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143 PORNO :: TRAINSPOTTING

» PORNO

MÚSICA / CINE / ARTE

Trainspotting

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20 años de distancia entre las jeringas y el cine de adultos

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YouPorn

John Currin

Virgin Records

Escocia

Porn Hub

Domino

Danny Boyle

Tijuana Bibles

Pasolini

Shura

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LGBTTTI

The Pastels

influencias x 15 años The Avalanches

del mes SE DICE QUE EL CONTEXTO TE DEFINE, todo lo que pensamos, hacemos y sentimos es producto de lo que nos rodea (la originalidad, por ende, siempre será un tópico cuestionable). El universo Marvin, que involucra revista, web y festival, tiene un solo eje: difundir lo que nos gusta y contagiarte de ese gusto, ya sea en la música, el cine, la pintura, la literatura, etc. Cumplimos 15 años difundiendo la creatividad, no ha sido fácil, pero son esos nombres, creaciones, movimientos u objetos que nos recuerdan por qué hacemos todo esto. A ellos, les rendimos tributo.

The Queen is Dead

A Moon Shaped Pool

DIRECTORIO PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com EDITOR UILI DAMAGE uili@revistamarvin.com COORDINADOR EDITORIAL PABLO PULIDO pablo@revistamarvin.com DIRECTOR DE ARTE HÉCTOR MONTES DE OCA hector@serif.com.mx DISEÑO GRÁFICO ADRIANA GALLARDO adriana@revistamarvin.com RESPONSABLE DIGITAL ORQUÍDEA VÁZQUEZ orquidea@revistamarvin.com REDACTOR WEB JOSÉ IGNACIO GÓMEZ ignacio@revistamarvin.com REDACTORA WEB ANDREA SOLÍS andrea@revistamarvin.com REDACTOR WEB DANIEL ARCIA daniel@revistamarvin.com DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Jaime Acosta, Luis Fernando Alcántar, Gian Carlo Araiza, Amaro Bautista, Lenin Calderón, Ricardo Cartas, Aarón Enríquez, Arturo J. Flores, Feli Gutiérres, Juan Carlos Hidalgo, Vicente Jáuregui, Alejandro Mancilla, Romina Pons, Toño Quintanar, Óscar Villanueva y Regina Zamorano Licea.

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo J. Flores, Alejandro González Castillo, Jorge Grajales, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla.

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA RICARDO CARTAS FIGUEROA ricardocartas@revistamarvin.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@revistamarvin.com PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com TORREÓN FERNANDO FERNÁNDEZ hanzeldice@gmail.com IMPRENTA FOLI DE MÉXICO, S.A. DE C.V. Negra Modelo 4, Colonia Cervecería Modelo, Estado de México, D.F. C.P. 53330.

Teléfono 9159 2200.

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EJECUTIVO DE VENTAS FERNANDO JUÁREZ fernando@revistamarvin.com ALIANZAS Y OPERACIÓN MONTSERRAT ASCANIO VARGAS montserrat@revistamarvin.com FOTÓGRAFO FELI GUTIÉRRES feli@revistamarvin.com EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@revistamarvin.com AUXILIAR ADMINISTRATIVO JESSICA FRAGOSO jessica@revistamarvin.com DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS

Ilustración de portada: César Moreno

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WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA ernesto@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com

MARVIN

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 143correspondiente a: JULIO-AGOSTO 2016. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores.

Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2016-011911392500-102. MARVIN es una Marca Registrada.

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Contenido

En portada 40 TRAINSPOTTING

Música

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PORNO

JULIO-AGOSTO 2016

Festivales De Fondo

Cine

Arte

Cómic

Literatura

Columnas Stand-Up Recomendaciones

10 EN MEGÁFONO. Perfiles y noticias de música, cine y arte 22 INDUSTRIA: El Imperial. 8º aniversario 24 ATLAS SONORO: Ámsterdam. La capital del sexo y del rock de los Países Bajos 26 MARÍA USBECK. Por favor, que el pop retumbe en todas las naciones 28 RADIOHEAD. Amar duele 30 JAMES BLAKE. Exorcismo en loop eterno 32 DE AT THE DRIVE IN A ANTEMASQUE. La amistad como motor y fuente creativa 34 MATEO KINGMAN. Música futurista desde el corazón del Amazonas ecuatoriano 36 ESPERANZA ESPALDING. Un revolcón evolucionado para el jazz 54 DE CULTO: Pablo Carbonell. “Al poder no le gusta el sentido del humor” 38 PRIMAVERA SOUND 2016. Yo fui y creo que sigo ahí.

50 FUCK FOR FOREST. De activismo, ecología, pornografía y liberación sexual 52 POST PORNO. Coger sí, pero con ideología 54 ULTRAJADA EN EL BUS. ¿El porno que nos merecemos?

64 PLAYME BURLESQUE. El hombre en picada 66 TANGERINE. Cuando el amor te parte la madre 60 DE CULTO: Paul Morrissey. El evangelio del placer 64 ARTE DEL MES. 52 DE CULTO: John Currin.

72 PORNO Y VIÑETAS. Las mujeres también disfrutan el sexo 74 CÓMIC DEL MES: Víctor Amezcua 70 SATÁN RECHAZÓ MI NOMBRE DE JUAN CARLOS HIDALGO 76 OFF THE RECORD: Hoteles de Tlalpan presenta. Por Arturo J. Flores 20 MACARIO BRUJO. En el stand-up, como en el rock, no hay paz 78 ESTILO 79 TECNOLOGÍA 80 EL PILÓN: La chica que trabajaba viendo porno

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Editorial

Vamos por partes. La película dirigida por Danny Boyle, Trainspotting, está cumpliendo veinte años. El libro de donde salió, lo escribió Irvine Welsh, tres años antes. De Trainspotting, Welsh se trajo algunos personajes a otros libros: cameos en Acid House, Marabou Stork Nightmares, apariciones más importantes en Cola, y como protagonistas de nuevo en Porn.

Freno.

Nos gusta Trainspotting (cinta de la que se está realizando una secuela para verse el año que viene), tanto que ha tenido varias versiones teatrales exitosas en nuestro país -la más reciente, de Gabriel Retes, estrenada en noviembre, 2015-.

Freno. En sus marcas...

Para presumir, el progenitor de todo este jubileo, el señor Welsh, nos responde un cuestionario diseñado al interior de nuestra redacción. Gracias por su contado tiempo, señor Welsh.

Clutch. Segunda.

También nos gusta el porno y si los personajes de Trainspotting resurgen en Porn, entonces tomamos el aniversario de aquel libro y el pretexto del otro para “arqueologar” un poquito, barajeando las actualidades respectivas con el mismo morbo sucio *guiño* que nos hipnotiza de las aventuras de Renton, Spud, Begbie y compañía, más la sana curiosidad *guiño-guiño* por descubrir algunos de los caminos más nóveles del sexo y el encuere, y por supuesto un poquito de todo lo demás que nos gusta de aquí y de allá: Una zambullida al que probablemente sea el mejor festival del mundo, hoy por hoy: El Primavera Sound; un repaso a las intrincadas transformaciones sonoras de Cedric Bixler Zavala y Omar Rodríguez López: desde At the Drive in hasta Antemasque.

Un asomo a la nueva grabación de Radiohead, A Moon Shaped Pool; The Colour of Anything de James Blake y la escena musical de hoy en Amsterdam, ciudad que con sus aparadores de prostitutas nos trae de vuelta al tema central: cine audaz con PlayMe Burlesque, un documental de la escena neoyorquina del teatro coqueto. En narrativa gráfica, un repaso a las Tijuana bibles, comic porno de antaño. Un vistazo a FuckForForest, la iniciativa para compartir porno y salvar a la tierra.

En fin, para qué adelantar más nuestras páginas si ya estamos “como agua para chocolate”.

Bienvenid@ a Marvin #143 Te deseamos que tus deseos más bajos sean órdenes y nunca olvidemos las palabras de Ewan McGregor en esa escena inicial de corretiza por las calles de Edimburgo: Choose life.

Uili Damage @uili

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En megáfono

Loguízzimo 2016

Buscando a los más creativos para compartir su estilo con izzi LOGUIZZIMO 2016, el concurso de izzi que invitó a los participantes a poner su visión creativa en el logo de la compañía, concluyó exitosamente Es la segunda vez que izzi convoca a participantes de todas las ramas para mostrar su creatividad. Diseñadores, animadores, estudiantes y el público en general, fueron invitados, a poner su estilo en izzi, a través de una amplia convocatoria en redes sociales.

Este año el concurso logró la participación de casi dos mil personas, quienes subieron logos y compartieron en sus redes sociales. La premiación contó con una etapa de votación abierta para seleccionar a los finalistas, sumando más de veinticinco mil votos; después un jurado conformado por Maribel Martínez, artista visual e ilustradora; Sebastián Arrechedera, fundador de la agencia de publicidad AC McGarry Bowen; y Ceci Velasco, presidente y fundadora de la Revista Marvin, eligió a los ganadores.

En esta edición, Loguizzimo 2016 visitó a los estudiantes de diferentes universidades de la mano de nuestros jurados, quienes en conjunto con otras personalidades del mundo de la comunicación como: Erick de Kerpel, socio fundador y Director General de Épica y un panel compuesto por el equipo de la

Revista Marvin, Uili Damage, editor y fundador de Los Esquizitos y Lost Acapulco y Héctor Montes de Oca, director de arte de la revista y del estudio Serif; dieron charlas de creatividad en universidades como Universidad del Pedregal, CENTRO, la Universidad Anáhuac y el TEC de Monterrey.

Al finalizar las charlas, los estudiantes tuvieron la oportunidad de intervenir el logo de la marca en vivo, utilizando diferentes elementos como crayones, pinturas, y diferentes materiales artísticos.

Este año el concurso premió dos categorías: logo estático y animado, en las cuales los ganadores se llevaron premios como Mac Books pro 13’’, iPads pro y Tabletas Wacom.

Si bien la finalidad del concurso no tuvo el objetivo de modificar el logo de la empresa, el concurso logró estimular la creatividad e innovación, y acercar aún más a la marca con los participantes, quieres pudieron aplicar su estilo al logo.

Los logos ganadores y finalistas se podrán ver en las plataformas sociales de izzi y en diferentes puntos de la ciudad en muestras itinerantes. Así, un año más, izzi Telecom logró conjuntar a miles de mentes inquietas que nos mostraron sus ganas de crear.

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En megáfono

de su tipo. Tubular Bells se convirtió en el primer álbum publicado bajo el sello Virgin Records en 1973 y en todo un ícono de la disquera, con el número de catálogo V2001. Por si fuera poco, se volvió la banda sonora de la cinta clásica El exorcista.

SEX PISTOLS Después de ser rescindidos por EMI tras el escándalo por la entrevista en TV con Bill Grundy, y luego de que A&M terminara su contrato sólo 6 días después de haberlo firmado (y destruyendo las 5,000 copias que ya se habían fabricado de God Save The Queen), el grupo más representativo del punk fue rescatado por Virgin para lanzar el simbólico sencillo que coincidió estratégicamente con los festejos por el 25º aniversario del ascenso al trono de la Reina Isabel II, en mayo de 1977. Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols, vendió más de 150,000 copias en una semana y posicionó a Virgin como un escaparate para el movimiento punk, alejándose de su fama de estar dedicada sólo al rock progresivo.

Virgin Records

Rompiendo el molde desde 1972

AL HABER COMENZADO como una tienda de discos importados distribuidos por correo, la historia de Virgin está profundamente arraigada en la música. Richard Branson empezó un emporio cuando inauguró el primer local de la tienda de discos en 1971, la cual terminaría por definir la historia de la música desde un pequeño local en Notting Hill Gate, Londres.

A sólo un año de funcionamiento, Branson acumuló suficiente capital para hacer crecer el negocio, y lanzó formalmente el sello Virgin Records, en 1973. En una época en la que el vinil dominaba el mercado parecía que el camino sería fácil para una disquera. Sin embargo, la competencia en el mercado y la homogeneización en los gustos hacían que el público tuviera preferencias bastante definidas, limitando el espacio creativo en el que se podían desarrollar los nuevos artistas. Fue aquí donde Branson encontró el nicho al que nadie más le estaba poniendo atención, al convertir a Virgin Records en una de las primeras disqueras en apoyar géneros como el rock progresivo o el space rock y siendo la cuna de movimientos como el punk, el post-punk, el new wave y, más tarde, el trip hop.

A pesar de décadas de cambios, la búsqueda constante por llevar propuestas nuevas y diferentes al público es lo que ha caracterizado al sello desde su fundación, siendo éstos algunos de los artistas más icónicos surgidos de las filas de una de las disqueras más disruptivas en la historia de la música: MIKE OLDFIELD El precoz multiinstrumentista no tenía siquiera 20 años cuando su demo de Tubular Bells llamó la atención de Richard Branson, quien le daría carta blanca para completar el proyecto en The Manor, una mansión convertida en estudio que el joven Branson había adquirido en 1971 y que sería el primer estudio residencial

DEVO Después de que el demo de la banda de Ohio terminara en manos de David Bowie e Iggy Pop -por casualidad-, medio mundo se peleaba por producir el álbum debut de Devo. El ganador fue Brian Eno, quien asumió todos los gastos de producción y se encargó completamente de Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!, cuando el grupo todavía no tenía ni contrato firmado. Virgin terminó haciéndose de los derechos de distribución del disco, lanzándolo en Reino Unido en 1978 y continuando su colaboración por cinco discos más.

CULTURE CLUB Liderados por el ecléctico Boy George, la banda necesitó sólo tres sencillos para llegar al número 1 de las listas de popularidad con “Do You Really Want To Hurt Me?”. Culture Club se convirtió en el estandarte de la nueva invasión británica de los charts en Estados Unidos a principios de los años 80 con el lanzamiento de su álbum debut Kissing to be Clever, publicado por Virgin en 1982. De esta manera, iniciaría una prolífica colaboración que incluiría los cinco discos de estudio de la banda y más de 50 millones de copias vendidas.

MASSIVE ATTACK Luego de haber sido parte del colectivo The Wild Bunch, el soundsystem más icónico de Bristol, Robert “3D” Del Naja, Grant “Daddy G” Marshall y Andy “Mushroom” Vowles decidieron llevar su sonido a otras latitudes y formaron Massive Attack. Con la ayuda de Neneh Cherry, consiguieron un acuerdo para lanzar su álbum debut, Blue Lines, con su propia disquera, Wild Bunch, bajo el subsidio de Virgin en 1991. Así se convirtieron en el que sería considerado el primer álbum del trip hop, y estableciendo a Massive Attack como una de las bandas más innovadoras de la década de los 90 y los fundadores del Bristol sound.

DAFT PUNK Con un par de sencillos lanzados en el sello independiente Soma Quality Recordings, “The New Wave” y “Da Funk”, Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo se pusieron en la mira de todos los sellos que los veían como el nuevo hito de la música electrónica. La carrera por hacerse de su talento y lanzar su álbum debut fue muy competida, pero, nuevamente, fue Virgin quien ganó en 1996 el contrato de otra leyenda más. Así comenzaron a trabajar en Homework, grabándolo en su estudio Daft House tras acordar una completa libertad creativa para realizarlo. Fue estrenado en 1997 y vendió más de dos millones de copias, convirtiéndolos, sin duda, en uno de los actos más exitosos del sello, con el cual lanzaron seis discos más.

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¿A quién vas a llamar?

¡A Chris Hemsworth y las nuevas Ghostbusters!

FOT:: COLUMBIA PICTURES

Cuando eres un actor con una estatura de 6’3”, famoso por interpretar a Thor, el Dios el Trueno, es difícil imaginarte sentado detrás de un escritorio como un recepcionista que recibe extrañas llamadas sobre posibles avistamientos de fantasmas.

PERO EN LA PRÓXIMA nueva versión de Ghostbusters, la superestrella australiana Chris Hemsworth se encuentra a sí mismo haciendo exactamente eso, pues se alejó mucho de su zona de comodidad y aceptó el papel de Kevin, un hombre despistado con una actitud dulce y sencilla que, a la vez, encanta y confunde de modo increíble a sus jefas. “Él es un gran cachorrito tonto”, se ríe Hemsworth, “está lleno de entusiasmo, pero es muy ingenuo y tiene una perspectiva totalmente distinta a la de ellas. Esto crea una dinámica muy buena con las chicas y con su manera de ver el mundo”.

En esta nueva era de Ghostbusters, el director Paul Feig (Bridesmaids, Spy) y la guionista Katie Dippold imaginan a un equipo de amigas (interpretadas por Melissa McCarthy, Kristen Wiig, Kate McKinnon y Leslie Jones) que se unen para formar la organización Ghostbusters cuando la ciudad comienza a experimentar una creciente cantidad de actividades paranormales.

Feig combina el humor con escenas de acción sorprendentes y se prometió a sí mismo que habría referencias a las películas originales (desde el logotipo del vehículo Ecto-1), un montón de cameos y quizá uno o dos espíritus favoritos de

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los fans (Slimer ya apareció en el tráiler). Conformada por varias peleas épicas, nuevos aparatos y atemorizantes fantasmas, esta Ghostbusters, sin duda, resultará en un gran atractivo de culto para una nueva generación.

Cada equipo necesita una oficina central; en el caso de las Ghostbusters ésta se localiza en un antiguo restaurante chino, por lo que están rodeadas de partes de equipos, interminables cables y algunas galletas de la fortuna aún sin abrir. Y no es hasta que aparece el aspirante al puesto de recepcionista Kevin, interpretado por Hemsworth, que las cosas se empiezan a acomodar…

O quizá no... “Durante la mayor parte de la película, él ni siquiera tiene idea de lo que ocurre en ese lugar”, explica Hemsworth, “y no entiende por qué cuando responde las llamadas telefónicas, la gente le habla de fantasmas, así que siempre les cuelga. Y después, ya lo entiende; ‘¡vaya!, ¿esto es lo que hacen ustedes? Muy bien, voy a ayudar’”, explica. “Kevin sube a bordo y en realidad es nuestra única opción para tener a alguien que cargue todo el equipo pesado y nos ayude. Resulta que él es alguien absolutamente distraído y carece de sentido común en cualquier situación determinada, sobre todo en el modo en que Chris lo interpreta”, sonríe Melissa McCarthy, quien interpreta a la genuina creyente Abby Yates; “en verdad, nosotras deberíamos haberlo despedido el primer día, pero de cierta manera algo que él emana nos hace amarlo, aunque, de hecho, no hay una buena razón. Resulta ser tan dulce, pero tan despistado, que es asombroso que simplemente sobreviva cada día. Sin embargo, a la larga, se integra en la mezcla y es una adición maravillosa”.

Aunque, al principio, Hemsworth estaba un poco preocupado de que su personaje fuera demasiado simplista, pronto se enteró de que el director Paul Feig tenía otros planes sobre lo que Kevin podría expresar.

“En realidad, mi personaje tenía una interpretación mínima en el guión”, recuerda Hemsworth, “y Paul dijo: ‘No te preocupes, vendrán muchas cosas, tendrás más participación. Cuando llegamos al set, noté que él simplemente gritaba instrucciones y sugerencias para la escena. Y a lo largo de algunas tomas que duraban hasta 40 minutos, todos debíamos improvisar y arrojarnos ideas unos a otros. Fue un modo de trabajar completamente alocado”, continúa Hemsworth, “pero creo que es uno de los procesos más disfrutables que he tenido en un set, pues fue una manera orgánica de sentir y desarrollar el personaje; no estaba esculpido en piedra y, sin duda, era impredecible y genial”.

Pero resulta que el director Paul Feig sabía que Hemsworth podría destacar entre algunas de las mujeres más graciosas en la comedia hoy en día, ya que lo había visto interpretar exitosamente un sketch de comedia en el programa Saturday Night Live.

Sin embargo, las estrellas de Ghostbusters tuvieron una gran sorpresa cuando vieron que Hemsworth era capaz de estar a su altura durante la escena de la entrevista con el grupo, por lo cual se convirtieron en sus grandes fans gracias a su diversidad como actor. “Él es tan gracioso”, susurra Kristen Wiig. “Es casi injusto”, afirma Melissa McCarthy. “Sí, es básicamente perfecto. Es súper molesto”, admite Kate McKinnon. “Vamos a encontrar algo acerca de él”, advierte Leslie Jones... Fuera

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de broma, Hemsworth describe cómo fue trabajar con unas actrices tan talentosas, que tienen un gran historial por haber trabajado en las mejores comedias de la década pasada. “Desde la primera toma, fue evidente que eran muy generosas con lo que iban a interpretar. Con los diálogos, las ideas y todas lo demás. Tengo un gran aprecio por la comedia, mucho más que antes, pues creo que puede ser más difícil que el drama u otro trabajo en este ambiente; debes tener ideas llenas de ingenio y carisma.

“Desde mi punto de vista”, añade Hemsworth, “simplemente respondía a lo que me daban y trataba de mantenerme a su ritmo. A eso me refiero cuando hablo de su generosidad, pues no veían únicamente por sí mismas.

Ellas me aportaban cosas y el objetivo era estar atento y tratar de responder a lo que me daban con Paul gritando las instrucciones junto a nosotros; fue un gran esfuerzo de equipo”.

Sin embargo, la interpretación de Hemsworth presentó algunos momentos que superaron las páginas de lo que estaba escrito para el personaje de Kevin: “Tuve la idea de usar anteojos y después reflejaban las luces a lo largo de la escena”, recuerda Hemsworth, “así que pregunté: ‘¿Cómo arreglamos esto?’. Ellos trataron de mover las luces y las cámaras, pero aún se reflejaba.

Así que sencillamente sacaron los anteojos de esa toma.

Entre tanto, yo me frotaba los ojos y Melissa comenzó a reír, y dijo que tenía que hacer eso de nuevo. Lo repetí y todos reíamos; nos costó mucho trabajo dejar de reír”, recuerda. “Después, pensamos que era una gran idea porque ésta es su peculiaridad. Así que en la película ella dice: ‘Te quitaste los lentes’ y Kevin responde: ‘Sí, siempre los tengo sucios, así que me los quito y no tengo que limpiarlos más’. Ésta es una excelente respuesta y muy práctica, pero obviamente se ve el mundo desde un ángulo distinto”.

Debido a la apertura de Paul Feig para aceptar sugerencias, Hemsworth se encontró en un espacio de interpretación seguro donde nada era demasiado fantástico y todo se podía convertir en una pieza de oro de comedia: “Paul es un genio por esta especie de espontaneidad y su confianza en que va a obtener lo que necesita al final del día”, explica el actor; “esta disposición suya nos permitió explorar y lanzar sugerencias en otras direcciones. Pienso que muchas personas desean controlar más el ambiente, mientras que Paul nos da un voto de confianza, y se necesita un gran valor para ser capaz de hacer eso”.

Preparándose para volver a su escritorio de recepcionista, Hemsworth nos comenta sus razones por las que considera que esta versión de Ghostbusters será entretenida para una generación de fans totalmente nueva: “Vemos muchos cazadores de fantasmas estos días con cierto tono serio y salpicaduras de comedia por aquí y por allá. Pero ésta es una comedia sobre una gran plataforma, acoplada con efectos especiales superiores que sólo obtienes en las grandes películas; por eso, creo que es súper emocionante”.

Con esto, Hemsworth en su papel de Kevin contesta el teléfono y lo cuelga debido a que es otra ridícula solicitud que busca a alguien llamado Ghostbusters. ¿A quién vas a llamar?

En megรกfono

Catas a

EVITE EL EXCESO

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¿Nos echamos unos gins?

Festival Gin & Tonic Julio 9, 16 y 23

REALMENTE, VAN POCOS AÑOS desde que en las barras de los sitios más hot, se escucha una y otra vez a la concurrencia pidiendo ginebras con agua tónica.

Los que menos saben, para no errar piden Hendricks (“o sea, es que con pepino sabe a otra onda, oeeey”).

Los que han tenido oportunidad de probar unas tres o cuatro distintas -dependiendo del surtido de la barra- eligen Tanqueray o Bombay.

Como Beefeater suele ser la más accesible la suelen solicitar las carteras cortas, pues los anteriores piensan -gravemente equivocados- que no es tan buena.

Son los verdaderos aventureros los que solicitan “la sugerencia del chef”, o en este caso, la recomendación del barman y son ellos los que llegan a las marcas más sofisticadas (y de precios muy variados) como Gin Mare, Martin Miller’s, Príncipe de los Apóstoles, Henry Oliver, Monkey 47, The London No.1, G’Vine, o las ediciones especiales como Tanqueray 10, Beefeater 24, Star of Bombay, Bombay Original o la Sapphire East, por citar unas cuantas, del enorme y delicioso universo de las ginebras.

De estos aventureros, son los más audaces los que buscan el sabor específico hasta en el agua tónica que va a rematar su bebida, más allá de la Peñafiel, la Canada Dry o las Schweppes (cada una con alguna característica que le va idealmente a alguna ginebra específica) y llegan hasta las distintas Fever Tree o la 1724. El colmo son los que seleccionan ¡la marca de los hielos! Porque hay que saber que también hay hielos especiales para preparar tragos especiales. ... Y eso que no hemos mencionado al siempre creciente universo de los cocteles de ginebra, porque ahora sí que no acabamos nunca.

Existe un sinfín de actividades que francamente no requieren de ninguna especialidad para ser disfrutadas. Pero la coctelería es justo una que ofrece una riqueza excepcionalmente disfrutable cuando uno se adentra poco a poco en todo el abanico de posibilidades con las que cuenta.

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Hablando con nuestros amigo expertos de La Europea, nos cuentan: “la ginebra, o como hoy mejor se le conoce: el gin (la abreviatura en inglés), es un aguardiente de grano del maíz, centeno o cebada principalmente. Los holandeses fueron los creadores de este singular destilado cuando perfumaron un aguardiente, en este caso de cereal. Los pioneros de la farmacopea tenían a la mano plantas de virtudes terapéuticas como el enebro, coriandro, angélica, entre otras que agregaron y así nació la ginebra. Sus orígenes hablan de un tal Dr. Franciscus de Bove, quien a mediados del siglo XVI elaboró el primer elixir obtenido por la destilación de un alcohol, previamente macerado en bayas de enebro o “genevre” o “jenevre” como se conoce en Holanda”.

