MVN 179 | Charli XCX by Revista Marvin

CHARLI XCX Pop en esteroides

EDICIÓN

179 $52.00

EXHIBIR HASTA:

05-JUN-20

+ PERRY FARRELL Mesías del arte

+ BEASTIE BOYS STORY Descanse en poder MCA

+ MICHELLE BLADES Influencias transatlánticas

+ DANIEL HIDALGO 20 años de Amores Perros

PRESENTA

NUEVO LIBRO DE LA COLECCIÓN R

D AV I D BOWIE MANUAL DE AMOR MODERNO PARA ALIENS

22 CUENTOS ILUSTRADOS INSPIRADOS EN LA LEYENDA DEL ROCK

DE LA MÚSICA A LOS LIBROS

¡YA A LA VENTA! EN NUESTRA TIENDA EN LÍNEA www.kichink.com/stores/revistamarvin El Péndulo • Gandhi • La Roma Records • Happening Store

COFUNDADOR CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx ALFONSO PRETELIN poncho@marvin.com.mx CLÉMENT SORIA soria.clement@gmail.com ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS joseaureliovasan@gmail.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pv.lphant@gmail.com DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS ASISTENTE DE ADMINISTRACIÓN ALAN CORONA admin@marvin.com.mx REPRESENTANTES EN LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com

CONTACTO

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VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

DIRECTORIO

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 178 correspondiente a: MAYO 2020 JUNIO 2020. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2019-012816402300-102. MARVIN es una Marca Registrada. Distribuida por: Comercializadora GBN, S.A de C.V. , Calle Federico Dávalos num. 35 Col. San Juan Thlihuaca, Delegación Azcapotzalco C.P 02400 CDMX y Arredondo e hijos Distribuidora, Calle Iturbide núm. 18 D, Col. Centro Delegación Cuauhtémoc, CP. 06040 CDMX

EDITOR EFRAÍN RAMÍREZ "MAKO" mako@marvin.com.mx EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx REDACTOR WEB NYDIA VALERO KARINA CASTILLO COLABORAN EN ESTE NÚMERO Sergio Benítez, Nydia Valero, Juan Carlos Hidalgo, Humberto Polar, Francesc Messeguer, Lenin Calderón, Oscar Hernández, Lucía Ayala, Frytangas.

EDICIÓN

CENTRAL

CONTENIDO

LOUDSPEAKER

LOG

MAYO 2020

8 12

ENDLESSS / Improvisa a distancia MANCANDY / Moda y música a distancia

MICHELLE BLADES/ Ciudadana del mundo SUB URBAN/ Generación Z rompiendo listas CANCAMUSA / Un tiempo para la resilencia GEORGIA/ Cumpliendo el sueño DROMEDARIOS MÁGICOS / Triunfar siendo subcampeón

CHARLI XCX / Pop hecho en casa PERRY FARELL / El padrino del rock alternativo

179

ANIMAL’Z / Novela gráfica y pandemia LUCÍA AYALA / Tejido de la tristeza

MVN

REPORT CÓMIC

BEASTIE BOYS STORY / La historia de muchos 20 AÑOS DE AMORES PERROS / La guitarra electrónica y el compositor no reconocido MAURIZIO TERRACINA / La amistad como retroalimentación MARTÍN RANGEL / El placer y la muerte como dos caras de una misma moneda

EDITORIAL

s la primera vez que pasamos tanto tiempo en casa, para el 31 de mayo, el supuesto último día del encierro, en México habremos pasado 70 días en casa -algunos más y otros menos-. Si bien mucha gente no se ha podido quedar en su hogar porque debe de salir a trabajar hay otra parte de la sociedad que ha salido para hacer reuniones y fiestas, la estupidez humana. El confinamiento no es algo que se haya dado solo en una zona geográfica, es algo mundial y en este número lo mostramos. Entre cadenas de correos invitamos a los artistas que aparecen en esta revista a compartirnos fotos en casa, si bien no es la temática central de esta entrega queremos mostrarlos en donde han pasado las últimas semanas, quitar el glamour de las sesiones de fotos para mostrarlos como todos andamos en estos momentos. Sin duda es una revista para disfrutar durante el encierro y que marca un tiempo específico en el que estamos viviendo. Quédate en casa y sigue leyendo, dale play a cada artista, mira las recomendaciones y utiliza estas páginas como una guía para sobrevivir al encierro. Es momento de detenernos, dejar de correr y pensar en cómo reajustar nuestro día a día. Aún quedan cosas por descubrir y cosas por resolver. Pero un desastre a la vez.

Efraín Ramírez “Mako” @makowww

Juan Carlos Hidalgo

Columnista de la revista Marvin, Diario Milenio Hidalgo y Radio BUAP. Jurado de la Beca María Grever. Ha publicado las novelas Rutas para entrar y salir del Nirvana y La vida sexual de P. J. Harvey.

Lenin Calderón

Coleccionista de archivos musicales pirata, películas de culto clonadas y libros prestados, a partir de los cuales intenta entender un mundo confuso. Otro habitante más de la CDMX en espera de que la 4T funcione mejor que la 3D o la RV.

Francesc Messeguer

COLABORADORES

Compositor, productor y arreglista. En 2019 fue nominado en la categoría de Mejor Música Original en el 48 Hour Film Project. Ha hecho música para diversas marcas y actualmente está trabajando en su primera película. Ha escrito para diveros medios como Esquire, Marie Claire, Reporte Índigo, Reforma y Animal Político, entre otros. Participó en NarcoData, investigación ganadora del premio IIID Award de periodismo en 2017. Como como compositor, escribió la música del reportaje “Por qué se cayó mi edificio” de la organización Mexicanos Contra la Corrupción y la Impunidad, que trata sobre el sismo del 19 de septiembre de 2017. Es profesor de música en la IBERO.

Humberto Polar

Músico electrónico, guitarrista y compositor basado en la Ciudad de México. Con más de 35 años en la música contemporánea, Polar ha publicado 18 discos y tocó en muchos proyectos de diversos géneros como el noise, el techno y la experimentación. Escribe ocasionalmente sobre música, cultura y publicidad.

Sergio Benítez PR full time: PubliRelacionista por pura frustración, PeriodistaRock por mera emoción y PunkRocker por harta devoción. Hace mucho, dice poco y escribe más. Sencillamente un maldito monstruo sucio y maloliente.

Frytangas

Nació en Guadalajara, Jalisco. Ha trabajado para distintos proyectos musicales y eventos culturales. Directora de Arte y Estratega Digital publicitaria. Seleccionada para el Calendario Ilustradas 2020 gestionado por la Secretaría de Igualdad Sustantiva entre Hombres y Mujeres del Gobierno de Jalisco. Es parte del dueto Fryturama.

ENDLESSS TECNOLOGÍA

Endlesss Improvisa a distancia

MAYO 2020

TXT:: Efraín Ramírez “Mako”

LOG

Mientras paso tiempo en la casa durante el encierro voy encontrando varias cosas que me sorprenden, me gustan o que simplemente me dan risa. Me llegó un correo de Bands In Town, una plataforma en donde los artistas suben sus shows y te avisan cuando van a tu ciudad. En el correo venía un festival en línea que se llamaba Endlesss, en el line up estaba Imogen Heap así que decidí ver de qué se trataba. Antes de que comenzara Imogen Heap pusieron la persona que estaba hablando mandó a un video donde aparecía él otra vez. Era Tim Exile hablando de Endlesss y de cómo funciona la app. Tim Exile es un productor de IDM que ha sacado cosas con Planet Mu y Warp. Después del comercial Tim comenzó a hacer un beat desde donde estaba y tenía a Imogen Heap en videollamada. Heap comenzó a escuchar el beat y ella metió unas voces desde casa y un bajo, todo a través de la app. En la misma sesión estaban creando música. Endlesss es una app colaborativa para crear música. No importa en qué parte del mundo estés te conectas a una sesión a través de tu celular y puedes hacer música con otras personas del otro lado del mundo. Además puedes ir conectando instrumentos reales a tu celular si tienes el iRig así que no sólo es una app en donde usas instrumentos precargados. El servidor de Endlesss te permite estar en una comunidad de creadores, creas un beat y alguien lo puede tomar y manipular, lo puedes trabajar entre varias personas al mismo tiempo. O bien si quieres trabajar con un amigo en especial lo vas haciendo a través de la app. Esta aplicación se va renovando rápidamente y cuenta con una versión premium que te permite hacer muchas más cosas interactivas. A partir del 19 de mayo comenzarán una campaña en Kickstarter que busca recaudar fondos para un nuevo feature que se llama Endlesss Studio, esto es la versión MAC/ Windows de Endless ya que por el momento la aplicación solo puede usarse en iOS.

LOG

MODA

MANCANDY

“Siempre que diseño mis prendas, me inspiro utilizándolas en actividades de mi día a día”

Mancandy MAYO 2020

Moda y música a distancia

LOG

En el marco del Fashion Week Mexico City, MANCANDY presentó su nueva colección a través de una pieza audiovisual titulada Isolation. Este cortometraje fue producido, dirigido y actuado por el mismo diseñador con el apoyo del artista audiovisual Mister. Todo fue cuidado para no poner en riesgo a sus respectivos equipos. Isolation representa el día a día de más de 60 días de encierro mientras vemos las prendas del diseñador. Esta nueva colección de MANCANDY cuenta con las famosas Chaps de Denim y pantalones oversized que caracterizan al diseñador, incluye prendas para mujeres y prendas unisex. Es una colección que está pensada para ser atemporal, no importa que pasen los años podrás usar cada prenda y seguirá viéndose cool. MANCANDY es un artista multidisciplinario que siempre está experimentando en otras artes y además de ser diseñador desde hace algunos años incursionó en la música, cuenta con colaboraciones con Tomasa Del Real, Solomon Ray y BrunoG. A esta colección se le suma el lanzamiento de un nuevo sencillo del diseñador que lleva por nombre “Eternidad”, canción que forma parte del compilado #EscúchameEnCasa que realizó el sello S.Tu.Di.O.mx. La canción fue producida por BrunoG a distancia, Bruno enviaba los beats y MANCANDY grabó las voces en su estudio en casa. El compilado de #EscúchameEnCasa es una iniciativa con responsabilidad social que busca exponer la realidad y las ventajas y desventajes que afrontamos en el día a día desde el confinamiento. Para “Eternidad”, MANCANDY se inspiró en el sentimiento de angustia que le provocaría estar pasando la cuarentena solo, es una canción de amor y melancolía.

