Revista Marvin 81:: animales

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Colaboradores en este número:: Benjamín Acosta, Lenin Calderón, Andrés Díaz, Arthur Alan Gore, Carlos Gutiérrez, Óscar G. Hernández, Juan Carlos Hidalgo, Jorge “negro” Hipólito, “El Jergas”, Juan Patricio Riveroll, Beto Rojas, Pablo Segovia, Rafael Toriz, Julian Woodside, Regina Zamorano.

Fotografía: Nicole A. Klinckwort.

Marvin TV: :: Pedro Velasco pedro@lphantfilms.com :: Pablo Segovia pablo@lphantfilms.com

mayo/2010

editorial

Porque el mundo está lleno de animales.

Los humanos usamos descaradamente al resto de animales que pueblan la tierra para definirnos como dominadores, pero también para explicarnos a nosotros mismos como especie.

Nos fabricamos peines y chamarras con sus cadáveres, los hacemos hablar en películas para niños donde las moralejas no son tan inocentes y los convertimos en causas abrazables por la gente cool.

Desde siempre, la literatura ha creado bestiarios para intentar explicar nuestros comportamientos y al parecer, la música ha emulado esta idea con bandas y discos animaloides que tratamos en encontrar en esta edición. Que lo disfruten.

Humberto Polar.

Responsable de distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calzada de Tlalpan 572, desp. C-302 Col. Moderna. C.P. 03510.

Benito Juárez, México D.F. Tel: (0155) 5618 8551 Mail: jnuno15@yahoo.com.mx Representantes en el interior de la República Aguascalientes :: Lic.Blanca A. Jiménez blancaajr@hotmail.com Puebla :: Ricardo Cartas Figueroa ricardocartas@revistamarvin.com :: José Antonio Flores Cabrera joseantonio@revistamarvin.com Tijuana Radioglobal :: Jesús Antonio Lopez Rojo jesus@revistamarvin.com :: Manuel Cabrera manuel@revistamarvin.com Pachuca :: Nayely Olvera nayely@revistamarvin.com Imprenta :: Compañía Impresora El Universal Allende 176. Col Guerrero. México DF. Tel. 5117 0190

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Edición 80 correspondiente a: abril 2010. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.

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quiénes somos

Erick Estrada Al pasar todos los sábados de la infancia en la matiné del cine Florida, uno llega a hablar casi exclusivamente de cine. Luego pasas por la UNAM para estudiar Comunicación, se emigra a España con el pretexto de la maestría y arma sesiones cinéfilo–autodidactas en la Filmoteca de Madrid.

Viendo todo así, hasta parece suerte haber escrito en casi todas las revistas especializadas en cine y en La Mosca, en donde me dejaron desahogar mis ansias rockeras escribiendo del tema.

Hoy tengo mi propio medio en Internet, www.cinegarage.com

Fe de erratas:

Rodolfo Zap ata “Fans” del futbol americano, de los discos originales, de la chela bien fría, de las guitarras estridentes y del café bien caliente... Me apasiona la radio y la información, soy periodista por vocación y sarcástico por convicción.

(Las rimas salieron sin esfuerzo) En Marvin colaboro con la columna “El Mundo a Guitarrazos” (que pueden leer en la página de Internet) donde se conjunta la buena música y el acontecer nacional e internacional.

Le pedimos una disculpa al señor Ibe Kikuo, ya que en la entrevista que le hicimos para el pilón de la edición pasada nos atacó la dislexia y escribimos mal su nombre.

índice

marvin.com.mx

música

Marvin TV:

16 She’s a Tease. De Monterrey al Vive Latino.

The Big Pink

18 Julieta Venegas. Canciones de un diario íntimo.

20 Da Punto Beat. El poder del directo.

22 Shout Out Louds. El efecto de la melancolia.

24 Gogol Bordello. Del punk gitano a la internacionalización musical.

26 Caribou. La humedad de lo intangible.

28 LCD Soundsystem. Música para el final de los tiempos.

32 SXSW. Levi’s, presente en el South by Southwest.

36 Animales somos y en el camino andamos.

The Raveonettes

44 en portada MGMT 58 de culto Ian Curtis. La elocuencia del abandono.

66 alter ego Nu, experimentando sin miedo.

cine 50 Daniel & Ana. La psicología detrás de un secuestro porno.

52 el sótano Citizen Welles o la increíble y triste historia de un cineasta en Hollywood.

64 de culto Filmanimals.

Libro de Liros

arte 54 El libro de liros. Guitarristas mexicanos a través de la foto.

58 René Magritte. La Caja de Pandora se abre en Bellas Artes.

62 de culto Breve bestiario del arte comtemporáneo.

de fondo 40 Pasión animal.

42 La nave de Noé.

además 6 Buenas Nuevas. Noticias de música, cine y arte.

11 Ecoglamour.

12 Estilo Tendencias actuales 15 Gadgets Lo último en tecnología 36 La Lógica del Gato 70 Reseñas Música 75Cine 76Libros 77Cómics 78Gamer 79Links 80 El Pilón Andrés Ibarra “Chelito”.

Más Más Más: Rastro Sonoro: Una revisión a los pequeños sucesos que marcaron la pauta para el rock de nuestros tiempos.

Alterego La octava temporada del podcast dedicado a nuestra comunidad electrónica nos entrega un DJ Set de Fede Mina. Descárgalo gratis. síguenos en twitter

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música

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11va Esencia Marvin Capo y Chikita Violenta TXT:: Andrés Ibarra “Chelito”. FOT:: Nicole A. Klinckwort.

Chikita Violenta

Chikita Violenta

Chikita Violenta

Capo

El pasado miércoles 07 de abril, en la ya tradicional Esencia Marvin, Chikita Violenta refrescó su set con nuevos temas de TR33S, su próximo larga duración que verá la luz éste año. Noche de festejo, los motivos sobraban: dos de los integrantes de la banda cumplían años, la presentación marcaba el regreso formal a los escenarios del Distrito Federal y se estrenaba en sociedad Zöell Farrugia, flamante nueva contratación en la batería.

Con un set conciso que mezcló lo mejor de sus producciones anteriores (“War”, “Laydown”, “Undecided”) con una pequeña probada de lo que se viene, la noche se tornó en fiesta cuando todo El Imperial, en brindis colectivo, alzó su caballito tequilero. La noche fue inaugurada por Capo (www.myspace.com/capoband) prometedora banda de la capital, quienes a través de un rock–country–folk que nos hace recordar a Cerati y Zurdok, calentaron los ánimos presentando canciones como “Imposible” y “Es Natural” de lo que será su disco debut Un corazón se quema, el cual se antoja bueno. Una noche en la que la buena música y la buena vibra fueron norma, ¡larga vida a las Esencias!

Chikita Violenta

Capo

Capo

música

J&B y MySpace presentan el Secret Show de The Raveonettes TXT:: Juan Carlos Hidalgo. FOT:: Cortesía de J&B La cita fue el pasado 21 de abril en el Lunario, donde a la entrada había un registro para concursar por el viaje programado para junio a Byblos, Grecia, próximo destino de Start a Party? de J&B. La noche comenzó con el DJ Rebel Cats (Vince Monster), quién calentó los motores para escuchar a The Raveonettes.

La presentación de los daneses fue muy especial, ya que Sune Rose Wagner y Sharin Foo –quienes generalmente se acompañan de dos músicos para las presentaciones en vivo– tuvieron que demostrar que también existen los power dúos, ya que el baterista y el bajista no pudieron llegar a México por las cenizas del volcán islandés Eyjafjallajökull.

El resultado fue un show estuendoso, con capas de feedback y noise, oscuras armonías vocales que recuerdan el rock de los 50 y una selección de rolas que incluyó “Break Up Girls”, “Lust”, “Recharge & Revolt”, “Last Dance”, “Love in a Trashcan” y el genial cover que hicieron de la rolita “100%” de Sonic Youth con Sharin en la batería. En resúmen, se trató de un show memorable, elegante e irrepetible.

Música digital en 8 bits TXT:: Daniel Patlán | LifeBoxset.com

LifeBoxset.com no es una consola, pero es una caja llena de sonidos

Los videojuegos han aportado más que horas de diversión y personajes entrañables difíciles de olvidar. Una de sus más grandes y ahora más valoradas aportaciones es el soundtrack, la música conocida como de "8 bits" que tiene como mayor mérito haber sido programada, no grabada en estudio de manera tradicional.

Esta música de videojuego nació por la necesidad de musicalizar los arcades a bajo costo, ya que los vinilos y casetes, así como los aparatos para reproducirlos tenían un costo muy alto. Además, no era interpretada ni compuesta por algún músico: consistía en ingresar un código creado por un programador para crear esos sonidos que ahora son considerados vintage. Su nombre, 8 bits, apareció porque en un principio las consolas sólo contaban con uno o dos canales de audio, pero con el tiempo mejoraron hasta lograr incluir ocho de estos canales.

