MVN 154 by Revista Marvin

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AÑOS

Haute couture entre hermanas 05-OCT-17

SEPTIEMBRE 2017

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La lucha latina es en blanco y negro 05-OCT-17

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Caliente, sudorosa y fluorescente

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SEPTIEMBRE 2017

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AÑOS

Sentimientos –y tendencias– de una nación 05-OCT-17

DIRECTORIO PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx EDITOR UILI DAMAGE uili@marvin.com.mx COORDINADOR EDITORIAL PABLO PULIDO pablo@marvin.com.mx DIRECTOR DE ARTE HÉCTOR MONTES DE OCA hector@marvin.com.mx DISEÑO GRÁFICO ADRIANA GALLARDO adriana@marvin.com.mx RESPONSABLE DIGITAL ORQUÍDEA VÁZQUEZ orquidea@marvin.com.mx REDACTOR WEB TOÑO QUINTANAR PROJECT TRACKING HOMERO NÚÑEZ homer@marvin.com.mx WEBMASTER ARTURO LEÓN arturo@marvin.com.mx

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Paul Brauns, Aarón Enríquez, Elisa Espinoza, César Flova, David Franco, Feli Gutiérres, Cuauhtémoc García, Diego A. González, Juan Carlos Hidalgo, Vicente Jáuregui, Paloma Lira, Carlos Obregón, Toño Quintanar, Tomasa del Real, Sakre, Guillermo Vargas. CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo J. Flores, Alejandro González Castillo, Jorge Grajales, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla. REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com TORREÓN FERNANDO FERNÁNDEZ hanzeldice@gmail.com IMPRENTA IMPRENTA AJUSCO, S.A. DE C.V. José Ma. Agreda y Sánchez 223, Col. Tránsito, Ciudad de México, 06820, México Teléfono +52 (55) 5132-1100 MVN 154 :: ESPECIAL DE MODA 5

DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx ALIANZAS Y OPERACIÓN MONTSERRAT ASCANIO montserrat@marvin.com.mx EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS aurelio@marvin.com.mx ESTRATEGIA COMERCIAL MAURICIO AYALA mauayala@marvin.com.mx ADMINISTRACIÓN CARLOS ARRIAGA carlos@marvin.com.mx

CONTACTO

DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS

Cozumel #61- PB. Col. Roma Norte CP 06700. México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@marvin.com.mx Suscripciones: suscripcion@marvin.com.mx

MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com

MARVIN

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 154 correspondiente a: SEPTIEMBRE 2017. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2016-011911392500-102. MARVIN es una Marca Registrada.

Contenido

TÚ Y YO

9 EN MEGÁFONO 9 18 INDUSTRIA 18 22 IBEYI. VISIÓN MULTIPLICADA 28 MÚSICA: JAPANESE BREAKFAST. LA SUAVIDAD QUE VIENE DEL ESPACIO 29 DE FONDO: ISABELLA BLOW. OTRA A QUIEN LA VIDA LE QUEDABA CHICA 30 DE FONDO: DETRÁS DE UN GRAN MARGIELA, HAY UNA MAGNÍFICA MEIRENS 32 FESTIVALES: FYF 2017.

LIMITLESS MEN 36 LA VIDA BOHÈME. LA LUCHA ES MANTENER EL SENTIMIENTO 42 MÚSICA: ARCADE FIRE. TODO ES AHORA 43 DE CULTO MÚSICA: JOHNNY JEWEL. LAS BONDADES DE LA MALDAD 44 DE CULTO CINE: TOM FORD. AGUA Y FUEGO TURQUESA 45 DE CULTO ARTE: PHILIP TREACY. EL HOMBRE QUE DEMOSTRÓ QUE LA CABEZA ES MÁS IMPORTANTE QUE EL CUERPO

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NEO PERREO

ESPECIAL DE MODA 5

48 TOMASA DEL REAL. ENTRE EL AMOR Y EL ODIO 54 ¡NO ME LLAMES FLAITE! LIZZ, EN LA ERA DEL NEOPERREO

SEPTIEMBRE 2017

MÉXI.CO 58 RENEE MOOI EL Pilón EL PILÓN 64 I-D MAGAZINE. DETRÁS DE TREINTA AÑOS DE LEGADO EN MODA DE VANGUARDIA.

Editorial

or quinta ocasión, Revista Marvin dedica sus páginas al diseño de modas. Mientras saludamos a algunos íconos de la moda mundial como Tom Ford, Isabella Blow, Jenny Meirens, Philip Treacy y la audaz publicación británica i-D Magazine, pasamos lista con diseñadores mexicanos que están estelarizando las pasarelas más importantes como Ocelote, 1/8Takamura y Paloma Lira, quienes presentan sus colecciones con músicos que emocionados abrazamos en nuestra publicación: Ibeyi, Tomasa del Real, Renee Mooi y La Vida Bohème. Ciertamente nos encontramos en otro momento vibrante para las disciplinas del vestir, nacional o internacionalmente, y la cultura musical latina permea estos territorios, con grandes propuestas y movimientos audaces. Celebra con nosotros la moda y que resuene tu banda sonora en la pasarela de la vida.

Uili Damage @uili

En megáfono Fue en el año de 1998 que la fantástica región de Guanajuato atestiguó el surgimiento de una celebración fílmica la cual, con el paso del tiempo, se transformaría en una de las plataformas más importantes dentro del fenómeno audiovisual a nivel mundial. A lo largo de su historia, el GIFF se ha destacado como un prolífico escaparate artístico a través del cual han sido expuestas miles de obras de inigualable calidad las cuales nos recuerdan que el cine es una disciplina que tiene por objetivo principal conectar al espectador con distintos mundos y realidades que, en primera instancia, podrían parecerle ajenos. El pasado mes de julio se llevó a cabo la edición más reciente de este magistral evento, misma que estuvo engalanada por la presencia del país de Canadá, invitado de honor cuya tradición fílmica siempre se ha caracterizado por sorprender al mundo de la crítica especializada a través de producciones que renuevan constantemente los cánones más arraigados del quehacer cinematográfico. Fue de esta manera que grandes cineastas como David Cronenberg, Bruce McDonald, Zacharias Kunuk, Atom Egoyan, Denys Arcand y Sarah Polley se vieron homenajeados a lo largo de los nueve días de duración del festival mediante la proyección de algunas de sus obras más representativas y/o recientes. Este año también se le dio especial atención a aquellos medios digitales que han significado la llegada de experiencias fílmicas cada vez más envolventes y sugestivas. Claro ejemplo de ello fue la muestra de proyectos en realidad virtual que tuvo lugar durante el festival. Definitivamente, una interesante aproximación hacia un formato el cual ha crecido de forma acelerada y que, en un futuro no muy lejano, podría transformarse en una entrada hacia universos verdaderamente insólitos. Al mismo tiempo, eventos sumamente electrizantes como el concierto de la banda canadiense The Dears en la Alhóndiga de Granaditas, el Rally Universitario y las proyecciones llevadas a cabo en el Panteón Municipal de San Miguel de Allende y en el Panteón de Santa Paula de Guanajuato terminaron por darle al festival una atmósfera verdaderamente lisérgica.

#MarvinCDMX, el GIFF y la fiesta bajo la luna en Guanajuato #MarvinCDMX empacó todas sus cosas, incluyendo tornamesas, para ofrecer una fiesta en donde bailamos hasta que el cuerpo lo permitió. Entre amigos, medios de comunicación, invitados de lujo y agentes de la industria, nos dejamos llevar por el encanto de Guanajuato y lo dimos todo en la pista.

GIFF 2017: 20 AÑOS PRESTÁNDOLE MOVIMIENTO A TUS ENSOÑACIONES TXT:: Toño Quintanar

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Por supuesto, el talento nacional no podía faltar y, entre la variada cantidad de cintas autóctonas proyectadas durante la celebración, destacó la comedia romántica Me Gusta, pero me Asusta, del sinaloense Beto Gómez. Protagonizada por Minnie West y Alejandro Speitzer, este filme narra la historia de Claudia y Brayan: par de jóvenes quienes, a pesar de sus diferencias consustanciales (ella es una chilanga empedernida y el otro un norteño de corazón), dejarán en claro que la atracción amorosa es una potencia de la naturaleza la cual es capaz de vencer cualquier clase de límite. Sin duda alguna, una interesante producción la cual nos invita a reflexionar acerca de los prejuicios geográficos que aún rigen buena parte del panorama cultural de nuestro México contemporáneo. Dos décadas después de su surgimiento, el GIFF se alza como un incuestionable triunfo cultural del que cada guanajuatense merece sentirse plenamente orgulloso.

STEVE MADDEN ESTRENA SELLO DISCOGRÁFICO CON EZI

Pareciera que una marca de zapatos no se toma la música en serio, pero Steve Madden está demostrando que no es su caso. 5Towns Records, es el sello que SM lanza con esquema independiente y base de operaciones en la ciudad de Nueva York, y como sello libre de compromisos arranca con un movimiento audaz y valiente al lanzar a un talento naciente: EZI. De nombre Esther Zynn, la chica empezó a escribir e interpretar canciones desde los once años en obras musicales de su escuela. Aún con esa salida creativa, creció con un profundo sentimiento de ser incomprendida y alejada de las dinámicas de su entorno, por lo que se adentró con mayor intensidad en la actuación y la música como vías de escape. Poco pasó para que EZI iniciara una carrera profesional en ambas ramas del arte. Zynn empezó a aparecer en numerosas campañas de publicidad y películas independientes que estaban exhibiéndose en festivales alrededor del mundo. En seguida logró un papel estelar en la serie The Other Kingdom, de Nickelodeon. A este ritmo, su trayectoria era más que ideal para ser el artista “insignia” con el que debutara el sello 5Towns Records, de Steve Madden. Apenas en marzo, Steve Madden Music fue anfitrión para el primer concierto de EZI, con el cual abrió la presentación de Marian Hill en el Brooklyn’s Music Hall de Williamsburg. Su sencillo debut, “Redemption” es una sentida composición de soul/R&B moderno compuesta por EZI misma, pegajosa y bailable, que además enseña las dotes narrativas de la chica, quien describe sus vivencias personales en el amor y el desamor y su gran valor al admitir sus debilidades, actitud que invita a sus escuchas a adoptar también. Este corte nos da una idea de lo que podremos escuchar en su EP debut, próximo a lanzarse, sin lugar a dudas, acompañado de una línea de calzado especial dedicada a la artista y firmada por la casa Madden.