LOG

LOUDSPEAKER

MICHELLE BLADES TXT:: Sergio Benítez FOT:: Michelle Blades

Prolífica, autodidacta y versátil son sólo algunos de los adjetivos que merece una artista como Michelle Blades. Su discografía revela una diversidad sonora y visual inspirada en su vida nómada. Su andar la ha llevado a varios países, desde su natal Panamá; pasando por México, tierra de su familia materna; Estados Unidos, donde encontró refugio tras fugarse por la dictadura de Manuel Noriega y recientemente Francia, donde Michelle lleva poco menos de diez años viviendo. Es sobrina del músico, compositor y activista panameño, Rubén Blades. Su padre Roberto Blades, también músico y compositor, fue de quien Michelle obtuvo esa vena musical y el gusto por los ritmos latinos. Cuando vivió en Arizona, se sumergió en la cultura alternativa y underground. Toda su música es compuesta y producida por ella misma. Su nombre ha sido parte de carteles de festivales internacionales como NRMAL, Radical Mestizo, Le Printemps de Bourges, Fête de l’Huma en Francia o Pop Kultur en Berlín. Su primer larga duración, Oh Nostalgia! fue lanzado en 2010, a este le siguieron Mariana (2012); así como Polylust y Ataraxia, ambos de 2015. Premature Love Songs llegaría dos años después y el año pasado presentaría Visitor. Además, Michelle Blades cuenta con dos EPs; Zoroaster & Two Devils (2013) y Nah See Ya (2015). Actualmente se encuentra trabajando en un nuevo EP nuevo llamado Nombrar Las Cosas, que verá la luz este año y del que hasta ahora hemos podido escuchar “Mota O Perreo”. ¿Qué buscaste transmitir con “Mota O Perreo”, tu nuevo sencillo? Yo escucho mucho reggaetón y me di cuenta que no en todas las canciones de reggaetón, hasta en las canciones de artistas que admiro, los reggaetoneros se permiten mucho vacilar, como El Alfa y Calle 13, que son muy chistosos. Pero también cuentan lo que hacen las mujeres en sus canciones. Cuentan el cuento de la mujer “ella sale, ella perrea sola, ella se fuma toda la mota, ella hace esto, ella hace esto…” Y me di cuenta que pues sí hay mujeres que cuentan sus canciones, pero o se sexualizan mucho, que es muy sex positive y eso está chido o están al pie del hombre como “ay papi”. Y me dije, ¿pues qué pasa? ¿Y yo puedo vacilar tam-

“Mota O Perreo” es el nombre del primer sencillo de su próximo EP. Este será un trabajo en el que Michelle se permitió retomar sus raíces y hacer uso de su lengua materna. Un disco que trabajo entre México y Francia; el resultado final, a decir de ella, es un coctel de sus dos hogares.

bién? ¿Yo puedo cantar algo sin tomarme en serio o ser chistosa, como estos que admiro? ¿Y a la vez contar mi propio cuento antes que ellos lo cuenten por mí en mi estilo de rock? A ver, y ahí intenté “Mota O Perreo”. Estás próxima a lanzar un nuevo álbum, platícame ¿de qué ira esta nueva producción? Es una larga historia. Grabé cuatro canciones en México, hace dos años, creo. Sentí que no era suficiente para sacar algo así. No quería sacar un EP de cuatro canciones. Así que esperé el tiempo para escribir, de tener otras ideas y grabé tres (canciones) más en Francia. Así que es como un buen coctel de mis dos hogares y producciones diferentes. Una producción enteramente mexicana y otra completamente francesa. Estoy muy feliz de ese hecho, porque desarrollé otra manera de escribir canciones en español en esos dos años. Así que juntamos esas dos épocas de mi vida en un EP. Has vivido mucho tiempo fuera de Panamá. Viviste en México, Estados Unidos y ahora en Francia. ¿consideras que esta diversidad cultural ha aportado mucho a tu música? Crecí rodeada de salsa, también mucho pop latino. Las canciones de Shakira o Ricky Martin en el estudio donde trabajaba mi papá. En Miami también escuchábamos mucha música diferente, como Nirvana, Outkast. Y luego, cuando me mudé a Arizona, todos mis amigos eran punks, así que ahí sí me metí mucho a hacer música rockera, más undergound. Después, cuando me mudé a París, obvio, acá hay mucha música con sintes y una música pop muy diferente. Ahí sí me tocó esa nostalgia de estar tan lejos de lo que es mío, o sea la cumbia, la salsa, champeta. Y ahí, sintiéndome tan lejos y no europea, me lancé de una manera más intensa a escuchar cumbias y descubrir lo que es mío: la música colombiana y la música típica panameña. Y eso sí me forma, no de una manera muy obvia en lo que escribo, pero sí está presente en mí, en mis referencias, cuando estoy escribiendo una canción. Si tuvieras que señalar a alguien como tu principal influencia musical, ¿a quién nombrarías? Yo creo que tendría que decir, Andre 3000 en su álbum The Love Below, que desde que salió es un disco de referencia para mi en cada

situación de grabación en que me encuentro. Yo creo que es un álbum de gran producción. Increíble. Los Meridian Brothers de Colombia cambiaron mi vida por completo. Eblis Álvarez, el compositor y cantante de esa banda y todas sus bandas, Los Pirañas y el bajista de Frente Cumbiero. Yo creo que ellos me inspiraron mas que cualquier otro artista, familia o no, a escribir en español, a contar cuentos en el idioma que es mío. Y Cate Le Bon, como guitarrista y como artista, creo que ella es increíble. Platícame sobre tu proceso de composición, ¿cómo surge la música que haces? La verdad es que no tengo un método, me puede llegar una melodía, como me puede llegar una frase que luego escribo y trabajo ella y se forma una canción. O puede ser que también un día agarro el bajo, la guitarra y me sale algo. Pero yo creo que lo más concreto es que, suena medio acá, pero cuando me llega una canción siento como una presión en el pecho y ahí la dejo. No hago nada hasta que se me salga una melodía o una frase, Algo así. La verdad no tengo método, es un poco freestyle. ¿Tienes alguna canción que consideres como tu consentida? Creo que “Most Of The Time”, una canción de un EP que se llama Premature Love Songs. Porque justo esa canción me vino enteramente solita, sinceramente, sin pensar mucho y pues habla de quedarse en casa, justo. Y de ver la gente pasar por la ventana y estar feliz con su soledad.

Dato curioso: “Mota O Perreo” será parte de Nombrar Las Cosas, el primer EP de Michelle en Blades enteramente en español. A decir de ella, ya le tocaba hacer algo en este idioma porque nunca había dicho nada en su lengua materna. Se permitió escribir en español, encontrar las buenas palabras y ver qué tenía que decir en este idioma.

sa por ser la primera banda en irse del programa

LOUDSPEAKER

CIUDADANA DEL MUNDO

LOUDSPEAKER

SUB URBAN GENERACIÓN Z ROMPIENDO LISTAS

Sub Urban es un artista que nació en las redes sociales, si bien lanzó un par de temas antes de su éxito “Cradle” fue hasta que ese tema llegó a Tik Tok lo que provocó que reventara.

TXT:: Efraín Ramírez “Mako” FOT:: Sub Urban

quién era. Después me acostumbré y conforme pasaron los meses todo cambió, empecé a hacer entrevistas y mi número de seguidores en Tik Tok creció como espuma”, me comenta Sub Urban cuando le pregunté cómo había sido su reacción al darse cuenta de la explosión de su canción. Actualmente, Daniel se encuentra promocionando el lanzamiento de su EP Thrill Seeker, el cual fue lanzado a mediados de mayo pero ya lo ha colocado como un artista revelación para los medios alrededor del mundo. Los números que tiene en plataformas son una locura, en Spotify cuenta con más de 4 millones de escuchas mensuales y su canal de Youtube tiene más de 1 Millón de suscriptores. Sus canciones acumulan plays y más plays cada día. Su último sencillo “Freak” ya cuenta con más de 28 millones de vistas, en él colabora con REI AMI quien tal vez no tenga el mismo número de plays pero que con solo 4 canciones y el featuring tiene casi 1 millón de oyentes mensuales. Actualmente todo el mundo está en confinamiento y pareciera que todavía nos queda un largo rato en casa, a muchos nos ha cambiado la vida y para otros ha sido momento de volver a hacer eso que les gustaba, para Sub Urban es momento de pausar todo: “Desde el éxito de “Cradles” no he parado, todo el tiempo tengo que hacer entrevistas, promoción del EP, shows en vivo, se siente bien estar en casa. En estos días me la paso escuchando música

y jugando videojuegos, es como regresar a ese momento antes de que todo esto pasara. Me siento bien de poder descansar”. Sub Urban es un autodidacta, comenzó estudiando producción a través de internet y ahí empezó a hacer sus propios beats. Explora ritmos de EDM y estructuralmente hace pop con coros pegajosos y melodías que se quedan en la cabeza por mucho tiempo. Curiosamente después de “Cradles” lanzó “Isolate”, un tema que habla de ese momento en el que prefieres estar aislado a seguir exponiéndose a nuevas cosas, podría ser un himno generacional para aquellos que prefieren quedarse en casa a salir de ella. Él no se imaginaba que unos meses después íbamos a tener que estar aislados por un virus y que el sentimiento se volvería real. A través de su EP Thrill Seeker nos lleva por un recorrido de una película de suspenso. Sus melodías crean atmósferas siniestras que te van envolviendo en la trama de esa película que podría formar parte de tus pesadillas. Según su cuenta de Genius, Daniel está influenciado por artistas como Joji, que salió al estrellato en Youtube, NoMBe y K. Flay.

Dato curioso: Genius es una plataforma donde fans suben información sobre sus artistas favoritos. Al agregar información la plataforma te da IQ Points ya que aportas conocimiento.

LOUDSPEAKER

A finales de 2017 la aplicación musical.ly fue absorbida por Tik Tok, una aplicación de videos en formato corto que tuvo un boom a mediados del 2018 y que a finales del 2019 logró llegar a las 1,500 millones de descargas en todo el mundo y está valuada en 75 billones de dólares. Una aplicación que es consumida por la Generación Z en su mayoría y que gracias a la cuarentena ha captado a otras generaciones buscando entretenimiento distinto. Tik Tok se convirtió en un semillero de canciones para viralizar, tal es el caso de Sub Urban, quien en 2019 lanzó la canción llamada “Cradles”, canción que lo llevó a firmar con Warner Music y que dentro de la aplicación ha sido utilizada en más de 1 millón de videos por usuarios alrededor del mundo. Daniel Virgil Maisonneuve tiene apenas 20 años y ya es una estrella musical que se ha posicionado gracias a las bondades de la nueva era de las aplicaciones. La primera vez que escuché “Cradles” de Sub Urban no tenía idea de quién era, me salía a cada rato en Tik Tok y veía a varias personas haciendo coreografías con ella o videos de gente simplemente utilizando la canción para musicalizar el momento. El tema estaba en mi cabeza pero no conocía la cara de Sub Urban, es más, no sabía ni el nombre del artista. Platiqué con él acerca de cómo en estos tiempos ya no se necesita saber quién canta la canción para hacerla famosa. “Al principio fue frustrante, mi canción estaba en todos lados pero nadie me reconocía, nadie sabía

CANCAMUSA

UN TIEMPO PARA LA RESILENCIA

“Pese a todo yo me siento preparada para asumir este desafío porque es algo que he hecho toda mi vida”

