Revista Marvin 95 :: Especial de Mujeres by Revista Marvin

EDITOR EN JEFE VICENTE JÁUREGUI vicente@revistamarvin.com PUBLISHER TONY ROMAY tony@revistamarvin.com DIRECCIÓN DE ARTE ABRAHAM BELTRÁN bran@revistamarvin.com DISEÑO GRÁFICO ANGELIKA BARBEYTTO angelika@revistamarvin.com COORDINACIÓN EDITORIAL Y CONTENIDO WEB JIMENA GÓMEZ jimena@revistamarvin.com CONTENIDO WEB ARTEMISA HERNÁNDEZ artemisa@revistamarvin.com APOYO WEB VICTORIA KARMIN ENRIQUE PADILLA BARRERA WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA ernesto@revistamarvin.com RP Y PUBLICIDAD DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com COORD. COMERCIAL Y ALIANZAS JEANINNE RODRÍGUEZ jeaninne@revistamarvin.com ADMINISTRACIÓN Y SUSCRIPCIONES EMMANUEL CORTÉS emmanuel@revistamarvin.com DISTRIBUCIÓN CARLOS GONZÁLEZ MARTÍNEZ carlosgm@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com MARVIN TV PABLO SEGOVIA pablo@lphantfilms.com

CARTA EDITORIAL

Serían necesarios varios números para rendir culto a todo el talento que inicialmente, quisimos abarcar en esta edición dedicada a las mujeres. Por esa razón, algo sin precedentes ocurrió en la historia de Marvin: por vez primera, el tema del mes se encuentra plasmado a través de toda la revista. La selección fue ardua y reñida, pero después de mucho cabildeo, creemos que fue acertada en tanto que es una instantánea que brilla por sí misma. En este ejercicio pudimos extraer varias conclusiones: sea dentro de la música, el cine o el arte, una gran parte de la creatividad femenina demuestra gran arrojo, con propuestas que destacan dentro de un tremendo bombardeo de información. Tan sólo en lo que va del año, varios de los mejores discos fueron creados por mujeres, que además de componer, empuñan algún instrumento con una energía muy peculiar. Para las que se fueron (Rita Guerrero y Amy Winehouse), dedicamos aquí un homenaje a su ilimitado talento. Galardonada con el Mercury Prize por segunda ocasión, PJ Harvey extiende su halo profético por acá. Sin temor a equivocarnos, nosotros profetizamos que artistas como Francisca Valenzuela, St. Vincent, Zola Jesus, Phantogram o Gang Gang Dance, seguirán sorprendiendo en el futuro con su música. Y en portada tenemos a la cantante islandesa que en cada disco se reinventa a sí misma: Björk, quien ahora nos sorprende con Biophilia, el primer app disco en la historia, un experimento sin precedentes que fusiona música con tecnologías interactivas. Vicente Jáuregui

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Jaime Acosta, Luis Arce, Paola del Castillo, Manú Charritton, Chico Migraña, Ejival, Erick Estrada, Arthur Alan Gore, Alejandro González Castillo, Carlos Gutiérrez, Juan Carlos Hidalgo, Emma Lolshe, Andrés Ibarra “Chelito”, Malfi, “El Jergas”, Alejandro Mancilla, Hugo García Michel, Pati Peñaloza, Sophie Raymond, David Rodríguez, Rosa Pistola, Jesús Serrano, María José Sesma, Paola Tinoco, Emilio Toledo, Nancy Zamora, Regina Zamorano.

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo Flores, Juan Carlos Hidalgo, Leonora Milán, Humberto Polar, Nacho Retally, Juan Carlos Reyna, Rafael Toriz, Carlos Verástegui.

RESPONSABLE DE DISTRIBUCIÓN Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calzada de Tlalpan 572, desp. C-302 Col. Moderna. C.P. 03510. Benito Juárez, México D.F. Tel: (0155) 5618 8551 Mail: jnuno15@yahoo.com.mx

MVN 95 SEPTIEMBRE 2011 BJÖRK ESPECIAL DE MUJERES

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA AGUASCALIENTES LIC.BLANCA A. JIMÉNEZ blancaajr@hotmail.com PUEBLA RICARDO CARTAS FIGUEROA ricardocartas@revistamarvin.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@revistamarvin.com PACHUCA NAYELY OLVERA nayely@revistamarvin.com

CONTACTO MARVIN

Cozumel #61-4. Col. Roma Norte CP 06700. México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@revistamarvin.com Suscripciones: suscripcion@revistamarvin.com www.marvin.com.mx

MONTERREY NICOLÁS CHAPA nicolas@revistamarvin.com GUADALAJARA JUAN CARLOS BASURTO jcgbasurto@revistamarvin.com IMPRENTA COMPAÑÍA IMPRESORA EL UNIVERSAL Allende 176. Col Guerrero. México DF. Tel. 5117 0190

MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. 4, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Edición 95 correspondiente a: OCTUBRE 2011. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título No. 12669 Certificado de Licitud de Contenido No. 10241 Certificado de Reserva de Derechos al uso Exclusivo. No. 04-2010-052714562400-102 MARVIN es una Marca Registrada.

DIRECTORIO

PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com

CONTENIDO

CINE

46 El estrés de octubre. Cine como terapia. 64 DE CULTO El verdadero cine para mujeres.

LITERATURA

56 Valeria Luiselli. Todos morimos muchas veces.

ARTE

54 CÓMIC 58 Fragmentación manual. Collages a cargo de Lola Dupré. 66 DE CULTO Minihistoria del arte histérico (perdón, femenino).

DE FONDO

34 La imposibilidad del feminismo.

BJÖRK

06 BUENAS NUEVAS Noticias de música, cine y arte. 10 ESTILO Tendencias actuales. 12 GADGETS Lo último en tecnología.

MÚSICA

14 Reading & Leeds. Uno de los mejores festivales del mundo. 16 Coordenadas. Nuevos talentos musicales. 18 Las Ultrasónicas. 15 años. 19 Old School Junkies. 20 Francisca Valenzuela. De Chile para el mundo. 21 Ruido Rosa. Más ruido que rosas (afortunadamente). 22 PJ Harvey. La vorágine que sacudió Inglaterra.

EN PORTADA

23 Amy Winehouse. (1983 – 2011). 24 The Kills. Una banda fascista. 25 Gang Gang Dance. De arte, espiritualidad, música y baile. 26 Zola Jesus. Desde los oscuros bosques. 27 St. Vincent. Annie Clark, la chica de los ojos gigantes y las melodías turbulentas. 28 Cansei de Ser Sexy. It still hits me. 29 Phantogram. Indie campirano. 30 Talento sin cliché. Diez mujeres que desafían el mainstream. 32 LA Vampires, Nite Jewel y Geneva Jacuzzi. El post-performance análogo. 62 DE CULTO Rita Guerrero. Nueve anécdotas sobre una guerrera.

COLUMNAS

42 Hablo porque tengo boca Si no saben leer, menos escribir. Por Chico Migraña. Off The Record Licencia para devorar. Por Arthur Alan Gore. 43 Bajo Presupuesto Sexo, drogas y Alejandra Guzmán. Por Hugo García Michel. El cuaderno amargo Las chicas no sólo quieren divertirse. Por Paola Tinoco. 44 Malincheando. Y cada noche los sueños se horrorizaban. Por Emilio Toledo.

MODA

50 Ximena Sariñana.

RESEÑAS

MÚSICA 68 / CINE 74 / LIBROS 76 GAMER 77 / LINKS 78

80 EL PILÓN Carla Rippey. Mujeres, fuego y objetos peligrosos.

El pasado siete de septiembre El Imperial se vistió de gala y dio la bienvenida a dos de las agrupaciones más elegantes de la escena capitalina: 3 Dudes and a Mullet y The Plastics Revolution. Con las lluvias tomándose una pausa y la noche fresca, El Imperial se llenó con fans, curiosos, fiesteros, y demás que se dieron cita para escuchar lo que la Esencia Marvin número 28 tenía reservado para este miércoles. F O T: : S A K R E .

LA ELEGANCIA DEL MULLET

Para iniciar la noche 3 Dudes and a Mullet deleitó al esencial público con su combinación de rock, folk y un poco de country. “Love train” definitivamente fue la canción del set y es que eran pocos los asistentes que no corearon este tema; y la impresión que Fish, Miots, Poni y Bueno dejaron en todos los asistentes fue, sin duda, buena y duradera. No deja de sorprender lo mucho que esta banda ha evolucionado, desde esos años del Cuervo and Roll, su interpretación en vivo es precisa y su talento como músicos evidente.

REVOLUCION PLÁSTICA

Para continuar la noche The Plastics Revolution tomó el escenario y sacudió a el Imperial con un sonido vibrante y poderoso, si algo puede decirse con certeza de esta banda de singles, es que saben cómo animar a la audiencia, y su presencia escénica es un verdadero ejemplo para muchas bandas jóvenes mexicanas que creen que mantener una expresión muerta en el escenario, da aire de superioridad. Uno de los mejores momentos de la noche, tomó lugar cuando Madame Recamier acompañó a los Plastics, pues además de tocar con ellos, Recamier se encontraba festejando su cumpleaños, y como todos sabemos, no hay mejor lugar para festejar bautizos, bodas o cumpleaños que Esencia Marvin. 04

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BITO

U Q E L HA IP E Los géneros de

ROBERT

McKee nos habla de terror, comedia y amor.

Regresa a México el famoso guionista y escritor Robert Mckee, que en esta ocasión viene a impartir un curso sobre géneros cinematográficos. Y es que en esta época de híbridos, McKee nos recuerda que para romper las reglas, hay que conocerlas primero. El curso se llevará a cabo del 12 al 15 de octubre, cada día destinado al estudio de un género. Marvin tiene para ti dos becas completas, para cualquiera de los cuatro días. Lo único que tienes que hacer es ingresar a www.marvin.com.mx/promos o escanear el código y participar. Gánate una beca en

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EL CANTO DEL

CAPITÁN AMÉRICA L

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a cinta que demuestra que nadie patea traseros como un soldado gringo mutante, también muestra que el original score no ha muerto. Este soundtrack fue realizado por Alan Silvestri, compositor nominado al Oscar y al Grammy, y cuyos trabajos incluyen Volver al Futuro, Forrest Gump, entre otras. Marvin tiene para ti cinco ejemplares de este disco. 06

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EL MISMO DRAMA DE SIEMPRE… CON UN TOQUE DE CIENCIA FICCIÓN. ocos cineastas son capaces de retratar una red compleja de sentimientos de manera fluida, y aparentemente sencilla, como Almodóvar. Su cine representa todo lo que vale la pena representar: mujeres, amor, locura, obsesión, pasión, putas, religiosos y religiosas, enfermos de sida y comatosas. Después de una carrera exitosa y cambiante, Almodóvar vuelve con La piel que habito, película que debutó durante la pasada edición de Cannes y que, como ya es costumbre, recibió favorables críticas. La cinta, enfermiza en todos sus niveles, es una extraña mezcla de géneros, una historia en la que los personajes son tan deformes, que resultan familiares y cuya premisa es fascinante. O en la palabras de Pedro “Es una historia durísima de venganza, con chicos y chicas y un personaje muy diabólico que me está costando ponerme en su piel, un intenso drama que a veces se inclina por el noir, a veces por la ciencia ficción y otras por el terror”. La piel que habito se estrenó el pasado mes de septiembre en España, y aún no tiene fecha de lanzamiento en nuestro país, sin embargo ya puedes disfrutar del trailer – muy bueno, por cierto– en: www.marvin.com.mx

¡Nos fuimos a Chihuahua!

MÚSICA::

E Arte y advertencia Ellos vendrán esta noche es el nombre de la primera exposición individual del ilustrador, diseñador y pintor mexicano: Miguel Mejía. Con un estilo y referencias que van desde el graffiti hasta las artes formales, Mejía –también conocido como Neuzz– crea un bestiario, perturbador y enigmático. Para conocer más sobre la obra de este artista visita neuzz.blogspot.com Retratos, dibujos y pinturas de Neuzz estarán en muestra a partir del 2 de noviembre en el Centro Cultural Border (Zacatecas 43, Col. Roma)

LA OBRA DE ROBERTO BOLAÑO RECIBE INTERPRETACIÓN PLÁSTICA Con más de 25 artistas, entre ellos Cildo Meireles y Patti Smith, esta exposición es un viaje gráfico a través de la gran –en todos los sentidos de la palabra– obra de Bolaño. Desde cartas del escritor a Carla Rippey, pasando por el billete de cero dólares de Cildo Meireles, hasta unas fotos de la cantante punk Patti Smith, quien era seguidora del chileno. La propuesta curatorial es variada y conjunta entre las galerías Kurimanzutto (DF) y Regen Projects (Los Angeles). Está exposición estará abierta hasta el 29 de octubre, en la galería Kurimanzutto ( Rafael Rebollar 94 Col. San Miguel Chapultepec). 08

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Conoce más de este viaje en

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l pasado mes de septiembre visitamos la norteña ciudad y participamos en el reto Rarámuri, que puso a prueba nuestra resistencia a través de las 10 diferentes disciplinas que esta competencia de dos días ofrece.

Casa Chihuahua: Miguel Hidalgo paso sus últimos días en un calabozo, dentro de esta casa.

Valle de los monjes en Creel: Aquí se encuentra la cascada de Cusárare que tiene una caída de 30 metros.

Divisadero: Aquí se encuentra el parque de Aventura Barrancas del Cobre, donde de lo mejor que se puede hacer es subirse al teleférico y a la tirolesa. El tren CHEPE: Sin duda la mejor manera de recorrer todas las atracciones de Chihuahua, conocido por su trayecto a través de las barrancas del cobre. Tip Marvin: si tu asiento se encuentra del lado izquierdo, la vista es particularmente espectacular.

ESTILO::

NESCAFÉ DOLCE GUSTO MUCHO GUSTO

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Con NESCAFƒ Dolce Gusto la calidad nunca ser‡ convencional. Con deliciosas variedades y lo œltimo en dise–o, esta m‡quina de caf es un obligado para los paladares m‡s exigentes. Desde el a–o pasado, NESCAFƒ Dolce Gusto ha presentado tres cafeteras que son sin—nimo de estilo: Circolo, Melody 2 y Piccolo, esta œltima concebida por la prestigiada dise–adora Agatha Ruiz de la Prada.

LACOSTE

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COLECCIÓN DE BOLSAS DISEÑADAS POR R. GEORGE

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REEBOK Y SWIZZ BEATZ

LANZA LA ESPERADA CAMPAÑA REETHYM OF LITE

Creador del emblem‡tico logo de Rene Lacoste, esta colecci—n muestra un estampado de camuflaje de cocodrilo, en cinco vibrantes modelos, en combinaciones de cuero, lona y tela; junto con una serie de monederos.

En la ciudad de Nueva York, tuvimos la oportunidad de hacerle unas preguntas a Swizz Beatz sobre la campa–a Reethym of Lite y su trabajo como director creativo para esta campa–a que marca el regreso de Reebok Classics. Conoce m‡s de esta l’nea en: www.WeRClassic.com

ADIDAS

ORIGINALS OTOÑO/INVIERNO Adidas est‡ de vuelta este oto–o/invierno con dise–os urbanos y militares de Jeremy Scott. MEGA ofrece calzado tech-lifestyle, Street una l’nea urbana inspirada en el skate, mientras BLUE es una l’nea de calzado y una extensi—n de in house de Originals Denim.

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GADGETS::

PLAYSTATION VITA

PORQUE NUNCA SE TIENEN DEMASIADOS PLAYSTATIONS El sucesor del PSP es touch, con mejoras en los gr‡ficos y gameplay en 3D. Fecha de lanzamiento: Am rica y Europa 2012. Jap—n Diciembre 2011.

NIXON

RELOJES PARA HACER SURF

SONY ALPHA

LA CÁMARA MÁS RÁPIDA DEL MUNDO La nueva Sony Alpha SLT-A77 puede tomar hasta 12 cuadros por segundo. Y la Sony Alpha NEX-5N con capacidad de filmar video en Full HD y tomar 10 cuadros por segundo, es mucho poder en una compacta c‡mara digital. Fecha de lanzamiento: cuatro de octubre en M xico.

Con novedosos y modernos dise–os estos relojes aguantan hasta la ola m‡s salvaje. Todos los productos Nixon ya est‡n disponibles en M xico.

SOUNDLINK WIRELESS MOBILE SPEAKER BY BOSE

AUDÍFONOS SINUS

MÚSICA PARA TI Y PARA TODOS Desarrollados y dise–ados por Tino Klaehne, estos aud’fonos son mucho m‡s de lo que parecen y es que con tan s—lo voltearlos se transforman en un par de bocinas. Lamentablemente, esta idea aœn no se encuentra disponible ya que todav’a est‡ en etapa de desarrollo.

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Con la ayuda de Bluetooth estas bocinas se conectan de forma inal‡mbrica a cualquier dispositivo tipo iPod, iPhone, iPad etc., haciendo el uso de cables obsoleto. Fecha de lanzamiento: disponible a partir de este mes de octubre.

MÚSICA:: Pulp FOT:: MSethi

The Horrors FOT:: Stu Spencer TXT:: MALFI. FOT:: CORTESÍA DEL READING & LEEDS. Noah & The Whale FOT:: George Coppock

Young Knives FOT:: Simon Moss

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Cage The Elephant FOT:: Reading & Leeds

My Chemical Romance FOT:: Ryan Mason

The Vaccines FOT:: Brendan Docherty Metronomy FOT:: MSethi

Bombay Bicycle Club FOT:: Simon Moss

The Strokes FOT:: George Coppock Elbow FOT:: Simon Moss

Beady Eye FOT:: T. Woolliscroft

CUANDO

se empaca, hay que ser cuidadosos con aquellas cosas que no se pueden olvidar. Si es para un festival inglés, sólo existe una cosa más importante que el pasaporte: las botas de lluvia. Y es que en Inglaterra, los festivales, el tiempo y sus climas, gozan de una extraña e íntima relación, la temporada comienza con Glastonbury, que se lleva a cabo el último fin de semana de julio, y termina con Bestival, éste último marcando el final del verano –que en Inglaterra es un anuncio cuasi apocalíptico de que el frío se acerca–. En el apogeo de este ciclo se encuentra el Reading & Leeds –que se lleva a cabo a lo largo de tres días de un puente en agosto, conocido como Bank Holiday Weekend– y su cartel es definitivamente uno de los más importantes. Esta vez, los grupos principales fueron: My Chemical Romance, 30 Seconds

to Mars, The Strokes, Pulp, Muse y Elbow. Reading (del cual fui víctima) es un mundo de música. Por un lado tienes a cientos de adolescentes borrachos y drogados y por el otro se tiene un lodazal del que nadie se salva. Entre las bandas que más sorprendieron al público estuvieron Bombay Bicycle Club y The Vaccines. Mientras ves a Crystal Castles, o escuchas a lo lejos a Metronomy y a Cage the Elephant, los días parecen esfumarse en segundos; prueba de nuevo, de que el tiempo y los festivales están conectados. En total se presentan alrededor de 180 grupos y las alineaciones cambian entre Leeds & Reading –es el mismo cartel del día pero en distintas fechas– con el propósito de que la gente en Inglaterra del norte pueda disfrutar de un excelente festival, al igual que la del sur. M

Esta secci—n es el c—mo y d—nde encontrar proyectos a seguir, desde bandas destacadas de la escena hasta nuevas propuestas emergentes.

COORDENADAS::

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA.

Escandaloso video de Pipe por Leandro Córdoba

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¿A QUÉ SUENA? Hip-hop con elementos que van del rock más radical al pop de FM. NUNCA LO VERÁS Haciendo una letra tipo “anémonas de luz, partículas de amor", ni en una banda instrumental disfrazada de conífera, sin cantar. SUS GUSTOS EXTRAMUSICALES De Tom y Jerry a Donnie Darko. Odia los libros.

SEGÚN

sus propias palabras, su música viene de todas las escenas de Torreón, Coahuila, su ciudad de origen: fresas, junkies, hipsters, cholas, raperas, ricas, vagabundas y narcotraficantas. Le late desde Katy Perry hasta Lou Reed, Zurdok (de quienes ha sampleado cosas) o Calle 13. Lo cierto es que sus canciones – en las que “Ximena Sariñana camina como araña” o declara su amor por Ludwika Paleta–, son muy originales y tienen ese @pipellorens Pipellorens

pipellorens www.pipellorens.com

aire pop que las hace inolvidables. En vivo es una gran experiencia, de repente sube bailarinas buenísimas a hacerle coros, sin perder su actitud de crooner redneck –con el cover de “Chica de humo” de Emmanuel incluido–. Entre sus metas está hacer el mejor disco en español “que abarque desde el rock hasta el deep house, pasando por el reggaeton y el folk, para que la gente escuche mis canciones diga: ‘a huevo, ese vato sí sabe qué onda’ ". Si eres Ximena Sariñana puedes reclamarle a despota_ilustrado@hotmail.com (o también si te vuelves fan).

grupo surge en Copetilandia (estado de México) con la inquietud de formar un combo de chicas, sin ninguna pretensión que hacer rock and roll con la influencia del girl power, el garage rock de los 60, las chicas bikers y el fuzz. El grupo ha participado en varios compilados como Vinyl Promo 7” Classic Singles de la disquera portuguesa Groovie Record, y también será parte de No Way Out! Vol.2, compilado de la disquera inglesa Dead by Mono Records. También han tocado con bandas consolidadas de la escena como Las Ultrasónicas o Los Esquizitos. Pero... ¿ser una banda de chicas les ha causado problemas con los típicos misóginos? “Nos gritan los clásicos: ‘apachurro’, ‘chichis’, pero nunca nos han gritado nada ofensivo, ni nos han bajado de un escenario”. ¿Mencioné que las chicas son fans de los viniles? Si eres el típico gañán que las quiere ver en concierto porque son chicas, al menos te recomendamos que inventes frases originales para gritarles, y que mínimo compres uno de sus discos. Si por el contrario te interesa su propuesta musical (como debe de ser), acá las puedes seguir: LasVinylators

lasvinylators

Reverbnation.com/lasvinylators

No encontramos su twitter, pero si alguien lo averigua la daremos una recompensa (¿será que no tienen?). 16

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LOS 5 DISCOS QUE MÁS LO HAN INFLUENCIADO TVU - The Velvet Underground & Nico Beck - Mellow Gold Caló - Lengua de hoy Smashing Pumpkins - Mellon Collie and the Infinite Sadness Plastilina Mosh - Juan Manuel EL MEJOR Y EL PEOR CONCIERTO AL QUE HA ASISTIDO El mejor: Sugar Ray. El peor: CocoRosie y uno de Camera Obscura donde se quedó dormido en la segunda canción. DISCOGRAFÍA Como sea, no te creas (2008) Delhotel Records Enlazando mundos (2011) Delhotel Records SOBRE LA ESCENA NACIONAL “Hay muchas envidias, no hay cooperación ni empatía; no existe solidaridad entre las bandas, más bien hay una cultura musical de ‘mirar al otro y señalar’”. INTEGRANTES Ana (batería), Rita (órgano), Luz (bajo), Karla (guitarra). SUS BANDAS FAVORITAS DE TODOS LOS TIEMPOS Ultra 5, Lords of Altamont, The Pandoras, The Headcoats, The Lyres, The Seeds, The Fuzztones y Os Haxixins. NUNCA LAS VERÁS Dejar de tocar lo que les gusta para sólo lucrar, como tantas bandas hacen. Su idea es seguir tocando hasta que el cuerpo aguante. SI GOOGLEAS SU NOMBRE, LO PRIMERO QUE SALE ES “Las Vinylators are a garage girl band from México”. UN DISCO BÁSICO PARA COMPRENDER SU SONIDO The Night of the Living Eyes de The Chesterfield Kings.

grupo comenzó como inician la mayoría en la era del Internet: con una computadora y una guitarra acústica. Como toda nueva generación que está a un click del grupo indie del momento, crecieron influenciados por bandas clásicas de shoegaze, rock progresivo, post-rock y hasta new age. La banda se formó en la Ciudad de Tampico, Tamaulipas, donde han destacado en la intermitente escena local, difundiendo su música gracias a las redes sociales: “nosotros conocemos muchas bandas buenísimas gracias a Facebook o Twitter, sin las redes socales jamás nos hubiéramos enterado de su existencia”. Se trata de una propuesta interesante que se transita por los senderos de Zurdok y Vaquero.