The Minibosses y The NESkimos fueron de las primeras bandas en tratar de imitar los sonidos de las consolas con instrumentos reales y, de hecho, hoy la música de 8 bits ha retomado fuerza gracias a proyectos como 8 Bit Peoples de Nueva York y Kupa, así como otros miembros del netlabel Nimbo. Los primeros son un colectivo de artistas y fanáticos de los videojuegos que decidieron juntarse para crear y compartir música de 8 bits; los segundos forman un netlabel del Distrito Federal que sirve de plataforma de promoción y difusión para subgéneros de la música electrónica, como son el dubstep, breakbeat, dub, future dancehall y demás géneros que manipulan de forma electrónica la música afroamericana; sin embargo, el último EP de Kupa, productor capitalino de música electrónica, es una gran mezcla de dubstep y 8 bit, tan sólo basta con mirar su portada pixeleada.

No todo en el 8 bits es música para bailar, la versión más nerd que se ha hecho de la música de Pink Floyd fue realizada por el programador de videojuegos Brad Smith, quien tomó sonidos de la consola NES para reinterpretar en su totalidad uno de los álbumes clásicos de los ingleses, el Dark Side Of The Moon.

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música

¡Fiesta Brava! Playa del Carmen TXT:: Fabiola Herrera. FOT:: Rodrigo Ibarra.

El pasado 2 de abril, Playa del Carmen se llenó de rock. El Instituto Mexicano del Sonido, Silverio, Toy Selektah y Bostich + Fussible de Colectivo Nortec se presentaron juntos por primera vez en esta punta caribeña del país. Gente del D.F., Guadalajara y Monterrey se unierón para conceptualizar, crear y producir Fiesta Brava, con la idea de promover lo que sucede en la escena musical nacional, esto no quiere decir música folclórica regional, sino música hecha por mexicanos con propuesta original y de calidad. La fiesta termino y todos los que estuvimos trabajando para producirla nos quedamos realmente satisfechos y sabiendo que marcamos un precedente en la forma de escuchar y ver música en la Riviera Maya. Preparandonos para traer más de lo que sucede en nuestro país.

Cl u b S o c i a l Fra y B er n a rd i n o Porque nunca habrá suficientes lugares para escuchar rock en vivo

Nunca habrá suficientes lugares para escuchar rock en una ciudad tan grande como el D.F. Por ello damos la bienvenida al Club Social Fray Bernardino, un nuevo foro cultural que presentará lo mejor de la escena rock, indie y electro-rock mexicana e internacional, combinado con eventos de arte, teatro y moda. Durante el día, el foro será además un espacio para pre-venta de boletos para conciertos, venta de música independiente y merchandising. El lugar abre en mayo, y en ese mes habrá presentaciones de Hello Seahorse!, Loo & Placido (Francia), Paté de Fuá, Silverio, JD Samson –Le Tigre Dj set– (NY), Liquits y No Somos Machos... PSM, entre otros.

Club Social Fray Bernardino Yucatán 141, Col. Roma Norte 55.29.78.08.39 www.myspace.com/clubsocialfraybernardino

CINE

Cannes en el mes de mayo El Festival Cannes, celebrado desde 1939, en la ciudad francesa del mismo nombre y, hoy por hoy, el certamen de cine más importante del año, se realizará entre el 12 y el 23 de mayo con un jurado que incluye a personalidades variopintas como Tim Burton, Kate Beckinsale, Benicio Del Toro, Alberto Barbera, Jafar Panahi, Shekhar Kapur, Emmanuel Barrere, Giovanna Mezzogiorno y Victor Erice. La Palma de Oro es sin lugar a dudas un galardón codiciado por todas las personas involucradas en la industria del cine a nivel internacional, razón por la cual se trata de una ceremonia interesante en la que México participa, gracias al trabajo cinematográfico de Alejandro González Iñárritu con Biutiful. Sería imposible poner un listado completo de toda la selección oficial de nominados, pero los invitamos a visitar nuestra página web para enterarse de ella, y el 24 de mayo para conocer a los ganadores. www.revistamarvin.com

Premios Ariel 2010

El pasado 14 de abril 2010 se llevó a cabo la ceremonia de los premios Ariel, en los cuales, a través de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, se premia a lo mejor del cine mexicano. La entrega tuvo lugar en la recién restaurada sala Nezahualcóyotl de la Universidad Nacional Autónoma de México. Por mucho, la película que se llevó el mayor número de Arieles en diferentes categorías fue Cinco días sin Nora, de Mariana Chenillo con siete premios (Mejor Película, Opera Prima, Mejor Guión, Mejor Actor para Fernando Luján; Mejor Coactuación Femenina para Angelina Peláez; Mejor Música original para Darío González Valderrama; y Mejor Maquillaje para Mario Zarazúa / Alfredo Mora). La Mejor Dirección fue otorgada para Carlos Carrera, por Backyard. El Traspatio. A nivel Iberoamericano, El secreto de sus Ojos, de Juan José Campanella, resultó ganadora. En el rubro de Mejor Largometraje Documental, el Ariel terminó en manos de Javier Garza Yáñez Mejor por Flores para el soldado.

Distrital Semana de cine mexicano y otros mundos Distrital es el nombre de un nuevo festival de cine que abrirá con el estreno en México de ABEL de Diego Luna.

Con un total de 85 películas distribuidas en 7 sedes se presentará la Semana de cine mexicano, con la exhibición de más de 25 títulos de realizadores nacionales.

Además, Distrital ofrece cuatro programas internacionales: Meridianos con 15 producciones Iberoaméricanas, Otros mundos contempla 12 películas extranjeras de naturaleza independiente, Distrito X con materiales audiovisuales experimentales y Cuadrante que se caracterizan por su relación con la música. También se presentará una retrospectiva del cineasta norteamericano George Kuchar, y finalmente, el cierre de Distrital será con la sección Cine al aire libre, que este año presenta 6 filmes provenientes del Festival Ópera Na tela de Brasil, donde se proyectarán por primera vez en México una serie de películas que conjugan la ópera con la cinematografía.

Distrital 27 de mayo al 6 de junio Ciudad de México Cartelera e informes: www.distrital.mx

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ARTE

Miss Van y Wendell McShine

ZONAMACO

Plastic Contest Perrier 2010 Arte desde Francia y el Caribe Premios para el nuevo talento

Hasta el 19 de junio Galería FIFTY24MX de Upper Playg round Amatlán 105, Col. Condesa w w w.f ifty24mx.com

Más de 900 artistas y 96 galerías nacionales e internacionales se dieron cita en la séptima edición de ZONAMACO®, demostrando por qué es la feria de arte contemporáneo más importante de América Latina. El día 15 de abril, día de la inauguración, se dieron a conocer los ganadores del premio Plastic Contest Perrier 2010, plataforma que incentiva a los nuevos artistas plásticos que son capaces de crear una obra de arte utilizando la imagen de la marca, todo bajo el concepto Mixology & Refresh. La selección fue hecha entre pintura, fotografía, serigrafía, vaciado, resina e incluso técnicas digitales, y los criterios se basaron en originalidad, uso de la marca, técnica, materiales y realización–concepto de la obra.

El primer lugar fue Pétillante Alquimia de Sophie Genis y Rogelio Consejo Ramos, el segundo para Glu glu... Glam glam de Sergio Espinosa González y en tercer lugar quedó A hard day’s night de Uriel López Peña.

Upper Playground nos presenta a la artista francesa Vanessa Alice a.k.a. Miss Van, quien trae su obra a México por primera vez con Cachetes Colorados, una serie de pinturas y dibujos que revelan una aproximación a la voluptuosidad y el erotismo con el uso de colores saturados. Además, la exposición muestra el trabajo del artista caribeño Wendell Mc Shine, quien nos ofrece BHIND THE BLUE DOOR, una colección de dibujos, pinturas, animaciones e instalación que revelan atributos encontrados como son el misticismo y la crudeza, siempre ligados a sus raíces caribeñas.

Paseos espaciales / space walks En la Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de Sor Juana se está presentando paseos espaciales / space walks, un proyecto artístico curado por Sandra Calvo e Ilana Boltvinik que consiste en una serie de rutas y prácticas en el espacio público de la Ciudad de México.

Seis serán las rutas a recorrer, explicadas por artistas, arquitectos y urbanistas. Las metodologías de exploración empleadas incluyen mapas sonoros, prácticas mnemotécnicas, electrónica interactiva, objetos encontrados, formas de orientación y búsqueda de referencias visuales, así como registros de estructuras informales.

La Celda Contemporánea funciona como enclave para el inicio de un viaje espacial, donde a medida que avance el proyecto, se irán incorporando a la exposición los materiales resultantes de los recorridos: objetos, registros fotográficos, videos, mapas y testimonios.

