MVN 180 | Jehnny Beth - Junio 2020

JEHNNY BETH La libertad asusta

EDICIÓN

180 $52.00

EXHIBIR HASTA:

05-JUL-20

+ GIRL IN RED

Voz de una nueva generación

+ ALISON MOSSHART Creación constante

+ MÉNE

La nueva escena regia

PRESENTA

NUEVO LIBRO DE LA COLECCIÓN R

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D AV I D BOWIE MANUAL DE AMOR MODERNO PARA ALIENS

22 CUENTOS ILUSTRADOS INSPIRADOS EN LA LEYENDA DEL ROCK

DE LA MÚSICA A LOS LIBROS

¡YA A LA VENTA! EN NUESTRA TIENDA EN LÍNEA www.kichink.com/stores/revistamarvin El Péndulo • Gandhi • La Roma Records • Happening Store

COFUNDADOR CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx ALFONSO PRETELIN poncho@marvin.com.mx CLÉMENT SORIA soria.clement@gmail.com ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS joseaureliovasan@gmail.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pv.lphant@gmail.com DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS ASISTENTE DE ADMINISTRACIÓN ALAN CORONA admin@marvin.com.mx REPRESENTANTES EN LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com

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DIRECTORIO

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 177 correspondiente a: DICIEMBRE 2019 ENERO 2020. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.

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EDITOR EFRAÍN RAMÍREZ "MAKO" mako@marvin.com.mx DIRECTORA DE ARTE FRYDA MAGAÑA FLORES diseno.marvin@gmail.com EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx PROJECT TRACKING ALFREDO CALDERÓN alfredoc.marvin@gmail.com REDACTOR WEB KARINA CASTILLO NYDIA VALERIO ALEXIS CAMACHO COLABORAN EN ESTE NÚMERO Leonora Milán, Jonathan Villicaña, Arturo J. Flores, Wenceslao Bruciaga, Juan Carlos Hidalgo, Lenin Calderon, Clara Van Jonker, Alexis Callado, Claudine, Marco Caballero, Abdul Vas.

EDICIÓN

CONTENIDO

LOUDSPEAKER

LOG

JUNIO 2020

8

10

SPACE X / Moda Espacial

MÉNE / El nuevo R&B Regio KIDDIE GANG / Una nueva expresión del pop PURITY RING / Literatura hecha música GIRL IN RED/ La voz de una nueva generación BORED LORD/ El soundtrack de la distopia LGBTTTI post-pandemia FRYTURAMA / ¡El universo es una fiesta!

POTTERY/ Nuevos sonidos desde Canadá THE ARCHITECT / Tornamesas fotográficas

180

34 44

CENTRAL

COMIC

REPORT

26

JEHNNY BETH / Luz y Oscuridad

GREY DAZE/ Enmendando el legado de Chester Bennington ALISON MOSSHART/ Las diferentes formas del arte LUDWIG GÖRANSSON / El nuevo compositor favorito del cine A24 / Cine analgésico para un mundo herido ABDUL VAS / Asumiendo el Universo de AC/DC

CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA / CLAUDINE | Amor y locura en tiempos de enfermedad CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA / Marco Caballero #MARVINARTCHIVE / Abdul Vas

EDITORIAL

J

unio es el mes con el que cerramos el primer semestre del año. ¿Qué es lo que has hecho durante estos 6 meses? ¿Qué harás en el siguiente semestre? El panorama es incierto pero en México ya nos aventaron a reactivar el país aún y con el semáforo en rojo, son cosas que no podemos detener, el país debe regresar pero con una nueva normalidad. Esta nueva normalidad estará representada por los nuevos saludos, liberar los espacios, mantener la distancia entre u¡nos y otros. ¿Pero cómo logras meternos en nueva normalidad? Vivimos en un país en donde el transporte público no es suficiente. Las diferencias son enormes y la polarización de la gente nos ha ido distanciando como sociedad -los buenos y los malos, los ricos y pobres-, mientras el gobierno se relame los bigotes.

Este mes marca el comienzo de la Nueva Normalidad, una Nueva Normalidad que viene acompañada del regreso de Anonymous, manifestaciones en todo el mundo después del asesinato de George Floyd, y otras manifestaciones menos atinadas en sus autos… También es el mes del Orgullo, donde se conmemora la lucha de la comunidad LGBTTTIQ+ por sus derechos.

Junio marca el comienzo de un nuevo orden, la sociedad ha despertado. Pero también tenemos que ser congruentes, no podemos pedir que quemen las ciudades gringas mientras acá nos quejamos porque rayaron las paredes.

La verdadera lucha es contra el sistema, bienvenidos al mes del cambio, bienvenidos a la Nueva Normalidad. DESPERTEMOS. Efraín Ramírez “Mako” @makowww

Aún quedan cosas por descubrir y cosas por resolver.

Pero un desastre a la vez.

Juan Carlos Hidalgo

Ju “Cla” Chang

Jonathan Villacaña

Wenceslao Bruciaga

Soy de esas personas que viven de la música sin ser músico. Locutor en Bullterrier FM, también escribo en 7Boom y Aftercluv, y de hobby pongo música en bares de la CDMX.

Escritor, cronista, más de diez años como columnista de #ElNuevoOrden en Milenio. Melómano irremediable e insufrible, boxeador amateur. Es autor de los libros Tu lagunero no vuelve más (ed Moho 2000), Funerales de hombres raros (ed Jus 2012), Un amigo para la orgía del mundo (ed Discos Cuchillo 2016) Bareback Jukebox (ed Moho 2017).

Por culpa del hardcore punk lo tachan de ser un gay-antigay.

Columnista de la revista Marvin, Diario Milenio Hidalgo y Radio BUAP. Jurado de la Beca María Grever. Ha publicado las novelas Rutas para entrar y salir del Nirvana y La vida sexual de P. J. Harvey.

COLABORADORES

Leonora Milán Fe

Estudió Biología en la Facultad de Ciencias de la UNAM, y posteriormente una maestría y un doctorado en Filosofía de la Ciencia, también en la UNAM. Ha trabajado desde hace 20 años en diversos medios de comunicación, hablando de música y, por supuesto, de ciencia. Hoy pueden verla en Creadores Universitarios por Foro TV y en Unos Vinos con Ilana y Leos y Elemental en YouTube.

También pueden escucharla en Mándarax en Sonoro y en Voy Con Leos por Convoy Network.

Conocida como Clara van Jonker naci en Zibo, China. Estudie diseño y gráfica en Zibo y realice varios cursos de diseño en Madrid que terminaron siendo una pesadilla. Soy una loca y enamorada de los stickers y los llaveros. Los colecciono siempre que puedo. He coordinado pequeños eventos en Beijing y Madrid y he colaborado con artistas en el desarrollo de proyectos y fanzines que por cierto aun estoy esperando algún ejemplar, De momento Vivo en Madrid.

Alexis Callado Nacido en La Habana , es crítico de arte y comisario independiente.

Graduado en Historia de Arte de la Facultad de Artes y Letras de la Universidad de La Habana. ha comisariado y organizado proyectos artísticos en Suecia, España, Francia, Guatemala, México, Argentina, Florida, Chile y Cuba. colabora con publicaciones, museos, asociaciones y centros especializados en arte contemporáneo. Desde 2007 vive y trabaja entre Paris y Madrid.

Francesc Messeguer Compositor, productor y arreglista.

En 2019 fue nominado en la categoría de Mejor Música Original en el 48 Hour Film Project. Ha hecho música para diversas marcas y actualmente está trabajando en su primera película.

Ha escrito para diveros medios como Esquire, Marie Claire, Reporte Índigo, Reforma y Animal Político, entre otros.

Participó en NarcoData, investigación ganadora del premio IIID Award de periodismo en 2017. Como como compositor, escribió la música del reportaje “Por qué se cayó mi edificio” de la organización Mexicanos Contra la Corrupción y la Impunidad, que trata sobre el sismo del 19 de septiembre de 2017. Es profesor de música en la IBERO.

SPACE X TECNOLOGÍA

Space X Moda Espacial

JUNIO 2020

FOT:: NASA

LOG

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Era el verano de 1998, Michael Bay estaba estrenando Armageddon, esa película en la que Bruce Willis “se sacrifica” para salvar a la Tierra de un meteorito que amenaza con destruir el planeta. Toda esta hazaña en la que Willis, Steve Buscemi, Ben Affleck y compañía llegan al meteorito y destruyen esa piedra gigante es musicalizada por Aerosmith con “I Don’t Want to Miss a Thing”. En una entrevista algunos años después, Michael Bay dijo que había sufrido por los trajes espaciales para la película, él decía que si no tenían unos trajes que se vieran lo suficientemente cool todo sería un fracaso -la película recaudó más de 533 millones de USD-.

Veintidós años después hemos vivido un suceso que quedará en la memoria de todos por ser el primer viaje al espacio entre la NASA y Space X, la compañía de Elon Musk.

El creador de Tesla y la Nasa emprendieron una nueva aventura espacial con la mejor tecnología para ver al hombre en el espacio una vez más, pero todos sabemos que Musk no es un jugador con perfil bajo, le gusta llevar todo al límite y sacarle jugo a todo para que hablen de cada una de las cosas que hace.

Elon contrató a Jose Fernandez para vestir a Doug Gurley y Bob Behnken, los astronautas que viajaron en el Crew Dragon el sábado 30 de mayo del 2020, fecha que quedará marcada en la historia.

Jose Fernandez fue contactado por Space X y él pensaba que era una película, no se imaginaba que en verdad era una empresa que pensaba mandar gente al espacio. La idea de estos trajes era que tuvieran estilo y que fueran funcionales.

Jose Fernandez comenzó su carrera en el cine en 1989 trabajando para la película Gremlins y su carrera como Diseñador de Vestuario empezó en en la trilogía de Batman hecha por Tim Burton. No sólo ha trabajado vistiendo a Batman, también diseñó los trajes de los X-Men y muchas películas más.

Elon Musk logró hacer el paquete completo para el lanzamiento de Crew Dragon, porque si lo vemos como Michael Bay, tus trajes deben verse cool para lograr un momento memorable. Se unió la tecnología con la visión minimalista y futurista de de Jose y crearon los trajes espaciales que marcan una nueva época en la era espacial.

LOG

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MÉNE

EL NUEVO R&B REGIO

Méne se ha dado cuenta que entre él y Luis existen distintos gustos musicales, es la misma persona pero a Luis le gusta Weezer y Coldplay, Méne se inspira con R&B, Drake o PARTYNEXTDOOR.

TXT:: Efraín “Mako” Ramírez FOT:: Cortesía del artista

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Hace poco me encontraba platicando con El Llorch, compañero de mil batallas y co-conductor en #OtroShow, sobre una canción que el algoritmo le había aventado en Youtube, un tema que se viralizó y que le llegó a mucha gente, la canción es “it’s ok, you’re ok” de bonjr. Dentro de los comentarios, había muchos de gente pidiendo ayuda, mensajes de personas deprimidas y mensajes de ayuda hacia los deprimidos diciéndoles que no estaban sólos, entre ese mar de ayuda y apoyo existía uno que me llamó la atención: “Tú no encuentras esta canción, la canción te encuentra a ti”.

Con el paso del tiempo, las plataformas digitales han facilitado encontrar música que tal vez nunca hubiera llegado a ti si no fuera por el algoritmo de tus reproducciones te llevaran a ella. Así llegué a Méne, si bien mucha gente a mi alrededor hablaba de él fue el algoritmo el que puso una de sus canciones en mis audífonos, era una de sus colaboraciones con Nsqk, la canción se llama “Fortnite” y me sorprendió la pista, la capacidad lírica de ambos para hablar de cosas tan cotidianas con un sazón especial.