INTEGRANTES DEL GRUPO Christian Zavido (guitarra y voz) Jaime Amilcar (teclado y coros) Hugo Sánchez (guitarra y voz) Marcelo Galván (bajo) ANÉCDOTA EXTRA-MUSICAL Los detuvieron por “molestar” a unas chicas y los hicieron cantar cumbias en un Nintendo DS en la delegación. Al final, todo se resolvió. DISCOS BÁSICOS PARA EL GRUPO Kashmir - Zitilites David Byrne - Look into the Eyeball Toto - Falling in Between Live Zurdok -Maquillaje DISCOGRAFÍA DE LA BANDA Cuidador de los sueños E.P. (2009) The Smösh L.P. (2011) (producido por Maurizio Terracina ex-Zurdok, Vaquero y actual The Vulture) LO PEOR QUE LES HA PASADO SOBRE EL ESCENARIO Que nos pidan algún cover de Metallica, o que un borracho esté gritando cosas “místicas”.

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¿A QUÉ SUENA? “Eso a lo que no suena en la radio y los audífonos actualmente”. INTEGRANTES Jan Ingram (voz y bajo) Felipe Bazán (saxofón) Francisco Rubio (guitarra) Alejandro Tapia (guitarra) Francisco Sáez (batería) NUNCA LOS VERÁS Regresar a Indie Rocks! Records. DISCOGRAFÍA Iron Bridge (2007) NoTV Records/ Iguana Records The Foreign Affair (2010) NoTV Records The Tacits

The Tacits

Conocí

a The Tacits hace algunos años y me pareció una banda de sonido fuerte, con influencias musicales muy interesantes. No por nada los integrantes del grupo son ávidos conocedores del rock de todas las épocas, lo que se vuelve evidente

en sus canciones, llenas de referencias sónicas tanto a bandas clásicas como de culto. Si bien los temas son en inglés, la banda originaria de Puebla, tiene una identidad bien definida y vale la pena verla en vivo. Próximamente la banda lanzará

un disco instrumental titulado Ciclo I, y un nuevo disco de nombre tentativo: De Sade (para el 2012, si no se acaba del mundo). Al editor de Marvin le sonaron a Joy Division. Pero según ellos, sólo es una de sus muchas influencias.

MÚSICA::

T X T: : A L E JA N D R O G O N Z Á L E Z C A ST I L LO.

Es la de Ultras—nicas la historia m‡s gamberra que se ha escrito en el anecdotario del rock & roll manufacturado por mexicanas. Hijas putativas de The Shaggs y hermanas bastardas de The Glamour Pussies, las Ultras abrieron grietas que hoy grupos como Le Butcherettes y Descartes a Kant exploran visualmente, pero tambi n plantearon un discurso que quienes en su momento adoraban a Julieta Venegas escucharon horrorizados. Cierto, el combo ultras—nico no fue el primero que salt— al escenario con sangre embarrada en los muslos mientras gritaba sus ansias por convertirse en una vil perra, pero antes, Àqui n se hab’a atrevido a cantar desde su garaje una tonada tan candorosa como la de "Vente en mi boca"? Hace ya XV a–os que estas chicas apretaron los test’culos de una escena machista que, apenas ve’a una falda sobre las tablas, calentaba la garganta para arrojar escupitajos, pero hoy el escenario luce distinto; sin algo de lo cual arrepentirse, Ali Gua Gua y Jenny Bombo sostienen el pu–o en lo m‡s alto: "las Ultras seguimos vivas -explican- lo œnico que ha cambiado es que ahora tocamos menos, pero lo disfrutamos m‡s". 18

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A 15 años de distancia, ¿cómo se encuentra el grupo? Jenny: Estamos en un momento en el que hemos ganado experiencia y nos encontramos componiendo las canciones de nuestro cuarto disco. Obviamente hemos cambiado, pero la esencia, la actitud y el estilo de la banda permanecen. Con la perspectiva del tiempo a favor, ¿de qué forma impactó en Ultrasónicas la salida de Jessy Bulbo? Ali: Cuando aquello ocurrió teníamos un disco recién terminado que nos había costado mucho esfuerzo (Ohh síí, más… más!!!). La decisión entonces era continuar o no, y decidimos seguir adelante. Personalmente, el impacto fue de amistad; crees conocer a tus amigos pero la realidad es que nunca acabas de conocer a la gente. J: Sí, aunque después la banda se acostumbró, más que nada nos dolió mucho perder la amistad. Y, ¿les gusta lo que hace Jessy como solista? (Ambas): No. ¿Existe alguna diferencia en la forma en que una mujer y un hombre empuñan la guitarra eléctrica? Es que Ely Guerra suele hablar de la “sensibilidad femenina” en el rock. A: La diferencia básica consiste en que si estás tetona la guitarra te molesta un poco al colgártela. No creo en la sensibilidad

femenina; sino en la sensibilidad humana. Por otro lado, ¿Ely Guerra hace rock? ¿Qué es lo más complicado que han tenido que sortear encima de un escenario? A: Una vez, abriéndole a Misfits, nos aventaron monedas. La onda era esquivarlas para no descalabrarse porque una moneda a alta velocidad es un proyectil mortal... al final me llevé como 90 varos. ¡Qué codos! Bueno Ali, es que tu trato con el público no siempre ha sido del todo dócil. Te recuerdo escupiendo hacia la audiencia. A: Si llegué a hacer eso. Tal vez fue porque me estaba atragantando o porque me escupieron a mí primero. Actualmente sigo escupiendo, a veces, pero para aclararme la garganta y respirar mejor al cantar. J: Algunas veces sí le hemos contestado groserías a la gente por el micrófono, pero generalmente es de desmadre. Cuáles mujeres rockeras mexicanas les gustan. ¿Alguna de ellas ha sido determinante en su forma de tocar? J: Pues a mí me gusta Rita Guerrero (Q.E.P.D.) y Brisa Vázquez (Los Esquizitos). La segunda sí que ha sido una influencia para mí. A: La verdad es que hay una carencia de modelos a seguir. Yo soy más de bandas que de solistas, pero en México hay muy poquitas bandas con mujeres. Me gusta también Rita Guerrero, mucho; por el respeto que imponía

al subirse al escenario, además del estilo que desarrolló con Santa Sabina. También me gusta Julissa. Amo la manera en cómo traducía las canciones, su labor como actriz y su producción musical y teatral. Es una pionera. En ese rol, ¿consideran que Ultrasónicas ha creado escuela? ¿Alguien ha seguido los pasos del grupo; éste ha servido de ejemplo para alguien en especial? J: Creo que de alguna manera fuimos pioneras y una inspiración para que ahora haya muchas más bandas de chicas atreviéndose a hacer rock. A: Yo no sé si creamos alguna escuela, pero ojalá hayamos ayudado a algunas chavitas a sentirse menos solas en su forma de pensar. Poniéndonos anti punks, ¿cómo creen que Ultrasónicas serán recordadas en el futuro? J: Como una de las primeras bandas de chicas que se atrevió a hablar en sus rolas de temas tabú como el sexo y las drogas. Las Ultrasónicas nos aventamos a cantar con un lenguaje más libre, abierto. A: Sí. Nosotras somos una banda que rompió esquemas. M

“¿Ely Guerra hace rock?” -Ali Gua Gua

trata de una compañía de burlesque y cabaret, que algunos llaman cabaret oscuro. Marina, la fundadora, lo define como un experimento lúdico en el que se combina el diseño, música, teatro y arte, siempre libres de cualquier tabú. Fue en Baltimore que Marina inició esta compañía después de ver un show de neo-burlesque en el que una gorda monumental se quitaba la ropa, embelesando a la audiencia con su actitud. Old School Junkies inició acompañando a bandas durante sus presentaciones. Más adelante, su acto se convirtió en fiestas temáticas en donde los invitados podían disfrazarse y ser parte del escenario. Los conceptos de sus shows suelen ser fenómenos de carpa, clowns, rockers o ficheras, entre otros, cuidando detalles de vestuario, escenografía y con el desnudo como idea central, pero siempre acompañadas de música de los años 20 o 30. En este show conformado por mujeres lo importante es simplemente ser, librarse de cualquier tabú, sin importar encajar en un estereotipo y llevando esta actitud no sólo en el escenario, sino a su vida diaria. T X T: : E M M A LO L S H E . F OT: : M A R Í A J O S É S E S M A / E M M A LO L S H E / R O SA P I STO L A .

MÚSICA::

D E C H I L E PA R A E L M U N D O TXT:: VICENTE JÁUREGUI.

Para calentar motores previo a su gira por M xico, platicamos con Francisca Valenzuela, una cantantautora chilena de convicciones firmes y refinados gustos musicales. Tan virtuosa al piano como cuidadosa al desarrollar sus melod’as, sus composiciones destilan autenticidad y compromiso art’stico. INICIOS

Recuerdo escuchar música en el living de mi casa –desde Los Jaivas, Víctor Jara y Carly Simon hasta Los Beatles, Keith Jarret y Los Gypsy Kings–. Tocaba una pequeña guitarra con los tres acordes que me enseñó mi mamá (ella es científica, pero sabía guitarrear) y jugaba con un súper retro teclado Casio que me regalaron mis padres cuando empecé a interesarme por la música.

SAN FRANCISCO

En San Francisco me incliné hacia el rock. Siempre tuve fascinación por Carole King, Patty Smith, Joni Mitchell, Blondie, Bowie, Dylan, Michael Jackson, Prince, Morrissey, NIN incluso. Músicos, compositores y letristas empoderados me inspiraron a escribir canciones que no sólo fueran interesantes y accesibles musicalmente, sino que tuvieran letras que se defendieran solas, de contenido, con mensaje, historia, expresión y temática. Aprendí a integrar los valores de cada lugar: la diversidad, la independencia, el respeto y la libertad en San Francisco; la familia, el afecto, el gozar, el trabajo social y los artistas jóvenes y emprendedores en Chile.

LETRAS

Le canto a todo. Desde lo visceral y confesional del amor, desamor, inseguridades, deseos,

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reflexiones cotidianas que todos vivimos, hasta el comentario social, político, crítico que surge de mis inquietudes sociales, las observaciones de nuestras sociedades, nuestro planeta, o de las ganas de contar alguna historia que me conmovió o se me ocurrió. Es así que surgen canciones como “Salvador”, “Crónica” o “Buen soldado”.

(Risas) ¡Qué buena pregunta! Debo confesar que la actual formación de Gorillaz (con ex integrantes de The Clash, Bobby Womack, Little Dragon, Mos Def y Damon Albarn, entre otros) me parece bastante ideal. De todos modos, creo que mi banda ideal sería una que incorporara a Prince (¡tocando prácticamente todo!) y quizás Joseph Zigaboo Modeliste de The Meters en la batería.

Fue un tremendo honor y una gran sorpresa. Ellos me invitaron porque siempre buscan colaboradores en los países que tocan. Llegaron a mi canción “Quiero verte más” que estaba #1 en las charts de radio en Chile. Habían solicitado mi disco previo a su llegada (tienen un equipo de investigación que recopila info y se lo muestra a la banda) y lo habían escuchado de principio a fin, habían visto mis videos online, mi participación en proyectos sociales, etc., y así nomás, me llamaron el día antes del concierto a inventar y grabar unas voces para la introducción de su concierto (la música que ellos ponen cuando salen al escenario). Quedaron súper contentos y me invitaron para cantar “One Tree Hill” en Santiago, en el 360° Tour.

LOS PIANISTAS IMPRESIONISTAS

FUTURO

DREAM TEAM

Ravel, Poulenc, Debussy; todos eran virtuosos en contenido y estudios, pero rompían las reglas para desarrollar una narración y evocar un estado distinto. Hacían cosas inesperadas y combinaban elementos de manera más innovadora y fresca, resaltaban la individualidad de ellos mismos –no intentaban acatar a la norma–, pero aún manteniendo el dramatismo y la grandilocuencia de la música docta, de los románticos.

Estoy promocionando Buen Soldado –mi segundo disco–: hice una gira en Chile, fui al SXSW y ahora voy a NYC, LA, SF y Austin City Limits Festival. Hice cinco fechas en Brasil y ahora voy a México. Colaboro también en proyectos sociales (ahora en Chile tengo actividades de emprendimiento feminismo laboral, con movimientos de diversidad sexual, ¡está bueno!). M

¿Tienen relación con otras bandas de mujeres? M: Desgraciadamente no las conocemos personalmente. No mantenemos una relación con ellas, aunque nos encantaría. Alternamos con puras bandas de hombres, de hecho. Pero apoyamos la música hecha por mujeres y más en México que no hay muchas. TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL.

Dentro del panorama del rock que se hace en M xico, toparse con una banda que se ha decidido por un estilo netamente rocanrolero es un verdadero hallazgo que merece ser resaltado.

POCO

importa si el grupo en cuestión se encuentra conformado por hombres o por mujeres, aunque el que esta vez nos convoca es un cuarteto femenino dueño de una admirable potencia hormonal y de una propuesta que sorprende gratamente. Me refiero a Ruido Rosa, conformado por Alejandra Moreno en la voz, Daniela Sánchez en la guitarra, Carla Sariñana en el bajo y Maryluz Alatriste en la batería y que, tras seis años de andar en el camino, ha logrado poner en circulación su primer disco homónimo. Con sus integrantes es la siguiente charla. ¿De qué manera surgió su sonido, cómo lograron integrar sus diferentes gustos e influencias? Daniela: El sonido de Ruido Rosa salió durante la grabación del disco. Al trabajar con Diego Solórzano, quien nos produjo, fue que encontramos ese sonido propio de la banda. Hasta antes de eso, teníamos un estilo y era rock, pero estaba un poco perdido. Carla: Si en algo siempre nos enfocamos es en sonar a rock-rock. Clásico, fuerte. Alejandra: Estamos en una época en la que se escucha un rock más suavecito, pero al final nuestras influencias más fuertes siguen siendo las del rock clásico, que es el que más nos gusta oír.

C: La gente puede decir: “velas, están bonitas, son puras niñas y por eso les dan chance de tocar”. Pero si lo hiciéramos tan mal, por más feas o guapas que estuviésemos la gente no nos pelaría. Sabemos que una mujer en el escenario, con tres o cuatro hombres, es más creíble que cuatro mujeres solas. Es un combate que tenemos que librar día con día. Una tendencia actual es la de las bandas mexicanas que cantan en inglés. Ruido Rosa lo hace en español, ¿por qué? M: Yo creo que una banda mexicana sólo debe componer en inglés cuando haya logrado un nombre, cuando se haya consolidado realmente y tenga verdaderas posibilidades de trascender internacionalmente. Pero no antes. Nosotras sí pensamos en hacer canciones en inglés, pero más adelante.

Ustedes le abrieron a Kiss. ¿Cómo fue esa experiencia? D: Ninguna de nosotras pensó en el boleto que iba a ser abrirle a Kiss. Teníamos mucho miedo. Cuando nos subimos, nos abuchearon horrible, pero en el momento en que empezamos a tocar, el público se quedó callado y al final hasta nos pidieron otra. A: Estábamos un poco nerviosas. De manera equivocada vimos comentarios en la página de OCESA de gente que escribía cosas como “¿y esas quiénes son?” o “¿y esas viejas qué?”. Sí teníamos algo de miedo y nos preparamos para un show súper rápido. Sabemos que en los conciertos, a las bandas que les toca abrir, sean buenas o no, la gente no les guarda respeto, les gritan y las abuchean. Así que nos preparamos psicológicamente y dijimos: “vamos a hacer lo que sabemos hacer y nos vamos”. Pero nos llevamos una muy buena sorpresa. Mira que nos tocó un público muy duro, porque los fans de KISS son muy apasionados. Gracias a esas presentaciones y a la salida casi inmediata del disco, se nos abrieron muchas puertas. M

Tener una banda de mujeres es un arma de dos filos. Por un lado les puede abrir muchas puertas, pero también pueden sufrir discriminación, prejuicios y desprecio del lado masculino. ¿Cómo han vivido esto? Maryluz: Sí nos ha pasado. A veces, desde que subimos al escenario comentan: “seguro como son niñas han de tocar mal, sin fuerza”. Pero no es algo que nos preocupe. Nosotras tocamos porque nos encanta. Hacemos nuestra chamba sin prestar mucha atención a esa clase de comentarios.

MÚSICA::

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

En noviembre del a–o pasado un comando estudiantil irrumpi— en la sede del partido conservador en Inglaterra y provoc— todo tipo de destrozos. Unos cuantos d’as despu s, manifestantes callejeros arrojaron latas de pintura al auto en que viajaban el Pr’ncipe Carlos y Camila Parker. El rencor hacia el sistema social se va acumulando progresivamente y permea de varias maneras, es por ello que Let England Shake, (Universal, 2011) result— prof tico, pues plasmaba el estado de ‡nimo del pa’s de origen de la ganadora del Mercury Prize de este a–o, PJ Harvey.

ESTA

enorme artista, nacida en Yeovil, compuso su último disco con la sensación de estar inserta en un país decrépito y beligerante. Polly se presentó en el programa televisivo de Andrew Marr para tocar el tema que da nombre al disco y coincidió con que el invitado principal era nada menos que el primer ministro Gordon Brown. Cuando le preguntan acerca de aquel momento, lleno de tensión y simbolismo, la cantante explica: "fue una experiencia extrañísima, y probablemente uno de los momentos álgidos de mi carrera". La pieza habla de un país envuelto en la vorágine. Let England Shake es una experiencia profunda, quizá no siempre agradable; sus canciones tocan fibras sensibles sin carecer de un feeling estético muy especial. En él hay mucho de experiencia sensible, pero también de reflexión seria. Cuando le preguntan qué siente a propósito de las protestas sociales señala: “es excitante ver a

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la gente apasionarse, levantarse y expresar aquello en lo que cree y en lo que no”. Para la prensa europea no pasó desapercibido que Let England Shake puede tomarse como un disco de protesta, así, fue inevitable la pregunta sobre si un disco puede ser útil para cambiar en algo las cosas: “me gustaría pensar que sí. Me encantaría; hubo un tiempo en que era posible, en que la música tenía el poder de cambiar las cosas, de modificar el paisaje, pero no estoy segura de que eso sea viable hoy en día. Vivimos una época extraña, una época de gran desasosiego y de cambios políticos. Es difícil saber qué va a salir de todo esto. Sólo nos queda la esperanza de que seamos capaces de extraer algo bueno de lo que está sucediendo en el mundo”. PJ Harvey asume la guerra como parte de lo humano, no en vano aparece una trompeta como llamando a las tropas en “The Glorious Land”, con versos que remontan a

la muerte: “What is the glorious fruit of our land? / Its fruit is orphaned children”. La producción del disco contó con sus viejos colaboradores John Parish, Mick Harvey y el afamado productor Flood, quienes saben plasmar lo que PJ tiene en mente. Llama la atención el extendido uso del arpa, no en vano dice que sus discos son como una colección de poemas. Poética y reflexiva, más sagaz y afilada que nunca, sus temas y decisiones nos hacen concentrarnos especialmente en su octavo disco como solista, o décimo si se cuenta su labor en mancuerna. El disco es tan especial como el contexto en que fue grabado (una antigua iglesia en Dorset, ubicada en lo alto de una loma junto al mar). Se trata de una obra madura de una artista que ha logrado reinventarse a lo largo del camino que ha recorrido, y de la que puede decirse que posee la clarividencia de una gran pensadora. M

T X T : : PAT R I C I A P E Ñ A L O Z A . / @ p a t i p e n a l o z a

LA AUTODESTRUCCIÓN SUBLIMADA

Como la luz de una candela, frágil ante el viento de las desilusiones, la vida de la cantante inglesa Amy Winehouse ardió con la belleza de un astro fugaz, para pronto extinguirse con el soplido del dolor. Amy fue alcanzada por la eterna paz absoluta, justo cuando había decidido alcanzarla por voluntad propia, pero en vida. Sin embargo, para cuando eligió dejar de ingerir sustancias de todo octanaje, su delicado cuerpo ya estaba muy deteriorado: la autodestrucción sublimada, el infierno interior como cielo romántico para curar las ausencias. Con una afinación perfecta en tesitura de contralto, Amy albergaba varias tradiciones vocales en una sola garganta: casi sin esfuerzo, iba de la suavidad del terciopelo, en correspondencia con la dulzura y fragilidad de su corazón, a la emisión rasposita cual lija, como rijosa era la tristeza que alojaría hasta el final, en constante reproche a su condición de eterna abandonada. Pues si bien en su canción más famosa, “Rehab” (contenida en Back to Black, 2007), decía “no, no y no” a la rehabilitación, y a su preferencia por quedarse en casa bebiendo y oyendo a Ray Charles, la mayoría de sus temas evocaban al desamor y a la codependencia emocional hacia uno u otro hombre. Encontrada sin vida el 23 de julio pasado en su apartamento de Londres, a los 27 años, Winehouse se erigió como un meteoro de sinceridad y verdad musical sin par, en medio de un ambiente pop de plástico, en cuya formación vocal confluían Billie Holiday, Dina Washington, Ronnie Spector, Shirley Bassey, o hasta Macy Gray y Lauryn Hill. Del jazz ingenuo de su primer disco Frank (2003), editado cuando tenía 20 años, dio un gran salto con el citado Back to Black, para dejar de ser una tímida intérprete de estándares y pasar a ser todo un huracán de personalidad propia, que la instituyó como un ícono contemporáneo del soul-jazz. Si bien no innovó en el sentido estricto, el revival que efectuaba llevó al género a otra dimensión, al imprimirle una versión lírica y expresiva provenientes de igual forma

del hip-hop y el R&B, y letras de contenido sexual y afinidad a las adicciones: toda una incorrección política punk, inmersa en un contexto musical en origen meloso. Elementos disímbolos que nadie había hecho confluir en un mismo plano de esta forma. Y aunque las composiciones son de Winehouse, es determinante el trabajo de los productores Salaam Remi y Mark Ronson (de éste sobre todo, especialista en emular el sonido Motown), para la belleza de este impecable álbum, el cual a la fecha es ya el más vendido de la década en Inglaterra.

LA CAÍDA DE UN ÁNGEL

Pero mientras más bello es un ángel, más doloroso es atestiguar su deterioro. Escucharla cantar en vivo cuando aún podía hacerlo, con vaga presencia escénica, pero una gran entonación, un timing delicioso, un scat fresco y natural, una volatilidad a lo largo de las escalas y un sentimiento desgarrador, provoca calosfrío. Hacer recuento de su decadencia, ante los feroces carniceros del tabloide sensacionalista, genera rabia e impotencia: carne apetitosa para sus tirajes, muñeca vudú de nuestras frustraciones, casi abandonada hasta por su familia (aunque digan lo contrario), entraña de la que habrán surgido sus inseguridades y falta de afecto. El alcoholismo y adicción a las drogas de Winehouse, hicieron que su tercer disco se atrasara por años. Con todo, el 29 mayo de este año, Island Records anunció que el tercer álbum de Amy ya estaba listo. Sin embargo, después de su muerte, se informó que la edición del mismo recaería en la decisión de sus padres. Lo que es un hecho, es que escucharemos un material nuevo de manera póstuma, en un futuro próximo. Llena de tatuajes, de mirada perdida y una extravagancia que puso al día su apariencia de pin-up decadente (algo así como una trash-soul-diva), ganó cinco premios Grammy por ese solo disco (lo nunca alcanzado por una mujer británica), un Brit Award y tres Ivor Novello Awards. Además, fue musa

del diseñador Karl Lagerfeld. Pero ni los miles de discos vendidos (al morir su fortuna era de 2 millones de libras esterlinas) ni la fama, lograron aliviar su corazón o evadir su autocastigo constante, rasgo que la hermana con Janis Joplin. Tristemente, Amy insistió en decirle “no, no, no” a la vida, y ésta en respuesta le pagó con otros tantos “no, no, no”. La música pop de calidad pierde a una artista genuina, quien en prácticamente un solo disco volvió a poner al soul en alto. Un adiós que sabe a frustración, por lo mucho que aún pudo haber dado, tal como se siente siempre que un ser tan joven y talentoso parte de modo tan trágico. Descansa en paz, hermosa y atormentada Amy Winehouse. M

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MÚSICA:: ¿Tú eres el fascista? JH: No, los dos lo somos. La dictadura siempre es retomada. En el estudio mi poder está en el ataque, ahí es donde soy más efectivo y en donde soy el dictador constantemente. Lo hago en formas diferentes y ella parece tratar de rebelarse, pero yo siempre estoy al ataque. Obviamente, en el escenario ella tiene mucho más artillería y me sorprende todas las noches (Alison da un trago a su margarita mientras ríe de buena gana). TXT:: VICENTE JÁUREGUI. FOT:: PEDRO VELASCO.