Para mayor información o para inscribirse y realizar una de las rutas: www.urbanexplorationsystem.com

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Ecoglamour Salvar el mundo puedes ser glamoroso TXT:: Delhy Segura y Ceci Velasco. FOT:: Cortesía Ecoglamour y Xplore.

Con el objetivo de generar conciencia y adoptar una postura en pro de la ecología y de la autosustentabilidad, Grupo Quinta y Neofreak crearon Ecoglamour, un festival de música, moda y arte que se llevó a cabo del 7 al 10 de abril en las paradisíacas costas de Tulum, transmitiendo que es necesario adquirir más responsabilidad de salvaguardar nuestros recursos naturales y unir esfuerzos por difundir el mensaje.

A través de Ecoglamour, las tres disciplinas que componen este festival se conjuntaron para invitar a hacer conciencia de la situación mundial con respecto del medio ambiente, de tal forma que cada día fue dedicado a una disciplina. El miércoles 7 de abril, festejamos con la ceremonia de inauguración y el coctel de bienvenida.

Por su parte, el día 8 nos deleitamos con el día de la moda con una pasarela en el hotel Blue Tulum, un foro que presentó a reconocidos diseñadores cuyo trabajo destaca por sus propuestas orgánicas y ecológicas en la creación de sus diseños.

El viernes 9 se tocó el turno del arte, con exposiciones montadas en 8 de los hoteles sede Ecoglamour. Arte objeto, pintura y fotografía fueron algunos de los temas centrales de este día. Dichas exposiciones formarán además la ruta de ARTulum, que podrá ser visitada a través de camionetas que recorrerán un circuito periódicamente.

A su vez, el 10 de abril fue dedicado a la música en el Club de Playa Ana y José, lugar donde se presentaron diversos grupos con géneros y propuestas de todo tipo como Biofunk, Lotorock, Sonex Urbano, entre otros, quienes cerraron con broche de oro esta primera edición de Ecoglamur. Más información en www.ecoglamourtulum.com

Además de la parte cultural, Grupo Quinta nos dió la experiencia de disfrutar al máximo de Xplor, un mundo subterráneo por descubrir a través de 11 tirolesas (incluyendo la más alta y larga de la región), viajes kilométricos por la selva a través de vehículos anfibios, recorridos en balsa para remar con tus propias manos y una extensa variedad de espacios para nadar entre estalactitas y estalagmitas. Un intrépido recorrido que además ofrece un nutritivo buffet totalmente orgánico para recobrar energía y seguir con la extensa lista de actividades en este parque.

En este espacio ubicado a 56 km. del Aeropuerto Internacional de Cancún y a 6 km. al sur de Playa del Carmen podrás sacar al aventurero que llevas dentro, volando sobre sus terrenos y descubriendo milenarias formaciones rocosas. Una región ideal para quienes gustan de la acción en contacto con la naturaleza.

Más información en: es.xplor.travel

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FOT:: Lucía Carrere.

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¿Cómo surgió la idea y qué es Neofreak?

Gustavo Duccini y Marcus Onrellas llegaron a México en enero de 2005 como modelos profesionales, después de más de 5 años de experiencia en la producción y promoción de fiestas temáticas en países como Argentina, España, Italia y Brasil. En ese lapso encontraron ciertos valores propios de la socialité que impiden la autenticidad y libertad de expresión de sus ciudadanos (sentían las fiestas muy hipócritas, la gente no se divertía de verdad).

Por eso decidieron crear una productora llamada Freak Productions donde justamente se buscaba potencializar la individualidad de cada persona en cada evento, fiestas únicas con gente única.

Después de algunos meses desarrollando esos eventos, se unieron con Uriel del Toro y Román Guzmán que estaban buscando el mismo sentido para las fiestas y eventos que ellos ya etaban desarrollando. Ahí es donde nace Neofreak. Como freak una connotación peyorativa que oculta su sentido original (fuera de la norma o único), se creó la palabra compuesta neo–freak para rescatar lo bueno y lo que hace la diferencia de cada cosa. Se trata de una forma simple y objetiva de ver la vida: todos somos diferentes y eso es lo que

nos hace únicos. Los proyectos de Neofreak generan un impacto “atómico” traspasando el consciente. Neofreak asegura que todos sus eventos llevan un diferencial y un mensaje social.

El modelaje, la música y la producción siempre han ido de la mano, ¿cómo logran combinarlo en un sólo concepto como es Neofreak?

Los cuatros socios poseen experiencia y visión en diferentes ámbitos. Con armonía y comunicación, logramos conectar esos rubros en un mismo proyecto. Como dice Gustavo, “el modelo está siempre en contacto con el backstage de toda la sociedad, con el medio formador de opinión del nivel social más alto (…) muchos modelos, un día pueden estar comiendo caviar y tomando champaña en un yate con famosos y al otro día cenando atún en lata”.

Desde el punto de vista de modelos, todo eso nos ha generado experiencia, valoración y visión en los diferentes ámbitos del desarrollo social, político, musical, fashion y deportivo, lo que nos da la receta para integrar todos esos ingredientes en un mismo proyecto o campaña. Buscamos conciliar en la receta de todos nuestros conceptos una dosis de

ecología, música, moda y deporte, buscando hacer proyectos completos, en toda la amplitud de la palabra. ¿Cuáles son sus planes inmediatos y a futuro?

Hoy en día Neofreak desarrolla una serie de festivales de surf, moda, música y ecología, como el Pacífico Surf Music Festival que se llevará a cabo el 21, 22 y 23 de mayo en Mazatlán. Habrán conciertos de bandas como Allison, División Minúscula, Royal Bloodline, desfiles de moda y el campeonato nacional de surf. En este evento se define el seleccionado de las 14 categorías y modalidades del deporte en nuestro país. Las metas a corto plazo son introducir el surfing como deporte y mercado rentable en México, inculcar la ecología como cultura y seguir brindando momentos de diversión, naturalidad y libertad a toda la gente.

A futuro, Neofreak será una corporación que promoverá y desarrollará los eventos de mayor impacto en México y Latinoamérica. Siempre con su toque único “Neofreak”, siempre…

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Ray Ban

Adidas presentó

Más allá del color

Street Where Originality Lives

Ray Ban presenta su nueva colección Rare Prints, una colección ecléctica llena de color que además incluye Flores y Metro, dos series de edición limitada con etiqueta de certificación y número de colección grabados en las varillas. Estampados florales y secciones del mapa del metro de Nueva York son algunos de los motivos artísticos originales que adornan estas colecciones.

Adidas Originals es una campaña que celebra de la originalidad bajo el concepto “Street Where Originality Lives”. Un vecindario de alguna parte del mundo –en este caso la Col. Condesa– reune gente de ambientes diversos como son música, moda y deporte, todos mostrando su interpretación individual de la originalidad y de la marca de las tres franjas. El pasado 18 de marzo se inauguró un México esta iniciativa con arte urbano, música, fotografía e invitados especiales que fueron convocados a un iPod battle, previo a la intervención del fotógrafo californianoMark “The Cobrasnake” Hunteraka como DJ de la noche. Esta es sólo la primera parte de lo que la marca alemana, tiene preparada para México este año.

LeSportsac Classic Summer 2010

LeSportsac nos presenta Classic Summer 2010, una colección inspirada en el amor veraniego.

Para mayo están los diseños inspirados en las ferias campiranas, y junio tiene diseños florales dibujados a mano que expresa la sensación de caminar a través de un bello y exuberante bosque tropical.

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Bloggie La nueva cámara de SONY

Llegó a México el modelo Bloggie de SONY, la única cámara de video que te permite tomar video panorámico en alta definición en 360º.

Con ella podrás tomar fotos a tus amigos al instante, y tomar video de ti mismo sin necesidad de mover la cámara, gracias a su lente que gira 270º.

El diseño de la cámara resulta atractivo y puedes elegirlo en rosa, morado, azul y blanco.

Búscala en: www.sonystyle.com.mx

Pet Eyes View

Los ojos de tu mascota

Si no te quieres perder cada pasito de tu mascota, el Pets Eye View en forma de collar, es una cámara que puedes programar para tomar fotografías cada 1, 5 o 10 minutos. Este gadget es usado de forma tradicional, y con un puerto USB puedes descargar todo el contenido que la cámara haya tomado.

LG

EL9500: pantalla con tecnología OLED La era de las pantallas LCD (pantallas de cristal líquido) está siendo reemplazada por la tecnología OLED (diodo orgánico de emisión de luz) y la marca LG es pionera en ello.

Con 3.2 mm de grosor, está pantalla ultra ligera es la televisión más amplia del mercado.

Sus 15 pulgadas permiten niveles perfectos de negro y una imagen con hasta 1.5 veces más percepción de luminiscencia que una televisión LCD convencional.

Además, sus altavoces invisibles echan mano de la tecnología Clear Voice II y SRS Trusurround XT, para una auténtica y envolvente banda sonora.

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TXT:: Andrés Díaz.