La bebida se perfeccionó en Londres al grado de que el mundo elige siempre una ginebra británica al ver la carta, pero se producen botellas genuinamente exquisitas en Francia, España y otros lugares.

Hay mucho que decir de la ginebra, pero hay mucho más que probar. A propósito de esta idea, justo este mes La Europea -distribuidora premium de bebidas y alimentos-, nos acerca la oportunidad de saborear y descubrir las diferencias en el mundo del Gin&Tonic con el FESTIVAL GIN&TONIC y su #GinTourLaEuropea con diversas actividades: Desde la inauguración del festival en La Encomienda en Polanco el 1o de julio -con degustación y venta especial-, una experiencia con mixólogos el jueves 7, y en seguida, los siguientes 3 sábados de julio (el 9, el 16 y el 23) el #GinTourLaEuropea (Polanco, Roma, Condesa), para así cerrar con una gran fiesta de clausura.

Si te apetece sumergirte en esta aventura de sabores, no dejes de seguir las actualizaciones de laeuropea.com.mx/gin&tonic para conocer cada detalle sobre esta emocionante expedición y muchas otras que sucederán durante el año.

Por nuestra parte, asómate a nuestro playlist “Rolas y gins a la Europea” que publicaremos este mismo mes en marvin.com.mx para acompañar con un delicioso gin de tu elección.

En megáfono ELY GUERRA, músico, cantante y compositora con más de 20 años de trayectoria, ha cosechado éxitos como “Ojos claros, labios rosas” y “Quiéreme mucho”. El 1º de julio en el Lunario, presentará nuevamente su show El Origen, a piano y voz en compañía de Nicolás Santella con vistas a convertirse en un clásico de verano en dicho recinto. Nos unimos a la celebración y platicamos con la multifacética artista.

Con más de 20 años de trayectoria ¿Cuál es la lección de vida más valiosa que has aprendido?

El entender que la música ha sido mi gran compañera y mi gran maestra, pero sobre todo es mi gran contrincante, mi gran confrontadora, es a quien más le temo, es mi zona fuera de confort pero también mi zona de peligro, donde me siento más vulnerable. Pero la lección más bella es entender que es mi bote salvavidas, mi lugar más amado, mi lugar de creación, de crecimiento, de nutrición. Es mi gran constructora, es la que me ha dado la oportunidad de ser quien soy, de crecer profesionalmente, de comer, es la que me da de vivir. La gran lección es: Ely eres músico y te chingas (risas). Porque a veces a lo que más le temes es a lo que más amas.

Estás por presentar nuevamente tu show “El Origen” en el Lunario. Se dice que vas a interpretar canciones inéditas ¿Qué te llevó a presentarlas en esta ocasión?

Al final del tiempo pienso, estoy sintiendo: vamos por tercera vez consecutiva en el Lunario. Nosotros tenemos fans que vienen desde el interior de la República, los mismos que en la Ciudad de México nos encontramos en los shows, es como una promesa que no queremos que sientan que no agradecemos que vengan, entonces hurgamos un poquito en los recuerdos, hay tres canciones que quedaron afuera de mi álbum Sweet & Sour, Hot y Spicy,, nadie las ha escuchado y las vamos a compartir esa noche.

como un ambiente erótico todo el tiempo, muy hermoso. Estas tres canciones las escribí en 2001-2002 previo a conocer a Gil y estaba abriendo nuevos caminos a este erotismo de manera muy juguetona y naive. Me gusta la idea de compartir todo esto con los fans, de ir hacia atrás, es lúdico volver a ese momento. ¿Qué podemos esperar hacia el futuro? ¿Cuándo tendremos un nuevo disco de Ely Guerra? ¡Pum! Yo creo que el año entrante, ahorita estoy trabajando en él. Dices hacia el futuro y me encanta que podamos ver hacia el futuro, porque yo estoy en un presente muy vulnerable, sin lugar a dudas fuera de mi zona de confort, estoy creciendo porque estoy madurando, estoy camino a los 45 años. No es lo mismo escribir canciones ahora. Estoy en una etapa distinta porque mi cuerpo está cambiando, mi cara está cambiando, todo es un cambio en mí. No me gusta toda la exigencia que hay alrededor de cuando empiezas a madurar, hay que matar cualquier signo de edad, no me gusta esa idea. Me gusta aceptarme con estos cambios físicos, me gusta creer que es importante aceptarnos con esta belleza distinta y, por supuesto, si mi carita está envejeciendo, si mi cuerpo también y si mi música también está madurando, quiero respetar esos signos de edad. Eso mismo que ocurre con tu cuerpo, ocurre con tu creación. Ah canijo estoy escribiendo otras cosas, otros conceptos, es otra manera de explicar mi música, no es la misma fórmula, no son los mismos instrumentos, no son las mismas características y, sin embargo, ésta soy yo. Me estoy atreviendo y va a ser muy interesante mostrar un nuevo material que con certeza nadie conoce, la otra manera de ver a la artista que crees que conoces. Me ha tomado un par de años escribirlo, espero este año culminar el trabajo a nivel profesional para poder compartirlo.

¿Más o menos de qué van estas canciones?

Cuando escribí Sweet & Sour, Hot y Spicy era 2002 y arranco en 2004 con este disco, si nos acordamos yo traía un afro, era mi época como muy voluptuosa, me había crecido lo bueno del cuerpo, en el sentido de que yo me sentía voluptuosa, genial, sexy, sensual y por eso me hice ese afro, este disco habla de mi amor a la cocina, pero al mismo tiempo de este erotismo muy de los 30, yo tenía ya 31 años. Estaba muy enamorada, había

Ely Guerra Redescubriendo los orígenes

TXT:: Andrea Solís FOT:: Paula Balbi

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Stand-Up

Macario Brujo:

en el stand-up, como en el rock, no hay paz...

Héctor Fernández Guerrero, alias “Macario Brujo”, leyenda del camino, dios satánico del sexo, capitalino, menor de tres hermanos. Tiene la bondad y la generosidad de un perro San Bernardo rescatista en la mirada y ha tenido tales aventuras, que cuando las vierte en sus rutinas de stand-up, pocas almas valientes y solidarias quedan en pie: los que no están revolcándose a carcajadas en el suelo, quedan profundamente perturbados.

TXT:: Uili Damage FOT:: Mírthala Galván

ES UNO DE LOS COMEDIANTES más shockeantes, combinando un delivery mezcla de ingenuidad y desesperación, recurre al shock stand-up por medio de sus raíces musicales profundamente ancladas en el punk y el speedmetal.

El que pudo ser un rocker de sonidos destructores, se convirtió en un escandalizador que roba carcajadas sin piedad. A continuación, la senda de esta “leyenda del camino”. ¿Cuando viste por primera vez stand-up comedy sabiendo lo que era?

Yo creo que llevaba siete u ocho meses haciéndolo y no le agarraba todavía la onda de lo que era. Sabía que así se llamaba, pero no entendía la diferencia con otro tipo de comedia... ¿Y cuánto tiempo llevas haciendo stand-up?

Cuatro años. Yo soy una estrella de rock frustradísima. Tenía mi grupillo de punk que se llamaba Los Weapons. Y canto muy mal y no se me da tocar nada. Entonces, entre rola y rola, traté de amenizar al público a través de la comedia, contando chistines y ya haciendo pininos...

Cuando tenía 20 años, una prima me dijo: “Es que tu deberías ser comediante”; me regaló un video donde salía Seinfield y varios comediantes gringos de la época; me dijo: “Ve agarrándole a esta onda”...

Pero yo traía una depresión terrible. Aunque dije: “Bueno, por ahí va; si no fui estrella de rock, igual y por allí en los chistes puede salir

la onda. Traía una depresión muy culera y no entendía bien qué tenía que hacer, qué tenía que estudiar... Lo dejé pasar. Después, me dediqué a dar terapias en adicciones; tenía una paciente y su esposo tenía un escenario. Ella me dijo: “Vamos a hacer eventos con música, comedia y demás”.

Empezamos a buscar comediantes y conocimos a la Kikis. Ella me dijo: “Hay un lugar, el Beerhall, hay open mic y allí vas a conocer a un montón de comediantes”. Cuando los vi, pensé: “Igual y yo podría hacer eso”... Pero mi idea original era hacer un personaje que se iba a llamar Macario. Sería un menonita que iba a cantar puras groserías, pero en su “alucine menonita” no sabría lo que estaba diciendo. Tenía el overol, el sombrerito de paja y me iba a poner una peluca güera. Y que me dicen: “No, esto es sin guitarra, tienes que hacer tus propios chistes, hablar de ti y de tu vida... ”.

Entonces, escribí mi primer monólogo, pensando: “Si no hago reír a la gente, por lo menos que se espanten, que piensen que ‘estoy mal del melón’, pero no voy a pasar desapercibido”. Así que se trataba de la intensidad de la chaqueta y me fue bien. A partir de entonces, ya estaba trepado cada miércoles en el escenario del Beerhall, pero no tenía bien claro nada. Para mí, eran pasos para meter en algún momento a mi menonita con su overol y sus canciones. Un día fui a un taller con Héctor Suárez Gomís y allí su manager me dijo: “Lo que tú haces no es stand-up, quién sabe qué es, pero no stand-up”. Y el que me fue explicando de qué iba la onda fue Gus Proal. Lo que toda la banda standupera dice. Que es comedia de autor, que tú haces tus propios chistes, que no hay personajes, que tú eres el personaje porque hablas de ti mismo, pero lo magnificas, exageras el ser tú mismo. Y lo que tuve que hacer fue reflexionar de qué hablaba yo. Qué era ser yo mismo, de qué se iba a tratar, cuáles eran mis temas. Y encontré que la mayoría de mis temas giraban al rededor de una obsesión con las prostitutas. Al principio, quería meter puros temas shockeantes: “venderle el alma al diablo”, “el apocalipsis zombie” –también eran cosas fantásticas–. Alguien de Comedy Central me dijo: “Te vuelas mucho, tu comedia está muy jalada y muy mafufa, y es bien difícil conectar contigo porque hablas de puro surrealismo”. Ok, te la compro, pero entonces, ¿acerca de qué quiero hablar de mí? Y me clavé con lo de mi obsesión con las putas. Finalmente, escribí una rutinita sobre eso que salió en Comedy Central y es la primera que me ha pegado. Era un tema que no había notado que era recurrente. Ya lo que escribiera acababa yéndose hacia las putas, hasta que dije: “Ya, para qué me hago guaje. Mi tema son las putas”. ¿Qué dice tu mujer?

Ya le agarró la onda de que es cotorreo. Fíjate, la primera vez que fui al radio, me invitó René Franco, y yo pensé: “Si me está invitando, sabe que me está llevando a mí”. Eran las 12 del día, y al aire me preguntaron: “Bueno, y tú ¿de qué hablas?”, y le respondí: “Pues mira, yo no tengo nada contra

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la igualdad de género, pero sí me molesta que mi mujer se esté dejando los pelos de los huevos”...

“Vamos a comerciales”. Y se volteó la productora de René y me dijo: “A ver, cabrón, quiero que entiendas algo. Esto sale en muchas partes de la República, apenas son las 12 y acabas de dejarle a todo el mundo la imagen de tu esposa con pelos en los huevos. Lo que se habla en radio es la imagen que le dejas a la gente en la cabeza. ¿Vas a seguir en ese tono? Si sí, para que te invitemos a llegarle”. Yo contenté: “No, no, ya me porto bien”.

Y así no pude decir nada chistoso. No tenía idea de cómo ser chistoso sin ser marrano. Creo que a la fecha no he podido. Y luego la gente que hace shows me dice que me cierro las puertas, que no me pueden llevar a un evento familiar, por ejemplo.

Y lo pienso como en la música. Es como si tienes un grupo de punk. Te dicen: “Es que no podrías tocar en una boda”. Pues no, la neta no, y siendo honesto, ni siquiera quiero tocar en una boda. ¿Y cómo han evolucionado tus rutinas de prostitutas desde que lo descubriste hasta ahora?

Empecé a trabajar con Franco Escamilla. Él me decía que espanto al público, que la mitad de la gente sale muy espantada conmigo. La de él es una comedia casi familiar. Y me pidió que le bajara mucho sin dejar de ser yo. Me tomó no menos de seis meses bajarle de tono, y lograr no ofender sin censurarme. Fue ir encontrando muchos secretillos, empezando por no decir las palabras “verga” o “panocha”, y al ritmo, ir combinando chistes bajitos con otros más subidos y siempre respaldándolos diciendo: “Ésta es mi opinión”.

Otra cosa es el subirle al carisma. Como por ejemplo lo que decía Alice Cooper sobre él y Ozzy Osbourne: “Nosotros somos tremendos, pero te guiñamos el ojo; le decimos a la gente: ‘No somos satánicos, es show’, no se aloquen”. Distinto de los blackmetaleros que ésos sí se la creen y queman iglesias y todo. Entonces, me fui clavando en hacer “el guiño de ojos”, ir diciéndole a la gente: “Estamos echando relajo todos, no se espanten”.

Le tuve que bajar al humor negro muchísimo. Eran chistes ya muy tronadotes y que siguen siendo mis favoritos; cuando puedo y no hay censura, son los que más disfruto decir. ¿Eso cuándo pasa?

Cuando son mis shows. Cuando soy el cabeza de cartel. Por ejemplo, acabo de hacer un show mío en San Luis Potosí. El dueño del lugar me dijo que la banda es muy persignada y que me fuera con calmita. Le respondí que me diera viada porque, la neta, no me sé ir con calma. “Te puedo ofrecer esto: antes de empezar, me disculpo con la gente por lo que están a punto de vivir y no voy a decir palabras fuertes, pero me voy a aventar una hora.

Si tú me quitas una hora de ser yo, me estás quitando las alas”. Y ya salió bien. En Guadalajara pasó lo mismo, me disculpé empezando y ahí ya les estaba haciendo el guiño. En Oaxaca, a medio show, me di cuenta cuando la gente ya estaba bien sacada de onda, y en ese momento les dije:

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“A ver, amigos, estamos viviendo cosas terribles en México y es mi manera de defenderme. Tratar de burlarme de mi miedo; no me estoy burlando de que a México le esté yendo mal. Con el humor estoy combatiendo mi propio miedo, denme viada”.

Así, los haces cómplices. ¿Qué comediante es Macario Brujo?

Uno muy enojado. Indignado, con mucha impotencia. Muy frustrado de no haber podido cambiar cosas. De venir de una parte de revolución social que me desmintió. Me tocó la huelga de la UNAM y le entré con todo el corazón pensando que estábamos haciendo una revolución social. Termina la huelga y un amigo mío que trabajaba en Gobernación me dice que yo tenía orden de aprehensión, que él había solicitado que la levantaran, “y otra cosa: tu pinche huelga se hizo en mi oficina. Tu huelga la planeamos nosotros”. Fue un desencanto horrible.

Me vi ante un monstruo que era propietario de todas las cosas con las que lo combatíamos. Me empecé a meter a lugares muy oscuros buscando cómo combatirlo. Cuando entro en mi proceso de AA –yo vengo de un proceso de muchas adicciones–, descubro que la única manera de combatir era conmigo. La lucha ahora es contra el tirano que vive en mi cabeza. Resonó muy fuerte la frase de Bob Marley: “Emancípate de tu propia esclavitud mental”. Y entonces, creo que el comediante trata de hacerse libre él solito. Vengo de mucho bullying, de no ser aceptado por mi modo de ser, y cada vez que recibo la risa y el aplauso del público, me estoy desencadenando a mí mismo y siento que voy ganando esa lucha.

Yo veo a un tipo muy tímido capaz de decir cosas tan atroces que puede hacer llorar a otro hombre, pero que, de entrada, se ve inofensivo a pesar del disfraz.

Cuando estaba probando mi material más nuevo para el último show que hice en Comedy Central, hice llorar al hermano de Gus Proal. Es la primera rutina que nadie me tachó nada. Los que me dijeron que les gustó, les gustó mucho. ¿Estás satisfaciendo tu sueño del rock con la comedia?

Ahora, al último incluyo una canción. Me hace el paro que este público no espera a un cantante, sino a un comediante. Y es una rola grotesca sobre el amor, con la que logro meter a la gente en un estado de euforia. En ese momento, queda satisfecho el rockstar. Pero es hasta ahora a mis 40 años que finalmente lo estoy logrando.

Mi esposa me dijo: “Ya, te voy a decir lo que nadie te va a decir nunca: Cantas horrible. Ya. Descansa”. (risas). Después de eso, desempolvar la guitarra, hacer una rola, cantarla en público y recibir risas y aplausos es algo que deja muy tranquilo al rockstar. ¿El resto de tu rutina se alimenta del rock?

Siempre. El rock es mi referente. Para entender qué pasa en el stand-up, siempre reviso qué sucedió en el rock en México.

CLUB IMPERIAL

Industria

audio, servicio y concepto; a la semana ya estábamos buscando lugar. Duramos casi un año planeando todo y se reflejó el día que abrimos; casi no hubo fallas de operación. Eso habla de experiencia y buena planeación. Lo inauguramos el 21 y 22 de mayo de 2008 con Los Concorde y el IMS.

8º aniversario TXT:: Vicente Jáuregui

DESDE QUE ABRIÓ SUS PUERTAS, El Imperial nació predestinado a convertirse en un clásico de la vida nocturna de la CDMX. No era para menos. Rompió con varias deficiencias que los foros venían arrastrando y con ello fortaleció un nuevo paradigma de calidad que ahora, ocho años después, ningún otro club ha podido igualar.

Incontables bandas de todos los géneros y tamaños han pisado su escenario para comprobar que sí es posible sonar bien en México.

Platicamos con Jorge González, socio y fundador sobre estos ocho primeros años de El Imperial, un recinto entrañable que ha sido parte muy importante para Marvin, tanto como una fuente para descubrir a las bandas del mañana y, hace unos años, como sede de las “Esencia Marvin”, una noche curada por Marvin, de la que Jorge tiene varias anécdotas.

El Imperial surge debido a una complicidad musical que tienes con Atto Attie, ¿cómo se conocieron?

Leonardo de Lozanne nos presentó.

Entonces, él tenía el Barneys en la Condesa, ahí tocaba con Sabo Romo. Atto necesitaba un manager.

Yo era representante de Jaime López y Veo Muertos, y decidí entrarle porque se trataba de escenas diferentes.

Un día nos encontramos en el Covadonga y hablamos de poner un antro de rock bien hecho, donde no olieran los baños, con buen

¿Cuáles eran los statements iniciales cuando estaban planeándolo?

Uno de los leitmotifs principales era que sonara muy bien. Hasta la fecha, nos hemos esforzado en que tenga buen audio. También queríamos cierto glamour, que pudieras llevar a tu novia sin pena y que tuviera una buena programación musical. Además, era importante trascender la condición underground del rock, pero sin que hubiera cadenero.

Tanto Atto como tú son músicos, ¿cuánto influyó eso para alejarse de los vicios tan comunes de otros foros?

Mucho. Es un lugar de músicos para músicos. Yo estudié composición en la Escuela Nacional de Música, luego entré a OCESA y descubrí que era mejor promotor que músico. Como lo segundo, en todos los sitios te meten a la bodega de los trapeadores y te dan las caguamas quemadas de mala gana. En primer lugar, tratamos bien a los músicos por respeto.

Creemos que si él la está pasando bien, lo va a transmitir al público y se te regresa: se convierte en un círculo virtuoso. Por eso, no fue raro que en la inauguración estuvieran los Caifanes, Fobia, Molotov, Simplifires, CAPO, Bill y Electric Co –de donde surge Reyno–. Desde un principio, fue juntar a dos camadas para que convivieran.

Recuerdo mucho a Saúl Hernández el día de la inauguración y en una Esencia Marvin, Fito Páez también cayó y un sinfín de músicos reconocidos.

El otro día vino y me dijo: “Qué onda con Marc Monster, está increíble”. Otra vez estuvo TITÁN en una Esencia Marvin y cayó Fito Páez; ellos decidieron salir sólo con teclados en un show irrepetible.

Antes de El Imperial estaba El Piraña, un lugar terrible donde tocabas con pésimo audio y un trato muy mercenario; era muy difícil visualizar un cambio tan grande… … La idea inicial era un lugar grande de una sola planta, quizá con un tapanco como el LUCC o el Foro Ideal. Atto ya había tocado en El Piraña y lo más atractivo era

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la ubicación. Nos hubiéramos tardado mil años en encontrar el espacio tal cual como lo teníamos en la cabeza. Entonces, decidimos agarrarlo. Lo primero fue aprovechar las dos plantas, hacer un club arriba para quien no le importe la banda y abajo destinarlo a los shows. ¿Qué personalidades de la música recuerdas visitando El Imperial como after?

Tom Morello, Foals, System of a Down, Iron Maiden y Ron Jeremy, el actor porno. De hecho, yo no iría esa noche. Estaba Camilo Lara de DJ y me mandó un mensaje: “Ron Jeremy me acaba de pedir una rola”. Entonces, le hablé a Chili, el gerente, y me dijo: “Acaba de llegar con unas conejitas de Playboy”. Fue una aportación no musical muy cagada.

También fue la primera tocada de algunas bandas; recuerdo mucho el debut de Reyno un martes…

Sí, varias, la primera tocada de Adanowsky, de Rey Pila, la que dices de Reyno...

Con El Imperial se detona un pequeño circuito de foros en la Condesa y la Roma. ¿Qué opinas de esto? ¿Los beneficia o les afecta?

Afecta porque están muy mal pensados, tienen poca visión y son copias malas de lo que hemos hecho. Ha salido cierto tipo de clones, que hasta las lamparitas nos copiaron mal. Habría sido bueno que hubieran imitado el profesionalismo del audio o virado hacia otros nichos. Si vas al mismo nicho, estaría bien irte a Coyoacán, Lindavista, Coapa o Iztapalapa, que hubiera un circuito por toda la ciudad, en lugar de canibalearnos a unas cuadras. ¿Por qué nadie ha puesto un lugar de heavy metal? El año pasado, hubo dos festivales masivos, hay 80,000 personas que no tienen donde ir. Un lugar de hip hop. ¿Por qué el Bizarro programa cosas que no son darky, cuando tienes un nicho tan claro? ¿Por qué no programar los nichos que El Imperial no programa? Creo que es falta de visión.

Pero la idea de un circuito ha funcionado en el gabacho, por ejemplo…

No somos Sunset Boulevard en L.A. Si la escena se dispersara, podría venir una banda de Tijuana y tocar en toda la ciudad, podrían abarcar públicos que están totalmente desatendidos, pero se quedan en la misma colonia; es canibalismo.

Paco Huidobro me dijo una vez: “Para que haya una escena, se necesita un lugar que la acoja.

A nosotros nos tocó Rockotitlán; ahora está El Imperial”. Nosotros hemos escogido una escena y en martes de propuestas, programamos 100 bandas nuevas al año. En ocho años, representa 800 bandas nuevas. De ésas, quizá nada pasó con 759, pero te puedo decir que en esos martes tocó Enjambre que ahora lo hace en el Palacio de los Deportes; Románticos de Zacatecas, Reyno, Rey Pila. No programamos todo porque no se puede; además, tomamos en cuenta la ubicación geográfica y tratamos de no meternos en nichos ya establecidos.

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¿Cómo definieron la escena que les interesaba cubrir? ¿Qué diferencia hay con otros foros?

La Roma era muy funk; la condesa pop y electrónico. ¿Para qué meternos a eso que ya alguien lo cubre?

Es como si el Rhodesia quisiera meter rock, ¿como para qué? Tratamos de hacer todo bien, siempre pagamos, no hay una sola banda a la que le debamos dinero, les ponemos un staff e ingeniero muy buenos. Hay bandas que tocan en martes y nunca han tenido un inge, monitores o un PA. Incluso grupos grandes nos dicen que escuchan todo perfecto en El Imperial cuando tocan. Con nuestro backline ha tocado Fobia, Molotov y Café Tacvba, quienes decidieron festejar sus 25 años acá. Eso habla de un amor por la música, no lo hacemos sólo por hacer un varo. ¿Quiénes han sido sus aliados curadores en estos años?

Mercado Negro de Ibero 90.9; ustedes, Marvin, a quienes les tenemos mucho cariño por todo el apoyo; Warp, Rolling Stone, Noiselab, ahora Tráfico.

El chiste siempre ha sido sumar. Viene gente con otra visión y si complementa, es bienvenida.

El Imperial es una comunidad, todos somos cuates, es un club con gustos muy afines y de muy distintas edades. Se diluyen las brechas generacionales, nos une el gusto por la música, básicamente. Igual ves a Denisse de Hello Seahorse! que a Andrés Calamaro, Fito Páez o Enrique Bunbury. Hay gente que se conoció en El Imperial, se casó y ahora tienen hijos. Es de las partes más bonitas, estamos reproduciendo generaciones. También llegan hijos de músicos; ya son dos generaciones. ¿Alguna vez han pensado en tirar la toalla?

Nunca. Hemos tenido momentos muy difíciles, pero desde un principio tuvimos claro que sería un clásico; por eso, Atto le puso “El Imperial”, un nombre que no puede pasar de moda; imagínate si le hubiéramos puesto MySpace o algo así (risas). Es un lugar que va a permanecer y seguimos trabajando con entusiasmo todos los días para que se mantenga. Cuando haces una buena tocada y el público está contento, sabes que todo esto vale la pena. Un día llegó Fobia a tocar como sorpresa y nosotros ni sabíamos; da mucho gusto que un grupo que conoces y admiras quiera tocar en tu lugar por el placer de estar ahí.

Atlas sonoro

ÁMSTERDAM

La capital del sexo y del rock de los Países Bajos

TXT:: Alejandro Mancilla @NOSOYMODERNO

Ámsterdam no es sólo un reducto de aparadores con prostitutas en el Red Light (o Barrio Rojo), ni una fantasía soccer setentera llamada la Naranja Mecánica. La capital de Holanda, ese país de la vieja Europa que irremediablemente es el destino porno por excelencia (quizá sólo superado por el Valle de San Fernando, el llamado Pornovalle en L.A. y sus mansiones con albercas donde se siguen filmando videos XXX al mayoreo), nos remonta lo mismo a Van Gogh, que a una actualidad en la que la ciudad si bien ya no es el epicentro financiero de los Países Bajos como solía serlo, conserva el título de capital intelectual y símbolo de tolerancia y libertad.