SON

las 4:30 pm en la terraza de un hotel y el calor está al máximo, pero no lo suficiente para Jamie Hince y Alison Mosshart, quienes lucen su glamour habitual mientras se refrescan con un par de margaritas. Ambos están de muy buen humor, quizá por el agave que ya hizo efecto en su presión sanguínea, y porque están en México para tocar las tremendas rolas de Blood Pressures, su cuarto larga duración. Mientras los saludo, les presento el último ejemplar de Marvin con los Chili Peppers en portada, y Alison manifiesta su emoción con una onomatopeya de entusiasmo. Blood Pressures suena especialmente hiphopero, sobre todo en la parte rítmica. Jamie "Hotel" Hince: ¡Wow! ¿De verdad lo crees? Yo pienso que Midnight Boom (08) es nuestro disco hip-hop. En ese momento adquirí el MPC60 (la drum machine diseñada por Akai) y decidí que la batería era importante. Necesitamos un poco de tensión en cada disco… muchas veces es deliberada y otras ocasiones accidental. En Midnight Bloom pasé tanto tiempo con la batería que Alison tuvo que conseguir varios box sets de series de comedia para no aburrirse, (Allison se carcajea), porque literalmente me encerraba por ocho horas en el estudio. Alison "VV" Mosshart: Vi muchísimas películas y programas de TV en el proceso. (Ríe) JH: Fue uno de los mejores momentos de mi vida, amé grabar la batería. Creo que en Blood Pressures las baterías tienen una vibra más africana, me encanta África, viví ahí por años. “Satellites” es una gran canción, como un reggae apache… JH: Ahora que lo dices, me encanta tu descripción sobre reggae apache (ambos cantan la melodía de “Satellites” mientras

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aplauden sobre sus labios como verdaderos apaches). El reggae nunca explotó antes para nosotros, pero en este disco sentimos la confianza de hacer cualquier tipo de música y quedamos muy contentos con el resultado. Siento que como guitarrista en el disco predomina una vibra de blues. Ya que lo mencionas, tu estilo en la guitarra es muy peculiar, es como un blues mezclado con texturas actuales, ¿cómo lo desarrollaste? AM: Desarrolló su estilo porque no teníamos un bajista, fue una necesidad para poder tocar ambas cosas simultáneamente. JH: Las primeras bandas en las que toqué eran de indie punk y adopté una manera muy específica de tocar, un estilo angular. Después estuve en una banda que se llamaba Fiji, comencé a explorar porque escribía canciones yo solo, y encontré todo lo que un hombre con una guitarra podía hacer y así regresé al blues. Cuando estás tocando blues sólo esperas que el ritmo alcance tu corazón, después, cuando tus pies van en la misma dirección hay un sentimiento agradable. ¿Qué tan importantes son tus pedales, guitarras y amplis para reproducir tu sonido? Suena bastante cuidado. JH: Tenía como siete u ocho amplis al mismo tiempo, todos con sonidos diferentes. Mis pedales seleccionaban cada uno. No pensamos tanto en ello, tengo algunos trucos. Al final del día, si me das cualquier guitarra o cualquier ampli y me dejas solo cinco o diez minutos, los hago sonar a todos igual (ríe). ¿Son una banda democrática a la hora de componer? JH: No, somos fascistas.

He leído que para ustedes el rock and roll es una actitud. Además de beber margaritas a las 4 de la tarde, ¿cuál es la actitud de The Kills? AM: Sí que es una actitud loca tomar estas margaritas (ríe). Actitud es una palabra importante. Hemos usado esa palabra para describir la importancia de las ideas sobre la habilidad y la técnica. No somos los músicos más perfectos, pero nos gusta sentirlo cuando lo hacemos y darle importancia. Le ponemos lágrimas, sudor y sangre cuando tocamos. No se trata de emborracharse, sino de ser artísticos. JH: Estaba escuchando el primer álbum de The Cure, Three Imaginary Boys… no hay manera de hacer un álbum así de brillante sólo sabiendo tocar, tienes que luchar y ser primitivo. Muchos músicos dicen que han compuesto sus mejores rolas cuando se sienten tristes. ¿Qué funciona mejor para ustedes? JH: Yo solía pensar eso, que necesitaba ser miserable para hacer buena música, pero con Blood Pressures cambié mi actitud porque me sentí bastante feliz haciéndolo. Desarrollamos una autoestima distinta. AM: Yo no creo que sea ninguna de las dos formas, creo que hay diferentes cosas que te inspiran y si encuentras algo y lo trabajas obtendrás buenos resultados… es más difícil cuando no hay nada en tu mente y nada te inspira. Cosas buenas pueden estar sucediendo, cosas malas pueden estar sucediendo… algo tiene que estar sucediendo para crear. M

“Es más importante mostrar poder, que lo que traes puesto” -Lizzi Bougatsos

T X T : : PA O L A D E L C A S T I L L O . FOT:: JOSHUA-WILDMAN.

De arte, espiritualidad, mœsica y baile

PENSAR

en Gang Gang Dance evoca un collage de arte, experimentación y libertad propios de una banda nacida en la ecléctica ciudad de Nueva York; e inmediatamente viene a la mente una de las partes medulares de la agrupación: la creatividad y efervescencia de su vocalista, Lizzi Bougatsos, artista visual y música que aporta el toque final a la actitud avant-garde de la banda. Gran parte de la música de Gang Gang Dance surge de manera súbita y espontánea, convirtiéndose en algo difícil de encasillar. “Nuestras canciones casi siempre se crean de manera improvisada”, asegura Bougatsos mientras ríe distraída por uno de sus compañeros. Carismática e inteligente, Lizzi está muy lejos de ser la diva que acapara los reflectores por su puesto líder dentro de la banda; no teme jugar con su voz y la distorsiona hasta el punto en que actúe como un instrumento: “me gusta fusionarla como si fuera un elemento más dentro del beat de la canción. En los inicios lo hacía

aún más, pero creo que desde God's Money, empecé a tener una versatilidad más pop, poniéndole letras al ritmo para que no fuera tan instrumental”. La individualidad de Lizzi la hace posicionarse como una de las mujeres con más fuerza dentro de la escena actual. “Trabajo con muchos hombres y el resto de la banda me dice, ‘tú eres la voz que nos representa a todos’, así que he tratado de incursionar en escribir letras de canciones para dar a conocer mis ideas y demostrar que no soy sólo una linda figura femenina, sino una persona multifuncional”, comenta con seguridad al hablar del tema. “Me gustan las mujeres que denotan fuerza y libertad. Muchas mujeres terminan encasillándose en la imagen sexy y creo que es más importante mostrar poder, que lo que traes puesto”, opina Lizzi. “Me gustan Beyonce y Lil Kim. Las mujeres que son atrevidas, valientes y que hacen lo que piensan. Respeto a las que escriben su propia música y saben aprovechar el poder femenino como Nina Simone o Alice Coltrane”.

Con sus apretadas agendas, es inevitable preguntarse qué harían si contaran con el tiempo de entrar al estudio cada vez que una chispa de creatividad cruzara por sus mentes. “Nos encanta grabar”, afirma Lizzi, “pero creo que al vivir en Nueva York a veces es difícil fijar un momento en el que todos podamos hacerlo”. Cuando sí lo logran entregan producciones con un claro proceso evolutivo entre cada una de ellas, algo evidente en su quinto álbum, Eye Contact, el cual ha marcado un punto importante para la banda: “es un disco que completa un círculo, como si fuera una lluvia de emociones. Tiene esta sensación de ser un gran álbum conceptual, es muy completo”. Ahora los neoyorquinos lograron un nuevo comienzo sobreponiéndose a una racha de tragedias: la muerte de su primer vocalista Nathan Maddox, la partida de su baterista Tim DeWitt, la golpiza que unos guardias de seguridad en Bélgica le proporcionaron a su nuevo baterista Jesse Lee y la pérdida de todo su equipo en un incendio en Ámsterdam. Sin embargo, la banda ha encontrado paz y seguridad en Taka Imamura, guía espiritual que ahora forma parte de la alineación. “Es una especie de manager de vibras. Él nos ha ayudado a centrar todos los elementos de la tierra dentro de nosotros y encontrar un balance. Es como la llave de la banda, el que mantiene todo unido”. Entre cambios y nuevos comienzos, parecen reinventarse a sí mismos al incorporarse con el sello 4AD. “Cuando estábamos grabando el disco sentimos que necesitábamos una nueva dirección. No fue que nos peleáramos con nuestra disquera, fue algo personal, necesitábamos un cambio y ha sido muy interesante: un proceso de crecimiento”. Ya sea por su talento, por su extravagancia, sus vibras espirituales o por la poderosa figura femenina que los respalda, Gang Gang Dance se perfila para continuar su proceso evolutivo, ampliando horizontes sonoros y poniendo a todos a bailar en el camino. M

MÚSICA::

TXT:: VICENTE JÁUREGUI. FOT:: ARTS & CRAFTS MÉXICO.

Desde los oscuros bosques

ALGO

que debemos agradecer al neo goth es su capacidad para reinventarse. Sólo basta echarse un clavado a la nueva página web de Zola Jesus, para notar que no hay una sola gota de sangre, tipografías rebuscadas o clichés demoníacos en su diseño. El sitio luce elegante con radiantes tonalidades de blanco, lo cual no deja de ser significativo, pues empata con la frescura de su música. La comparación simplona y reaccionaria diría que no se trata más que de una chica emulando a Diamanda Galás o Siouxsie Sioux, allá ellos, en su narrativa subyace algo tan real, como el terrible frío que se siente en Merrill, Wisconsin, lugar donde Nika Roza Danilova (sí, es su verdadero nombre y sí, es de origen ruso) creció solitaria entre 100 acres de bosque. La publicidad asegura que la televisión o el Internet son imprescindibles en nuestra vida, pero Nika creció al margen de la tecnología, y quizá lo más cercano al espectáculo era contemplar la sangre de los animales que su padre cazaba constantemente. Quizá también su filiación gótica se desarrolló a consecuencia de ello, y de alimentarse con esa misma carne. Para liberarse de una realidad tan álgida, Zola comenzó a “cantar lo más fuerte posible en medio del bosque”, y lo hacía “sin

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que nadie pudiera escucharla". Sin ningún tipo de referencia previa, la ópera le hizo un guiño, y contra la voluntad de sus padres, el estudio se convirtió en una obsesión que podía extenderse diez horas al día, y estuvo presente durante diez años. Pero la anarquía que corre por sus venas tenía planes más grandes: “mis estudios de ópera llegaron a un punto en que me sentía reprimida, yo quería hacer algo nuevo en lugar de recitar piezas que alguien compuso en el pasado”. Con el espíritu renovado, un juego de palabras sacrílego bastó para animar un ritual profano: Jesus y Émile Zola fungieron como padrinos de bautizo. A finales de los 70, DYI (hazlo tu mismo) era un llamado transgresor, ahora que las disqueras han muerto es casi un obligado. Consciente de ello, la primer canción de Zola Jesus, nació con el inmejorable título de "Poor Sons" y fue confeccionada con actitud punk, “dentro de una habitación, con las herramientas que estuvieran a la mano”. A la par, los estudios de filosofía iniciaron en la Universidad de WisconsinMadison, y de esos años, Zola nos cuenta que el libro que más la influenció fue Sobre la voluntad en la naturaleza de Schopenhauer, lo cual tiene sentido si notamos su espíritu combativo. Con todo, los estudios universitarios no le impidieron grabar su primer LP titulado The Spoils durante el invierno del 2009. Sobre la temática de sus letras, Zola comenta que "son sobre todo y nada. Algunas veces escribo de cosas que pienso y me dan ganas de trabajar, otras son galimatías que surgen como consecuencia al sonido de las palabras, en lugar de surgir de su significado”. 2010 fue un año bastante prolífico que inició con el lanzamiento del EP Stridulum, cuyo título hace referencia al thriller italiano de Giulio Paradisi, seguido de otro EP: Valusia. Después vino el Stridulum II, como continuación del extended play, un álbum que la NME calificó como una “obra maestra del dark”. Este año, Zola Jesus lanzó Ebannyi Pidaras Seybol como preámbulo a Conatus, un disco que viene causando muchas expectativas y que en México fue editado por Arts & Crafts en octubre. Acerca de cómo mantiene las cosas interesantes en cada disco, Zola concluye: “las posibilidades de la música son infinitas, teniendo eso en cuenta, mi capacidad de descubrir nuevas maneras de expresarme sónicamente y explorar un rango tan amplio me excita constantemente. La música nunca se hace vieja porque hay demasiadas cosas que puedes lograr con el sonido”. M

T X T : : A N D R É S I B A R R A “ C H E L I T O ”.

Dios bendiga a las chicas atribuladas. Ellas, al parecer, hacen los mejores discos que est‡n all‡ afuera. Y no lo digo como una afirmaci—n machista, sino como una realidad innegable del 2011: las chicas saben hacer discos complejos, inc—modos, ajenos al tiempo y la moda. Dos botones de muestra: Anna Calvi y PJ Harvey. Cada una, en su muy particular estilo, ha sorprendido a propios y extra–os con su œltima entrega. Para no quedarse atr‡s, Annie Clark, tambi n conocida como St. Vincent, nos presenta su tercer esfuerzo de larga duraci—n, y de buenas a primeras, es una joyita.

disco tiene a bien nombrarse (favor de hacer voz de Universal Stereo) Extraña Piedad, y consta de once rolas que nos llevan durante 40 minutos por los pensamientos más puros / oscuros / honestos / bipolares / tremendistas de la protegida de Sufjan Stevens y otrora integrante de The Polyphonic Spree. ¿Por qué me encantó el disco? Porque es deliciosamente complejo, porque encuentro matices sonoros que ni la banda snob favorita del bloggero más insoportable tiene. Expansión musical: en vez de hacer sucursales de sus discos y canciones anteriores, St. Vincent amplía la gama de productos sonoros y servicios líricos a la que nos tenía acostumbrados. Notamos un reluciente amor por el sintetizador y una maestría consumada en la guitarra. Percibimos un timbre de voz que parece venir de Don Leonard Cohen (sin la carraspeada, claro). Notamos exploración musical digna de Prince. Ruiditos por aquí, vibraciones por acá, pasajes épicos, ventiscas solitarias. El sistema se colapsa, pero todo resulta mejor que lo presupuestado. Como bien lo dice ella misma en “Champagne Year”: “no es el mejor plan, pero es el que tenemos”.

St. Vincent está reclamando el trono que Björk dejó en el momento en el que salió con un vestido de cisne a tirar rostro en una alfombra roja. Esta mujer no parece dar un paso en falso. Con una racha de tres discos impecables, pareciera destinada a mantener el invicto en la Liga de la Música Fatua y los Sabores de la Semana. Strange Mercy es de los pocos discos que aún funcionan como tales. Una canción te lleva entre nubes a la otra; y la narrativa sonora te hace sentido conforme pasa cada minuto, como si estuvieras leyendo una especie de historia sin fin que sabes que tarde o temprano tendrá que finalizar. Letras mordaces y estructuras intrincadas, imágenes agresivas que son eufemizadas (si no existe la palabra, la inventamos) por una dulce voz. St. Vincent se ha ganado mi corazoncito sonoro. Siempre he soñado con salir un par de veces con Cat Power, pero si la susodicha no se pone las pilas, no tengo problema. Me iré a casa caminando, audífonos a volumen supresor de cláxones de peseros, y escucharé con una ligera sonrisa todo lo que St. Vincent me canta al oído. Más discos como estos y menos Prozac, eso es lo que necesita el mundo. M

Percibimos un timbre de voz que parece venir de Don Leonard Cohen

MÚSICA:: tipo de cosas. Pero no sé, creo que en este disco tenemos tantas influencias locas, la cultura latina, estamos en una fase de Shakira; conocemos su música desde hace mucho, la oímos de niños, pero últimamente nos hemos obsesionado un poco con ella, todos creemos que es adorable.

MUJERIEGA

TXT:: JIMENA GÓMEZ.

FOT:: UNIVERSAL.

Desde su debut internacional por ah’ del 2006, CSS se convirti— en un hito de la mœsica de festivales. Nacidos de la escena electr—-nica de Brasil, su sonido era una mezcla perfecta de beats y baile. Los a–os pasaron, su segundo ‡lbum Donkey trajo consigo cr’ticas duras, y muchos comenzaron a preguntarse si la fiesta de estos brasile–os ya estaba por terminar.

Liberación, su tercer LP, pretende ser un álbum fresco y esencial, música sin preocupaciones o pretensiones, sin embargo, el esfuerzo se queda todavía muy lejos de ser redentor. Tuvimos la oportunidad de platicar con Luiza Sá, quien nos contó del nuevo disco, sus influencias y sobre ser mujer en la música.

LA LIBERACIÓN

Antes de hacer el disco, todos llegamos a la conclusión de que necesitábamos tiempo libre, habíamos estado en gira por casi cinco años, y en 2009 sólo hicimos cinco shows y el resto del año estuvimos en casa. Creo que fue muy positiva la manera en que nos juntamos en Brasil, no había presión, no teníamos una idea o concepto específico. Sólo queríamos pasar un buen rato y hacer música; esto se refleja en el disco. No había un plan, nuestra única meta era sentirnos bien con nuestro trabajo.

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LIBERTAD ES PLURAL

Somos una banda tan contemporánea, nuestro sonido es una mezcla de las cosas que nos gustan en el momento. Además creo que, en este disco y en el primero especialmente, solemos tener una cualidad un tanto esquizofrénica (risas). Puedes escuchar una canción y te sonará a algo, y la que sigue sonará a algo completamente distinto. Hay una cosa muy plural en el sonido. A veces son tantas y tan extrañas influencias, películas, bandas, cosas –todo en las capas de la canción–, que no son tan reconocibles, quizá porque no es una cosa consciente cuando escribimos canciones. Nos gusta la música pop, y al mismo tiempo odiamos cierta música pop. Yo crecí, como casi todos en la banda, escuchando grunge: Hole, Nirvana y Sonic Youth, pero también disfrutamos la escena de los clubes de los noventas, el baile y ese

Me gustaba mucho Nirvana, pero creo que Hole cambió mi vida. Courtney Love es tan poderosa, es diferente e importante tener a una mujer, es un punto de vista totalmente diferente. Puedo decir, honestamente, que fue muy influyente, también bandas como The Breeders. Pero el mundo aún no es un lugar justo, es un mayor reto como mujer. Bandas como Hole y Bikini Kill fueron muy importantes: como mujer no quieres negar tu sexualidad, pero presentarte como un ser artístico y sexual puede ser muy complicado. Sí, somos seres sexuales, queremos ser bonitas, tenemos esa capa. Pero es difícil saber por qué estás haciendo las cosas, si es porque quieres o porque sientes que tienes que hacerlo. Es una línea muy delgada. En Brasil, recuerdo que hicimos un show y en la reseña dijeron que todas éramos feas. No creo que eso le pasaría a una banda de hombres. Ninguna de nosotras en CSS somos niñas lindas tratando de ser sexys. Sólo queremos estar cómodas, pero eso no significa que queramos ser feas o inatractivas. Es algo que todavía no sé como responder, es tan complejo. Puedes ver y utilizar tu sexualidad como poder o fuerza, pero también abres la puerta a que la gente sólo vea tu sexualidad y no la música. Es un extraño combo. La gente quiere que las mujeres sean todo… y nada. No pueden quejarse, pero tienen que ser fuertes y dulces… es confuso.

TODO ES SEXO

Todos tienen sexo, todos piensan en sexo. Pero únicamente es un asunto cuando se trata de mujeres, en comparación de si se tratara de un hombre. Si me esfuerzo mucho, puedo pensar en gente como Jim Morrison, Mick Jagger o David Bowie, pero a parte de ellos no veo a muchos hombres que jueguen con su sexualidad en la música. Pero en realidad puedo decir que nunca he tenido muchos problemas por ser mujer. Y no sólo soy una chica, soy una chica gay (risas). M

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Según leí, Josh, venías de tocar en grupos más experimentales. ¿Qué te llevó a componer esta música? Josh: Dejé de tocar en la banda que estaba para enfocarme en mi propia visión de la música. De ahí surgió la raíz de Phantogram. Sarah y yo empezamos a vernos mucho nuevamente. Íbamos juntos a la escuela, pero luego cada uno tomó distintos caminos y en ciudades diferentes. Al vernos otra vez rejuvenecimos la relación. Ella es muy buena tocando el piano y tiene una gran voz. Le pregunté si le gustaría cantar en algunas de mis canciones. Lo hizo y quedó increíble, tenemos una visión y gusto muy parecido en la música así que hicimos buen equipo. ¿Sarah, tu venías de tocar en otros proyectos antes? Sarah: En bandas no. Este es mi primer grupo. La gente habla mucho de que componen y graban en un granero. ¿Esto también es marketing o tiene que ver con vivir en Saratoga Springs y hacer música allí? S: Ese es el lugar que acostumbrábamos usar. No intentamos ser una banda rara que graba en graneros, sólo era el sitio que teníamos. Además, podíamos quedarnos ahí y evitar conducir a casa durante 40 minutos. Así se volvió nuestro lugar de trabajo. Me llamaron la atención los ritmos de su banda. ¿Están inspirados en algún artista o algún banco de sonidos? J: Están inspirados en un montón de cosas. J-Dilla, 9th wonder, Madlib y ese tipo de visión stoner. Creo que nuestro primer amor con la música cuando éramos chicos, en los 80 y 90, fue el hip-hop, así que de ahí viene nuestro gusto por los beats. TXT:: MANÚ CHARRIT TON.

JUGÁBAMOS

un viernes por la noche al dominó en mi casa con varios amigos. En eso Parrillat, ex bajista de Kill Aniston, puso algo nuevo de su iPod. Era Phantogram, una mezcla de trip-hop, indie y pop con buenos arreglos de guitarra y secuencias con beats y atmósferas un poco melancólicas y oscuras. Me llamaron mucho la atención. Luego averigüé que eran un dúo de Saratoga Springs, una localidad cercana a la gran manzana, razón por la que aparecían como los chicos indie del campo (ya que componían y grababan en un granero). Hace poco tiempo visitaron la Ciudad de México y conversamos un rato para conocerlos mejor.

