THE B52’S Utopía cósmica
EDICIÓN
176 $52.
00
EXHIBIR HASTA:
05-DIC-19
+WEEZER
Esto no es death metal
+SNAIL MAIL
Buscando una salida
+BAD RELIGION Pesadillas religiosas
EVITA EL EXCESO, www.alcoholinformate.org.mx, No de Permiso 193300201A0416
COFUNDADOR CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS joseaureliovasan@gmail.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pv.lphant@gmail.com DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS ASISTENTE DE ADMINISTRACIÓN ALAN CORONA admin@marvin.com.mx
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IMPRENTA Compañía Impresora El Universal Allende 176. Col Guerrero. México, CDMX. Tel. 5117 0190
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Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 176 correspondiente a: NOVIEMBRE 2019. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2019-012816402300-102. MARVIN es una Marca Registrada. Distribuida por: Comercializadora GBN, S.A de C.V. , Calle Federico Dávalos num. 35 Col. San Juan Thlihuaca, Delegación Azcapotzalco C.P 02400 CDMX y Arredondo e hijos Distribuidora, Calle Iturbide núm. 18 D, Col. Centro Delegación Cuauhtémoc, CP. 06040 CDMX
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CENTRAL REPORT
CONTENIDO
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NOVIEMBRE 2019
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SÓNAR / El fino arte de un buen festival.
SWMRS /Berkeley’s on fire. Your TV lies. SNAIL MAIL / Desde la intimidad de un diario. THE RACONTEURS / A merced de las canciones.
WEEZER / The Black Album. THE B-52’S / Una utopía que nos podría salvar.
THE IRISHMAN / Un necesario retorno a las armas LA HISTORIA DE 4AD /De cómo Ivo Watts Russel conquistó al mundo BRYAN LEE O’MALLEY / Realismo Mágico BAD RELIGION / La religión es una pesadilla irracional CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA / Mariko Tamaki | Censura y Verano CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA / Adriana Cassiano #MARVIN18 / Pamela Medina
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EDITORIAL
os últimos meses del año se vuelven trompicados, todos quieren hacer todo y cerrar su año como si se les acabara el mundo. En esta edición de Marvin, seguimos mostrando nuevas propuestas y recordando a esos proyectos que nos han marcado. En portada están los B-52’s, de ese cartel enorme del Corona Capital teníamos que rendirle tributo a una de esas bandas que nos han acompañado en tantas pedas, en tantos viajes, en tantos convivios que comenzaron en una cerveza y terminaron a las 6 AM bailando “Rock Lobster”. Este es un número para seguir descubriendo y redescubriendo cosas que estaban ahí y que tal vez les habíamos perdido el encanto pero que cada una de las plumas que encontrarán a través de estas páginas. Weezer, The Raconteurs, Scott Pilgrim, Martin Scorsesse, Snail Mail, SWMRS… Este número lo terminamos con cervezas en mano y escuchando “Ne1butu” de Scuba mientras platicamos de una sorpresa que traemos entre manos. ¡Salud a todo el equipo! ¡Salud a todos los lectores! Se está terminando el año y queremos seguir festejando los 18 años con ustedes.
Efraín Ramírez “Mako” @makowww
Aún quedan cosas por descubrir y cosas por resolver. Pero un desastre a la vez.
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Aldo Mejía
Periodista de cultura, política y seguridad, egresado de la FES Acatlán. Estudioso de la contracultura y la narcocultura, así como de la relación entre ambas. Escritor en ciernes de crónica, cuento y ensayo. Detective salvaje.
Sergio Benítez Le gusta la marca que el giste de la cerveza oscura le deja en los bigotes así como escuchar discos y comer jaiba en la playa. No tiene tatuajes ni cruza las piernas cuando lee. Es cronista musical por decisión propia y aun no se arrepiente de ello
Héctor Padilla “Pada”
Entusiasta de la cultura pop del entretenimiento, con dos décadas dedicado a la realización de contenido para radio, televisión, impreso y medios digitales. Siempre buscando su próxima obsesión en cómics, series de tv, videojuegos y películas.
Pamela Medina
COLABORADORES
Estudió Diseño y Comunicación Visual en la FAD de la UNAM. Ha ilustrado libros para diversas editoriales. Participó en exposiciones colectivas como Estereotipas (2017), Conversaciones de medianoche (2018) , Gabinete de Sororidades(2019) y El Gran Salón de México (2019).
Juan Carlos Hidalgo
Columnista de la revista Marvin, Diario Milenio Hidalgo y Radio BUAP. Jurado de la Beca María Grever. Ha publicado las novelas Rutas para entrar y salir del Nirvana y La vida sexual de P. J. Harvey.
Toño Quintanar
Escritor, adicto al cine, cuentista, guitarrista en Los Riot y nigromante frustrado. Estudió Literatura e Historia del Arte en la UNAM. Ganador del XXI Certamen Literario Juana Santacruz.
Wenceslao Bruciaga
Escritor, cronista, más de diez años como columnista de #ElNuevoOrden en Milenio. Melómano irremediable e insufrible, boxeador amateur. Es autor de los libros Tu lagunero no vuelve más (ed Moho 2000), Funerales de hombres raros (ed Jus 2012), Un amigo para la orgía del mundo (ed Discos Cuchillo 2016) Bareback Jukebox (ed Moho 2017). Por culpa del hardcore punk lo tachan de ser un gay-antigay.
Walter Schmidt
Con más de cuarenta años viendo la transformación de las músicas de vanguardia y el suceder de lo que puede llamarse rock mexicano, ha tocado, escrito, hablado y moldeado a la cultura moderna dentro y fuera de México. Bajista, editor y director editorial, periodista y aficionado experto en reptiles “Fuera de las computadoras, se me hace que es muy ranchero el siglo XXI”.
SÓNAR FESTIVALES
Sónar México NOVIEMBRE 2019
El fino arte de un buen festival
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TXT:: Aldo Mejía FOT:: Arturo Lara
Con el último tramo del verano llegó la primera edición de Sónar México. Un festival que a nivel internacional ostenta una importante trayectoria por el nivel de producción visual y sonora que promete en cada acto. Cuando llegamos, el sol caía sin contemplaciones sobre el Parque Bicentenario y Alizzz construía esa atmosfera, con la intensidad sonora de una jungla de la que me platicó cuando lo entrevisté. Canción por canción, mostró el mosaico auditivo de algunas de las mejores piezas en las que ha estado involucrado. –A ver, perrea –me dijo Majo con un tono de voz dulce y una sonrisa divertida. Esas palabras, inauguraron en mi cabeza la primera edición de Sónar México. Mover el cuerpo, reconocer cada una de mis extremidades y desentumirlas, fue inevitable. En el del productor español fue el único set en el que sonó reggaetón, pero los ritmos fluían de un género a otro y los movimientos que adquirían eran igualmente diversos. Los había tímidos y apenas perceptibles; también estaban los que ignoraban las miradas de los demás, como si su presencia fuera la única ahí. Nadie era inmune a lo que estaba pasando. En el escenario principal, Noa Sainz cosechó otro puñado de fans de su sonido venido de la experimentación con el R&B como punto de partida. Presentó canciones que ya adquirieron una personalidad propia y otras que están por salir. Y se adueñó del escenario con una presencia cada vez más cómoda, lo que demuestra con sus cándidos movimientos y con lo apacible de su voz que de a poco consigue mejores registros. En el mismo matiz de jóvenes artistas latinos que toman fuerza estuvo Jesse Baez, quien se hizo acompañar por amigos; ya fuera con la presencia de Milkman o con sus voces en los tracks que han hecho en colaboración. El de origen guatemalteco no se tuvo que mover demasiado para poner a los presentes a cantar sus canciones como si de himnos se tratara.
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BAD BAD NOT GOOD
FATIMA AL QADIRI
CHARLOTTE DE WITTE
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KIDD KEO
NOVIEMBRE 2019
RICHIE HAWTIN
FESTIVALES
SÓNAR
ALIZZ
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NOA SAINZ
Minutos después, Nosaj Thing, junto a Bureau Cool, hizo un acto que con cada minuto escalaba en complejidad y apelaba a tonos increíbles. Tejían un entramado de dimensiones acompañadas de unos visuales que se producían con imágenes tomadas de la audiencia. Como si mostraran algo que no pudiéramos ver a simple vista. Fue difícil dejar ese viaje a la mitad para volvernos a mudar al escenario principal y ver a George FitzGerald. Sin embargo, el set del productor inglés fue brutal desde el primer instante. Una vez oculto el sol, se pudo apreciar mejor el juego de luces que llevaba preparados para traducir en colores todos los ritmos por los que repasó. Cuando entrevisté a FitzGerald, me dijo que había aprendido a leer a la gente para desarrollar su show. Qué habrá visto en el público mexa para detonar de esa forma sólo él sabe. Pero George se hizo con el título de uno de los mejores actos del día. La emoción no se contuvo cuando BadBadNotGood debutó por fin en Ciudad de México. Ese jazz divertido, dinámico y juguetón se paseó por todo el recinto hasta ponernos a saltar en el clímax de su turno. Era como un vaivén entre sus mejores canciones y las habilidades que tienen para improvisar por largos tramos. En la recta final del festival, Skepta se hizo con la atención de todos, demandó un compromiso físico de quienes querían verlo. Se formaron círculos en los que irrumpió la violencia contenida y lo que empezó como unos empujones derivó en puñetazos mientras el rapero pedía más de esa energía. Al final, todo quedó en sonrisas amistosas y palmas que se estrellaban como una señal de satisfacción. Con el paso de los festivales y los conciertos, que cada vez son más constantes, he aprendido el fino arte que es pasarlo bien. Bastaron algunos actos del extenso cartel y una gran compañía para quedar satisfecho y recordar ese día con una plena sonrisa. Eso sucedió luego de la primera edición de Sónar México. Todavía falta comprobar cuál es la identidad que toma Sónar en nuestra ciudad, una que cada semana tiene un festival o concierto. El paso del tiempo dirá cuál será ese sello que provoque a los entusiastas de la música hacerse con un boleto, no para una serie de conciertos, sino para una experiencia completa.
