MVN 166

05-DIC-18

166 MULTI MULTI

SUPERORGANISM SUPERORGANISM

Desde el Corona Capital: La era del Internet nos ha regalado de todo…

DIRECTORIO

PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com

EDITOR UILI DAMAGE uili@marvin.com.mx

PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx

DIRECTOR DE ARTE HÉCTOR MONTES DE OCA hector@marvin.com.mx

PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com

DISEÑO GRÁFICO ADRIANA GALLARDO adriana@marvin.com.mx

IMPRENTA IMPRENTA AJUSCO, S.A. DE C.V. José Ma. Agreda y Sánchez 223, Col. Tránsito, Ciudad de México, 06820, México Teléfono +52 (55) 5132-1100

EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx RESPONSABLE DIGITAL ITZEL ROJAS itzel@marvin.com.mx

05-DIC-18

166

S U P E R O R G A N I S M : : M U LT I

DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx

MVN 166 :: MULTI

166

PROJECT TRACKING ISRAEL ARIAS israel@marvin.com.mx

MULTI MULTI

VENTAS ÓSCAR PADILLA oscar@marvin.com.mx ALFREDO CALDERÓN ALIANZAS Y OPERACIÓN MONTSERRAT ASCANIO montserrat@marvin.com.mx ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS aurelio@marvin.com.mx

SUPERORGANISM SUPERORGANISM

Desde el Corona Capital: La era del Internet nos ha regalado de todo…

Portada_MVN_166.indd 1

ADMINISTRACIÓN JESSICA FRAGOSO jessica@marvin.com.mx DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com COLABORAN EN ESTE NÚMERO Rubén Gil, Toño Quintanar, Vicente Jáuregui, Alejandro Mancilla, Walter Schmidt, Sergio Benítez, Jorge "negro" Hipólito, Israel Arias, Arturo R. Jiménez, Jaime Acosta, Jua Carlos Hidalgo y Esteban Hernández.

10/26/18 3:52 PM

CONTACTO

Cozumel #61- PB. Col. Roma Norte CP 06700.

México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@marvin.com.mx Suscripciones: suscripcion@marvin.com.mx

MARVIN

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 166 correspondiente a: NOVIEMBRE 2018. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores.

Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2016-011911392500-102. MARVIN es una Marca Registrada.

MVN :: 166

MULTI

NOVIEMBRE 2018

En portada 38 SUPERORGANISM. La era del internet nos ha regalado todo

Música

Cine

Literatura

Cómic

El Pilón

6 ESTILO 8 TECNOLOGÍA 10 EN MEGÁFONO. Noticias frescas 18 STAND-UP. Benjamín Pérez 18 INDUSTRIA: ONErpm. ¿La evolución de las discográficas?

20 DIVISIÓN MINÚSCULA. Teníamos sangre en las uñas 22 SNAIL MAIL. Juventud inquieta 24 FERMÍN IV. Dios no me salvó de Control Machete 26 TRENDING TROPICS. Tendencias sonoras de un futuro pasado 28 BAD SOUNDS. Básicamente grabamos un buen demo 30 GUS DAPPERTON. La colorimetría de la vida 32 SPARKS. Más moderno que cualquier moderno 34 DEATH CAB FOR CUTIE. La fiebre del oro 46 DE CULTO: Thought Gang: Un pollo decapitado corriendo 48 DE CULTO: Johnny después de Rotten 58 MID 90'S: El sentido está en las formas 54 Las mentiras sobre The Cure 62 Jarris Margalli y Los Otros Dioses Ocultos 6O DANIEL JOHNSTON Y JEAN MICHEL BASQUIAT. Cómic y figura 62 Cómic del mes: CATALINA BU 64 LA PRÓXIMA REVOLUCIÓN MUNDIAL SERÁ DE LOS MIGRANTES

Editorial

S

Uili Damage @uili

e termina el año. Se termina el sexenio. A cada momento aparecen más expresiones artísticas sumándose a las que ya amamos, a las que no nos gustan, a las que ignoramos conscientemente y a las que simplemente no han cruzado nuestro camino… ¿Qué hacemos con todo esto?

En el caso de Marvin, seguimos intentando filtrar en lo posible lo más interesante, propositivo, con gran potencial para trascender por su calidad y/u originalidad abarcando hasta donde nos permitan estas páginas.

Y por como se han dado las cosas este año agonizante, también seguimos haciendo un esfuerzo especialmente grande por ser lo más objetivos para elegir de entre esta oferta abrumadora a los talentos más emblemáticos que recomendamos.

Aprovechando esta “Isla de Jauja” cultural, iniciamos también un proceso de renovación que irás descubriendo mes con mes como un auténtico reporte de nuestras exploraciones en la cultura, debidamente investigado, analizado, calificado y presentado para refrendarnos como tu referencia obligada.

Ya dice la frase de Pompeyo, según Plutarco, misma que se explica sola: Navigare necesse est.

“La puerta siempre abierta, la luz siempre encendida”

Uili Damage @uili

Estilo

ORIGINAL PENGUIN MÉXICO Presenta: Original Characters Original Penguin México celebra y comparte la originalidad, presentando a dos talentos emergentes de la escena musical: Fer Casillas y Jona Camacho, como los más recientes embajadores de esta marca reconocida, a través de su programa Original Characters. Cada uno plasma su estilo e individualidad, dando como resultado una combinación perfecta entre música y estilo. Como parte de esta campaña, Original Penguin se unió al lanzamiento de su sencillo “Más”, una propuesta musical que conjuga perfectamente con la sutileza y groove del dúo. Fer Casillas, es originaria de Monterrey, Nuevo León, y radica en la Ciudad de México. La cantautora fusiona el synth pop de los ochenta con el soul y crea una mezcla balanceada llena de ritmos bailables con un peso robusto en las canciones con sentimiento negro. Presente en la escena musical independiente desde hace 6 años, Fer empezó su carrera con el dueto de folk llamado Las Delailas, proyecto que la llevó a presentarse en escenarios como el Auditorio Nacional, la Arena Monterrrey, el Auditorio Banamex y el Festival Internacional SXSW 2015 y 2016 en Austin, Texas. Por su parte, Jona Camacho es un productor, cantautor y multi instrumentista, quien se ha convertido en una de las grandes promesas dentro de la nueva música urbana en Colombia y Latinoamérica, con influencias que van desde la música clásica hasta el R&B, el trap y el synthpop. Con temas como “Bla Bla Bla”, “Crush” o “Darte Más” de su tercera producción Sincopado, Vol 2, Jona se ha posicionado sólidamente, llamando fuertemente la atención de la escena emergente en Latinoamérica.

6

MVN-166

REVISTA • WEB • FESTIVAL • EDITORIAL

17 AÑOS

DE REINVENCIÓN EDITORIAL

WWW.MARVIN.COM.MX • #MARVINCDMX MÚSICA • CINE • ARTE

Estilo Tecnología

Casio hace upgrade al clásico

G-SHOCK

Lanzado en 1983, el G-Shock de Casio se ha convertido en un reloj clásico pero ahora la compañía ha lanzado una actualización que integra funciones con Bluetooth para enlazarlo a tu teléfono mediante una aplicación y que puedas modificar la alarma, personalizar recordatorios o programar timers.

TREBLAB

y sus audífonos noisecancelling

GOOGLE PRESENTA

Cuando hablamos de audífonos con cancelación de ruido, regularmente el precio sobrepasa los cinco mil pesos mexicanos, pero TREBLAB rompe con esta norma pues por menos de tres mil MXN, presenta su modelo Z2 que además de ser inalámbricos, cuentan con cancelación de ruido activa y la batería dura hasta treinta y cinco horas, un gran competidor en el segmento de audífonos premium.

PIXEL 3 Al fin, después de semanas de rumores y filtraciones de información, Google presentó de manera oficial la tercera generación del Google Pixel: el teléfono sigue apostando por una sola cámara y es que hasta a principios de este año el Pixel 2 fue considerado el teléfono con mejor cámara en el mercado, superando al iPhone X. Ahora el Pixel 3 tiene una cámara aún más sorprendente y en comparativas supera la calidad de fotos que ofrece sus competidores de apple.

8

MVN-166

Estilo

MVN-164

9

En megáfono

BLACK MIRROR CLOTHING El negro nunca dejará de ser el nuevo negro

Entre las cualidades del color negro está resaltar muchos rasgos de nuestra personalidad. Las prendas de color negro pueden ofrecer diferentes texturas, tintes y formas como herramientas para revelarse desde la oscuridad.

Con esto en mente, la marca mexicana Black Mirror Clothing se dedica a la confección de prendas exclusivamente en color negro: enfocada en sus atributos, la elegancia de sus matices, la profundidad del espacio, el carácter de misterio y la firmeza de su identidad. “El negro viene del interior de nuestro ser y también lo percibimos en lo infinito del universo, es principio y final”.

Así, “Trust in Geometry” es la primera colección de Black Mirror en ver la luz y echa mano del manejo de figuras geométricas dentro la abundancia de composiciones que surgen al unirse con la textura, el brillo y el volumen.

La marca fue creada por la diseñadora Lau Rivera en 2016, y nace como un proyecto escolar por su amor hacia el negro -siempre consideró que el negro transmitía presencia y elegancia, mientras era criticada constantemente por su familia y amigos de una forma burda e insensible; siempre tuvo que enfrentarse a las críticas de ser “Dark”, lo cual considera un término despectivo e ignorante… Pero gracias a la influencia que tuvo a través de su educación en moda, en donde el negro es tan apreciado para los diseñadores, pudo mantenerse fiel a su visión. A la vez, su padre le inculcó correr de madrugada desde pequeña: esos momentos personales de ir corriendo en la oscuridad siempre le han remontado a cerrar los ojos y estar sólo consigo, escuchándose y observándose… “Si un día me encuentro sola en el infinito del universo todo ese negro me permitirá observarme detenidamente…”.

Estas conexiones la motivaron a expresar la belleza del negro a través de Black Mirror Clothing y así un día encontró otra luz en la adversidad del negro infinito: su amiga y socia Pilar Garibay Quintanilla, actriz y escritora, quien comparte el amor por las prendas de color negro, quien piensa que “se refleja completamente en las emociones y sentimientos de amarte tal cual eres”.

La unión de ambos talentos fue una verdadera conexión, se entendieron en muchos aspectos, pero sobre todo en el universo creativo. Su imaginación y nueva relación dio como resultado la colección Trust in Geometry: fusionan la profundidad, elegancia y sencillez con la confianza de aceptarte a ti mismo y reflejar tu luz interior.

“In a place full of darkness, don´t be afraid to shine”.

10

MVN-166

En megáfono

STEVE MADDEN HOLIDAY 2018 Prepárate para un invierno festivo

Se asoma ya el invierno y Steve Madden se ilumina con su nueva colección Holiday 2018, rebosada de diversión, moda y mucha actitud del look del rock and roll.

Echando mano de materiales como lucite, el plástico, el vinyl y las transparencias, la marca hace una declaración de principios usando y abusando de estos materiales en cada una de sus categorías.

Igualmente lucen los toques de metal en plata y oro para no dejar nunca de lado el toque Madden hasta en toe caps, sneakers, y todo lo demás.

Incluso hay un elemento sorpresa en el modelo de botines Rock Candy, con detalles transparentes y rocas selladas al calor, logrando ese momento extra especial. ¡Enciende tu invierno con la colección Steve Madden Holiday 2018! ¡Resplandece, ama, obsequia!

12

MVN-166

MVN-166

13

En megáfono

ROXY: EL FESTIVAL DE LOS CHAVORRUCOS Por tercer año consecutivo, Guadalajara prepara nueva edición de Festival Roxy.

God Save The Queen

Con un mensaje de respeto, tolerancia, paz y amor, Festival Roxy busca consolidarse como un espacio de convergencia en el occidente del país motivado por la música que ha ganado lugar en la memoria. Su nombre evoca a una generación asidua al que fue uno de los primeros foros de conciertos en Guadalajara: el Roxy: un mítico recinto tan tapatío como la torta ahogada, pero tan internacional que durante los noventa recibió directos legendarios como Radiohead, Mano Negra y Héroes del Silencio, por mencionar algunos.

Este festival es, a decir de sus creadores, una impronta para quienes están ávidos plataformas donde los sonidos nostálgicos se integren a las nuevas propuestas, en un marco donde cabe la gastronomía y la convivencia familiar.

Morrissey, Placebo, Smash Mouth, James, Empire of the Sun, Hiromi, Hercules & Love Affair, Fito Páez, Peter Murphy con la reunión de Bauhaus, Sublime with Rome, Erasure, Franz Ferdinand, Richard Ashcroft, LCD Soundsystem, Incubus, Cuarteto de Nos y Antonio Sánchez, entre otros, han integrado el line up de las dos primeras ediciones.

The Beatles será la agrupación homenajeada en 2019, siguiendo la tradición por rescatar la obra algunas figuras icónicas de la música internacional. David Bowie y Freddy Mercury (Queen) han tenido su turno en 2017 y 2018 respectivamente.

Roxy es también un espacio para unir a las generaciones. Desde su primera entrega, Roxy Kids ofrece al interior del mismo recinto, una serie de actividades con perfil lúdico-didáctico para niños entre cuatro y doce años, que busca integrar a los nuevos melómanos a la experiencia de los festivales musicales.

Por su parte, el pabellón gastronómico tendrá de nueva cuenta a lo más granado de la gastronomía tapatía, con la finalidad de ofrecer opciones diversas al paladar además de los ya tradicionales foodtrucks.

Pero esta “fiesta chavorruca” también se preocupa y refrenda compromiso con la ciudad que lo ha visto nacer y crecer: Durante la edición 2018, más de un millón de pesos fueron destinados en especie a cinco asociaciones civiles a través del programa social “Arriésgate”, que pretende apoyar a grupos vulnerables y a distintas causas de la localidad.

El comité organizador adelanta que el cartel será revelado en próximos días. Por lo pronto, desde septiembre pueden adquirirse entradas en fase Early Bird, que representa un voto de confianza de aquella legión de seguidores que ya ha conquistado el festival. Las entradas están disponibles en todos los puntos Ticketmaster del país.

Festival Roxy Guadalajara sucederá el sábado 23 de febrero de 2019 en Terraza Vallarta (Calzada Nueva #47, Colonia Ciudad Granja, Zapopan, Jalisco).

Sigue a Festival Roxy Guadalajara en Facebook, Twitter e Instagram para más detalles, o en www.festivalroxygdl.com

14

MVN-166

Morrissey

LCD Sounsystem

Earsure

En megáfono

Tras años de rumores y grandes esperanzas, el festival

SÓNAR LLEGA A MÉXICO EN 2019

Sónar es un festival internacional de Música Avanzada y el Congreso de Creatividad y Tecnología que se celebra con sede principal en Barcelona. Sónar es un acontecimiento cultural pionero y único en su formato y contenidos: un referente internacional de primer orden gracias a una cuidada oferta que combina lo lúdico con lo artístico, la vanguardia y la experimentación con las nuevas corrientes musicales de la electrónica de baile.

Desde 2002, Sónar ha organizado más de 50 eventos en distintos lugares del mundo, adaptando la filosofía del festival barcelonés a espacios y entornos singulares, dando a conocer lo más interesante del talento internacional y de la escena del país donde sucede. Sónar ocurre en Bogotá, Estambul, Hong Kong, Reykjavik y ahora, por primera vez, se realizará en la Ciudad de México.

Sicario Music, 8106, OCESA y Advanced Music anunciaron la primera edición del Festival Internacional Sónar en la Ciudad de México en 2019.

Para celebrar este anuncio e iniciar actividades, llega A Taste of Sónar: una noche para disfrutar de una sesión especial con uno de los artistas más emblemáticos de la historia de Sónar y una de las leyendas absolutas de la música de baile, el DJ Laurent Garnier.

Tras experimentar con un acto en vivo, como productor y compositor para cine, Laurent Garnier ha vuelto a su primer amor: ser DJ. Hambriento por nuevos sonidos, ha recorrido el mundo con escalas en festivales como el mismo Sónar y el Dekmantel, así como clubes como el Berghain y el Fabric.