¿Cómo es para un grupo de su ciudad integrarse a la escena de NY? S: Grabamos el disco y fuimos a Nueva York. Conocimos a otros músicos y bandas, vimos a nuestros amigos y empezamos a tocar. Ese era nuestro plan, es lo que las bandas hacen. No es fácil entrar a una buena escena musical, debes vivir allí. Afortunadamente pudimos saltarnos ese paso porque fuimos descubiertos online. Nos encanta poder haberlo hecho sin seguir el método tradicional. Hacerlo te forma un carácter, pero también nos hizo más fuertes lograrlo por nuestra cuenta, sin que otras bandas nos recomendaran. Si fuésemos amigos de MGMT y ellos comenzaran a nombrarnos en sus entrevistas, la gente nos reconocería porque conocemos a alguien, nosotros no

hicimos eso, empezamos desde abajo. J: Se siente más gratificante de esa forma. No llegamos a la escena viendo a quién teníamos que besar, por ello nos ganamos el respeto. No tuvimos que escalar ni pretender. ¿No tenían buenos contactos o amigos que los ayudaran? ¿Sólo la música? J: Es lo que me gustaría pensar. ¿Y el próximo álbum para cuando? J: En septiembre, antes del próximo tour. ¿Con quién van a tocar? S: The Rapture y Exit Music. ¿Qué me pueden decir de sus tours? ¿Con quién han tocado y como fue la experiencia? Leí que acabaron muertos luego de la última gira… S: The xx, School of Seven Bells, Beach House, The Antlers y otros más. Todas en distintos tours. Hemos estado fuera mucho tiempo los últimos dos años, con sólo unos meses de descanso. Josh, ¿te patearon después de un show en Alemania? J: (Risas) Estábamos en Hamburgo, y después del concierto un tipo vino y me pateó en la pierna. ¿Pero qué pasó? J: Un borracho imbécil. No sé. Sólo caminábamos en la calle, y este tipo buscaba pelearse con alguien. Quizás no le gustó mi cerveza o algo por el estilo.

“No llegamos a la escena viendo a quién teníamos que besar, por ello nos ganamos el respeto. No tuvimos que escalar ni pretender”.

MÚSICA::

Diez mujeres que desafían el mainstream

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

Son inaprensibles, misteriosas y encantadoras. Se trata de mujeres inclasificables que no creen en una forma œnica para el arte, est‡n convencidas de su peculiaridad y hacen de ella lo m‡s importante. Su obra increpa, interroga, en ella no hay sumisi—n ni complacencia, sino arrojo y exploraci—n de formas y espacios in ditos.

01 04

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Ani DiFranco

01 Estados Unidos Disco recomendado: Red Letter Year Una veterana en la lucha por alcanzar la independencia. Nacida en 1970, guitarrista, bisexual y escritora de gran filo y lucidez. Se pertrechó detrás de Righteous Babe Records, su propia disquera, para hacer una carrera que aboga por mayores espacios para la mujer. Se vale del punk, el folk o el rock para soltar verdades tan grandes como rascacielos. Es muy prolífica (cuenta con más de 20 discos) y es admirada tanto en los círculos intelectuales como por gente como Prince. Se distingue por sus constantes presentaciones en vivo. Se trata de un ejemplo máximo de coherencia y sensibilidad.

Ellen Allien

02 Alemania Disco recomendado: Orchestra of Bubbles Es posible establecer un vínculo indisoluble entre una mujer y una ciudad. Ejemplo claro es el de Ellen Fraatz, a quien el mundo conoce por su seudónimo Ellen Allien, y por el circuito electroso de Berlín. Tras la caída del muro, la ciudad experimentó una gran transformación y esta dama de hierro puso un fondo musical de minimal techno. Hasta la fecha comanda su propio sello B Pitch Control y muestra su dominio como DJ/productor en cualquier pista que se presente.

Imelda May

03 Irlanda Disco recomendado: Love Tattoo Nacida en 1974, en Dublín, esta mujer posee una gran belleza y se distingue por un peinado que tiene en el frente un rizo rubio. Se ha convertido en la figura responsable de devolver al rockabilly al primer plano, con actuaciones en directo que son una vorágine de energía y sensualidad. Imelda canta y toca una especie de tamborcillo llamado bodhrán ¿Quién dijo que el pasado no podría rescatarse con un toque femenino?

Anna Calvi

04 Inglaterra Disco recomendado: Anna Calvi Su disco debut recibió el siguiente comentario de Brian Eno: "lo mejor desde Patti Smith".

Aunque su padre es italiano, nació y creció en Londres, desde donde vio la posibilidad de retomar algo del post-punk ochentero, reciclar pasajes de blues y utilizar a fondo su registro vocal. Tan impresionante que la revista Mojo apuntó sobre su único disco: “en cada giro hay sutilezas, susurros, impulsos sombríos y el tumulto de esa voz".

Juana Molina

05 Argentina Disco recomendado: Tres cosas

Vaya que tiene una biografía tan excéntrica como ella misma: nacida en 1961, durante los ochenta se convirtió en una popular actriz de comedia en su tierra natal. Procedente de una familia de artistas, se hartó del personaje y se reinventó por completo –para extrañeza de sus primeros seguidores– en una cantante y compositora muy completa. A partir de 1996 hace discos de pop electrónico experimental que la han proyectado internacionalmente; tan es así que ha pasado los últimos meses girando con el proyecto multicultural TradiMods Vs Rockers.

Natacha Atlas

06 Bélgica-Reino Unido Disco recomendado: Diaspora

Primero nos sedujo siendo la vocalista de Transglobal Underground con su expresión étnica del techno. Al emprender la ruta en solitario nos enteramos de que sus raíces egipcias combinaban con los principios de la vida occidental. Progresivamente, sus discos se han vuelto más acústicos, con tendencias a la tradición árabe, lo cual ha logrado piezas de gran espiritualidad.

Camille

07 Francia Disco recomendado: Music Hole Hija de una profesora y un músico, estudió letras y luego descubrió que tenía todo lo necesario para hacer música: su cuerpo y su voz. No debe ser fácil que te consideren “la Björk francesa”, pero ella sigue en la ruta propia de la experimentación. Ha hecho un disco entero con base en una sola nota y refina al máximo lo que puede entenderse como beat-boxing. Su propuesta es exquisita e inquietante. Alguna vez fue colaboradora del proyecto Nouvelle Vague.

Cibelle

08 Brasil Disco recomendado: Cibelle Si la sangre carioca (es nacida en Sao Paulo) corre por tus venas, es casi imposible que no se filtre en tu apreciación artística. Tras estudiar en el Conservatorio, incursionar en el teatro y tener la solvencia de una multiinstrumentista, esta belleza de fuego se mudó al este de Londres para catapultar su carrera. En verdad que a su música no le vienen fácil las etiquetas; no niega su parte tropical, conoce de electrónica, pero tiene una innegable chispa pop. Sencillamente, deliciosa.

Lucinda Williams

09 Estados Unidos Disco recomendado: Ramblin'

Quizá mencionar el 2002 parezca lejano, pero ese año la revista Time consideró a esta mujer la mejor compositora de canciones de los Estados Unidos. Y es que sus temas calan bien hondo, Lucinda (Luisiana, 1978) ha conocido mucho de los desamores y posee una profunda voz que desgarra. ¿A alguien le importa si hace rock, country o ambos? El mismo Dylan le pidió que fuera de gira con él. Muy pocos autores consiguen plasmar el drama humano con tanta veracidad y sentido estético en el mismo plano.

Victoria Legrand

10 Francia-Estados Unidos Disco recomendado: Teen Dream

Casi la más joven de nuestras recomendaciones (nació en 1981 y Anna Calvi unos meses después). Esta chica de origen francés se afincó en Baltimore para conformar Beach House junto a Alex Scally. Su trayectoria se concentra en tres LP’s, y en cada uno de ellos Victoria nos conduce al ensueño y el embrujo. Su canto suave y aterciopelado nos hace creer que la música nos puede elevar a través de paisajes vaporosos y etéreos. M

MÚSICA::

LA Vampires

T X T : : E J I VA L .

En la estructura musical del presente, el futuro viene atr‡s; desembarcado en una inexistente nostalgia por mœsica reci n descubierta, y por rescates aleatorios a escenas que duraron menos que un pensar. En este sentido, el quehacer femenino en momentos recientes ha apostado por est ticas que m‡s all‡ del porvenir musical, refrendan lo creado anteriormente bajo una —ptica nueva y fresca. Y antes de ser detractor general de lo que sucede actualmente -viniendo de alguien que creci— a partir de tendencias y avances musicales- al ser tan auto referencial, lo de ahora pareciera un gran descanso que bordea en un placer culpable altamente innovador.

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personajes legendarios como Delia Derbyshire pusieron las bases para el revival actual de los sonidos electrónicos de los talleres radiofónicos de la BBC (vía sellos como Ghost Box), son pocas las mujeres que más allá del espectáculo de estar al frente de un proyecto electrónico, realmente están detrás de este. En tiempos recientes me viene a la mente Ikonika, el proyecto de Sara Abdel-Hamid, quien ha editado cosas de dubstep en el sello Inglés Hyperdub. A mediados de los noventa, Andrea Parker, Leila Arab y Mira Calix protagonizaron los tiempos de la electrónica inteligente en los sellos Warp y Rephlex –quienes sin duda fueron influidas por Cosey Fanni Tutti de Throbbing Gristle en los ochenta–. En la impulsiva vertiente del techno aún tenemos a Kate Simko, Ada, Sonja Moonear, Ellen Allien, Magda y Marguerite Dygas dando mucha guerra en la pista de baile. Pero aterrizando en el planteamiento del primer párrafo, me llama la atención de sobremanera y me cautiva el trabajo de un colectivo suelto de artistas en la ciudad de Los Ángeles, altamente influido por la esquizofrenia vaga de Stevie R. Moore y la estética Patrick Nagel de los años ochenta. Abrazados de una conceptualización de imagen difuminada por líneas VHS e infomerciales trastocados

Son pocas las mujeres que más allá del espectáculo de estar al frente de un proyecto electrónico, realmente están detrás de este.

Nite Jewel por el new age y la promesa de un futuro tecnochamánico apoyado en la superficie de lo bello. Muy Los Ángeles. Pero para estas creadoras no es importante sólo estar detrás de la música, sino lograr la conjunción del espectáculo y la producción de una manera creativa mediante toda esa visualización propia de los ochenta. Como en el caso de Geneva Jacuzzi (Geneva Garvin) que como arlequín entre Kate Bush y Nina Hagen, impresiona enfocando su histrionismo en una sexualidad que toma el performance de Klaus Nomi, y lo exagera bajo mini canciones de techno pop en baja fidelidad. Son demasiadas capas de información en un sólo espacio, abrazadas en algo nuevo y funcional, más allá del karaoke pop que parecieran profesar, corriendo a la par del delirio escénico de Ariel Pink o John Maus, donde el campo se abre hacia un performance art que es roto y explosivo. Lo mismo sucede con Nite Jewel (Ramona González), que brincotea por el escenario bajo el influjo de un techno pop disco –también de baja fidelidad– pero altamente sofisticado en su composición, como en el track “Am I Real” que indudablemente acerca a Nite Jewel al “Tin Drum” de Japan, una de las concepciones más elevadas de rock y arte. Pero en el caso de Nite Jewel, la intención no

Geneva Jacuzzi

es tan severa como en el trabajo de Amanda Brown y su proyecto LA Vampires, también ella directora del caleidoscópico e influyente sello Not Not Fun y su subsello 100% Silk. Al pedirle recientemente a Amanda Brown que me describiera su trabajo o el de Nite Jewel, simplemente contestó que se trataba de rehacer lo de Debbie Gibson, pero en el hoy. No lo pudo poner en palabras concretas cuando batalló para dar su respuesta, que al final fue honesta y sorprendente. Debbie Gibson, Tiffany, Samantha Fox y Stacey Q, básicamente son divas de pop juvenil bastante desechables de finales de los ochenta, corriendo en la recta final del freestyle y el Italo, que sirvieron como prototipo para la ultrasexualización de Britney Spears, Christina Aguilera y Lady Gaga. Lo increíble es que al lado de estás últimas, lo de Debbie Gibson y Stacey Q suena casi hasta contemporáneo al lado del trabajo de Glass Candy o Sally Shapiro. Pero si Lady Gaga abusa de su importancia como “artista”, lo que hace LA Vampires podría ser una elegante contraposición, simplemente por el hecho de ser realmente más “artsy” en una vertiente casi de curaduría museográfica, influida por todo ese mar de videos ochenteros en YouTube, y por la abundancia infinita de

información en blogs de música “gratuita”. Su trabajo adquiere un peso importante al colaborar, por ejemplo, con Zola Jesus para hacer un disco intenso de dub gótico. O su magnífica conjunción con Matrix Metals, cuyo resultado es uno de los discos más brillantes de pop hipnagógico en existencia, incluso mejor que lo de vacas sagradas como Washed Out o Toro y Moi. Pero el genio de Amanda Brown, a pesar de su atrevida búsqueda musical, es mediático y conceptual. Es entrelazar fibras de un pasado reciente, de casarlo con una añoranza por lo análogo que se traduce en un rechazo a la tendencia de la tecnología. Quizá esto pudiera ser una de las resiliencias más impactantes de un artista en la era digital: sentirse físicamente cerca de la música con acetatos y cintas, no con iPods y computadoras. Y en esta pequeña revolución, el impacto de ver estos proyectos en vivo crea una sensación de conexión y maravilla, ante un espectáculo que pareciera ya imposible en los tiempos 2.0 de redes sociales, aunado por esa fuerte presencia performera que registra más que mil chorromil de mp3, albergados y perdidos en carpetas digitales a veces hasta imposibles de encontrar y borrar con un click. M

DE FONDO::

TXT:: JIMENA GÓMEZ.

historia del feminismo es larga, confusa y a momentos contradictoria. Teóricamente el feminismo se divide en tres olas. Al principio, en la búsqueda de equidad, hubo un malentendido que ¬marcaría a la primera (que toma lugar en siglo IX y principios del siglo XX) y a la segunda (durante los años 60); y hasta cierto punto, definiría lo que entendemos hoy como feminismo. Como las mujeres no tenían referencias de poder más que las masculinas, era lógico que inicialmente se tratase de usar pantalones, de ser iguales o tener las mismas capacidades que los hombres, y por lo tanto se trataba de un ejercicio casi de imitación. Después de un tiempo se hizo evidente, que no se podía medir o construir feminidad si se tomaba como referencia al hombre; la lucha entonces no era ser como el hombre, sino ser mujer, con todas las diferencias y cualidades específicas del género, pero con los mismos derechos. Actualmente el término feminista suele asustar o sorprender, palabras despectivas como feminazi o inferencias de que el feminismo es una postura de lesbianas gordas o de mujeres feas incapaces de obtener atención masculina, son sólo algunas de las muchas maneras en que este término se ha ido ensuciando o diluido en la conciencia social. La tercer ola (comienza en los 90) es la que vivimos actualmente, y quizás la más compleja y difícil de explicar. Encontrar una mujer que se afirme feminista es raro, e incluso lo es aún más encontrar a una que sepa qué significa serlo; la conciencia de género definitivamente no está de moda, y las mujeres modernas fingen que no hay género, o que éste no afecta sus vidas diarias. Lamentablemente esa creencia no podría estar más lejos de la realidad, ya que la información que las mujeres reciben día a día por los medios y la sociedad, está constantemente creando deficiencias de género, haciéndoles creer que no son suficiente: suficientemente flacas, suficientemente sexys, suficientemente exitosas. Por muchos años las mujeres han recibido mensajes contradictorios, se tiene que ser fuerte, pero a la vez vulnerable; se puede ser exitosa, pero ¿cómo es posible tener 40 años y no estar casada?, pueden

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ser jefas, pero serán unas perras; deben ser sexys, pero salir a la calle con minifalda es provocar a los hombres; básicamente, si se intentara seguir el concepto de feminidad de la sociedad moderna, tendríamos mujeres en lencería sexy, horneando pasteles (que no podrían comer), todo mientras hablan de bebés. La constante confusión se refleja en un tiempo que malinterpreta los problemas de género, y es que ya no suelen hacerse preguntas o análisis desde esta perspectiva. Discusiones como las del derecho al aborto, cuestiones legales como las de violación o acoso sexual, evidentemente son problemas de ese tipo y sin embargo, casi nadie parece pensarlas desde ese punto. Este ciclo del feminismo podría estar condenado por la ignorancia, por la creencia de que es una postura anticuada o confrontativa a los nombres. Es por esto que, muy probablemente, la única manera de ejercer un feminismo moderno y práctico, es reconocer que más allá de la historia del movimiento, la verdadera esencia de éste es la creación de un concepto de feminidad conciente, es decir, uno que cada mujer creé a partir del análisis individual, de ejercer la feminidad de manera orgánica y natural, no a través de estructuras ya hechas, de pequeñas cajas que llenar con estereotipos imposibles de alcanzar. El género siempre existirá –incluso si nos negamos a verlo– mientras existan penes y vaginas y una sociedad que nos identifique con dibujitos de niños y niñas en las puertas de los baños, el género siempre será parte de la vida de todos y fingir que no nos afecta, o que no influye en la manera en que otra gente (o incluso, nosotros mismos) nos ve o juzga sólo entorpece nuestra capacidad de definir nuestro propio lugar en la sociedad. Por lo tanto el feminismo práctico y actual tiene que ser –en principio– una lucha individual, una que trate de limpiarse de las nociones externas e impuestas, las que nos dieron nuestras madres, abuelas, maestras, y que la sociedad perpetuó descaradamente; es la eliminación de cualquier postura que no haya sido elegida concientemente. Ahora, se trata de crear una feminidad personal, un feminismo a la medida, y a partir del cual se pueda empezar a construir, o mejor dicho retomar un movimiento. M

ENPORTADA::

T R A N S F I G U R A C I Ó N

C O N S TA N T E

TXT:: JIMENA GÓMEZ. FOT:: CORTESÍA UNIVERSAL MUSIC.

Parece que todos tenemos una historia con Björk, una canción en particular, un disco, video o momento que se ha alojado firmemente en nuestra memoria. Hay algo adictivo e intrigante en cada canción de Björk, en cómo la voz y la música están completamente fusionadas, y las letras mantienen cierta inocencia, sin perder lo poético o profundo que es inherente a ellas. Por más de 15 años ha creado música casi compulsivamente, disco tras disco busca el cambio, desafiarnos con nuevos sonidos, retarse con nuevas tecnologías; y aunque su música ha cambiado mucho con el paso de los años, esencialmente se mantiene igual; la curiosidad permanece constante, la necesidad de exprimir cada sonido, de vestirlo y desvestirlo hasta convertirlo en algo diferente, en algo más que un sonido. Björk constantemente está mutando y al hacerlo renueva el panorama musical, nos muestra que las fronteras del pop son flexibles, y que la experimentación tiene alma y voz. 36

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Dancer in the Dark (2000) Dirigida por: Lars von Trier. En 1999, el cineasta danés le propuso a Björk realizar el soundtrack de esta cinta, poco tiempo después le sugeriría tomar el papel principal de Selma, afirmando que la única manera de capturar la esencia de este personaje, era si el compositor musical lo interpretaba.

La experiencia de trabajar con Lars von Trier le resultó tan desagradable que, incluso después de casi tres años, Björk le escribió una carta a Nicole Kidman aconsejándole firmemente no participar en Dogville.

La filmación fue una experiencia que Björk, en varias ocasiones ha descrito como traumática. Esto se lo atribuye en gran medida a trabajar con von Trier, al cual ha calificado como cruel y misógino, e incluso afirmó que el director le había “destruido el alma”. Después de terminada la cinta, Björk juró no volver a participar en una película. Prêt-à-Porter (1994) Dirigida por: Robert Altman. Cinta conocida por contar con una gran cantidad de músicos y actores, entre los que se encuentra la breve aparición de Björk.

“I’ve Seen It All” fue Nominada al Oscar como mejor canción original (2000).

The Juniper Tree (1990) Dirigida por: Nietzchka Keene y basada en el cuento de los hermanos Grimm del mismo nombre.

“Pagan Poetry” (2001) Dirigido por: Nick Knight. “Cocoon” Debido a la (2002) desnudez Dirigido y escenas por: Eiko explícitas Ishioka. de sexo, el De nuevo debido a la video de este desnudez, single fue vetado por en este MTV. caso sólo aparente, el video fue vetado de MTV.

En la portada del disco Björk está usando el vestido de cisne, diseñado por Marjan Pejoski.

Incluye la canción “I’ve Seen it All” a dueto con “All is Full of Love” (1999) Thom Yorke. Dirigido por: Chris Cunningham. La letra de Soundtrack de Stigmata (1999). esta canción El video está en exhibición fue escrita por permanente en el Museo de su amigo y Arte Moderno de Nueva York. poeta, Sjón.

Live Box (2003)

Vespertine (2001)

Here Today, Tomorrow Next Week! (1989)

Selmasongs (2000)

The S uga rc u “Jóga” (1997) Dirigido por: Michel Gondry

s be Stick Around for Joy (1992)

It's-It (1992)

Thór Eldon Compañero de banda de Björk con el cual tuvo a su hijo, Sindri Eldon Thórsson, en 1986.

“I Miss You” (1996) Dirigido por: John Kricfalusi, creador de “The Ren & Stimpy Show”. "Possibly Maybe" (1995) Dirigido por: Stéphane Sednaoui La canción habla de su relación con Stéphane. La portada fue fotografiada por su pareja del momento, Stéphane Sednaoui. El arte del resto del disco corrió a cargo de Me Company.

Durante la grabación de este disco Björk y Tricky desarrollaron una amistad y luego se harían pareja.

“Hyperballad” (1996) Dirigido por: Michel Gondry.

“Venus as a Boy” (1993) Dirigido por: Sophie Muller

“Play Dead” (1993) Aunque no era parte de este álbum fue lanzado como sencillo paralelamente.

“Human Behavior” (1993) El video fue dirigido por Michel Gondry, y marca el inicio de sus colaboraciones. “Violently Happy” (1994) Dirigido por: Jean Baptiste Mondino.

“Hidden Place” (2001) Dirigido por: Michael Amzalag y Mathias Augustyniak (M/M Paris). Life's Too Good (1988)

Post (1995)

4 discos en vivo, un DVD y un booklet de 36 páginas. El arte del El tracklist disco fue concebido de este por Michael álbum fue Amzalag y Mathias escogido por los fans Augustyniak, conovía encuesta cidos como online. M/M Paris.

Greatest Hits (2002)

“Bachelorette” (1997)

Gond

El diseño de arte fue realizado por Michael Amzalag y Mathias Augustyniak, conocidos como M/M Paris.

Alexander McQueen fue el director de arte del disco. La fotografía fue diseñada por Nick Knight.

Dirigido por: Michel Gondry Poco antes de la grabación de Homogenic, Esta canción fue originalmente escrita Ricardo López planeó para la película “Stealing Beauty” de y ejecutó un intento de Bernando Bertolucci, pero nunca asesinato en contra apareció en la cinta. de Björk. Después de acosarla por muchos “Hunter” (1998) años con cartas y objetos, Homogenic (1997) en 1996 López construyó Dirigido por: Paul White una bomba. El proceso de El animal preferido de Björk es el oso polar, fabricación y envió de la en el video de “Hunter” se transforma en uno. bomba quedó registrado en más de 20 videos, “Alarm Call” (1998) que el mismo López Dirigido por: Paul White subía a YouTube. La bomba fue interceptada Incluye un tema nuevo llamado "My Spine" y todas por Scotland Yard en las canciones remezcladas de Post, excepto "The las oficinas de correo Modern Things" y "I'ts Oh so Quiet". Telegram (1996) de Londres. Alterada "Army of me" (1995) por este acontecimiento y el posterior suicidio Dirigido por: Michel Gondry de López, Björk viajó a Soundtrack de Tank Girl (1995) España para comenzar Soundtrack de Sucker Punch (2011) a trabajar y a partir de “Isobel” (1995) esto compuso el tema “So Broken”, el cual está Dirigido por: Michel Gondry incluido en la edición japonesa de Homogenic. “It’s Oh so Quiet” (1995) Dirigido por: Spike Jonze. el ich

Durante la entrega de los Oscares del 2000, Björk asistió usando el vestido de cisne, diseñado por Marjan Pejoski, con el cual apreció en la portada del álbum Vespertine.

En el 2000 Dancer in the Dark debutó en Cannes. El filme ganó la Palma de Oro y Björk ganó el premio a mejor actriz.

Debut (1993)

“Big Time Sensuality” (1993) Dirigido por: Stéphane Sednaoui.

“Oceania” (2004) Dirigido por: Lynn Fox. La letra de esta canción fue escrita por Sjón. Canción comisionada para los Juegos Olímpicos de Atenas 2004.