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En megáfono

La difícil elección de qué ponernos para salir al plan de noche, en realidad, cada vez es más sencilla debido a la cantidad de opciones que tenemos, gracias a perfiles sociales en Tumblr, a los trendsetters en Instagram y toda la cantidad de seres de la fiesta que nos influyen. La cuestión ahora es entender si de la moda de la tendencia en turno realmente nos acomoda. Este “acomodo” va más allá del corte de lo que estemos vistiendo; trasciende al mensaje que pueda comunicar una prenda en tela completamente lisa, las texturas, lentejuelas, bordados o frases disruptivas que últimamente se plasman sobre un infalible de toda la vida: el color negro. Hablar de prendas en negro conecta con esta nueva oleada de gente “pseudo dark” que quiere transmitir un mensaje de oposición pero a su vez preserva lo clásico, sencillo, elegante y hasta cierto misterio que aleja obligadamente al color y deja fuera a los prints de verano y estilos de la temporada en curso. Pero, ¿quién necesita tonalidades cuando la misma fiesta nos regala expresiones multicolor? El color de la noche sale ganando a la par de que nos convertimos en el reflejo de las luces neón, algún láser hipnótico o una bola disco que proyecte la versatilidad de la noche y los ritmos que la misma vida nocturna nos pinta en el camino. En tal caso, más vale que estemos cómodos, para que lo que traigamos puesto nos deje bailar, ser quienes somos y, sobretodo, nos deje sentir seguros de que esa noche, en ese lugar, el que mejor la pase, reinará.

¿NOS VESTIMOS PARA LA FIESTA O LA FIESTA NOS VISTE? TXT:: Carlos Obregón FOT:: Nicole Klinckwort

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En megáfono

Desde el momento en el que escuchamos por primera vez el tema “Autos Cósmicos”, se escondió la idea de qué pasaría cuando llegáramos a la meta y terminara la carrera. Pero María Daniela y Emilio saben perfectamente de la inercia que se iba a generar y así es como lucen al bajarse de su KIA Soul. “Nos quedamos con el tema en la cabeza y el corazón, de las luces neón, la velocidad, lo que representamos en el video y especialmente con KIA. Después de la carrera, este es definitivamente el outfit que utilizaríamos a bordo nuestro #KIAsoulLasser”. PRODUCCIÓN: Styling: Maria Daniela y Emilio Maquillista/Peinado: Xavier González Foto/Iluminación: Ignacio Woolfolk Locación: Monterrey María Daniela Vestido: Zara Botines: “Un fan me las trajo de Japón”. Pulsera: “La compré en la playa, Acapulco”. Gafas obscuras: “Igual de Japón”.

MARÍA DANIELA Y SU SONIDO LASSER Al bajarse de su “Auto Cósmico”

Emilio Parka: Urban Outfitters Pantalón: Vans Calzado: Nike Necklace: Diego Dom Gafas obscuras: Ray Ban

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En megáfono

VERANO URBANO SPRITE BY MARVIN TXT:: Uili Damage FOT:: Daniel Vigenor y Ramón Pineda

“El monstruo”, es como se le llama a la impresionante pista/rampa ambulante para skateboarding que fué el centro de la atención en el evento Verano Urbano Sprite by Marvin, el pasado fin de semana del 19 y 20 de agosto. El Monumento a la Revolución, en el corazón de la CDMX es el recinto que recibió esta celebración para todos los #nacidosparaelverano, en la cual se vivió con mucha emoción una magna competencia de aficionados y profesionales de la patineta, quienes se encontraron con un circuito verdaderamente sorpresivo, un auténtico reto para todos por igual. Por si fuera poco, las características del Monstruo incluyen una plataforma espectacular habilitada como escenario, mismo que, la tarde del sábado, aprovecharon las celelebridades de YouTube: Luisito Rey, Mariano Ruiz y Sebastián Villalobos, webstars #nacidospararefrescar, que estelarizan la campaña actual de Sprite y que causaron una conmoción abrumadora entre los miles de seguidores que abarrotaron el evento. Durante su participación, realizaron divertidas competencias al lado de un número de concursantes -ganadores de una convocatoria previa-, en la cúspide del el Monstruo, para posteriormente disfrutar una pijamada con los celebs. Después del paso de estos YouTubers por el Verano Urbano Sprite by Marvin, cerramos el día con una sabrosísima presentación de BrunOG, DJ de “perreo” acompañado por dos espectaculares bailarinas. La soleada mañana del domingo dio inicio con un DJ set, mano a mano entre Uili Damage y Los Alan Anayas, al tiempo que corrió la final de skaters avanzados, en la que presenciamos trucos excepcionales de una larga lista de leyendas profesionales de este deporte. Una vez concluido el concurso, se abrió la pista a todo público, y una buena cantidad de menores y principiantes no tan pequeños tuvieron la oportunidad de dar sus “primeros pasos” sobre una tabla de skate, con la ayuda y orientación de varios de los expertos presentes, mientras que aquellos con mejor dominio pudieron probar las subidas, bajadas, barandales y demás ángulos y superficies patinables de el Monstruo. Para cerrar con broche de oro, la DJ colombiana-mexicana Rosa Pistola entregó una encendidísima sesión de reguetón que tuvo a toda la plancha del Monumento sacudiendo los cuerpos en regocijo guapachoso. Ya estamos esperando tener más oportunidades de disfrutar del Verano Urbano Sprite by Marvin, pues, ese fin de semana dejó entusiasmados a los asistentes de todas las edades, dejándonos el mensaje de que, con suficientes ganas de refrescarnos, todos podemos ser skaters, youtubers, artistas y todo aquello que alegre nuestro verano con creatividad, frescura y emoción.

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19-20 AGOSTO 2017

EXPLANADA DEL MONUMENTO A LA REVOLUCIÓN

15,000 CON SPRITE PERSONAS SE REFRESCARON

asistentes

3,074 + DE

kilos de TRIPLAY

horas de montaje

patinadores COMPITIENDO

metros CUADRADOS de pista

EN REDES SOCIALES

+ DE

331 10,000

MILLONES DE PERSONAS AL TANTO

horas de evento

5,404

kilos de ACERO

9 MILLONES DE GRACIAS #NacidosParaRefrescaR #NacidosParaElVerano #MARVININVASION

EN COLABORACIÓN CON: TERRITORIOS Taller de Arquitectura S.C.

Industria

Cerca de cumplir una década, Eureka sigue creciendo. Con un equipo de 40 personas, es una de las agencias más solicitadas para potencializar la creatividad de músicos, cineastas y emprendedores, teniendo al Corona Capital, Netflix y Festival Marvin dentro de sus clientes.

EUREKA & CO. TXT:: Vicente Jáuregui FOT:: Eureka & Co.

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Melómano por definición propia, Alfonso Loera es uno de los 4 socios fundadores de Eureka. & Co., una empresa que lleva 9 años impulsando la industria del entretenimiento. Desde su origen, Eureka & Co., nace con la convicción de crear estrategias de comunicación para cada uno de sus clientes, que van desde Google o Netflix hasta el Festival Marvin. Platicamos con “Poncho”, quien nos platicó varias anécdotas de la trayectoria de la compañía fundada para potenciar la creatividad de músicos, cineastas y emprendedores: Ya son casi 10 años de Eureka, una empresa que entre otras cosas, ha estado apoyando la música independiente, cuéntame, ¿cómo te inclinaste por la música? Desde la prepa siempre tuve amigos músicos, pero nunca tuve una banda, la música siempre me ha gustado mucho. ¿Quiénes eran estos amigos músicos? Eran amigos de bandas como Nudo y Los Liquits. La verdad, siempre fui melómano. Lo curioso es que antes estudié veterinaria, pero cuando supe que esa carrera no era “acariciar a los perros”, me cambié a publicidad. Estando ahí un amigo me jaló a Sony Music y me encantó ese trabajo. Entré como A&R, que es donde tu trabajo es firmar (“contratar”) músicos. Mis primeras juntas fueron con el sub sello Termita, que era una iniciativa de Alejandro Marcovich. Mi trabajo era escuchar música; era un sueño para mí estar sentado con Marcovich. Siempre me ha encantado Caifanes, imagínate lo que era para mí estar ahí. No lo podía creer. Además tenía amigos en común con los músicos de Natalia Lafourcade, ese fue mi primer crédito en el trabajo: coordinar ese proyecto. Lo curioso es que en la disquera todo mundo habla de “producto”, yo nunca le dije así a un disco. Yo siempre traté de ser muy respetuoso con la música, porque siempre lo vi como un proyecto de vida. ¿Cómo fue la transición de las disqueras a Eureka? Estando en Sony, me di cuenta de que la música que te gusta la escuchas en casa; de repente, me tocaba llevar proyectos pop. Lo interesante es que después me fui a EMI y fui conociendo a mis socios con quienes fundamos Eureka. ¿Quiénes son ellos? Somos cuatro personas quienes fundamos esta empresa.: Rodrigo García, Marisol Arcelay, Melissa Mochulske y yo. Cuando los conocí, ya me había cambiado a EMI Music, y me tocó vivir la crisis de las disqueras. La carga de trabajo era muy fuerte, lo padre es que tenía un equipo de trabajo muy bueno con Camilo Lara, Erick Neville y Pepe Casanova.

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¿En esa época Pepe arrancó MySpace México no? Exactamente, en ese momento, a Pepe lo invitaron a ser la cabeza de MySpace, y me invitó a participar con una agencia. Todavía no me iba de EMI cuando ya teníamos MySpace; cuando era lo más grande del mundo. Fue nuestra primera chamba con Eureka. Imagínate: nosotros organizamos un secret show con Café Tacvba, cuando ellos ni tenían MySpace (risas), nosotros les abrimos su perfil y organizamos ese show en el Hard Rock. La respuesta fue impresionante, había gente acampando, formados para entrar. ¿Qué aprendiste en este primer trabajo de Eureka con MySpace? Aquí aprendí que la música y la tecnología van de la mano. Comenzamos a llevar cosas de cine con la promotora musical Seitrack, junto con Rodrigo, mi socio; llevamos la cuenta del sello/colectivo Happy Fi de Monterrey con su manager Mopri; nuestra socia Marisol nos abrió las puertas con Google, que es uno de nuestros clientes más antiguos. Hacemos coordinación de prensa, estrategias y difusión para el Corona Capital, Festival Marvin, el Festival Mórbido; recientemente empezamos a trabajar con Netflix. Estuvimos con Sounds From Spain: con ellos hacíamos reuniones de industria y un showcase en el Lunario. También trabajamos un rato con la oficina de México de las guitarras Gibson; Sonidos Urbanos con Máfer Olvera; con Warner Pictures, los Premios Platino, Paramount, Sony Pictures, con marcas de cerveza como Cucapá, y ahora también videojuegos con Riot Games. De entre todas las marcas que llevan ¿cuál ha sido su mejor experiencia en esta década de proyectos? Ya cumplimos nueve años, y en todo este tiempo hemos aprendido mucho. Ahora dividimos a nuestros aliados, socios y clientes en categorías: entretenimiento, consumo y tecnología. Lo que más me divierte es hacer los festivales de la Qué Buena, porque son gente súper agradecida: los gruperos llegan, saludan a todo mundo, cosas que en el pop no pasa tanto (risas). Si los medios les piden grabar saludos de navidad, 14 de febrero, Día de las madres, lo hacen sin ningún problema... Comenzaron 4 personas como fundadores, ¿Cuántos son ahora? En estos años hemos crecido muchísimo, ya somos casi 40 personas. Lo que hemos evitado es todo lo que a mí no me gustaba. Nadie está por honorarios, todo mundo está en nómina; nadie hace horas nalga: si te metes una friega en fin de semana el lunes llegas tarde; tratamos de tener muy contenta a la gente, por eso traigo a mi perro, que decimos que es el “emocional support manager” (risas). A un año de cumplir una década, tenemos más clientes y Eureka sigue creciendo; eso es lo principal.

