujo incluye frenéticos remixes. Por su espíritu libre, la falta de poses presuntuosas y la creatividad puesta en los instrumentos de siempre, este es sin duda, uno de los mejores discos en lo que va del año. La libertad afterpop se plasma perfectamente en “Enter The Jokers Lair”, una canción que refleja la urgencia contradictoria del tiempo presente. Aunque también bajan el tempo en “Black Tin Box”, para invitar a su compatriota Lykke Li. Ni duda cabe: los suecos imprimen una sensibilidad peculiar a lo que hacen y junto a sus vecinos escandinavos mantienen a la electrónica vigente y en evolución. Tan es así, que Happy to You fue editado por su propio sello discográfico, INGRID, fundado junto a Peter Bjorn and John, Lykke Li y Dungen, estrellas nativas de aquellos lares.

Con Happy to You, Miike Snow hace de la fiesta una cosa infinita, ya sea desde un rave atascado de gente o en un club pequeño, donde la gente bebe y baila a través de frecuencias pop, rock, electro, dance, trance o psicodélicas.

Pubertad

BREVARIO

—MÚSICA

inCUBUS Siempre quise ser un íncubu para meterme en tus sueños. En la secundaria soñaba con estar en la mente de tres chicas, las mismas que hicieron ver mi suerte durante la adolescencia. A esa edad, me iba a dormir con la idea de transformarme en esos espíritus que, según la mitología griega, seducían a las mujeres mientras dormían. un íncubo, pues. “Sólo dos adolescentes, tú y yo, me hacen sentir mucho mejor” canta Brandon Boyd, el vocalista de Incubus en “Adolescents”, que fuera primer sencillo de If Not Now, When?, el más reciente disco del quinteto originario de Calabasas, California, lanzado el año pasado. ¿Qué ToCAn? Mientras le echo una nueva oída al disco, que sirve de pretexto para que Incubus se embarque en una gira junto a Linkin Park este verano, regreso a ese frustrante capítulo de mi adolescencia. ¿Por qué? Porque me parece tan paradójico que un grupo que alcanzó semejante estatura de madurez musical, realice ahora un álbum que rinde homenaje a la adolescencia. Pero, ¿qué carajos toca Incubus? Creo que de todo, desde rock hasta jazz, pasando por blues, metal, hip-hop y, hasta toquecitos folclóricos (me consta porque una vez entrevisté al baterista Jose Pasillas y me dijo que era fan de la música norteña). No lo digo únicamente por la elegancia, sutileza y hermosura de cada uno de los cortes y de sus melodías (“Nena, ¿puedo ser un conejo en tu sombrero?”, dicen en “Promises, Promises”) o por el efectivo fraseo poético que Brandon (“He visto la concha de porcelana, tu exoesqueleto”, canta en “Friends and Lovers”), sino por la portada que ilustra perfectamente lo que la adolescencia representa para el ser humano: transitar en una cuerda floja con la esperanza de no caer al abismo.

Mike Einziger comentó que sería buena idea correr a Brandon de la banda para contratar a un tipo enorme, gordo y feo, y así gustarle a la critica.

Pubertad

Déjà vu En EL AzTECA Aunque el título del disco es una referencia religiosa, Brandon comentó que en realidad habla del amor. Del amor realizado y del que se frustra; del que anhelamos pero nunca alcanzamos, pero también del que nos hace sentir en las nubes: claro, el amor adolescente. Así es como llegué a la reflexión acerca de los íncubos. En otra charla, Brandon dijo que eligió el nombre de la banda porque desde niño solía soñar con canciones: “me despertaba tarareando melodías o cantando estrofas”. Igual que si una presencia paranormal se adueñara de su alma durante las noches y lo inundara interiormente de inspiración... pero no todo era color de rosa. El vocalista también recordó en esa charla que sufría de pesadillas recurrentes en las que su madre, una asidua lectora de Carlos Castañeda, le enseñó a despertarse a voluntad chasqueando los dedos a mitad de sus sueños. Hoy, de adulto, Brandon aún practica el mismo truco. Cuando Incubus surgió en la escena musical, en efecto era adolescente. Sus canciones hicieron mucho más llevadera cada una de esas crueles respuestas a mi amor adolescente, desde “Wish you Were Here” hasta “Pardon Me”. Pero hoy, cuando sé que el grupo volverá a México, no puedo evitar decir que me gustaría ser un TXT:: AAGORE. íncubo para entrar los sueños de Esther, Karina y Viviana, aunque quizá ya hayan engordado.

BREVARIO

—ARTE

AnA ViCtoriA CAlderón Más belleza para el mundo En un momento donde casi todo puede considerarse arte y en el que se abusa de lo conceptual para justificar piezas incomprensibles y lejanas; la obra de Ana funciona como un recordatorio de lo que la belleza, por sí misma, puede provocar.

FOT

En sus trazos el contenido y la forma se unen. Ana dibuja vida, en su obra todo es naturaleza: plantas, flores, hojas… y cada elemento es ligeramente distinto, cada flor vive en este mundo de engañosos dibujos que podrían ser un patrón, pero que tienen su propia personalidad. “Crecí en Cancún al lado del mar, mi casa era como una selva; es lo que tengo adentro”, dice Ana al hablar de sus ilustraciones, recordándonos otra cosa básica e importante: el arte de hablar de ti, de lo que eres y de lo que ves. “yo siempre he creído que el arte acaba pareciéndose físicamente a la persona que lo crea”, quizá por eso su trabajo es descrito como girly: “es un trazo delicado, sencillo y limpio, creo que por eso se interpreta así (…) al principio sólo le gustaba a las niñas (risas)”. Aunque esta caracterización de su obra pueda resultar –a un nivel general– innegable, tampoco hay que olvidar que todo arte y artista tiene sus obsesiones, en el caso de Ana se trata de hacer cosas hermosas, “pintar es una necesidad. Pintar todas las noches. Dejo de respirar cuando lo hago, además tengo una obsesión con repetir; siempre que hago una ilustración, tengo que hacer a su hermano. Siempre son series, no iguales, sino complementos; puedo usar los mismos elementos pero de maneras distintas. Suelo usar una forma hasta que sienta que acabé con ella, y entonces aparece una nueva”. Su trabajo ha tenido exposición –en gran parte– gracias a las redes sociales, una herramienta con la cual artistas como ella, que usan técnicas y procesos tan tradicionales y clásicos, aumentan el alcance de su obra. “A mí me encanta que es una ventana para la vida de la gente, no es sólo mostrar mi trabajo, sino también lo que me gusta y lo que veo, al final se trata de crear intimidad". "Etsy (portal web para la venta y compra de arte) es una preciosura, está diseñado para compradores y artistas. Por otra parte, PayPal hace todo muy fácil para mí, ya que vendo reproducciones de mis pinturas: es maravilloso que algo hecho a mano se pueda distribuir por todo el mundo”.

PAT LÁN .

Pubertad

ANI :: D

Criada en Cancún, Ana en realidad nació en Colorado (Denver), lugar que visitó recientemente y de donde proviene la inspiración para su serie de atrapasueños.

Ana tiene la capacidad de exaltar la belleza, de ponerla en primer plano sin negar la modernidad. Si tuviese que describir su obra, lo haría con una sola palabra: claridad. “No hay discurso, sólo hay una emoción: serenidad, una que comparto con la gente que ve mi trabajo. Quiero que la serenidad, la paz y el gozo que siento al pintar se refleje al ver mi arte, es el momento más feliz para mí. Es algo que haría aunque nadie lo viera. Me siento muy feliz y agradecida de la gente que se interesa y le gusta. No es algo que yo esperaba”.

BREVARIO

—ARTE

MArVin:100 ediCioneS FotoGrAFiAndo lA MÚSiCA La inauguración fue el pasado 16 de abril y estará abierta a todo el público hasta el mes de junio en el Salón Malafama, ubicado en Michoacán #78 en la Col. Condesa.

Pubertad

La fotografía y el diseño forman una parte esencial en el concepto editorial de Marvin, una herramienta imprescindible para presentar nuestro contenido en un formato único (no por nada, David LaChapelle nos dedicó un autoretrato). La exposición "Marvin: 100 ediciones fotografiando la música" es un memorándum visual con el trabajo fotográfico de Carlos Álvarez Montero, Fernando y Gerardo Montiel Klint, Flavio Bizzarri, Dante Busquets y Gustavo Dueñas, seis artistas que han vestido nuestras páginas y portadas desde hace once años. La exposición busca ser un reflejo de estas primeras 100 ediciones, una muestra con las imágenes que estos fotógrafos han inmortalizado en los números de Marvin.

Coordenadas es un sección dedicada a las bandas y proyectos a seguir, ya sea porque están editando nuevo material o porque sean propuestas emergentes interesantes.

Omar Estevez nació en Michoacán, pero después de tocar en algunas bandas, se “autoexilió” para formar este grupo de synthpop en Canadá. Sin banda y sin novia (luego de una traición rusa) y después de asistir a un concierto de Arcade Fire, la nostalgia de esa presentación lo llevó a armar un proyecto muy personal. El sonido de Deer Murray cautiva, sobre todo por la arrebatadora voz de Laura, los elementos sónicos a lo dreampop y los bajos, que en ocasiones suenan como si Peter Hook fuera su profesor del instrumento. Origen: Michoacán Influencias: Orange Blood, Jack and the Coward y Metronomy. Discografía: Songs for an Apartment nació de encerrarse a componer pensando en la “ex novia rusa que me dejó por un canadiense”. 5 discos básicos para el grupo: New Order / Power, Corruption and Lies The Beatles / White Album Fobia / Mundo feliz Elliott Smith / Figure 8 Soda Stereo / Dynamo ¿Qué escuchaban en la pubertad? “Alaska y Radio Futura. El grupo más teenager que escuché fue Parchis” dice Omar Estevez. www.deermurray.com /deermurray deermurray deermurray

Nostalgia

El nombre de esta banda surge de combinar elementos femeninos (Lady) con Freya, un personaje imaginario que surgió en el primer disco del grupo. Obviamente, “Lane” viene de la canción de The Beatles (“Penny Lane”). En su canciones deambulan hadas y habitantes de las pléyades, todo aderezado con sentimientos “humanos” como el odio y el amor. Lady Lane navega por el rock de tintes powerpop, y su sencillo “Libélulas” demuestra los alcances de la banda. El track fue masterizado por Steve Fallone, quien ha trabajado con bandas como The Strokes y TV on the Radio entre otras. Por cierto, la canción que menos les gusta de los Beatles es “Lady Madonna”. Origen: Estado de México Covers: “Giroscopio” de La Gusana Ciega y “La Locomotora” de Café Tacvba. Una tercia de discos que los han influenciado: Sigur Rós / Ágætis byrjun Mew / And The Glass Handed Kites Kashmir / Zitilites Discografía: Gaia EP, Fotrunoh EP y Ciudad diamante (2012) ¿Qué escuchaban en la pubertad? “El primer disco de Nirvana. Cuando iba a casa de una prima mayor me robaba sus discos. Creo que tenía 11 años” comenta Leches. /ladylaneoficial www.twitter.com/ladylaneoficial ladylaneoficial ladylaneoficial

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA.

Lo único que sabemos de Michigan, es que representa uno de los secretos mejor guardados del pop electrónico experimental made in Guerrero (el estado, no la colonia). Se trata, al parecer, de un puberto de 17 años que logró colocar su primer EP en la importante tienda Juno Download. Desde luego, el nombre del proyecto no proviene del estado norteamericano, sino de un bahía del mismo nombre ubicada en su estado natal. ¿A qué suena? Como si destaparas un refresco de coco mientras escuchas a Kraftwerk en tus audífonos, y en la palapa un altavoz promete drogas baratas combinadas con arena, sol y noches de amor ingenuo. Origen: Guerrero (presumiblemente) Descarga: Su único EP, Gran Fumismo desde NWLA.TV (The New Weird Latin American Network). Tema destacado: “Wont You Come (To Paradise)”. Las coordenadas están sobre la mesa: Te toca a ti descubrir este proyecto secreto. Si lo encuentras, avísanos. Cuando se presente en vivo: Saldrá detrás de una mampara para que nadie lo vea. La foto fue proporcionada por la gente de NWLA.TV, ya que el novel músico de 17 años prefiere mantenerse oculto. ¿Será que tiene acné?

S/P/R/M/D (pronúnciese Supermad) es un dúo de dance friends conformado por Bona Bonson (Melody Nelson, Los Fancy Free, Los Abominables) y La Jex (Postpastel), y ambos buscan canalizar el placer y la energía del acid house y el techno acid beat de los primeros raves de finales de los años 80. En ese sentido, se trata de una banda de acid house, pero teletransportada al siglo XXI. Origen: DF, Narvarte City Cuatisland Una tercia de discos que los han influenciado: TRAX / Acid Classics Jack The TAB / Tune In (Turn On The Acid House) 808 State / Newbuild Los discos que escuchaba el Bonna en su pubertad: Dr. Dude es, ha sido y siempre será el dirty old man. Planes a futuro: Editar Ecstasy, Phantasy & You, álbum debut de S/P/R/M/D, disponible a finales de la primavera en vinyl y descarga gratuita a través de valevergasdiscos.com. Supermad.net /supermadsoundacid @supermadsound humanoid-mutations

www.marvin.com.mx

Sabemos que recibes una gran cantidad de información, la mayoría proveniente de los miles de blogs de música que a diario te dicen qué está de moda y a quién debes escuchar. En esta sección, nos damos a la tarea de poner las cosas en perspectiva y valorar por qué o por qué no debes escuchar al nuevo chico de la cuadra. De esa manera, podrás decidir si quieres recibirlo en tu iPod o enviarlo a la bandeja de reciclaje.

Escucha a Friends en www.marvin.com.mx/mas-musica

PRO

“¿Tú quieres defender a esas viejas?”, fue la primera frase que mi editor dijo cuando surgió la idea de este texto (si hubiera dicho “esos gueyes”, ningún reclamo habría en este texto, nota del editor, post feminista). Con “esas viejas” se refería a Friends, un grupo neoyorkino (para ser más exactos de Brooklyn), conformado por dos chicas y tres chicos; y con defender se refería –creo yo– a explicar porqué me gustan, porqué gustan a los demás y de dónde viene tanto alboroto. Después de todo, se trata de otra bandita más de hipsters que un puñado de medios decidieron hypear, ¿cierto? No del todo.

CONTRA

Sí, son hipsters. Sí, parecen salidos de una cuenta de Instagram. Sí, son muy nuevos y sí, son buenos. Friends es la prueba de que el hype aún sirve para algo, que esta cosa rara adoptada por los melómanos villamelón, tiene una función en el mundo (y que desafortunadamente pocas veces se cumple): mostrar algo nuevo, una propuesta que merece nuestra atención, un destello en la cínica escena actual. Friends, como su nombre deja entrever, es música amigable. Acá no estamos hablando de música con 25 mil texturas, ni de canciones folk psicodélicas grabadas en lo-fi; acá se trata del verano, de fiesta y humor, de una pizca de feminismo y un sonido irresistible. Su presentación en el pasado SXSW captó la atención, cada track que han sacado ha logrado manterla y su primer single “Friendcrush” acampa en tu cabeza; es engañosamente sencillo, encantadoramente repetitivo y la letra es tan inocente, tan puberta, tan de todos. El cinismo, al igual que el hype, cumple una valiosa labor: distinguir la mierda de la no mierda, pero también nos hace correr el riesgo de asumir que todo es una basura.

Vivimos en un mundo cruel y despiadado, por lo tanto habrá que actuar a la altura. Seré franco, Friends es un grupo tan débil, prefabricado e insignificante que debieron ser fichados por Azteca Music, toman su nombre de “su disco favorito de The Beach Boys”, lo que deja claro que no les importa una mierda la música porque su sonido nada tiene que ver con el del grupo de Hawthorne, California. ¿A qué suenan Friends? Bueno, suena como todos los grupos que califican con 7.3 en Pitchfork o cualquier mierda que programen en ibero entre las 10 de la mañana y la 1 de la tarde: es decir, suenan agotados de recursos y hundidos en un eterno coro-verso-puente sin gracia. Para colmo de males, ya existía un grupo llamado Friends con un montón de discos estupendos publicados en Summerhouse Records. Francamente, siento algo de lástima por atestiguar toda esta basura en la que se ha convertido el ya-de-por-sí-detestable término conocido como “indie/nuevosabordelmes”: otra estupidez que hoy en día lo define todo, aunque en realidad no signifique nada y sólo sirva para vender cervezas.

TXT:: JIMENA GÓMEZ.

TXT:: BAlMoRI.

Pubertad

La perspectiva de un periodista nunca será como la de un músico. Por eso, el nacimiento de esta sección, en la que un músico mexicano entrevista a otro extranjero, resulta sumamente oportuno.

Para este primer round de ping pong, Alejandro Otaola –cuyas guitarras pueden escucharse en discos de Santa Sabina, La Barranca, San Pascualito Rey, así como en su trabajo solista– entrevistó a Annie Clark, la cantante, compositora y multiinstrumentista mejor conocida como St. Vincent.

AN J e L A

D Ro o TA o L A En trEvISta a ANN ie c LARk, aKa.

v . T S inC e N t F O T : : D A N I E L PAT L ÁN

Pubertad

Es difícil entrevistar a alguien a quien admiras por sus composiciones, arreglos y por su manera de tocar la guitarra; más aún cuando pareciera ser una aparición anunciada por los profetas: “Algún día ba jará del cielo un hermoso ángel que va a conmover sus fibras más hondas, y al mismo tiempo les va a freir el cerebro con pedales fuzz”. Por ello, tuve que hacer mi mejor esfuerzo para no mostrarme como fanfatale. Aquí, lo que salió de esta conversación con Annie Clark. Alejandro Otaola: ¿Te gusta hacer entrevistas? Annie Clark: Depende, a veces es agradable (señala su copa de vino). AO: ¿Y cuando tienes que contestar 10 veces las mismas preguntas? AC: Bueno, algunas preguntas son más interesantes que otras; pero si hacer entrevistas es la peor parte de tu trabajo, ¡no es tan malo! AO: Una pregunta fresca entonces, ¿en qué consistió tu colaboración con David Byrne? AC: Fue muy cool, gira alrededor de una gran banda de metales. Hubo mucho trabajo de arreglos, aunque espero que no suene preciosista; es bizarro y angular a la vez. AO: ¿Compusieron juntos? AC: Sí, casi todo se dio en un punto medio donde él escribió letras y música, pero yo también escribí palabras y música. Es un proyecto mutuo, nunca había trabajado así con alguien, y no sé si vuelva a crear música de esa manera con alguien más. AO: ¿Saldrá como un CD de ‘Annie Clark & David Byrne’? AC: Sí. Está programado para septiembre, ¡estoy emocionada! AO: Vayamos hacia el pasado. Viviste tu juventud rolando con Tuck&Patti, ¿te preparó de alguna manera para lo que vendría después? AC: Por supuesto, Tuck es hermano de mi mamá. Tener 13 años y subirte a un avión rumbo a Japón es algo invaluable que, por supuesto, me mostró cómo funciona el negocio y cómo es la vida de un músico itinerante. AO: ¿Odias las pruebas de sonido? AC: (Ríe) ¡No! Es divertido, hay oportunidad de tocar... ¿¡tú las odias?! AO: A veces, Robert Fripp dice que lo único que un soundcheck tiene en común con un toquín, es que suceden en el mismo lugar, porque a la hora del show todo cambia. AC: Fripp es un sabio, ¿es de tus favoritos? AO: ¡Claro! Ya que estamos en eso, ¿qué guitarristas admiras? AC: Marc Ribot, es un gran guitarrista y puede tocar cualquier cosa, pero generalmente toca ‘anti-solos’.

AO: Hablando de eso, tus composiciones tienen armonías muy emotivas, pero sobre ellas sueles tocar ‘anti-guitarras’. ¿Una parte de ti siente que hay que ensuciar la rola, o desde un principio piensas que el fuzz será parte del arreglo? AC: Mmmm... ¡Woah! (En este momento nos dimos cuenta que estaba temblando y salimos del restaurant donde platicábamos). AO: ¿Estás asustada? AC: No, ¿debería estarlo? AO: Nah, pero es un honor que suceda mientras platicamos. AC: (Ríe). AO: Bueno, ya pasó el temblor. Tocaste con Polyphonic Spree, ¿eso qué tal? AC: Fue hace tiempo, yo tendría como 18 años y recuerdo estar en un camión como parte de una tropa, sin tiempo para bañarse y tomando mucho vodka y Redbull... después, rolar con Sufjan Stevens también fue muy divertido. AO: ¿Eres una guitar freak? ¿vas al Guitar Center a probar mil amplis, guitarras, pedales, etc? AC: (Ríe) Pues sí, tengo varios pedales muy intensos. Pero no soy una snob que sólo use un tipo de lira o de ampli... espera, allá está mi ensalada y muero de hambre. AO: También tocas teclados, ¿eres muy clavada en la parte tecnológica? AC: No tanto, mis partes de guitarra y de teclado suelen ser cosas a las que arribo por intuición. Digamos que no pierdo tiempo programando o pensando en algoritmos. AO: ¿Has usado sintes intuitivos que no se basen en la escala mayor como el Tenori-On o el Kaossilator? AC: No no, ¿qué son? AO: ¡¿No los conoces?! AC: ¡No no, cuéntame! (Aquí, el lector obviamente prefiere leer lo que ella dice, por lo que omito mi explicación, que en algún momento concluye que en el Kaossilator no hay notas incorrectas, a lo que ella contestó de manera tajante...)

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AC: ¡No hay wrong notes! AO: No exactamente, pero hay mejores decisiones. AC: (Se carcajea) ¡Claro! Pero si te equivocas es mejor que repitas ese error. AO: Exacto, para que parezca que eso fue lo que decidiste hacer. AO: Bueno, eso responde lo que te iba a preguntar sobre haber estudiado música en Berkley. AC: Entiendo de teoría, pero prefiero que sirva como algo que conozcan mis oídos, a que componer pensando siempre de la misma manera; aunque sí llegué a estar clavada en la teoría.

AO: En Marry Me tocaste una gran cantidad de instrumentos, luego Actor fue hecho con Garage Band. AC: Sólo la composición, la realicé sin tocar instrumentos. AO: Para Strange Mercy te fuiste a componer a Seattle y retomaste la guitarra, ¿fue como volverte a enamorar del instrumento? AC: Por supuesto, llevo 20 años tocando la guitarra y a veces me he distanciado de ella; fue también una manera de ‘empezar con el pie derecho’. AO: ¿Cómo le describirías a alguien que no te ha escuchado, el estilo de guitarra en ‘Human Racing’? AC: Mmmm... ¡tiene años que no la toco! Es como bossa nova... creo.

AO: ¿Por qué te presentas como St. Vincent, no como Annie Clark? AC: Tomé un stagename porque te da más libertad, puedes volverte diferentes personas o personajes... es liberador de alguna manera.

AO: Pero tiene tintes africanos o gamelanes. AC: ¡Ah claro! Le puse pedazos de papel a las cuerdas para obtener ese sonido, estaba escuchando mucho Ali Farka Touré.