SWMRS
“BERKELEY’S ON FIRE. YOUR TIV LIES”
TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Phoebe Fox
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el pequeño pueblo de la Bahía californiana, frente a San Francisco y junto a Oakland, siempre ha sido un reducto para la práctica de las ideas y la inteligencia. La Universidad que le da nombre es un bastión de lo queda de la contracultura y trae consigo incluso una prosapia beatnik. Al recorrer caminando Telegraph Avenue –su principal arteria- y calles aledañas se percibe todavía un tufo revolucionario y ganas de oponer resistencia al sistema. Puede que el sitio siga en llamas y, al final, es algo digno de celebrarse; no es un dato menor que los chicos de SWMRS hayan recurrido a tal metáfora, dado que por ella podemos comprender que no todos los punks son iguales – hasta en los perros hay razas-. La canción que le da título nos remite al 1 de febrero de 2017, cuando un tipejo tan deleznable como Milo Yiannopoulos canceló una conferencia debido a las protestas estudiantiles que derivaron en 11 arrestos, pero que no dejaron daños. Milo es un tipo que aprovecha los escándalos mediáticos para su conveniencia y ha arremetido contra el islam, el ateísmo, el feminismo, la justicia social y la comunidad gay – aun siendo gay-. Es un canalla de lo peor que a través de su frustrada presentación provocó que Donald Trump amenazara con retirar fondos a la Universidad, por no respetar la libertad de expresión (¡sic y recontra sic!). Me interesa que el segundo álbum de SWMRS nos permita hablar del tema y que la pieza se torne en un tema político. Los músicos asumieron que el asunto los implicaba y han planteado que es un tema complejo que no se deje hablar incluso a un filo nazi, dado que desde los años sesenta se buscó preservar en el Campus la libertad de cátedra y la expresión sin cortapisas de las ideas a través de lo que se llamó The Free Speech Movement.
En tiempos en que los sencillos tienen un peso específico impresionante, Barkeley´s on Fire (Fueled by Ramen, 2019), ya tiene un importante asidero. Es mejor clavarse en ese asunto político (con sólo surf de guitarra incluido) que acotar que perdieron a su anterior vocalista o que en la batería se coloca Joey Armstrong, el hijo de Billie Joe –líder de Green Day-. La novedad es que jala a su hermano Jakob para potenciar su directo. En suma, estamos ante una decena de temas de aliento ramoniano; son llamas que arden rápido, que se consumen en un instante, pero que pretenden retratar su momento; por supuesto, hay lugar para alegar y ponerse serio, pero también para desbarrar y hacerse el desmadroso (“April in Houston”). Por mi parte, los prefiero vociferando: “Berkeley’s on fire. Your TV lies”, que haciéndose pasar por springbreakers: “Everybody’s wants to get me high”. Mientras tanto, los hermanos Max y Cole Becker han asumido el comando de las voces y en general de la banda. Todo nos indica que aún están sopesando el rumbo correcto por emprender y eso se nota en las diferencias abismales entre temas. Entre el resto del lote se destaca “Hellboy”, de obvias reminiscencias comicqueras y de rudeza guitarrera. Lamentablemente la banda tuvo que cancelar su presentación en el Corona Capital pero estamos seguros que podrán reponerlo después y los asistentes tendrán delante a unos tipos que están dispuestos a dar la pelea por sus intereses. Ojalá que entre la muchedumbre aparezcan por ahí los fantasmas de Jack Kerouac y Allen Gingsberg -alguien tiene que azuzar las proclamas desde el Berkeley pasado-; con SWMRS todavía queda un poco de rabia para derramar en un Festival.
LEE Y ESCUCHA TAMBIÉN Drive North SWMRS La crítica coincide en que su debut del 2016 fue más completo o intenso.
Chroma Mt. Eddy En 2017 apareció el álbum debut de la banda de Jakob Armstrong y conviene prestarle antención; también tienen un sencillo imperdible: “I luv Robert Smith”.
Telegraph Avenue Michael Chabon Ed. Random House Una de las mejores novelas de este autor que nos remonta a una franja entre Berkeley y Oakland y en la que aparece también Brokeland Records, un paraíso de vinilos de segunda mano.
SNAIL MAIL DESDE LA INTIMIDAD DE UN DIARIO
Lejos de quejarnos del cartel del festival Corona Capital 2019, nos emocionamos por las bandas que ya conocemos y nos adentramos en los proyectos más frescos. Entre ellos está Snail Mail.
TXT:: Aldo Mejía FOT:: Cortesía de artista
los proyectos de los jóvenes artistas nacidos en este milenio –o en los últimos años del anterior. Snail Mail no presume de una gran instrumentación o de una voz portentosa, de por medio, tiene las letras que escribió para algún enamorado. Canta sobre las sensaciones que experimentó no hace mucho durante la adolescencia. “Al principio era complicado cantar lo que había escrito como en un diario, pero pronto me di cuenta de que no eran experiencias exclusivamente mías y nadie está exento de ellas”, me responde sobre las temáticas que abordó y el sabor que tomaron mientras más las tocaba. Ese sonido discreto, recargado en rasgueos breves de guitarra y golpes leves a la batería, se coló a grandes festivales de talla internacional. Primavera Sound 2019 está entre ellos. Le pregunto cómo le han sentado en el aspecto creativo estos viajes y si algo podría permear en su siguiente trabajo y ella responde: “Siempre me doy el tiempo de echar un vistazo a los otros escenarios, si es un festival. O trato de vincularme con algunos artistas se si presenta la oportunidad. Lo que no puedo hacer es componer mientras estoy en pleno tour, es decir, en los hoteles o en las camionetas. Prefiero conservar la costumbre de componer en casa, una vez que los pensamientos se asentaron.”
Me platica que uno de sus objetivos es viajar a Italia y componer en un ambiente lejano al suyo. Rodearse de elementos que le sean ajenos y tratar de crear con una perspectiva diferente. Le pregunto si se ha preparado de alguna forma para el éxito, pues no pocos talentos han sido menguados por lo abrumadora que puede ser la fama. También me cuenta, eso no es algo que le preocupe, mucho menos que le quite el sueño. “No tengo un nivel de fama que pudiéramos considerar como excesivo. Aún puedo salir de casa y pasar tiempo con mis amigos. Cuando estoy de gira, platico con frecuencia con mi familia por teléfono y ellos me recuerdan a cada momento quién soy. De dónde vengo”, asegura Lindsey con confianza. A nivel internacional, también se están gestando proyectos que difieren de los sonidos que cada vez cobran más notoriedad. Esta edición de Corona Capital encuentra dos generaciones de bandas y aristas reconocidos con muchos talentos nuevos. Snail Mail se cuenta entre ellos. Una joven de apenas veinte años que sacó de su recámara algunos secretos y los convirtió en canciones que ahora corean miles de personas.
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El cartel del décimo capítulo del festival Corona Capital tiene una marcada dualidad. Lucen en letras grandes los nombres de grupos que nada tienen que probar en nuestro país y poco pueden hacer para sorprendernos. Por el otro lado, tenemos nombres que no presumen una gran trayectoria pero sí de haber creado un vínculo importante con el público alrededor del mundo. Entre ellas, está Snail Mail. Se trata del proyecto de Lindsey Jordan, compositora y cantante de origen estadounidense, cuya carrera va en ascenso. En el 2016 publicó su EP Habit y dos años más tarde presentó Lush, su álbum debut. Con estas canciones que concibió en la intimidad de su habitación empezó a llenar sus presentaciones y los escenarios en los que se presentaba eran más grandes cada vez. “Es increíble ver cómo las letras y las ideas que tenía en la intimidad de mi habitación, en la casa de mis padres, lograron una conexión tan fuerte con un público tan receptivo”, me dice por teléfono una Lindsey agripada con voz dulce. “Lo que ha sucedido el último par de años es increíble pues cuando empecé a componer no tenía aspiraciones o metas”, confiesa. Su sonido tiene ese sello distintivo breve, tímido y confesional que está permeando en
THE RACONTEURS A MERCED DE LAS CANCIONES
TXT:: Sergio Benítez FOT:: David James Swanson
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Tras una década en pausa, en la que cada uno de sus integrantes se dedicó a sus propios proyectos, The Raconteurs decidieron reunirse por fin y lanzar un nuevo disco: Help Us Stranger, apenas el tercero en su carrera. El nuevo material de estudio los ha embarcado en una extensa gira que los traerá a México, para presentarse en el festival Corona Capital 2019. Jack Lawrence, bajista de la banda nos cuenta cómo fue que él, Jack White, Brendan Benson y Patrick Keeler decidieron retomar las riendas de la banda, trabajar en un nuevo álbum y salir de gira nuevamente. Antes del lanzamiento de Help Us Stranger, habían pasado 11 años desde el último álbum de Raconteurs. ¿Qué cambia en una relación creativa cuando no se ha ejercido durante una década? Caímos de nuevo en eso, creo. Cada uno de nosotros está establecido de muchas maneras. Si esto fuera todo lo que teníamos, como The Ramones o algo así, o si fuera lo primero que comenzamos, podría ser una historia diferente. ¿Cómo fue que decidieron reunirse de nuevo? Fue sólo el momento, nunca nos separamos ni nada. Brendan estuvo produciendo y escribiendo; Jack estaba ocupado con su carrera solista y Patrick se mudó a Los Ángeles. En algún momento Brendan ayudaba a Jack con su disco y entonces Jack le mostró una canción que aseguraba, sonaba a The Raconteurs; ambos pensaron: “¡Una nueva canción de The Raconteurs!”. De ahí nos pusimos en contacto entre todos y nos dimos cuenta que era el momento de regresar.
