MVN 174 | Alice Cooper by Revista Marvin

EDICIÓN

174 $52.00

EXHIBIR HASTA:

05-OCT-19

ALICE COOPER El arte de las pesadillas

+NAPOLEÓN HABEICA El infierno de tu cabeza

+HOBO JOHNSON Juventud sincera

+ ROCK PARA LEER Tributo al Major Tom

EVITA EL EXCESO, www.alcoholinformate.org.mx, No de Permiso 193300201A0416

COFUNDADOR CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS joseaureliovasan@gmail.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pv.lphant@gmail.com DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS REPRESENTANTES EN LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com

EDITOR EFRAÍN RAMÍREZ "MAKO" mako@marvin.com.mx DISEÑO EDITORIAL ADRIANA GALLARDO adrianag.marvin@gmail.com EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx PROJECT TRACKING ALFREDO CALDERÓN alfredoc.marvin@gmail.com REDACTOR WEB ALDO MEJÍA TOÑO QUINTANAR COLABORAN EN ESTE NÚMERO Aaron Enriquez, Alejandro Gonzalez, Aldo Mejía, Almendra Hernández, Hector Padilla “Pada”, Jonathan Villicaña, Juan Carlos Hidalgo, Luis Jasso, Lenin Calderón, Moisés Castillo, Samuel Rivera, Sergio Benítez y Toño Quintanar,.

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IMPRENTA Compañía Impresora El Universal Allende 176. Col Guerrero. México, CDMX. Tel. 5117 0190

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Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 174 correspondiente a: SEPTIEMBRE 2019. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2019-012816402300-102. MARVIN es una Marca Registrada. Distribuida por: Comercializadora GBN, S.A de C.V. , Calle Federico Dávalos num. 35 Col. San Juan Thlihuaca, Delegación Azcapotzalco C.P 02400 CDMX y Arredondo e hijos Distribuidora, Calle Iturbide núm. 18 D, Col. Centro Delegación Cuauhtémoc, CP. 06040 CDMX

EDICIÓN

CENTRAL REPORT

CONTENIDO

LOUDSPEAKER

LOG

SEPTIEMBRE 2019

8 10

20 34

FESTIVAL D’ÉTÉ DE QUÉBEC / Un verano canadiense

TRENTEMØLLER / Melancolía hipnótica TEMPLES / Etiquetas flexibles BLACK MIDI / Colapso esquizofrénico HOBO JOHNSON / La sinceridad ante todo CHRISTINA ROSENVINGE / Ensayos y romances

NAPOLEÓN HABEICA / Bienvenidos al infierno de mi cabeza ALICE COOPER / El arte de las pesadillas

ROCK PARA LEER / El legado del viajero estelar DANIEL MILLER/La mente maestra detrás de Mute Records MÓNICA LOZA / Retratos de heroínas NO MÁS CANCIONES DE AMOR / Juan Carlos Hidalgo, eternauta afterpop COMIC Y NARRATIVA DIBUJADA / Black Metal y Black Comic COMIC Y NARRATIVA DIBUJADA /Mónica H. Quant

174

EDITORIAL

legó septiembre y después de una gran portada doble para el bimestre anterior nos sumergimos en la oscuridad con la presencia de uno de los íconos del hard rock. Pareciera que se nos adelantó Halloween en este número pero para las sombras nunca es tarde o temprano y en este búnker las abrazamos. Mostramos la dualidad en la que vivimos entre el infierno y las heroínas que intentan cambiar al mundo. Pero dentro de este manto de oscuridad también vimos un poco de brillo encontrando un par de joyas ocultas que comienzan a dar de qué hablar alrededor del mundo y otras que ya han brillado durante varios años. Les mostramos cómo la oscuridad y la novela gráfica pueden ir de la mano, darle la vuelta al mundo y cautivar a un público distnto. También les presentamos un nuevo bebé que llega con polvo de estrella dedicado al Major Tom. Una travesía por la oscuridad del espacio con destellos de luces.

Efraín Ramírez “Mako” @makowww

Aún quedan cosas por descubrir y cosas por resolver. Pero un desastre a la vez.

Aldo Mejía

Periodista de cultura, política y seguridad, egresado de la FES Acatlán. Estudioso de la contracultura y la narcocultura, así como de la relación entre ambas. Escritor en ciernes de crónica, cuento y ensayo. Detective salvaje.

Sergio Benítez

Toño Quintanar

Le gusta la marca que el giste de la cerveza oscura le deja en los bigotes así como escuchar discos y comer jaiba en la playa. No tiene tatuajes ni cruza las piernas cuando lee. Es cronista musical por decisión propia y aun no se arrepiente de ello

Escritor, adicto al cine, cuentista, guitarrista en Los Riot y nigromante frustrado. Estudió Literatura e Historia del Arte en la UNAM. Ganador del XXI Certamen Literario Juana Santacruz.

Alejandro González

Lenin Calderón

Jonathan Villicaña

Juan Carlos Hidalgo

Licenciada en Historia y Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte, con especialización en arte contemporáneo. Su ámbito de estudio es el arte contemporáneo, arte electrónico y digital, las prácticas artísticas colaborativas, el arte público y sus múltiples formalizaciones.

Soy de esas personas que viven de la música sin ser músico. Locutor en Bulterrier FM, también escribo en 7Boom y Aftercluv, y de hobby pongo música en bares de la CDMX.

COLABORADORES

Aarón Enríquez

Voyerista pop de tiempo completo. Periodista de ocasión. Oso en cautiverio. Editor en PlanisferioMX. Una víctima más del siglo XXI. De todas mis madres la literatura es la que más me ha abandonado.

Luis Jasso

Periodista y promotor mexicano. Ha trabajado y colaborado en diversos medios como IMER, Radio Mil, La Jornada, La Crónica, Rockconexion, Sónica TV, Playboy, Switch y escribe de forma constante para Marvin desde hace cerca de 15 años. Promotor en México de Wacken Metal Battle.

Elena González

Elena es una ilustradora y diseñadora gráfica española. Lo que más ama de ser ilustradora es poder crear mundos y personajes coloridos y divertidos.

Coleccionista de archivos musicales pirata, películas de culto clonadas y libros prestados, a partir de los cuales intenta entender un mundo confuso. Otro habitante más de la CDMX en espera de que la 4T funcione mejor que la 3D o la RV.

Columnista de la revista Marvin, Diario Milenio Hidalgo y Radio BUAP. Jurado de la Beca María Grever. Ha publicado las novelas Rutas para entrar y salir del Nirvana y La vida sexual de P. J. Harvey.

Samuel Rivera Estudió Literatura y se dedica a la gestión de proyectos en áreas de cultura, diseño y educación, además de ser parte de la editorial La Cifra y de la agencia Oficina Pública. En su tiempo libre va al cine, teatro, conciertos y museos.

FEQ FESTIVALES SEPTIEMBRE 2019

LOG

Festival d’été de Québec Un verano canadiense FOT:: Renaud Philippe

Seguimos dando la vuelta al mundo para conocer festivales, culturas y cómo se desarolla la industria musical en distintas latitudes del planeta. En esta ocasión nos lanzamos al Festival d’été de Québec mejor conocido como el FEQ, una celebración en pleno verano canadiense que durante 11 días expone música de distintos países. El lineup de este festival es muy diverso, te encuentras proyectos como Mariah Carey hasta Taking Back Sunday. El festival fue cubierto por más de 400 periodistas de todo el mundo. Aparte contaron con un show que se transmitió por televisión que alcanzó los 8 millones de espectadores. Los Twenty One Pilots e Imagine Dragons fueron dos de los shows que más gente congregaron en el Bell Stage. Los primeros dieron un show que para los que estuvieron ahí va a ser inolvidable. Anne Hudson, Directora ejecutiva del FEQ dijo lo siguiente al terminar el festival y ver lo que habían logrado: “Las multitudes que llegaron noche tras noche en el festival confirmaron una vez más vamos en la dirección correcta. Estoy orgullosa del trabajo que hizo el equipo del festival. Las masas festivaleras respondieron increíble a nuestra programación de este año. Las nuevas actividades y locaciones para los shows y los aftershows fueron todo un éxito”. Sin duda alguna disfrutamos de ir a un festival que lleva tantos años realizándose y que tiene hasta el mínimo detalle controlado. Todo fue increíble, no importó que un día tuvieran que suspender actividades por la lluvia porque eso fue parte de la aventura. Si quieren conocer un lugar, vayan a Quebec, si quieren ir a un festival que esté lleno de sorpresas vayan al FEQ.

TRENTEMØLLER MELANCOLÍA HIPNÓTICA

LOUDSPEAKER

TXT:: Sergio Benítez FOT:: Cortesía del artista

álbumes desde The Last Resort”, cuenta Anders de como surgió Obverse. De este disco lo primero que pudimos disfrutar fueron dos tremendos bocados: “Sleeper” e “In the Garden”, ambos cortes acompañados de videos creados por el mismo Anders. “Sleeper” fue lanzado en mayo pasado, sirvió de obertura para el quinto álbum de Trentømoller. Esta canción sorprendió al ser el primer tema propio lanzado por el danés desde 2016. Un tema instrumental, además de oscuro y enigmático. El video simplemente proyecta el recorrido por un puente que pareciera no tener fin, aún cuando la sutil neblina deja asomar las sombras de árboles a lo lejos. Por su parte, “In the Garden” ofrece a quien la escucha, la sensación inequívoca de algo construyéndose frente a sus ojos. Es nada más que una base sencilla replicada por imponentes acordes de bajo. Con cada verso y coro se van sumando poco a poco las capas. Se trata de un tema que surgió meramente instrumental, pero fue Lina Tullgren quien contribuyó lírica y vocalmente. La cantante de Nueva Inglaterra logró trazar una especie de viaje, de esos inesperados que resulta mucho más que satisfactoria a los oídos. Pareciera que Tullgren entendió a la perfección los criterios de Anders, y a ellos sobrehiló su parte. El resultado final: una simbiosis perfecta entre músico y vocalista. La complejidad de su proceso de composición ha llevado a Anders a tener una visión particular en la que percibe el trabajo realizado en el estudio y sus shows en vivo como entidades separadas, aunque conectadas casi de manera invisible entre sí. “Es un alivio para mí decir: ‘Ok, hagamos lo que creamos que es correcto para estas canciones”, dice sobre llevar su música de gira. “Suena mal que ya no tenga sentimientos por estas canciones. No sé si los miembros de la banda sienten lo mismo”, continúa Trentemøller, con cierto tono de inseguridad. Durante la última década, Anders ha ido perfeccionando esta forma de claroscuro sonoro para conjurar imágenes de paisajes severos y reflejar el clima escandinavo, ese donde la mitad del año apenas se pone el sol, y el otro apenas alcanza el horizonte. Si bien ha habido elementos de cine negro en su trabajo anterior, con Obverse es la primera vez que cada canción se siente como una colección de bandas sonoras de bolsillo.