UNA CIUDAD con estas características, evidentemente debe tener una larga tradición de rock.

Y la historia comienza en 1961 con un grupo que lleva más años en activo que los mismísimos Rolling Stones: Golden Earring (su disco más reciente, de 2012, se titula, como para no desentonar con el mood, Tits ‘n Ass). El grupo se formó en La Haya, la controvertida sede de la Corte Internacional de las Naciones Unidas llamada alguna vez “la Liverpool holandesa”, pero desarrolló su carrera en Ámsterdam, la capital donde se centraliza todo movimiento que quiera destacar en el mapa. Recientemente, una de sus canciones (“When the Lady Smiles”) fue usada para la campaña de Hillary Clinton.

Otras bandas pioneras, el conocido proyecto progresivo Focus (Cerati los llegó a samplear), banda surgida en Ámsterdam en 1968, que alcanzó gran notoriedad en esa

época donde flautas y sintetizadores congeniaban perfectamente. El rock holandés ya estaba para esos años, más influenciado por lo que pasaba en América e Inglaterra que por sus raíces locales. Años antes el solista Peter Koelewijn, una especie de Elvis nativo, había tenido gran éxito con su canción “Kom van dat dak af” (“Bájate del tejado”) y una tendencia de canciones rosas y melosas llamada levenslied, nos anticipaba el futuro XXX que impregnaría a la ciudad.

En los años 70, destacó el hit mundial de George Baker Selection, “Paloma Blanca” (sí, en español), una cursi canción que nos dio un poco de pena poner en la oficina para recordarla o Shocking Blue, quienes se hicieron súper populares con su éxito: “Never Marry a Railroad Man ¡(que pudo haber sido firmada por Creedence). Menos pragmáticos, Supersister, quienes hacían progresivo inusual y metían ritmos que los

puristas de la época catalogaban de ridículos (en realidad tenían mucho humor). Fueron incluidos en el soundtrack de Control, la película basada en la vida de Ian Curtis de hace algunos lustros. En esos mismos años de ruptura, destacan The Ex, banda seminal del punk de los Países Bajos, que nació en las calles de Ámsterdam y que estaba conformada por unos adictos a la heroína que tenían novias prostitutas que hacían porno (¿se habrá influenciado de este asunto Irvine Welsh?).

En los años 80, el hit “Deeper Shade of Soul” colocó a Holanda en el panorama. Los perpetradores es una agrupación llamada Urban Dance Squad, que mezclaban soul, hard rock y hip hop. Además, tuvieron a una especie de The Cure holandeses: The Essence, grupo goth-pop con cierta trascendencia en esos años oscuros.

En los 90, el metal sinfónico de

bandas como Within Temptation (liderados por la vocalista Sharon Den Adel), lograron conquistar al público de rock, pero también se expandieron hacia otros horizontes.

En 1994, se presentó por última vez el grupo hardcore Manliftingbanner, banda influenciada abiertamente por el comunismo. Esta tendencia de metal y hardcore logró emigrar hasta la siguiente década, con bandas de metal oscuro como Épica o unos sobrevivientes The Gathering, cuyo sonido era la antítesis de sus paisanos, los también holandeses Vengaboys.

Actualmente, Holanda importa muchos Djs: Afrojack (quien tuvo ondas con Paris Hilton y con…

Pitbull) o los famosillos Armin van Buuren y Tiësto, pero también a curiosidades como el grupo ¡Pendejo!, grupo de rock holandés que canta en español y hacen stone rock (juro que existen).

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CUATRO GRUPOS RECOMENDADOS

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DEWOLFF

FLORIS BATES

dewolff.nu Esta banda es hoy por hoy, la cara del indie rock psicodélico importado de Holanda. El power-trio ha publicado varios trabajos discográficos y prácticamente está de gira todo el año con un estilo que se anticipó al hipsterismo (look como de leñador) e influencias del rock sureño y el blues de antaño. No por nada ellos mismos se definen como raw psychedelic southern rock.

florisbates.bandcamp.com Hipersexual cantante glam que edita sus producciones tanto en cassette como en formato digital. Su estilo va más allá de las etiquetas: pop, sonidos vintage, lo-fi, folk bizarro. Uno de sus discos recientes, fue grabado en una casetera mientras el artista estaba internado en un sanatorio por desordenes mentales.

SUE THE NIGHT

HAPPY CAMPER

suethenight.nl

Last.fm/music/Happy+Camper

Hermoso proyecto de indie-pop con tintes de indietrónica, a cargo de una chica holandesa con alma de colibrí (así se define). En realidad, su sensible proyecto apela a ese sonido indie que todos sabemos de memoria, pero en el camino, le pone algo especial que le distingue del molde (y tiene una gran versión de Santigold).

Trabajo alterno de Job Roggeveen, integrante de El Pino and the Volunteers. Se trata de un pequeño proyecto de una sola persona, en el que da rienda suelta a su estilizado y ensoñador pop, cuyo personaje central es Mafred, un yeti animado que es como el alter- ego del artista.

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Música

“Prefiero que aquellos que no me entienden, interpreten los sonidos de la manera que sea que los hagan sentir”.

La música pop tiene, entre todas sus curiosidades, la facilidad de colocarnos en un estado de confort sublime. Todo parece estar en su lugar, se siente bien, pero puede que ya estemos aburridos. Entonces, Maria Usbeck llega en pleno 2016 para darle un toque latino a estos beats que buscan desesperadamente ser rescatados.

Mientras que para unos, el mundo puede parecer un lugar pequeño, para Maria Usbeck se trata de un territorio en constante evolución. En cada milímetro de la superficie hay una razón para crear algo, una nueva canción, una nueva pintura, una nueva sensación… Y a pesar de que los lugares pueden ser los mismos, los caminos nuevos son la clave para tener una aparición que inspire creatividad.

Bajo la siempre vanguardista label Cascine, Usbeck presenta su primer trabajo como solista titulado Amparo, una actualizada etnografía sonora de distintos rincones del mundo (principalmente de habla hispana). Es un disco pop con toques folclóricos; pero que no te engañe esta simple descripción, hablamos de un material efervescente producido por Caroline Polachek (de Chairlift), listo para ser digerido poco a poco hasta provocarnos un bienestar que parece ser eterno.

La primera vez que te escuche, me enamoré… De nadie en particular, sólo sentí esta cosa en la cabeza, en el corazón y en el estómago. ¿Ésta es una reacción normal a tu música?

Maria Usbeck: Es la primera vez que escucho alguien dice eso, ¡es algo que también me pasó! No cuando me escucho a mí misma, sino cuando escucho a otros artistas como Gigi Masin, por mencionar un ejemplo.

Su música puede contener una voz con mucho carácter, fragilidad, fuerza e historia, y cuando estas voces son utilizadas como instrumentos, pueden crear sonidos hermosos.

MARIA USBECK

Por favor, que el pop retumbe en todas las naciones

Leí que tu álbum debut fue escrito e inspirado por diversos países. ¿Podrías decirme una cosa en particular de cada uno de estos lugares que hayan influenciado a Amparo?

Los sitios que inspiraron a cada una de las canciones son en su mayoría países de habla hispana. La idea detrás del álbum fue regresar a mi lengua materna. Todo empezó en

TXT:: Pablo Pulido FOT:: Cortesía de Cascine

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la Isla de Pascua, en donde lo más cautivante son los moáis. Después decidí viajar a Ecuador para visitar a mi familia, y tuve esta necesidad de escribir sobre el ritual que los Incas hacían antes de comer. También escribí sobre las llamas, porque admiro su belleza y me recuerdan a mi hogar, me siento muy a gusto con estas criaturas. Posteriormente, viajé junto con dos amigos a través de toda la costa sur de España, de Barcelona al Vejer de la Frontera. Pasamos mucho tiempo en la playa, así que el explorar la desnudez fue un tema importante, el reflexionar sobre su relación con la religión y la culpa. Y por ultimo pero no menos importante, visité la selva de Costa Rica que se encuentra hasta cierto punto con el mar, fue algo único y me dio más material para escribir.

Pareces muy contemplativa en la portada del disco… ¿En qué pensabas cuando te tomaron la fotografía? ¿Con quién hablabas por teléfono?

Fue un día muy caluroso. Un par de amigos y yo nos estábamos quedando en un lugar que rentamos, el cual parecía que se había quedado estancado en los 70, lo cual explica la decoración y el teléfono antiguo. Pasaron muchas cosas durante esa semana de viaje. Enredos, discusiones, comidas que no sucedieron, viajes largos, playas…

Mucho para mantener mi mente a la deriva. El teléfono fue desconectado cuando la foto fue tomada. El cable no era lo suficiente largo. Y si tuviera que llamar a alguien, definitivamente no sería a mi mamá.

Mientras que bandas de Latinoamérica cantan en inglés para alcanzar una mayor audiencia, tú decides retomar el español. ¿No temes por las barreras que impone el idioma?

Para nada. El no saber un idioma, no necesariamente significa que no puedas entender lo que se dice, y una melodía puede contener palabras con tonos y emociones que son universales. Es como lo que dije en la primera pregunta, una voz es un instrumento más, como el piar de un ave. No tengo idea de lo que el ave está diciendo, pero puede que el sonido me haga sentir cosas. Prefiero que aquellos que no me entienden, interpreten los sonidos de la manera que sea que los hagan sentir. ¿Cómo describirías el trabajar junto con Caroline Polachek? ¿Podrías mencionar cuáles fueron los mejores y los más difíciles momentos en el estudio junto a ella?

Fueron dos de los meses más divertidos de mi vida, el trabajar con una de mis amigas más cercanas en mi primer proyecto como solista, ¿qué más podría pedir una chica?

Los mejores momentos fueron el poder desarrollar nuestras ideas, el poder tocar juntas y darle forma a los sonidos que queríamos lograr. La parte más difícil fue el comprender términos de ingeniería, ¡los cuales ahora ya entiendo!

“Moai y yo” es una hermosa canción… Contiene tantas analogías, en sonido y letra, acerca de la Isla de Pascua. ¿Qué tan difícil fue incluir un verso en el idioma Rapa Nui? Conocí a alguien en la isla que tradujo una frase para mí, un pensamiento que tenía desde que llegué… El idioma Rapa Nui tiene muchas vocales, es muy dinámico. Por lo que decidí utilizar los sonidos de las palabras para construir la melodía del coro de esta canción y continuar desde ahí para crear el ritmo y la dirección en general.

El reggeaton es uno de los géneros más amados y odiados en América del Sur. Historia distinta en algunos lugares del Reino Unido y los Estados Unidos, en donde realmente adoran el ritmo de este tipo de música. ¿Por qué crees que sucede esto? ¿Te parece interesante un género como éste?

¡Buena pregunta! Me fui de Ecuador justo antes de que el reggeaton se volviera tan popular. Recuerdo el no estar tan interesada en él la primera vez que lo escuché, pero rápidamente creció el gusto. Previo al reggeaton, escuché algo de reggae en español como El General, que si no me equivoco, fue a partir de dónde surgió todo, con esta canción, “Muévelo, muévelo”… El ritmo es pegadizo y contagioso, una vez más, a pesar de la barrera del idioma, la gente puede disfrutar y bailar con este tipo de música, es muy divertido y veloz. Lo interesante es que se trata de un collage de muchos géneros.

Creo que es una nueva manera de expresión que deberíamos saber apreciar. Tal vez no sea el tipo de ritmo que le gustaría a mi abuela, pero cuando la ponen en una bodega que está cerca de mi departamento, me pone a bailar. El reggeaton es como Nueva York, un crisol con una historia muy larga. ¿Cuál crees será la batalla más difícil que te enfrentarás en esta nueva aventura musical?

Justo estaba conceptualizando qué hacer para mi show en vivo. Nunca he tocado un show sola, siempre he tenido a una banda conmigo. Así que esto es un verdadero reto y estoy trabajando duro para averiguar qué hacer. Es emocionante el salir y hacer esto por mi cuenta. Eventualmente cuando pueda pagar una banda en vivo como la que aparece en el video “Mi Tierra” de Gloria Estefan, ¡lo haría sin dudarlo!

+ Ivy All Hours Nettwerk Productions, 2011 El gran retorno de esta banda de pop nacida en los 90. Fieles a su sonido original pero con cierta frescura que exigen los nuevos tiempos, este trío presentó en 2011 un disco igual de infravalorado que excelso.

Róisín Murphy Hairless Toys PIAS, 2015 Tuvieron que pasar cerca de 8 años, para que la exMoloko lanzara un nuevo disco tras ese increíble Overpowered. Para esta ocasión, la cantante se mostró más introvertida que tuvo como resultado un pop sui generis bastante adictivo.

Juana Molina Segundo Bla Bla Discos, 2000 El álbum que exportó a Juana Molina hacia otros públicos, logrando incluso ser firmada por ese delicado sello llamado Domino.

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Música

RADIOHEAD Amar duele

TXT:: Gian Carlo Araiza FOT:: Alex Lake/Cortesía XL Recordings

A Moon Shaped Pool. Una colección de momentos en la historia pasada y presente del cantante, que se cohesionan de forma extraordinaria con la experiencia de los otros cuatro miembros, para contar una historia de amor, pérdida, alienación, conciencia y paranoia.

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Terminar ciclos siempre deja heridas.

Incluso en situaciones positivas (como al graduarse, cambiar a un mejor trabajo, o mudarse a un lugar más grande), el nivel de estrés se dispara de forma proporcional a las expectativas que se generan, y puede llegar a niveles preocupantes. Sobra decir que en el caso de las relaciones interpersonales, la herida se adereza con limón, sal y piquín. La asignación de culpas; la incertidumbre sobre el futuro –que regresa a su modalidad normal de “1”, cuando en realidad se debería contabilizar bajo un promedio de “0.70”; el inexorable recuento de errores y omisiones, con la consigna tácita del reconocimiento como medida preventiva a posteriori; y cargar el estandarte del corazón tumefacto, más púrpura que rollizo. Si, aún en un contexto positivo. Después de todo, es un fracaso. Una pérdida.

Cada persona canaliza en forma distinta su duelo. Los expertos en la disciplina científica de la tanatología insisten en encasillar este proceso físico y emocional dentro de cinco etapas fundacionales, que se presentan en el siguiente orden: negación; enojo; negociación; depresión; y aceptación. Sin embargo, la historia del arte nos enseña que hay una condición adicional, capaz de insertarse a discreción entre cualquiera de las “oficiales”, y con el maquillaje y oropeles suficientes para transformar el desastre de Katrina, en la cuaresma de Mardi Gras: la etapa creativa.

A mediados de agosto del año pasado, trascendió la noticia de la separación –en términos “perfectamente” amigables- de Thom Yorke y su pareja sentimental Rachel Owen.

En ese momento, la decisión causó impacto entre el universo del celebrity gossip media, que se regocijaban en la longevidad de la relación.

Para quienes abrazaban el 2015 por ser el cuarto año de separación “entre-discos” de Radiohead (con base en una suerte de tradición que procuraron desde 2003 con Hail To The Thief, y que se extendió hasta 2011 con The King Of Limbs), la nota profesaba también la postergación de un nuevo disco. Aunque, en un tercer plano, abría la posibilidad de que esta nueva circunstancia podría ser catalizadora para el concepto del próximo material. Después de todo, la sexta etapa puede surgir en cualquier ambiente.

Nueve meses después, aparece A Moon Shaped Pool. Una colección de momentos en la historia pasada

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y presente del cantante, que se cohesionan de forma extraordinaria con la experiencia de los otros cuatro miembros, para contar una historia de amor, pérdida, alienación, conciencia y paranoia. Seleccionamos cinco canciones que representan los “estados” principales del disco.

BURN THE WITCH La dura crítica hacia una sociedad enfocada a ver terroristas potenciales en cada persona que no sea de su mismo clan. El arrebatador arreglo de cuerdas de Jonny Greenwood, con el inteligente uso de la técnica de col legno, refuerza firmemente el mensaje, para tatuarlo en la mente desde su primer escucha. Definitivamente, el acercamiento del guitarrista al mundo cinematográfico por la vía de la música incidental le ha abierto un nuevo mundo de posibilidades, que acomoda de forma brillante en el sonido del grupo. La línea de bajo tiene reminiscencias de Airbag, la primera canción de OK Computer.

DAYDREAMING El artista vive en un mundo irreal, en el que no hay espacio para la cotidianidad, y corre el peligro de retraerse ante cualquier indicio de esta; aun cuando corre el riesgo de erigir un muro entre él y su círculo más cercano, porque todo el amor de éstos no se iguala con el fervor de miles de fans. En el estupendo video dirigido por Paul Thomas Anderson se cuentan 23 puertas que Thom Yorke abre, en alusión a los mismos años que duró con su expareja. Durante la frase “the damage is done”, abre una que le conduce hacia un bosque, cuya majestuosidad se reduce a una pintura unidimensional y un tapiz de naturaleza muerta, en el interior de una casa. Las imágenes ofrecen una segunda interpretación a esta sutil belleza.

GLASS EYES Una letra honesta y muy íntima, que refleja el miedo de reconocer que el amor se va enfriando. La voz de Yorke se escucha cansada, casi abatida. La canción más corta del disco es probablemente la más lastimera y profunda.

THE NUMBERS El llamado a los líderes del mundo para tomar real conciencia y responsabilidad sobre el daño que infligimos al medio ambiente. La canción fue interpretada en público por primera vez en el concierto celebrado en París

en diciembre del año pasado, en el marco de la Conferencia de Naciones Unidas sobre Cambio Climático. El evento fue organizado por la asociación civil 350, en la que Thom Yorke apoya de forma constante.

TRUE LOVE WAITS Tal vez el reto más importante del grupo fue llevar a buen puerto la canción que más tiempo había permanecido en lista de espera*. A pesar de ser una vieja conocida tras su aparición en el EP en vivo I Might Be Wrong, no se había logrado el arreglo ideal que le hiciera justicia.

En palabras del productor Nigel Goodrich, “podíamos hacer que sonara como John Mayer, y nadie quería eso”. La solución fue dar el tratamiento de eco al piano de acompañamiento, como hizo Depeche Mode en la canción “Sometimes” de su disco Black Celebration.

Como ya es costumbre, la nueva producción de Radiohead ha despertado una actividad extraordinaria entre propios y extraños; se pueden encontrar todo tipo de teorías sobre el significado de cada palabra, sobre cualquier imagen y cuadro por segundo. Si bien el punto más frágil del grupo siempre ha sido explicar el concepto de sus canciones (ya que, al parecer entre los mismos integrantes hay discrepancias sobre ese respecto), también se convierte en una virtud, al alimentar la mitología que les rodea. Tal vez la explicación más elocuente es la que publicó la bailarina tribal Lorena Rojas en sus redes sociales: “Este disco no se puede explicar, nomás se siente...”. *La mayoría de las canciones de A Moon Shaped Pool fueron compuestas antes de 2015, y algunas datan de hace más de veinte años. De acuerdo con la declaración que el guitarrista Ed O’Brien hizo a la revista Spin en 2003 sobre el proceso creativo del grupo, Yorke envía los esqueletos de sus composiciones interpretadas en piano a los demás miembros; después de un periodo de asimilación se reúnen para integrar las aportaciones de cada instrumento y realizar arreglos generales. Una vez que la canción tiene cuerpo, la incluyen dentro del repertorio en vivo, para poner a prueba sus valores. La llevan entonces al estudio de grabación para que quede registrada, y finalmente la incluyen en lo que podríamos considerar como una lista de espera para incluirla en un disco.

+ Frank Sinatra Watertown Reprise, 1970 El que grabara en 1955 el primer disco sobre los desazones de una separación (In The Wee Small Hours), regresaría a dar una segunda lectura al tema, en un trabajo conceptual impecable. Un álbum al mismo tiempo angelical y desolador.

Nina Simone y Cake, entre otros, le han rendido homenaje.

Modest Moussorgsky Night on Bald Mountain Telarc, 2007 La obra maestra del compositor ruso, que introdujo el recurso del Col Legno (golpear las cuerdas de un instrumento con el dorso del arco) a un público general. Esta versión de la Cleveland Orchestra, dirigida por el francés Lorin Maazel es reconocida como la mejor que se haya grabado en la historia.

Steve Mason Monkey Minds in the Devil’s Time Domino, 2013 Tercera producción solista del otrora líder de The Beta Band. Es considerado uno de los artistas más comprometidos en los terrenos político y social. Mientras la carga lírica se inclina hacia el sueño de una revolución, la música explora distintas expresiones de alegría. Una joya para bailar, cantar y marchar.

Música

El futuro parecía haber terminado allí mismo. Parado frente a aquella encrucijada. Dos opciones nada alentadoras. Había que elegir una.

A la derecha el costoso club. Ése de los 27. A la izquierda, una maldición.

La del tercer disco. No había forma de escapar. Si una decisión lo había llevado hasta ese dilema. Tal vez otra lo salvaría.

EL SUEÑO DE IR RÍO ARRIBA Llegaron los 21 años. Allí decidió dejar atrás el encierro. Había pasado demasiado tiempo en su cuarto. Exorcizando sus demonios.

Solamente con su voz y una computadora. Decidió irse por la disquera inglesa Hemlock. Su 12 pulgadas traspasó los oídos franceses de Gilles Peterson.

Influenciado por el dúo británico Mount Kimbie. Air & Lack Thereof supuraba post-dubstep. A pesar de que no existía aún. Klavierwerke EP y CMYK EP (R&S, 2010) lo pusieron justo enfrente de la puerta. Esa que al cruzar te vuelve leyenda. Logró abrirla decodificando a Feist. “Limit to Your Love” fue la elegida. Ahora no había más límite.

NO LOS CULPO Era momento del debut en forma.

Simplemente titulado James Blake (Atlas Recordings, 2010). Un joven inglés con alma vieja. El soul con estructura de jazz. Las voces atascando miles de capas. Sus cuerdas vocales clonándose.

Sintetizadores sutiles acariciando el espíritu. Sonidos graves estremeciendo el corazón. La piel desgarrándose a través de las palabras. Oraciones desnudando sentimientos. Parecía haberse creado hace muchos años atrás. Sin embargo, todos sabían que se trataba del futuro. El niño prodigio había destripado al dubstep. Solamente para tragarse sus entrañas.

Escupirlas en forma de sonidos perfectamente estructurados. ¿El precio? Su hermana y hermano ya no le dirigían la palabra.

NO QUIERO SER UNA ESTRELLA La escalada iniciaba. Un pequeño cambio de rumbo. El rhythm & blues

se colaba. Bon Iver y Matt Colton se unían. Enough Thunder (Atlas, 2011) y Love What Happened Here (R&S, 2011). Despojados de electrónica.

Con el alma por delante. No era un desvío. Simplemente el amor lo había invadido. “No puedo negarlo.

No hay otra explicación sobre lo que he estado escribiendo. Ocurrió. Me puso en shock. De repente me golpeó”.

Y apareció Overgrown (Atlas, 2013).

Sonidos absorbidos de Justin Vernon y Kanye West. Procesados por el magnífico toque de Blake. Ahora todos se rendían ante el soul electrónico.

Incluido al Mercury Prize y al gran Brian Eno. Se había destapado la gran olla de oro. El sello 1-800 Dinosaur vio la luz. La residencia en BBC Radio 1 estalló alrededor del mundo. Todas las miradas. Los cuestionamientos.

Unos lo trepaban hasta los cuernos de la luna. Para otros simplemente se trataba de un retrógrada. Ahora estaba por su cuenta.

SILENCIO EN LA RADIO Bifurcaciones imperceptibles.

Decisiones insignificantes. El anuncio de material nuevo para 2015.

Lanzamiento de nuevos sonidos que parecían vacíos. Todos eran capaces de sonar como él. Menos Él. Los fantasmas de Beyoncé y Drake. Un nombre falso. Una capa nebulosa.

Grisácea. Densa. Futuro incierto. Tuvo que pisar el freno a fondo. Cerrar los ojos. Mirar hacia sus adentros.

Replantearse todo. Despegó sus párpados. Paisaje claro. Una tabla de madera con dos letreros a punto de caer. Ambos señalaban en direcciones contrarias. Con letras apenas legibles. En el derecho se podía leer: “Club de los 27”.

“Maldición del Tercero” es a donde guiaba el izquierdo. Allí mismo, el futuro parecía haber terminado. No podía creerlo.

QUE ARDA EL BOSQUE Sacó de su bolsillo un paquete de cerillos. Bastaba con el último que quedaba. Lo lanzó encendido.

Exactamente a la mitad de aquella encrucijada. Silencio total en el corazón. Momento de exorcizar el alma a través de las palabras. “No puedo creer esto, no quieres verme. No

puedo creer esto, no quieres verme. No puedo creer esto, no quieres verme”.

El paisaje lentamente se coloreaba.

El R&B bailaba sensualmente con el post-dubstep. Al compás de una voz profunda que provenía de años atrás.

“No más ella”. En un loop indefinido.

Un piano apareció frente a James.

Sus manos conocían la secuencia.

Su color se desvanecía. Mientras sus alrededores lo absorbían. “Ámame en cualquier forma”. El tiempo ya no existía. Había que deslizarse a las sombras. Sólo así se proyectaría hacia el exterior. Una especie de chamán se materializó sobre su cabeza. Se hacía llamar Rick Rubin. “¿Podrías contarme de aquellos primeros tiempos?”. Repetía con una voz procesada. Diferentes efectos.

Capas superpuestas. Blake armaba una frase en su cabeza. “Espero que mi vida no sea un signo de estos tiempos”. Tenía que convencerse.

Exorcizarse. Mensaje tras mensaje.

El ambiente transpiraba un raro dolor. Pero seguía iluminándose.

Hasta que Bon Iver apareció. En medio de las llamas que devoraban el bosque. “Para arder como el cedro, solicita otro sueño”. Sutiles capas sonoras. Efectos de enorme finura. Repeticiones que se pierden en el infinito. Entendió que este cruce siempre había estado en su destino. Allí tenía que encontrarlos.

Había llegado el momento de que todo terminara. Un buen invierno lo había logrado. Allí parado como una sombra gris. Rodeado de un paisaje multicolor. El verano había comenzado. “El mundo es dulce. Tan fácil. No tengo más miedo. Ningún dolor. Así es como quiero sentirme”. Comprendió que todas aquellas canciones habían estado con él siempre. Ya no había más encrucijada. El exorcismo se completaba después de 76 minutos y 13 segundos. Cada memoria construyó la paz en su alma. Miró detenidamente el futuro. Todo estaba claro. Transparente como el aire.