“Who Is It" (2004) Dirigido por: Dawn Shadforth. En el video Björk usa un vestido de Alexander McQueen y es acompañada por The Bústaðakirkja Bell Choir. En la versión del video, casi todas las voces humanas son remplazadas con campanas. "Triumph of a Heart” (2005) Dirigido por: Spike Jonze. "Where Is the Line" (2006) Dirigido por: Gabríela Friðriksdóttir. Álbum hecho especialmente para la cinta del mismo nombre, dirigida por Matthew Barney (actual pareja de Björk).

Medúlla (2004) Drawing Restraint 9

El arte del disco fue (2004) hecho por: Michael Amzalag y Mathias Augustyniak (M/M Paris). Este es el álbum más exitoso de Björk hasta la fecha. Antony Hegarty fue invitado a colaborar en esta canción.

Michel Gondry le pidió a Björk protagonizar su película La ciencia del sueño, ella rechazó el papel que luego le sería dado a Charlotte Gainsbourg. Irónicamente, Gainsbourg eventualmente llegaría a trabajar en varias cintas dirigidas por Lars von Trier.

15 remixes y versiones de esta canción. Todas las ganancias fueron donadas a UNICEF.

Army of Me: Remixes and covers (2005)

Recopilación de 7 CDs, DVDs de videos y versiones Surrounded (2006) remasterizadas de sus discos: Debut, Post, Homogenic, Selmasongs, Vespertine, Medúlla y Drawing Restraint 9.

WWW.MARVIN.COM.MX/BJORK Drawing Restraint 9 (2005) Dirigida por Matthew Barney, pareja de Björk y padre de su hija Ísadóra Bjarkardóttir Barney. Además de realizar el soundtrack Björk actuó en esta película, rompiendo su promesa –hecha después de Dancer in the Dark– de no volver a actuar.

PRODUCTORES Debut (1993) Nellee Hooper, Björk. Anna and the Moods (2007) Animación computarizada islandesa, en la cual Björk da voz al personaje principal.

Durante la gira Volta Tour, Björk utilizó un instrumento llamado ReacTable, que permite mezclar sonidos de manera manual.

"Earth Intruders" (2007) Dirigido por: Michel Ocelot. “Innocence” (2007) Dirigido por Fred & Annabelle. Para este video Björk realizó un concurso online. El video ganador fue elegido por los fans.

"The Dull Flame of Desire" (2008) Dirigido por: Christoph Jantos, Masahiro Mogari, y Marçal Cuberta Juncà. Este video es el resultado de una colaboración de tres directores, cada uno elegido de las submisiones que se hicieron para el concurso de videos de “Innocence”. Los directores fueron elegidos por Björk después de sorprenderla con la calidad de su trabajo que, desafortunadamente, no funcionaba para el track "Innocence”.

Volta (2007)

"Declare Independence” (2008) Dirigido por: Michel Gondry. Mark Bell, productor de este disco y muchos otros de Björk, aparece en este video.

"Wanderlust" (2008) Dirigido por: Encyclopedia Pictura. Björk describe a esta canción como una especie de continuación de “Hyperballad”.

"Crystalline” (2011) Dirigido por: Michel Gondry.

Este disco es el primer App Album de iPad. Además del formato físico Björk en colaboración con Apple, desarrolló una serie de aplicaciones que se relacionan e interactúan con el álbum.

ESTE UNIVERSO COBRA VIDA EN

Voltaïc (2009)

Álbum compilatorio de material de Volta, incluye DVDs de presentaciones del Volta Tour, un CD de remixes, y los trabajos finalistas de concurso de video para “Innocence”.

Post (1994) Björk, Nellee Hooper, Graham Massey, Tricky, Howie B, Marius de Vries. Homogenic (1997) Björk, Mark Bell, Guy Sigsworth, Howie B, Markus Dravs. Selmasongs (2000) Björk, Mark Bell. Vespertine (2001) Björk, Thomas Knak, Martin Console, Marius de Vries. Medúlla (2004) Björk, Mark Bell. Volta (2007) Björk, Mark Bell, Timbaland y Danja. Biophilia (2011) Björk y 16bit. Durante un concierto en Shanghai, al tocar esta canción, Björk grito “Tibet” varias veces. Muchos asistentes se retiraron y el gobierno chino le advirtió a la cantante que si este tipo de manifestación se repetía, le sería prohibido presentarse nuevamente en ese país.

En el 2009, Björk y Dirty Projectors, tocaron un set de siete canciones originales, en un concierto de caridad organizado por Stereogum. Un año después grabaron un EP de estos temas. El disco será lanzado en formato físico bajo el sello Domino Records, en este mes de octubre. Cada una del total de 10 Tesla coil – es un aplicaciones (alojadas bajo un app Mount Wittenberg transformador resonante madre: Cosmogony) contiene un Orca (2010) inventado por Nikola juego relacionado con un track del Telsa, usado en la canción disco, la partitura, animaciones y “Thunderbolt”. un ensayo musical realizado por Gameleste – una combinación de Nikki Dibben. un gamelan (conjunto instrumental tradicional de Indonesia) y un celesta (instrumento similar al piano), operado remotamente mediante una iPad.

Biophilia (2011)

Movimientos de la tierra – Un grupo de péndulos que transmiten los movimientos del planeta al sonido de una arpa.

“CRÉANLO O NO, SOY BASTANTE TORPE CON LA TECNOLOGÍA. QUIZÁS POR ESO ESTOY TAN EMOCIONADA CON LAS PANTALLAS TOUCH… ¡INCLUSO UN IDIOTA PUEDE USARLAS!” - Björk para Pitchfork 2011

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a Biophilia un álbum parece insuficiente, y es que, más allá de ser el séptimo álbum de estudio de Björk, Biophilia es el origen de una nueva manera de hacer y distribuir música. Muchos han llamado a este disco el primer app álbum, y aunque ya ha habido otros intentos de fusionar música con tecnologías interactivas, la integración (canción-aplicación) que Björk consigue con este trabajo es formidable, incluso orgánica, y esto sólo puede deberse a que el álbum fue concebido simultáneamente como canción e imagen, como sonidos y visuales. En el proceso de composición muchos instrumentos y aparatos fueron usados, entre ellos un Lemur, un antecedente del iPad. Biophilia se compone en total por diez temas y diez aplicaciones, cada una de ellas diseñada para resaltar la esencia de las canciones. En este disco, la naturaleza y el universo son el eje y cada track analiza una parte del universo, una característica del mismo, además, todos los temas cuentan con un subtítulo que profundiza sobre la temática o composición de cada canción; de modo que “Moon” habla de secuencias lunares y frecuencias y “Thunderbolt” tiene como referencia rayos y arpegios. Este universo empieza en “Cosmogony” –cuarto tema del disco y aplicación madre– una suerte de big bang, o génesis musical, un mito de creación que sostiene todo lo que es Biophilia: a partir de ésta, todo lo demás se construye.

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Aplicaciones como las de “Crystalline”, “Moon”, “Thunderbolt”, “Solstice” y “Sacrifice” adquieren una increíble capacidad interactiva, y es que estas apps no sólo consiguen profundizar las canciones, si no que también abren la posibilidad de transformarlas; la canción –por lo tanto– está viva y reacciona a nuestras acciones, podemos modificarla a través de la aplicación y de cierto modo hacerla nuestra al renovarla. En el caso de “Virus”, una de las secciones de la aplicación, se trata de proteger la célula madre, sin embargo si la proteges demasiado no podrás escuchar la canción completa, de modo que para ganar la canción, debes perder el juego. Biophilia es el primer álbum en su especie, es un punto de origen al cual, quizás, sólo Björk puede llevarnos. Con el paso del tiempo y a través del filtro de la historia, la influencia que esta cantante islandesa ha tenido en la música, e incluso en la cultura contemporánea, es innegable. Decidió permanecer en el pop (entendido a su manera) y oponerse a los estándares de la música, retando los límites de la misma y cuestionando su estructura, desde hacer música usando sólo voces hasta tracks con vibraciones de la tierra, la carrera de Björk es de constante movimiento, de inconformidad y curiosidad perpetua, que de algún modo u otro, siempre ha logrado sorprendernos. M

HABLO PORQUE TENGO BOCA::

OFF THE RECORD::

TXT:: CHICO MIGRAÑA.

TXT:: ARTHUR ALAN GORE.

Periodista la-sangre-de-metal.blogspot.com

Playboy, periodista de rock y escritor de ficción. Twitter: @arthuralangore

SI NO SABEN LICENCIA LEER, MENOS PARA ESCRIBIR DEVORAR Lo más triste de la era moderna es que la tecnología, en lugar de propiciar un mayor conocimiento, ayuda a que suceda todo lo contrario. Con unos cuantos golpes de tecla, hoy tenemos el mundo a los pies (y en este caso, la posibilidad de escribir bien), y pasa lo opuesto. Facebook, Twitter (eso sí, no saben escribir pero qué tal pronunciar: todos le llaman tuirer) y cuanta plataforma social que existe, sólo pone en evidencia el patético nivel de la educación en México. Son muchos más los que escriben “haber” en lugar de “a ver”, “conosco” en lugar de “conozco”, “hallan”, “haigan” o “allan” en lugar de “hayan”, “eh” en lugar de “he”… Pero es peor aún encontrar sistemáticamente ese tipo de errores en diarios y revistas. Por una mera cuestión lógica, los reporteros deberían tener una ortografía por lo menos decente. Y en cuanto a un mínimo de cultura general se refiere, ya ni me meto. Leía, con referencia a la próxima visita de Ringo Starr a México, que los Beatles se separaron en 1981. Cuando vino Slayer, con Gary Holt en lugar de Jeff Hanneman hubo más de uno que no supo la diferencia, alguno copió y pegó las canciones del set list sin importarle, y mucho menos sin darse cuenta que los nombres estaban abreviados. Claro, pero si no son capaces de leer, menos lo serán de escribir. Es bastante común que en mi blog se desaten mini guerras de declaraciones. Yo escribo una cosa, alguien que no sabe leer entiende todo mal, se queja (mal redactado, por supuesto), alguien más se suma (normalmente ya ni siquiera leyó el texto, ni bien ni mal, sencillamente no lo lee y se basa en el comentario de alguien más para crearse una opinión) y al final, el debate ni siquiera tiene que ver con el texto que en teoría lo originó todo. Debemos aprender a ser pacientes, a comprometernos con las letras. Si el texto que se le plantea a un individuo es muy largo y le da flojera, será mejor no leerlo. Si decide leerlo, por respeto a quien escribe y a sí mismo, el individuo debería poner un mínimo de atención. Dicen por ahí que la mejor manera de aprender ortografía es leer. Quizás, aunque si uno lee “c00sas c00m00 es7a”, el panorama no va a mejorar. Y en el caso de los diarios, de mantener en sus plantillas laborales a gente sin preparación en áreas como corrección de estilo, seguiremos con notas como esta: “El ex secretario de Desarrollo Social, desde finales del año pasado es considerado como aspirante ala jefatura de Gobierno del DF, por lo que ha realizado eventos públicos donde , sin hacer públicas sus intenciones, realiza eventos públicos donde ha presentado libros y proyectos para mejorar la ciudad”. Y no está editado, así apareció en El Universal Online del 7 de septiembre, con todo y el espacio entre el primer donde y la coma; con todo y la falta de espacio entre la letra “a” y el artículo “la” (“ala” en vez de a “la”). En el Maratón de la era actual, la ficha de la ignorancia se mantiene con franca ventaja y se da un festín a costa de nuestra pobrísima educación.

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Nada me costaría decir su nombre, pero seguramente habrá quien me lo reproche. Dirían que qué poco hombre y que qué falta de respeto y caballerosidad. Entonces le pondré uno inventado, aunque toda su historia sea real. Hagamos de cuenta que se llamaba Simona. La conocí hace cinco años, por conducto de un amigo fotógrafo. Una tarde, ella me llamó por teléfono y sin rodeos me dijo: “Soy groupie. Tú conoces a muchos músicos. Dime dónde los puedo encontrar”. Armas no le faltaban para salirse con la suya –que en este caso era sacarme información– porque Simona tenía el cabello rojo igual que el fuego que ardía en medio de sus piernas; una mirada felina que delataba su talento para seducir, unos labios salidos del más húmedo de los sueños y un cuerpo que, aunque menudo, había sido cincelado a mano por el demonio. Nunca me dio ni un beso, pero siempre obtuvo lo que quería. No me consta, pero Simona me contó que entre sus conquistas figuraban el cantante de una banda que “quisiera ser un microbito”; además del guitarrista de otra que “tenemos una cita en el quirófano”, entre un larguísimo etcétera. Tampoco mencionó los nombres de los grupos porque igual podrían ofenderse. - “¿A poco te gustan sus rolas?”, pregunté ingenuamente a mi amiga, la groupie. - “¡Nel, yo sólo los quiero para lo que son!”, respondió reprimiendo una malévola sonrisa. En una ocasión le dije que podía presentarle a los integrantes de un grupo noventero de rock con los que me tocó crecer. - “¡Ay no, ya están rucos y panzones!”, respondió Simona. Curioso es como ciertas frases en boca de una rapaz lolita adquieren un significado especial. Si yo dijera que a alguna chica la quiero sólo “para lo que es” o que fulana “ya está ruca”, se me echaría encima la sociedad. Las feministas exigirían mi cabeza en una charola de plata. Lo más curioso es que hay quienes pintan a las groupies como indefensas criaturas a merced del insaciable apetito de los músicos. Pero a Simona, cuyo nombre no pronuncio por respeto, su belleza le otorga licencia para devorar y colgar a los músicos como trofeos en su repisa. Hoy, sé que es novia de otro cantante de rock. Lo amará hasta que un nuevo sencillo en las listas de popularidad los separen.

BAJO PRESUPUESTO::

EL CUADERNO AMARGO

TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL .

T X T : : PA O L A T I N O C O .

Columnista de Milenio Diario y director de La Mosca en la Red. www.facebook.com/hgmichel

Escritora Twitter: @paolaticono

LAS CHICAS NO SÓLO SEXO, DROGAS Y ALEJANDRA GUZMÁN QUIEREN DIVERTIRSE Hace once años, publiqué en la revista Milenio Semanal (No. 152, agosto 7 de 2000) un artículo con el cual trataba de probar que Alejandra Guzmán era la única verdadera rocanrolera mexicana. En aquellos días, tamaña idea sonaba escandalosa y hoy, a la luz de su inenarrable colaboración con Moderatto, puede que suene aún peor. Sin embargo, si analizamos bien las cosas, tal vez la tesis no resulte tan descabellada. Desde un punto de vista musical, es claro que la hija de Silvia y Enrique jamás ha cantado rock, a pesar de contar con una voz ideal para hacerlo. Lo más cercano quizá sea su edulcorada versión al tema “La plaga”, cuya letra en español escribió su propio padre a finales de los años cincuenta del siglo pasado, cuando era el front man de los Teen Tops. Fuera de ahí y a pesar de que el periodismo (es un decir) de espectáculos la llame eufemísticamente La reina del rock, lo suyo lo suyo ha sido siempre lo más popero de la música pop. Eso en lo musical. Sin embargo, en la vida real, no creo que exista una cantante nacida en Mexicalpan de las Tunas que pueda presumir un más destacado palmarés en los terrenos de aquello que ha distinguido a tantos verdaderos rocanroleros a lo larga de la historia, ese mantra que reza “sexo, drogas y rocanrol”. Aquí sí ni quien se le acerque a la Guzmán, cuyos escándalos, perfectamente documentados a lo largo de los más recientes años, han dado material de sobra para alimentar el amarillismo de la prensa rosa (valga la colorida paradoja). ¿Qué son las actuales roqueras mexicanas frente a la cuarentona intérprete de “Verano peligroso” y “Eternamente bella”? ¿Qué son sino fresitas del campo y de la corrección sociopolítica y musical? No hay roqueras mexicanas que puedan competir en actitud con Alejandra. Kenny es cada vez más una caricatura de sí misma (quiero suponer que ya no trata de presumir sus alicaídas glándulas mamarias a cada paso…, aunque quién sabe). Julieta Venegas de plano renegó del rock y se inscribió con buena fortuna en la música popular. Ely Guerra ahora canta boleros con arreglos orquestales híper cursis, lo mismo que la Lafourcade (quién luego de un buen primer disco no ha vuelto a dar pie con bola) y la híper nerd y sobrevalorada Lo Blondo. Mi estimada Jessy Bulbo sigue en lo mismo, las Ultrasónicas son un simpático recuerdo, Nina Galindo y Tere Estrada pertenecen a la prehistoria rupestre y chavas rocanroleras como Teri Gender Bender (alias Teresa Suárez), de Le Butcherettes, siguen empeñadas en cantar en inglés “para trascender internacionalmente” (ajá). Podría poner mis esperanzas en la banda femenina Ruido Rosa, cuyo tema “Dentro” me entusiasma en verdad. Pero aún no he tenido acceso a su disco y no me atrevería a dar una opinión definitiva. Con todo, me parece más interesante y más rico lo que hacen las roqueras nacionales a lo que hacen la mayoría de sus colegas del sexo masculino, cuya insistencia por imitar al rockpop argentino o a la música grupera continúa tristemente imperturbable. No obstante, la sombra de Alejandra Guzmán persiste y domina el panorama; más en lo extramusical, por supuesto, aunque no deja de ser un tanto cuanto absurdo que una cantante que jamás ha cantado rock sea a nivel masivo nuestra “reina” del rock. México sigue siendo un país surrealista, qué duda cabe.

Uno de esos domingos que la resaca nos lleva a hacer cosas impensables, recorrí mi biblioteca con ánimo de ordenar. Primero organicé los libros por género literario. Luego decidí hacerlo por editorial y al final regresé a los géneros. El cuento y la novela ganaron en cantidad, tuve que ponerles su propio librero y entre el ir y venir del orden alfabético se me cayó un libro: Pétalos, de Guadalupe Nettel. A ella la conocí en una fiesta salvaje de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, en el famoso Gato Verde, un bar donde la encargada de la barra canta acompañada de un pianista sin dejar de servir tragos. Ahí estaba Guadalupe, en franca charla con Juan Villoro. Recuerdo vagamente que estaba planeando una revista, quizá Número Cero. No puse atención en ese momento porque cuando digo que era una fiesta salvaje no bromeo. También porque me dio la impresión de ser algo estirada. Después la volví a ver cuando se publicó su primera novela, El huésped, la historia de una niña que poco a poco va perdiendo la vista y al mismo tiempo pelea con una extraña, tal vez imaginaria, presencia interna que la obliga a hacer cosas que ella detesta. Me atrapó su “huésped” y también el carisma de la autora. Se esfumó la imagen de estirada cuando aceptó ir a una cantina en vez de comer en un restaurante. Entre tequilas y escamoles, hablamos largas horas sobre la muerte y los libros. Regresó a Barcelona, donde vivía por entonces, y nos volvimos a ver tiempo después, cuando Pétalos, su libro de cuentos, me hizo querer leer todo lo que la Nettel escribiera en adelante. Seis cuentos habitados por personajes desquiciados de una o de otra manera: una modelo que, secretamente, se arranca el pelo, un olfateador de baños de mujeres o un fotógrafo obsesionado con retratar párpados, entre más raros mejor. Sus idas y vueltas entre Barcelona, París y México nos daban poco tiempo para encontrarnos pero la seguía leyendo aquí o allá. Así fue como llegué a su biografía precoz, publicada en una revista y después como el inicio de su nueva novela: El cuerpo en que nací. En ella, Guadalupe relata parte de su infancia y el suplicio de vivir con un defecto de nacimiento en un ojo, que la obligaba a pasar por una serie de procedimientos tortuosos. Contada a manera de una larga sesión de psicoanálisis, la novela se desarrolla a finales de los años setenta: matrimonios abiertos, comunas hippies y una libertad sexual que desemboca en la separación de sus padres. El personaje cuenta a la doctora Sazlavski lo más relevante de su vida en los difíciles años de la pubertad, las batallas entre su naciente personalidad y la férrea vigilancia de su abuela y de su madre, pasando por complicados y poco afortunados intentos por adaptarse a una nueva vida en otro país. Todo esto contado con una agilidad que me llevó de la mano a terminar la novela en una tarde. Siempre querré otro libro de cuentos de Guadalupe Nettel, pero El cuerpo en que nací me devolvió el ánimo por leer novelas. Pienso que en breve asignaré a este género un segundo librero, porque es sabido que viene en camino la primera novela de Samanta Schweblin (aún sin título), escritora argentina también nacida en los setenta, publicada en México por Almadía, y El verano sin hombres (Anagrama), de Siri Hutsvedt, que poco a poco ha dejado de ser conocida como la esposa de Paul Auster para hacerse un espacio entre las mejores ensayistas y novelistas de Estados Unidos. Ambos libros verán la luz este año y ahí estaremos para engrosar las filas de nuestras bibliotecas con ellos.

MALINCHEANDO:: TXT:: EMILIO TOLEDO.

Twitter: @delamalinche www.loshijosdelamalinche.com

Y CADA NOCHE LOS SUEÑOS SE HORRORIZABAN Esther Gordillo, Hank Rhon, Salinas y Fox ya están detrás –con todo el amor por México, su México- de la candidatura de Peña Nieto para el 2012. ¿Quién más siente este amor?, ¿quién se quiere apuntar a la bella, amena causa del copete más selecto de un país tan fregón? Tan fregón que si se incendian casinos qué importa, hay que abrir más. Si se dispara en los estadios, pues nos vamos a unos anuncios y, de paso, los cotizamos mejor que los de horario tradicional. ¿Qué es lo normal en un país donde las ladies de Polanco son la noticia del momento y un libro de Yordi Rosado se vende más que Pedro Páramo? Lo normal es hacer burla de las gentes que en los suburbios de Guadalajara asisten a la fascinación de un hada en formol y desde luego no pensar siquiera en las causas de la ignorancia ni hacer un ejercicio crítico sobre la falta de educación que arremete en las zonas más pobres de la ciudad. Lo normal: nunca haber tenido ideología y haber sido siempre de derecha. O ser ateo porque los religiosos son dogmáticos y menospreciar a los religiosos por sus creencias. Decía Gómez de la Serna: “cuando los pajaritos duermen en los árboles lo normal sería que se cayeran”. ¡Cuánta verdad! Con la alegría de los pajaritos, Felipe Calderón se ha ido a bucear y recorrer las regiones más lindas del país y a pesar de nuestro asombro, no decidió cambiar de profesión y ser

para siempre un guía turístico, vaya que lo hace bien, con todo, ¡decidió seguir siendo nuestro presidente! Y no podemos sino agradecer. Ah, lo normal son los paraísos infernales, los hombres y mujeres disociados, internamente corruptos. Por la mañana doy el amor a mis hijos y por la tarde trabajo en un banco que endeuda y roba a la gente. Por la mañana soy pederasta y por la tarde doy misa. Por la mañana aplasto a los que se crucen en mi camino porque este es el modo de triunfar, y ya en el crepúsculo les dedico a esos pobres diablos un pensamiento generoso que me dicte algún libro de autoayuda. Y cada noche los sueños se horrorizaban. Pero no reflexionemos demasiado –es más, ni pensemos- y volvamos a la fuente de todos nuestros ratings. ¡Oh, Peña Nieto, blanco de la lascivia de cuántas doñas ya! ¡Oh, mirada fulminante, ¿quién no votará por ti?! Lo pregunto de una vez, antes de que llegue el 2012 y te vuelvas moda: ¿quién no tendrá ojos para darte su voto, oídos para tomar tu convincente, eximia palabra? Si lo hará Elba Esther & Co. y en tus actos públicos –pero qué digo públicos, ¡imperiales!, ¡fantásticos!, ¡como de cuentos de hadas!-, te apapacha Televisa y Fernández de Cevallos, ¿por qué no hacerlo todos los demás?, ¿es que no nos darás lo que a ellos sí? M

CINE::

CINE COMO TERAPIA TXT:: GUILLERMO RIVERA.