AO: Pero tus primeras dos portadas son fotos de tu rostro que parecieran decir ‘esta soy yo’ AC: ¿Soy ésta yo? (pregunta mientras me mira con malicia... juay derrito...).

AO: Vienes a México con la alineación de dos teclados, batería y tú, ¿por qué te deshiciste del bajista? AC: (Ríe) ¡Sí hay bajo!

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AO: Con el sinte, claro, pero usualmente un bajista es alguien que aporta groove. AC: Lo sé, pero de alguna manera me aburrió y, cuando pienso en líneas de bajo, prefiero las del hip-hop donde todo está sintetizado. Además, el escenario se ve más limpio. AO: Perfecto, ¡que tengas buen show mañana! AC: ¡Muchas gracias! Desgraciadamente, al ser la primera entrevista que daba en México, había una fila de medios esperando y ya no pude preguntarle sobre los arreglos de Black Rainbow, sobre ciertos efectos de guitarra, sobre su gusto por Godard, la nueva ola francesa y el cine; sobre qué tanto aporta conceptualmente a sus videoclips; si aún compra CDs o prefiere descargar MP3 o si prefiere el vinil; qué opina de que haya cerrado Tower Records o que la Enciclopedia Británica deje de imprimirse; sobre Debussy, The National, Dirty Projectors y sus influencias musicales. Aunque prefiero haber compartido con ella un movimiento telúrico, ya que eso fue lo que ella nos recetó la noche siguiente. M

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S E t r A C s e a KAnT d tE n E

:: Jimena Gómez. TXT

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“La verdadera locura quizá no sea otra cosa que la sabiduría misma que, cansada de descubrir las vergüenzas del mundo, ha tomado la inteligente resolución de volverse loca” -Heinrich Heine.

Hablar con Descartes a Kant es un lujo. Prueba de que lo complejo, ambicioso y congruente existe dentro del abanico voluble que es la escena nacional. Su propuesta, desde un principio interesante, ahora se muestra madura y con la claridad suficiente para asustar hasta al más cuerdo. Su nuevo disco, Il Visore Lunatique, es un desgarre de emoción, un cuento, una película… un generoso mindfuck. Locos que habLan de Locos en primera persona

Memo: Han pasado muchas años entre el primer disco y Il Visore Lunatique y ahora hay nuevos integrantes; yo no estaba en la banda, ni Jorge, ni Cristi. El sonido y el concepto evolucionó un montón, este álbum tiene como eje central la locura, para ser más precisos los textos de Victoria dickens. Cada uno de los temas del álbum habla de una patología distinta. Fue un proyecto muy ambicioso, extenso y con muchos detalles, fue un montón de trabajo y cada vez se volvía más grande. Hasta grabamos un musical con un solo de tap. Sandra: Planteamos el disco pensando en dar un paso muy claro musical y líricamente; en esto último se nota mucho la evolución, las letras hicieron que la música se debrayara en muchos géneros y terminamos con un trabajo muy detallado y exquisito.Trabajar con los textos de Victoria nos inspiró de manera muy efectiva, fue como musicalizar una película. Todo se dio de manera casual. En un showcase que hicimos en el SXSW se encontraba el esposo de Victoria, y él encontró un hilo conductor muy claro: esta locura que el grupo emanaba. Ahí empezó una colaboración interdisciplinaria, una desconstrucción de los textos.

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Hay personajes que se mencionan y otros que no, hay canciones muy poéticas y otras más abstractas. Cada canción tiene su propia vida, sus personajes y su propia locura, hay destrucción en lo que está diciendo la primera persona, hay locura en el ambiente. Fue detallar y sumergirnos en el universo de Victoria Dickens y transpolarlo a Descartes a Kant para que fueran la misma cosa. Dafne: El disco pasa por un espectro de locura muy amplio. Tiene matices que generan muchas reacciones distintas, nunca hay un cómo debes sentir, sino un qué sentiste. Puede que de entrada no te diga nada, pero después de uno o dos años empiece a significar algo. Queríamos generar reacciones, algo que la banda siempre ha tenido. Cada loco puede encontrarse en algún momento del disco. S: A mí me remite a esas películas que al final te dejan con una sensación muy confusa. Hay violencia, romance, introspección… el personaje pasa por muchos lugares y al final se convierte en otra cosa.

eL idioma uniVersaL es La Locura S: Hay una presión muy fuerte para que hagamos música

en español. Nos dicen que si queremos pegar tenemos que hacerlo. Pero es algo que parte de origen, a la hora de estar creando no te detienes a preguntarte si una canción debe estar en si bemol mayor (risas). Sólo salen las cosas. Supongo que soy la responsable del asunto, en mi mente los idiomas pasan con la misma naturalidad, las ideas que surgen en inglés se vuelven canciones en inglés. No es que las quiera enfocar a cierto público o a cierta parte del mundo. Todo el mundo piensa que queremos pegar en el gabacho. No entiendo esta obsesión por el “Rock en tu idioma”. Cuando salgan canciones en español, serán así. Pero no lo vamos a hacer porque queramos estar en la radio. D: Cantar en español es una moda. En algún momento –no muy lejano– si cantabas en inglés eras súper pro, entonces un chorro de bandas empezaron a hacerlo y ahora regresa esta idea, y ya todos lo hacen en español. Nosotros tratamos de evitar vernos envueltos en las fórmulas del “momento”. Al final del día se trata de lo queremos expresar y es muy gratificante ver que a la gente le interesa. S: La verdad es que nadie entiende las letras en vivo (risas). Pero

Descartes tiene su discurso; vivimos juntos y eso nos hace estar muy seguros de lo que hacemos y de nuestras capacidades.

pubertad insana

S: Esta generación de pubertos tiene más opciones que la nuestra. Nosotros teníamos la tele y lo que pasaba en las estaciones de radio alternativas. Ahora la “chaviza” (risas) escucha lo que quiere, lee lo que quiere. Tienen todas las herramientas para llegar al fin del mundo y escuchar miles de propuestas. Yo sólo conocí lo que el mundo dejaba que conociera. El grunge me cambió la vida. Una de las etapas más importantes para mí fue de los once a los trece, descubrí el significado de la vida y la rebeldía. Ahí está el porqué hago lo que hago hoy, todo se concentra en ese momento. D: La sobre exposición a la información hace que la juventud tenga la habilidad de procesar y comprender muchas expresiones artísticas en un breve período. Esto favorece a que la conexión entre los pubertos y Descartes a Kant exista; no les parece extraña nuestra estructura cambiante. Es digerible y se identifican con ella. Creo que somos una banda para pubertos (risas). M

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rL N CA MArC o PAT I ñ o Y J u A

IdAL oS H

¿Qué tanto afecta tu proceso creativo el hecho de tener muchos fans en todo el mundo? ¿Es difícil que las expectativas de la gente sean tan altas? Norah Jones: Es emocionante saber que existen personas que esperan tu música, pero creo que si piensas mucho en eso se convierte en demasiada presión. Intento no hacerlo, es más saludable. ¿Qué tan diferente es para ti el proceso creativo cuando escribes música tú sola o cuando haces colaboraciones? NJ: Me gustan ambas. He hecho bastantes colaboraciones porque me ofrecen información novedosa y nuevo material. Es muy divertido conocer cómo otra gente hace lo mismo que yo, reconocer distintas maneras de trabajar.

h A r O N jones

paStIllaS para u COraZÓn n rO t ENTREVISTA EXCLUSIVA

Norah Jones sabe lo importante que resulta la colaboración a la hora de crear. Sus inicios en la música están marcados por una participación con los triphoperos Wax Poetic, tiempo antes de lanzar su disco debut Come Away With Me que, 10 años después de su lanzamiento, suma 25 millones de copias vendidas.

demás de seguir produciendo discos como solista, durante este tiempo formó The Little Willies, un grupo de tintes country con el que recién publicó un segundo disco titulado For The Good Times (2012), y su lista de colaboradores incluye a músicos tan variados como The Chemical Brothers, Willie Nelson, Foo Fighters y Herbie Hancock, entre otros. Para la creación de su nuevo disco solista, Little Broken Hearts (EMI, 2012), la neoyorkina se mudó a Los Ángeles, y cerca de ahí nació este disco co-escrito y producido por Brian Burton (alias Danger Mouse). Marvin platicó con Norah Jones, quien a sus 33 años denota un franco optimismo en sus palabras.

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¿Qué tan peculiar fue colaborar con Danger Mouse? NJ: Lo conocí cuando colaboré para su álbum Rome y me sentí muy cómoda trabajando con él. Es muy diferente a mí y lo respeto mucho. En Little Broken Hearts se puede apreciar una mezcla de amor, melancolía y oscuridad. ¿Cómo lo describirías tú? NJ: Justo como lo mencionas. La verdad es que estoy tan cercana a él que prefiero que otras personas lo hagan y coincido con sus adjetivos. ¿Te pasa lo mismo con tus discos anteriores? NJ: Casi no escucho mis discos anteriores, pero cuando escucho alguna de mis canciones en la radio por casualidad, se produce cierto tipo de nostalgia. ¿De dónde vino la inspiración para escribir las letras de este nuevo disco? NJ: Viene de muchas partes. A veces de una película, de experiencias personales, de caminar un poco, de algún suceso con el que estoy relacionada, pero que aún no experimento. El diseño de la portada refleja el sonido del disco, que es muy cinematográfico... NJ: Sí, creo que lo es. La portada tiene sentido ya que partió de la imagen del póster de la película Mudhoney de Russ Meyer, que estaba en la pared del estudio

go.

FOT:: CorTESíA

de Brian; todo el tiempo lo veía conforme hacíamos el disco y me enamoré de su estilo, pensé que sería divertido que se convirtiera en un pretexto para la portada del álbum. ¿Qué tan importante es para ti el diseño de un disco? Especialmente en estos días en que lo digital dirige al mercado de la música. NJ: Para mí sigue siendo muy importante. Tanto como hacer un álbum completo donde todas las canciones se conecten de algún modo. Habrá quienes prefieran descargar y escuchar solamente una canción. Yo prefiero escuchar los álbumes como una obra total. Se siente la búsqueda de un concepto en Little Broken Hearts, incluso en el título y en el orden de las canciones; “Good Morning” es el tema que abre y “All a Dream” es la que cierra… NJ: También lo pienso así y me llena de gusto que así sea. Cuando entramos al estudio, la verdad es que no teníamos idea acerca de lo que íbamos a escribir, y me parece interesante a lo que llegamos. Tu nueva gira incluye lugares donde estarán presentes artistas emergentes, como ocurre en el South by Southwest. ¿Disfrutas tocar para públicos pequeños? NJ: Para mí es muy especial tocar en Texas, porque es de donde soy, mi madre vive ahí. El South by Southwest se trata de escuchar nueva música, bandas emergentes y nuevos discos, así que queda bien presentar ahí mi nuevo material. A pesar de que en el álbum se tocan temas que hablan de corazones rotos, te escuchas muy feliz, muy optimista... NJ: Pienso que a veces está bien sentir tristeza y escribir sobre ello, pero eso no significa que tienes que estar triste todo el tiempo. En general soy una persona feliz. Al ser un disco cuya producción suena tan de estudio, ¿cómo sonará cuando lo toques en vivo? NJ: Son canciones simples, así que cuando las desnudas y les quitas lo raro, lo extraño, siguen sonando como las buenas canciones que son; ya las probé y me gusta como se escuchan. M

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a lugares que nunca imaginamos, estamos muy felices y todo nos parece una experiencia nueva.

En la actualidad todo tiende a ser efímero. Vivimos en una época caracterizada por la rapidez y la obsesión por encontrar al nuevo gran grupo. Dentro de esa vorágine interminable apareció Alabama Shakes en la escena, un cuarteto formado en la ciudad de Athens, en el estado sureño de Alabama. La historia de la banda –integrada por la cantante Brittany Howard, el guitarrista Heath Fogg, el ba jista Zac Cockrell y el baterista Steve Johnson– se resume a tres escasos años, sin embargo, la brevedad de la carrera de Alabama Shakes está en proporción inversa al hype que han recibido de los medios: su EP homónimo los ubicó dentro del radar de las bandas promesa, además de que el sencillo “Hold On” fue una de las canciones más comentadas del año pasado. TXT::dANIEL roJAS. / @daniel_rojas_11

l sonido de Alabama Shakes es una mezcolanza de estilos que evocan el pasado. En él se percibe la influencia de bandas como Led Zeppelin, Deep Purple o cantantes como Janis Joplin; de hecho, uno de los sellos característicos de Alabama Shakes es el tremendo registro vocal de Brittany Howard. El pasado mes de abril, esta banda apadrinada por Jack White publicó Boys & Girls (editado por Arts & Crafts México), un LP del que pudimos platicar con Brittany.

F O T : : d AV I d A . S M I T H .

Son una banda relativamente nueva, sin embargo, se ha hablado mucho de ustedes desde que lanzaron su EP, ¿cómo han tomado este éxito repentino? Brittany Howard: Todo esto es muy emocionante para nosotros. Estamos muy agradecidos por lo que hemos recibido, pero sólo pensamos en seguir componiendo y en tocar nuestra música juntos; ese ha sido el mayor sueño de nuestra vida. gracias a nuestra música hemos tenido la oportunidad de ir

Ustedes fueron uno de los grupos que más sorprendieron en el SXSW 2012, ¿qué piensan del festival y cómo fue la experiencia? BH: ¡Fue un torbellino! Creo que tocamos siete u ocho shows en tres días. Apenas tuvimos tiempo para respirar, pero aún así nos divertimos mucho. Austin es una ciudad grandiosa y la pasamos muy bien con amigos músicos de otras bandas. ¿Qué nos puedes contar sobre el disco Boys & Girls? BH: Tuvimos mucha suerte de poder hacer la grabación bajo nuestros propios términos, quedamos muy satisfechos con el disco. La producción también estuvo supervisada por nosotros cuatro y de verdad quedó exactamente como lo imaginábamos. Rough Trade es un sello discográfico con un montón de historia, ¿cómo llegaron ahí? BH: Fue curioso, Geoff Travis (el director de la disquera) nos llamó después de leer un artículo que The Guardian publicó sobre la banda. Para nosotros es un honor estar en Rough Trade por todo lo que representa en la historia de la música, sin embargo, lo más importante es poder trabajar con gente honorable y de gran calidad humana.

AC/DC, por citar algunas clásicas. Pero también nos gusta otro tipo de música, como Daft Punk, My Morning Jacket, Charles Bradley, Eddie Hinton... la lista puede ser infinita. Tu voz representa el sello distintivo de la banda, ¿dónde aprendiste a cantar de esa manera tan extraordinaria y cuál es la historia de los otros músicos de Alabama Shakes? BH: Aprendí a cantar en mi casa, pero aún no estoy segura de ser una gran cantante o de hacerlo del todo bien (risas). Conocí a Zac en la escuela y comenzamos a escribir canciones juntos en mi casa. Siempre he pensado que las personas con intereses comunes tienden a terminar juntas, y fue así como nos encontramos con Steve, pues él trabajaba en una tienda de música que frecuentábamos mucho. Heath era nuestro guitarrista favorito en la ciudad, así que lo secuestramos, lo amarramos y lo obligamos a unirse a nuestra banda (risas). Finalmente, ¿qué planes tienen de presentar Boys & Girls en México? ¿Hay probabilidades de que toquen acá? BH: Vamos a estar tocando por muchos lugares y promocionando el disco. Creo que podríamos ir a México en octubre próximo, nos gustaría, sería un experiencia increíble. ¡Adiós amigos! M

El sonido de Alabama Shakes tiene reminiscencias de grupos de los setentas, ¿qué artistas han marcado el sonido de su música? BH: Estamos influenciados por una amplia gama de bandas, desde los Rolling Stones, Black Sabbath y

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a L U i Z T e I d r i ma in spEr E l E

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TXT:: @balapodri

El mundo está mal. Demasiado mal. sólo eso explica el hecho de que spiritualized cumpla 22 años de tra jín, ante el mutismo de muchos “expertos” en música y de otro bonche de melómatunes de pacotilla. pero no importa, spiritualized es del culto de pocos, que valen por un chingo y dos montones.

ara hablar de ellos, primero hay que repasar lo que hizo esa bandota que fue Spacemen 3, formada por Jason Pierce y Peter Kember, un par de chavales ingleses que –influenciados por The Sonics, Suicide, The Red Krayola y The 13th Floor Elevators– decidieron hacer su propia música. En 1987 grabaron The Perfect Prescription, una verdadera joyita. Sin embargo, dentro de la banda las cosas iban en picada: las drogas (de enervantes y económicas), varios cambios de integrantes y diferencias entre los fundadores llevaron a Spacemen 3 a la disolución. Pero las cartas ya estaban echadas, corría el año de 1990 y el viaje apenas comenzaba. Una vez separado de Kember, Jason Pierce creó un grupo, una banda más de entre las miles que se forman cada año en Inglaterra. Pero ésta sería distinta, su nombre: Spiritualized. Para Charles Bukowski, la espiritualidad es una especie de esperma instantáneo. Por su parte, Leonard Cohen la considera una técnica de concentración para hacer este universo un sitio más habitable. Si bien se asocia la espiritualidad con la religión, no necesariamente deben ir “junto con pegado”. Así lo entendió Pierce al formar el nuevo grupo, en el que funge como líder, compositor, voz, cerebro, imagen y lo que se acumule. En su debut, Lazer Guided Melodies (1992), cada pieza está donde debe estar, y se perciben las pasiones de Pierce: el rock, el góspel y la psicodelia –además de los guiños a The Velvet Underground–. Para el segundo largaduración, Pure Phase (1995), Jason Pierce dio el segundo paso de su góspel sicodélico, al llevar su propuesta a niveles grandiosos, espesos e intrincados, todos puestos a conciencia y no por ganas de parecer experimental. Lo que vendría después no ocurre muy seguido; Pierce crea una obra maestra: Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space (1997). El arte del álbum es como un medicamento y el disco está encerrado como una pastilla. Los temas: del garage a la sicodelia; del power pop, a balsámicos himnos de la desdicha. Por el lado de la producción la cosa no es menor: el Coro Góspel de la Comunidad de Londres, una sección de vientos, el Cuarteto de Cuerdas de Alexander Balanescu… Cuando Spiritualized cumplió su primera década surgió Let Come Down (2001), uno de sus discos más accesibles y una digna continuación al discazo anterior. Esta vez Pierce echó la casa por la ventana: lo grabó en los míticos estudios Abbey Road y fue necesaria la participación de 115 músicos para lograr las excelsas orquestaciones y coros. Los temas van del rock al estilo MC5, pasando por un soul mutante, hasta atmósferas épicas y orquestales. Dos años después editaron Amazing Grace (2003), que cambió el rumbo de la nave: es un sonido más simple, económico y desnudo. Pierce guardó las orquestaciones y sacó el nervio roquero, pero sin dejar de lado los guiños al free jazz y al góspel blasfemo; es un disco emocionante y vigoroso. Pero muchos consideraban que, por fin, Pierce se alineaba al cliché auditivo. Qué equivocados estaban. Después de cinco años, problemas con disqueras, y dos pulmonías que casi llevaron a Pierce a la tumba, en el 2008 lanzó Songs in A&E (iniciales de la unidad hospitalaria Accident & Emergency, donde Pierce convaleció). Aquí se siente el espíritu stoner sin aroma hipster, y encontramos un Spiritualized de triple destilación: sin poses, sin banalidades, sin residuos. Se confirma el alma negra de la banda: blues, rock básico y el ineludible góspel vuelven a ser sus fieles escuderos. En sus letras, Pierce habla de lo mismo (infierno y redención, Jesucristo y el océano, la percepción y la perdición), sí, pero de una manera distinta; pura, sin esnobismos. Han pasado cuatro años imperciptibles desde entonces, y es que los discos de Spiritualized carecen de la inmediatez que padece mucha de la música actual. Ahora Spiritualized vuelve a la carga con Sweet Heart Sweet Light, que está a la venta desde el 17 de abril. La espera ha terminado, Spiritualized vuelve a las orquestaciones, a las baladas tristes y al guitarreo sensible. Pierce está por cumplir 30 años de carrera musical y encabeza uno de los grupos más auténticos del planeta. Explora, propone, deslumbra y anima. Pocos grupos en el mundo pueden presumir de tener su propio género. Spiritualized es uno de ellos. Por eso, a quienes nos preguntan ¿a qué diantres suena Spiritualized? Sin rodeos, contestamos: suena a Spiritualized. Punto. M

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¿Desde qué edad comenzaste a escribir canciones? ¿Fue acaso un impulso adolescente? Dallas Green: Creo que lo fue. Comencé a escribir canciones cuando tenía cerca de 13 o 14 años. Todo lo que quería hacer, era que la gente sintiera lo mismo que yo. De la misma manera que una canción me afectaba a mí, yo trataba de afectar a las personas con mis canciones. Estar en dos proyectos tan disímiles al mismo tiempo puede resultar un poco extraño. ¿Hay una diferencia entre componer una pieza para Alexisonfire y una para City and Colour? DG: Claro. Con Alexisonfire componemos entre cinco. Por supuesto, la canción tiene que comenzar con ideas que cada uno de nosotros tenga, entonces las compartimos y a partir de ellas trabajamos con las letras. Es una experiencia colectiva. En cambio, en City and Colour soy únicamente yo. Así que tiendo a hablar sobre cosas más personales. ¿Te sientes cómodo componiendo únicamente desde tu experiencia? DG: Con City and Colour ocurre algo muy extraordinario, cuando sabes que algo está bien, es porque así lo sientes y punto. Soy únicamente yo sintiéndome cómodo con ello y sé cuando una canción está terminada.

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De alguna manera soy mi propio interlocutor. Con Alexis es distinto porque debo mantener contentos a todos.

Dallas Green es un hombre plenamente consciente de su sinceridad. Después de atravesar el mundo con su banda de post-hardcore alexisonfire, ahora vuelca todas sus energías sobre City & Colour, un proyecto solista que juega con su propio nombre, Dallas (City) y su apellido Green (Colour). Little Hell, su más reciente álbum, sorprendió el año pasado con su distintiva sobriedad y con la belleza con que la voz de Dallas carga el peso de sus protagonistas. tuvimos la oportunidad de charlar con él respecto a alexisonfire, su estilo para componer y, por supuesto, neil Young.