Y no era su imaginación. Por fin, había hallado The Colour in Anything (Universal, 2016). Volteó un segundo hacia donde estaban Rubin y Vernon.

“La música puede ser TODO. Los veo en el laberinto”.

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+ El soul con estructura de jazz. Las voces atascando miles de capas.

James Blake Overgrown Atlas, 2013 Letras que se estructuran perfectamente creando sentimientos agridulces. El soul, post-dubstep y R&B se desnudan completamente para rendirse ante las manos y voz de un alma vieja.

Sam Cooke Portrait of a Legend ABKCO, 2003 Un viaje que inicia con las maletas llenas de gospel y termina con una noche en la playa del R&B. Blake se pasaba los días absorbiendo por los oídos el alma de esta leyenda del soul.

JAMES BLAKE Exorcismo en loop eterno

TXT:: Jaime Acosta FOT:: David Levene

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Mount Kimbie Crooks & Lovers Hotflush, 2010 El dúo conformado por Dominic Maker y Kai Campos siempre ha estado presente en la vida de James; tanto, que los ha señalado como su más grande influencia del lado electrónico.

Omar necesita la mente desequilibrada de Cedric para crear letras acordes al estruendo de su guitarra, y Cedric necesita la visión y ejecución de su amigo para poder escupir su poesía.

La amistad como motor y fuente creativa

TXT:: Romina Pons FOT:: Archivo

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Son varios los ejemplos de genialidad creativa que pueden encontrarse en duplas dentro del rock: Lennon-McCartney, PagePlant, Jagger-Richards, Flea-Kiedis, Slash-Axl Rose, etcétera. Como dos elementos químicos que unidos crean un compuesto más fuerte, estas uniones han protagonizado algunos de los momentos más importantes de la historia del rock.

El común denominador – además de guitarra y voz– suele ser una entrañable amistad, y el caso de Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala no es la excepción.

Rodríguez-López nació en Puerto Rico, pero creció en El Paso, Texas, donde vive actualmente.

Empezó tocando el bajo, a los 15 pasó a la guitarra y ahora es multiinstrumentista. Sus primeras influencias fueron Charlie Palmieri, Larry Harlow, Fania y La Sonora Ponceña. Este amor por la salsa venía de su papá, un médico y reconocido músico de salsa.

Bixler-Zavala nació en Redwood City, California y sus padres son mexicanos. Su papá le enseñó a leer y escribir en español y desde muy pequeño se sintió identificado con la cultura chicana. Estudió parte de su primaria en Ciudad Juárez, aunque vivía en El Paso. Era fanático de los cuentos tradicionales mexicanos y la biculturalidad de la frontera, pero fue en el punk donde encontró una válvula de escape a sus emociones adolescentes.

At The Drive In fue fundada en 1993 por Cedric y Jim Ward. Luego de algunos cambios de alineación, se integra Omar, a quien conocieron a través de Paul Hinojos, quien también se integró junto con Tony Hajjar. La banda comienza a grabar música con una postura social que reflejaba lo que vivían como migrantes, la discriminación a la que eran sujetos y el constante contacto con la cultura mexicana gracias a su vida de frontera. El resultado fue un sonido post-hardcore cargado de mensajes sociales. Desde entonces, podía escucharse la conexión que existía entre los riffs de RodríguezLópez y los aullidos de Bixler-Zavala.

La epítome de la ideología de ATDI se encuentra en el video, letra y melodía de “Invalid Litter Dept.” del disco Relationship Of Command, de 2000: un sonido agresivo y poderoso, una letra cargada de simbolismos y protesta, y crudas

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imágenes de los casos de las Muertas de Juárez, una realidad con la que ellos crecieron.

Gracias a las constantes giras con At The Drive-In, Omar y Cedric pudieron conocerse mejor, intercambiar ideas y descubrir el universo del otro. Como suele suceder con bandas que llegan a un estatus de culto de manera inesperada, ATDI se separó en la cima de su carrera por diferencias creativas.

Ward, Hinojos y Hajjar formaron Sparta, y Omar y Cedric exploraron su capacidad creativa juntos.

Comenzaron a experimentar con sonidos e ideas, y de esta manera formalizan DeFacto, un proyecto con el que habían explorado ritmos latinos, reggae, dub y efectos de sonido. Esta banda fue la antesala a The Mars Volta.

Después de sacar el EP Tremulant, Cedric y Omar se encerraron con Rick Rubin en su estudio conocido como The Mansion.

No salieron de ahí hasta terminar la composición de lo que se convertiría en el De-Loused in the Comatorium, el disco debut y más exitoso de The Mars Volta. El proceso creativo fue denso y desgastante, pues estuvieron dentro todo el tiempo en esta casa supuestamente embrujada, donde otras obras maestras de la música alternativa fueron concebidas, como el Blood Sugar Sex Magik de Red Hot Chili Peppers, 99 Problems de Jay-Z, Mesmerize de System of a Down y This Is Happening de LCD Soundsystem.

El resultado fue un álbum conceptual basado en una historia escrita por Cedric, donde el protagonista intenta suicidarse con una sobredosis de morfina.

En lugar de morir, entra en coma y experimenta situaciones irreales en otro plano de conciencia, así como la lucha entre el bien y el mal.

Logra salir de ese estado y vuelve a buscar la muerte, esta vez con éxito. La historia está basada en los acontecimientos sucedidos a Julio Venegas, artista chicano y gran amigo de Cedric, quien terminó su vida arrojándose de un puente de El Paso en 1996.

Para la grabación contaron con el apoyo de John Frusciante y Flea, y para salir de tour, constituyeron The Mars Volta con Jeremy Ward, Ikey Owens y Jon Theodore. La alineación cambió constantemente durante los seis discos que

realizaron, siendo la dupla de Omar y Cedric la única constante.

En 2012, la banda terminó abruptamente tras una declaración de Cedric en la que aseguró no volver a trabajar con Omar. ¿La razón? Rodríguez-López formó un nuevo proyecto llamado Bosnian Rainbows sin tocar base con su mejor amigo. También existían diferencias filosóficas y hartazgo.

La pelea duró un buen rato, mismo que sirvió para que cada uno experimentara sin el otro y realizaran metas personales. Las amistades tan intensas suelen ser fructíferas, pero agotadoras, y ambos se sentían drenados. Omar continuó con Bosnian Rainbows e hizo varios experimentos cinematográficos, aunque ninguno ha sido publicado hasta el momento. Cedric fundó el grupo Zavalaz y formó una familia con la actriz Chrissie Carnell.

El tiempo es sabio y cura heridas. Cada uno entendió el papel que juega en la vida del otro, la fuerza de su unión y la manera en que explotan su mutua genialidad. Omar necesita la mente desequilibrada de Cedric para crear letras acordes al estruendo de su guitarra, y Cedric necesita la visión y ejecución de su amigo para poder escupir su poesía.

En 2014, sanan la relación y reemergen, esta vez bajo el nombre de ANTEMASQUE. Anunciaron el proyecto el 9 de abril de 2014 lanzando el sencillo “4AM”. Con disco homónimo y nueva alineación, el dúo salió de gira por todo el mundo dejando claro que estaban de vuelta.

La filosofía maya asegura que el tiempo es cíclico; se vuelve al mismo punto, pero desde un lugar distinto para crecer y apreciar lo que antes no podía verse. Por eso, deciden poner en pausa el segundo álbum ya grabado de ANTEMASQUE para revisar sus raíces: At The Drive In. Con la excepción de Jim Ward, los outsiders de El Paso se reunieron este año para una gira cargada de nostalgia y justicia social.

Los rumores dicen que la química entre ellos es más fuerte que nunca, pues no hay muertes ni drogas de por medio que eclipsen la luz. Son los mismos jóvenes con sed de justicia que gritaban juntos en los años 90, pero más maduros y experimentados. No me extrañaría que nos sorprendieran con un nuevo disco en los próximos meses.

+ De Facto Megaton Shotblast Gold Standard Laboratories, 2001 El proyecto paralelo a At The Drive In que tuvieron Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala junto con Jeremy Ward e Isaiah “Ikey” Owens, quien muriera en un hotel de Puebla el 14 de octubre de 2014 acompañando a Jack White en su gira. Es un disco prácticamente instrumental que explora ritmos como el dub, reggae, jazz y electrónica.

The Fall of Troy Manipulator Equal Vision Records, 2007 Poderoso trío de post-hardcore de Mukilteo, Washington. Éste es su tercer material, y destaca por el balance perfecto logrado entre screamo, math rock y ambientes melódicos. Lo grabaron a los 21 años y su disco debut a los 17. Se separaron y volvieron a reunirse en 2013. Destacan “Quarter Past” y “Shhh!!! If You’re Quiet, I’ll Show You a Dinosaur”.

Circa Survive Blue Sky Noise Atlantic Records, 2010 De las pocas bandas de post-hardcore que han sabido reinventarse y continuar en la jugada. Si bien éste no es su disco más representativo, es en el que experimentan con un sonido más brillante y rítmico, incluyendo ritmos más indie. Su vocalista, Anthony Green, también forma parte del súper grupo The Sound Of Animals Fighting.

Música

MATEO KINGMAN Música futurista desde el corazón del Amazonas ecuatoriano

Al principio, la selva se manifiesta – está ahí una noche cualquiera-; ¡esto es la Amazonía! Y una voz joven canta: “Los truenos ya murmuran… la selva se sulfura… ¡Eres lluvia!”. La fascinante exuberancia de la naturaleza vuelta un flow suave, acariciante, místico – dedicado a Santo Severino–. Arriba la tormenta y el agua, y todo se compone y cobra sentido.

Así es “Lluvia”, el tema que tira por delante el ecuatoriano Mateo Kingman, un inmenso talento emergente que prolonga el excelente momento de la música de su país, al tiempo que sumerge al escucha en un trance delicioso que nos reconcilia con los orígenes y el respeto por la Tierra.

Apenas hace unos cuantos días, sumió a los asistentes de los showcases de la FIMPRO de Guadalajara en un sopor entre ancestral y futurista al combinar electrónica, hip hop y folklore amazónico, cuando nos enteramos que pasará por la Ciudad de México para tocar en el Festival Internacional Tlalpan 2016, a celebrarse del 11 al 19 de junio en espacios públicos. Mateo tiene confirmado un concierto el 15 en la explanada de la delegación.

Ello motivó a Marvin para conversar con el músico, encargado de componer, cantar y los efectos, en una agrupación que se completa con Sebastian Schmiedl (batería, percusiones y sencuencias); Pablo Berwanger (bajo); y Alejandro Mendoza (sintes y secuencias).

Es normal que se tengan expectativas antes de asistir a un festival en el extranjero, pero una vez que hay distancia de su actuación en la FIMPRO, ¿qué aprecian de su intervención y de la feria en general?

FIMPRO fue muy especial para nosotros; es un espacio en donde se cohesionan las energías musicales de toda Latinoamérica. Es un espacio muy poderoso. Nos gusta entregarnos enteramente al momento de subirnos a cualquier escenario, a nivel de sonido y a nivel de energía; en FIT vamos a sacar todo.

TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Mateo Kingman (Archivo personal)

¿Cómo fue su experiencia al conocer a Gustavo Santaolalla? ¿De qué conversaron?

Antes de empezar a caminar, ya admiraba a Santaolalla; cuando nos llamó, no lo podía creer y estaba muy nervioso, pero cuando llegué, todo fluyó muy bonito. Él transmite paz, calma y serenidad.

Conversamos acerca de mi álbum Respira, me dijo que era “un disco

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sanador” y que quiere visitarme en la Amazonía. A mí no me queda más que agradecer a la vida por tan lindo encuentro y… Respirar. ¿Cómo es tu relación con todo lo que rodea a la Amazonía para que decidieras incorporarlo a tu música? ¿Visitaban con frecuencia o radicaron ahí?

Yo crecí en Macas, un pueblito en la Cordillera del Cóndor en la Amazonía; viví allí hasta hace poco porque mis padres fueron a trabajar con el pueblo Shuar. Mis panas, con quienes hacemos el proyecto, son de Quito, pero se han involucrado mucho con mi espacio natural y se han vuelto parte de él.

Nos gusta lo universal y lo que no tiene limitantes como géneros y subcategorías.

Pero también nos gustan las características y las posibilidades sonoras que te dan las expresiones tradicionales, milenarias.

En general, ¿el pueblo ecuatoriano tiene ese interés y respeto por la naturaleza que ustedes muestran en sus canciones?

No todos. Hay una nueva conciencia ecológica, pero que no es distinta a la corriente ecológica mundial creciente. Se ha abusado de los recursos naturales existentes en el país y seguimos haciéndolo de manera poco recíproca (Ecuador vive del petróleo) con la tierra que todo nos ha dado. ¿En qué medida la cultura de la Ayahuasca influye en el concepto total de su propuesta?

Yo hice un fuerte trabajo con las plantas amazónicas, que me cambió la vida. Este primer álbum tiene mucho de mis aprendizajes en ese mundo invisible que existe detrás de este mundo sensible.

En cuanto a la parte electrónica (que en directo cobra fuerza) y el hip hop, ¿cuáles podrían señalar como sus influencias fundamentales?

Nos gusta escuchar muchas cosas nuevas. A nivel de sonoridades, hemos buscado un equilibrio entre lo orgánico y lo electrónico. Nos gusta mezclar sonoridades de bombos de madera y cuero con máquinas.

Creemos mucho en la innovación de la tradición a través de las sonoridades universales de síntesis.

También hacemos mucho sampleo.

El hip hop viene por Control Machete, Mala Rodríguez y muchos otros raperos anglos. Siempre me gustó la idea de poder mezclar hip hop con melodías tradicionales, pop y otros elementos más externos. ¿Consideran que en la música que se produce en el presente cada vez se están desdibujando o perdiendo

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los límites entre los géneros tradicionales? Ustedes mismos hacen algo que funde diversos elementos en una sola cosa...

Nos gusta lo universal y lo que no tiene limitantes como géneros y subcategorías. Pero también nos gustan las características y las posibilidades sonoras que te dan las expresiones tradicionales, milenarias.

Seguramente, en algún momento, no habrá más géneros, sino solamente músicas del mundo mezcladas con otras músicas del mundo. ¿Van a seguir promoviendo el material grabado hasta la fecha o buscarán proyección internacional a partir de música nueva?

Vamos a tocar este álbum un tiempo más y lanzaremos dos videos más del disco. Pero ya tengo nuevas ideas y muchas ganas de grabar el segundo. Queremos entrar en plenos circuitos internacionales para poder mostrar este trabajito que hacemos con el corazón.

En varios espacios se ha comentado acerca de lo que está emergiendo de Ecuador. ¿Qué nos pueden contar de los artistas nuevos? ¿Qué características son las más importantes? ¿Los músicos comparten agrupaciones?

En el Ecuador, se está dando una fuerte necesidad de recuperar la música tradicional y exponerla en el presente de distintas maneras.

Nicola Cruz, Quixoxis, EVHA y varios más están experimentando con la música tradicional y otros elementos electrónicos más “contemporáneos”.

Hay otro tipo de experimentación más académica, pero igual de fusión y, en general, se siente una nueva ola de música con identidad propia en ebullición. Yo tengo mi proyecto solista como Mateo Kingman, en donde tocan también Pablo Berwanger, Sebastián Schmiedl y Alejandro Mendoza, con quienes también tenemos un proyecto que se llama EVHA. En cierta medida, ¿el éxito y la proyección de Nicola Cruz han ayudado a que el periodismo mirara hacia Ecuador? Incluso los argentinos de ZZK Records abrieron una filial de su sello en el país… ¡Totalmente! Nicola ha sido fundamental para que Ecuador se ponga en el mapa con más fuerza y ZZK Records son responsables de muchas cosas también; ellos han fundado AYA Records, en Ecuador, y han firmado ya con varios proyectos muy buenos.

+ Nicola Cruz Prender el alma ZZK Records, 2015 El ecuatoriano que va abriendo brecha por el mundo; combina electrónica con folklore andino. ¡Delicioso!

La Yegros Magnetismo Soundway Records, 2016 La reina del Chamamé es experta en mezclarlo con electrónica, pop y hip hop. Este álbum está recién salido del horno.

Faauna Psicodelia Cosa Seria Concepto Cero, 2015 Al momento de que la cumbia digital estallaba, ellos eran parte de ZZK Records; ahora marchan por otros caminos, pero su música no deja de ser exuberante y surreal.

Música

ESPERANZA SPALDING El padre que nunca tuvo era afroamericano y su cercana madre es galesa, pero de orígenes hispanos. ¿Cómo no iba a brotar un mestizaje tan real e intenso y lleno de referentes?

Un revolcón evolucionado para el jazz

TXT:: Jaun CArlos Hidalgo FOT:: Drew Gurian

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Resulta muy interesante que todavía se den reacciones inesperadas entre los consumidores de lo que podríamos llamar música avanzada y cuya presencia es notable en los elencos de los festivales más influyentes del mundo. Desde la edición de The Epic el año pasado, el norteamericano Kamashi Washington se puso bajo los reflectores de escuchas, periodistas y organizadores de eventos que no pertenecen de lleno a la escena internacional del jazz.

De repente, tanto los consumidores de indie, como de electrónica pusieron atención en un combo de músicos que optaron por una manera arriesgada y vigorosa del jazz que se produce en la actualidad. De Estados Unidos para el mundo, prolongando un sendero que en Europa han ido pavimentando visionarios como Bugge Wesseltoft, Nils Peter Molvaer y Eric Trufazz, entre otros heterodoxos.

En todos sentidos, es interesante que tal tendencia continúe y este año el protagonismo lo lleve otra artista norteamericana.

Nacida en 1984, pero ya con una larga trayectoria, está obteniendo gran repercusión a través del disco en que más se aleja de los convencionalismos y apuesta por hacer coquetear al jazz con partículas sonoras procedentes del R&B e, incluso, del pop (a quien los fundamentalistas tanto temen).

Esta mujer fue un talento precoz de enorme proporción. Basta mencionar que a los 21 años no sólo había egresado del Berklee College of Music, en Boston, sino que, además, se convirtió en profesora para muy pronto ser parte de los grupos de varias figuras de leyenda como Michel Camilo, Stanley Clarke, Pat Metheny, Joe Lovano y especialmente de la cantante Patti Austin.

En sí mismo ya es un logró importantísimo en la vida de un músico, pero ella no se ha conformado; está dispuesta a toda costa de hacerse de un lugar con su propuesta más personal. De hecho, le ha restado importancia a ganar el premio Grammy para artista revelación en 2011 (que el mundo entero esperaba que fuera para Justin Bieber), siendo la primera jazzista en obtenerlo. Esperanza está acostumbrada a los grandes esfuerzos; no en vano salió de un barrio popular peligroso en su Portland natal. Fue muy importante el apoyo que recibió de su madre, que sacaba adelante el hogar sin la presencia paterna.

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Pese a las dificultades económicas, encontró la manera de desarrollar una vocación que le llegó muy temprano. Ella cuenta que a los cuatro años quedó perpleja cuando vio en la televisión al violonchelista Yo-Yo Ma y decidió que seguiría sus pasos. Y no perdió el tiempo.

Al año siguiente, ya tocaba el violín, instrumento que aprendió por sus propios medios. Hoy día es una bajista y contrabajista de excepción, que además canta y compone con gran capacidad de riesgo.

Y es que gradualmente fue cayendo en la necesidad de ampliar su espectro sonoro. Digamos que comenzó más ceñida a los cánones y la tradición. Comenzando junto a Noise for Pretend en 2001 con Blanket Music/Noise For Pretend. Pero una colaboración que marcó un punto de quiebre fue el álbum The Toys of Men, que grabó junto al gran Stanley Clarke en 2007, que influyó en los cambios que experimentó entre su debut solista –Junjo (2006)– y el siguiente –Esperanza (2008)–.

Lo que ha ido buscando es mayor soltura y flexibilidad; por ello, se inventó incluso un álter ego. Su quinta entrega bajo su cargo se llama Emily’s D+Evolution (Universal), y precisamente el nombre que lo apertura es el segundo que ella tiene de pila. Se trató de una decisión que le ha permitido actuar con mayor libertad, tal como Esperanza apunta: “Uso a este personaje fresco como mi navegante interior. Este proyecto es como volver a reclamar la curiosidad, utilizándolo como una brújula para avanzar y ampliarse”.

La estrategia fue similar a la emprendida por otros grandes – como Picasso-, además de retomar la espontaneidad e inquietudes de la infancia. Así fue como recurrió a su gusto por el teatro y la poesía. Emily’s D+Evolution es un álbum entero de canciones que se le mostraron “como viñetas vivas musicales”.

Esperanza resume que una noche previa a su cumpleaños, tuvo claro cuál sería la esencia de su siguiente incursión que, finalmente, culminó en 14 canciones (en su edición de lujo).

Cada tema obedece a un movimiento específico que hace con el cuerpo – como si estuviera jugando–.

Luego vino un proceso que nos remonta al pasado de la industria discográfica y al que ya casi no se recurre –sobre todo

por cuestiones de presupuesto–.

Primero se concentró con sus músicos a componer y detallar el material en una sala de ensayo.

Una vez preparados, emprendieron una gira para foguear los temas en directo y sacar conclusiones. Con la claridad de los ajustes por hacer, se instalaron en el estudio para registrarlo formalmente.

El resultado es efervescente y prospectivo; no en vano ha asimilado el pensamiento de otro virtuoso con el que ha tocado. Wayne Shorter suele repetir: “Deberíamos usar lo mejor del pasado como una linterna para el futuro”. Y así lo ha hecho en este disco; desde la inaugural “Good Lava”, todo un torrente de sonidos volcánicos que incluyen trozos ardientes de funk y soul.

El padre que nunca tuvo era afroamericano y su cercana madre es galesa, pero de orígenes hispanos. ¿Cómo no iba a brotar un mestizaje tan real e intenso y lleno de referentes?

Incluso prueba con “I Want It Now”, uno de los temas de la versión musical Charlie y la fábrica de chocolate, a partir de la novela de Roald Dahl.

En cada gesto de este álbum existió arrojo; desde la decisión del productor Karriem Riggins, quien decidió grabar sesiones en directo desde un estudio de Los Ángeles y conservar las sensaciones de tocar en vivo. Posteriormente, depositaron en la gracia de Tony Visconti seis de los temas, en lo que deja en claro lo impredecible que puede llegar a ser a cargo de los controles y la producción.

Pero también trabajó con Will Weigler para conservar ese acento teatral.

Emily’s D+Evolution nos sumerge en lo sofisticado del jazz desde el desparpajo de un pop elegante e intelectual. Al final del túnel, atisbamos hacia dónde se encaminará la música en el futuro cercano. ¿Será que otros tantos no puedan apostar por la misma senda?

+ Janelle Monae The archandroid Bad Boy Entertainment, 2010 Es tanta la fascinación de la Spalding por este disco, que se declara ser el instrumento que la protagonista de esa ficción musical toca.

Herbie Hancock The imagine Project Hancock, 2010 Si alguien ha conseguido quitarle el corsé al jazz contemporáneo, ése es el virtuoso de Chicago.

Esperanza Spalding Radio Music Society Heads Up International, 2012 Vale mucho la pena escuchar este disco de 2012 para comparar y apreciar todo lo que ganó al quitarse lastres y ataduras.

Festivales ¿Recuerdan la segunda película de Wayne’s World?, ¿aquella donde Wayne intenta hacer su propio festival –Waynestock– comunicado en un sueño con Jim Morrison? Aun con todos sus tropiezos a lo largo de la cinta, al final, el festival es un éxito por la perseverancia de Wayne y Garth, pero también por la pureza de sus intenciones. La idea parte de una frase tomada de otra cinta –El campo de los sueños– con una temática muy diferente –beisbol–, aunque partiendo de una misma esencia: la pasión por algo.

Podría decirse que Primavera Sound se construyó a partir de esas bases: un evento donde la música siempre fuera lo más importante, y desde sus pequeños inicios en diversos foros de Barcelona, pasando por su instalación en el Poble Espanyol en 2001, hasta la mudanza al ya definitivo Parc del Forum en 2005. Desde el principio, ha logrado sorprender con su cartel, mezclando una alineación de actos consolidados, grupos de culto e interesantes propuestas siempre acompañadas de una impecable curaduría; tan impresionante fue este año, que por primera vez en la historia del festival tanto los abonos como los días sueltos se agotaron. También dicha selección hace que justo un gran porcentaje de

las personas que asisten al festival sean amantes de la música, verdaderos melómanos, con todo su significado intacto, antes de que la palabra se devaluara por aparecer en mil biografías de Twitter y Tinder. Otra cosa a notar es que las activaciones están reducidas a un mínimo o se entrelazan con el aspecto musical (como el Firestone Stage o el Ray-Ban Unplugged); además de carecer de inútiles distractores (las estoy viendo a ustedes, ruedas de la fortuna), al festival se va a escuchar música; para esas otras cosas hay parques de atracciones.

Eso sí, el dicho evento se ha vuelto un monstruo de numerosos téntaculos, pues además de los conciertos en el Forum (que el miércoles es de acceso libre para todos), se realizaron los ya esperados showcases en las excelentes Sala Apolo, la [2] y la sala BARTS, los conciertos gratuitos en el Teatre CCCB y la incorporación del área Beach Club (el sueño húmedo de cualquier mirrey con ponchisponchis en su mayoría inofensivo), acceso a la playa y dotación infinita de ron. Por lo tanto se debe abordar como un maratón y nunca como una carrera, un festival que se extiende a lo largo de una semana merece planear muy bien de antemano las horas para descansar,

PRIMAVERA

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comer y regresar a seguir la fiesta, o de lo contrario se despierta uno con la sensación de que le pasaron varios desfiles de elefantes por encima.