Después de esta sorpresa entré a su perfil y vi que iba a lanzar un EP editado por Worldwide, revisando mis correos me di cuenta que ya había tenido cosas de él en mis manos pero tal vez fue la sorpresa y el momento en el que estaba cuando apareció esa canción con Nsqk la que me llevó a abrir los ojos. Y es que el comentario que viene en la canción de bonjr no sólo aplica para esa canción, aplica para todo, para el universo en sí: Las cosas te encuentran, sólo debes estar ahí para que sucedan, si fuerzas las cosas no pasan.

Méne tiene apenas 20 años pero me platica que lleva casi 10 componiendo y haciendo música. Está/estaba estudiando mercadotecnia en la universidad pero la música

le ha dejado poco tiempo para seguir ahí aunque lo aprendido en la carrera lo ha empleado para hacer de su proyecto algo redondo. El aprendizaje de la escuela lo utiliza para exponenciar su trabajo, para él no hay un Plan B pero la carrera le ayuda con el Plan A. DEPRESIÓN Y DUALIDAD El nombre real de Méne es Luis y con el tiempo se ha dado cuenta de que ambas personalidades conviven y que cada una de ellas complementa al otro: “Lo que hacía era meditación y no lo sabía. Respiraba y me metía en el papel de la canción que había escrito y no sabía qué tenía que hacer después. Descubrí que lo que hacía era meditación para poder inspirarme y vivir lo que canto, así fue más fácil salir del personaje y volver a ser Luis. Este año he aprendido la importancia de Luis para hacer crecer el semillero de Méne”.

El primer sencillo de este EP fue “21 miligramos”, esa era la medida que el psiquiatra le daba de medicamento para la depresión.

Me platica que el encierro ha convertido su vida en una rutina y lo único que cambia son los sueños, cosa que le ha provocado que la ansiedad regrese, su psiquiatra le platicaba que la gente que había tenido problemas estaba recayendo por el encierro. La madre de Méne es psicóloga así que siempre fue a terapia pero el momento en el que le diagnosticaron el problema fue a través de una terapia que se llama EMDR (Terapia de Reprocesamiento del Trama, una terapia que hace que revivas las cosas a través de los sueños y que gracias a ella se dieron cuenta que lo que hacía falta era la serotonina.

METAS Y TRABAJO COLECTIVO Méne ha estado trabajando mucho con Nsqk en los últimos meses, como mancuerna han

encontrado un flow de trabajo que les ha permitido crear varias canciones y se vislumbra un álbum que salió después. En “Tecate Freestyle”, Méne dice una frase en la cual menciona que quiere ganar un grammy y dedicarlo a su mamá en el estrado, él cree que no es su meta pero que si lo va a lograr, no sabe cuándo pero tampoco es algo que le interese mucho, el chiste es pensar en que va a suceder.

La luz es el EP de Méne que marca un cierre en su carrera, él cree que el mayor problema que tiene en su vida es que hace muchas canciones, así que este lanzamiento en soltar. Son 4 canciones que las compuso en la época en la que estaba deprimido pero que tal vez ya no son tan cercanas a él pero que las aprecia porque son parte de él.

Lo más sorprendente de este joven compositor es su poder para trabajar en equipo. Invita a gente a grabar a su casa, les regala beats y tiene un proyecto llamado La Escena Regia. Este motor para crear cosas con gente por amor al arte y la cultura lo aprendió gracias a NWLA, su antigua casa: “Yo veo que hay distintos colectivos como NWLA y Monterrey siempre se está peleando porque unos no querían trabajar con otros. Me cansé y me propuse unirlos poco a poco, no sé si es una generación nueva pero se empezaron a juntar cada vez más. Comenzamos a invitar más gente y que compartíamos memes, chismes y apoyo para crear música. Un día hablamos con todos y les dijimos que esto iba dirigido a ser un nuevo movimiento, no somos dueños de nada pero en todo lo que podamos ayudar los vamos a ayudar”. La Escena lanzó Año 001, el primer mixtape en donde cada uno de los artistas participó y las ganancias las utilizarán hacer un evento del colectivo.

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KIDDIE GANG UNA NUEVA EXPRESIÓN DEL POP

Vértigo es un reflejo de los sentimientos con los que se encuentran día a día los integrantes del proyecto, dejando a la vista su profundidad emocional.

TXT:: Jonathan Villicaña FOT:: Beto Pinto Mora

Haciendo una radiografía de su ciudad, me comentan que actualmente hay una escena emergente, y que obvio el urbano está muy presente en esta nueva movida, me recomiendan a Nsqk, un productor que estrenó un EP hace unos meses, también a Méne, y a los Aquihayaquihay que recientemente regresaron a radicar en Monterrey.

Si Kiddie Gang pudiera curar un festival su top tres de artistas nacionales que deberían estar ahí son Girl Ultra, Alemán, y Clubz.

Seguimos cotorreando, me platican que prefieren a Bad Bunny por encima de J Balvin, son fans de Rosalía y de Karol G, admiran el trabajo de BrunOG, y aunque no conocen mucho de nombres consideran y tienen presente lo cabrón que es el trabajo de NAAFI. Aunque originalmente Vértigo no iba a ser un EP, más bien el equipo detrás y los Kiddie Gang tenían en mente lanzar dos sencillos dobles, al ir trabajando las canciones se casaron con ellas y así es que tomaron la decisión de editar su primera colección de canciones más allá de los sencillos.

Los sentimientos que tienen en estos momentos los cuatro integrantes de Kiddie Gang son lo que entrelaza las canciones de Vértigo a manera de hilo conductor, aunque sónicamente sean tan dispersas, pero uniendo las cuatro canciones y conociendo a los cuatro integrantes consideran que es la forma de entender y poder leer el mensaje de este EP. En el periodo que el grupo estaba en CDMX comenzaron a trabajar demos, que al irse compartiendo entre los cuatro se fueron vistiendo poco a poco a “Quiero ir”, “Máquina”, “Corriendo” y “Tú” hasta tener por completo las canciones terminadas.

Sabemos que el panorama actual nos tiene sin conciertos, mucho menos festivales, por lo

cual temporalmente no hay una oportunidad de realizar una gira para presentar este EP en vivo, pero los chicos tienen muy claro que les encantaría poder llegar a tocar en un escenario como “Coachella o Lollapalooza, algo mamastroso”.

Para promocionar Vértigo se eligió “Tú” como sencillo, canción que cierra el EP y es la canción que lleva un ritmo más cercano al trap y con una gran fluidez lirica. Ellos consideran que tiene tintes emo pero con una influencia muy grande en el sonido de Travis Scott, quien les gustaría que pudiera hacer un remix del sencillo.

Kash Kiddie considera que la industria musical en México está en pañales, “le falta un poquito a todo este pedo de la industria, porque hay proyectos muy cabrones, y debería existir algún tipo de agencia que pudiera impulsar económicamente a los proyectos independientes, que hubiera más shows, incluso ojalá el gobierno pudiera aportar para apoyar más, no solo a la música sino a todo el arte mexicano”.

Estamos platicando un día antes el lanzamiento del EP, pero es claro que tras bambalinas la música tiene otro ritmo, el componer, grabar, gestar un lanzamiento puede en veces tomar años, por eso me aventuro en tratar de conocer más de los planes que Foudeqush, Bear Macklin, Kash Kiddie y Lee Flame tienen a corto o mediano plazo, y recibo el adelanto de que ya están echando manos a la obra, “tenemos la idea de sacar un mixtape, apenas lo estamos elaborando, ya tenemos algunas rolas. Pero sí tengo claro que lo próximo será un mixtape”, me dice Kash llegando al final de nuestra charla.

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La música se renueva contantemente, se nutre de diferentes estilos, que por temporadas van fusionándose con otros, para dar una gama de sonidos. En una época en la que las listas de éxitos en todo el mundo dan cabida a las estrellas latinas como: J Balvin, Rosalía y Bad Buny, una nueva generación de talento emergente en Latinoamérica se ha nutrido del éxito de estos tres.

Con ese contexto, Kiddie Gang, un proyecto de 4 jóvenes de Monterrey, ha salido al ruedo experimentando, con sonidos que han dado vida a un imaginario que va del lo-fi hip-hop al vapor wave, pasando por el trap.

Durante 2019 Kiddie Gang trazó las bases de su carrera lanzando 11 canciones con Finesse Records, casa discográfica que comparten con Jesse Baez, Teen Flirt y Girl Ultra. El 2020 lo abrieron con el píe derecho estrenando la etérea balada “licor y hielos”.

Arranco lanzando un buscapiés para saber más de su forma de trabajo y los cambios que han tenido en sus procesos creativos; “nuestro sonido ha evolucionado bien machín, y creo que este EP representa lo que hemos estado viviendo todos” me dice Kash Kiddie, a lo que agrega Lee Flame: “aparte en el transcurso hemos empezado a descubrir nuestros propios estilos y a jugar un poquito con melodías, y otras cosas, por ejemplo yo que rapeo ya ando aventándome melodías, todos hemos cambiado a bien”.

Hablamos de Monterrey, obvio tenía que salir a flote el tema de la gastronomía en la sultana del norte. Por un lado Lee Flame comparte su entusiasmo por las gorditas de Doña Tota ya que tiene un abanico de opciones en los sabores de este manjar, pero Kash Kiddie se sostiene fiel al maravilloso taco de chicharrón de La Ramos.

PURITY RING LITERATURA HECHA MÚSICA

A sólo unos días del lanzamiento de Womb, el tercer disco del dueto canadiense Purity Ring, el mundo cayó en cuarentena.

A la cantante Megan James, estos meses de encierro le han causado una gran incertidumbre por el futuro, pero con todo ha encontrado un refugio en la música. “Resulta frustrante no poder hacer nada para cambiar el presente, pero a la vez es reconfortante que la música está ahí acompañándonos”.

Platicamos, vía telefónica, la mañana de un miércoles desde su casa. Se le escucha alegre y llena de energía. Durante este confinamiento he realizado una decena de entrevistas y contrario a lo que suele pasar, los artistas por lo general están mucho más dispuestos a la conversación. Incluso aquellos que antes veían el trabajo promocional como un mal necesario, parecen entusiasmados de tener contacto, aunque sea remoto, con otro ser humano.

Asumo que tienes todo el tiempo del mundo para hacer música; pero, ¿puedes concentrarte para trabajar?

Para serte franca, ha sido muy complicado ser creativa durante la cuarentena. Me resulta muy sencillo ponerme a cocinar algo, pero cuando se trata de sentarme a componer o escribir, me cuesta muchísimo trabajo. A veces, sale una idea, pero soy incapaz de desarrollarla a profundidad. A veces, pienso que se trata de mí, pero no creo ser la única persona que se siente llena de incertidumbre, por todo lo que está sucediendo en el mundo.

Se supone que en este momento estarías de gira, promoviendo Womb, pero la realidad es que llevas semanas en confinamiento. Ahora que muchos artistas están haciendo sesiones en línea, ¿extrañas la energía de un concierto en vivo?

Sí, extraño muchísimo tocar en vivo, pero tampoco me he contagiado de esa necesidad de hacer algo online. Tal vez más adelante, pero en este momento no me siento lista.

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¿Esta situación de estrés afectará la manera en que actúes cuando por fin puedas subir a un escenario?

Es una muy buena pregunta. Siempre hemos intentado que, cuando tocamos, la gente se adentre en lo que nosotros sentimos cuando compusimos el disco, que compartan esas sensaciones y creo que con este álbum no será la excepción.

Womb es el primer disco que tú y Corin graban en 5 años, ¿por qué el proceso fue tan lento?

En realidad, ¡siempre somos muy lentos a la hora de componer!

Pero, en este caso, nos tomamos un tiempo extra (Risas)… No fue una decisión consciente demorarnos tanto en lanzar el disco, más bien tuvo que ver con esperar a que las canciones estuvieran terminadas, que cada una encontrara su sitio dentro del disco.

Resulta curioso que lo digas, porque cada vez menos gente escucha discos completos…

Lo sé, estoy consciente de que es la forma en la que el mundo está consumiendo música. Todo se basa en las canciones. Sin embargo, también pensamos en la forma en que a nosotros nos gusta consumir música: en un álbum. Nos gusta componer canciones que cobran sentido en conjunto y que tienen un lugar irremplazable dentro del todo.