Directo desde Monterrey llega al Vive Latino, una de las bandas que gracias a la exposición radial recibida ha dado mucho de qué hablar. Aunado a ello, el gran revuelo que tuvieron a través de Twitter convirtió a She’s a Tease en una banda nacional a seguir, más que en un trend topic. Acá les tenemos la historia del grupo en sus propias palabras (literalmente, porque muy amablemente accedieron a responder las preguntas vía correo).

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¿Cómo inició la banda?

Varios de los miembros ya veníamos tocando juntos en una banda llamada Arizona. Cuando ese grupo terminó, los demás queríamos seguir tocando y aprovechamos para cambiar el rumbo de lo que veníamos haciendo. Chico y Pibe (miembros fundadores del grupo y últimos sobrevivientes de la formación original) fantaseaban en cómo sería la banda perfecta para nosotros con Gustavo Mauricio a.k.a. Catsup (de Quiero Club), ya que en ese entonces nos sentíamos más punks. De ahí partimos para crear She’s a Tease.

¿Cuál creen que es la canción más representativa de She’s a Tease?

Podría ser “Datos íntimos” porque mucha gente nos conoció por ese tema, aunque “Long Time Rolled” fue la primera canción que nos llevó a tocar en varios lados del país, fue la primera que compuso la banda... me quedo con la segunda por ahora.

¿Cómo ven la escena de Monterrey? ¿Hay apoyo entre ustedes o se ha segmentado?

Al contrario, las bandas que adquieren más experiencia se la van pasando a las que van llegando y así sucesivamente.

Creo que esa es la clave de que muchas bandas regias puedan seguir existiendo En los shows nos gusta reflejar ahora en un ambiente más nuestra personalidad: ser muy comercial, lo mejor es que todos somos amigos y honestos con la gente, que se cuando tenemos tiempo nos diviertan y que sea una fiesta. juntamos a escuchar música para divertirnos.

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¿Por qué se llaman She’s a Tease?

Mmm... yo recuerdo haber escuchado la frase en la película ochentera The Breakfast Club, no sé por qué se me pegó, pero nos gustó mucho y nos sigue gustando cómo suena. Son como palabras de un hechizo para nosotros. ¿Cómo lograron el sonido final del grupo?

Sin duda el sonido de la banda ha ido cambiando y evolucionando con el tiempo.

Básicamente tenemos los mismos ideales que cuando empezábamos, pero sentimos que la música ha cambiado muchísimo en su forma durante los últimos 5 años, nos gusta jugar con todo lo nuevo que está pasando. Al final, el proceso de grabar Millonaria influyó bastante para conformar un sonido más definido, pero que seguramente seguirá evolucionando.

¿Qué sintieron cuando se escucharon por primera vez en la radio?

Fue indescriptible, veníamos llegando al D.F. para tocar por primera vez, entrando al periférico sintonizamos Reactor y la primera canción que tocaron fue “Long Time Rolled”.

Veníamos manejando desde Monterrey y ya estábamos un poco cansados, pero cuando escuchamos la rola todos nos volvimos locos, fue como de película. ¿Ha sido difícil entrar en los gustos del D.F. o Guadalajara?

Mmm... es una pregunta difícil. Hace poco nos enteramos que había mucha gente que nos seguía en el D.F. y fue una gran sorpresa, nuestros amigos de allá nos decían que escuchaban nuestras canciones seguido en

la radio, pero no es fácil imaginárselo porque en Monterrey no existe una estación de radio que dé espacio al rock mexicano alternativo.

Creo que en la medida en que hubiera más estaciones de radio con ese perfil podría llegar a ser más fácil penetrar otros mercados.

Tuve la oportunidad de verlos cuando le abrieron a Girl Talk en el D.F., suenan muy diferentes al disco ¿qué tanto le varían a las versiones en vivo?

La verdad siempre nos hemos planteado las grabaciones y el acto en vivo de manera completamente distinta. De entrada porque existen posibilidades diferentes y no nos gusta limitarnos en vivo ni tampoco a la hora de producir. En los shows nos gusta reflejar nuestra personalidad: ser muy honestos con la gente, que se diviertan y que sea una fiesta, una experiencia muy íntima entre el público y la banda, que vean quiénes son los punks detrás del disco. Sin duda el show en vivo es parte muy importante del concepto detrás del grupo. ¿Qué opinan de la campaña de twitter para que estuvieran en el Vive Latino?

(Ríen) ¡Gracias a eso vamos a nuestro primer Vive Latino! ¡Ya te imaginarás! Es un gran compromiso pero también una enorme alegría saber que la gente quiere vernos. Es el mayor halago que pudimos recibir, prometemos dar un show a la altura de las expectativas. ¿Qué planes tienen a futuro?

A corto plazo promocionar nuestro primer LP Millonaria, aunque para ser honestos ya nos estamos comiendo las uñas por grabar nuestro segundo disco. Crecimos mucho desde este disco y nos dimos cuenta que el estudio es nuestro hábitat... quisiéramos vivir en uno pero son muy caros. M

animalia

El cabrito es un delicioso platillo típico de Monterrey, cuya tierna carne proviene de una cría de cabra sacrificada antes de los 4 meses de edad.

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TXT:: Jorge “negro” Hipólito. FOT:: Sony music.

12 temas conforman el nuevo disco de Julieta Venegas titulado Otra cosa, un álbum introspectivo que encontró su inspiración en la soledad, canalizada a través de un diario íntimo. Platicamos con Julieta sobre el disco y otros tópicos. ¿Cómo fue el proceso para hacer este disco?

Decidí no tocar en vivo todo el año pasado, entonces tuve un montón de tiempo para volver a escribir y trabajar durante seis meses. Casi todo lo que escibí pasó de manera intacta al disco.

Me sentí mucho más relajada en esta ocasión, por ello pienso que cada una de las canciones simplemente dice lo que tiene que decir.

Componer es parte de mi vida, es muy padre cuando lo incorporas a un proceso cotidiano.

Siempre me dejo llevar por lo que está pasando en mi cabeza. Me gusta empezar a escribir con la cabeza en blanco y a plantear temas que giran en torno a mi presente.

Define este disco.

Es un disco reflexivo, resultado de estar sola cierto tiempo. Es como un diario personal que resume el haber estado desconectada, de vivir en soledad por un momento. ¿Temes a la crítica?

Claro, pero no me paraliza. Me preocupa lo que la gente diga porque siempre trato de hacer lo mejor que puedo y de ser muy sincera en lo que hago. No me molesta lo que la gente opina, pero sí la crítica en mala onda, cuando escuchan con prejuicio o deciden no escucharme.

¿Cómo fue la producción de Otra Cosa?

Este disco lo comencé en mi casa, ahí adquirió una forma general. Después vino la parte de producción y me apoyé en Cachorro López porque necesitaba un poco de “colectividad”.

Aunque ya venía trabajando sola, quería que alguien me ayudara en esa parte, después de un tiempo todas las canciones me suenan igual o ya no me gustan, y es importante una mirada fresca para seleccionar los temas que realmente valen la pena, no sólo los que me gustan a mi.

¿Cómo sientes la cuestión del Internet dentro de la música?

Más que por el CD, yo siento nostalgia por el vinilo. En el caso del compacto, quizás lo que más se extraño es el booklet y el objeto en sí mismo. Siento que la industria debe ponerse al día, todavía marcha un poco lenta. Es una obligación de todos los que trabajamos en la música que los derechos de autor no dejen de existir, pero es más importante encontrar ese punto de cohesión entre los derechos de autor y las nuevas tecnologías.

¿Cómo te sientes como artista?

Nunca me siento satisfecha. Tengo la sensación de que todo es parte de un proceso y de que toda mi vida y mi imagen personal se refleja siempre en mi trabajo. Cuando empiezo una nueva etapa siempre trato de empezar desde cero.

Por último, ¿cuál fue tu disco favorito del año pasado mientras estuviste componiendo?

El Merriweather Post Pavillion de Animal Collective.

Me parece un disco muy revolucionario, me enloqueció. Marcó una etapa de romper formatos en la música. M

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A lo largo de la historia, los cisnes han inspirado varias obras musicales.

Julieta Venegas eligió a esta ave para adornar la portada de su último disco.

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TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: Hegla Ruiz.

Da Punto Beat es una de esas bandas para ver en vivo. Y no es que sus discos de estudio estén por debajo de los shows, pero su energía sobre el escenario despeina hasta al más tieso. Con una ecléctica mezcla de elementos electrónicos, scratches, bases rítmicas de disco–funk y guitarras tan ácidas como estridentes, sus presentaciones han trascendido fronteras, y son de las pocas bandas mexicanas que pueden presumir haber tocado en importantes festivales y foros internacionales. Obviamente las cosas no son gratuitas, estos seis músicos vienen trabajando duro desde hace alrededor de diez años, y hoy nos entregan su tercer disco de estudio, además de que celebran su primera vez en el Vive Latino, día en que revelarán el nombre del álbum. Platicamos con Ry Machado y JM Salinas sobre este nuevo disco y nos compartieron varias anécdotas de sus giras.