¿Qué sucedió una vez que estuvieron reunidos en el estudio? No creo que ninguno de nosotros estuviera seguro de qué esperar. Obviamente, lo más importante era la música. ¿Podríamos tocar, todavía? ¿Sería bueno? Comenzamos dando pequeños pasos, pero rápidamente quedó claro que era como si no hubiera pasado el tiempo. ¿Recuerdas con qué canción comenzaron de nuevo? La primera canción que trackeamos fue “Hey Gyp (Dig the Slowness)”, una versión que hicimos a esta canción de Donovan y que decidimos incluir en el álbum. Desde el primer momento fue como “¡Grabemos, vamos, hagamos esto!”. No hubo mucha discusión, ni tanta planificación como suele ser el caso con The Raconteurs. ¿Cómo surgieron las canciones para este Help Us Stranger? ¿Fueron hechas específicamente para este álbum o más bien cada uno trajo algo trabajado durante el tiempo separados? Los temas fueron compuestos por Jack y Brendan. Ellos llegaban con las ideas ya trabajadas y entre los cuatro aportábamos cosas a cada canción. De igual forma, entre los cuatro trabajamos en la producción del disco. ¿Cuánto tiempo se dedican a trabajar en una canción antes de decir: “esto no va a suceder, sigamos adelante”? Supongo que la misma canción te lo dice. Si no es rápido, entonces eventualmente te dirán que es hora de pasar a otra cosa. Tienes que dejar que la canción te diga qué hacer, de alguna manera.
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B L A C K
A L B U M
Será el Corona Capital 2019 donde Weezer presente en México su reciente álbum.
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WEEZER T H E
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ES EXTRAÑO, TENEMOS UNA IDEA DIFERENTE DE LO QUE SIGNIFICA “NEGRO”, PERO SUPONGO QUE MUCHA GENTE ESPERABA, NO SÉ, DEATH METAL. CENTRAL
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TXT:: Sergio Benítez FOT:: Murphy
¿Cómo fue que eligieron este color para el nombre de su nuevo disco The Black Album? Creo que de alguna manera desde hace dos o tres años, Rivers podría haber mencionado algo. En algún momento pensamos: “¿Por qué no hacemos el álbum negro? La gente ya está hablando de eso, así que hagámoslo”. ¿Puedes explicarme el proceso normal de Weezer para componer? Particularmente ¿cómo fue para este disco? Se me ocurren bandas como Pink Floyd y Led Zeppelin. No estoy seguro de que Led Zeppelin tenga buenas canciones, pero tienen excelentes discos. Mi punto ciego es, “¿qué es una buena canción?”. En cuanto a
The Black Album, tuvimos un enfoque muy diferente para hacer las canciones. Simplemente íbamos a la casa de Dave (Sitek, productor y miembro de TV On The Radio). Wilson y él y hablaban durante una horas, íbamos al estudio y tocábamos durante varios minutos. Solo pasábamos el rato. Hablando del legado de Weezer ¿cómo sienten el hecho de que The Blue Album fue lanzado hace ya 25 años? Depende de la perspectiva de cada uno. Algunos días creo que se siente como si hubiera sucedido ayer; otros como, “¿Pasó eso?”. Sabía que algo estaba sucediendo porque recuerdo estar tocando en el Ranch Bowl, en el cetro del país, y la gente sabía la letra de las canciones… no sé cómo las conocerían, si no habían sido sencillos. No lo sé, en verdad que Weezer es sólo un montón de idiotas. ¿Qué esperaban de la banda cuando comenzaron? Oh sí, creo que cuando salió The Blue Album, teníamos tantas esperanzas y optimismo que realmente nunca pensamos, y esto sonará ingenuo, que nunca pensamos en lo que sucedería o si no funcionaría. Si alguna vez has visto la película Gattaca, donde Ethan Hawke compitió nadando junto a su hermano mayor y dijo: “¿Cómo me venciste?”. Es como Weezer ha estado todo este tiempo. Sin plan B, sólo con plan A. ¿Qué les provoca descubrir que actualmente haya tantas bandas que te mencionan a Weezer como una influencia musical? Es súper halagador. Me detengo a pensar que llegaron a nosotros a través de la cultura musical y hay una versión de nosotros ahí fuera que está en sus mentes. Es extraño que existamos en ese estrato de la cultura. Personalmente, eso es extraño para mí. Todos somos bastante humildes con todo el asunto. Quiero decir, creo que la otra parte de eso es que no me siento diferente de alguna manera. Se siente como Arrested Development. Todavía soy ese tipo, pero no puedo procesar esa pregunta, es casi imposible para mí entender como sucedió todo. Desde 2016 hicieron mención de The Black Album, sin embargo antes de su llegada, lanzaron dos discos más. No recuerdo otra banda que lo haya realizado de esa manera. Eso es verdad. Fue difícil encontrar el productor adecuado. Eso es el número uno de lo más difícil al momento de hacer discos: encontrar al productor adecuado. Encontrar a alguien a quien le guste Weezer, pero que no esté atrapado en la versión de los 90 de la banda y quiera hacer algo nuevo y loco.
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esde su arribo a la escena musical, hace 25 años, Weezer se ha colocado como una de las bandas de mayor constancia, popularidad y con una capacidad polarizadora. Fue en 1994 con sencillos como “Buddy Holly”, pero también con “Say It Ain’t So” y “Undone” con los que consiguieron el impacto necesario para posicionarse de manera casi inmediata. Su álbum debut los puso en el mapa cuando géneros como el punk rock y el grunge estaban a la mitad de su auge mediático. Lo primero que destacaba en ellos fue su aspecto nerd, pero los medios también hicieron eco de su lírica autocrítica que sin lugar a dudas encajaba en los sombríos años 90. Para su segundo álbum la banda dio un giro en cuanto su estilo musical, fue entonces cuando las cosas cambiaron para los de XXx. Luego de Pinkerton (1996), disco que resume a perfección la historia de Weezer, la banda estableció el tono que manejaría hasta entonces y del que no se han apartado. Siguieron... Apenas el año pasado presentaban un disco de covers que contenía versiones de canciones como “Africa” de Toto, “Sweet Dreams” de Eurythmics, “Billie Jean” de Michael Jackson y hasta “Paranoid” de Black Sabbath. Todas estas canciones con el sello de Weezer; quienes a decir verdad, no se apartaron de la escencia de las canciones, pero desde luego las llevaron hasta donde desearon, dándoles un toque de actualización, renovando estos icono os cortés. Demostraron que como banda son capaces de reversiones canciones de un modo incomparable. Para este 2019, el cuarteto de Los Ángeles, estrenó The Black Album, su décimo tercero larga duración. Es Brian Bell, guitarrista y tecladista de la agrupación quien platicó con nosotros sobre lo nuevo de Weezer, también del legado, el futuro y más de la banda.
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Finalmente fue Dave Sitek el elegido, ¿cómo resultó la conexión inicial entre él y la banda? Esa fue idea de nuestro manager. Hizo que Rivers se reuniera con Dave. Y Dave tiene una de esas casas locas; la función principal de esa propiedad es funcionar como una granja de marihuana de alta tecnología. Él produce discos al lado, tiene una increíble cantidad de viejas cajas de ritmos y sintetizadores, además de equipo musical extraño. También pinturas de terciopelo compradas en tiendas de segunda mano. Para aquellos de nosotros que hemos madurado y tenemos casas normales y aburridas con esposas e hijos en ellas, es un verdadero soplo de aire fresco ir allí. Es como, “Oh sí, eso es lo que significa vivir cundo estás en tus veinte años”. Casi de inmediato supimos que iba a ser el tipo para producir The Black Album. Muchas de las canciones de Black Album son bastante pegajosas y psicodélicas, aunque no tan oscuras como sugiere el título. Es extraño, tenemos una idea diferente de lo que significa “negro”, pero supongo que mucha gente esperaba, no sé, death metal. Para nosotros, esto es lo que estábamos pensando todo el tiempo. Todo está muy basado en piano y lo hicimos de manera muy experimental. Se siente negro, pero creo que la mayoría de las personas se sorprenden al escucharlo y pensarán que debería haber sido de otro color. También es la primera vez que sólo publicamos un sencillo de radio (“Can’t Knock The Hustle”), que resultó una estrategia extraña. Por ahora nos ha funcionado bien.
¿Cómo determinaron la lista de canciones para The Black Album? Fue a través de un método moderno de secuenciación, que consiste en poner las canciones con el mayor atractivo en primer lugar. Luego, el resto va en orden descendente; entonces las canciones se vuelven más y más raras a medida que avanza el álbum. Es muy diferente en comparación con como se hacia en el pasado. Actualmente es la era de barajar, así que lo consideramos.