No te puedes perder A Taste of Sónar, el 15 de noviembre en la Ex-Fábrica de Harina, ubicada en Aquiles Serdán No. 106, donde también se presentarán Metrika (Live), Iñigo Vontier y BBY JSS. Los boletos ya están a la venta y puedes encontrar más información en: www.sonarmexico.com

16

MVN-166

“Es Espástico”

Benjamín Pérez

Stand Up Comedy

TXT:: Uili Damage FOT:: Jeanine Pötter/ @traveltocomecloser

Hace unos cuatro o cinco años empezó a subirse al micrófono abierto del Woko Taberna un jovencillo delgado, de expresión avispada, ojos grandes y actitud muy serena. Cada vez que se bajaba del escenario, tras cinco minutos de dejar al público completamente azorado, el resto de sus colegas mostraban una cara de ira provocada por este standupero de nombre Benjamín Pérez, o simplemente “Benjamín”.

Y claramente recuerdo la expresión de Juan José Covarrubias, uno de estos comediantes, que explicaba dicha “cólera” en esa época: “¡Este cabrón se sube cada semana con material nuevo, bien cabrón y además es un niño! ¡Lo odio! [esto último significando en realidad ‘me sorprende’]”.

Capitalino, hoy de 22 años e hijo único, ofrece una comedia de humor surrealista, pomposamente vestida de pujidos, gestos reflexivos, silencios y resoplidos de hartazgo que parece que no están llevando a ningún lado -y que muchas veces, efectivamente, no hacen más que eso y generar tensión en el público impaciente-, para dar paso a una serie de consideraciones hilarantes que terminan por hacer estallar las carcajadas generalizadas.

A ese mismo ritmo intenté descubrir a la persona detrás del personaje, dejándome con serias dudas sobre si existirá realmente una diferencia…

¿Cómo conociste el stand-up?

Cuando tenía dieciséis busqué en Internet dónde había open mics en la ciudad… ¿Cómo se te ocurrió?

Mi papá había escuchado en el radio sobre un show en el Foro del Tejedor que estaban haciendo O’Farrill, Escalante, Alex Esewey y Talavera.

Fuimos a ver su show y después de eso busqué en Internet si había open mics. Fui al de Beer Hall. ¿Por qué se te ocurrió subirte?

Me gustaba Woody Allen y sabía que él había hecho stand-up.

Dije “bueno, suena como un buen comienzo, voy a intentarlo… ”. Tenía dieciséis la primera vez que me subí. ¿Tomaste algún curso para hacerlo?

No. Tomé un curso con Escalante y otro con Tomás Strassberg, pero como un año después de que empecé.

Aquella primera vez no me fue tan mal.

Supongo que porque tenía 16 no fueron tan duros como con alguien más grande. Nada más me acuerdo que Esewey me dijo que estaba padre y que me siguiera subiendo. La siguiente semana regresé, y la siguiente, y ya llevo seis años. ¿Cómo estaba la escena cuando llegaste?

Creo que no había muchos lugares dónde subirse, pero tampoco estaba muy enterado de lo que pasaba porque nada más iba a los open y me regresaba a mi casa; no conocía a nadie, pero creo que la mayoría estaban en Beer Hall. ¿Cuándo llegaste al Woko?

Cuando lo abrieron Esewey y Leye.

Me acuerdo que estaba lleno pero de comediantes y alumnos de cursos de standup. Después como que ya no venía gente, siempre había lugar en la lista, no tenías que llegar tan temprano a apuntarte como ahora.

Ahora ¿qué te encuentras en general?

Pues está la pulquería también, pero igual, no me quedo mucho después de los opens. ¿Qué haces aparte de subirte al open?

Estudio la carrera de Matemáticas.

Estoy en séptimo semestre. ¿Qué vas a hacer cuando termines?

No sé, primero acabo y después veo [risas].

18

MVN-166

¿Cómo te sentiste de subirte al Festival Marvin?

Me acuerdo que me tocó como a las seis de la tarde. Todavía no era de noche y eso se sintió raro. ¿Crees que algo cambió después de eso?

Pues no sé… sigo viniendo al Woko, nada más…

Vienes, haces tu rutina y te desapareces… ¿por?

Tengo que despertarme temprano para ir a la escuela. ¿Cómo es la rutina de estrenar material cada vez que subes?

Cuando empecé en Beer Hall, la mayoría del público eran comediantes y gente que iba todas las semanas. Pensé que si probaba lo mismo siempre se iban a aburrir y empecé a llevar cosas nuevas cada semana.

Muchos comediantes siguen con los mismos chistes por meses y algunos años. ¿Sigues con la misma dinámica?

Como ya tengo cosas que ya sé que funcionan con las que puedo armar un show, me concentro en aprovechar los cinco minutos que te dan en el open y estrenar material aquí. ¿Ya tienes tu hora sólida de material?

Estar estrenando todo el tiempo puede que te haga desechar cosas buenas para un show largo, ¿no?

No es como que pruebe cosas y luego se me olviden… Está escrito.

Estoy esperando a graduarme de la escuela para trabajar bien algo más elaborado… ¿Los peores shows que recuerdas?

Habían sólo dos mesas ocupadas aquí en Woko, era un show experimental de los de Escalante, llamado “¿Cómo te atrebes?” (sic), pero tal vez experimentamos de más… me subí y mientras estaba hablando, una señora se paró y empezó a decir algo así como “¡Están muy mal ustedes, deberían de ponerse a estudiar, no es posible que hagan esto!” Y se fue… [risas].

Pero estaba muy enojada, muy indignada. ¿Tus colegas favoritos?

Con los que más hablo siempre, a los que me quedo a ver el show completo y después para platicar con ellos, son los de “7 Machos”.

MVN-166

19

¿Colegas de los que no te guste su comedia aunque te caigan bien?

No sé, eso suena muy comprometedor [risas]. ¿Cuál de tus chistes es el que mas risa te da, ahorita?

Tengo uno que no funciona muy bien pero que me gusta mucho: hablo de las televisiones 3D y la gente viendo películas de Bruce Willis en esos aparatos. “Si no son buenas en dos dimensiones, no importa si les agregas mas, no van a mejorar” [risas].

Pero a la gente no le gusta [más risas]. ¿Qué tipo de comedia haces?

No lo sé.

Me impresiona que en un turno de cinco minutos puedes hacer cuatro sólo pujando y gesticulando y al final, en el último minuto dices un solo chiste en ese tiempo, sólido, brutal y dejas a la gente muerta de risa. ¿Ese suspenso lo trabajas o te sucede?

No, sólo es que no tengo muy claras las ideas cuando me subo, no las escribo explícitamente antes de subir, entonces, mientras lo pienso, supongo que no digo nada hasta que lo tengo claro y lo suelto. ¿Qué comediantes te encantan?

Supongo que los usuales, Dave Chappelle, Bill Hicks, Stewart Lee… ¿Te has cachado copiándoles cosas?

Sí pero trato de no hacerlo cuando me doy cuenta. ¿Cual es el comediante que más te ha enseñado?

Escalante es el que más consejos me ha dado… ¿Alguno que recuerdes?

No, son muy abstractos. Los entiendes cuando lo estás viviendo [risas]. ¿Piensas hacer un show de más de 5 minutos pronto?

Si me invitan sí; si no, después de que me gradúe.

Industria

ONErpm ¿La evolución de las discográficas?

Según la Federación Internacional de la Industria Fonográfica, la industria musical generó 17.3 mil millones de dólares, una cifra potenciada por el streaming como la mayor fuente de crecimiento de este sector. Pero, ¿cómo llega la música a las plataformas de streaming como Spotify, Apple Music o Deezer?

TXT:: Vicente Jáuregui FOT:: ONErpm

DURANTE la última década, la industria discográfica ha experimentado la revolución más radical de su historia. En estos años, las antiguas discográficas transnacionales han buscado adaptarse al cambio de paradigma; actualmente, los músicos deben colgar su música en linea a través de “agregadoras oficiales” de música digital. En este proceso, las oportunidades han llegado para personajes que comparten una visión más amplia, justa e incluyente con los creadores: Emmanuel Zunz, fundador de ONErpm es uno de ellos sin lugar a dudas. Desde su creación, esta plataforma se ha convertido en una de las plataformas de distribución digital más importantes del continente Americano.

Platicamos con Emmanuel sobre varios temas relativos a la industria musical y la expansión de ONErpm en México, Colombia, Chile, Argentina y próximamente África y España. ¿Cómo pasaste de una compañía muy pequeña como Verge Records a ONErpm?

Yo comencé en la industria musical directamente con Verge Records. Antes de eso, no tenía experiencia en este ramo y aprendí mucho en el proceso de esta primera disquera. Básicamente, era yo descifrando cómo funcionaba la industria. El enfoque del proyecto era social: buscaba artistas de barrios marginados y los firmaba. Me quedaba con un pequeño porcentaje de cada venta de la música.

La compañía era muy pequeña. Me di cuenta que para hacer un cambio verdadero, necesitaba trabajar con la tecnología y tener a muchos artistas. Estoy hablando de cientos de miles. De esa forma, podría transformar la industria para ayudar más a los músicos, así que la tecnología permitió magnificar un pequeño sello, hasta convertirlo en ONErpm en 2010. A pesar de los cambios, la visión social que teníamos en Verge aún permanece.

ONErpm comienza en Brasil, lo cual fue todo un acierto. ¿Qué te llevó a iniciar la compañía en ese país?

La primera vez que estuve en Brasil fue en 1993 o ’94. Yo tenía veinte años y me sorprendió la cultura musical del país. También me di cuenta que la gente allá busca conocerte en persona. Es mucho más fácil comenzar algo cara a cara porque la gente es curiosa de saber quién eres y qué haces en su país. Eso no quiere dice que sea fácil crecer.

En ese momento, el mercado de EU ya estaba muy saturado y todo apuntó a lanzar ONErpm en Brasil.

Hace diez años, había muchas opiniones apocalípticas sobre el futuro de la industria.

Se decía que estaba muerta, pero ahora ofrece nuevas posibilidades. ¿Cuál es tu lectura del presente y el futuro?

20

MVN-166

soluciones. Tenemos capacidades tecnológicas, de marketing y producción. No hay algo que no podamos hacer. Buscamos cómo mejorar para todos. Nunca pensamos de forma limitada, somos una compañía con una misión clara: servir por igual a todos. Si un artista requiere de algo, lo desarrollamos y después pensamos cómo puede ser útil para los demás.

La industria crece, lo cual tiene cosas buenas y malas; hay demasiada competencia en el mercado. Lo positivo es que en los siguientes dos años veremos un crecimiento aún mayor. Para ser honesto, hace unos años creí que el empuje sería aún mayor. ¿Cuáles son las razones?

La principal razón para no ser tan grande como podría, es que la industria no está unida para educar a la gente sobre los beneficios del nuevo modelo. No hay una cooperación real entre las disqueras tradicionales y las plataformas digitales; todo el mundo se enfoca en trazar su propio camino. Hay muchos retos que solo libraremos en una actitud de cooperación. Pero no hay manera que Apple, Spotify, Deezer vayan a hacerlo por cuenta propia, eso jamás ocurrirá. ¡Imagina un mundo en que las pequeñas y las grandes compañías pudieran dejar de lado sus intereses comerciales de competencia para cooperar! Habría un crecimiento enorme, pero eso no ocurrirá en un futuro cercano… ¿Quizá en el futuro?

Espero que así sea, que en el futuro la gente se ponga lista. Yo soy una entre muchas personas que lo desean. Ahora que ONErpm es relevante en el mercado, seguimos presionando para que así sea y lo hacemos más que las enormes compañías globales que han estado durante cientos de años. Ellos deberían de tomar ese liderazgo, pero no lo están haciendo [como no lo hacen aún las grandes disqueras transnacionales.

N. De la Ed.]. ¿Cuáles son las principales diferencias entre ONErpm y otras plataformas que existen en le mercado?

Nosotros queremos ser accesibles y apoyar a todo tipo de artistas. Queremos apoyar tanto a los que van comenzando, como a quienes ya son grandes estrellas. No importa si eres un bebé o eres Taylor Swift: queremos apoyarte. Buscamos ser un tipo de compañía diferente, que te ofrece estructura y soluciones; para que la estructura funcione, nos preocupamos por implementar y desarrollar esas

MVN-166

21

¿Cómo es el modelo híbrido de ONErpm?

Tenemos dos modelos de negocio para que los músicos puedan compartir su contenido y ampliar su público. El primero es una página web abierta a todos los artistas del mundo. No cobramos cargos, sólo un 15% de comisiones por el uso de nuestra tecnología. En el segundo modelo, los músicos pueden tener servicios de marketing. Actuamos similar a un sello discográfico moderno y, según la negociación, la comisión puede ser de un 25% o 30%, depende de lo que hagamos para el artista. ¿Cuáles géneros musicales generan más plays en plataformas digitales actualmente?

La música urbana tiene mucho éxito. Regional mexicana también. El pop jala muy bien en YouTube. ¿Qué ocurre con el rock, crees que sí está desapareciendo como muchos dicen?

No está desapareciendo, pero ya no es tan relevante como solía. Pero eso es en Latinoamérica. Todavía es grande en EU y en otros mercados. ¿Cuáles son las ventajas de la revolución digital para los artistas?

Actualmente todos los artistas pueden ver exactamente cuánta gente escucha su música, cuándo dinero genera y cuál es su porcentaje. Es muy transparente porque no puedes esconder los datos. Esa es la verdadera revolución. Si trabajas con una compañía que te esconde los datos es un gran problema. ¿Cómo usa ONErpm toda es información?

Nosotros usamos los datos para entender mejor la conexión entre la música y el escucha, es muy útil para para propósitos de marketing. También nos ayuda a organizar la música con la que trabajamos. Es muy útil para trazar una red de trabajo. Permite combinar lo que pasa en México con el mercado de EU. Es una herramienta para expandir y ayuda a entender mejor lo que tienes en tu catálogo. ¿Cuáles son los logros de ONErpm de los últimos años?

Esta año abriremos en Chile. En Argentina abrimos oficinas a principios de año y tres oficinas nuevas en México, EU y Colombia. El siguiente año estaremos en África y España.

Música

DIVISIÓN DIVISIÓN MINÚSCULA MINÚSCULA TENÍAMOS SANGRE EN LAS UÑAS TXT:: Sergio Benitez FOT:: Cortesía OCESA Seitrack

22

MVN-166

A poco más de veinte años de formación, División Minúscula es desde hace mucho, un referente del punk rock melódico mexicano.

Atrás quedaron las noches en bares y escenarios pequeños pues hoy es una de esas bandas que no puede faltar en la gran cantidad de festivales que ocurren en México.

La presencia de los de Tamaulipas ha traspasado fronteras y su música ha conseguido llegar a Europa y Estados Unidos; materiales de estudio, LPs y EPs, discos tributo, sesiones muchas, conciertos tantos, participaciones en festivales aún más, reconocimientos bastantes.

Pero a División Minúscula le faltaba algo más y fue así que la banda decidió grabar Fronteras, un live session en el que reversionaron algunos de sus temas para lanzar un material especial en CD y DVD, para el que han adelantado un primer corte: “Humanos como tú”.

Con esta sesión la banda busca refrescar su repertorio; se trata de una búsqueda en el oscuro baúl de los recuerdos para rescatar y arreglar algunos de sus viejos éxitos. Platicamos con la banda para conocer más acerca de cómo les resultó esta experiencia.

Hemos podido ver el video de “Humanos Como Tú”, un adelanto de su disco nuevo, ¿cómo les fue al hacer esta sesión?

Javier Blake: Hace años ya planeábamos esto; gracias a que nos topamos con el equipo indicado, a mediados del años pasado empezamos a tirar ideas y visualizarlo. En febrero de este año comenzamos a ensayar; fue un mes y medio de ensayos diarios para estar al cien para la presentación en vivo y la grabación. Después de diecisiete años de carrera y más de veinte de que nos formamos, nunca habíamos tenido estos puntos que toda banda longeva llega a tener y que para los fans son como un plus que siempre buscan: el disco de éxitos, el en vivo, el acústico, el sinfónico; hay muchas formas de reinventar un poco, de reinventar y arreglar tu canción para dar un producto fresco a la gente.