Para mi comenzó desde el lunes con PsychicTv y su increíble cover a “Jump into the fire”; a partir de este momento se crea un diagrama de Venn donde confluyen todos los factores necesarios para tener una semana como pocas en tu vida. Entra las cosas que más me impresionaron de ese extendido remolino musical estuvieron esta sobre todos PJ Harvey, acompañada de 9 personas más sobre el escenario incluyendo a John Parish y Mike Harvey, quienes lograron incrementar una potencia latente en las canciones de su nuevo disco, así como resaltar la belleza de los temas viejitos. Su voz no ha decaído en lo absoluto y aun nos transporta al cielo. Radiohead podría decirse que fue la razón por el cual se agotó el festival, mientras se observaban filas y filas de gente, el resto del Forum parecía pueblo fantasma. Thom y compañía no defraudaron, y después de tocar las primeras cinco canciones de A Moon Shaped Pool (“Ful Stop” suena arrolladora en vivo), se dieron vuelo con la mayor cantidad de favoritas de todos posible, inclusive agregando “Creep” a un segundo encore.

El momento de comunión entre todos se dio cuando todos repitieron el coro de “Karma Police” una y otra vez, pero también con todos bailando “Good Vibrations” luego de que Brian Wilson nos deleitó con Pet Sounds. The Avalanches lograron un verdadero cenit al sonar “Frontier Phsychiatrist”; John Carpenter recibió ovación tras ovación con sus soundtracks (especialmente la versión acelerada de “Halloween”); Lush y Beach House mostraron lo hermoso que es el shoegaze, mientras que Thee Oh Sees, Boredoms y hasta Radiohead hicieron audible los beneficios de tener doble batería. Para los necios que seguían buscando fiesta el sábado, Islam Chipsy & Eek se encargaría de dejarlos agotados tras una hora de frenéticos ritmos directos desde Egipto. Mudhoney, el domingo, sólo fueron las últimas cerezas de un pastel lleno de todos los sabores dulces del mundo.

“Si lo construyes, ellos vendrán” fue la sencilla frase de ambas películas mencionadas al inicio de este texto y, sí, al principio llegaron de toda España, luego del resto del continente, para que actualmente, año con año, gente de todo el orbe, durante siete días, sólo disfrute su música favorita.

Yo fui y creo que sigo ahí TXT/FOT:: Óscar Villanueva

SOUND 2016

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20 años de distancia entre las jeringas y el cine de adultos TXT:: Toño Quintanar

Existe un tabú dentro de la historia del Séptimo Arte que es casi tan antiguo como la propia invención del celuloide; precepto que asevera que las adaptaciones audiovisuales realizadas a partir de obras literarias, irremediablemente, resultan menores en comparación con el texto matriz.

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n el año de 1996, un filme dirigido por Danny Boyle refutó este asunto de manera incontrovertible; abriendo una nueva brecha de la cual afloraron posibilidades desbocadas.

Desde siempre, se ha emparentado estrechamente a la prosa literaria con la cinematografía; en la medida en que amos rubros se distinguen como formatos narrativos.

Sin embargo, es evident e que cada medio exige características iconográficas específicas con el fin de proporcionar un relato verdaderamente subyugador.

Trainspotting es la poética a partir de la cual Boyle explica cómo es que debe de construirse una correcta versión filmográfica a partir de una novela literaria. Un método en el que la codificación de los personajes se tuerce radicalmente, adaptándose al formato en turno.

En su novela, Irvine Welsh ejerce un empleo osado de la plasticidad narrativa y de la descripción subjetiva con el fin de delinear la psique de los protagonistas. En cambio, Boyle opta por arrojar desbocados pincelazos semióticos que se quedan incrustados de forma indeleble en el cerebro del espectador. Secuencias audiovisuales que, hasta hoy en día, destacan como hitos indiscutibles de la riqueza fílmica de toda una era vanguardista.

Un buen ejemplo de esto es esa legendaria escena en la que un inmutable Francis Begbie deja caer su tarro de cerveza desde la planta alta de un pub con el fin de iniciar una riña que satisfaga sus impulsos sociópatas. Dicho suceso, que en la novela no ocupa una gran relevancia, fue elegido por Danny Boyle a sabiendas de que sería imposible incluir el centenar de rasgos codificadores que impregnan a Begbie en la obra literaria. Por lo tanto, se volvió necesario presentar un instante lleno de dinamismo que conjuntara, mediante un sólo impacto icónico, la serie de elementos descriptivos que Welsh hilvanó a lo largo de 344 páginas de narración.

Es obvio que Boyle comprendió de antemano la imposibilidad de apegarse férreamente al texto original. La sola inclusión de los múltiples personajes creados por Welsh hubiera dado como

resultado un filme de cerca de veinte horas. En su lugar, el realizador británico optó por reconfigurar ciertos puntos dramáticos de la novela con el fin de presentarnos una nueva obra cargada con sus propias inquietudes estéticas e inventivas.

Aspecto que deja ver los entresijos de una producción cinemática que, hasta cierto punto, ofrece una vanagloria del mundo de las drogas un tanto más “idealista” que la del texto original. Por supuesto, Welsh hace lo propio presentándonos un bosquejo más obscuro acerca de la juventud heroinómana y de sus trágicos senderos en una sociedad que se hunde entre los albores del neoliberalismo caníbal.

La Trainspotting de Boyle inauguró toda una escuela de cintas basadas en los incendiarios escritos de Welsh; mismo asunto que trajo consigo un crisol de trabajos de distinta envergadura entre los que nos encontramos con la delirante The Acid House (1998), la muy menor Irvine Welsh’s Ecstasy (2011) y la de culto inmediato Filth (2013), estelarizada por un enorme James McAvoy y dirigida por un impecable Jon S. Baird.

La futura Porno, cuya realización parece un logro irreal después de tantos años de rumores idílicos, tendrá la suerte (o quizás el infortunio) de ser dirigida por el mismo hombre quien, veinte años atrás, le hizo un boquete enorme a las buenas conciencias con su genial primera entrega. Situación que sólo puede llevarnos a dos posibles conclusiones: el nacimiento de un nuevo eslabón paradigmático en

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la historia del cine, o la llegada de un infame trozo audiovisual el cual evidencie que, para bien o para mal, Boyle ya no es el mismo director de hace veinte años.

Después de todo, en el universo ficticio de Welsh, existen diez años de diferencia entre los eventos ocurridos en Trainspotting y el reencuentro acaecido en Porno.

Diez años en los que los azares del destino han causado estragos y redenciones en cada uno de nuestros protagonistas originales.

Por supuesto, para el elenco clásico no ha pasado una década desde el lanzamiento de su primer volumen; sino dos. Ewan McGregor y compañía enfrentarán en carne viva una de las principales inquietudes que Welsh plasmó en Porno: el implacable y desmoralizante paso del tiempo, fenómeno que es capaz de declararnos inútiles para habilidades que antes dominábamos con increíble fluidez.

A diferencia del enorme caudal de voces que se hicieron presentes en Trainspotting (la novela), en Porno, Welsh sólo utiliza como narradores a los mismos protagonistas elegidos por Boyle para su cinta: Sick Boy, Mark Renton, Francis Begbie y Spud Murphy. Cuarteto al que se suma la voz de la explosiva Nikki FullerSmith. Dicha tendencia se debió en gran medida al hecho de que esta continuación fue escrita con el fin de acoplarse más vívidamente al filme de Boyle que a su propio antecedente literario. Un hecho verdaderamente insólito en la historia moderna del arte, ya que es prácticamente imposible encontrarse con una adaptación fílmica la cual ejerza una influencia narrativa tan plásticamente simbiótica sobre el metaverso original del que fue extraída.

Quien sea un lector asiduo de Irvine Welsh, estará de acuerdo con que la literatura del autor nativo de Edimburgo tiende a desarrollarse, generalmente, bajo el punto de vista masculino (salvo contadas y geniales excepciones). Sin embargo, para esta nueva entrega fue más que necesaria la adhesión de un

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narrador femenino (Nikki) quien ofreciera un punto de vista empoderado y alterno. Mismo experimento que ayudó incalculablemente al escritor a abordar verazmente los submundos y las vivencias del cine casero para adultos. Por lo tanto, no cabe duda de que será algo interesante descubrir de qué herramientas se valdrá Boyle para reconfigurar a esta femme fatale de los tiempos modernos.

A veinte años después de su estreno, Trainspotting sigue poseyendo cierto aire de actualidad que se debe, en gran medida, a los propios estilos y actitudes que esta producción se encargó de enmarcar para la posteridad.

La insurrección, el nihilismo efervescente, la malicia inventiva, el desapego ante los sistemas normalizados: principales engranes filosóficos de Trainspotting, siguen siendo aptitudes completamente legítimas para los amantes de la subcultura. Paralelismo que se debe a que Welsh, en su función como analista de los ambientes subterráneos, supo capturar de forma franca los procesos existencialistas de distintas épocas y momentos sociales (punks, hooligans, ravers).

Su primera novela inauguró una suerte de labor cronística enfocada a definir los abismos marginales sobre los que se tambalea una buena porción de la humanidad. Mismo discurso que es capaz de conmover a cualquier individuo sensible, sin importar diferencias geográficas o raciales.

Las viejas generaciones se vieron retratadas de forma fidedigna en sus procesos emocionales; sin embargo, las nuevas huestes (jovenzuelos que actualmente aún no sobrepasan la mayoría de edad), encontraron un discurso cuasi panfletario en el cual refugiarse de los bombardeos de corrección política propios del nuevo milenio.

Es así como la adaptación audiovisual de Trainspotting se volvió un portento imposible de ignorar. Una especie de rompeolas psicohistórico que capturó de manera fidedigna el ánimo de su contexto, pero que también legaría una sensibilidad transgresora para las juventudes futuras.

Mucho tuvo que ver con esto el hecho de que Welsh y Boyle abordaran de forma sincera y cruelmente cálida los deslices de la amistad, la sexualidad, el paternalismo, el odio, el apego, el hastío, la esperanza y el distanciamiento.

Emociones que no le son ajenas a ningún ser humano que tenga sangre corriendo por sus venas.

Por supuesto, este asunto va más allá de las actividades autodestructivas que acontecen a lo largo de la cinta; ya que dichos hábitos no son más que el catalizador de esos despliegues de rabia sorda que son consustanciales en aquellos quienes se niegan a asumir calladamente los patrones alienados de su contexto.

A dos décadas de distancia, el universo protagonizado por los parias más encantadores de los últimos tiempos no hace más que ensancharse a pasos agigantados.

Ya sea mediante las fugaces apariciones de Renton, Spud y Sickboy en Glue (una de las mejores y más infravaloradas novelas de Welsh) o a través de la descomunal, desgarradora y sombría “precuela”: Skagboys.

Obra que, esperemos, marque el sendero para una tercera entrega fílmica (con un nuevo elenco, por supuesto) que enriquezca aún más ese acontecimiento artístico, social e histórico al que llamamos Trainspotting.

En portada En la mente de

Sobre Porno y cómo “el enemigo somos nosotros mismos” TXT:: Alejando Mancilla

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l mundo supo que existía gracias a la novela que le dio identidad a la generación X: Trainspotting. Si bien esta obra lo transportó al olimpo de las letras, la película de 1996 lo convirtió en un heroico (literal) referente de la cultura pop de los últimos tiempos. Pero el escritor británico aún tiene mucho que decir y ahora, la adaptación cinematográfica de Porno, la secuela de su mencionada obra, ha traído a los reflectores de vuelta sobre su calva cabeza. La plática con Irvine comienza con mi pregunta acerca de su estado emocional a estas alturas de su vida (ya más adelante, habrá lugar para preguntarle sobre sexo, futbol, drogas y otras trivialidades…).

El escocés es un poco parco en sus respuestas, pero contesta de buena gana: “Mentalmente, durante estos años he cambiado más bien poco.

Físicamente, ahora estoy más viejo, obviamente. Cualquier incremento en mi sabiduría se equilibra con las neuronas que he perdido”.

Han pasado muchos años desde Trainspotting, aunque en el viaje nos dejó buenas cosas como The Sex Lives of Siamese Twins, definitivamente el mundo (el nuestro y el de él) no es el mismo. ¿Es mejor o peor? El punto de vista de Irvine sobre esa pregunta es enfático: “Es mejor y es peor, las dos cosas a la vez. El enemigo somos nosotros mismos”, contesta sin dar lugar a dudas el señor que, en sus memorias, platica que se ha robado tantos libros y CDs de las tiendas que ya perdió la memoria. El tipo que en su cuenta de Twitter se describe a sí mismo como un “amante fantástico”, me confiesa que no le gusta ver películas pornográficas.

Entonces, “¿dónde aprendes técnicas?”, le pregunto: “No veo películas tres equis porque siempre quisiera estar ahí. Para mí, las mujeres mayores y experimentadas son las mejores maestras”.

Mientras analizo cómo un tipo que escribió un libro titulado Porno puede vivir sin verlo, Irvine me comenta sobre la idea de la transgresión en el presente: “Creo que nadie puede ser transgresor en la actualidad. Gente como yo puede hacerse el payaso con facilidad, pero, al final, ésa no es una

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transgresión genuina”. Y hablando de transgresores, el tema Morrissey (con quien el autor tuvo algunos altercados vía Twitter últimamente) sale a colación: “¿Te acuerdas de la canción ‘Margaret On The Guillotine’ de Morrissey? ¿A quién te gustaría aplicársela?”. “No, a nadie, no quiero mandar a nadie a la guillotina. La gente necesita un poco de amor del bueno, es todo”, me contesta.

Sin embargo, su animadversión hacia Donald Trump (estamos con Welsh) sí es más que evidente, sobre todo por sus recientes fuertes declaraciones acerca del polémico candidato presidencial estadounidense. “¿Qué le dirías si lo tuvieras de frente?”, le cuestiono.

No le gusta la pregunta y se limita a contestar: “¡No le preguntaría ni una puta cosa!”. Mensaje recibido, Irvine.

Hace tiempo, tuve un amigo al que su esposa le tenía prohibido ver Trainspotting (incluso él me regaló un CD con el gran soundtrack porque no lo podía tener en casa). Según su mujer, esa película lo podía hacer recaer en su (hasta eso) ligero problema de drogadicción. Cuando le pregunto qué consejo le daría a mi amigo, Irvine me contesta: “Pues mi consejo sería para su esposa, que lo deje…”. El escritor me confiesa enseguida que le gusta leer a los malos escritores (no me dice cuáles) porque “si leo a los buenos, me pongo celoso de no escribir como

ellos”. Y… ¿Dónde queda la música, Irvine? El autor está trabajando en las memorias del sello Creation Records de Alan McGee, para una biopic: “Lo que más recuerdo fue cuando nos robamos la tarjeta de crédito de Alan y me fui de compras con Andrew Innes (guitarrista de Primal Scream)”.

Un autor con las características de Irvine polariza opiniones: “Hay veces que la gente me ha malinterpretado”, confiesa “Pero eso es bueno. Nadie quiere ser comprendido al 100%, Si yo no me entiendo a mí mismo, ¿por qué habría de esperar a que alguien más lo haga?”. Como fanático del soccer, seguramente también tiene una opinión al respecto sobre la situación de este deporte en el mundo, sus cambios, etcétera. Su respuesta es como la de cualquier comensal de taberna inglesa: “El único cambio o suceso que me interesa es quién será el ganador de la Scottish Cup en mayo”. El ganador de la copa de la pasada temporada fue el Hibernian F.C. (en medio del vandalismo, hooligans y revueltas), así que debe estar muy contento (es hincha de ese equipo).

Hace un par de meses, se revelaron las primeras imágenes de la adaptación de Porno.

Danny Boyle repite como director en ésta, que, sin duda, es ya una de las películas esperadas del año que viene. Sin embargo, también hay muchos fans que tienen miedo a que un mal filme rompa la magia legendaria de su antecesora, Trainspotting.

En la secuela, el tema es el cine porno, la adicción y el negocio que giran alrededor de una industria que puede ser tan underground y tan corporativa a la vez. La película en un inicio se iba a llamar T2, pero como dijo el propio Boyle: “Podríamos tener problemas con James Cameron”. La cinta ya se está filmando; todos los populares personajes de la novela de Welsh: Sick Boy, Rent Boy y compañía, están ahí, con los actores originales, como Jonny Lee Miller y Ewan McGregor . La fecha tentativa de estreno es el 27 de enero de 2017. A propósito de la actualización de los personajes, termino la plática preguntándole a Irvine sobre qué tanto se han adaptado éstos a los nuevos tiempos. Por ejemplo, ¿Sick Boy usará Instagram? “Claro, estoy seguro que lo usa”, finaliza el escritor.

FOT:: Sakre

“El término pornografía o porno (en su forma abreviada) hace referencia a todo aquel material que representa actos sexuales o actos eróticos con el fin de provocar la excitación sexual del receptor. [...] La pornografía se manifiesta a través de una multitud de plataformas, como animación, cine, escultura, fotografía, historieta, literatura o pintura, y ha logrado un gran auge en medios, como las revistas pornográficas e inclusive el audio (sexo telefónico), y últimamente Internet”. es.wikipedia.org/wiki/Pornografía En días en que las variables de la sexualidad son algo horriblemente polémico, con miles de aristas, enfoques, posturas, opiniones, juicios, consensos, discrepancias, acciones, reacciones y quién sabe cuánto más, hacemos un pequeño espacio para algunos comentarios sobre el ecoporno-activismo, el post porno, la simulación en pos de la mercantilización, la música en el porno, los músicos deshinibidos, las celebridadesaficionados, la plástica, el teatro burlesque, el cómic y hasta gente que cobra por ver.

De Fondo

Fuck For Forest

De activismo, ecología, pornografía y liberación sexual TXT:: Andrea Solís

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Un chico de cabello largo y rubio se acerca cuidadosamente a una mujer con las mismas características físicas a la orilla de un río en alguna selva de México; se cortejan como lo hacen tantas especies animales en documentales de Animal Planet, pero al tratarse de dos personas, el video se clasifica como pornográfico y tiene poco más de 44,700 vistas en YouPorn desde que fue compartido por fuckforforest.com en 2013.

LA ECOPORNOGRAFÍA, a pesar de no listar entre las favoritas de los usuarios de páginas pornográficas, tiene consumidores en todo el mundo y FuckForForest (FFF), encontró en ella el arma perfecta para su lucha contra la deforestación y el desgaste ecológico en el mundo, con alrededor de 43,000 visitas en los últimos seis meses.

FFF nació en Noruega en 2004 por iniciativa de Tommy Hol Ellingsen y Leona Johansson, aunque al poco tiempo se mudó a Berlín, tan sólo un año antes de que el universo de la pornografía por Internet generara ingresos de unos 2.5 mmd y se definió como una organización erótica y ecológica sin fines de lucro; a la fecha cuentan con más de 1,300 usuarios, los cuales pueden “disfrutar la belleza, del amor, la desnudez y aventuras sexuales reales para atraer atención y recolectar dinero a favor de la naturaleza amenazada.

Usualmente, se utiliza el sexo para atraernos a comprar cualquier cantidad de productos e ideas basura; entonces, ¿por qué no usarlo para una buena causa?”.

Pioneros en el ecopornoactivismo, son también el único portal de pornografía en línea creado para reunir fondos de manera altruista, y, a primera vista, parece más un blog que un lugar al que llegas buscando videos y fotografías de contenido sexual explícito. Navegando por la página, puedes encontrar por igual artículos sobre amor libre, despenalización de la sexualidad, espiritualidad, libertad de expresión, herbolaria, educación sexual y la descripción de los proyectos que han apoyado con los ingresos de la página. Todo, junto a ilustraciones e imágenes que te invitan a unirte a la iniciativa, ya sea donando tus propias fotos y videos o dinero.

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El camino, como en cualquier otra rama del activismo, no es precisamente fácil; la pornografía en sí misma provoca problemas legales y morales. En países como Irán, Kuwait, China, Omán, Catar, Uzbekistán, Arabia Saudita, Emiratos Árabes Unidos, Ucrania, Indonesia, Tailandia, Sudán y Turquía, entre muchos otros, la pornografía está prohibida; mientras que en otros como Australia, Rusia, India y Sudáfrica son legales con limitantes, como la pornografía dura y entre personas del mismo sexo. A esto se le suman etiquetas como “cochinos” e “inmorales” que se escuchan comúnmente por las calles y en reuniones de sociedades con culturas tradicionales y fuertes normas sociales donde la legalidad no implica aprobación.

Por otro lado, el activismo en sí mismo necesita recursos para poder pasar de la teoría a la práctica, recursos humanos, recursos económicos, fuerza de trabajo, uso del cuerpo, desgaste físico; necesidades constantes en la búsqueda de la transformación y el tan anhelado cambio. En FFF, tanto los usuarios como los contribuyentes son parte del mismo grupo de ecoporno-activistas, quienes intercambian fantasías por recursos que han generado más de 326,000 dólares, mismos que se traducen en 60 hectáreas de bosque costarricense donadas y convertidas en zona natural protegida; apoyo a comunidades indígenas ecuatorianas en la protección de sus bosques y contribuyendo a conservar semillas endémicas; protección de la flora y fauna en Eslovaquia; apoyo para la preservación de bosques pertenecientes a comunidades indígenas en Brasil amenazados por una compañía arrocera; la preservación de flora, fauna y tradiciones indígenas en Perú, así como la creación de un centro comunitario ecologista en el corazón de la Sierra Madre en Oaxaca, México. ¿Por qué la pornografía? ¿Por qué no acercarse a una de las tantas ONGs alrededor del mundo que viven de las donaciones? ¿Por qué no ir físicamente a reforestar? ¿Por qué fungir como intermediarios entre las donaciones y los proyectos

ecológicos? El ecoporno-activismo va más allá de crear videos pornográficos para luego venderlos; es utilizar el cuerpo como herramienta, es combatir desde dos frentes, la primera y más clara: la ecología; la segunda: la sexualidad, el sexo desde lo pornográfico.

Esto transforma la visión de una actividad íntima y oculta, en muchas culturas sucia, poco honorable y oprimida, en lo que es un acto propio de la naturaleza humana; es aceptar lo que nos gusta, lo que nos produce placer; es quitarle la mancha de cochambre a nuestras perversiones, al fruto de nuestros deseos y pulsiones más básicos, revalorar la sensación revitalizante que tiene compartir nuestra energía con otro ser humano, resignificar la cualidad creadora de vida que conlleva el sexo, tal y como ocurre cuando plantas una semilla y miras el árbol crecer.

“Nuestros cuerpos, sexualidad y naturaleza son oprimidos. FFF quiere recuperar la naturaleza y la sexualidad para mostrar un culto positivo al sexo.

Necesitamos placer, no poder. ¿Qué tal hacer más el amor y destruir menos? Queremos acercarnos a la naturaleza celebrando el amor y la libertad”. Es encauzar los deseos sexuales, tan naturales como los bosques que se busca rehabilitar y, en muchas ocasiones, destrozados con la misma fuerza violenta, por el capital y la moral.

A pesar de la transparencia con la que trabaja FFF, múltiples organizaciones a lo largo de los años han negado su apoyo económico; la Rainforest Foundation, el World Wide Fund for Nature y Nature & Youth, la agrupación juvenil medioambientalista más grande de Noruega, han catalogado sus donaciones como “dinero sucio” o, simplemente, les han cerrado la puerta. Mientras que otros los han ido excluyendo en el camino, como el gobierno de Noruega y el Corredor Ecológico de Carara en Costa Rica.

Sus mismos fundadores han presentado cargos por desnudez pública y conductas indecentes, mientras que otros miembros iniciales se han retirado recientemente de la agrupación, exigiendo la eliminación de todo el material que en algún momento decidieron donar, negando el pasado y la lucha alguna vez vivida.

Si bien todavía existe un gran camino por recorrer, se puede encontrar en FuckForForest un nuevo rostro en la pornografía, diferente a aquella imagen formada ante la influencia del cine y la televisión: multimillonarios a lo Hugh Hefner, vistiendo batas y rodeados por jovencitas operadas hasta los huesos sin ningún motor mayor que su propio enriquecimiento. La pornografía, el activismo y la ecología ahora están unidos para transformar conceptos desactualizados y encontrar en la libertad sexual, la preservación de la naturaleza y en el amor mismo, un nuevo camino libre de explotación, consciente de nuestro entorno que buena falta nos hace.

De Fondo Durante los últimos cinco años, el auge de los festivales de cine en México ha derivado en una serie de sub categorías que eluden la teorización simplista. Una de ellas es el post porno, un movimiento que hunde sus pilares entre El género en disputa de Judith Butler y La Historia de la Sexualidad de Michel Foucault. Si bien desde los 80 se alude al término para englobar los filmes basados en el “Manifiesto Post Porno” firmado por Annie Sprinkle, Verónica Vera, Candida Royalle y Frank Moore, en México es un fenómeno relativamente nuevo, sugerido desde las hazañas performáticas de La Porno Terrorista.

Aún son pocos los realizadores de esta nueva taxonomía. Uno de ellos es Mauricio Parra, quien debutó en 2013 con Rebeldía y Pornografía, un filme lisérgico y transgresor que ha detonado batallas campales en plena función. Platicamos con Parra, Gaby Succubus y Sweet Kitty –estas últimas, dos actrices que han asumido su gusto por el género–, tres personajes fundamentales para entender qué es y cómo se hace el post porno en México. ¿Cómo llega un director mexicano como tú a rodar un largo de post porno?

Mauricio Parra: Llegué al post porno sin querer. Mi idea inicial era hacer porno, pero cuando lo hice y vi las grabaciones, sentí que algo faltaba, me parecía muy plano. Entonces comencé a experimentar con historias e imágenes.

Post Porno

Coger sí, pero con ideología TXT:: Vicente Jáuregui

¿Qué elementos usaste para romper con la planicie del porno tradicional?

Mauricio: Mis películas tienen una ideología, algo fundamental en el post porno. Rebeldía y pornografía, es la contra respuesta del porno desde un punto de vista feminista, está enfocado en cuestiones de género. Su objetivo no es excitarte sino dar un mensaje, si te fijas, nunca hay eyaculación.

Mencionabas que llegaste por accidente, ¿significa que alguien más te puso el adjetivo de post porno?

Mauricio: Sí, a partir de Distrital me catalogaron como post porno.

Hice rebeldía y pornografía sin pensar en exhibirla o enviarla a un festival, solo fue hacerla por tener ganas de hacerla con Alejandro, el protagonista.

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muchos hombres quieren que les tapes el rostro. Es una decisión difícil porque es algo que se queda por siempre. ¿Cómo lograste convencer a tus primeros actores?

