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DIRECTORIO PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx EDITOR UILI DAMAGE uili@marvin.com.mx COORDINADOR EDITORIAL PABLO PULIDO pablo@marvin.com.mx DIRECTOR DE ARTE HÉCTOR MONTES DE OCA hector@marvin.com.mx DISEÑO GRÁFICO ADRIANA GALLARDO adriana@marvin.com.mx RESPONSABLE DIGITAL ORQUÍDEA VÁZQUEZ orquidea@marvin.com.mx REDACTOR WEB DANIEL ARCIA daniel@marvin.com.mx REDACTOR WEB TOÑO QUINTANAR PROJECT TRACKING HOMERO NÚÑEZ homer@marvin.com.mx

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Lenin Calderón, Iván Curiel, Arturo J. Flores, Rubén Gil, Juan Carlos Hidalgo, Vicente Jáuregui, Alejandro Mancilla, Toño Quintanar, Walter Schmidt.

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo J. Flores, Alejandro González Castillo, Jorge Grajales, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla.

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com TORREÓN FERNANDO FERNÁNDEZ hanzeldice@gmail.com IMPRENTA IMPRENTA AJUSCO, S.A. DE C.V. José Ma. Agreda y Sánchez 223, Col. Tránsito, Ciudad de México, 06820, México Teléfono +52 (55) 5132-1100 MVN 152 :: FE

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Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 152 correspondiente a: JUNIO 2017. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.

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Contenido

En portada 38 LORDE

Música

MVN :: 152

FE

JUNIO 2017

Festivales Cine Arte Cómic

De Fondo

Literatura

Stand-Up EL Pilón

4 ESTILO 5 TECNOLOGÍA 6 EN MEGÁFONO. Perfiles y noticias de música, cine y arte

20 INDUSTRIA: Industrias WIO. Sobre no querer ser como los demás 22 ATLAS SONORO: Torreón. La santa comarca del rock and roll 24 PERFUME GENIUS. Cuando las cosas que te hacían sentir una mierda…

26 LOS ESPÍRITUS. La mística del blues latinoamericano 28 KATHMANDU ENSAMBLE. Recuerdos del futuro 58 DE CULTO: Saint Etienne. La genialidad de la gente común y su fe en el pop 30 #FESTIVALMARVINCDMX 60 DE CULTO: Shane Carruth. Y los nuevos mártires de la era tecnológica 62 DE CULTO: Santonatrón. Un satírico santo desconocido 54 ICARE. El cielo y la fe 56 CÓMIC DEL MES: Avgvstvs 44 YO ENTREVISTÉ A SATÁN. 46 SANTA MÚSICA. Algo en qué creer 48 SANTOS CAÍDOS. Las baluartes del progreso y las exigencias de nuestra era 50 SHARIF HERNÁNDEZ Y RAFAEL LECHOWSKI. La escritura es mi padre 52 MOBY. Ser humano detrás de los lásers 18 RENÉ SOSA. 64 CIRCA WAVES.

Editorial

L

a fe (del latín fides) es la esperanza y certeza en las acciones que hará una persona, cosa, deidad, opinión, doctrina o enseñanza de una religión. Una creencia que no está sujeta a sustentarse en pruebas aún cuando esté fuertemente apoyada en una promesa.

Creer es un acto auténticamente humano, que no es contrario a la inteligencia ni a la libertad del hombre. En la vida corriente, en las relaciones humanas creer lo que dicen otras personas no es contrario a la dignidad propia.

De acuerdo con Bertrand Russell, «No hablamos de la fe de que dos y dos son cuatro o de que la tierra es redonda [hechos comprobados científicamente]. Sólo hablamos de la fe cuando queremos sustituir la evidencia por la emoción».

En las artes hay casos incontables de manifestaciones y creadores que despiertan impulsos de fe, hasta más eufóricos que los que se documentan en las religiones.

Propulsados por la emoción, la promesa y la especulación provocada por el valor intrínseco de la pieza que hincha nuestros sentimientos, la fe nos hace esperar más y más momentos extáticos a derramar por las posibles manifestaciones subsecuentes.

Fe en el momento que se avecina en el próximo concierto, la próxima muestra de arte, la nueva película que no hemos presenciado.

Los artistas son dignos de fe.

La fe mueve esta montaña de acciones que significan la plataforma Marvin, y por esta fe es que seguimos alimentando nuestra devoción por la cultura.

Sirva este acto de fe a toda especie de fan musical.

Uili Damage @uili

Estilo

¡SUPREME JACKSON! EL HOMENAJE… La marca de patinetas y prendas no sólo exclusivas, sino cotizadísimas, lanzó recién el 25 de mayo una colección de patinetas (por supuesto), sudaderas, camisolas y camisetas honrando la memoria del rey del pop, en sus locales de Nueva York, Los Ángeles, Londres, París y en su tienda en línea -el 27 de mayo llegó a sus locales en Japón. Como suele suceder con estos productos, a estas alturas ya es una serie imposible de conseguir, aunque puedes encontrar otras cosas en la tienda en línea: http://www.supremenewyork.com/shop

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Tecnología

AHORA RADIO F.M. EN TU SMARTPHONE: OBLIGATORIO NINTENDO CON DISEÑO MEXICANO Para quienes no conozcan a Uniqlo, es una tienda japonesa que tiene presencia en varios países en el mundo; la compañía organizó un concurso de diseño para una línea que se encuentra a la venta y es una colaboración con Nintendo. El concurso tuvo gran participación y uno de los ganadores fue David Ricardo Flores Gómez de México, quien recibió el premio de tercer lugar por el diseño de The Legend of Zelda que envió.

Para México, el IFT es el organismo que regula el espectro radial nacional; recientemente se publicó en el Diario Oficial de la Federación una disposición en la que obliga a los fabricantes de smartphones que se venden en nuestro país a que se habilite una función para que el dispositivo sirva como receptor de radio F.M., esta medida no obliga a los fabricantes a modificar el hardware en caso de que no cuente con el receptor.

AIRBNB TENDRÁ QUE PAGAR IMPUESTOS El marketplace especializado en renta de inmuebles más grande del mundo anunció que a partir del 1o de Junio del siguiente año, cargará a los usuarios un impuesto por “Prestación de Servicios de Hospedaje”. La plataforma deberá entregar un 3% del hospedaje al gobierno de la Ciudad de México. El impuesto es una reacción a la presión de la industria hotelera respecto a que la aplicación no estaba pagando los mismos impuestos que ellos.

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En megáfono

Tinta Sonora es el nuevo proyecto literario de Marvin; siguiendo con la línea de #RockParaLeer, presentamos un compendio de tres libros que exploran la fatalidad de la vida, musicalizado por canciones que retumban por todos lados al momento que leemos las palabras de Juan Carlos Hidalgo, Arturo J. Flores y Paul Medrano, autores de Trátame Suavemente, Fuck Me Nancy y Balada de Testaferro, respectivamente.

Nos fuimos de gira a diversas ciudades de México con Noches de Tinta Sonora, para presentar el universo sonoro-literario que se desprende de esta nueva ambición impresa. Las ciudades elegidas para este tour de confesiones y memorias fueron Puebla, Pachuca y Guadalajara, en el que se dieron cita personajes cuya vida se relaciona con los sonidos y las historias no predecibles.

Platicamos, reímos, brindamos, discutimos, pensamos, soñamos, planteamos, refutamos, compartimos, sentimos, abrazamos, saludamos, comimos, viajamos, nos detuvimos, gritamos y razonamos en las Noches de Tinta Sonora, un roadtrip cultural con el fin de compartir inspiración.

La colección Tinta Sonora fue lanzada en enero de este año, tres libros escritos por autores de la familia Marvin, en los que se plasman desde surreales sueños, hasta pesadillas de lujuria incontenible. La colección está a la venta en tiendas Gandhi y Educal, así como en la tienda digital Kichink de Marvin.

Un agradecimiento especial a Bruxo Mezcal por poner el calor en esta gira.

Mira todo lo que sucedió en las Noches de Tinta Sonora en Marvin. com.mx.

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#MARVINCDMX PRESENTA: NOCHES DE TINTA SONORA La obsesión por la palabra y la música

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En megáfono

MUSICAL.LY Porque todos somos nuestr@ artista favorit@

Antes de leer esto, queremos creer que ya tienes instalado Musical.ly, ¿verdad? Porque ahora, la app más adictiva del momento ha anunciado una nueva alianza con Apple Music, que te permitirá disfrutar de canciones completas para que explotes y presumas tu creatividad al máximo.

Pero ahí no acaba la cosa: los musers podrán guardar esas canciones favoritas en una nueva playlist especializada para Musical.ly y, claro, escuchar las playlists creadas especialmente por la app en Apple Music, lo que hace que la experiencia de disfrutar tus canciones sea mayor.

Pero si aún no has descubierto está hermosa app, te contamos para que sepas de que va.

Se trata de una plataforma de descubrimiento y lanzamiento de nuevos artistas y canciones, que serán los himnos que te acompañarán durante el resto de tu vida. Musical. ly te permite crear breves videos musicales con estas canciones, por lo que las opciones son casi infinitas y puedes combinar canto, baile, comedia y muchas categorías más.

Los artistas que están obsesionados –al igual que nosotros– con esta app, van desde Selena Gómez, Ariana Grande, pasado por Alicia Keys, Gwen Stefani y hasta Daddy Yankee. Por lo que obvio, tanta figura mediática no podría estar equivocada, duh.

Experimenta por ti mismo la euforia Musical.ly en tu smartphone…

Quién sabe y hasta puedas conseguir millones de seguidores y termines lanzando tu propio proyecto musical, llenando estadios y con tu nombre en el Salón de la Fama.

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En megáfono

Microteatro es un fenómeno escénico, integrante de los pioneros del teatro breve y formato más que idóneo para el brevísimo rango de atención de las generaciones digitalizadas. Ubicado en la colonia Santa María La Ribera de la CDMX, es una casona cuyas habitaciones y recovecos han sido adaptados cada uno como foros en los que puedes percibir hasta el aliento de los actores. Alejandra Guevara y Andrea Novelo, directoras de este espacio de concepto ingenioso y ambicioso nos permitieron acercarnos a descubrir el “trasbambalinas” del lugar llamado como su formato.

MICROTEATRO CELEBRA SU CUARTO ANIVERSARIO Y ABRE LA PUERTA A LA MÚSICA TXT:: Uili Damage

Andrea Novelo: En abril de 2013 inició la primera temporada de Microteatro, titulada Por dinero. Era prueba, no sabíamos en la que nos estábamos metiendo... [risas].

Conseguimos una casa, era “obra gris”... era algo muy interesante porque también era galería de arte; las paredes estaban todas peladas, se veía la instalación eléctrica, el ladrillo, era algo muy “avant” [risas] pero estaba padrísimo: cada cuarto se utilizó para una sala de teatro y fue un éxito. Iniciamos de la mano de mucha gente que estuvo apoyando mucho desde el principio, mucha gente del medio que le interesaba abrir este espacio junto con nosotros.

Luego vino la locura de buscar una casa donde quedarnos.

Vimos cien casas. Íbamos a abrir en septiembre de ese mismo año. Anunciamos la segunda temporada que se llamó Por sexo. El concepto nació en Madrid y allá, el local fue un burdel abandonado que iban a tirar. También arrancaron con Por dinero, porque era un momento de una crisis terrible. De ahí viajó a Miami. México es la tercera sede y hasta ahorita ya hay 18. Está por abrir Manchester y en Argentina. Hay en Lima, hay en Brasil, Costa Rica. Se ha creado un boom a nivel mundial porque permite que una persona vea varias obras en una misma tarde, a un costo muy económico, con una buena producción, calidad que vas a disfrutar, más la cualidad de estar en una sala “a nada” de distancia del actor, es algo que como público te da un subidón de adrenalina. Esta experiencia nos ha privilegiado mostrándonos cuánto talento hay en México. ¿Qué hace cada una?

Alejandra Guevara: Como directora general hoy te puedo decir que se fue creando mi puesto y se sigue creando, porque crece y crece. Yo lo empecé a hacer como una producción de cine, por que es de donde vengo. Empecé en 1981 como productora y lo arranqué como hago la administración de una película y me funciona, sí, pero hay muchas cosas que aprender y qué cambiar cada vez. Yo llevo el día a día de la casa. Muchas cosas las llevo en conjunto con Andrea, pero yo llevo desde el personal, la contabilidad y el funcionamiento de todo hasta “que haya toallitas en el baño”.

Andrea: Yo llevo la parte divertida [risas]. La creatividad.

Me encargo de conseguir a los artistas que exponen en la galería, el diseño, lanzar las temporadas, recibir los textos y mandarlos a los jueces para que los califiquen, hacer el menú final [la cartelera], coordinar a los equipos; a veces me meto en producción, relaciones públicas, ventas... hasta sirvo cafés. Lo interesante de Microteatro es lograr tener una gran variedad de opiniones en un mismo menú.

El formato de Microteatro, una puesta en escena de 15 minutos, ¿hace más flojos a actores, directores, escritores, etc.?

Alejandra: Yo creo que es la misma cantidad de esfuerzo que una gran producción.

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Andrea: Puede ser que exija más. A nosotros como foro nos exige más: son seis funciones por día, cuatro días a la semana, de cinco a siete semanas por temporada.

Los teatros convencionales dan ahora temporadas súper pequeñas de nueve a doce funciones; es una temporada larga y exitosa para una obra común. Yo digo que el que entra a Microteatro sale convertido en “todo terreno”. Es como deporte extremo. Tienes que usar todas las herramientas que has aprendido en tu vida, condensarlas en menos tiempo y lograr que la gente salga “movida”.

Alejandra: Y satisfecha. Nuestra misión es dar un gran entretenimiento y motivar a la gente de teatro a crear.

Es una gran gimnasia escénica. Como cineasta a mí me llevaban al teatro a buscar actores porque en ese momento no había casas de casting. Nosotros somos lo que el cortometraje al largo. Tienes ese tiempo mínimo para lograr lo que una obra entera. Tenemos grandes escritores, directores y actores adaptándose al entorno de una recámara de una casa como escenario, con la gente “encima” y los recursos que quepan en ese entorno. Tenemos un dicho: “Microteatro/macrochinga”.

Ya llevamos 26 temporadas así.

Andrea: Y además descubrimos talento. Como es un espacio para todo mundo, hemos tenido obras de todo tipo de gente: contadores, niñas de 16 años, estudiantes de finanzas que se animaron a sentarse a escribir y se volvieron teatreros. Público que se entusiasma y empieza a venir a preguntarnos si pueden ayudar, se vuelven asistentes de producción, ascienden a productores y se siguen. Se crea una comunidad, una fuente de trabajo. ¿Qué habrá en el marco del aniversario?

Andrea: En abril estrenamos Micro Live Sessions todos los miércoles con diferentes propuestas musicales, bajo el mismo formato para 15 espectadores, con duración de 45 minutos. Empieza con la banda Gran Sur con Sofi Mayen, Elohim Corona (Moderatto) y Cha! e Iñaki (Fobia/Moderatto). Es una propuesta musical romántica con sonidos electrónicos de los setenta, jaranas, charangos, trompetas, violines, sintetizadores y guitarras eléctricas.

También Micro Debut: obras de teatro hechas por estudiantes, y Micro Short Shorts, proyección de cortometrajes con entrada libre. Para septiembre tendremos algo especial por el aniversario y no olvidemos que los sábados a partir de las 10:30 de la noche se abre la lista del Open Micro para todo mundo y puedes subirte a leer poemas, decir chistes, hacer stand up comedy y además, tenemos también Microteatro Infantil. Hemos montado obras escritas por chicos de 11 años, sábado y domingo de 12 a 3 de la tarde, más la galería, con la que se exhibe arte plástico por toda la casa.

Finalmente, estamos por lanzar las convocatorias para las temporadas de final de año que son “Por chingar”, “Por rock” y “Por magia” y en lo que llegan esas temporadas tendremos la temporada de “grandes éxitos” de Microteatro. Recibimos todas las propuestas en contacto@microteatro.mx, y toda la información y cartelera están en microteatro.mx.

Microteatro México se ubica en la calle de Roble #3, colonia Santa María la Ribera, a unos pasos del Metro y del Metrobús Buenavista.

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COACHELLA Cuando HP te invita al paraíso coolness TXT:: Cortesía de HP FOT:: Marcos Sierra

Para esas personas que se consideran verdaderos melómanos, Coachella es la Meca sonora; en algún momento de tu vida, tienes que visitar este centro del que parten muchas cosas, incluyendo giras y presentaciones exclusivas. Independiente de lo hip que rodea en los últimos años a este festival, no pierde su esencia de reunir a los nombres más importantes de la música actual.

HP nos llevó a vivir la experiencia Coachella, que este año tuvo en su cartel a nada menos que Kendrick Lamar, Radiohead y Lady Gaga como headliners, así como nombres un poco más pequeños pero que incluso nos emocionaron más: Shura, Preoccupations, Bonobo, Tennis y nuestros siempre favoritos, Los Blenders. No nos detuvo el sofocante calor para movernos de un escenario a otro, para bailar como locos o cantar esas lindas canciones que nos recuerdan a nuestro ex.

Este año el festiva celebró su 18º aniversario, que hoy no sólo se presta para ser una plataforma musical, sino también tecnológica. HP acercó a la gente al futuro con una serie de actividades, como un living en el que las personas podían controlar los lásers de un escenario en el que un DJ tocaba y otra carpa llamada The Antartic, en donde se proyectaba un video en realidad virtual que transportaba al público a otro espacio y tiempo.

Pero también Coachella es sinónimo de una pasarela con las tendencias que definirán el look del resto del año. Afortunadamente, han quedado en el pasado esas insoportables coronas de flores y el look de hoy nos dice que es suficiente con una blusa ligera y un par de shorts para bailar como Thom Yorke en el video de “Lotus Flower”.

Ya con un poco menos de calor, regresamos a la CDMX devastados pero con una sonrisa que nadie nos quitará. ¡Nos vemos el próximo año!

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SI LA FIESTA EVOLUCIONA, TODOS EVOLUCIONAMOS

La vida nocturna ha cambiado y seguirá evolucionando de forma acelerada conforme la globalización invade cada segundo de nuestras vidas, nuestras costumbres y nuestras tradiciones. Es tan fácil darse cuenta del cambio drástico con sólo mirar atrás, recordar lo que hacíamos para divertirnos hace 5 años o compararnos con el imaginario de fiesta que nos han contado nuestros papás.

Lo que es un hecho es que esta evolución ha sumado más de lo que ha restado a la vida nocturna con una buena cantidad de nuevas costumbres, mejores propuestas y conceptos de fiesta, además de la incontable variedad musical con la que ahora contamos, todo esto muy de la mano de los avances tecnológicos que nos facilitan mucho a lo que ahora podemos tener alcance.