LOUDSPEAKER

Anders Trentemøller Andersen es su nombre real, DJ TOM (DJ Tom Von Rosen) el a.k.a. con el que debutó hace dos décadas y Trentømoller su actual nombre artístico. Trentemøller, posee un sonido mayormente melancólico, como puede escucharse en cada atmósfera de sus canciones. “Pienso que (la melancolía) es sólo parte de la manera en como soy. Aunque ahora soy más como un chico feliz, no me siento tan melancólico, pero quizá es en la música desde donde puedo mostrarlo”, dice el músico radicado en Copenhague. Quizá esta melancolía también se debe, en parte, a la región a la que pertenece. “Si uno escucha la música folclórica danesa o sueca de los últimos miles de años, está en notas menores, tienen esa vibra triste”, explica Anders. Para el danés no es una cuestión de depresión, es más bien como si hubiera algo de belleza en los sentimientos melancólicos. Es esa visión diferente sobre las cosas lo que le ha permitido tener una evolución musical poco vista; colmada de giros, vueltas y desvaríos creativos. Además de lo conseguido con su música, logró reconocimiento también por sus trabajos con artistas del tamaño de Röyksopp, The Knife, Mikael Simpson, Henrik Vibskov y tantos más. Ha incursionado también en el mundo del cine, creando la banda sonora para la película danesa Det Som Ingen Ved (2018). Reconoce haber encontrado su fuente de inspiración en la música inglesa y norteamericana de la década de los ochenta. “Escucho mucho post-punk y new wave; combinado con la música folclórica danesa, creo que eso hace el sonido “Trentemøller”, confiesa Anders. Siempre ha trabajado con marcados contrastes en su música y sonido; Obverse por su puesto que no fue la excepción: “Es en los enfrentamientos sutiles de sentimientos y contradicciones tonales que a menudo encuentro pura inspiración”. Y es que con Obverse, desde un inicio buscó explorar las posibilidades en el estudio, sin tener en cuenta cómo se podría llevar a un escenario, y eso fue completamente liberador para él. Este material de estudio se suma a los larga duración ya conocidos: The Last Resort (2006), Into the Great Wide Yonder (2010), Lost (2013) y Fixion (2016). “Lo único que supe desde el principio fue que esto no tenía que ser absolutamente un álbum que debía poder tocar en vivo, con una banda. Esa ha sido una consideración en todos los

TEMPLES ETIQUETAS FLEXIBLES

TXT:: Lenin Calderón FOT:: Cortesía de la banda

Con un álbum debut que seguramente figurará entre los 100 mejores de la década y la reciente salida del baterista con el que iniciaron hace más de siete años, son varios los estigmas que estos ingleses afrontan. Como una especie de contrataque, este mes lanzan su tercer disco de estudio. Una producción enfocada en hacerlos sentir otra vez como banda, aunque ya sólo sean tres. Temples es una banda hogareña. Nació en 2012 en el estudio montado en casa de James Bagshaw en Kettering, un pueblo a 100 kms de Londres con seis veces menos gente que la alcaldía Benito Juárez. Él, en las vocales y guitarra principal, junto con Thomas Walmsley, bajo y coros, son el núcleo principal. Ambos ya tenían experiencia con diversas bandas antes de juntarse y Bagshaw incluso fue parte de Sukie, una banda local que en 2006 llegó al número uno de las listas Indie inglesas.

LOUDSPEAKER

Psicodelia ejemplar Igual que otras historias de éxito del showbiz, la de Temples inició en YouTube. No bien transcurridos seis meses de su primera sesión y gracias a cuatro canciones subidas a la plataforma-hace-milagros, recibieron una oferta de Heavenly Records. Con la producción en noviembre de 2012 de “Shelter Song”, su primer single, también llegaron Adam Smith a los sintetizadores y Samuel Lloyd Toms a la batería. Tras meses de ensayo y re-

cibir buenas críticas por su single “Colours to Life”, grabar un LP era inminente. Habiendo ya entregado los dos primeros pilares que sostendrían su estilo neo psicodélico, en febrero de 2014 lanzaron lo que sería la piedra filosofal de su concepto: “Mesmerise”. Con un riff de guitarra muy oriental –a lo Revolver de los Beatles–, coritos hipiosos y un sinte en pleno viaje psicodélico, el track corona Sun Structures, un disco que captura como pocos (sólo Innerspeaker de Tame Impala y Beard, Wives, Denim de Pond le compiten) la esencia del revival psicodélico de la década que estamos por cerrar. Diversidad es libertad Fue precisamente un cliché como el anterior lo que etiquetó de inmediato a Temples como “psicodélicos”. Pero a ellos nunca les molestó. Bagshaw se cansó de explicar que la etiqueta no le molestaba porque, aunque generalmente son restrictivas, en el caso del “rock psicodélico” no lo es tanto, pues dicho género abarca mucho y la diversidad es libertad. Ya se tomaría la libertad de comprobarlo con su siguiente disco. En septiembre de 2016 lanzaron “Certainty”. El single aducía rasgos del próximo disco: sintético, súper producido y rayando en el pop, pero también más introspectivo y profundo. Un cambio clave y tal vez premonitorio se dio en las percusiones: dejaron de sonar a banda de garaje y se hicieron más artificiales. Volcano se estrenó en marzo de 2017

y más tardó la crítica en señalar el sorpresivo giro sonoro, que en legitimarlo. Para muchos el disco no era un concepto en sí, más bien era una colección de canciones. Y algo hay de cierto en eso. En una entrevista para Indie Hoy, Bagshaw aceptaba: “cada canción fue una experiencia única, unas fueron más naturales y otras requirieron más concentración. La concentración genera atmósferas diferentes y cuando terminas todas las canciones, el producto no suena a un disco. Por eso es tan importante la mezcla”. Sombras en sepia Hoy, a dos años y medio de aquella experiencia con la concentración y la mezcla final, regresan con otro disco y un integrante menos. El trío, sin su baterista original a quien dejaron ir por razones de “incompatibilidad creativa”, regresa con Hot Motion vía ATO, el sello de Dave Matthews. Como volviendo a sus inicios, el disco se grabó en la casa de Bagshaw. Según palabras de Thomas Walsey en un comunicado de prensa, ahora tienen “un lugar adecuado para producir, no una sala de estar. Al estar en el mismo sitio, somos más una banda, eso se nota”. Del sonido, agrega “es un poco más oscuro que lo anterior y queríamos que se notara en cada canción. No es un disco uniforme, tiene luz, oscuridad, momentos tiernos y densos. Queríamos experimentar con sonidos más oscuros, llevarlos más allá”.

ESCUCHA TAMBIÉN King Gizzard & The Lizzard Wizard Nonagon Infinity ATO, 2016 Dinamita pura. Rock’n’ roll eléctrico de alto voltaje destilado con humor ácido y melodías frenéticas en un álbum non-stop.

The Brian Jonestown Massacre My Bloody Underground A Records, 2008 Rock espacial psicodélico inspirado en los excesos y la relación de Newcombe con todo tipo de drogas.

Black Moth Super Rainbow Panic Blooms Rad Cult 2018 Un ejemplo de lo que James Bagshaw quería decir cuando afirma que la psicodelia es muy diversa y una prueba de que va más allá del rock. Dream-pop cantado por máquinas, con un toquecito lisérgico de ambient.

“Es un poco más oscuro que lo anterior y queríamos que se notara en cada canción. No es un disco uniforme, tiene luz, oscuridad, momentos tiernos y densos. Queríamos experimentar con sonidos más oscuros, llevarlos más allá”. —Thomas Walsey

LOUDSPEAKER

BLACK MIDI

COLAPSO ESQUIZOFRÉNICO

TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Dan Kendall

el presente- muchas veces no se es consciente de todo lo que existe debajo –la historia-. Para llegar a lo que hacen black midi muchos fenómenos tuvieron que ocurrir y luego reaparecer transformados (por ejemplo, al math rock no hubiéramos llegado sin la existencia del progresivo). Si Johnny Rotten no atacara al mundo burgués en el reclamo punk, hoy Geordie sería criticado por vociferar sin afinación. En un plano superlativo de influencia está Mark E. Smith mezclando post-punk, situacionismo y crítica social. Piezas como “Near DT, MI” y “Western” son formas de energía que se expanden y luego se contienen; black midi pueden desbocarse y ser salvajes para luego ir más lento súbitamente –eso lo facilita su virtuosismo-. No se discute, para llegar hasta aquí requerimos de la grandeza de Mogwai. Pero también me hacen pensar en Miles Davis, quien garantizó que en la música no puede haber limitantes; ya si es rock o free jazz o jazz punk casi es lo de menos. Entendemos que en nuestro modelo contemporáneo de sociedad todo está interconectado y funciona entre redes y nodos, de ahí que la complejidad sea algo manifiesto; pero si lo trasladamos a la música, los black midi sacan el máximo rédito de toda esa multiplicidad acumulada y en progresión. Probablemente, Geordie, Matt, Cameron y Morgan no piensen en ello y lo que hacen sea más instintivo que intelectual; aunque en su defensa hay que consignar que en algunas entrevistas ellos han hablado del Nomadismo y su libertad total de movimientos; nombrando a figuras como Guattari y Deleuze; a fin de cuentas no debe soslayarse que se conocieron siendo estudiantes de la reputada BRIT School, misma casa de estudios de James Blake, Amy Winehouse y King Krule, entre otros. Además, el nombre de la banda proviene de un corriente que existe en Japón y que pretende hacer colapsar la notación musical en las partituras –por saturación- y que se produzca ese negro que mencionan; una pretensión que también alude a la complejidad que hemos venido mencionando. Schlagenheim, también sustentado en “Speedway” y “bmbmbm”, es un alegato esquizoide sobre el presente, que va de la crisis ecológica y lo opresivas de las ciudades a los problemas con el sexo. Un nuevo exabrupto vitalista de la cultura rock a partir de la apropiación y eclosión de expresiones previas.