TXT:: Nydia Valerio FOT:: Cancamusa

LOUDSPEAKER

El paso del tiempo no pesa hasta que te sabes dejado de lado. Aunque este no fue el caso de Cancamusa, por el contrario, su historia comenzó cuando el tiempo iba tan veloz que decidió mirar dentro de ella y crear algo de sí que siempre la había esperado. Cancamusa es el proyecto solista de Natalia Pérez Peralta, músico y multiinstrumentista chilena que vino a vivir a la Ciudad de México el año pasado para tocar la batería en la gira de Mon Laferte. Ella tuvo que adaptarse a vivir de tour, en aeropuertos, viajes, hoteles y a la vez, a una nueva forma de vida y cultura. En medio del ajetreo de las giras y los conciertos, decidió darse el tiempo para encontrarse con ella misma, una práctica valiosa que la llevó -¡al fin!- a comenzar su carrera en solitario y lanzar la primera parte de su debut: Cisne Lado Negro (2020). “Este disco es una necesidad de expresión, de expresarme como la artista que soy. Darme un espacio como creadora y contar cuál es mi visión del mundo”, platicó en entrevista. “Es darme a conocer pero desde un lado muy personal porque cuenta mi primera etapa como humana, es un viaje al pasado”. Aunque para muchos el reciente encierro a causa de la pandemia fue un choque con la pared, la artista chilena lo afronta bien. “No es fácil comenzar con un proyecto solista”, comenta, “justo en un momento en que hay que guardarse, pese a todo eso yo me siento preparada para asumir este desafío porque es algo que he hecho toda mi vida”. Y así lo refleja, tanto en su calidad compositiva, como en la naturalidad que fluye

entre sus metáforas y su música. Con sus más de 10 años de carrera artística con el oficio de la batería y actualmente aferrada al cuarto de su amigo Francis Durán (Los Bunkers) que la ayuda a componer, la creación la llama. Cancamusa hizo de su debut una catarsis que había estado guardada dentro de ella, esperando el momento de salir. Según cuenta, Cisne - Lado Negro, “es el lado oscuro de mis historias y de mi personalidad, es un viaje a mi pasado, a mi infancia y a volver a sanar heridas de cuando era muy pequeña. La imaginación y el arte son herramientas muy potentes cuando uno tiene una infancia dura, para mi el arte fue una forma de refugio que me hizo expresarme desde muy pequeña, entonces eso necesitaba sacar en este disco”. “Las historias son muy tristes”, cuenta, “si tu analizas canciones como “Mente Sola” o “Cisne”, son letras muy muy tristes y oscuras pero todo el disco tiene mucha esperanza porque son momentos que también han sido sanados y superados, entonces entrego mucha resiliencia para transformar lo negativo en positivo”. Así, las nueve canciones que componen el material son un viaje a sus experiencias pasadas en las que es posible vibrar y cantar con el dolor, la soledad, las ausencias e incertidumbres. Una mezcla de trip hop, R&B, dream pop y por ahí algún ritmo urbano escondido, contiene su historia. Si bien la fuerza para este exorcismo de emociones estaba en ella, la participación del productor Esteban Sinclavi (Luis Fonsi, Karol G, Francisca Valenzuela, Ana Tijoux)

fue fundamental. “Sinclavi ha sido un apoyo creativo y emocional. Cuando una persona cree en ti te entrega una fuerza muy especial, esa fuerza para trabajar en este proyecto, para creer en él, en las canciones y ha sido un descubrimiento sonoro que hemos hecho los dos”. Para Cancamusa, Cisne - Lado Negro fue un desafío pero nunca dejó de lado su realización. La importancia de no abandonar su vida y su historia fue el gran aprendizaje que le dejó el 2019. “Eso fue algo que hice y que aprendí, la importancia de seguir con tus proyectos, con tu música, pese a que hagas otras cosas. Siento que todas las personas nunca deberían abandonarse. Pero de cierta forma, también era una deuda que tenía consigo misma y con su pequeña Natalia. Al preguntarle sobre qué le diría a su versión infantil, o que le diría esta a la mujer que es ahora, Cancamusa reflexiona y responde: “Hay muchas cosas que no han cambiado, como la misma forma de expresarme, siento que es algo que traigo desde niña. Me siento fuerte en este momento y yo creo que mi niña interior estaría muy feliz con la mujer que hoy soy y le diría que ella desde pequeña se preparó para este momento”. Para la edición de esta entrevista muy probablemente Cancamusa ya lanzó (o está muy próxima a hacerlo) el primer adelanto de la segunda parte de su debut, Cisne - Lado Rojo, el otro extremo de su historia: su presente. “Canción en ocaso” será el parteaguas entre la oscuridad y la luz, la primera mirada que nos dejará dar a su actualidad.

GEORGIA

CUMPLIENDO EL SUEÑO

Georgia Barnes es productora, compositora, cantante y percusionista. Su vida en la música comenzó desde muy pequeña pero debutó como solista hasta los 25 años.

TXT:: Efraín Ramírez “Mako” FOT:: Georgia

LOUDSPEAKER

Su carrera empezó detrás de la batería con Kews y Kate Tempest, lanzó su primer álbum en 2015, el disco se llama Georgia y formó parte de una etapa oscura durante su vida en la que se refugió en el alcohol. Este disco y su más reciente lanzamiento Seeking Thrills fueron lanzados por el sello Domino, una disquera independiente con un ojo especial para catapultar proyectos del anonimato al estrellato. Después de lanzar “Feel It”, el primer sencillo de su más reciente disco, los medios y críticos voltearon a ver qué sucedía con Georgia. Una buena voz, que es percusionista, toca sintetizadores, produce y hace música pegajosa, todo lo que la industria y el periodismo musical se la pasa cacareando que busca a diario, eso era la londinense. Sin embargo, pasaron 3 años para que pudiéramos escuchar el disco completo, hubo lanzamientos entre esos años y causó una expectativa alta para muchos. El año pasado, mientras estaba en una misión para no morir de cruda en Los Ángeles, su nombre sonaba una y otra vez en la mesa donde comíamos. Tiempo después la anunciaron para presentarse en el Corona Capital, era un underdog en el cartel, una carta baja que sorprendió a muchos y que cuando lanzó el disco superó las expectativas de varios. A unos meses de escuchar Seeking Thrills por completo, y dentro de todo el desastre de una pandemia, pude platicar un poco de con ella. Cumpliste 30 hace unos meses ¿Cómo es llegar a esta nueva etapa de vida? (Entre risas) Hay mucha controversia alrededor de mi edad, algunas personas piensan que soy muy joven y otras piensan que soy más grande. Estaba muy feliz viendo lo que pasó en mis 20s, pasaron muchas cosas y solo estaba pensando en quién demonios era, las subidas y bajadas. Así que estaba muy lista para entrar a esta nueva década de mi vida. Cumplir 30 este año estaba marcado por el lanzamiento de mi nuevo disco, entonces se sentía como un triunfo para un nuevo comienzo. Celebré mi cumpleaños por lo menos un mes teniendo

algunos shows en vivo con este nuevo disco, no fue tan malo tener que encerrarme. ¿Cómo es trabajar en estos momentos de cuarentena? Para muchos artistas es complicado tener tiempo para ellos mismos porque están en el estudio o de tour. Creo que ha sido complicado ajustarse a eso. En mi espacio mental estaba pensando cómo iba a presentar este nuevo show. No estaba lista para tener tiempo para Georgia, estaba manteniéndome sana y con la cabeza sin tanta presión, balanceando todo y de pronto tienes que ajustar todo para lo que estabas preparada. Me di cuenta de lo complicado que es tener tiempo para mí, porque el último año y medio he estado yendo a estudios y toureando así que había poco tiempo para mí. Darse cuenta de que ahorita tengo tiempo para hacer lo que yo quería hacer y cosas que necesitaba hacer y todo ese tipo de cosas es extraño, me estoy acostumbrando. Después del lanzamiento del disco pudiste participar en unas colaboraciones ¿Cómo fue trabajar con ellos? Trabajar con Mura Masa fue increíble, nos conocimos el año pasado. Alex era muy fan de uno de mis tracks, se puso en contacto conmigo y me dijo que estaba interesado en hacer algo juntos. Una cosa llevó a otra y me dijo que tenía un nuevo disco, me mandó la idea de una canción y la amé. Tiempo después estaba escribiendo “Live Like We’re Dancing” con él en el estudio, todo sucedió muy natural. Dos personas amando la música, trabajando juntos y fue una gran experiencia que nunca había tenido. Alex me dio la confianza para hacer una colaboración así. Me gusta mucho esta canción, soy muy crítica con mi trabajo y casi siempre odio lo que hago. La canción con Gorillaz fue un sueño hecho realidad, conocí a Damon hace dos años en un proyecto de Africa Express, hicimos un disco con muchos músicos y artistas en Sudáfrica. Nos volvimos muy cercanos, él en verdad me entiende y me dio mucha confianza y estaba un

poco impresionado por mi conocimiento musical de los 80. Después coincidimos un par de veces y platicamos sobre la opción de poder trabajar juntos, coincidió con que Damon estaba empezando a trabajar un nuevo disco de Gorillaz y me invitó a hacer algo. Grabar una y otra vez las baterías y los timbales de “Aries” me emocionaba, después me dijo que Peter Hook iba a cantar en la canción. Peter es increíble, soy muy fan, es uno de mis héroes, para mi New Order es muy importante en mi carrera. Fue un sueño hecho realidad. Soy muy fan de Gorillaz, los he visto miles de veces y siempre fue un sueño trabajar en una canción de ellos. ¿Qué ha cambiado para Georgia del primer disco a este después de 5 años? Ha cambiado mucho. Todo cambió durante este tiempo de composición del nuevo disco. Fue muy extraño, cuando lancé mi primer disco mis papás se separaron y entré a un momento autodestructivo, usé el alcohol como escapatoria y tenía una rutina muy destructiva, no era feliz. Mucho de este nuevo disco fue hecho cuando dejé de tomar, me salí de ese periodo oscuro, fui a AA y comencé a crear la música. Debo decir que fue un proceso increíble porque vi este disco como un trabajo real, tenía una rutina para hacer el disco, iba al estudio como si fuera un horario de oficina. Esa rutina me ayudó a confrontar muchas cosas que quería para este nuevo material, quería que la voz fuera más fuerte, quería estar metida en la producción, quería escribir las canciones, quería tener una estructura que no tuve en el primer disco. Para Seeking Thrills tuve ingeniero conmigo con el que trabajé, él me ayudaba a tener un mejor sonido. Tuve una mejoría en todos los sentidos, no tenía miedo a decir quién era y a cómo cantar en este nuevo disco. Disfruté mucho el proceso para hacerlo. Este álbum es una muestra de lo que soy capaz de hacer. Quiero escribir música para otras personas, quiero mostrar mis habilidades como artista. Este disco es el primer paso para convertirme en una estrella de pop.

LOUDSPEAKER

DROMEDARIOS MÁGICOS

TRIUNFAR SIENDO SUBCAMPEÓN

TXT:: Sergio Benítez FOT:: Cortesía del artista

El proyecto mexicano de folk pop, lo fi y bedroom folk encabezado por Diego Puerta, estrenó a finales de abril Subcampeón, su nuevo material de estudio. Se trata de su segundo larga duración, del que pudimos escuchar como adelanto, “Nueva Canción”, sencillo lanzado a principios de abril. Nacido en 1995 en el estado de Chihuahua, Diego irrumpió en la escena musical en 2015 con Bosque de San Marcos, primer EP de Dromedarios Mágicos. En tan poco tiempo, este proyecto independiente ha visitado buena parte del sur del continente americano. Platícame sobre “Nueva Canción”, ¿cómo surge esta rola? Esa canción la hice al rededor del año pasado. Estaba grabando y produciendo con Eidan Velázquez aquí en Chihuahua. Estábamos cotorreando y comenzamos a hacer la musica y complementarla entre los dos. Estamos haciendo el disco y componiendo la canción uno, canción dos y canción tres. Esta fue como la sexta. Salió muy natural.