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¿Cómo distingues si una canción pertenece a Alexisonfire o a City and Colour? DG: Tiene que ver con el ambiente en el que me encuentre. Si estoy en el sótano, con mi amplificador realmente fuerte, las oportunidades de salir con algo para Alexisonfire son mayores. Si estoy tranquilamente sentado, rasgueando una guitarra acústica, es probable que las composiciones se aproximen más al sonido de City and Colour. Todo depende de la comodidad, del lugar donde me coloque antes de comenzar a escribir. En ocasiones intento cambiarlo, tocar tranquilamente las cosas que deberían ser ruidosas y ser ruidoso en aquellas que deberían ser tranquilas. Ocasionalmente funciona, pero la mayor parte del tiempo sólo es divertido. Sobre esto último y recordando el sonido de tu música, no puedo evitar pensar en Neil Young. DG: Neil Young es un ejemplo atinado para los dos proyectos. Pienso que Neil ha construido su carrera siendo un músico que transita con libertad entre tocar tranquila o ruidosamente. Cada vez que lo siente necesario realiza el salto. Hay muchas otras bandas que me gusta escuchar durante todo el año; pero creo Neil Young es un excelente ejemplo de lo que busco realizar. Con City and Colour, por ejemplo, tratamos de exponer momentos de intimidad, pero también pretendo ser ruidoso. Es la clase de dirección que quiero seguir. Es perfecto, porque nunca sabes qué vas a obtener. En Sometimes tratabas de entender la figura del cantante y compositor. Bring Me Your Love es un trabajo introspectivo. Pero en Little Hell todo viene de afuera hacia adentro… DG: Intento escribir en ese orden. En lugar de tratar un asunto sumamente personal, trato de observar. Pero no sólo las situaciones de mi propia vida. En algún momento, es probable que te canses de las cosas que tienes por decir. Por ejemplo, ahora no puedo continuar escribiendo sobre el hecho de que no duermo nada bien, porque ya lo hice antes. Es algo con lo que lidio todavía; pero no necesariamente tengo que escribir sobre ello. M

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MéxiCo.

No existen sueños más bellos e ilusorios como aquellos que afloran en la adolescencia. Aunque Victoria Legrand recuerda que esa etapa de su vida fue "aburrida", ello no impidió que el tercer disco de Beach House fuera titulado Teen Dream, un álbum fascinante por donde se mire, una obra maestra del dream pop que difícilmente podrá ser superada. Sabiamente, Beach House decidió que su nuevo disco, Bloom, sería confeccionado ba jo otros criterios y sin mirar atrás. De esa manera, Bloom ofrece canciones que no buscan superar el éxito de Teen Dream, sino extender su sueño hacia la eternidad.

Hola Victoria, ¿cómo te va? Victoria Legrand: Muy bien, gracias. Estoy en Baltimore preparándome para salir de gira en un par de semanas. Acabo de escuchar Bloom. Mi percepción es que se trata de un disco muy emparentado a Teen Dream, si me permites una analogía, me recordó cuando Radiohead lanzó Kid A y Amnesiac como “discos hermanos”. VL: Creo que hay una extensión natural entre ambos, pero siento que en el fondo son muy distintos. Para empezar, cuando hicimos

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Bloom nunca pensamos en el disco anterior, no soy una persona que le guste vivir en el pasado, no hago un disco pensando en que sea una reacción al disco anterior. Tu opinión es muy válida, pero yo no siento mucha conexión entre ambos discos. ¿Hacia qué terrenos sientes que llegaron ahora? VL: Sonoramente, creo que este disco es más grande, de hecho es enorme, además, las canciones son muy distintas entre sí. Como artista, Bloom me hace sentir muy satisfecha. Después de hacer 180

shows para promover Teen Dream sentimos que era suficiente, que debíamos movernos hacia otra dirección. Alex es una fuerza creativa muy importante, siempre está buscando moverse hacia nuevos terrenos y creo que eso pasó en disco. Creo que Beach House se caracteriza por desarrollar arreglos muy adecuados para cada canción. ¿Los trabajan democráticamente entre Alex y tú? VL: Todo lo hacemos entre los dos, quizá sólo las letras son más mías, pero cuando hacemos arreglos y producimos platicamos durante horas, días e incluso meses acerca de cuál es el arreglo más conveniente para cada canción. Generalmente partimos de elementos espontáneos que surgen del piano, la guitarra, el drum machine o alguna una melodía, y el reto siempre es cómo darle vida para que se convierta en una canción. Cada tema posee una historia distinta: algunas necesitan dos días, otras un par de meses. Es algo complejo, hacer un arreglo es igual de difícil que componer, hay que intuir las notas que funcionen mejor. En Bloom no quisimos hacer la típica estructura "verso, puente, coro, verso, puente, outro", eso ya lo hicimos en Teen Dream, ahora buscamos algo menos tradicional, las canciones inician y jamás regresa al mismo lugar. Nos presionamos para ser creativos y creo que se nota en cada tema. Cuando vinieron a México noté que tus interpretaciones vocales son tremendamente emotivas. ¿Cómo logras reunir cada noche la energía adecuada para desgarrar de esa manera? VL: Cada show que tocamos es diferente, hay gente distinta en ciudades diferentes, lo cual me parece hermoso. La energía de México era muy intensa, nunca habíamos tocado allá y salimos realmente maravillados. Yo capto la energía de la gente y hago que me alimente para poder salir y entregar todo, es un proceso tan eléctrico como orgánico. Si no me siento con la magia suficiente, sé que es mi deber encontrar una manera de producirla. Los seres humanos, especialmente una audiencia, somos capaces de generar una energía… es todo lo

que puedo decir, es una cuestión de magia y de retroalimentación, de hacer que la energía de la audiencia te atraviese. Marvin tiene un tema cada mes. Esta edición está dedicada a la pubertad. ¿Me podrías contar un poco sobre esos años de tu vida? VL: ¡Wow! (ríe). En realidad fueron años bastante aburridos (risas). Quizá mis mejores recuerdos son de cuando comencé a escuchar música popular como Nirvana, Hole, Smashing Pumpkins. Era principios de los 90 y yo tenía como 12 años. Estaba acostumbrada a escuchar música clásica, pero esas bandas me abrieron a otros sonidos. Después comencé a ver bandas de punk, era el 92 y recuerdo que me parecía muy divertido asistir a ese tipo de conciertos. Me sorprende saber que creciste con esas bandas, ya que la música de Beach House me parece muy nostálgica y melancólica. ¿Cómo sientes que encontraron una voz propia en el camino? VL: La música ha sido parte de mi vida desde que nací, igual en el caso de Alex. Yo soy una pianista con formación clásica y escribí mi primera canción a los 16. Cuando crecí me di cuenta de que realmente quería dedicarme a la música, estudié teatro pero la música me parecía más poderosa y libre. Cuando me mudé a Baltimore conocí a Alex y a los seis meses ya estábamos haciendo música juntos, integramos órganos y pianos en una grabadora de cuatro tracks. Fue algo muy natural, había mucha pasión de por medio y tuvimos la fortuna de tener la habilidad de tocar la música que ahora escuchas. Siempre hemos hecho la música que queremos, somos muy afortunados porque nadie controla nuestra dirección, hacemos lo que se nos antoja desde hace ocho años. ¿Crees en la felicidad? ¿Cuál es tu tu idea de ella? VL: Sí, claro. Ser capaz de amar a alguien o algo con toda mi fuerza. Muchas gracias, esperamos que toquen muy pronto por acá. VL: De hecho, estamos por cerrar una fecha. M

TXT:

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n z á l e z C A st i l lo. F OT: : C o rt e s í A s ndro Go ony M usiC .

Resulta curioso, pero antes de acercarse a un trozo madera con seis líneas de acero, el primer romance que Jack White sostuvo fue con la batería, cuando era niño. Los amplificadores y las guitarras llegarían tiempo después, así como su pasión por el blues. Él mismo habla de un tema angular, una especie de piedra filosofal que cambiaría su vida: “Grinnin’ In Your Face” de Son House. Fue a los 18 años que escuchó por vez primera esa canción, rudimentaria, apenas construida con voz y palmas, pero poseedora de un espíritu lo suficientemente liberador como para dotar de combustible al entonces adolescente, quien de pronto decidió que no se convertiría en sacerdote, pues se sentaría tras los tambores de un combo punk llamado Goober and The Peas.

Pubertad

K c a j W ite H ERo ¿EL GuITaR H

on 22 años encima, jack heredó las baquetas a Meg para dedicarse a domar a su bestia favorita, la guitarra, al tiempo que pegaba la boca al micrófono. tras dos años de ensayos y con el debut discográfico del dúo en las tiendas, parecía que el nombre de The White Stripes no iría más allá de los círculos de conocedores del garage, pero era cuestión de tiempo (y de que The Strokes secuestrara las listas de éxitos) para que la suerte de estos oriundos de detroit cambiara: tras De Stijl vino White Blood Cells y Elephant, el par de álbumes que sacaría a sus autores del basurero para transformarlos en la pareja de moda de la pasarela rocker. Fueron los compases de “seven nation Army” y una versión cruda, sanguinolenta de “i just don’t Know What to do With Myself”, de Burt Bacharach, lo que los ambientó en el glam. dos discos después la dupla decidió desmembrarse, aunque para entonces la fama de jack ya era descomunal. en realidad, Meg volvió al subterráneo mientras su compinche siguió escalando, alistándose para ser la figura pública que oficializaría el regreso de la guitarra eléctrica como el símbolo por excelencia del rock. si bien años atrás Nirvana untó la grasa necesaria para que el engranaje se mantuviera andando, seamos honestos: la evolución de Kurt sobre el diapasón dejó un tanto qué desear si se le

ck Ro L E uE

compara con lo mostrado décadas atrás por, digamos, personajes como Scotty Moore o Jimi Hendrix. es cierto que bajo las coladeras la guitarra contaba con ejecutantes de la mejor calaña –Ira Kaplan, J Mascis y Thurston Moore son buenos ejemplos– pero a nivel mainstream –acaso Matthew Bellamy podría contarse también– hacía falta alguien que infectara las cabezas de los chicos que hoy entumen sus dedos jugando Guitar Hero. en un carril paralelo a los stripes, el guitarrista amalgamó a The Raconteurs, con Brendan Benson y dos miembros del grupazo The Greenhornes: Patrick Keeler y Jack Lawrence. Así, alejado de la austeridad instrumental que solía caracterizarlo, con la bendición de Bob Dylan a su favor y dos platos bajo el brazo, retomó las baquetas para formar The Dead Weather al lado Alison Mosshart, lawrence (the raconteurs) y Dean Fertita. y aunque en ambos conjuntos el hombre

es él quien mueve los hilos de cada unos de sus pasos.

parece un elemento más,

la estatura de John Anthony Gillis (ése es su nombre real; fue a Meg a quien le hurtó el apellido) como guitarrista sigue creciendo a diario. igual puede vérsele con Wanda Jackson tocando “shakin’ All over” en el show de Letterman, que interpretando “the seeker” junto a Pete Townshend o “lovin Cup” con los Rolling Stones. también se le localiza haciendo una versión de “Mother nature’s son” en la Casa Blanca –mientras Barack Obama y Paul McCartney le aplauden–, que desgañitándose con la lectura más esquizoide que pueda hacerse de un tema de U2 (“love is Blindness”); o recibiendo elogios de Seasick Steve sobre el escenario para luego palomear con John Paul Jones. y le sobra tiempo para hacer más cosas: ya en ambientes más edulcorados, ¿qué tal sus devaneos con Alicia Keys y Jay-Z? y qué decir de su sello disquero, Thirdman Records (¿obsesionado con el número tres?), que bajo la leyenda de “tu tornamesa no está muerta” le ha dado electroshocks a la desahuciada industria del vinil con inventos como el triple decker record (nada menos que un siete pulgadas dentro de uno de doce) y el liquid filled record (sí, un vinil con líquido en su interior). A estas alturas del diapasón, ¿qué podría faltarle al buen jack? simple: un disco solista. ¿su título? Blunderbuss. un trabajo con el cual el autor se dio el lujo de lanzar un millar de viniles flexibles y transparentes con el tema “Freedom at 21”, pero aquello de “lanzar” fue muy en serio,

L oL R &

R PE S E

a? b a

porque cada una de esas rodajas de plástico venía atada a un globo de helio que, luego de surcar el cielo, sólo unos cuantos afortunados encontraron en los alrededores de nashville. y aunque en los compases de “sixteen saltines” y “’i’m shakin´” se manifiesta que por enésima vez es el propio guitarrista quien domina las perillas alrededor de sus canciones, es posible argumentar que, en realidad, el tipo no está tan solo. recientemente se ha visto a jack interpretar “love interruption” acompañado de un grupo integrado únicamente por chicas, aunque su verdadera compinche sigue siendo la guitarra, una compañía cuyo origen puede rastrearse en uno de los pasajes del documental It Might Get Loud, donde White toma un martillo, un puñado de clavos y unos cuantos trozos de madera para, en apenas unos segundos, con una cuerda y un envase de vidrio construir a su compañera eléctrica. una vez amplificado el instrumento, y ayudado de un slide, el artista consigue que éste escupa una serie de baladros que bien podrían interpretarse como una manifestación del espíritu de Son House. efectivamente, mirando a White raspar a su bestia de madera, pareciera que de pronto el rock & roll sigue vivo, que aún puede salvarle la vida a unos cuantos. si jack es o no el elegido para conseguirlo no podemos saberlo; en dado caso, quizá su guitarra tenga la respuesta. M

"Suelo deSconfiar de cualquier perSona a quien no le guSte led Zeppelin”. -jack White www.marvin.com.mx

T::

p y del h

M O N FE

OGÍA L o en

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Todo parece una consecuencia inevitable de la consciencia que lo observa. Y todo dentro de esa consciencia es inevitablemente una causa de lo observado. Ciertos fenómenos, sin embargo, están condenados al desentendimiento porque dentro de ellos media un complicado entramado de referencias culturales, opiniones e incluso criterios. Algunos fenómenos escapan a las estructuras del pensamiento, se formalizan como despilfarro y parecen únicamente comprensibles para cierta simetría política, mediática o social.

reo que fenómenos como la creación de una marca en la consciencia del público, o la recepción de tal o cual serie por parte de la crítica, proviene de una honestidad exacerbada y de un criterio informado y sostenido, tanto en la experiencia, como en la intuición. Creo en ello porque de alguna manera entiendo que puedo estar equivocado. Aunque hay ciertos errores mediáticos que parecen comunes a la especie –el elevado estándar del amor fraternal, nuestra relación con los felinos– el hype, es decir, la inflación de un acto artístico tras la intervención del circo mediático, no parece uno de ellos. Como fenómeno, el hype contiene también una esencia y es capaz de crear cierto sentido de universalidad; pero sus fundamentos son repetitivos y limitados: términos como “novedad” o must hear no dicen nada sobre un grupo que no pueda decirse sobre cualquier otro. Para empezar, diremos que el hype no consiste estríctamente en una inflación exponencial del artista, sino en un entramado mucho más delicado, frágil y falso de la veracidad y la vigencia social de un artista. Los circos mediáticos paralizan o ralentizan los procesos críticos pues en ellos, la consciencia tiene un lugar relegado. Los factores que deberían considerarse “reales”, son advertidos como representaciones, producto de una cultura que Guy Debord ya había considerado creadora de una “falsa consciencia”. El circo mediático es un mundo exponencialmente cerrado. Podríamos pensar que actos

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tan estupefacientes como Lady Gaga, o la artista virtual japonesa Hatsune Miku, representan un paradigma de aquello que el hype trata de imponer; pero eso significaría arriesgarnos a cometer un error imprudente. Actos como aquellos cuentan con un ejército de productores, representantes, publicistas y músicos trabajando a sus espaldas; su éxito es inmediato y casi natural porque conocen metodologías de mercado y se presentan resguardadas en éstas. Los artistas hypeados se mueven dentro de otra categoría. Su relativo éxito consiste en un flujo de información e ideas que se instalan, disgregan y desarrollan hasta la masificación; donde, acorde a los preceptos del mercado, deberían convertirse en un estandarte, por demás inmutable, del nuevo estilo musical floreciente. El hype aparece frente al escucha como una propuesta arquetípica de hipermodernidad. Casos hay demasiados, y en los últimos años, la incesante búsqueda por la novedad y el fracaso de la opinión que miles agolpan en las redes sociales, no han hecho más que multiplicar el daño. Lana del Rey, The Weeknd, el multipremiado Skrillex, y claro, –puedo escuchar al fondo una vocecilla gritando desesperadamente: ¡no, por favor, Grimes no! – Grimes, son ejemplos sensatos y asombrosamente pertinentes de este fenómeno. Asumir el trabajo de estos artistas, resulta en un acto casi temerario. Primeramente, porque estamos en lucha frente a una conformidad de prensa que no evalúa, mediatiza; carece de crítica, pero se jacta de sus opiniones; es incapaz de optar

por la subjetividad reconocida, y trama, en cambio, cierta objetividad naïf. Como si se tratase de un impulso adolescente, la intuición se subyuga a la discreta revelación, a la presentación y al descubrimiento de la “nueva gran maravilla de la música contemporánea”. En segunda instancia, las agrupaciones musicales se recrudecen del encanto, ya sentenciado por Bob Ostertag, de la era del mp3. Puede que el sonido sea un elemento que enrarece y cuestiona la fragilidad de las estructuras musicales, y que la música aún posea esa extraña virtud de envanecer en emociones, pero sus límites son ahora variaciones evidentes del derroche informático que significa internet. Sitios como Soundcloud, Bandcamp o The Hype Machine son excelentes plataformas, no sólo para que los artistas puedan publicar su trabajo; sino para que el escucha pueda adentrarse en un autoexamen de gusto y certidumbre. Sin embargo, la frenética recepción de estos sitios y la publicación de contenidos – cuyas cifras, escapan al cálculo del escucha promedio–; transforman sus intenciones y las intenciones del artista, en una vena más de la prepotencia informática. Es probable que esa contradicción jamás pueda resolverse, sin embargo, los espectadores más atentos han probado en varias ocasiones que el juicio de un pensamiento y un criterio naturalmente acelerado, apunta hacia una vitalidad musical sensata, capaz de indagar en la implicaciones de la distribución y promoción musical en la época hipermoderna. Naturalmente, el

hype es inmediato y la elección de creer en él o no, es privada. Después de todo, casi todas las manifestaciones que se hypean están basadas en su efecto, se aprecia en ellas una suerte de inducción ya no ideológica, sino promocional. El escucha, receptor cotidiano de las bombas mediáticas, puede sentirse obligado a respetar esta continuidad y escuchar cada nueva propuesta que es vendida como clave para la comprensión de su escena, pero ello implica también que debe tramar un cambio en sus relaciones sociales, en sus costumbres, en sus hábitos, incluso en sus valores individuales. Con Lipovetsky entendimos que el papel del individuo en la era moderna tiene un lugar cada vez más predominante. Nos individualizamos, mientras construimos las percepciones de un reino que compete exclusivamente a nosotros mismos: somos un cuento de hadas. La dificultad que supone el hype para la consciencia es en realidad, mínima. Basta con escuchar la música, no su efecto. La música, después de todo, prevalece como lenguaje y existe dentro de un imaginario colectivo, éste es el que debe ponerse a prueba cada vez que un artista “hypeado” conduzca nuestra atención. No sólo para desacreditarlo y tacharlo de falacia; sino también, para crear un juicio menos especulatorio, olvidar la sensibilidad de la pubertad y la conformidad de lo novedoso, de tal forma que podamos posicionar tal o cual artista u otro en nuestro propio imaginario. Finalmente, como manifestación artística, se trata de un paradigma susceptible de ser revisado. M

POR TADA

#Marvin12 Por segundo año consecutivo, Marvin celebra a lo grande con un festival que convoca a más de 40 bandas para tocar en varios foros de las colonias Roma y Condesa. Durante un día entero, sus calles atestiguarán el paso de bandas de todo tipo, y cuando decimos todo, nos referimos a que en Marvin cada género y cada banda nos interesa. Sean chicas, medianas o grandes, lleven amistad con Bob Dylan o sean perfectos desconocidos, toquen rockabilly, post-rock, hip-hop, sicodelia, indie, progresivo, funk, shoegaze, electrónico, punk o grupero, lo único relevante es que suban al escenario con la actitud, convicción y energía suficientes. Les presentamos aquí a cinco de los músicos que encabezan nuestro festival, cinco artistas que reflejan y sintetizan el carácter lúdico e incluyente de este festival #Marvin 12.

Making of y más fotos en www.marvin.com.mx/mas-musica

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na Gómez.

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zio Tomé. L e ba m. MK:: CiSCneroS

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Carla Morrison no puede y no ha de ser ignorada. Ella protagoniza uno los fenómenos más interesantes de los últimos años: de un día para otro y sin mayor advertencia, llegó con su guitarra y su voz para tomar cada escenario disponible, y el playlist de cada niña de 14 años ubicada 100 km a la redonda. Es sólo ella, con sus letras tristes, sus guitarras melódicas y su perturbador conocimiento de lo que pasa cuando sufrimos del corazón. Una de las propuestas más fascinantes dentro de esa cosa ecléctica y bipolar que llamamos la escena musical mexicana. Platicamos con Carla, quien con sus tatua jes en los brazos, crucecita en el cuello y una perpetua sonrisa en los labios, nos contó sobre todo lo que ella es.

FanatisMo

“me sorprende tener tantos fans y lo bien recibida que ha sido mi música. Todo fue muy rápido, pero es algo que deseaba. Si eres músico esa es tu meta, que la gente te escuche y le guste, pero es algo que nadie tiene seguro. Yo lo esperaba como dentro de diez años, no tan inmediato (risas)”. “además, tengo muy buenos fans, mi relación con ellos es muy cercana. Quizá eso se deba a mi manera de ser; no soy esta artista inalcanzable, no soy la morra más buena o más guapa. escribo cosas muy sencillas y entendibles, pero también digo cosas que muchos no se atreven a decir, no tengo pelos en la lengua, creo que todas esas cosas hacen que la gente se identifique conmigo. Yo quiero pensar eso”.

tristeza

“mis letras son muy tristes, escribo de mis momentos de crisis y tristeza. interpretarlas es algo muy fuerte, a veces es sanador, es catártico o extremadamente doloroso. También puede ser algo normal, otro show más. Hay días en que disfrutó más cantar algunas canciones y hay días en que no tengo nada de ganas de cantar cierta canción, o de cantar en lo absoluto, quizá porque me siento mal. Cuando canto, canto para mí… las personas a las que les escribí las canciones desaparecen, entonces se vuelve algo personal; algo que es sólo mío y de la gente que está ahí escuchándolo.

Dios

“Cuando hice ‘Tu luz’ estaba muy encabronada con mi papá, quería hacer una canción muy oscura y de repente pensé que sería mejor escribir algo totalmente opuesto. Para mí lo contrario a toda esa oscuridad, es Dios”. “Quise hacer una canción acerca de lo difícil que ha sido comprenderlo, es raro, cuando yo era chiquita mis papás me inculcaron mucho a Dios, y en ese momento uno cree ciegamente, sin entenderlo del todo. Cuando creces entiendes que Dios está en todos lados, en cada mirada de cada persona que conoces, entonces es más bonito y significativo. ‘Tu Luz’ representa ese viaje de no entender a Dios o de no sentirlo del todo, pero hasta ahora que lo identifico en mi vida diaria, es una parte muy importante de mí y de todo lo que hago”.

“es chistoso que me pregunten sobre Dios y mi creencia, en especial porque hay muchos otros músicos a los cuales no se lo preguntan, pero creo que es algo que falta mucho ahora. en mi caso, nunca me dijeron que tenía que ser católica o cristiana, pero sí me decían que existía y que por él nunca estaría sola, que él nunca me dejaría abajo, entonces no me molesta hablar de esto; al contrario me parece algo muy bonito y ameno, a él le debo todo. Yo no lo puedo ignorar”.