ESCUCHA TAMBIÉN Wu Lyf Go Tell Fire To the Mountain En 2011, otros casi pubertos de Manchester grabaron su único disco y fue tremendo; me parecen un antecedente directo de los Black Midi. No son pocos los puntos de contacto: mezcla de géneros, voz gritante y quiebre rítmicos súbitos.

Black Midi KEXP session En enero la estación de radio organizó un directo desde Islandia que es puro fuego; contiene canciones que no están en el disco y anticipaba su estallido.

Von Südenfed Tromatic Reflexxions No hay similitud de sonido sino de actitud. Los mouse on mars se juntaron con un veterano rabioso y gritón como Mark E. Smith para hacer alquimia sonora.

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Teoría General de la Basura es un apasionante ensayo de largo aliento, escrito por el español Agustín Fernández Mallo, en el que Nietzsche entra en sintonía con New Order, Walt Whitman y la Biblia, entre un alud de argumentos muy avanzados al respecto del arte y sus productos. No en vano lleva por subtítulo una terna de conceptos muy amplia: cultura, apropiación, complejidad. Precisamente ahí es donde conecta el libro y el álbum debut de un cuarteto de jóvenes ingleses que acaparan textos y elogios e incrementan esa sempiterna discusión –casi obcecada- sobre la vitalidad y pervivencia del rock. Los londinenses de black midi han dado con Schlagenheim (Rough Trade, 2019) no sólo con una obra que transpira una furia auténtica, que se basa en la solvencia instrumental d e los músicos, sino que han concebido una maquina sonora que procesa distintos tipos de insumos: math rock, post-rock y, no podía ser de otra manera, punk. Pero lo curioso es que nos deja la sensación de que los chicos se mueven con la amplitud de margen y maneras que ofrece el free jazz. Celebremos que aparezca un álbum que nos deja de entrada con la percepción de que es en cierto grado desconcertante -¡He ahí una pista de que es arte que vale la pena!-. Luego entonces, me parece que a Schlagenheim le aplica perfectamente esa tercia que acompaña a Teoría General de la basura; en lo que hace black midi desfilan esas tres nociones (cultura, apropiación y complejidad) a través de 9 canciones que pasan sobre nosotros como una aplanadora en esos 43 minutos de duración y desde el frenético arranque con “953”. En su texto, Fernández Mallo apunta que: “la hibridación de estilos, la apropiación para trasladar géneros creativos a otro contexto, no los conduce ni mucho menos a la desaparición, sino que los refuerza”. Al regresar consecutivamente a las canciones de black midi encontramos resabios especialmente del gran Mark E. Smith, pero no sólo de The fall sino del encontronazo musical que provocó junto a Mouse on Mars al formar Von Südenfed – choque de punk con electrónica-. Y luego no se puede negar que Geordie Greep (gritante principal) nos hace acordar por momentos de John Lydon, más de los primeros PIL que en Sex Pistols. Siguiendo con Fernández, en la cultura se acumulan capas y capas que le dan sostén y profundidad; desde la superficie –que es

HOBO JOHNSON LA SINCERIDAD ANTE TODO

TXT:: Aldo Mejía FOT:: Cortesía del artista

Frank Lopes pasó de vivir en su auto a volverse viral con un sencillo video que grabó en el patio trasero de su casa. Este año llega su segundo álbum en el que persisten las letras confesionales y los ritmos divertidos.

LOUDSPEAKER

La vieja historia en la que un manager encuentra a una banda o un artista para impulsar su carrera hacia la fama ya no va más. Fue sustituida por: “alguien tomó su cámara y se volvió viral”. El reto está en encontrar aquellas figuras cuya propuesta pueda trascender la euforia inmediata. El nombre de Hobo Johnson empieza a resonar en ese espectro a causa de la sinceridad que permea en cada una de sus letras. “Realmente no soy bueno hablando de algo, y menos si se trata de mis sentimientos. Es algo bueno, supongo, haber encontrado una manera de soltar las cosas: haciendo música”, me dice Frank Lopes, nombre del joven artista, en una plática que tuvimos por teléfono. “Pach Scone” es el sencillo que puso no pocos reflectores encima suyo. El track es un monólogo muy personal en el que Frank te cuenta de esta chica con la que mantuvo una relación increíble y con la que puede abrirse como con nadie. Está enamorado, sin embargo, ella no le va a responder de la misma manera pues tiene novio. El año pasado, Hobo Johnson, en compañía de su banda The Lovemakers, se grabó a una cámara y en el patio trasero de su casa para poder participar en una sesión de Tiny Desk. No ganaron el concurso, pero el video hoy acumula poco más de quince millones de reproducciones. “Es una locura pensar que cada día me conoce más y más gente”, me dice acerca de la sensación de volverse viral. “Pero es cool porque al final del día sigo siendo el mismo. Me levanto y en lo único que pienso es en hacer música y tratar de hacer cosas normales. Pero también soy muy agradecido de que pueda subirme con mi banda en una camioneta y salir de gira. Estoy muy agradecido de lo afortunados que somos.” Nuestra plática sucede a unas semanas de que salga su segunda producción de estudio: The Fall Of Hobo Johnson. “Hace unos dos años empecé a escribir estas canciones. Y en los últimos ocho meses me dediqué a producirlas, enfocándome en que cada una de las piezas sonara diferente”. El resultado fue una docena de canciones en las que profundiza en la soledad, la depresión, los problemas familiares y los desencuentros amorosos. A pesar de esto último, los ritmos que exploró no dejan de ser divertidos e intensos, cambiantes entre uno y otro. “Trato de ser realmente honesto en cada línea que escribo, no pretendo engañar a nadie. Si alguien no ha pa-

sado por lo que yo, quiero que pueda darse una idea de ello”. Cuando Frank era apenas un adolescente, su padre lo echó de casa y se vio orillado a vivir dentro de su auto, un Corolla del 94. Cuando le pregunto acerca de las diferencias entre su primer álbum, The Rise Of Hobo Johnson, y su sucesor me dice que sabía que ahora iba a haber más oídos escuchando y esperando por él. “Puse tanto empeño en este álbum que no me detuve a pensar en que el paso siguiente era salir de gira con él. Hoy tenemos un montón de fechas por todo el país y sólo puedo pensar en la reacción que tendrá la gente, la que ya nos vio y la que no lo ha hecho.” La primera vez que lo escuché, reconocí en él alguien que estaba creando en total libertad. “Creo que esa es la única manera de separarte de otras personas: ser libre y no juzgarte a ti mismo en función de lo que hacen los demás. Podría prender la radio y tratar de hacer algo como lo que suena ahí, pero no sería divertido, me parece. Ni siquiera sería desafiante o disfrutable. Realmente amo la libertad de hacer las cosas tan, tan extrañas que hago.” Una vez que me enganché con su proyecto, fui a mi computadora en busca de alguna de sus presentaciones en vivo. Tenía curiosidad de cómo se desenvolvía una voz como aquella sobre el escenario. Lo que vi, me pareció por demás divertido. Frank me dice que es una cuestión de práctica y experimentación. Hoy sabe en qué momento saltar y cómo hacerlo, por ejemplo. Hacia el final de su primer álbum, Frank dice que quiere hacer música para ayudar a otras personas mediante sus letras. Así que le pregunté acerca de la responsabilidad que había asumido. “No quiero insistir en ese punto porque estaría poniendo mucha presión sobre mí mismo. Pienso que siempre será preferible ofrecer un mensaje positivo al público, pero nuestra responsabilidad como artistas es ser honestos con lo que sentimos y transmitirlo lo mejor que podamos, de la forma más natural posible.” Todavía no se siente dentro de lo que algunos llaman la “industria musical” y todo lo que conlleva. El tiempo es escaso y para cerrar la entrevista le pregunto si se siente listo o se está preparando para el éxito. “Es una pregunta muy interesante y para serte sincero hay días en que me siento preparado para una especie de fama y otros días quiero una vida normal.”

LOUDSPEAKER

EXTRA FACT Hace unos meses Christina encubierta tras el liderato de sus dos hijos, sorprendió a los espectadores al estar tocando con ellos “Autoestima” de Cupido en una batalla de bandas.

CHRISTINA ROSENVINGE ENSAYOS Y ROMANCES

“Porque le pongas autotune a la voz no quiere decir que las nuevas generaciones como Pimp Flaco no hagan pop”.

TXT:: Jonathan Villicaña FOT:: Pablo Zamora

que el nombre describe a su padre con el título Un hombre rubio. Pero de ver el mundo desde los ojos de sus dos hijos también rubios. En tres meses ya había un disco terminado, que inicialmente parecía que sería un disco sin mucho éxito, en comparación con sus discos de canciones más divertidas, pero este sentimiento con el que lo hizo, remontó a la gente a la relación con sus padres. Mientras un éxito inesperado sucedía, Christina recibió el Premio Nacional de las Músicas Actuales de España, una presea que otorga el Ministerio de Cultura y Deporte que viene acompañado de 30 mil euros, lo que para ella fue ganarse la lotería sin haber comprado un billete. Por otro lado, a veces simplemente las cosas se alinean, y terminado el proceso del disco, Christina ya tenía en mente el querer publicar un cancionero, de sus proyectos luego de su paso por Ella y Los neumáticos, Magia Blanca, y Álex & Christina. Ya que fue hasta que apareció Christina y los subterráneos que ella comenzó a hacer todo, con el apoyo de una backing band, justo como lo es ahora su proyecto y no ella haciendo letras y alguien más la música. En principio la idea de hacer un libro, era compilar únicamente las letras de sus canciones, pero al reunirse con el editor Claudio López Lamadrid, quien lamentablemente murió antes de ver el libro publicado, le sugiere escribir cinco líneas sobre cada canción, y ahí arranca el proceso de acomodar sus ideas, recuerdos, vivencias y todo lo que hubo en medio de sus 11 discos de Que me parta un rayo (1992) hasta Un hombre rubio (2018), dando un resultado de 107 canciones.