De la mano, con la sonrisa más grande Nuevos rostros, nuevas ideas, la misma sed por ser originales. Marvin presenta a los soñadores del futuro; la generación que no busca hacer el cambio, sino que sólo quiere libertad para hacer lo que su corazón y mente les dictan. Éste es un espacio para las inquietudes y los deseos sin restricciones o moldes. El futuro tiene más colores que nunca, no anhela otra cosa más que ser feliz y decidir sobre su propio destino. Hoy, los jóvenes tienen la palabra y suenan fuerte. Tú y yo, contra el mundo. Tú y yo hacia el mañana.

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LISA: Gabardina Axis / NAOMI: Vestido Mesh String, Top deportivo Dipolar

En portada

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IBEYI

BY OCELOTE

Fotografía: David Franco Styling: César Flova Maquillaje: Maripili Senderos

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LISA: Gabardina Oversized Extra Chilli, Vestido Leaf / NAOMI: Gabardina Oversized Extra Chilli, Top Dipolar Luchador, Pantalรณn Luchador Laser

En portada

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NAOMI: Jumpsuit Mirror / LISA: Bomber Jacket Rum, Vestido Balde

NAOMI: Mono Milky Way / LISA: Biker Oversized Jupiter

En portada

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Ibeyi Visión multiplicada

Después de dos años vienen con nuevo álbum, ¿Qué tanto han cambiado en este tiempo? Lisa-Kaindé: Nuestro nuevo álbum, Ashes, es nuestra visión del mundo el día de hoy. El primer álbum de Ibeyi era nuestro pasado, la muerte de nuestro padre y nuestra hermana, nuestro duelo. Este álbum es más sobre la transición que hemos tenido desde aquellos días. Notamos que han tenido un cambio, incluso de sonido; ahora es más luminoso. ¿A qué se debe? Naomi: Desde el primer álbum yo le dije a mi hermana que quería que el segundo álbum fuera mucho más hip hop, mucho más uptempo y después de dos años fue lo que hicimos. Lisa-Kaindé: Con dos años de gira, de estar cantando esas canciones y ver al publico reaccionar a esas canciones uno cambia su manera de escribir. Llama la atención las colaboraciones que vienen en el álbum, con gente muy experimentada ¿cómo funcionó trabajar con ellos? Lisa-Kaindé: Siempre es increíble colaborar con otros artistas y no creo que la edad o la experiencia tenga algo que ver con la música; creo que cualquier artista puede enseñar y aprender de el otro y crear algo lindo y que valga la pena. Para nosotros era un gran honor tener a todos esos artistas tan buenos en el disco porque era algo que nosotros queríamos desde siempre. Está por ejemplo La Mala Rodríguez, gente que tiene otras influencias a las que mostraron en su primer álbum.

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Naomi: Nosotros escuchamos mucha música que no es Ibeyi, que no es blues. Escuchamos mucho hip hop, reggaeton y trap. Era natural para nosotros hacer un track más bailable. Lisa-Kaindé: Lo de La Mala fue porque queríamos hacer un track para que la gente baile. El ritmo siempre fue una parte grande de la música de Ibey. Ibeyi es voces y ritmo; no queríamos que fuera la continuación del disco anterior: queríamos un disco un poco más energético. Notamos una mezcla más marcada entre la música tradicional y ritmos más contemporáneos, ¿cómo hacen esa mezcla? Naomi: Se hace naturalmente, no se piensa. Lisa-Kaindé: Siempre lo hicimos, el primer álbum era siempre esta mezcla de cantos Yoruba que son muy religiosos y tradicionales, con música contemporánea, sintetizadores, beats y ritmos porque Noemi y yo somos una mezcla de culturas muy distintas y creo que se nota en nuestra música, pero también somos el resultado de todo lo que nos han transmitido esas culturas y es nuestra manera de traerlo de vuelta. ¿Siendo mujeres, ha sido complicado abrirse un espacio en la industria musical? Naomi: Nosotras tenemos mucha suerte, porque no tenemos ningún problema siendo mujeres en esta industria, pero también sabemos lo que queremos y lo que no queremos y tenemos claro que nunca vamos a ser alguien que no somos, nadie nos va a decir qué hacer. Lisa-Kaindé: Tenemos mucha suerte, pero también hay que ser consiente de lo que pasa en el mundo y de la condición de la mujer dentro de él y por eso hicimos “No Man Is Speaking For Us” que es una canción para darnos autoestima, para saber que sí podemos ser ambiciosas e ir lejos, que no necesitamos a ningún hombre, no necesitas a nadie más que a ti misma. Es muy importante primero amarse a si misma para ir lejos y después hacer lo que te da la gana. También hay que tomar en cuenta que somos dos y eso cambia mucho; no se cómo hubiera sido si trabajara yo sola... creo que no me hubiera gustado hacerlo sola, es muy difícil si no tienes un soporte.

TXT:: Aarón Enríquez

OCELOTE

Foto: Jair Franco

l lenguaje interno de las gemelas LisaKaindé y Naomi Díaz es tan íntimo y al mismo tiempo tan fluido como lo es su música y es probablemente en ese terreno en dónde encuentran el espacio que necesitan para respirar la vida; porque es justamente de ello de lo que hablan sus canciones o tal vez sea que para ellas la vida es la música misma. Como sea, Ashes es el siguiente escalón en su ascenso hacia la búsqueda de este tipo de respuestas e Ibeyi es la casa desde donde emanan los sonidos que contienen todos sus gestos, sus inquietudes, sus cuestionamientos, su sensibilidad y su forma de entender la vida.

ésar Flova es el fundador de Ocelote, una casa de moda en la que lo emocional y lo abstracto conviven para confeccionar tendencias. Su objetivo es cubrir las necesidades básicas del cliente, agregándole un halo de vanguardismo que se percibe en cada silueta y tono. “Lo más increíble de todo esto es que no sé como llegue hasta acá. Definitivamente Ocelote es la una suma de trabajo, de ambición, de ayuda y sobre todo de cariño de clientes, de la industria, del equipo, de los proveedores… Éste es un trabajo en equipo. Ocelete tiene un fundamento basado en la simplicidad, cada que estoy diseñando trato de mantener nuestra filosofía de ser adaptables a muchos distintos cuerpos y estilos de vida. Lo más curioso es que me he dado cuenta que entre más personal me tomo el desarrollo de las colecciones, más conectan con las personas. Detrás de las prendas de Ocelote, hay algo emocional. La nueva colección de Ocelote se llama I’m arte, un juego de palabras entre este sentimiento universal del amor y el arte. La intención es demostrar que cada uno de nosotros somos una pieza única, a pesar de lo particular que pueda ser nuestra visión de las cosas. Yo no estudié diseño, ni moda, por lo que siempre estuve en duda conmigo mismo… Dejemos de tener prejuicios de nosotros, para intentar lo que queremos hacer y logrémoslo”.

Música

JAPANESE BREAKFAST

La suavidad que viene del espacio

Miro mi brazo izquierdo mientras tecleo. Tengo un tatuaje que dice: “Suave como el peligro”. Es el comienzo del poema llamado “Para Antonio”, del libro Last night together (1980), escrito por Leopoldo María Panero, un poeta español que decidió pasar gran parte de sus últimos años en un manicomio por voluntad propia. Pienso en lo mucho que me gusta la palabra “suave” conforme voy escribiendo y dejando correr Soft Sounds From Another Planet, el segundo álbum de Michelle Zauner, quien hace carrera como Japanese Breakfast. A ella también le debe de apasionar esa búsqueda de la sedosidad, de lo acariciante... Porque ahora estamos ante un disco en el que ha buscado la inspiración en el espacio, en esas formas de poesía espacial que pueden venir desde un planeta desconocido. Tal como queda plasmado en “Machinist” –la joya principal del álbum– que puede ser tan contundente a través de líneas precisas y que cuenta la historia de una chica que se enamora de un robot o un ordenador. A estas alturas ya no podría decir si tal clase de relación se trata de un capítulo de ciencia ficción o un asunto realista. Mientras la música es más intensa, el asunto del amor fracturado prosigue. La caja de ritmos es contundente y la voz es filtrada por el autotune. Michelle nació en Corea del sur y creció en Eugene, Oregón, aunque primero hizo carrera desde Filadelfia al frente de la banda de emo Little Big League (entre 2011 y 2014). Decide regresar a casa una vez que su madre fue diagnosticada con cáncer. Quiso pasar tiempo de calidad con la familia, pero aun así encontró la manera de componer en solitario y fue acumulando

material que finalmente apareció tras el deceso. Psychobomb se editó en 2016 y, por supuesto, que refleja rabia y desasosiego. Tenía una energía más rock que exalta la experiencia de quedar en la orfandad y experimentar desde tan cerca una enfermedad terminal. No es difícil imaginar que las noches en el boscoso, poco poblado y tranquilo Oregón favorecen la observación del cielo estrellado. Sin duda un buen punto de partida para la concepción de lo que sería Soft Sounds From Another Planet. Zauner ha dicho que admira profundamente a Deerhunter y los tuvo en cuenta todo el tiempo, pero me quedo con la sensación que todo el proceso de reinvención va sobre la senda de Grimes (vamos, hasta se parecen un poco en el físico). Hoy, Michelle apuesta por una diversidad sonora más que evidente. No cabe duda de que funciona, aunque no faltará quien quisiera una personalidad más definida. Mientras tanto, la chica puede ir del shoegaze a un tema instrumental que rinde un homenaje juguetón a Mike Oldfield: “Here Come the Tubular Bells”. Michelle se planteó extraer de galaxias lejanas la inspiración para replantear el orden existente. Ella comentó que suele crear sus propias comunidades que están conectadas con gente nada ordinaria, muchos de ellos de la comunidad gay o bien personas a las que llama nobinarias. La nave espacial aterrizó y los cosmonautas encontraron en la tierra graves problemas sentimentales.