Es el décimo mes de 2011 y estás preocupado. Mentías hace casi un año cuando juraste ponerte a dieta y dejar de fumar. Relájate. Tienes todavía un par de meses para lograr tus propósitos. Para reanimarte o desestresarte al menos un poco, te presentamos las pelis de octubre. Te vas a sentir mejor. Prometido.

FENÓMENO SINIESTRO

A menos que seas muy resistente, el mockumentary -falso documentalFenómeno siniestro te va a dar miedo. La mayoría está ya familiarizado con el género: una grabación que aparenta ser de la vida real, pero que sólo es ficción. Un caso famoso es El proyecto de la bruja de Blair. El equipo “caza fantasmas” de un reality de tv se encierra en un psiquiátrico abandonado para investigar los fenómenos paranormales que ahí ocurren. Pasa poco tiempo para que sus integrantes descubran que el edificio no quiere dejarlos salir nunca. Lo interesante comienza cuando los protagonistas cuestionan,

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seducidos por la demencia, su propia cordura. La peli sorprende porque aunque contó con bajo presupuesto, sus directores, los debutantes The Vicious Brothers –así se hacen llamar– hicieron un excelente trabajo de ambientación, y pese a que las actuaciones no son las mejores, tampoco son un desastre. Se trata de un filme de terror puro que aunque lento al principio cumple, quizá con algunos clichés para crear la sensación de tensión, pero cumple. El salto en tu butaca está garantizado. Y ¿por qué no?, en una de esas reivindica al género.

LOS TRES MOSQUETEROS Es cierto, versiones del clásico de Alexandre Dumas Los tres mosqueteros hay muchas y algunas son peores que otras. Pero la adaptación en 3D del responsable de la saga de Resident Evil, Paul W. S. Anderson, pese a relatar de nuevo las aventuras de D'Artagnan (Logan Lerman), el joven valiente que se va de casa para cumplir su sueño -convertirse en un mosquetero de la guardia del rey y que une fuerzas con tres mosqueteros rebeldes-, cuenta con las actuaciones de Milla Jovovich, a quien ya era necesario ver en un filme que no trate de fantasmas o zombies, y Christoph Waltz, quizá el mayor acierto de la peli. Orlando Bloom, bueno, siempre ha funcionado en papeles secundarios. La fotografía y la forma en que está contada la película es lo que se puede esperar de Anderson. Eso sí, el relato está un poco alejado de la novela original de Dumas. Espera una peli con vestuario de alta calidad, lleno de secuencias de acción y peleas con espadas bien armadas, muchas de ellas en cámara lenta. Excelente para que comiences a familiarizarte con el “uno para todos, todos para uno”, si es que no has leído la versión original.

EL RAPTO Si lo tuyo es ver cine auténtico, la opción es el filme francés El rapto, una verdadera experiencia cinematográfica. ¿Las razones? Su excelente dirección, edición, fotografía y actuaciones, en especial la del protagonista, Iván Attal, quien realiza el papel de su carrera al personificar a un poderoso industrial vinculado con la política y que tiene 130 mil empleados a su servicio. El empresario es secuestrado por delincuentes profesionales que desatarán los demonios de la doble vida del ejecutivo. Y, al tiempo que exigen 50 millones de euros por el rescate, la prensa hace una serie de revelaciones comprometedoras. La intensidad de la cinta aumenta conforme avanzan las secuencias, lo que muestra la habilidad del realizador belga Lucas Belvaux, ganador de numerosos premios por producciones anteriores. Una película que no debería perderse un fan de los filmes de acción inteligentes y creativos. Belvaux muestra qué es el estrés y el pánico. Un gran acierto del cineasta y del cine francés. Ahí las tienes y aún hay tiempo. Seguro encuentras una buena opción en medio de este estrés de octubre.

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ESTRU CT U R A Y PALAB RA Foto: Carlos Alvarez Montero www.alvarezmontero.com Locaciรณn: Estudio .357 estudio / espacio creativo www.357mx.com Maquillaje, peinado y estilismo: Loly lupercio Asistente: Silvia B. TXT:: Jimena Gรณmez

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Blusa: Carla Fernรกndez.

MODA::

Vestido y cinturón: Carla Fernández, Pulsera: Kviar.

LA RIMA

Ya había escrito canciones en inglés, incluso había una en Mediocre como bonus track, pero encontrar un estilo en otro idioma fue muy difícil. Me pareció un buen reto, quería ver si era capaz de hacerlo y también de llevar una carrera en un mercado mucho más competido. Muchas cosas cambiaron en este disco: la rima, el idioma, el sonido. En la gira de Mediocre se volvió un poco tedioso y aburrido tocar puras canciones mid tempo y baladas. Desde un principio yo quería hacer canciones con más movimiento. Es un disco muy divertido, ahora toco todo el tiempo, juego con las secuencias, piso pedales (risas), es más dinámico e interesante. Tenía muchas ganas de hacer un sonido más electrónico; busqué muchos productores, pero con Dave Sitek hubo más química. Yo era fanática de su trabajo y a él le gustó lo suficiente la música como para trabajar conmigo.

En el caso de “Different” yo tenía muchas ganas de hacer un videoclip que tuviera baile, creo que es un sueño puberto que tuve toda la vida, fue divertidísimo.

Blusón y falda: Carla Fernández, Zapatos: Diesel.

LA COMPARACIÓN

Cuando yo tenía quince años, las dos artistas que más escuchaba eran Fiona Apple y Julieta Venegas. El Bueninvento de Julieta y el On the Pond de Apple, fueron los dos discos que marcaron mis quince años. Además, las dos eran súper azotadas, de córtate las venas (risas) y ambas tienen voces muy únicas. Las comparaciones son un poco raras, pero soy muy feliz con las más recientes, por ejemplo con Norah Jones. La de Natalia Lafourcade es recurrente, y en mi opinón muy positiva, la admiro mucho, tenemos muchos gustos y procesos en común, pero tampoco me gusta pensar tanto en eso, creo que cada artista tiene su propio camino. Para mí es muy importante crecer, aún me falta mucho por aprender como músico.

En este disco no quería utilizar director musical, quise tomar el liderazgo de la banda.

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Top: Miguel Buccio, Shorts y mallas: Loly Lupercio, Cinturón y pulsera: Kviar, Zapatos: Diesel.

Y LOS ADJETIVOS

Las propias canciones te piden un título, “Mediocre” y “Different” describen cómo me estaba sintiendo en algún momento. En el caso de “Different”, era sentirme fuera de lugar, una experiencia que seguramente todos compartimos. Para mí es una sensación que ha estado desde hace mucho tiempo, debido en parte a que he trabajado desde muy chica; es una cosa extraña para una niña faltar a clases por ir a filmar. La experiencia de trabajar con puros americanos es dura, a pesar de que es una cultura que está tan cerca y pegada a la nuestra, sí hay diferencias culturales muy fuertes; de repente me sentía rara por existir o mal interpretada, como que tenía que ir con mucho más cuidado. El sentido del humor por ejemplo, aquí es a partir de los defectos: si creciste gordito, toda la vida te van a decir gordo (risas) y no es una ofensa, es algo tan cultural que ya ni lo sientes. De repente sales del país, le dices a alguien gordo y te acusan de racista (risas).

CÃ&#x201C;MIC::

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LITERATURA::

La materia prima de la literatura suelen ser las obsesiones y los fantasmas internos de los escritores. ¿Cuáles dirías que son los tuyos? Otros escritores –sus libros– son mis fantasmas. Como decía Quevedo a propósito de la lectura: “vivo en conversación con los difuntos y escucho con los ojos a los muertos”.

TODOS MORIMOS MUCHAS VECES TXT:: VICENTE JÁUREGUI.

Actualmente la literatura mexicana goza de un buen momento, y la pluma de Valeria Luiselli es prueba de ello. El año pasado la crítica elogió los ensayos contenidos en Papeles falsos, y ahora su primer obra narrativa, Los ingrávidos, cautiva con la historia fantasmal del poeta Gilberto Owen y una mujer obsesionada con registrarla. Aventurándonos un poco, es como sumergirnos en un ambiente rulfiano, pero no en Comala, sino en las calles de Nueva York. ¿Cómo te llegaron las letras? Todo lo que leí entre los 17 y los 20. Los libros malos y los buenos. Creo que nunca volví a leer con tanta intensidad. Algunos títulos de eso años: Retrato de un artista adolescente (Joyce), El sonido y la furia (Faulkner), Pedro Páramo (Rulfo), Genealogía de la moral (Nietzsche), La condición humana (Arendt), El paseo (Walser), Memorias del subsuelo (Dostoievski), Ferdidurke (Gombrowitz). Todavía me acuerdo de la página –aproximada– en la que cierto personaje de una novela dice tal o cual cosa; recuerdo poemas enteros; puedo recitar de memoria algunos tramos de obras de Shakespeare o de Marlowe. Sólo han pasado 10 años desde entonces, pero creo que ahora sería incapaz hasta de aprenderme un haikú, y sólo de vez en cuando me trastorna verdaderamente un libro. Estudiaste filosofía, pero tu obra es literaria hasta el momento, ¿cómo se dio la transición? Tristemente, creo que podríamos omitir el “hasta el momento”. Me parece muy improbable que yo escriba alguna vez un libro de filosofía. Sigo leyendo filosofía, aunque no con el mismo rigor de antes. Más bien, la leo con nostalgia o con angustia, y eso nunca es inteligente. Ahora bien, para responder a lo segundo, tampoco es que haya habido para mí una transición de la filosofía a las letras. Cuando empecé a estudiar filosofía, ya sabía que me quería dedicar a escribir –en parte–, por eso decidí estudiar filosofía y no literatura. ¿Wittgenstein o Heidegger? Wittgenstein.

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Para ti, ¿qué significa morir varias veces? Afantasmarse, morirse repetidamente, tiene que ver con la destrucción y la reconstrucción perpetua de la personalidad. También, por ende, con cierta imposibilidad de habitar de modo pleno y permanente nuestro propio cuerpo, nuestra casa, nuestras rutinas, en fin, de hacernos cargo de nuestra vida. Cuéntame de tus personajes. Los primeros trazos de un personaje suelen venir de personas que conozco. Pero una vez que tengo un esqueleto, por decirlo así, no sé muy bien de dónde viene lo siguiente. Supongo que de una mezcla de cosas. No me interesan los personajes que cumplen una función particular en la trama. Al contrario, suelo supeditar el desarrollo de la trama al carácter de mis personajes. ¿Tienes algún ritual para inspirarte? Casi siempre me pongo a leer. Y a fumar. Pero nunca al mismo tiempo. Leo, luego fumo. ¿Cómo fue tu acercamiento con la editorial Sexto Piso? Cuando volví a México después de un periodo en Nueva York, les mandé el original de mi primer libro, Papeles falsos. Me respondieron pronto y con entusiasmo. Desde el principio, establecimos una relación magnífica. Nos fue muy bien con ese primer libro y yo estaba muy contenta ahí, de modo que decidí publicar también con ellos Los ingrávidos. El equipo entero funciona, todos le entran invariablemente al quite –sea en los viajes extenuantes a ferias de libro, sea en el proceso de corrección, en la prensa, en las presentaciones, en la distribución–. Por último, platícanos qué ocurre en tu vida ahora. Estoy por retomar el doctorado en Columbia. Voy a dar clases y a tomar seminarios. En una semana recupero mi credencial de la biblioteca, que es un poco como recuperar un pase de entrada libre al paraíso. Estoy llevando –hace tiempo lo había abandonado– un cuaderno de notas; preparo lentamente un texto para danza contemporánea; escribo entradas de una posible novela futura; y, en estos últimos meses del verano, he estado trabajando en la versión en inglés de Los ingrávidos y en una versión en español para teatro, con una traductora y un dramaturgo, respectivamente. La novela sale en inglés en la primavera del 2012 y la obra de teatro por ahí de febrero. M

"EN UNA SEMANA RECUPERO MI CREDENCIAL DE LA BIBLIOTECA, QUE ES UN POCO COMO RECUPERAR UN PASE DE ENTRADA LIBRE AL PARAÍSO"

ARTE::

FRAGMENTACIÃ&#x201C;N MANUAL C

www.marvin.com.mx with Laetitia Bica

59 with Madame Peripetie

Marilyn Monroe

with Simian Coates

sando papel, tijeras y pegamento, creo imágenes fragmentadas, a momento deformes y siempre con mucha atención a todos los

detalles. Desde mi estudio en Glasgow (Escocia) trabajo en mi obra, que se extiende a editoriales de moda e ilustración. Actualmente me encuentro preparando una exposición solista para Phonebooth Gallery en Long Beach, California, que se llevará a cabo este mes de octubre. Para ver más de mi trabajo o comisionar obra, visita www.loladupre.com.

with Jonathan Maiter

Mona Lisa

Audrey Hepburn

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Lucas Cranach, Nude

DECULTO::MÚSICA

TXT:: ARTHUR ALAN GORE.

¿Cómo rendir homenaje a una mujer que ya no está entre nosotros? Rita Guerrero falleció el 11 de marzo a consecuencia del cáncer de mama que padecía. Sin embargo, el legado de la vocalista de Santa Sabina permanece en la memoria de quienes amaron su música, y claro, de quienes la conocieron como amiga. Por eso, algunos de sus colegas nos cuentan anécdotas a través de las cuales Rita continúa entre nosotros.

Me llamó para tomar su lugar DR. SHENKA (PANTEÓN ROCOCÓ)

Era una mujer que hacía honor a su apellido. Gracias a ella despertó en mí el espíritu de lucha. Ella me invitó a participar en el colectivo La Bola y a realizar activismo en la Selva Lacandona. El primer año en que se hizo el Vive Latino, Rita iba a tocar con Santa Sabina, por lo que no podía encabezar una de las caravanas que se hicieron a Chiapas. Me llamó por teléfono y me pidió que fuera en su lugar. Para mí, representó algo muy especial porque atravesaba una crisis personal muy fuerte. Panteón estaba convirtiéndose en una banda masiva, aunque provenía del subterráneo, y yo no sabía cómo lidiar con eso. Ir a Chiapas me ayudó a encontrarme. Primero porque nos fuimos en camión. No existía la autopista, así que hicimos casi 17 horas hasta San Cristóbal y de ahí, otras 10 horas hasta La Realidad. Llovía mucho, pero fue grandioso y todo se lo debía a Rita. Cuando ella falleció, yo estaba en Chiapas, casualmente, por eso no pude ir al funeral. Sin embargo, creo que fue el mejor homenaje que pude rendirle.

Un cumpleaños en la playa LINO NAVA (LA LUPITA)

En la época de oro de Discos Culebra a Santa, a Cuca y La Lupe siempre nos vendían en paquete, así que girábamos juntos para todos lados. Recuerdo en particular una tocada que coincidió con el cumpleaños de Rita. Ella siempre fue más consciente, porque los demás estábamos más chavos y nos encantaban las fiestas, las chicas y el rock. Rita nos regañaba mucho. Ese día quisimos hacerle una fiesta, pero era imposible conseguir un pastel en la noche y con tanto calor, así que compramos un chingo de gansitos, chocorroles e hicimos una especie de instalación horrorosa que según era un pastel. La pasamos increíble. Otro recuerdo que tengo presente es que fui roomate de Alejandra Prado, su sobrina, y en la casa había reuniones con toda la familia Guerrero. Conocí a su abuelita y sus hermanas.

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Cocodrilos, los Santa Sabina y los Panteón, que por cierto grabamos en su estudio. Al final se trató de un gran tributo a Rita. Donamos las ganancias para su hijo.

Guardó silencio durante dos días LIBER TERÁN

Entre 1994 y 1998, Rita y yo fuimos muy cercanos. Entre ella, banda de la UNAM y otros músicos organizábamos los conciertos por Chiapas. Era una época complicada porque a consecuencia de un desmadre que hubo en una tocada de Caifanes, en la delegación Venustiano Carranza, estaba prohibido hacer conciertos de rock al aire libre. Sin embargo Rita estaba organizando uno en el Parque México con el colectivo Democratiz-Arte. Como ella se encargó de todo lo previo, se enfermó horrible, estaba afónica. La verdad pensé que no podría cantar, porque además se rehusó a tomar cualquier medicina, en vez de eso, tomó la decisión no hablar los dos días anteriores al concierto y así fue, no dijo ni una sola palabra. Todavía no me explico cómo, pero el día del concierto le salió una voz impecable.

¿Quién le va a planchar la ropa a Ponchito? HÉCTOR QUIJADA (LA LUPITA)

Rita era al mismo tiempo una vampira y una mamá. En el escenario, era una persona tan intensa, tan oscura, pero debajo de él era un amor. Recuerdo mucho que en una tocada en la que coincidimos, Poncho iba muy enfermo. Se sentía de la patada y Rita estaba súper al pendiente: “¿Qué va a comer Ponchito?” “¿Quién va a llevar a Ponchito a su casa?”; bueno, hasta preguntó “¿Quién le va a planchar su ropa a Ponchito para el concierto?”.

63 Me enamoré de sus axilas

ABULÓN (VÍCTIMAS DEL DR. CEREBRO Y LOS ABOMINABLES)

El primer concierto al que fui en mi vida fue en Ciudad Universitaria y tocaron los Caifanes, Juguete Rabioso, Maldita Vecindad, Cecilia Toussaint y Santa Sabina. Yo me enamoré de Rita –que no sabía quién era– porque no se había rasurado las axilas ese día y se veía súper sexy. Además, era una banda que no sonaba ni a urbano ni a metal ni a nada que yo conociera. Ya después, como parte de Víctimas, muchas veces tocamos juntos y a ella le divertía que fuéramos tan desmadrosos. También recuerdo que le gustaba ir a comer al mismo restaurante en la Roma que a mí, un lugar rarísimo al que iban puros viejitos y en el que no existía nada de glamour rockero. Rita fue la heroína de mi ex mujer y yo, cuando pienso en aquel lejano concierto, recuerdo que mientras la miraba cantar, me decía a mi mismo: “quiero una novia así”.

Rita Bonita, dónde tú vas PATO (MALDITA VECINDAD)

Cuando murió, varios de sus amigos nos juntamos para cantarle sones. Recuerdo que Poncho (Figueroa, bajista de Santa Sabina) iba cantando acerca de unas flores. Ya que todo pasó, cuando estaba en mi casa, le llamé para preguntarle si era un son existente lo que él cantaba, pero me dijo que no, que había improvisado todo. Entonces escribí un son jarocho que dice: “Rita, bonita, dónde tú vas, tan llena de flores, tan llena de paz”. Rubén (Café Tacvba) se apuntó para cantarlo y en la música estuvimos los Malditos

Me aventé al hielo por ella ELIS PAPRIKA

Por desgracia nunca pude conocerla, pero no cabe duda que es la mejor cantante que ha dado Guadalajara, un orgullo para la ciudad. Yo quería ser Rita, me vestía como ella y quería cantar como ella. Una vez, esa rarísima ocasión en que nevó en Guadalajara, un amigo me apostó a que no me tiraba en una alberca que se había congelado. Lo hice porque le pedí a cambio un disco de Santa Sabina. También recuerdo que fui a casa de la única amiga con cable que tenía para ver el Unplugged en MTV. Iba vestida igual que Rita y cuando el papá de mi amiga pasó por delante de nosotras, se quedó viendo a la tele y luego a mí y dijo: “¿Estás en la tele?”.

Abrí la puerta y ahí estaba Rita PACO FAMILIAR (DLD)

Cuando los DLD éramos unos chavitos que acaban de salir del concurso al que convocó la extinta Órbita 105.7, nos tocó grabar nuestro disco con un excelente productor, Rafa González. Cuando llegamos al estudio el primer día, abrí la puerta y ¡pum! ahí estaba Rita Guerrero, ensayando con un clavicordio. Nunca lo voy a olvidar. Fue algo que me marcó.

En medio de su malestar, cantó ÁLEX OTAOLA (SANTA SABINA, EX LA BARRANCA, SAN PASCUALITO REY)

Tengo muchísimos recuerdos de Rita, desde ver a la banda en el público, mi audición, mi primer toquín, el último concierto de Santa Sabina en el Teatro de la Ciudad en diciembre de 2010... pero creo que nunca olvidaré la historia que escuché en el hospital el último día de su vida, cuando una de sus hermanas nos platicó que Rita, en medio de su dolor y malestar, tuvo energías suficientes para cantarle a otros pacientes de su mismo piso. Rita siempre supo que la música y su voz eran un medio para unir a las personas, saber que su congruencia llegó hasta los últimos momentos, sigue siendo conmovedor. M

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DECULTO::CINE

TXT:: ERICK ESTRADA.

No es sencillo. Hablar de la presencia femenina en el cine no es fácil. La primera trampa sería caer en el cliché (falso además) que afirma que los mejores autores en el cine, como en la cocina, son hombres. La segunda, que no hay suficientes oportunidades y… quizá ahí no estemos tan lejos de la realidad. Una mujer probablemente tiene que pelear más para sacar su proyecto cinematográfico adelante. Los inversionistas (hombres) desconfiarán de ella, los actores (hombres) y los técnicos en el rodaje (hombres) sentirán sus pelotas amenazadas cuando una mujer sea la que determine el tono de trabajo, y lleve la brújula en un proyecto del que los hombres se sienten dueños exclusivos. ún así hay nombres nadando a contracorriente demostrando que sí, que a ellas les resulta más difícil, pero también que se puede hacer y que – desgraciadamente la equidad de género es todavía un proyecto– se debe seguir filmando desde el punto de vista de las mujeres, y se debe hacer contra viento y marea. Las primeras mujeres que me vienen a la memoria son, curiosamente, dos alemanas con los pantalones bien plantados (para seguir con los clichés machistas), ambas en los primeros despuntes del cine como tal. Una es Thea von Harbou, escritora de novelas y guiones de cine que sin quedarse nunca en la sombra, empujó a su manera la carrera de su esposo, el también mundialmente reconocido Fritz Lang. Fue ella quien tuvo la idea (entre muchas otras durante la carrera de Lang) de escribir Metrópolis, la primera gran aventura de la ciencia ficción cinematográfica (lo siento Mellès, esta película te rebasa por mucho) con ese alocadísimo guión de una ciudad dividida en dos, en la que los ricos y poderosos viven en las alturas mientras que los pobres y los obreros viven en el subsuelo. Es una película importantísima, máxima estilización del expresionismo alemán, gracias a la cual aún se cuentan por cientos las cintas que le deben algo, directa o indirectamente.

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Pero la cosa no paró ahí. Fue la misma Thea quien puso a la primer mujer en la Luna en la historia del cine. De ella es el guión preliminar (y quizá algo más) de Woman in the Moon, una extravagante bitácora fílmica de un vuelo en cohete, también dirigida por Fritz Lang. En esa época se supo que la mancuerna trabajaba más o menos así, ella diciendo qué y el dictando el cómo filmar. Las opiniones de la crítica estuvieron divididas, pero fue el público el que terminó haciendo del cine de Lang la leyenda que ahora es, incluso cuando ella empezó a escribir para otros directores. La otra mujer es la imagen misma de la paradoja. Esteta consumada, poseedora de un ojo sin par y amante del encuadre y sus posibilidades, Leni Riefenstahl desafortunadamente entregó su legado en las dos películas que hizo para el Partido Nacional Socialista de la Alemania, previo a la Segunda Guerra Mundial. De bailarina pasó a actriz y de ahí, impulsada y protegida por el director Arnold Franck, comenzó a dirigir para después ser la encargada de orquestar (coreográficamente) la convención del Partido Nacional Socialista en Nuremberg, y filmar todo para su documental El triunfo de la voluntad. Algo similar ocurrió con Olympia (que registra los juegos olímpicos de Berlín, en 1936), y con ello le bastó para pasar a la historia al ejecutar como nadie el poder que se comunica a través del encuadre, muy independiente del mensaje detrás de él, en este caso y como ya dije, bastante desafortunado. Tomemos otro cliché para pelear en un ring menos cómodo. En el arte ¿de verdad solamente las mujeres pueden comunicarse con las mujeres? Si no generalizamos encontraremos excepciones estupendas, pero en manifestaciones artísticas menos luminosas (para unos), desgraciadamente eso es cierto. Las mujeres no ven pornografía de la misma manera que nosotros los hombres, se fijan en otras cosas. Por ello, si queremos abarcar el espectro completo de las mujeres en el cine, aquellas que detrás de las cámaras hacen porno femenino, también deben ser mencionadas.