El protagonista y yo trabajábamos en El Péndulo. Gerardo siempre hablaba de hacer algo luego de que vio un cortometraje porno mío.

Cuando me decidí, había conocido a Natalia por Facebook y le pregunté si no le interesaba participar en el proyecto. Nos vimos y le expliqué todo, que habría sexo real y que su rosto aparecería. Le dije que la película estaría ahí siempre. Me dijo que le entraba.

Mencionabas que la ideología es muy importante, ¿qué buscabas romper con esa primera película?

Mauricio: Quería hacer todo lo contrario a lo que me enseñaron en la escuela, romper con la idea de “el buen cine”. Desde el punto de vista del personaje, buscaba hacer una crítica a la apatía generalizada de la sociedad. También a las posturas de izquierda. Nos asumimos como revolucionarios, pero a la mera hora preferimos irnos a coger con la novia de nuestro mejor amigo a un motel.

Es muy fácil hablar de ideales hoy, pero en realidad son cosas que te importan tres pesos cuando se trata de hacer algo efectivo. Para mí, el hecho de hacer arte de manera honesta ya es romper con el sistema. ¿Qué reacciones ha causado con el público?

Mauricio: Una reacción muy fuerte. Nos invitaron a un coloquio universitario y yo esperaba una crítica argumentada en cuestiones de técnica cinematográfica, de narrativa e ideológicas, pero solo tuvimos mentadas de madre y un coraje tremendo. Hubo gente que se paró a decirme que mi película era una porquería.

Una parte nodal es hacer castings, en México no debe ser fácil encontrar personas que quieran exponer su rostro en una película de porno.

Hace seis años que comencé era muy raro, ahora ya hay unas 30 o 40 actrices de porno que lo hacen abiertamente, con redes sociales, entrevistas a medios. Aún así es complicado por la doble moral mexicana. Hay inquietud, pero

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Supongo que del post porno no se saca dinero, pero ¿crees que se pueda vivir de la industria del porno en México?

No, es muy difícil, hay pocas productoras, cuando mucho hay unas 10 y lo hacen más por gusto. ¿Cuánto cobra una actriz mexicana, cuánto una extranjera?

Todo se maneja por escenas de 15 o 20 minutos, una actriz de fuera cobra unos 2 mil dólares. Acá en México unos 2 mil pesos. Yo con 10 mil pesos hago dos películas, hasta en eso rompo con el concepto del porno porque yo hago cortos o largometrajes, no escenas. ¿Qué estás haciendo en estos días?

Ahorita estoy buscando entrar al GIFF. Estrené Julieta en el Tonalá, una película lésbica que, curiosamente, sí le gusta a la gente. Ha tenido buen recibimiento, desde la música hasta las actrices y la historia.

Por último, la música es muy importante en tu cine, hay mucha sicodelia, sobre todo bandas mexicanas…

Sí, me inspiro de todo lo que escucho en la calle, hasta ahora hay música de Felipe El hombre, Size, que es la primera banda mexicana de punk mexicano. También El Ritual, una banda chicana que se llama Caleidoscopio, Rockdrigo González, Gerardo Enciso y Hocico.

ENTREVISTA CON SWEET KITTY & GABY SUCCUBUS, DOS ACTRICES DE PORNO Y POST PORNO QUE ACTUALMENTE SE ENCUENTRAN ACTIVAS EN LA INDUSTRIA. ¿En qué momento descubrieron el porno?

Gaby Succubus: La primera vez fue recién casada con la película de Calígula. Me movió mucho todo el tipo de perversiones que se muestran, me excitó bastante.

Sweet Kitty: Yo a escondidas a los 13 años. No la pude ver muy bien. Antes había visto revistas con contenido sexual, se usaban más que ahora. ¿Cómo describirías el post porno a diferencia del porno común?

Gaby: Es la primera vez que actúo en post porno y me parece una opción moderna y erótica. Rompe con el porno básico, o sea, el típico mete-saca sin historia.

Sweet: Post porno es algo fuera de lo cotidiano, más enfocado a lo bello dentro del sexo, una historia de trasfondo con contenido sexual y erotismo. El porno es sólo la escena con contenido sexual explícito. ¿Qué buscas expresar cuando actúas, es realmente como lo imaginabas?

Gaby: Creo que lo importante es transmitir placer y que hombres y mujeres se eroticen al verse. Yo lo disfruto en el momento, quien lo ve lo disfrutara igual que yo.

Sweet: Tiene sus pros y sus contras. Me gusta lo poco que he hecho, me han tratado bien. Cuando hago una escena busco transmitir lo que se está viviendo en ese momento y hacerle ver a la gente que el sexo es algo normal. Busco que en México se rompan los tabúes. ¿Se puede vivir de hacer este tipo de cine?

Gaby: No lo creo, es un pasatiempo, algo para divertirse, no lo veo como una profesión.

Sweet: Aquí en México no es tan bien pagado como en otros países. No creo que en su totalidad uno pueda vivir bien de hacer sólo porno. ¿Cómo ves el futuro en esta industria, crees que puedas hacerlo un largo tiempo?

GS: Probablemente sí, pero no tanto tiempo porque esto depende de imagen, belleza y cuidado, todo por servir se acaba.

SK: Creo que la industria porno en México si crecerá bastante, pero en mis planes no está hacer porno siempre ni por mucho tiempo, no se realmente cuanto tiempo, pero no creo que tanto.

De Fondo

Ultrajada en el bus

¿El porno que nos merecemos?

TXT:: Lenin Calderón

Basta una breve mirada a los sitios web pornográficos para darnos cuenta de la increíble diversidad en cuanto a las preferencias, perversiones y fetiches sexuales del ser humano. Pero no todo es libertad y amor libre. El porno actual también refleja las carencias y represiones de un mundo en el que 6,499 mujeres fueron asesinadas entre 2013 y 2014, según la ONU.

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UNA ADOLESCENTE, vestida con uniforme escolar, sube al autobús público. En el interior, los asientos están ocupados lo mismo por hombres que por mujeres. La chica encuentra espacio a la mitad del vehículo y lo ocupa, agarrándose con ambas manos del tubo. Uno de los hombres que se encuentra cerca comienza a acercársele. Poco a poco y ya que está junto a ella, empieza a tocarla. Ella no grita aunque quita las manos del hombre de su cuerpo. Él continúa toqueteándola, primero el trasero y después lo senos. Aunque el forcejeo entre ambos es muy evidente, ninguno de los tripulantes del autobús interfiere o hace algo por la chica.

Eventualmente, y muy a pesar de la resistencia de ella, el hombre logra subirle la falda, quitarle el sostén, bajarle la ropa interior, penetrarla, eyacular y seguir en la rutina del trayecto. Ella se cubre y desciende del autobús. Todo sucede con el vehículo en movimiento, ante la indiferencia de los demás pasajeros y sin el consentimiento de la chica.

DE LA NINFÓMANA AL VIOLADOR El anterior párrafo trata de describir uno de tantos clips que circulan en los portales que ofrecen pornografía. Aunque todo está diseñado para que parezca un incidente real, ella es una actriz profesional. Los camarógrafos, el actor que la viola, las otras mujeres y el resto de los pasajeros también viven de esto. Todo es una simulación que –con ayuda del video y un set que fácilmente remite al público a la vida diaria– intenta ser lo más verdadera posible. Lo mismo hace gran parte del porno que Internet ofrece; el asunto aquí es la violación. Los protagonistas del porno poco a poco han dejado de dar vida a ninfómanas y pervertidos, y cada vez interpretan más a violadores y sus víctimas. De hecho, muchas actrices profesionales, como la del clip del autobús, ponen cada vez más atención en contar entre su repertorio con escenas para categorías como Bondage, Bukkake, Massage, Reality, Old & Young, Sleeping y otras que, muchas veces, tienen algo en común: sexo no consensuado.

Hay muchas otras categorías en un portal de pornografía en las que hay de por medio una víctima y en gran parte de ellas, una víctima real. Así, nadie está a salvo en lugares como probadores de ropa, vestidores de baños públicos, baños domésticos, transporte público, mujeres subiendo escaleras y un largo etcétera. En todas partes hay cámaras grabando a escondidas de quienes aparecen en videos que luego van a dar a la red, un sitio donde lo real y lo ficticio tienen vasos comunicantes y se parecen cada vez más.

EL HOMBRE QUE (TE) VE Esta frontera brumosa entre lo que es real y no se ha extendido por todas partes: reality TV, circuitos cerrados, falsos documentales… Bueno, hasta el gobierno federal ha optado por propaganda en la que los actores parezcan gente real. Tal vez, personas como los publicistas de nuestra clase política no logren ese toque de realidad, pero para

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los pornógrafos, ese es el pan de todos los días y lo hacen muy bien. Ése es el riesgo, todos los días se filman clips de sexo no consensuado que después llegan hasta un público que desde hace algunos años ha dejado de ser un lector para convertirse en un espectador de la realidad. Una audiencia conformada, en su mayor parte, por lo que el politólogo Giovanni Sartori llama “Homo Videns”. El Homo Sapiens del que tanto nos hablaron y cuyo mayor logro había sido inventar el lenguaje escrito, ha dado paso al Homo Videns, quien se ha construido un entorno audiovisual a su alrededor, en el que la televisión, la computadora y los teléfonos celulares son los principales medios de aprendizaje.

El mundo que cuenta para este “hombre que ve” es el que le muestra la pantalla o le provee el ciberespacio. Su identidad está conformada de acuerdo con los estereotipos que prevalecen en los medios audiovisuales. Este hombre, que en buena parte somos todos, ha privilegiado al sentido de la vista sobre todos los demás, lo que lo ha dejado, irónicamente, un poco ciego. El lenguaje conceptual y abstracto que alguna vez creó, ha sido reemplazado por imágenes concretas que no dejan espacio para la imaginación. Ha suplantado conceptos por imágenes, lo que anuló en buena parte su capacidad de abstracción y mermó su sentido crítico, así como sus aptitudes de reflexión e introspección.

Probablemente por esto último, el Homo Videns muestra una irreprimible tendencia a imitar, pues carece de originalidad. Quiere hacer y poseer lo que ve en las pantallas: desde los cantos en los partidos de futbol, hasta la manera de vestir, el estilo de vida y las preferencias de consumo de las clases altas. En resumen, un jugoso cliente potencial para una industria que lleva décadas tratando de hacer parecer real lo que no es.

EL VIDEO DICE LA VERDAD En la película Boogie Nights (Paul Thomas Anderson, 1997), hay una escena clave que describe el fin de la era dorada del porno en Estados Unidos. Uno de los protagonistas, Jack Horner (Burt Reynolds), que

es un productor de filmes porno, ofrece una fiesta con motivo de la llegada del año 1980. Uno de sus invitados especiales es el también productor de películas para adultos Floyd Gondolli (Philip Baker Hall), quien trata de convencer a Horner de dejar la película de acetato y los actores profesionales para mudarse al videotape y comenzar a contratar talento amateur. La frase más contundente que utiliza Gondolli para tratar de convencerlo es: “Videotape is the future. Videotape tells the truth”.

Aunque no logra persuadirlo, el tiempo le da la razón, pues toda esa industria mudó a video, comenzó a hacer clips más baratos para producir en masa y entró en una fase de la que todavía no nos libramos. Ésa es la pornografía actual: bajo costo, horas y horas de material grabado en video, estrellas fugaces con aspecto amateur y protagonistas que en muchos casos aparecen en esos videos a punta de pistola.

Además, cada día se agregan nuevas categorías a las aberraciones antes mencionadas. Por más que se usen razonamientos como “allá cada quien con su perversión”, en cuanto éstas afectan a alguien más de manera negativa, pasan a ser algo indefendible.

Basta recordar lo que le sucedió el pasado mes de marzo a la periodista Andrea Noel, a quien un hombre le bajó la falda y le quitó la s pantaletas en la colonia Condesa a plena luz del día. El penoso incidente tiene un nombre: Sharking y requiere de dos personas, una que lleve a cabo la agresión y otra que grabe lo sucedido para subirlo a la red. Un ejemplo contundente del Homo Videns y su incapacidad de distinguir entre realidad y ficción.

FOCOS ROJOS Sin duda, hay muchos otros ingredientes que tomar en cuenta antes de achacarle al porno extremo lo que está pasando en términos de violencia contra las mujeres. Lo que sí es un hecho es que con este tipo de pornografía, no se vislumbra nada bueno en un país en donde 47% de las mujeres mayores de 15 años han sufrido algún tipo de violencia, ya sea física, sexual o emocional.

Además, México es el primer lugar a nivel mundial en términos de abuso sexual, violencia física y homicidios de mujeres menores de 15 años, según datos de la OCDE. Si a esto le agregamos que los principales sitios de pornografía en Internet como PornHub o Nudevista registran cientos de miles de vistas cada semana –superando por mucho las registradas en portales como CNN o ESPN–, el escenario no es nada promisorio, pues, primero, queda claro que mucha más gente de la que sospechábamos está viendo porno con quién sabe qué intenciones y, segundo, uno nunca sabe cuándo va a aparecer un video nuestro en estos sitios sin que nos demos cuenta.

Marvinismo

La música de la era dorada del porno

Uno de los mitos más grandes del cine y la música underground contemporáneos es la existencia de soundtracks brillantes compuestos para filmes pornográficos.

En Marvin, nos dimos a la tarea de rastrearlos en el mar tres equis que nos rodea para presentárselos, sin importar que tan ardua labor luego nos diera dolor de muñeca por usar tanto el mouse.

POR SI NADIE se había dado cuenta, las películas porno –además de pujidos, gemidos y ruidos indescriptibles producidos por el cuerpo humano– también tienen música. Al menos, la mayor parte de ellas. En algunos casos, el sonido detrás de estas escenas hilarantes de sexo fortuito y casual, es digno de escucharse aparte. Desde finales de los años 60 y hasta principios de los 80, se produjeron magníficos soundtracks de películas porno, aunque muchos de sus compositores nunca recibieron su crédito.

Pero también está el otro lado, el de los músicos famosos que escribieron partituras para ser usadas en filmes porno. Los nombres incluyen a Eddie Van Halen, Frank Zappa, Michael Bloomfield y otros más que hacían dinero extra produciendo, componiendo o tocando música para estas películas. Era dinero para pagar la renta, no para agregarle prestigio a sus carreras y muchos, incluso, usaron un “nom de porn” para no ser identificados.

No es una coincidencia que varias de estas valiosas bandas sonoras fueran producidas en el mismo periodo. El que va de 1967 a 1980 –cuando se produce esta cosecha de buena música porno– coincide con dos hechos fundamentales que marcan el inicio y el fin de la era dorada del género.

En 1967, dejó de usarse el Código

Hayes, que desde 1934 decía qué podía y no verse en las pantallas de Estados Unidos. Al dejar de usarse sus criterios absurdos, como que “las escenas de pasión no deben dar detalles ni en método ni en manera, pues pueden despertar emociones peligrosas en los jóvenes, los retardados y los criminales”, se generó un destape en la moral pública estadounidense que impulsó industrias como la pornográfica.

Los 70 representaron el esplendor del género. Producidas para ser exhibidas en las salas de cine, las películas porno cada vez contaban con mejores presupuestos y, en ocasiones, alcanzaba para un buen soundtrack. Aunque los intentos de profesionalizar la industria y hacer proyectos más ambiciosos se vinieron abajo cuando, junto con la década de los 80, llegó el videotape. Adiós, era dorada del cine tres equis profesional; hola, nueva era del video porno amateur. Afortunadamente, quedan aún vestigios de ese sonido dorado del porno hecho para cine más allá del clásico soundtrack de Garganta profunda (Gerard Damiano, 1972). Aquí, 10 ejemplos de filmes de este periodo con música digna no de una medalla de oro, sino de una lluvia dorada.

Vampyros Lesbos. Sexadelic Dance Party Manfred Hübler & Siegfried Schwab (1969) Aunque es más erótico que pornográfico, este filme alemán

establece algunos de los rasgos que caracterizarán a la música compuesta para películas tres equis: instrumentalidad con coritos esporádicos, exotismo, ritmos jazzeados, órganos eléctricos pintorescos y mucho jamming.

Sus compositores lograron en cortes como “Necromania” o “The Message” atmósferas densas, verdaderamente sexodélicas.

Mother’s Wishes (1971) Una verdadera joyita perdida, pues sólo puede escucharse con todo y diálogos –por no decir jadeos– de los actores.

Las copias que quedan de esta película sólo contienen los créditos de los actores, por lo que su soundtrack es más anónimo que la posición de a perrito. Mucho antes que Garganta profunda, esto era porno underground y de bajo presupuesto, igual que su música: garage surfero con toquecitos funky de rock’n roll negro.

Le Marriage Collectif Jean Pierre Morouze (1971) Otro ejemplo de cuán underground solía ser el porno. Esta banda sonora estaba destinada a nunca ser comercializada. Fue compuesto para la película y se editó un sencillo de 45” con sólo dos canciones; el resto del material se quedó arrumbado en un sótano de París hasta 2010. De alguna manera, llegó a manos de la gente de Born Bad Records, quienes editaron todo un LP, lleno de soul, funk y amor

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en masa que no tiene nada que ver con los matrimonios en el Zócalo.

Behind the Green Door Daniel LeBlanc (1972) Aparte de ser la primera en mostrar sexo interracial, esta cinta contiene uno de los soundtracks mejor logrados del porno. Funk súper espeso, turbio y, por supuesto, oscuro. Igual que Garganta profunda, este filme recaudó millones de dólares y fue de las pocas películas pornográficas en registrar audiencias compuestas por ambos sexos (ahora tendríamos que decir “por todos los sexos”, pero en aquel entonces, oficialmente, nada más había dos).

The Devil in Miss Jones Alden Shuman (1973) Uno de los filmes porno con un argumento más profundo no podría contar sino con un soundtrack emotivo y sensible. La voz de Linda November en “I’m Coming Home”, las cuerdas en “Ladies in Love” o el piano en “Love Lesson” hacen que suene extrañamente femenino y hasta cursi, aunque otros tracks como “The Teacher” contienen el groove necesario para sacarle el diablo a cualquier mujer, hombre o criatura odiosa que prefieran como pareja.

Lialeh Bernard Purdie (1974) Alguien tenía que ponerle color al sonido tres equis y de eso se

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encargaron los negros. Ésta, que es la primera película porno protagonizada por gente afroamericana, tiene un soundtrack de lujo a cargo de un músico legendario del funk, quien, junto con su banda, también tiene un papel en el filme. Funk sabrosísimo, con todo y flautita cachonda, ideal para estas tardes de lluvia en las que es mejor quedarse en la cama con la pareja, que mandarla a la tienda por unos chocorroles.

Black Lolita Steve Drexter (1974) Otro clásico porno de la era del blaxploitation, que no es otra cosa que uno de aquellos filmes hechos específicamente para públicos negros y urbanos. Llenos de acción y sexo, transcurren en el ghetto, en atmósferas rebosantes de guitarras con efecto wah-wah, metales chillones y percusiones afro. Ideal para conducir un Impala 68, pintado del mismo color del traje que se lleva puesto, productos ambos del sudor de la frente (y otras partes del cuerpo) de la “chica” en turno.

Tongue Roger Hamilton Spotts (1975) Ejemplo perfecto de cómo el soundtrack de las películas pornochas setenteras de bajo presupuesto, muchas veces estaba compuesto por gente brillante. Tal es el caso de Hamilton, quien por más de 50 años colaboró lo mismo con Dizzy

Gillespie y Count Basie, que con Lionel Hampton y Ray Charles.

Llenas de bajos profundos y guitarras sensuales, las cinco canciones incluidas en el disco se mueven suave y seductoramente, recordándonos que el porno alguna vez tuvo trama.

Sex O’Clock USA Mort Shuman (1976) Ya más entradito en los 70, esta banda sonora contiene sonidos disco más propios del Baby O que del barrio negro. Pero eso no le resta encanto, ya que el afán por estar al día en términos de estilo musical, también obligó a Shuman a hacer tracks más largos, mejor producidos y con más arreglos, lo que se traduce en un disco que no parece salido de una película e invita a ponerse los patines de cuatro llantas, sólo para dejárselos puestos durante el sexo.

Debbie does Dallas Gerard Sampler (1978) Quizá la película pornográfica con más secuelas y parodias en la historia, también cuenta con un soundtrack digno de salón de la fama.

Producido un par de años antes de la llegada del video a la industria, ésta es una evidencia de que en algún momento el porno tuvo ambiciones artísticas que iban más allá de ofrecer un producto desechable. Sonidos tan elaborados y diseños musicales tan afrodisiacos como los contenidos aquí lo confirman.

De culto Música

WENDY O. WILLIAMS TXT:: Luis Fernando Alcántar Romero

LA AMA DEL TABÚ

Destrozó autos, guitarras con martillos, incendió con su presencia a las consciencias puritanas que se retorcían ante una mujer sin tapujos y de aspecto temible.

“Ella era genial, solía joderla. Aunque, a veces, oirás que ella me jodía. Estaba obsesionada con el ejercicio, sus músculos eran como una cuerda de acero”.

Lemmy Kilmister, Lemmy: The Movie

A

demás de una existencia nómada y una personalidad que tendía a los extremos en todo lo que hacía, Wendy O. Williams se sentía muy cómoda y segura, con su persona y con su cuerpo.

Odiaba la conformidad, y que la gente le dijera lo que tenía que hacer, según palabras suyas. Eso la hacía sentirse con ganas de golpear cosas. Le aburrían los patrones de comportamiento “normal”.

Esa es la percepción que daba cuando se le veía en sus presentaciones con The Plasmatics.

Ha tenido sus imitadoras, más allá del shock rock y el punk, sin embargo, ninguna vocalista se le ha acercado en cuando a su agresividad sexual, la destructividad, la violencia, el comportamiento incorrecto y el dominio pleno del arte de la provocación limítrofe con la obscenidad a ojos de muchos de sus censores.

Para ella, entre menos prendas (mejor si eran muy breves y entalladas) usara (corsets, cintas negras que tapaban sus pezones, faldas cortas de cuero), eso equivalía a una mayor efectividad en la fuerza del mensaje (de punk bulletproof y musculoso) de sus canciones. Eso mientras se contoneaba y desafiaba a los que la veían (en una ocasión frotó su pecho con crema de afeitar).

De atreverse, rasgar, romper reglas para salirse con la suya, era y es de lo que se trata, al hablar de la importancia de llamarse Wendy O. Williams, y ese choque de trenes que era junto a su banda.

Una sensación parecida al sonido que hace una motosierra, da lugar al escuchar la voz de Wendy. Hace pedazos al que la escucha: un rugido aguardentoso, seco y ronco.

En varias de sus presentaciones junto a The Plasmatics, se hizo acompañar de un automóvil naranja (uno de los denominados muscle car) y Wendy lo pintaba y lo hacía trizas. Mientras tanto, también se desnudaba.

La verdad es que a ella no le importaba lo que pensaran sobre sus actitudes que confrontaban a la audiencia con su agresividad desinhibida. Que

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por lo general, era materia prima principal para las notas o titulares de sus conciertos.

Wendy azuzaba con sus gestos sobre el escenario. También es recordada por su cabello colorido al estilo mohicano, y su vestuario entallado de colores chillantes. Como aquel célebre traje con motivos felinos que dejaba al descubierto sus pechos. Esto complementaba a su manera el contenido musical de The Plasmatics.

Esto de hacer de la provocación un estilo de vida, no era nuevo para Wendy.

A los dieciséis años abandonó su casa, pidió aventó en una carretera rumbo a Colorado, ganó algo de dinero en ese tiempo con la fabricación de bikinis diminutos. En aquellos días, fue arrestada en múltiples ocasiones, por robar en tiendas y pagar con billetes falsos.

Viajó después a Florida y a Europa, en donde se desempeñó en varios oficios.

Cuando llegó a Nueva York en 1976, comenzó con la exploración de su sexualidad actuando en perfomances de espectáculos de sexo en vivo; con varias apariciones en portadas de revistas porno y ocasionalmente en videos porno de bajo presupuesto.

Rod Swenson, artista educado en la Ivy League, productor y promotor, contrató a Wendy como dominatrix para un espectáculo de teatro experimental/sexo en vivo, llamado Captain Kink’s Teatre que fue montado en Nueva York en 1976.

Un año después, Wendy fue reclutada por el mismo Rod para unirse a una banda que había formado: The Plasmatics, con la que fue parte de la escena subterránea de punk neoyorquino.

Debutaron en el CBGB en julio de 1978.

En 1979, actuó en Candy Goes To Hollywood una película porno (en su llamada “era de oro” de la industria para adultos), dirigida por Gail Palmer y protagonizada por Carol Connors en el papel de “Candy”. Para los curiosos, el tema principal de apertura de la película es una versión funky de “Stayin’ Alive’ de los Bee Gees a cargo del compositor Leo Del.

En esa película, hay una escena que la volvió célebre en el negocio de la piel: introduce una pelota de ping pong en su vágina y luego la expulsa, eso ya lo había presentado en uno de sus espectáculos, por cierto.

En 1981 tuvo varios encuentros con la ley. La policía volvió a arrestarla en enero, por simular sexo en el escenario. Le levantaron cargos por conducta obscena y agresión a un oficial, luego fue llevada a una delegación en donde al poco tiempo le retiraron los cargos.

Pero ese mismo año en Cleveland, Ohio, Williams libró otro encuentro con la autoridad después de usar crema de afeitar en sus senos (después cubrió sus pezones con cinta de aislar para evitar el arresto).

En noviembre, en Illinois, fue sentenciada por un juez a ser supervisada judicialmente y la multó con treinta y cinco dólares por atacar a un fotógrafo independiente que trató de capturar una imagen de ella mientras corría cerca del lago de Míchigan.

Además, Wendy fue portada de High Society, una revista para adultos en ese mismo periodo, con una fotografía que la muestra desnuda del pecho, excepto la cinta que cubre sus pezones, mientras sostiene una escopeta entre sus manos, al lado del titular que dice “Punk goes pink: The Plasmatics’ Wendy O. Williams”.

Dejó The Plasmatics a fines de los ochenta.

En 1987 comenzó su carrera como solista y actuó en otras películas de corte erótico como Reform School Girls de Tom DeSimone, en el papel de una terrible guardia lesbiana, junto a Sybil Danning, una leyenda de las películas de serie B de los 70.