• TOPS • Frankie Cosmos • Vagabon

TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Ebru Yildiz

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De Fondo

ISABELLA BLOW: OTRA A QUIEN LA VIDA LE QUEDABA CHICA TXT:: Uili Damage FOT:: Miguel Reveriego para Vanity Fair

“Voy a dar un fiestón y después me mato con herbicida... como papá”, habrá pensado en algún momento previo a despedirse de los amigos que inundaban su casa en la víspera de su séptimo intento de suicidio -el que finalmente pasó de intento a hecho-, con la excusa de que iba a salir de compras. SU HERMANA JULIA la encontró intoxicada en el suelo del baño y la apresuró al hospital, donde realmente ya no podían hacer mucho más que dejarla partir, dos días después del “coctel de oro”. Recién le habían detectado cáncer de ovarios y la noticia de que no podría ser madre fue sin duda la razón que le faltaba a su honda y antigua depresión para llevarla a la botella de químicos. Delves Broughton, su padre, se quitó la vida con el mismo método, pero hasta donde se sabe, ciertamente carecía de un anecdotario tan intenso y colorido como el de su hija. Por principio, el currículum de Isabella Delves Broughton incluye haber dirigido las publicaciones Vogue, Tatler y la sección de moda del The Sunday Times; ayudó al lanzamiento de Alexander McQueen, Julian Macdonald y su sombrerista personal, Philip Treacy. Editora de modas, mecenas, consultora, musa, modelo, cazatalentos y lanzatalentos, fue vista de vez en vez en las fiestas exclusivas de Andy Warhol, cuando se entretenía sorprendiendo a alguna otra celebridad, flasheándole su abundante pecho. Pero era por su exquisito y extrovertido sentido del vestir por lo que se le reconoció siempre... Criada en una familia aristócrata, creció en su finca en Doddington, Cheshire, con sus padres, dos hermanas y un hermanito que falleció ahogado en la alberca medio vacía a los dos años de edad. Esta tragedia desembocó en el divorcio de los padres cuando Isabella tenía 14. La helada despedida de mano de su madre inició la batalla de Isabella con la depresión. Al terminar su educación básica en la Heathfield School de Ascot, Surrey, se mudó a Londres con 18 años, atendiendo algunas “chambitas” para subsistir viviendo en una ocupa. En 1979 se mudó a Nueva York para estudiar arte chino antiguo en Columbia, y es ahí cuando se hace amiga de Warhol, Jean-Michael Basquiat y Roy Lichenstein. En 1980, trabajó unos meses para Guy Laroche, pero regresó a la gran manzana a tiempo para ser presentada con Anna Wintour, entonces directora creativa de la Vogue norteamericana, quien la recibió como asistente. En 1981 inició un matrimonio de sólo dos años con Nicholas Taylor. En ’86 regresa a Londres para ser asistente del editor de moda de Tatler, Michael Roberts. A los dos

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años conoce a su segundo esposo Detmar Blow; la boda se celebró en la catedral de Gloucester en 1989, y es aquí cuando su recién encontrado protegido Philip Treacy saltó a la fama, pues no sólo creó el sombrero de la novia, sino el de todos los asistentes, convirtiéndose en “el sombrerero de la realeza europea”. Amigo y confidente de por vida, Philip creó cada pieza con la que se vio a Isabella en adelante, dándole esa identidad inolvidable. “No llevo sombreros como un adorno. Son parte de mí...” afirmó Blow; ella entendía de sombreros: se sentaba encima de ellos, los perdía, dejaba que los masticaran sus perros; ya la habían visto llevándolos y ya venían otros en camino para sorprender aún más. Tres años después de descubrir y lanzar a Treacy, Isabella descubrió, adoptó y apoyó a Alexander McQueen, a quien empezó patrocinando al comprarle toda su colección de graduación de la carrera de moda por £5,000. Cuando McQueen se convirtió en una celebridad mundial y vendió su marca a Gucci Group, Blow recibió otra desilución “histórica”, pues el diseñador la excluyó de los tratos con la firma de ropa, aún cuando ella lo apoyó consistentemente desde su inicio. Isabella salió de Tatler en 1997 para llevar la moda del SundayTimes, pero volvió en 2001 como directora de la sección.

En la película Life Aquatic de Wes Anderson (2004), vemos a Isabella como “Antonia Cook”, con todo su candor en la escena inicial, en la cual Steve Sissou (Bill Murray) pasa a la fiesta de recepción de la película submarina que está mostrando a la comunidad científica. Él la desprecia porque siente que ella no está interesada en su trabajo sino en la celebridad. Ella le da la razón... y lo descalifica de vuelta. Una escena “muy Isabella”. Blow falleció el 7 de mayo de 2007; su funeral se llevó a cabo en donde se había casado 20 años antes; fue enterrada con un vestido rojo y oro brocado, esplendoroso, irónicamente, diseñado por McQueen, quien vistió el cuerpo junto con Philip y Julia. La tendencia suicida de Blow es tremendamente contradictoria, cuando en su trato cotidiano cegaba por su inigualable chispa de vida, gran sentido del humor, su presencia magnética y audaz, plena de comentarios agudos -no soportaba gente que considerara “aburrida” y muchos caían en ese saco de desprecio. Así, la editora nunca desaprovechó la oportunidad de desarmar con su sonrisa fulminantemente encantadora a quien se le cruzara, así portaran cámara o no. Tras la muerte de “Issie” -como era llamada por sus cercanos-, las hermanas organizaron una subasta de sus pertenencias en la prestigiada casa Christie’s, con más de noventa vestidos de McQueen, más de cincuenta sombreros de Treacy y una gran cantidad de retratos tomados por Mario Testino y Karl Lagerfeld, director creativo de Chanel. La subasta “se vino abajo”, pues una amiga muy cercana de Issie compró el lote entero, para “evitar una carnicería a la obra a la que su amiga dedicó lo mejor de su vida”. En septiembre de 2010, apareció un libro con las memorias de Detmar Blow sobre su difunta esposa, de título Blow By Blow. Su estilo era escandaloso e intrépido y nadie como la Blow para lucirlo y lucir envidiable. El carácter de Issie blindaba cualquier ocurrencia: fuera encaje negro transparente de pies a cabeza empezando el día, o una composición “cubista” y estridente en cualquier evento colmado de paparazzis. Para este año se esperaba un documental de sus aventuras con Alexander, presuntamente titulado “The Ripper”, pero sólo se sabe que sigue en proceso, así como otro con Treacy. Mucho se ha escrito de Isabella y se espera más por salir a la luz, pero si hemos de recordarla resumida en una sola imagen, esta deberá ser la de unos labios carnosos pintados de un rojo iridiscente, rellenos de las enormes perlas blancas de su dentadura jovial y coronados por un plumaje que repite los rayones de un tornado.

De Fondo

DETRÁS DE UN GRAN MARGIELA HAY UNA MAGNÍFICA MEIRENS

TXT:: Uili Damage FOT:: Danilo Scarpati

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EL PRIMERO DE JULIO de este año falleció Jenny Meirens en Puglia, Italia, a los 73 años, tras padecer largamente una enfermedad no esclarecida. Se trata de la cofundadora de Maison Martin Margiela y socia creativa y de negocios del diseñador belga Martin Margiela. Meirens fue mecenas de la moda, apasionada defensora, promotora, líder y amiga de la industria. Martin Margiela es un diseñador de moda belga nacido en Lovaina. Graduado de la Royal Academy of Fine Arts de Amberes y contemporáneo – erróneamente incluido dentro– del grupo denominado los “Seis de Amberes”. Tras graduarse en 1980 trabajó por cuenta propia con la marca de abrigos, Bartsons. Entre los años 1984 y 1987 fue asistente de Jean Paul Gaultier, aunque Jenny Meirens, lo ayudó a crear su propia firma llamada Maison Martin Margiela, desde 1983. Ella le ofreció la oportunidad de vender su colección en Crea, su tienda, durante una semana. Crea había abierto a principios de 1983 al público en la plaza de Santa Catalina, en el centro de Bruselas, en un área más conocida por sus mercados de pescado que por la moda. En 1984, Meirens decidió que quería abrir la primera tienda en Bélgica de Comme des Garçons. Recuerda la primera vez que viajó a Tokio para reunirse con Rei Kawakubo, creadora de la marca. “Yo iba vestida de Margiela de arriba a abajo, zapatos incluidos”, dice Jenny. “Ella me miraba y no decía nada hasta que al final le pregunté: ¿Qué piensas de mi ropa? Me gustan tus zapatos, dijo, y encargó un par; volví a mi habitación y llamé a Martin en mitad de la noche. ‘Martin, he vendido un par de tus zapatos a Rei Kawakubo’. En 1997, Martin deja a Gaultier y se convierte en director creativo de la firma Hermés para las colecciones de mujer, por recomendación e influencia de Meirens. Desde su primera colección, Margiela se aleja del lujo convencional y cobra gran

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importancia a lo largo de su carrera, revindicando la moda como una forma de arte y no como una fuente comercial. Esta última convicción hace que Margiela y Meirens se mantengan siempre en el backstage en sus desfiles y que no se tengan fotos de ellos. Desde 2012, Maison Margiela obtuvo y mantiene la denominación Haute Couture (Alta Costura) asignada por la Féderation Française de la Couture. En 2014, el modisto (diseñador) inglés John Galliano fue nombrado director creativo de la Casa Margiela, manteniendo una visión poética de la alta costura, casando conceptualismo, maestría artística, misterio y elegancia moderna. En 2003, Meirens abandona el mundo de la moda por enfermedad, tras vender su parte de Maison Martin Margiela a Renzo Rosso, fundador del grupo Only the Brave (OTB). La rebeldía de la dupla no se limitaba a las líneas de las prendas: las modelos eran gente de la calle o pertenecían a un círculo de amigos ajeno al mundo de la moda, costumbre de hoy que en los años incipientes de MMM era impensable. En cada desfile, la marca rechazaba el requisito preestablecido de responder a un jerárquico plan de asientos, sentando a los compradores y a la prensa como iban llegando; su tercer desfile, en el patio de una escuela en ruinas dentro de un barrio de norafricanos a las afueras de París, se volvió tan escandalosamente ejemplar que provocó crónicas enteras de lo que significó montarlo y volcó a otros diseñadores a buscar maneras alternativas de presentarse. La selección musical que creó Frédéric Sanchez –director musical de MMM, de 1988 a 1998– incluyó fragmentos en vivo de temas de Velvet Underground, Rolling Stones, Meredith Monk, Annette Peacock, canciones raras de Factory Records, solos de batería de un concierto de Buzzcocks, músicos callejeros, un vagabundo cantando “Strangers in the Night”, “Roadrunner” de The Modern Lovers en la versión de Sex Pistols, gritos del público predominando, y todo entrecortado en un extraño collage sonoro. Hacia el final sonaron temas en clavicordio de Rameau y Purcell. En 1993, celebraron simultáneamente dos desfiles, a ambos lados de un cementerio –uno en blanco y el otro en negro–, con invitaciones haciendo juego. En el otoño de 1997, la colección se presentó en tres ubicaciones diferentes de París: las modelos, con pelucas hechas a partir de abrigos de piel de segunda mano, se trasladaron de un lugar a otro subidas en un autobús, acompañadas por la música lúgubre de una banda de metales belga. Cuando por fin llegaron al destino final, la multitud expectante ya venía ebria, tras haber bebido un fuerte vino tinto, servido en los vasos blancos de plástico que se volvieron marca de estos desfiles. Meirens protestaba hasta en la forma de hacer sus invitaciones: puso un anuncio clasificado en un periódico gratuito con la hora, la fecha y la dirección del desfile. Una vez publicado, el equipo de Margiela cazó tantas copias como necesitaron, marcaron el texto con un círculo rojo y lo mandaron por correo. En otra ocasión, compradores y prensa recibieron una tarjeta blanca convencional con un número de teléfono. Al llamar, saltaba la voz

de un contestador telefónico que decía cuándo y dónde se realizaría el desfile. Para aquel desfile del jardín de niños, involucró a los infantes de la colonia y entregó 500 invitaciones dibujadas con crayones. Envió lamparitas de llavero que al encenderse proyectaban la información. Usó platos de cerámica apuntados a mano, telegramas, rompecabezas de plástico y más. Jenny y Martin profesaban un profundo amor y respeto a la moda y las personas, nunca a las instituciones y los protocolos. Meirens supo ver el talento de Margiela para hacer prendas espectaculares de alta costura con recursos austeros o refinados gracias a su técnica magistral, misma que se ve exacerbada en su trabajo en Hermès -marca que ambos despreciaban hasta cierto punto por encontrarla comercial y aburrida. Meirens hacía de todo: desde conseguir fondos, hasta aconsejar a Martin en las pruebas de vestuario. Ella volvía a Bélgica cada fin de semana para pasar tiempo con su pareja en curso y cuidar de sus dos hijos, Sophie y Frank, de cuyo padre se había separado tiempo antes. Cuando Meirens se retiró en 2003, había llevado a Margiela todo lo lejos que pensaba que podía. “Estaba cansada”, dice. Con lo que recibió al vender su parte de la firma se compró una casa al lado del mar en Puglia, un perro llamado Luna y el terreno para la casa en Pajottenland, donde pasó la mayor parte de sus últimos días. Ella es quien estelariza de alguna manera un documental acerca de esta historia que está por lanzar el colectivo Mint Film, de Rotterdam, titulado We Margiela, y acompañado por un libro biográfico; sumándonos a estos documentos/ homenaje y al duelo de la familia, amigos, colaboradores y colegas de Jenny Meirens, dedicamos esta semblanza a su trayectoria, y sus contribuciones al mundo de la moda, con lo que permanecerá no sólo en la historia, sino en la inspiración y los corazones de mucha gente.