CoMparar

“me comparan mucho con natalia (Lafourcade) y con Julieta (Venegas), y todos los argumentos que tienen para hacerlo me parecen razonables. Yo no veo las similitudes tan obvias, pero tampoco me molestan. ambas son artistas a las que admiro mucho. Creo que con el paso del tiempo, uno se va ganando su lugar”. “a mí me tocó un muy buen momento de la música en méxico, las mujeres ya son muy aceptadas. nunca he tenido un obstáculo por ser mujer. Creo que se trata más bien de casos individuales, hay chicas que son muy buenas y hacen música padre y hay chicas que no. Lo mismo aplica a chicos o bandas, no creo que eso sea ya un tema”.

VuLnerabiLiDaD

“mi música es muy íntima, al principio era difícil tocar yo sola con mi guitarra y la loop station, me sentía muy vulnerable, pensaba: ‘ojalá no me vayan a aventar cosas o abuchear por ser tan cursi’ (risas). el día de mi primer show en la ciudad de méxico, cuando le abrí a natalia en el Teatro Fru Fru, me moría de miedo, era el público más grande que me había tocado; terminé la primera canción y quería llorar muchísimo, estaba muy asustada. Con el tiempo te haces de piel más gruesa y ya no es tan abrumador”.

soLeDaD

“Ser solista te da mucha libertad: tú tomas y eres responsable de todas las decisiones. al principio era un poco aburrido, pues cuando estás en un banda hay más opiniones, hay criticas… y cuando estás solo no hay nadie que te diga si la rola es mala, y si lo es, es toda tu culpa. es mucha responsabilidad y libertad, para mí es lo mejor que hecho, me permite hacer todo como yo quiero, por ejemplo, a mí

iSTEza, SoLED aD , D io S

Carla MOrrISOn TR

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Un GlOSarIO dE Y para

B y o T R aS CoSaS

me gusta mucho cantar en español, me gusta el idioma y creo que es muy romántico, y siendo solista soy totalmente libre de cantar, tocar y sonar como quiera, eso es lo mejor”. “Cuando me aburra de mí misma, me encantaría ser guitarrista de una banda, no ser frontwoman, sino estar detrás, a veces pienso en eso, me parece atractiva la idea de ser sólo músico, ser parte de algo que no es mío, creo eso me ayudaría a mejorar como artista. Pero como todavía no soy tan buen músico, no le ofrezco a alguien mis servicios de guitarrista (risas). Yo toco a lo tonto, no lo hago bien”.

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“Conocí a Juan Manuel torreblanca, por mySpace –cuando todavía no colapsaba– y en ese entonces él era músico de natalia, cosa que yo no sabía. nos hicimos muy amigos y desde entonces él me ha ayudado mucho, es un angelito en mi vida. Gracias a él también conocí a andrés Landon. Cada vez que yo venía a tocar al DF, ellos dos me acompañaban”. “Después se me ocurrió que ellos dos me produjeran el nuevo disco. Landón tiene mucha locura en su composición y Juan va un poco más sobre la regla, me pareció que sería una gran combinación. Fue súper bonito, pues todos somos amigos y músicos, no productores, así que fue muy divertido hacerlo… era algo muy nuevo para todos”.

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“Siento que este nuevo disco tiene mucha evolución; es mucho más fino y maduro y muy, muy triste. Tiene chelos, violines, pianos y del otro lado hay garrafones de agua, frijoles, etc., tiene muchos elementos. La mayoría lo hicimos en el estudio de mi casa en Tecate, fue una grabación muy básica, fue súper bonito mostrar esta nueva parte de mí, una Carla más madura, que siente de una manera distinta”.

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“Vivir en la frontera es algo que me chingó; es difícil, siempre te sientes lejos, que no perteneces… yo siempre viví en Tecate, pero las compras y todo eran en estados Unidos. Cuando vivía en estados Unidos, el alma, la familia, los recuerdos estaban del otro lado. eso te chinga la cabeza. La frontera marcó mi vida y mi música, hay una especie de chicanismo en ella”. M

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RC no cabe duda: las interviús se disfrutan al máximo cuando los entrevistados tienen convicciones, y un sentido del humor que les permite vivir su personaje con decisión férrea y auténticidad genética. Como muy pocos músicos, Los Rebel Cats son una banda que come, piensa, sueña, se enamora y destila rockabilly, un género seminal que hoy nutre incontables subgéneros y manifestaciones callejeras. De manera religiosa, Los Rebel Cats han esparcido el mensaje del rockabilly en México de una manera respetuosa y purista. a la fecha han editado cuatro discos de estudio, y en sus palabras no se adivina ninguna intención de traicionar los acordes de este género, que en su caso, representa una tradición familiar. Generalmente, padre e hijo no comparten sus gustos musicales, ¿cómo fue que ustedes terminaron hermanados por el rockabilly? Vince monster: mi papá, Vincent Van rock, vivió la llegada del rocanrol a méxico y desde entonces comenzó a tocarlo. Yo crecí escuchando sus discos, y aunque él jamás me dijo qué debía escuchar, siempre me gustó, es algo que traía en los genes. recuerdo escuchar a elvis presley, Chuck berry, Jerry Lee Lewis y el rocanrol mexicano de los 60. ¿Y cómo fue que adoptaron a Lalobilly? Lalobilly: Yo era su fan, los conocí en un festival y dije: “de ahí soy, del rockabilly”. Un día me encontré a Vincent Van rock en el Chopo y le pedí clases de guitara, estuvimos varios meses y después le pedí que me enseñara los tonos del contrabajo. eso coincidió que ellos tenían problemas con el contrabajista y así me propusieron entrar a tocar con una de mis bandas favoritas. Debió ser muy interesante vivir el auge del rocanrol primigenio en México. ¿Qué discos llegaban en esos años a México? VVr: Yo empecé a oír rocanrol en el 58, canciones como "rock de la cárcel" o “Tutti Frutti" de Little richard. Desde entonces me preguntaba por qué en méxico nadie tocaba respetando los elementos del rocanrol. en esa época, con la llegada del twist y el a go go se fue perdiendo la semilla del rockabilly. Siempre tuve un grupo de rocanrol, pero fue hasta que mi hijo se unió en la batería que me dijo: "vamos a depurar las cosas, el “bule bule” no es rocanrol, hay que definirnos para diferenciarnos de los grupos que combinan a go go, calipso y demás ritmos poperos". así decidimos tocar un rockabilly influenciado por las grabaciones del 54 y el 59. entonces hay una confusión sobre qué elementos conforman este género, ¿para ustedes qué elementos musicales definen al rockabilly? Vm: es un género que inició a mediados de los 50 en el sureste de eU. es una mezcla de música hillbilly, rhythm and blues y country, además de música afroamericana como el jazz y el góspel. De esa mezcla nació el rocanrol y rockabilly, dos géneros hermanos que tienen las mismas raíces, que se diferencian porque el éste se apega más al country mientras aquél al rhythm and blues. el rockabilly nace con el primer sencillo de elvis prestley, lanzado el 19 de junio de 1954: de un lado venía "That's all right" y del lado b "blue moon of Kentucky". La

alineación era scotty Moore en la guitarra líder, bill black en el contrabajo y elvis en la acústica: ese trío es la base del rockabilly. es una formato que también hicieron Johnny Cash y Johnny Horton. al principio no había batería porque la parte rítmica provenía del slap del contrabajo. nosotros queremos mantener esa cultura, ese sonido y esa estética tan rica y divertida que pasó fugazmente por méxico en los 50. ¿Cómo traducen lo que se cantaba en eu hace 60 años a lo que ustedes viven actualmente en México? Vm: el rockabilly tiene cánones muy específicos, si los abandonas ya suena otra cosa; así surgió el psychobilly en los 80 en inglaterra, que eran punks modificando toda la estética. La temática debe ser muy apegada a los años 50. obviamente no usamos el mismo lenguaje, ni los mismos calós, imagínate si usáramos palabras como “chamaca” o “pachangón”. buscamos un lenguaje neutral para hablar de la fiesta, el baile, la novia, el romance y el malromance…, Jerry Lee Lewis no estaba en la secundaria, pero cantaba como si lo estuviera. Las letras son sencillas y por eso es un género muy universal, para todos los gustos, por eso le gustamos a punks, death rockers, surferos, garageros, niños, papás y bisabuelos. aunque son géneros distantes, tanto los punks y los rockabillys visten y viven la música como un estilo de vida… Vm: eso es otra cosa padre, que hay un conjunto de elementos que nos definen. es un estilo de vida que vivimos todos los días y lo expresamos con la vestimenta, el peinado, a diferencia de otros géneros, en los que sólo se ponen el disfraz durante el show. nosotros vivimos del rockabilly para el rocakabilly. VVr: no somos rockabillys de sábado en el Chopo (risas). si armaran un playlist con música que no fuera rockabilly, ¿qué nos sorprendería saber que les gusta? VVr: el mambo, el chachachá, la música de Los panchos por la armonía, pedro infante. Ya cuando estoy pedo me gusta José alfredo Jimenez (ríe). Vm: aunque lo mío es escuchar bluegrass, honky tonk, doo wop, blues, también crecí escuchando hair metal, glam, grunge, trash y punk rock. L: Yo de pronto le cambio, escucho discos de amigos músicos como son Los infierno, Carla Morrison, Los románticos de zacatecas, Lost acapulco, etc. También escucho norteño porque los golpes del contrabajo tienen parecido con los del rockabilly.

Hace poco terminaron Diversión, su cuarto disco de estudio. ¿Cómo lograron unificar un álbum que fue hecho por tres productores distintos? Vm: Sabíamos exactamente a dónde queríamos llegar y teníamos referentes precisos para mostrarle a los productores. aunque ninguno de ellos habían grabado rockabilly, todos estuvieron abiertos a empaparse; les llevamos ejemplos de distintas influencias y con nuestros instrumentos logramos una mezcla homogénea. si pudieran armar un festival de rockabilly desde cero, ¿cómo les gustaría hacerlo? Vm: Les demostraríamos a los rocanroleros de los años 60 que sí existen rockers de a de veras. esos músicos vivieron la edad de la punzada, grabaron una rolas y ya, ahora son abuelitos que están en su casa a toda madre, llegan a una entrevista con su chamarrita, pantalón caqui y zapatitos cómodos. esos señores hicieron sus “giritas”, pero les pasó la ondita del rock y se perdieron haciendo baladas. Qué triste que no creyeron en su proyecto, que no siguieron tocando y grabando nuevos discos. Jerry Lee Lewis, cerró el festival más importante de rockabilly el año pasado –Viva Las Vegas–, ese señor sigue grabando discos, toca lo que le gusta sin traicionarse. en méxico se les olvidó el rocanrol a los cantantes de los 60 y ahora dicen: “yo no era rocanrolero, era baladista”. algunos hasta grabaron sus éxitos en duranguense. VVr: Yo sigo en contacto con todos y siempre les digo que graben algo nuevo, pero como están ganando bien, no les interesa. ¡allá ellos! Vm: Desde el principio yo propuse hacer canciones nuevas, pero los demás músicos obviamente no querían dejar el target de toda su vida. Decían que el rocanrol es música del recuerdo, de la nostalgia, jamás pensaron que hay chavos queriendo escuchar cosas nuevas. me dan tristeza los grupos versátiles de rocanrol, esos músicos deberían darle una revisada a Google o YouTube para que vieran que existe una escena. VVr: ni siquiera saben que elvis tocaba rockabilly en sus primeras grabaciones, creen que es un término inventado en los 80 para darle un impulso al rock… están mal. ¡el rockabilly nació siendo rockablly! Vm: Los DJs así lo bautizaron en los 50, cuando Johnny burnette creó “rock-a-billy boogie”, igual Guy Mitchell. Los músicos siguen creyendo que el rockabilly es un rock más veloz, e ignoran que es un género más lento incluso. afortunadamente, los chavos están conociendo las diferencias y lo están agarrando bien padre. M

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todo lo que debes oír de esta banda en www.marvin.com.mx/mas-musica

TBR “Luce más pequeña en persona que en la pantalla, pero más bella”, dice nathan nicholson del otro lado de la línea telefónica. Se refiere a Drew Barrymore, a quien su banda The Boxer Rebellion conoció cuando actuaron como ellos mismos en la película Going the Distance, estrenada hace un par de años. Después, platicamos sobre lo extraño que resulta contemplar cómo un ícono de tu niñez, pubertad y adolescencia –porque a Drew le sigo los pasos desde su aparición en E.T., el extraterrestre– de repente se convierte en mujer frente a tus ojos, a lo que nathan concluye: “Te entiendo a la perfección, porque a los 14 años yo estaba obsesionado con…” y menciona el nombre de alguna estrella de cine que a mí me suena como Reese Whiterspoon pero que por cuestión de fechas no puede tratarse de ella…

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ons TRUo llaMado U2

The boxer rebellion se presentará en el Festival marvin 2012, este 19 de mayo. nathan está emocionado luego de tener que cancelar su actuación en el Corona Capital el año pasado, por motivos personales, y porque entrará en contacto con fanáticos que se saben todas sus canciones. Lo cual, confiesa, todavía le parece extraño: “obvio cuando era adolescente soñaba con formar parte de una banda muy popular, pero a estas alturas, todavía me sorprende hasta dónde hemos llegado”, expresa. “Las bandas ahora se las ven más negras, porque no se venden tantos discos como antes. el otro día escuché a noel Gallagher hablar de eso. Difícilmente una banda actual se convertirá en un monstruo del tamaño de u2”. Le comento entonces que cuando yo atravesaba la pubertad, imaginarme en las filas de una banda como pearl Jam, alice in Chains o nirvana me parecía un pretexto formidable para estar borracho todo el día, viajar alrededor del mundo y conocer mujeres. “Sí”, ataja nathan, “muchos pensamos que sería así (ríe), pero la verdad es que formar parte de una banda de rock conlleva muchas más responsabilidades de las que un adolescente puede imaginar. borracho sencillamente no puedes salir adelante. Viajar es algo muy divertido, pero también agotador. el rock puede ser tan salvaje como tú lo decidas”. además, están los malditos números. ¿Cuántos discos se venden? ¿Cuántos boletos? ¿Cuánto cuesta una camiseta con el logo de la banda? ¿Cuánto dinero se puede ganar si se incluye un tema (como “Losing You”) en el soundtrack de un videojuego (como Batman Arkham City)? Por fortuna boxer rebellion cuenta con un mánager excepcional, ya que fue él quien les obsequió una enciclopedia de historia donde se enteraron de la anticapitalista guerrilla china, a la que le deben su nombre.

El v

iajE a l

a T i E n da d E d i s

Cos

el álbum más reciente de la banda, The Cold Still (2011) fue producido por ethan Johns y grabado en The real World –los estudios propiedad de peter Gabriel–. aunque Johns es responsable de discos tan bien cotizados como Aha Shake Heartbreak y Because of the Times, de Kings of Leon, la banda formada en 2001 en Londres no se dejó seducir por el color del dinero. “más que fijarnos en los grupos con los que ethan trabajó, preferimos dejar que nos mostrara qué es lo que podía aportar a nuestro sonido. nos gustó que el disco se grabó casi en vivo, sin demasiado maquillaje. no trabajamos bajo un concepto; es decir, sencillamente dejamos que las canciones se conecten y fluyan, que se comuniquen entre sí. Ya que deseamos que el disco sea bueno en su totalidad. Creo que los momentos que más atesoro de mi pubertad tienen que ver con la música. Los viajes a la tienda de discos eran épicos, porque meses antes ya estaba nervioso por la salida de algún disco de mis bandas favoritas. Por supuesto, conocía el sencillo que ya se escuchaba en la radio, pero después de escucharlo había que explorar el resto del disco y esa representaba una experiencia maravillosa”. el tiempo es una guillotina que está a punto de decapitar esta llamada telefónica desde Londres, por lo que apenas hay tiempo para lanzar una última interrogante: ¿Le escriben canciones a las mujeres? nathan ríe, pero responde: “Claro, mi esposa ha inspirado un par… pero nos interesa mucho más elevar las relaciones humanas a un nivel general que hablar de ellas de una forma demasiado particular”. M

“más que un mánager, se trata de un amigo”, comenta nathan. “es necesario pensar en un mánager cuando el grupo comienza a despuntar: tienes que disponer de un equipo que trabaje para ti y te permita ocuparte únicamente de tocar y grabar música. Debe haber alguien que vigile de cerca cómo se vende tu merchandise”.

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Las muchas caras de bradford Cox en www.marvin.com.mx/mas-musica

porque bradford considera que los artistas tienen el deber moral de conmocionar y sorprender. asombro y perturbación: ¿hace cuánto que ese par de estados anímicos no chocan las manos frente a tus ojos encima de un escenario? porque el nativo de atenas ha estropeado fiestas pinchando discos de Faust y nurse With Wounds. a diferencia de otros, bradford no se asume como el clásico DJ improvisado con ganas de caerte bien. porque hace a un lado su labor en Deerhunter con un solo afán: ordenar sus ideas, clarificarlas. Y eso significa trastocar sus propios límites, ponerse a prueba a sí mismo. Correr riesgos, pues. porque tiene una camiseta de the breeders y todos sabemos que alguien que gusta seguir las evoluciones de las hermanas Deal, no puede ser un mal tipo sobre las tablas. porque cuando Fox toma su guitarra acústica lo hace para envolverla en cascadas de loops y rasguños en reversa que pueden producirte mareos.

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porque sus composiciones encuentran el balance correcto entre tensión y dulzura. es un alivio saber que con atlas sound jamás quedarás abandonado en el vacío. porque no importa cuál atuendo escoja para salir al escenario –puede ser un lindo vestido o una coqueta pijama con todo y pantuflas–, Fox se las arreglará para hacerte alzar las cejas. porque puede sorprenderte no sólo interpretando algunos temas de su impecable hilera de discos; sino tomando una canción prestada para ponerla de cabeza, como “My sharona”, por ejemplo (desnudar a un miembro de la audiencia durante el acto forma parte del trato). porque no se asume como un músico indie; de hecho, se pregunta qué jodidos significa ese término tan trillado. porque el atractivo de atlas sound es tan largo como los fémures de bradford Cox y porque tú, así como él, te encuentras ansioso por trastocar tus límites.

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á L e z C a ST i L Lo.

S fL oR i Da S

urante los años sesenta, el catálogo de the beach boys se encargó de hacerle creer al mundo que en California se encontraba la sucursal más cercana al paraíso. Según brian Wilson, tendidas sobre la arena de aquellas playas había suficientes chicas para todos; cada una aguardando sonriente y dispuesta, envuelta en bikini. ¡Patrañas! a décadas de distancia de aquella época, Charles rowell y brandon Welchez decidieron que ya era hora de derrumbar utopías soleadas sin dejar de hincarse ante los clásicos del pop (aunque ellos mismos argumentan que no le deben su nombre al álbum homónimo de echo & the bunnymen). Con residencia en San Diego, la dupla se presentó en directo por vez primera en mayo de 2008. Para entonces ya contaba con canciones que, si bien lucían endeudadas con la consistencia pegajosa de las tonadas a la beach boy, se encontraban cubiertas por las pesadas mantas de the Jesus and Mary Chain, el fundamento ideológico del punk y el ansía trasgresora del krautrock. Ya con la bendición de no age encima, el dúo puso en las tiendas de discos su declaración de principios: el verano del amor apestaba, la llegada del Summer Of Hate era inminente al grito de “i Wanna Kill”. en primera instancia, rowell y Welchez querían calibrar cuántas personas podían convocar dos tipos armados con una guitarra, una máquina plena de perillas y dos amplificadores. La idea de reunir a cincuenta asistentes empapados de sudor en una sola habitación era suficiente para mantenerlos vivos; sin embargo, para su segundo álbum, Sleep Forever, decidieron aliarse con James Ford (simian Mobile Disco) para así sosegar aquella madeja de feedback y reverberación que solía caracterizarlos. Sin deshacerse de su perfil lo-fi, los Crocs consiguieron mantener a flote esas líneas melodías que antes amenazaban con sofocarse entre marejadas de ruido; aunque sin sacrificar su temática mórbida en temas como el que da título al disco, el críptico “Stoned to Death” y el explícito “all my Hate and my Hexes are For You”. Y de pronto, como si los ramones se deshicieran de sus desgarradas prendas para usar gafas de pasta y camisetas de diseñador, el combo de San Diego nos dispara distorsión con “Sunday (Psychic Conversation #9)”, uno de los diez tracks que aloja endless Flowers, su más reciente producción. en dicha composición, de nuevo hay acero cochambroso y tonadas suficientemente floridas, aunque esta vez el par de músicos se acompaña de dos chicas, anna schulte y robin eisenberg, tras los tambores y los teclados respectivamente, y de Marco Gonzalez en las cuatro cuerdas. naturalmente, la dinámica sónica se ha visto modificada con una alineación de estas características, pero debido a que Charles y brandon operan como líderes, es el escenario quien sufre con mayor intensidad las alteraciones. Por fortuna, podremos atestiguar cada uno de los movimientos de la dupla californiana y sus acompañantes durante el Festival marvin 2012. Ya constataremos si es cierto aquello de que su sonido se asemeja a “una cama de clavos cubierta con una mullida frazada”; de lo contrario, celebraremos la llegada los beach boys más punks del estanque indie.

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d e r N s e w

ta PiNA M n E i rE S p

Ot r a Di me n si la t ón er Pa ce r ra

Di m

diferencia de su documental Buena Vista Social Club –que tuvo muy buena recepción en México– en esta ocasión el reto fue mostrar de manera interesante y atractiva el legado de la coreógrafa Pina Bausch, quien hizo escuela dentro de la danza contemporánea alemana; pero cuyo trabajo se antoja lejano para los grandes públicos.

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La trampa Se sabe que Wenders y Bausch fueron amigos por más de 20 años, hasta la intempestiva muerte de Pina en 2009, justo cuando el cineasta alemán comenzaba la planeación del documental. Podemos imaginar que ese hecho subió de inmediato la emotividad del proyecto, que resultaría una especie de homenaje no deseado, razón por la cual la idea original cambió para adaptarse a las circunstancias. Suponemos que aquí, justo en este punto, hace su acto triunfal el 3D, ayudando a ensalzar las texturas entre los planos, lo cual enfatiza la profundidad visual del docu. Pero quizá lo más importante es que la danza filmada tiene aquí un nuevo aliado, que ayuda en la adaptación del lenguaje corporal, sin perder detalle de todos los elementos que ocurren simultáneamente en las coreografías de Pina, donde no sólo el mobiliario tiene un punto trascendental, sino que la acción y la sensualidad de los intérpretes ocurre en diversos puntos del escenario.

aL finaL, La pasión TXT

:: JorgE Ari A

S / @ Urbanícola

Para muchos cineastas, el 3D es el nuevo juguete, una herramienta que utilizan para crear filmes que resultan interesantes para los grandes públicos, pese a que la taquilla parece no responderle tan bien como sus productores quisieran. Wim Wenders, quien se volvió uno de los directores favoritos del llamado cine de arte durante los ochenta y noventa, recurrió a la tercera dimensión para hacer Pina, un documental que, para no perder la costumbre, está basado en algo que le apasiona.