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Entiendo que están desarrollando un generador de setlist que garantiza que ninguna ejecución de canciones estará en la misma clave o tempo. ¿Cómo van con eso? Está volviendo loco a nuestro manager, porque está pensando desde la perspectiva de la producción. Cualquier parámetro se puede programar en esto. Puede obtener todos estos datos de Spotify sobre cuán bailable es una canción, luego puede secuenciar la lista de canciones para que se construya de la manera correcta. Lo hemos abierto a nuestro catálogo completo que son al alrededor de doscientas canciones, esta gira que estamos haciendo ha resultado muy divertida para nosotros. Los fanáticos de Weezer pueden esperar cortes más profundos y diferentes canciones cada noche.
FOT:: Timothy White
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B-52’S De vuelta al hogar
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De vuelta al hogar
UNA UTOPÍA QUE NOS PODRÍA SALVAR
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TXT:: Wenceslao Bruciaga
ice John Lydon que cuando escuchó, y vio, a los B-52´s, supo que el punk, el post punk y la new wave estaban pretenciosamente equivocados. Los estrambóticos héroes de Athens, Georgia, poseían un espíritu pocas veces vistos hasta entonces: divertidos y desafiantes al mismo tiempo, mientras los punketos parecían ensimismarse en un enojo que rayaba en lo sobreactuado y que sólo el hardcore gringo pudo dignificarlo, los B-52´s viajaban en el tiempo para traer mensajes desde el futuro escritos por langostas rockeras, pelucas parlantes, televisiones zombies y demás parafernalia extraída de las más alucinantes fantasías gestadas en la ciencia ficción de serie b, para que las nuevas generaciones tuvieran las armas necesarias para entender el futuro. Pero ante todo, los B-52´s (nombre que hace alusión lo mismo al avión de guerra bombardero subsónico de largo alcance que protagonizó los más crudos eventos durante la guerra de Vietnam -razón por la cual la música de los B-52´s fue censurada durante la Tormenta del Desierto, el gobierno de USA pidió a las estaciones de radio que no pusieran su música- que a los peinados del mismo nombre pues su altura parecía ser el equivalente a la trompa del avión). Fue una banda que se apoderó del axioma más promiscuo, inteligente, pero sobretodo, extremo, de lo que debe ser la fiesta, que sólo les pertenece a ellos. Mezcla de minimalismo punk con la fuerza purificada del rockabilly más toques de synth pop, pop de avanzada y un look tan adelantado a su época que hoy día rebasan la velocidad de la luz. Los B 52´s son una banda altamente seminal en la historia del rock sin la cual no podrían entenderse muchas cosas, desde las plataformas house de Deee-Lite, o las guturalidades histriónicas de Björk, hasta el punk de Rancid por decir unos cuantos, porque su influencia es tremenda. Padres del retrofuturismo funcional, los B-52s tocarán por primera vez, en 40 años de carrera, en la CDMX como parte de la décima edición del Corona Capital, aunque no es la primera vez que pisan un escenario mexicano… Recuerdo cuando los vi dentro de un Festival Acapulco noventaytantos, que me dije: ¿los B-52s en uno de los programas de tv mexicana más prefabricado e inofensivo? ¿Fue la primera vez que visitaban México? Ahora que me cuentas eso entiendo muchas cosas. No pudimos conocer nada, creo nos sobre vigilaban. Sólo estuvimos dentro del resort y de ahí al escenario. Muchos artistas nos veían de un modo extraño. De ahí en
adelante me di otras oportunidades pero solo conozco lo más turístico de México, que seguro no es lo mejor: Cancún y esas cosas. No conozco la Ciudad de México, así que nuestra fecha dentro del Corona Capital es una gran oportunidad para adentrarme en una ciudad tan grande y misteriosa. Te cuento que está a punto de estrenarse una película mexicana llamada “El viaje de Keta”, cuyo director Julio Bekhor, me buscó para musicalizar algunas partes y me ha platicado excitantes cosas sobre la CDMX, salones de baile de salsa y merengue que suenan fascinantes. Ojalá me de tiempo de conocerlas. Y tú tienes que ver la película, es de lo más divertida e hilarante. Sale Angélica María que entiendo es una pionera del rock o algo así. Creo la estrenan a finales de noviembre o principios de diciembre, por ahí. Este 2019 se cumplen 20 años de uno de sus álbumes más exitosos y famosos, Cosmic Thing. Es deliciosamente increíble darse cuenta que no envejece y al contrario, sigue con un pie en el cosmos del futuro, ¿cómo consiguieron un sonido así de atemporal y clásico al mismo tiempo? Siempre nos guiamos por un instinto, un tanto ingenuo si tú quieres, de hacer algo, música, arte, que nadie más estuviera haciendo. Que fuera totalmente diferente. Nuestra música hacía mucho hincapié en eso, de un modo absolutamente divertido y delirante. Porque cuando Cosmic Thing salió al mercado, muchos músicos de nuestra generación parecían tomarse las cosas muy en serio, sobre todo los que se anclaban en la corriente del post punk. Ahora con los 20 años, creo que el sentido positivo del álbum puede limpiar la energía que permea actualmente. Quizás hasta detener esta absurda y sangrienta violencia que nos tiene hundido en Estados Unidos en las que los tiroteos se dan con la misma facilidad con la que ordenas una hamburguesa. Tenemos el peor gobierno que el dinero pueda comprar. No tengo idea cómo es que llegamos a esto. Nunca lo vi venir. Una de mis canciones favoritas de Cosmic Thing, y creo de toda la discografía de B-52´s es “Deadbeat club”, ¿de dónde surgió esa rola? En Athens, Georgia, tenía un grupo de amigos con los que pasaba mucho tiempo tomando, sobretodo, mucho pero mucho café. En un principio la canción se llamaría el Coffeclub, pero uno de esos amigos me sugirió que “Deadbeat”, pues todo ese café podría revivir muertos. Y habla sobre nuestras aventuras y pequeñas fantasías que queríamos hacer realidad en ese entonces…
FOT:: Timothy White
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SIEMPRE NOS GUIAMOS PO INGENUO SI TÚ QUIERES, ARTE, QUE NADIE MÁS 30
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OR UN INSTINTO, UN TANTO DE HACER ALGO, MÚSICA, ESTUVIERA HACIENDO.
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NO IMPORTA LO QUE PASE, LA UTOPÍA DE LOS B-52´S SIEMPRE ESTARÁ AHÍ PARA SALVARNOS
¿Cuál es tu canción favorita para tocar en vivo? Qué pregunta tan complicada porque, he de confesarte, que luego me canso de cantar algunas canciones que sé que el público ama. Definitivamente nunca me canso de “Rock Lobster” porque su diversión es altamente contagiosa. Simplemente no puedes dejar pasar un buen momento y Rock Lobster es eso: una catarsis de felicidad. Depende mucho de la actitud del momento para responder tal pregunta… Creo que B-52´s fue de las primeras bandas en darle un lugar protagónico a las mujeres en el escenario. Hoy se debate mucho sobre la cantidad de hombres y mujeres en muchos aspectos para luego debatir sobre la igualdad… Cuando fundamos B52’s éramos chicas y homosexuales. Conectábamos con un sentido de marginación que hacía, lo sigue haciendo, que nunca peleemos entre nosotros porque estamos conscientes de nuestras vulnerabilidades. Nuestra idea fue la de siempre ser una banda que compartiera todo de la forma más equitativa posible. Todos participamos en la creación de canciones, composición y letras. Nos repartimos las ganancias de formas iguales. Y nos acomodamos en el escenario de forma tal que nadie pase desapercibido porque creemos que esa es la mejor forma de hacerlo, de mostrarnos respeto. Sin pensar mucho en que estuviésemos haciendo algo estrictamente feminista o de causa militante. Esa es la razón por la que seguimos juntos durante cuarenta años. Pero si que se han envuelto en causas activistas, como la del sida con la muerte de Ricky Wilson… Nunca hicimos a los B-52’s con un sentido de grupo activista. Pero si que nos hemos encontrado en medio de luchas que nos representan y que no dudamos en darles eco cada vez que tenemos una oportunidad para hacerlo. Por
ejemplo, en este momento la suprema corte de los Estados Unidos se encuentra discutiendo la posibilidad de derogar muchos derechos LGBT que dábamos por hecho cuando Obama estuvo de presidente. Y de pronto la corte quiere devolvernos a un oscuro pasado en los que las minorías éramos sobajadas y esto es horrible. Es entonces ahí que nuestra música puede tener un sentido activista o combatiente, quizás mediante la reivindicación de la fiesta. La fiesta puede ser un gran medio de activismo. Sobretodo en estos tiempos en los que parece que nos hundimos en un post conservadurismo peligroso donde pasártela bien es casi un crimen… ¿Cómo ve el fenómeno de que ahora todo ofende alguien que es miembro fundador de una de las bandas con más sentido de humor de la historia? Puedo entender lo que dices, pero no lo veo tan potente o censurador. Pero, aclaro, no veo mucho la televisión. Si es que la veo, cuando estoy en casa en las afueras de Nueva York. De vez en cuando me doy oportunidad de repasar las noticias cuando estoy de gira con los B-52’s pero no es un hábito. Sólo veo películas y cosas así. Me gusta ver cosas como el late night de Stephen Colbert, justo por su sentido del humor corrosivo, ingenioso y rebelde. Es muy político en sus contenidos, pero también muy inteligente, se burla de las personas sin que ellas se den cuenta, se necesita ser muy inteligente para conseguir eso. Lo mismo con el show de Richard Madden en la NBC que también tiene un sentido del humor afilado. Ambos tienen una capacidad muy disuasiva de hacer un humor políticamente incorrecto sin autocensura ni exentos de ofensas. Me recuerda el agrado de cuando escribíamos nuestras canciones. Mientras existan cosas así, me parece que podemos estar tranquilos. Para alguien que sabe del futuro y nuevas generaciones, ¿hay bandas que te sorprendan en la actualidad? No estoy muy inmerso en escuchar nueva música, pero por ejemplo, acabo de descubrir a esta banda que se llama The Fabulous Downey Brothers que siento están haciendo cosas extrovertidas, potentes, pero sobretodo muy divertidas. Traen un look bastante bueno. Los descubrí por medio de la NPR, que es lo que básicamente sintonizo cuando escucho radio, es un muy buen lugar para descubrir artistas que anden haciendo cosas interesantes. Cuando no pongo el radio generalmente pongo discos de música mambo. Soy un fan religioso de Perez Prado. Me pone de muy buen humor. No se que tan probable sea descubrir buenas bandas hoy día porque entiendo que es muy difícil para las bandas nuevas hacerse de un nombre porque no hay dinero, es difícil sobrevivir en medio de la vorágine de las plataformas digitales y las redes sociales.