Festivales

Royal Headache

Little Dragon

FYF FEST 2017

A pesar de la cruda imagen que Nicolas Winding Refn nos ha dado de Los Angeles, en sus películas tiene algo tiene razón: la ciudad posee un color que te provoca ganas de querer mandar al diablo todo y querer establecerte en su oceano de posibilidades sociales y culturales. El pasado mes de julio, efectivamente dejamos nuestro pasado (al menos por un rato) para atestiguar toda esa locura que sucede en el Exposition Park, Los Ángeles, en donde Missy Elliot, Björk, Nine Inch Nails, Iggy Pop, Angel Olsen, Royal Headache, Thundercat, Arca, TR/ST y un puñado de obsesiones musicales más, nos hicieron sentir que si el mundo se acabara el día de mañana, al menos diríamos que nos la pasamos muy bien.

FOT:: Feli Gutiérres

Nine Inch Nails

Arca

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Iggy Pop

Bjรถrk

Erykah Badu

Angel Olsen

Missy Elliot

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Thundercat

Nada que temer, todo que conquistar Un espacio para quienes se sienten identificados bajo la etiqueta masculina, y que también acepta a quienes gustan o se sienten atraídos por su estética. Exploramos los nuevos cánones del hombre: la próxima filosofía del estilo para caballeros. Looks y creatividad que retan todo concepto del pasado, sin olvidar los clásicos. Una guía para l@s que buscan quiénes y en dónde están sucediendo las nuevas creaciones. Diseños, inspiración, música, cine y cultura para ellos.

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En portada

HENRY D’ARTHENAY / Neohupil Largo color hueso / Camisa Slim Fit Negro Bordado Negro / Pantatalón Negro

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LA VIDA BOHÈME BY 1/8 TAKAMURA

Fotografía: Sakre Styling: Guillermo Vargas Asistente styling: Aarón Barrios

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En portada

DANIEL BRICEÑO (MONO) / Saco Yukat Gris / Camisa Goeritz Gris Bordado Capuchino y negro / Tank Top Café / Pantalón Kurdo

DANIEL DE SOUSA / Jorongo bloque café con blanco / Camisa Slim fit negro bordado negro / Pantalón Negro

En portada

SEBASTIÁN AYALA / Bata Gustavo Vino / Camisa Goeritz Gris Bordado Multicolor / Neohupil Café / Pantalón Beige

La Vida Bohème La Lucha es mantener el sentimiento “Mi lucha más dura ha sido conmigo mismo, vivir lo más cerca posible de lo que pienso”, Pepe Mujica

stas son las poderosas palabras que soltó Pepe Mujica cuando recibió la visita de Eduardo Cabra, quien fungió como productor del más reciente trabajo discográfico de La Vida Bohème. Por ello, no es casualidad que sean éstas las que resuenen en la canción que abre el álbum y que lleva el nombre del mismo: La Lucha. Cuando me encuentro con ellos reconozco unos venezolanos ansiosos por llevar al limite la fricción entre tres cosas fundamentales: Su música, su forma de ser latinoamericanos y ellos mismos. Lo dice muy bien Mujica, pero ¿cuando ustedes se suben al escenario, qué piensan que es La Lucha? Es extraño definirlo porque luchar implica algo de convergencia. De la misma manera en que puedes decir que las cosas te empujan, al mismo tiempo tú las empujas a ellas. Esa fricción es la que crea tu vida en cierta manera. Nosotros tocando en vivo estamos en fricción contra muchas cosas. Lo que está pasando en tarima lo estamos haciendo nosotros, de entrada hay una situación muy cómica, somos nosotros versus las máquinas y luego nosotros contra nosotros mismos. La idea es intentar mantener el sentimiento, porque la verdadera razón por la que nosotros hacemos lo que hacemos es porque pensamos que la música merece ser expresada con sentimiento, no merece ser vacía. La lucha somos nosotros, contra nosotros mismos y contra las máquinas, intentando despertar al que está enfrente. Hay un sentido muy latinoamericano en su música, ¿cómo llevan ustedes esa latinoamericanidad? Es curioso porque nos consideramos latinoamericanos venezolanos. Vivimos mucho este sentimiento a través de las palabras, hemos sido muy afortunados por haber viajado tanto y haber tenido la oportunidad de conocer a otras personas de nuestro continente que crecieron

1/8 TAKAMURA

utilizando otras palabras, que sus chistes se dicen de otras maneras, que los sobrenombres se dicen de otra manera también. En México “sí”, para mi, es “dedo” –mueve su dedo índice de arriba abajo”cosa que nunca había tenido fuera de México, así es que mi latinoamericanidad si le podemos llamar así, tiene que ver mucho con el idioma. ¿Creen que hoy en día hay más que antes esa sensación de hermandad latinoamericana entre bandas, cuando las bandas peleaban más entre ellas? Totalmente, nos ha pasado con bandas como Astro, que ahorita ya no están tocando, pero nos encontrábamos en Nueva York, en México, en Sudamérica y nos caía muy bien vernos. Esa cosa de bandas contra bandas siempre me ha parecido de cangrejos en cubo y creo que cuando existía, si existió, era más por cizaña de la industria. Por ejemplo la pelea de Blur y Oasis fue una gran estrategia de mercadotecnia. ¿Siempre que hay una revolución se mueven muchas cosas y se tiene que partir de cero en algún punto, esto para ustedes podría significar renegar de su pasado? No, jamás. Es imposible desprenderse del pasado y creo que tiene que ver con algo biológico y meto a la comida también aquí porque creo que es la otra forma de ingesta que tenemos que nos liga directamente con la memoria. La música y la comida tienen que ver con la memoria. Nosotros estamos apenas entendemos lo mucho que tiene que ver el sonido y el gusto, con la memoria. Por ejemplo, cuando hueles algo, pruebas algo o escuchas algo reconocido inmediatamente te lleva al lugar en donde lo viviste. Cuando haces música es muy difícil escaparte de la memoria porque la razón por la cual te gustan ciertos sonidos frente a otros tiene que ver con ciertas situaciones que tu viviste. No puedes renegar de ti mismo y uno es también su pasado. Claro que somos otros, pero sin nuestro pasado no podríamos reconocernos.

TXT:: Aarón Enríquez

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l diseñador elegido para vestir a La Vida Bohème fue Guillermo Vargas Ayluardo, director artístico de 1/8 Takamura, quien decidió explotar la esencia de su marca para demostrar que el estilo contemporáneo, fusionado con elementos de culturas ancestrales puede funcionar para representar a cualquier tipo de persona activa y libre, como es el ser humano hoy en día. “Intentamos dar continuidad a nuestro proceso, que es presentar la temporada otoño invierno de nuestra colección y adaptarlo para vestir a una banda de rock. Seleccionamos unos básicos haciendo un estudio sobre el perfil de la banda y afortunadamente estuvieron de acuerdo y fluyó muy bien”. La base fue darle prioridad al confort y la experimentación, sobre una indumentaria contemporánea con algunos toques que resultaran representativos de alguna comunidad o un pueblo. “Elegimos prendas inspiradas por el mundo árabe y unos bordados y tejidos por artesanos de Gualupita Estado de México. Son toques tal vez imperceptibles, o muy sutiles, pero que le dan personalidad a las prendas”.

Música

Todo es ahora. La broma infinita de

ARCADE FIRE

En medio de todo el vértigo con el que se mueve hoy en día el mundo, Arcade Fire se da el tiempo de sacar un álbum que propone reflexionar sobre el efecto que provoca en nosotros vivir en plena revolución digital, la era de la información, de los supuestos bienes que explotamos para darle sentido a nuestras vidas, al tiempo que se burla de ti, todo para que al final del día, terminemos con más preguntas que respuestas. Han creado todo un concepto detrás de Everything Now, que parece rayar entre la línea de la realidad y la ficción… Da la impresión de que solamente están jugando con nuestras mentes. Will Butler: La verdad es que parte de ello ha sido sólo nuestra intención de matar el tiempo hasta que saliera el disco. Pero en general el mundo que creamos alrededor del álbum proviene de Amazon, Google, Walmart, la tienda de la esquina, cadenas de suministro global, negocios locales, bienes lujosos y tiendas libres de impuestos. Entiendo la sátira sobre comercializar la música y volverse un producto, tal y como cantan en “Put Your Money On Me”, ¿va por ahí el asunto? Sí, es eso. Pensamos que sólo por ser una banda de música moderna, o el concepto que se tiene de música moderna, es extraño ligarnos a palabras como comercio o ventas. Pero también pensamos: si tú no estás vendiendo cosas, otra gente lo está haciendo a tu nombre u otra gente está vendiendo cosas tuyas sin tu permiso y terminas un tanto atrapado por la naturaleza del mundo. Esa dualidad entre la sátira y la realidad es lo que confundió al público, sobre todo con lo del código de vestimenta para sus shows… Fue muy gracioso lo que pasó con eso porque gente que quería boletos fue la que recibió ese mail por parte de esta compañía de producción (Everything Now Co.), en el que se les avisaba que tenían que asistir con determinado código de vestimenta.