21 Si definiera a Da Punto Beat como una banda muy ecléctica, ¿estarían de acuerdo con el calificativo?

Ry Machado: Sí, lo estaríamos, pero lo que más nos puede definir es el sonido tan peculiar que existe en nuestro directo, y obviamente en nuestros discos. Tal vez hemos dejado de lado el big-beat en el último disco, para adentrarnos en una comunión entre sonidos análogos y electrónicos. Es un paisaje sonoro multicolor.

Si es que somos eclécticos, hay reacciones en la pista de baile porque estamos en una era en que la música es música por encima de las etiquetas.

Tienen varios años trabajando juntos, ¿qué a cambiado al interior de la banda?

Cierto, tenemos juntos por ahí de 10 años.

Las cosas han cambiado de una manera muy positiva. En cierto modo, ahora somos más productores y componemos mejor las canciones, hemos incorporado más voces, pero en el fondo, seguimos siendo la misma banda que salió de la Jardín Balbuena.

Creo que las influencias no son del todo nuevas, aunque sí existen bandas que nos entusiasman demasiado. En general, creo que las influencias no han cambiado sino la manera de trabajar. ¿Cuáles son las diferencias entre su anterior disco Velodrom y su nuevo disco?

Este lo co–producimos con los hermanos Warner, en este disco no hicimos tanto cambio de instrumentos entre nosotros como en el pasado.

Incorporamos más voces y disminuimos el

uso del vocoder. El sonido maduró y cada vez está más cerca de dejarnos completamente satisfechos. No es que el disco no nos guste al 100%, pero al final siempre quieres más.

y a Cee-Lo Green, este último nos preguntó si había una manera de describir a Da Punto Beat o que si la música hablaba por sí mismo… le respondimos con la palabra party.

¿Cómo les fue en el SXSW (South by Southwest)?

Fue una experiencia increíble, de entrada porque nos fuimos en camioneta hasta Austin.

Como banda aprendimos mucho, son de esos viajes que reafirman la comunión entre nosotros. El festival vale la pena por muchas cosas, tocamos un par de veces y a la gente le fascinó, cumplimos nuestros objetivo, hicimos bastantes contactos para el repetir el siguiente año, pero ahora sí en avión (risas).

¿Con qué banda les gustaría alternar en vivo?

Afortunadamente hemos alternado con Telephunken (nuestros primos de España), hicimos un show muy potente los dos grupos juntos en el escenario. Nos gustaría alternar con LCD Soundsystem, Gorillaz, Cassius, Bentley Rhythm Ace o con Bootsy Collins y muchos más. Lo mejor es que hemos alternado con muchos grupos que nos gustan.

Han alternado con muchas bandas internacionales, ¿tienen alguna anécdota?

Hay varias: una es en la zona VIP del festival Benicàssim en España, cuando nos dimos cuenta de que en la mesa de al lado estaba sentado Tricky, nos acercamos a platicar con él y comprobamos su gran simpatía y sencilléz.

En ese mismo festival conocimos a los de Justice, incluso les atrajo mucho el concierto que dimos. También platicar con Juan Mclean de Six finger Satelite después de nuestra presentación en el Manifest y negociar un par de remixes.

Cuando estuvimos en el Festival Internacional de Benicàssim, a dos camerinos del nuestro estaba Gnarls Barkley… al final de la noche andaban como nosotros deambulando por la zona de camerinos… tuvimos la oportunidad de darles nuestro primer álbum Velodrom a Danger Mouse

¿Cómo coordinan la energía de 6 músicos sin que se pierda la esencia de la banda?

Hay que mantener cierto orden en los demás elementos: cuando entra un instrumento, otro tiene que salir. Cada quien tiene mucho que decir y también tiene su momento. Tratamos de que exista cierto orden musical. Al coordinar esto, un show se convierte en algo bestial. ¿Cuál es su proceso para componer?

JM Salinas: Los temas son compuestos básicamente por Ian y por Ry. Vamos peloteando ideas hasta que llegamos al momento de ensamblarlas con todo el combo, ahí es donde sucede la magia porque el ensamble se desencadena con las percusiones de Piyo y con los scratces de DJ Yako, más las guitarras de Oliver González. ¿Cómo describirían su nuevo disco? Hacia que nuevos rumbos apunta?

Nos concentramos en hacerlo más orgánico, en generar un equilibrio en lo digital y lo análogo, crear un muy buen sonido de nuestros instrumentos y al vez utilizar cajas de ritmos y samplers. Buscamos a las personas correctas para que el sonido sea el que queremos para el disco. ¿Se puede vivir de la música en México?

Definitivamente sí, la situación no puede ser un condicionante cuando tienes ganas de hacer las cosas y tenemos ganas de hacerlas acá.

Por último, ¿qué planes tienen con su nuevo álbum?

Queremos dedicarnos a tocar este disco en México, de hacer una gira por toda la República, y que haya muchos remixes.M twitter.com/dapuntobeat myspace.com/dapunto

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Una cucarachita estaba moviéndose desesperadamente, y su amiga le dice: ¿Es cumbia lo que estas bailando?

Y ella le responde: No zonza, es baigón baigón.

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TXT :: Benjamín Acosta. FOT:: Christian Coinbergh.

Pienso que nuestra música siempre ha tenido un toque de melancolía (...) Quizás sea un modo natural que tenemos los suecos para mirar la vida.❞

23 Una de las bandas suecas más destacadas de la actualidad nos entrega Work, disco en el que sacan a flote su lado melódico con una fuerte presencia de la nostalgia, combinación que arroja un álbum tan relajado como elocuente. En 2005 el quinteto debutó con un sonido particularmente aguerrido. Howl Howl Gaff Gaff los ubica en la sintonía power de The Strokes. Dos años más tarde, Our Ill Wills los proyecta con un dejo de glamour indie rock. Así, cada vez más lejos del garage y con una aparente soberbia inicial transformada en añoranza, la emoción de los Shout Out Louds ha embarcado en un nuevo puerto llamado Work. “Es parte del proceso. Por un lado aparecieron esos recuerdos de cuando éramos más jóvenes, y por otra parte, nos dimos cuenta cómo es que disfrutamos tanto nuestro trabajo”, explica el cantante Adam Olenius acerca de esta atractiva colección de temas que lucen arreglos más dinámicos. Diez canciones que se suman a lo que produce la escena sueca que incluye a otros exponentes como Peter, Björn and John, The Radio Dept. y The Concretes.

Work aparece luego de un proceso necesario en el cual la banda requirió de una sana distancia.

“Decidimos tomar un descanso de varios meses antes de iniciar con este nuevo disco. Es algo normal para bajar la tensión, para relajarnos.

Quizá podríamos ser más productivos, pero el descanso es necesario para recobrar energía y tener nuevas ideas”, explica el también guitarrista acerca de lo que sucedió detrás de un álbum que musicalmente los acerca a XTC en varios momentos, así como a The Shins. En suma: un trabajo que refleja mayor precisión y mesura. No es casual que en esta ocasión el productor sea Phil Ek (Fleet Foxes, Band of Horses y The Shins). “Lo que intentamos con Phil fue mantener las cosas de una forma más simple y melódica”, explica Adam Olenius, quien además comparte los créditos vocales con la tecladista Bebban Stenborg. “Es un buen escucha, puso atención a todos nosotros. Cada parte la atendió con detenimiento y la perfeccionó. Nos empujó a mejorar como músicos, a encontrar un sonido más fino”, confiesa.

Simultáneo a su estética sonora, Work presenta letras más ligeras que expelen menos de ese dramatismo que marcaron sus discos anteriores. Sus historias actuales embonan con un sonido directo y con un rango armónico más amplio. Ahora los sintetizadores han sido sustituidos en buena medida por pianos. El bajo y la batería no pierden potencia pero además han ganado nitidez. Las guitarras aparecen con menos distorsión y además se incluyen cuerdas que otorgan otra brillantez a su sonido, al tiempo que las voces no pierden la emotividad que les caracteriza. Además, el disco tuvo como escenario la distancia de sus músicos durante el proceso de composición, quienes trabajaron desde ciudades como Estocolmo, Melbourne y Los Ángeles. Platicamos con Adam Olenius, vocalista y compositor de Shout Out Louds

¿Qué tanto influyó la distancia para hacer Work?

Todo se dio en un momento en el que necesitábamos de un descanso, de distanciarnos uno del otro para poder de trabajar. Cuando llegó el momento empezamos a componer y hacerlo bajo estas circunstancias, lo cual es difícil porque cuando volvimos a reunirnos tratamos de juntar todo y no fue fácil. ¿De qué manera fluyó el proceso de las nuevas canciones?