LOUDSPEAKER

¿Cómo fue el acercamiento para trabajar con Ana Cordero y en general que buscas en otro artista para invitarlo a colaborar n tus canciones? Esa canción está como curada, está chistosa la forma en que la hicimos. Porque estábamos justo grabando Eidan y yo, les dije que quería grabar con una morra, pero no quería hacerlo con alguna amiga mía como Daniela Spalla o Elsa. Pensé en invitar a alguien nuevo, que cante chido, pero que no esté en el medio. A Ana la había conocido porque es ex novia de un compa y ademas vive muy cerca del estudio, cruzas la calle y vive ahí. Le comenté a Eidan que podíamos invitarla sabiendo que cantaba chido. Ella es jazzista, está bien pesada en la música, o sea, sabe mucho. La invitamos, le mostramos la parte del beat, hicimos las guitarras y todo lo demás. Fuimos haciendo la canción cacho por cacho. En general, todo el disco se hizo de una forma

No sólo acaba de lanzar su segundo larga duración, sino que ya está trabajando en la música del próximo álbum. Junto a su crew chihuahuense, Diego Puerta ha intercambiado ideas, canciones y colaboraciones. El chico de veinticinco años ya está ansioso por poder salir a tocar ante su público y mostrar las nuevas rolas.

muy natural. No somos como de esa gente que tienen treinta canciones y escogen diez, las diez mejores. Aquí hicimos todo de cero, o sea, es como “yo quiero hacer ocho rolas”, “¡va!”. A veces llegaba al estudio con ideas, pero de una noche anterior, mientras me estaba yendo a mi casa, en el camino se me ocurrían las cosas y ya llegaba con las ideas. Entonces las canciones van surgiendo en el momento, no es que tengas alguna rola por ahí guardada esperando a que la tomes. Este álbum lo terminamos el año pasado, ya bien. Lo empezamos desde hace dos años. No tengo rolas como guardadas así. Tengo, chance dos rolas guardadas, pero las decidí sacar para hacer otras cosas con ellas. Desde enero de este año empecé a trabajar en rolas nuevas para otro disco, para un tercer disco. Mi proceso creativo es casi siempre parecido. En enero empecé a trabajar para Universal Music y hago rolas para otros artistas. Esos ejercicios me ayudan mucho a hacer rolas para mi, porque cuando las hago para otra gente, se hacen en el momento, no es algo planeado. Entonces aplico esas acciones para cuando lo hago para mi, recientemente he escrito cosas más rápido. No soy tanto de guardar las rolas, me gusta mas sacar un bonche, sacarlas más seguidas. Pero siento que ahora no está mal sacar sólo singles y no estarlas acumulando. Porque también puede pasar como pasó con Subcampeón, que ya llevaba un año guardado y apenas va a salir. Prefiero ya no hacer eso, porque aunque yo siento que el disco todavía suena fresco y cool, nuevezón, pues. Pero yo sé que no suena nuevezón, porque lo hice el año pasado. Quisiera hacer cosas más cercanas. ¿Con quién trabajaste la producción de Subcampeón? En la producción del disco estuvo siempre Eidan Velázquez. Es como el de la casa, tenemos nuestro crew, acá en Chihuahua, está

conformado por Absa G., Chino, Ed Maverick, Dromedarios Mágicos y Eidan… ah, y Porte Norte también; esos morros son acá como mas regional mexicano, pero son parte de nosotros. Yo hice todo con Eidan únicamente, todo el disco lo hicimos entre los dos. Platícame del arte de la portada. La fotografía estuvo a cargo de David Barajas, un fotógrafo enigmático de la Ciudad de México. Muy bonito por cierto, lo quiero mucho. El arte lo hizo Cristobal aka El Santa Satán, lo hizo Critos. Aparte ahorita estamos trabajando en los promocionales, la merch y todo eso. Creo que está como chido, porque es un poco mas temático todo. ¿Qué es lo que uno se encuentra en un show de Dromedarios Mágicos, cómo describirías un concierto tuyo? Caótico, ¡ja, ja, ja! No sé, ameno y apto para mayores de dieciséis años, yo creo. Más allá de las canciones que tus seguidores te piden, ¿hay alguna que disfrutes más interpretar en el escenario? Creo que “Los Niños”, me gusta mucho tocarla. En lo que va del año he tenido como un show por esto de la contingencia. Pero el año pasado que fue cuando regresé a tocar cosas nuevas y así, dejé de tocar un poco con Dromedarios, sólo hice algunos shows para calar las rolas nuevas y esa de “Los Niños” me gusta mucho tocarla.

Dato curioso: En 2015 estaba tocando un show en Monterrey y lo felicitó un señor grandote, ya de edad medio avanzada. Se tomaron una foto y resultó ser ni más ni menos que Steve Wozniak. El fundador de Apple daba una conferencia en el mismo evento en el que tocó y así fue como se conocieron.

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CHARLI XCX

HE APRENDIDO A ESTAR PRESENTE EN MI DÍA A DÍA. ANTES DEL ENCIERRO SOLO PENSABA EN QUÉ SEGUÍA, A DÓNDE ÍBAMOS MAÑANA, A DÓNDE TENGO QUE VOLAR LA PRÓXIMA SEMANA. CENTRAL

urante el 2019 Charli XCX dio mucho de qué hablar. Su disco Charli era uno de los lanzamientos más esperados en el pop. Si bien es una estrella que vive en el mainstream, ella se ha caracterizado por salir un poco de la línea que marca la industria para pertenecer a ese mundo. Charli comenzó muy joven su carrera haciendo lanzamientos en Myspace, esa red social que sirvió como plataforma para muchos artistas y donde todos compartimos fotos editadas y poníamos canciones que nos gustaban. Después de presentarse en algunos raves y de trabajar en música nueva se mudó a Londres para estudiar en la Slade School of Fine Arts pero decidió dejarla después de un par de años para dedicarse de lleno a su carrera. El 2011 fue un año donde todo cambió para Charli XCX. Colaboró con Alex Metric en la canción “End of the World” y también se mudó a Los Ángeles donde conoció a Ariel Rechtsaid, quien ha trabajado con artistas como Justin Bieber, Vampire Weekend y Solange, y él le presentó al sueco Patrik Berger. Ambos productores trabajaron con Charli en su EP debut True Romance (2013), además junto con Patrik Berger escribió “I Love It”, un tema que en 2012 se volvió un trancazo global en donde Icona Pop colabora con Charli. Después Charli XCX lanzó Sucker, que incluye créditos de Rivers Cuomo (Weezer) y Rostam Batmanglij (Ex-Vampire Weekend). De ahí le siguieron dos mixtapes en los cuales empezó a aparecer el nombre de A. G. Cook -quien fue rankeado número 12 de 100 en la revista Dazed por “redefinir el estilo y la cultura juvenil en el 2015”-. A partir de este momento comenzamos a descubrir a una Charli XCX distinta, con colaboraciones interesantes como “Babygirl” en donde participa

Tienes un nuevo álbum en puerta y lo haces todo en casa. ¿Sientes que has regresado en el tiempo a cuando comenzaste y publicaste tus primeras canciones en Myspace? Sí. No había grabado en casa desde que tenía 14 años, que es cuando ponía mi música en Myspace. Definitivamente se siente un poco de nostalgia, estoy trabajando todos los artes con fans, mi novio me toma las fotos, esto se siente muy DIY. Estoy usando las cosas que tengo alrededor para crear y eso me hace recordar un poco a esa época de Myspace. ¿Qué le dirías a la Charli de 14 años si pudieras hablar con ella? Si pudiera hablar con ella le diría que no usara todas esas cosas locas que antes me ponía. Usaba dos zapatos distintos. Le diría “Tranquilízate, no te vistas así” (entre risas). ¿A quién tenías en tu top de Myspace? En ese momento era muy importante saber a quién ponía cada uno. En mi Top de Myspace tenía algunos de mis amigos de la escuela y a un promotor de raves que me ponía a tocar en Londres cuando era adolescente. También en mi Top de Myspace tenía a muchos artistas de Ed Banger porque estaba obsesionada con ese sello, Uffie, Justice y cosas así. BJ Burton es un productor que poco a poco se ha ido abriendo camino en la música, ha trabajado con Bon Iver, Miley Cyrus, Banks, Empress Off, entre otros. Es una de las nuevas caras de la producción que está haciendo cosas interesantes en el pop y trabajó con Charli para “forever”, el primer sencillo del disco que están haciendo durante la cuarentena. De igual forma, Charli vuelve a trabajar con A. G. Cook quien se ha convertido en su mejor aliado durante los últimos años para experimentar en nuevos ritmos.

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TXT:: Efraín Ramírez “Mako” FOT:: Huck Kwong

Uffie, “Lipgloss” con cupcakKe, “Out of My Head” con Tove Lo y ALMA y “Femmebot” con Dorian Electra y Mykki Blanco. Charli XCX se encontraba preparando nuevas fechas por el lanzamiento de Charli cuando la pandemia llegó al mundo. A raíz de esto, ella decidió aislarse en casa y comenzar a trabajar en un nuevo disco que lleva por nombre how I’m feeling now, en el cual está involucrando a sus fans para crearlo a través del material que ellos y otros artistas le han ido enviando. A propósito de este lanzamiento platiqué un poco con ella sobre los shows a distancia, la creación de su nuevo disco y aprendizajes durante la cuarentena.

CHARLI XCX ESTÁ USANDO SU VOZ PARA APOYAR A LA ALLIANCE DURANTE ESTA CUARENENTA, ESTA ORGANIZACIÓN SE DEDICA A VER POR LOS DERECHOS HUMANOS DE POBLACIÓN EN CRISIS Y SITUACIÓN DE CALLE. PARA DONAR A LA ALLIANCE ENTRA A HTTPS://WWW.GOFUNDME.COM/F/LA-ALLIANCE-FOR-HUMAN-RIGHTS.

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¿Cómo fue trabajar con BJ Burton y A. G. a distancia para tu sencillo “forever”? Es la primera vez que trabajamos los 3 juntos y honestamente conectamos muy bien. Esta canción fue una idea que tuve con BJ antes de la cuarentena. Y fue algo muy divertido porque BJ y A. G. se conocieron y se llevaron muy bien. El único propósito era hacer música. Los 3 hicimos click, nos gusta mucho el pop pero no nos guiamos por la fórmula para hacer una canción pop. No estamos interesados en seguir las reglas para hacer una canción pop, solo queremos hacer música que suena emocionante para nosotros. Si es totalmente abstracta o si es súper pop no importa, se siente bien porque estamos fluyendo y que no tenemos miedo a explorar ideas locas o a hacer algo mal. Es un ambiente sano y seguro para trabajar, cada uno tiene distintos antecedentes de cómo empezamos a hacer música y el tipo de música y todo se ha ido ajustando. ¿Con quién más trabajas en este nuevo disco? Todo evoluciona constantemente. Me han mandado muchos beats diario, algunos de productores y otros de fans. Estaré produciendo el disco con BJ y A. G. La estructura del disco es solo trabajar con las canciones por las que me voy inspirando.

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En el 2019 viajé a Barcelona para el Primavera Sound -pueden leer la reseña en el número 173 y comprar aquí-, había muchos actos que quería ver y Charli XCX era uno de ellos. He visto muchísimos actos de pop en mi vida y por lo general siempre tienen lo mismo: muchas luces, pantallas con visuales, bailarines, etc. Cuando llegó el momento de ver a Charli en el escenario había un par de cubos con luces y una manta negra en la parte de atrás del escenario con su nombre, como si se tratara de una banda punk o de metal y estuviera en el Warped Tour. En el show nunca hubo bailarines, solo estaba ella cantando, la única otra personas que estuvo en el escenario con ella fue Héloïse Letissier mejor conocida como Christine & The Queens para estrenar “Gone”, canción que la que abre el disco Charli. La realidad es que fue una sorpresa su show, casi me quedo sordo por las personas junto a mí pero valió la pena. Con la cuarentena los shows en vivo se terminaron y la realidad es que nos sabemos cuándo vayan a regresar. El concierto de Charli en México se cambió de fecha y toda su gira fue movida también pero se ha mantenido vigente con sus fans a través de streamings.