Christina acepto y fue a casa a bajar sus ideas, al final decidió dejar atrás la sugerencia de Claudio, para en lugar de ello dar vida a ensayos de lo que sucedió antes, durante y luego de cada disco, dejando al descubierto desde sus desamores a ataques de piojos, sin dejar de lado los agridulces de la vida en un libro que puede amar cualquier amante de una buena historia, sin saber nada de música. La cantautora confiesa que con mucha falta de pudor compartió sus historias con el padre de sus hijos, Ray Loriga, sus anécdotas con Nacho Vegas, los Sonic Youth, y mucho más. Pero así como Debut nos cuenta las múltiples veces que Christina se ha reinventado. Charlando con ella descubrí que no tiene problemas con los nuevos géneros, y artistas como suele pasar muy comúnmente que al haber un cambio generacional la gente mayor se siente desfasada. Actualmente en su banda Christina Rosenvinge cuenta con Toni Díaz, también integrante de Solo Astra y de Cupido, que es una casualidad y para ella ha sido muy divertido ver como nació el proyecto donde Toni comparte con Pimp Flaco, del que por cierto son muy fans sus hijos. Ahí que le pregunto a Christina su opinión de este relevo generacional en el que sonidos como el reggatón, el mumbah o el baile funk han ganado popularidad y si teme a que la canción tradicional como lo que hace ella tiende a desaparecer. Pero no, ella no está enfadada con estos géneros y no los ve tan lejos de lo que ella hace al fin y al cabo son pop sin importar que la voz esté disfrazada en autotune.

LOUDSPEAKER

La cantautora cumplió 25 años de carrera, ha trabajado con algunos integrantes de Sonic Youth, incluso ellos le presentaron a Bowie. Para celebrar este cuarto de siglo en la música lanzó un libro con algunas de sus anécdotas y ensayos acerca de sus letras. Conocí a Christina hace poco más de tres años, cuando visitó la CDMX para presentar su disco Lo Nuestro, durante esa visita la imagen que se quedó en mi cabeza fue de una mujer inteligente, de personalidad introspectiva, con todo el cariño por sus fans. Christina regresó a la CDMX hace unos meses para dar un show en Galera, y presentar su libro Debut, aprovechando platiqué con ella qué sucedió en estos tres años de ausencia, en los que luego regresar a los discos de su padre para estudiar las canciones de flamenco de toda la vida, intentando escribir un palo, parece que se evocó a un fantasma. Durante ese proceso, Christina Rosenvinge dio vida a una canción titulada “El romance de la plata” nacida el día que se cumplieron 26 años de la muerte de su padre. Ella cuenta que fue así que encontró lo importante que es un padre para los hijos y como todo el tiempo se habla de la buena relación con la madre pero está normalizada una relación espantosa con tu padre. Esta canción dejó como resultado a hordas de fans que a través de redes sociales le agradecían a Christina esa canción con la que se identificaron. Christina escribió este romance bajo un entorno mágico, y como una necesidad de estar en paz con su difunto padre, pero fue justo este proceso que la llevó a una epifanía, a escribir canciones desde un punto de vista masculino, tratando de ella sentirse él, es por ello

CENTRAL

NAPOLEÃ&#x201C;N HABEICA BIENVENIDOS AL INFIERNO DE MI CABEZA

CENTRAL

TXT:: Efraín Ramírez “Mako” FOT:: Cortseía de la artista

apoléon Habeica es un fotógrafo y director que ha estado involucrado en distintos proyectos durante varios años. Vive en la CDMX pero casi siempre anda dando vueltas por las carreteras y bosques tomando fotos, videos y todo lo que se le pueda ocurrir. Gracias a su trabajo ha podido colaborar con importantes marcas, publicaciones nacionales e internacionales y le ha tomado retratos a gente como NIck Cave, Alison Mosshart y Robert Smith. Después de 10 años, Napoleón decidió volver a las galerías pero con un concepto distinto, no quería mostrar una retrospectiva de su trabajo en los últimos años así que a través de imágenes, videos e instalaciones nos muestra lo más profundo de lo que vive en su mente. Actualmente se encuentra exponiendo en la galería Panteón, esta exposición lleva por nombre Hell y estará abierta hasta el 8 de octubre. La muestra no es líneal, son flashbacks que aparecen poco a poco, saltos espaciales en la mente de Napoleón donde lo más importante es el destino. ¿Por qué decidiste dejar de exponer y volver 10 años después? Me harté, me enojé, mandé al diablo el mundo del arte mamón, pretencioso en el que estaba metido. Me dio mucha hueva, me sentía mal perteneciendo a ese mundo y sólo hacía corajes. Tenía la necesidad de vender, de enseñar mi trabajo y cree mi proyecto This Is Not Art donde mostraba y vendía mis obras sin lo pretencioso y los precios altos de las ferias de arte. Conocí a los de Panteón cuando trajeron a Nick Zinner y a Alison Mosshart y me dieron toda la buena onda, es más punk y me convencieron de crear esta exposición. Me di cuenta que en algún momento hacía arte para gustarle al galerista, al curador, a los coleccionistas y no para mí; fue una buena oportunidad para regresar a lo que me gusta. Redes sociales y mi trabajo

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Las redes sociales son herramientas que se pueden convertir en armas, también es un lugar donde puedes mentir y mostrar cosas que en realidad no eres. Vivimos en un tiempo en donde el consumo a través de las redes es voraz y la gente se cree cualquier cosa. El principal miedo de Napoleón Habeica al crear esta exposición era que la gente creyera que estaba llevando el trabajo que muestra en su Instagram a una exposición ya que en las redes sociales todo es más fresa, limitado, comercial y tiene mucha censura. En esta exposición se dejó llevar por algo más personal.

“Mandé al diablo el mundo del arte mamón, pretencioso en el que estaba metido. Me dio mucha hueva, me sentía mal perteneciendo a ese mundo y sólo hacía corajes”

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¿Cuál es tu opinión acerca de los fotógrafos que se hacen famosos solo por subir fotos bonitas en Instagram? Por un lado es horrible la gente que es famosa solo porque es famosa, tipo Big Brother… Que oso ser Vlogger, Instagrammer y ese tipo de cosas pero qué chido que haya un medio de expresión, el problema es quién lo consume. Cualquiera puede hacer lo que quiera, subirlo y exponerlo, mostrarlo al mundo, pero la gente es la que decide qué es lo que está padre. ¡Qué bueno que haya más fotógrafos! ¡Qué bueno que hay más de todo! Pero cómo le hacemos para que el mundo en general sea más culto y sepa lo que sería “bueno y malo”, creo yo. ¿Qué es lo que te inspira para hacer tus obras? Digamos que yo no me inspiro para crear obras. Por ejemplo, cuando me invitaron a hacer esta exposición no quise hacer una retrospectiva y tampoco tuve ganas de hacer una exposición pensada para el momento, me di cuenta que tenía cosas guardadas de mi vida y saqué el álbum familiar para que lo puedan ver. No lo veo como trabajo que he estado haciendo sino como lo que he estado viviendo en los últimos años, no solo son fotografías, hay video, hay instalaciones.

Técnica, trabajo y enseñanzas Para Napoleón lo que hace no es trabajo y gracias a eso las marcas y clientes con las que ha colaborado le han dado dando la libertad de impregnar con su visión sus entregas. La mayoría de los artistas a los que ha retratado son sus amigos o se han convertido en sus amigos así que al final, sus trabajos son parte de su día a día y se divierte haciéndolo, una utopía para varios: “Haz lo que te gusta y nunca sentirás que estás trabajando”. Ha retratado a varias personalidades que admira pero él dice que aún le faltan algunos como PJ Harvey y Woody Allen, pero sabe que poco a poco se dan las oportunidades y no descarta la posibilidad de lograrlo. A Napoleón no le importa la técnica, es más importante el fondo y lo que está en tu cabeza cuando crees que es el momento de tomar una foto: “La técnica me vale madres, puedo tomar fotos con mi snapshot, con mi celular, con mi cámara de formato medio, me vale madres; en realidad es lo que tenía a la mano cuando pasó lo que pasó y tuve la fortuna de poderlo documentar. La cámara no hace al fotógrafo, lo interesante es saber retratar lo increíble de lo que estabas rodeado o saber rodearte de las cosas increíbles para poderlo documentar. Hay público para todo pero creo que es fácil darse cuenta cuando alguien solo hace fotos bonitas o técnicamente perfectas y cuando alguien lleva más de fondo lo que quiere hacer. No importa la técnica si no lo que hay de fondo”. ¿Quién es la persona que más enseñanzas te ha dejado? Mi esposa, todo lo que hago tiene que pasar por ese filtro para saber si eso está bien o no está bien. Ella es la que me dice si estoy bien pendejo o si algo está bien chido. Ella es mi principal guía en la vida. ¿Hacia dónde va Napoleón Habeica? Todavía no sé hacia donde quiero ir, apenas estoy intentando sobrevivir a esta etapa. Creo que podría seguir en esta línea que es más punk, ya me emocioné. Estoy viendo qué onda con una película que estoy haciendo y comercialmente seguir en lo mismo. Lo importante es no caer en lo que crees que le va a gustar a la gente sino en lo que te gustaría ver a ti.

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Platicamos acerca de cómo en estos momentos el mundo se queja de todo y cree que todo es malo y banal. Hay varios fotógrafos que se han creado fama a través de las redes sociales solo por tomar fotos a chicas en poca ropa, Napoleón también lo hace pero de una forma distinta, su trabajo va más a allá de mostrar a una chica en calzones y la gente que lo sigue no está ahí por morbo si no que está ahí por su visión: “Afortunadamente, quiero pensar que así es porque no he tenido malas experiencias, creo que es muy fácil darse cuenta cuando ves mi trabajo, y sobre todo si me conoces, que respeto tanto a las mujeres y que las admiro tanto que sería una mamada que la gente se fuera por otro lado. No creo que alguien pueda malinterpretar mi trabajo, soy muy respetuoso y sincero, a veces en mi Instagram me ha llegado a pasar que algún pendejo pone un comentario morboso sobre alguna chica y los bloqueo. En mi Instagram tengo pocos comentarios porque si no tienen algo bonito que poner mejor que no aparezca su mensaje”.