MVN-166

23

Lo hicimos y al final del día estamos bien contentos con el resultado, con el paso que la banda dio. Sentíamos que había muchas canciones que en su momento, en el disco, debido a falta de presupuesto y madurez o de conocimientos, no le dimos el trato a la canción que debía haber llevado desde el principio. A lo mejor sí lo imaginábamos, pero no sabíamos como hacerlo ni teníamos la gente indicada para ayudar a llevarla ahí y ahora lo pudimos lograr. ¿Qué tan complejo o sencillo resultó adaptar las canciones a este proyecto?

Efren Barón: Fue mucho tiempo de ensayo, fue como ir al escuela, por así decirlo. Las canciones ya estaban ahí puestas; sin embargo tratamos de llevarlas al mejor lugar posible, de tener los mejores arreglos, la mejor instrumentación posible y para poder lograrlo nos encerramos al rededor de cinco semanas.

Ensayamos ocho horas diarias.

Literalmente teníamos sangre en las uñas, Javier también con la voz cansada, terminamos muy agotados, pero al final fue muy gratificante ver el resultado de todo lo que logramos.

Javier Blake: Teníamos muy claro el 80% de a dónde lo queríamos llevar.

Para el otro 15 o 20 por ciento, se logró llegar con la aayuda del input de los productores que trabajaron y coprodujeron junto con nosotros.

Conforme íbamos ensayando desarrollábamos el arreglo y la versión. Fuimos requiriendo cosas que necesitábamos aprender, no programamos y desprogramamos de las rolas que veníamos tocando desde hace veinte años. Ocupamos un lap steel y en lugar de buscar a alguien que lo tocara, Efrén consiguió uno y aprendió a tocarlo en dos semanas e hizo los arreglos para el lap steel. Lo mismo sucedió con el piano y órgano

extra que metimos, le llamamos a Luis Farah. En mi caso con la voz, tuve que bajarle un poco los huevos, porque estoy a acostumbrado a cantar sobre una masa de sonido. Aprendimos a reinterpretar todo. ¿Hubo alguna con la que hayan batallado más?

JB: Hay una canción con la que batallamos desde que la compusimos; se editó en el disco Sirenas del 2008, y se llama “Año Nuevo”; de por sí es una canción que nos saca de nuestra zona de confort -aunque la versión del disco es muy buena-, sabíamos que trabajándola diez años después y con el equipo que estábamos armando, se podía llevar uno o dos puntos más arriba. La versión final es, para mí, la favorita del disco.

Además de los chelos que pudimos ver en el video de “Humanos Como Tú”, ¿qué otros instrumentos incluyeron?

JB: El maestro Odilón hizo arreglos para chelos en tres canciones, que nuestra idea era que así fueran desde que las grabamos años atrás, pero no teníamos el presupuesto.

Y ahora estas canciones suenan a como siempre quisimos. ¿Esta sesión fue un salto al pasado, un viaje al baúl de los recuerdos de la banda?

Alejandro Luque: No sé si salto al pasado, pero trabajar canciones como “Cursi” de un disco de hace diecisiete años, podría verse así. Para nosotros la forma en que lo trabajamos, con nuevos arreglos, instrumentos; el hacerlo con productores ajenos a lo que hicimos en el pasado dio como resultado que todo se refrescara. A la hora de que comenzamos a trabajar en las canciones se sintió esa vibra de que estábamos haciendo una canción nueva.

EB: Fue muy similar a cuando hacemos un disco nuevo: Javier llega con una idea acústica, nos metemos, escuchamos la idea y tratamos de arreglarla a partir de ahí. Terminamos haciendo un nuevo sonido para la banda, uno que no habíamos mostrado antes.

JB: Es como cundo guardas esa camiseta de los dos miles o los noventa que te ponías siempre, te gustaba mucho y de repente por alguna razón la dejas de usar y te dices “era una buena camiseta en ese tiempo” y va a ser una buena camisa siempre. Fue tomar las canciones de la banda que sentíamos tenía esa facultad de pasar el tiempo y no sentirse viejas. ¿Incluirán algún tema inedito?

JB: No, por lo mismo de que no todas las canciones son los típicos sencillos de División Minúscula que conoce la gente. Gran parte del proyecto era escarbar y tomar esas canciones que, no los fans, sino la demás gente tal vez no conoce de la banda. Canciones que en su momento no fueron sencillos y que quizá esta vez lo sean. ¿Hay alguna canción dentro de todo el repertorio de División Minúscula que consideren como oscura?

JB: División minúscula tiene esta dualidad: llega a ser como un poco oscura pero no tanto, puede ser tan popera como Hombres G. Nos gusta jugar con esa dualidad. Hay canciones que sí tocan cosas muy íntimas… oscuras no sé.

EB: “Un Beso Al Aire”.

JB: “Un Beso AL Aire” puede ser una canción oscura. “Me Tomé Una Pastilla” también podría ser, no oscura en el mal sentido, sino que llega a lugares de esos donde duele.

Creo que por ese lado sí puede ser, no por el lado oscuro maléfico.

Música

Nuestro primer encuentro fue breve: Lindsey Jordan había terminado su set abridor como Snail Mail y tomó su posición detrás de una mesa, vendiendo camisetas y copias de su EP Habit en vinil. Energética y sonriente, Jordan bromeaba con sus compañeros de banda y platicaba con aquellos que se acercaban a ella. Dos meses más tarde me encuentro con Jordan en una cafetería desierta. Está enferma y toma un jugo para recuperarse antes de su presentación totalmente agotada programada para esa noche. Hace apenas un mes su primer LP Lush salió al mercado, alrededor del mismo tiempo que ella cumplió 19 años. La expectativa es grande y los medios especializados la miran con un ojo crítico para ver si Jordan cumplirá con la promesa de ser el siguiente joven talento con una larga carrera musical. Pero primero, Lindsey necesita controlar su resfriado para tomar el escenario en unas horas.

La trayectoria de Snail Mail es una de una artista con habilidad artística y madurez emocional precoz; en tan sólo 3 años Jordan ha formado su agrupación, forjado un sonido y navegado exitosamente el mundo de una industria musical despiadada. Jordan ha tenido que adaptarse a las lecciones que su vueva vida le han presentado: “Todo es un proceso de aprendizaje” menciona Jordan. “Hacer un álbum requiere mucha energía mental mientras que estar de gira te exige mucha energía física. Trato de leer y estar sola lo más que se pueda.

Así, evito las confrontaciones y no discuto con mis compañeros de banda”.

LAS GRANDES LIGAS

MAIL SNAIL SNAIL MAIL JUVENTUD INQUIETA

TXT:: Arturo J. Jímenez FOT:: Matador Records

El sonido de guitarra de Snail Mail evoca a agrupaciones independientes de principios de los noventa que no temen distorsionar las melodías y también tomarse su tiempo para encontrar momentos de quietud y observación. Pero la cadencia en la voz de Jordan y su acercamiento a la manera en que ella ve como pasa la vida un fin de semana a la vez es lo que hace que Snail Mail sobresalga de otras jóvenes bandas hambrientas de evolucionar antes de tiempo.

24

MVN-166

+ Ese talento fue reconocido por el sello Matador, el cual firmó a Snail Mail durante las últimas semanas de estudios en la preparatoria de Jordan. Fue un momento extraño para ella, en el cual sus compañeros planeaban su futuro en distintas universidades mientras ella organizaba su calendario para viajar alrededor del mundo con su grupo.

Jordan recuerda: “Mis compañeros de escuela sabían acerca del contrato de grabación del disco. Me daba mucha pena porque sentía que es algo que no tenía punto de comparasión con lo que vivían mis amigos. Trataba de no hablar acerca de eso nunca. No quería convertirlo en algo extraño y de celos.

Realmente me sentía emocionada por las personas que iban a la universidad así que decidí guardar mis propias emociones acerca de lo que estaba sucediendo en mi vida”.

Afortunadamente Jordan pronto compartiría espacios con personas que entenderían exactamente por lo que estaba pasando y después de compartir escenarios con grupos como Belle and Sebastian, Waxahatchee y Girlpool, Jordan ha encontrado una comunidad que la ha adoptado y de la cual ha aprendido.

“De todos los otros grupos aprendes un poco” comparte Jordan. “Pero Belle and Sebastian en específico me mostraron lo increíble que es tener altos valores de producción y qué tan profesional toda la organización es. Tienen muchos elementos en su personal. Me encantaría tener todo eso. Es muy cool”.

Jordan tal vez aún no tendrá un equipo grande o una

MVN-166

25

gran producción pero su gran profesionalismo y talento es aparente de inmediato. Aquella noche después de nuestro encuentro Jordan no sólo presentó un set impecable en el recinto abarrotado, si no que acompañó a una de sus bandas abridoras durante su set completo, prácticamente tocando guitarra y cantando por casi dos horas en total. Esa fortaleza de Jordan y la seguridad que muestra en su música le servirán bien en su recorrido artistico. Para ella, las críticas no la han afectado y está preparada para que no la afecten en el futuro: “Sin importar lo que hagas o qué tan bien o mal lo hagas, las personas van a tener un problema con ello. Así que… todo está bien”.

EL FUTURO Al escuchar su música es fácil olvidar que Jordan es tan jóven que aún no puede entrar a los bares en Estados Unidos pero su conversación, siempre alegre e interesante, revela la juventud detrás de Snail Mail. Sobre qué metas tiene para su futuro, Jordan responde con una respuesta inesperada: “Me quiero comprar un Xbox. Lo iba a hacer cuando el álbum salió a la venta pero tuve que viajar por meses así que cuando regrese a casa de mis papás, voy a tener dos semanas libres y me voy a comprar ese Xbox”.

Lush es un gran logro para una artista que parece haber llegado a la escena con un sonido y estilo desarrollado por completo, pero la música de Snail Mail también emociona por la manera en que puede evolucionar, transformándose de manera natural en algo inesperado y único. Jordan sabe que ella, y su proyecto, han cambiado y su crecimiento continúa: “El mundo me ha hecho más humilde y estoy cada vez más de acuerdo con el hecho de que sé muy poco. Estoy abierta a obtener ayuda de otras personas. Todo esto es gracias a viajar tanto y estar rodeado de grandes artistas y personas inteligentes y personas mayores todo el tiempo. Simplemente saber que hay mucho qué aprender siempre y que no hay ninguna razón para actuar como si supieras todo. El tiempo me ha ayudado a aprender esto”.

Sonic Youth Experimental Jet Set, Trash and No Star DGC, 1994 Aún con un sonido “más limpio”, la producción de Butch Vig reveló que la agrupación neoyorquina no tenía igual y su estio, agresivamente artístico e influyente, continuaba en evolución.

Helium The Dirt of Luck Matador, 1995 Mary Timony, líder de esta agrupación de indie rock, fue profesora de guitarra de Lindsey Jordan hace apenas un par de años y el sonido de guitarras perfectamente distorsionadas de Timony encuentra una nueva generación a través de Snail Mail y su inquietud por explorar con ruido pop los problemas de la vida.

Waxahtachee Out in the Storm Merge, 2017 El más reciente álbum del proyecto de Katie Crutchfield expande el sonido de la agrupación sin perder la sorprendente conección íntima que la cantante y compositora ha demostrado desde su debut American Weekend en el 2012

Música

“DIOS NO ME SALVÓ DE CONTROL MACHETE”

FERMÍN IV FERMÍN IV

TXT:: Sergio Benítez FOT:: De Gira

26

MVN-166

A finales de los noventa, Control Machete era una de las bandas principales del movimiento conocido como “Avanzada Regia”. El Control pasaba por su mejor momento y con sólo dos materiales de estudio, ya podía presumir de haber compartido escenario con U2 y David Bowie, entre otros grandes, además de haber girado por Estados Unidos, Sudamérica y Europa.

Con todo lo anterior a cuestas, una de las dos voces de Control Machete y sin duda la de mayor magnetismo mediático, Fermín IV, decidió escapar de los excesos que la fama conlleva, hace dieciocho años; abandonó Control Machete en pro de la paz espiritual que, aunque nunca buscó, logró encontrar convirtiéndose al cristianismo. Conoció a su hoy esposa, procreó tres lindas hijas y luego de un largo tiempo decidió regresar a los escenarios, no en búsqueda de éxito y dinero sino para dar su mensaje.

Luego de Boomerang (2002) un primer disco como solista que le valió muchos detractores y la carta de retiro por parte de su discográfica de aquel entonces, Fermín IV lanzó un segundo LP llamado Los que Trastornan el Mundo (2005) para después desaparecer de los escenarios. Este 2018 Fermín IV regresa con Odio/Amor, un disco en el que mantiene la misma fuerza y estilo que lo caracteriza tras haberse reinventado.

Hoy, bajo la mirada de nuevos públicos y generaciones de músicos jóvenes, es considerado una leyenda del hip hop mexicano e ícono de este género en el que no sólo se le mira con respeto sino que además es reconocido como una gran influencia. ¿Cómo ha cambiado tu música de Boomerang a Amor/Odio?

Boomerang fue una experiencia muy distinta a esta, porque en ese tiempo me aventé a co producir el disco, ¡no sé en qué estaba pensando!, porque el día de hoy, es un trabajo que aprecio mucho que esté haciendo alguien más. Entonces estaba muy metido en cada track de disco y es bastante difícil. Este disco es muy distinto porque dejé la producción en manos de Israel “Kibou” y Gerardo Castmu de Aguascalientes -acaban de hacer el disco de Mike Díaz-. Me enfoqué nada más en las letras y en mi interpretación de las canciones.

Creo que la temática del primero fue justo en esta efervescencia de un cambio de vida, han pasado dieciocho años de ese momento y dieciséis de

MVN-166

27

¿Cómo te hace sentir que otros músicos, los medios y los fans te describan con un icono o como una leyenda? ¿Te diriges a alguien en particular con Lo aprecio, siento que el lugar que tiene Control Machete dentro de la canción “Fácil”? la música mexicana, del rock y rap Es canción sólo es responder a “¿qué pasó con Fermín?”. Porque literalmente nacional es muy grande porque me desaparecí del mapa y esa canción marcó una época. Yo creo que Control Machete fue un fenómeno, no tengo dice “aquí estoy de regreso, haciendo ninguna duda de eso. Subió como rap”. Es muy directa explicando qué pasó con mi vida. Es una introducción la espuma, fue espectacular. En ese sentido, creo que mucha gente me ve a esta nueva etapa de hacer música. en ese lugar y lo aprecio. Tampoco es que me sienta o me crea el mejor, ¿Qué te motivó a regresar, a entrar como todo en la vida siempre va a de nuevo al estudio, y a salir a los salir un mejor modelo. Va a llegar escenarios otra vez? alguien que lo haga mejor que tú, que La oportunidad. Siempre tuve esta escriba mejor que tú, que tenga un pasión por la música, desde muy flow mejor que tú y eso está bien. joven, desde los doce años. Hacer música, escribir, llegar a la gente. ¿Te resulta pesado saber que Lo que me trajo de nuevo fue la oportunidad que se da en la disquera muchos te veamos como Fermín para grabar y de que ellos produjeran IV... de Control Machete?