¿De dónde salió la idea para hacer un show así? Creo que es solo de dónde vengo. Cuando era joven me presentaba en los raves y sólo saltaba al escenario a cantar sobre las canciones, era yo sola en el escenario, a veces con DJ. Era pura energía. Por un momento tuve una banda en vivo y fue divertido. Pero para este álbum era una vibra especial, este disco era muy electrónico y se sentía que no necesitaba tener gente arriba del escenario. El disco se llama Charli, se trata de mí y de mis pensamientos y me hubiera parecido muy extraño tener a más personas arriba del escenario. En verdad disfruto mucho estar sola en el escenario, algunas personas no les gusta trabajar solas pero me gusta el reto de hacer funcionar algo sola en un espacio grande. Me encanta la atmósfera. Hiciste un DJ set en Club Quarantine ¿Cómo te sentiste tocando para gente a través de Zoom? Creo que ese show en Club Quarantine fue muy especial. En realidad no es una fiesta real pero fue muy divertido, es algo que nunca has visto antes. Toda esa gente de distintas partes del mundo, vistiéndose para una fiesta y reuniéndose para escuchar música y experimentando cosas solos en sus casa. Fue muy reconfortante para mí ver a gente que le importaba, así que me esforcé y encontré muy divertida esta experiencia de celebrar con desconocidos a través de Zoom. Creo que fue increíble. Después del encierro no regresaremos a la normalidad que conocíamos, podremos salir pero cada uno de nosotros con nuevas cosas en la cabeza. Espero que aprendamos a respetar el espacio de la gente, se acabaron los saludos incómodos de beso con desconocidos o con gente con la que no frecuentas. Pero también hemos aprendido que el mundo estaba yendo muy rápido, la calma es algo que dejamos tiempo atrás en nuestras vidas y que gracias a este momento en el que estamos podemos sentarnos, respirar y pensar en nosotros mismos. ¿Qué has aprendido en la cuarentena? Yo no soy una persona que ame el Facetime, no soy fan de comunicarme así con mis amigos. Pero creo que estoy en una posición en la que estoy encerrada con gente y algunos de mis amigos están solos. Creo que es importante darme el chance para dedicarles 10 minutos al día o algo así para que no se sientan solos. He aprendido a estar presente en mi día a día. Antes del encierro solo pensaba en qué seguía, a dónde íbamos mañana, a dónde tengo que volar la próxima semana. Ahorita me siento bien deteniéndome un poco, definitivamente me siento más calmada conmigo misma. Creo que eso es algo que voy a seguir haciendo después de que esto pase.

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“CUANDO ERA JOVEN ME PRESENTABA EN LOS RAVES Y SÓLO SALTABA AL ESCENARIO A CANTAR SOBRE LAS CANCIONES, ERA YO SOLA EN EL ESCENARIO, A VECES CON DJ. ERA PURA ENERGÍA.”

Perry Farrell

De vuelta al hogar

TXT:: Humberto Polar TRAD:: Christopher Baugh

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El padrino del rock alternativo

De vuelta al hogar

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rase una vez un tiempo llamado Siglo XX, una época llena de peinados ridículos y talentos desbordados en la que una fuerza casi religiosa llamada rock tomó forma, escala y penetró a la cultura occidental con la misma contundencia que la globalización. En su evolución, el rock mutó muchas veces y dio lugar a cientos de subculturas a lo largo de las décadas, y en los últimos 15 años del siglo a una cuyo ethos sigue presente en lo que queda de rock en nuestros prados: lo indie. El nombre de Perry Farrell estará por siempre ligado a este momento. No solo por sus ideas musicales, expresadas en bandas como Jane’s Addiction (un referente definitivo de lo “alternativo”) o Porno For Pyros, sino sobre todo a su rol en el surgimiento de Lollapalooza, la madre de todos los festivales de música independiente. Ha pasado el tiempo y Perry, a sus 61 años, sigue activando su visión de la música como una fuerza de cambio. Su último proyecto, Kind Heaven, es multidisciplinario, ambicioso y excéntrico. Lo contactamos en exclusiva para conversar de eso y de su actual visión de las cosas. No tuvimos que hacerle muchas preguntas: bastaron unos simples estímulos de nuestra parte para que este inmenso artista y gestor nos apabullara con sus reflexiones sobre lo que sucede, lo que viene y cómo mantenernos alerta en estos tiempos confusos. Conversamos con él desde su casa en California.

Lanzaste Kind Heaven hace casi un año. ¿Cómo evalúas lo que ha sucedido desde la salida del disco, y sobre todo las reacciones hacia el ecosistema que buscas crear alrededor de este material? Bueno, estamos recién empezando. Estoy buscando que este proceso tome quizás diez años más. No es broma. No parece un plazo convencional para promocionar un disco. Lo que estoy tratando de hacer, para serte sincero, es diseñar los próximos diez años de mi vida para ser un mentor de los músicos jóvenes, involucrarme con ellos. Escribir con ellos, incluirlos en mis shows. Lanzar una revolución. Creo que estamos en un momento muy importante en el que debemos estar unidos, y viene un movimiento por parte de los jóvenes que hará la diferencia. Ahora mismo vemos el avance de autócratas y “hombres fuertes”, de nacionalismos alrededor del mundo. Conceptos antiguos que buscan dividir a los pobres y mantenernos separados. Atacar la hermandad de los seres humanos y las naciones. Así que defiendo la idea de que los artistas somos una comunidad. Músicos, artistas visuales y escritores estamos en la primera línea de defensa contra estos autócratas. Tenemos la habilidad de dar una voz a aquellos que quizás piensan que tiene fuerza, pero no tienen nada en común con esos gobiernos. Por ejemplo, los jóvenes que están en los ejércitos. Así sean estos jóvenes personas fuertes, terminan trabajando para gobiernos y ejecutando las órdenes de gente terrible. Así que veo Kind Heaven, antes que nada, como una defensa contra esa gente con poder. Nuestra actitud es la de oponernos con el poder de la verdad. Queremos cambiar el mundo a través de cultivar el arte, la intelectualidad, la música. Es solo un comienzo, pero me estoy divirtiendo al molestar a algunas de esos autócratas. Estamos juntando fuerzas y aliados cada día, y me emociona saber que mientras seguimos llevando Lollapalooza a Latinoamérica, tendré la oportunidad de tocar en México.

FOT:: Perry Farell

“

¿Qué estoy haciendo para lograr este cambio, esta revolución? Voy a organizar a los artistas jóvenes como si fueran deportistas que empiezan

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”

FOT:: Ernest Tubbs

siento profundamente que estamos en la era del mensaje. En el camino te tropiezas con baches y golpes. Y eso está bien. ¿Quién entró a una pelea y salió sin recibir un golpe? Cuando peleas, te golpean. Pero se siente bien responder. Levantarse. Queremos responderles a esos autócratas. Si tenemos que hacerlo uno por uno, lo haremos. No estoy hablando de matar a nadie, pero esta gente vieja tiene que desaparecer. Necesitamos enterrarlos y el mundo será mejor. Por eso estamos trayendo más artistas jóvenes, radicales, liberales. Las cosas están yendo en esa dirección, si te fijas bien. Los derechos de las mujeres, de la comunidad gay, de la gente de color han mejorado mucho desde que era chico. Mi familia fue muy afectada por las injusticias de otras épocas. Mi hermana se enamoró de un hombre negro allá por los años 60 y sufrimos en carne propia, a edad muy temprana, el odio y el prejuicio. Pero también aprendimos a tener fuerza, y a usar el poder del amor. Pues aquí estamos, y creo que debemos organizarnos como se ha organizado el deporte profesional. Somos artistas, somos aliados. Si nos transmitimos entre todos la información y la inspiración, vamos a poseer el mundo. Será nuestro. Hace 10 años tuvimos la oportunidad de entrevistarte, y nuestra charla giró más en torno a Lollapalooza pero estaba presente esta idea de “mentoría” que has desarrollado en esta entrevista. ¿Cómo se expresa eso en tu show en vivo? ¿Qué elementos traes que expresan esta idea de colaboración? Con las diversas personas que llevamos en nuestro show hay mucho más color en el escenario. Hay más sabor y color en nuestros performers. Más mujeres. Estamos llevando a los aliados con los que trabajamos y hay más balance. Yo amo Jane’s Addiction, esa banda lanzó mi carrera y siempre la amaré, somos hermanos y seguramente volveremos a tocar. Pero ahora estoy disfrutando más trabajar con un colectivo de gente tan distinta. Hay en el grupo miembros gay, o miembros de color. Cantamos acerca del umbral mesiánico, lo cual es muy interesante y te abre los ojos. Pero nuestro giro es este: si el Mesías regresara hoy, digamos si Jesús reencarnara, ¡tendría que lidiar con Donald Trump! ¿Cómo crees que él recibiría a Jesús? En mi corazón, trato de no concentrarme en el Mesías, sino en cómo vamos a reaccionar en el momento en que venga. Yo creo realmente en el espíritu. El espíritu me ha tocado y yo he tocado el espíritu. Soy una persona profundamente religiosa, y mi religión es la del hombre y el universo. Pero no soy de ninguna denominación y religión no es lo único que estudio. Estoy estudiando ahora a los revolucionarios. (…) El espíritu está allí, pero finalmente depende de tí, de tu corazón, de las acciones que has decidido hacer en el mundo. Hay un libro que sigues, pero es como un manual, no es igual que ir manejando un auto. Cuando manejas es cuando realmente estás en el camino y reaccionas al tráfico. Eso define tu vida. No saberte el manual, sino cómo manejas el auto.

Una reivindicación de la vida y de la muerte

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Es muy interesante que, en esta época, existen muchas más maneras de promover estas ideas. Sin embargo, es cierto que la cantidad de festivales medianos y pequeños que hoy proliferan, y los muchos medios que existen de oír música también generan polución, podrían traer cierta confusión a una persona joven que está tratando de descubrir nueva música creativa. ¿Cómo organizarías esta revolución? ¿Cuál es tu visión acerca de lo que sucede con todos los medios donde la música se distribuye? Vivimos en un momento muy interesante de la historia. Lo veo como que estamos atravesando la era mesiánica, el retorno del Mesías.

¿Cómo es eso? Cuando el Mesías regrese, se supone que pasarán cosas, como el surgimiento del Anticristo. El Misterio de Babilonia… El mundo se reencontrará febrilmente a sí mismo. Veo al Anticristo. También veo a más y más gente joven actuando como los profetas. Veo a la raza humana, nuestras hermanas y hermanos, siendo cada vez más conscientes. Así que estoy emocionado por ello. Sería muy fácil decir que el mundo es un inmenso e imposible desorden. Por ejemplo, usamos el internet, un lugar donde deberíamos estar difundiendo mensajes de bien. Lo hacemos y debemos seguir haciéndolo. La música hoy se comparte por el internet, usando las telecomunicaciones y los teléfonos celulares, y eso es algo muy bueno. Pero por supuesto, siempre están estos gobernantes autócratas, la gente que tiene control sobre ciertos aspectos de nuestra vida, como el internet precisamente. Y ellos toman el internet, que es algo hermoso, y lo convierten en algo estático, lleno de sinsentido y de mentiras. ¿Qué hacemos entonces? Quiero organizar el arte. Quiero organizar a los jóvenes músicos, escritores, artistas visuales. De la misma manera en que los jóvenes atletas son organizados por alguien. Por ejemplo: mira a un buen futbolista joven. Mientras está aún en la secundaria empieza a considerar una carrera como futbolista, pero para ese momento ya ha jugado en algunos equipos, sea su equipo de la escuela o el de su barrio o comunidad. Tiene apoyo. No existe hoy ese tipo de apoyo para las artes. Y se está poniendo peor que antes. Así que para responder a tu pregunta: ¿qué estoy haciendo para lograr este cambio, esta revolución? Voy a organizar a los artistas jóvenes como si fueran deportistas que empiezan. Eso es Kind Heaven. Es un espacio donde los artistas pueden aliarse, juntarse, trabajar en proyectos colaborativos. Ahora mismo estoy trabajando con un joven artista llamado Zeltar y con una cantante llamada Arrow (de Wilde, parte de la banda Starcrawler n. del t.) Son fantásticos, sorprendentes, pero además, como debe ser en las artes, entretenidos. Estamos haciendo dos shows en Los Angeles, en el Roxy. Y vamos a seguir juntos. Estoy yendo a México a través del sello BMG y me preguntaron si además de tocar puedo tener encuentros con artistas jóvenes y la comunidad artística de allá. Y eso es lo que más me emociona. Quiero conocer a la comunidad del arte mexicano. Los radicales. Los liberales. Los artistas. No creo que yo pueda cambiar el mundo a través de los militares, pero puedo asegurarte mirándote a los ojos que puedo cambiar el mundo con el increíble arte urbano de Shepard Fairy. O escribir canciones y que las produzca Tony Visconti (renombrado productor que trabajó con David Bowie y produjo Kind Heaven n. del t.) El mundo va a cambiar y no nos pueden detener porque, gracias a la tecnología, todos pueden oír nuestras canciones. O ver el trabajo de Shepard, o de Zoltar. Ese es nuestro as bajo la manga. La tecnología nos permite alcanzar a cada persona y hablarle a cualquier hora del día o de la noche, a cualquier lugar del mundo. Por eso

Beastie Boys Story La historia de muchos

TÍTULO :: Beastie Boys Story DIRIGE :: Spike Jonze PROTAGONISTAS :: Michael Diamond Adam Horovitz PRODUCE :: Spike Jonze Jason Baum Amanda Adelson DURACIÓN :: 120 mins.