Posterior a eso, al inicio de la década de los años 90, realizó una aparición especial en un episodio de la serie MacGyver con un personaje llamado “Big Mama”. Al poco tiempo, Wendy abandonó el negocio del espectáculo, se mudó a Connecticut. Murió el 6 de abril de 1998, después de dispararse con una escopeta en la cabeza.

Tenía 49 años.

De culto Cine

PAUL MORRISSEY TXT:: Antonio Quintanar

EL EVANGELIO DEL PLACER

Alguna vez William S. Burroughs aseguró que, dentro del enorme crisol de substancias que pululan a lo largo y ancho del mundo, la heroína es, por antonomasia, única en su tipo. Aquel que se inicia en ella visita tierras extrañas que, rápidamente, resultan más placenteras que las del plano de la normalidad. Sin embargo, esta facultad no debe de confundirse con aquellas sensaciones que proporcionan drogas psicodélicas como el LSD.

E

l opio, según el escritor norteamericano, es una droga “cuantitativa”, diseñada para desaparecer al adicto, transformándolo en un fantasma sin libre albedrío.

El fenómeno existencial del heroinómano es uno de los tabús más recurrentes y atractivos dentro del Séptimo Arte, circunstancia que se debe, en gran medida, a la inalterable naturaleza transgresora de dicho arquetipo.

El adicto vive al margen del sistema, emancipándose de cualquier clase de obligación moral que no sea la de su propio vicio.

Hay una larga cantidad de obras, de carácter medianamente didáctico, que informan acerca de los peligros de esta ruptura de realidades; siendo The Panic in Needle Park (1971), Christiane F. (1981) y Candy (2006) algunos de los ejemplos más entrañables y mejor logrados.

Sin embargo, existen ciertos trabajos capaces de llevar este tema narrativo hacia nuevas escalas iconográficas. Mismas que, además de retratar de manera antropológica el perfil del adicto, también arrojan una reflexión (generalmente satírica) acerca de un determinado contexto histórico.

En el año de 1993, Irvine Welsh mostró al mundo una obra literaria la cual, por su franca e incorrecta narrativa, marcó un nuevo hito en la figura del drogodependiente; ensanchando la brecha que novelas como Junkie (1953) habían inaugurado.

La adaptación fílmica de Trainspotting (1996) fue un experimento que reivindicó ese ánimo incorrecto, jactancioso y contestatario que hace de los personajes de índole marginal un vehículo capaz de copiar al carbón los aspectos más conmovedoramente contradictorios de la especie humana.

Sin embargo, como toda obra de carácter postmoderno, este texto fílmico cuenta con sus obvios e impostergables antecedentes. Es así como nos topamos con Paul Morrissey y su incendiaria Trash (1970).

Perteneciente a la triada fílmica que el director oriundo de Nueva York realizó en colaboración con Andy Warhol (Flesh, Trash y Heat), esta obra nos introduce en un teatral pabellón de circunstancias que se vuelven la contraparte (y el incómodo complemento) de las aseveraciones filosóficas que Burroughs había realizado años atrás con respecto a los opiáceos.

El protagonista de esta cinta es el icónico Joe Dallesandro, actor quien, en esta ocasión, da vida a un adicto empedernido a quien seguimos a lo

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largo de una serie de situaciones que se debaten entre lo documentalista y lo absurdo.

El único combustible que motiva las andanzas de Joe es su necesidad de heroína, misma que se ve satisfecha mediante múltiples y variadas formas que, indirectamente, nos arrojan una satírica impresión de la sociedad norteamericana de segunda mitad del Siglo XX. Nuestro protagonista se torna el testigo de distintas situaciones que van, desde la banalidad consustancial del mundo doméstico, hasta la sordidez de la perversión clandestina.

Sin embargo, la condición de Joe, lejos de describirlo como un ser repelente, parece volverlo alguna clase de fuerza mesiánica que persiste pura gracias a su disociación existencial.

Mediante un anguloso juego introspectivo, Morrissey captura la condición psíquica del adicto a la heroína: ente quien transita a lo largo de una creciente ola de hedonismo que lo convierte en un ser emancipado de las instituciones normalizadas y de los apegos humanos.

Si para Burroughs la heroína es una substancia que no es digna de clasificarse en el rubro de las “substancias sagradas”; Morrissey la identifica como una vid reservada sólo para aquellos quienes desean ensanchar su percepción, acercándose peligrosamente hacia esa frontera que separa a los hombres de los dioses.

Joe Dallesandro, con su físico efectistamente imponente y su indiferencia ante cualquier estímulo del exterior, se torna el referente encarnado de dicho manifiesto.

Mismo síntoma que se ve recalcado mediante una impotencia sexual que inmuniza a nuestro protagonista, abstrayéndole de los estímulos mundanos de una civilización que parece haberse quedado pequeña frente a las posibilidades ofrecidas por la aguja.

La excitación erótica, placer que pareciera ser el más voluptuoso y recurrente dentro del mundo normalizado, ha dejado de ser relevante para un Joe quien ahora transita en medio de un celibato el cual, aunado a su andrógino aspecto físico, parece transformarle en un Cristo transgresor y asexual.

Por supuesto, existen ciertas secuencias en la que Joe hace uso de cierta potencia sexual; sin embargo, estas actitudes tienen más que ver con una necesidad de control y sometimiento que con un auténtico despliegue de erotismo.

Un simple bálsamo frente al aburrimiento de una realidad que persiste sosamente, absuelta de cualquier tipo de interés.

Dicha transgresión alcanza un punto verdaderamente dionisiaco cuando, durante el anticlimático desenlace de la narración, Joe decide “reinventar”, de manera inconsciente, los cánones de la institución familiar.

Eventualidad que supone la dislocación de una serie de valores “sagrados” que se vuelven insuficientes al momento de delimitar los contornos de la nueva humanidad.

Al mismo tiempo, esta naturaleza contestataria se nota reiterada mediante un esteticismo audiovisual que parece concebido con el fin de escandalizar a las consciencias de una época que apenas está despertando de su aletargamiento sexual.

Los desnudos y los diálogos atestiguados en esta cinta son un asunto paradigmático dentro del Séptimo Arte ya que, hasta aquel entonces, nadie se había animado a capturar la sensualidad mediante un retrato tan desgarbadamente naturalista. Logro que hace de Trash, y del resto de sus coetáneas, un referente histórico del liberalismo cultural y de la innovación artística.

Al igual que Danny Boyle, Paul Morrissey define a la transgresión como el principal rasgo de una mente verdaderamente superior. Signo el cual, irradiando una suerte de genialidad maligna, transforma a sus portadores en seres teóricamente iluminados; capaces de doblegar a aquellos quienes les “superan” dentro de esa hipocresía ilusoria a la que llamamos escala social.

Por supuesto, este prodigio no se concreta de forma gratuita. Es necesario un pacto en el que el involucrado ofrenda su identidad terrenal y humana con el fin de acceder a una nueva existencia que va más allá del mundo de los vivos.

Es esta dualidad la que transforma al adicto a la heroína en una encarnación contradictoria cuyo cuerpo permanece en constate podredumbre mientras que su mente se expande hacia secretos sensoriales que, muy probablemente, no deberían de ser alcanzados por el hombre.

Mismo fenómeno que explica la disolución temprana de aquellos individuos quienes se sumergen de lleno en los placeres de los opiáceos.

Ni Morrissey ni Welsh tratan de presentarnos una idealización gratuita del mundo de la drogadicción; sino que ambos se limitan a resaltar las pulsiones insurrectas de aquellos quienes han abrazado al placer clandestino como su única aspiración.

Conducta que, para bien o para mal, les proporciona un abanico de nociones con las que el resto de la humanidad sólo se atreve a soñar.

De culto

JOHN CURRIN

TXT:: Arte Regina Zamorano Licea

EL ARTE DE LA CARNE

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¿Cómo hacer que lo barato se vea caro? ¿Cómo hacer que lo gringo se vea europeo? ¿Cómo hacer que lo vulgar se transforme en refinado? Nada mejor que un pintor figurativo estadounidense; si estudió arte en Yale, mejor.

Les presentamos a John Currin, una burbujeante mezcla de Pinterest, Botticelli y YouPorn.

S

i tan sólo pudiéramos decir que el porno es verdaderamente el tema de este pintor, tal vez concluiríamos en que su obra es escandalosa, perturbadora, cachonda o algo, pero cuanto más lo investigaba, más caía en la cuenta de que el tema de la obra de John Currin es nada menos que John Currin y ciertamente, hay algo pornográfico en eso. Él y sus pinceles, él y el color, él y su esposa, él y su felicidad, él y sus trajes de diseñador, él y Elton John, él y su dolor ante la incertidumbre más dolorosa (la cual atormenta y ha atormentado a tantos artistas): ¿Pasaré a la historia? ¿Seré relevante? ¿Estaré bien o mal? Si estoy bien ahorita (i.e. ganó millones de dólares), ¿significa que después la historia me rechazará por comercial y facilón? Pura angustia existencial.

exposición individual. El resto es vieja historia, una crítica lo llamó sexista en algún periódico y, así, en un abrir y cerrar de ojos, se hizo famoso en el papel tan ansiado por tantos caballeros: el nuevo bad boy de la escena del arte. Pero un bad boy diferente, un chico malo del siglo XX, impecable en el vestir y presente en todos los acontecimientos sociales con su radiante esposa y sus tres hijos.

BROCHA GORDA Esta historia comienza en los terriblemente antiestéticos años ochenta, cuando John Currin, nacido en Colorado en 1962, se estaba debatiendo entre las tendencias artísticas de su época: neoexpresionismo abstracto con un toque urbano (ya saben, Basquiat, Schnabel, Haring, etc) y su natural tendencia hacia la pintura figurativa, la cursilería gringa y las chicas encueradas.

Después de arduas noches sin dormir, preguntándose cómo darle al número ganador de la ruleta del mundo del arte, deprimido y enojado para encajar en la pose del artista maldito, Currin cedió ante sus impulsos y comenzó a pintar retratos de jovencitas. Era 1989. Una galería se animó a mostrar cinco de ellas. Se vendieron todas y Currin pudo descansar medio año de su empleo de pintor de casas. Desgraciadamente, el mercado del arte se desbarajustó justo en ese momento y el artista tuvo que retomar la brocha gorda.

CLÍMAX EN EL MUSEO Tan famoso se hizo que sus cuadros empezaron a venderse en cientos de miles de dólares a finales de los noventa. Y para 2003, ya le estaban organizando una retrospectiva en el Museo Whitney, como si de verdad tuviera un cuerpo de obra imponente. Ese mismo año, dejó la galería de su ex, con quien llevaba una muy buena relación de amistad, y se mudó nada menos que con Larry Gagosian, uno de los galeristas más poderosos del mundo del arte, quien aumentó aún más los precios de sus obras porque los encontraba “ridículamente bajos”.

Sus cuadros, que para entonces, retrataban lo mismo a mujeres con senos enormes, parejas de homosexuales, jovencitas calenturientas, escenas de la vida cotidiana de la alta y baja sociedad, como un cumpleaños o una cena del Día de Gracias, etc, se vendían como pan caliente y los críticos se extasiaban ante esa inquietante mezcla de crueldad y ternura que Currin parece sentir por sus personajes.

No podemos negarlo, sus pinturas de esa época tienen algo que incómoda, que da comezón en la glándula de lo políticamente correcto, que encoge nuestro traje de buena persona, que irrita y da risa, que asombra y asquea, y definitivamente, algo que nos extrae una sonrisa complacida ante la humillación de esos sujetos capitalistas y corruptos y al mismo tiempo una pizca de deseo.

TRAVESURAS Era momento de inventar algo más, de ir un poco más allá, de aventar la piedra y esconder la mano, de poner cara de yo no fui pero saber exactamente lo que estás haciendo, un actitud muy popular entre los artistas millonarios (véase Warhol, Koons y Cía.).

El resultado fue una serie de retratos de damas ya entradas en años, cuyas figuras, miradas, posturas, etc, representó de manera despiadada e irónica, y que hacían debatirse al público y a los críticos entre la risa burlona y la culpa. Algo parecido a reírte de tu madre.

Su estilo se fue perfeccionando, agarrando influencias de aquí y de allá en la historia del arte, desde el Renacimiento, pasando por el Manierismo, el rococó y el Pop. Para 1992, el avezado Currin ya era novio de la galerista Andrea Rosen, quien lo incluyó en varias muestras y le organizó su primera

DESPUÉS DE LA SEQUÍA, EL PORNO Después de tanto fanfarria, a Currin se le secó la inspiración. Vagaba por su estudio como león enjaulado, buscando la nueva fórmula ganadora, muy consciente de que era hora de pasar a otra cosa, las muñequitas burguesas grotescas estaban pasando de moda y ya sabemos cómo es el mundo de la fama, se trata de sorprender siempre con algo más grande, más sucio, más loco. La sociedad del espectáculo tiene un hambre insaciable y caprichosa de degradación, encaje y látex.

Un amigo le dio un recorte de una caricatura, esperando así desbloquear sus jugos creativos, pero a Currin le llamó más la atención la escena pornográfica al reverso del dibujito. “Cuando empecé a pintar, supe de inmediato que esto iba a ser algo bueno”. ¿Y cómo dudarlo? Si cada año se producen más de mil millones de imágenes de mujeres

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desnudas. El mercado es inmenso. Ahora sólo faltaba encontrar un discurso.

EL PORNO NOS HARÁ LIBRES… Y LA ESTUPIDEZ TAMBIÉN ¿Por qué el porno? Le han preguntado a Currin y los periodistas “pierden el hilo” de las ideas del artista cuando éste empieza a decir que le afectó mucho la censura que se hizo en Estados Unidos de unas caricaturas danesas que ridiculizaban al profeta Mahoma en 2005.

“Todo mundo hablaba de esas caricaturas, pero no las publicaron en ningún medio”, se indigna Currin, “no le permitieron a la gente verlas.

No estaban por ningún lado”.

Según él, sus cuadros pornográficos eran una protesta ardiente contra la terrible censura que los islamistas ya estaban amenazando con imponernos a nosotros, los pobrecitos occidentales. Nadie impedirá la libertad de expresión de los países libres y para muestra, ahí les van estas pinturas basadas en revistas y películas pornográficas del nuevo y el viejo mundo.

Y cierto, los musulmanes demostraron ser bastante radicales, la prueba son los terribles ataques a la revista francesa Charlie Hebdo, eso no puede negarse, pero de verdad, ¿la respuesta a eso podría ser un montón de porno?

No puedo evitar relacionar todo esto con otra frase de John Currin, proferida en 2008 acerca de sus pinturas sexosas: “No es que quiera escandalizar a la gente o demostrar lo abierto que soy, es sólo que la estupidez es un tema para mí en mi pintura y me parece liberador… No sé por qué, pero me hace sentir más libre. Pero tal vez es que necesito redimir esta tontería con algo realmente solemne, sombrío y hermoso”.

CHORREANDO ÓLEO Sí, hermoso como su definición del arte, que desde su punto de vista debe ser “mágico y bello”, tanto así que ha dicho que su objetivo es llegar a llorar al ver sus propias pinturas.

De hecho, puede llevarse años creando un solo lienzo, pues su secreto para hacer algo solemne, hermoso, etc, es utilizar las técnicas de los grandes maestros de la pintura como la aplicación por capas del óleo y toda una serie de trucos para lograr que la piel de las mujeres de sus cuadros, las flores, las telas, etc. luzcan reales y vibrantes.

Técnicamente, Currin es considerado un virtuoso. ¿Es eso suficiente para ser artista hoy? ¿No es algo muy siglo XVI? Lo cierto es que los críticos, los coleccionistas y el público lo aman y lo aclaman, prueba de que no siempre es necesario tener algo que decir en el arte, a veces, basta con mostrar, pero eso sí, hay que mostrarlo todo.

Cine

PLAYME BURLESQUE TXT:: Amaro Bautista

Belleza, sensualidad, erotismo y humor negro invaden el escenario.

Lentejuelas, plumas, maquillaje y brillos las delatan. Su cuerpo, su mirada y su irreverencia hacen voltear a verlas. No hay pudor, no hay prejuicio. Hay alegría, energía, amor y arte. Son ellas, mujeres que cautivan al público, que provocan, que enloquecen. Bienvenidos a PlayMe Burlesque.

Amber Ray, Calamity Chang, Delysia La Chatte, Tansy, Jo Weldon y Medianoche son algunas de las mujeres que alguna vez quisieron ser bailarinas, cantantes, actrices o comediantes, si bien su camino fue distinto, pero no alejado de su sueño, el burlesque las cautivó, las transformó y ahora las hace felices.

PlayMe Burlesque es un largometraje documental de la directora polaca Malgorzata

PROVOCACIÓN, CUERPO Y LIBERTAD

Saniewska, quien a lo largo de la historia que nos cuenta, nos sumerge en la intimidad de las chicas burlesque de la escena de Nueva York, artistas de la vida. Un documental que nos acerca a los personajes y a sus sueños, pero sobre todo con delicadeza hace un acercamiento fotográfico sobre lo que sienten dentro y fuera del escenario, para dejarlo grabado en nuestras memorias.

Pero ¿qué es el burlesque? Fue en la mitad del siglo pasado cuando surgió un espectáculo teatral enfocado en la comedia, perfecta combinación de distintas rutinas artísticas: canto, danza, música, actuación y h umor negro; ridiculizando, glorificando lo socialmente inaceptable o denigrando lo socialmente dignificado, el burlesque retrata la vida sin recato. En la actualidad esta corriente artística ha evolucionado: el erotismo, la sexualidad y la desnudez se han hecho presentes, con un giro de frescura y autenticidad.

Las protagonistas de PlayMe Burlesque descubren en cada show una nueva forma de acercarse a la gente y al mismo tiempo de descubrir quiénes son. Para ellas salir al escenario

es conversar con la audiencia, es escuchar sus silencios al ver lo inusual, su emoción al descubrir la desnudez, su risa ante cada momento hilarante.

“Lo que hago en el escenario es magia, es un ritual, me expongo a mí misma todo el tiempo y creo una fantasía para el público. Es el momento en el que todos me ponen atención y solo me queda decir ‘¡Oh my god, I love you!’”, narra una de ellas, mientras observamos la seguridad que tiene en el escenario para seducir, transgredir y cautivar a todas y todos aquellos que la ven.

Y es que el espectáculo que escenifican no es para un público en específico, no es exclusivo para hombres, es un show para mentes libres, con deseo de conocer lo diferente, lo que las mueve y hace vibrar.

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Ficha Técnica Título: Playme Burlesque Director: Malgorzata Saniewska Año: 2016 País: Estados Unidos

PlayMe Burlesque crea una atmósfera de fiesta y seducción, acerca al público a descubrir lo humano y lo artístico de estas mujeres, otorgando realismo y diversión paralelamente.

Muestra el proceso que hay detrás de cada show: ensayos de baile, pruebas de vestuario, creación de todo un concepto para un performance, iluminación, maquillaje, accesorios, una producción apabullante que ve la luz por unos cuantos minutos. Y es que ellas son artistas completas: seducen, bailan, actúan, cantan, hacen reír, e incluso muchas hacen su propio vestuario.

La directora Malgorzata Saniewska descubrió el mundo burlesque mientras realizaba fotografías de la vida nocturna en Nueva York, ella se introdujo en la escena, en los cabarets, en la industria creadora de estos performances y con ello se inspiró para capturar la belleza y autenticidad de

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estos espectáculos y sus protagonistas a través de la fotografía y después a través del cine.

El surrealismo de estos shows, la magia y fantasía que crean, hace que estas mujeres se descubran, se conozcan y se diviertan. Quizá muchas de ellas no se volverán millonarias, pero la felicidad que les da entregarse al público y hacer lo que aman nunca se irá.

Para ellas el burlesque es energía, comedia, alegría y belleza. Una forma de vivir.

Este largometraje documental formará parte de la quinta edición de la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero): “VS. MEDIA. Democracia, medios & feminismo”, que se realizará del 4 de agosto al 30 de octubre en 12 estados de la República Mexicana: Ciudad de México, Guerrero, Oaxaca, Chiapas, San Luis Potosí, Veracruz, Edo. México, Nuevo León, Morelos, Puebla, Quintana Roo y Baja California.

PlayMe Burlesque estará en la sección “Cuerpo atlético” de esta muestra, y es que para MICGénero el cuerpo es un constructo atravesado por el género, la etnia y la clase social. Considera

que los cuerpos surgen de fuentes heterogéneas: competencia, lucha, rivalidad, arte y guerra. Si bien en el documental existe una hermandad entre las mujeres que hacen burlesque, es cierto que la competencia es evidente, es inevitable dar lo mejor y sobresalir al lograrlo.

Para MICGénero la arena deportiva masculina es pública, mientras que las prácticas femeninas son privadas. En PlayMe Burlesque la única arena visible es la del entretenimiento. Cada artista es único en el escenario, y en el burlesque sumar es lo que importa, competir es provocar, mostrar lo más auténtico de una escena que exalta el poder femenino y su sensualidad.

PlayMe Burlesque es provocación, cuerpo y libertad.

Cine

SOMOS lENGUA LA ARTICULACIÓN Y EL ESPÍRITU

TXT:: Luis Manuel Rivera y Miguel Ángel Morales / crash.mx

TRAS CONCLUIR el ciclo de su primera película de ficción (El lenguaje de los machetes) hace más de tres años, comenzó a trabajar en Somos Lengua, su documental sobre la cultura hip hop en México. Luego de un ir y venir de ideas el proyecto se fue consolidando. La cinta tuvo su estreno internacional en Las Islas de Ciudad Universitaria como parte de la sexta edición de FICUNAM. Casi 4 mil personas asistieron a la función.

Kyzza gozó el momento. Ahí estudió filosofía y el lugar le representa mucho simbólicamente.

Cuéntanos cómo se gestó la película.El génesis del proyecto tiene que ver con que quería hacer investigación del rap en México para un personaje y un guión que yo quería escribir y que nunca hice. Para ello contacté a Feli [Dávalos] gracias

a que teníamos un amigo en común. Fue ahí donde comencé a descubrir un mundo. Siempre me ha gustado el rap, desde morrito, desde la primaria, pero yo no sabía realmente de la escena en México. Conocía otras cosas que se hacían fuera: Estados Unidos, Francia, Cuba. Pero nada de lo que se hacía en México más allá de Control Machete y lo más conocido. Intuí que había un mundo ahí. En ese camino conocí a Carlos [Sosa] (productor de la película) y fue una coincidencia, él me dijo que le gustaban mucho los documentales de música y yo traía esta idea. Y así a finales de 2012 empezamos a grabar las primeras cosas.

Narrativamente, ¿qué obstáculos se fueron encontrando?

Recuerdo esas primeras carpetas que armamos, donde poníamos a 30 personajes, y a menudo nos encontrábamos con esta visión conservadora o cuadrada de, “no, no puedes hacer una película con 30 personajes, ¿dónde va a estar la estructura?”. Y decíamos no, no es una historia de unas cuantas personas, es una historia colectiva, es un retrato

de las voces de estas personas, es un mosaico. Nunca se intentó hacer la historiografía del rap en México ni contar su evolución, ni contar la vida particular de estas personas, sino simplemente retratar una práctica, indagar en qué consistía, por qué estos chavos se veían atraídos por el género, qué encontraban en eso y cómo los ayudaba a vivir. Finalmente ese es el gran punto de la película, la parte emotiva, que es una práctica que otorga herramientas para ser más feliz y para sobrevivir en el sentido más práctico y más espiritual de la palabra. ¿Cómo se percibe desde dentro esa posibilidad artística del rap?

Yo no creo que ellos (los raperos) se consideren, porque además no lo son en el sentido canónico de la palabra, literatos. Pero para mí es igual de

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Detrás de su computadora resalta una frase: “sabemos que es mentira”. Cuando entramos, Kyzza Terrazas (Nairobi, 1977) trabaja un tanto apresurado y parece estar solo. Sugiere hacer la entrevista en su estudio que está en la parte alta de su casa. Subimos pero nos parece muy austero y poco atractivo para la fotografía.

Preferimos su comedor que tiene de fondo un librero en el que son mayoría los títulos en inglés.

válido un rap que un poema que está publicado en Letras Libres. Por más que tengan diferentes bases, finalmente cumplen las mismas funciones, incluso a veces cosas como el rap están mucho más vivas que otras formas literarias. Porque vas a un concierto y hay dos mil morritos, en cambio vas y presentas un libro de poesía y no los hay. No estoy diciendo que una cosa sea mejor que la otra, sino que a mí me interesaba enfrentarme a esto con la misma frescura e interés con que me enfrento a una novela. Por ahí va el tema de la alta y baja cultura, quitar esta consigna de que el rap es algo inferior. Eso está en la película y sobre todo en la mirada que yo intenté imprimir, que no sé si se logra.

De los que aparecen, C-Kan es el único que ha logrado un éxito comercial grande. ¿Cómo es visto por el resto de los raperos?

Es bastante menospreciado, no tanto por la cantidad de seguidores, sino porque hace un tipo de rap muy elemental, un rap romántico para morritos enamorados. Finalmente él lo ha hecho y lo hace muy bien y tiene un putero de gente que lo admira y ve sus videos. De todos es el único que yo vi que viene del barrio y que hoy tiene una casota. En su caso sí se cumple este fenómeno muy claro en Estados

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Unidos, como lo es el basquetbol, de usar al rap para salir del ghetto. Para él ha sido una forma de hacerlo y por supuesto que lo desdeñan por eso pero no todos, hay mucha gente muy inteligente, sobre todo la que lo hace de manera profesional y que son un chingo, que no lo desprecia de forma superficial, a lo mejor no le gusta pero le reconoce lo que ha logrado. Es un wey que la tiene clara, le trabaja duro todos los días, que piensa muy bien, que sabe lo que está haciendo. ¿Hubo cosas que te decepcionaron de la escena una vez concluido el rodaje?

No es que tuviera una preconcepción. Por supuesto que hay aspectos que uno encuentra, como todo en el mundo, que no te gustan o que juzgas que podrían ser de otra manera. Pero en realidad descubrí un mundo increíble. Es el trabajo que más he gozado. Toparte a todos estos chavos, poder conversar con ellos y conocer estas ciudades a través de sus ojos, ciudades que igual ni tenías en tu radar. Lo principal es el asombro y descubrir que ahí hay una pinche calidad humana muy cabrona. En cuanto a lo que no me gusta, creo que de pronto hay actitudes de ciertas personas que no corresponden a la realidad, como hacer un video creyéndose Snoop Dogg. Es muy claro cuando alguien no lo está manteniendo real.