TXT:: Arturo J. Flores FOT:: Carson Davis Brown

Para el lanzamiento de Womb, publicaron un laberinto interactivo en redes que llevaba a los fans a descubrir el track “Pink Lightning”, ¿esta es la versión 2020 de los discos conceptuales?

Este juego tenía por objetivo decirle a la gente cómo nos gustaría que escuchara el disco, porque así veíamos el disco, como un acertijo que se iría resolviendo hasta llegar al final. Además, hizo que los fans convergieran en una misma conversación y eso nos encantó.

Precisamente en esa canción, la introducción corre por cuenta de una especie de voz robótica algo siniestra, ¿cómo empiezan a dibujar la estructura de una canción y decidir qué elementos incluirá?

Es una pregunta muy difícil de responder, porque no existe un método como tal. Componemos de una manera muy natural, pero al mismo tiempo como el resultado de muchísima experimentación. Para “Pink Lighting”, por ejemplo, pensamos sencillamente que los versos irían en progresión hasta llevarnos al coro, pero en el camino se convirtió en otra cosa. Teníamos la canción terminada hasta que un día dimos con la introducción, con esa voz que mencionas. Nuestra música se basa en la experimentación, en ir y venir de un mismo punto hasta encontrar el resultado que nos haga sentir satisfechos. Esta canción es muy pop pero los arreglos son completamente anti-pop. La forma en que colocamos la voz fue meramente accidental, pero nos gustó mucho el resultado.

En “I like the Devil”, comienzas narrando tal cual una historia acerca de la madre que apoya los codos en la cama, ¿consideras que las letras de las canciones son un espacio para hacer literatura?

Absolutamente; antes que cantante, me siento mucho más una narradora. Siempre intento contar una historia con lo que escribo, pero también de construir una imagen y describírsela a quienes me escuchan. Estoy demasiado influenciada por la literatura, tal vez más que por la música. ¿Qué te gusta leer?

Me gusta mucho a Karen Russell, una escritora originaria de Florida. También acudo muy a menudo a Yoko Ogawa, de Japón.

Me gusta mucho la poesía y los cuentos fantásticos. ¿Qué hay de los videojuegos? Leí por ahí que “Stardew” es una referencia a Stardew Valley.

No lo es, el título de la canción viene del verso “The dew of dying stars”, incluida en la misma; pero tengo que reconocer que buena parte del tiempo estoy jugando videojuegos. La cuarentena se presta. ¡El fin de semana pasado terminé Final Fantasy VII!

“Tengo que reconocer que buena parte del tiempo estoy jugando videojuegos. La cuarentena se presta. ¡El fin de semana pasado terminé Final Fantasy VII!”

GIRL IN RED LA VOZ DE UNA NUEVA GENERACIÓN

LOUDSPEAKER

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TXT:: Karina Castillo FOT: Julie Pike

como una portavoz de la comunidad LGBT, y su respuesta es simple: no.

“Nunca me he visto a mí misma como algo en específico, incluso hace poco ni siquiera me sentía capaz de nombrarme músico, porque nunca me he autodenominado de una forma.

Así que realmente no me veo a mí misma como un portavoz queer. Sí reconozco que tengo una gran fanbase queer y sé que el mundo necesita más voces queer pero yo no me veo de esa forma. Sólo estoy siendo yo y sólo estoy comunicando lo que creo que es importante o que me importa a mi. Sólo tengo buenas vibras sobre ser llamada una portavoz queer, actualmente se necesita mucho. Aún hay un largo camino por recorrer y probablemente yo estoy en uno de los mejores países para ser gay, así que hablaré por todos aquellos que no lo pueden hacer”, me explica.

Marie Ulven está por emprender una nueva etapa en su carrera musical, llena de nuevas experiencias, retos y mostrándose todavía aún más vulnerable, y muestra de ello es su último sencillo “midnight love”. En el que además de que por primera vez la cantante utiliza un piano, este fue escrito de diferente manera, ahora desde la perspectiva de la persona que sufre.

Sin embargo en este caso ella no era esa persona, sino que mas bien en esta historia Marie fue “la villana”. “Pero ¿por qué hacerlo de esta forma?” le pregunto y ella comienza a explicarme que sentía que eso era lo correcto, el ponerse en los zapatos de la víctima para poder entender mejor la situación y el daño que le hizo.

Desde que en 2018 girl in red publicó en Soundcloud su tema “i wanna be your girlfriend” no ha parado de ir en ascenso. Y si algo es un hecho, es que este proyecto que está por venir terminará por posicionarla como una de las líderes de esta nueva ola de músicos adolescentes que desde su recámara, muy al estilo DIY (hazlo tú mismo), están revolucionando la industria musical sin dejar que el miedo a mostrarse vulnerables los detenga.

Al final de mi conversación con Marie me comenta que espera pronto venir a México a “dar algunos locos shows y probar la comida mexicana”. Así que si tenemos suerte y el virus no lo arruina, pronto estará visitando por primera vez nuestro país para deleitarnos con todos esos temas con los que nos enamoró y quizá también ya hasta con un nuevo álbum.

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La mayoría de las personas cuando estamos en la adolescencia, esa extraña etapa en la que pasamos por muchos cambios y ni siquiera nosotros mismos entendemos qué sucede, buscamos un tipo de consuelo y comprensión en la música. Y durante esta intensa exploración, muchas veces tenemos la suerte de encontrarnos con un artista con el que logramos identificarnos totalmente, esa persona que parece que está pasando por lo mismo que tú o que leyó tus pensamientos y los plasmó en una canción.

Pues para muchos adolescentes alrededor del mundo, ese ser humano que le ha dado voz a sus sentimientos es Marie Ulven Ringheim, o artísticamente conocida como girl in red.

La joven de origen noruego se ha ganado tan rápido el corazón de la gente gracias a sus emotivas canciones de bedroom pop que principalmente tocan temas como las relaciones LGBT y la salud mental. En cada una de ellas, girl in red muestra su lado más vulnerable, algo que para muchos puede llegar a ser difícil pero que para ella es todo lo contrario: “Soy una persona muy emocional y en realidad no me da miedo ser tan abierta. Literalmente podría conocer a un extraño y contarle sobre mis secretos más oscuros, lo cual no haría porque sería raro, pero soy el tipo de persona que puede decirle a alguien cualquier cosa porque no le veo el mayor problema. No es la gran cosa para mí escribir sobre sentimientos o cosas importantes”.

Marie continúa explicándome que a pesar de ser tan abierta respecto a sus sentimientos, cuando realmente se enamora de alguien le es muy difícil lograr decírselo de frente, para ella siempre será mejor transmitir su amor a través de una canción. “Sólo escribo canciones sobre ellos, las pongo ahí y ellos son como de que ‘espera, esto suena como lo que nos pasó a nosotros’. No lo sé, es más fácil poner cosas en canciones porque es básicamente como si me hablara a mi misma. Y después de que las saco, la gente las escucha y comienza a identificarse con ellas”, comenta.

Girl in red comenzó contando sus propias experiencias y hablando por sí misma, pero nunca imaginó que terminaría dándole voz a toda una generación, al grado de ser llamada ya como “el héroe que necesita la década” y de haber aparecido en la portada de Gay Times a su corta edad. Así que le pregunto si ella de verdad se ve o se siente de esa forma, principalmente

BORED LORD

EL SOUNDTRACK DE LA DISTOPIA LGBTTTI POST-PANDEMIA TXT:: Wenceslao Bruciaga FOT:: Cortesía de la artista

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Loops gays de elevación fractaloide cuyo optimismo ambiental de pronto cae, como un helicóptero de guerra herido de potentes balas provenientes de una Barret calibre 50, al centro de una bodega abandonada, atascada de ilegalidad anti-hetero, embestidas anales rebeldes de la reproducción humana y breakbeats que incitan a bailar y coger sin condón frente a las hélices y la estructura en llamas. A eso suena el primer track, homónimo, de casi 47 minutos de In Case We Never Get to Rave Again, uno de los más recientes proyectos discográficos de Bored Lord, chica trans oriunda del conservador Memphis, que sin embargo, escapó para comandar las fiestas más guerrilleras del Oakland vandálico, donde las identidades LGBTTTI renuncian al glamour domesticado, homoparental de la diversidad sexual que ha invadido el histórico arcoíris de la Bay Area, para volver a ese estado primitivo de disidencia donde lo importante era el hedonismo a flor de piel y no la asimilación buga como puente hacia la legalidad que suponen los derechos de las minorías sexuales.

In Case We Never Get to Rave Again salió al mercado justo cuando la cuarentena desencadenaba ansiedad y muerte en los Estados Unidos de Norteamérica y las Marchas del Orgullo se iban cancelando como fichas de dominó cayendo una sobre otra a lo largo del mundo. ¿Qué pasaría con lo que muy probablemente sean las fiestas más importantes de la diversidad en México y el mundo? Este disco terminaría convirtiéndose en el primer soundtrack de la distopia post-pandemia LGBTTTI, en la que Bored Lord, DJ a la vez que productora, mezcla los ritmos de cuerpos humanos con los nervios alterados por la interacción en redes sociales como diseccionado por David Cronenberg y las anárquicas reflexiones de la transición de género, con más arresto que fluidez de las novelas de Angela Carter; los broken beats (como impío género individual que vaticinaría cosas como el grime) irrespetuosos da la tradición del ritmo 4/4 con el mashup evolucionado a sobredosis de violenta nostalgia, hasta dar forma a un reventón donde los ecos de Kylie Minogue, Dido, Nirvana o Sophie Ellis Bextor se diluyen con beats de índole agitador, dotando a la fiesta de un sentimiento catastrofista donde lo último que importa es la sensualidad suicida como remedio al nuevo orden mundial que nos acecha como consecuencia de las medidas de seguridad para mantenernos a salvo del Covid19.

Bored Lord se ha caracterizado por lanzar varias producciones en tan sólo un periodo de 300 días. Uno de sus títulos más exitosos del año pasado fue Transexual Rave Hymns, dónde partía de las bases rítmicas de Britney Spears para transportar su imaginería de domesticado ícono gay a una sórdida pista de baile donde la diversidad sexual recobraba su espíritu transgresor a las convenciones sociales y las posturas queer regresan al valor de las calles, abandonando la cómoda moral de las aulas de posgrado en la que se ha entrampado en los últimos años. Bored Lord se ha propuesto, quizás en un impulso soñador y maquinal, sacudir lo que hoy se entiende como cultura gay de su iconografía de fácil digestión.

De hecho, los intransigentes beats de Bored Lord parecían adelantar el rumbo kamikaze de los reventones de la diversidad sexual, controlados por una corrección política que empezó a hacer de guardia civil de una tolerancia que apuntalaba la hipocresía y por momentos, encubriendo, hábilmente, los estudios de nichos de mercado bajo el gratificante y efectivo reconocimiento de identidades con todo y sus banderas, como si los gays fuéramos curules de la ONU. Sin necesidad de un coronavirus que amenazara con suspender las fiestas LGBTTTI y su orgullo saturado de patrocinios que imponían estilos de vida aspiracionales, Bored Lord, con apenas veintitantos años, empezó a programar pasajes tan alejados de los clichés gays, como los sencillos de nu-metal de Papa Roach o Limp Bizkit, apareados con break-beats de house maricón, lo que da como resultado piezas bailables que provocaron calurosas discusiones sobre la cómoda zona de confort en la que se ha instalado conceptos tan prostituidos en la soberbia política como la tolerancia o la inclusión que anulan cualquier futuro posible. Tal como esta sucediendo en estos tiempos, en los que la nueva normalidad estará sujeto a un híper control que incluirá una vigilancia a la sexualidad, en la que muy probablemente los gays seremos estigmatizados, como si el tiempo empezara a tomar un camino circular rumbo a lo los prejuicios de los ochenta.