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El resultado es Pina, documental que inauguró Ambulante –la gira de documentales– a principio de año, y que este mes se estrena en el cine comercial. Aquí, la participación de la compañía Tanztheater Wuppertal fue un punto clave, ya que representa algunas de las coreografías icónicas de Pina Bausch, mismas que fueron seleccionadas por ella y Wenders: “Le Sacre du printemps“, “Vollmond“, “Kontakthof“ y claro, “Cafe Müller”. Todo ello deriva en una explosión visual llena de texturas y cadencia que tal vez, sólo tal vez, reivindica este novedoso formato, y sirve para que Wenders demuestra la pasión que siente por el arte de esta coreógrafa alemana.

LITERATURA

E i v

s C a o l e V r

ADA UNZ l g o y M a r C o P a LA Hid DE C a r l o s

AD u a n ED X T : : J T

El terremoto no ocurrió en la ciudad sino en las palabras. Nos desplazábamos para acudir al encuentro del autor de Diablo Guardián (03), Éste que ves (06) y La edad de la punzada (2012) cuando una nueva sacudida telúrica se sintió en la Ciudad de México. Xavier llegó un poco afectado, es cierto que otro tipo de catástrofes dejan mayores cicatrices en el alma: durante la recreación de su adolescencia sufrió la pérdida de su madre; así que la escritura se convirtió en un vehículo para filtrar la parte más áspera de la memoria. Vida y literatura entreveradas de un modo irreversible; una noción siempre presente a lo largo de esta conversación.

Pubertad

Pat i ñ o .

FOT:: Pedro VelasCo.

Ya escribiste sobre la infancia y ahora escribes sobre la pubertad. A fin de cuentas, ¿la edad de la punzada se supera o nos deforma para el resto de la vida? Xavier Velasco: se supera en todos los sentidos. Hay gente que dice: fulano sigue en la edad de la punzada. Pero no es cierto, una cosa es que quieras seguir mostrando los síntomas de esa edad, y otra que sigas allí, porque jamás volverás a tener ese candor. es decir, si tienes 30 años y una gran cantidad de experiencia, a lo mejor te enviciaste y quieres seguir así toda la vida. eso está muy bien, es tu problema. Pero esos años de inseguridad, de asombros, de culpas se superan en el mismo momento en que te habitúas al mundo. Hay adolescentes que se cuelgan de una viga porque no soportan la presión. todos salimos con cicatrices, madrazos: nadie quiere una adolescencia sobre algodones. ¿Cómo te sientes cubriendo los Grand Slams de tenis de todo el mundo? Se nota que para ti es importante gozar de libertad de movimientos. XV: es importantísimo. siempre he creído que para atreverse a escribir de algo hay que haberlo vivido de alguna manera; por lo menos lo más cerca. si vas a escribir de un asesinato no tienes que matar a nadie, pero sí conocer a un asesino. en ese sentido, para quien escribe la libertad es fundamental; tienes que perderte, meterte en problemas, andar por territorios que no conoces, descubrir cosas nuevas. tenerte siempre preparada una dosis de asombro, sino para el día siguiente, al menos para la semana o para el mes. soy una persona muy inquieta, no estoy tranquilo nunca. esta profesión de escritor no solamente me agradece que sea así, siento que me lo exige o quizá siento que lo exige porque yo soy así. Te preguntamos sobre los Grand Slams porque en La edad de la punzada hablas del legendario Raúl Ramírez en la Copa Davis. ¿Es importante la época en que se desarrolla esta historia? XV: la ubicación nunca es demasiada clara; pero sí, hay ciertas mojoneras. si dices raúl ramírez, tuvo que haber pasado entre 1975 y 1983. tampoco se trata de ocultarlo. no quiero ni marcar ni ocultar. lo que más me interesa de la historia no es cuándo sucedió, es cuándo sucede: ocurre cuando abres el libro y te pones a leer. entre menos referentes tenga la época y el lugar, mejor. Pero eso no significa que yo quiera decir: “algún día, en un reino muy lejano ocurrió esta historia”. Pasó donde yo vivo y entonces tampoco es un secreto de estado. no porque la música que escucha el personaje es vieja hay que ubicarlo en cierta época, me gusta que haya una ambigüedad, siempre la busco, sobre todo en las novelas. Me gusta que te preguntes: ¿habrá sido en este año?

es importante que el lector complemente la novela. ellos le meten los efectos especiales. Mencionas a Alice Cooper y Bowie en la novela, pero recordamos que hace tiempo dejaste el rock para adentrarte en la música brasileña. ¿Sigues en ese mood? XV: no tan radicalmente, de pronto escucho otras cosas. ya ni siquiera sé que escucho. Para esta novela me forcé con música que escuchaba entonces. al principio escuché música que odiaba con toda mi alma y después ya me fui dando permiso, conforme el personaje crece y va ganado autoridad, de pronto ya tiene su música, sus películas, y una cultura personal con la cual oponerse a la escuela y a la familia. La madre del personaje principal le dice: “Tus amiguitos son una mala influencia para ti”, a lo que él responde: “No, tal vez yo soy una mala influencia para ellos”. XV: Cuando descubrí a Bowie surgió una brecha generacional entre mis amigos y yo. se burlaron de mí, pero finalmente eso se siente bien. Cuando eres inadaptado y los mismos inadaptados te ven con desconfianza algo debes estar haciendo bien. a esa edad buscas cierta originalidad que te separe tanto de otra generación como de la tuya. así compras el respeto: quieres ser reprobable, que los vecinos te vean con asco. un amigo se puso una peluca para meterse al cine cuando era joven, y una señora le dijo: “Pero qué tipo más asqueroso”. y él anduvo feliz por días porque consiguió ese piropo. entonces, mi personaje quiere que lo vean con cara de fuchi, que se asusten porque de otra manera se olvidarían de él, y eso no le gusta.

¿Cómo habla el personaje? XV: no quise imitar a un adolescente del 2011 porque se iban a reír de mí, pero tampoco quiero modismos de 1978 o del año que quieran. Quise que fuera lo más transparente, lo más directo posible. Como una música sin mucha producción, como una película sin tanto hermosear. la adolescencia sucede así. Finalmente, dicen que no hay un libro más lleno de mentiras que una autobiografía. ¿Te molesta que los lectores y los periodistas insistan en tomar una novela como si fuera tu biografía al pie de la letra? XV: esta es una historia inspirada muy fuertemente en mi vida, pero a nadie le aseguraría que es toda mi vida porque tampoco es una memoria y como tal no es tan interesante. Mi vida es interesante sólo durante el tiempo en que hay una historia sucediendo y decides contarla. en el momento en que al adolescente le empieza a ir bien deja de ser interesante. yo no busco contar mi vida. Me interesa contar el impasse cuando el niño ya no es niño, ni tampoco adulto, pero es un monstruito al que nadie puede parar y que aún en los momentos más difíciles es capaz de divertirse como un idiota, de alcanzar estados de felicidad hasta en las peores desdichas. ¿Si Diablo guardián tenía su rap, le escribirías su rock a La edad de la punzada? XV: no creo que me atreva, pero hay tantas canciones que se ajustan para hacer esto. si tuviera que hacer una película con esta novela habría kilos de canciones. evitaría “another Brick in the Wall” pero usaría a Alice Cooper, que es el especialista en la edad de la punzada; él y Kiss son los tradicionales proveedores. M

¿Qué es lo más importante cuando te enfrentas con una novela, encontrar el tono y la estructura o contar la propia historia? XV: lo más importantes es contar la historia. es decir, si tienes un plan para salir con una mujer, ¿qué es lo más importante? Pues salir con la mujer, pero si la invito al auto cinema, entonces necesitaré un coche. ese se coche es toda la estructura. la a prioridad es contar la historia, y aunque a veces te llega el cómo, es más cómodo cuando tienes el qué. ¿Cómo fue para esta historia? XV: Para esta historia, tenía el qué tatuado en forma de trauma, pero el cómo me hizo pensar: ¿lo o contaré en primera persona, en presente, desde el ahora o en flash backs?? Finalmente fue como hacer un disco de los Sex Pistols, es decir, con lo que está pasando en directo. Cuando eres muy joven piensas en historias que tengan una estructura retorcida porque quieres apantallar a la banda y la historia se pierde. Me importa tanto la historia que ni siquiera pienso en cómo contarla, si no en cómo salvarla.

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Sudadera gato elegante: Rosie Music. Collar de pelras: robado del joyero de la abuela. Pines: del puesto de afuera de la secundaria. Diadema de perlas: econtrada en una viejo estuche de Polly Pocket. Collar Best Friends: regalo de su amiga Jann.

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O C E n C I n a I Foto: Daniel Patlán Producción: Jimena Gómez Estilismo: Jimena Gómez Modelos: Dani B. y Jann / Wanted Model Management / www.wantedmodelmanagement.com Peinado: Cynthia MMB. Jonathan Ramírez C. Maquillaje: Sandra Olivares. / sandrus_130@yahoo.com Agradecimientos a: Happening Store (Madero 10. San Ángel).

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T-shirt gato elegante: Rosie Music. Collar de perlas: robado del joyero de otra abuela. Collar best fiends: regalo de su amiga Dani. Pines: del puesto de afuera de la secundaria.

Jann Vestido rojo: vintage. Collar perlas grises: Fou Fou Chat. Moños rojos: Jann los conserva desde los seis años. Pulsera diamantes: regalo de una tía rica, en su lecho de muerte. Dani Vestido blanco: Santoki. Headband: Santoki Pulseras best friends: regalo de su ex mejor amiga. Collar fresa: Fou Fou Chat Collar cerezas: Fou Fou Chat. Collar corazón: Santoki.

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Dani Headband: Fou Fou Chat / Guante: vintage / Anillo: Santoki.

Lentes: vintage. Leggins: Yeesus. Zapatos: MiTu.

Jann Headband: Fou Fou Chat / Lentes: vintage.

Vestido: vintage. Zapatos: MiTu. Guantes: vintage Collar gris: Fou Fou Chat. Collar perlas rosas: vintage. Headband: Fou Fou Chat. Anillo: Santoki

CÃ&#x201C;MIC

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OAKI MESKILDSEN

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A L I S O N M A LO N E

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CLAUD INEDOURY

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NIALL O'BRIEN

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B E AT R I Z B A R R A D A S

MICHALE ORMEROD

Z U Z A N A M I TO S I N KO VA

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B E AT R I Z B A R R A D A S

WERNER AMANN

S O N YA K O Z L O V A

M I R I A M S I TC H I N AVA

J O E S K I LT O N B E AT R I Z B A R R A D A S

LINA SCHEYNIUS

JOLIJN SNIJDERS

PRJSH AUGHNESSY

K E L LY B U R G E S S

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J E F F LU K E R

C U R R A N H AT L E B E R G REBECCA MIANAOLSSON MORAD BUCHACOUR

ANNABEL MEHRAN GERALD EDWARD

M A R I A M S I TC H I N AVA

N I K I TA P I R O G O V

PAT R I C K T S A I

MARINA RICHER

B E AT R I Z B A R R A D A S

D R U D O N O VA N

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JOLIJN SNIJDERS

INGEBORG KLARENBERG

SAMUEL PRITZKER

K Y L E S C U L LY

NIALL O'BRIEN

B E AT R I Z B A R R A D A S

RAIMOND WOUDA

WERNER MAHLER

I L S E VA N A G A

B E AT R I Z B A R R A D A S

JOLIJN SNIJDERS

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¡Ah la pubertad! Esa etapa terriblemente extraña en la que eres una masa cambiante, un costal de hormonas con pelos incipientes y gustos musicales cruelmente sometidos a las imposiciones de la cultura popular. Si algo habremos de aprender de los belibers y demás fans de las estrellas de Disney, es que los pubertos son una fuerza de consumo, un motor capitalista de la cultura pop. La pregunta sería: ¿Qué los define? Según mi experiencia y un limitadísimo estudio de campo, habría dos factores definitorios: el enojo y la incomodidad. Nadie entiende a los pubertos y eso los enoja, no están cómodos en su propia piel o en la escuela… y eso los exaspera. La pregunta lógica sería entonces: ¿Por qué una gran cantidad de pubertos están oyendo a Justin Bieber, cuando su rabia debería llevarlos a escuchar punk?

T X T : : J I M E NA G Ó M E Z .

l asunto es una verdadera lástima. No. Una aberración, ya que no hay un género musical más apropiado para el enojo que el punk; con sus letras simples y repetitivas, acordes duros y guitarras mal tocadas. No hay una expresión emocional más básica y cruda (léase puberta). Pero claro, la cosa no es tan simple. Uno no puede llegar a la secundaria, poner “Now I Wanna Sniff Some Glue” de los Ramones a todo volumen y esperar buenos resultados. Afortunadamente, en el punk hay algo para todos: un grupo, un disco, una banda que le habla a esos humanitos deformes, sudorosos y barrosos. Para aquellos retrógradas que se atreven a afirmar que el punk está muerto (escupo en sus grises barbas), es pertinente subrayar que el punk no es sólo música –mucho menos mowhaks y estoperoles–: es emoción y crudeza, violencia y crítica social. El punk es un verbo… y los verbos nunca mueren. No teman, Johnny Rotten, suena en nuestros iPods.

5 discos para entrarle a la punkbertad television

Marquee Moon Para el puberto con alto riesgo de volverse emo.

Look here junior, don't you be so happy. And for Heaven's sake, don't you be so sad. En 1974, una nueva escena se formó en Nueva York: CBGB era la escuela y los chicos populares eran Television. Hartos de su época, su sonido sentó las bases para quienes pronto se vestirían de piel y estoperoles, esa generación que ya no toleraría un solo de guitarra de 15 minutos. Con Richard Hell a la cabeza, Television tomó el escenario

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y empezó a desnudar el rock; su voz era pasional, las guitarras tan complejas como emocionantes, y todo convivía en canciones cortas llenas de nerviosa energía: el punk comenzaba a dar sus primeros, torpes e iracundos pasos. Marquee Moon es un disco que les ganó la posteridad como el primer jam álbum punk, y retrata no sólo el sonido, sino una escena que se encontraba en plena gestación de manera un tanto amorfa, un poco insegura. Años después, Richard Hell (sin Television) tocaría por primera vez “Blank Generation”, un himno del movimiento que inició un diálogo en el que todas las bandas de punk han participado. the ramones

Ramones

Para el puberto con déficit de atención.

All the kids want somethin' to do. Podríamos decir que los Ramones son al punk, lo que el vello púbico es a la pubertad; hasta que éstos aparecen, el término se vuelve válido. Así pues, en 1974 (el equivalente punk de los 14 años), The Ramones eran los chicos más raros, peleoneros y ruidosos. Joey Ramone, Johnny Ramone, Dee Dee Ramone y Tommy Ramone, tocaban las canciones más rápidas y enojadas de todo el punk. Su música era sencilla, sus letras básicas y gritadas, su batería acelerada y enérgica; de manera que su álbum debut definió a qué debía sonar el género (cuando lo grabaron sólo gastaron 6,400 de los 20,000 dólares que tenían como presupuesto, ya que el resultado fue un disco de 29 minutos y 14 canciones). Los Ramones también definieron cómo y de qué debía hablar el punk; canciones como “Blitzkrieg Bop”, “I Wanna Be Your Boyfriend” o “Judy is A Punk”, retaban la capacidad de síntesis de los antiguos maestros del haiku, diciéndolo todo sin decir prácticamente nada.

Más de este tema www.marvin.com.mx/mas-musica the clash

London Calling Para el puberto que se encontró (y leyó) un libro del Che.

We gonna fight, your brother, We gonna fight, 'til you loose, We gonna raise, trouble, We gonna raise, hell. Ya en 1976, el punk había trascendido las paredes CBGB, las fronteras de Estados Unidos y del Océano Atlántico. En uno de esos casos raros, en que dos personas piensan la misma cosa, al mismo tiempo pero en lugares extremadamente lejanos; el punk inglés corría con su propia historia, sus propios bares, estilos y dioses, y The Clash era, sin lugar a dudas, la banda reinante de la escena. The Clash es por mucho la banda más avanzada de esa etapa, London Calling, no sólo es uno de los mejores discos de punk, sino quizás uno de los mejores de la historia. Sus letras ahondaban en temas políticos y asuntos ajenos para el rock and roll más complaciente. The Clash pusó el escupitajo en la yugular, tomó el pulso de la sociedad, y lo volvió guitarras, poesía, ira y conciencia.

Bikini Kill, era la antorcha y cabeza de ese movimiento, que con música, política, sexo e ira, sacudió los cimientos de una sociedad apática y gris. Kathleen Hanna, vocalista de la banda, trabajaba en un refugio para mujeres, estudiaba fotografía, se desnudaba en un bar de stripers y creaba música abrasiva con mensajes relevantes. La parte vocal y política de su punk es admirable, ya que su mensaje trascendió su música, y su música trascendió el tiempo. Este álbum y todo su enojo permanece tan urgente como el primer día que Hannah tocó (semidesnuda) sobre un escenario. M

sex pistols

Never Mind The Bollocks Here's The Sex Pistols Para el puberto con tendencias autodestructivas.

Cause I wanna be anarchy, No dogsbody Si bien Television creó las circunstancias adecuadas para que el género naciera, y The Ramones sentó las bases del sonido y la forma; Sex Pistols definió el punk como una actitud. A diferencia de The Clash – cuya perspectiva política era clara y precisa– los Pistols sólo estaban enojados, pero no sabían o podían decir con qué exactamente, aunque sí podían decirlo gritando. Su visión, definida como nihilista por terceros (dudo mucho que Rotten y compañía estuvieran familiarizados, o se identificaran con ese término), se volvió la bandera de una generación harta del formalismo absurdo y arcaico de la sociedad inglesa. Never Mind The Bollocks, Here is The Sex Pistols, es el debut y despedida de la banda que, sin quererlo, marcó de manera definitiva e incuestionable el rumbo de la música popular. El sonido y la furia de Sex Pistols, es quizá la mejor representación del punk, a pesar de que a la banda, la música le importaba en la misma medida que el resto de su vida, es decir, nada. bikini kill

Pussy Whipped Para las chicas enojadas que odian el color rosa.

Porque estamos enojadas con una sociedad que pretende hacernos creer que ‘niña’ es sinónimo de tonta, es sinónimo de mala, es sinónimo de débil. Pussy Whipped es justo lo que punk tiene que ser, en lo que ha de convertirse. Lanzado en 1993, este disco retrató a un grupo de chicas autodenominadas Riot Grrrl, que sin nada más que su enojo, fotocopiadoras, quejas y guitarras, iniciaron un nuevo momento del feminismo, y eso es una de las cosas más punks que se pueden hacer.

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T X T : : J o r G E G r A JA l E s / j o r g r a j a @ h o t m a i l . c o m

Laura y Fabrizio son dos amiguitos que desde hace varios años, se ven cada verano en un bosque cercano a la casa vacacional de los padres de ella. Sin embargo, esta vez será diferente a las anteriores, ya que la inocencia va dejando paso a la pubertad, con todo lo que ello acarrea. Para empezar, Laura –una chica dulce de 13 años– se ha enamorado platónicamente de Fabrizio, que a sus 14 años encubre su despertar sexual bajo un comportamiento sádico y malicioso para con ella. Al declarar el bosque y las ruinas de un castillo como su reino mágico –en donde él es el rey– Fabrizio aumenta los juegos crueles y de tortura en contra de Laura, para que ésta pueda ser merecedora del título de reina. Cuando todo ello se sale de control y su amistad se ve en peligro, el chico promete ser bueno, aunque en realidad utiliza la situación para manipular a la púber y convencerla de tener sexo con él. Poco después de haber consumado su acto, Fabrizio descubre a otra niña de 13 años, Sylvia, y la invita a jugar con ellos. Para agrado y sorpresa del muchacho, Sylvia resulta ser el extremo opuesto de Laura, y pronto los dos se deleitan y se sumergen en una espiral de castigos tormentosos en contra de Laura, que culminan al obligarla a verlos hacer el amor completamente desnudos frente a ella. A partir de ese momento, Fabrizio se obsesiona con Sylvia, mientras que Laura intenta ser su amiga y trata de vestirse y maquillarse como ella, esperando vanamente que el muchacho recobre el interés. El último día de vacaciones, cuando las niñas hablan de regresar a la escuela, Fabrizio maliciosamente las lleva a la cueva cercana donde sedujo a Laura, para refugiarse de una tormenta. El desenlace traerá funestas consecuencias para este trío de preadolescentes…

al es la trama de la película ítalo-germana de 1977 Maladolescenza, dirigida por Pier Giuseppe Murgia, sin duda uno de los filmes más controvertidos en la historia del cine, por su retrato brutalmente honesto de la sexualidad y el comportamiento adolescente. Se trata de una obra fílmica que resultaría impensable producir hoy día, en estos impolutos tiempos de corrección política: la película está prohibida en varios países por ser considerada inmoral y/o pornografía infantil. Curiosamente, otro filme que habla del despertar sexual entre dos púberes, La laguna azul protagonizada por Brooke Shields –que contaba con quince años cuando la filmó– es considerada no sólo como inofensiva, sino hasta como un clásico del erotismo en el cine. Y es que obviamente, el tono manejado por Murgia en la Maladolescenza difiere mucho de La laguna azul, acercándose más a la difícil y desorientadora experiencia que la pubertad representa. Para tal fin, las breves escenas de desnudos y sexo (obviamente sugerido gracias a la magia de la edición cinematográfica) de sus jóvenes protagonistas no son manejadas de manera explotativamente erótica, sino que existen al servicio de una narrativa en donde el sexo es sólo otra forma más de crueldad. Y es que, a fin de cuentas, esta película es una perturbadora metáfora pastoral del caos

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de Roman Polansky y la comentada Maladolescenza. Después llegó al softporn delirante mezclado con la ciencia ficción de Spermula. Un año después Irina perdería la custodia de su hija. Eva, por su parte, continuó su carrera dentro del cine, y este pasado 2011 haría su debut como realizadora en la cinta My Little Princess, en donde cuenta la tempestuosa historia entre su madre fotógrafa (interpretada por Isabelle Huppert) y ella, la hijamodelo (Ana Maria Vartolomai). Que el libro de fotos Eloge de Ma Fille (editado por Alice Press) se pueda conseguir sin ninguna dificultad, mientras que el DVD de Maladolescenza no, señala que aún vivimos en una sociedad de doble moral al extremo y que aún nos falta mucho por madurar; pues esta sociedad que atraviesa ya no digamos por una época de pubertad, sino por una verdadera mala adolescencia. M hormonal y emocional que significa entrar a la pubertad, siendo su tono más cercano al Señor de Las Moscas de Golding que a la Lolita de Nabokov. Pero hay otro elemento dentro de la Maladolescenza que la estigmatiza como película maldita: la presencia de la púber actriz Eva Ionescu. Hija de la fotógrafa Irina Ionescu, la pequeña Eva fue objeto de la lente de su madre desde los cinco años. Así, en la serie de fotografías recogidas en la colección Eloge de Ma Fille, podemos ver a la prepúber en una serie de ensayos eróticos. Las fotografías muestran a Eva de los cinco a los diez años, ya sea desnuda o grotescamente sexualizada al ser ataviada con elementos fetichistas, como si fuera una mujer adulta más. Obviamente, la controversia surgió de inmediato: unos la aclamaban como toda una genio, mientras el resto la acusaban de explotar a su hija. En lo que sí concordaron todos fue en el efecto perturbador de las imágenes. Indiferente a los halagos y acusaciones, Irina permitió que su hija apareciera en la edición española de Playboy cuando contaba con once años de edad, así como en la versión hispana de Penthouse. Tras las revistas vinieron las películas, siendo la primera El Inquilino

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T X T : : r E G I NA Z A M o r A N o .