Una reivindicación de la vida y de la muerte
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Es obvio pensar en Ed Wood cuando ves las portadas de los B-52s, pero, ¿qué otras influencias tiene la banda? Me gusta toda clase de ciencia ficción. Me gustan las películas de ciencia ficción intelectuales y clavadas y todas las que se ubican como de Serie B. Esto último nos sirvió como forma muy barata de inspiración, como irte a las tiendas de segunda mano y por menos de un dólar podías hacerte de un look a lo “Planet 9” y verte increíble. Aunque hablando en términos más generales, B-52s se nutrió mucho de movimientos como el surrealismo o el dadaísmo que nos permitían crear nuestro propio universo sin la validación de artistas más comprometidos con la normalidad. Sobretodo el dadaísmo porque sus posturas tenían que ver mucho con un tajante sentido de la irreverencia.
The Irishman Un necesario retorno a las armas
¿A qué se debe ese oscuro apego que despiertan en nosotros los arquetipos de naturaleza despiadada?
TXT:: Toño Quintanar
Mucho tiene que ver en el éxito de dicha propuesta la maestría actoral desplegada por Robert De Niro, Al Pacino y Joe Pesci, misma que desemboca en una auténtica triada de poder la cual invoca la animosidad de toda una tradición fílmica definida por la intriga hampona más sublime. Nuevamente Martin reconstruye de forma quirúrgica los ambientes que son propios del crimen organizado con el fin capturar su esencia más humana y honesta. Mismo ejercicio que, por supuesto, se torna sumamente necesario en una época en la que nuestro papel como espectadores críticos nos invita a cuestionar hasta qué punto la historia oficial de Occidente se encuentra constantemente intervenida por esbirros ilegítimos que ponen de manifiesto la propia hipocresía de nuestras instituciones más arraigadas. Sin recurrir a vanaglorias gratuitas, Scorsese escarba en las particularidades psicológicas de una serie de biografías y eventos los cuales, a pesar de su carácter excepcional, guardan una calidez decididamente palpable la cual logra calzarse sin problemas en el fuero sensible del receptor. La contundencia afectiva que recubre a los protagonistas de The Irishman es un asunto que, irremediablemente, nos invita a reflexionar con respecto a la serie de mecanismos emocionales que durante décadas han hecho del cine de mafiosos todo un receptáculo de fascinaciones. ¿A qué se debe ese oscuro apego que despiertan en nosotros los arquetipos de naturaleza despiadada? ¿Por qué estamos condenados a sentirnos plenamente identificados con una colección de entes erráticos quienes, por antonomasia, son la antítesis de aquellos valores que le brindan certeza a nuestra frágil cotidianeidad? La respuesta a esta cuestión radica en el propio juego de placer y repudio que se desprende de aquella categoría conceptual que Sigmund Freud definió hace ya un siglo como “lo siniestro”. El mafioso es la representación cabal de nuestros deseos reprimidos, heraldo por derecho propio de un compendio de violencias primigenias las cuales, de no ser desfogadas mediante simulacros ritualistas como lo es el séptimo arte, serán relegadas a los espacios más desolados de nuestro subconsciente para ser ignoradas de forma sistemática hasta que, congestionadas por las propias imposiciones de una sociedad terriblemente asfixiante, opten por manifestarse mediante explosiones irreversibles las cuales son capaces de superar con creces cualquier tipo de ficción hollywoodense. En una época actual la cual se encuentra cada vez más preocupada or las repercusiones que puede traer consigo la representación de personajes inequívocamente tóxicos –una era en la que el surgimiento de protagonistas de antaño como Alex DeLarge o Patrick Bateman parece francamente impensable-, Martin Scorsese destaca como un auténtico monolito cultural quien, sin desentenderse de las necesarias sensibilidades del nuevo milenio, continúa más firme que nunca en su labor de prestarle visibilidad a aquellos submundos y pasiones infractoras que, para bien o para mal, también forman parte de nuestra condición.
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E
l cine de Martin Scorsese es un fenómeno, el cual se caracteriza por llevar a nuevos terrenos aquel antiguo conflicto dramático – nacido a raíz de la tragedia griega- que asevera que el verdadero enemigo de los protagonistas infortunados es la maquinaria comunal de su propio contexto. Durante 50 años de ininterrumpido desempeño creativo, este director oriundo de Queens nos ha ofrecido una potente colección de (anti)héroes quienes, ante la imposición de un mundo regido por la normatividad alienada, optan por desplegar sus propios sistemas y códigos psicosociales; misma situación que da como resultado una inflexión filosófica plenamente transgresora que nos recuerda que bajo la dermis de nuestra normalidad persisten inimaginables arterias subversivas. La filmografía de Scorsese se encuentra plagada por múltiples frases que han pasado a la posteridad como auténticos sortilegios culturales; sin embargo, muy probablemente, la que mejor define a la esencia de este director es aquella sentencia externada por Ray Liotta durante uno de sus legendarios monólogos internos en Goodfellas: “para nosotros, vivir de otra manera era una locura”. Esta oración podría definirse como la consigna preponderante dentro del trabajo de Scorsese. Esto no sólo debido a su naturaleza clandestina, sino también a esa inequívoca soltura con la que pone de manifiesto las particularidades de una visión discursiva la cual se mantiene decididamente fiel a su sensibilidad insurrecta. Bajo el comando de Martin, la cámara se transforma en una escafandra a través de la cual los individuos de a pie somos capaces de sumergimos en una serie de mundos abisales que parecen haber renunciado de forma definitiva a los preceptos adoctrinadores de la superficie. Desde los delirios justicieros de Travis Bickle, hasta la voracidad autodestructiva de Jordan Belfort, pasando por los conflictos internos de un Willem Dafoe caracterizado como Jesús de Nazareth, Scorsese se ha dado a la tarea de entretejer una suerte de “moralidad alterna” que cuestiona la validez de las jurisdicciones occidentales mientras que, de forma simultánea, le devuelve su derecho de réplica a una casta humana la cual, ante el absurdo kafkiano de nuestra civilización, opta por aventurarse sin recelos en una epopeya iniciática que destaca como un último vendaval de desobediencia. A pesar de que la transgresión es un rasgo que puede encontrarse incluso en los trabajos más inocentes de Scorsese –la renuencia de Hugo Cabret a vivir en un mundo privado del encanto de la imaginación es un ejemplo evidente de la polivalencia de este fenómeno-, no cabe duda de que es en el género criminal donde dichas potencias redentoras alcanzan su punto de ebullición más notable. The Irishman, la más reciente entrega de este hechicero del celuloide, no es otra cosa sino un inequívoco retorno a estos postulados de abrasiva incorrección. Valiéndose de un lenguaje fílmico de naturaleza artesanal, el director de Casino nos introduce de lleno en una serie de códigos y peripecias los cuales arrojan nuevas perspectivas antropológicas con respecto a uno de sus fetiches más recurrentes: la mafia italoamericana.