Lo entiendo porque es parte de mi el disco. La de sólo dedicarme a historia. ¡Aprecio que conozcan mi escribir y hacer rimas. nombre! No es nada más “ah, el de Tiempo atrás compuse algunos Control Machete”: han sido buenos tracks, pero no supe qué hacer conmigo. Está bien que haya una con ellos, porque yo no soy bueno referencia de la cual la gente pueda para eso; me decían “¡súbelo!” y yo, jalar mi nombre y escucharme hoy “¿súbelo a dónde?”, no tenía ni idea. por eso. ¿Cómo te resultó encontrarte a tu ¿Hubo experiencias positivas en tu regreso con una nueva forma de etapa con Control Machete y que hacer y vender música? te sirvan de inspiración para este Ha sido sencillo para mí; lo que más presente como solista? me ha sorprendido es la relación ¡Muchas!, ¡demasiadas! Control artista-público. Ahora hay una Machete no era el problema y Dios interacción y feedback inmediatos y eso me ha gustado mucho. Al final los no me rescató de Control Machete, me rescató de mi forma de ser, de conciertos siguen siendo los mismo, mi persona y de cómo yo era un he entendido que la gente ahora ya vicio para mi entorno. Hay muchas no aplaude mucho, porque tiene su cosas positivas, amistades que hoy teléfono en la mano. He entendido que la apreciación de la gente hacia la puedo apreciar por haber estado en música que haces en vivo es “cuántos Control y el hecho de haber salido de unas cuantas cuadras a mi al celulares están en el aire” y no tengo rededor, a recorrer Latinoamérica. problema con eso, ha cambiado A mi esposa la conocí por Control esa dinámica, pero al final yo sigo Machete, ella trabajaba en Telehit: haciendo lo mismo. me entrevista, la conozco y empezamos una relación; entonces Hay quienes ven tu crecimiento positivo hasta mis hijas, ¡ja, ja, ja, ja! espiritual como algo negativo.

Para mi ha sido muy positivo, exageradamente positivo en todos los ¿Qué tan diferente ha sido tu camino, después de Control sentidos: personal, familiar, incluso relacional (sic). Creo que yo era nocivo Machete?

Control Machete fue muy sencillo. para ciertas personas, lo que hacía, No recuerdo haber llegado un las decisiones que tomaba. momento de “no me gusta esto Musicalmente sé qué hay un en esta rola”; estábamos felices prejuicio, porque los seres humanos somos muy prejuiciosos. Nos sentimos haciendo la música que estábamos haciendo... juez y jurado, decidimos cosas sin ni siquiera tratar de entenderlo o razonarlo. ¡No te pierdas la continuación de esta Lo único que diría es que se dieran la entrevista en www.marvin.com.mx! oportunidad de escucharlo y ¡listo! ese disco. En cierto sentido creo que hay más madurez en cuanto a las temáticas y demás.

Música

El futuro es hoy. ¿Cuántas veces esta frase se ha introducido como un insecto a través de nuestros oídos?

Que trepa hasta el cerebro con esas rasposas patas. Y riega sus huevecillos a diestra y siniestra, hasta que logra apoderarse de cada conexión neuronal.

Una intervención que modifica las estructuras de pensamiento y conducta.

Entonces aquella invasión comienza a apoderarse, poco a poco, de nuestro ser.

Obligándonos a actuar de cierta manera.

Las ideas que arrojamos ahora están gobernadas por este bicho futurista.

Las interacciones con otros humanos se ramifican incontrolablemente. Tanto que el plano físico ya no es indispensable.

Funcionamos como una especie de imanes móviles. A cada segundo de esta vida, vamos atrayendo máquinas.

Grandes. Medianas. Pequeñas.

Nano. Botones. Pantallas. Retina. Voz. Virtualidad.

La personalidad que solíamos tener se nutre de todo eso. Transformándonos en robots humanos que se alimentan de likes. Crecen a través de impresiones.

Se reproducen con hashtags. Y mueren, una y otra vez, a manos de unfollows.

Es por ello que algunos deciden no arriesgarse y vivir en permanente coma tecnológico. Pero también existen otros. Esos que, disfrazados de las diversas corrientes tecnológicas, utilizan todas las conexiones posibles.

Construyen proyectos mutantes, a partir del gran universo de información disponible. Atravesando fronteras.

Diluyendo prejuicios. Fusionando ADN. Conectando tecnologías. Hasta construir un híbrido habitado por todo tipo de manifestaciones. Sin importar forma, tiempo, camino, color, ideología. Esos que le dan otro sentido a la frase, “El futuro es Hoy”. Y hacen pensar que no todo está perdido.

TRENDING TRENDING TROPICS TROPICS

ELLE: CONEXIONES DESCONECTADAS 2016 fue el año en que el dominicano Vicente García y el puertorriqueño Eduardo Cabra, cruzaron sus caminos musicales. El proyecto en cuestión era “A la mar”, un disco solista de Vicente donde convivían cualquier cantidad de géneros populares y referencias folclóricas. Por extraño que parezca, de todo este concepto tan orgánico, es de donde nace la idea de crear sonidos a partir de sintetizadores y samplers. Al que después fueron agregando dosis altas de folclor y tradición musical.

TXT:: Jaime Acosta y Juan Carlos Hidalgo FOT:: Karlo Ramos

28

MVN-166

TENDENCIAS SONORAS DE UN FUTURO PASADO

tocarnos, nos conocemos sin vernos, somos sonidos e ideas abstractas antes que cuerpos”.

MVN-166

29

MULTIPLICIDAD ELECTROHUMANA Allí fue donde Trending Tropics se materializó. “La fuerza del proyecto proviene del concepto. Todo está dentro del marco de que el futuro ya pasó y que es música sin rostro en la época de selfies.

Y lo presentamos dentro de un viaje, en el que estamos viviendo una distorsión de lo que pensábamos iba a ser el futuro.

Presentamos una realidad que está ahí. La hiperconexión mezclada con una desconexión”, apunta ‘Visitante’ en una entrevista con la prensa europea para presentar el proyecto. Precisamente, sintetizando todos estos conceptos, es que suena el primer sencillo “Elintelné” (un merengue digital). “Me quede pensando/ Analizando/ La curiosidad me estaba matando/ Yo he visto cosas raras/ Pero nuca había estado/ En un mundo con los habitantes hipnotizados”, rapea el puertorriqueño Wiso G a través de un robot llamado Elle. ¿Un robot? Ese mismo por donde pasarán los rostros de todos los que colaboraron en este proyecto.

Carlos Alomar -el mítico guitarrista de Bowie-, iLe, PJ Sin Suela, Ziggy Marley, Li Saumet de Bomba Estéreo, Ana Tijoux, Riccie Oriach, Pucho y Guille de Vetusta Morla, Amayo de Antibalas, entre otros.

Cada una de estas personalidades será absorbida por Elle en el escenario para que se cumpla una de las principales consignas de los Trending Tropics: Mantener el enfoque directamente en la creatividad musical, en vez de una figura en particular. “No tiene género, tiene rostro de monitor y cuerpo de aluminio y tubos, intervenidos por una red de cables. En el escenario ocupa por momentos el espacio que le correspondería al personaje de la figura central, para dar paso a una experiencia estética que evoca la revolución tecnológica. Y es a través de esta figura que se integran e intersecan los diversos colaboradores del proyecto. Al neutralizar la figura central a través del filtro que provee el robot, se reproduce en el escenario la dinámica de interacción social tan propia de estos tiempos, hablamos sin

Diferentes culturas. Ritmos provenientes de varios rincones del mundo. Sonidos innovadores que no se olvidan de sus raíces. Potenciados y exprimidos al máximo por la avasalladora experiencia de este par.

Visitante es un monstruo creativo. Lo ha demostrado en su Calle 13. Tan solo en este 2018, está nominado en los Latin Grammys como productor del año por Encanto Tropical (Monsieur Periné) y por haber trabajado también en “Este Espíritu” (La Banda Bastön y Sotomayor), “Fantasma” (La Tortuga China) y “La Gravedad” (Diana Fuentes).

Por su parte, Vicente García es un cantautor que posee una habilidad y sensibilidad única a la hora de fusionar sonidos, sobre todo latinos. Respaldado por sus tres Latin Grammys en 2017. Todo esto resulta en un proyecto que destaca por la experimentación en cuanto a técnicas de grabación se refiere. Se remitieron a varios sitios: los estudios Flux en Manhattan, el estudio casero de Cabra en Puerto Rico y otros puntos como Chile, República Dominicana, Colombia y España, a lo largo de 3 años.

Juntos ofrecen a través de 13 canciones una radiografía peculiar sobre el futuro sonoro que dura un instante y que: “aunque simplemente se está presentando, no se está criticando. Nosotros como adictos y como personas que estamos conectadas, simplemente presentamos una visión”. Extraterrestres entre nosotros. El Gran Hermano incómodo. Amores plásticos. Fábricas de influencers. Todo existiendo armoniosamente sobre un plano orgánico, electrónico, humano y tecnológico. Un proyecto sonoro que tiene como líder al robot Elle; con múltiples personalidades, culturas, conceptos y expresiones.

Musicalizando a una sociedad enloquecida. Adaptándose a un futuro que poco a poco se transforma en pasado. Y viviendo un presente que no para de rescatar al insecto enclavado en las raíces más profundas de la diversidad.

Música

Bad Sounds se formó al sur de Inglaterra, ya una década atrás; posee un sonido que toma como influencia una variedad de géneros, que van desde la vieja escuela del Hip Hop, pasando por Michael Jackson a Beck, y llega hasta a The Flaming Lips, MGMT y Curtis Mayfield; el resultado es una mezcla ecléctica de sonidos

30

MVN-166

BAD BAD SOUNDS SOUNDS BÁSICAMENTE GRABAMOS UN BUEN DEMO TXT:: Sergio Benítez FOT:: Bad Sounds FB

Con varios singles y dos EPs al hombro, este 2018 grabaron su primer larga duración llamado Get Better, producción que los ha llevado a embarcarse a girar dentro del Reino Unido y por algunos países de Europa y Norteamérica.

La agrupación, que de dúo ha pasado a ser un quinteto -hecho que sólo significa una fiesta con más y mejores invitados-, tiene en los hermanos Ewan y Callum Merrett a los “anfitriones” perfectos de este que ha dejado de ser un petit comité.

Es Ewan quien nos habla un poco del contexto de la banda que por primera vez pisa los escenarios mexicanos como parte del robusto cartel del Corona Capital 2018: ¿Cuál es su proceso para componer y escribir canciones?

Varía de canción en canción. En “Are You High?”, por ejemplo, escribimos sólo las melodías antes de hacer algo más, fue realmente raro.

Estaba viendo algo en la televisión y comenzaron los anuncios. Fui a tomar una copa y tararee la melodía, pensé: “esto es genial”, entonces la grabé en mi teléfono.

Luego simplemente construimos toda la canción a su alrededor, algo que nunca habíamos hecho antes. Otras veces simplemente empiezas con un ritmo, un pequeño riff de guitarra o unas notas en el

MVN-166

31

piano, acordes o lo que sea. No hay sólo una fórmula para escribir una canción. Y si sientes que la has encontrado, simplemente vas a escribir muchas veces la misma canción. ¿Hay alguna cuya composición destacarías?

Me gusta “Avalanche”, porque son tres historias en una: Cada verso es acerca de una persona diferente. Simplemente me gustan los pequeños cuentos que contiene, están abiertos a la interpretación; ahí es donde encontramos dónde nos sentíamos cómodos escribiendo letras, haciéndolo de esa manera, eliminando líneas de conversación con la gente y poniéndolas en una tonada. ¿Por qué el nombre de Bad Sounds, por cierto?

Es una historia aburrida: básicamente grabamos un buen demo antes de ser una banda; nos encantó la canción, pero todos los sonidos apestaban, en verdad eran malos.

Entonces etiquetamos ese demo como “bad sounds”. Tiempo después cuando buscábamos un nombre para la banda, pasamos por opciones realmente terribles, las desechamos, nos encontramos con el nombre de ese primer demo y pensamos que nos funcionaba bien.

¿Cómo describirías un concierto de Bad Sounds?

Creo que sólo compartimos lo que hacemos y realmente disfrutamos la música que estamos haciendo. Ayuda que estemos jugando como cinco personas que realmente se llevan bien. Mucho de esto tiene que ver con las personas que vienen a vernos también: cuando vemos que lo están disfrutando igual que nosotros… resulta increíble ese ciclo de buenas vibras. ¿Prefieren los grandes festivales o las presentaciones pequeñas?

Nos gusta mucho organizar un gran espectáculo, lo cual no es posible en algunos festivales ya que tienes unos diez minutos para estar listo en el escenario. En los shows más pequeños, el escenario puede ser igual de pequeño que el del festival, y eso realmente me gusta, pero son el polo opuesto a los shows más grandes en Londres, donde hay telones de fondo, cambios de equipo y un montón de locuras. Al final hay diferentes tipos de diversión en cada caso.

Bad Sounds abre el escenario Corona Light, en punto de las 3:30 de la tarde, durante el segundo día de esta edición del Corona Capital, desde donde dará paso a Max, Deaf Havana, Digitalism, Death Cab for Cutie y New Order.”

Música

GUS DAPPERTON GUS DAPPERTON

TXT:: Israel Arias FOT:: BR Artist Group

y la colorimetría de la vida La composición de la portada del sencillo era tan básica como compleja: de izquierda a derecha podíamos observar una imagen de él cortándole el pelo a una chica con su mismo estilo que, enseguida venía acompañada de la letra completa de la canción, justo debajo la paleta de colores de la composición y todo esto en un fondo blanco.

Mi curiosidad por semejante personaje me hizo ir directamente a los videos que tiene en su canal de YouTube y la impresión fue aún mayor. Gus en ese entonces sólo tenía un par de videos y cada uno, su propia personalidad, colorimetría y hasta un guión, que como se ve cada vez menos, tenía principio y final.

Lo único en común entre ambos videos era la realización: cada uno presume un aspecto cinematográfico bien cuidado, una corrección de color dedicada, planos bien ejecutados y una composición perfectamente cuidada, como si se hubieran tardado años en hacerlos.

La conclusión no me bastó y me fui directamente a la información. Fue ahí cuando me di cuenta que un chico de 21 años de nombre Brendan Patrick Rice estaba haciendo todo esto por su cuenta, con la ayuda de sus amigos de la infancia y su hermana, quienes tienen casi la misma edad.

Así sin más, descubrí que Gus Dapperton no sólo hacía música, sino que era un realizador completo que hacía lo que quería con lo que tenía, y todo esto con una gran historia que realmente reflejaba su estilo y su forma de ser.

Hace un tiempo tuve la oportunidad de hablar con Gus Dapperton en persona sobre todo

32

MVN-166

Fue a principios de este año cuando descubrí a Gus Dapperton con su canción “Prune, You Talk Funny”.

El sentimiento de curiosidad que despertó en mi fue casi instantáneo cuando noté la diversidad en lo que hacía, y que –claramente– se veía remarcado en su estilo y realización, sobre todo porque todo lo que veía estaba perfectamente cuidado hasta en el más mínimo detalle…

MVN-166

33

esto y para poder entrar en el tema tengo que contarte un poco más sobre él. Todo inició en su infancia, cuando se juntaba con sus amigos para rapear y crear música bajo las influencias del hip-hop; desde ese momento fue desenvolviéndose en el ámbito musical.

Fue hasta los diecisiete años cuando inició su travesía como profesional en la industria; a esa edad se rompió el ligamento anterior cruzado, caso que lo dejó sin estudiar por un largo tiempo, al grado de creer que no volvería a estudiar.

En ese momento Brendan decidió crear historias que tuvieran a la música como plataforma y fue así que Gus Dapperton nació.

Desde ese instante él sabía que algo había cambiado y que su estilo de vida no iba a ser el mismo.

Lo único que tenia en mente es que las facetas de su vida siempre tendrían que transmitirse a partir de la música y los colores. Toda su inspiración partió de ahí.

Me comenta que él siempre estuvo inspirado por colores y sentía que había pasado por muchas facetas en donde los colores tenían un significado importante a través de cada una de ellas.

Una parte importante de su vida se ve reflejada ahí y el gran ejemplo es la combinación de colores que tiene en cada uno de sus materiales y videos sobre los que -me comentó- lo hizo a propósito y de modo más marcado, en su EP más reciente, You Think You’re Comic! Así como en el single “Prune, You Talk Funny”, en el que predominaban dos colores en especial: el rosa y el amarillo, mismos que fueron dos colores que han marcado

profundamente las diferentes etapas de su vida…

Así como su tendencia hacia estos colores, su vida ha estado marcada por un sin fin de facetas, una de ellas y quizá la más importante, es la que vivió durante su infancia, misma que sufrió con bastas repercusiones para convertirlo en lo que hoy es gracias a la sociedad sesgada que recriminaba y señalizaba con comentarios y acciones hacia su persona desde su forma de vestir, ser y hasta de pensar.