REPORT

Beastie Boys Story es un tributo al trío legendario que se formó en Brooklyn, una bella forma de recordar los momentos en los que MCA seguía en este tiempo.

TXT:: Lenin Calderón FOT:: Cortesía de la producción

Arte familiar Entre las fotos de aquel arte había muchas otras además de las tomadas durante las sesiones de grabación. Se incluían fotos de cuando los Beastie aún estarían en secundaria, de sus años hard-core, además de muchas fotos de amigos, mascotas y familiares. A manera de collage, hicieron una recapitulación de los años que llevaban conociéndose, muy parecida a un álbum familiar. En aquel entonces pensé que estos tipos tenían muy bien documentada su historia y muchas de las fotos incluidas lograban fascinarme, al grado de hacerme imaginar el contexto o la situación en que dichos momentos fueron capturados. El 24 de abril, muchos años después de que yo comprara Check Your Head, se estrenó Beastie Boys Story, un documental plagado de imágenes, videos, extractos de entrevistas y hasta escenas de cine que tienen ese poder: son capaces de recrear el pasado y la historia de la banda, pero también del hip hop. Beastie Boys Story fue dirigido por Spike Jonze, un viejo conocido del grupo quien les hizo algunos de sus videoclips más emblemáticos, como “Sure Shot” o “Sabotage”. Habrá que abrir aquí un paréntesis para mencionar que Jonze no es cualquier director de videos o documentales, su capacidad como director cinematográfico ha sido comprobada con películas como El ladrón de orquídeas, Cómo ser John Malkovich o Ella. Dicha experiencia se nota en la dimensión narrativa del documental, tan fresca como los primeros discos de los Beastie. Cualquiera que haya visto entrevistas, videos o presentaciones de esta banda habrá notado el poder carismático de sus integrantes. Siempre lúdicos -por no decir echando desmadre-, tienen personalidades divertidas, muy atractivas para el público. Algo que Jonze supo aprovechar muy bien. Cruce de historias Si bien Beastie Boys Story cuenta la historia de la banda en términos discográficos -estableciendo cada uno de los discos como etapas definitorias

de sus vidas-, es extraño que nunca mencionan To the 5 Boroughs (2004), un disco con un contenido altamente político que incluye una carta abierta a la gente de Nueva York. Una peccata minuta, porque al contar su historia, se entrecruzan también las historias de otras figuras que ayudaron a fundar el género como Rick Rubin, Russell Simmons o Kurtis Blow; además de montones de vivencias divertidísimas que incluyen lo mismo a Madonna que a Afrika Bambaataa, Joe Perry de Aerosmith o Don Cornelius, productor y creador del mítico programa Soul Train. Por la cantidad y calidad de material histórico, el documental arroja una luz muy útil para comprender el desarrollo y contexto del hip-hop. Así pues nos revela, por ejemplo, la cercanía entre hip hop y punk en los primeros años de los ochenta, una relación muchas veces ignorada o minimizada. Documento multifacético El documental es muchas cosas a la vez. Es un testimonio que rinden los dos sobrevivientes de este trío histórico pero también es una especie de conferencia. Confiando en el carisma de Michael Diamond y Adam Horovitz (AKA Mike D y Ad Rock), a Jonze se le ocurrió subirlos al escenario del Kings Theatre de Brooklyn, darles un micrófono a ambos y proyectar detrás de ellos imágenes y videos memorables, mientras ellos cuentan la historia detrás de cada foto, canción o anécdota referida. Frente a las más de 3 mil personas que le caben al recinto neoyorquino, los Beastie hicieron una especie de presentación de negocios pues el guión fue concebido de tal forma que su discurso comparte un timing muy exacto con la proyección de imágenes, que aparecen a sus espaldas en una enorme pantalla. La gran cantidad de material histórico de la banda, chistes y anécdotas sobre figuras históricas del hip hop y la cultura pop, hacen que los 120 minutos que dura el documental se pasen volando. De hecho, el material extra que aparece al final, junto con los créditos es una delicia y tiene también un gran valor histórico y de acervo. Pero no se piense que por tanto material digno de un estudio académico, el documental sea tedioso o demasiado referencial. Igual que en sus discos, para disfrutarlos hay que dejarse llevar por su locura y desfachatez al decir las cosas. La importancia del fin Claro que no es lo mismo Los tres mosqueteros que Veinte años después. Diamond y Horowitz hace mucho que se comportan como adultos y han aprendido a guardar la compostura, lo cual se agradece porque ver a alguien de más de cincuenta años vestido y comportándose como si tuviera veinte, puede ser patético y terminar dando pena ajena. Horovitz, por ejemplo, afirma que no tiene idea de lo que oyen los jóvenes ahora, que no escucha los discos de Beastie Boys y que no tiene intención alguna en volver a hacer música porque simplemente, no sabría qué tocar. Tal como lo decidieron después de la muerte por cáncer de Adam Yauch (AKA MCA) en 2012, el grupo llegó a su fin. Aceptar el final también es parte esencial de la historia del grupo, Diamond habla de un presente muy distinto, después de haber perdido a sus padres y algunos amigos. Por eso mismo el documental también es una especie de homenaje a Yauch, porque él fue el primero en insistir que debían formar un grupo. Una vez que él se fue, los Beastie Boys pasaron a la historia. Una historia que vale la pena conocer porque es la historia de muchos.

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tro pretexto para mantenernos aislados y tragando palomitas es Beastie Boys Story, que se estrenó este fin de semana exclusivamente en plataformas digitales y que por razones evidentes no pudo proyectarse en salas. Un documental deliciosamente ilustrado sobre una de las bandas más importantes del hip-hop, dirigido por un cineasta al que le gusta jugar al transgresor y narrado en una forma poco usual, son sólo tres razones para ver esta pieza histórico-musical cuya relevancia nadie puede negar. 120 minutos que serán la delicia de cualquier aficionado al rap, la cultura ochentero-noventera y los ciclos que el tiempo se encarga de cerrar. El primer disco de Beastie Boys que tuve la fortuna de poseer, fue Check Your Head (1992) . Ese álbum los consolidó como músicos y los alejó de la imagen que ellos mismos se habían creado de raperos faltosos, a quienes lo único que les importaba eran las chichis o la cerveza. El arte interior de aquel Compact Disc mostraba imágenes de los Beastie tocando el bajo, la guitarra y el contrabajo, acompañados por el inolvidable órgano eléctrico de Mark Nishita. Todo el funk o el jazz o el punk -y, obviamente el hip hop- contenido en el disco era algo real: Estos blancos, judíos, salidos de la clase media y de educación privilegiada en comparación con la disponible en el gueto, eran legítimos y no el producto de algún sello o la calentura de un género.

20 años de Amores Perros La guitarra eléctrica y el compositor no reconocido TXT:: Francesc Messeguer FOT:: Cortesía del artista

La música de Amores Perros, el score y las canciones originales que aparecen en la película nos muestran la violencia y brutalidad de la vida, 20 años después siguen vigentes.

REPORT

ay en el score de Amores Perros, la ópera prima de Alejandro González Iñárritu, un recurso que la posiciona como una película que, aunque en efecto es mexicana, tiene una dimensión universal. Me refiero al uso de la guitarra eléctrica como mediador de la narrativa. Hay un momento hacia la mitad de la película en el que el personaje de Daniel (Álvaro Guerrero), luego de tener una discusión con Valeria (Goya Toledo) –la modelo por la que ha dejado a su familia–, mira hacia la ventana para encontrarse con un afiche. Un espectacular con la leyenda “Enchant”, de una campaña protagonizada, precisamente, por su amante. Hasta el momento, las sonoridades que han imperado son la de los diálogos y efectos de sonido. La escena ocurre después de que Valeria ha sido víctima en el emblemático choque automovilístico que une su historia con las de Octavio (Gael García) y El Chivo (Emilio Echebarría), quizás la escena más famosa de la película. Valeria logra salir con vida, pero una lesión en su pierna derecha amenaza su carrera como modelo, lo que inmediatamente cambia la dinámica entre ellos dos. El encanto de la pareja feliz y enamorada parece haberse desmoronado. Mientras Daniel mira por la ventana preguntándose si acaso todo

lo que ha hecho ha valido la pena, aparece lo que podría ser considerado el tema principal del score de Amores Perros: una textura creada por varias capas de guitarra eléctrica, en la que se tocan diferentes armónicos. Para este momento, los diálogos y efectos de sonido se limitan en exceso para ser invadidos por la música. El cue –nombre que recibe una pieza musical dentro de una película– se llama “Afiche”, pero esta textura de guitarras eléctricas aparece en cuatro momentos distintos de Amores Perros. En ellos parece estarse revelando un punto de vista distinto ante la gran pregunta que recorre toda la narración: ¿qué es el amor? Lo escuchamos cuando Octavio y Sandra tienen relaciones sexuales, que inmediatamente después nos muestra a Daniel besando a sus hijas que duermen. Aparece cuando Valeria y Daniel se besan en el departamento que representa su comienzo como pareja, antes de cortar a El Chivo espiando los movimientos de Luis, el medio hermano de Gustavo, antes de secuestrarlo. Suena una vez más cuando Daniel y Valeria intentan rescatar a Richie, el perro de la modelo que lleva varios días atrapado en el piso del departamento, para finalmente mostrarnos a Cofi –el perro de pelea de Octavio–, siendo curado por El Chivo.