ALICE COOP E R EL ARTE DE LAS PESADILLAS

TXT:: Luis Jasso FOT:: Carolina de Luna

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taviado todo de negro, incluso con el cabello pintado en la versión mate de ese color, con mirada dura, actitud altiva y una horda de asistentes a su alrededor. Con cada movimiento de su mano alguien hace una reverencia y le cumple algún capricho, un vaso de whisky en las rocas aunque sean las nueve de la mañana. Con otro gesto casi imperceptible, un cuervo que nadie había visto se posa en su hombro. Las luces de la majestuosa suite Diego Rivera del Hotel Presidente se atenúan para que se sienta el peso de la leyenda y sólo entonces, podrá comenzar la entrevista. De pronto, una voz firme pero amable rompe la ensoñación: “buenos días amigos”. Es Alice Cooper y sí, está vestido todo de negro, pero es un señor amable, risueño, que saluda con un apretón de manos firme, dispuesto a hacer todo lo que se le pide, -fotos en una barra que divide la sala de estar del comedor, otras tantas en una habitación con espejos, recargado en una pared de piedra, sentado en un amplio sillón- y que te mira a los ojos pero no con afán de intimidar, sino de compartir. Es una estrella de rock, pero al mismo tiempo no lo es… “Yo ya hice todo mi dinero así que ya no hago giras por necesidad, porque hay una gran diferencia entre hacerlo porque debes y hacerlo porque quieres. Yo lo hago por placer, porque es mi elección Antes no había de otra, si sacabas un disco tenías que apoyarlo con una gira. Hoy lo hago porque no se me ocurre que más podría hacer. La gente me pregunta por qué no me retiro y juego Golf, pero lo que no saben es que juego Golf en las mañanas y rockeo en las noches. Digamos que encontré ese sitio en el cual estoy muy a gusto con lo que hago, me rodeo con los mejores músicos y productores, realmente nos divertimos mucho al escribir las canciones y practicarlas y tocarlas en vivo, es decir, estoy metido en todo lo que tiene que ver con la creatividad y la diversión y ya no debo preocuparme tanto por lo económico”. Su tono de voz es amable, no tiene nada que demostrar pero deja de lado las actitudes típicamente relacionadas a las grandes estrellas, como la arrogancia o la indiferencia. Alice ha estado activo por casi 50 años, ha visto desde la tv en blanco y negro hasta la internet, y todo lo que hay en medio, entonces, ¿cómo ve al rock en ese contexto de 50 años más tarde? “Creo que el rock se mueve en ciclos y que cada generación se rebela en contra de la anterior. Por ejemplo, cuando llegó la música Disco, el Punk siguió inmediatamente después,

siempre hay una reacción. Lo que vemos ahora es una rebelión contra el tecno, la gente compra álbumes de vinil nuevamente porque se cansaron ya de comprar aire, no hay nada real ahí, tienen sus canciones en su teléfono pero no es algo que puedas tocar. La siguiente generación querrá tenerlo en físico, abrirlo, tocarlo, ponerlo en una tornamesa… vivir el ritual de tener un disco, que además es también tener un pedacito de la banda en tus manos. Este año fui a los Grammy y no había ni una sola banda de rock representada ahí. Creo que Metallica hizo algo, pero nada más. Eso significa que las Beyonces y los Kanyes y todo eso que no es rock -porque no es ni cerca, es música moderna para adultos de mediana edad- son lo de hoy, y que la mayoría son conceptos de chicas. Los shows más grandes son de chicas como Lady Gaga, y eso provoca que el rock esté afuera, lo cual es bueno, porque vuelve a ser proscrito, siempre debe ser así, porque cuando está en el medio, cuando es lo popular, se vuelve comercial, se vuelve la norma. Por eso, yo prefiero verlo afuera y que sea la música del rebelde”.

EL CONFORMISMO DE LAS NUEVAS GENERACIONES Cuestionado sobre la actualidad de la industria, sobre la triste realidad en que muchas de las bandas actuales no se preocupan por ofrecer un buen espectáculo tocar más de una hora y el por qué, a pesar de todo, logran tener una audiencia, su rostro cambia un poco, se torna ligeramente sombrío: “Creo que es porque se conforman. La audiencia se conforma. En nuestra era no podías sólo subirte al escenario y tocar, tenías que ser realmente bueno, Led Zeppelin era Led Zeppelin, los Stones eran los Stones, cada banda era grandiosa en vivo y cada banda sacaba muy buenos discos, no podías sentarte y esperar que todo se diera solo. Era una época en la que todo mundo sabía que la calidad era importante. Calidad en el show, en la producción, en las canciones, en los músicos. Mötley Crüe es una gran banda en vivo, Bon Jovi ni se diga. Hoy me parece que todo es más manufacturado. Y la gente lo acepta así, sin quejarse. Cuando yo me subía al escenario debía estar a la altura de Bowie y Zeppelin y ese tipo de bandas, así que debía ser igual de bueno que ellos. Me parece que hoy todo es visto de manera más casual, y me cuesta trabajo entenderlo. Cuando te paras en el escenario debes matar a la audiencia, debes hacer todo lo que puedas para destruirlos”.

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LA CREACIÓN EN CONTRA DEL OLVIDO Menos extravagante de lo que parece, Alice ha hecho algunas cosas poco comunes, como comprar una O del letrero de Hollywood, pero, ¿qué otra cosa podría decir que Alice Cooper tiene y que nadie más podría decir lo mismo? “Creo que sería la idea de que Alice Cooper nació como una banda que todo mundo odiaba. Todos excepto Frank Zappa. Él nos dio nuestra primera oportunidad, y luego Bob Ezrin nos descubrió y nos llevó al siguiente nivel porque él realmente entendía la

música. Él nos decía que podía poner a esta banda en la radio y una vez que entrabas a la radio, entrabas a otro mundo, en ese momento la gente tiene que ponerte atención, no pueden ignorarte si tienes un sencillo exitoso, y luego tuvimos otro y así sucesivamente. En ese momento eres parte de algo, no pueden obviarte. Y hay muchas bandas que son muy buenas que la gente olvida porque no tienen esos sencillos exitosos. Y en nuestro caso, la industria tuvo que mirarnos igual que como miraban a los Rolling Stones o bandas así porque vendíamos discos y montábamos grandes espectáculos y agotábamos entradas, así que nosotros no buscamos el éxito comercial, más bien dejamos que el éxito comercial viniera a nosotros. En otras palabras, no tuvimos que cambiar lo que hacíamos para que la gente nos aceptara. Hoy, canciones como ‘Schools Out’, ‘No More Mr. Nice Guy’ y ‘I’m Eighteen’ que eran más o menos subversivas, hoy son parte del menú, y eso abrió paso a bandas como Kiss, Bowie y muchas más, y eso eventualmente se convirtió en metal y punk”. Todo parece indicar que 2019 será el año en que Alice editará su vigésimo octavo larga duración en estudio. Sería hacia la parte final del año y por lo pronto se sabe que ha trabajado algunos temas con el productor Bob Ezrin, y que conceptualmente será algo que nunca ha hecho: “Soy uno de esos tipos que no viven en el pasado. Ahora mismo pienso en el siguiente disco que sacaré y no en lo que ya hice, y ojo, no reniego de mi carrera, estoy orgulloso, es simplemente que no soy nostálgico con el pasado”. Concluida la charla, Alice aceptó amablemente tomarse fotos con todos los que le pidieron la oportunidad, se despidió de mano y desapareció por el pasillo que lleva a los elevadores. No hubo neblina ocre a su alrededor ni lo siguió una boa constrictor pegada a su silueta, lo que se veía era una figura un poquito encorvada que, eso sí, tiene todo el porte de una leyenda, una que, a pesar de que llegará el día en que físicamente no esté, jamás desaparecerá.

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Después de su presentación en Domination, así fue. Los comentarios de la gente eran sobrecogedores, la mayoría de la gente salió impactada por la calidad del show, satisfecha de que la banda que lo acompaña está perfectamente amarrada. Esperaban menos, quizás por eso mismo que sucede en la actualidad, el que ya casi nadie se esmera en ofrecer algo bien cuidado, y se llevaron un recuerdo que les seguirá por siempre. Hoy, a los 71 años de edad, 43 de ellos felizmente casado, Alice tiene por supuesto hijos y nietos, sabe lo que es tener niños cerca, pero también, en la actualidad, la gente lleva niños a sus conciertos, y tiene una opinión al respecto: “El rock solía ser peligroso y era mal visto exponer a los niños a esa música… La cosa es que ya no puedes impactar a la audiencia, las audiencias de hoy son a prueba de espanto porque CNN es más impactante que Rob Zombie o que yo. La realidad es más impactante que nuestras fantasías así que la gente entiende que cuando montas un espectáculo, es eso, y que Alice Cooper es un personaje. Fuera del escenario no soy ese personaje, soy un tipo normal. Ya en el escenario me convierto en Alice, el villano que tiene una actitud totalmente distinta a la mía, y creo que la gente lo entiende. En los 70 sí era fácil impactar al público, los papás nos odiaban y por ende los chavos nos amaban, igual que con Mötley Crüe y todas estas bandas. Si logras que los papás te odien, entonces lograrás que los chicos te sigan”.

“En los 70 sí era fácil impactar al público, los papás nos odiaban y por ende los chavos nos amaban, igual que con Mötley Crüe y todas estas bandas. Si logras que los papás te odien, entonces lograrás que los chicos te sigan”.

Manual de amor moderno para aliens

El legado del viajero estelar

La memoria de Bowie se mantiene viva a través de veintidós historias que fueron inspiradas por su vida, su obra.