La historia de 4AD De cรณmo Ivo Watts Russel conquistรณ al mundo TXT:: Walter Schmidt
E
ste libro es la narración histórica de la disquera independiente 4 AD, desde su formación en 1980 hasta la venta del sello en 1999; período de veinte años durante el cual Ivo Watts Russell la dirigió involucrándose personalmente en la selección de las bandas y sus producciones. Ivo creció en una granja cercana al poblado de Oundle, que se localiza a 70 millas al norte de Londres, un pequeño paraíso campirano, donde su familia posee terrenos administrados por su abuela, junto a sus dos hermanos y cinco hermanas. Desde pequeño encontró un refugio en la música, al principio escuchando los discos de Beatles y Rolling Stones de sus hermanos mayores y posteriormente sus propios discos de Jimi Hendrix, Cream y otros. “Muy pronto Ivo fue a ver a The Mothers of Invention en vivo y su formación musical continuó asistiendo a conciertos de bandas sicodélicas como King Crimson y Pink Floyd. Para Ivo, Syd Barrett era la personificación de lo cool y aún después de que la frágil cáscara de la mente de Barrett se rompiera, como un Humpty Dumpty (hombre huevo) en ácido, él creyó totalmente en el viaje de Pink Floyd hacia las nuevas fronteras del rock espacial. El darse cuenta que la música podría ser un viaje, envió a Ivo en su propia búsqueda de música ultra-terrenal”, escribe Martin Aston. El pueblo de Oundle era muy pequeño para Ivo, por lo que decide mudarse a Londres donde empieza a trabajar en tiendas de discos, para ser uno de los primeros en escuchar la música que llegaba de América de importación. Después de trabajar en varios lugares llega a Beggars Banquet, un sello que además tenía varias tiendas de venta al público. Ivo sugería a BB a cuales bandas debería firmar con tanta insistencia que le dieron dinero para que iniciara su propio sello con el acuerdo de que si alguna banda de su sello tenía potencial comercial sería transferida a Beggars Banquet, como sucedió con Bauhaus años después. Así Ivo creó el sello independiente Axis (influído por “Axis Bold As Love” de Hendrix), donde logró editar cuatro sencillos de 7 pulgadas; “¡The Fast Set”, “Junction One”, “Bearz”, “She´s my girl”, “Shox”, “No turning Back” y “Dark Entries” de Bauhaus. Al poco tiempo Ivo decide cambiar el nombre de su sello a 4 AD (ya que Axis le sonaba a Nazis); tomado de la palabra forward (hacia adelante) y crea alianzas con John Fryer y su estudio de grabación Blackwing, para la producción de los discos y con el diseñador Vaughan Oliver y el fotógrafo Nigel Grierson, quienes serían el núcleo de 23 Envelope y encargados de la estética visual (portadas, volantes, etc.). “Bajo Ivo, la visión de 4AD se encontró en un momento de la historia del pop británico donde había un buen mercado para la innovación y la experimentación”, afirma Martin Aston, autor de éste libro, quien sigue el curso de los años que definieron a 4AD, desde la fundación del sello en 1980 a la controvertida salida de Ivo Watts Russell, dos décadas después. Ivo persiguió una visión obsesiva y singular, reflejada en la música de 4AD y un diseño de portadas igualmente innovador. Es interesante notar que las celebradas portadas de 23 Envelope creadas por Oliver (quien se declaró admirador de Hipgnosis y Roger Dean), no siempre fueron del agrado de los artistas de 4 AD, de modo que algunos de ellos pusieron como condición para firmar, el poder hacer sus portadas ellos mismos como el grupo Wolfgang Press. La presencia de Bauhaus con su primer álbum “In the Flat Field”(1980) y posteriormente de los australianos The Birthday Party y su cantante Nick Cave, “Prayers on Fire” (1981) hizo que 4AD fuera
identificado como un sello Gótico/Dark. Además todos los empleados de 4AD vestían de negro y lucían cabezas rapadas. Esta idea se hizo más contundente con la inclusión de Dead Can Dance, grupo gótico que interpretó música medieval tradicional junto a sus propias composiciones. Fueron los años dorados de 4AD, cuando Ivo quiso hacer del sello una familia. Fue también en 1984 cuando produjo el proyecto This Mortal Coil, It´ll End in Tears, un álbum de covers con la participación de miembros de Cocteau Twins, Dead Can Dance, Colourbox, Modern English, The Wolfgang Press y otros artistas invitados que no grababan para 4AD como el cantante Howard Devoto del grupo Magazine. “Cuando el sonido 4AD fue un adjetivo y el sello fue apreciado con fanatismo por los coleccionistas y cuyo legado es una sombra sobre el pop, gótico, post punk, ambient… y cuyo impacto empujó al rock alternativo hacia el mainsteam después de lo cual ya no hubo retorno”-apunta Aston. “En los ochenta 4 AD se sentía como un mundo enigmático, el tipo de sello que querías coleccionar y que trajo una especie de lealtad a un sello” (Richard Vine/ The Guardian). En 1986 Ivo produce un segundo álbum de This Mortal Coil, Filgree and Shadow, aunque sin la participación de las cantantes Elizabeth Frazer (Cocteu Twins) y Lisa Gerard (Dead Can Dance), aún logra recrear esas atmósferas oscuras e inquietantes del primer disco. Este mismo año 4AD firma a su primera banda americana de postpunk alternativo Throwing Muses que sería una especie de premonición de lo que vendría después. M/A/R/R/S fue un proyecto formado con miembros de Colourbox y A.R. Kane más los DJs Chris CJ Mackintosh y Dave Dorell, que produjo un sencillo titulado “Pump up the volume”, que sería el primer gran éxito para 4AD, llegando al número uno de las listas de popularidad en Inglaterra, trayendo consigo carretadas de dinero. Para 1987 Ivo “descubre” a Pixies, otra banda norteamericana de post punk e indie rock que vendría a dar un giro al sello, logrando alcanzar la fama internacional y que llevaría a 4 AD por nuevos rumbos musicales, un tanto alejados del rock gótico de Dead Can Dance o el llamado dream pop de Cocteau Twins. A principios de los noventa, Cocteau Twins sale del sello y también hay una ruptura en 23 Envelope, que tras la salida del fotógrafo Nigel Grierson, continuó bajo la dirección de Vaughan. Ivo dirige su atención más que nunca a los Estados Unidos, abriendo oficinas en Los Angeles y Nueva York. En abril de 1991 aparece el tercer álbum del proyecto This Mortal Coil titulado Blood que vendría a concluir la trilogía. El boxset This Mortal Coil 1983-1991 incluye los tres álbumes originales más un cuarto disco con las versiones originales como “Song to the Siren” de Tim Buckley o “Nature´s Way” de Spirit editado en 1993. El 4AD de los noventa continuó su historia de éxito con bandas como The Breeders, His Name is Alive y Red House Painters. En 1999 Ivo vendió su parte de 4AD a Beggars Banquet y se fue a vivir al desierto de Nuevo México, donde construyó una casa modernista, cortando todos los lazos con la industria musical. Sin lugar a dudas lo mejor de 4AD ocurrió en los ochenta y su mayor legado musical se encuentra en el proyecto This Mortal Coil, cuya música sería la pista sonora ideal para leer el libro de Martin Aston, texto básico para aproximarse a 4 AD, que junto con Factory, Mute y Rough Trade fue elemento clave en la historia del rock independiente.
37 REPORT
– Pitchfork
Facing the Other Way / The Story of 4.A.D Autor: Martin Aston / The Friday Project
“El libro es un reflejo exquisito de 4AD: extravagante, atmosférico y rico en texturas y timbres”
Bryan Lee O’Malley Realismo Mágico
No importa tu edad, género o a qué te dediques. En la obra de este autor, encontrarás puntos de encuentro con sus protagonistas.
TXT:: Héctor Padilla “Pada” FOT:: Scott Pilgrim/Lost at Sea: Oni Press
medio de la editorial más grande en cuanto a talento independiente se trata: Image Comics. Pero a diferencia de sus otros trabajos, aquí únicamente se encarga del guión y le ha confiado a la artista Leslie Hung los lápices. Lottie Person es una extremadamente popular bloguera de moda, rodeada de amigas a las que tampoco les va nada mal en sus historias de Instagram. Lottie no pierde el tiempo en catalogarlas con apodos como “Normgirl” o “Cutegirl”, hasta que conoce a “Coolgirl” y entonces la trend-setter se pasará del lado de los followers al buscar a como de lugar, que ésta chica, de nombre real Caroline, se convierta en su mejor amiga. La cual por cierto, le dio su nuevo apodo: “Snottie”. Y es que Lottie tiene un pequeño gran defecto, que de ninguna manera aparece en los posteos de sus redes sociales: sufre de alergias a diferentes factores en el medio ambiente, que la hacen llorar y... moquear. Sí. A la espectacular Lottie que siempre sale con su mejor perfil en las fotos, se le salen los mocos si no se toma su medicina. Y es así como “Snotgirl” se convierte en un vistazo con tintes de humor y misterio a la época de los influencers, los views y la belleza artificial. “Snotgirl” lo mismo tendrá que lidiar con el hecho de que su ex-asistente salga con su ex-novio, como platicar con el fantasma de una chica que fue asesinada en el hotel en el cual fueron a pasar un fin de semana gracias a una marca patrocinadora. Lost at Sea y Seconds comparten temas, y formato de entrega única. Snotgirl está más cercana a Scott Pilgrim ya que mientras que a aquel, como si se tratara de una novela moderna de realismo mágico, se le aparecen power ups en el aire, las historias de Lottie están llenas de hashtags e interfaces de chats de whatsapp que rompen la barrera entre la vida real y la digital. Hung aterriza muy bien en gráfico las ideas de O’Malley, que a su vez, se complementan con su dibujo innegablemente influenciado por el manga. Otro de los puntos en común de ambas obras, es que “Snotgirl” ya está generando un culto alrededor del planeta, pues no son pocas las chicas, y los chicos, que se disfrazan en convenciones de cómics de los personajes principales, sobresaliendo aquellas que imitan la cabellera verde de la protagonista. Como de culto también lo fue Scott Pilgrim, tanto el comic como la película, recibiendo muy buenas alabanzas de la crítica y especializados, incluyendo la de Guillermo del Toro. Dicha situación desafortunadamente no se vio reflejada en la taquilla de la cinta, razón por la cual quizás no hemos visto más adaptaciones a otros medios de la obra de Bryan Lee O’Malley, pues cualquiera de las aquí mencionadas, podrían serlo sin problemas. Por lo pronto, lo que nos queda es esperar la siguiente entrega de Snotgirl, siendo “esperar” una palabra clave, y es que las comillas en “mensual” fueron usadas a propósito, pues O’Malley y Hung se toman su tiempo para entregar un nuevo número: en éste 2019, únicamente publicaron tres ejemplares. De lo que sí estamos seguros es que ya sea con éste cómic o en algun nuevo proyecto, Bryan Lee O’Malley nos dará historias muy humanas, rodeadas de fantasía.