No todos pasan las horas surfeando en páginas XXX, tarareando a Selena Gómez o jugando Xbox. Desde el Renacimiento hasta nuestros días, ha habido casos de niños y jovencitos que demuestran un talento tan grande para las artes, que terminan por convertirse en grandes genios.

n tiempos del Renacimiento, era común que los jóvenes se iniciaran en los oficios artísticos entre los 12 y los 14 años como aprendices de los creadores más reconocidos de Milán o Florencia. Grandes figuras de la historia del arte empezaron así su carrera; asombrando (y humillando) a los maestros de la época, quienes ante las habilidades de pupilos como Miguel Ángel o Leonardo Da Vinci, poco podían replicar. Tales son las historias que cuenta el biógrafo del siglo XVI, Giorgio Vasari, en su libro Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos. Ahí narra cómo un puberto Da Vinci eclipsó a su maestro –el pintor, escultor y músico, Andrea Verrocchio–, al punto que cuando éste vio de que Leonardo pintaba las ropas y la figura de un ángel mucho mejor que él en “El bautismo de Cristo”, supuestamente se enojó tanto que nunca más tocó ningún color. También relata que Miguel Ángel demostraba habilidades tan impresionantes, que un compañerito de clases, el futuro escultor Torrigiano, le rompió la nariz de un golpe por pura envidia. De hecho, Lorenzo de Médici –mecenas y gobernante de Florencia– estaba tan extasiado ante la precoz genialidad de Miguel Ángel, que lo llevó a vivir a su palacio cuando apenas tenía 15 años, sin sospechar que a los 24 terminaría “La Piedad”, y “El David” a los 29. ¿mejor que picasso? “Picasso fue un niño prodigio”, escribió Kenworth W. Moffett, doctor en Historia del Arte por Harvard, “sin embargo, la precocidad de Picasso se expresó en un estilo realista. Sus obras de la infancia carecían de ligereza infantil e inocencia. Él mismo dijo que le tomó toda la vida aprender a

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dibujar como un niño”. El pequeño Picasso, hijo de un curador y profesor de pintura, realizó su primera obra de calidad a los ocho años –titulada “El pequeño picador”–, después de asistir a una corrida de toros. Ya a los 14 años, fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Ese mismo año, pintó “La primera comunión” en su propio estudio, financiado por su padre, y el año siguiente, “Ciencia y caridad”, considerado uno de los cuadros más importantes de su infancia, que representa a una enferma en su lecho de muerte. El joven prodigio abandonó cualquier instrucción académica a los 17 años, francamente decepcionado del sistema educativo, e inició una carrera independiente. Pero el experto Ken Moffett no escribió esas líneas sólo en honor a Picasso, sino a otro prodigio del arte mucho más actual, una joven rumana llamada Alexandra Nechita, conocida como la “Petite Picasso”: “Alexandra empezó donde Picasso terminó. Desde el principio, trabajó en un estilo libre, moderno y abstracto”, escribió el crítico. Nechita nació en Rumania en 1985. A los dos años, su madre y ella se reunieron con su papá, quien había emigrado a Estados Unidos, huyendo del régimen comunista. A esa edad, la pequeña coloreaba todo lo que le ponían enfrente y su mamá, preocupada por la excesiva pasión de su hija, le confiscó todos sus colores. Pero eso no detuvo a la niña: empezó a hacer collages y a dibujar. A los cuatro años, sus padres se dieron cuenta de que pintaba en un estilo muy parecido al de Picasso. Para entonces, Alexandra ya dominaba la acuarela y la gouache, y cuando cumplió seis años, el acrílico y el óleo eran sus mejores amigos. No es de extrañarse que a los ocho años tuviera su primera exposición individual en una biblioteca de Los Ángeles. Indudablemente, sus cuadros recuerdan la estética de Picasso, pero también la de Chagall, Miró y Matisse, excepto que abordan temas y preocupaciones de una niña/adolescente/mujer del siglo XXI. Hoy tiene 27 años y sigue pintando.

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profeta y pintora Una noche, Akiane Kramarik, de cuatro años, tuvo un sueño en el que Dios se le apareció y le encomendó la tarea de pintar para “ayudar a la gente”. Al día siguiente comenzó a dibujar sin descanso retratos de su familia y sus mascotas. Poco a poco, sin ninguna instrucción académica y tan sólo con su sentido de la observación, Akiane comenzó a pintar cuadros mucho más ambiciosos, en pastel, acrílico y óleo. Entre los seis y siete años, la pequeña pintaba paisajes y animales cada vez más realistas. A partir de los ocho, la práctica y la disciplina ya pueden admirarse en sus cuadros de gran formato. Su obra, dice, se centra en imágenes de “otras dimensiones”, “universos cuánticos”, paisajes, sueños y visiones religiosas. No es un juego de niños: a cada pintura, la joven dedica entre 300 y 500 horas. Hoy, a sus 17 años, Akiane ha amasado una pequeña fortuna: los precios de sus cuadros van desde cinco mil hasta tres millones de dólares y es reconocida como una niña prodigio tanto en pintura como en poesía – comenzó a escribir a los siete años–. Su madre, una ama de casa de origen lituano, y su padre, un chef estadounidense, eran ateos hasta que la niña empezó a hablar de sus visiones místicas sin jamás haber visto la televisión, ni leido ningún libro religioso –supuestamente–. Akiane no es la única prodigio en su familia, su hermano menor, Ilia, es filósofo y poeta desde los seis años; el mayor fue admitido a los 13 años en la Universidad y desde esa edad administra el negocio de arte de la familia. Todos los niños (cinco en total) han sido educados en casa, no van a la escuela y estudian sólo los temas que les interesan. Al parecer, eso ha sido la fórmula perfecta para que la fábrica de genios Kramarik siga funcionando. mini monet A sus nueve años, Kieron Williamson está próximo a llegar a la pubertad y su vida ya es la de un artista reconocido. Falta a clases para asistir a las subastas de sus obras, atiende a periodistas y está explorando nuevos medios, pasando de la acuarela al óleo. Con las ganancias, su familia –que antes vivía en un departamento de dos cuartos en Holt, una pequeña ciudad británica–, ya se mudó a una casa en la campiña de Cornwall, el lugar favorito del “mini Monet” –como lo ha bautizado la prensa–. Antes de cumplir los siete años, Kieron tuvo su primera exposición y actualmente hay una lista de espera de 6,500 personas deseosas de adquirir un Williamson; aunque él no lo sabe, pues sus padres no quieren que se sienta presionado. En sus tres últimas exhibiciones, todas sus obras se vendieron en minutos y los coleccionistas han acampado afuera de la galería

Se les llama “prodigios”, porque muestran un dominio de la técnica que humilla a cualquier adulto. para ser los primeros en adquirir los bucólicos paisajes de este niño prodigio. Lo que realmente llama la atención es su elección tan sutil de colores y el hecho de que no sólo copia los paisajes tal cual, sino que los reinterpreta, cambiando algunos detalles para crear una escena más armoniosa, viva y estética. A diferencia de Akiane, el joven Kieron lleva una vida normal, es pambolero de corazón, le gustan los superhéroes y jugar con su Xbox, excepto que se levanta a las cinco de la mañana para pintar en la mesa de la cocina, mientras sus padres y su hermanita duermen. Sus papás están conscientes de que quizás, los cuadros se venden tan bien en gran parte por la edad del pintor, y no se sabe si Kieron podrá superarse a sí mismo, innovar o mantenerse con tan buen ritmo en los próximos años, ¿le seguirán interesando los paisajes campestres cuando la pubertad azote sin piedad? Y es que, sin duda, estos jóvenes son extremadamente talentosos y se les llama “prodigios”, porque muestran un dominio de la técnica que humilla a cualquier adulto —aún más si es artista contemporáneo—. Sin embargo, sus cuadros no proponen absolutamente nada nuevo.

Realistas, surrealistas, cubistas o paisajistas, se agregan a la larga lista de los “ismos” del siglo XX. Lo verdad, cruda y dura, es que destacan simplemente por su edad, nunca por su capacidad de innovación, cualidad indispensable para ser verdaderos genios como Da Vinci o Picasso. Así, Nechita sigue pintando, pero, si bien es sorprendente que una niña de cuatro años emule con tal maestría al genial pintor de Málaga, ya no es tan interesante que una mujer de 26 añotes quiera seguir explotando el mismo estilo. La máquina del marketing agotó hace mucho la veta de los “niños prodigios”. Así pues, es hora de superar la pubertad o resignarse a decorar cuartos de hotel. M

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BAJO PRESUPUESTO

OFF THE RECORD

Columnista de Milenio Diario y director de La Mosca en la Red. www.facebook.com/hgmichel

Periodista de rock y escritor de ficción.

TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL.

TXT:: A. A. GORE.

erTaD,

b DiVinO T ¿

OrO?

Dicen que es la peor edad, aquella en la cual más se sufren las vicisitudes de la vida. Cierto: entre los trece y, digamos, los diecisiete años, la existencia se puede volver dura, implacable, y difícil, sobre todo para aquellos que cultivan una inseguridad personal que los convierte en seres tímidos, apocados, objetos de abusos y vejaciones de todo tipo (eso que ahora se conoce como bullying). No diré que fui un púber tan infortunado, pero sí era yo extremadamente tímido y en muchos aspectos llegué a ser lo que hoy se conoce como un nerd. Puedo decir que cuando tenía trece o catorce años, si algo salvó mi vida, aparte de la literatura, fue el rock. Hablo de la segunda década de los años sesenta. Para mi fortuna, mi pubertad corrió entre 1967 y 1972, lo que significa que me tocó vivir, justo en su momento, la aparición de grandes discos, desde el Sgt. Pepper de los Beatles hasta el Who’s Next de The Who, el Dark Side of the Moon de Pink Floyd o el Ziggy Stardust de Bowie, entre muchísimas otras maravillas, varias de las cuales pude adquirir apenas aparecieron. Cuando yo era púber, el rock también lo era de alguna manera; una de las fechas históricas reconocidas señala que el género nació en 1955, con el tema “Rock Around the Clock” de Bill Haley y sus Cometas…, y yo nací ese mismo año. En cuanto al rock nacional, aparecido por allá de 1958, éste vivía apenas la transición entre la infancia y la adolescencia…, proceso de transición de la cual parece no haber salido del todo, luego de más de medio siglo. ¿Qué pasa con el rock que se hace en México? ¿Por qué sigue sin alcanzar ya no digamos la madurez, sino al menos ciertos rasgos que lo alejen de su sempiterno infantilismo? Se me dirá que sigo anclado en el mismo discurso de hace veinte años, cuando acuñé el término “rockcito” en mi columna de la sección cultural de El Financiero y cometí la osadía de poner en tela de juicio la música de bandas intocables como Caifanes, Café Tacuba (y no Tacvba, por el amor de Dios), Fobia o La Maldita Vecindad, entre otras. El problema, sin embargo, no es que yo esté anclado en el tema: es el propio rock que se hace en México el que no avanza, el que continúa estancado, el que en muchos aspectos tiende a retroceder (de ahí su involución de rockcito a rockcitito y aun a otros diminutivos peores). Salvo contadas excepciones, no existen en México grupos y solistas de rock con un nivel capaz de igualar la calidad artística y la creatividad del rock que se hace en otros países. Esto nos habla de carencias comparables a las que tiene un púber. Los roqueros mexicanos, en su mayor parte se preocupan más por la forma que por el contenido, más por la apariencia que por la sustancia, y así ha sido desde que los Teen Tops grabaron “La Plaga”. “Juventud, divino tesoro”, dice el viejo verso de Rubén Darío. No obstante, en el caso de la pubertad (y peor aún la del rock que se hace en nuestro país), yo no estaría tan seguro de ello.

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T Os X e

brasie

ViDeO

La primera vez que vi una película porno poco me faltó para salir corriendo. ¿Para qué me hago el valiente o el machito? Desde que me dijeron que el tema de Marvin sería “pubertad”, supe que empezaría contando esa anécdota. En vano me evadí, me hice el loco y puse once mil pretextos (los mismos que dan título al libro más famoso de Apollinaire) para no sentarme a escribir lo que en este momento tecleo. Ni modo. No existe fecha que no llegue, ni plazo que no se cumpla. Y heme aquí reconociendo que cuando la pubertad azotó como tormenta en la otrora quietud que gobernaba en mi cuerpo de 13 años, una película porno me obligó a ponerme de pie, apagar la videocasetera (sí, esa pieza de museo en la que solíamos meter los Beta y los VHS) y pedirle de la manera más atenta a Alejandro, mi vecino, que se fuera a su casa con todo y su pedazo de cine sexual, explícito, pecador, ofensivo y prohibido. ¿Quién lo iba a decir? Dos décadas después terminaría trabajando como Jefe de redacción en Playboy, una revista (mal) considerada como pornográfica, además de entrevistar a muchas estrellas profesionales del cine XXX, entre ellas Julia Taylor, Avy Scott y al legendario Ron Jeremy. Pero en medio sucedieron muchas cosas. Por ejemplo, la vez que le robé el brassiere a la amiga de la hermana de un amigo. Habíamos ido todos de vacaciones a Mazatlán y yo me escurrí hasta el cuarto donde se quedaban la hermana de mi amigo con sus respectivas pares, todas suculentas grandulonas de 19 (así las veía a mis tiernos 15) para hurtar con premeditación, alevosía y ventaja un sostén blanco con encaje. Lo que hice con aquella perfumada pieza de lencería me puso a mano con la vida después de no ver entera la porno. Sin embargo, a la distancia me parece igual de embarazoso. Este mes se publicará mi primera novela. Lleva por título Te lo juro por Saló (para quienes lo ignoren, Saló, es la última película que Pier Paolo Pasolini hizo antes de morir, inspirada en Las 120 jornadas de Sodoma, el libro más porno del Marqués de Sade) y es la historia –en tono de sátira– de un par de actores porno en Los Ángeles. En una de las escenas del libro, retrato una tarde acapulqueña, (en aquellos púberes años vivía yo en el puerto guerrerense junto a mi familia), cuando mi vecino Alejandro llegó a mi casa con un VHS envuelto bajo su camiseta. Se trataba de una película XXX que había robado del cuarto de Salvador, su hermano mayor. No describiré con lujo de detalles lo que sucedía en el filme, pero digamos que aparecían dos policías y un ama de casa, que después de seducir a los supuestos guardianes del orden sucumbía gustosa ante sus demandas corporales. Basta. No resistí ni siquiera diez minutos de aquello. Igual que todos mis compañeros de secundaria, moría de ganas por ver mi primera porno. Pero, por razones que no alcanzo a entender, no aguanté verla completa. No fue asco, ni pudor, tampoco miedo a que mi mamá llegara antes de tiempo de su visita semanal al súper mercado: sencillamente no pude. ¿Y por qué cuento esto aquí? Tampoco lo sé, Doctor Freud. Cuando me piden que comparta algún episodio de mi vida en unas líneas de texto, suele representar una experiencia gozosa. Mi niñez fue divertida, mi adolescencia espectacular, mi primera juventud un continuo baño de adrenalina y mis “treintas”, hasta el momento, un poco de todo lo anterior. Pero la pubertad, sin embargo, me recuerda los lentes gruesos de pasta, el acné como lepra que me cubría, mi torpeza para los deportes, la poca habilidad para relacionarme con el sexo opuesto y encima, episodios tan humillantes como la vez que no logré ver mi primera porno de corrido o cuando le robé un sostén a una chica mayor y mi madre lo encontró. Maldita pubertad. Habrá quien la haya gozado; para mí, representa el hoyo negro de la existencia.

HABLO PORQUE TENGO BOCA

EL CUADERNO AMARGO

Periodista la-sangre-de-metal.blogspot.com

Escritora Twitter: @paolatinoco

Imagino que todos los que aseguran que la pubertad fue una etapa muy difícil, tienen muy buena memoria. O tal vez el del problema sea yo, y la memoria es uno de mis grandes déficits. Como sea, yo no le guardo ni cariño ni rencor a esa etapa de mi vida. Por lo menos no en el plano trascendental del despertar sexual, las noches de sueños húmedos, las ideas locas de autoexploración, las teorías extravagantes de los amigos que incluían bisteces o latas de atún dentro del contexto de la masturbación. Todos pasamos por ahí –de una u otra forma–, así que no hay mucho qué decir al respecto. En todo caso, la pubertad significó también el despertar hacia la enorme diversidad musical que ofrecía el heavy metal. Quizás aquella fue la época en que más intolerante fui. Sería el exceso de hormonas en el cuerpo o quizás fue el sereno, pero si la pubertad va de cierta manera aparejada con el paso por la secundaria y la prepa, entonces yo la viví de manera bastante inquieta. Eran los años en que buscar novia era imperativo y se debatía si la virginidad de una mujer era o no importante, mientras los amigos que tenían papás más alivianados nos recetaban su sabiduría con frases como “la virginidad es una enfermedad, vacúnate”. Todo era más lento, con menos información y había mitos como el de que las mujeres nunca se embarazan en su primera vez, que por cierto causó más de un embarazo no deseado con diferentes resultados: desde algún aborto, hasta una paternidad/maternidad involuntaria. Y sin embargo, también significaba el tiempo de la violencia un poco sin ton ni son. Quizás sea más marcardo en el caso de los varones, o tal vez lo era sólo en mi entorno, pero durante esa etapa de pubertad cambié las lágrimas infantiles que brotaban seguido ante los constantes abusos de otros (hoy le llaman bullying) por puñetazos. Dejé de ser el que todos molestaban para ser el que la mayoría respetaba, y claro, me convertí también en cierto grado en abusador. Y un poquito más adelante, en la prepa digamos, los altos niveles de hormonas adolescentes en el cuerpo, el incontrolable gusto por el rock pesado y la terminología de entonces hacía que mis amigos y yo buscáramos fiestas de “fresas” para romperlas. Y romperlas no era otra cosa que entrar sin invitación, buscar el estéreo, quitar a Soda Stereo, Mister Mister o U2 para poner a Metallica, Overkill o Zeppelin. Claro, de paso poníamos a alguien (me tocó alguna vez) en el estéreo para ver si esos “pinches fresas” objetaban algo. Tampoco lo hicimos diario, pero sí fue algo más o menos constante, aunque la verdad es que siempre teníamos algún amigo alivianado que hacía reventones y entonces no era necesario lo demás. Y pubertos como éramos, creyentes de que sabíamos todo lo que hay que saber en eso del amor y el sexo, ya cuando el reloj marcaba las 4 o 5 de la mañana, siempre era más de uno el que lloraba junto a alguna de nuestras pubertas compañeras, cantando a grito pelado “La diferencia” o cualquier tema desamorado de Juan Gabriel. Eran los contrastes dignos de la etapa que vivíamos, y creo que en la mayoría de los casos fueron esos los episodios que terminaron de moldear nuestras personalidades. En mi caso, la puebertad fue una etapa divertida en la que hubo pintas peligrosas a La Marquesa, fiestas que alguna vez terminaron un poco peor que mal, amistades que se estrecharon tanto que se mantienen, pláticas interminables sobre amor sexo con muy poca experiencia o práctica. Eso sí, el metal estuvo siempre ahí, llenando los vacíos que dejaba nuestra inexperiencia en infinidad de temas.

Detesto cordialmente la palabra puberto. Tiene un sonido desagradable y, sin embargo, es aplicable en mi entorno cada día en cualquier momento, sobre todo si lo comparo con mi conducta y con la de mis compañeros de generación de entre los 12 y los 16 años. Los pubertos eran los chicos que se creían héroes por haberse fajado a dos o tres chicas en una semana. Entendiendo por fajarse al hecho de dar besos de lengua y lograr tocar senos, nalgas y, si eran muy afortunados, quizá algo de bello púbico. Los pubertos de mi entorno actual quieren votar por el candidato presidencial más guapo (léase, Enrique Peña Nieto). Se les olvida que la elección de un presidente no es el concurso de Mister México. A su vez, los partidos políticos demuestran en estos meses de campaña su poca madurez al pagar anuncios de radio y televisión para desacreditar a sus contrincantes, en lugar de pensar en mejores propuestas para los mexicanos. Otra clase de adolescentes (no por su edad), cuya conducta recuerda los años mozos, es la de una buena parte de los intelectuales mexicanos, preocupados especialmente por lo que sucede en el ambiente literario-editorial de otros países, y pocas veces interesados en buscar una mejoría en lo que pasa en su país. De la misma forma que los jovencitos se miden por el coche que les dieron sus padres, por lo guapa que es su novia en turno, por su popularidad entre los compañeros de escuela, esa parte de nuestros intelectuales también le pone medida a su carrera, y sus logros van en un sentido opuesto a las aportaciones que hagan a su país. Para ellos, lo más importante es que los publiquen fuera de México, aquí ¿para qué? Es prioridad que la prensa española o argentina diga algo de sus libros o de sus logros, luego ya, que la nota llegue a su país de origen, así, generosamente, abrevian el trabajo a nuestros editores culturales y reporteros. El tema no es si están orgullosos de las editoriales nacionales o no, nada tiene de malo querer ser leídos en otros países, lo que llama la atención es la actitud que toman y la forma en que se dividen entre ellos cuando eso sucede, igual que en la secundaria: escritores en vías de internacionalización y los que nunca saldrán de la librería de la esquina de su casa (por más buena que sea su obra, hay qué decirlo). Enriquecer la industria editorial mexicana no es un trabajo solamente del gobierno, de los programas de promoción a la lectura, de los libreros, de los distribuidores, etcétera. Le toca su parte a los escritores, que bien podrían darle a las editoriales mexicanas aquellos libros que escriben poniendo su 100% y no los que creen que no podrán publicar en editoriales extranjeras, como sucede en algunos casos (libros viejos que pasaron sin pena ni gloria, conjuntos de columnas publicadas en revistas o diarios, el libro de la adolescencia que le da vergüenza que sea leído en otro país, pero que en México no importa, considerando que hay pocos lectores). Si hacemos cuentas, el que logre conseguir más lectores en México habrá conseguido que lo lean muchas más personas de las que consiguen en España, Argentina, Colombia, Venezuela y Perú juntos. Por la sencilla razón de que somos hartos millones, y también porque en aquellos países no se matan por leer a todos los autores mexicanos que logran hacer llegar su obra a dichos países. Triste. Mientras la actitud puberta (sí, odiosa palabra) prevalezca en nuestra clase política y en nuestra clase intelectual, el país seguirá siendo la segunda o tercera opción de las prioridades de sus dirigentes y de sus escritores.

TXT:: CHICO MIGRAÑA.

R A N I CÓMO ARRU STA FRESA E I F UNA

T X T : : PA O L A T I N O C O .

DE 12 A 16

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Antropólogo y vagamundo. Bebe para escribir. Escribe para olvidar.

ierra T ub a P l D e l a e T e r na

T X T : : R A FA E L T O R I Z .