“Pero al final del día yo entendí que no era un músico en ese momento con prestigio, entonces llamaron a Gustavo Santaolalla y tomó las riendas del proyecto”

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Las preguntas que se hace Amores Perros son en torno al tema del amor, pero el score no necesariamente nos brinda respuestas. La música es particularmente efectiva porque no parece estarle diciendo a la audiencia cómo sentirse con respecto a lo que sucede en pantalla. Los armónicos de guitarra eléctrica no tienen un ritmo, melodía o tonalidad aparentes, lo que hace que más bien floten en escena como una textura neutral que nos permite tener pequeños descansos ante la brutalidad de la Ciudad de México de finales de los 90, las personas que en ella habitan y sus meditaciones sobre la vida. La música de Amores Perros, el score y las canciones originales que aparecen en la película, hacen que este mundo lleno de violencia y brutalidad cobre vida, y que extrañamente, a 20 años de su estreno, nos parezca más vivo que nunca. Lo interesante es que, si bien el score de la película fue compuesto por el argentino Gustavo Santaolalla, uno de los titanes del mundo de la música de cine, las texturas de guitarra eléctrica que aparecen en “Afiche” y demás secuencias, no son de su autoría. Fueron en realidad escritas por el compositor y productor musical mexicano, Daniel Hidalgo e interpretadas en la guitarra por Tomás Barreiro, compositor de películas como Museo (2018) y la ganadora del Ariel a Mejor Música, Las Niñas Bien (2019). Daniel Hidalgo empezó a trabajar con Iñárritu, Martín Hernández –el famoso diseñador sonoro– y Z Films, la casa que produjo la película, cuando todavía se dedicaban a hacer comerciales, publicidad. Lo hizo gracias a su hermano, Carlos Hidalgo, quien trabajó como asistente de dirección en Amores Perros. En entrevista, nos cuenta: “De manera natural, cuando Alejandro empezó a filmar la película yo era de los músicos que tenía cerca y me dijo: ‘a ver, qué se te ocurre para este proyecto’. Cuando tuve la oportunidad de leer ese guion, todavía no se llama Amores Perros, se llamaba Perro Blanco/Perro Negro. Lo que hice fue armar algunas cosas nuevas y otras que tenía ya producidas. Desde la primera vez que escuchó un tema que se llama “Armónicos” que yo produje junto con Tomás Barreiro le gustaron

muchísimo y los montó en cuatro escenas de la película. Es el único tema que está cuatro veces en la película, como lo que de alguna manera se convierte en un leitmotiv. Pero al final del día yo entendí que no era un músico en ese momento con prestigio, entonces llamaron a Gustavo Santaolalla y tomó las riendas del proyecto. Lo que sí fue un hecho que a Alejandro le gustó tanto la textura que logré con la combinación de varias capas de armónicos de guitarra que casó con esa sonoridad y no la quiso mover de ahí”. A pesar de que el score de la película estuvo nominado, junto con el propio Daniel a un Ariel por Mejor Música Original, hasta a la fecha en el imaginario colectivo, no se le identifique como compositor de la banda sonora de la película. Esto debido a que Gustavo Santaolalla es una personalidad muy importante en la industria de la música de cine, que ha ganado en dos ocasiones consecutivas el Óscar a Mejor Score Original, uno de ellos por Babel (2006), película dirigida también por Alejandro González Iñárritu. En 2001, luego de su estreno y una extraordinaria temporada de premios, el score de Amores Perros se vio inmersa en una batalla legal precisamente por este tema. En ese año se publicó el álbum con la banda sonora de la película, quizás acaso el disco más importante de la cinematografía mexicana, vendiendo más de 130 mil copias tan solo en sus primeros tres meses. El álbum incluye esencialmente tres elementos musicales. Por un lado, las canciones de artistas como Control Machete, Nacha Pop, Celia Cruz e Ilia Kuryaki & The Valderramas, que aparecen en la película. Por otro lado, piezas de otros artistas inspirados en la propia película, como Café Tacvba, Zurdok y Julieta Venegas. Y por último el score de Santaolalla y las texturas de Daniel Hidalgo, quien sí figura en los créditos de la película como compositor de música original adicional. El problema fue que el tema “Afiche” apareció en varias ediciones del disco a nombre de Santaolalla y no de Hidalgo, lo que hizo que se iniciara un largo litigio que, después de varios años, hizo que finalmente en 2008 se le reconociera como autor de la pieza. “No estamos frente a una película con un score convencional” –cuenta Daniel– “sino que buscó tener cierto carácter que fuera internacional y latinoamericano, pero sin ser folclórico. Las guitarras aportaron esa parte latinoamericana. Gustavo tuvo a bien continuar la sonoridad del tema compuesto con guitarras eléctricas. Construyó un score con carácter propio que habla, por un lado, del mundo latinoamericano y por otro, te permite relacionarte desde el cine internacional”. A 20 años del estreno de Amores Perros, su música sigue tan vigente como en el año 2000 porque la guitarra eléctrica está inmersa en el imaginario colectivo de la gente como quizás ningún otro instrumento. Después de tantos años de rock y de música orientada a la guitarra, el instrumento se ha posicionado como una sonoridad internacional y eso es lo que le da el carácter universal al score de la película.

Maurizio Terracina La amistad como retroalimentación TXT:: Karina Castillo FOT:: Mauricio Terracina

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aurizio Terracina es uno de los productores más reconocidos en la escena independiente mexicana, quien a lo largo de 25 años ha trabajado con artistas como División Minúscula, San Pascualito Rey, Jumbo, Control Machete, Quiero Club, Titán, entre otros. Sin embargo el enorme talento musical que posee no solamente se ha quedado detrás de las producciones, sino que también ha mostrado su gran potencial como multinstrumentista y compositor durante su periodo dentro de Zurdok, Vaquero y The Volture. Siendo esta última la que lo llevó a compartir escenarios con artistas de talla internacional como Guns N’ Roses y Placebo.

En definitiva ha sido una extensa y exitosa trayectoria, durante la que Maurizio no ha parado de mostrar su gran ambición por crecer, aprender y evolucionar. Sin mencionar que en el camino ha formado grandes y fuertes amistades con otros personajes del medio, con quienes ahora ha decidido emprender una nueva etapa en su vida. Esta vez bajo su propio nombre, pero con el fin de también sumergirse en el mundo de cada uno de sus amigos músicos, artistas y compositores que formarán parte de este nuevo proyecto. “No es como que yo vaya a sacar una canción e invito a alguien a cantar. En todas estas colaboraciones tienen que ver un 50% todos los artistas con los que estoy trabajando”, me explica Terracina sobre el concepto de este nuevo proyecto.

Maurizio Terracina es un camaleón que va cambiando sus matices a través de retos que va tomando para superarse.

un ejercicio mío más que nada como cantante. Ese EP tiene también su propio tono y sigue apoyando mi trabajo como productor y para poder llevar el proyecto a otras partes”. Maurizio tiene esa afición a ponerse retos y a aventarse a hacer cosas nuevas, de ahí el nacimiento de este trabajo de covers:

“Me gusta experimentar conmigo mismo y someterme a cosas, es lo que me mantiene inspirado, creativo, lo que me hace hacer esto con energía”. La música en tiempos de pandemia y la tecnología como forma de interacción Todos los planes de este proyecto iniciaron un mes antes de que comenzara la cuarentena por la pandemia de COVID-19, pero esto más que verlo como un obstáculo, Maurizio lo vio como una oportunidad de adentrarse más en el mundo de los live-streams y redes sociales: “Al principio fue como de ‘¿ahora qué vamos a hacer? ¿Cómo? ¿Por qué?’ Pero dije no, a ver, va para adelante todo, no me puedo frenar. Simplemente se tiene que acomodar el formato de cómo estamos interactuando con la gente. Pero supongo que la gente no deja de escuchar música y al contrario está muy alerta de cosas nuevas que estén saliendo, en su celular o en la computadora”. Terracina desde su confinamiento me explica que más que pena, no encontraba una justificación para tomarse la cara con el celular y hablar con todos sus seguidores, pero dadas las circunstancias tuvo que hacerlo. Convirtiendo las redes sociales en un espacio lleno de alegría y buena música para él y su público. Un lugar en el que Maurizio a través de livestreams con invitados, del grupo exclusivo ‘Tráfico de Secretos’ en Facebook y algunas recomendaciones de libros y documentales comparte su cuarentena con todos sus fans, quienes como él, se encuentran aislados en este momento. “Sí me hacía falta, no lo hacía normalmente, casi no subía stories preparándome un café o yendo a correr, no se me daba. Entonces intenté ver de qué manera puedo estar en contacto con los fans, o hacer que las cuentas estén interesantes. Sí me está ayudando un poquito aventarme y exponer mi personalidad a través de las redes sociales”, comenta. Maurizio Terracina es un ser camaleónico, quien a pesar de vivir en un constante cambio no pierde su esencia. Cada uno de sus proyectos mantienen su respectivo estilo pero siempre acompañados del sello característico con el que el productor nos ha cautivado. Ahora inicia una nueva faceta junto con algunos de sus amigos, en la que más que hacer música, trata de reforzar la amistad y aprender el uno del otro.

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Entre estos talentos se encuentra Gil Cerezo de Kinky, con quien según me comenta Maurizio, se conocen desde chicos, fueron vecinos y ahora mantienen una gran amistad. “Terminamos de hacer este track, estuvimos escuchándolo y como llevándolo a un punto en el que se escuche que está mi mano puesta ahí pero también tiene mucho que ver su personalidad y su carácter, que lo dejó plasmado en la canción”, me comenta Terracina sobre su colaboración con el regiomontano para el primer sencillo, “Hacker”. Mientras que acerca de su trabajo junto con Tito de Molotov, otro de los colaboradores, Maurizio me explica: “Empezamos con una idea y después nos metimos al estudio y empezamos a ver como por donde iba a ir la canción. Y yo como en mi parte de productor lo que hacía era ponerlo a hacer cosas que él no hace. Igual y en vez de estar rapeando tanto, está cantando ahora, en vez de tocar la guitarra está tocando el bajo, esta haciendo programaciones en la MPC.” Y es que este proyecto más allá de ser un álbum más en su carrera, es un trabajo que busca crear y hacer una retroalimentación entre él y todos esos amigos que lo acompañan: “También aprendo yo mucho al estar trabajando con todas estas personas que enriquecen mi trabajo como productor. Y más que nada la experiencia de trabajar con amigos con los que no había trabajado es muy gratificante. Al final cuando escuchas la canción y están muy felices todos, cuando se va sumando un color más a esta paleta que va a seguir teniendo más colaboraciones”. Terracina asegura que de todo esto, lo interesante fue el convivir con cada uno de estos artistas y meterse en su mundo no sólo musicalmente, sino personalmente también: “Al final de cuentas son todos mis amigos y los quiero y respeto mucho.” También colaboró con Salvador y el Unicornio, con quien realizó un track en una grabadora de cuatro canales: “El está tocando absolutamente todo, le di la pieza y él escribió la letra y la tonada, y al momento de grabarla, yo lo estuve produciendo principalmente. Tiene un solo en una guitarra, una guitarra acústica y su voz”. Otros artistas que también aparecerán son Disidente y Clemente Castillo de Jumbo, además de que los hermanos Kenji y Seiji Hino también lo acompañan en esta travesía que viene en un formato electrónico, con baterías programadas, más sintetizadores y efectos de voz que fueron hechos en tiempo real. Aparte de esto, llegarán también algunos covers que Terracina realizó a legendarios cantantes como Juan Gabriel, Luis Miguel, Mecano, Andrés Calamaro y José José: “Empecé grabando canciones de bandas de mi generación como Caifanes, Fobia, Babasónicos y Soda Stereo pero no estaba entendiendo bien por qué estaba haciendo eso. Entonces empecé a agarrar canciones románticas, supongo que me habían roto el corazón o algo, como que andaba medio triste y empecé a grabar canciones de Juan Gabriel y de Luis Miguel. Ese fue

Martín Rangel El placer y la muerte como dos caras de una misma moneda TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Martín Rangel

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a poesía ya no es lo que era… y así tiene que ocurrir. No puede estar anclada al pasado, lastrada por la tradición y sus clichés. Si el hombre cambia, ¿por qué el arte no debería de hacerlo? Un escritor como Martín Rangel, nacido en 1994, no puede entenderlo de otra manera. Así lo ha plasmado en libros como Emoji de algo muerto (2015) y Delirioamateur (2016) como en su acercamiento a la música, que lo ha llevado al hip-hop, trap y electrónica experimental. Conversé con un joven artista libérrimo y valiente acerca de su nuevo libro y cómo entenderlo en medio de los caprichos de la era afterpop.

La escritura de la obra se remonta a uno de los momentos más duros de tu vida… que se junta con esas constantes peticiones de que te arrimes hacia algo más clásico y que proporciona mayor reconocimiento. Cuéntanos acerca de la gestación de este libro. El periodo de gestación de Luna Hiena (Ablusionistas Editorial/Corina Martínez) fue mi “temporada en el infierno”, o así he elegido referirme a él. De pronto me enfrenté a numerosas pérdidas sucediendo en paralelo: mi pareja, mi salud mental, mi libertad… Los poemas que integran el libro fueron escritos más por la necesidad de catarsis que bajo la conciencia de generar un “producto literario”.