Pero, juguemos un poco con la nostalgia ¿no sería increíble poder estar en una fiesta sin que nadie le meta mano a la música una y otra vez como en la época de los cassettes y viniles? Aquella época que nuestros ancestros nos han contado donde realmente un conocedor era el amo y señor de la cinta, la selección y ritmos de la noche, donde la gente prestaba atención a la plática de los demás sin necesidad de estar esperando un mensaje de su crush, pegados a una pantalla luminosa o documentando cada segundo con el brazo extendido.

En este inframundo de la noche también hay factores que nunca pasarán de moda, elementos tan icónicos como la bola disco, o tragos característicos como la cuba libre hecha con Bacardí.

Al hablar del ron más vendido en el mundo podemos catalogarlo como uno de los elementos con mayor vigencia en la historia de la fiesta y vale la pena también hacer énfasis en la audiencia fiel que ha sido pieza clave en preservar la esencia de una marca familiar que opera desde 1862 y se ha encargado de instaurar un estilo de vida; una tribu muy característica y plural que convirtió en una tradición la posibilidad de encontrar la famosa cuba en sus infinitas variables en cualquier sitio al que vayamos, o bien encontrarnos a uno de sus miembros en los diferentes escenarios que la noche nos presenta. Porque al final todos somos seres que evolucionan, criaturas que se adaptan: somos lo que la noche nos deja ser..

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Nuestros standuperos favoritos se reúnen en un nuevo programa de Comedy Central, en el que demostrarán que la irreverencia es un don divino.

Estos comediantes han sido parte del show que arrancó en febrero pasado con Fredy “El Regio”, en marzo con Alex Salazar “El Chaparro”, “Ese Wey” en abril, Eduardo Talavera en mayo y para junio con nada menos que Franco Escamilla y en julio con Roberto Flores.

Aquí habrá de todo, desde temas como el amor, el tráfico en la ciudad, la tecnología y hasta la eterna Guerra de los sexos, absolutamente todo estará permitido en esta próxima serie de especiales de stand-up, con nuevas rutinas de estos nombres ya conocidos en el circuito mexicano.

Comedy Central Presenta inició el pasado mes de febrero con un episodio estelarizado nada menos que por Fredy “El Regio” (sí, él, el casanova de la barba), y que continuará con 5 episodios más de una hora de duración, uno nuevo cada tercer domingo del mes, a las 10 PM transmitido por –¿dónde más?– Comedy Central Latinoamérica.

No te pierdas las ocurrencias de estos 6 favoritos del stand-up de México, que fueron grabados durante el primer Comedy Fest by Comedy Central anual, el cual se realizó con gran éxito en la Ciudad de México el pasado mes de noviembre.

Conoce el calendario de los próximos episodios: Especial El comediante del sombrero Políticamente correcto

Standupero Franco Escamilla Roberto Flores

COMEDY CENTRAL PRESENTA A FRANCO ESCAMILLA “EL COMEDIANTE DEL SOMBRERO”

El show con lo mejor de lo mejor de lo mejor de lo mejor

Estreno 10 PM México por Comedy Central Latinoamérica Junio 18 Julio 16

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Debatiéndose entre cuatro oficios, una reciente paternidad por doble partida y un empuje incuestionable por mantenerse activo y curioso, René Sosa es uno de los comediantes que sobre vuela la escena del stand-up, tirando bombas de carcajadas mientras vuela raso sin ser detectado.

Su perfil de twitter, “@mipapasefue” es explícito en cuanto al punto de partida de su humor ácido y pirotécnico, aunque su estilo mantiene una entrega cercana y fresca. Así se las capotea René Sosa:

Estuviste presentándote en el Shakespeare. ¿Qué siguió?

El que hizo que funcionara eso fue Jurgan. Él lo creó hace como dos años; al principio con su concepto de “Standopados: problemas de autoridad”, con Gon Curiel y Mau Nieto. Cuando se van ellos, empezó a invitar a algunos, yo entre ellos. Yo tenía un viernes al mes en el foro grande, en 2016. Como Jurgan está también en Mascabrothers, se salió, pero dejó andando el numerito, ya con una afluencia interesante. Yo te diría que cada show entraban unas 70 personas, lo cual está muy bien para un show en el que nadie te ha visto... eso más la gente que podíamos jalar nosotros y ya lográbamos entradas de unas cien personas. Tuvimos el show hasta diciembre y después ya se pasó un sábado al mes al foro de arriba. A diferencia de otros foros, me gusta el Shakespeare por que a diferencia de otros, la gente paga por venir a sentarse a escuchar, no a beber y de paso a oír comedia. Creo que tardó en arrancar pero va muy bien. ¿Tocas la batería todavía?

Todavía. Como sabrás yo fui huesero muchos años.

Estuve del 2002 al 2006 con Moenia, gracias a Iván Moreno. Venía yo de tocar con Yahir, el de la Academia; un tipo muy profesional, muy dedicado, muy disciplinado aunque se le vea muy mal por lo de la tele. Para mí era un trabajo, un ingreso como músico. Íbamos mucho a palenques. Yo hacía mucho el chiste de que en los palenques les da lo mismo que les lleves a Pink Floyd que a Timbiriche:

ese público es muy feliz de tener espectáculos. No es que no aprecien uno o el otro. Con Moenia, yo no sabía que tenían un público cautivo y muy fiel en Estados Unidos, viviendo de sus éxitos noventeros.

De ahí me pasé a trabajar un rato en Timbiriche; y algo que te da este tipo de trabajo son experiencias que ninguno otro te lo da, específicamente en cuanto a descubrir gente que jamás se te ocurriría siquiera preguntar por ellos o salir a buscarlos: resultó que el ingeniero con el que trabajamos estando en Timbiriche había estado muchos años con Chico Ché y con Rigo Tovar... Imagínate las experiencias que te contaba; uno cree que Pantera y bandas así son bien extremas, pero no sabes lo que habrá sido una gira con Chico Ché.

Al terminar el ciclo con Timbiriche conocí a Jorge Amaro, “La Chiquis”. Yo ya tenía un proyecto junto con Freddy Cañedo, bajista, y su novia de ese entonces Carolina, que se llamaba Petit Comité y nos firmó Camilo Lara en EMI. Nos dijo que nos iba a producir “La Chiquis” quien nos ayudó muchísimo a amarrarlo. Me acuerdo que llegué a la casa con mi mujer y le digo: “Mi amor, la verdad es que voy a ser famosísimo. Yo te quiero mucho, pero la fama llegó” [risas] y ella se cagaba de la risa y yo le decía: “en serio, la verdad es que quien sabe si ahora te vaya a poder contestar el celular, voy a andar ocupadísimo. Voy a tener una asistente personal que te va a contestar el teléfono. Si es algo muy urgente, que andes caliente o algo así, pues con mucho gusto te contesto”. Y ella solo decía “no andes ladrando, my friend”... Nosotros la creímos.

Ya había producción, “ya había una lana”, una

René Sosa

De risas, abandonos y tamborazos

TXT:: Uili Damage FOT:: Jorge A. Lopez Mendicuti

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promesa. Era un momento en que las disqueras ya estaban en un momento difícil, no como ahorita, pero ya se venía abajo. Nosotros estábamos grabando el disco. Me dice “La Chiquis”, “René, está en México un compadre mío que viene a grabar cosas con Tacvba. Él es Don Tony Peluso y voy a cenar con él, vamos”.

Llegamos y después Tony. Tratando de agradar, le digo en inglés “Qué tal, señor Tony. Yo soy René Sosa y soy bastardo. Quiero saber ¿usted es mi papá?”. “La Chiquis” le cuenta que me abandonó mi papá (que es real)... y hasta como a las dos copas de vino, Tony se caga de la risa y me dice “eres un imbécil. No entendí”. Y yo le dije “pues es que yo ando buscando a mi papá; te vi y dije ‘tas guapo’, yo un tipo apuesto... perfect match” [risas].

Nos caímos excelente, Chiquis le dice que nos está produciendo y Tony nos dice que la grabación de Tacvba se extendió 15 días y que si queríamos y no estorbaba, él nos echaba la mano. Es un disco muy pop, pero el sonido lo hicieron estos masters.

Lo terminamos y nos dice Camilo “se terminó el presupuesto” y ya no salió. Yo quedé desilusionado.

Decidí casarme con mi chica. Empecé a trabajar con Kalimba, de mano de mi amigo Freddy. Luego pasó el incidente de la fan. A la par me quedé trabajando por mi cuenta desarrollando software de seguridad y me alejé un poco de la música. Cuando sale Kalimba del problema, me entero que empezó a hacer comedia en Mascabrothers. 2011. Un show de stand up con Eduardo Talavera, Isaac Salame y Roberto Flores. Yo no tenía idea de que aquí había una escena, y se me hizo increíble que Kalimba lo utilizara como catarsis. Pero además de eso, me encantó. Pensé: “Yo quiero hacer eso”. Malamente lo primero que hice fue subirme como iba. Sin preparación. Hice un monólogo como Dios me dio a entender y me fui a meter un mes al Bataclán.

Febrero o marzo de 2012, todos los jueves. Iban mis cuates, llenábamos el lugar, todos conocían mis historias y se reían, yo me sentía el comediante revelación. Hasta que un día vinieron Kalimba, Isaac y Mannu Na. Termina el show, me siento con ellos, y Mannu Na me dice “A ver. El stand-up tiene ciertas formas y yo te recomiendo que si le quieres entrar te prepares”. Tenía razón, no podía subirme así. Kalimba me dijo “una amiga mía, Sofía Niño de Rivera va a abrir un taller. Por qué no vas, lo tomas y vas viendo”. Me metí, soy de su primera generación. De allí, siguieron ocho, nueve meses que estuve clavado aprendiendo; metido en talleres.

Me metí al de Juan Carlos Escalante, Gus Proal, leí los libros básicos que te recomiendan. Descubrí que es un trabajo serio que requiere muchísimo tiempo, escribir, ensayar, subirte a opens... hasta finales del 2012. A principio del año siguiente, Mannu Na empezó a subirme al Café 22. “Tallereamos” mucho... ese y el año que siguió fueron en los que le di forma a la rutina que construí y lo que me permitió hacerme parte de la escena. ¿Qué estudiaste?

Administración en una universidad donde violan niños, la Anáhuac [risas incómodas].

No me titulé, tampoco fui violando hasta donde

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sé [más risas incómodas], pero a la par estuve siempre haciendo estudios musicales. En la Yamaha, que me gusta mucho porque te enseñaban a tocar el instrumento en base a la música que tú oyes. Eso de los 12 a los 15; después clases particulares, aún estando en la universidad, y acabando la carrera ya me metí a huesear. La programación de software me gusta mucho y también me metí a estudiarlo. Todavía sigo estudiando todo esto. Soy 33% músico, 33% administrador y desarrollador y el otro tercio, de 2013 para acá, comediante.

A la par mi mujer y yo tuvimos la oportunidad de adoptar una niña. Le hice una rola, se la enseñé a Freddy. Me ayudó a producirla y quedó padre.

Como siempre me ha gustado la onda latina de Los Ángeles, tipo Los Lobos, Ozomatli, Quinto Sol... y a raíz de la rola de mi hija ya se armó Sauna, un proyecto con ese sonido, con el que ya juntamos 7 rolas; ya tocamos y se van juntando cosas. Tengo idea de combinarlo con comedia: Isaac se sumó abriendo el show, en el debut. Varias veces vi a Gabriel Iglesias abriendo el show de Ozomatli en Los Ángeles y eso me gustó para nosotros; más que una banda de comedy music. Eso lo intentamos Sergio Ochoa, Isaac, René Franco y yo.

Pero lo que traigo ahorita es separado.

Tienes un tic. ¿O varios?

Llegó mi hija, y en la angustia normal de qué les voy a dar para el futuro me empecé a desgastar la quijada durmiendo. Ahora duermo con guarda.

También tengo el del parpadeo...

La carrera de administración ¿te ha ayudado con la programación, con la batería, con la comedia?

Yo creo que sí. Hoy lo que vendo son consultorías de seguridad. Soy mi propio changarro. Me vendo, me administro y tengo que ver como cotizarlo, administrarlo... todo lo demás igual. La mayoría de los stand-uperos son su propio manager. ¿La batería te ha ayudado a todo lo otro?

Yo me considero un baterista con muy buen timing.

No soy virtuoso, pero tener timing es algo que me ayudó mucho al “hueso”. Cuando me daban unas partituras para una chamba, usaba una programación mía. Traía “un apuntador”. Me volví efectivo y me ayudó a hacerlo en lo demás. Llevar el timing a la comedia me ha costado mucho pero por Gus Proal es algo que tengo muy presente. ¿El tic te ha ayudado a lo demás?

Claro que sí.

Y fuera de la recompensa económica, todo esto ¿te ha ayudado en tu vida en familia?

Mi mujer está muy presente en cada cosa. No hay manera de no integrarla, llevamos juntos 20 años (no le gusta el término, pero se ha vuelto una especie de “patiño”). Y la batería la retomé con la llegada de las niñas. Todas estas cosas me suceden al rededor de las tres y aunque las niñas son muy chicas, todo esto nos pasa a toda la familia y lo estamos disfrutando juntos.

Industria

INDUSTRIAS WIO

Sobre no querer ser como los demás

TXT:: Vicente Jáuregui FOT:: Rubén Márquez

“Desde el principio, supimos que Austin TV no duraría para siempre”, comenta Mario Sánchez, mejor conocido como “Chavo”, guitarrista y miembro fundador de la banda instrumental más renombrada de la escena alternativa en México.

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¿No extrañan tocar juntos?

Obvio extrañamos tocar pero también está chido ser esa banda que supo retirarse. Para nada queríamos ser los Rolling Stones.

CUATRO AÑOS DESPUÉS de su último concierto ocurrido en el Plaza Condesa, estamos en su departamento en Coyoacán, un lugar desde el que dirige Industrias WIO, una distribuidora digital que comenzó con 4 artistas y ahora tiene 117.

“Cuando terminó Austin yo tenía 32 años. Más que armar otra banda, buscaba un trabajo más fijo. Pero no quería ser oficinista. Un día, noté que un disco de Austin TV había generado ganancias por reproducciones digitales. Luego me pregunté ¿qué pasaría si tuviera 100 artistas? Así comencé a buscar bandas de amigos y todos jalaron”, recuerda “Chavo” sobre el momento en que Industrias WIO se surge como una extensión de su melomanía.

Anteriormente, “Chavo” había fundado un sello con 50 mil pesos que su abuela le heredó.

Eran los tiempos del formato físico y decidió invertir ese dinero en maquilar discos de bandas experimentales como Meet Your Feebles, la semilla de Vicente Gayo. “No vendí ningún disco.

Ya había registrado el nombre Industrias WIO y me quedé con las ganas de hacer algo. Pero no sabía cómo. Más tarde, mientras girábamos con Austin en Centroamérica, escuché a artistas increíbles. Me surgió la idea de hacer compilados descargables. Jaló muy bien, ahí me cayó el veinte.

Hay miles de artistas increíbles y mi trabajo es encontrarlos para mostrarlos a la gente”. Más que un sello, Industrias WIO surgió formalmente como una distribuidora digital de música, un servicio que hoy apunta hacia el futuro dentro de la industria discográfica. Acá una plática con “Chavo”, quien trabaja diariamente jornadas de 15 horas.

Antes de hablar de Industrias WIO, platícame, ¿por qué una banda que parece tenerlo todo como Austin TV se separa?

Chavo: Una día fuimos juntos a Rockotitlán y vimos a un grupo horrible de señores que más que tocar, estaban payaseando. Nos volteamos a ver y supimos que nunca queríamos ser esa banda.

Por otra parte, cuando hicimos Caballeros del albedrío, desarrollamos métodos de composición muy complejos, pusimos la vara muy alta y pensamos que ya era muy difícil superarlo. Nos fuimos a España por tres meses para componer, pero nada nos convencía. Ya eran 13 años de estar juntos y fue una bomba. Nos fuimos solos, poco dinero, unos shows buenos, otros malos. No nos peleamos, pero como siempre hemos sido muy amigos y defendemos el trabajo en equipo, decidimos poner una pausa.

¿Cómo surge Industrias WIO y qué es lo que hace?

No buscaba hacer un sello, porque ello implica financiar la producción de los discos. Somos una distribuidora. Me gusta mucho la música experimental y sé que si le inviertes dinero, no lo recuperarás.

Así decidí invertir mi tiempo, si no pasa nada, no perdí dinero, al contrario, hice una aportación a la humanidad porque esa música ahí se queda. ¿Cuáles fueron los pasos a seguir?

Lo primero es encontrar un servicio “agregador” que te respalde, sea profesional y ayude a cumplir tus metas. A los músicos les digo que esto es un club, donde lo importante es sentirse respaldados. Con Austin nos ponían un contrato y no sabíamos qué lectura darle. Por ello, acá todo es claro, somos aliados y cada banda tiene la confianza de decirme cualquier duda, al final ellos mismos deben armar sus contratos.

Mi negocio es la música grabada, derechos de autor, sincronización de música para cine o comerciales. ¿Cuáles fueron las primeras bandas que se sumaron?

Los primero proyectos fueron bandas que yo estaba produciendo, Jean Loup de aquí, Hey Chica! de Guadalajara, quienes me presentaron a Birdhause también de allá. Después traje a Sad Breakfast del pasado, también Hule Spuma, del baterista de Austin. Arrancar fue sencillo, todo se movió rápido con llamadas. Me sentí respaldado y eso me motivó a buscar más artistas. ¿Qué significa WIO? (Risas) Es un juego surrealista, eché letras que me gustaban a una bolsa, salió WIO y me gustó.

Llama la atención la diversidad de géneros y que las bandas son de varias ciudades de México.

CH: Podría pararme el cuello diciendo que sólo voy a apoyar un estilo de música súper elegante, pero sería muy estúpido porque hay muchas bandas haciendo cosas distintas. ¿Cuáles son los criterios para decidir si una banda puede formar parte del catálogo?

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Me pregunto ¿lo escucharía diario? Lo más importante es que tenga un arriesgue estético y que me guste. Por ejemplo, está Javier Blake, con una rola solista. Es arriesgado porque no está bajo el nombre División Minúscula. Tengo a Marcol, que es pop, pero oscila entre lo abstracto y lo experimental. Entre Desiertos de Tijuana suena muy distinto a todo. Escucho todo lo de WIO diariamente, porque me gusta. ¿Qué pensarías si una banda decide firmar con una transnacional?

Para mí sería un honor que viniera Young Tender y me dijera: “Oye, nos ofreció un contrato Universal y firmamos”. Para mí sería un logro haber contribuido a ese crecimiento, porque finalmente para eso existe WIO. Ahora sería todavía más cabrón si me dijeran: “Nos ofrecieron firmar pero decidimos quedarnos acá porque estamos a gusto”. Sería un gran premio.