AGUARRACES PORTEÑAS

Inaprensible y tornadizo, el mundo se presenta ante los sentidos como un torbellino de experiencias simultáneas y contradictorias, difícil ya no digamos de verbalizar sino incluso de metabolizar, sobre todo porque, como sucede con la literatura de Henry James o con la marihuana, es imposible estar seguros sobre aquello que denominamos realidad. Acaso lo que tenemos por real no sea sino un espejismo de la conciencia, distorsionado por las alteraciones que producen los narcóticos o el mero acto de mirar. Nunca estoy seguro de que las cosas que me suceden tengan sentido más allá de mi cabeza. A veces temo que sólo se trate de los ensueños de mi alma vagabunda. Por ello, antes de relatar una historia es necesario desdramatizar los acontecimientos. De otra manera, los instantes en que atisbamos el corazón del universo en las nalgas de una rubia o sentimos la plenitud de la vida contemplando la ciudad de Buenos Aires, resultarían incomunicables. Por lo extraordinario de la realidad resulta indispensable relatarla a cuenta gotas. De mis últimas jornadas, debido al trajín del día a día y los excesos cotidianos, sólo alcanzo recordar algunos jirones inconexos. Hace un mes asistí a una boda en un Club Náutico, cerca de Olivos, el barrio de la Presidenta. Desde Capital es necesario tomar un tren de cercanías en la estación Retiro, una terminal antaño esplendorosa. Iba vestido como príncipe –a la manera de Bioy Casares y celebrando su bandera– y sólo cuando fui al baño tomé conciencia de que mi atuendo contrastaba salvajamente con el entorno. La gente vestía con precariedad y grande fue mi sorpresa al darme cuenta que un tipo intentaba agarrarme el miembro con una expresión tan espantosa que me sentí defenestrado. Le di un zape sonoro y salí corriendo hacia los andenes, incapaz de concebir que estos fueran los lugares preferidos por Gombrowicz para rumiar cariño. En el vagón me encontré con una conocida puertorriqueña que vive en las afueras y con eso tuve claro que, si bien Buenos Aires es una ciudad que suele negar la diferencia para su mejor enajenación, acá las clases sociales están perfectamente segmentadas, a semejanza de México. Y apenas se tocan. Una vez en la boda, donde los muebles, la música y la gente parecían entonar un canto a la armonía, atestigüé, por enésima ocasión, uno de los encantos más arrolladores del país de Maradona: la belleza de sus mujeres es sobrecogedora y desquiciante. Muy natural. Las hay grandes y petizas, morenas, pelirrojas, trigueñas y rubias: coquetas, licenciosas y algunas amargas. Es una verdadera pena que suelan ser tan mezquinas con sus encantos o abiertamente histéricas: con mayor casquivanía serían perfectas. Debido a desmanes anteriores, tuve moderarme las cucharadas; sin embargo ese detalle me permitió, generoso porro de por medio, contemplar la ciudad en lejanía, suspendida sobre el río que me empeño en ver color de tamarindo, champagne o melena de león y que los locales sin empacho emparentan con la mierda. Entonces aparecieron unas hadas ancianas en el medio del jardín repartiendo ácidos a diestra y siniestra, como parte de la celebración. Yo me dejé conducir al mundo de los duendes y no volví sino mucho tiempo después, luego de haber bailado con una yegua tremebunda y haber experimentado en carne propia la absoluta inexistencia de Dios (he llegado a los confines de la Matrix y temo informarles que no hay nada más allá de esto que viven). Amanecí turbado, en medio de la pampa, contemplando como una sociedad no terminada ni estructural ni metafísicamente preparaba un asado extraordinario. Acá abajo hacen pocas cosas, pero eso que hacen lo hacen bien. Me di cuenta de que la cultura argentina vive en una adolescencia permanente en la que, por razones que no consigo comprender, por ahora me encuentro muy tranquilo.

Pubertad

ES M L E D DISCO

DescarTes a KanT / Il VIsore lunatIque / I n To l e r a n c I a Diez canciones para diez trastornos psicóticos. Diez textos de Victoria Dickens musicalizados por Descartes a Kant para explorar las posibilidades de la psique. Más que un álbum conceptual, Il Visore Lunatique lleva al escucha a experimentar una sensación diferente en cada canción (el arte del álbum incluye la letra de cada una, para que puedas leerlas cual reporte de terapia de la paciente analizada). Desde el track uno ("La Belle Indifferance") la banda tapatía que ahora reside en el DF nos muestra sus armas: distorsión, melodía, violentos riffs de guitarra y ba jo, baterías agresivas y una voz que puede sonar infantil, pero que es un lobo con piel de cordero. Il Visore Lunatique pasa por momentos brutalmente honestos como "The Peter Pan Syndrome", en el que la protagonista se pregunta en su cumpleaños si es guapa y si vale la pena seguir. A diferencia de su primer larga duración (Paper Dolls, 2007), este álbum es homogéneo, aunque cada canción es diferente en estructura e intención, se escuchan como parte de un todo, de un homena je musical a la locura y sus consecuencias. "You May Kiss the Bride" –con todo y solo de

tap– es la canción que engloba el cuadro psicótico que presenta nuestro persona je principal: una mujer obsesionada, enferma de amor y celos, que cae en un hoyo negro en el que cree que el amor de su vida dejará a su esposa para irse con ella. Musicalmente Il Visore Lunatique es inclasificable: hay rock, pasa jes de jazz y funk, hay burlesque, tap e incluso, fragmentos que aislados entrarían en el pop. A estas alturas del partido, Descartes a Kant no tiene que probar su capacidad para hacer grandes canciones ni su capacidad de resistencia (entre su álbum debut y la secuela pasaron cinco largos años), lo único que tienen que hacer es subir a un escenario y tocar; su actual show es brutal, más cercano a una puesta en escena que a un simple concierto. El ser humano está predeterminado por la psicosis y la locura desde su nacimiento –e incluso desde su etapa de gestación–, lo único que hizo Descartes a Kant fue hacerlo evidente mientras nos cuenta la historia de una mujer psicótica. Un disco que coquetea con en el feminismo en su expresión más cruda: la locura. T X T: : DA n I E L PAT L á n .

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¿Qué pasa cuando a un reproductor pórtatil le agregas Android 2.3? Obtienes el Walkman serie Z, que además de tener una interfaz sencilla y práctica, te provee de conectividad en todo momento, y si estar online 24/7 no es suficiente para ti, qué tal el sistema SenseMe que sabe cuándo te sientes triste y te pone música para alegrarte. nuestro sponsor oficial #Marvin12, tiene uno para ti, para participar lo único que debes hacer es regístrarte para asitir a nuestro festival, entrar a la página de Marvin y responder unas preguntas.

WhomaDeWho / BrIghter K o m pa K T

Ejemplar perfecto de lo que se llama un disco bipolar. En las partes que acierta, logra una electrónica popera tan brillante como las intenciones que los llevaron a titular así esta entrega, sin embargo, al momento de errar agregan material prescindible. De las afortunadas está “Inside World”, un tema poderoso; una onda expansiva para el baile que rinde pleitesía al estilo DFA (especialmente a la hercules & love affair). Estos daneses reiteran el vínculo indisoluble entre Escandinavia y la música electrónica. Sobre todo, se nota que prestaron atención a Goldfrapp y hot chip para filtrar lo suyo. “Running Man” es luz y “Greyhound” la sombra… y así se van. Quizá aún están afectados por los problemas familiares que les llevaron a componer “The Divorce”, una canción en la que no se guardan nada: “quédate el perro, quédate el coche, róbame la tarjeta de crédito”. Ya en Knee Deep, su anterior EP, coqueteaban con ser como Interpol para sacar su amargura: aunque se burlan de que la publicidad “vende” a los daneses como “las personas más felices del mundo”, lo hacen con una música que no niega su veta hedonista. ¿De qué otro modo podríamos entender una canción como “never Had The Time?

D I S

T X T : : j UA n c A R L O S HI DA L G O .

hercules anD loVe aFFaIr HercuLeS anD LoVe affaIr “Blind” e “Inside World” son primas hermanas; cumbres dancísticas.

hoT chIp THe WarnIng Electrónica y pop en un maridaje perfecto; además escriben letras interesantes.

cuT copy reVIVal In gHoST coLourS Estos australianos también son unos capos para prender las fiestas.

C O S

spIrITualIZeD sweet heart, sweet lIght / FaT

p o s s um

La portada de este disco muestra un simple “Huh?”, exacta descripción del estado mental que Jason pierce atravesaba durante la confección de este álbum –ba jo el influjo de severo tratamiento médico–. Su persona parecía responder más al impulso de sus emociones que al intelecto. La fragilidad, después de todo, es algo que no puede certificarse con la cabeza. El testimonio de la claridad que guarda Pierce en su enferma anatomía cobra en sweet heart, valores estéticos tan burdos como el lugar común, y tan vivos como la humanidad que respira en ellos. El álbum no provoca la sensación de caminar entre el viejo esplendor de Spiritualized, sólo reafirma el estado de un hombre, que ya no puede hablar desde otro lugar que no sea el tronco enfermo de sus sentimientos. Retiene en su figura, la contemplación de una vida envejecida, mientras se reconcilia con su única fe: el lugar común de uno mismo. La vida de jason Pierce es casi una hagiografía. Anhelos, esperanzas y fatigas toman forma en un álbum que no puede expresarse desde otro lugar, excepto uno sumamente común: aquí hay tan sólo música cargada de esperanza. T X T : : L UI S A R c E . prImal scream ScreaMaDeLIca “I'm movin' on up now/Gettin' out of the darkness/My light shines on, my light shines on/ My light shines on”.

rollInG sTones exILe on MT. STreeT "May the good Lord/shine a light on you/Make every song [you sing] your favorite tune”.

spacemen 3 PLayIng WITH fIre “And I know, Lord, that this feeling has just begun/Come down softly to my soul”.

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3 x 1

los eVanGelIsTas / homenaje a enrIque morente e l e J é r c I To r o J o / o c T u b r e

Enrique Morente revolucionó al flamenco de raíz, lo proyectó al futuro. Su obra es monumental y con su muerte, en 2010, dejó un sitio irremplazable. no era para menos que sus amigos y colegas –los planetas y antonio arias de lagartija nick– crearan una nueva entidad para difundir el credo del maestro. Los Evangelistas retomaron una docena de canciones para crear versiones libérrimas de un flamencorock lleno de distorsión e intensas reverberaciones. Al lado de la viuda de Morente, su hija Soléa y la cantora carmen Linares entregan un disco estremecedor, que constituye una experiencia física y mística, que comienza en los dos cortes iniciales: “Gloria” y “Decadencia”. Pero la revelación está en “En un sueño viniste”, cuya letra son versos del poeta medieval al-mutamid. De allí mismo toman “Encima de las corrientes”, un texto de san Juan de la cruz. El sonido final lo redimensionó martin “youth” Glover, miembro del grupo inglés Killing Joke, quien se encargó de la producción. con este Homenaje a Enrique Morente, uno puede sentir que no hace falta ni saber de flamenco ni de rock para emocionarse. Sólo hay que tener sangre en las venas. T X T : : j UA n c A R L O S H I DA L G O .

camarón De la Isla La LeyenDa DeL TIeMPo El primer gran paso hacia la revolución del flamenco y su vínculo con el rock y el jazz.

enrIque morenTe y laGarTIJa nIcK oMega Obra maestra e histórica que implicó tomar textos de Leonard Cohen y Federico García Lorca: una total reinvención del flamenco rock.

los planeTas La LeyenDa DeL eSPacIo Los de Granada son apasionados discípulos de Morente. Le han dado el toque andaluz al shoegaze y el indie.

The shIns

Port oF morrow / c o l u m b I a

no deja de extrañar que una banda con apenas cuatro álbumes, pueda ser considerada como vieja, al menos de manera relativa. Este es el caso de The Shins, el proyecto fundado, dirigido y encabezado por James mercer desde finales de los años noventa, y cuyo cuarto álbum acaba de salir a la luz. Port of Morrow es un disco magnífico, una joya de rock armónico y melódico. con una alineación completamente nueva, Mercer ha refundado a The Shins y esos cambios han beneficiado esta colección de diez temas realmente inmaculados, brillantes, de una finura excepcional, llenos de exquisita sensibilidad y enorme musicalidad. no exagero. canciones como “It’s Only Life”, “Balt and Switch”, “September”, “Fall of ‘82”, la homónima “Port of Morrow” o la suntuosa –y muy en el estilo de The Who–, “Simple Song”, son la mejor muestra de ello. Una obra en verdad soberbia.

O S

T X T: : H U G O G A R c í A M I c H E L .

The DecemberIsTs THe KIng IS DeaD La incursión de Colin Meloy y compañía en la tradición del mejor folk rock norteamericano.

x 1

DeaTh cab For cuTIe PLanS El álbum de 2005 de los de Bellingham, Washington. Una obra armónica, melodiosa, nostálgica, cálida y a la vez distante.

The Who THe WHo By nuMBerS Tal vez el disco más introspectivo de The Who, con un Pete Townshend confesional y confidencial.

macaco el murmullo del Fuego / e m I

¿Habrá caído Macaco en la zona de confort? ¿Será la felicidad una limitante para su obra? Durante años he seguido de cerca la carrera del español, y me duele que aquí da todo lo que podemos esperar de él… pero ni un ápice más. El problema es que ahora se muestra más optimista y hippie que nunca, lo que resulta un cliché bastante incómodo. Sigue instalado en ese world beat buena ondita y no prueba nada nuevo en su música. De manera predecible, usa un fragmento de Javier saramago como intro, recurre a los coros latinos y combina ritmos afroantillanos con rumba catalana. Todo bien, todo predecible. Apenas hay unas pinceladas distintas cuando cita a radio Futura en “caminaré” o en “La república de la tramuntana”, una canción en catalán. Recomiendo “La llama” y su juego fonético en el estribillo, no así la melcocha de “Love Is The Only Way”. A un músico de su talla y talento se le debe exigir muchísimo. ni modo, aquí nos quedó a deber. T X T : : j UA n c A R L O S HI DA L G O . manu chao cLanDeSTIno Otro al que repetirse lo tiene sin cuidado; se apega a sus mismas fórmulas como una pátina indeleble.

Pubertad

DanI macaco aMor a Lo DIMInuTo Un primer libro –publicado simultáneamente– que recoge aforismos, rimas, pensamientos, cuentos y poemas.

bob marley LegenD Macaco lo tiene como máximo gurú de su existencia… todavía tiene tanto que aprenderle.

beTunIZer / BoogalIzer bcore

Si este disco fuese una jornada escolar, el pupitre y los cuadernos no formarían parte del plan; se trataría de un día ba jo el sol, realizando actividades deportivas, extremas todas, hasta que el alumnado terminara exhausto. Betunizer desconoce la palabra “receso”, para el trío valenciano descansar es una pérdida de tiempo y por eso no bajan los brazos ni un segundo en los tracks que integran el segundo álbum de su historia. Sin suspiros de por medio, el combo ejecuta una especie de funk con ánimo punk plagado de mala leche y frenesí, poseedor de títulos lo suficientemente elocuentes: “Imagina que matas a jota” (y el cantante de los planetas ya debe estar temblando), “Espuela del calor” y “Aguilucho es el hijo del águila”, canciones que se carraspean y bailan desordenadamente en el patio de la escuela. T X T: : A L E jA nD R O G On Z á L E Z c A S T I L LO.

prImus SaILIng aT THe SeaS of cHeeSe Los de Betunizer deben tener veladoras encendidas alrededor de la imagen de Les Claypool.

aTom rhumba BacKBone rITMo Pulso funk de espíritu macarra manufacturado en España.

baTTles MIrroreD Loops que conforman compases aptos para ser bailados por un matemático de cabellos erizados.

The men / oPen your heart s a c r e D b o ne s

Un rock seco, fuerte, áspero, desafiante (con muchos cojones, dirían los españoles) de esta banda originaria de Brooklyn, la cual hace el intento, en este que es apenas su segundo trabajo discográfico, de abarcar varios géneros y subgéneros, y lo consigue con feliz fortuna. El álbum transcurre con entusiasmo y va del punk más prototípico (“Turn It Around”, “Animal”, “Ex Dreams”) al space rock (“country Song”), la psicodelia (“Presence”), el rock country (“candy”) y hasta el krautrock (“Oscillation”). La libertad que lograron los guitarristas mark perro y nick chiericozzi con la incorporación del baterista rick samis es notoria (antes, como trío, se turnaban para ocuparse de tambores y platillos), ya que potenció las posibilidades instrumentales y logró un trabajo genial con grandes dosis de intensidad, frescura y espontaneidad. T X T: : H U G O G A R c í A M I c H E L . JapanDroIDs PoST-noTHIng El único disco de este dueto garagero de Vancouver. Ocho canciones fueron suficientes para volverlo de culto.

ramones LeaVe HoMe El segundo álbum de los verdaderos padres del punk rock. El género en su estado más crudo, más puro y más divertido.

rocKeT From The crypT ScreaM, DracuLa, ScreaM! Energía, ruido, desmadre. Una estruendosa fiesta de rock tan simple como celebratorio.

I nD e p e n D I e n T e

Al mando de Los clavos, Félix cristiani ofrece un álbum de canciones pop cósmico, plagado de menudencias sónicas que debe atenderse con los audífonos puestos. cuenta la leyenda que para construir continuará, llegó al estudio de grabación con composiciones escritas durante varias madrugadas, y que el resto de los músicos, luego de beber y fumar lo suficiente, improvisó lo que hoy se escucha en este disco, así, de “conectémonos y vámonos recio”; como si fuese un palomazo. Ba jo la producción de Daniel melero, al empaque se anexa un disco con la lectura que éste hizo de cada tema. Un traba jo de sorprendente manufactura, caleidoscópico, abigarrado; para oídos dotados de estereofonía panorámica. T X T: : A L E jA nD R O G On Z á L E Z c A S T I L LO.

spIrITualIZeD LaDIeS anD genTLeMen… We are fLoaTIng In SPace Pones un disco de este grupo y de pronto te preguntas desde cuándo abandonaron tus zapatos el suelo.

S C O S 3 x

FélIX y los claVos / ContInuará

DanIel melero SuPernaTuraL Tal como Melero ha hecho con Félix, Cristiani participa en la producción de este álbum.

banDa De TurIsTas MágIco corazón raDIofónIco Así como hace Félix, aquí también discretos experimentos sonoros adornan una colección de canciones con espíritu sureño.

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maTT ellIoTT / the Broken man IcI D'aIlleurs

cuando un artista decide reinventarse de raíz, dominar un instrumento que no es el suyo y hacer una música sobria, merece todo nuestro respeto. En el pasado quedó el drum'n'bass más agresivo, ahora Elliott se muestra como un estudioso de la guitarra clásica, y con ella sustenta piezas lentas llenas de profundidad e intersticios sensibles. Siete temas bastan para conformar un álbum robusto y propositivo. Su visión le permite insertar en la misma composición piano, cuerdas y los aullidos de un lobo ba jo el título “If Anyone Tells Me… ‘It’s Better To Have Loved And Lost Than To never Have Loved At All’, I Will Stab Them The Face”. Aun en la madurez, Elliott continúa diseccionando al dolor para analizar sus componentes: ¿Qué otra cosa es “Dust, Flesh and Bones”, que se emparenta con “Dance Me To The End Of Love” de leonard cohen? no le satisface la música intrascendente, por lo que consigue nutrirse de otras tradiciones, como el flamenco y algo de folk árabe en “The Pain That’s Yet To come”. Para cuando se antoja escuchar algo reposado pero con fibra, este es el disco. T X T : : j UA n c A R L O S H I DA L G O . yann TIersen SKyLIne El genio francés prestó el estudio su colaborador y amigo Elliot. A la postre, también se encargó de la mezcla.

D I

bIll callahan aPocaLyPSe Profundidad, vigor y rigor son compartidos por ambos músicos.

maTT ellIoTT DrInKIng SongS Primer disco de una trilogía que primero bebió, luego cayó y al final aulló.

FIrsT aID KIT / the lIon’s roar

W I c h I Ta

Las muy jóvenes y talentosas hermanas Johanna y Klara söderberg llegan desde Estocolmo, con este su segundo disco, tan bueno o mejor que su álbum debut, el hermosísimo The Big Black & the Blue de 2010. con un folk que por momentos coquetea con el más tradicional country estadounidense, las composiciones de este talentoso dueto alcanzan exquisita sensibilidad. Pese a sus cortas edades, las integrantes de First Aid Kit son capaces de conmover con letras llenas de sencilla poesía y una música rica en melodías memorables y armonías vocales de exultante gracia. Las Söderberg poseen suficientes dosis de energía para mantenerse vitales, sensuales, incluso pícaras por momentos. Un disco más que recomendable, con canciones tan buenas como “Emmylou”, “In the Hearts of Men”, “To a Poet” y “I Found a Way”. Una preciosidad.

C O S

T X T: : H U G O G A R c í A M I c H E L . emmylou harrIs PIeceS of THe SKy La gran diva del country y el folk rock. Su debut en grandes liga es sabiamente ecléctico y sutilmente esplendoroso.

3 x

FleeT FoXes fLeeT foxeS Uno de esos discos debut que se convierten en clásicos instantáneos. El folk y el rock clásico en perfecta y hermosísima comunión.

Joanna neWsom yS La singular arpista californiana y el que quizá sea su mejor trabajo hasta la fecha. Música intemporal, etérea, por momentos celestial.

m. WarD a wasteland ComPanIon / me r G e

Estamos frente a su séptimo disco, y en él se da cita una lista de músicos que van de Steve Shelley (sonic youth) y Howe Gelb (Giant sand), a Mike Mogis (bright eyes) y su compinche más linda: Zooey Deschanel (she & him). Sin embargo, pese a su larga trayectoria e hilera de amigos, el cantante y compositor mantiene la mira fija en una especie de country pasado de watts (“I Get Ideas”, “Me and My Shadow”, “Watch the Show”), en el pop cándido (“Primitive Girl”) y en el folk hiriente de la confesional (“clean Slate”), tal como desde hace años. ¿Estará bien atascarse ahí?, ¿o es que el músico debería girar ciertas tuercas, aceitar algunas bisagras? La verdad es que esa voz suya –adormilada y cálida, desgarrada de tan serena–, así como la aleación melódica, armónica y rítmica que la rodean, son un estándar. Persistente, M. Ward ha confeccionado un perfil que lleva tiempo refinando y que alcanza en este disco su certificado de clásico. T X T : : A L E j A nD R O G O n Z á L E Z c A S T I L L O . caleXIco garDen ruIn Electricidad y madera, raíces y muros, al servicio de la canción.