Los proyectos discográficos de Bored Lord parecen buscar ese paraíso perdido de anarquismo sexual donde los colectivos no-hetero eran capaces de desafiar el sistema que sólo protegía a aquellos capaces de reprimirse.

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FRYTURAMA

¡EL UNIVERSO ES UNA FIESTA!

“Somos amigxs, nos reflejamos en los otrxs y aunque estemos lejos seguimos atrás cuidándonos”

TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Jaime Martínez

A la postre hay una premisa esencial del dueto que comparto plenamente: “Somos libres para transformar el ruido en música y la música en distorsión”. Aplaudo sobre todo ese ánimo para entender al arte como un juego inteligente y lleno de sentido del humor, lo que se refleja, sin duda, también en el espléndido arte a cargo de Daniela Ladancé.

El crítico y académico Simon Frith (quien encabezó por años el Mercury Prize británico) señala que un elemento crucial para asimilar y entender a la música es su contexto; por lo que la parte clasificatoria estará muy relacionada con los referentes individuales. Traigo esto a colación a propósito de los seis tracks que conforman al disco; ya he dicho que hay partes de ambient, de pronto uno puede remontarse al shoegaze o al dreampop, pero esto contrasta con el apunte de los propios artistas al señalar que hacen CuteNoise… y bien entendido el término, razón no les falta.

El trabajo de Fryda trae consigo ese halo romántico y de ensueño, yuxtaposición de texturas y capas multiplicándose, y Arturo aporta esa telaraña eléctrica. En suma, la propuesta de Fryturama confirma que el panorama musical mexicano es mucho más vasto de lo que suele creerse y que sabiendo explorarlo sigue ofreciendo grandes sorpresas.

El mutante más lindo ha sido apoyado por Doberman Records y Amigos Records, y llega para prolongar la estela de Transparente, su debut discográfico editado apenas el año pasado. Sus creadores apuntan que se trata de un disco con mucho sentido de comunidad: “Este álbum trata sobre estar unidxs. No importa lo que pase afuera siempre nos vamos a encontrar. Somos amigxs, nos reflejamos en los otrxs y aunque estemos lejos seguimos atrás cuidándonos”.

En Fryturama no existen cortapisas… sobra capacidad de riesgo; una pieza como “Hace calor” nos rodea de texturas, acompañamos a la voz en su escape y la guitarra nos recuerda que toda ruta de escape es sinuosa y resbaladiza. Más que tratar de entender, acá de lo que se trata es de sentir y emocionarse -el milagro del arte preservado-.

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Siempre será agradecible cuando un álbum nos lleva hasta su territorio, cuando muy pronto establece la pauta y nos instala en su reino. Hay muchas más posibilidades de lograr su cometido cuando el artista se preocupa por lanzarnos el anzuelo -bien cebadoy espera que su contraparte lo pesque… por apetitoso en términos estéticos.

Y qué mejor cuando todo comienza a través de la intriga; “Siempre es bueno verte” nos instala en un paraje natural o quizá en un aviario. Los pájaros trinan y los sintetizadores acompañan la experiencia de entrar en un sitio exótico y fascinante; casi que se trata de una pieza de ambient en la que una voz femenina se desdobla y nos anticipa que el viaje puede elevarse considerablemente -siempre y cuando exista disposición de parte del escucha-.

Debo contar que me puse delante de El mutante más lindo casi sin prenociones ni prejuicios; apenas con el esbozo de que se trata de un proyecto más de Arturo Tranquilino (a quien ubico muy bien por su larga trayectoria con Yokozuna), pero no mucho más… y no hizo falta, porque pronto llegó el estruendo guitarrero de “Amigxs” y la fiesta estalló multicolor… con sus capas acumulándose en una maraña seductora.

Tranquilino se pertrecha en sintes y guitarra, mientras que Fryda Magaña pone la voz procesada y le da rienda suelta a los delays (¡Y vaya que es gustosa la chica!). En un momento pensé en disertar acerca de si Bestia o Wolverine son mis mutantes favoritos entre el Universo Marvel, pero el disco me llevó hacia otros rumbos; pero desde hace mucho mantengo una gozosa relación con el término “mutante”… y sí, al igual que Fryturama pienso que todos somos mutantes de una u otra manera -¡anda muy loca la cadena de la evolución-, y luego me clavé en lo placentero que es que me llevarán a acordarme de bandas como Slowdive, Chapterhouse y Pale Saints; habemos quienes seguimos enganchados al ensueño de la primera época de 4AD y agrupaciones afines -aquí no ha pasado el tiempo, el presente es continuo y perpetuo--.

O al menos es un efecto que provocó en mí una escucha absolutamente gratificante y sorprendente; el nombre es sí mismo de Fryturama me parecía un misterio -que casi prefiero que permanezca-.

POTTERY NUEVOS SONIDOS DESDE CANADÁ

Jacob de Pottery últimamente se siente inspirado por Bill Frissell (Compositor y músico) y por Nels Cline (Wilco). Y utiliza este tiempo en cuarentena para mejorar en su instrumento. Uno de sus héroes es David Berman de Silver Jews, quien murió el año pasado.

TXT:: Efraín “Mako” Ramírez FOT:: Brooke Rutner

Cada año vemos muchas bandas y artistas salir de Canadá y vemos a los medios cómo las van inflando poco a poco, algunas culminan su carrera tempranamente y otras se vuelven headliners de festivales alrededor del mundo. Pottery es una banda que tiene el potencial de hacerse grande y que muestra la versatilidad de una generación que así como escucha a J Balvin también puede escuchar a los Cramps y que no le molesta en lo absoluto presumirlo. Rock bien ejecutado que va sorteando ritmos que nos llevan por un viaje con mucho funk, que si bien por un momento suena a los Talking Heads después se comen a Duran Duran y hasta te vomitan un poco de The Jam, pero con esa frescura que acerca a las nuevas generaciones al funk en el 2020.

Su álbum debut lleva por nombre Welcome to Bobby’s Motel. El disco es editado por Partisan Records, un sello independiente con sede en Brooklyn y Londres que bien podría definir el sonido de la música anglo en los últimos años arropando a bandas como Fontaines D.C., IDLES, Cigarrettes After Sex y Laura Marling pero que aparte son la casa de Fela Kuti. Y no estoy diciendo que sólo por pertenecer a Partisan, Pottery ya debe ser bueno pero si tiene mucho que ver quién te encuentra porque son tendencias a seguir y como sello independiente no tienes un rango de error tan alto como una major.

Según la banda el Motel de Bobby es ese lugar especial que te hace sentir pleno y en el que no necesitas de nada, sólo necesitas sentirte feliz con lo que tienes. Así que platiqué con Jacob, guitarrista y una de las mentes que creó Pottery, acerca de cuál es su Motel de Bobby, el pasado y su visión hacia un futuro incierto.

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el disco habían unas canciones que escribimos como un año antes, entonces te puedes dar cuenta que hay diferencia entre eso y las más recientes. No fue una decisión que tomamos, sólo queríamos hacer algo que fuera divertido. Estábamos practicando juntos, escribiendo y queríamos mostrar algo que tuviera la energía de todos y que nos diera más energía y que fuera divertido para la gente, que bailaran. ¿Cuándo decidiste hacer una banda y vivir para y de la música?

Cuando conocí a Austin hace como 3 o 4 años. Decidimos que queríamos empezar a escribir canciones y ver hacia dónde iríamos. Nunca nos imaginamos que llegaríamos hasta aquí pero estamos muy felices y disfrutando el viaje. No fue una decisión consciente de que queríamos empezar a hacer música pero lentamente caímos en enamorarnos más de lo que hacíamos. Creo que nos volvimos más dedicados en hacer esto, cuando le pones el corazón a lo que haces puedes acercarte mucho a eso. ¿Cuál era el sueño de Jacob? ¿Qué quería ser de pequeño?

Quería ser constructor, estaba obsesionado con Bob El Constructor.

Quería ser Jacob el constructor. Estaba obsesionado con cosas que podía construir con las manos pero también me gustaba el ciclismo, hacía ciclismo de montaña. Y pensé que haría ciclismo de montaña por el resto de mi vida pero mira en dónde estoy ahora. Cuando me moví a Quebec no me traje mi bicicleta y aquí no hay muchos lugares para hacer ciclismo de montaña pero me he ido metiendo en las artes, hice el arte para el primer EP y me mantengo ocupado escribiendo y con la escuela.

¿Cómo recibieron la noticia de que lanzarían el disco pero no podrían tourear?

Es raro. Nosotros somos una banda en vivo, nos gusta tocar, hacer un tour es una de nuestras partes favoritas de toda la experiencia. Es difícil pero al final del día pero va más allá de nosotros, está bien. No es el fin del mundo, volveremos a estar de tour.

¿Quién hizo la portada de Bobby’s Motel? ¿De dónde viene la idea?

La hizo nuestro baterista Paul. Llegó con la idea de Bobby que era un cambio de caras entre Paul y Austin, le puso filtros en Photoshop y después creó un mundo como de Monty Python. Así que todos los videos van expandiendo el mundo de Bobby. Es un álbum conceptual en el estilo.

¿Cuál sería el Bobby’s Motel para ti?

Creo que mi departamento. Bobby’s Motel es gratis, aunque mi departamento no es gratis. Eso es lo más cercano. Pero Bobby’s Motel también es algo individual, algo que es diferente para mí y para ti.

Algo que es cómodo y que no necesitas tu cartera, se disfruta y no tienes que pagar, te hace feliz.

¿Quién es tu héroe?

David Berman, de la banda Silver Jews. Su más proyecto más reciente fue Purple Mountains. De hecho él falleció el año pasado. La manera en que escribía era increíble, era como nada que he escuchado antes.

La primera vez que lo escuché me voló la cabeza, mi compañero de casa lo puso y escuché “Random Rules”, me sorprendió cómo podía sonar tan sincero con una letra satírica. Algo subversivo. Fue un momento que me cambió la vida, era una cosa que no había explorado en la música, literatura y para escribir en la música.

¿Cuando me enviaron el disco de Pottery, lo escuché y lo sentí muy cercano a David Byrne pero otras canciones tienen muchos matices de funk. ¿De dónde sale esta mezcla?

Es una forma interesante de verlo. Creo que fue inconsciente, nunca dijimos vamos a hacer algo muy funky. Cuando estábamos haciendo

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THE ARCHITECT

TORNAMESAS FOTOGRÁFICAS TXT:: Lenin Calderon FOT:: Julie Pike

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Tras casi siete años de sequía como solista, a mediados de junio se estrena la nueva producción de este francés: una verdadera Torre de Babel, hablada en diferentes lenguas, bailada en muy diversos géneros y capturada con una gran variedad de lentes. La misión: crear una colección de paisajes y atmósferas que, además, puedan bailarse.

El trabajo de DJs y productores como DJ Shadow o Cut Chemist, por poner ejemplos de gente que obtiene de las tornamesas sorprendentes resultados similares a los de The Architect, va más allá de mantener la pista de baile prendida o al público sorprendido por sus habilidades técnicas. Tal vez, esta especie de hip-hop abstracto que los caracteriza les da la posibilidad de suministrarle al público un abanico muy diverso de moods, o estados de ánimo.

A diferencia del DJ de electrónica bailable, obligado siempre a mantener a la gente a todo lo que da, con pocas posibilidades de bajar aunque sea un poco los bpm, sin que esto demerite en ningún sentido su trabajo, tornamesistas como The Architect pueden muy bien incendiar la pista con géneros musicales muy diversos, no solamente electrónicos, pero además pueden llevar a su público por un viaje rítmico que no siempre es el más frenético.

Así como el músico busca en su instrumento las notas idóneas para expresar sus sentimientos, el tornamesista busca entre cajas y cajas de discos las canciones que mejor construyen la atmósfera que quiere crear. No por nada, DJs y productores como The Architect son llamados diggers en inglés, porque excavan y excavan entre surcos de vinyl para obtener la materia más oscura del origen menos esperado: segundos preciados, brillantes y valiosos como el oro, sobre los cuales se erigen nuevas obras.