Mantuvimos espacios abiertos que nos permitieron extender las partes que más nos gustaron para moldear la personalidad de cada canción, incorporando otros elementos en la producción. Pensamos que eso podía ser interesante para construirlas. Fue algo natural y terminó por definir el disco. Por eso Work es un disco más relajado.

En cada disco se dan el lujo de cambiar todo lo que quieran…

Después de una sesión de grabación sientes que quieres dar el siguiente paso. Quieres hacer algo distinto, cambiar el proceso. Para el primer disco escribimos canciones durante mucho tiempo y las grabamos muy rápido y algunas ideas que teníamos no estaban terminadas. Para el segundo quisimos dirigirnos por el camino correcto y ahora replanteamos la forma de trabajar y acercarnos a lo que queremos en estos días. ¿Cómo es que se plantearon la producción?

Quisimos incluir elementos distintos.

Especialmente quisimos incluir percusiones y trabajar más la parte del ritmo. Escribimos más canciones para elegir y poder detallarlas en los arreglos. Hubo más tiempo y por eso las canciones están mejor pensadas. Con un sonido simple y directo.

¿Consideras que ahora suenan más nostálgicos?

Pienso que nuestra música siempre ha tenido un toque de melancolía. Es una cuestión natural, espontánea. Quizás sea en cierta forma un modo natural que tenemos los suecos para mirar la vida. ¿Las letras son más reflexivas?

Es una combinación, es como querer arreglar cosas del pasado en el presente y en ese sentido es esperanzador. Para estas canciones recordé cuando era más joven y cómo es que eso cambió. Regresé a esos días y junté cosas del pasado. El factor común de las canciones tiene que ver con el hecho de crecer y de cómo es que cambiamos con el paso del tiempo. ¿Escribir letras es terapéutico?

Absolutamente. Cuando empecé a hacerlo al inicio del grupo, me di cuenta de ello. Es una terapia desde que aprendo a plasmar con palabras lo que siento y de esa forma trato de conocerme mejor. ¿Y la parte autobiográfica queda ahí aunque no quieras?

Nunca lo sabes. Y no es que te mentalices de esa forma, sino que eso se permea a fin de cuentas. Aunque matices siempre se quedan algunos aspectos personales. ¿Hacer canciones es tu trabajo, como dice el título del disco?

Así es, escribirlas, grabarlas y tocarlas en vivo. El trabajo es divertido, lo disfrutamos bastante. M

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El animal más ruidoso sobre la faz de la tierra es la ballena azul, capaz de emitir sonidos de 50 decibelios que se pueden oír a centenares de millas subacuáticas.

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TXT:: Julián Woodside. FOT:: cortesía Red Light Management.

Kusturica debería dedicarse sólo a hacer buenas películas y no mala música, y Manu Chao bueno, creo que él está más o menos. ❞ Eugene Hütz.

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Gogol Bordello va mucho más allá de ser simplemente punk gitano. En sus palabras "se trata de echar desmadre, divertirse y crear música apasionada y enérgica”, lo cual los identificaría más con bandas como Dead Kennedys y Parliament Funkadelic que con The Clash. Este 2010 presentan Trans–continental Hustle, un disco producido por Rick Rubin que promete dar continuidad a su estilo musical y refuerza la energía que tanto los ha caracterizado, pero con un giro interesante: el de los ritmos brasileños.

El bullicio en los medios

Gogol Bordello ha logrado mucho últimamente. Por una parte, Eugene Hütz, líder y vocalista de la banda, se ha dedicado a reivindicar el nombre e identidad de la comunidad gitana. Al mismo tiempo su lírica se ha insertado —al hablar sobre revolución, lucha y protesta contra la autoridad— en el ámbito discursivo de bandas como Mano Negra (y en el gusto del público afín). Pero la idea de revolución y lucha va más allá de una idea de "protesta", ya que con su música se estimula una catarsis que borra fronteras e identidades en medio de una gran fiesta liderada por estos músicos. Con una creciente pasión por fusionar las "músicas del mundo" junto con el dub, el punk y la electrónica, Gogol Bordello ha logrado crecer tanto mediática como musicalmente. En años recientes se han hecho presentes en distintos festivales musicales internacionales, participaron en la cinta Everything is Illuminated (protagonizada por Elijah Wood), y han colaborado con Manu Chao, Tonino Carotone, Asian Dub Foundation y Madonna (con ésta última en la cinta Filth and Wisdom, en “La Isla Bonita/ Pala Tute” durante el Live Earth en el 2007 y como teloneros durante una parte de su gira). ¿Qué tanto les ha servido todo esto? Eugene Hütz lo define muy bien: "la industria musical es muy parecida a vivir en Río de Janeiro (ciudad donde actualmente radica), si tu ojo no aprende a identificar automáticamente a los malos, será un lugar peligroso". Esta filosofía ha sido puesta en práctica por ellos, ya que no les importa la distinción entre el mainstream y el under, o ser punks, "auténticos" o "vendidos". Gogol Bordello simplemente hace música, y si encuentra alguien con intereses afines, explotarán el potencial creativo. Para la banda, lo importante es transmitir un mensaje, y "si tienes la posibilidad de hacerlo junto con artistas de proyección internacional, estás del otro lado".

Es interesante su postura, ya que en años anteriores Hütz mostraba enojo si era ligado a alguno de los artistas antes mencionados. Cuando se le preguntó qué opinaba acerca de que lo relacionaran con Manu Chao y Emir Kusturica, su respuesta fue tajante: "¿De qué jodida manera? Kusturica debería dedicarse sólo a hacer buenas películas y no mala música, y Manu Chao bueno, creo que él está más o menos". Eugene Hütz, quien fuera de cámaras y grabadoras no tiene un acento ucraniano tan marcado, ha reconocido que hay que aprenderse las reglas del juego musical para lograr hacer lo que uno quiere.

¿Qué ofrece Trans-continental Hustle?

"Hustle" puede referirse al baile setentero, a un bullicio, o de manera más negativa, a una estafa. ¿Cuál de las tres ofrece Gogol Bordello? No importa. Sabemos que dominan las reglas del juego y se han metido hasta la cocina, pero lo han hecho con una propuesta musical de calidad, lo cual se agradece. Así mismo, le han aprendido a Manu Chao esa capacidad de reciclarse y reinventarse, además de la utilidad de incorporar sonidos y estilos que los han rodeado todos estos años.

Con Trans-continental Hustle no dejan de lado el uso de momentos nostálgicos como en "Sun on my Side" o en "When Universes Collide". Así mismo, tienen canciones explosivas como "Break the Spell" e "Immigraniada (We Comin Rougher)", que si bien cansa en momentos por la caricatura en la que Hütz se ha convertido —repitiendo palabras una y otra vez con acento ucraniano— las piezas logran hacernos bailar y gritar.

Además, el disco cuenta con una versión en estudio de "Pala Tute" y una canción que sin duda hará ruido por sus aires brasileños: "Uma Menina Uma Cigana”.

Así llegamos a la pregunta obligada: ¿qué ofrece Gogol Bordello? Música divertida y enérgica que logra transmitir un mensaje, y sigue inspirándose en la filosofía de "think globally, fuck locally" mediante su punk–rock de parranda. M

Gogol Bordello Trans-continental Hustle American Recordings Después de Live From Axis Mundi (2009) –CD-DVD que capta la energía de Gogol Bordello en vivo– el conjunto decidió lanzar Trans-continental Hustle (American Recordings), disco producido por Rick Rubin que se mantiene en la línea de la banda: echar desmadre mezclando estilos con coros pegajosos, momentos de energía y fragmentos nostálgicos. Por otra parte, el disco sucita emociones encontradas, ya que si bien se trata de una buena placa con canciones bastante buenas, por momentos no deja de ser "más de lo mismo": explosiones musicales que recuerdan el Unza Unza Time de No Smoking Orchestra, además de la auto–caricaturización de Eugene Hütz. Sin embargo, seguramente pasará como con los discos anteriores: habrá que disfrutarlo y digerirlo para encontrar su peculiaridad ahora que han incorporado ritmos brasileños.

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La anaconda habita en las cuencas del río Amazonas de Brasil.

Cuando tiene hambre, es capaz de tragarse un ciervo de un sólo bocado.

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TXT :: Benjamín Acosta. FOT:: Merge Records.

Swim (Merge Records) no sólo es el título de la nueva entrega The Milk of Human Kindness (2005) y Andorra (2007) son los del canadiense Dan Snaith, es además el exclusivo resumen primeros trabajos de este multi–instrumentista desde que asumió de una colección original de cientos de experimentos sonoros atrincherarse detrás de la imagen asociada con los alces típicos desarrollados por este músico especialista en matemáticas, que de los bosques canadienses. En el plano de la comparación, inició con el nombre Manitoba al inicio de la década anterior.