TXT:: Alejandro González Castillo ILU:: Marco Colín

experimentar, ¿qué importaba si era con el sexo o con el opio? Siendo adolescente estuvo atraído por el budismo e incluso maquinó la posibilidad de convertirse en monje, y fueron justo esas viejas enseñanzas las que lo sacaron del hoyo. Se dio cuenta de que no era un hedonista y que su papel en este plano existencial iba más allá de lo vano, así que volvió a los acordes. De la mano de Young americans alcanzaría el pico de su fascinación por la música soul; después, con Nile Rodgers como guía, manufacturaría gemas pop del tamaño de “Lets dance” para más tarde sumergirse en las densas aguas del jungle. Vaya, que cada vez estaba más distante de aquel adolescente bautizado como David Jones y cuya ambición no iba más allá de ser el mod mejor vestido del barrio. Esa capacidad de reinvención que Bowie patentara hace décadas puede palparse hoy día en los movimientos de Madonna y Björk, pasando por las evoluciones de Lady Gaga y Siouxsie Sioux. Por otro lado, esa hambre por tragar sonidos hasta empacharse hizo mella en Damon Albarn, Kendrick Lamar y Trent Reznor, por mencionar algunos. Y qué decir de aquella esencia salvaje y sexual, calculada con pericia y filo, que significó todo para combos como Placebo, Suede y Arcade Fire, así como para Radiohead y los Talking Heads. Considerando lo escrito, es probable que, efectivamente, Bowie haya hecho todo lo que era posible hacer desde mediados de los noventa; sin embargo, quienes hemos crecido escuchando su legado siempre tenemos algo nuevo por descubrir. Manual de amor moderno para aliens es un muestrario de eso, de lo que el nacido en Brixton les ha enseñado a 22 autores que se desatan las manos para contar hasta dónde es capaz de llevarlos el bólido todo terreno que el británico comanda a control remoto desde otra galaxia. Así, entre páginas se anda por aventuras arácnidas y paseos cósmicos, por tremores encordados y retoños chupasangre; aunque también por hospitales desquiciantes, ciudades sufragistas, sentimientos en franca agonía y fines de semana hirientes. Los ojos de los lectores caminan de izquierda a derecha, de arriba abajo. Del origen al infinito. Del presente muerto al futuro sin bordes. Párrafo tras párrafo. Renglón tras renglón. De esta manera, el de Brixton se mantiene vivo en un puñado de páginas; sí, aquel navegante de constelaciones que a los quince años de edad leyó On the road para que su vida no volviera a ser la misma. “Fue una epifanía”, alcanzó a explicar alguna vez sobre dicha experiencia. Y claro, sería muy pretencioso decir que el acoplado de relatos editado por Marvin, dentro de la saga Rock para Leer, aspira a algo similar; bastaría esperar que tras su lectura unos cuantos se atrevieran a dirigir los oídos a cualquier álbum editado por Bowie y que, una vez extraviados en sus surcos, con la luz de la canción como lumbrera en medio de las densas tenebras del presente, el hambre de hacer todo lo que a su alcance se encuentre les invadiera las entrañas, aunque fuera sólo por una vez.

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mediados de los años noventa del siglo pasado, David Bowie fue tajante al revelarle al diario The Telegraph que, pese a que sus ambiciones artísticas desconocían bordes, a nivel práctico le quedaba poco por explorar. “He hecho todo lo que es posible hacer”, comentó sereno y franco al periódico inglés. Un enunciado revelador si se considera que para entonces el artista estaba por editar el álbum Earthling; es decir, aún tenía reservadas algunas cuantas sorpresas para sus acólitos. No sería descabellado elucubrar que quizá desde esos días el de “Rebel rebel” ya contaba con los bocetos mentales del que sería su acto más desafiante: encarar la muerte con la creación como báculo. Finalmente, el músico abandonaría este plano existencial el 10 de enero de 2016; justo dos días después de su cumpleaños 69, la fecha en que puso a la venta el que sería su testamento sonoro: Blackstar. Sincronizar el último suspiro con la celebración del primero y aprovechar la convergencia para el lanzamiento comercial de un disco; vaya plan. Sólo Bowie podría lograr algo así. Sí, sólo él, quien injertó el mundo de las pasarelas de moda con el de los conciertos de rock, el encargado de llamar la atención de estilistas y artistas plásticos por igual y de llevar el amaneramiento procaz de Mick Jagger, así como el uso del alter ego ideado por The Beatles en su era más ácida, a sus últimas consecuencias. ¿Quién, sino él? David Bowie. El visionario. El único ente capacitado para sacar de sus tumbas a Lou Reed e Iggy Pop para así producirles álbumes de hondo calado. El comparsa de John Lennon, el alcahuete de Andy Warhol, el colega de Brian Eno. Una vez que inventé a Ziggy, descubrí que encarnarlo era muy tentador, así que fui el primer voluntario”, llegó a contar el artista respecto al momento en que ideó a uno de sus personajes más célebres. Aquella fue una premonición, pues el propio David se mimetizaría con ese rockstar de altura sideral. Aprovecharía su andrógina silueta y esa pupila híper dilatada para de ahí en adelante transformarse en lo que quisiera. Se habló entonces de reconstrucción molecular, de abuso de drogas, de esquizofrenia. Hombre, incluso llegó a contarse que era un extraterrestre. Teorías todas posibles, cabe decir. “Viví una situación extraordinaria”, comenta Bowie; “hablo de eso, de haber sido un híbrido entre realidad y fantasía”. Y es que el hombre de las estrellas también se convirtió en vampiro para hacer suyas las madrugadas californianas. Así, con los sesos a punto de escurrírsele por las fosas nasales se mudó a Berlín, solo y extraviado. Se sabía capaz de vagar de un género a otro, de hacer excursiones a diversos estilos y encontrar el modo de adaptarse a las tendencias de moda sin comportarse infiel consigo mismo; sin embargo, los diablos que le hablaban bajo el cráneo eran el verdadero problema. Se interesó en la magia negra, la cábala, el nazismo. Terminó saliendo del closet vía la Melody Maker. El artista estaba viviendo una etapa en la que quería

Daniel Miller La mente maestra de Mute Records, pionero de la escena electrรณnica

En cierta forma sí se podría decir que fuimos pioneros de la escena, porque trabajamos con la tecnología más barata pero la explotábamos al máximo.

TXT:: Samuel Rivera FOT:: Diane Zillmer

Después de 41 años de Mute Records con un historial increíble de artistas ¿cuál dirías que es el presente de Mute y qué te mantiene con esa energía para seguir? Bueno, antes que nada, constantemente buscamos nuevos artistas, recientemente tenemos algunos increíbles en el sello como Daniel Blumberg y K Á R Y Y N, nuestra búsqueda nunca para. Otra de las cosas que disfruto mucho es ayudar a estos nuevos artistas a desarrollarse, tanto en sus carreras como en su sonido, a crecer de manera exitosa. No significa únicamente tratar de vender muchos discos, sino que logren tener su propia visión de la música. Eso es lo que me mantiene activo en realidad, este tipo de trabajo es algo que en verdad me da satisfacción. ¿Cuáles son las principales diferencias de la escena electrónica de principios de los 80 con la de ahora? Ahora hay más artistas que cuando yo lancé mi primera grabación en 1978, más o menos al mismo tiempo que bandas como Cabaret Voltaire, Throbbing Gristle y The Human League también estaban sacando discos. En cierta forma sí se podría decir que fuimos pioneros de la escena, porque trabajamos con la tecnología más barata pero la explotábamos al máximo. Había muy poco disponible que pudiéramos costear, en ese entonces muchos no teníamos disqueras que nos apoyaran, todo lo hacíamos nosotros. Ahora crear música electrónica es accesible para prácticamente cualquiera con una computadora, incluso con los teléfonos, hay una cantidad increíble de recursos y software. Hay mucha música electrónica en el mundo, no necesariamente toda de calidad, desde luego, pero me parece increíble que exista la posibilidad de que tantos artistas se expresen mediante la música electrónica. Esto no existía para la mayoría de los artistas en el pasado. ¿Piensas que vale la pena fundar un sello discográfico en estos días? Depende mucho de a qué te refieras con si vale la pena. Si empiezas un sello porque te interesa trabajar con artistas para desarrollarlos, claro que sí. Desde luego el modelo de negocios es muy diferente. Yo diría que cualquiera que está interesado en trabajar con artistas, en desarr-

ollar una casa para ellos definitivamente vale la pena aunque no estoy seguro que actualmente pueda ser un medio para ganarse la vida, sobre todo en un principio. Yo fui muy afortunado cuando comencé Mute Records porque los discos aún se vendían muy bien. Cuando sacabas un buen sencillo, significaba tener suficientes ingresos para poder invertir en más artistas y también para tener ganancias. Ahora es muy diferente, claro si lo haces únicamente por el dinero no creo que sea la mejor idea, insisto si te interesa por el amor por la música y el amor por trabajar con nuevos artistas creo que es tan válido ahora como lo era antes. ¿Qué piensas que hace bueno a un remix, crees que hay ocasiones en que el remix supera la versión original? Claro que puede pasar, no diría que yo soy el responsable de esos casos. Creo que para que un remix sea muy bueno depende mucho también de cuál es su propósito, uno bueno es aquel que contiene el espíritu de la canción original pero que al mismo tiempo la lleva hacia una dirección distinta. Si quieres hacer una versión dance, puedes tomar un elemento y luego meterle un beat de kickdrum y ya está, pero creo que un buen remix va más allá. No se trata de un cover, sigue siendo el trabajo del mismo artista, por ello debe mantener su esencia y llevarlo a un lugar donde encuentre un nuevo hogar, por decirlo de algún modo, y también a nuevas audiencias. Una de las razones por las que se puede hacer un remix es esa, sabes que un artista hace muy buena música pero quizá no está alcanzando suficiente público, con un buen remix puedes lograrlo pero tampoco puede alejarse por completo de la esencia de la canción, no siempre funciona, es una línea delgada. ¿Qué es lo que más disfrutas de trabajar con sintetizadores análogos y como describes ese proceso creativo? Me gusta trabajar con todo tipo de formatos para crear música electrónica, desde sintetizadores básicos, hasta software. Pero ahora estoy muy interesado en los sintetizadores modulares porque reflejan mi manera de crear música. Me gusta que nada es repetible y no hay nada pre-establecido, tienes que crear algo en el momento. En cierta forma debes fabricar tu propio instrumento a partir de diferentes módulos. Si eres bueno en ello puedes crear un sonido propio muy diferente al de cualquier otra persona. Es algo que también tiene que crearse y terminarse en ese momento, una especie de lienzo en donde pintas y no trazas una línea igual que la otra y no es algo a lo que puedas regresar después a concluir. Tiene elementos de espontaneidad y de improvisación, a veces resulta algo genial, a veces no tan bueno. Las posibilidades, sobre todo con la tecnología disponible ahora, son infinitas.

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aniel Miller Fundó Mute Records en 1978 lanzando su propio material bajo el nombre de The Normal. Después, con este selló firmó grupos icónicos de la escena electrónica como Depeche Mode, Cabaret Voltaire y Fad Gadget, entre muchos otros. A propósito de su próxima visita a nuestro país como parte del CMD Fest pudimos platicar con Daniel sobre su visión de la escena electrónica actual y no tan actual.