Las criticas y señalizaciones no eran un impedimento para él y su forma de ser. Él se la pasó creando a pesar de todo ello, necesitando rodearse de las personas que quería y que lo hacían crecer como persona, únicamente.

Una de las críticas recurrentes ha sido cuando lo han tachado de homosexual; en una entrevista en especial comentó que se lo han dicho muchas veces pero que es algo con lo que no se identifica y que en realidad no le molesta que se lo mencionen, ya que al final no es relevante y mucho menos algo de lo que tenga que sentirse ofendido.

Comentamos también un tema bastante serio que es el bullying y cómo es que esto trasciende a niveles importantes y alarmantes en la sociedad. Ante esto, compartimos historias y llegamos a la conclusión de muchos puntos que uno como persona debería de hacer ante estos casos.

Primero que nada y lo más importante, es que la forma de ser de alguien nunca debe de cambiar y lo primero que uno debe hacer es mantenerse firme y fiel ante sus deseos y convicciones. Apunta que la sociedad tiene esa mala idea de cómo alguien tiene que ser, cómo se tiene que ver, cómo tiene que actuar, cómo tiene que pensar e incluso en lo que tiene que creer.

En realidad la sociedad no debe de acorralar ni señalar a la gente y mucho menos decirles que no pueden ser ellos mismos, porque así no es como la gente “normal” se comporta. Y quizás uno de los consejos más importantes que Gus

Dapperton me compartió fue que cualquier cosa que uno oculte, tiene que tomarlo y convertirlo para crear cosas a partir de ello.

Gus lo hace siempre imaginándose en un ambiente ideal en el que está rodeado de la gente que es similar a él y si uno logra eso y crea cosas a partir de ello ya sea, arte plástico, música, video, o lo que su imaginación les permita realizar, lo único que queda es enfocarse en quien uno es y hacerlo sin importar quién seas en realidad.

Si uno va a hacer las cosas, simplemente tiene que hacerlas y lo más importante es que te haga feliz, porque gracias a eso podrás conocerte a ti mismo. Si no lo haces todo será más difícil y lo será aún más si finges ser alguien que no eres en realidad.

Gracias a esta plática pude conocerlo mejor como profesional y como ser humano y tengo que sentenciar que fue un honor poder compartir diferentes puntos de vista con él sobre “el color de la vida” y de su persona.

Al final me compartió que estaba trabajando en un nuevo álbum que saldrá el próximo año y que iba a estar lanzando sencillos durante otoño e invierno de este año, “World Class Cinema” es una de ellas, la cual merece la misma atención que el sencillo que he mencionado en este texto. Asimismo, dijo que nunca había venido a presentarse a nuestro país, por lo cual en realidad no espera nada; porque le gustaría que México lo tome por sorpresa. Él es Gus Dapperton y dará lo mejor de sí en el Corona Capital el próximo sábado 17 de noviembre en su primera visita a México.

Música

SPARKS SPARKS MÁS MODERNOS QUE CUALQUIER MODERNO

TXT:: Jorge “negro” Hipólito FOT:: Philippe Mazon

Hablar de los hermanos Ron y Russell Mael, es hablar de dos tipos realmente vanguardistas, dos tipos que con Sparks -su banda desde 1971- han visto ir y venir modas y tendencias y que pese a todo han seguido fieles a su estilo, creando ellos mismos esas tendencias la mayor parte del tiempo; por algo será que uno de sus tantos motes es el de ser unos de los “inventores” del sonido New Wave. Fue de esto último y con motivo de su visita a la Ciudad de México para presentarse en el Festival Corona Capital que tuvimos la oportunidad de platicar desde la ciudad de Los Angeles con Russell.

Hola Rusell, ¿dónde te encuentras?

Hola, estoy en Los Angeles que es la ciudad donde vivo.

Cuéntame un poco acerca de su nuevo single “Check out Time 11 AM”.

Bueno, pues es una canción que era parte de nuestro último álbum pero que por cuestiones de espacio no alcanzó a entrar en el disco.

un sueño hecho realidad para nosotros que a la fecha seguimos siendo amantes de la cultura inglesa.

Tenemos muchas canciones de ese período sin publicar y esta es una de ellas: son canciones a las que, a partir de las versiones originales les añadimos algunos elementos para que sonaran actuales. En particular estamos muy emocionados con esta canción, tiene una letra única y especial. La analogía con la hora en la que tienes que dejar una habitación de hotel y el fin de una relación de pareja nos gusta mucho porque al final es una canción de desamor como la de cualquier otro grupo pop pero creemos que al relacionarlo con la hora en la que tienes que dejar la habitación se convierte en algo muy divertido.

Hablemos un poco de historia, tú y tú hermano se mudaron a Inglaterra en 1974 ¿Cuáles fueron los motivos que los llevaron a esto?

Simplemente que éramos y seguimos siendo muy fanáticos de Inglaterra: nos gusta mucho todo lo que tiene que ver con la cultura inglesa, su música, su moda, etc.

Previamente ya habíamos editado dos álbumes increíbles producidos por Todd Rundgren y creímos que ya era tiempo con experimentar algo diferente musicalmente hablando.

Nunca tuvo nada que ver con lo que pasaba en Estados Unidos; tuvimos una oferta de Island Records para ir a grabar a Inglaterra, y ya nos habían platicado que nuestros discos tenían algún éxito por allá así que decidimos arriesgar y el resultado fue muy bueno. Fue como

Durante mucho tiempo han sido llamados “La primera banda New Wave del planeta”, ¿qué opinan de esto?

Siempre he escuchado que la gente dice que fuimos los primeros en muchas cosas [risas] y creo que nosotros somos los menos indicados para afirmar o negar este tipo de cosas; lo que si te puedo decir es que respetamos mucho la opinión de quien dice eso y cosas como que también fuimos el primer dúo de música electrónica cuando la mayoría de las bandas grandes en ese tiempo eran bandas de rock con bajo, guitarra y batería. Al final es un reconocimiento hacia algo que haces con mucha pasión y cariño. ¿Qué piensas de las “nuevas formas” de distribución de música, hablando específicamente de las plataformas de streaming como Spotify o Apple Music?

Creo que es una muy buena herramienta como fan o como artista para acceder a un catálogo o a mucha música de tu artista favorito, pero yo en lo personal como coleccionista de música, como melómano, siempre estaré más a favor de tener algo físico en tus manos como un vinil, algo que puedas tocar, que puedas oler y qué además tienes en el arte del disco algo que se trabajó como eso, como una pieza de arte y en la que los grupos o bandas también tuvieron que ver. ¿Han estado alguna vez en México?

No, nunca hemos estado: esta vez, en noviembre, será nuestra primera visita y realmente estamos muy emocionados. Vivimos en Los Angeles y eso nos mantiene muy unidos a la cultura mexicana, interactuamos todo el tiempo con gente mexicana pero México es uno de esos países que siempre hemos querido conocer y si lo podemos hacer yendo a tocar pues qué mejor.

Muchas gracias Russell, nos vemos en noviembre.

Gracias a ustedes y esperemos que les guste y disfruten de nuestra música y de nuestro show.

34

MVN-166

MVN-166

35

Música

DEATH DEATH CAB CAB FOR FOR CUTIE CUTIE

TXT:: Sergio Benítez FOT:: Death Cab for Cutie

…Y LA FIEBRE DEL ORO

36

MVN-166

Una de las bandas que más emociona a muchos para el festival Corona Capital 2018, es sin duda Death Cab for Cutie, quienes están de estreno con Thank You for Today, su noveno álbum y que recuerda un poco a los primeros larga duración de la banda de Bellingham, Washington.

Thank You For Today mantiene un estilo para nada alejado de lo que nos tiene acostumbrados: letras depresivas y ese sonido experimental dentro del indie pop característico de la agrupación que junto a la dulce y melancólica voz de Ben Gibbard genera una mezcla de sentimientos que van de la esperanza a la tristeza a lo largo de los diez temas que componen el disco.

El primer sencillo que se desprende de este material es “Gold Rush”: se trata de un tema donde la letra habla las vicisitudes que vive la gente día a día y de todos esos detalles cotidianos a los que no se les presta atención por vivir consumidos en los deberes y la tecnología que ha servido para aislarnos de los demás. La canción está acompañada por un video que tiene como protagonista al propio Ben y en donde queda aún más claro el mensaje que quizo expresar.

Este material es también el primero que lanza Death Cab for Cutie desde la partida de Chris Walla y marca el regreso de Rich Costley como productor, luego de haber colaborado inicialmente con la banda tres años atrás, en el álbum Kintsugi.

“Chris fue un miembro importante para la banda por un largo tiempo.

Siempre habrá un lugar especial en mi corazón para la música que hicimos con Chris, realmente hicimos muy buena música juntos y tuvimos muchas aventuras divertidas. Sin embargo, cuando estás en una larga relación creativa con alguien, hay momentos en que la historia comienza a funcionar en tu contra”, expresa Nick Harmer, bajista de la banda, sobre lo que provocó la partida de Chris. ¿Cuál ha sido la parte más difícil de hacer un álbum de Death Cab sin Chris?

No fue complicado grabar este disco… Y creo que justo habíamos llegado a ese punto. Luego de que Chris tomó la decisión, casi en seguida nos embarcamos en una

MVN-166

37

gira y empezamos a hacer música con Zack y Dave, de inmediato sentimos una conexión musical muy fuerte con ellos. Estoy muy orgulloso de este álbum, es uno de los mejores hemos hecho. ¿Sintieron alguna presión de parte de ustedes mismos o sus fans?

No en realidad, nunca lo pensé desde la perspectiva de un fanático, aparte del hecho de que soy el mayor fan de nuestra banda. Creo que al mirar nuestro catálogo en los últimos cinco años, veo algunos lugares donde terminamos en un territorio que nos alejaba de lo que nos hacía ser quienes éramos.

Cuando miré todas nuestras canciones, encuentro que todas las canciones que les gustan a nuestros fans son las que más me gustan. Entonces, me di cuenta de que si intentaba pensar en la música desde esa perspectiva y realmente intentaba conformarme con lo que quería que hiciera el disco, creo que podemos trascender la pérdida de que Chris ya no esté en la banda.

Nos enfocamos en la idea de hacer un buen álbum, en concentrarnos para tocar lo mejor que podemos para seguir haciendo música juntos, sin poner atención a cómo estaba sonando este disco sin Chris tocando en él.

Para este álbum trabajaron nuevamente con Rich Costey. ¿Cómo los desafió o retó todo este tiempo?

El beneficio de trabajar con el mismo productor durante dos álbumes seguidos es que le agrega una buena visión general y objetiva.

Hubo mucha perspectiva que él trajo, siendo productor en dos versiones de la formación de la banda. Siempre estuvimos seguros de que Rich nos mantendría en el camino si alguna vez “nos perdíamos en el bosque”.

Le doy todo el crédito del mundo por la forma en que este álbum terminó sonando. Nos ayudó a presionarnos

y alentarnos cuando necesitábamos aliento o cuando las cosas estaban sonando bien. Estamos muy contentos de haber podido hacer un disco con él de nuevo.

En cuanto al arte de la portada, parece tan minimalista como mucho de lo que hay en este álbum. ¿Cómo surgió la idea?

Lo trabajamos con una compañía de diseño aquí en Seattle llamada Hum Creative. Nos hicieron un montón de preguntas al principio, sobre cómo hicimos el disco y qué significan las canciones para nosotros y ese tipo de cosas. A través de un proceso de destilación de nuestras respuestas y nuestros sentimientos sobre las cosas, presentaron diferentes opciones para nosotros. El diseño nos pareció muy similar al título, un poco como un espejo para quien interactúa con él. Puede ser algo esperanzador. Puede ser un poco triste. Puede ser neutral, y creo que eso nos gustó mucho.

Hay algunos momentos dentro de este album donde se sintió como un regreso a los temas del Narrow Stairs, ¿es correcta mi apreciación?

Sí, fue un poco de manera intencional. Queríamos llevar muchas de las canciones a ese sonido que hemos tenido a lo largo de veinte años de carrera. No sé, ciertas guitarras, o estilos vocales que nos recordaran todo el trayecto que hemos recorrido.

En el intro de “Gold Rush” se escucha un sampleo de “Mind Train” de Yoko Ono. ¿Cómo se les ocurrió esta idea?

Ben (Gibbard) es un gran fan de ella.

Tiene una especie de cruzada en la que ha estado tratando de convencer a las personas que lo rodean para que realicen una inmersión real en su música y no caigan en las narraciones racistas y sexistas de su participación en The Beatles. Aún sin conocerla, Yoko nos dio su bendición y aprobación para usarla, así que eso fue realmente significativo para nosotros.

Como parte del cartel de la octava edición del festival Corona Capital, Death Cab For Cutie se presentará en el escenario Corona Light, a las 8:40 del domingo 18 de noviembre; justo antes de New Order.

SUPE SUP ORG ORG En portada

ER PER GAGA-

La era del Internet nos ha regalado de todo…

TXT:: Esteban Hernández FOT:: Steph Wilson

En portada

40

MVN-166

Videos de gatitos, memes de cualquier cosa y bandas que, sin duda alguna, cambiarán la concepción que se tiene de música.

Superorganism es la banda oficial del internet. Ocho artistas de distintas partes del mundo (Estados Unidos, Reino Unido, Japón, Corea y Australia) decidieron hacer una banda vía chat, misma que se convertiría en uno de los grupos más interesantes de los últimos años. En 2017 lanzaron su carta de presentación: Something for Your M.I.N.D, canción que tendríamos pegada durante todo el año. A principios de éste año lanzaron su primer LP, que presentaría al mundo un estilo completamente nuevo: pop indie con influencias de hip hop y de música electrónica.

S En portada

Superorganism suena a siglo XXI. Sus videos están llenos de referencias de este momento, y junto con la música “nos saturan” de información y nos hacen sentir en casa. Sus letras cambian de parecer cada segundo y reflejan perfectamente la personalidad de su cantante, Oro Noguchi. Con tan solo dieciocho años, Oro se ha convertido en un fenómeno gracias a su humor y honestidad.

Su primer disco es un reflejo de todos nosotros, “Everybody Wants To Be Famous” delata nuestro deseo más íntimo, pero nos permite burlarnos de lo ridículos que somos. Previo a su presentación en el Corona Capital 2018, platicamos con la vocalista sobre su proceso creativo, el origen de la banda y su presentación del próximo 18 de noviembre.

Su música parece estar marcada por muchísimas formas artísticas. ¿Crees que esto sea gracias a que todos provienen de lugares tan distintos?

Esas cosas pasan cuando tienes ocho personas en una banda, sobretodo cuando son tan diferentes. Creo que tienes mucha razón, todos estamos interesados en un montón de cosas, y al trabajar hacia el objetivo de crear algo que englobe todo eso, nos vemos influidos por todo tipo de arte.

Superorganism parece ser una banda que solamente podría existir en la época del internet, como si fueran la banda oficial de Reddit, pero esto no me parece una decisión consciente, más bien es el resultado de lo que vivimos todos a diario.

Sí, realmente todos en la banda hemos hecho amigos gracias al internet. Cuando creces te ves decepcionado por tus compañeros de escuela, sobre todo si eres una persona ambiciosa, con muchas metas -o al menos así me pasó a mi-.

Es difícil encontrar a gente que esté en el mismo canal que tú, y el internet es el lugar ideal para esto. Fue muy natural para nosotros incorporar éste tipo de cosas en lo que hacemos, nunca pensamos “¡Hey! Deberíamos meternos a internet y encontrar a un montón de gente para hacer una banda…”, simplemente sucedió.

Se saltaron la fase de ser una banda pequeña. ¿Esto los hace sentir mucha más presión o es más fácil que poco a poco tener que hacerse de un nombre?

Siempre tuve el plan de volverme famosa.