Era gracioso porque no era gente que fuera a comprar boletos, era gente que podía obtener boletos gratis. De pronto surgieron titulares que no eran del todo precisos con la información, pero era obviamente una historia con la que la gente quiso engancharse. También hay una cosa muy rara pasando con la corrección política, ¿no? La gente se toma demasiado en serio algunas cosas… Si, nos llegaron unas respuestas que decíamos: “¡Wow, tranquilícense!”. Si nadie te hubiera dicho que no puedes usar flip flops, tal vez ni siquiera hubieras tenido una razón para usarlos. Hay mucho más baile en este LP, una transición que se veía desde Reflektor, pero que acá se ve más sólida, ¿crees que en cierta medida el álbum es una oda al baile? Creo que nos hemos vuelto mejores tocando en los últimos diez años, entonces eso ha permitido que logremos experimentar cosas que no habíamos hecho antes. Pero fundamentalmente creo que la banda cree que toda la música es música para bailar. Supongo que la salida de Sarah Neufeld, entre otras cosas, es lo que les ha hecho adquirir esta otra personalidad que hoy vemos, pero creo que incluso Régine canta menos en éste álbum que en otros. Mucho de los cambios que tuvimos tienen que ver con cómo evolucionan las personas y la relación entre ellas a lo largo de los años. La creatividad también evoluciona con el tiempo, probablemente tú tengas una mejor perspectiva que yo, pues estoy dentro de ello y no tengo la visión que puede tener un crítico o un fan… Tal vez lo interesante de la banda es que todas esas visiones pueden existir al mismo tiempo.

• Alex Cameron • Tess Roby • The Radio Dept.

TXT:: Aarón Enríquez FOT:: Guy Aroch

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De Culto Música

ntre brillantina, corazones rotos, autos a toda velocidad, drama y baile, se encuentra Johnny Jewel, un hombre que ha sabido extraer la oscuridad de nuestras almas para mezclarla con glamur y delirios de persecución; un personaje impredecible que se entrega a un oscurantismo en donde hay mucha champaña, sintetizadores y amores no consumados. Oriundo de Texas, Jewel vio a la maldad directo a los ojos, tras ser secuestrado cuando tenía 17 años… y le agradó. Este suceso influyó en su manera de percibir al mundo, definitivamente había algo atractivo en ese mar negro de intenciones que no encajan en el concepto del bien. Así como Nietzsche, Jewel apostó por abrazar el lado negativo y positivo de la vida a través de proyectos que involucraban principalmente la música. Uno de estos productos es Glass Candy, una suerte de cosmología punk que poco a poco se fue edulcorando hasta verse, sentirse y oírse synthpop, junto a su primero amante y luego compañera de viaje, Ida No. Vinieron otros planes, principalmente el involucramiento total con Italians Do It Better, sello fundado por Mike Simonetti para dar salida a toda locura que pudiera explorarse en la pista de baile. Entonces, Jewel comenzaría a utilizar al sello para crear el nuevo sonido de Chromatics y de paso, hacerse de nuevos proyectos, como Desire, además de hacer remixes y producir a otros artistas. Pero el oscurantismo también tiene formas, colores y rostros, y quién más para entender

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esto que Nicolas Winding Refn, con quien Jewel trabajaría en la música de acompañamiento de esa gran oda a la violencia llamada Drive. Pero el gusto se cortó a la mitad cuando la producción cambió de opinión y decidió recurrir a Cliff Martinez para terminar la tarea. Se dice en que no hubo rencores, Jewel editaría la música descartada por su lado bajo el nombre de Symmetry y apoyaría a sus homólogos en futuros proyectos, como fue en el caso de The Neon Demon. Hasta el momento en que este texto se escribe, han pasado más de dos años desde que se anunció la salida de Dear Tommy, el nuevo disco de Chromatics y que hasta hace apenas unos meses (poco antes del estreno de la nueva temporada de Twin Peaks, en la que Johnny aportó gran parte del soundtrack), se reveló que el disco había sido destruido por completo, después de que Jewel experimentó un encuentro cercano con la muerte. La espiral maldita nuevamente intenta succionar su alma, y ha motivado a este individuo de múltiples rostros a empezar desde cero. El perfeccionismo de Jewel no es algo nuevo. De hecho, es una cualidad-defecto que lo ha acompañado desde los inicios. Cuando algo no suena bien o podría ser mejor, simplemente lo desecha para construir un universo desde la primera célula. Así sucedió con los compilados After Dark, con el mencionado Dear Tommy y con Body Work, el esperado segundo disco de Glass Candy que lleva confeccionándose desde hace casi 10 años. ¿Qué tienes en mente, Johnny? ¿Cuándo nos liberarás de esta molesta luz?

JOHNNY JEWEL Las bondades de la maldad

TXT:: Pablo Pulido FOT:: Italians Do It Better

De Culto Cine

TOM N FORD

Agua y fuego turquesa

TXT:: Toño Quintanar FOT:: Tom Ford News

acido en el año de 1961, este inabarcable individuo se ha destacado como una voraz entidad innovadora cuya genialidad se extiende a lo largo de múltiples proyectos y plataformas los cuales tienen como principal punto de encuentro la búsqueda de la pureza estética. Desde una edad muy temprana, el joven Tom se vería cautivado por distintos rubros como son la historia, el modelaje, la arquitectura y el diseño de interiores; sin embargo, una serie de eventos fortuitos pronto lo pondría en contacto con la más grande de su pasiones: la moda. Su flamante terquedad le permitiría abrirse camino de forma paulatina dentro de las esferas más importantes del mundo de la alta costura; siendo su participación como diseñador y director creativo en Gucci –firma la cual sería prácticamente resucitada gracias a su innovadora visión- e Yves Saint Laurent las muestras más intensas de ese perfeccionamiento enfermizo que siempre fue su principal carta de presentación. Los diseños emprendidos por Tom, tanto para sus colecciones como para sus campañas publicitarias, son una quimera imposible la cual conjunta la elegancia más exquisita con una exuberancia que amenaza con abalanzarse sin restricciones sobre la percepción sensible del observador. Definitivamente, una muestra irreductible de los alcances transgresores que la moda es capaz de registrar. Independientemente de los años de grandeza cultivados en el mundo de las pasarelas, el paso del tiempo haría que Ford se viera atraído por nuevas inquietudes que lo llevarían a sumergirse de lleno en un proyecto que, en esta ocasión, se valdría de las posibilidades inagotables del lenguaje audiovisual. Fue en el año del 2009 que saldría a la luz A Single Man, cinta protagonizada por Colin Firth y Julianne Moore a través de la cual Tom no sólo

concretaría un despliegue artístico de inigualable calidez, sino que también le ofrecería al mundo una muy necesaria perspectiva acerca del mundo homosexual y de sus fulgores más elementales. Muy lejos estamos ya de ese jovenzuelo inexperto quien recién despertaba a los albores de su propia identidad en medio de la sensualidad propia de la Studio 54. Dueño de sí mismo, Ford le muestra al mundo entero una faceta más de ese implacable crisol de texturas que mora en el interior de su cabeza, dejando en claro que la inspiración es una materia mutable que puede adaptarse a distintas disciplinas y formatos. Sin ningún afán de perseguir de manera frenética una carrera prolífica en el mundo del Séptimo Arte, el realizador se limita a legarle al mundo una obra única la cual serviría como solitario referente de su talento multidisciplinario. Misma actitud que parece más una contundente declaración de buen gusto que una genuina pretensión intelectual. Una vez más, Ford pone la bala donde posa el ojo y, en eta ocasión, se gana de forma incondicional las alabanzas de una comunidad cinéfila la cual no puede hacer otra cosa más que caer rendida ante su intrigante ópera prima. El paso del tiempo traería consigo ciertas fracturas irreconciliables y Tom llegaría a la elemental conclusión de que la independencia es el camino final para las mentes creadoras de su talla; siendo el surgimiento de su propia firma el síntoma cumbre de dicha noción. El incansable peregrinar estético de Tom Ford sobresale como una muestra perfecta de ese carácter multifacético que es propio de las almas que han sido infectadas por las musas virulentas de la creación; un vestigio innegable de esa facilidad con que la ultra-sensibilidad artística logra conjuntar distintas facetas estilísticas que van desde lo glamuroso hasta lo decididamente evocador.

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De Culto Arte

hilip Treacy, hoy de 50 años, nació en Galaway, Irlanda. A los quince años decidió irse a estudiar moda en el Colegio Nacional de Arte y Diseño de Dublín, donde hizo prácticas con el confeccionista de sombreros, Stephen Jones. En 1988 ganó un lugar en el curso de moda del Royal College of Art de Londres del cual se graduó con honores en 1990. Para poder contar la historia de Treacy es importante mencionar a Isabella Blow, mejor conocida como “Issie”: Durante la época formativa de Philip, Issie era editora de estilo de la publicación Tatler -“La mejor y más antigua publicación del mundo entero”, como se anuncian-, y poco después llegaría a convertirse en directora de moda de Vogue UK. Ella descubrió el talento de Treacy y con el tiempo, llegó a ser su más importante musa. Issie apostó también por el talento de Alexander McQueen en sus inicios. El primer trabajo que Blow le encargó a Treacy fue que diseñara el tocado que ella usaría en su propia boda con Detmar Blow; poco después lo invitó a vivir al sótano de su casa para que montara su taller, y fue así como Issie, no sólo le ayudaría con su carrera de sombrerería: también sería una de las figuras más importantes que modelaría sus prendas. En 1991 Linda Evangelista apareció en la portada de Vogue UK, luciendo el primer diseño de Treacy para la línea de alta costura de Chanel; poco después en ese mismo año obtuvo el reconocimiento de Diseñador de accesorios del año, premio que se otorga en los British Fashion Awards. Todo esto lo logró con sólo 24 años de edad. Para 1993 Treacy comenzaría a colaborar con el afamado diseñador Valentino, con quien presentó sus creaciones en pasarela por primera vez: ni más ni menos que la del London Fashion Week, con top models de la talla de Christy Turlington, Naomi Campbell y Kate Moss.

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Treacy estaba en el lugar donde debía estar, rodeado de las personas correctas y con un futuro tan prometedor que incluso trascendería las pasarelas. Uno de sus sombreros fue elegido por Blow como parte de la selección para el Vestido del año en 1997, junto a un abrigo púrpura diseñado por Deborah Milner con quien Treacy compartía estudio en ese momento. Esto fue suficiente para ser invitado por Alexander McQueen para colaborar en su debut en la Alta Costura para Givenchy. Pero esta mancuerna llegaría mucho más lejos: Treacy también participó con McQueen en “la colección blanca” de Givenchy Haute Couture, colaboró con Karl Lagerfeld en Chanel, con Valentino, así como con Ralph Lauren y Donna Karan. El año 2000 hubo un importante giro en la famosa Chambre Syndicale de la Alta Costura de París. Sería la primera vez que habría un desfile únicamente de sombreros, y sería ni más ni menos que las creaciones de Treacy las que vestirían dicha pasarela. Una importante aportación para la comunidad de la alta costura en todo el mundo. Después de una gran depresión, Isabella Blow se quitó la vida en el 2007. Había sido la inspiración de Philip durante muchos años y esta vez no sería la excepción: en vez de un tributo floral, como es costumbre en todos los funerales, éste decidió coronar el ataúd con un increíble tocado floral del tamaño del ataúd y compartió sombreros y tocados con los asistentes del mismo. La magia de este importante diseñador llegó a las pantallas de todo el mundo con sombreros para películas como Harry Potter y Sex & The City; a shows en vivo de las cantantes más grandes: Lady Gaga, Madonna y Beyoncé. Philip Treacy revolucionó la forma de ver la moda. Así fue como un hombre pudo cambiar nuestras mentes por sombreros.