“No hay suficiente amor en el mundo / nunca lo ha habido / fuera de eso no hay problemas / la moneda va a estabilizarse…” Y lo que puede venir detrás de estos versos es una evocación del famoso cuadro de Magritte en el que cuestiona si una pipa deja de serlo por el mero hecho de decirlo.

En tu universo coexisten Rimbaud (una cita suya abre el poemario), pero también aparecen Sean Paul, Jared Leto y Jennifer Lawrence. Tal parece que todos los niveles de cultura eclosionaron y esa especie de Bing-bang nos llevó hasta el afterpop. ¿En nuestra actualidad se da una coexistencia total de elementos culturales? Sí, la verdad es que yo no considero vigente la dicotomía alta/baja cultura. Creo que ya todo está mezclado. Yo puedo tener abierta en una pestaña de Chrome la poesía de Amparo Dávila, mientras en otra pestaña suena Aphex Twin o una cumbia rebajada, mientras en otra pestaña veo una película palomera y superflua sólo para matar el tiempo. Hoy en día es posible leer en público un poema sobre una base de reggaetón y a la gente le gusta, bailan mientras escuchan la poesía. Eso es posible, es sin duda una de las características de nuestra realidad. Obviamente existen los mismos necios-persignados-devotos de la técnica y la virtud en el arte, que se rehúsan a aceptarlo. Pero ellos ya están muertos, sólo que no les han avisado. En tu libro anotas que los Hombres-Lobo son figuras clásicas de la mitología, pero también nos hablas de la aparición de los Hombre-Hiena. ¿Son ellos los protagonistas de la obra? ¿Qué características tienen? Los teriántropos, u hombres-hiena, son el equivalente en ciertas mitologías africanas a nuestro hombre-lobo occidental. A diferencia de las ficciones que conocemos del otro lobo, en los hombres-hiena predomina una marcada influencia de la magia y el ocultismo. Me parecen sumamente interesantes, dado que las hienas son animales mucho más salvajes, impredecibles, crueles, y peligrosos dentro del

mundo animal. Además de poseer características sexuales ambiguas que dificultan la diferenciación de sus sexos, tienen una psicología fascinantemente malvada. Y además el factor de la risa: ese descaro, esa aura de oscuridad y “maldad” intencional me cautivaron cuando empecé a leer sobre el tema. Mantuve una larga e intensa relación con un brujo-teriántropo, lo amé y me perdí por completo en ese amor y viví las consecuencias. Eventualmente yo también me convertí en uno y destruí y devoré todo lo que encontré a mi paso. La historia de ese tiempo está en Luna Hiena. El libro se llama así por toda la influencia que tuvo la Hiena en mi vida en esa época y también por la presencia constante de la magia y la astrología durante esos años. En mi libro, la Hiena es un símbolo de la muerte y del placer en idénticas proporciones. Hay un verso que dice: “Amar con el cuerpo es amar equivocado”, sin embargo, en todo el libro hay una gran carga sexual. ¿Puedes abundar en la fuerza del deseo y el sexo que se acumula en tu trabajo? La presencia de ambos en mi trabajo es una confirmación de mi naturaleza hedonista. Es el placer sobre todas las cosas, así sea aquel producido por el sexo o el enamoramiento, o aquel producido por sustancias exógenas. Uno no puede, al abrirse como lo hice en un libro como Luna Hiena, ocultar esa inclinación y devoción por el placer. Antes que todo está el gozo y los rituales que lo circundan. Y, a veces, al placer supremo viene acompañado de una cara inversa oscura e impredecible. Usualmente es la muerte. Y ese es otro tema constante en mi trabajo. El placer y la muerte como dos caras de una misma moneda-realidad. Un constante ir y venir entre una y otro. Sin embargo, pienso que la muerte inevitablemente te alcanza. Hacia el final del libro se lee: “El fin del mundo es una fiesta a dos cuadras/ pero llegamos tarde al after”. Parece algo muy acorde a este preciso momento. Fue una coincidencia. Quedó muy ad-hoc a la realidad que estamos viviendo, ¿no? Es una locura. Alguna vez alguien me dijo que tuviera cuidado con lo que escribía, porque podía volverse realidad. Creo que este es uno de esos casos. Estamos viviendo una encrucijada complejísima. Es obvio que nuestra corporalidad al relacionarnos con otros se modificará inevitablemente. De ahora en adelante, abrazar a alguien será una demostración de afecto y confianza muy poderosa. Algo que antes hacíamos sin meditar. Me interesa mucho ver cómo cambiará la situación del sexo, que es algo medular en nuestras existencias, aunque no se hable mucho al respecto. Es cierto que el fin del mundo está a la vuelta de la esquina. Y es una fiesta diabólica, con sacrificios y depravación. Lamentablemente, algunos de nosotros habremos de llegar demasiado tarde. Vamos a intentar seguir postergando lo impostergable. Pensando que nos salvaremos, que a nosotros nunca nos va a pasar. Y no es así.

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Comencé a escribirlo en 2017 y lo terminé a finales del 2019. El período más intenso fue todo 2018. Estuve casi medio año encerrado y el confinamiento me permitió pensar muchísimo y dedicar tiempo a la escritura de fragmentos del libro. Ya no pensaba publicar más libros en ese tono lúdico, en ese registro pop o lo que llaman literatura-alternativa (alt-lit). Me había dejado guiar mucho por opiniones de colegas que me pedían volver al estilo más clásico de mis primeros dos libros. Estaba tan confundido y despersonalizado que lo acepté como una verdad incuestionable. Acepté sin dudar lo que un respetado poeta y tallerista de mi ciudad había sentenciado: que me había perdido en los paraísos artificiales y toda mi obra posterior a esos dos primeros libros no era más que delirios, ruido, desperdicio lingüístico. El hecho de que el libro sea tan personal, tan honesto, inevitablemente deriva en una mayor empatía por parte del lector, en un vínculo más fuerte y real que lo que produciría un objeto literario hiper-rebuscado y docto. Considero que la empatía es uno de los valores más importantes del arte en general. Que un libro te permita descubrir que no estás solx, que hay otrxs sintiendo lo mismo que tú en alguna otra parte del mundo, es lo máximo a lo que podemos aspirar como autores y como lectores también. Más allá de eso, todo es lujo intelectual para deleite de esnobs e iniciados.

NOVELA GRÁFICA Y PANDEMIA

TXT:: Oscar G. Hernández

CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

urante este duro periodo de confinamiento la cantidad de información se ha desbordado, como nunca antes lo vio la humanidad. La cantidad de noticias, datos, testimonios, imágenes sobrepasó la ya de por sí saturada world wide web. Las reflexiones y escritos van para todos lados, desde fuertes encontronazos con los grandes think tank del mundo como Slavoj Žižek, Byung-Chul Han, Yuval Noah Harari hasta ridículas pifias, como Kiko o alguna llamada celebridad de la casi extinta televisión del siglo pasado. El mundo se dio cuenta también que mucho del entretenimiento que les ayuda a sobrellevar el encierro tiene que ver con el arte y los artistas, las ventas de libros en línea se dispararon. Así como las conexiones no solo a las plataformas de contenidos audiovisuales, sino a grandes películas y festivales de cine. La música, teatro y demás artes escénicas también incrementaron sus views. La narrativa gráfica no sería la excepción y muchísimas editoriales y autores de novela gráfica liberaron contenidos para que el público pudiera acudir a ellos, en todos los géneros y niveles, desde autores de autopublicación y fanzine hasta grandes maestros, como Joan Sfar o Milo Manara, se han dedicado desde el inicio de la cuarentena a proveer al público con sus relatos y dibujos. De todas las toneladas de información que han surgido una de las más fascinantes fue la aparición de animales, en lugares de donde fueron expulsados e incluso aniquilados. Todo empezó con el supuesto avistamiento de delfines en los canales de Venecia hasta, jabalíes en Barcelona, osos en Monterrey México, Jaguares en hoteles del Caribe y la aparición del considerado extinto lobo gris en Francia. Las grandes ciudades del mundo han experimentado una leve reaparición de fauna que no suele acercarse ni mezclarse con los terrenos dominados y atestados de humanos. Es evidente que este comportamiento animal es resultado de la pandemia que hizo retroceder por lo menos por un instante a la especie humana. La extinción animal y el cambio climático antes de este estallido viral, era y sigue siendo uno de los grandes temas para la super-

vivencia del planeta, por lo menos como la idea de planeta que conocemos. En 2009 apareció una novela gráfica que se adelantó a los tiempos y para algunos incluso predijo el momento que vivimos. Este libro lleva por título Animal’z; su autor, el francés de origen serbio Enki Bilal. Animal’z es un relato que muestra un mundo destrozado por el cambio climático y las pandemias donde los animales retoman el control y los humanos se esfuerzan para lograr sobrevivir. El relato de Bilal está estructurado a manera de western con ciencia ficción, en él vemos una serie de personajes que intentan alejarse de las zonas afectadas y encontrar el mito de “El Dorado”, que en esta ocasión es una zona limpia y segura. Es un tanto una historia de búsqueda de salvación pero al mismo tiempo de reconciliación con lo animal, una reconciliación tardía que permite que los animales acepten a los humanos. La belleza de las páginas es sombría y soberbia al puro estilo de este genio de la narrativa gráfica mundial, el autor muestra el dominio que le han dado los años sobre este arte, llama la atención de que gran parte de la novela habla desde las reflexiones de distintos filósofos que pasan por Cioran o Nietzche y varios escritores como Camus, todos con voz a través de un cowboy. El libro es evidentemente post-apocalíptico, no es necesariamente un relato de miedo como suelen ser esas obras que abordan catástrofes y pandemias, es sobre todo un western que invita a pensar sobre nuestra relación con el planeta y la pérdida de esa parte animal, mal entendida. Animal’z es parte de una trilogía que se compone por Julia & Roem y Couleur de l’Air, los volúmenes se pueden leer por separado. En esta trilogía el el aurow aborda un futuro próximo, que con la pandemia actual resultó demasiado cercano. Enki Bilal es un creador prácticamente desconocido en nuestro país es ganador del Grand prix de la Ville d’Angoulême, Chevalier de l’ordre national du Mérite y Officier des Arts et des Lettres en Francia. Es uno de los primeros artistas de novela gráfica expuestos en el Museo de Louvre, su trabajo ha sido llevado al teatro y al cine, en 2019 fue jurado del Festival de Cannes del cual era presidente Alejandro González Iñarritù. Es también uno de los autores vivos más cotizados en el exigente mercado del arte contemporáneo, una de sus páginas fue vendida en 177,000 euros. Bilal ha sabido observar los grandes temas de la historia humana, en su momento anunció la caída del comunismo y la caída de las grandes religiones, su obra se anticipó a la caída del muro de Berlin y a los atentados de las torres gemelas, por supuesto no dejaría pasar el cambio climático y las pandemias. Actualmente se prepara la filmación de Animal’z, Bilal alguna vez abandonó la creación de novela gráfica y también alguna vez dijo “Ahora para mí el cómic no me ofrece ningún sentido”.

A manera de epilogo anexo también uno de los cómics que circularon al inicio de la cuarentena firmado por Chuso Comics, el cual también refiere a la reaparición animal.

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LUCÍA AYALA CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

46 Lucía Ayala, ahora conocida como Lucifer Ayala, es de la Ciudad de México y vive con Snoop y Ámbar. La melancolía habita en su interior y gracias a la ilustración y los cómics puede salir de paseo para regresar aún más oscura. Para ella, la vida empieza después de que se toma un café.

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47 SÃguela en: @Luciferayala

Frytangas Ilustradora | Instagram: @frytangas

EVITA EL EXCESO, www.alcoholinformate.org.mx, No de Permiso 193300201A0416

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