Callando las quejas sobre la objetivización de la mujer, rebasando por mucho el machismo (a veces cierto, a veces no) en la pornografía en general, erotizando lo evidente (o sea, dándole la vuelta al porno), podemos nombrar a Candida Royalle, toda una pionera en el asunto de dirigir películas pornográficas con toque femenino, haciendo que ellas tomen el mando, que el orgasmo masculino no sea el centro de atención de la película, entonces ellos se vuelven los objetos. En pocas palabras, ella fue de las primeras en modificar la definición del famoso money shot. Detrás de ella, toda una camada que incluso despunta más allá de esta industria, se hace presente actualmente. Tristan Taormino es una de las más aplaudidas, pues más allá de sus libros, lo didáctico de su serie Expert Guides (incluye una película para sexo anal, otra para sexo oral y otra para el punto G, etc.) Le han abierto el horizonte a mujeres (y hombres), sin darles clases de educación sexual aburridas y monótonas. Erika Lust hace algo similar, pero en un tono, digamos, más realista; de ella valdría la pena mencionar Barcelona Sex Project, sólo para abrir boca. Por su parte, Dana Dane explora los planos del porno lésbico y Petra Joy trata de consolidar lo que a partir de ella se ha llamado art core; y por ahí anda otra de las más celebradas, Anna Span (o Anna Arrowsmith), que de estelarizar algunas películas pasó a dirigirlas del lado más hard core de la industria (igual que las anteriores, enfocando el interés pornográfico hacia el erotismo femenino), y que en un arranque de activismo que escandalizó a muchos en el Reino Unido, se postuló el año pasado como candidata por el partido liberal para Gravesham, en Kent, y rebasó así la frontera que muchos hombres ni siquiera se atreven a imaginar: en lugar de proponer la libertad (la sexual incluida) comienzan a demandarla y exigirla. Así, desde temas completamente Confirmado ya que la triviales y que podrían habernos mujer ha estado desde el llevado a hablar de comedias románticas bobaliconas y muy poco comienzo en el cine, la combativas, pasando por dramas lista ahora podría caminar a lo Jane Campion que mucho de montada en nombres liberales y feministas sí tienen, es nuestro deber como cinéfilos que por sí mismos (y entender que sí, ellas se fijan en sin pretender siquiera otras cosas y sienten de manera descalificar a ninguna distinta. Por ello su cine, el que hacen para explorar y manifestar de ellas) nos harían sus inquietudes, no debe ser por volver al cliché. Desde necesidad contrario al masculino. Jane Campion En un mundo ideal los puntos de vista deberían ser complementarios, hasta Diablo Cody ya sea en las comedias a lo Diablo (dos polos opuestos, Cody (que está a punto de debutar Campion es mucho más como directora con una película que se va a llamar Lamb of God), o en las liberal que Cody) pasando propuestas más hard core del porno. por Claire Denis, El ser humano tiene dos ojos y uno Sofia Coppola, la de ellos registra en la cámara su poderosísima Kathryn lado femenino. M

Bigelow o la clásica Agniezska Holland, Mira Nair, Marina Goldovskaya; las mexicanas María Novaro, Marina Stavenhagen, Matilde Landeta, Marisa Sistach, han demostrado ya que en el cine se puede y se debe.

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DECULTO::ARTE

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TXT:: REGINA ZAMORANO.

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Vestidos de bisteces, pinturas con la entrepierna, cirugías plásticas, pero también lindos bordados y retratos, son algunos ejemplos del arte hecho por mujeres a lo largo de la historia. ¡Hombres, no dejen de leer! también hicieron pornografía y se retrataron desnudas. n este texto, no aprovecharemos para despotricar contra la sociedad patriarcal como feministas setenteras trasnochadas, pero sí describiremos brevemente la represión y las artimañas que ha padecido el arte femenino, todo sin perder su fuerza.

Mejor pagada que los hombres

Poco se sabe de las creaciones hechas por mujeres antes del Renacimiento, aunque en la antigua Grecia, ya había algunas féminas reconocidas por sus habilidades artísticas. Una de ellas fue Kora, a quien se le atribuye el primer bajo relieve de la historia, realizado en el siglo siete antes de Cristo. Su tema: el chico que le gustaba, quien era aprendiz en el taller de alfarería de su padre. Ya en tiempos romanos, Iaia fue pintora y grabadora en marfil. Nunca se casó, prefirió dedicar su vida al arte, y su talento era tan notorio que “sus honorarios sobrepasaban por mucho los de los pintores más aclamados de la época”, escribió Plinio El Viejo en su Historia Naturalis.

Monjas artistas

En el medioevo, hombres y mujeres por igual se dedicaban a iluminar y copiar los manuscritos en conventos y monasterios. También se bordaban y tejían tapetes que ilustraban batallas y otros acontecimientos históricos. Para las mujeres, enclaustrarse era la única forma de acceder a la educación y a la producción de arte, aunque fuera religioso. Irónicamente, convertirse en monjas las liberaba de los protocolos domésticos y sociales que las damas laicas debían cumplir. En el siglo XII, la abadesa alemana Hildegarda de Bingen fue una escritora, compositora e iluminadora de sus propios textos. Y por extraño que parezca, con todo y sus largos y pesados hábitos, en el siglo XIV la religiosa Teresa Díez se subía a los andamios para pintar frescos en varios monasterios españoles.

Superestrellas del Renacimiento

A partir del siglo XV, el arte se aburguesa y se concibe como una manifestación individual del genio… masculino, por supuesto. Para dedicarse a la pintura o la escultura, las mujeres debían provenir de una familia acomodada. De preferencia, con un padre o familiar artista que las ponía a limpiar pinceles y a moler pigmentos en su taller, y de paso les enseñaba la técnica. En el siglo XVI, algunas mujeres lograron hacer carreras brillantes, como Sofonisba Anguisciola, quien empezó a estudiar a los siete años y a los 24 ya era conocida en toda Italia. El rey Felipe II la llamó a la corte española, donde todos los nobles madrileños le encargaron sus retratos. Otras artistas importantes en este periodo, fueron Artemisia Gentileschi y Elisabetta Sirani, quien pintaba tan bien que le atribuían sus cuadros a su padre y él, muy listo, no lo negaba. Para demostrar su talento, Elisabetta tuvo que pintar en público. Visionaria, en 1652 abrió una escuela de pintura en Bolonia para las jóvenes que no descendían de artistas. En el siglo XVIII, por fin las mujeres son admitidas a cuenta gotas en las academias de las Bellas Artes. Sin embargo, no podían enseñar en

ellas, participar en concursos, ni asistir a las clases de dibujo de figura humana, pues los modelos eran hombres encuerados (de hecho, estos cursos les fueron vedados hasta el siglo XX). Dos de las artistas más notorias de la época fueron Angélica Kauffmann y Élisabeth Vigée-Lebrun.

Disfrazarse de hombre

En el siglo XIX, el retorno a las creencias religiosas de la sociedad victoriana vuelve a relegar a las mujeres a los roles de esposa y madre, guardianas del hogar y la moral. Aun así, algunas encontraron la forma de llevar los pantalones: la pintora francesa Rosa Bonheur, especialista en animales, se vestía de hombre para ir a dibujar a los mataderos o al campo. Poco a poco, las artes se abrieron a la presencia femenina, pero apenas se les permitió la entrada a las Academias de manera más generalizada, cuando surgieron las vanguardias y con ellas creció el machismo y el egocentrismo ligados a la figura del gran-artista-geniomaldito. Una vez más, las mujeres se vieron excluidas, con algunas excepciones, como las impresionistas Mary Cassatt y Berthe Morisot.

Salir del molde

En la década de los 30 del siglo XX, las artistas despuntan con mayor fuerza. Por ejemplo, Remedios Varo y Leonora Carrington destacan en el surrealismo; y en los años 50, las pintoras Lee Krasner y Elaine de Kooning —esposas de los artistas Jackson Pollock y Willem de Kooning, respectivamente— se unen al expresionismo abstracto. En las décadas de los 60 y 70, el feminismo irrumpe en el ámbito artístico y las mujeres emprenden una búsqueda más profunda de medios que les permitan expresarse sin tratar de imitar a los hombres. Muchas adoptan el happening para manifestar sus ideas. En sus performances, Gina Pane, Cosey Fanni Tutti y Marina Abramovic exponen sus cuerpos al dolor, a la industria de la pornografía (literalmente) o a la voluntad de los espectadores hasta quedar desnudas (también literalmente). O bien, lo utilizan como herramienta: en 1965, Shigeko Kubota se insertó un pincel en la entrepierna para su Vagina Painting, haciendo una versión femenina de la eyaculación pictórica de Pollock, mejor conocida como dripping o action painting. En 1971, Judy Chicago, una de las máximas exponentes del feminismo, fundó, junto con Miriam Schapiro, el Programa de Arte Feminista en el Instituto de Artes de California. El resultado fue una obra colectiva titulada Womanhouse, una casa entera intervenida por distintas artistas, donde la cocina estaba tapizada de senos, el baño, lleno de toallas sanitarias y tampones, y los clósets se transformaron en prisiones domésticas. En fin, una verdadera pesadilla para los caballeros.

Trozos de carne

Sin duda, el cuerpo es una constante en las obras de las mujeres, así, para Vanitas: Flesh Dress for Albino Anorexic (1987), la artista checa Jana Sterbak confeccionó un vestido hecho con 30 kilos de carne cruda para demostrar que lo visceral es inherente al cuerpo femenino. Según algunas teóricas, el feminismo murió en la década de los noventa, quizá por eso hoy en día el arte de las mujeres se centra más en experiencias personales, como las innumerables cirugías a las que se ha sometido Orlan para denunciar los canones de belleza (o para justificar sus liftings, no sé), la tienda de campaña de Tracey Emin, donde escribió el nombre de todos sus amantes, o los inquietantes y sensuales videos de Pipilotti Rist. Después de la represión de siglos, no es de extrañarse que gran parte de las obras de las mujeres sigan siendo escandalosas, contestatarias, escatológicas y sexuales. En 1989, el colectivo Guerrilla Girls hacía notar que menos de 5% de los artistas expuestos en el Museo Metropolitano (Met) de Nueva York eran mujeres, mientras que 85% de los desnudos exhibidos eran femeninos. Entonces, lanzaban una pregunta irónica que —aceptémoslo— sigue vigente: “¿Las mujeres deben desnudarse para entrar al Met?” M

M A R V I N R E C O M I E N D A

Más allá del country alternativo E

Wilco The Whole Love dBpm Records

s probable que se deba a factores de gusto generacional o a principios de apreciación musical, pero es un hecho que Wilco no es la banda del inmenso impacto mediático que debería ser. Aún así, hoy por hoy, sigue planteándose grandes retos: estructuras sinuosas de larga duración y desenlace, melodías que conducen fraseos breves, mucha especulación de sabiduría popular y un fino equilibrio entre la tradición y el ruido. Wilco es una banda llena de matices interesantes que todavía nos queda por descubrir y ponderar en su justa medida. ¿Alguien le teme a la idea de la madurez plena? No Jeff Tweedy –inspirador e instigador del grupo–, que en su adultez mantiene un espíritu jovial que le permite juguetear con teclados y dosificar la virulencia de sus canciones. Ya no es posible decir que se trate de una banda que haga Americana o country alternativo, eso sería apretarlos en un corsé que hace mucho les queda ya muy chico. Si nos limitáramos a ensalzar las virtudes de “Art of Almost” –el corte de apertura–, sin problema notaríamos la misma grandeza en pretensiones que Radiohead, igual afán experimental y dominio pleno de los instrumentos. Una intensidad que progresa y un crepitar propio de la lava volcánica. Aun con varios trabajos notabilísimos –como Yankee Hotel Foxtrot (2000)– Wilco puede exigirse al máximo y reponerse incluso de tropezones como el antecedente inmediato Wilco (The Album) (09) –al que le faltó fuerza e inspiración–. Todo lo contrario ocurre con esta entrega, la cual podría despertar suspicacia por su amoroso título, pero de la que Jeff precisa su verdadera naturaleza: "no comparto la idea de que la creatividad nazca del tormento. Mucho del gran arte ha sido creado a pesar de la miseria y no gracias a ella. No estoy feliz todo el tiempo, pero tampoco permanentemente sufriendo”. Wilco posee atributos de sobra para crear canciones memorables, lo mismo cuando coquetea con algo demandante que cuando ejecuta temas de baja y mediana velocidad de estirpe beatlesca, como “Sunloathe”. Con este disco, “I Might” y “Born Alone” se suman a un repertorio plagado de temas de excelencia. ¿Alguien puede incomodarse porque “One Sunday Morning (Song for Jane Smiley’s Boyfriend)” dure 12 minutos”? Aquí no hay espacio para diletantes: este es rock and roll de verdad. T X T : : Juan Carlos Hidalgo.

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

Clap Your HandS Say Yeah Hysterical Universal

La fórmula que durante el 2005 centró la atención de la crítica y el público en esta banda norteamericana –melodías emparentadas con la desenvoltura sonora de la guitarra, y letras permeadas por la explicación de diversas emociones–; en Hysterical pareciera que cada partícula de la banda se suprime hasta su último reducto. Hay momentos cargados de brillo y esplendor armónico, pero de igual manera pasajes prácticamente innecesarios y descoloridos. El álbum como totalidad parece planteado demasiado a la ligera, por lo cual sospechamos que algunos procedimientos están siendo reutilizados y no aportan demasiado a la musicalidad de CYHSY. Si el objetivo era conseguir un grupo de canciones que pudieran dejar su marca indeleble en la memoria, no me molestaría en aseverar que el álbum lo consigue con sus pistas más poderosas: “Misspent Youth” o “Ketamine And Ecstasy” demuestran que la banda posee un gusto formidable por la escritura de canciones casi espontáneas, pero tenaces. Canciones que sin lugar a dudas garantizan un buen rato para el escucha; pero que posiblemente no soporten un juicio sensato tras varias oídas. T X T : : Lui s A rce .

Dum Dum Girls Only in Dreams Sub Pop

DJ Shadow The Less You Know, The Better Verve

Tapes n’ Tapes The Loon

Aspiraciones melódicas similares, pero mucho más marcadas por sus influencias.

Wolf Parade At Mount Zoomer

Todo un logro. Aquí se habla un lenguaje similar al planteado por Hysterical, y sin embargo mucho más emocionante.

The Feelies Crazy Rhythms

Piensa en amplificar las intenciones de CYHSY –junto con varias bandas más –, y aún estará lejos. Altamente recomendable.

Es preciso comentar que el sonido de Dum Dum Girls todavía se encuentra en una etapa de formación; y aunque evidentemente Only in Dreams representa la constitución de un sonido propio; lo que realmente prevalece es la intención de formar un estatuto mucho más imaginativo, permeado por la sonoridad atmosférica de The Jesus and Mary Chain, o la potencia de bandas como Black Tambourine. Mientras ese fenómeno llega, las cuatro chicas ofrecen un álbum donde las armonías están mucho más cuidadas, y la participación del grupo en la composición y disposición de cada canción se torna palpable. Las condiciones exteriores que motivan las canciones le otorgan al grupo cierto grado de honestidad, lo cual aumenta la admiración por cada fragmento que han colocado en el álbum. No se trata en absoluto de un gran trabajo, pero al menos pueden escucharse algunos ecos bastante prometedores sobre el sonido que esta banda podría gestar en el futuro.

Tiger Trap Tiger Trap

T X T : : Lui s A rce .

For Ex-Lovers Only.

Prometedor desde el comienzo y sin muchos titubeos, The Less You Know, The Better recurre a la potencia singular de los drum-kits y sampleos tan característicos en la obra de Shadow, y que ahora buscan provocar al escucha. Lamentablemente, esta potencia se va diluyendo en la cadencia del propio álbum; que termina por alargarse demasiado, dejando un número considerable de zonas vacías entre las pistas; inclusive, podría afirmar que carece de la coherencia necesaria para reafirmar el ímpetu que venía caracterízando su carrera. Sin embargo, la falta de tales elementos no derrumban el álbum por completo, algunas pistas logran exaltar la calidad musical de la propuesta, así como la severa intención de probar que DJ Shadow continúa siendo un músico espléndido, capaz de formular canciones atrayentes, aún cuando éstas puedan carecer de cierta contundencia.

J-Rocc Some Cold Rock Stuf

T X T : : Lui s A rce .

Monumental y completamente actual. Bandas como Dum Dum Girls le certifican.

Shop Assistants Will Anything Happen

Gran parte de la propuesta de Dum Dum Girls ya está planteada aquí.

Black Tambourine Black Tambourine

La comparación es tan eficaz, que casi podríamos hablar de una especie de ‘Endtroducing…’ fabricado por Stones Throw Records.

Cut Chemist Live at Future Primitive Sound Session

Un pequeño clásico que permitirá entender el progreso metódico del turntablism.

Rjd2 Dead Ringer

Un estilo sereno y directo. Con la contundencia precisa para causar verdaderos sobresaltos.

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Joakim Nothing Gold Tigersushi

Joakim Bouaziz es el comandante de la Tigersushi, la disquera encargada de lanzar el material de actos como Poni Hoax o los chilenos Pánico. Con Nothing Gold, el francés viene a coronar una década bastante productiva: cuatro discos de estudio, más de diez EP’s y un mix para la Resident Advisor. En esta nueva producción, Joakim nos regala once cortes cuya línea central es el sonido del sintetizador, con el ya reconocido toque francés. Son canciones frescas y finas, pero con el detalle de que al escucharlas en una sola sesión pueden resultar tediosas y con pocos matices. Sin embargo, hay que puntualizar que existen canciones fuera del molde como “Labyrinth” y “Forever Young”. A los gustosos del género –como yo– les agradará poner este disco en una sesión de chamba, pero si no están familiarizados, hay mejores maneras de entrarle. TXT:: “El Jergas”.

Sigo a estos músicos bastante jóvenes desde hace un par de años, cuando sacaron su primer e increíble disco I Had The Blues But I Shook Them Loose, producido por Jim Abbiss, quien trabajó en el debut de Arctic Monkeys, además de Kasabian, Editors y Ladytron. En esa primera entrega, los ingleses nos entregaron piezas que combinan el shoegaze con el pop británico, creando canciones melancólicas que provocan bailar. Después, un año más tarde, experimentarían con un disco totalmente acústico titulado Flaws, que según mi juicio no aportó ni quitó nada. Sin embargo, para este año, el Bombay Bicycle Club regresa a mis audífonos con su tercer placa, A Different Kind Of Fix. Un álbum sumamente lindo, bien producido y sobre todo, bastante creativo. No puede faltar en la biblioteca de un gustoso de The Stones Roses o U2.

Bombay Bicycle Club

T X T : : “El Jergas”.

Screamadelica Live Eagle Rock

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Vito De Luca detrás de uno de los proyectos que me volvieron loco el año pasado.

Poni Hoax Images of Sigrid

Este disco salió allá por el 2008, pasó sin alterar el radar de la blogosfera. Aún así lo recomiendo mucho.

Orchestral Manoeuvres In the Dark Architecture & Morality

A mi parecer, el mayor que ha dado Andy McCluskey y compañía. Seguro cuando lean esto, estarán tocando en Corona Capital.

Bombay Bicycle Club I Had The Blues But I Shook Them Loose Éntrenle por aquí. Bienvenidos.

Foals Total Life Forever

Esta banda de Oxford se reinventó con este disco.

The Maccabees Wall Of Arms

Segundo disco de estudio del quinteto de rock meloso.

A Different Kind Of Fix Island

Primal Scream

Aeroplane We Can’t Fly

20 años han pasado desde que Primal Scream lanzó uno de los discos más emblemáticos del rock británico: el Screamadelica. Gracias a la producción de DJ Andrew Weatherall, la banda se deshizo de esa imagen rock indie mediocre, logrando catapultarse a las listas de popularidad como quienes le darían el último empujón a la generación E, es decir, chicos y chicas que preferían al éxtasis sobre la marihuana, y que gustosos acudían a los clubes nocturnos en busca de diversión y esparcimiento. “Loaded2" es un tema que retrata este modus vivendi al citar una frase de la película The Wild Angels: “we wanna get loaded”. Primal Scream visitó la Ciudad de México, como parte de su gira para celebrar este disco tan indispensable en la historia musical de la electrónica y el rock bailable, y de paso promovió este CD/DVD en vivo, grabado a finales del año pasado en el Olympia de Londres. T X T : : “El Jergas”.

The Orb U.F. Orb KORTEDALA

Segundo disco de estudio de este dúo inglés de electrónica. Contiene el increíble sencillo “Blue Room”.

The Stone Roses The Stone Roses

Debut de uno de los grupos que iniciaron la movida del Madchester.

My Bloody Valentine Loveless

En 1991, Bobby Gillespie, vocalista de Primal Scream, graba como baterista el mejor disco que ha dado el shoegaze.

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Thundercat The Golden Age of Apocalypse Brainfeeder

Lil Wayne Tha Carter IV Universal Motwon/Cash Money

Los primeros avisos de que Thundercat venía con algo muy bueno, fue cuando ayudó a su compadre Flying Lotus en una canción del Cosmogramma. En esa ocasión, Stephen Bruner –su verdadero nombre– prestó las vocales y ayudó con la producción. La historia de Bruner es la de un verdadero genio: a temprana edad practicaba con su bajo la melodía de las Tortugas Ninja, a los 15 tenía ya un éxito en Alemania con su banda No Curfew, un año después salió de tour con Leon Ware a Japón, y se unió a una banda de trash metal. Ecléctico y un verdadero apasionado de la música, Thundercat va mucho por la onda del álbum antes citado –editado por Brainfeeder y co-producido por el mismo Flying Lotus–, en el que les espera una buena dosis de electrónica abstracta, perfecta para viajar al cerrar los ojos. Nominado para mis discos favoritos de este año, no se lo pierdan por nada. T X T : : “El Jergas”.

Wayne no es el mejor rapero vivo –tal y como él clama–, pero es un hábil letrista y ha construido un pequeño imperio con sus propias manos. Tha Carter IV es su primer álbum formal en casi tres años, después de un tiempo en prisión y varias mixtapes fallidas tenemos el más reciente y débil intento de Wayne por mantenerse en la cima y para demostrar que nadie puede rimar acerca de bitches, cash y weed como él. El problema es que a estas alturas, el personaje y sus ideas se sienten gastados y redundantes, ya que el Sr. Carter no pone a prueba sus límites, en “She will” nos dice: “I’ve been in the top for a while but haven’t jumped yet”. Una vez más la lista de invitados se repite, corroborando el elitismo del hip-hop y lo poco que estos músicos están dispuestos a arriesgar. Por si fuera poco, está la presencia desperdiciada de grandes personalidades como Andre 3000 y NAS en un “Interlude” y en “Outro” respectivamente. En Tha Carter IV sólo hay un par de temas que se quedan en la cabeza ( “She Will” y “President Carter”), y un desastroso intento de Wayne por hacerse el romántico en “How to Love”.

Flying Lotus Cosmogramma

Cuate de Thundercat, muy recomendable entrarle por aquí.

Autechre Incunabula

Primer disco de estos maestrazos del IDM.

Ghospoet

Penaut Butter Blues & Melancholy Jam Disco nominado al Mercury Prize en 2011. Rimas y beats.

T.I. No Mercy

El “triunfal” regreso de Tip, un disco hecho deprisa con las sobras del inédito King Uncaged.

Eminem Recovery

El último intento del Sr. Mathers por mantenerse en la cima.

Drake Thank me Later

Ni una buena producción, ni invitados de lujo, te ayudan cuando tienes poco que decir.

T X T : : Jesús Serrano.