Su trabajo no sólo es valioso por tender estos puentes y referencias musicales -y revalorar así música de otros géneros, épocas o latitudes-, también tiene mucho mérito como labor crítica ya que estos pegostes y combinaciones de loops, son siempre también un comentario sobre la música misma.

Si de algo puede preciarse Une Plage Sur La Lune, segundo y más reciente álbum de estudio de The Architect, es de eso. Cincuenta minutos de variedad suculenta de géneros, siempre girando en torno a un hip-hop abstracto, que invita a bailar con beats cari-

beños como en “Baile del Sol” o con el psycho-funk de “Boogie Dola”, en la que se percibe hasta un tufito de raggamuffin. “Watch Me Dance”, el sencillo con el que comenzó a promocionarse el disco es un mosaico casi morisco, pues revuelve chaâbi (un género tradicional de música en Argelia), rock, hip-hop y electro en torno a un sample de Les Abranis, una banda argelina popular en los 80. El disco también tiene un porcentaje muy poderoso de hip-hop tradicional, con todo y rimas politizadas en inglés, como “Royom” en donde Fliptrix se cuelga del mic para contarnos de sus sueños cuando cantaba por dinero en la calle en medio de la lluvia y de cómo esos sueños, una vez cumplidos, corren peligro en convertirse en algo más peligroso de lo que pudiera pensarse.

El disco también tiene su dosis de sampleos cinematográficos y televisivos, un recurso siempre muy usado por el género y especialmente útil para generar esos paisajes que definen de alguna forma al hip-hop abstracto. “Jaqueline” y “NullePart”, que cierra el disco, son buenos ejemplos de ello y un recordatorio de la capacidad de este francés para hacer música atmosférica, instrumental pero llena de voces sampleadas, con la cual crea los moods más diversos y construye ambientes a través de vibras sonoras. Tal vez sea ese mismo interés por los ambientes y las atmósferas lo que llevó a The Architect hace un par de años a perseguir el sueño de muchos otros músicos. Lo mismo Michael Nyman que The Cinematic Orchestra, In the Nursery o Biosphere, todos hicieron la enorme labor de componer música original para acompañar el filme silente L’homme à la camèra, una producción soviética de 1929 dirigida por DzigaVertov y de la cual no hace ni la menor falta decir que es una obra de culto.

Dedicado en un comunicado de prensa a sus amigos y familia, este disco es también un álbum familiar, un recuento de muchas de las influencias musicales en la vida de este arquitecto y el reflejo de la influencia de las muchas culturas y nacionalidades que convergen en un país como Francia. Si en aquella película soviética de culto el protagonista es un hombre que captura la realidad con una cámara, Une Plage Sur La Lune es una breve historia de un hombre que hace lo mismo, pero con un par de tornamesas.

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JEHNY

BETH Oscuridad y luz

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P TXT:: Leonora Milán FOT:: Johnny Hostile

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Jehnny Beth es una artista multifacética: hace radio y televisión, escribe, compone, realiza colaboraciones.

Una mente inquieta en constante creación.

ocos shows de una banda en vivo me han parecido tan emocionantes como el de Savages.

Cuatro mujeres en el escenario haciendo post punk devastador, encabezadas por una visión en tacones de aguja con una voz compleja y seductora. Esa visión se llama Jehnny Beth.

Su época en Savages fue con la que muchos de nosotros la conocimos; ellas nos entregaron dos discos sensacionales, Silence Yourself (2013) y Adore Life (2016), ambos nominados al Mercury Music Prize, y seguimos en espera de un tercero, que no ha llegado aún ya que ese proyecto se encuentra en pausa.

Sin embargo, esta pausa no significa que su frontwoman se encuentre estática. Todo lo contrario. Beth es una artista incansable y activa, que igual te escribe un libro que te aparece en vivo apoyando a PJ Harvey o colaborando en canciones con Gorillaz y The Strokes. Lo mismo te compone el score del documental XY Chelsea y te conduce su propio programa de radio en Beats 1 (lo encuentran como “Start Making Sense”) y una serie de televisión sobre música para el canal Arte en Francia (Echoes with Jehnny Beth).

Y si te agarra distraída, te entrega un álbum solista fuerte, honesto, desgarrador y complejo, como lo son francamente pocos esfuerzos en solitario de vocalistas que estás acostumbrada a escuchar en el contexto de una banda.

Este álbum solista se llama To Love Is To Live y es brutal. Brutal y hasta cierto punto desafortunado, por el momento en el que estaba planeado su lanzamiento. Es de esa tanda de discos que tuvieron que ponerse en stand by por la contingencia, y de estar planeado para mayo tuvo que ser pospuesto hasta junio. De la misma forma ha tenido que posponerse la gira que Jehnny Beth tenía programada para apoyar este lanzamiento y también el tour “Cold and Black and Infinite” de Nine Inch Nails, que se llevaría a cabo en la segunda parte de este 2020 y en el que Beth iba a ser el acto asociado.

Nine Inch Nails, por cierto, es un proyecto cercano al corazón de Jehnny Beth. No sólo iba a acompañarlos alrededor de Norteamérica sino que uno de sus integrantes, Atticus Ross, fue uno de los productores de To Love Is To Live. En entrevista para Marvin, Beth nos contó que “Atticus nunca produce a nadie. Nunca le pregunté por qué a mí, pero él me dijo algo que no sé si estaba dirigido directamente a mí pero era que hay cierta gente que nació para ser ‘front singer’. Que es un regalo de Dios. Y me

decía que yo tenía que hacer este disco. Esa fue una de nuestras intensas conversaciones cara a cara.”

La comunicación con Ross fue primero a distancia y después frente a frente, según nos lo relató Jehnny Beth: “Atticus Ross fue una de las primeras personas con las que trabajamos.

Hablamos seis meses por teléfono y mail y luego Johnny Hostile (su pareja creativa desde hace más de 15 años) y yo nos mudamos a L.A. para grabar y trabajar ahí y Atticus iba al estudio a escuchar, a platicar, a intercambiar ideas.

Creo que la idea era que él supiera exactamente lo que yo quería, porque hablamos mucho sobre todos los detalles. Con esto aseguraba una menor posibilidad de error, que era importante porque él iba a trabajar en esto, dedicándole mucho tiempo y esfuerzo, entonces él quería asegurarse de que estuviéramos en la misma página.”

Después de Atticus vino Flood, ya que Ross se fue de gira y Beth necesitaba de otro colaborador para terminar algunas canciones, sobre todo las que quería que tuvieran una sensación más de rock, como “Heroine” o “Innocence”.

Nos cuenta que “cuando estaba hablando con PJ Harvey me sugirió que contactara a Flood, diciéndome que era genial como productor. Lo conocí y pensé que estaba completamente loco, pero en una buena manera. La forma en la que trabaja es caótica y emocionalmente agotadora, pero eso es algo bueno, porque el mejor regalo que Flood te da, y agradezco que haya llegado cerca del final del proceso del disco porque lo terminé con él, es asegurarse que el disco con el que terminas es exactamente el que querías. Te empuja a lugares donde tienes que decir sí o no, él no quiere un ‘tal vez’. Y empuja tus canciones al límite, hasta donde dices ‘detente, esta es mi canción, amo este beat y no tienes permiso de tocarlo’ y eso es lo que busca, que realmente te importe y busques proteger tu trabajo. Esto es un poco loco, sí, pero me hizo aprender mucho y reconectarme con la forma en la que escribía y hacía música instintivamente cuando era más joven. Él nunca para de empujar, lo que genera un ambiente donde se crean cosas increíbles.”

Las manos y talento de Flood y Atticus Ross acompañan al trabajo del omnipresente Johnny Hostile, quien de acuerdo con Jehnny “estuvo involucrado en todo el proceso, tanto en el asiento del productor como en el de compositor y el de arreglista. No hay una canción del disco que no haya tocado.”

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“ i soy militante de algo es de la libertad de pensamiento y de imaginación. Siento que la sociedad y la religión tratan de meterse en tu cabeza y de decirte que hay cosas sobre las que no puedes pensar”

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El resultado es consistente pero a la vez muy variado; en palabras de su creadora, “es un disco muy contrastado, con mucha luz y oscuridad yuxtapuestos. Yo quería tener momentos de belleza pura y otros de violencia y quería que el disco tuviera la sensación de ser un viaje. Esa fue la forma en la que trabajamos el disco con Atticus: queríamos que fuera como una espiral, que en el momento que termina vuelve a empezar, lo que se logra porque la misma voz termina el disco y lo empieza, en una especie de loop interminable.

Creo que es un disco muy complejo, tiene muchas capas, toma varias escuchas el descubrir ciertas cosas. Representa lo complejo que es ser humano y así es la vida como yo la conozco, es muy contrastante. La vida no es aburrida. Siempre hay algo esperándote a la vuelta de la esquina. Y yo quería que no supieras a dónde va cada canción, a dónde te va a llevar.”

Si ese era el objetivo, lo logra cómodamente: el disco es una montaña rusa de sentimientos encontrados que, eso sí, nunca dejan de ser honestos, críticos e incisivos.

El discurso de Jehnny Beth, no sólo en su música sino en todos sus proyectos, es uno de libertad. Donde esto es quizás más evidente es en C.A.L.M. (Crimes Against Love Memories), un libro que escribió entre las sesiones de grabación del disco y que se compone por seis monólogos y seis diálogos. En palabras de Beth, “son personas hablando; obviamente mi visión sobre la sexualidad está ahí metida en todos lados, entre una colección de historias que escuché y lo que aportó mi imaginación. El libro es sobre fantasías y busca presentarte una alternativa a lo que la sociedad te presenta como la única opción: monogamia, familia, cosas que siento que para mucha gente son una prisión.”

Ella admite: “si soy militante de algo es de la libertad de pensamiento y de imaginación. Siento que la sociedad y la religión tratan de meterse en tu cabeza y de decirte que hay cosas sobre las que no puedes pensar. Yo creo que esto es peligroso porque los seres humanos somos contradictorios y tenemos pensamientos contradictorios. El disco habla mucho sobre esto. La humanidad está jalando para dos lados al mismo tiempo.

Siento que cada vez que doy un paso hacia tener más libertad, que me libero de algo, hay en otro lado una persona comprando una pistola. Y me siento un poco responsable; siento que cada vez que yo obtengo más libertad alguien da un paso para el otro lado. También siento que la libertad asusta a la mayoría de la gente, incluyéndome a mí. A veces los héroes son personas que, por su valor, nos hacen sentir que vivimos demasiado tímidamente, sentimos que nuestra forma de pensar y actuar es muy pequeña en comparación con la suya y los culpamos por atreverse. Por eso tantos héroes son malentendidos en sus tiempos y son quemados (literalmente), hasta el día de hoy. Un héroe para mí es alguien que entiende que la libertad no es gratis, viene con un precio. No es la ausencia de reglas, sino lo contrario.”

Da la sensación de que la libertad con la que Jehnny Beth trabajó en este disco tuvo su precio también. Le costó trabajo hacerse vulnerable, exponer sus pensamientos y su mundo interior con el candor con el que terminó haciéndolo, pero hay que agradecer que lo haya logrado, porque nos deja, en mi opinión, uno de los discos del año.

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33 FOT:: Steve Gullick

Grey Daze

Enmendando el legado de Chester Bennington

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34 TXT:: Jonathan VillicaĂąa FOT:: CortesĂ­a del artista

Originalmente este disco se trabajaba con Sylvia Massy (Tool) en 2017, pero ese verano Chester se nos adelantó y no pudo concluir el proyecto. El año pasado de maquetas y viejas grabaciones, el ingeniero y productor Tom Whalley, recupero las grabaciones del vocalista para poder dar vida al disco. Aunque estaba planeado para salir el 10 de abril, el Covid-19 hizo que se posponga el lanzamiento de Amends al 26 de junio.

cumplió con todas las expectativas, incluso superándolas; comenta Sean haciendo memoria de las sesiones de grabación. Para el amigo y socio de negocios de Chester Bennington, dar con Tom fue fabuloso, ya que él no veía este proyecto como algo que le beneficiara, sino más bien compartía la visión de Sean.