PHILIP TREACY El hombre que demostró que la cabeza es más importante que el cuerpo

TXT:: Diego A. González FOT:: Vogue1991

Aquí estamos, te guste o no Latinas rule the world. El ritmo candente y la estética atrevida están conquistando otros países. El dancehall, el hip hop y el reggeaton, ahora se encuentran bajo el dominio de las mujeres, quienes tienen mucho qué decir y lo van a hacer con el mejor estilo. Productoras, artistas, diseñadoras y creativas, listas para hacer historia en este episodio de la cultura latina. Aquí no hay conceptos que seguir, más que dejarse llevar por la sangre que corre por nuestras venas.

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Free Riot Poncho de Payâ&#x20AC;&#x2122;s

En portada

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TOMASA DEL REAL Fotografía: Cuauhtémoc García Styling: Tomasa del Real Maquillaje: @roho7 Peinado: @mg0ldx

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Chamarra Home Depot, regalo de Rosa Pistola / Tenis Fila The Cage Red

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Vestido Sapiens / zapatos Bershka / Calcetas Puma / collar Oscura Esencia

En portada

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“L

a reina del Neoperreo”, así le gusta que le digan y que la reconozcan en todos los lugares en los que se va a presentar. No tiene más de 5 años que nació Tomasa del Real artísticamente, pero hoy cada que Valeria Cisternas (su nombre real) pisa la pista de baile de cualquier club, la cosa se pone caliente, aceitosa, sudorosa y hay perreo del nuevo. Si le preguntan, no sabe exactamente qué es; sólo recuerda que fue la forma en que lo describieron en una entrevista que hizo para la Red Bull Academy en Nueva York y es un término que se ha quedado para describir a la familia que la sigue en las fiestas en las que se presenta. El baile, la música, el ser tú mismo, perrear sin tapujos y la mezcla de reggaetón con otros ritmos latinos que se ensucian con bajos oscuros, es lo que aglomera a sus seguidores en cualquier cuarto chorreante de sudor, ron con Four Loko y otras sustancias, en los que ella aparece los fines de semana. Tomasa sabe que viene del amor y del odio, cosas que le encantan porque no le avergüenza ser lo que es, su piel morena, su aspecto rudo, su cuerpo exuberante y la cadencia que tiene al perrear, le forman una especie de nueva identidad latinoamericana, desfachatada y orgullosa; los estereotipos que la han intentado encasillar durante toda su vida son los mismos que hoy la empoderan. Hoy te grita a la cara que le gusta el reggaetón, que viene de Iquique y que no le importa si a ti tus complejos no te permiten perrear a gusto. Ella está llena de amor por su música y por el proyecto que ha creado alrededor de ella. A la pregunta “¿qué tiene que decir Tomasa del Real hoy?”, contesta con descaro: “Que tengo sueño, pero que me gusta hacer lo que hago y que me encanta el dinero”... está claro que no hemos venido a profundizar. ¿Recuerdas de dónde viene tu gusto por el reggaetón? Yo soy del norte de Chile, de Iquique, una ciudad playera en donde hay muchos autos tuneados y esa movida. El reggaetón siempre estuvo presente en mi vida, la verdad nunca me lo cuestioné, no decidí que me gustara o algo así, fue algo muy natural porque siempre estuvimos cruzados. ¿Una cosa es que te guste el reggaetón y otra que empieces a hacerlo, qué te llevó a querer hacer música?

La motivación para hacer música fue el aburrimiento de estar en una vida normal, yo tengo una tienda de tatuajes, pero me cuesta trabajo estar tanto tiempo quieta. Con la tienda empecé a tener mucho tiempo libre, entonces empecé a hacer música, nomás de aburrida. No decidí hacerlo, sino que el aburrimiento te hace crear cosas. Yo tuve suerte porque hice algo que a la gente le gustó. El aburrimiento hace que todos vomiten cosas hermosas.

Tomasa del Real

Entre el amor y el odio

¿Podrías explicar tu propio concepto de Neoperreo? Yo salgo al escenario como un exponente del reggaetón, pero lo que hago no es tan reggaetón, es más bien una especie de nuevo estilo de música para bailar, que sí está inspirado en el ritmo, pero también en otros, que finalmente son para perrear. De ahí salió el término, porque es un nuevo estilo de música bailable que se puede perrear. La intención es que en una fiesta pongan la música y la gente lo perree, no que lo escuche y lo piense. Es compartir el sentimiento. Estamos hablando de un perreo totalmente diferente al de los exponentes que quizá venían de Puerto Rico y otros países. Hoy gente como yo, que soy un lugar muy equis del mundo, consumimos toda esta música y al crear la nuestra surgió algo inspirado en eso, en la música latina, pero totalmente deformado a gusto de cada artista. Deformamos todo hasta llegar a lo que tenemos hoy. Creo que eso está chido. ¿Qué les dirías a los detractores del género? Está bien que haya detractores porque todo el mundo tiene derecho a opinar lo que quiera, sea bueno o malo, porque eso quiere decir que todavía somos libres. Creo que en el futuro todo va a esta súper censurado, súper politizado, se van a permitir menos cosas y creo que al menos hoy, los latinos tenemos la libertad de ser unos imbéciles si queremos y está legal. Eso me encanta. Hay muchas cosas que tenemos derecho a hacer, como tirarle mierda a otro y está tranqui. Yo creo que está bien, si alguien me tira mierda a mí está bien, porque yo le tiro mierda a otras cosas, tenemos derecho a lo mismo, a amar y a odiar, somos humanos, no somos ángeles o algo así. ¿Sí te fueras hoy qué le dejarías al mundo? Que fui la primera mujer que hizo música rara y se hizo millonaria e hizo un feat. con Shakira y J. Balvin.

TXT:: Aarón Enríquez

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DJ Lizz: Conjunto Kappa, top diseĂąando por DJ Lizz, tenis Fila The Cage Navy / Overall regalo del cantante de Trap Jamez Manuel, Top diseĂąado por Tomasa del Real, tenis Fila F-13 White

as fiestas que hacía Elisa Espinoza, aka Dj Lizz, desde 2012, estaban llenas de black music, mezclas de reggaetón con trap, moombahton, dancehall, hardcore bass; con bases latinas muy marcadas, pero con influencia de ritmos de otros lugares del mundo. A ellas asistía gente de todo tipo con la única intención de perrear salvajemente. El movimiento que se generó alrededor de ello en Chile comenzaba a penas a gestarse y nadie tenía idea de cómo llamarle, aunque ya se notaba cierta estética en común y sobre todo una pasión compartida por la música; música para chicos raros, underground futurista y otros sobre nombres, eran los que usaban algunos blogs para describir lo que estaba sucediendo, hasta que llegó el término Neoperreo, que es como hoy se conoce al movimiento que de alguna manera fundaron Tomasa del Real y Lizz, y que hoy ha trascendido las fronteras chilenas para volverse en un fenómeno masivo que llama la atención en varias partes del mundo. ¿En qué momento se encuentran Tomasa y tú dentro de todo ese movimiento? A medida que esto fue creciendo empezó a haber fiestas muy masivas en Santiago; en ese entonces la única a fiesta de reggaetón y de trap era la que hacía yo. El movimiento se empezó a esparcir, la gente empezó a vestirse de cierta forma para ir a las fiestas, se empezó a generar cierta estética en sus redes sociales, en su entorno. Entre todo esto aparece Tomasa con la misma propuesta, entre comillas visionaria, que también estaba haciendo yo, digo entre comillas porque en ese momento todavía nadie esperaba que fuese algo que iba a reventar en el momento. La invité a tocar a un evento en 2015 o 2016, nos conocimos, súper buena onda, nos aliamos, empezamos a hacer las fiestas juntas y de ahí nació el neoperreo. ¿El día de hoy qué podrías decir que es el neoperreo? Es una crew que no incluye a alguien en específico, sino a todos aquellos que pertenecen a la era millennial, hijos criados por el internet, que forman parte de lo que son nuestras raíces, pero que también tienen influencia de fuera. Chile es un país súper capitalista que no tiene identidad cultural, copiamos cosas tanto de Europa como de Estados Unidos. Somos como una especie de mounstrito creativo que viene de eso, de un crisol multicultural.

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¿Qué le dirías a la gente que aún siente recelo por el reggaetón? Que el reggaetón no tiene que ser ordinario, o como decimos en Chile flaite, esa idea me parece estúpida. Nosotros no queremos imponer un pensamiento, simplemente es pasarlo bien y si alguien quiere buscarle la ciencia, pues que pierda el tiempo, que se la busque mientras la gente está bailando. Si alguien dice: “yo no quiero ir a esa fiesta como de chorreo, en la que todos se suben arriba de la mesa y se cuelgan de las paredes”, está bien, el que quiera ir que vaya y el que no que se quede en su casa aburrido. Nosotros invitamos a la gente a que sea libre y que no se pongan ningún estereotipo en la frente, ni una regla, porque no existen, uno mismo se pone límites.

¡No me llames

flaite!

Lizz, en era del neoperreo

¿Qué necesita alguien para adoptar la filosofía del neoperreo? No tener vergüenza de nada, ahora todos somos libres de elegir quién queremos ser, desde cuestiones de género, identidad y todo. Debe ser una persona segura de sí misma, que le encante la expresión en un nivel estético, de movimiento, de conversar, abierta a todo, a la música nueva, al dembow, reggaetón, trap, bass, dancehall, música electrónica, down tempo. Que pueda de repente reconocer un remix de Rakata, y decir: ¡ah, esa canción la conozco, pero está en un beat súper extraño! Gente abierta que no vaya a criticar, ni a mirar con curiosidad, sino simplemente que se tire a la piscina proclamándose como hijo de estas nuevas generaciones en dónde todo se mezcla y se desarma y se vuelve a armar y se construye algo raro. ¿Qué te gustaría dejar como legado en este mundo? Un cómic, me gusta dibujar, es mi lado b. Haría un cómic de las cien cosas más tristes que te pueden pasar viviendo en Chile, siendo millennial; haber sido criado en los noventa, pero después encontrarte con todo este choque tecnológico; siendo mujer y viviendo esta vida loca de lo que es ser artista y músico. Todos sabemos que vivir es difícil pero me gustaría mostrarlo desde un punto de vista más personal y decir: “en verdad piénsenlo dos veces porque creo que estar en una oficina trabajando frente a una computadora es mucho más entretenido que hacer esto a cada rato”.

TXT:: Aarón Enríquez

Sentimientos (creativos) de una nación México es el país en el que pasa de TODO, principalmente en la inspiración. Marvin presenta a los mejores nuevos creadores y tendencias nacionales, cuya perspectiva ha rebasado límites artísticos y geográficos. Hace tiempo que dejaron de ser promesas para ser hoy voceros de la ilimitada imaginación mexicana y que apuntan para conquistar escenarios a nivel internacional. El cosmos de este país es indescriptible, y la única manera de experimentarlo es a través de sus obras, tan abrumadoras, tan enigmáticas.