39 REPORT
L
a primera vez que leí el nombre de Scott Pilgrim fue a través de Joselo-sí, el de Café Tacvba-en una columna mensual que escribía para una extinta revista musical. El autor platicaba sobre las aventuras del protagonista y en su descripción resaltaba cómo se agregaban elementos de los videojuegos para narrarlas. Eso fue lo primero que llamó mi atención e interés por leerlas. Pero una vez que logré conseguir los seis volúmenes de la saga, me di cuenta que esas características eran sólo un bello y humorístico adorno para lo que su autor, Bryan Lee O’Malley, quería realmente contar. A través de la confontración con los, y la, “exes” de su nuevo interés romántico, Pilgrim buscará definir cuál es su papel en el mundo, y qué le puede aportar a éste y a la inalcanzable Ramona Flowers. Nunca se está quieto y no porque tenga mucha energía -pues de hecho es bastante desidioso- sino porque todavía no define si es Scott el músico, Scott el patán, Scott el arrinconado en una fiesta o Scott el invencible. El mencionado protagonista de ésta obra que se publicó del 2004 al 2010 (con una consecuente reimpresión a color y en pasta dura del 2012 al 2015) así como sus personajes satelitales, son la herencia de la primera obra que sacó el canadiense O’Malley: Lost at Sea, en el 2003. Un road trip y una chica de 18 años. Y con eso ya se imaginarán por dónde va, Raleigh cree que no tiene alma. Porque no siente. Porque no sabe si con los otros tres individuos con los que viaja encajará tan bien que se convertirán en sus nuevos amigos, o porque no le queda de otra. Porque simplemente se deja llevar por la vida. Esa vida que ya le quitó a la que era su mejor amiga, cuando los padres de ésta decidieron mudarse a otra ciudad. La única relación que tiene Raleigh, es con los gatos. Siempre los ve, aún cuando están escondidos. ¿O no? ¿O el no tener alma también la vuelve una loca? Cuando se habla de una historia “coming of age”, Lost at Sea ejemplifica perfecto el término, de ese limbo, o mar, que existe entre la adolescencia y la adultez. Si juntamos las aventuras de Scott con la de Raleigh, el resultado es Seconds, la tercera obra de O’Malley, que se publicó en 2014. Katie es la protagonista que, después de un encuentro con una hada y un hongo mágico con instrucciones muy específicas, modificará el tiempo y el espacio a su favor. Es Groundhog Day versión novela gráfica a color, con la dueña de un restaurante que tiene que luchar diaramente por sacarlo adelante, pero también soportar que su ex-novio decida comer ahí... con su nueva novia. Más joven que Katie, por cierto. Se espera de un artista que vaya perfeccionando su oficio conforme avanza el tiempo, y afortunadamente, este es el caso de O’Malley tanto de escritor como de dibujante, siendo Seconds su mejor entrega hasta el momento. Y es que compararla contra su cuarto gran trabajo sería injusto, pues se tratan de formatos diferentes. Actualmente corre Snotgirl, siendo la primera vez que Bryan Lee se avienta un cómic “mensual” más en la manera tradicional en la cual se publican las historietas. Lo hace por
Bad Religion La religiรณn es una pesadilla irracional
REPORT
41 TXT:: Wenceslao Bruciaga FOT:: Arturo Lara
C
omo buenos gringos, Bad Religion llega a sus dulces 16. Un 16º álbum de estudio que intenta encontrar respiración en una retorcida época que parece enchufar un desesperanzador bucle de conservadurismo represor que reinaba cuando Bad Religion se fundó en 1980 al sur de California. Fieles a sus armonías de punk corales y pegadizos marginales convicciones políticas, fundadores del legendario sello Epitaph y con la alineación original, Bad Religion se presentó en la Ciudad de México el 4 de noviembre. Aquí, una conversación con Jay Bentley, bajista original de la mítica banda que inspiró el sonido de una California inconforme:
REPORT
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¿Qué libro estás leyendo ahora? Everything is fucked: a book about hope, de Mark Manson. No quisiera catalogarlo como un libro de autoayuda, porque es demasiado cínico y catastrófico para ello. Creo que es una obra de no ficción que se podría considerar más bien del tipo filosófico y es jodidamente genial. Te lo recomiendo mucho. Habla sobre como la tecnología digital nos está sumergiendo en un estado de ansiedad nunca antes visto, ni que se viera venir sociológicamente, a pesar de lo predecible que solemos ser los humanos. Las conductas sociales están cambiando a velocidades vertiginosas a medida que la tecnología digital interfiere con nuestras emociones. Algo que debería supuestamente ayudar a mejorar nuestra calidad de vida, nos está arrinconando a situaciones en la que no pensamos con claridad, nos ofendemos fácilmente, ya no estamos dispuestos a contraponer ideas porque estamos polarizados en nuestra propia condescendencia. La reflexión de Manson es muy interesante y filosa al mismo tiempo. Tenía muchas ganas de saber de tus lecturas porque Bad Religion es una banda altamente política (buena parte de mi coraje para ser gay en un país como México se lo debo a sus letras) y que no abandona sus posturas y reflexiones, ni se suaviza con el paso del tiempo, lo que los convierte en un grupo vigente, a diferencia de otras bandas del punk californiano; ahora que este 2019 lanzaron su nuevo material Age of Unreason, ¿cómo planean un nuevo disco? ¿dependen de la coyuntura política para inspirarse?
Yo describo a Bad Religion como una banda de carácter sociopolítico. No necesariamente nos concentramos en el análisis de la política que nos rodea, porque también nos gusta cantar sobre las contradicciones del comportamiento humano y como esto afecta, y nos ahorca a nosotros mismos en círculos viciosos de incomprensión. La pesadilla de la política, y la religión, es las egoístas generalizaciones con las que pretenden guiarnos, o protegernos, sin siquiera entenderse ellos mismos. Muchas veces sus sistemas no permiten cuestionarnos quienes somos. Por ejemplo, ahora que me menciones que eres gay, tuviste que analizarte muchas veces para dar fuertes pasos sin retorno que al final te conducen a interpretación de ti. A nosotros nos gusta adentrarnos en eso y sobretodo tratar de descubrir si después de estas dolorosas reflexiones podemos encontrar, o mejorar, la versión de nosotros mismos. Tratar de ser mejores personas. Incluso cuando estoy escribiendo una canción, me conformo con la idea de que quizás estoy tratando de ser una mejor versión de mí. ¿No suena muy hippie eso? Puede ser, pero mira, ser mejor persona tampoco la hace daño a nadie. Y el proceso creativo no es tan hippie. O no lo veo así. Por ejemplo, mi rutina consiste en abrir el periódico por las mañanas y leer como la gente se está haciendo pedazos los unos a los otros en nombre de cualquier pendejada. Luego me pregunto, ¿cómo diablos podría mejorar esos problemas que desatan tanto caos? E inventando respuestas compongo una canción. Y eso no es hippie porque hay un entendimiento de la realidad y no sólo frases de pacifismo cómodo e inútil. ¿Quién escribe las canciones en Bad Religion? Brett Gurewittz (guitarra) y Gregg Griffin (voz) son quienes básicamente escriben todas las canciones. Yo de vez en cuando. Creo que las letras de Bad Religion funcionan de forma muy llegadoras porque Griffin suele tener puntos de vista científicos y sociológicos, Brett es un romántico sin remedio. Entonces, esa combinación aporta un toque estupendo para analizar políticas coyunturales desde el sentimiento humano, y así los escuchas pueden identificarse con eso. Funcionan muy bien juntos.
“El punk sigue siendo esa furia que ayuda a encontrar respuestas fuera de lo establecido”
Como la homofobia… En efecto. El machismo, la misoginia. La gente padece una cruel ansiedad por tener la razón a toda costa. Y la religión parece ser un justificado aliciente para ello, porque el problema es cómo la gente está leyendo estas palabras concebidas hace 2000 años, eso me inquieta sobremanera. Sobretodo cuando pienso que aquí en los Estados Unidos, la bandera, la constitución, las bases políticas, están inspiradas en preceptos religiosos sujetos a interpretaciones de unos cuantos que pueden tornarse
peligrosas cuando los prejuicios y los totalitarismos se superponen al estado de bienestar. Y estamos viviendo un periodo en el que los valores religiosos están tomando un matiz de un absurdo puritanismo radical ¿El nombre de su nuevo álbum, Age of Unreason, tiene que ver con la actual era de los Estados Unidos? Lo más desalentador, es que no sólo de USA. El mundo parece anhelar un mundo más aprehensivo en cuanto a los prejuicios tradicionales y represivos. Basta ver como muchos países de Europa están abrazando posturas derechistas y todo porque se han comprado los discursos del miedo. Sobretodo, veo a los jóvenes de hoy muy dispuestos a entregarse al miedo en vez de superarlo por medio de la libertad, pareciera que están buscando que los rescaten de su propia libertad. Están usando el miedo como argumento y no como algo para destruir. Y lo más irracional de esto, es darte cuenta de lo cíclico de la humanidad. Cuando pienso que Bad Religion se fundó en plena época de la era Reagan y ahora con Trump en el poder, nos damos cuenta del conservadurismo de la humanidad y como esta se apodera de nuestros miedos para subsistir. ¿Cuál es tu canción favorita de este nuevo álbum? Creo que “Do the Paranoid Style”. Me gusta la velocidad y el estilo duro de esa canción. Me gustan las cosas duras. Hemos leído que a muchos que se han adentrado en este nuevo disco les gusta más el sencillo de Candidate, pero entendemos que es una especie de posibilidad de válvula de escape frente a las cosas que estamos viviendo. También es un sencillo más pop y fácil de escuchar. “Do the Paranoid Style” es más certera. ¿Crees que el punk cumpla una función en el mundo de hoy? Quizás soy muy romántico, pero creo que más allá de la melodía y la moda en el vestir, veo el punk como un modo de desmantelar el ambiente de humo y espejos (como decimos en slang gringo) que estamos viviendo, pues nos están vendiendo intenciones de verdad que son dudosas pero que se sostienen con la propagación de fe en las redes sociales. Como te decía, la gente está dispuesta a creer cualquier cosa con tal de sentir que tiene razón. El punk sigue siendo esa furia que ayuda a encontrar respuestas fuera de lo establecido.