El siguiente paso fue echar manos a la obra, sin Chester era imposible regrabar voces de las maquetas y los proyectos de grabación anteriores, por lo que tuvieron que recurrir al material viejo que incluía grabaciones de demos, maquetas y ensayos, para de ahí aislar la voz. Todo esto para que Sean, Mace Beyers y el recién adquirido Christian Davis pudieran completar la música de este proyecto.

Esta colección de 11 canciones abre con “Sickness”, una canción poderosa que me voló la cabeza a la primera escucha, lo que me lleva a comentar con Sean, su visión de Amends ya terminado y listo para ver la luz: “El disco es muy complejo y cada canción tiene su propia personalidad, puedes encontrar la magia de Chester en cada una de ellas y disfrutar como Chester tenia un amplio abanico de formas para comunicarse, podía cantar de una manera muy triste, pero a la siguiente canción hacerlo con un poder sorprendente, y de esa manera el viaje a lo largo del disco te va llevando de la mano, en canciones que son muy diferentes, y puedes encontrar rock, grunge, pero sobre todo mucho poder”.

Eso me lleva a preguntar luego de tener el disco listo ¿por qué decidió posponer el lanzamiento del disco con la aparición del nuevo coronavirus? Por lo que me explica: “Fueron dos cosas, la primera fue un problema de logística, debido a la pandemia nuestro sello tiene a la gente trabajando desde casa y no se dan abasto con la cantidad de trabajo, las fabricas pararon y no podíamos producir discos físicos, y además los envíos están detenidos así que no podrían llegar a tiempo, en cuestión de logística no había forma de salir. Por otro lado, haciendo conciencia, estos días no están como para hacer una fiesta estando en medio de un huracán, preferimos en conjunto, todo el equipo, ser solidarios, y esperar a un mejor momento para poder disfrutar este lanzamiento a la memoria de Chester y así poder celebrar su legado”.

Ahora a sabiendas que el tercer disco de Grey Daze estará disponible el 26 de junio me interesa saber si hay planes para montar un show en vivo con invitados o alguien que sustituya a Chester y me llevo una sorpresa, Sean me responde: “Por un lado este disco es un homenaje a la memoria de Chester, por lo cual en ningún momento está considerado reemplazarlo o hacer shows o una gira con un vocalista que ocupe su lugar en la banda. Por otro lado me comenta que si los llegan a invitar como Gray Daze a un tributo u homenaje a Chester, y solamente bajo ese contexto, podríamos hacer un show en memoria de él con participación de algún cantante invitado, quizá para algún festival o para alguna cosa muy puntual pero solamente como un tributo a Chester”.

Para cerrar la charla, ya que estamos emotivos recordando a Chester, le pregunto al baterista por el recuerdo que más atesora de su amigo, lo cual lo lleva a tomar una pausa para pensar, y evocar la memoria, mientras divaga encuentra dos puntos clave, lo primero que le viene a la mente son los viajes, y particularmente los viajes a México que hicieron juntos, ya que me confiesa que muy seguido tomaban carretera para bajar a playas mexicanas, y siempre esos viajes estuvieron llenos de risas y eran momentos mágicos para ellos. Pero también me confiesa que los ensayos y el tiempo en el estudio era algo que los unía y siempre la pasaban muy bien.

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odos conocemos a Chester Bennington como el vocalista de Linkin Park, pero en los 90 y antes de llegar a esta banda, lanzó dos discos con Gray Daze, un proyecto en su momento catalogado dentro de la escena grunge formado por Chester y su amigo, socio de negocios y baterista, Sean Dowdell.

Sean Dowdell logró materializar el tercer disco de la banda de forma póstuma, Amends. Que ha sido un viacrucis para el baterista, luego de que en 2017 Chester se dio un tiempo para trabajar el disco, luego de acordar una reunión de la banda para celebrar el 20 aniversario del disco No Sun Today. Después de la reunión de la banda, planearon lanzar un disco nuevo ese año para celebrar el aniversario de la cadena de estudios de tatuajes que abrieron Sean y Chester. Lamentablemente ese verano se nos adelantó el vocalista, pero para enmendar el legado de su socio, Sean terminó el disco.

Para ahondar en Amends pude platicar telefónicamente con Sean, un tipo humilde, sencillo y con gran corazón.

La charla se llevó a cabo a principios de mayo, donde los fallecidos por el nuevo coronavirus ya superaban los 200 mil a nivel global, y hay casi 4 millones de casos confirmados, además justo esos días algunos condados de la Unión Americana retomaron actividades para reactivar la economía, por ello no pude dejar pasar la ocasión para preguntar, cómo se siente el ambiente en su natal Arizona, en donde se encontraba Sean, que vive medio tiempo en Las Vegas y la otra mitad en Phoenix, de donde tomó la llamada.

El baterista y tatuador me platica que es un momento difícil, muchos negocios están comenzando a abrir de nuevo y hay mucha incertidumbre, él espera que esto pueda pasar pronto, por el momento prefiere no platicar mucho del tema, por fortuna él y su familia se consideran privilegiados ya que hay gente sin acceso a comida, y que se han quedado sin casa.

Para romper el hielo, luego del momento de tensión coyuntural, me interesa preguntar a su percepción cómo ha cambiado la forma de grabar y lanzar música desde que salió el segundo disco de Gray Daze, en 1997, en comparación con ahora. Por fortuna no es ajeno a la situación de la música actual, ya que cuenta con más proyectos musicales que lo han mantenido activo, como Waterface. Pero para este disco venidero técnicamente lo que más trabajo le dio, fue poder re-imaginar estas canciones para que puedan sentirse frescas, y no como piezas de otra época, ya que algunas canciones fueron maqueteadas y escritas en los 90.

En 2017 Chester y Sean planeaban el regreso de Grey Daze, cuando el cantante tendría un descanso de Linkin Park, por lo que convocaron a la ingeniera de grabación y productora Sylvia Mazzy, que ha trabajado con Tool, Johnny Cash, Prince, y Tom Petty, entre muchos más. Lamentablemente ese verano, el 20 de julio, el mundo de la música se estremeció con la noticia de la muerte de Chester.

Por fortuna la historia de Grey Daze no terminó ahí, y el verano de 2018 Sean convoco a sus compañeros de banda, quienes llegaron a un acuerdo, terminar ese disco incompleto como un homenaje a su fallecido amigo. Pero se encontraron con un problema, el encontrar a la persona indicada para recuperar y dar forma al legado de Chester de la mejor forma, alguien que fuera lo más humano posible, con gran corazón, y que pensará más en el tributo que sería lanzar el legado del cantante con la banda, que en la explotación comercial, y en lo económico.

Buscando opciones, Sean dio con una leyenda de la industria, un genio dentro de Loma Vista Recordings de nombre Tom Whalley, que

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Alison Mosshart

Las diferentes formas del arte

TXT:: Nydia Valerio FOT:: David James Swanso

Sé que has trabajado con diferentes músicos durante tu carrera, pero tu próximo material tendrá solo tu nombre, ¿cuál es la diferencia entre trabajar con otros músicos y trabajar contigo misma?

Con este par de canciones no hubo mucha diferencia, realmente. Trabajé con diferentes músicos y productores para lograr las guitarras de Rise.

La única verdad absoluta que tienes es que tú escribiste la canción y que conoces la forma que quieres darle. Luego puedes mostrar qué quieres que suceda. Amo trabajar con otras personas, amo el proceso, mi cosa favorita en el mundo es trabajar con otros porque siempre van a pensar en cosas que a mi nunca se me hubieran ocurrido y es genial. Pero no hay muchas diferencias, para ser honesta. ¿Crees que este es el inicio de un álbum solista?

No lo sé, realmente no lo sé. Justo ahora estoy trabajando en un álbum de The Kills junto con Jamie (Hince) así que ese es el siguiente paso para mi, pero nunca se sabe, nunca sabes cuando puedes estar en el estudio de nuevo, amo grabar y componer música así que podría suceder pero sólo un paso a la vez.

Imagino que Jamie ya escuchó tus nuevas canciones. ¿Qué opina de ellas? Él realmente me apoya, más que nadie que yo pueda recordar ahora. Él es el tipo de persona a la que puedo llamar y decir “oye, ¿puedes venir al estudio y grabarme una guitarra loca e interminable?”, y decir que sí.

Da comentarios muy avanzados e increíbles. Jamie y yo somos tan cercanos, hemos estado llamándonos para mostrarnos todo lo que creamos diciendo “¿cuál es el trabajo de hoy?”. Cualquier cosa que hagamos, obviamente la compartimos el uno con el otro.

Ahora que comentas que tú y Jamie han trabajado en nueva música para The Kills, ¿qué planes tienen para la banda?

Bueno, estamos en el medio de una pandemia, nosotros esperábamos tocar este año, pero sabes, por ahora sólo es escribir, grabar en algún momento, tal vez al final del año. Veremos si es posible movernos a algún sitio. No lo sé, no creo que la música en vivo vaya a suceder en algún tiempo, pero veremos el nacimiento de un nuevo mundo, ¿no? ¡No tengo idea!

Recuerdo que hace dos años viniste a México para presentar tu exposición Side Effect, ¿has estado pintando recientemente? ¡Sí! No tengo un plan para eso tampoco porque la gente no puede ir a las galerías ahora mismo, eso es un poco difícil, pero espero encontrar un modo de exhibirlas porque estoy acumulando muchas aquí. Ya veremos. ¿Crees que es diferente tu proceso creativo al momento de componer canciones y cuando pintas?

Sí, es diferente. Pienso que pintar es como estar aislado, se siente como una misión en solitario. Aun así, es la misma parte de mi mente y mi corazón. Quiero decir, es la misma necesidad. Es como un impulso que viene del mismo lugar. Es como un animal con diferentes caras. Pero sí, tocar en vivo y tener una exposición son cosas totalmente diferentes, se sienten totalmente diferente. Cuando tienes una exhibición generalmente estoy en una esquina pero me siento en el cielo. Amo el arte, amo la comunidad y amo como un grupo de gente viene para sentir algo todos juntos, eso es realmente especial y es algo que me encanta.

Como artista, ¿hay algo que aún te falte o necesites hacer, además de la música y la pintura? ¡Hay un montón de cosas! Quiero decir, realmente me gusta escribir, me gusta la fotografía y el video, hay demasiadas cosas que suelo hacer que me gustan tanto como la música, y definitivamente no quiero esperar más tiempo para hacerlo. Creo que es como un impulso de creatividad, que me empuja a hacer y comunicar. Me hace muy feliz y me hace sentir muy bien. ¿Qué piensas sobre las diferentes acciones que agencias y organizaciones en diferentes partes del mundo están haciendo para ayudar a la industria musical en medio de la crisis sanitaria actual?

Bueno, creo que todos necesitamos ayuda. Porque sabes, esta es una industria en la que sobrevivimos actuando para la gente, y tocando durante giras alrededor del mundo. Creo que va a ser difícil que la industria del entretenimiento se recupere incluso físicamente de esto.

A pesar de la pandemia mundial, ¿crees que el aislamiento te ha traído algo positivo?

Bueno, sí, ha sido bueno. Me siento casi culpable ahora hay tantas cosas en las que había querido trabajar pero no había tenido la oportunidad y en las que ahora ocupo la mayoría del tiempo, pero sé que muchas personas en el mundo están sumergidas en preocupaciones, estrés y que realmente no pueden esconderse de eso. He hecho cosas que me hacen feliz, siento que hice esta búsqueda en un momento oscuro. Quiero decir, hago las cosas que me hacen ir hacia delante, enfocada en lo positivo, aunque todo alrededor sea doloroso. Como todas las personas, trato de mantener la cabeza por encima del agua, lleva mucho tiempo y mucha energía, e implica cosas que no sientes en el momento, pero hay que seguir intentando.