Trabajas de cerca con la gente de las plataformas, ¿cómo llegas a ellas?

CH: Yo trabajo con una empresa que se llama The Orchard, están en todo el mundo y hacen el contacto con todas la plataformas, son los responsables de que todo fluya, son el músculo.

Cada miércoles subo la música que saldrá en 3 semanas, hago un brief con foto del artista, portada, info del disco, mini biografía y reseña del sencillo. Ellos lo envían a todas las tiendas.

A veces les gusta algo y lo mandan a EU. Logran cosas que antes sólo ocurrían con palancas, en realidad escuchan y apoyan lo que tiene calidad.

Hay una lista que se llama Distrito Indie y tiene muchos artistas de WIO, que entraron por su calidad, como un chico que se llama Rosas de Culiacán, hace una música súper frágil y está increíble que lo incluyan.

Finalmente, al ser músico y haber tenido una disquera, ¿cómo te diferencias del pasado?

CH: Soy muy transparente y en cuanto me cae lana de una banda se las deposito, así sean 3 pesos, literal. Estaba haciendo cuentas y la 8va banda que más recaudo fue Vinnum Sabbathi, una banda de Neza que hace rolas instrumentales distorsionadas de 10 minutos, está increíble, están por ir de gira por Europa y desde allá los comenzaron a escuchar. No tienen ni 25 años y suenan impresionante. Tengo mucha música instrumental de varios estados y toda suena increíble.

Atlas sonoro

TORREÓN

La santa comarca del rock and roll TXT:: Alejandro Mancilla @nosoymoderno

LA VIDA EN LA COMARCA LAGUNERA está volviendo a la normalidad después de una ola de terror que se vivió por la inseguridad provocada por el crimen organizado, misma que azotó a prácticamente todo el estado de Coahuila durante los últimos años.

Torreón, cuna de la leche Lala y de un movimiento de rock y música independiente más que interesante, hoy vive un nuevo esplendor que parecía haberse extinguido cuando en 2012 sólo quedaban dos o tres foros donde los escasos proyectos podían tocar en vivo. Hoy día, son arriba de 100 bares tan solo en la misma área, que fungen como espacios para que las bandas presenten su propuesta musical. A finales de los 90, las bandas locales eran como “malas copias de grunge”, lo rescatable de la región eran sus proyectos de hip hop de la región de Gómez Palacio (municipio conexo con la ciudad de Torreón), mismos que por mucho tiempo hicieron que la zona fuera considerada como “la capital mexicana del rap”.

Para el 2002, la música electrónica era la tendencia local en boga, aunque algunos outsiders oriundos de la colonia campestre (zona equivalente a Las Lomas o El Pedregal

de la CDMX), formaran grupos punks como El Paso, que luego cambiaría de nombre a Los Weeds, banda apadrinada en su momento por Zoé (de quien René Franco dijo que iban a ser “los nuevos Caifanes)”. Tras ese pequeño boom local, se comenzaron a formar bandas emo y de “punk fresa” de la Ibero (como nos cuenta de primera mano Pipe Llorens, artista de la zona del que hablaremos más adelante), todos guiados por un extraño y viejo dealer/gurú/hippie llamado Don Richy, padre putativo de todas esas bandas locales.

Pero además de los discos compactos quemados de bandas indies que la juventud sónica de la ciudad se compartía, parte de esta nueva ola que se dio a inicios de los dos miles estuvo determinada por la cercanía de Torreón con Estados Unidos; el MTV estadounidense a diferencia del latino, preponderaba los videos de hip-hop sobre otros ritmos, así que no fue sorpresiva la supremacía del género en la zona.

Años antes, dos de los integrantes de Microchips (el grupo de rock-pop infantil donde militaba Jay de la Cueva de Titán, Moderatto y ex Fobia), habían emigrado de Torreón, lo mismo que Sergio Acosta y León Larregui, de los mencionados

Zoé (aunque este último nació en Cuernavaca, él mismo afirma sentirse de Torreón, ciudad donde vivió mucho tiempo, e además irle al “Santos Laguna”, el equipo local de futbol).

Hoy, un día normal en Torreón es ver una banda de jazz o ska en el centro. Ir a un bar donde ponen puros viniles que se llama Berliner o a La Perla Mezcalería, donde tienen música indie. Viernes y sábado hay música “blasteandose” por todos lados en el centro, carros con cumbia, grifos tocando reggae en la calle, cantinas con banda, DJs, vaqueros, fresas, cholos, tecno y post punk. Algunos de los artistas destacados de ayer y hoy son Free G (quien antes tenía un proyecto llamado El Mejor de los Baubinos), de quien incluso Carla Morrison tiene un cover; pero además, podemos mencionar a Ferdinand Pérez, Glamour Dinamita, DJ Jonta (pionero del hip-hop nacional), Efe Loko, El Terror o un artista que allá por el 2006 llamó la atención del indie nacional en esas épocas del MySpace, con una canción en la que aseguraba que “le cagaba Saúl Hernández y Austin TV”.

En 2012 se llevo a cabo el Waco Music and Arts Festival en la ciudad de Torréon y con él, dio inicio el despertar del rock and roll de Comarca..

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RECOMENDACIONES

VULPIXXX Se ostentaban como la mejor banda punk de Torreón. Tan sólo por la letra “León Larregui se cogió a mi novia y ahora ella escupe pus por la cola”, ya se merecen nuestra atención.

PIPE LLORENS

Johnny, en Torreón la gente está muy loca ¿PUES CUANTAS bandas chidas hay en Torreón?

Parece el nuevo Seattle”, cuenta Pipe Llorens que le dijo alguna vez hace unos 10 años un tipo que trabajaba en OCESA. Pipe Llorens es uno de los artistas en activo (nos referimos a que sigue vigente, no a que use activo) más interesantes de la región.

Sus aventuras musicales incluyen proyectos inconclusos como un disco de covers de Panda, al lado de Mario (aquel artista regio que formara parte de Happy-Fi Records) y algunos singles y discos que han llamado la atención. Su nuevo disco está en la antesala y se tratará de un regreso a sus raíces de hip-hop “pimpeado” con rock alternativo y algo de folkie.

Antes de Pipe Llorens eras Lupillo, esa canción donde hablabas de Austin TV fue muy famosa…

Sí, pero uno de los Austin se enojó y una vez a la salida del Metropolitan me reclamó, me dijo que porque estaba profanando su templo. Le dije que se relajara pero no agarró la onda. ¿Eres como la gente normal de Torreón?

No Johnny, la gente está muy loca en Torreón.

En un tuit pusiste que Ricky Martin era tu influencia más grande… ¿fue real o te hackearon?

No sé, hace poco me contactó el manager de Jonáz de Plastilina Mosh para que hiciéramos una colaboración. Para mí el mejor disco de los últimos 10 años fue Juan Manuel de Plastilina. Nos

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vimos en Monterrey y él me abrió el panorama de lo que viene en la música en este país próximamente, mi nuevo disco estará influenciado por lo que él me dijo. ¿Te gusta estar el under? Porque bien podría crecer tu proyecto…

No es negocio tener una banda en México, al menos para mí no. Sólo como a cinco grupos les va bien. Me gusta más producir música que salir a tocar.

En una de tus canciones (la misma que incluye un sampler a Zurdok) hablas de personajes como Ximena Sariñana o Ludwica Paleta… ¿Ahora que es nuera de Carlos Salinas de Gortari, no te da miedo?

No, sí me le pongo al brinco a su esposo con tal de luchar por su amor. ¿Vives en Torreón?

Tengo una banda en el norte y una banda en el sur, ojo que pasando de San Luis Potosí ya es sur para nosotros. El baterista se parece a Alejandro Fernández.

Esta edición de Marvin está dedicada de cierto modo a la espiritualidad. ¿Te queda algo de ella toman do en cuenta tus letras y estilo?

Tengo el espíritu de los dadaístas, de Andy Kauffman y de mi difunto abuelo con el que hablo cuando estoy borracho. @pipellorens | www.pipellorens.com

APACHE O’RASPI soundcloud.com/apacheoraspi Oriundo de Torreón, aunque avecinado en la CDMX huyendo de las balas, este bandolero del folk lo-fi sin duda es de lo más destacado. De la Comarca, para todo México.

LICO LOCO soundcloud.com/lico-loco “Los chicos guapos nunca se casan con las feas” dicen las líricas de este combo lagunero de hip-hop. Sus canciones con dedicatorias sociales sin duda son de los más creativo de los últimos tiempos en lo que a sonidos urbanos y toques feministas.

Música

PERFUME GENIUS

Cuando las cosas que te hacían sentir una mierda, te convierten en alguien importante TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Inez & Vinoodh

El morbo y el periodismo amarillo de tabloide siempre preferirán las tragedias y los finales salpicados en pólvora, jeringas y fluidos corporales.

El cadáver de un joven músico y su atormentada historia son un filón dorado que trae consigo una enorme venta de ejemplares. Y si a este tipo de casos se agrega el elemento de que el artista en cuestión fuese gay, el fenómeno alcanza más resonancia y efecto social.

Mike Hadreas parecía estar encarrerado hacía la autopista de la fatalidad y terminar precipitándose en el voladero de los excesos. Fue un joven al que rebasó la escena neoyorkina y sus fiestas interminables llenas de estupefacientes maravillosos y seres hedonistas ansiosos por morir temprano y con los cuerpos intoxicados. Aunque la Babel contemporánea también liberó todo su potencial creativo. Él mismo reconoce que en la Babilonia del siglo XXI no podía parar.

Pero esta historia toma otro rumbo muy distinto y de lo que tenemos que hablar es del más logrado y cuarto álbum en la existencia de Perfume Genius, el proyecto unipersonal que Mike (nacido en 1981) armó a salto de mata entre Seattle y Nueva York.

En el sitio donde creció dejó atrás pasajes oscuros de soledad y discriminación y hasta la relación con un profesor del colegio, que además de drogas, incluyó el suicidio del docente. Se fue a La urbe de hierro para encontrar su sitio, pero le fue demasiado bien y su madre tuvo que rescatarlo e ingresarlo a una clínica de rehabilitación en aquella ciudad de Washington.

Mientras tanto, la fama de Hadreas iba creciendo poco a poco; ofrecía al público un pop de cámara finísimo y hermoso que creaba básicamente con el sonido de un piano y que soporta letras biográficas descarnadas y desgarradoras. Así, canciones que parecían ideales para ser interpretadas tanto en oscuros cabarets como en elegantes salas de concierto para música clásica –en ambos ámbitos lucen muy bien–, y que también obtenían rodaje en los grandes festivales. En México lo pudimos ver abriendo uno de los escenarios en el Corona Capital.

Donde debería haber penumbra e intimidad encontramos el sol cayendo a plomo sobre un pastizal, un escenario amplio y dos jóvenes tocando sintetizadores –tal cuál era su directo en el momento–.

Pero lo que literalmente salvó a Mike Hadreas, repetido por él mismo a lo largo y ancho del mundo, es haber encontrado el amor. Son ya ocho años los que lleva enlazado con Alan Wyffels y llevando un romance que les ha traído equilibrio y serenidad a ambos. Ahora puede encajar en las grandes ciudades y no ser arrasado por el glamour y la corte de los excesos. Sin olvidar el pasado, el compositor decidió que era el momento de emprender la obra más ambiciosa de su carrera, potenciar los arreglos y sumar gente en el acompañamiento. Buscaba un sonido más esplendoroso para lo que terminaría siendo No shape (Matador, 2017), una maravilla en la que conserva sus habilidades como cronista del dolor pero ahora sumergido en un torrente de sintetizadores y otros instrumentos (como violines).

El ser humano detrás de Perfume Genius reconoce que sus tragedias pasadas siguen siendo difíciles de superar y todavía le atormentan, por lo que busca exorcizarlas a través de las canciones. Recordar aquellos dramas le permite mantenerse a salvo y entrever los terrenos por lo que no debe marchar.

En su lugar ha dado con 13 canciones (sucesoras del Too Bright del 2014) que se muestran como la colección más completa de su trayectoria. En ellas va desatando progresivamente un sentido épico sin perder lo introspectivo y sentimental. No podemos saltarnos la maravillosa evidencia que es “Slip Away”, en la que nos conduce al estallido musical, pero que abre con una frase delicada y conmovedora: “Don’t hold back, I want to break free/ God is singing through your body/ And I’m carried by the sound”.

En total 44 minutos de gran calidad y capacidad evocativa. No es la primera vez que los discos de Hedras me llevan a pensar en los libros de Dennis Cooper, un autor culminante y salvaje de la literatura gay. No shape y su gran poder narrativo me hace buscar puntos de contacto con los escritos de Cooper o bien con sus puntos de vista.

Encuentro una estupenda entrevista realizada por Irene Rodríguez Aseijas, en la que le pregunta al autor de Cacheo y Tentativa: “Algunos de sus personajes adolescente llevan tras de sí una carga intensa de ternura bajo la superficie de degradación, ¿significa esto que la esperanza sólo encuentra su lugar durante la juventud?

No, no lo creo. Creo que lo que les ocurre a los personajes de mis novelas es una cosa, pero detrás hay una persona que escribe esos libros: yo. Yo fui un joven que se sentía realmente jodido y sin embargo se convirtió en un escritor de éxito al llegar a la edad adulta, y creo que el hecho de que mis libros estén escritos por un adulto que entiende, y siente y es capaz de expresar la confusión y el horror que forma parte de ser un adolescente”. ¿Qué es lo que ha hecho entonces para crecer como artista?

Una parte importante pasa por haber elegido a Blake Mills como productor; un hombre que habiendo trabajado con John Legend y Fionna Apple entendió que había que ampliar la instrumentación (suman guitarra), cuidar los arreglos (utilizan vasos como percusión en “Go Ahead”) y dosificar los estallidos de intensidad –a lo M83– a lo largo del álbum.

No shape es absolutamente conmovedor; ahí está “Wreath” para enfatizarlo. Mike canta mejor que nunca, pero también es un tipo sincero y enamorado. El disco cierra con “Alan”, un tema dedicado a su pareja y en el que bordea la fortuna de tener una relación de largo aliento y haber conocido la paz interior. Se convirtió en disco de la semana del influyente diario inglés The Guardian y la revista Q lo describe como: “una declaración de desafío, fuerza y belleza descarada”.

A estas alturas, Mike Hadreas pudo haber tenido un cadáver bello y ser noticia de nota roja por una semana; en su lugar, se va encumbrando en la música con sensibilidad y honestidad. Su presencia es ya de larga duración y lo más sorprendente, es un hombre muy enamorado durante años.

+ Mike Hadreas pudo haber tenido un cadáver bello y ser noticia de nota roja; en su lugar, se va encumbrando en la música con sensibilidad y honestidad.

How To Dress Well Care Domino, 2016 La existencia suele desgastar, apretujar y devastar; no queda más que contarlo a través de una electrónica suave y dolorida.

Low Roar Once in a Long, Long While Nevado Music, 2017 Ryan Karazija también apunta hacia una búsqueda de la belleza bucólica y una nueva confesionalidad lírica; no se guarda nada de su intimidad.

Patrick Watson Love Songs for Robots Domino, 2015 El canadiense también ama al piano y los sintetizadores. Al igual que Mike ha llegado a un delicado equilibrio entre la carga emocional y la música en sí misma.

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Música

+ Jimi Hendrix Electric Ladyland Reprise Records, 1968 El disco que transformó la manera de tocar la guitarra para siempre, continúa influenciando bandas en cualquier región del planeta.

Oscar Alemán Con Ritmos de Brasil EMI, 2002 La sofisticación armónica y el ritmo hipnótico del amazonas en su estado primigenio.

Ennio Morricone Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo Parade, 1966 El compositor italiano proyectó la épica del spaghetti western, melodías atemporales de alcance cinematográfico.

LOS ESPÍRITUS

La mística del blues Latinoamericano TXT:: Vicente Jáuregui FOT:: Micaela Masetto

Actualmente, la mística del blues Latinoamericano es articulada en la gran Buenos Aires por Los Espíritus, un ensamble fundado por Maxi Prietto, junto a seis músicos reconocidos en la escena subterránea porteña. Desde 2010, el sexteto ha desarrollado un ADN sonoro que hipnotiza con sus ritmos obsesivos y persistentes. Entre el blues, la lisergia tropical, el reggae, la cumbia amazónica y la psicodelia, lo suyo abreva de una estética lo-fi que incita al rito nocturno, con letras que a manera de crónica, contagian el ánimo dualista de su barrio: en su imaginario permean historias de vandalismo, chemo y polis o imágenes astrales, místicas e introspectivas por igual.

En 2010, Los Espíritus colgaron en Bandcamp “Hacéle caso a tu espíritu”, un tema que grabaron en vivo en su sala de ensayo con un micrófono. Con más de 30 minutos de duración, el trance tuvo que ser editado a 10 por los lineamientos de la plataforma. La versión completa de media hora es prueba de su suficiencia instrumental y su proclividad al jamming. Con ese primer tema, la banda no tardó en llamar la atención de los espíritus nocturnos, quienes compartieron con feligresía el track. Ahora, en 2017, la banda acaba de editar Agua ardiente, un tercer larga duración que denota el carácter prolífico del grupo. Después de lanzar los EP’s Lo echaron del bar (el tema fue elegido como canción del año en Reactor en 2011) y El gato (2012), la banda completó un larga duración homónimo en 2013. Dos años más tarde, estrenó Gratitud. Además de protagonizar las listas a lo mejor del año en varios medios de Latinoamérica, ambos discos

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fueron responsables de que la banda llegara a México, donde se presentó en el Festival Marvin 2016.

Recién escuchamos Agua ardiente, hablamos con Santi Morales (voz y guitarra), quien nos contó sobre esta nueva entrega discográfica.

La banda debutó con “Hacéle caso a tu espíritu”, un tema que desborda cualquier lineamiento radial, grabado con un micro durante un ensayo, ¿fue una declaración de principios?

Santi Moraes: Esa grabación se hizo en 2010 y refleja los primeros ensayos de la banda, cuando todavía estábamos descubriendo de qué se trataba la música que nos proponíamos hacer juntos. Fue grabado en un departamento de un solo ambiente donde vivía Maxi Prietto en ese momento, a eso de las tres de la tarde. Éramos cuatro personas intercambiándonos los instrumentos entre los cuales hay un violín, un cello, un acordeón de juguete, platillos, armónicas, guitarras y un balde con agua.

En una época de producciones de alta fidelidad, ustedes retoman la experiencia de una live session para transmitir la energía de sus directos al público. ¿Graban todos los instrumentos juntos, cómo logran mantener esa sensación del en vivo en el estudio?