Mi plan era estudiar en una universidad muy buena en Estados Unidos y conocer a gente para hacer una banda. Después

42

MVN-166

NINGUNO DE NOSOTROS TIENE OPINIONES MUY FUERTES SOBRE NADA, SOMOS MUY IMPARCIALES Y CREO QUE EL DISCO REFLEJA ESO PERFECTAMENTE. ME PARECE UNA FORMA MUY BUENA DE VIVIR, ES ALGO QUE LOS OCHO COMPARTIMOS. MVN-166

43

En portada

conseguiríamos un contrato discográfico, iríamos de gira y nos haríamos famosos al estilo de Vampire Weekend. Eso era lo que me imaginaba, que de por si ya son estándares muy altos, pero nunca había estado en una banda, no sabía qué era lo que tenía que pasar.

A veces sigo sintiendo que somos una banda pequeña y de pronto tocamos en Barcelona para 10,000 personas. Lo bueno es que no siento presión; realmente no me importa lo que piensan de lo que hacemos. Al trabajar con otras siete personas la música ya pasa por suficientes filtros así que tenemos bastante claro cuando algo va a ser bueno.

Las letras en su disco tienen una dualidad muy interesante. Por un lado bromean y por el otro lado tocan temas muy serios.

No sé si fue algo completamente consciente, pero definitivamente eso refleja nuestra personalidad como banda. Ninguno de nosotros tiene opiniones muy fuertes sobre nada, somos muy imparciales y creo que el disco refleja eso perfectamente. Me parece una forma muy buena de vivir, es algo que los ocho compartimos.

Platícame sobre el uso de sampleos, son un elemento constante en su música.

Me gusta mucho usar sampleos. El hip hop usa ese recurso muchísimo, y nosotros crecimos escuchando ese tipo de música. Nuestra música es como un collage, somos un montón de personas metiendo un montón de material en nuestra música, y los sampleos son una forma muy natural de lograr esto.

La producción de su disco es excelente, siempre hay algo nuevo sucediendo y hay un buen balance entre elementos análogos y digitales.

Nos gusta mucho usar instrumentos análogos,

suenan increíble y son muy fáciles de usar. Por el otro lado, ahora “el instrumento perfecto” son cosas como Logic Pro X y Ableton Live, que te permiten hacer el sonido que quieras, ni siquiera tienes que saber tocar un instrumento. Nos gusta mucho combinar ambos mundos porque crecimos con ambos, inclusive al tocar en vivo. Hoy en día todo mundo toca solamente con una laptop, pero tenemos la suerte de ser multi instrumentistas, eso hace que nuestro show en vivo sea mucho más interesante. ¿Por qué escribieron una canción sobre un camarón?

Eso fue idea de Emily y, no sé, me pareció algo súper divertido y estúpido, no tiene sentido. A veces necesitas cosas así en tu vida, se me hizo un tema excelente para una canción.

Van a tocar durante el segundo día del Corona Capital. ¿Cómo se sienten? ¿Qué podemos esperar de su set?

Estamos muy emocionados, inclusive nos quedaremos unos días más, así tendremos oportunidad de explorar un poco. Tenemos cincuenta minutos para hacer el show, así que seguramente podrán escuchar todo nuestro disco y quizás nuevas canciones. Tendrán que ir a vernos para averiguarlo. ¿Existiría Superorganism sin The Wiggles, el programa de televisión australiano?

Wow, seguramente no. Crecí viendo a The Wiggles y la verdad no entiendo por qué. Creo que mi papá compraba videos piratas chinos de ellos, y los veíamos una y otra vez. Me sabía todas las canciones y todos los bailes, me encantaba imaginarme que era parte del grupo.

The Wiggles son una banda MUY importante, buena referencia.

44

MVN-166

MVN-166

45

De Culto Música

Thought Gang:

Un pollo decapitado corriendo TXT:: Lenin Calderón FOT::Sacred Bones Records

T

omaron algunas canciones ya editadas, les sumaron otras inéditas y armaron un álbum completo, lleno de lo que ellos nombran “jazz esotérico”: Una combinación de cool jazz, letras narradas más que cantadas, mucho noise y el pop nostálgico estilo Twin Peaks, sello de esta mancuerna creativa.

Lynch y Badalamenti se conocen desde los tiempos de Blue Velvet (1986), cuando alguien le llamó a este último para que le ayudara a Isabela Rossellini con las escenas en las que tenía que cantar “Blue Moon”. Además de dicho encargo, el compositor recibió otra asignación: Crear un tema que se pareciera a la versión que This Mortal Coil hizo de la canción “Song to the Siren”, de Tim Buckley. El resultado fue “Mysteries of Love”, además de varias piezas más en las que las letras eran escritas por uno y la música por otro.

Después, le daban a cantar esas canciones a Julee Cruise cuya voz angelical era el contrapunto ideal para el universo de Lynch, en el que nada es lo que parece.

Durante la grabación de aquella cinta, Lynch tuvo un intenso romance con Rossellini que lo llevó al divorcio y duró poco. Su relación con Badalamenti, sin embargo, sería más longeva y cuatro años después volvería a dar frutos.

TV. El formato de serie le permitiría acentuar uno de los elementos claves para su cine: el misterio.

Una temporada de varios capítulos le daría espacio para manejar a discreción el suspenso y la incertidumbre. La música tendría un papel preponderante en Twin Peaks (1990-1991), una serie cuya anécdota elemental gira en torno al asesinato irresuelto de una joven estudiante, en un pueblo bicicletero adentrado en los bosques, donde aparentemente no sucede nunca nada pero, de pronto, se ha tornado aterrador.

Para la música de dicha serie, Lynch ya tenía a Badalamenti en sus planes y juntos trabajaron en la instrumentación inicial de lo que después se convertiría en “A Real Indication”. Cuando terminaron de grabar la música y con la letra ya escrita, Lynch se preguntaba a quién se la podían dar para que la cantara. Badalamenti sugirió que él mismo podría intentarlo a pesar de que Lynch tenía grandes dudas de que fuera capaz de dar el tono. Tal como lo citan en un comunicado que anuncia el estreno del disco, Lynch afirma: “Yo ya había escuchado a Angelo antes, ya sabía cómo sonaba y pensé que iba a ser incluso bochornoso para él mismo. Pensé que no había forma de que funcionara”. Para su sorpresa, Badalamenti se incorporó a la canción fluidamente, con un estilo más platicado que cantado, que encajaba muy bien. “Angelo lo estaba sintiendo. Angelo podía sentirlo” recuerda Lynch, “Fue como si un foco explotara en mi estómago. Apretamos el botón y Angelo despegó”.

EXPERTO AMATEUR El universo musical de Lynch es parte tanto de Thought Gang como del par de álbumes que tiene como solista (Crazy Clown Time, 2011, y The Big Dream, 2013). Elementos propios de la música que oía cuando adolescente, como las baladas con vocales al estilo Bobby Vinton o la guitarra grave y prolongada de Link Wray son contextualizados de nuevo, en el mundo actual a través de efectos de reverb y letras cantadas a la mitad. El tono nasal de la voz de Lynch les agrega ese aire onírico y misterioso. Lynch tiene un profundo entendimiento de las canciones y los estados de ánimo. Aunque no es un músico exactamente, ha trabajado con gente como Badalamenti o el diseñador sonoro

EL MISTERIO DE UN DÚO Tras rodar otra película, Wild at Heart (1990), Lynch decidió probar con la

46

MVN-166

Alan Splet por cuarenta años. Sabe cómo trabaja el sonido y conoce las diferentes respuestas emocionales que es capaz de generar.

EXPRESIONES MARCIANAS La música en sus películas llega en momentos críticos, por no decir inolvidables: Si Dennis Hopper se pinta los labios para cantar “In Dreams” de Roy Orbison en Blue Velvet, o mientras Rebekah del Rio interpreta “Crying” del mismo Orbison frente a un público que parece sacado de una pesadilla en Mulholland Dive, o cuando el Jack Nance, al borde de la locura por ser el padre de una criatura monstruosa, escucha cantar “In Heaven” (después versionada por los Pixies) a una grotesca mujer que vive dentro de su calentador, en la cinta Eraserhead.

La música le permite a Lynch completar la distorsión de lo cotidiano que plantean sus imágenes y muchos de los diálogos de sus escenas. Es como si con él se cumplieran los sueños del cine expresionista en cuanto a abrirle al público una puerta “al otro lado”. En ese sentido y con toda precisión, Mel Brooks (quien le ayudó a producir The Elephant Man en 1980) define a Lynch como un “Jimmy Stewart proveniente de Marte”.

NO-CANCIONES Durante cuarenta años de hacer cine, Lynch ha retratado esas otras dimensiones -habitadas por demonios, doppelgangers y asesinos psicóticosque existen incluso en el EU más idílico y soleado.

El bebé deforme de Eraserhead, la oreja cercenada de Blue Velvet o la explosión nuclear de Twin Peaks: The Return son impresiones más que escenas o historias. El impacto de su cine radica en la impresión más que en la trama y así es un poco también su música. La música de Lynch se concentra más en las sensaciones que en la canción, carece de mensajes lineales o letras totalmente objetivas. Es por eso que sus discos parecen más películas que otra cosa. Además, qué podríamos esperar cuando Lynch se pone a leer, frente a un micrófono con efecto vocoder, durante casi cinco minutos, un texto acerca de pensar positivamente, tal como lo hace en “Strange and Unproductive Thinking”. Para muchos, un

MVN-166

47

exceso innecesario y redundante de promover sus ideas acerca de la meditación trascendental; para sus fans, una forma genial de ilustrar a la sociedad sobrecomunicada y el carácter volátil de los mensajes.

Así, mientras afirma que tal vez ya no vuelva a dirigir películas o presenta su autobiografía titulada Room To Dream o pinta su último cuadro en el que hasta los niños de apariencia más inocente empuñan navajas, Lynch se mantiene vigente a sus setenta y dos años. Modern Music, el disco debut de Thought Gang es una prueba de ello y viene muy bien después del regreso tan criticado y aclamado de Twin Peaks. Además de las canciones estrenadas previamente, como “Frank 2000” o “Summer Night Noise” sólo hay un sencillo que puede darnos una idea de qué podremos encontrar en este disco.

“Woodcutters From Fiery Ships” se estrenó hace unas semanas para recordarnos el gusto de Lynch por lo industrial y que ha mostrado desde sus inicios. Sólo tenemos esa pista y la declaración de Reggie Hamilton -el bajista de la banda-, que conformaron para el disco, como referencia en cuanto a las indicaciones que Lynch les dio a los músicos: “Nos dijo que pensáramos en un pollo sin cabeza corriendo por todos lados con miles de hachas en la garganta”. Con indicaciones tan concretas como esta, no podemos si no esperar otro capítulo inexplicable de la dimensión lynchiana.

Este mes se estrena el primer álbum de Thought Gang, el proyecto musical de Angelo Badalamenti y David Lynch. Aunque el concepto del grupo como tal surgió hace veintiséis años, es hasta ahora que decidieron plasmar su trabajo en un LP.

De Culto Cine

Johnny después de Rotten

Foto: Ebet Roberts

TXT:: Toño Quintanar

48

MVN-166

MVN-166

49

De Culto Cine

F

ue en el año de 1978 que el mundo atestiguó el nacimiento de PiL (Public Image Ltd.), quimera sonora comandada por un John Lydon quien, desentendiéndose de los pesos muertos del pasado, estaba listo para embarcarse en un nuevo proyecto que pronto se destacaría como una irrefrenable factoría de vanguardias sonoras.

Consciente de la relevancia que implica capturar la multifacética esencia de esta agrupación de culto, el mexicano Tabbert Fiiller lanza a la luz el documental The Public Image is Rotten (2017), trabajo en el que podemos apreciar a un John sumido en la que probablemente sea su faceta más sensible y reflexiva. Misma situación que da como resultado un relato tremendamente emotivo.

En entrevista para Marvin, el cineasta nos habla acerca de los pormenores, retos y fulgores que se desprendieron de este increíble proyecto el cual ha cosechado múltiples elogios a lo largo del mundo. ¿Cuál fue el principal enfoque para este documental?

Sabía que no iba a tocar nada de los Pistols, salvo lo necesario. Lo importante era profundizar en las motivaciones tanto de John como del resto de los personajes. Descubrir de dónde vienen las motivaciones para el surgimiento de PIL. ¿Qué se proponían lograr? John Lydon siempre ha sido la cabeza de PiL, por lo tanto, fue necesario tratarlo como el motor de la banda y ver cuáles eran sus motivaciones. Saber qué pretendía lograr.

¿Cómo fue tu acercamiento a John? Parece ser que lograste escarbar bastante profundo en su personalidad.

Es difícil decirlo. Traté de convencerlo de muchas cosas. Algunas las logré y otras no. Una de ellas fue entrevistar a su esposa (Nora Forster). Su respuesta fue que él había decidido estar en el ojo público pero que ella no estaba obligada a hacerlo. Él no quería someter a su familia al escrutinio de los medios. Creo que bajó mucho sus defensas. La mayoría de la gente lo conoce como alguien difícil de entrevistar pero me percaté de que, si siente que lo estás encaminando a que responda algo en particular, él se molesta, le sale lo rabioso [risas]. Yo he sido fan de Public Image toda la vida y tengo una idea de cómo funciona John. No le gusta que le obligues a contestar lo que quieres oír. Es como cuando murió Margaret Thatcher. Mucha gente trató de encaminarlo a que dijera algo malo acerca de ella. Él respondía que no tenía nada en contra de Thatcher como persona, ni mucho menos que le daba gusto su muerte. Su problema era con la institución. Creo que llegamos hasta cierto nivel de confianza pero mantuvo esta raya entre su carrera y lo personal.

A pesar de la enorme relevancia de The Sex Pistols en la cultura popular, no cabe duda de que John encontró su verdadera voz creativa con PiL. Es una idea central dentro del documental y dentro de PiL. El nombre del grupo hace referencia a una especie de “compañía”. Un “nombre legal”. John lo vio a partir del hecho de que, en esta ocasión, su imagen pública sería limitada. Esto en relación a cómo vivió todo el asunto de The Sex Pistols.

Mucha gente pasa por alto el hecho de que los Pistols tenían entre 18 y 20 años cuando se formaron. En cambio, Malcolm McLaren tenía 35.

Era un adulto y ellos niños. Le confiaron muchas cosas y, hasta cierto punto, él los usaba. Usaba su música y su estilo. No hay cosa que John Lydon deteste más que ser usado.

A lo largo del documental podemos ver a múltiples celebridades hablando acerca de la importancia de PiL en la escena musical.

Moby dice que el primer álbum de PiL (First Edition) sigue siendo uno de sus discos favoritos. Él lo

50

MVN-166

MVN-166

51

Foto: Joe Stevens

Foto: Jeannette Beckman

De Culto Cine

reto fue ir contra los deseos de las disqueras: hacer música con sus amigos. La música funcionó genial -en un principio-, pero hacer música con sus amigos también representó varias dificultades. La convivencia no era tan sencilla. John siempre ha buscado hacer la música que él quiere, con la gente que él quiere. Ése ha sido el reto desde siempre.

Este documental presenta todo un collage de imágenes y grabaciones de archivo. ¿Cómo fue la experiencia de ensamblar este rompecabezas iconográfico?

Fue increíble adentrarme en los archivos. Tuve que ver todos los materiales por lo menos una decena de veces. Traté de analizar las cosas, encontrar la esencia de PiL. Fue un gran gusto. Pasé cinco años trabajando en el documental y buena parte de ese lapso de tiempo la invertí organizando el material, tratando de conocerlo a fondo; quería saber qué significaba cada imagen y cómo podía usarla para explicar la esencia de PiL. compara con el White Album de The Beatles. Flea dice que el Second Edition (Metal Box) cambió su forma de tocar el bajo. Son cosas que revelan mucho pero, más que un testimonio en particular, me interesaba exponer la diversidad de la música que fue influida por PiL. Moby, Beastie Boys, los Chili Peppers, Sonic Youth, es música muy diferente.

La historia de PiL es un asunto bastante caótico. Ha habido múltiples cambios en la alineación y bastantes demonios personales. ¿Cuál crees que ha sido el mayor reto al que se ha enfrentado este proyecto a lo largo de su carrera?