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Jumpsuit Gold Dust

En portada

RENEE MOOI BY PALOMA LIRA

FotografĂa: Paul Brauns Styling: Paloma Lira Maquillaje y peinado: Daniella Morbid

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Vestido Breathless

En portada

Shorts Janis / Capa Evelyne

Falda Ashes - Bomber All Tomorrowâ&#x20AC;&#x2122;s Parties

En portada

Renee Mooi Encontrando la feminidad y poniéndole flores

enee Mooi tiene una trayectoria escénica llena de matices, pero su notoriedad está tomando un impacto importante a raíz de sus presentaciones en #FestivalMarvinCDMX y como acto abridor con Garbage, este año... Empezó a trabajar y a vivir de las artes escénicas a los 16 años, primero como corista y haciendo música para artistas pop, para telenovelas y más. Dejó la preparatoria para estudiar música. Entre los 17 y 18 años grabó un proyecto pop dance: era pop star en Rumania… “Ese proyecto nunca lo traje aquí porque me daba mucha pena, estaba muy plástico, no tenía opinión de nada, me decían qué ponerme, qué cantar, qué decir, todo estaba muy controlado, era una disquera grande. Hice shows para 20,000 personas, duré hasta los 25 años, me daba pena, no lo sentía mío, no lo sentía auténtico, los bailarines no bailaban bien. Comencé a crear Mooi por la necesidad de lo opuesto, encontrar algo honesto, algo oscuro de lo que me fuera a enamorar”. Partició en un cortometraje de Geremy, quien tiene un colectivo en Nueva York llamado Legs Media: hacen videos para Björk, Atoms For Peace, Florence and The Machine; vino hacer un proyecto a México y Renee fué recomendada con él. Necesitaba alguien para interpretar una mujer barbuda que tenía que cantar “I Put A Spell On You”. “Me pusieron la barba, entré al set y vi a Harvey Keitel y David Beckham, que eran los actores principales; me tocó cantarle a David Beckham y fuera de escena me tocó darle un beso a Harvey... no se por qué, él tenía el sueño de darle un beso a una mujer con barba. Este papel me abrió muchas puertas aquí y fuera del país. Estuve en otra película llamada Más Negro que la Noche, en el soundtrack y en el video promocional. Este año lo ha dedicado a trabajar con su álbum Beetle, con presentaciones cada semana: en él, Mooi, la banda actual interpreta una mezcla sólida de rock, dream pop, jazz y electrónica experimental. A la par, Renee trabaja dando vida a Mooi Collective, un espacio multidisciplinario, relacionado íntimamente con la música, pero donde tienen cabida la plástica, multimedia, las actividades escénicas y hasta gastronómicas. ¿Cuanto tiempo estuviste trabajando en el material musical que estás publicando ahorita? Cuatro años y medio. De esos, ¿hay alguna parte que está dedicada específicamente a la imagen que va con este esfuerzo?

La verdad no. Fui descubriendo todo sobre la marcha. También fui cambiando, fui descubriendo, fue cambiando mi cuerpo, fui aprendiendo a arriesgarme; yo creo que hasta ahorita es cuando me siento más a gusto en cuanto a la imagen que estoy proyectando aunque sigo en búsqueda. Lo que estás presentando visualmente, parte directamente de la música... ¿De dónde te agarras, cuáles son tus referencias? Siempre tuve la idea de tener alguna referencia mexicana, pero nunca supe cómo implementarla; justo ahora estoy empezando a descubrirlo y trabajar con Paloma es increíble por eso, por que tiene esa iniciativa. Mi música tiene mucha relación con los insectos y la obscuridad, entonces, cualquier cosa que me haya probado, va hacia esa atmósfera. Cuando me arriesgo a ponerme cosas con más color me acerca más a mi feminidad, que es algo que me ha costado mucho trabajo integrar. El sonido de Mooi recuerda momentos de Yea Yea Yeahs, Garbage, Massive Attack. ¿Tú encuentras similitudes de eso con lo tuyo, pensando más en la imagen? Hay cosas muy interesantes en todos esos proyectos; lo que más me atrae es la idea de integrar una sexualidad padre; me lleva a intentar perder el miedo a mi sexualidad y poder exponerla de una manera al mismo tiempo elegante y arriesgada, refinada pero tampoco extravagante. Trato de que sea cómodo y funcional, pero un atractivo fotográfico, para lo que sin duda tomo inconscientemente de todos los proyectos que menciones y de muchos otros más. Después de septiembre, ¿qué viene con Renee Mooi? Un sencillo y un video nuevo con Sandrushka Petrova de Descartes a Kant, para dar seguimiento al que acabamos de estrenar con Marvin -en ese me tardé un año y medio; terminándolo me puse a trabajar en el que viene-. Para el clip nuevo pasó la misma historia que para “Libélula”, que, descubrí en YouTube a un científico de Alemania que estaba haciendo videos con microscopio electrónico de insectos. En este siguiente video, llegué hasta otra persona increíble, muy reconocida internacionalmente, pero no quiero revelar la sorpresa aún... la contacté y ahora viene este clip con esa persona y con Sandrushka. Viene también nuestra participación en Circuito Indio, con Troker. Todo se puede encontrar en www.reneemooi.com y ahí mismo está nuestro contacto para recibir a todo tipo de proyectos independientes de arte en Mooi Collective.

TXT:: Uili Damage

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PALOMA LIRA

readora de 29 años, inició la marca hace seis; antes estudió diseño de modas en Casa de Francia; al término viajó a París para realizar sus prácticas en la prestigiosa casa Emanuel Ungaro por tres meses, para volver al país a satisfacer sus inquietudes haciendo vestuario para cine: primero en algunos cortos independientes, después en producciones más importantes. De ahí, Lira salta al diseño de modas trabajando con Alexia Ulibarri, y al ver que el diseño mexicano ofrecía posibilidades reales decide lanzar su propia marca. Entre sus favoritos del diseño se encuentran las firmas Yves Saint Laurent, Marc Jacobs y el trabajo de Alessandro Michele, este último director creativo actual de Gucci, de quien asoma el uso de patrones de flores en la colección actual de Paloma, “The Dreamers”. “Está inspirada en la película de ese nombre de Bernardo Bertolucci. Toda la colección es muy colorida; lo que yo quiero es que mi ropa se use en las calles, no como las cosas más extravagantes que ves en la pasarela. Me gusta la intención de Haute Couture, pero trato de traerlo al Prêt-à-porter, para que puedas vestirlo”. Puedes encontrar la colección “The Dreamers” en el sitio www.palomalira.com

Arte

RENÉ CARLOS

Todas nuestras formas

Artista visual con especialidad en fotografía, nacido en la Ciudad de México y egresado por la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México y la Academia de San Carlos. Actualmente transita en la disciplina de la fotografía con una propuesta plástica, la cual apela a los límites entre lo figurativo y la abstracto. Hoy día aborda la moda y diferentes aspectos de la misma como objeto de creación para su producción plástica. Ha llevado a cabo parte de su trabajo en talleres dirigidos por artistas como José Miguel González Casanova, Patricia Soriano, Luis Argudín, Víctor Monroy de la Rosa –entre otros–, quienes han sido parte fundamental en su formación como artista, pues le han encaminado a distintas reflexiones sobre los modos de generar y resolver sus propuestas; dando forma a sus pensamientos, cuestionando constantemente las variantes y posibles soluciones que nos ofrece la plástica y lo visual, elementos importantes en nuestro acontecer. Ha participado en exposiciones colectivas en lugares como Centro Cultural Venustiano Carranza, S.T.C.M. Coplico, La Galería Autónoma, entre otros. Instagram: @renecarlo_1

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El pilón

I-D MAGAZINE

Detrás de treinta años de legado en moda de vanguardia En 1980 nació en Inglaterra el primer número de la revista i-D. Desde ese momento, se ha mantenido en los puestos de revistas, bajo la guía celosa de su creador, el diseñador y ex director de arte de Vogue, Terry Jones. TXT:: Uili Damage FOT:: i-D Magazine

JONES HA CONSTRUIDO la reputación de la revista como una fuente constante de inspiración en la cultura de la moda desde los años dorados del punk y con la tenaz visión de “originar, no imitar”, misma que continúa, igual en los números impresos actuales que en su presencia digital. En i-D se han presentado por tres, casi cuatro décadas, a íconos de la moda, música, arte, cine, clubes, y muchos otros campos creativos, y en su momento ha presentado por primera vez al mundo a los talentos nacientes de Madonna, Kate Moss, Naomi Campbell, Tom Ford o auténticas leyendas y pilares de la moda como Grace Coddington o Karl Lagerfeld. Muchos fotógrafos han saltado de estas páginas a la consagración; otros han validado la gran reputación de la revista con su trayectoria y nombre, como David Lachapelle, Terry Richardson y Ellen von Unwerth. Pero apuntando a sus portadas, el catálogo de i-D es una colección de súper modelos,

músicos, diseñadores, artistas de cine y en resumen, súper celebridades. La primera edición fue publicada con un formato de fanzine horizontal, con textos escritos en máquina de escribir. A través de los años, la revista evolucionó manteniendo un estilo espectacular e influyente en cada número, por decir lo menos. i-D es conocida por usar fotografías y tipografías innovadoras, ganando la reputación de “zona de entrenamiento” para nuevos talentos. En el terreno de la gráfica, uno de los más brillantes aciertos ha sido su propio logotipo: el “guiño i-D” aprovechando esta representación gráfica o emoticono (emoticón), se ha buscado que desde el número 4, cada portada de la publicación muestre al sujeto fotografiado (y en los casos que aplica, también el ilustrado) guiñando. En 1984, Tony Elliott de Time Out se asoció como editor con un 51% de las acciones de la compañía. Aunque se quedó como editor en jefe y director creativo, Jones estuvo involucrado en otros proyectos comerciales. En 2004, él y su esposa Tricia, absorbieron el control total de i-D hasta 2012, año en que fue adquirida por Vice Media. A partir de este momento, la revista llevó su visión de la moda al formato “documental de moda”, un estilo bautizado The Straight Up, el cual obligaba a los fotógrafos y escritores a mostrar historias “tal

como son”; primero capturando de pies a cabeza el gusto espontáneo de la gente “común” en la calle – enfocándose en la juventud punk y new waver, a quienes se les pedía posar únicamente recargándose en una pared o cualquier fondo donde los encontraran–. Estas imágenes “casuales” se convirtieron en un documento fotográfico vívido que reflejó el momento de tal manera que llegó a convertirse en un estándar de fotografía y moda. A partir de su 20 aniversario en 2001, se han presentado importantes exposiciones de arte relacionado en diversas ciudades tales como Londres, Milán, París, Nueva York, Buenos Aires, Ciudad de México, Santiago de Chile, Caracas, Moscú, Tokio y Beijing. i-D Magazine es, hoy por hoy, la publicación impresa y digital especializada en moda, con más años siendo audaz, propositiva, experimental, visionaria y vigente, apenas un escalón por debajo del poderosísimo músculo de los titanes Vogue y Tatler.

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El pilรณn

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