SM: Grabamos todos a la vez, tocando la canción de principio a fin y eligiendo la mejor toma. Después se hacen sobre grabaciones durante el proceso de mezcla, corrigiendo los errores que pueda llegar a haber.

Pueden regrabarse voces, guitarras, percusiones, según lo que pida la canción para que quede “pipí cucú”.

El 80% del material está coloreado por guitarras con wah-wah, ¿quiénes serían para ustedes los guitarristas más imprescindibles en su formación musical y por qué?

SM: Jimi Hendrix es fundamental, al mismo tiempo una obviedad como influencia para todo guitarrista de rock, ya que creó recursos muy interesantes, no tanto técnicos sino más bien sonoros. Por ejemplo, la combinación de palanca y wahwah, los acoples, las guitarras en reverse y otros recursos de la psicodelia que se aprecian en las mezclas de los discos. Al mismo tiempo, John Frusciante también sintetizó esta manera a algo más minimalista. Tenemos influencias del afro beat, del reggae, del swing de Óscar Alemán y del rock clásico, gente como Bob Dylan y Elvis.

También hay influencias del western de Morricone y la guitarra surf de Dick Dale o de grupos de cumbia amazónica y santafesina. No sé en cuánta medida influye cada uno de estos sonidos, pero creo que todo esto está en el aire de alguna forma.

Después de lanzar tres álbumes de larga duración, ¿qué elementos creen que unen estas tres entregas y cuales los diferencian?

SM: Los dos primeros discos fueron grabados en Club Plasma, el bar de Barracas donde ensayábamos en aquel momento y donde tocamos los primeros recitales también. Fueron grabados en forma semi profesional por nosotros mismos, en lo que era nuestra sala de ensayo. Éste último disco fue grabado en cinta abierta en el Estudio El Attik, lo cual fue una experiencia nueva para nosotros ya que nos trasladamos a vivir una

semana a General Rodríguez, donde grabamos en un estudio hecho y derecho por primera vez.

“Los echaron del bar” fue todo un cañonazo en México, un tema elegido por Reactor como la canción número uno del año. ¿Cómo tomaron esto, creen que influyó en su carrera en México?

SM: Sonar en Reactor nos llevó a los oídos de mucha gente en CDMX y a eso se sumó internet, con su “viralización” tan veloz y azarosa.

Desde aquel momento estuvimos buscando los medios para poder viajar a México, cosa que logramos hacer cuatro años después en 2016. ¿Se puede vivir de la música que ustedes hacen en Argentina, cuál es su experiencia por allá?

SM: Nosotros somos de la idea de generar espacios y proyectos propios para lograr vivir de lo que queremos. E ‘un mondo difficile. Pero se puede hacer. Es muy importante para nosotros perseverar en lo que uno proyecta, mas allá de si están dados los medios o no, la cosa es generar uno mismo esos medios para que las cosas se den. Esa es nuestra búsqueda.

Por último, ¿pueden mencionar 5 álbumes que los hermanen como banda?

SM: Al azar y sin detenerse a pensar, porque hay mucho más que cinco discos: Oscar Alemán - Ritmos de Brasil Tom Waits - Rain Dogs Nick Cave - Kicking Against The Pricks The Beastie Boys - The In Sound From Way Out! Sumo - Llegando los monos.

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Música

+ Olivier Messiaen Trois Petites Liturgies de la Presence Divine Esta obra fue compuesta para coro femenino y orquesta. Olivier Messiaen, Maestro del Conservatorio de Paris, organista y ornitólogo, es uno de los grandes compositores del siglo XX. Su trabajo musical es fundamentalmente de inspiración religiosa y de una gran complejidad armónica, melódica y rítmica.

Boulez Boulez conducts Varese Amériques / Arcana / Déserts / Ionisation El compositor Pierre Boulez dirige a la Orquesta Sinfónica de Chicago interpretando cuatro obras importantes del compositor francés Edgar Varese, quien trabajó especialmente con el timbre y el ritmo y considerado como “Padre de la Música Electrónica” y llamado por Henry Miller “El Coloso estratosférico del Sonido”.

“La música es la improvisación basada en nuestra propia experiencia, en el espíritu de la improvisación del momento”.

—Alex Eisenring

Boulez Shoenberg / Berio / Carter / Kurtag / Xenakis Pierre Boulez dirige la obra de cinco grandes compositores representativos de la música de vanguardia del siglo XX, cuatro europeos; Arnold Shönberg (Viena, 1874-1951); Luciano Berio (Roma 19252003); György Kurtag (Hungría, 1926); Iannis Xenakis (Grecia 1922-2001) y un norteamericano; Elliott Carter (1908-2012). Una muestra excelente de las diferentes direcciones que tomó la música-vanguardistaorquestal en el siglo pasado.

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KATMANDÚ ENSEMBLE Recuerdos del futuro TXT:: Walter Schmidt FOT:: Cortesía del Autor

Kathmandu Ensemble es una agrupación de música experimental formada en la Ciudad de México por Alex Eisenring (Queso Sagrado, Syntoma) y Carlos Vivanco (Devil’s Breakfast, Bardo Thodol) con la idea de dar salida a un concepto musical que han venido desarrollando en los últimos tres años. Hace unos días apareció su álbum debut Avantgarde y por ello decidimos platicar con Alex Eisenring acerca de esto.

Alex: Kathmandu Ensemble es un esfuerzo para comunicar ideas musicales diferentes a las que trabajamos con Bardo Thodol, ya que Kathmandu está formado como un dueto integrado por Carlos Vivanco y yo, ambos miembros de Bardo Thodol pero a diferencia de este dúo, aquí no encontramos la presencia de las guitarras eléctricas, ése sonido sicodélico de guitarras, ni tampoco encontramos esos ritmos infecciosos de jungle y drum & bass, sino que tratamos de hacer una especie de homenaje a los viejos maestros de la primera mitad del siglo veinte, la camada de músicos que antecede directamente a la música electrónica propiamente dicha. Desde la música dodecafónica de Shöenberg, la música concreta de Pierre Shaeffer y Pierre Henry, compositores tales como Olivier Messiaen, Edgar Varése; músicos que desde principios del siglo veinte comenzaron a tratar de trastocar las leyes de la música tradicional en cuanto a la armonía, la melodía, el ritmo y empezaron a hacer que los instrumentos clásicos de una orquesta sonaran de otras maneras, de una forma muy diferente y novedosa.

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Y todo esto daría pié al uso de osciladores, procesadores electrónicos, ya a partir de la mitad del siglo veinte en adelante para hacer música electrónica, gente como Karlheinz Stockhausen y otros compositores que ya habían trabajado dentro de las corrientes de la música concreta como Shaeffer y Henry. Entonces nuestro disco Avantgarde es un homenaje a dichos compositores, autores de una música que era nosotros no contamos con una orquesta, hacemos nuestra música a través de sampleos digitales de sonidos naturales de orquesta y con esto tratamos de emular este sonido vintage de la música de principios del siglo veinte. ¿Cuál ha sido su método de composición?

Alex: Cuando uno escucha las piezas que conforman Avantgarde, aparentemente hay un proceso de composición como ocurría con estos compositores de hace cien años, donde escribían minuciosamente en una partitura todas y cada una de las notas que iba a interpretar cada uno de los instrumentos para lograr este efecto. Pero en este caso entre Vivanco y yo existe una sinergia de improvisación, donde todo el material es cien por ciento improvisado, grabado en primeras tomas y donde no hay un proceso de composición, sino mas bien es la improvisación basada en nuestra propia experiencia, en los recuerdos que nosotros tenemos de este tipo de música, en el espíritu de la improvisación del momento.

Kathmandú Ensemble es un proyecto que nace en 2014. Al principio era como un juego, porque dos de las piezas las grabamos durante una tarde en 2014 y decidimos así porque ya habíamos llamado Kathmandu a nuestro sello discográfico donde editamos el material de Bardo Thodol. Y nos dimos cuenta de que ese material era muy diferente a lo que hacíamos, por lo que tenía que ser tratado de una manera diferente. Dejamos pasar casi un año y en 2015 en otra tarde de juegos entre Vivanco y yo grabamos otras dos piezas más y de repente ya teníamos cuatro más de Kathmandu Ensemble y fue hasta 2016 cuando decidimos terminar el disco; grabamos otras tres improvisaciones y así juntamos las siete piezas que conforman este álbum.

Desde Bardo Thodol ya dejamos ver una influencia y una admiración muy grande por las filosofías orientales budistas tibetanas, indias. El nombre de Bardo Thodol está tomado del libro de los muertos de los tibetanos y desde ahí hay una influencia muy fuerte de esta filosofía. Kathmandú es la capital de Nepal, país que está justamente en medio del Tibet y la India, el lugar a donde han llegado muchos refugiados tibetanos a partir de la invasión china, es un lugar muy especial. A Nepal pertenecen los picos más altos del mundo como el Everest y muchos otros, es como una frontera entre el mundo selvático de la India y esas montañas heladas del Tibet. Una frontera entre dos mundos.

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#FESTIVALMARVINCDMX Arranca el verano capitalino con mucha música, stand-up cine, arte, talleres y conferencias El pasado 17 de mayo, en un clima relajado y casi vacacional dieron inicio las actividades de la séptima edición del #FestivalMarvinCDMX, la primera celebración musical del verano en la Ciudad de México.

Gracias a una enorme suma de talento, nuevamente se consolida esta plataforma de lanzamiento y desarrollo para artistas, con las propuestas más interesantes del momento, mismas que demostraron la gran capacidad para hacer vibrar a los oídos y miradas del público seguidor de las nuevas tendencias.

La celebración dio inicio la noche del miércoles 17 en galería Vértigo; continuó los días jueves 18 y viernes 19 en la Universidad de la Comunicación y SAE México, y culminó con más de DOCE horas de actuaciones en vivo con música, cine y stand-up comedy, el sábado 20 de mayo de 2017.

Contó con la participación de más de 80 artistas nacionales e internacionales, llenando de vida las colonias Condesa y Roma.

Entre todo este talento, el equipo de #FestivalMarvinCDMX 2017 celebra tu participación en esta séptima edición.

¡Gracias por unirte a la fiesta!

¡GRACIAS!

UNIVERSIDAD DE LA COMUNICACIÓN

SAE INSTITUTE

COVADONGA CANTINA

COVADONGA SALÓN

FORO BIZARRO

PARQUE ESPAÑA

PATA NEGRA

CINESPACIO

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WOKO TABERNA

Festivales

WOKO TABERNA

CONFERENCIAS TALLERES

Hace cinco ediciones de Festival tuvimos la inquietud de invitar a participar de alguna manera a la gente que hace la industria musical desde abajo del escenario, atrás de las bambalinas, lejos de los reflectores; gente sin cuyo trabajo la escena estaría virtualmente coja: promotores, agentes, representantes de foros, representantes de medios de comunicación, productores musicales, genios del estudio, diseñadores gráficos y otros actores de ese sector del entretenimiento que aportan tanto como los talentos mismos que perseguimos de canción en canción, de imagen en imagen.

Nos pareció importante acercarlos a las generaciones que estaban apenas trabajando en su crecimiento para que pudieran darles sus mejores opiniones y consejos sobre cómo es su trabajo y cuáles habían sido sus experiencias para llegar hasta donde están; ofrecerles orientación para dar los mejores pasos en pos de llegar de la mejor manera al gran público.

Las pláticas que dieron origen a esto, eran apenas un pequeño salón abarrotado, con unas ochenta personas.

En la 7a edición del #FestivalMarvinCDMX, ha crecido a dos días de conferencias con profesionales locales e internacionales reconocidos por su trabajo con grandes bandas, festivales, sellos musicales y más; músicos estelares, expertos en medios digitales, artistas de diseño gráfico dedicado a la música, expertos en la legislación de todos los temas relacionados con la música y por si fuera poco, hasta profesionales del stand-up comedy, presentando nutridas jornadas en las instalaciones de la Universidad de la Comunicación.

No conformes con este manantial de conocimiento, por segunda ocasión trabajamos de mano de SAE México para ofrecer talleres especializados de música, impartidos por “virtuosos” del estudio y la producción musical, quienes compartieron sus mejores secretos para crecer el nivel de la creación.

ARTE

Uno de los ejes principales sobre los que gira #FestivalMarvinCDMX, se engalana con otra de varias celebraciones que se conjuntaron en esta edición: El Año Dual Alemania-México; a través del apoyo de Goethe-Institut, la ocasión se integra con la participación de la realizadora de novela gráfica y residente de Berlín, Aisha Franz, quien inaugura una exhibición curada de manera exquisita en las instalaciones de Vértigo Galería, dando el banderazo de salida al festival. En representación de nuestro país, es la capitalina Alejandra Espino quien estrena en festival la misma colección que presentará en la ciudad capital de Alemania, en intercambio con la germana. Pero con esta actividad no quedamos más que con el apetito de presentar más gráfica y es el departamento de cultura de la Embajada de Argentina quien nos comparte el talento de Rodrigo Sastre, artista gráfico porteño que en su trabajo más reciente sorprende con una arriesgada intervención con cómic, misma que hermana su participación con la dupla femenina.

Con más de 8 años de impulsar la novela gráfica local e internacional dentro de las páginas de Marvin, nuestro curador y editor Óscar Hernández ha sido el responsable de conjuntar este talento en exclusiva y primicia para el público de #FestivalMarvinCDMX y su sección de arte.

FORO BIZARRO

Estelares en la edición previa de festival, los comediantes Raúl Meneses y Coco Celis regresan al escenario de stand-up comedy de festival como anfitriones de un cartel sorprendente de talentos emergentes, consolidados y por primera ocasión, una espectacular oferta de comedia importada directamente de Colombia.

Arrancando con Arturo Flores y Miguel Burra, la tupida sesión de carcajadas incluyó a 17 oradores de estilos únicos y explosivos: Martín León, Ana Julia Yeyé, Bubu Romo, Paty Bacelis, Emiliano Gama, Grecia Castillo, Pablo Morán, Ray Contreras y Juan Pablo Valdés ondearon la bandera de la risa nacional y compartieron tablas con los visitantes Checho Leguizamón, Jairo Cubides, Antonio Sanint, Jonathan Gato e Ibrahim Salem, todos, “grandes-ligas” en su país. ¿Qué vendrá para la cuarta edición de stand-up comedy en #FestivalMarvinCDMX 2018?

Guitarras, guitarras y más guitarras. Dúos, tríos, cuartetos, quintetos. Distorsión, potencia, electricidad, ritmos hipnóticos, voces eufóricas. Todo lo que significa ser adolescente, pero ahora con los beneficios de la identificación oficial.

Por segundo año consecutivo, este escenario recibe lo más incendiario del programa de #FestivalMarvinCDMX 2017: Joliette, The Bongo Club, Say Ocean, The Bela Lugossips, Ooh LaLa!!, Nos Llamamos, Fracaso Hippie, Juana la Rodillona, Plastic Pinks y Los Viejos.

Si los aquelarres han de llevar un soundtrack, bien le acompañarían varios de los sonidos que salieron de aquí.

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ESCENARIO LEVI’S CANTINA COVADONGA Levi’s se unió nuevamente al #FestivalMarvinCDMX con la tradicional fiesta que se vivió en Cantina Covadonga. Ya conocida la tradición Levi’s en el festival, la música duró hasta la madrugada y, a pesar de que el calor no cedió en ningún momento, tampoco nuestra emoción por cantar junto a Adán Jodorowski, Trails & Ways (otros que visitaron México por primera vez), Faire (el nuevo gran descubrimiento pop) y Midnight Generation, un nuevo proyecto del que nos enamoramos a primera vista. La gran expectiva fue para Manuela, el nuevo proyecto del Nick McCarthy –guitarrista de Franz Ferdinand–, quien junto a su esposa Manuela Gernedel, presentaron un set de electropop y tintes de new wave.

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SALÓN COVADONGA

Sábado 20 de mayo de 2017. 14:30 horas y las paredes empiezan a sudar con la euforia de la concurrencia. Y es que es en este espacio donde se vivió una consecución de actos en vivo a cargo de los estelares indiscutibles del programa del #FestivalMarvinCDMX. Rap de Hermosillo, Sonora, firmado por Charles Ans; art noise de Los Ángeles, California filtrado por el dúo No Age; garage chatarrero y a caballo con la marca de fábrica del quinteto de Atlanta, Georgia, Black Lips; art rock único e irrepetible a manos de los neoyorkinos Television, quienes llegaron al festival a celebrar cuarenta años de su álbum más emblemático, Marquee Moon, y finalmente el estreno mundial del nuevo material de la banda alemana pluriestilística, Thieves Like Us. El programa de Salón Covadonga fue una experiencia tan contundente, que por sí solo funciona como un festival completo en sí mismo. Pero este espacio es sólo la culminación de una jornada de actuaciones memorables, descubrimientos increíbles y un ambiente acogedor y entrañable: el #FestivalMarvinCDMX 2017.

SALÓN PATA NEGRA

El rap repite su sólida presencia en festival, ahora presentado por la aguda selección, cortesía de Hip Hop League Mx. Por primera ocasión presenciamos una batalla de MCs de Spit Mx, misma que dio paso a la actuación incendiaria de Karma Dhiluz, las raperas Magdalena Tres Vidas, Jozue, Phyzh Eye, Letra J, P.FLXWS y cerrando la noche de manera flamante con el monarca Eptos Uno. Todo lo que necesitas para iniciarte en el rap actual empieza en #FestivalMarvinCDMX 2017 y es tu pase directo a la escena urbana de la rima y el beat.

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CINESPACIO

ESCENARIO HEINZ PARQUE ESPAÑA

Rompiendo con la estructura tradicional de los festivales, nos decidimos nuevamente a llevar la música al aire libre con acceso para todos. Pero eso no es todo, sobre el escenario pusimos a talento de diversas partes del mundo, incluso a proyectos que nunca habían pisado México, siendo Kristin Kontrol el mejor ejemplo, una diosa electropop que conversó con el publico a través de beats y letras sobre corazones rotos.

Gracias a Heinz, cientos de personas hicieron temblar el Parque España al bailar con Big Big Love, Negrø, Orquesta 24 Cuadros, Dani Bander, El David Aguilar y un cierre de película a cargo de La Vida Bohemè (estos últimos, ya unos favoritos de la familia Marvin).

Terminada la música, se bajó la pantalla del escenario para disfrutar de una exquisitez cinematográfica seleccionada por el Guanajato International Film Festival.

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Shoegaze, indie pop, psicodelia garage, power ye-yé, new wave, electrónica guapachosa, neo costeño... un impresionante abanico de sonidos propuestos por bandas de lengua hispana delineado específicamente para sorprender.

Es en este recinto que vinimos a descubrir bandas frescas de muchos rincones de este y otros países como Falsa Fortuna, La Perla, Mint Field, Caravana, Los Mesoneros, Cesar Saez y veteranos como Surfistas del Sistema, Salón Acapulco y Tropikal Forever.