El contexto en el que se formó PiL es muy particular. The Sex Pistols fueron número uno en su época.

Desbancaron a Rod Stewart de las listas de popularidad. Cuando John decidió formar una nueva banda, se enfrentó a mucha presión por parte de las disqueras. Querían que hiciera una agrupación con una alineación “estrella”. Él luchó por no caer en eso. En un inicio trató de hacer un grupo con sus amigos.

Muy pocos recuerdan que, en un principio, The Sex Pistols no eran amigos. Él simplemente fue reclutado.

Nunca pensó que sería cantante pero con los Pistols se dio cuenta de que podía hacerlo. También se dio cuenta de que podía escribir canciones y de que le gustaba.

Cuando tuvo la oportunidad de hacer algo propio escogió, tanto a gente desconocida, como a otra con la que tenía intereses en común. Uno de ellos fue Keith Levene, fundador de The Clash. Él trajo cierta amorfía “anti-pop” al sonido de PiL. El principal

Me da la impresión de que el documental busca darle voz a todas las personas que han estado involucradas en PiL. Me hubiera gustado poder incluir mucho más material. Fue una investigación muy larga. A todos les pregunté sobre su niñez y cuáles fueron sus primeros acercamientos a la música. El primer corte era de ocho horas, así que había que tomar decisiones prácticas. Por lo tanto, organizamos el relato partiendo de la idea de que John es la figura central. Después de todo, él ha sido el único integrante constante dentro de la banda. Es tanta la gente que participó en PiL que es difícil adentrarnos en cada personaje. Especialmente tomando en cuenta que el grupo ha tenido múltiples cambios. Sin embargo, también me interesaba retratar, en la medida de lo posible, cómo es que cada uno de los miembros aportó algo al grupo desde su experiencia personal. ¿Cuál dirías que es el legado de PiL de cara al nuevo milenio?

Es algo iluso pensar que PiL puede hacer una segunda revolución –la primera fue The Sex Pistols-.

Con lo que no defraudan es con el hecho de que no es un grupo que esté vendiendo la nostalgia.

No buscan capitalizarla. Después de verlos en vivo en distintas ocasiones te das cuenta de que nunca tocan una canción de la misma manera. Es diferente, no importa si son conciertos que ocurren en la misma semana. Su ejecución depende del público. Se escuchan los unos a los otros y todos escuchan a John. Escuchan el mood con el que canta. Basándose en eso pueden alargar una canción, acortarla, cambiarla. Eso es algo que yo le pediría a cualquier grupo: que estén en el momento, que den lo que tienen en el instante y que no sea un acto de nostalgia o tedio.

The Public Image is Rotten se estrena en la Ciudad de México este 5 de noviembre en Cine Tonalá, Tonalá 261, Roma sur, México D.F. (55) 5264 410 Las funciones se proyectan a las 17:30, 19:30 y 21:30.

Puedes adquirir tus entradas en http://cinetonala.mx/ lanzamientos-especiales/the-public-image-is-rotten/

52

MVN-166

MVN-166

53

Foto: Tobias Datum

Literatura

Las mentiras sobre The Cure TXT:: Alejandro Mancilla

F

ue uno de los “tres chicos imaginarios” originales. Su papel en The Cure fue determinante en aquellos años donde la banda británica explotó con toda su fuerza creativa. Si bien en algún momento abrazó su oscuridad propia y personal, Lawrence fue el único integrante de The Cure que permaneció cuando Robert Smith lo necesitaba.

Su libro Cured: The Tale of Two Imaginary Boys donde cuenta esas aventuras que lo llevaron del post-punk al goth y al pop, y de una férrea amistad a un desencuentro hoy redimido, es sin duda un interesante vistazo oficial a esos años nocturnos de fe.

“La historia termina cuando debe terminar” me asegura tajante cuando le pregunto sobre el final que le gustaría si la historia de The Cure fuera una película. “No, mejor cuando me salí”, bromea (hecho que se dio en los albores del disco Disintegration).

“No cambiamos la música, pero sí la cultura de la música en cierto modo. Tuvimos suerte y supongo que algún talento, pero finalmente fue la suma de ambas cosas. La gran fuerza de The Cure era que fuimos tanto comerciales, como artísticos. Me doy cuenta de esto ahora, después de muchos años”, reflexiona para explicarme con sus palabras dónde reside aún la magia del grupo.

El tecladista y baterista Laurence Andrew “Lol” Tolhurst, vivió tanto los momentos más luminosos como los más oscuros de The Cure, y en sus espaldas carga historias fascinantes.

En algún momento de principios de los años ochenta, la banda no sólo se dejó llevar, sino que fue artífice del llamado movimiento goth a nivel mundial. Era común ver a sus clones deambular con la cabellera alborotada como nido de cuervos y el delineador corrido. Si bien los héroes de ese movimiento, tenían un “santo patrono” (Ian Curtis), algunos biógrafos de la época aseguran que Robert Smith pudo seguir los pasos de ese mártir suicida justo en los momentos más álgidos, los cuales se reflejaban en discos de The Cure como Pornography.

Lol lo desmiente: “No, yo conozco a Robert y creo que nunca tuvo la intención de convertirse en un héroe trágico”, asegura; “lo conozco desde los cinco años

de edad. Somos familia. Como Pearl -“Porl”, como se acredita en las grabaciones de la banda- y Simon y Michael Dempsey, son gente que conozco de toda la vida”.

A mediados de aquella misma década, el grupo lanzó el VHS (a la fecha no se ha editado en otro formato) de un histórico concierto de 1986, The Cure in Orange, donde lucen como una banda pop en todo su encantador esplendor.

El grupo ya estaba conquistado el mundo y renegando un poco de las sombras sin abandonar su poética oscuridad cada vez con un sentimiento más ecléctico. “The Cure eran dos bandas en mi mente, la de tres integrantes primero y luego con Simon Gallup.

Pero esa época fue muy divertida y pop, lo que el grupo hizo con Pearl y Boris fue excelente, musicalmente hablando; pero ahí fue el comienzo de la locura… ”, rememora Lol. Recientemente Robert declaró “nunca fuimos góticos”… ¿tú te sentías gótico en esos tiempos?, le pregunto. “De eso tratará mi siguiente libro, pero te puedo decir que estoy de acuerdo con que no éramos goth; sin embargo pienso que hicimos que el goth fuera posible. La vida cambia, ¿sabes? la mayoría de la gente no quiere que suceda, pero aprendes a amar los cambios”.

Entre las cosas que se han dicho sobre The Cure es que durante una de sus etapas más bailables post-dark, el grupo había tomado sospechosamente prestada la base de “Blue Monday”, uno de los primeros hits de New Order. Lol, lo aclara: “Nosotros hicimos ‘The Walk’ antes que esa canción de New Order, por eso realmente nunca nos planteamos no sacarla por esa similitud. Nunca he hablado con Bernard Sumner sobre el tema, por cierto”, zanja y asegura que las mentiras más grandes que se han dicho sobre The Cure son “Todas ellas”.

Lol Tolhurst se mantiene activo. Mientras el grupo conmemora aún su cuarenta aniversario en la música y está nominado al Salón de la Fama del Rock and Roll, el ex baterista/tecladista se da tiempo para producir remixes, escribir y no sabemos, quizás vuelva a encontrarse de nuevo en el camino con “los chicos imaginarios”.

“The Cure no era goth, pero hicimos que el goth fuera posible”

54

MVN-166

Literatura

Jarris Margalli y Los Otros Dioses Ocultos TXT:: Walter Schmidt

M

ario Alquicira realizó una investigación acerca de la vida y la obra del guitarrista mexicano Jarris Margalli, en el libro titulado Los Otros Dioses Ocultos como un trabajo paralelo a su carrera como Psicoanalista y Maestro en Filosofía Social en la Universidad La Salle. Es maestro invitado en la Maestría de Psicología Clínica en la Universidad de Querétaro; además forma parte del Comité Editorial de la revista Carta Psicoanalítica y es autor del libro El adicto tiene la palabra: el fundamento metapsicológico de las adicciones (Noveduc, 2012), así como coautor de La interpretación de los sueños un siglo después (Plaza y Valdés, 2002), y Psicoanálisis y Cine. Antología del cine comentado y debatido. Tomos I, II y II (CPM 2002, 2008).

Respecto a Los Otros Dioses Ocultos nos dice “Me parece que [Jarris] es un personaje que me sirve como hilo conductor para narrar una historia, porque participa en algunas de las etapas clave del rock en México y que me ha servido para situar hitos y poder hablar de muchos otros artistas, darles realce; poder documentar la vida de los protagonistas de esta historia y dar a conocer datos que hubieran sido relegados al olvido. Todas estas vidas me parecen dignas de escribirse”.

En la escena musical de México siempre ha existido un gran hueco de información acerca de las biografías de los músicos responsables de dar forma a este movimiento musical, por lo que este libro viene a llenar este vacío con respecto a uno muy importante, que fue uno de los pioneros del rock pesado con el grupo Mistus durante los años del 77 al 86 y posteriormente con el grupo Ninot, el cual sería fundamental en el llamado “Sonido Coyoacán” (1986-1991).

A través de quince capítulos, Alquicira nos va narrando la historia de Javier Márquez Margalli, nacido en la Ciudad de México, el 16 de julio de 1959, y quien desde muy pequeño dio muestras de su talento: a los cuatro años se sentó ante una vieja pianola y sin tener conocimientos musicales se puso a tocar hasta crear una melodía que Jarris recuerda como su primera canción. a, por sus dotes literarias -influidas por Las Aventuras de Marco Polo- escribió su primera narración “La momia del pueblo fantasma (y el caballo volador)”, un cuento fantástico acerca de un héroe oriental y sus aventuras montado en su pegaso.

Musicalmente, entre sus primeras influencias estuvieron los Monkees y más adelante, Creedence Clearwater Revival y The Doors.

“A la edad de nueve años, motivado por el rock and roll, comenzó a tocar en la guitarra unos acordes que le enseñó su madre y formó su primera banda de rock: Los Cowboys, integrada por niños de su colonia, con quienes tocaba en fiestas”. Entre los guitarristas que más influyeron a Javier Margalli cabe mencionar a George Harrison, Brian Jo-

nes, Mark Farner (Grand Funk Railroad), Brian May (Queen), Steve Howe (Yes), David Gilmour (Pink Floyd), sin olvidar a Jimmy Page; Ritchie Blackmore, Frank Zappa, Mark Knopfler, Carlos Santana, Peter Townshend, Eric Clapton, Jeff Beck y Jimi Hendrix; los grandes guitarristas del rock anglosajón le ofrecieron una educación musical rockera muy completa.

Un día de enero de 1978 Javier decide cambiar su nombre a “Jarris” y desde entonces le empezaron a llamar así; ése fue el origen de su nombre artístico. Así queda asentado en su biografía. La primera aportación de Jarris al rock nacional fue el grupo Mistus, con quien interpretó material original en inglés en una vena de rock pesado y grabó el álbum Life of a Match (“La Vida de un Cerillo”) en 1981-1982 y posteriormente, Eternamente subterráneo en 1991.

En 1986 Jarris se ve formando parte de Ninot: “Moviéndose dentro de los terrenos del llamado rock-pop, surgió el grupo Ninot, que formó parte del lado más subterráneo del movimiento de “rock en tu idioma”. Las composiciones eran en español y en ellas participaron sus integrantes: Jarris Margalli (guitarra y voz), Enric Rodamilans (bajo y voz), Carlos Walraven (batería) y Fratta (teclados).

El trabajo de esta banda quedaría registrado en los discos These Are the Future Spaces (1986) y Mil marionetas (1988).

Después de trabajar en diferentes proyectos, en marzo de 1998, Jarris recibe la invitación para formar parte de Jaguares por el cantante Saúl Hernández, misma que el ex guitarrista de Ninot aceptó gustoso. Así participaría en la grabación del disco Bajo el Azul de Tu Misterio (1999) y en numerosos conciertos. Su colaboración con Jaguares vendría a consolidar el lugar de Jarris Margalli como uno de los mejores guitarristas del rock mexicano. El resto es historia.

“Fue una fortuna -nos dice Jarris respecto a Los Otros Dioses Ocultos-, una gran experiencia tener una biografía relativamente prematura. No me hicieron el favor de escribirla cuando era un anciano, no tuve que morirme, podría no haberla tenido en mis manos nunca. Qué bueno que fue en vida y la pudo leer mi madre; a mi padre ya no le tocó, sólo por cuestión de año y medio; lo habría hecho muy feliz”.

Y al cuestionarlo sobre cuál ha sido el grupo más importante en el que haya trabajado afirma; “Si sólo puedo decir uno, lo cual es tarea mega difícil (con todo y que cada banda con la que toqué tuvo un lado luminoso y maravilloso y otro oscurísimo y despreciable), fue MIstus, con todas las aventuras rockers que pasamos; llenar la combi con los amplificadores, guitarras y batería y ¡vámonos al rock!”.

Actualmente el autor, Mario Alquicira se encuentra trabajando en un nuevo libro: la historia del guitarrista rupestre Arturo Meza.

56

MVN-166

Cine

MID 90'S MID 90'S

TXT:: Lenin Calderón FOT:: A24

El sentido está en las formas

Confirmando que es uno de los mayores talentos de su generación, Jonah Hill debuta como director en Mid90’s. Una película que promete, pues la fórmula nostalgia + adolescencia + skate, ya ha probado su efectividad en filmes como Lords of Dogtown, y recientemente, Skate Kitchen.

El filme intenta, según él mismo y bajita la mano, ser la antítesis de una película insignia de la década de los noventa: Kids. Ni más ni menos Más de diez años después de protagonizar Supercool junto con Emma Stone y Michael Cera -otros dos garbanzos de a libra de su generación-, el debut cinematográfico de Hill como director no es ningún acto improvisado. Detrás de su opera prima hay tres años de trabajo de planeación y casting, veinte guiones preliminares además de la experiencia de haber trabajado en años recientes con directores del calibre de Todd Phillips, los hermanos Coen, Quentin Tarantino y Gus van Sant.

Esto, sin hablar de sus nominaciones al Oscar por co actuaciones con peces gordos de la talla de Brad Pitt, en Moneyball, y Leonardo DiCaprio, en The Wolf of Wall Street.

Con antecedentes portentosos como estos, y su nombre en los cuernos de la Luna –o en series que comienzan a dar de qué hablar como Maniac–, no hay duda que este era el momento indicado para que Hill tomara la alternativa del otro lado de las cámaras.

EL LOOK NOVENTERO Hay evidencias de que este salto de la actuación a la dirección por parte de Hill, es lo que llamaríamos dar paso con huarache. No por nada convenció a la productora /distribuidora del momento para que lo financiara: A24 Studio. Es notorio cómo la estética callejera y la paleta de colores plasmada en películas como Moonlight, Lady Bird o Hereditary –todos hits rotundos de A24– juegan también un papel preponderante aquí.

La nostalgia noventera, tan propia de nuestros tiempos, se reafirma en la calidad y forma de la imagen. Aunque, siendo sinceros, sólo Dios sabe cómo hizo Hill para convencerlos de producirle una película en formato 4:3, rodada en Super 8mm, lo que le da un toque tan casero como el de cualquier video amateur de patinetas grabado

en los noventa. Una propuesta tal vez demasiado intrépida para proyectarse en las salas de hoy en día, seducidas y conquistadas por la espectacularidad del 3D o el IMAX. SKATE OR DIE! Otro elemento que contribuye para que la película tenga más sustancia es su retrato de la cultura skate. Aunque no veremos trucos espectaculares, ni al “próximo Tony Hawk”, podemos echar un vistazo al interior de un grupo de patinetos, su forma de hablar, su moda, sus referencias culturales, y sobre todo, sus vínculos personales y cómo se descubren uno al otro. Es como si Hill hubiera querido hacer una cinta que retrate lo que pasa con los patinetos entre truco y truco.