Swim –en cuya mezcla participó Jeremy Greenspan de Junior Sólo nueve canciones llegaron a la meta final para convertirse Boys– resulta inmerso en un ambiente menos nostálgico que oficialmente en la más reciente entrega de quien se hace los anteriores y que producen una sensación más profunda. llamar Caribou, temas que de forma deliberada fueron diseñados para sonar “como si estuvieran hechos a Algo que me gusta de lo que ha partir de agua, y no de materiales metálicos como la sucedido con la música en la última mayoría de la música de baile”, afirma Snaith. década es la desarticulación de las ideas.

El hecho que haya tantas fusiones Música acuática, cantos para delfines y melodías para como artistas, tantos contextos sirenas que fluyen por los rincones del mundo concreto. como ideas personales.

Un ambiente más turbulento aún que las profundidades marítimas. Electrónica suave que por momentos se acerca al omnipresente Erlend Øye –especialmente en “Odessa” y Snaith se pasa de la guitarra al sintetizador, y del bajo a la “Leave House”–. Down tempo en baja fidelidad tan ensoñador como programación de secuencias rítmicas. “No me considero un psicodélico. Groove a media luz. Secuencias dance que respetan el músico que toma los instrumentos como tal para tocar de límite de velocidad que exigen las baladas after party, aquellas que manera evidente con ellos. Mi proceso es a la inversa: prefiero prescinden del romanticismo más obvio y su presencia es sustituida tomar las ideas, lo que la mente genera, para presentarme por paisajes apocalípticos. Es así que Swim se integra al paisaje de con ellas”, opina aludiendo a lo que podría compararse con un mundo que asusta en la misma medida que conmueve. cualquier proceso matemático.

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27 ¿Estamos frente a un disco más bailable?

Absolutamente. No tengo la menor duda de que éste es el álbum enfocado hacia ello. De alguna manera pienso que refleja lo que más me ha gustado en los últimos años. En este tiempo he tenido gran actividad como DJ y eso terminó por influenciarme. Una buena parte de ello estuvo presente en la combinación de sonidos con los que creo que son el sello de Caribou.

Pero además de lo bailable que representa un track como “Sun”, no olvidas tu naturaleza como compositor.

No, por supuesto. Porque hasta el momento no he tenido la intención de desprenderme de ello. En Swim hay canciones como tal, quizás no en el sentido estricto del término pero canciones al fin.

Una vez que tienes la idea, ¿cuál es el proceso para se haga realidad en un tema?

Actuar rápido es la clave para mí. Guardar la base, la idea inicial. Ya que está grabada se generan entonces más ideas mientras la escucho. Son procesos relativos con respecto al tiempo. Tú sabes, hay temas que salen más rápido que otros y unos más no terminan de convencerme. Es curioso como algo que

inicia siendo cerebral termina en el plano de las emociones, de la sensibilidad. Las letras llegan al final una vez que las ideas de producción, el ritmo y la melodía hayan embonado. Esa es la manera como integro mi vocabulario musical. ¿Cuál es el contexto de ese vocabulario?

Algo subjetivo. Pienso que así como hay artistas que se interesan en aspectos sociales, en mi caso las ideas se enfocan a lo que siento, a la forma como siento el sonido. Algo que me gusta de lo que ha sucedido con la música en la última década es la desarticulación de las ideas. El hecho que haya tantas fusiones como artistas, tantos contextos como ideas personales. ¿Qué aspecto de las matemáticas crees que influye en tu manera de hacer música?

Quizá en el método de la mezcla. En un inicio puede haber caos conforme las ideas se acomodan. Después hay un orden y una forma de terminar un disco que se relaciona con exactitud de alguna forma. También está el hecho de extraer los samplers y colocarlos justo donde corresponden. Las matemáticas siempre estarán presentes para todos aquellos que usan samplers.

Si bien hay una marca que caracteriza tu trabajo, más que conceptualizar en cada disco, Caribou representa un testimonio de lo que viviste durante la grabación.

Pienso que Caribou podría definir su estética de esa manera. Cada álbum es un documento de lo que me tocó vivir en el momento, así es.

De alguna forma, en todo caso, sí obedece a un concepto personal que refleja lo que aprendí o lo que más me emocionó durante el tiempo en que un álbum fue elaborado. ¿Es verdad que tenías 600 canciones para este trabajo?

No exagero, tampoco es algo que sólo haya sucedido en esta ocasión. Cada vez que hago un disco grabo mucha música para después quedarme con lo que más me gusta. A veces, incluso, se trata de ideas contrarias a lo que intuyo para la estética de un disco. De alguna forma es como la prueba y el error, sólo que no borro ninguna idea hasta que esté convencido de lo que realmente sirve.

Cada disco implica explorar y probar. Es un ejercicio fascinante. M

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En la escena musical de vanguardia, el reno o caribú inspiró el nombre que Dan Snaith usó para su banda.

En el imaginario navideño, se le atribuye conducir el trineo de Santa Claus.

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29 En Dublinesca, su más reciente novela, Enrique Vila Matas da cuenta de la vida de Brendan Behan, un irlandés que fue uno más de los etílicos y delirantes huéspedes–artistas del Hotel Chelsea. Para ese émulo de Dylan Thomas, nada podía compararse a la eléctrica ciudad de Nueva York: “El centro del universo. El resto era silencio, flagrante obscuridad”. Pertrechado en el mítico recinto de la calle 23, Behan habló del impresionante mosaico humano que conforma la urbe: “negros, escoceses, camareros, beatnicks, financieros, latinos, judíos, taxistas, mendigos, chinos, y por supuesto, los irlandeses”.

Si intentáramos tomarle el pulso musical al sonido neoyorkino de los últimos años –cinco, quizá diez– tendríamos que pasar necesariamente por LCD Soundsystem y la estética sonora de DFA, la disquera que fundó James Murphy, el cabecilla de ambos proyectos que contribuyó de forma definitiva al maridaje entre rock y la música de baile, entre electrónica y guitarreo.

Y es aquí donde brinda apoyo otra frase ilustre sobre Nueva York –ahora escrita por el enigmático Vilém Vok–: “Pertenece a los judíos, los irlandeses la administran y los negros la gozan”. Cierto es que gran razón y humor le asiste, pero lo mejor del caso es que no sé a ciencia cierta a qué grupo pertenece Murphy, sin embargo nadie puede negar que goza y tiene el ritmo de un afroamericano y que si nos atenemos a su apellido, seguro apostaremos por su sangre irlandesa. Tal vez el aspecto judío sólo se refleje en el modo de administrar su carrera.

Murphy ha cimentado una teología laica para el baile contemporáneo y el desfogue lúdico sin escusas ni limites. A él debemos agradecerle los himnos hedonistas de “Daft Punk is Playing at my House” y “All my Friends”, entre tantos otros, contenidos en apenas dos discos de calidad inapelable y que hallaron sitios distinguidos en los distintos recuentos de la mejor música de la primera década del siglo XXI. No podríamos seguir de largo sin subrayar las aportaciones fundamentales de su partner del alma, Tim Goldsworthy, del que actualmente no se tiene una idea clara. De hecho, se conoce un comunicado oficial de parte del sello: “Tim se largó a vivir a algún lugar del Reino Unido sin ni siquiera llegar a avisar de sus planes a nadie aquí en DFA. No hemos tenido ningún tipo de noticias por su parte desde que dejó los Estados Unidos. Así que hemos decidido seguir adelante (sin él) con nuestras vidas y nuestros negocios. Es tan simple como eso. Es indudablemente cierto que se llevó una parte de nosotros cuando se fue, y aún así le deseamos lo mejor en lo que sea que ande involucrado”.

El hecho es que hoy por hoy LCD Soundsystem tiene la fuerza de una banda en toda la extensión de la palabra, y posee una energía

Cuando trabajo en un disco,

en directo que desbordan me gusta pensar en él como si fuera como heraldos del mejor lo último que haga porque después punk funk imaginable. De el resultado es muy bueno. hecho, cada trabajo que sale de las oficinas y estudios James Murphy de Murphy está sazonado por distintos colaboradores y siempre posee un toque de obra colectiva, mismo antes y después hice todo lo contrario, pero como puede deducirse de lo dicho por otro no quiero repetirme”. El hecho es que su tercera geniecillo de la casa, The Juan McLean: “Es acometida discográfica ya está aquí y James mucho más que un sello. Es un grupo de no se preocupa por elucubrar sobre el futuro – amigos haciendo música juntos, como James y siempre incierto–: “No quiero decir nada en ese yo, Holy Ghost!… Estamos en el mismo edificio sentido porque después me doy cuenta que la haciendo nuestros discos. Definitivamente gente interpreta mis dichos como el anuncio de es más como un grupo de amigos. Todos algo que, en realidad, no siento del todo. Cuando grabamos en el mismo estudio y eso influye trabajo en un disco, me gusta pensar en él como en la producción y en el ambiente, en el modo si fuera lo último que haga porque después el en que grabamos baterías, ritmos y cosas resultado es muy bueno”. así, se termina llegando a un sonido bastante parecido por lo que tenemos en común. Luego Y es que This is Happening (EMI, 2010) no LCD Soundsystem son más indie–rock, yo estoy da mucho tiempo para especular; tras unos más en el mundo house y techno, Hercules & primeros instantes percusivos y cantarines que transcurren a media velocidad, nos damos Love Affair en la escena disco”. cuenta de que hacían las veces de cocktail de Se vino entonces un periodo de re–construcción bienvenida y nos sorprende el primer estallido: total y fue entonces cuando la maquinaria “Dance Yrself Clean” convoca al cuerpo del tabloide se puso en marcha especulando a liberar sus efluvios y pulsiones. Luego si el siguiente LP y su correspondiente gira viene “Drunk Girls” en plan de divertimento serían lo último del proyecto, a partir de ciertas despatarrado y herencia de otro de los declaraciones de Murphy, quien luego ha tratado desplantes inesperados que contribuyó a dar de mostrarse más cauteloso: “Sé que dije lo cuerpo al álbum. En un movimiento rápido,

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El animal más venenoso del mundo es la rana flecha venenosa dorada, que tiene el veneno suficiente para matar a 1.500 personas.