FOT:: Salma Millan

Mónica Loza

Retratos de heroínas

“Un día voy a poder mostrar a cada una de esas mujeres, con esta primera edición salieron muchas cosas interesantes y espero que alguien se de cuenta y que podamos crecer esta experiencia”

REPORT

39 TXT:: Efraín Ramírez “Mako” FOT:: Cortesía Mártires de la Conquista

REPORT

ónica Loza es una fotógrafa que se ha dedicado a hacer distintos proyectos que reflejan sus inquietudes. Ella nunca se imaginó que terminaría dedicándose a esa profesión. Su historia comienza cuando se iba a un campamento en el verano y su padre le regaló una cámara pequeña para tomarse fotos con sus amigas, su papá vio un par de fotos le encantaron y la impulsó a dedicarse a la fotografía. Su sueño era ser gimnasta pero una lesión le cortó la carrera. Tiempo después varias personas le dijeron que era buena en la fotografía y eso la llevó a seguir trabajando con su cámara. Después de un tiempo decidió emprender un proyecto en el que diario tomaría una foto y la subiría a sus redes, invitó a sus seguidores a hacer la misma dinámica que ella y todo explotó. Al final, la práctica hace al maestro y el estar en constante trabajo de campo te lleva a desarrollar de mejor forma cada una de tus habilidades. Al respecto de cómo surgió el proyecto de una foto al día Mónica me comenta: “Me gustan mucho las ilustraciones y vi que había una chica que hacía una ilustración por día y me pareció increíble porque eso te obliga a estar trabajando constantemente, lo voy a hacer. Invité a mis seguidores a hacerlo y les dije que iba a poner las mejores 30 fotografías en un póster, llegaron como 8 mil fotos y decidí cambiar el póster y mejor creé un libro. Era un problema elegir las fotos porque varios mandaban cosas que no les pertenecían. Nunca me imaginé que iba a tener esa respuesta, cuando yo no subía foto la gente me escribía preguntándome por la foto del día”.

Enseñanzas y gustos

Influencias y Miedos Cuando pasan los años las personas que admiras y que influencian pueden llegar a cambiar, algunos no los conoces y otros siempre están junto a ti. Mónica admira a Natalia Lafourcade, una artista que siempre ha hecho lo que quiera y que gracias a eso ha logrado cosas que pocas personas imaginaba. Uno de sus referentes más importantes en la vida es Sebastiäo Salgado, el aclamado fotógrafo documentalista brasileño que recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1998. Claramente cada persona tiene a alguien cercano que admira, para ella su tío (Gustavo Loza) es pieza fundamental en su vida. Pero no todo es elogios y cosas bonitas, cada uno de nosotros esconde un temor, una fobia que puede hacer que aunque te sientas fuerte en esos momentos te tire y te rompa, Mónica me habló de sus miedos: “Mi mayor miedo es hablar en público y los temblores, me aterran. Con este proyecto me daba mucho miedo ser incoherente con mi discurso, que saliera una fundación y que no fuera congruente con el mensaje y que la gente me señalara”.

“Muchas mujeres no se acercan a pedir trabajo por miedo al acoso, ir a pedir trabajo abre la puerta para que te tiren la onda. Yo creo que por eso muchas chicas no salen con esa convicción”

Cuando comienzas a hacer lo que te gusta te llegan proyectos increíbles, algunos los tomas y otros no, pero al final lo que más disfrutas es la aventura, descubrir nuevas cosas y conocer gente que nunca pasó imaginaste sucedería. Al final del recorrido regresas con esa sensación de todo lo que te dejó estar fuera de tu zona de confort, con aprendizajes valiosos que te muestran de lo que eres capaz y de que fuera de la burbuja en la que vives existen cosas maravillosas. Mónica nos platica de su experiencia mientras tomaba fotografías en el rodaje Run Coyote Run, una serie que busca mostrar lo que viven los migrantes al querer cruzar la frontera con un poco de comedia aunque la realidad no es tan linda como la que muestra el programa: “Lo que más me ha gustado en mi carrera fue trabajar en Run Coyote Run porque tuve la oportunidad de irme a la frontera y conocer varias situaciones del país alrededor del narco. Estuve mes y medio, aprendí muchas cosas de las personas que están ahí: ¿cómo viven?, ¿Cómo actúan? Allá ni siquiera hay bancos, la gente está tomando o drogándose pero no son malas personas, pensarías que son unos cabrones pero en realidad son muy atentos. Fue una gran experiencia porque me encanta viajar y conocí gente increíble.” ¿De dónde surge la idea de hacer el proyecto Heroínas Anónimas? Todo empezó porque una amiga que trabaja en la SEP siempre está intentando ayudar a la gente, es como un Robin Hood de la burocracia que siempre se las arregla para ayudar. Ella lleva la parte de quejas y denuncias de escuelas particulares. Yo en quinto de primaria tuve un profesor que me acosó durante todo el año, se enteró todo mundo y el saber que había una persona defendiendo mi caso sin conocerme, y que me creyera, me parecía increíble. Creo que alguien tiene que reconocer el trabajo de estas personas porque es complicado que te crean. Fui de trabajo a unas conferencias de la ONU en Estados Unidos donde mostraban datos duros sobre la desigualdad hacia las mujeres. Ya sabía que existía ese problema pero cuando ves los números te sor-

El peligro para la mujer Comenzamos a platicar de las mujeres y de cómo el mundo en el que vivimos provoca que algunas de ellas prefieren no acercarse a pedir trabajo y cuando llegan a presentarse con su CV lo hacen con miedo. Sorprendentemente, nos preocupa más la diamantina y las paredes rayadas que los asesinatos, el acoso y las violaciones que se llevan a cabo día a día en nuestro país. Con respecto a los tratos hacia las mujeres en los trabajos, Mónica me dijo lo siguiente: “Muchas mujeres no se acercan a pedir trabajo por miedo al acoso, ir a pedir trabajo abre la puerta para que te tiren la onda. Yo creo que por eso muchas chicas no salen con esa convicción. A mí me pasó mientras tocaba puertas, me acosaban, por eso preferí ir a trabajar con mi tío, era el único lugar en donde me sentía segura para trabajar”. ¿A quién quisieras retratar? He perseguido a Pedro Friedeberg para tomarle un retrato y no lo he podido lograr, es una espinita que tengo ahí y me da miedo no poder hacerlo. Lo conocí, me dijo que sí y su representante me pasó un correo pero nunca me contestó. ¿Existirán más ediciones de Heroínas Anónimas? Habrá una segunda parte de Heroínas Anónimas, quiero que sea anual porque no solo hay 20 mujeres que están haciendo cosas para ayudar. Me gustaría un día reconocer a una ama de casa, creo que cada mujer tiene su lucha y las quiero reconocer. Veo a mi mamá y de niño no te das cuenta pero todo lo que ha hecho para que esté aquí ahorita. Un día voy a poder mostrar a cada una de esas mujeres, con esta primera edición salieron muchas cosas interesantes y espero que alguien se de cuenta y que podamos crecer esta experiencia.

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¿Cuál es el momento en el que más disfrutas tomar fotos? Me encanta estar en filmaciones, tomo mil fotos por semana y mejoro mi técnica. Estoy en chinga y eso me hace estar probando cosas constantemente. Cuando hago mis proyectos es más investigar, estar hablando con distintas personas y le dedico poco tiempo a mi cámara.

prendes. Era muy extraño ver que la persona que organizaba el evento era un hombre, me saqué de onda y decidí involucrarme en el movimiento feminista. Quise buscar fundaciones que estuvieran ayudando a la comunidad pero era complicado hacerlo sola así que pregunté en mis redes. Me parecía algo sincero y lindo que la gente me mandara a sus heroínas, llegaban muchos correos, desde abuelitas que le daban de comer a los perros de su colonia hasta fundaciones que llevan ayudando desde hace años. Conocí muchas historias increíbles pero el proyecto que más me mueve es el de María Salguero, un mapa de feminicidios en México y lo hizo ella sola. Una chica que se estuviera metiendo en esas investigaciones y en esos problemas me sorprendió, no puedo creer que toque temas tan fuertes y esté tan cuerda.

No mรกs canciones de amor

Juan Carlos Hidalgo, eternauta afterpop

“Me atraía poderosamente clavarme en la mente de un músico y su proceso de composición, mientras su vida personal se desploma.”

TXT:: Aarón Enríquez FOT:: Cortesía del autor

Tu libro es el monólogo interno de un músico llegando a la edad madura y durante el proceso de creación de un disco, supongo que muchas de tus preocupaciones actuales se vieron derramadas en él. En parte es inevitable, pero por fortuna pude esquivarlo en buena medida, dado que la prioridad era construir un personaje con muy marcada personalidad y en un contexto muy diferente al mío; en parte por eso es que sucede en Cataluña. Además, en cierto momento de la vida hay preocupaciones que son prácticamente universales, como la cercanía de la muerte de los padres, la crisis de las relaciones de pareja, el lugar que depara el futuro a cada uno, etc. Me atraía poderosamente clavarme en la mente de un músico y su proceso de composición, mientras su vida personal se desploma y pese a todo va librando a una depresión profunda. Cuando un hombre decide hacer un corte de caja radical se planta delante del espejo y enfrenta distintas situaciones límite, externas e internas. A ello hay que sumar entre la carga que representa la nostalgia y el reto de seguir creando a partir de las condiciones del presente y mirando al futuro. ¿Es posible escapar a las canciones de amor? He ahí una trampa narrativa y un dilema para el personaje, que tendrá que tratar de huir de su propia esencia y cuidar cada una de sus nuevas composiciones, especialmente las letras. Grandísimos artistas, como Tom Waits y Leonard Cohen, tocan fibras muy sensibles y profundas sin rozar siquiera la cursilería. Se trata pues de la construcción de una estética y una sensibilidad, que nace y se mantiene con Ultravox y Roxy Music y abreva de The XX y James Blake, ya instalados en el presente. No en vano buena parte del soundtrack de la novela, cuyas letras también aportan y se insertan en la historia, es un homenaje a ese exabrupto glamuroso que fue el New Romantic. La atracción de abordar al binomio amor-desamor es una gran fuerza ,equiparable a la gravedad. Ya no más canciones de amor es un anhelo tal vez imposible; un guiño para darle la vuelta a la tradición letrística: lo que comenzó como “Dancing with tears in my eyes” se convierte en “eres mi luz negra”. ¿Es posible que el abandonar todo para entregarse a las pasiones sea uno de los principales temores de un creador? Otro de los temas esenciales de la novela es la soledad, un sino de los