Un detrás de las cámaras del típico video skate en el que nunca nos muestran cuando llega la policía, como si fuera la perrera, a detener a todo aquel con una patineta o cuando sufren un accidente verdaderamente serio, que los lleva al hospital. “Por eso rodamos en un pedazo de madera, porque eso transforma el espíritu de cualquiera”, dice uno de los protagonistas tratando de explicar qué lo hace patinar, al tiempo que infringe cualquier regla que le pongan enfrente.

Es en esta especie de fraternidad rodante anárquica en la

que el personaje central, un chico de trece años, encuentra la pertenencia y el afecto que no le proporciona un hogar con una madre ausente, un padre que no existe y un hermano mayor que lo golpea todo el tiempo, ya sea porque se mete a su cuarto o simplemente porque es mayor.

CRECER DUELE Stevie, maravillosamente interpretado por Sunny Suljic, es un morrillo en busca de identidad que al mismo tiempo trata de romper vínculos con sus raíces. En esa búsqueda, se topa con un grupo de patinetos mayores que él, quienes se comportan como si fueran Johnny Rotten en sus mejores tiempos. Uno de ellos le pide a Stevie que les llene una garrafa con agua y eso basta para que empiece una relación que lo llevará a conocer el amor, la amistad, algunos trucos y, también, la sala de urgencias. Así, podemos ver cómo Stevie aprende a fumar y se avienta unas caguamas bien heladas con sus amigotes, al tiempo que en su hogar sucede un drama, por no llamarlo tragedia.

Patinar se convierte entonces en una especie de auto flagelo que él mismo puede controlar. Stevie busca la aceptación tanto como el olvido, al tiempo que se mortifica por sus defectos.

Durante toda la película aparece ese estira y afloja entre la cordialidad exterior y la autodestrucción, una y otra vez. Una idea provocativa, sobre todo porque la película es lo que llaman en inglés un coming-of-age drama y que en español debe ser algo así como un drama en torno a madurar o los chingadazos que traen los años.

LAS ESPERANZAS DEL NIHILISMO Al ver Mid90’s, es imposible no pensar en Kids y el drama que implica crecer. En una entrevista

58

MVN-166

para Business Insider, Hill lo aclara: “Me encanta Kids. El escritor de ese guión es incluso mi amigo, leyó mi libreto y me dio notas. Sé que muchos pensarán que me robé esto o aquello de Kids, pero yo más bien pienso que es Anti-Kids. Kids es hermosa por su nihilismo, el mundo se acaba mañana. ¡ALV, acabemos con todo! Creo que ese no es el caso aquí porque Mid90’s es la búsqueda del sentido y las razones para planear una vida y cultivar la amistad. Cualquier conexión, cualquier relación personal puede darte el combustible necesario para seguir viviendo en un mundo que no siempre es divertido”.

Alrededor de Stevie hay varios personajes adorables. Exóticos y destructores por fuera, también son capaces de mostrar su lado humano.

Lo que resulta sorprendente es que Hill recurrió –con excepción de los actores que interpretan a Stevie, su madre y hermano– a actores no profesionales para formar su reparto.

En la misma entrevista Hill habla de ello: “Sabía que necesitaba hacer que los patinetos se convirtieran en actores porque iba a ser más difícil hacerlo a la inversa, ellos tienen algo que no puedes imitar. Quería que en el set fueran ellos mismos, que no pensaran en ellos mismos como actores. Al final, se convirtieron en actores y esa es la parte más sorprendente del proceso”.

MVN-166

59

LETRAS POR CANCIONES Igual que con la elección de su reparto, Hill estuvo personalmente al pendiente del soundtrack y la música compuesta para Mid90’s. De hecho, tiene crédito como supervisor musical y habrá que reconocerle que hizo una buena chamba.

Wu Tan Clan, Q-Tip, Herbie Hancock, Morrissey… bueno, hasta Seal y su “Kiss from a Rose” se colaron para conformar un soundtrack bastante ecléctico, ilustrativo y difícil de conseguir. Hancock es conocido por no licenciar su música para películas casi por ningún motivo y Morrissey, bueno, ya sabemos cómo se las gasta la diva de Manchester… El caso es que les escribió sendas cartas explicándoles lo que sus canciones significaban emocionalmente para toda una generación y por qué tenían que aparecer en ese momento en específico de su película.

Al final los convenció, aunque a nadie le ha contado cuánto le cobraron. La música compuesta especialmente para la cinta está a cargo de Trent Reznor y Atticus Ross –Nine Inch Nails, en otras palabras– quienes desde hace tiempo hacen música para películas y ya hasta se ganaron un Oscar por su trabajo en Red social.

FORMA ANTES QUE CONTENIDO Habrá que decir también, después de tanto elogio, que la película ha generado diversas críticas en torno a la carencia de una trama o conflicto sólido.

Muchos critican un final tan abierto y una historia tan floja, argumentando que Hill se ha concentrado más en la forma que en el contenido. En un mundo de historias que se traslapan minuto a minuto para no volver a ser recordadas, las texturas y lo que hay detrás de las historias parecen haberse convertido en desperdicios. Ni hablar, la basura de algunos es el tesoro de otros.

Mid90's Director Jonah Hill Reparto Sunny Suljic, Lucas Hedges, Katherine Waterson Duración 84 min.

País Estados Unidos Estreno Septiembre, 2018

Cómic y narrativa dibujada TXT:: Oscar G. Hernández

La multiplicidad en el comic es un fenómeno que aparece desde los primeros esbozos de lo que vendría a convertirse en el noveno arte.

Daniel Johnston y Jean Michel Basquiat, Cómic y figura

En realidad los considerados primeros grandes autores no tenían una idea clara de lo que hacían; su intención solamente era narrar pequeñas historias con imágenes.

Hokusai, uno de los grandes artistas del planeta realizó una serie de dibujos en los que trazó una diversa cantidad de temas; lo hizo en un cuaderno de sketches que sentó las bases de lo que siglos más tarde inspiraría al tan célebre manga japonés.

El libro de Hokusai apareció en 1814 y llevaba por título Hokusai Manga: aunque el titulo se asocia de inmediato, el libro no tiene mucho que ver con lo que entendemos hoy por manga.

En occidente, en el año de 1826 el suizo Rodolphe Töpffer dedicado a varias profesiones entre las que se encuentra la de escritor, pedagogo, pintor y dibujante construiría las primeras narraciones gráficas secuenciales usando viñetas, las cuales sentarían las bases del comic occidental y que serían apuntaladas más tarde por su vecino alemán Wilhelm Busch y su famoso Max und Moritz.

En los inicios del siglo XX cuando la influencia del renacimiento aún era bastante sólida y sobretodo la de la ilustración francesa también conocida como época de las luces -en la cual todo se inventaba y todo se mezclaba-, nos encontrarnos con autores que eran dibujantes, escritores, matemáticos, músicos, ingenieros, arquitectos, biólogos, filósofos, etc., tener más de un oficio era algo muy natural; todos hacían de todo y sabían de todo. Esa era la idea de educación.

Con el tiempo se impuso la especialización que requería la era industrial de finales del 1800, en la cual la formación humana y académica deberían concentrar la educación en una sola profesión. Será hasta inicios del siglo XXI que se vuelve a ver la necesidad de tener humanos interdisciplinarios.

Donde siempre se escapa de los encajonamientos y encontramos autores que se meten en diversas disciplinas es en el mundo del arte. De los artistas relacionados con el comic, uno que demostró que puede hacer ambas cosas es el texano Daniel Dale Johnston, más conocido por su música, misma que suma expresión y espontaneidad pura. Este artista grababa sus canciones, sus álbumes, en cassettes que llevaron por portada un cómic de su autoría. Fanático del noveno arte como tantos artistas estadounidenses, se dedicó también a la labor de la narrativa gráfica con un toque bastante alternativo y underground que terminaron por impulsarlo a realizar la novela gráfica Space Ducks para la cual compuso una banda sonora que se debe escuchar al leer el cómic.

El caso de Johnston es quizás el único donde un artista mayor de la música se mete de lleno a desarrollar una obra de narrativa secuencial.

Otro artista mayor cercano al cómic por ser un artista plástico icono del graffiti, es Jean Michel Basquiat y aunque también se dedicó a la poesía y a la música. Se le conoce sobre todo por su obra visual. Basquiat siempre quiso hacer comics y aunque finalmente su obra se concentró en la creación plástica,

en diversas ocasiones representó a personajes de los comics; sobre todo a los superhéroes siempre presentes en su entorno, desde Thor y Capitán América hasta Superman, Flash y por supuesto Batman.

La influencia del cómic fue tan fuerte en él que SAMO el pseudónimo que le dio la fama de artista del street art y firma con la que se dio a conocer, era en realidad el nombre de un personaje de cómic que desarrolló en la prepa.

Basquiat intentó hacer un comic de ciencia ficción, el cual llevaba por título What? Para esta obra se inspiró más en el trabajo de Robert Crumb y su publicación Zap Comix.

Desafortunadamente este cómic nunca fue concluido y no podemos más que hacernos a la idea de una obra que sin duda hubiera dado un giro enorme a las teorías estéticas sobre la narrativa gráfica en el mundo y sin duda, adelantado un estilo gráfico que no es sino hasta hoy que muchos autores se arriesgan a presentar gráficas que rompen con los moldes.

Daniel Johnston y Jean Michel Basquiat son muy influyentes en la historia del arte contemporáneo: ambos se metieron directa e indirectamente en el mundo del cómic, y después de ellos existen varios autores que también se desarrollaron en diversas disciplinas y que incursionaron en el universo de la narrativa gráfica. Sin embargo, son estos dos de los pocos que darán de qué hablar por mucho tiempo. La vida de ambos ha sido llevada a la novela gráfica; en el caso de Johnston el salmantino Ricardo Cavolo realizó el libro titulado El desorganismo de Daniel Johnston. En el caso de Basquiat, el italiano Paolo Parisi creó la biografía gráfica titulada Basquiat y cabe mencionar que SAMO tiene una aparición en el exitoso cómic Hip Hop Family Tree.

No dejaremos de mencionar que en América Latina es Alejandro Jodorowsky el mas interdisciplinario y “múltiple”: cine, teatro, performance, tarot, compositor musical -su actividad más escondida- y por supuesto: novela gráfica. En México, la figura de Federico Curiel, más conocido por su prolífico trabajo como director cinematográfico abraza las disciplinas de compositor, cantante, dibujante, actor y también realizador de la historieta en nuestro país, en aquella época llamada “de oro”.

60

MVN-166

Cómic y narrativa dibujada

CATALINA BU Catalina Bu hizo una adaptación de la canción “Story of an Artist” de Daniel Johnston, que cuenta la historia de un viejo artista juzgado por sus amigos y familiares.

La canción es bastante melancólica, pero en esta versión hecha especialmente para Revista Marvin el personaje los manda a todos ALV, demostrando una vez más que la ilustración es un hermoso mundo de fantasía donde siguen existiendo los finales felices.

Catalina Bu nació en Concepción, Chile; vive en Santiago, tiene 2 perros y muchos libros (la mayoría sin leer).

Estudió Ilustración y luego de trabajar para distintas marcas y revistas, hizo un cómic.

Actualmente trabaja como ilustradora independiente, dedicada a la ilustración para libros, prensa y publicidad.

Síguela en: www.catalinabu.com/ instagram.com/ catalinabu

62

MVN-166

MVN-166

63

El pilón

No soy migrante geográfico pero considero que dentro de Transmedia Borders el concepto de migración no solo es espacial, ni de territorialidad geográfica, sino que el propósito es deambular de manera transversal indiscriminadamente…

En este sentido, tampoco soy un migrante, a menos que estratifiquemos el arte y la vida, pero siendo honesto, no me gusta separar y generar divisiones ni disciplinares, ni vivenciales, entonces, mejor dicho me considero un deambulador. El deambular se asemeja más a la vagancia, al ocio y la deriva.

Ahora, por otra parte, al pensar la migración, considero que es un punto importante y pertinente en la actualidad, dadas las situaciones de conflicto que se encuentran presentes en múltiples latitudes de nuestro mundo, cuestión que inevitablemente me hace pensar si acaso la próxima revolución mundial será la de los migrantes, así como hace medio siglo fue la de las juventudes. Me parece posible.

Entonces, para relacionar lo que sucede en el mundo y lo que hago como artista en Transmedia Borders, hay que pensar la relación entre concepto y producción -vida y arte-, evidenciando la poética del construir algo frente a otra cosa o contexto que lo haga poesía per se, pues en el hacer se encuentra la analogía y la utopía de desbordar los limites hasta que desaparezcan, diluir los bordes disciplinarios es querer deshacernos de los limites, de las fronteras.

Buscar en el romanticismo de la modernidad, en el arte y vida como unidad, no en las artes, en la intermedia como arte y cualquier lugar como una Pangea conceptual. - Rocío Cerón, poeta, Transmedia Borders.

Las fronteras son uno de los espacios más transgredidos del mundo. Son espacios ambicionados, representan la oportunidad, la vía de escape ante lo fallido de los estados y las sociedades, paradójicamente la llegada a los otros sitios representa siempre desigualdad, señalamiento y marginalidad. Los desplazamientos, sean por violencia, asilo político, desastres naturales o economías colapsadas, representan siempre un reto. Transmedia Borders nace como una reflexión sobre el mundo contemporáneo a través de la mirada, la escucha y el discurso artístico y poético de autores de diversos medios para preguntarse sobre los retos, las dificultades y las posibles vías para crear espacios de diálogo, encuentro y comprensión de las diferencias en un mundo donde cada vez hay más migración y desplazamientos.

Nace como una propuesta del British Council en México. Doce poetas, artistas sonoros y visuales del Reino Unido, México y autores de la comunidad hispanoparlante de Estados Unidos, explorando las posibilidades del trabajo multidisciplinario y transmedial para abordar desde la creación colectiva y crítica el tema de las fronteras, los desplazamientos −tanto geográficos y disciplinares−, la migración y la libertad frente a las amenazas de nuestro tiempo donde muros y barreras conforman la cotidianidad.

Las plataformas del proyecto representan la idea de multisitio: van de los espacios digitales a los presenciales. La página web www.transmediaborders.com presenta piezas sonoras, visuales, digitales y contenidos textuales diversos sobre la temática del proyecto. En la parte presencial, se han realizado mesas redondas y acciones intermediales. Las acciones realizadas se han presentado tanto en festivales como el Hay Festival de Querétaro como la Feria del Libro del Zócalo o el espacio alternativo Laboratorio Sensorial de Guadalajara.

Todos los creadores que participan en el proyecto hablan desde sus disciplinas o transdisciplinas de la experiencia como migrantes, dando a los espectadores las posibilidades de diálogo no sólo entre naciones sino entre lenguajes artísticos. Con ello, se habla de cómo las migraciones y la apropiación de estrategias pueden conformar nuevas formas de creación y de llamado a lo colectivo y comunitario para generar espacios de encuentro.

Los artistas y poetas son, en su mayoría, migrantes, han nacido en otros países que en los que residen. De igual forma, la descolocación disciplinar es un tema que importa de sobremanera en el proyecto. La capacidad de migrar es también una capacidad de sobrevivencia y de porosidad ante los discursos hegemónicos y deterministas. Transmedia Borders, en los más de ocho meses de actividades que se realizaron, ha puesto en la escena de la reflexión y del arte: cómo hablamos, cómo suena el encuentro de voces y culturas, desde dónde nos oponemos y nos recolocamos para incitar a una nueva composición del tejido social.

Malika Booker (Reino Unido), Johnny Payne (EUA), Gaspar Orozco (México-EUA), Pablo de Cuba Soria (Cuba-EUA), Rocío Cerón (México), poetas; Luis Blackaller (México-EUA), Liam O’Connor (Reino Unido-México), Rubén Gil (México), artistas visuales y Aki Onda (Japón-Estados Unidos), Iris Garrelfs (Alemania-Reino Unido) y Abraham Chavelas (Acapulco-CdMx), en la exploración sonora, hemos creado un mapa donde las fronteras se convierten en dispositivos para el encuentro y el reconocimiento de uno mismo en la otredad.

Transmedia Borders 64

MVN-166

MVN-166

65

El pilรณn

66

MVN-166