Sabor, batucada y candela, conviviendo con atmósferas de la distorsión, confesiones íntimas y hasta sentencias sociales.

Exploración y descubrimiento en #FestivalMarvinCDMX 2017.

Quizá nuestro foro favorito; nos ha acompañado desde las primeras ediciones de esta locura llamada Festival Marvin. Un espacio abierto para todo sonido que cumpla solo con una regla: hacer explotar de emoción a todos los presentes ahí. Y este año, fue el lugar reservado para dos géneros muy diferentes entre sí: el electro pop y el punk. Primero, ahí se presentaron dos nombres que nos han emocionado a tal grado que estamos a punto de ir a comprarnos sintetizadores y jugar con notas improvisadas: Mooi y NOIA. Lo intenso inició justo al segundo que Touché Amore pisó el escenario y la furia de los fans (que ya llevaban algunas horas esperando) se transformó en un eufórico slam de casi hora una de duración. El momento cumbre en definitiva fue la experiencia que Boom Boom Kid arrojó al festival con su punk pop que no hizo otra cosa más que calentar la sangre; Carlos Rodríguez, el líder y cantante de este proyecto, es de ahora en adelante uno de nuestros nuevos profetas.

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FOT:: Brendan Walter

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LORDE We Trust TXT:: Lenin Calderรณn

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LORDE TIENE DE SOBRA ESA MÍSTICA JUVENIL, PRESENTE EN TODOS LOS TIEMPOS, QUE HACE QUE LAS GENERACIONES PRECEDENTES LO MISMO APRUEBEN, QUE VEAN COMO AMENAZA A QUIENES LA ENCARNAN. BASTAN DOS EJEMPLOS QUE INVOLUCRAN ARTISTAS QUE BIEN PODRÍAN SER SUS ABUELOS. A FINES DE 2013, DURANTE UNA FIESTA PRIVADA DE LA QUE INCLUSO HAY FOTOS DE LOS SUSODICHOS POSANDO JUNTO A TILDA SWINTON, DAVID BOWIE LE DIJO A LORDE QUE OÍR SU MÚSICA ERA COMO “ESCUCHAR EL FUTURO”.

POR OTRO LADO, APENAS EN ABRIL PASADO, LA JOVEN NEOZELANDESA TUVO QUE ABANDONAR LOS ESTUDIOS DE GRABACIÓN CON TODO Y SU EQUIPO, Y BUSCARSE OTRO SITIO PARA TERMINAR SU NUEVO DISCO, PUES U2 Y SU GENTE HABÍAN RESERVADO, RENTADO Y OCUPADO LA TOTALIDAD DE LAS INSTALACIONES IGUAL QUE LO HACEN CON CUALQUIER ESTADIO AZTECA.

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Hoy, ese mismo disco llamado Melodrama, interrumpido “sin advertirlo” por Bono y sus secuaces, está terminado. Inspirado –como muchos otros– en rupturas amorosas y –como muy pocos– en perros salvajes.

Igual que muchas otras superestrellas juveniles de su generación, Lorde apareció, de un día para otro, prácticamente de la nada y en todos lados. Eso puede explicarse porque, de la misma forma que Justin Bieber o Adele, Lorde aprovechó las redes sociales como plataformas de promoción para negociar atractivos contratos con disqueras internacionales.

Otra cosa en común con artistas juveniles actuales similares, que van de Rhianna a Grimes, es la forma natural con la que han reservado un lugar para el pop en su propuesta. Es evidente que músicos como ella le tienen menos recelo y son menos reticentes a involucrarse con el pop, que las generaciones que les anteceden. Sin embargo, detrás de todas estas similitudes, hay ciertas cosas —relacionadas primordialmente con el talento nato, la educación y la forma personal de concebir la música pop– que hacen que Lorde se cueza aparte.

EL COLOR DEL SONIDO Además de nacer en Auckland, Nueva Zelanda, en noviembre de 1996 y de haber sido bautizada como Ella Maria Lani Ylich-O’Connor, Lorde llegó a este mundo padeciendo una condición neurológica conocida como sinestesia. Definida como la capacidad de percibir una misma sensación a través de distintos sentidos, es más o menos lo mismo que cuando decimos “cállate los ojos” o cuando un taquero nos invita a su puesto presumiendo que sus tacos “saben a lo que huelen”. El caso es que Lorde puede ver la música, y eso representa una ventaja en una industria tan competida como la musical.

En más de una ocasión, ha descrito lo intensa que puede ser para ella una sesión de composición o simplemente añadir arreglos pues, según refiere, desde que comienza un proyecto le es posible visualizar la canción ya terminada, incluso si la ve de forma borrosa y poco clara al principio. Paulatinamente, se encarga de corregir ciertos colores y le da forma a ciertos contornos de la canción, hasta llegar a una configuración precisa de acordes, ritmos, emociones y texturas que realmente “suenan a lo que ha estado viendo” en su mente.

LEYENDO HACIA EL FUTURO La educación recibida y el contexto familiar, son también dos elementos a considerar a la hora de tratar de explicar por qué las letras de sus canciones fluyen de forma tan natural y logran tanta resonancia. Fue la segunda de cuatro hijos del matrimonio formado por un ingeniero civil, Vic O’Connor, y Sonja Yelich, una poetisa ganadora de varios premios, algunos de cuyos trabajos han sido incluidos en volúmenes de la serie llamada Los mejores poemas de Nueva Zelanda. Con ese entorno, Ella –como le llaman su productor y muchos de sus amigos– dio muestras tempranas de sus capacidades. A los doce años llegó las finales del Kids’ 0 Lit Quiz, una competencia

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internacional anual literaria en la que niños de 10 a 13 años, en equipos de cuatro, responden preguntas relacionadas con literatura proveniente lo mismo de autores clásicos, contemporáneos, leyendas antiguas, mitos, canciones infantiles o comics. En aquel tiempo, calculaba haber leído mil libros. Dos años más tarde, a los catorce, se encargaría de corregir la gramática y ortografía de la tesis de maestría de su madre, un mamotreto de 40 mil palabras. Así pues, los contornos de su destino comenzaban a definirse gracias a las letras.

RADIOLOGÍA DEL POP En más de una ocasión, Lorde ha recordado cómo durante los primeros años de su adolescencia tocaba canciones de Justin Timberlake y Nelly Furtado una y otra vez, tratando de comprender en qué consistía esa magia que hacía que funcionaran tan bien.

Eventualmente, sus gustos se fueron ampliando para incluir sonidos más diversos, aunque siempre en el rango del pop. Lo mismo Kate Bush que Katy Perry. De hecho, durante una entrevista reciente con The New York Times, cita la canción “Teenage Dream” de esta última, para revelar las características más evidentes, aunque más misteriosas, del pop: “Tras un remolino de lujuria y nostalgia que dura cuatro minutos, queda cierta tristeza. Al escucharla te sientes joven, pero también puedes sentir la impermanencia. Cuando oigo esa canción, me siento tan conmovida como si estuviera oyendo a David Bowie, Fleetwood Mac o Neil Young. Te hace sentir cosas que no sabías que necesitabas sentir”. Y, como si no fuera ya muy evidente lo serio que se lo toma, termina diciendo: “Hay algo de sagrado en todo esto”.

Con esto en mente, el trancazo que significó su primer sencillo “Royals” en 2013, no fue sino la culminación de una idea nebulosa, que se materializó en el oro y platino de los discos que ganó.

Una especie de plan con maña, de shure shot musical, la canción contiene a los treinta segundos un verso maquiavélicamente diseñado para hacer eco en cualquier mente, en especial la de un adolescente. La frase “We don’t care”, se repite de manera estratégica una decena de veces a lo largo de una canción que parece más bien el manifiesto de una generación que no conoce los diamantes, los jets, ni los zoológicos privados y que, a pesar de no estar orgullosa de su zona postal, no está en este negocio por dinero. La canción es una especie de antipostura ante el lujo innecesario, la fiesta exagerada y la opulencia material simulada en muchos ámbitos de la música popular, no sólo en el hip hop –penosamente célebre por esos mismos excesos–. Sin llegar a ser desafiante, “Royals” ofrece una visión relajada para recuperar la “normalidad perdida”, en un mundo frenético que se reinventa día con día e irremediablemente, incluso en términos musicales.

TIEMPOS DE HEROÍNAS A pesar de tener una esencia evidentemente pop, la música de Lorde también evoca otros géneros.

Con una actitud muy minimalista, las canciones incluidas en Pure Heroine de 2014, tienen bases rítmi-

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FOT:: CortesĂ­a Universal

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cas que muchos han señalado como hip-hop, pero que más bien aluden a sonidos más frescos, provenientes del bass music y otros estilos derivados del dubstep. La influencia del synth pop y la electrónica es también muy evidente, aunque también sutil pues el ritmo siempre es pausado y no lleva ninguna prisa, además de cortarse y reanudarse sin causar mayor desorden, igual que muchos de los estilos que imperan hoy en día. Las canciones de ese disco son un reflejo de su generación, no sólo por tener impresionantes letras que parecen instantáneas Polaroid de la adolescencia suburbana, también por su postura indiferente ante los rígidos límites impuestos por géneros musicales inventados hace mucho tiempo, cuyas fronteras han ido desapareciendo de forma irreversible.

Pero detrás de semejante disco, hay una historia que define el carácter firme de esta veinteañera.

Lorde fue descubierta a los doce años por un agente de Universal a quien le mostraron un video de ella cantando durante un show escolar de talento infantil, en su natal Auckland, Nueva Zelanda. La disquera firmó con ella un contrato que básicamente proponía esperar a que sonara lo suficientemente madura, para poder cantar canciones escritas por adultos.

Algo que nunca sucedió, pues se negó a cantar canciones escritas por alguien más y después de poco más de dos años de jaloneos, se salió con la suya.

Los primeros intentos de Ella fueron algo que el mismo agente que le había propuesto cantar canciones ajenas, ha descrito como “un poco toscos, con arreglos ambiciosos aunque con letras muy buenas y si eso va bien, todo lo demás puede arreglarse”.

El tiempo le dio la razón. Cuando Lorde debutó con “Royals” en 2013, a los 16 años, el éxito fue rotundo y se convirtió en la mujer más joven desde 1987 –y la única neozelandesa– en colocar un sencillo en el número uno de los 200 más populares en EU según Billboard. Mientras tanto, el álbum Pure Heroine alcanzó el número tres en la lista de Billboard en EU y fue número uno en Nueva Zelanda y Australia.

Con respecto a semejante conquista, Lorde admitía recientemente durante una plática en BBC Radio que “no podía hacer lo mismo”, tenía que desprenderse del primer disco, “encontrar qué decir y cómo decirlo”.

RUPTURAS, COLORES Y PERROS SALVAJES Después de terminar la gira de su disco debut, Lorde decidió pasar un tiempo con sus amigos de Auckland, a quienes “no les interesa en lo más mínimo mi carrera musical”. Rentó pues, una cabaña en una remota isla neozelandesa para poder escribir más tranquila, sin más interrupciones que las de un perro salvaje, quien de pronto se metía a la cabaña y al que una tarde, de plano, encontró durmiendo en su cama. Además de esta paz remota, la concepción del nuevo disco también incluyó el fantasma de una ruptura amorosa. “Después de que te han roto el corazón, la música te llega en un nuevo nivel”, asegura ahora con la misma tenacidad que se presenta un alcohólico en su primera junta de AA. Tras una intrincada codificación por colores de las canciones, con diferentes tonos para diferentes

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temas, Melodrama terminó de grabarse en Nueva York, a miles de kilómetros de casa. Lorde pasó muchas madrugadas, por varios meses, sentada en una mesa de un restaurante abierto las 24 horas, trabajando desde su laptop en el nuevo disco, enchufada a un par de gordos audífonos que la desconectaban de la música ambiental del lugar. Una diferencia con respecto a su álbum debut, que también marca un cambio de perspectiva: “El primer disco fue escrito en Auckland, por una protagonista joven, enamorada, quien decidió permanecer sobria durante las fiestas a las que asistió, para no olvidar y registrar en sus letras los rituales adolescentes. El segundo, fue escrito cincuenta por ciento en Nueva York, después de una ruptura, mientras aprendía las cosas buenas y malas de estar sola. Digamos que con Melodrama asistí a esa misma fiesta, pero esta vez sí me emborraché”.

Del nuevo disco ya se han estrenado dos sencillos. A decir de uno de sus productores –Mark Antonoff, productor del 1989 de Taylor Swift, quien junto con Frank Dukes, productor canadiense de hip hop que ha trabajado lo mismo con Kendrick Lamar que con Drake o Metro Boomin, han hecho posible una nueva aventura–, esta segunda producción de Lorde “ha dejado a un lado el minimalismo. Es una cosa más grande, más amplia. Es un álbum muy distinto en términos de la paleta de sonidos. Creo que todo se debe a que lo concebimos sentados ante un piano y eso es algo nuevo para ella”.

DESPUÉS DEL FUTURO “Green Light”, sencillo lanzado en marzo, es una “pieza musical extraña” en palabras de la propia Lorde.

“La percusión no aparece para reforzar los coros hasta la mitad de la canción, lo que genera esta parte bizarra” concede. Al mismo tiempo, confiesa que tiene un “gran respeto por las reglas musicales, pues el 60 por ciento de las veces las sigo y el otro 40 las ignoro”. Lo que es indiscutible, es que tan solo este single parece contener más producción que todo el disco anterior. Una atmósfera a la house clásico, acompañada por una sección coral que refuerza enormemente su voz, la ayudan a abarcar sin problemas registros que van de lo más grave a lo más agudo.

Semanas después, sorprendió a todos con “Liability”, una balada interpretada al calor del piano, que habla acerca de qué tan tóxico puede ser el éxito para la gente alrededor de alguien que lo ha conseguido. Una vez más, Antonoff apunta: “Tocar ese tema ha sido muy importante. Abrió un espacio para hablar de las cosas que han cambiado en su vida. No es que quiera irse a vivir a una isla. Todo el mundo siente alguna vez que es una carga para sus amigos o su familia”.

Por su parte, Lorde afirma que mientras se gestaba este nuevo disco pensaba mucho en David Bowie. “Lo tenía todo el tiempo presente, en mis pensamientos y mi corazón. Me costaba trabajo no hacer algo sin tener en cuenta qué pensaría él”. Declaraciones que no hacen sino aumentar las expectativas que se tienen de este nuevo disco, en el que muchos esperan encontrar la música que ha evolucionado a partir de lo que Bowie concebía como los sonidos del futuro.

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YO ENTREVISTÉ A SATÁN TXT:: Arturo J. Flores

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CUANDO LE PLATICO a las personas que una vez entrevisté al Sumo Sacerdote de la Iglesia de Satán, algunas tienen en la cabeza la misma imagen que yo antes de hablar con Peter H. Gilmore.

Gallinas negras. Pentagramas grabados con un cuchillo en la duela.

Rezos profanos. Sangre de virgen servida en una copa. El disco The number of the Beast de Iron Maiden sonando al revés…

Igual que a quienes me preguntan si no me da miedo condenarme por prestarme a semejantes encomiendas periodísticas, me hacía falta leer más y ver menos películas. La Iglesia de Satán fundada el 30 de abril de 1966 por el estudioso Anton Szandor LaVey (1930-1997) y se fundamenta sobre un pensamiento humanista y no en tatuarse un 666 en la frente bajo una cruz invertida.

En el documento que se pide leer a los periodistas antes de solicitar una entrevista con alguno de sus representantes, se explica: “Somos la primera organización en la historia que abraza a Satán como una figura positivista e iconoclasta, que sirve como símbolo de orgullo, libertad e individualismo”.

Aquí es donde a la mayoría de mis interlocutores, sobre todo aquellos que han sido criados bajo la idea de que el demonio tiene cuernos, cola y apesta a azufre, se les cae el sistema. “¿Pero no te da miedo jugar con brujería?”, me cuestionan otra vez sin entender una palabra de lo que les dije.

El escrito es mucho más claro: “El Satanismo es una ideología de carácter ateo que rechaza cualquier ideología de carácter sobrenatural.

Los Satanistas somos pragmáticos, materialistas y carnales. El Satanismo reta a sus seguidores a asumir la responsabilidad de sus éxitos y fracasos, bajo la premisa de que el ser humano, en el fondo, no es más que un animal. No creemos en ninguna vida después de la muerte, los Satanistas vivimos al máximo, compartiendo nuestra dicha con quienes pueden hacernos mejores personas”.

Aquí es donde de plano, quienes aún mantienen instalada en su imaginación a la gallina negra desplumada en medio del pentagrama de plano no consiguen procesar que una ideología alejada de la metafísica y lo espiritual promueva un principio tan elemental como el consignado en el documento de prensa: “En el Satanismo, todas las

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formas de gozo sexual llevadas a cabo de común acuerdo entre personas adultas son permitidas.

Apoyamos abiertamente cualquier preferencia y ejercicio sexual individual y responsable”.

CÓMO ASUSTAR CRISTIANOS CON UN NÚMERO Estoy seguro que muchos de mis interlocutores para entonces se habían evadido mentalmente.

Quizá recordaran que el domingo tendrían que asistir a alguna de las marchas convocadas por el Frente Nacional por la Familia para exigir que se le retiren sus derechos civiles a los gays.

Lo mejor de todo es que cuando por fin pude ponerme en contacto con Peter H. Gilmore, me dejó en claro que las gallinas, los sacrificios humanos, la sangre de virgen y por supuesto, el miedo que los creyentes le tienen a la figura del demonio, a los Satanistas les parece una ridícula superstición, promovida por el mismo cristianismo para infundir miedo en las gente y someterla a su dominación.

“Estas representaciones –la del diablo con cuernos y colas– parecen un tanto medievales para la época en que vivimos. Sin embargo, quienes no son cristianos comparten nuestra visión de Satán como un símbolo de dejar atrás la opresión y el apoyo total a la individualidad.

Así lo entendieron Mark Twain y Lord Byron, por ejemplo”, escribió el Sumo Sacerdote satánico en un cuestionario que me hizo llegar la encargada de Relaciones Públicas de Church of Satan.

Sobre quienes, diciéndose satánicos profanan tumbas y bailan desnudos alrededor de una hoguera, H. Gilmore se expresó así: “La imagen del Diablo, como nos la presenta el cristianismo, ha sido parte de la cultura pop a lo largo de la historia”, considera H. Gilmore, quien además es autor del libro “Las escrituras satánicas”, que desde su publicación en 2006 ha sido traducido a 6 idiomas.