tiempos que corren. No son pocos los músicos que han atravesado por una depresión profunda y se aíslan involuntariamente, en esos momentos no hay capacidad de reacción. Por otro lado, se encuentra también el deseo de las figuras públicas, especialmente los artistas, por desvanecerse y pasar desapercibidos, algo que con gran maestría maneja Enrique Vila Matas quien por cierto es catalán. Creo haber sido puntual cuando el músico dice: “Digo que asumí la composición como si esas piezas conformaran un manual para entender la soledad. Ahora, pienso que no importa si se tiene pareja o no; cada vez estamos más solos y esa es la condición que define nuestro presente”. Pese a todo, me interesaba especular acerca del proceso de redención y reinvención. Después del bloqueo creativo y la gran caída del ser humano, un día logra entrever una estrategia para seguir adelante… y se la brinda el arte. Curiosamente, después de que di a conocer el título de la novela me escribieron varios amigos músicos que compartían la misma arenga. ¿El tiempo ablanda? No me queda la duda de que golpea más fuerte que un campeón de peso completo. El transcurso de la vida devasta inevitablemente y tiene, necesariamente, que modificar tu postura. Es muy posible y viable comprender el origen del refrán: “uno no envejece, el cuero es el que se arruga”. Quizá hallan ciertos entendidos, con la sapiencia de Guillermo Fadanelli, que no lamentan la pérdida de la juventud y se mueven mejor en lo profundo de la edad adulta y los años maduros por venir. Ciertamente, el arte de esquivar los rectos del tiempo se lo reservan ciertos iniciados; el resto hacemos como los grandes fajadores, recibimos castigo y aguantamos… con la esperanza, claro, de conectar un solo recto ganador. Como es ya un rasgo de tu escritura, hay infinidad de referencias a la música, la literatura y la cultura pop. Es un laberinto que te va guiando en una sub-lectura del texto. Pareciera que no todos los lectores podrían descifrar estos guiños. ¿Aspiras a que tus lectores sean igual de obsesionados como tú con estos temas? Soy un convencido de los preceptos del ensayista Eloy Fernández Porta, vertidos principalmente en Afterpop; donde habla de la implosión de los niveles de cultura, según el viejo esquema de Eco y el surgimiento de un nuevo paradigma de consumo y distribución. Puede que suene algo teórico, pero en la práctica es una evidencia que cada vez ampliamos los parámetros de las cosas que nos apasionan y nos atraen; algo que también tiene que ver con la desintegración y difuminación de las fronteras, los géneros y la experiencia cotidiana de un mundo globalizado. No me siento una isla, porque cada día conversas con gente mucho más joven. Puedo mencionar como ejemplos a Guadalupe Gómez, Rafael Tiburcio García y Martín Rangel; todos de mi estado y descubres que sus referentes son amplísimas y multidisciplinarias; ¡es lo de hoy!

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na bestia que devora todo lo que se le acerque y huela a música, literatura y excentricismo. Eternauta afterpop que navega en las honduras del underground, lo mismo que pasa una tarde entera maravillado con la poderosa voz de Rocío Jurado. Juan Carlos Hidalgo entrega No más canciones de amor, su más reciente novela. Cargada de referencias a las que el lector tendrá que estar atento, casi a manera de trivia. El libro te inserta en el diálogo que tiene consigo mismo un músico maduro que aún no ha tocado la gloria. Barcelona, alta cocina, santería cubana y magia blanca; preocupaciones propias de alguien que ha llegado a los 50 años casi sin darse cuenta. Un soundtrack imperdible y guiños a Vilamatas. El inquietante juego entre lo real y lo novelado.

CÃ&#x201C;MIC Y NARRATIVA DIBUJADA

BLACK META L Y BLACK COMIC | DE ALICE COOPER A BELZEBUBS

TXT:: Oscar G. Hernández

su Rock and Roll Comics, pasando por apariciones en el The Simpsons Comics a principios del 2000 y su serie que llega hasta 2016 con Dynamite Comics. Lo cierto es que a pesar de todos estos cómics es en The Last Temptation of Alice Cooper del año 1994 en que este artista dará una obra para la cual se crearía una relación mítica entre un músico y un narrador gráfico. Este proyecto fue ejecutado por Neil Gaiman creador The Sandman cómic de culto que parecía intocable para el cine y las series, pero que este año Netflix, finalmente lo alcanza. Gaiman es uno de los grandes creadores ingleses de todos los tiempos de una creación prolífica, es muy conocido en el mundo del cómic por The Sandman y sin duda ahora con la serie todo mundo se volcara a él. Anteriormente muchos los descubrieron por su trabajo llevado al cine Coraline y por la serie que presenta Amazon de su còmic American Gods. Cuando lo invitaron a realizar el proyecto de The Last Temptation ya era un gigante en el universo de la narrativa dibujada, al principio fue un proyecto que rechazo pero cuando se entero que se trataba de Alice Cooper lo acepto de inmediato. Este disco-novela gráfica fue uno de los primeros conceptos de una creación transmedia que funciona en conjunto. Cooper y Gaiman crearon una idea para que el cómic y el LP fueran leídos y escuchados simultáneamente. Este tipo de conceptos tardarían mucho tiempo en desarrollarse y aún hoy día son pocos los que se atreven a mezclar el cómic y la música con grandes figuras de ambas artes y lograr un producto que verdaderamente aporte. El resultado de la colaboración fue un álbum de 104 páginas, dónde después de varias charlas y reuniones en el que Gaiman colaboraba en el disco sugiriendo los tramas y los nombres para las canciones, mientras que Cooper decía a Gaiman las cosas que podía y no podía hacer su personaje en el cómic. En dicho álbum Gaiman plasmó todas las ideas en las que coincidía con Cooper para crear una historia de terror del mejor gusto, del gusto clásico, sin efectos, sin espectacularidad, una historia que se sostiene por la sola y verdadera idea del miedo. A pesar de que cómic y disco son un concepto, desde nuestro punto de vista es posible leer el cómic sin la necesidad siquiera de saber quién es Alice Cooper; lo que sin duda es un acierto. No es que este comic sea una obra maestra, lo que sí podemos decir es que esta novela gráfica es probablemente el mejor trabajo que se haya realizado con una estrella de rock de heavy metal. Y es probablemente el mejor resultado que se haya dado al conjugar músicos con artistas del comic para generar un disco conceptual sobre este género. The Last Temptation of Alice Cooper ha sido reeditado en varias ocasiones e incluso tiene una edición de lujo. Es difícil predecir que pasará con el Metal ya sea para el còmic o para la música, lo cierto es que de esa relación siempre tendremos un gran sabor de boca; por piezas tan nuevas como Belzebubs y por piezas clásicas de alta calidad como lo hecho por Alice Cooper y Neil Gaiman.

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l cómic y el metal han tenido una relación más que histórica; todo empezó con aquella publicación francesa conocida como Metal Hurlant, de ella nacería literalmente lo que se conoce hoy día como la narrativa grafica de autor, los nombres que aparecieron en sus páginas son gigantes en cantidad e influencia: Pratt, Moebius, Corben, Druillet, Jodorowsky, Burns, Mezeries, etc., etc. , etc. La revista nació a mediados de los años 70 y su época dorada alcanza el final de los 80. Metal Hurlant llegaría a América con el nombre de Heavy Metal, el impacto de esta publicación no sólo marcaría para la eternidad a la novela gráfica, demasiadas obras cinematográficas de ciencia ficción se inspiraron en ella, desde la hiper-comercializada Star Wars hasta Mad Max, El Quinto Elemento, Alien y la mítica Blade Runner, por mencionar lo más evidente. La relación Metal y las Viñetas en lo que refiere a la música sobrevive de una u otra manera. Durante este siglo el género de metal no tiene la fuerza que solía tener, ya sea para el cómic como probablemente para la música. A pesar de esta situación el tema se mantiene vigente. Es desde Finlandia que aparece un tira que rompió el internet, fue ya publicada en varios idiomas y por fin ve la luz en nuestro país, su nombre Belzebubs. Los finlandeses sin tantos reflectores, han logrado construir una tradición de narrativa dibujada en la línea del comic-strip que viene desde los Mumintroll mejor conocidos como Los Mumins de la autora Tove Jansson, el fenómeno de este cómic inicio en los años 40 del siglo pasado y aún hoy día es del gusto del público e inspira a varios creadores. Belzebubs de JP Ahonen se inserta en esa línea de humor y reflexión. Para los conocedores y no conocedores del Metal, veremos en este comic-strip una fina comedia que se inserta en las formula de familias atípicas. Los Belzebubs son creadores de Black Metal, servidores de Satán incrustados en el cotidiano de este milenio con pequeñas situaciones hilarantes. Una abuela que vive con el cadáver de su esposo, sólo para mostrar que es muy ruda y porque “hasta que la muerte nos separe es para blandos”; Una banda de música bastante torpe. El humor en esta tira sigue un crescendo que va de un metalero saturándose de estoperoles, hasta una adolescente enamorada que se refiere a su crush en un “Absorbería un pedo de ese culo”. El acierto en Belzebubs es que en apariencia parece una átira al Black Metal, pero por otra parte lo refuerza con un humor que se hace a cada tira mas metal pesado. Los halagos para el cómic no se hicieron esperar, lo que inicio como otro fenómeno de la red social, se convirtió en una edición muy bien cuidada que rinde honor a esta familia de metaleros satánicos. Es también una de las primeras comedias que aborda el género y sobre todo es la tira que acerco a los post millennials a descubrir el Black Metal y el nuevo comic-strip finlandés. Es en figura de Alice Cooper que relación Heavy Metal y Cómic alcanza niveles de culto, este músico ha sido llevada a las viñetas durante décadas. Todo inicia en aquel número de la Marvel Comics en 1979 titulado Tales From the Inside que rendía tributo a Tales from the Crypt donde Cooper es el protagonista. Llegaría en los noventa

MÓNICA H. QUANT CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

46 Tiene 30 años, se convirtió en godín para escapar de Toluca su ciudad natal. Pasados 6 años tuvo una crisis emocional y existencial después de hacer cambios por segunda ocasión en 4000 banners. Renunció a su chamba para intentar hacer lo que le gustaba, que incluía dibujar como trabajo y tomar un chingo de siestas. Ahora diseña e ilustra portadas para discos y otras cosas para la industria musical, hace cómics acerca de morir o de la vida diaria. Le gustan los overoles, las sudaderas, el internet, los documentales y los animales. Este año Mónica se alzó con el premio de novela gráfica convocado por Editorial Fauna Nociva con el cómic titulado Un Día Más.

Instagram: @monicaquant

Elena Gonzรกlez Ilustradora | Instagram: @ele.zissou

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