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S

i buscamos en internet una lista de mujeres descatacas en el rock es muy probable que encontremos a Alison Mosshart ocupando un puesto en más de un sitio. Con más de 20 años de carrera, la respalda su trabajo con The Kills y The Dead Weather, sus proyectos más populares, y sus múltiples colaboraciones con bandas como Placebo, Primal Scream, Arctic Monkeys, Cage the Elephant, entre otros.

Este 2020, la artista lanzará su primer material en solitario, un 7” que se estrenará el 31 de julio próximo y contendrá sus más recientes sencillos ¨Rise¨ (como parte de la segunda temporada de la serie Sacred Lies) y ¨It Ain’t Water¨. Así como su primer photo book, Car Ma, con fecha de publicación para el 11 de agosto.

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38 Ludwig Gรถransson

El nuevo compositor favorito del cine

TXT:: Francesc Messeguer FOT:: Ausin Hargrave

Wonder Woman 1984, la secuela de Top Gun, la nueva entrega de James Bond y, por supuesto, Dune. Pero no en todas ellas se ve la misma injerencia de Zimmer.

Aunque ciertamente estamos frente a una figura con toda la experiencia del mundo del otro lado vemos a la nueva cara fresca de la música de cine, no es que Zimmer sea suplantado por Göransson en TENET. Más bien estamos ante un pase de batuta de una generación a otra, cuya manera de aproximarse a la música de cine es bastante similar.

Si se mira de cerca, ambos compositores tienen bastante en común.

Ambos son de origen europeo –Zimmer es alemán y Göransson, sueco– y llegaron a Hollywood con un background en la música popular. Por lo que, además de su trabajo en el cine, mantienen su contacto con el pop.

Zimmer colabora constantemente con artistas como Pharrell Williams, para películas como Hidden Figures (2017) y The Amazing Spider-Man 2 (2014), y aparecieron juntos tocando “Happy” en la ceremonia de los Grammys de 2015. Göransson, por su parte, produjo junto con Donald Glover –también conocido como Childish Gambino–, la poderosa canción “This is America”, multiganadora en los Premios Grammy del año pasado, donde se llevó, los premios a Canción del Año, Mejor Video Musical, Disco del Año y Mejor Interpretación de Rap. Ambos tuvieron un acercamiento similar al momento de producir los scores para The Lion King y Black Panther, ambos hechos con una influencia muy importante de música y artistas africanos, lo que los llevó a ganar el Óscar a Mejor Música Original, en 1992 y 2018, respectivamente.

De manera interesante, dos proyectos de ambos compositores programados para este año parecen estar atados: la nueva película de James Bond, No Time to Die y, por supuesto, TENET. Con el anuncio de que la próxima entrega de 007, cambiaría su fecha de estreno de abril a noviembre de 2020 como medida de prevención ante la amenaza del COVID-19, se inauguró una desafortunada racha en que películas, festivales, producciones cinematográficas y salas de cine a lo largo del planeta pararon labores. Ahora que se ha publicado el nuevo tráiler de TENET, se confirma la insistencia de Christopher Nolan durante estos meses por estrenar la película en salas de cine el 17 de julio de este año.

Como si la historia de ambas películas –en las que está en juego, como en cualquier film de espías, el destino del mundo– reflejara nuestra propia situación. Y a juzgar por el panorama que nos ha dejado la crisis emanada del COVID-19, ciertamente una película como TENET, en la que lo que está en juego es la supervivencia de la humanidad, nos puede servir como un punching bag para alentarnos como especie a salir adelante ante nuestra propia amenaza fatal.

Pero en todo caso, ¿a qué suena la música del fin del mundo? El musicólogo Nicholas Reyland llama al estilo Zimmer, que escuchamos en infinidad de películas de acción, el “clasicismo corporativo”, en el que carece de contenido melódico y temas memorables pues se privilegian las texturas, los grandes ensambles de percusiones y sintetizadores para musicalizar lo que vemos en pantalla, como Inception otra película de Nolan con influencias de Bond. Pero no estoy diciendo que Ludwig Göransson sea el nuevo Hans Zimmer. Quizás para los puristas de la relación Nolan-Zimmer, el score de TENET no es la música que merecemos, si tomamos en cuenta la influencia que las seis películas que Zimmer y Nolan han hecho juntos. Pero tal vez el score de Göransson nos brinde la oportunidad de reflexionar sobre nuestra propia mortalidad. Tal vez sea la música que necesitamos ahora mismo.

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E

n marzo de 2019, se reveló la gran noticia: Christopher Nolan no trabajaría con Hans Zimmer, uno de los compositores más prolíficos de Hollywood, para su próxima película, TENET. En su lugar, sería Ludwig Göransson el encargado de escribir el score original para el nuevo blockbuster del director inglés.

En su momento, las implicaciones se antojaban enormes. Nolan comúnmente trabaja con miembros del mismo cast and crew, como el actor inglés Michael Cane o el editor Lee Smith. Prescindir de uno de sus grandes colaboradores como Zimmer, quien incluso fue nominado al Óscar a Mejor Música Original por Inception (2010), Interstellar (2014) y Dunkirk (2017), películas en las que la música jugó un rol fundamental, dejó en desconcierto a muchos.

A los pocos días, empezó a circular el meme de “distracted boyfriend” –aquella imagen en la que un hombre camina con su pareja por la calle y mira a otra mujer que les pasa de lado– con los rostros de Nolan, Zimmer y Göransson sobre impuestos.

Al fondo, la narrativa que se intentaba condensar a partir de la noticia y del meme era la de alguien que, en la cima de sus posibilidades, deshecha a su pareja por otro esencialmente más joven y llamativo.

Algo así como Christopher Nolan deshaciéndose de Hans Zimmer –un compositor que, a pesar de seguir rompiendo fronteras para la música de cine, tiene más de 30 años de trayectoria–, para darle el trabajo a Ludwig Göransson, la nueva cara de Hollywood.

La verdadera razón por la que Hans Zimmer y Christopher Nolan no trabajarán juntos en TENET es por la nueva adaptación cinematográfica de Dune, la gran novela de ciencia ficción de Frank Herbert, que Denis Villenueve está llevando a cabo, y cuyo estreno se prevé para finales de este año. Zimmer se posicionó como el compositor de cabecera de Villenueve, después de su colaboración para el score de Blade Runner 2049. Cuando se trató de escoger cuál sería su nuevo proyecto, la decisión ya estaba un poco tomada: “Dune es uno de mis libros favoritos de la adolescencia. Es algo que tengo que hacer, Chris (Nolan) lo entiende y además todo va a salir bien. Ludwig y yo somos amigos, pero más allá de eso, él es muy bueno, realmente bueno”, lo que dijo a Collider.

Ciertamente, Ludwig Göransson es uno de los compositores más interesantes y aclamados del Hollywood de hoy. Su trabajo con Black Panther (2018) le valió el Óscar a Mejor Música Original. Hizo Venom, una de las películas más taquilleras de hace dos años. Fue el encargado de revitalizar la música de la saga de Rocky, con Creed y Creed II. Y el score que compuso para The Mandalorian ha sido aclamado por darle un aire de frescura a un universo de Star Wars compuesto por 40 años de extraordinaria música orquestal a cargo de John Williams.

Por otra parte, que Hans Zimmer haya escogido el proyecto de Villenueve sobre el de Nolan tiene implicaciones interesantes, si tomamos en cuenta su forma de trabajo, la influencia que tiene sobre el mundo de la música para cine, y el número de películas en las que participa por año. Zimmer y su estudio Remote Control Productions lo han hecho, esencialmente, todo. A lo largo de los años y a partir de una dinámica laboral de discípulos que se van haciendo de su propio nombre, han hecho música para Los Simpson (desde 2017), Star Wars, los universos cinematográficos de Marvel y DC, la franquicia de Misión Imposible, shows de la BBC y Netflix, películas animadas de Dreamworks, entre muchos, muchos otros.

Esto es lo que hace que el nombre “Hans Zimmer” pueda participar y aparecer en tantos proyectos al año, porque dependiendo de la importancia que estos tengan para el compositor, es su intervención.

Tan solo para 2020, el nombre “Hans Zimmer” aparece en seis películas distintas, producidas por estudios diferentes. Entre ellas, destacan

A24

Cine analgésico para un mundo herido

N

adie podrá negar que este año se ha encontrado regido por un ánimo de incertidumbre el cual pareciera extender su presencia sobre cada una de las instituciones que anteriormente se habían antojado como sustentos invencibles de la experiencia humana contemporánea. Ante este panorama sólo quedan dos opciones viables: sucumbir a los estragos del desastre, o aceptar que el mundo que anteriormente había servido de nicho para nuestra cotidianidad demanda a gritos una reorganización contundente con respecto a sus métodos de producción. Por supuesto, dentro de dicha revolución el cine se destaca como una fuerza inconsciente capaz de proclamar la llegada de nuevos horizontes tanto físicos como espirituales.

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HÉROES ANÓNIMOS A pesar de que hoy en día el formato cinematográfico se destaca como una de las estructuras discursivas más potentes y globalizadas, resulta evidente que su afianzamiento como lenguaje artístico estuvo marcado por la osadía de distintos rebeldes del celuloide quienes en su momento no dudaron en poner en riesgo su integridad monetaria y psicológica mediante notables actos de temeridad que, si bien muchas veces no fueron recompensados durante su contexto, cimentaron las bases de aquellos rasgos paradigmáticos que hoy en día definen a la experiencia fílmica. A24, productora independiente nativa de Nueva York, destaca actualmente como una de las principales herederas de este ánimo de arrojo creativo.

No es ningún secreto que el acto de producir cine de naturaleza alternativa es una actividad que podría considerarse de “alto riesgo”. Lejos de abogar por los sistemas mercantilistas del formato de masas, aquellos creativos quienes optan por generar proyectos anti-convencionales generalmente se descubren a sí mismos sumidos en una carrera contra el tiempo que implica hacer auténticos milagros con los recursos más paupérrimos.

Es precisamente a través de dichas posturas alquímicas que A24 se ha transformado en un referente por excelencia de aquellos procesos sensibles que liberan al dispositivo fílmico de su frialdad institucional para revestirlo de un nuevo halo de calidez que le permite entablar lazos decididamente inéditos con el espectador.

Surgida en el 2012, esta casa productora se hizo notar tempranamente gracias a su asociación con directores como Sofia Coppola (The Bling Ring) y Harmony Korine (Spring Breakers), mismas leyendas del indie quienes vieron en A24 un nicho cuya frescura innata resultaba de lo más irresistible.

Sin embargo, a pesar del estatus de autoridad alcanzado gracias a estas participaciones, no cabe duda de que el rasgo que definió de manera absoluta a A24 fue su proclividad a reclutar directores de vena revolucionaria quienes pronto se caracterizaron por desplegar modelos narrativos y estéticos que se distanciaban marcadamente del cine hollywoodense.

Es de esta manera que nos encontramos con una notable trayectoria filmográfica la cual incluye auténticos clásicos del cine contemporáneo como: Enemy (Denis Villenueve), Locke (Steven Knight), The Florida Project (Sean Baker), A Ghost Story (David Lowery), Room (Leny Abrahamson), Amy (Asif Kapadia), Lady Bird (Gretta Gerwig), Climax (Gaspar Noé), High Life (Claire Denis), Eight Grade (Bo Burnham), First Reformed (Paul Scharader), Swiss Army Man (Dan Kwan y Daniel Scheinert), Under the Silver Lake (David Robert Mitchell) y Mid 90’s (Jonah Hill).

Mención aparte merece Moonlight de Barry Jenkins, cinta que, tras llevarse el Óscar a mejor película en 2017, dejó en claro que la historia recompensa a los osados.

SALTO HACIA EL FUTURO A pesar de que A24 ha reformulado las capacidades de sujeción que son características del formato fílmico clásico, vale la pena destacar que esta productora también se encuentra preocupada por las potencias innovadoras que son consustanciales a las nuevas plataformas de consumo.