Y añade: “Existen fanáticos de la parafernalia diabólica que realizan parodias caricaturescas de lo que consideran son ritos de adoración al Demonio e intentan confundir a la gente asumiéndose como Satanistas. Es importante aclarar que no lo son y a nosotros nos interesa mucho desvelar estas confusiones cuando suceden. El número 666, por ejemplo, para nosotros no es más que una cifra sin significado, pero si escogimos celebrar nuestro 40 aniversario ese día (6 de junio de 2006) es sólo para burlarnos del miedo que parece inspirarles a los cristianos y lo absurdos que se ven los falsos satanistas intentando tener un hijo ese día para que sea el Anticristo. Todo eso es absurdo”.

POBRES BANDAS DE HEAVY Anton Lavey fue el fundador de la Iglesia de Satán.

Hijo de la ucraniana Gertrude Augusta Levey y el ruso Michael Joseph Levey, nació el 11 de abril de 1930 en Chicago y murió a los 67 años el 29 de octubre de 1997. Originalmente nombrado Howard Stanton Levey, más tarde cambió su nombre a Anton Szandor LaVey. Aunque escribió otros libros y artículos, la piedra angular de su pensamiento se concentra en “La Biblia Negra”, publicada por primera vez en 1969. Aunque su ideología, como lo han explicado hasta el cansancio sus seguidores, se fundamenta en la filosofía humanista y es

fuertemente influida por Nietzche, desechando por completo cualquier superchería sobrenatural, hay quienes ha utilizado su figura para reivindicar la figura literaria de los “demonios”.

Sin embargo, músico y actor al final, igual que su sucesor Peter H. Gilmore, LaVey sí mantuvo una relación de amistad con algunas estrellas de rock consideradas diabólicas. Tal es el caso de Brian Hugh Warner, Marilyn Manson, a quien LaVey invistió como Reverendo de la Iglesia de Satán.

“Su nombramiento fue para reconocer el dinero que ha hecho, a costa de sus fans, reciclando viejos estereotipos del rock”, explica Gilmore y aclara: “En realidad no existe un arte satánico como tal. Yo mismo escucho y compongo música clásica y he encontrado que algunas piezas de Wagner o Shostakovich son mucho más afines a nuestra ideología que el heavy metal. De hecho, muchas de esas bandas escriben de manera muy pobre y se dedican a blasfemar contra el cristianismo. Eso no los convierte en Satanistas porque el culto al diablo es una invención cristiana. El auténtico satánico es ateo y rechaza todos los cultos por igual”.

El espacio no alcanza para describir en su totalidad las ideas del Satanismo. Sin embargo, en su página en Internet (www.churchofsatan.com) se pueden leer bastantes páginas de teoría. Entre ellas, “Las 11 reglas satánicas de la Tierra”. Revisarlas resulta interesante. La número uno es “Nunca opines o des un consejo a menos que te lo soliciten”. La siguiente afirma: “Nunca le cuentes tus problemas a los demás, a menos que estés completamente seguro de que los quieren escuchar”. La número 5 ordena: “Jamás realices un avance sexual a menos que se te indique que puedas hacerlo”. La número 9 debe ser particularmente difícil de cumplir por algunos sacerdotes católicos: “Nunca lastimes niños pequeños”. Y la que definitivamente podría generar gran controversia es la 11: “Cuando camines en territorio abierto, jamás molestes a nadie. Si alguien te lastima, pídele que no lo haga. Pero si continúa, destrúyelo”.

Lo que definitivamente nunca pasará, porque la Iglesia de Satán suele ser hermética y no está a la búsqueda de nuevos adherentes, es que un domingo por la mañana uno de sus oficiantes toque a tu puerta para decirte: “¿Tiene 5 minutos para hablar de Satán?”.

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SANTA MÚSICA Algo en qué creer TXT:: Lenin Calderón

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UN TIPO VESTIDO como Ringo Starr en la portada del Sgt. Pepper’s, en pleno tianguis del Chopo a casi 40 grados, o un escuálido imitador de Michael Jackson, a la orilla de una polvorienta avenida en Coacalco de Berriozábal, son el tipo de estampas que confirman lo arraigado que está en nuestras sociedades, el culto a los ídolos musicales. Igual que en la religión, simpatizamos con ellos por las virtudes –o vicios– que representan y les rendimos culto porque creemos en ellos, sin importar si son santos, mártires o demonios.

Casi todas las religiones requieren que un ídolo muera para ser santificado. Los creyentes en la música no esperan tanto y los adoran vivos. Ya sea por sus virtudes o vicios, porque son modelos a seguir o por ser iluminados, la música tiene muchos santos, vivos y muertos.

RÉZAME EN VIDA Así, agradecemos contar aún con santos fundacionales. Bob Dylan recibe un Premio Nobel mientras Roger Waters da un concierto transgeneracional en México y comprueba su vigencia. Por otro lado, nos visitan el santo patrono de la melancolía azotada, partidario de que dejemos de tragarnos a los puercos en tacos, y la santa diva de la electrónica experimental, comedora de suéteres y regañona de públicos.

Morrisey y Björk, demuestran que no se necesita haber grabado en los 60 para ser adorado.

Hay otros más, dignos de salón de la fama, aún vivos. Alice Cooper y Ozzy siguen en la antesala al infierno, mientras Sir Paul y Sir Elton aún dan shows. Igual de vivos están los Stones y ya quisiera uno a la novia más reciente de Mick Jagger, aunque sea para dominguear. Tal como hace 40 años, Iggy Pop mantiene vivo al punk encuerándose, acompañado ahora por los santos más duros: Metallica. También vivos están los únicos santos con alma de robot, Kraftwerk; el fundador de la América hip-hop Afrikaa Bambaataa y el santo patrono de todas las depres, Thom Yorke, faro sin luz de la generación loser.

En cuanto a ellas, es difícil imaginar otra reina de la oscuridad que no sea Siouxie Sioux u otra matrona del punk que no sea Deborah Harry, aunque Patti Smith le pelea el trono. Es justo incluir también a la santa MILF del materialismo rubio, Madonna y a una nueva generación a santificar como la incomprendida Amy, la irreverente Karen O. y las que van dando color como MIA. PATRONOS DEL HAZLO EN TU IDIOMA Iberoamérica santifica sus ídolos con base en su aporte fundacional. Una historia breve, trabajosa y a contracorriente, hace que le perdonemos todo a Charly García, aplaudamos cualquier maroma de Alaska y a Alex Lora… bueno, ya hasta le vemos cara de suegro. Nuestros muertos son hoy mitos, como la Parálisis Permanente de Eduardo Benavente y nuestra cruel historia ha sacrificado profetas, como Victor Jara o Rockdrigo.

Aunque Federico Moura y Luca Prodan siguieron un destino circular para recordarnos que hay perdedores hermosos.

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Aquí, Illy Bleeding y Rita Guerrero son ídolos subterráneos de quienes tuvieron fe en lo hecho en México.

Aunque también adoramos a los santos vivos: Caifanes y Café Tacvba, los cuales representan para dos generaciones la cristalización del sueño musical. y creemos en Botellita y Charly Montana, porque nos gusta reírnos de nosotros. Por su parte, mujeres jóvenes como Julieta, Natalia o Carla, comprueban que el poder femenino es tan sólido y brillante, como las medallas olímpicas ganadas por mexicanas este milenio.

RAÍCES Y CENIZAS Muy pronto contó el rock con muertos para santificar. En 1959, dos garbanzos de a libra veinteañeros, murieron en un accidente aéreo.

Buddy Holly y Ritchie Valens, crearon un antecedente trágico en la psique del género, materializando la frase de James Dean: muere joven y deja un cadáver bello. En adelante, la noticia del rockero joven muerto súbitamente, sería un cliché de nuestra era.

Apenas entrados los 70, este componente trágico del rock se confirmó. La década comenzó con una seguidilla funesta que, en menos de un año, sumó tres efigies gigantes al santoral del rock. En septiembre de 1970, Jimi Hendrix fue hallado muerto tras una sobredosis.

La misma causa de muerte fue usada para explicar las muertes de Janis Joplin y Jim Morrison, ocurridas uno y diez meses después.

Los tres tenían 27. Tres futuros promisorios truncados en noches de excesos, uno de los fantasmas que perseguirían al género.

Seis años más tarde, otros dos gigantes fallecieron dejando un legado enorme. Elvis Presley, ídolo de ídolos, y Marc Boland, rey del glam, fallecieron en 1977 con dos meses de diferencia. El primero tomó el sendero del abuso y el segundo se fue por Av. Dean e impactó su auto contra un árbol. Los siguientes cuatro años reafirmaron al rock como un deporte extremo: lo mismo Keith Moon o Sid Vicious, que Bon Scott o John Bonham, murieron en actos de desenfreno. Cuatro músicos escandalosos santificados por sus vidas intensas y talento único.

ANNI HORRIBILIS Los 80 agregaron varios ídolos a santificar. Las voces rebeldes de John Lennon y Bob Marley fueron

acalladas, la primera por un fan en 1980, y la segunda, por el cáncer en 1981. La década trajo una enfermedad letal que acabó con varios iconos discotequeros, desde Patrick Cowley o Sylvester, hasta Klaus Nomi o Baltimora. El SIDA fue un flagelo lúgubre para los adictos al placer que se llevó gente tan querida como Freddie Mercury o Eazy-E, amantes ilimitados de la carne.

Otro amante sin límite de los riesgos fue Lemmy Kilmister. El maestro de voz de motor revolucionado murió siete días antes de comenzar 2016, un año especialmente funesto pues a diez días de iniciar, fallecía David Bowie, uno de los héroes musicales mayores, adorado en vida en cualquiera de sus tantas facetas. Tres meses después, moría Prince, beneficiario de la herencia funk de James Brown y a quien muchos ya le rendían culto desde los 80. Para cerrar el año con broche negro y un día después de su última Navidad, se apagó una de las voces que más se pronunció por la diversidad. La muerte de George Michael casi cierra un año inclemente, pues todavía se anunciaría la muerte de varios ídolos más.

CALVARIO DE FAMA Otro objeto de culto muy popular son los caídos en defensa de una causa. Sus vidas –y muertes– tienen la misma carga trágica que el avionazo que acabó con Holly y Valens. Precisamente a bordo de un avión murieron tres integrantes de Lynyrd Skynyrd –santos hillbilly del hard rock–, igual que Randy Rhodes –prodigio de 25 años, guitarra de culto–, que resucitó a Ozzy en 1980.

El hip-hop es quizá el género con más mártires.

Como el rock, lleva la tragedia en la sangre. En 1987, fue baleado Scott La Rock –mitad, junto con KRS-One, de los seminales BDM–. Nueve años después, tres eventos trágicos –en no más de trece meses–, cimbraron al género. Tupac Shakur, en 1996, Notorious B.I.G., en 1997 y Big L, en 1999, murieron en lluvias de plomo. Tres asesinatos sin solución que los hará aún más populares.

Aunque no hay fortuna más trágica que la de Marvin Gaye. En una escena realmente shakespeariana, este padre del sonido Motown fue asesinado a tiros por su propio padre. Aunque para entonces tenía 44 y una carrera solida, su muerte tiene el sabor del martirio pues es imposible no atormentarse pensando que pudo haber compuesto mucho más.

SUMO PECADO. VIDA ETERNA. Por último pero igual de poderosos, están los demonios. Como Lucifer, son ángeles caídos que vienen de la luz pero buscan la oscuridad. Igual que Judas Iscariote, llevan al extremo su afán devastador y ponen fin a sus vidas, lo mismo colgados de una viga que con un escopetazo en el rostro. Sensibilidades extremas como la de Ian Curtis, que –como si grabara su voz en el limbo para llevara luego al estudio– arrojaron luz al misterio de la epilepsia. Esa misma aguda capacidad para expresar lo más oscuro del ego, hizo de Kurt Cobain la voz de su generación, aunque él mismo se encargó de acallarla con un disparo que generó más eco del que él mismo esperaba.

SANTOS CAร DOS Los baluartes del progreso y las exigencias de nuestra era TXT:: Lenin Calderรณn

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COMO QUE NO QUERIENDO LA COSA, el nuevo milenio llegó para romper paradigmas. Muchas de las instituciones que sostienen nuestras sociedades, cambian y se reinventan. Mientras se redefine el concepto de familia (ahora hay niños con padres del mismo sexo) por ejemplo, cada día se agregan más letras a lo que comenzó siendo LGTB y las tiendas Target en EU instalan baños para personas transgénero.

Esta era exige que se replanteen los pilares sobre los que descansó la fe del siglo XX, pues en muchos casos han probado ser decepcionantes, por no decir contraproducentes. Estos son sólo cuatro de esos ejes en reparación, sobre los cuales gira nuestro mundo y se arriman las esperanzas de muchos terrícolas: ECONOMÍA DE MERCADO POBRES GLOBALES INC. Hoy en día, contamos con una inmensa cantidad de opciones para satisfacer casi cualquier necesidad.

Como nunca, productos y servicios provenientes de los sitios más lejanos, están a la orden de cualquiera con cash para hacer flash. Esta bonanza comercial fue posible hasta que el bloque soviético y China se abrieron a Occidente. De los ochenta para acá, nos sumergimos sin parar en lo más hondo del inclemente océano de la oferta y la demanda. En el libre mercado, el pez más grande se come al chico y se impone un canibalismo empresarial que a nadie le gusta y conviene a muy pocos.

Encontrar en el súper cerveza importada de Alemania tiene su precio. Los consumidores hemos empoderado a las marcas: el conejo que hizo chocolate para toda una generación, ahora roba agua a cientos de poblaciones lo mismo en África que en EU, con beneplácito del estado. Tras conquistar los mercados más lejanos en los últimos años, las marcas han llenado vorazmente sus bolsillos, devastando el ambiente y exterminando a la clase media, sobre la cual se sostenía todo el teatrito. Nuestros tiempos no se andan con medios tonos: eres rico o eres pobre, traes tarjeta para el segundo piso del Periférico, o no.

De los bancos, ni hablar. Las desregulaciones implementadas desde fines de los ochenta, posibilitaron la creación de varias esferas financieras que al reventar, provocaron amargas crisis. En 2008, algunos bancos lanzaron instrumentos de inversión calificados como “tóxicos”, donde los bancos ganaban más, mientras más perdieran sus clientes. Tan sólo en EU, decenas de millones de personas perdieron sus ahorros o sus casas. Un tsunami así, tiene efectos devastadores a distancia: 30 millones de nuevos desempleados en el planeta gracias a que, claro, este es un mundo globalizado.

CIENCIA Y TECNOLOGÍA DRONES E INSULINA VIP Otro elemento claramente distintivo de nuestra era, es el uso industrial y doméstico de máquinas, aparatos y robots. El desarrollo tecnológico se aceleró después de la Posguerra y se intensificó en las últimas dos décadas del siglo XX. El mundo se transformó con inventos insólitos y revolucionarios, que aumentaron nuestras expectativas de vida.

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Nunca antes, tantos humanos llegaron a vivir tantos años. Ya sea con penicilina o viagra, omeprazol o AZT, los avances científicos cambiaron nuestras vidas. Por otro lado, hoy como nunca, han subido los precios de medicamentos vitales. La insulina, por ejemplo, triplicó su precio en la última década, una prueba de la avaricia de las farmacéuticas, beneficiadas en años recientes con la política neoliberal de muchos países que privatizaron sus sistemas de seguridad social. Los enfermos pagan hoy, como nunca, cifras millonarias en consultas con médicos particulares, que frecuentemente recetan medicinas de patente, inexistentes en farmacias genéricas.

Así, sobrevivimos tratándonos la úlcera con peptoprazol, mientras los drones empiezan a pelear las guerras y los países se gastan casi 2 billones de dólares al año en armamento. La tecnología ultra secreta desarrollada con esos presupuestos, hace que nuestros sorprendentes teléfonos inteligentes parezcan ábacos comparados con un acelerador de partículas. Lo que no termina de entenderse es por qué los teléfonos no pueden ser como los ábacos: que no tienen localizador, ni piden que sincronices redes sociales para compartir información que quién sabe qué banco, secuestrador o tira, terminará usando.

DEMOCRACIA – TÚ NO ME REPRESENTAS El siglo XX nos vendió la idea de que erradicar regímenes nefastos como las dictaduras, era posible a través de la democracia y la consulta pública. Y, sí, lo mismo cayó Pinochet o Videla, que Kadhafi o Hussein, dando paso a tiempos en los que los ciudadanos pesan más que sus líderes. Pero eso es sólo en teoría, ya que un régimen democrático, parlamentario y multipartidista, puede ser igual de castrante que una dictadura. Si no, pregúntenle a México.

Existe la anécdota que cuando Charles de Gaulle visitó nuestro país en los sesenta, le comentó a López Mateos que México era como una dictadura perfecta, donde siempre ganaba las elecciones el mismo

partido. Casi treinta años después, Mario Vargas Llosa retomó el término en un debate transmitido, insólitamente, por Televisa: “La dictadura perfecta no es el comunismo. No es la URSS. No es Fidel Castro. La dictadura perfecta es México. Tiene las características de la dictadura: la permanencia, no de un hombre, pero sí de un partido. Un partido inamovible”.

Tan perfecta resultó que, después la tan ansiada alternancia lograda en 2000, regresó doce años después, más jurásica que nunca.

Ya sea con sistemas que se caen, muertos que votan o tarjetas gratis para comprar en tiendas cuyo nombre ni siquiera es digno de mención, nuestro país es la vanguardia en elecciones dudosas. Aunque nuestros vecinos los gringos –autoproclamados defensores de la democracia– no venden piñas. Basta recordar cuando en 2000 estuvieron sin presidente por meses mientras se resolvía una disputa electoral. O el año pasado, cuando sus votaciones evidenciaron las imperfecciones de un sistema cuyos resultados no reflejan la preferencia del electorado. Habrá que decir también que muchos votaron simplemente por un cambio, aunque fuera tan radical como hacer presidente a alguien que alguna vez participó en una función de luchas.

LIBERTAD DE EXPRESIÓN Y MEDIOS AUTOCENSURA Y PEÑABOTS No por nada la segunda enmienda que le hizo EU –que nos guste o no, fue la primera democracia de la era moderna– a su constitución, fue garantizar la libertad de expresión. Nuestra era no sólo salvaguarda ese derecho, también brinda herramientas para practicarlo, más allá de los excesos cometidos en su nombre. Así pues, toparse con noticias falsas en internet no es raro e incluso puede ser gracioso. Pero cuando entendemos que la existencia de armas de destrucción masiva en Irak también fue una noticia inventada que eventualmente costó la vida de miles de personas, el panorama se enturbia.

En nuestra era, no sólo los medios generan las noticias, las redes sociales también han probado ser claves para informar a la gente.