En esto es importante que sea honesto y no sea una especie de masturbación mental o ganas de impresionar. También hay gente que lleva muchos años en esto que se siente muy celosa del mundo del hip hop y si alguien que no ha sido parte del mundo llega, en vez de ser abiertos son como de, «no, no esto es mío». A eso nos enfrentamos.

FICHA TÉCNICA Título: Somos Lengua Director: Kyzza Terrazas Año: 2016 Reparto: Giros, Tanke, Sipo, Aczino, Manotas, Vieja Guardia: Aztec 732, Mü, Dr. Zupreeme

Llama la atención la escena donde uno de ellos dice que gracias al rap se ha convertido en una peor persona.

En la película hay muchos contrastes y contradicciones. Por eso dejamos ese testimonio ahí, porque el dogma sobre el hip hop es que transforma, salva vidas, y es verdad. No es una invención de algún académico, es una realidad. Me queda muy claro que el rap es una práctica que a muchos jóvenes, aunque no se vayan a dedicar a eso, les transforma la vida, los lleva a tener unos intereses que no hubieran tenido de no haber entrado en contacto con ese uso constante del lenguaje de las palabras. Es una cultura fincada en la creatividad, y la creatividad, no siempre, pero puede ser un arma para vivir un poco mejor como persona, para sentirte mejor. Sí es una realidad, no tanto por el tema subversivo, que es una concepción un poco impuesta por cierta inteligencia cultural en este país que quiere conferirle al rap estas herramientas revolucionarias, que las tiene pero no son necesariamente a través de las consignas políticas. Nos interesaba un poco burlarnos de eso, no queríamos ser una película cursi de “el rap salva vidas”.

Deachete

Diego Huacuja T. Diseñador, animador e ilustrador.

Ha colaborado como ilustrador en distintas revistas y publicaciones editoriales, y ha formado parte de distintas ferias y exposiciones colectivas de ilustración. Desde el 2010 es co-fundador y Director Creativo de Basa, estudio de animación y diseño en la Ciudad de México.

Ha hecho de sus sueños frustrados una fuente de inspiración para animaciones e ilustraciones que decoran su sala. www.deachete.com www.basaestudio.com instagram: deachete

¯\_(ツ)_/¯

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Literatura

Satán rechazó mi nombre de Juan Carlos Hidalgo TXT:: Ricardo Cartas

ANTES DE INICIAR la reseña quisiera abrir un paréntesis. ¿Han tenido la oportunidad de hacer una lectura en donde seas uno de los personajes?

Revisen el primer relato Mezcal con soda y otros tóxicos. Es una situación muy extraña verte plasmado en las páginas platicando con otros personajes “reales” y con los “jefes” de la movida.

Me entristece que esos encuentros sólo sean posible en la ficción; corrijo: gracias al prodigio de la literatura de Juan Carlos Hidalgo; y la verdad es que es muy divertido. Este juego entre la realidad y la ficción, entre el periodismo y la literatura es la columna vertebral del libro. Vemos desfilar a lo largo de las páginas a rockstars, filósofos, periodistas, personalidades de la vida nocturna de varias ciudades de México, todos juntos formando parte del mundo literario de Juan Carlos Hidalgo.

Debo reconocer que la lectura de Satán rechazó mi alma (Nitro Press, 2016) la hice con hambre, es un libro que está poseído por un alma pop, en donde subyace siempre una sensibilidad sombría y luminosa, oxímoron que lleva al lector a prenderse con los recorridos, las venturas de un narrador rebelde, ahogado de contracultura.

El rock y la literatura en México siempre han tenido un buen amasiato. De hecho, dentro de la obra de Juan Carlos Hidalgo, tenemos un par de antecedentes: Rutas para entrar y salir del Nirvana (2014) y La vida sexual de P.J. Harvey (2015) que escribió con Ilallalí Hernández.

Los primeros libros de la generación de la Onda son la referencia que tenemos más a la mano y a partir de ese momento se funda una tradición cultural que sigue dando buenos resultados. Satán rechazó mi alma de Juan Carlos Hidalgo continúa con esa tradición, pero también provoca una ruptura, ya que dentro de su propuesta literaria no está el tomar la música como el soundtrack del trama; sino que hace un ejercicio de introspección en la psicología de los personajes.

Hidalgo, tiene una gran ventaja, como uno de los críticos musicales más importantes del país, conoce, vive, se emborracha de rock y su pasión lo hace conocer a profundidad a sus personajes. En algunos casos los describe en situaciones clave sobre sus carreras como artistas, reconstruye ese momento mágico en donde el artista está en el proceso creativo, donde la idea de una canción revolotea y de pronto se hace realidad; en otras profundiza en sus biografías. Uno de los textos que más llamó mi atención fue Escenas bipolares de pecado y rock and roll, relato en donde habla de Daniel Johnston, uno de los personajes más encantadores que ha dado la cultura pop norteamericana: “Me da pena contarlo, pero mis peores canciones vinieron cuando trabajé en McDonald’s. Pensé que aferrarme a una rutina cambiaría mi estado de ánimo. Contar con un poco de dinero fijo a la semana no me caería mal y la gente dejaría de decir que soy un inútil sin remedio”.

Por otro lado, no quisiera dejar de hablar sobre los poemas: “Nocturno etílico (pegado en un muro de Camden Town)”, “Jonnie & Bert (canción para noches de luna llena)”, “Ácido, Cruel & Pop”, “Hip Pop Mutante”, “Un saboteador arrepentido interroga al león de San Telmo”, los cuales revelan desde la locura de sus protagonistas el lado más íntimo y oscuro de las almas que han dado sentido a nuestra cultura.

Satán rechazó mi alma de Juan Carlos Hidalgo seguramente está llamado a ser uno de los mejores libros de este año.

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Cómic y narrativa dibujada

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S A T E N I V xo Y , e s l e O n a t N ru R f s i d n e PlaO i b tam s e r e j u m s TXT:: Oscar G. Hernández

Sexo puro y duro, así es la pornografía. Como su nombre lo dice, lleva la grafía en el alma o, más bien, lo gráfico; es un pilar indiscutible del llamado noveno arte y la cultura pop. Ha sido la parte más ilegal, más clandestina, más perseguida, probablemente la más leída y, para muchos, la más incómoda.

Son las Tijuana Biblies las primeras historietas porno que aparecieron en los años 20 del siglo pasado y fundarían no sólo el formato de comicbook como lo conocemos, sino que también servirían de inspiración al cómic contestatario y contracultural. Es mucho lo que se les debe a estos pequeños cuadernitos que mostraban sexo explícito. Y aunque hoy día se asocia la pornografía al cine y los audiovisuales, es históricamente en

los cómics donde se desarrolla y se crea tal como la conocemos.

Las reflexiones que se han elaborado sobre lo porno son enormes; van de la moral, lo estético, lo social, etcétera. Quizá la única certeza sea que el humano requiere ver lo oculto, lo prohibido, y debe apreciarlo en su totalidad y a detalle.

Es eso lo pornográfico, es esa capacidad de satisfacer la vista y de alimentar una necesidad fisiológica como el orgasmo; de ahí la cantidad de masturbaciones y fluidos derramados originados a causa de lo porno. Los primeros acercamientos a esa sexualidad inician con las representaciones dibujadas. Hay que recordar que el cómic sigue considerado como un mass media.

En aquellos lejanos años, aunque se hicieron algunas filmaciones, éstas

eran exclusivas para una élite. Para la cinematografía, era prácticamente imposible hacer llegar el porno a las masas. Los cómics, sin embargo, podrían librar la brecha que el cine tardó más de 40 años en conquistar.

La pornografía en los cómics sigue los argumentos conocidos hasta ahora; no hay grandes diálogos, pensamientos o reflexiones, lo importante es follar y hacerlo lo antes posible, enseñar todo y sacudir a las buenas y malas conciencias. Tetas, culos, falos, vaginas, bocas, etcétera; todo mezclándose y representados desde formas de dibujo muy vulgares, hasta verdaderas expresiones del gran arte.

La cantidad de narrativa gráfica producida desde aquellos lejanos años 20 hasta nuestros días es

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innumerable; sin embargo, siempre hay autores que destacan o son parteaguas de su generación.

Eric Stanton y Giovanna Casotto son, sin duda, dos casos muy particulares; ambos son reconocidos increíblemente por su arte en la pornografía, y, sí, efectivamente en lo explícito hay arte, pero su reconocimiento no termina allí; los dos son polémicos por el tipo de porno que desarrollaron.

Stanton se vuelve contestatario y políticamente incorrecto, rompe con el estigma porno de dominación hacia la mujer y construye una enorme serie de cómics, en los que la mujer es la protagonista dominante. Ésta no aparece como objeto sexual, no en el formato en que suele aparecer y desatar el alarido de las feministas que consideran que el porno es humillante para su género. Las mujeres de Stanton aparecen dando severas madrizas al género masculino, litigándolos, pateándolos, penetrándolos, violándolos y sometiéndolos a lo inimaginable. La recreación de este

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autor sobre las mujeres a finales de la Segunda Guerra Mundial se vuelve icónica, sus personajes femeninos son voluptuosos y fuertes. No representan debilidad en ningún momento. Incluso construye una parodia de Wonder Woman completamente feminista. Es difícil saber si el narrador gráfico tenía una postura de este tipo; se ha dicho que lo que hacía era satisfacer los pedidos de sus clientes, entre los que, se rumora, solía estar J.F. Kennedy y Elvis Presley.

La influencia de Stanton se extendió no sólo en los autores de cómic; su estilo gráfico se sigue utilizando hasta nuestros días y es muy visible en México, sobre todo en el afamado Libro vaquero y toda esa estética del softporn de las historietas mexicanas. Aparece también en varios cineastas de culto, como Fellini y Russ Meyer; incluso la misma Madonna quedaría marcada de por vida al ver una exposición del artista, que le inspiraría para crear mucho de su imagen.

Giovanna Casotto es otra de las autoras que rompe los estigmas

de la pornografía como algo hecho por el hombre para satisfacer a los hombres. Cassoto se convierte en la primera mujer en dibujar porno, y aunque por la belleza de sus dibujos fue encasillada en la categoría de erótico, su obra poco a poco se alejó de esa etiqueta. Con esta autora es, una vez más, que desde la narrativa gráfica se rompen los modelos; hoy cuando en el cine porno muchas mujeres comienzan a producirlo y dirigirlo, esas prácticas ya se habían realizado en el noveno arte. Para la autora no bastaba con crear personajes; ella misma se transforma en su creación, y se dibuja como la protagonista de sus historias, y, de esta manera, vivir a través de sus líneas el momento pornográfico.

Es difícil pensar la existencia de la cultura pop sin los cómics y sin la pornografía, prácticamente ambos se construyen mutuamente; al porno, actualmente, se le asocia a lo vulgar, a lo mal hecho y un mero satisfactor, pero cualquiera que revise el trabajo de Eric Stanton y Giovanna Casotto descubrirá que el género va más allá de cualquier intento reduccionista.

Cómic y narrativa dibujada

VÍCTOR AMEZCUA Directamente desde la última frontera norte de México, llegan las historietas de Víctor Amezcua, autor de Ciudad Juárez, cuya narrativa dibujada nos cuenta historias de la periferia. En La Conurbada encontrarás humor, crítica social y reflexión. Su trabajo es publicado por la Editorial Trágica. Además de narrador gráfico, es pintor e ilustrador. artmezcua.wix.com/amezcua laconurbada.tumblr.com/ Facebook.com/artmezcua Facebook.com/EditorialTragica

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TXT:: ARTURO J. FLORES @arthuralangore

OFF THE RECORD

Columnas HAY FRASES QUE NUNCA se dejan de pronunciar en un hotel de paso. “¿Será cierto que te graban?”, es una de ellas. “A un amigo le pasó.

Se encontró en una película”. El aludido nunca tiene nombre. Ni existe manera de hablar con él. Es el mismo que una vez vio al Chupacabras, al que lo secuestraron en un bar para quitarle un riñón y quien estuvo internado en el mismo hospital donde acude un famoso cantante para que le reconstruyan el ano después de sus orgías.

Sólo quienes hemos visto porno sabemos que no es verdad lo de las grabaciones clandestinas hechas en los hoteles. Sigo buscando a alguien que pueda desmentirme. Demostrarme que lo grabaron a escondidas mientras le daba placer al cuerpo. No ha sucedido porque eso no pasa.

Y cuando yo digo que la mula es parda es porque tengo los pelos en la mano. Literal.

Pero también accedí muchas veces a hacerlo con la luz apagada o debajo de las sábanas para que se sintiera más segura. Incluso a cerrar las cortinas para proveer a nuestro encuentro una dosis extra de intimidad. Como si en el resto de las habitaciones nuestros vecinos estuvieran rezando el rosario.

La pornografía tiene por objetivo excitar los sentidos de quien la mira. Si lo sabré yo, que desde hace siete años edito la versión mexicana de la “revista para caballeros” más popular del mundo.

Eufemismos aparte, si producimos un contenido de tipo erótico, sexual, pornográfico, cachondo, es precisamente para eso: para ponernos a tono.

En la introducción del libro Nacho Vidal: Confesiones de una estrella porno, en la que el periodista David Barba le saca toda la sopa (en sentido real y figurado) al sucesor del gran Rocco Siffredi, se cita al director de cine Luis Berlanga cuando dijo que el erotismo es la pornografía vestida de Christian Dior. Así respondo cuando me preguntan cuál es la diferencia entre porno y erotismo. Existen sitios en el planeta donde una ombliguera es tomada como pornografía, de acuerdo con ciertos preceptos religiosos y otros donde alargarse el cuello por medio de anillos de latón es visto como una práctica erótica.

La leyenda urbana según la cual existe una cámara oculta detrás del espejo de un hotel que registra nuestras piruetas eróticas proviene de una serie de videos que aún se pueden ver en Internet bajo el título “Hoteles de Tlalpan”, “Hoteles de Santa Fe”, “Hoteles de la Merced”, que, en efecto, fueron grabadas en esos lugares por personas que no son actores profesionales. Sin embargo, lo hicieron con su propio consentimiento. Lo sé porque conozco a varios de ellos. En México, no existe una industria formal de cine para adultos. De ahí que los hoteles de paso sean recurrentemente utilizados como locaciones y el “talento” no sean histriones que se dedican 100% a rodar filmes tres equis, sino gente común y corriente que acude a un casting, coge y cobra un pago casi simbólico por ello. Unos con la esperanza de iniciar una carrera que los lleve a San Fernando Valley, la capital mundial de la pornografía. Otros, sencillamente quieren cumplir una fantasía. Yo mismo he jugado al pornstar aunque no comercialicé el producto ni mi compañera tampoco… Hasta donde sé.

Para que una escena sirva, necesita excitar. Y para estimular los sentidos del mirón, hace falta que la penetración, sea oral, vaginal o anal, entre una mujer y un hombre o cualquier combinación que de lo anterior resulte en número y género. Para ello, se necesita no coger como comúnmente lo haríamos; debemos sacrificar cierto placer y forzar la resistencia de nuestros músculos, huesos y articulaciones para que se “vea”.

Nadie lo hace en un hotel de paso. Además de que la iluminación es pésima.

Para que una película porno funcione, es decir, que caliente, los protagonistas deben sacrificar mucho de su placer en aras del que generarán en sus mirones.

Si no te avisan, sencillamente, no lo haces.

Si alguien te graba haciendo el amor, teniendo sexo, revolcándote, a hurtadillas, lo más seguro es que quede una película de muy pocos minutos de duración de un bodoque humano sin pies ni cabeza –tal cual– que nadie compraría.

Hacer porno es como bailar la bamba. Para subir al cielo se necesita un poco de gracia y otra cosita.

Hoteles de Tlalpan presenta

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Estilo

G-SHOCK DE FUTURA

En conmemoración de su tercer lanzamiento y en colaboración con G-SHOCK, los relojeros de la marca japonesa y el legendario artista del graffiti Futura, lanzan el GDX6900FTR-1, una pieza que refleja la esencia creativa detrás del visionario del arte callejero.

Futura ganó fama en las décadas de los 70 y 80, por ser uno de los pioneros del graffiti neoyorquino. Junto a sus contemporáneos –entre los cuales se encuentran Basquiat, Keith Haring, Dondi White y Kenny Scharf–, la obra de Futura ha sido celebrada por su estilo explosivo y expresividad poderosa. El GDX6900FTR-1, de edición limitada, presenta el aclamado gráfico de átomos que distingue el arte de Futura. Además, ofrece resistencia a golpes con su tecnología Alfa-Gel que absorbe impactos; puede ser sumergido hasta 200 metros bajo el agua, cuenta con pantalla LED de retroiluminación, alerta de flash, dos alarmas multifuncionales y otra con botón de repetición; hora mundial (29 husos horarios y 48 ciudades), cronómetro de 1/100 segundos (24 horas), función de silencio y batería de 10 años de duración.

PAMBO: EMBAJADORA DE LA LÍNEA PRIDE DE LEVI S ’ Levi’s vuelve a lanzar su colección Pride, misma que apoya a la comunidad LGBTTTI, con diferentes modelos totalmente unisex y detalles distintivos, como la inclusión del arcoíris en su logo, parches relacionados con el orgullo LGBTTTI y modelos que hacen referencia al legendario Harvey Milk, los cuales reflejan el respaldo de la marca en la búsqueda de la igualdad de las personas más allá de sus preferencias.

Para la llegada de esta colección a México, Levi’s eligió como embajadora a la cantante y compositora Pambo, quien asegura que “siempre es un privilegio ser voz y no hay nada que me emocione más que apoyar una causa buscando que un día deje de serlo”. El mensaje de Pambo se conecta perfectamente con la marca Levi’s para celebrar la libertad de expresión que se refleja en la colección Pride.

Este año, la colección Pride colabora por vez primera con la Fundación Harvey Milk; un aliado de larga tradición de la comunidad LGBTTTI, llevando el mensaje de la Fundación por la igualdad de los seres humanos: “Un mundo en el que todas las personas, sin excepción, gocen equitativamente de los mismos derechos humanos”. La colección Levi’s x Harvey Milk Foundation Pride está compuesta por cuatro prendas unisex y todas las ganancias que se generen serán donadas a la fundación.

UN VIAJE

(DE PELUCHE) A LAS ESTRELLAS Los personajes del nuevo episodio de la saga espacial Star Trek, (Star Trek: Beyond) llegan a Build-A-Bear Workshop, para darle vida a los Amigos de Peluche, y tal como en la película, formar parte de la tripulación del USS Enterprise, la nave insignia de la Flota Estelar, la cual vuelve a surcar el universo para asegurarse de la protección de la Tierra y del resto de planetas aliados.

Si eres trekkie que se respete, estos nuevos personajes de peluche tiene que ser tuyos. Juntos lograrán la misión de proteger el futuro de la raza humana y preservar la armonía entre especies. (ropa y accesorios, se venden por separado) Para ganarte uno de estos Amigos, envía un correo a contacto@revistamarivin.com con el asunto “Star Trek”, tu nombre competo y la respuesta correcta a cualquiera de las siguientes preguntas: 1.- ¿Cuántas tiendas Build a Bear existen en el mundo?

2.- ¿En qué lugar se abrió la primera Build a Bear Workshop?

3.- Nombra los 7 pasos del proceso para crear a tu Amigo de Peluche en Build-A-Bear Workshop.

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Tecnología

FACEBOOK EMOJIS Si eres un usuario de iOS y utilizas Facebook Messenger con usuarios de Android o viceversa, probablemente te habrás dado cuenta de que algunos emojis son diferentes, incluso algunos cambian de sentido. Para reducir estas diferencias y encontrar un camino de comunicación común, Facebook decidió sustituir los emojis de cada sistema operativo por los propios dejando fuera algunos que Facebook había implementado y que no tienen equivalencia en el mapa de emojis oficial como :3 o :V.

SALTA, BRINCA Y VUELA

EN UN EXTRAVAGANTE PLANETA ALIENÍGENA Prepárate para Grow Up, un nuevo juego acrobático de aventura, secuela de Grow Home, un favorito de la comunidad gamer, elegido como el ganador del primer programa PlayStation®Plus Vote to Play del año pasado. En Grow Up, los jugadores deberán guiar pequeños robots BUD alrededor de un mundo alienígena mientras se embarcan en una vertiginosa misión que lo verá saltando, rodando, brincando y volando alrededor de un impactante mundo abierto, nuevo y virtualmente sin fronteras. Grow Up estará disponible en formato digital en Xbox One, PlayStation 4 y PC en agosto de 2016. Con nuevos retos contrarreloj, coleccionables y habilidades, los usuarios podrán iniciar sus propias misiones o pasar tiempo navegando el ilimitado paisaje a su propio ritmo.

GOOGLE DEEPMIND AXEL ROSE

QUIERE TERMINAR CON SU MEME Una foto tomada en 2010 por The Winnipeg Free Press, en la que se puede ver a Axl Rose pasado de peso mientras canta fue la que logró incluirlo como un personaje hecho meme; desde 2011, varias imágenes con Rose y leyendas alusivas a la comida han sido publicadas. Sin embargo, el año pasado, el intérprete comenzó una guerra contra Internet y ha usado la Digital Millennium Copyright Act como herramienta para solicitar que se elimine todo rastro de estos memes que abundan en el ciberespacio. Ahora la petición llegó a Google para que desaparezcan estas imágenes.

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SNAPCHAT SUPERÓ A TWITTER EN USUARIOS MENSUALES Apenas en diciembre de 2015, Snapchat había conseguido llegar a los 110 millones de usuarios diarios a comparación de Twitter, que fue fundado en 2006 y tiene poco menos de 140 millones de usuarios diarios; alguna vez fue la segunda red social más usada después de Facebook, pero ahora le han dado alcance otras tantas, entre ellas Snapchat, que ahora reporta 150 millones de usuarios utilizando el servicio diario.

Snapchat ha crecido en los últimos meses y los usuarios de la aplicación se han ampliado llegando ahora a la generación X con mayor fuerza.

Un proyecto en el que la empresa de tecnología ha trabajado desde 2010 con el objetivo de formalizar la inteligencia no sólo para implementarlo a máquinas, sino al cerebro humano también. El miedo de algunos científicos con respecto a que una máquina tome control de sí misma se ha hecho tan real, que se ha publicado un ensayo por los investigadores de Google DeepMind y científicos del Instituto para el Futuro de la Humanidad de la Universidad de Oxford titulado Safely Interruptible Agents, en el que se describe un protocolo para desactivar Google DeepMind.

El pilón

LA CHICA QUE TRABAJABA VIENDO PORNO TXT:: Arturo J. Flores

COMENZÓ COMO UNA BROMA. Hace cuatro años, regresando de una sesión de fotos como editor de Playboy, colgué un estado en Facebook que decía: “Tengo un trabajo muy extraño: mirar mujeres desnudas”. De inmediato, los comentarios no se hicieron esperar.

Entre ellos los de algunos amigos que me contaban que conocían a alguien que tenía un empleo más extravagante que el mío.

Así terminé escribiendo una crónica acerca de tres trabajos fuera de serie: una chica que debía fumar mariguana todos los días como parte de un estudio científico; Jorge Grajales, experto en cine que impartía cursos profesionales sobre historia y tipos de zombies, y Laura Martínez Cancino, la encargada de clasificar películas porno en la dirección de cinematografía de RTC. No era un trabajo propiamente, ya que no recibía remuneración alguna por las cuatro horas diarias que invertía viendo escenas de sexo explícito. Era su servicio social para titularse de la carrera de Comunicación.

“Para mí que no veía porno, una película de soft porn ya era algo

así como ‘¿qué le están haciendo a esa mujer?’”, me dijo cuando nos tomamos un café para entrevistarla.

“Y, de hecho, no he vuelto a ver una desde que estuve ahí; ya cumplí mi cuota”. ¿Cuántas penetraciones?

La recuerdo muy distinta al estereotipo de lo que sería el cliché de un adicto a la pornografía: bajita, con el cabello apenas rebasando sus orejas, de lentes y vestida a la usanza burocrática. Todos los días se encerraba en un cubículo provisto de una televisión y un DVD a revisar el material que le asignaba su jefa.

“Obvio, había series y películas no pornográficas, pero como yo llegaba tarde, las porno era lo que me quedaba”.

Durante el tiempo que prestó servicio debió ver tantas penetraciones, orgías, felaciones y eyaculaciones como cualquier estrella de la jerarquía de Sasha Grey. Pero lo más interesante es que debía “evaluarlas”. Laura disponía de una papelería especial en la que tenía que contabilizar la cantidad de escenas específicas: 1 penetración hombre-mujer, 2 escenas entre personas del mismo sexo, 3 de shemales…

En más de una ocasión, se vio tentada a adelantar alguna, pero

siempre cumplió con su encomienda a cabalidad.

“La más extraña que vi fue una de unos hombres gigantes con unos penes descomunales; una cosa que mezclaba animación. Como si estuviera viendo un Dragon Ball Z porno. Los japoneses están locos.

Las otras eran muy comunes. Típico que llegaba un tipo a entregar una pizza y las chavas estaban listas para acostarse con él”.

Laura me platicó que entre sus amigos se volvió muy popular.

“Me preguntaban por qué tenía que ver porno en mi trabajo y que ellos querían trabajar ahí. Pero era muy agotador estar contando las escenas de desnudez o de penetración de cada una de las películas”.

Desde entonces, he conocido a mucha gente relacionada con el mundo del porno. Actrices, actores, directores, coleccionistas, hasta musicalizadores (mi amigo Rodrigo Olguín, guitarrista de Wolfskin, estuvo a punto de hacer el soundtrack de una película porno de vampiros) y escritores de guión.

Pero cuando alguien comienza a charlar en una reunión con el típico “conozco a una chica que hace porno”, yo tengo una mejor historia.

Yo conocí a la chica que trabajaba viendo porno.

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MÚSICA / CINE / ARTE

Trainspotting

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20 años de distancia entre las jeringas y el cine de adultos

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