St. Vincent Strange Mercy

4AD

Sabemos que hablar de la “evolución del artista” suena sangrón y pedante, pero en el caso de Annie Clark es un hecho. Sí, efectivamente, en Strange Mercy hay retazos de Tori Amos, Fionna Apple y por supuesto de PJ Harvey, sin embargo, tenemos el material con mayor autoría de St. Vincent a la fecha. Clark ha pulido sus habilidades como guitarrista y ahora nos sorprende con un arsenal de sonidos que poco le piden a The Edge, Kevin Shields o Billy Corgan. La producción corrió a cargo de John Congleton (Explosions in the Sky, The Appleseed Cast, The Polyphonic Spree), y consta de arreglos discretos (dando el protagonismo necesario a la cuerdas de Clark) y vocales perfectamente grabadas que logran un equilibrio entre temas eufóricos y melancólicos. Strange Mercy fluye correctamente y los temas están bien articulados, de hecho, aunque deja un gran sabor de boca, concluye cuando menos lo esperas.

Tori Amos American Doll Pose

T X T : : Jesús Serrano.

Poco valorado. El disco más conciso y mejor producido de Natasha Kahn.

Modesto pero conceptual, temas interpretados por los alter egos de esta pelirroja.

PJ Harvey Is This Desire?

Un clásico dentro del catálogo de Polly Jean.

gran

Bat For Lashes Two Suns

R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

Jaramar Fiestas privadas Discos Intolerancia

Cuando una cantante practica un arte que pareciera emerger de tiempos inmemoriales, no es fácil que las audiencias ávidas de lo nuevo entreguen su interés y devoción. La propuesta de Jaramar mezcla folklore, el jazz y algunos otros géneros, siempre llevados por su peculiar registro vocal y estilo interpretativo. Puede entenderse que para muchos se trate de un producto “artsy”, de música para gente culta; sin embargo, las masas suelen quedarse en lo superficial. Cuando se trata de una carrera longeva existe el peligro de repetir las fórmulas y los hallazgos. Es por ello que su onceavo disco es todo un reto, en que se exige como compositora y arreglista a totalidad, trata de que su grupo de apoyo se reinvente y a fin de cuentas el sonido tome rumbos distintos. Sobre el resultado influye una producción más libre a cargo de Gerry Rosado. Las fronteras entre géneros se han difuminado, hay mayor apertura entre la gente; quien se dé una oportunidad con “Lirios en tu piel” saldrá recompensado. Es la Jaramar de siempre, pero ya no es igual. T X T : : Juan Carlos Hidalgo.

Los Músicos de José Different Sounds Fonarte Latino

No cabe duda que la apuesta más fuerte de este álbum es la creación colectiva. A pesar de que no son composiciones nuevas –ya que integra temas de sus dos primeros álbumes–, posee dos virtudes poderosas: un acertado ejercicio de experimentación sonora, con remezclas de músicos invitados que sorprenden en cada track, y el recurso novedoso de la voz que aterriza en los terrenos del hip-hop, género nunca antes explorado por la banda. Después de tres años de esperar su nuevo material, lanzan este combo de remixes y fusiones inesperadas con el sello intrínseco de LMDJ, pero con la brújula apuntando hacia un especie de laboratorio musical en donde el beat hiphopero, funkero y electrónico, están a flote todo el tiempo. Sin duda es un disco propositivo e inteligente, una aventura sonora que contiene integración y originalidad; es ahí donde hay que fijar la mirada, aunque nos queda muy claro que queremos escuchar temas nuevos del cuarteto, al grito de ya. T X T : : Nancy Zamora.

Una banda texana liderada por un vocalista mexicano, Alan Plomo, que busca mantenerse en el gusto de sus seguidores con Era Extraña; tercer álbum de estudio de Neon Indian. El disco combina efectos sintetizados al estilo chillwave, muy distintos de la música electrónica común. Bajo el lema de transformar la música para avanzar al siguiente sonido, Neon Indian descarta utilizar la computadora de manera convencional, y en su lugar apuesta por un revoltijo de estilos, como ciertos elementos electrónicos emparentados con Depeche Mode, pasando por el oscurantismo de Joy Division y la incorporación de recursos sicodélicos. El grupo puede presumir que este año colaboró con The Flaming Lips en un disco conjunto, donde ambos demuestran sus alcances musicales ilimitados.

Neon Indian Era extraña Arts & Crafts México

T X T : : David Rodríguez.

Fleet Foxes Helplessness Blues

Oxígeno puro para el folk, que se enfrenta sin temor al futuro. Percibo una ambición parecida.

Jaramar Ruta de viaje hacia un diluvio Documental en que aborda sus 17 años de trayectoria.

Ólöf Arnalds Innundir Skinni

Una cantante islandesa que con gran fortuna ha logrado congraciar tradiciones y escenas divergentes.

Dapuntobeat Off the Record

Otro disco donde nunca falta la fusión, la cadencia del rock y la electrónica con el uso de sintetizadores, de secuencias y el scratch.

Play & Movil Project Rico suave

Divertido, fresco y bailable, el dueto de bateristas decide dejar las percusiones para explorar con sonidos más electrónicos.

Sánchez Dub & The Candy Corp Apocalyptic Girl Boy

Sonido influenciado por el funk, el dub y la electrónica, con toques notoriamente orgánicos y atmosféricos.

The Flaming Lips The Flaming Lips and Stardeath and White Dwarfs with Henry Rollins and Peaches Doing The Dark Side of the Moon

La incorporación del pop electrónico caracteriza tanto a Neon Indian como a los Flaming.

Miami Horror Illumination

Con un ingrediente de discohouse, Neon Indian mezcla efectos sintetizados y pizcas de rock psicodélico, al igual que la banda australiana.

Phantogram Eyelid Movies

Rock electrónico al puro estilo neoyorquino, que también incorpora efectos vocales para resaltar sus pistas.

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

Apparat The Devil’s Walk Mute Recordings

Cuatro años han pasado ya desde Walls (07) el último trabajo en solitario del alemán Sascha Ring. Mientras parrandeó con Moderat, proyecto con los también germanos Modeselektor, lanzó su DJKicks y deconstruyó canciones propias y ajenas. Para grabar sus nuevas ideas sólo existía una barrera: el maldito invierno en Berlín. Así, el viaje apuntó hacia las costas de Nayarit, donde se adentró en la atmósfera mágica de Sayulita, y el clima influyó drásticamente en los sonidos que empapan The Devil’s Walk. El disco abre con “Sweet Unrest”, con coros femeninos, xilófonos y pianos sostenidos que anuncian la llegada al paraíso con un amanecer rojo. Ahí es cuando Sascha usa su voz y trata de desaparecer en “Song of Los”. El recorrido satánico cierra con “Ash Black Veil”; donde confluye Radiohead y Sigur Rós. El disco es glorioso, fino, elegante, maduro y sorpresivo; juega con las emociones del escucha a placer y nos deja con los oídos sangrando. Si así es el camino del demonio, estoy listo para comprar mi pasaje sin retorno al infierno.

Moderat Moderat

Un licuado bien lisérgico de estilos, recursos y pasiones; un viajesote con sus buenos amigos.

Telefon Tel Aviv Immolate Yourself

Saben cómo hacer elusiva a la electrónica, estirarla… darle formas raras pero atrayentes.

Ellen Allien & Apparat Orchestra of Bubbles

Cuando dos genios de la electrónica deciden explorar sobre la ruta de la belleza.

TXT:: Jaime Acosta (Aka Skoz).

Kasabian Velociraptor Sony Music

Tras un debut poderoso no debe ser fácil asumir que tus discos vayan en declive. Para su cuarto LP, estos ingleses han decidido retomar esa energía desparramada de sus inicios y elaborar el rock hooligan que tan bien les sale y al que deben su prestigio, aunque tengan que ser lo suficientemente cínicos como proclaman en “Days Are Forgotten”: “Llámame cliché, ¡cuánta razón tienes! Yo podría ser un cliché del rock and roll, pero me enorgullezco de ello". Y entonces se apegan a esos coros de tribuna futbolera (“Days Are Forgotten” –por mucho, lo mejor– y “Let’s Rock Just Like We Used”), a pasajes melódicos tan arrogantemente british (“La Fée Verte” y “Velociraptor”) y a sus despuntes electrónicos que suman potencia y actualidad. Declararon incluso buscar un sonido inspirado en Dark Side Of The Moon; buena decisión, pero no fue para tanto el resultado. Al menos “Acid Turkish Bath (Shelter from the Storm)” auguraba mayores alturas. Seguro que sus fans quedarán complacidos; Dan The Automator hizo lo suyo en producción, pero no los hará trepar a lo alto de los festivales ni de los recuentos anuales. Cumplidor y ponchado, pero no más que eso. T X T : : J U A N C A R L O S H I D A LG O .

Torreblanca Bella Época Arts & Crafts México

Con evidente nostalgia por esas bellas épocas en que los grupos sí sabían tocar (o quizá se refiera a cuando no había tanta violencia), Torreblanca presenta su disco debut producido por Quique Rangel de Café Tacvba, en el que rock, balada, jazz y mucho pop se topan de frente, comandados por un piano y acordeón en un combo que no es fácil de clasificar, pero que lo revelan como una especie de ¿Elton John? a la mexicana, gracias a la conexión tan exacta entre letras muy (muy) personales, música y arreglos. Desde el sencillo “Lobo” o temas como “Dejé ser yo” y “Barbazul” con sus vocalizaciones happy-obsesivas, se nota que el melodrama es lo suyo y que no le gusta el pop fácil, sino las melodías elaboradas. Un disco impecablemente producido con letras de amor poco comunes, pero que en un descuido podrían sonar a Tiziano Ferro. Pop para días soleados, en el que podemos encontrar hasta algo de swing y pianos a la Billy Joel –como en “Roma”–, ideal para un picnic con arcoiris de fondo.

Kasabian iTunes Festival

Uno de los mejores de la serie; aquí se percibe el poder de su directo (con todo y mención a Amy Winehouse).

Primal Scream XTRMNTR

Los de Bobby Gillespie son el paradigma fundamental para los Kasabian; lecciones supremas de rabia y elegancia.

Kaiser Chiefs

The Future is Medieval Otro escuadrón que sueña con el rock de estadio y para ello recurre a la seducción de masas con un sonido algo forzado.

Mika Life in Cartoon Motion

Desde Abba, nunca había escuchado algo tan alegre y debo confesar que a veces me da asco. Punks, absténganse.

Andrea Balency Trío Mizraïm EP

Pura belleza y canciones tan dulces como un algodón de azúcar. Punks, absténganse.

Natalia Lafourcade Hu, Hu, Hu Punks, absténganse.

T X T : : Alejandro Mancilla.

R E S E Ñ A C I N E

Citizen Kane

Edición de 70 aniversario Director: Orson Welles Reparto: Orson Welles, Joseph Cotton, Everett Sloane, George Coulouris Dorothy Commingore, Ray Collins Dirección artística: Van Nest Polglase Música: Bernard Herrmann Género: drama País: EU Con sólo 26 años de edad, Orson Welles dirigió y protagonizó Citizen Kane, demostrando que por su sangre corría la necesidad de aproximarnos a las grandes producciones. Considerada como una obra maestra del cine, a 75 años de distancia, esta cinta sigue convirtiéndose en favorita para las jóvenes generaciones de cinéfilos. Además de una gran atención al detalle, Citizen Kane cuenta con magníficas actuaciones, especialmente la de Welles, que interpreta a Charles Foster Kane, un magnate del periódico que fue aislado de su madre cuando era niño, pero cuya megalomanía lo convirtió en un tipo inmensamente millonario. Condicionado por el trauma que implicó la separación de su madre, cada movimiento de Kane se traduce en algo de grandes repercusiones, obviamente negativas y autodestructivas. El sueño americano es retratado aquí como una entelequia moribunda, con todos sus vicios y acentos enmarcados. Poder, vanidad, corrupción, son adjetivos que terminan por asfixiar ese sueño capitalista en el misterio de la última palabra de un hombre agonizante: “Rosebud”. Para esta edición especial de 70 aniversario, Warner Bros. hizo un transfer digital para revitalizar el audio, de manera que se alcanzó una gran calidad en los elementos sonoros. Además, todas las innovaciones visuales enfatizan la narrativa épica de un filme, que forma parte y que cambió la manera de entender la cultura cinematográfica a nivel internacional.

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Leer, escribir Bárbara Jacobs Ed. UANL

Viaje de invierno Amélie nothomb Anagrama

El mapa y el territorio Michel Houellebecq Ed. Anagrama

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Esta nueva publicación de una intensa animadora de la escena cultural mexicana, nos confirma una noción fundamental a propósito de la naturaleza de la literatura: es un arte entreverado completamente con el tiempo y la memoria. Sin ellos, serían impensables los actos de leer –primero– y luego escribir. A lo largo de todo el libro, Bárbara nos hace un regalo espléndido; nos permite conocer la intimidad que guarda con sus lecturas favoritas, con los autores que la han marcado y –por sorprendente que parezca–, le encariñaron con la lectura luego de vencer la renuencia infantil, para crear una cercanía emocionante con los clásicos, a los que podía leer en distintos idiomas gracias a su formación multicultural. A fin de cuentas, un escritor es una proyección de su propia biblioteca; son los libros que ha leído los que lo constituyen: “así como no hay dos bibliotecas personales iguales, no hay dos escritores que se hubieran formado con los mismos libros (…) cada escritor da a sus lectores sus propias lecturas asimiladas, amalgamadas, concentradas, elaboradas, trasformadas”. T X T : : Juan Carlos Hidalgo.

Esta escritora es misteriosa y algo extraña en sí misma, pero trabaja muchísimo; su ritmo de publicación implica editar algo cada año –si no es que dos libros–. Ya casi llega a la veintena de títulos que revuelven metafísica y pragmatismo. En esta ocasión decide regresar a París para contar la atípica historia de un filólogo venido a menos –Zoilo– que al arreglar la falta de calefacción en un miserable departamento termina enamorado de la hermosa cuidadora –Astrolababio–, de una novelista que padece una variante especial del autismo –Alienor–. La relación entre esos tres excéntricos seres transcurre entre un torcido romance, una escritora que apenas balbucea y una intensa experiencia psicodélica con LSD. Como trasfondo aparece la escritura como pretexto, por ejemplo la escritura de Zoilo, quien decide canalizar el desamor convirtiéndose en un terrorista –aeronáutico y sentimental–. Hay novelas que no pecan de grandilocuencia y ambición, que en su aparente sencillez se convierten en entrañables y pequeñas obras maestras. Nunca mejor aplicado el “menos es más”. T X T : : J U A N C A R L O S H I D A LG O .

Parece indigno de una cultura como la francesa, críticar esta novela porque el autor recurrió a la Wikipedia con cierta impunidad. ¿Acaso esos textos no son redactados por autores anónimos? ¿No están destinados al uso público? Además, no tienen tanto peso en el resultado final. Como sea, Houellebecq se alimenta del escándalo y no por ello su prosa pierde densidad y peso específico –todo lo contrario–. La novela incursiona en las entrañas del mundo del arte a través de Jed Martin, un artista que primero retrata herramientas, luego amplía notablemente mapas Michelin, hasta hacerse famoso con pinturas en que aparecen Steve Jobs y Bill Gates jugando ajedrez, o Jeff Koons repartiéndose el mundo del arte con Damien Hirst. Pero también hay una especulación sobre la frialdad de las relaciones personales en la Francia de hoy. Las relaciones filiales parecen sacadas de un congelador y no hay oportunidad casi para la amistad o la simple convivencia colectiva. Para cerrar la trampa, el autor se desdobla en su propio personaje y narra su propio asesinato bizarro. Este escritor sigue siendo ofreciendo retos, exige e increpa al lector. Uno de los grandes, pese a quien le pese. T X T : : J U A N C A R L O S H I D A LG O .

La vida, instrucciones de uso George Perec

El título de Jacobs es un homenaje al delirante genio francés que intentó compilar la existencia en su totalidad.

Las hojas muertas Bárbara Jacobs

Original de 1987 y reeditada ahora en un gran tiraje es la novela que le dio un sitio en las letras nacionales.

El amor de mi vida Rosa Montero

“Los libros pueden ser talismanes que convierten al lector en un ser invencible”, dice la española que aquí nos confiesa su relación con ellos.

perras sabias virginie despentes

Otra escritora francófona de renombre; sólo que esta menos enigmática y más furiosa.

la ciencia del sueño michael gondry

París como el escenario perfecto para que ocurran sucesos extraordinarios. Película y novela se lo proponen.

estupor y temblores amélie nothomb

En clave autobiográfica, la novela que la puso en el mapa internacional. Desde Japón, un manual de cómo ser occidental y mujer… y sobrevivir.

las partículas elementales michael houellebecq

El reciente ganador del Premio Goncourt debe buena parte de su notoriedad a esta magnífica novela que irritó la sensibilidad gala.

13.99 euros Frédéric Beigbeder

Este escritor es presentado en el libro como uno de los escasos amigos de Houellebecq; con esta novela arrastró al mundo de la publicidad.

El mundo como supermercado Michel Houellebecq

Redactando textos periodísticos, igualmente suele avivar la hoguera de las vanidades y provocar los grandes fuegos de la polémica.

R E S E Ñ A S G A M E R T X T: : C A R LO S G U T I É R R E Z .

Rage Calificación: Distribuidor: Bethesda Softworks Consola: PlayStation 3, Xbox 360 y PC Género: acción en primera persona Jugadores: 6 Versus, 2 Co-op Clasificación: M (mayores de 18 años) Fecha de salida: octubre 2011 Si hay un estudio que se ha ganado el corazón y las mentes de millones de videojugadores alrededor del mundo, es ID Software. Ellos son las mentes detrás de clásicos como Wolfenstein 3D, Doom y Quake. Su última encarnación se llama Rage y promete establecer nuevos estándares en experiencia de juego, gráficos y acción infinita. Rage pertenece al género de los juegos de acción en primera persona y se desarrolla en un futuro cercano, en el que la Tierra ha sido impactada por un asteroide, dejando un mundo devastado y salvaje. La humanidad está buscando la forma de reconstruir al planeta, y los desolados parajes están llenos de bandas, mutantes y un gobierno opresivo llamado –acertadamente– Authority, que ha fijado sus ojos en tu personaje. El mundo de Rage es impresionante, ID está usando su más reciente motor gráfico llamado Id Tech 5, que logra recrear mundos llenos de color y detalle. Los personajes lucen animaciones elaboradas y la acción es frenética de principio a fin. Además, el modo cooperativo de dos jugadores le añade estrategia y diversión al poder compartir con un amigo la conquista del planeta. Finalmente, los mundos son abiertos y se pueden utilizar vehículos para armar batallas de alto poder. Rage es bueno, muy bueno. Si te gustan los juegos de acción, no dejes pasar este título que sabemos se convertirá en un clásico, tal como sus predecesores dentro de este veterano estudio de programación.

Battlefield 3 Calificación: Distribuidor: Electronic Arts Consola: PlayStation 3, Xbox 360 y PC Género: acción en primera persona Jugadores: 24 versus Clasificación: M (mayores de 18 años) Fecha de salida: octubre 2011 La serie de Battlefield se ha convertido en un clásico de los juegos de acción, y ahora llega el tercer episodio que promete horas de emoción en línea, en parte gracias a su poderoso motor gráfico llamado Frostbite 2. A lo largo del juego podrás ser testigo de la enorme escala de los combates, las animaciones híper realistas de los personajes, la destrucción masiva que se puede obtener; todo envuelto en un audio impresionante que te sumerge en medio de la guerra. Los jugadores se pondrán los trajes de los U.S. Marines en campañas de un jugador y multijugador, en escenarios tan variados como Europa, América del Norte y Medio Oriente. Queda claro que DICE, sus desarrolladores, no escatimaron en ambición, al recrear el que parece ser el título más ambicioso de acción basado en combates casi reales. Es una gran adición a la colección de los fanáticos de los juegos de acción, con especial énfasis en el componente en línea.

RR EE SS EE ÑÑ AA SS LMI ÚN SK ISC A 3 X 1 T X T : : " E L J E R GA S ".

We Are Hunted

Copy Ranter

Italo Deviance

Idioma: inglés/español Link: http://wearehunted.mx

Idioma: inglés Link: http://copyranter.blogspot.com

Idioma: inglés Link: http://space-boogie.blogspot.com

Plataforma para escuchar música, seleccionar las canciones que más te gusten y crear listas de reproducción para que los demás usuarios voten por ti. Cuenta con una interfaz bastante fresca y amable. Obra de una mente mexicana.

Bitácora escrita desde Nueva York, por un publicista que lleva en el negocio más de 18 años. Es actualizada con regularidad con lo último en anuncios.

Marcelo Giordani reúne en este blog joyas del italo-disco. Podrán encontrar algunas recomendaciones para mover el esqueleto y poder armar una fiesta con temática ochentera.

Byturen

Black Tights

Bayo

Idioma: inglés Link: http://www.byturen.com

Idioma: inglés Link: http://blktights.tumblr.com

Idioma: inglés/español Link: http://artwork.bayo.me

Video interactivo creado para una línea de autobuses con el objetivo de concientizar a los jóvenes sobre el consumo en exceso de alcohol. Cuando se haya cargado, comienza a mover tu mouse.

Caballeros, aquí podrán disfrutar de su afición a los mallones negros, y es que son tan lindos.

Eduardo Flores, alias Bayo, es un artista mexicano residiendo en los Estados Unidos. Sus ilustraciones y pinturas reflejan la individualidad del ser a través de trazos oscuros y sólidos. Chequen todo su portafolio.

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ELPILÓN:: Llegué a México porque me casé con un mexicano en Chile durante Allende. Cuando cayó el gobierno nos venimos a México. Al separarnos decidí quedarme para mantener a mis hijos cerca de su papá, además de que tenía una carrera incipiente y me sentía arraigada. Siempre me ha gustado este país, tanto por sus riquezas culturales y culinarias, como por su naturaleza caótica. Empecé a aprender grabado en Chile, cuando vi que la poesía en inglés no me servía para comunicarme en América Latina. Así retomé mi actividad favorita de la infancia: dibujar. Una vez una reportera me preguntó si mi obra pudo haber sido hecha por un hombre. Contesté: “claro que no, pero tampoco por otra mujer”. Mi obra involucra una conciencia feminista, pero lo que expresa va más allá que una posición panfletaria, es más compleja. Es importante que una mujer hable de mujeres, si para ella es importante. No como regla impuesta a las artistas. Pero si eres mujer y haces arte, es natural que esta condición de género se refleje en tu arte de alguna forma, porque es parte de quién eres. Las artistas más exitosas casi siempre están relacionadas con artistas hombres de mucho éxito: vean Frida Kahlo y María Izquierdo. Y tradicionalmente para los hombres ha sido una gran ayuda contar con una pareja que se encargue de sus asuntos comerciales, como hizo Olga Tamayo. Hoy en día, las redes sociales que forman los artistas se han vuelto más importantes que antes para garantizar su éxito. Conocí a Roberto Bolaño cuando él vivía en México. Fuimos muy buenos amigos y seguimos en contacto toda su vida, con lapsos grandes provocados por mi ineficacia en contestar cartas. Roberto y yo no trabajamos juntos exactamente, pero hice la portada de su primer libro publicado, La pista de hielo, y por él estuve involucrada en los principios del grupo infrarrealista.

Mujeres, fuego y objetos peligrosos. Nacionalidad: estadounidense. Intereses: gr‡fica, dibujo, arte objeto, instalaci—n, libros de artista. Exposici—n m‡s reciente: participaci—n en la muestra colectiva Estrella distante, escritos de Roberto Bola–o. Galer’a Kurimanzutto y Regen Projects.

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El mundo es mucho más justo para las mujeres que hace 50 años. Hay un sinfín de prejuicios con los cuales crecí que ya no pesan como antes. México tiene la desgracia de tener muchas mujeres vulneradas por su situación social desventajosa y un machismo rampante, pero a la vez tiene muchos campeones – campeonas más que nada–, de los derechos de las mujeres con mucha visibilidad pública, que a lo largo hace una diferencia. M