La Primavera Árabe fue un ejemplo de cómo estas redes son los nuevos medios masivos de comunicación, información y organización. Aunque muchos de los movimientos generados en Egipto, Túnez o Libia fueron reprimidos o han sufrido transformaciones críticas, nadie pone en duda su fuerza. Ante la autocensura de los medios ­–otro rasgo retrógrada de nuestra era– las redes se han convertido en muchos casos en la única opción de información confiable.

Aunque nada impide que las redes sociales bateen para ambos lados. Ahí tenemos a Trump que, bajita la mano, ha puesto más presión a los empresarios con unos cuantos tweets, que todas las reuniones que organizó Obama durante ocho años. O nuestro gobierno, que ni tardo ni perezoso tras dicha primavera, acarreó digitalmente a un verdadero ejército de peñabots.

Dedicados a parchar, con etiquetas engañosas como #DondeFirmoPara, quejas masivas y legítimas contra el gobierno, estos compatriotas comprueban que Santa Ana está más vivo que nunca.

Libros

SHARIF HERNร NDEZ Y RAFAEL LECHOWSKI La escritura es mi padre

TXT Y FOT:: Ivรกn Curiel

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Sharif Hernández y Rafael Lechowski escritores y músicos raperos originarios de Zaragoza, España, nos compartieron su poesía acompañada de rap en sus tres presentaciones “México es poesía”. Para conocer un poco más acerca de su trabajo, platicamos con estos expertos de la palabra rítmica: ¿Cómo se auto describen fuera del escenario en su vida cotidiana?

Rafael: Soy una persona sensible, paciente, tolerante… He sido migrante, sé lo que es cambiar de país, no tengo rasgos sociales racistas, me adapto muy bien a las situaciones; le doy mucha importancia al amor que es muy importante en esta sociedad, soy muy perfeccionista, muy detallista, muy exigente conmigo mismo, muy realista, generoso, admiro dar sin esperar recibir nada a cambio y valoro a la gente que igual lo hace, me gusta vengarme por el bien, usar la venganza para bien, me considero metódico y organizado.

Sharif: Me considero una persona muy común y sencilla, eso me hace muy feliz en esta vida, tengo placeres muy básicos: me gusta mucho comer, el amor, leer, fumar, soy muy amigo de mis amigos, valoro mucho a la familia, y mis amigos son parte de mi familia, con eso soy capaz de subsistir, con la mujer que amo y me ama, con todo ello soy muy feliz.

Sharif, ¿puedes platicarnos tu experiencia del resultado de fusionar y hacer poesía y rap en un mismo formato?

Sharif: No puedo cuantificar el resultado, lo que he hecho es sin ningún tipo de ambición, cuando hago música no espero grandes cosas de la vida porque todo lo que llega es bienvenido, con la música me pasó eso, nunca escribí pensando en el resultado final, sólo como lo voy sintiendo y que fluya,

respecto a la poesía me considero un pequeño intruso, porque la valoro, la amo y la verdad es que no me considero un poeta, me considero un estafador honesto dentro de la poesía, así me considero dentro del rap y de la poesía. ¿Cuál es su opinión de materializar sus ideas en un libro y en una pista musical?

Rafael: No hay gran diferencia, cambia sólo el paquete, ó sea el formato, yo creo que nace de esa sensibilidad de sublimar, hemos hecho ambas cosas siempre, hemos escrito siempre, las ideas muchas veces no cambian mucho, lo bueno de publicar algo es que con el tiempo nos avergonzamos de haber creado algo y después nos obligamos a publicar algo nuevo para enterrar aquello viejo, lo mejor es publicar algo a nada, en realidad todo es como desde el inicio, el proceso es muy parecido, agarrar la pluma y sentarse a escribir sobre el papel.

Sharif: Creo que en el fondo es satisfacer nuestra necesidad de escribir y ya sea el libro o en el disco, cada uno tiene sus pros y sus contras, un libro no es más que un formato al igual como lo es un disco, en esencia lo que palpita es la admiración y la pasión por la escritura y la única diferencia es el formato. ¿Cuál es su opinión de fusionar varios cables culturales, o dicho de otra manera combinar diferentes géneros musicales y lograr resultados inesperados que al final pueden convertirse en híbridos?

Rafael: Todo es un hibrido de todo, estamos siempre buscando etiquetas, ése es el problema, he buscado que todo surja de manera natural, con coherencia y sin forzar nada, si recurrí al jazz era porque no tenía estribillos para describir algo tan puro musicalmente hablando y en otros géneros e instrumentos musicales uno encuentra esas tonalidades, surgió en mi la inquietud de que la música acompañase a la palabra de la misma manera, es un proceso muy complicado, es increíble cuando el audio, la música y la imagen interactúan y comunican una idea de forma armoniosa.

Sharif: Yo he creído que en general el mestizaje, independientemente de lo que estemos hablando, es parte de la evolución, es el futuro, se me hace algo muy natural que Rafa haya recurrido al jazz para acompañar su música en función de sus necesidades, su lenguaje lirico, un músico puede hacer buena música con los instrumentos más básicos y se puede hacer la misma canción recogiendo ritmos árabes, flamencos, etc. Utilizar las herramientas que estén a tu alcance, para transmitir lo que quieras transmitir, utilizadas con buen gusto, criterio y con talento. ¿Cuál es su opinión del rap actual y hacía donde creen que se dirija en el futuro?

Sharif: Considero que el rap goza de buena

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salud actualmente, está englobando diferentes ritmos, vertientes y hasta cierto punto todos son validos y hasta necesarios, terminaran sobreviviendo todos aquellos que lo hagan con una buena mezcla de talento y amor, esos serán los que sobrevivirán.

Rafael: Me he dado cuenta que el rap no es mi padre, lo veo como mi amigo, la escritura es mi padre, el rap siempre se me ha hecho un género joven, y a la vez mi mirada se inquieta por otras cosas, otros géneros musicales, no me voy a regir por un género estricto, me dirigiré en ejercicio puro, si te encasillas en un sólo género menor será tu capacidad de libertad, te limita y no te permite desarrollarte. Me alegro de que el rap haya crecido, me alegra porque hemos creado una corriente muy importante, sin barreras ni prejuicios. ¿Qué opinan del ejercicio de improvisación?

Sharif: No soy una persona muy dada a ese formato, creo que si existe esa transfusión de energía, uno estimula al otro escuchándolo, inspira su creatividad, se llega a un grado de armonía, y creo que sí ocurre eso… De hecho está pasando ahora mismo en esta entrevista, entiendo que eso es algo que se puede ejercitar, pero esa actividad de improvisar no es muy lo mío. ¿Qué les gustaría decir a su publico mexicano y/o algo que quieran agregar a esta entrevista?

Le mandamos saludos a Original Juan y a Lucho Aka Biwea, ya que estamos los cuatro de manera mágica e improvisada acá en CDMX y los cuatros somos de Zaragoza, España, para nosotros es un encuentro muy especial. Y al público, los que nos conozcan que nos apoyen y a los que no nos conozcan, que se acerquen a Youtube y que escuchen lo que hacemos. ¡Gracias!

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Libros

MOBY Ser humano detrás de los lasers...

TXT:: Walter Schmidt

Moby es una de las figuras más importantes en la música de la década de los noventa y del nuevo siglo; ha colaborado con un número increíble de superestrellas y la lista parece el “quién es quién” en la música moderna, incluyendo a Michael Jackson, David Bowie, Lou Reed, Brian Eno, New Order, the B-52´s, Metallica, The Prodigy, Orbital, Pet Shop Boys, Britney Spears, Daft Punk, Bono, Jean-Michel Jarré... la lista parece interminable.

Porcelain: mis memorias es la autobiografía de Richard Melville Hall, mejor conocido en el mundo musical como Moby.

El sobrenombre se lo puso su familia como una especie de homenaje a su antepasado el escritor Herman Melville, autor de Moby Dick; “Se supone que es mi tatara-tatara-abuelo” afirma.

“La primera vez que hablé con un agente literario sobre la posibilidad de escribir una biografía, comenté que sería divertido que contratáramos a un escritor para que la escribiera por mí. Mucha gente contrata escritores para que escriban sus libros y, a veces, con grandes resultados […]. Ser familiar de Herman Melville y no intentar escribir mi propia biografía habría sido una especie de afrenta hereditaria y tras asumir que nadie iba a escribirla por mí, abrí la computadora y me puse manos a la obra”.

Vegano, D.J., cantante, compositor, músico, fotográfo y activista en pro de los derechos de los animales Moby retrata en su libro la escena musical de un Nueva York que ha cambiado radicalmente.

“Porcelain habla de mi vida entre 1989 y 1999, pero también de cómo Nueva York pasó de ser una ciudad sucia y rota a la ciudad bizarra y estratosféricamente cara en la que se ha

“Diez años de la vida de Moby, la mayor parte en la decrépita, peligrosa y adorada ciudad de Nueva York de la década de los noventa […].

Su antepasado Herman Melville se sentiría, creo, simultáneamente asqueado y orgulloso”.

—Salman Rushdie

convertido. Porcelain también trata de las escenas musicales underground house y hip hop de finales de los ochenta”.

El libro escrito a manera de novela, inicia en los días en que Moby vivía en una fábrica abandonada al sur de la estación Stamford y nos va narrando su lucha por sobrevivir en una ciudad agobiada por las drogas y la violencia; como músico y DJ de los clubes neoyorkinos, como el famoso y extinto Mars.

Sus primeras grabaciones para el sello Instinct Records, su sencillo de éxito “Go”. Sus primeros conciertos en Europa, los raves, los ravers, el crack, el éxtasis…

Pero también es como el mapa sentimental de Moby, sus novias y amantes de una sola noche, en medio de strippers, drag queens y club kids; sus convicciones religiosas (que lo han llevado a afirmar que hoy en día es, “Taoista-cristiano-agnóstico-quantum mechanic”), sus ataques de pánico, sus obsesiones por la comida (vegana) y los derechos de los animales. La relación cercana que mantuvo con su madre, hasta la dolorosa muerte de ella. Sus ídolos Madonna, David Bowie, David Lynch. Su afición por las novelas de ciencia-ficción. Sus presentaciones poco convencionales en Japón y Europa del Este. Sus triunfos y fracasos.

Moby ha escrito un buen libro.

“He intentado ser lo más honesto posible” con una narrativa que nos atrapa con sus memorias del submundo de los clubes y la música dance, las drogas y el sexo desbordado y aunque podría parecer un viaje narcisista, nos revela al ser humano detrás de la música estruendosa, los lasers y luces estroboscópicas.

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Cómic y narrativa dibujada

ICARE El cielo y la fe TXT:: Oscar G. Hernández

Por centurias se han hecho intentos por demostrar que el humano es un ser razonable, se le ha calificado incluso como la especie más avanzada del planeta tierra, aunque esto no sea más que un discurso del merchandise para hacer creer esa falsa superioridad. La realidad prueba que el humano dista mucho de ser una especie desarrollada, más bien es un predador que se impuso sobre los otros, incluyendo a su propia especie.

Además de ser un depredador despiadado, una de sus características principales y la más singular en relación a las demás especies; es su propensión a creer. Lo que realmente lo aleja del resto de la naturaleza es su afición por el imaginario, por la ficción, por la fantasía, por la fe.

El ser humano no puede aceptar su existencia libre de la creencia, ya sea en algo material o inmaterial, le encanta, le fascina creer en hechos que no se pueden probar, construye universos imaginarios, los defiende e incluso muere y mata por ellos. La credulidad ha sido el motor que ha empujado a la humanidad tanto para bien como para mal. El miedo es uno de los elementos que mejor funciona sobre el cerebro más primitivo y vil. Gracias al miedo el humano logro desarrollar religiones brutales y torpes, que fundaron enormes

sociedades basadas en creencias de mundos no terrenales, donde existen paraísos e infiernos fuera de esta vida. Esas religiones después derivarían en las llamadas sociedades “modernas”, que hoy día no han logrado librarse del legado que el miedo y la tradición medieval lego.

La creencia en el miedo es quizá la fe más poderosa y más destructiva, el efecto que sigue teniendo provoca más que una reflexión.

Podríamos decir que el planeta ha sido gobernado de manera perpetua por el miedo. Lo ocurrido en los Estados Unidos con Trump y en Francia con Marine Le Pen, son la prueba viviente de un mundo regido y controlado por fantasmas. Se tiene miedo a cualquier cosa, aunque no se pueda probar su existencia, el miedo resulta ser la mayor creencia y por tanto el mayor acto de fe.

La otra cara de la credulidad y la que aquí nos atañe, tiene que ver más con la fe, como placer y confianza en la ficción que se originó alejada de la religiosidad y el monetarismo. Es la que se encuentra en las artes, en esa sensación de la experiencia estética como experiencia religiosa.

En la creación de universos que maravillan por su inexistencia y que sólo se hacen reales en la materia del arte. En la narrativa gráfica existen

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grandes leviatanes de la ficción uno de los más influyentes es Jean Giraud mejor conocido como Moebius, creador de fe y universos a la manera de un dios. El otro gran creador por la parte oriental es el recién fallecido Jiro Taniguchi , creador de ficciones más terrenales y a veces más fascinantes.

Los dos autores ahora desaparecidos se unieron para crear una pieza por demás singular y maravillosa, Icare. La leyenda del que vuela, del que desafía al sol. El arte de volar ha sido uno de los mayores desafíos para la especie humana, surcar los cielos y creer que se puede desafiar la gravedad lo ha llevado a lugares jamás imaginados. El Icare de Moebius y Taniguchi trastoca el mito del ser que quiere volar, por el del que nace con el don de volar. El tratamiento que hacen los dos grandes monstruos de la narración gráfica es soberbio. Las fascinantes ciudades y futuros imaginados por Moebius son maximizados con el toque japonés de Taniguchi. Las formas narrativas desarrolladas por el francés son reconstruidas para ofrecer resultados que vienen del manga más exquisito.

Icare se encuentra atrapado, nace en prisión, no conoce el cielo a pesar de sus facultades

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para elevarse, ha sido educado en el aislamiento debido una vez más a la fijación humana por el dominio y la guerra. Lo que hace volar y escapar a Icare es algo más fuerte que el deseo de volar, es la otra emoción completamente opuesta a la fe en el miedo: el amor.

La creencia en al amor es el otro gran motor que empuja a la especie humana. La fe requiere del amor para existir, aunque después ese amor sea manipulado y retorcido. El Icare creado por el tándem franco-japonés se le entrena y prepara para pelear. Es apenas un adolescente que no conoce el miedo, lo encontrara en el dolor. Para después descubrir que hay una fuerza poderosa que lo lleva a volar más alto y a escapar de sus captores.

El amor es lo que lo llevara a conocer el cielo en ese beso tan anhelado. La novela gráfica creada por estos dos gigantes resulta por demás reveladora, en demasiados sentidos. Es una combinación que no se dio antes entre oriente y occidente para darnos un libro plagado de talento y fuerza. El dibujo y el relato son soberbios pero también es una muestra que la fe puesta al servicio del arte desata energías y emociones únicas e irrepetibles, como el amor.

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Cómic y narrativa dibujada

AVGVSTVS

Te presentamos el trabajo de Glenda Mariana Guerrero, mejor conocida como Avgvstvs. Sus historietas mantienen libertad y frescura con gotas de reflexión; su cómic El Señor de las Bestias fue seleccionado para ser expuesto en Berlín. Avgvstvs sobrevive, dibuja, trabaja y estudia en Toluca, y recorre la ciudad en su bicicleta azul. /Ranciaconeja avgvstvsilustration.deviantart.com

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De Culto

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1991 fue uno de los años de máxima gloria para la música; hay sobradas muestras de discos históricos en eso 12 meses. Pero regresar 26 años en el tiempo al ritmo en que se vive y transcurren los acontecimientos en la actualidad es como volver al siglo XVI. Al inicio de los noventa aun nos encontrábamos en la era preinternet y pareciera que es un duro ejercicio para las memorias más jóvenes.

Pero hallarse en Londres al inició de aquella década era colocarse una vez más en el epicentro europeo no sólo del rock sino de la música de vanguardia en general. Ahí me tocó atestiguar como punks gay amenazaban a hooligans ebrios del Chelsea y los obligaban a bajar del tren. Eran los tiempos en los que recomendaban no sacar la navaja propia en intentos de asalto, pues corrías el riesgo de que te la quitaran para clavártela.

En los andenes recomendaban reportar cualquier maleta abandonada pues existía riesgo de que fuera una bomba. Pero pese a todo, la capital de la vieja Albion seguía siendo un hervidero sonoro que se debatía entre el coletazo de la neo-psicodelia y el sonido Madchester y la irrupción del Britpop y tremendos pleitos mediáticos entre sus dos más grandes deidades: Blur vs. Oasis. Aunque el estallido electrónico ya pataleaba en los locales clandestinos mientras que en otros puntos el etéreo sonido 4AD animaba a los más sibaritas.

Pero todavía sonaban más cosas… el universo del pop es múltiple. En septiembre de 1991 aparecía un disco cuyo track número 11 era una canción títulada “London Belongs To Me” y que plasmaba a la perfección el pulso citadino: “Took a tube to Camden Town/ Walked down Park Way and settled down/ In the shade of a willow tree/ Someone hovering over me”.

Bob Stanley y Pete Wiggs vivían en Croydon –hoy día la cuna del dubstep– y tenían más herramientas como periodistas que como músicos, pero en septiembre de aquel mítico 1991 debutaron con una jugada maestra: Foxbase Alpha. Ambos eran amantes del pop pero ya eran tentados también por la electrónica de baile. No eran gente extraña en sus maneras ni explotaban su imagen, lo que encauzaban era una melomanía crónica para el diseño de sus temas.

En ese momento descolocó a los medios que se nombraran como un rascuache equipo de futbol de la liga francesa que representaba a una ciudad de escasa reputación. De hecho, el disco abre con una trasmisión radiofónica de un partido cualquiera y la portada era un elogio de lo vintage (una chica-chick sosteniendo una pancarta).

Saint Etienne tienen un lugar en la historia por haber aglutinado la música de baile al universo indie (aunque ellos no se sienten a gusto en ese ámbito). Su saga arrancó con un cover; hicieron “Only love can break your heart” de Neil Young con la voz de Moira Lambert. Sara Cracknell –emblema de la banda– se incorporó hasta el siguiente sencillo: “Nothing can stop us”; tema que los acompañaría para siempre.

Ellos sabrían tomar elementos del twee-pop, los desplantes de las vocalistas naive y hasta sonidos del italo disco para confeccionar la idea del dance pop, un concepto que les parece mejor. Lo interesante viene con una carrera de largo desarrollo y con la idea de pertenecer a un segundo círculo de la fama; representa a los artistas de culto que no pierden grandeza pese a no encaramarse jamás al tope de las listas y los carteles de los festivales.