Pubertad

Johnny cash aT foLSoM PrISon Un hombre le hace frente al mundo acompañado de su guitarra. Toda una declaración de principios.

caT poWer juKeBox Secretos susurrados cuya violencia provoca feedbacks.

breTon other PeoPle’s ProBlems / FaT

c aT

El álbum debut de Breton, other People’s Problems, evoca una disonancia creativa; una producción hecha con collages sonoros tejidos entre el estudio de grabación de Sigur Rós, en Islandia, y el banco abandonado en Londres, donde vive la banda. El disco tiene un sonido peculiar, en el que no se encuentran músicos monocromáticos y bien peinados, por el contrario, hay desfachatez y una desarticulación que batalla entre delicadas cuerdas y violentos sonidos industriales. Roman Rappak (vocalista/guitarra), junto a Adam Ainger (baterista), Ian Patterson (secuencias), Daniel McIlvenny (secuencias/ba jista) y Ryan Mcclarnon (visuales) crean un colectivo multimediático que nos enseña una valiosa lección: hay que ocupar el cerebro propio, y no tratar de arreglar el de los demás. T X T : : MA L F I . Tom VeK LeISure SeIzure Otro que ocupa su propio cerebro.

Foals anTIDoTeS Estos ingleses demostraron que la música, las matemáticas y las melodías se pueden llevar de maravilla.

anImal collecTIVe SPIrIT THey're gone, SPIrIT THey'Ve VanISHeD Un colectivo de animales con cerebro de sobra.

D I S C O

olD boy ordInanry world eP / DI s c o s

c u c hI l l o

Si no has escuchado nada de Santiago Miquelajáuregui antes de esta reseña, es porque hasta hace poco tocaba para amigos y grababa en casa. Ahora, bajo el nombre de Old Boy, presenta su primer álbum de estudio: el ordinanry World EP, lanzado con el apoyo de Discos cuchillo. El resultado es notable. no se sabe si su nombre artístico tiene alguna conexión con la película coreana, pero a juzgar por las melodías y las letras sus motivaciones son otras. no hay rastro de violencia o venganza; en su lugar encontramos canciones más mezquinas, pero sinceras, como la relación del ser humano con su cuerpo “These Drugs” o con la familia “Being Someone Else”. Old Boy prescinde de arreglos pomposos y entrega sonidos acústicos limpios y sencillos, con vocales desgarradoras, como atestigua “Really”, una de las mejores canciones. Si no escuchas nada de Santiago, acaso te estarás perdiendo a un talento sobresaliente.

S 3 x

T X T : : S E B A S T I á n AY A L A M . John FruscIanTe curTaInS La influencia de Frusciante en Old Boy es indudable, tanto en la forma de cantar como en la guitarra acústica.

ellIoTT smITh roMan canDLe Las letras de Old Boy hacen pensar en Elliott Smith y su visión del mundo.

el mañana eL Mañana Otra banda de Discos Cuchillo que no deberías perderte.

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T E

101

L E V I S I Ã&#x201C; N

Pubertad

n el libro Live from new york: an uncensored History of Saturday night Live, as Told By Its Stars, Writers and guests de Tom shales y James andrew miller (material obligado para estudiosos de comedia y cultura pop) hay un fragmento donde uno de los productores de SnL, Dick ebersol habla sobre la concepción del programa y de cómo su creador, lorne michaels, hablaba sobre él: “Lorne me robó el aliento en la forma que hablaba de las cosas, de como quería tener el primer programa televisivo que hablara el lengua je del tiempo. Quería que el programa fuera el primero en la historia de la televisión que usara –groserías ausentes– el mismo lengua je que se hablaba en los campus de universidades, en las calles y en todos los otros lados”. Más adelante en el libro, chevy chase justifica su salida del programa que lo lanzó a la fama, después de una temporada, de la siguiente manera: “Sentí que después de un año todos debimos haberlo dejado, debimos habernos tomado un año para pensar las cosas bien, porque de otra forma se iba a convertir solipsista –bromas sobre nosotros, escaparates para persona jes, en lo opuesto a lo que debía ser–. Era un vehículo para desarmar la televisión, satirizarla y romperla en pedazos. Y ya lo habíamos logrado”. A pesar de esta introducción, este artículo no trata sobre la venerable institución televisiva que lleva 37 temporadas ininterrumpidas al aire. Es sobre community, programa que también inició con chase, y que en diferentes medidas, ambos (SnL y community) han sido capaces de captar perfectamente el espíritu del momento en el que fueron concebidos, y han logrado redefinir la comedia con base en sus sinécdoques. Aunque community es un sitcom –no un programa de sketches– y no ha tenido (ni tendrá) el impacto a nivel social que SnL disfrutó en su momento (difícilmente otro programa lo volverá a tener dado el cable y la fragmentación televisiva), se podría argumentar que ambos representan la misma idea en tiempos y situaciones diferentes: Si SnL reflejaba el lengua je que se hablaba en las calles y las escuelas, community hace lo propio con aquel que se habla en el espacio en el que nos desenvolvemos en la actualidad: el internet. Al deconstruir su humor y los tropos televisivos y de cultura pop que lo componen para llamar la atención a sus propios absurdos, community es una serie que sólo pudo haber sido concebida

Sigue la columna de Chema Solari en www.marvin.com.mx

en la era de Twitter, Reddit y Tumblr. Sus ambiciones metanarrativas, la pasión por la continuidad, el humor absurdista, las sofisticadas referencias a la cultura pop, los giros sorpresivos en la trama y las bromas recurrentes, encuentran en estas plataformas comunitarias (¡ja!) el espacio expansivo indicado para explorar las posibilidades de un show tan intrincadamente astuto. La premisa de community es tan simple, que si nos basásemos exclusivamente en ella, sería comprensible preguntarse por qué este sitcom genera reseñas tan hiperbólicas por parte de la crítica, y una pasión tan desmedida por parte de sus seguidores (como un servidor): en el episodio piloto conocemos a Jeff Winger (Joel mchale de The Soup), exitoso abogado, se ve obligado a regresar al colegio comunitario después de que se descubre que su título es todo menos que legitimo. Es ahí donde conoce e intenta seducir a la activista Britta (Gillian Jacobs), con quien comparte salón en la clase de español. jeff inicia un grupo de estudio falso para pasar tiempo a solas, pero la jugada le sale mal cuando Britta invita a Abed (interpretado por Danny pudi, maquina de referencias de la cultura pop), quien consecuentemente extiende la invitación a una colección de inadaptados sociales que incluyen a Troy (Donald Glover, mariscal de campo del equipo de la preparatoria), Annie (alison brie, estudiante estrella cuya obsesión le provoca adicción a las anfetaminas), Shirley (yvette-nicole brown, ama de casa cristiana conservadora) y Pierce (chase, excéntrico heredero de la compañía Hawtorne Wipes). Todos estos arquetipos se relacionan de formas diferentes y existe un verdadero crecimiento a lo largo de la historia. Tienen conocimiento acumulativo, errores y virtudes; son tridimensionales. Al expandir su propia

mitología crean un mundo de coloridos persona jes, algunos que se entrelazan de forma vital en el tejido de la historia, como chang (Ken Jeong), quien inicia como profesor en la primera temporada, intenta incorporarse al grupo en la segunda y lidera un ejercito de niños a cargo de la seguridad del campus en la tercera, o Dean pelton, brillantemente descrito en la tercera temporada como un “feliz duende pansexual”, u otros que, aunque aparecen en algunas ocasiones –como Leonard, Starburns, Magnitude– son inolvidables por derecho propio. Aún así, una narrativa tan limitada daría para poco, afortunadamente la crónica abandona el arquetipo de comedia universitaria para convertirse en un programa, cuyo caos creativo se enfoca en una dirección coherente. A lo largo de sus tres temporadas, el creador Dan harmon, junto con su brillante equipo de escritores, han sido capaces de explorar el concepto de las relaciones humanas, y de la necesidad de relacionarnos en grupos a través de historias que, aunque se fundamentan en los límites de la realidad, encuentran la manera de contar las historias más descabelladas: guerras de paintball, juegos de calabozos y dragones, líneas de tiempo alternas, documentales, tributos a toda clase de géneros cinematográficos; toda aventura es posible en el Greendale community college, un mundo de posibilidades tan infinitas como el Springfield de los Simpsons. En sus mejores momentos, ningún otro programa tiene mayor capacidad de capturar nuestra imaginación y obligarnos a preguntarle a nuestros amigos: “¿Viste el community de hoy? Sin palabras”. El espacio aquí otorgado no es suficiente para hablar de community, a veces pienso que ni siquiera hacer mi tesis universitaria lo sería. Entren a marvin.com.mx/ chema-solari para una versión extendida que incluye mi visita al set y una entrevista con su creador Dan harmon.

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paul ausTer

DIARIO DE InVIERnO e DI To r I a l a n a G r a ma

L I B R O S 3 x

En un artículo periodístico leí que “nada es menos biográfico que una autobiografía”, y aceptando lo parcial que son los juicios de este tipo, convengo con tal aseveración. Pero tomando en cuenta que la invención debe ser la principal fortaleza de un autor de ficción, ¿esto demeritaría su narración? Auster enfrenta un conflicto entre no dejar de ser un escritor interesante –y con cosas por decir– y gozar de una atención mediática exacerbada que lo eleva a condición de best seller. Ahora que cuenta su propia vida, se percibe ese instinto que siempre le ha llevado a cazar peculiaridades y registrar situaciones límite. Así, podemos leer que su madre murió el mismo día de su cumpleaños y que su padre pasó a mejor vida mientras hacía el amor con una novia mucho más joven. Datos sin duda extraordinarios, pero más propios de su entorno ficcional que de estas declaraciones confesionales: no sabemos si se atreve a mentir, si sean “recuerdos inventados”. como sea, no carecen de atractivo, –sean verídicos o no–. A través de esta lectura podemos recorrer la vida sentimental del escritor a partir de las casas en que ha habitado, pero no enterarnos de sus intersticios con el oficio. Auster no cuenta su vida totalmente; son instantáneas saltarinas a propósito de su cuerpo y muchas experiencias memorables. Dice sentir la muerte cercana, así que prefiere marearla con sus historias. T X T: : j U A n c A R L O S HI DA L G O .

J. G. ballarD MILagroS De VIDa: una auToBIografía Le diagnosticaron cáncer a los 78 años, lo que detonó que este enorme escritor decidiera contar su vida con mucha contención. paul ausTer La TrILogía De nueVa yorK Existen en su interior múltiples elementos que enhebran ficción y realidad.

James ellroy MIS rInconeS oScuroS Cuando el escritor tenía 10 años asesinaron a su madre, lo que se convierte en una obsesión y el pretexto para escribir una autobiografía apasionante.

Pubertad

anTonIo J. roDríGueZ

FRESY cOOL / e D .

pablo helGuera m o n Da D o r I

Ya casi no quedan novelas que puedan ser irritantes e incómodas por su exceso de culteranismo y pseudointelectualidad. Este es un caso extremo. ¿Puede la erudición ser un elemento que fastidie y malogre un ejercicio de alto riesgo? ¿Es definitorio que un autor nos presuma cuánto sabe de teoría literaria y análisis cultural? En un afán por hallar el grial de la post-novela, este madrileño se extravió construyendo un galimatías de enormes dimensiones –y eso que el argumento parecía sencillo–. En un Madrid apocalíptico, Pleonasmo chief, un rockstar de la literatura de vanguardia, se burla de la academia, la escena libresca y el periodismo, mientras se lía con una poeta de culto de apenas 18 años. Rodríguez tenía la ilusión de dinamitarlo todo, pero se atraganta a través de un discurso de abrumadora verborrea que cae como un alud sobre el lector y hace casi incomprensible su sumatoria de psicoanálisis tardío, estructuralismo literario, acumulación de referencias snob, zombies y sobredosis de pop de última generación. Rodríguez nació en 1987; ha colaborado para el País y hace crítica en la prestigiada revista Quimera. ¿Otro enfant terrible? ¿Otro gran fiasco? Quizá sea pronto para determinar lo que ha hecho este petulante geniecillo. no puedo olvidar que su personaje toma una cita de Foster Wallace para su epitafio: “Toda mi vida ha sido un fraude”. ¿Por cuánto tiempo habrá de acompañar la frase al escritor? T X T : : j UA n c A R L O S HI DA L G O . roDrIGo Fresán ManTra Leer tempranamente a este barroco argentino, sin duda le sentó mal a Rodríguez. Se le indigestaron las lecciones.

peIo h. rIaño ToDo LLeVa carne Otro ejercicio de experimentación narrativa que no cuajó del todo. A España le saca salpullido la vanguardia.

aGusTín FernánDeZ mallo nocILLa LaB Resulta inevitable la mención; se convirtió en un paradigma cuya influencia aún provoca una fuerte cruda intelectual entre los más jóvenes.

MAnUAL DE ESTILO DEL ARTE cOnTEMPORánEO e DI To r I a l a n a G r a ma

A Pablo Helguera le sobra ironía y sarcasmo para devastar un ambiente en el que abunda la pose y el snobismo. no en vano traba jó durante años en el museo Guggenheim de nueva York, aunque en México también tenemos nuestras propias manías y debrayes. con atingencia señala que en el mundo del arte abundan “la rebeldía esquematizada y las coreografías sociales”. En el primer mundo se mueve mucho más dinero que acá, pero aquí se imponen el tráfico de influencias y los compadrazgos intelectuales. En verdad que este Manual de estilo es fidedigno y funciona, pero también ha servido como un objeto de auto-consumo por parte de los propios involucrados (les gusta verse en el espejo y fustigarse con el mea culpa). Resulta un libro muy divertido para quien desea conocer las entrañas –con todo y excrementos– del ámbito plástico. El autor se ofrece en responder a interrogantes malsanas. Entre ellas: ¿Debemos acostarnos con un artista cuya obra repudiamos? ¿cómo inflar un curriculum vitae sin necesidad de postular exposiciones imaginarias? ¿cómo escapar de una videoinstalación eterna cuando el artista se encuentra presente? ni hablar, la mala leche y el morbo venden –ya va en su cuarta reimpresión, y contando–. T X T: : j U A n c A R L O S HI DA L G O . FelIpe ehrenberG eL arTe De VIVIr DeL arTe Una guía –en serio– para que los artistas armen una economía de subsistencia.

GuIllermo espInosa La SonrISa De La DeSILuSIón Otro de los títulos de Tumbona, en el que se revisa como una vida va de las grandes esperanzas a las ilusiones perdidas.

José cerVanTes De VacacIoneS Por La VIDa (Memorias no autorizadas del pintor Pedro friedeberg relatadas a josé cervantes) Uno de los artistas más excéntricos nos adentra en su mundo y opina sobre el que nos movemos el resto.

Lista completa de ganadores y más fotos en www.marvin.com.mx/mas-cine

C I N E

RMFF rIV

agradecimientos: IMcInE cOnAcULTA Roberto Borge Angulo, Gobernador constitucional de Quintana Roo Paula chaurand, Directora General del Riviera Maya Film Festival Marina Stavenhagen, Directora General de Instituto Mexicano de cinematografía Estado de Quintana Roo cohn & Wolfe México

PRIMERA EDICIÓN 2012

I e r a maya F I l m F e s T I Va l

La primer edición del Riviera Maya Film Festival, de entrada, cumplió su cometido: presentar cine en Quintana Roo, uno de los mejores escenarios del mundo, que generalmente sólo conocemos por sus atributos turísticos. Directores, productores, actores y actrices de 26 países aterrizaron para promover un festival que además de impulsar el cine, está comprometido con la conciencia ambiental y social. El RMFF incluyó distintos escenarios, entre los que destacan los para jes naturales en Playa del carmen, cozumel, cancún y Holbox. A pesar de ser la primera edición, el festival contó con un selección de 70 películas, y la encargada de inaugurarlo fue Los bien amados. Entre los invitados especiales al festival estuvieron clive owen, ethan hawke, susan sarandon y el director Daniel nettheim, entre otros. En el premio Kukulkán de largometra jes, los ganadores fueron cuates de australia de everardo González y Los últimos cristeros de Matías. Por otra parte, el premio al talento joven fue para canícula de josé álvarez. Marvin, al igual que los jurados y asistentes disfrutaron de una de las premiaciones más frescas e interesantes, vale mucho la pena destacar el premio rivieralab/ Foro de coproducción 2012, así como los tres proyectos que recibieron el premio rivieralab: réimon (Argentina-Alemania) de rodrigo moreno, Tormentero (México) de rubén Imáz, y nueva España (Filipinas) de raya martin. Asimismo, se otorgó una mención especial a: ‘material en composición’ cinta brasileña dirigida por pedro aspahan. Sin duda esta lista de ganadores habla bien de los jurados que prestaron su experiencia a este nuevo festival, entre ellos Diego lerer, eugenio polgovsky, Janneke langelaan y beatriz novaro, entre otros. La primera edición del RMFF es prueba de que el cine tiene un gran hogar en nuestro país, y de que cuando se trata de películas siempre es bueno tener una perspectiva joven a la mano.

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Para conocer completa la lista de ganadores visita: www.fmff.mx

s K h a h I s D e b e n s a l Va r V I D a s

¡FESTEjAMOS CON SEAT SuS 10 AñOS!

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HAPPENING STORE

a m o r a p r I me r a VI s I Ta

cynthia Yee (aka Rosie Music) y Barbie Betanzos son las creadoras de Happening Store; una tienda de ropa y accesorios ubicada en San ángel, en donde puedes encontrar el traba jo de los diseñadores más interesantes y frescos de México: Yeesus Santoki, Fou Fou chat, jPEG y Mitu, entre otros. Les aseguramos que es imposible visitar esta tienda sin enamorarse de algo. Dónde: Madero 10, San ángel. horarios: 12 pm a 6 pm de miércoles a domingo.

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DOCKERS: WEAR THE PANTS

La sola aparición de Bear Grylls, es capaz de asustar a ranas, peces e insectos a 100 metros a la redonda, y es que además de tener hábitos alimenticios muy peculiares, Grylls es un héroe de la vida real, un macGyver, el único hombre que puede ser mencionado en la misma oración que chuck norris (¡Por Dios! Si se llama oso) y es la nueva imagen y cara de Dockers. Desde el 2009, Dockers ha cuestionado y resaltado los valores que hacen de un hombre, un hombre con su campaña Wear The Pants, qué mejor imagen que un G.I. joe moderno para ello. Para más información sobre Dockers, visita www.dockers.com.mx

la aTencIón que mereces, con el serVIcIo mereces

MI TELCEL

MARVIN Y SEAT pasearon por la ciudad durante una semana.

sI bear

El SEAT Ibiza 2012, se caracteriza por sus líneas dinámicas y diseño innovador. La edición especial de 10 años cuenta con un sistema de navegación garmin y vestiduras exclusivas.

sabidu a rí l

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En Fo TE j áU T: : R RA Ú L E G UI RA YA

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ad el os 16

¿cuántos lugares para tocar rock en méxico han rebasado la pubertad para asumir su adolescencia con madurez, valores y convicción? contra todo pronóstico, el multiforo alicia ha sorteado todo tipo de dificultades, de manera que hoy puede presumir 16 años de alimentar una escena que, en su momento, ningún otro foro tuvo la visión de impulsar. nadie mejor que nacho pineda para contarnos cómo es que hoy, el alicia es un foro entrañable y legendario. los incios el alicia nació con dos firmes valores: la autogestión y la autonomía. en esos años, pocos espacios traba jaban con esas ideas, en realidad les interesaba funcionar como antros, mientras nosotros buscábamos abrir un espacio cultural. además de música, siempre hemos tenido conferencias, charlas, talleres, etc. nuestro logro fue ignorar la industria para ver hacia aba jo, de manera que el alicia nació en el momento justo, cuando una generación de bandas de ska, surf, rockabilly, garage y hiphop que no sonaba en la radio comenzó a funcionar. el papel actual de los foros Vemos complicado lo que viene, cada semana hay conciertos impresionantes, no sabes ni a cuál ir porque las entradas son muy caras. como público escoges muy bien las bandas y dejas de asistir a los lugares chicos donde se presentan bandas emergentes. los espacios nuevos van a sufrir un poquito y las bandas mexicanas no tendrán dónde tocar. las rentas son muy caras ahora. en los 90 había 30 bandas de primer nivel en méxico, ahora no. Digo, hay muy buenas bandas, pero les faltan los años y los discos, yo no siento que haya un relevo. la sobreoferta ahora hay muchas agencias dedicadas a manejar la música y la imagen, pero si en dos años no funciona un proyecto, le dicen adiós y buscan otra banda. no hay un seguimiento a largo plazo. el alicia tiene un criterio más abierto, les pagamos a las bandas y casi no programamos a las que suenan en la radio. el problema es que nuestra agenda se llena muy rápido. yo le pido a las bandas que traigan su demo y me insistan mucho. pero hay más bandas que público y eso está muy canijo. las tardeadas Todos “los alicios” nos metíamos a los antros de rock desde pubertos. nos parece injusto que la ley no permita que alguien menor de 18 años se divierta. por eso hacemos tardeadas y abrimos sin vender cerveza. no creemos que los chavitos sean tontos, al contrario, son muy listos y hay algunos que tocan muy bien. las mujeres y el rock siempre nos ha interesado la cuestión social: la despenalización de la mariguana, los presos políticos, los desaparecidos. así iniciaron las tocadas de rock femenino hace 12 años. nos dimos cuenta que había muchas bandas de chicas. este año no cupieron todas el Día de la mujer. ¿Vocación o coincidencia? Inicié el alicia por coincidencia, yo trabajaba en una productora de conciertos y los amigos me insistían en abrir un espacio, pero yo no quería porque es muy pesado. “los alicios" somos como personajes de la película de mendigo a millonario, el perdedor que con un chance hace cosas interesantes. los jóvenes no tienen derecho a nada, pero si les das confianza y una oportunidad te maravillan... eso es el alicia: gente con un espíritu juvenil, nosotros no nos vemos como adultos. el futuro no existe el futuro, todo es una moneda en el aire, traba jamos con el presente, con lo que nos toca.

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#Marvin12

AGRUPACIÓN CARIÑO — ALFONSO ANDRÉ — ANDREA BALENCY —

CARLA MORRISON — CROCODILES EUA — DAPUNTOBEAT —

CARMEN COSTA

FERNAND

EUA

— COMISARIO PANTERA

DEDO CARACOL

— LOS DORADOS (LIVE REMIXED)

— LOS FANCY FREE — GG BROSS — HEY CHICA! — LA HORA DE LA HORA

I CAN CHASE DRAGONS! MATILDA MANzANA

ATLAS SOUND

— JESSY BULBO — JOE VOLUME — JUAN PABLO VILLA — El MAÑANA

— MARLENTO — MOMPOX

ARG

— MOSTRO

CHI

— MUJERCITAS TERROR

ARG

NIÑA DIOZ — NORTEC COLLECTIVE PRESENTA BOSTICH + FUSSIBLE REACTABLE SET OCEAN’S ACOUSTIC

— ODISSEO — RADIO ANDRÉS — RADAID —

REBEL CATS

ROBOTA — LOS ROMÁNTICOS DE zACATECAS — SARA VALENZUELA — SILVERIO — TECHNICOLOR FABRICS

THE BOXER REBELLION

ING

— THE VOLTURE — TORREBLANCA — TROKER

VENTILADER — VESSPA CONOCE MÁS DEL CARTEL EN EN VARIOS FOROS DEL CIRCUITO

CONDESA-ROMA EN UN SÓLO DÍA

TRANSMISIÓN ESPECIAL POR

CINE AL AIRE LIBRE POR