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¿Qué significa la religión para una banda que ha pasado a la historia del punk como Mala Religión? Que pregunta tan compleja. Verás, somos seis miembros en la banda, cada uno con una visión muy particular de lo que es la religión y su sistema de creencias. Así que sólo podré hablar desde mi perspectiva. Dicho esto, te digo: si echas un vistazo en general a los principios de todas las religiones, te darás cuenta que todas coinciden en darle sentido a una espiritualidad que ayude a mejorar tu bienestar y el de los demás. Hacer el bien. Ser generoso como principio de vida. Que cuides de todo lo que te rodea, tu familia, las personas, los animales, la naturaleza. Suena muy bien ¿no? Pero también son preceptos que se crearon hace 2000 años, más, menos, pero se escribieron en contextos muy anclados a las conductas de la época. Quiero decir, que era muy fácil en esos tiempos ser amable con tu comunidad y la naturaleza porque el planeta no padecía de una sobrepoblación ni existía el capitalismo ni los asfixiantes sistemas de producción que generan desigualdad, ni enfermedades complejas. La sexualidad tampoco era tan desenvuelta, por lo mismo, sus visiones y reglas al respecto eran muy básicas. Luego entonces, me parece que la religión se ha convertido en un caldo de cultivo de egoísmos inconexo con la universalidad de estos tiempos, en los que las personas ya no se concentran en los preceptos espirituales sino en las supuestas verdades absolutas provenientes de cada Dios. Entonces muchas personas se enfrascan en absurdas discusiones sobre cuál Dios es el verdadero sin preocuparse por simplemente ser mejores personas. Y esto puede representar un tremendo problema porque provee de justificaciones celestiales para asentar prejuicios y miedos amparados en leyes religiosas de hace 2000 años…
CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA
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MARIKO TAMAKI CENSURA Y VERANO
TXT:: Oscar G. Hernández
el tratamiento de las temáticas por las que fue censurado tiene poca relevancia. Por más que se haga una revisión minuciosa no hay manera de encontrar un sólo dibujo con sexo explicito. Lo que es peor apenas aparecen un par de groserías, con lo que la acusación de blasfemia se vuelve ridícula y para colocar la cereza del pastel la temática LGBTT apenas aparece por una anécdota sobre una reunión donde la mayoría de los asistentes eran lesbianas. Lo abominable de todo esto, es el indicador que nos muestra ese proceso de censura ¿Cómo te conviertes en el libro más censurado de los Estados Unidos con tan poco? Es muy difícil saber reaccionar ante este hecho, por una parte da miedo pensar que los conservadores en USA persigan un libro tan suave y por el otro aterroriza pensar que puedan tener un grado tan alto de falta de criterio. El indicador sin duda muestra el avance de intolerancia el cual muchas veces lo vemos como algo un tanto poco definido, hasta que lo palpamos en casos como el de This One Summer. La novela gráfica fue foco de atención por razones muy distintas a la de la persecución,( obvio la censura aumento las ventas), pero en realidad la dupla Tamaki logro crear una pieza literalmente maravillosa, de una belleza que sacude por las emociones que sus páginas provocan, por tener una narración excelsa y un dibujo conmovedor. La historia de estas preadolescentes seduce porque hace que el lector joven o adulto se identifique de golpe con los dilemas y vivencias de los personajes. Las Tamaki logran entretejer una estructura narrativa que nos pasea por un pueblo de veraneo donde las vacaciones revelan la fuerza de la vida y del amor y desamor en distintas edades. This One Summer rompe con el cliché del verano norteamericano para mostrarnos el cambio con el paso del tiempo y de como el verano no necesariamente significa nadar, comer bien, pasarla bien y muchos besos. El relato gráfico conmueve porque no es pesado, en realidad actúa como un momento de descanso que nos hace pensar en lo maravilloso y difícil de la vida. Los dramas son los que cualquiera pudo haber vivido o vivirá en algún momento, estas tragedias no aparecen de manera intensa o desbordada, sino que se van sumando poco a poco hasta que nos percatamos que el verano termino. La estética de las viñetas es soberbia de una elegancia pocas veces vista en las novelas graficas estadounidenses, la influencia japonesa en este libro es total, quizás por el origen de las autoras que muestran como plantear temas delicados acompañados de imágenes hermosas para servirnos un exquisito platillo japonés-norteamericano. Mariko Tamaki regreso a los reflectores este otoño con una novela gráfica que está rompiendo todo nuevamente, Laura Dean, Keeps breaking up with me, en menos de un mes gano las 3 categorías más importantes de los Ignatz Awards incluyendo la de mejor novela gráfica y el Harvey Award uno de los premiso más antiguos para el cómic estadounidense. Mariko Tamaki es quizás hoy día una de las grandes narradoras gráficas del mundo que silenciosamente y de manera veloz se ha colocado en la cúspide del noveno arte.
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L
os relatos de juventud vienen con un golpe de calor que hace despertar la memoria de los tiempos en que la vida se transforma, de la niñez a la juventud y la vida adulta, esa brisa calurosa nos recuerda el cambio, el siempre inevitable cambio. El verano para las culturas occidentales ha sido por excelencia la estación en que los narradores construyen las historias sobre el amor, al verano se le asocia a esa energía juvenil y única capaz de mover todo para que el amor triunfe por lo menos durante esos cortos meses. A mediados de esta década apareció una novela gráfica que causo revuelo en la escena internacional This One Summer de las primas Mariko y Jillian Tamaki, la crítica internacional abrazo este libro como un gran suceso en 2014 y 2015 la novela se hizo acreedora al premio Eisner de mejor nueva novela gráfica y el Ignatz en la misma categoría, más otros tantos de renombre en Norte América. Fuera de estos reconocimientos la novela creció en resonancia debido a la censura. En el año 2016 en Minessota y Florida el libro fue retirado de las bibliotecas debido a una queja de padres de familia que alegaron que el libro era blasfemo y para adultos. De acuerdo con la American Library Association (ALA), This One Summer fue el libro más censurado en 2016. La ALA observo que la censura se debió a que contenía personajes LGBTT, drogas, blasfemia, sexo explicito y temas para adultos. Mariko Tamaki dijo que su intención no era hacer un libro controversial, “sabía que el libro había sufrido censura en algunos lugares pero convertirse en el número 1?!!!” era sin duda algo sorprendente. El libro está clasificado para lectores de 12 a 18 años. Las autoras consideran que es un libro muy importante para los jóvenes ya que muestra temas con los que los adolescentes y preadolescentes se enfrentaran en algún momento. Tamaki dijo: “el libro fue censurado debido a la temática LGBTT y porque estos libros ahora más que nunca son escritos para los jóvenes.” El libro fue defendido por la The National Coalition Against Censorship (NCAC) para que fuera repuesto en las bibliotecas, la historia de censura al parecer termino ahí. La editorial La Cúpula se dio a la tarea de editar en español This One Summer y lo titulo Aquel Verano. Cuando nos encontramos con un libro que ha sido censurado, por blasfemia, sexo, explicito y temática lgbtt, es muy difícil no caer en la duda sobre si el libro pueda ser una provocación más; O este tipo de obras que se les da importancia simplemente por abordar esos temáticas, pero que al final son solo libros que se les reconoce por cubrir con una cuota de género. La dibujante Jillian Tamaki dijo : “todos los autores saben que los libros cobran vida propia después de ser liberados al mundo” y eso es realmente Aquel Verano; Una obra que ya no pertenece más a las autoras, un libro que se volvió para el gran público y tal como su clasificación correctamente lo indica puede ser leído por alguien de 12 años. La lectura de la novela gráfica asombra porque aún esforzándose para encontrar las razones de la censura, la sorpresa es enorme cuando descubrimos que en realidad
ADRIANA CASSIANO CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA
46 Adriana Cassiano estudió pintura; pronto descubrió que lo que le gustaba era la ilustración y el diseño editorial, temáticas en las que profundizó en la maestría y a través de distintos cursos. Así fue como se embarcó en la aventura de iniciar su propia editorial independiente conocida como Editorial Fauna Nociva a lado de Marco y Ruben, socios especializada en cómic alternativo mexicano. En ella se han publicado más de 20 autores y pronto se incluirá en el catálogo Nueva Berlín, la primera novela gráfica de su autoría.
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47 Instagram: @adrianacassianoalvarez Tumblr:adrianacassianoalvarez.tumblr.com/
Pamela Medina Ilustradora | Instagram: @pam.medinab
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PRESENTA
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