Es por ello que en 2017 los encontramos lanzando “Magpie Eyes”, un sencillo que anticipa la llegada de un noveno álbum, que será el sucesor de Words and Music by Saint Etienne, editado en 2012 y que los reconcilió con el público tras de siete años sin novedades. Tales From Turnpike House (2005) marcó una pausa en el camino para concentrarse en la vida privada.

Desde su retorno, acompañado por la espléndida canción “Over the border” han encontrado un nicho interesante para revitalizar lo suyo. Volvieron a los grandes festivales y marcas tan vigentes como Kenzo, usan su música para sus desfiles de moda. ¿Qué es lo que la sigue manteniendo atractiva? Que tiene ese savoir faire del pop francés de los sesenta, guiños muy ingleses y desplantes de electrónica ligera tan en plan Pet Shop Boys.

En ningún momento discos como So Tough (1993) y Tiger Bay (1994) han envejecido

mal –todo lo contrario–, al escucharlos encontramos una inesperada vigencia en el sonido. Impresiona que un tema como “Like a Motorway” podría haberse lanzado esta semana. Desde un principio mezclaron a la perfección pasado discográfico con sentido de actualidad. Pero sobre todo han desparramado su pasión por la cultura pop, como en “Over the border” donde: “reflexionan sobre su amor por la música, sobre sus motivos para amarla, sobre si es razonable preocuparse por la vida de tal o cual artista cuando tienes la tuya propia”.

Disfrutan cada paso que dan, por lo que lo mismo hacen un disco navideño, A Glimpse Of Stocking (2010), que colaboran para el cine y otros proyectos audiovisuales. Un momento conmovedor fue escuchar “A Good Thing” en la banda sonora Volver (2006) de Pedro Almodóvar.

Mientras que Sara Cracknell alterna la vida familiar con un par de discos en solitario (recomendamos Red Kite de 2015); Bob Stanley regresa a sus orígenes y ha publicado un libro sobre su obsesión; Yeah! Yeah! Yeah –La historia del pop moderno–, editado por Turner en 2015, donde: “explora las raíces de la música pop a través del nacimiento del rock,soul, R&B, punk, hip hop, indie, house y techno, englobando canciones, grupos, escenarios y estilos desde “Rock aroundthe Clock” de Bill Haley y The Comets, hasta el primer megahit de Beyoncé. Trabajando con una definición amplia de pop (que incluye country, metal, disco, Dylan, skyffle y glam), separa las conexiones y las tensiones que dan vida a los rankings y defiende que son una parte vital de nuestra historia. Es la mayor y más ecléctica de las rocolas hecha libro; una guía para la banda sonora de nuestras vidas”.

Saint Etienne es un grupo que jamás ha perdido el estilo –lo sostiene de principio a fin­ –; que se ha pertrechado tras de música que no suena pasada de moda. Se muestran como personas comunes y corrientes que se entregan a su apasionamiento musical. Las canciones por encima de todas las cosas y lo musical como forma de vida por eso le cantan a los dj, las aparatos de sonido, las discotecas, las tornamesas y todo lo que tenga que ver con esa religión laica a la que tanto amamos.

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SAINT ETIENNE La genialidad de la gente común y su fe en el pop TXT:: Juan Carlos Hodalgo FOT:: Cortesía de Sub Pop

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De Culto Cine

SHANE CARRUTH Y los nuevos mártires de la era tecnológica

TXT:: Toño Quintanar FOT:: Pari Dukovic

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n su novela La Peste, Albert Camus asevera que el fenómeno de la beatificación es un asunto que va más allá de los límites de lo teológico para instalarse dentro de procesos absolutamente cotidianos que forman parte activa de los factores correlativos de la civilización humana.

Todos somos susceptibles a transformarnos en santos, sin importar nuestras adhesiones religiosas o espirituales; lo único que precisamos es volvernos conscientes del sufrimiento de nuestros semejantes y oponernos a la normalización de dichas penurias.

En un mundo donde el absurdo se erige como la norma por excelencia, el mártir destella como un símbolo de rebeldía; ente quien, a pesar de la inutilidad de su resistencia, se niega a permanecer pasivo frente a las grandes injusticias y tragedias que los modos de producción impuestos a lo largo de la historia se han encargado de confeccionar.

La llegada de la era postmoderna representó el afianzamiento de una serie de cambios filosóficos los cuales se encuentran estrechamente relacionados con dichos preceptos subjetivos ya que, durante dicho contexto, la tecnología reemplazó a la religión en su papel de autoridad incuestionable.

Tras pasar siglos ofrendando su fe a una serie de ídolos los cuales permanecían sumidos en un eterno hermetismo, la humanidad por fin encontró a un ente todopoderoso el cual le devolvía la mirada, brindando pruebas fehacientes de un progreso el cual cimentaría los esquemas de las nuevas facetas de la historia de la comunicación antropológica. Dentro del mundo de las artes narrativas, la ciencia ficción se alza como el canon estilístico por excelencia mediante el cual dichas inquietudes se ven desmenuzadas en toda su profundidad; brindándonos un amplio crisol de posibilidades y matices que van, desde lo espléndido, hasta lo francamente pavoroso. En medio de dicho paralelismo nos encontramos con Shane Carruth, autor quien podría ser definido con facilidad como uno de los mártires modernos del Séptimo Arte.

Nacido en el año de 1972, este autor oriundo de Carolina del Sur se definió, desde los albores más frescos de su carrera, como un ente de carácter multidisciplinario quien se encontraba perpetuamente dispuesto a dejar impreso en cada uno de sus trabajos un trozo de su propia composición física.

Fungiendo como guionista, director, productor compositor y actor; este incansable creador se ha encargado de hacer del discurso fílmico un medio profético absolutamente personal mediante el cual invita a la audiencia a iniciarse en una serie de inquietudes metafísicas sumamente complejas.

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La carrera de Carruth inició de manera formal en el 2004 con Primer, largometraje el cual lleva a extremos inenarrables los matices más veraces del género de la fantasía instrumental.

El director da vida a Aaron, joven ingeniero quien, en compañía de su socio, Abe (David Sullivan), logra concretar uno de los idilios tecnológicos más elementales de la historia de la humanidad: viajar en el tiempo. A diferencia de lo que se acostumbra en este tipo de temas, Shane se aleja de forma casi purista de cualquier grandilocuencia maravillosa para presentarnos una narración mucho más interesada en los fenómenos psíquicos que permean al conflicto humano.

Para el director, la mente se destaca como un portento capaz de apresar los secretos más inquietantes de la naturaleza y de sus órganos configuradores; por lo tanto, es necesario profesar una fe extrema hacia las fuerzas creadoras que se desprenden de la imaginación de nuestra especie.

Esta facultad es la que nos permite doblegar a la realidad con el fin de encontrar en ella los albores de nuevas posibilidades de carácter sobrenatural.

Carruth deja en claro que todos los hombres son susceptibles a transformarse en entes paradigmáticos, capaces de trascender los límites de la existencia terrenal para pasar a ocupar un lugar de honor en los anales de la divinidad. Todo esto a través de la ciencia dura; plataforma que permite a los individuos ordinarios iniciarse en una serie de procesos que pretenden develar los secretos que yacen indexados en los entrepaños de la naturaleza.

Sin embargo, lejos de representar dicho fenómeno a partir de esa perspectiva heroicoempresarial que personajes como Elon Musk se ha encargado de vanagloriar, Carruth forja una perspectiva absolutamente sobria en la que dos individuos, armados únicamente con su fe inventiva, son capaces de cambiar la historia de la humanidad para siempre.

Por supuesto, dicho asunto esconde también un halo de tragedia para aquellos quienes se abandonan a su poderoso influjo ya que, a lo largo de esta cinta, vemos a nuestros protagonistas llevar consigo el peso de una serie de responsabilidades que son incompatibles con la vulnerabilidad consustancial de los seres humanos. Misma relación que apela a ese ritual de dolor que transforma a los hombres en auténticos beatos quienes ofrendan su existencia física en pos de legar nuevos conocimientos a sus coetáneos.

Tendrían que pasar nueve años para que Shane Carruth sorprendiera al mundo fílmico con un nuevo trabajo, esta vez hilado a partir de condiciones y simbolismos mucho más encriptados.

Upstream Color (2013) es un proyecto el cual expone de forma definitiva esa serie de principios estéticos mediante los cuales el director trata de ejemplificar la existencia de una serie de misterios los cuales podrían anunciar la llegada de nuevos paradigmas dentro de la vinculación sensible.

Carruth vuelve a desempeñarse de forma paralela como director y actor, esta vez entretejiendo una historia en la que las encimas de una insólita larva le brindan a los protagonistas la posibilidad de superar las barreras físicas que persisten entre ellos, armonizando sus mentes de una forma absoluta y homogénea que bien podría significar un nuevo eslabón en la evolución de nuestra especie.

Nuevamente, los rasgos de la ciencia ficción (en esta ocasión cincelados a partir de un discurso preciosista donde arte visual y sonoro empatan impecablemente) se tornan la plataforma ideal mediante la cual queda explicada esa relación que persiste entre hombre y naturaleza; siendo esta última entidad la representante concreta de todo aquello que podríamos definir como una fuerza omnipotente.

El carácter anti-convencional de esta cinta la transforma en un auténtico ritual dogmático mediante el cual Carruth fija los principales componentes de una nueva teoría beatífica que tiene por principal objetivo hacer que la intrascendencia consustancial de la existencia humana gane nuevas complejidades que le permitan superar sus fronteras corpóreas.

De esta manera, el realizador le propone al espectador transformarse en un santo sin Dios: unirse a un nuevo evangelio humanista a partir del cual pueda contrarrestarse ese desgarrador sin sentido que hace de nuestro paso por este mundo algo ínfimo, si lo comparamos con la titánica bastedad de ese cosmos del que sólo somos una huella dactilar.

En este momento, Carruth se encuentra preparando su tercer largometraje: The Modern Ocean; trabajo mediante el cual el director promete confeccionar el capítulo más sorprendente de esa biblia fílmica que pretende dejar al descubierto los milagros que las determinaciones humanas son capaces de desatar.

Misma misión en la que estará acompañado por un elenco sumamente variado en el que nos encontramos con nombres como Tom Holland, Jeff Goldblum, Anne Hathaway, Keanu Reeves, Chloë Grace Moretz y Daniel Radcliffe.

Sin duda alguna, una producción la cual, de continuar con la línea de sus antecesoras, nos llevará a atestiguar un nuevo peldaño dentro de esa canonización emocional que el Séptimo Arte es capaz de conjurar.

De Culto

Si no me equivoco fue hace dos años –más o menos– que nos invitaron a tocar (midi/vidi/circuit) a La Pajarera, un espacio independiente en la ciudad de Puebla, fue un concierto de noise y mientras el ruido rebotaba en las paredes, una de ellas fue intervenida por medio de la improvisación pictórica de varias personas.

A

l terminar el evento se me acercó un chavo, delgado y bajito, tenía un aspecto peculiar, vestía de manera sobria con un estilo retro, con un bigote finito, como el de Jorge Negrete o Mauricio Garcés, también tenía unos lentes de armazón dorado, muy bonitos, lo recuerdo porque eran muy similares a los que usaba mi tío abuelo, de hecho, este chico, todo él, me recordaba al tío.

Armando Tanus es su nombre y lo primero que hizo fue darme una estampita, en ella aparecía la imagen de un personaje con una mascara de madera tallada y esmaltada, como aquellas michoacanas que son muy famosas.

Me dijo: “Mira, carnal, este es Santonatrón, el santo de los artistas, tú rézale con fervor para obtener alguna beca, para montar una exposición o algo que necesites y el te lo cumplirá, es muy milagroso”, también me dijo que no era un santo excluyente, sino por el contrario, un santo protector de las minorías, como los homosexuales y los enfermos mentales. En ese momento no tenía muy claro de que iba la cosa con Santonatrón.

Saliendo de La Pajarera nos fuimos por unas sangrías a una cantina muy famosa en Puebla, ahí seguí platicando con Armando, me contó que Santonatrón era parte de un proyecto artístico que estaba realizando con el apoyo de jóvenes creadores de FONCA, que estaba inspirado en un personaje místico cercano a Lázaro Cárdenas y que él como sacerdote del templo de Santonatrón tenía como oficio evangelizar. La noche avanzó en la cantina y ya entre la neblina etílica, pude ver que en una esquina del lugar se encontraba un pequeño altar a este santo, eso me pareció bien.

Seguí en contacto con Armando, quien se divertía contándome sobre lo que provocaba su personaje y el santo del que era representante, me preguntó algunas veces sí ya me había hecho algún milagro Santonatrón, pero la verdad es

que no le había rezado, no era un creyente, pero me gustaba lo que generaba, me parecía muy interesante que la idea del arte y la idea de la metafísica fueran usadas de esta manera por Armando, pues viéndolo bien, parecerían polos opuestos, mientras que la idea de la religiosidad en un lugar como Puebla se ancla en la tradición y en la conservación de una moral muy arraigada al pasado, Santonatrón en el arte se lanza hacia el frente a partir de lo performatico y del espacio público, tanto físico como virtual, pues hace uso de diferentes estrategias, como la ya mencionada instalación altar en la cantina, la evangelización y la repartición de las estampillas, sus rituales, la divulgación de “los milagros” o favores concedidos a través de redes sociales con los video testimonios, además del templo virtual en Facebook y la generación de memes.

De entre los procesos de Tanus el que me pareció más divertido, fue la procesión en la que Santonatrón fue trasladado por las calles de Puebla, en el que pudimos ver un grupo de personas llevando un maltrecho monigote amarrado a una silla que apostada sobre una enclenque base era cargada en hombros por los creyentes, mientras que por medio de un altavoz el sacerdote escandalizaba con rezos a su paso.

Esta imagen me interesa porque interviene de manera absurda en la cotidianeidad, me gusta pensarla como una manifestación situacionista haciendo un detournament del rito católico, en donde la psicogeografía del lugar lo hace contundente en cuanto a lo social. Por otra parte, en el aspecto artístico, me parece que la factura es completamente deficiente, pero no por descuido, el hecho de tener una representación volumétrica y antropomorfa deficientemente construida es una declaración en contra de la tradición técnica del arte, de la tradición artesanal ligada a este tipo de representaciones,

o el descuido del artista, que para este caso significa lo mismo.

Armando hace tiempo que dejó Puebla, lugar al que por cierto llegó por azares del destino, seguramente guiado como los que partieron de Aztlán, Moisés o Juan Diego, por la divinidad. Hoy vive en Argentina, donde me cuenta, ya ha tenido varios milagros el santo de su devoción.

Por otra parte, sé muy bien que Santonatrón es una imagen más bien domestica, como muchos otros actos artísticos individuales sin escaparates luminosos, sin grandes luminarias anunciándolos, sin ser espectaculares, actos que parecen intrascendentes, que existen sólo por la necesidad de ser arte y mostrar ideas en la periferia de los círculos de consumo cultural oficial.

Por ello, pienso que es pertinente darlo a conocer entre los lectores de esta revista, pues como ya he dicho en repetidas ocasiones, el artes es un acto de fe, se trata de creer en la abstracción de los objetos tanto conceptuales como físicos, ideas y formas de cotidianos, asignar valores y signos a través de todas las relaciones posibles dentro de la vida.

En la actualidad abundan las quejas sobre lo que se hace en el arte, muchos desean seguir contemplando grandes obras maestras en lienzos y piedras, lo cual está bien, pero también existen muchos que disfrutamos de las pequeñas rupturas temporales en la hegemonía cotidiana, de las frecuencias aleatorias en la estática, de los guiños a la incoherencia, de lo no tan común.

Para concluir he decir que no soy creyente de Santonatrón, pero disfruto la capacidad de algunas personas para torcer las cosas, para realizar actos difíciles de catalogar, sucesos que al presenciarlos no te queda claro que debes pensar de ellos, esos que molestan si los metes en el arte, si los metes en la cultura, si los metes en la religión, si los metes para ganarte una beca y te la ganas.

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SANTONATRÓN Un satírico santo desconocido

TXT:: Rubén Gil FOT:: Cortesía Armando Tanus

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El pilón

SAN CISCO Una oleada de indie que se sumerge entre el pop y rock TXT:: Daniel Arcia FOT:: Cortesía del artista

FREMANTLE, un pequeño lugar al occidente de Australia que no supera los 27 mil habitantes, tierras que vieron florecer la vida del segundo vocalista de AC/DC: Bon Scott, quien partió de este mundo en 1980. Hace 8 años, este pequeño poblado vio nacer a una de las bandas de indie rock que con el paso del tiempo intenta posicionarse en diferentes países del mundo, hablo de San Cisco; quienes desde el momento en que lanzaron su primer material de estudio San Cisco (2012) tuvieron la certeza de que esto se convertiría en algo grande.

El sonido indie muy al estilo de los 90 de Jordi Davieson, Josh Biondillo, Nick Garner y Scarlett Stevens fue teniendo una evolución constante, las guitarras, los ritmos y las líricas de cada canción fueron figurando más dentro del gusto del público. El explorar diferentes lugares a lo largo de este tiempo hizo que la

banda tuviera fe en cada cosa que hacían.

Recordando lo que sucedía en el año 2012, San Cisco había liberado su álbum homónimo y un EP titulado Awkward, con el cual obtuvieron una gran cantidad de fans que los reconocían gracias a la frescura de sus canciones y la sencillez con la que ejecutaban sus videos…Sí, aquel video en el que aparecían mensajes de celular, emojis y escenas que aparecían en una especie de View Master.

Este año, la banda lanzó su álbum The Water, un disco explosivo, lleno de funk, sintetizadores que le dan alegría y mucha vida a las letras de las canciones. En varias piezas de este álbum predomina la voz de Scarlett, haciendo suaves y delicados coros que le dan un toque pop a la melodía. Los viajes, giras y vivencias que tuvieron en estos últimos meses fueron parte de la creación de este nuevo disco convirtiéndose en materia prima para que se obtuviera un proceso creativo al natural y que siguieran buscando un sonido que los identifique como en sus producciones anteriores.

La música de San Cisco los está llevando a convertirse en una de las bandas del futuro, ya que la armonía de la banda se mantiene despierta

y en ninguno de sus producciones a quedado fuera.

Al platicar con Josh Biondillo, guitarrista de la banda, recordamos la primera visita de San Cisco a la Ciudad de México, cuando formaron parte del Vive Latino 2015. Recuerda la energía del público y lo bien que los trataron los mexicanos.

También comentó sobre la gran diferencia que se percibe entre este nuevo disco The Water y el pasado Gracetown (2015), ya que se desarrollaron en circunstancias diferentes y época distintas.

Por otro lado, menciona lo emocionante que será su visita a la Ciudad de México para presentarse este 1 de septiembre en SALA Corona. “Tenemos mucho interés por México, estamos muy emocionados por regresar. En Internet nos damos cuenta el interés que tienen los fans por la banda. Será muy emocionante regresar a México.”

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