Ejemplo de dicho asunto es la colaboración gestada recientemente junto con Netflix para el lanzamiento de esa pieza de culto inmediato que es Uncut Gems.

Es en este punto en el que A24 hace gala de un punto de equilibrio sumamente afilado el cual conserva el carácter transgresor del cine independiente mientras que, de forma simultánea, alimenta sus capacidades de distribución mediante los procesos comunicacionales más actuales; fenómeno que nos recuerda que el cine no es otra cosa sino un formato plenamente mutable cuyos procesos de distribución se adaptan de forma casi instintiva a los despliegues técnicos de cada época.

Uno de los principales aliados en esta situación es la recién surgida Apple TV+, plataforma on demand la cual próximamente contará con los estrenos exclusivos de algunas de las propuestas más recientes de A24 como son Boys State, The Sky is Everywhere y On the Rocks; siendo esta última el regreso de Sofia Coppola al puesto de directora.

Una vez que esta suerte de “suspensión social” por la que nos encontramos atravesando sea superada mayoritariamente, la humanidad se enfrentará a un mundo inédito que demandará una reconstrucción de todos sus niveles culturales. Es precisamente en este punto en el que la existencia de proyectos como A24 se vuelve un asunto de vital importancia debido a su carácter plenamente propositivo, misma postura que podría traducirse en el avistamiento de un nuevo orden que, aprovechando la crisis de los modelos hegemónicos de antaño, ponga al descubierto alternativas decididamente emancipadoras.

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Surgida en el 2012, esta casa productora se hizo notar tempranamente gracias a su asociación con directores como Sofia Coppola (The Bling Ring) y Harmony Korine (Spring Breakers).

OTRA VUELTA DE TUERCA La filosofía propositiva de A24 la ha transformado en la reformadora por excelencia de distintos cánones fílmicos; sin embargo, no cabe duda de que una de las estructuras estilísticas que más se ha visto nutrida gracias a esta compañía es el terror, género que prácticamente fue rescatado del océano de mediocridad en el que se había sumergido durante los últimos años gracias a la oportuna intervención de distintos directores quienes, por momentos, parecen recuperar la ideología plenamente sugestiva de movimientos como el expresionismo alemán y el impresionismo francés.

Es de esta manera que nos encontramos con notables conceptos discursivos como la ciencia ficción de carácter inquietante de Jonathan Glazer (Under the Skin), el folclor plenamente siniestro y visualmente afilado de Robert Eggers (The Witch, The Lighthouse), la brutalidad subliminal y de tintes esotéricos de Ari Aster (Hereditary, Midsommar), el slasher de temática neonazi de Jeremy Salnier (Green Room) y, por supuesto, el llamado “nuevo horror corporal”, subgénero que ha sido explorado por autores como Yorgos Lanthimos (The Killing of a Sacred Dear), Kevin Smith (Tusk) y Patrick Strickland (In Fabric).

El estilo artesanal procurado por A24 le devuelve al cine de carácter siniestro su autoridad como explorador hipersensible de la condición humana, misma propuesta que deviene en un ejercicio casi espiritista que contrasta de forma abierta con la fugacidad desechable de las metodologías jumpscare popularizadas por mercaderes del miedo como James Wan.

Abdul Vas Asumiendo el Universo de AC/DC TXT:: Clara Van Jonker & Alexis Callado FOT:: Gonzalo Bullรณn

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A

ado de las modas y tendencias pictóricas, que se reproducen de forma estéril y pueril, Abdul Vas fusiona la fuerza rítmica y originalidad musical de la banda australiana AC/DC con propuestas de una intensidad única.

Desde sus primeras obras, fechadas en 1999, hasta el día de hoy se ha mantenido fiel a ese impulso esclarecedor que se dirige hacia un único fin preciso; venerar la banda de rock más grande de todos los tiempos.

También ha orientado parte de su atención estética y su búsqueda poética hacia el street art logrando establecer una relación vital con el punk rock y el skate art. Sintiéndose cómodo en esos registros estéticos, su trabajo tiene que ver con el despliegue de lo ya conocido en perfiles imaginativos y claros. En consecuencia, lo nuevo no podría ser nunca absolutamente una innovación sino una continuación, con medios visuales, de lo grandioso y extraordinario. La forma en que el artista reúne elementos individuales, desde todos sus intereses estéticos, para formar ese todo nuevo se materializa gracias a la yuxtaposición de imágenes e ideas que generan una atmósfera perturbadora que oscila entre lo abstracto y lo narrativo, lo expresivo e icónico, técnicas complejas y otras muy simples y crudas.

Asumiendo el universo de AC/DC como suyo y conjugando los elementos estéticos de la cultura de masas presentes en los grandes conciertos de la banda, con su particular visión poética de la realidad, Vas logra generar una visualidad donde la agresividad y elegancia de los músicos australianos y el virtuosismo de sus riff se entroncan con las bifurcaciones de sus complejas referencias, permitiéndonos llevar los emblemas del deseo y libertad en alto, en contraposición con las formas creativas impostadas que no asumen ningún riesgo y carecen de toda ambición de trascendencia.

Por eso en el imaginario de Abdul Vas y su profusa creación de signos y narrativas (en sintonía perenne con el fascinante mundo Kippenland en donde los pollos dirigen y controlan los flujos comerciales inter-galácticos) , las giras y los conciertos de la banda australiana tiene una importancia relevante al referenciar con su trabajo cuestionamientos sobre la manera de abordar nuevas visiones en la configuración mitológica del rock and roll, el street art y su influencia en la cultura visual contemporánea. Vas retrata estos ídolos de masas como pollos en escenarios y con públicos delirantes y los coloca en su verdadera dimensión de opulentos potenciadores de una cultura diferenciadora ávida de un centro emancipador y de venganza redentora.

Las propuestas estéticas de Abdul Vas reflexionan sobre el ejercicio de una práctica artística enlazada a la ejecución de una misma operación de vínculo indestructible, de veneración y entrega humilde a su unificación a partir del hecho estético. Llegando a equiparar el acto pictórico con la fuerza que se tiene al entrar a un estudio de grabación para realizar un álbum.

Re-presentación y presentación de un deseo constante de mostrar una grandeza revitalizada y valorada exponencialmente hacia una dedicación constante por resaltar la potencia de sus obsesiones en el mundo de AC/DC y de todas sus temáticas en general.

La amplia riqueza visual del conjunto de su obra es el punto de partida perfecto para cuestionar los límites de lo existente, comprometerse con un mundo desconocido y desarrollar un genuino interés por las ideas y la imaginación.

Abdul Vas web y instagram; www.abdulvasacdc.com @abdulvasacdc

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43 Red Bus Hype, 2007

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CLAUDINE

AMOR Y LOCURA EN TIEMPOS DE ENFERMEDAD

TXT:: Oscar G. Hernández

CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA REPORT

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a Organización Mundial de la Salud (OMS) es tópico inevitable en estos tiempos, la situaciones que la ponen en cuestión son enormes así como las que la favorecen, el asedio mayor sobre este organismo son los ataques del presidente de los Estados Unidos Donald Trump, quien culpó a la Organización del mal manejo de la pandemia y le retiró fondos al inicio de los confinamientos. Recientemente la amenazó con retirarle fondos de manera permanente.

Los cuestionamientos sobre la OMS son sobrados pero al final es el único organismo internacional a considerar como autoridad en esta situación. Al final también esta organización es el resultado de la cultura internacional que prevalece en el mundo sobre la idea de salud mundial.

Uno de los sucesos que se conmemoraron durante este primer confinamiento del siglo XXI, estuvo fuertemente ligado a la OMS, en esta ocasión no tenía que ver con la pandemia actual, más bien con la celebración de los 30 años en que la Organización dejó de considerar como una enfermedad mental a la homosexualidad. El dato parece brutal en este contexto. Podemos decir que solo una generación en occidente, ha crecido sin el estigma de ese prejuicio ya que aún hoy existen 69 países donde la homosexualidad es ilegal y en 12 tiene condena de muerte. El año pasado un estudio demostró que la homosexualidad no estaba ligada a la genética. La Organización Mundial de la Salud consideró la homosexualidad como enfermedad mental desde que fue fundada en la recién terminada Segunda Guerra Mundial en el año 1948.

Con esta información solo podemos pensar que esta organización corresponde a sus tiempos y finalmente sin duda le han dado forma y lineamientos la cultura y políticas de los países que la conforman.

Es un hecho también que el arte suele adelantarse a su tiempo, en las obras de narrativa gráfica que abordan el tema de la homosexualidad, tenemos un manga de nombre Claudine escrito y dibujado por Riyoko Ikeda. Este manga retrata la vida de Claudine, una chica educada y maravillosa que desafortunadamente se encuentra en el cuerpo equivocado ya que ella en realidad se considera un hombre.

El relato de este manga es elegante y bien cuidado, su autora Riyoko Ikeda desarrolla una historia en el París de inicios del siglo XX, un siglo que al igual que este iniciaba y del cual vendrían grandes cambios.

La vida de Claudine como la de cualquier persona en su condición en aquella época, no ofrecía muchas opciones e inevitablemente solía estar cubierta de tragedia. A pesar de este elemento constante la novela se desenvuelve con bastante gracia y delicadeza.

La capacidad de Ikeda para construir un andamiaje donde el lector es llevado por una historia de amor y romance hace que en la mayor parte de libro, el lector olvide por completo que el tema principal es la homosexualidad. Es el amor y desamor lo que constituye el gran cuerpo de la esta historia. Claudine por supuesto sería tratada como enferma mental, sin embargo no hay violencia, ni un ápice de vulgaridad en todo el relato, eso lo hace maravilloso y espeluznante al mismo tiempo; El efecto de esta forma de elaborar la novela da la sensación de que el asunto no tiene la mayor importancia, o simplemente en las palabras del psiquiatra de Claudine: “Sí, eres un hombre… sólo que tu cuerpo no es el adecuado.”

La trascendencia de este libro, ofrece un sin número de vertientes por un lado es uno de las primeras obras en meterse en temas de transexualidad, hoy día es común el abordaje del tema. La obra data del año 1978 su dibujo y estética corresponden totalmente a esa época, y aunque el dibujo de Ikeda tiene mucho movimiento y expresión, conserva la escuela marcado por Osamu Tesuka; resulta fácil percibir los años en que fue trazado, algo que es un aporte al leerlo ya que la sensación de esas líneas y texturas hace que realmente nos traslademos en el tiempo.

Riyoko Ikeda es de las primeras grandes autoras mangakas, miembro del famoso Grupo del 24, artistas mujeres que promovieron la emancipación femenina en Japón, abordando temas complejos no vistos en el manga que se publicaba para las mujeres. Su obra más conocida es La Rosa de Versalles, que ha sido llevada a series de anime, al cine de live action y al teatro.

Cuando Claudine fue publicada faltaban más de 20 años para que la Organización Mundial de la Salud dejara de considerar a la homosexualidad como una locura, como una enfermedad que debería ser curada.

Hoy esta obra rebasa los 40 años y es de una vigencia admirable. En el underground y clavadez del manga es considerada de culto, nunca ha sido publicada en español, fueron los fans quienes se dedicaron a traducirla y hacerla circular. Esto nos hace pensar que pareciera que aún a la distancia con que Claudine fue creada se sigue manteniendo oculta y alejada como un tabú que no debe ser tocado.

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MARCO CABALLERO CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA REPORT

46 Desde temprana edad mostró habilidades excepcionales para mentir patológicamente, desvelarse y resignarse ante la precariedad económica. Vive sólo, en la Ciudad de México, no tiene plantas ni mascotas. Su única compañía es una voz que le recuerda que hacer cómics es la única manera sensata de pasar su tiempo. Que lo demás, es lo de menos.

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47 Instagram: marco__caballero

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48 Angus Young AC/DC Rocks, 2015

Abdul Vas Ilustrador | Instagram: @ abdulvasacdc

EVITA EL EXCESO, www.alcoholinformate.org.mx, No de Permiso 193300201A0416

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