30 James trasladó lo esencial de su aparataje a la otra costa y se asentó temporalmente en Los Ángeles para que la vibra californiana permeara en las nuevas composiciones.

Arrendó nada menos que la misma mansión en que los Red Hot Chili Peppers crearon Blood, Sugar, Sex, Magic, editado en aquel mítico 1991, para grabar allí. Montó un hogar–estudio bañado por el sol y rodeado de palmeras para que de sus sintes modulares y pianos emanara una manera distinta de hacer confluir disco, funk, house, rock y otras yerbas. Como aperitivo dejó ver a los interesados algunas de las sesiones vía Internet para que pudieran atestiguar sus afirmaciones: “Definitivamente es mucho mejor que los dos anteriores y posee una amplia paleta de sonidos”. Ya será la distancia temporal lo que permita aquilatarlo ante dos antecedentes de gran peso, como el epónimo (05) y Sound of Silver (07).

Con todo, permanece la pátina de la casa,

descrita por la prensa europea como una mezcla de: “la electrónica grasienta de Suicide, las arquitecturas rítmicas de New Order, los beats de Daft Punk y, sobre todo, el orgullo punk y descarado de The Fall, para construir un refugio galante que nunca suena pretencioso, un arrojadizo mantra tan sinuosamente cálido que se agarra a la piel”.

Y es que “One touch” y “All I Want” enfatizan en todo lo posible lo que ha significado y sigue siendo LCD Soundsytem: paroxismo rockero para una pista de baile. El Sr. Murphy puede jugar con sus ires y venires, rearmar una y mil veces su proyecto, no en vano ha firmado por vez primera la banda sonora Greenberg con su nombre de pila, y él mismo es la portada de esta entrega. ¿Alguien puede dudar quien tiene el toque?

Sólo o acompañado con su escuadrón de concierto Pat Mahoney (batería), Nancy

Whang (teclados y voz), Tyler Pope (bajo; también en !!! y Out Hud) y Phil Mossman (guitarra, percusión, teclados y bajo; ex– Sabres Of Paradise) posee las artes sonoras necesarias para encantar al cuerpo y ordenarle que se mueva según sus designios. “Change” y “What You need” (muy en onda Hot Chip meets Talking Heads) –ya van seis de nueve canciones destacables– garantizan un opus memorable por decir lo menos –quizá sólo “Somebody is Calling Me” esté de más por lenta e intrascendente–.

James ha dicho que muchos de sus héroes musicales no han editado más de tres álbumes bajo un mismo apelativo; lo que no deja de ser una curiosidad o motivo de cábala, pero no hay que preocuparse por la firma si el contenido no pierde su magia. LCD Soundsystem está aquí y ahora; bailemos esperando con placer el final de los tiempos. M

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TXT:: Tony Romay. FOT:: cortesía de Levi’s.

Bomba Estéreo

En el marco del festival SWSX South by Southwest en la ciudad de Austin, Texas, reconocido por sus cuatro días de música donde más de dos mil artistas de infinidad de géneros presentan show cases en el cuadrante más divertido del centro de la ciudad, se armó por novena ocasión el fuerte más fiestero y original de los últimos años, el Levi’s + Fader Fort, armado en conjunto por la marca de jeans más conocida del mundo y por Fader, la revista de música, moda y cultura con base en la ciudad de Nueva York.

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Local Natives

Edoardo Chavarín (NaCo)

Local Natives

Cuando llegamos a este lugar nos sorprendimos al ver que no sólo era un escenario de música, también contaba con una tienda de ropa exclusiva de Levi’s, un taller textil donde te personalizaban la ropa, zona wi-fi donde bloggeros y gente en general llegaban a conectarse para informar al instante lo que estaba sucediendo, además de una cabina de radio donde estaba transmitiendo una estación local, y una zona donde el mismísimo diseñador y fundador de la marca de ropa NACO, Edoardo Chavarín, estampaba sus últimos diseños en la playera que le llevaras. En resumen, el fuerte ofrecía toda una experiencia para el público asistente, que por anticipado compró su entrada principalmente para ver a las bandas que tocarían.

El día que asistimos pudimos presenciar los actos de varias bandas que, sin ser tan conocidas hasta ese momento, demostraron

en el escenario por qué habían sido elegidas para tocar en este gran venue y seguramente, serán de los actos musicales que darán de que hablar este año. Everything Everything, Best Coast, Neon Indian, Local Natives, Bomba Estéreo, todos con propuestas interesantes mezclando diversos géneros, como la última mencionada que representó la parte latina.

Colombianos fusionando cumbia con hip hop y electro, poniendo a bailar a toda la hipsteriza que había en el lugar, y a uno que otro chopper ya recorridito en años que nunca te hubieras imaginado verlo bailando cumbia sudando la gota gorda, literal.

Aparte de Bomba Estéreo, otra banda que llamó especialmente nuestra atención fue Local Natives, banda californiana de indie–rock con tintes folk, que suena a una afortunada combinación entre Fleet Foxes y Vampire Weekend, el primero por sus coros y armonías,

el segundo por su sonido afro pop y sus juegos en los cambios de ritmo. En nuestra edición pasada (número 80) publicamos un artículo de ellos donde Juan Carlos Hidalgo analiza su propuesta musical.

Algo muy bien pensado por parte de la gente de Levi’s, fue terminar temprano sus shows en el Fort (8pm). Esto dio oportunidad a los asistentes de escuchar las bandas del fuerte durante el día y posteriormente salir a las calles a continuar la experiencia del South by Southwest. Gracias a esto, esa noche pudimos dar el rol por las calles del centro de Austin, agarrando la fiesta de bar en bar escuchando a las bandas que se presentaban esa noche, desde los mexicanos de Ventilader hasta la reunión de la mejor banda de surf espacial Man or Astroman?, además de uno de los tríos más queridos del momento The XX.

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TXT:: Tony Romay. FOT:: Cortesía de Levi’s.

Simón Mejía, Liliana Saumet, Julián Salazar y Kike Egurrola conforman Bomba Estéreo, una de las bandas que pudimos presenciar en el ya mencionado Levi’s + Fader Fort en el festival South by Southwest, y que después de este show, vinieron a la Ciudad de México a presentarse al Lunario del Auditorio Nacional y al Zócalo como parte del Festival de México.

Pudimos conversar con Kike, baterista de la banda, terminando de tocar en el fuerte de Levi’s. ¿Ya habían tocado en un país anglosajón?

El año pasado estuvimos aquí en el mismo festival promocionando el disco Estalla, y todo el resto del año tuvimos la oportunidad de viajar por bastantes países. Antes de SXSW estuvimos en Brasil, mes y medio en Estados Unidos, mes y medio en Europa, regresamos a Colombia y de nuevo nos fuimos a Europa. Tocamos un par de veces en Miami en diciembre y ahora estamos de nuevo acá en Austin. ¿Cómo se dio una gira tan grande, de donde salió?

Muy buena pregunta. Realmente hasta ahora estamos trabajando con Nacional Records, pero hasta hace muy poco. Toda la labor fue inspiración de la banda misma con el sello

disquero, que en realidad es un mini sello llamado Polen Records, dirigido por una persona muy influyente en Colombia, Felipe Álvarez, y ha sido un sello nativo que ha podido, a punta de fe y buena música, intentar lograr algo, a base de mucho feeling y mucha clínica, eso es lo que nos mantiene, ahora ya suma más la estrategia que otras cosas, pero así empezó, con pura chispa. ¿Qué piensas de este género llamado electro–cumbia tocado por DJ’s en México?

A mí me parece súper divertido y siento que está muy bien que se haga. Muchos productores mexicanos han logrado cosas muy buenas y también me ha sorprendido que gente que no conozco ha logrado tener la creatividad para hacerlo facilito. Me parece muy divertido y muy bueno.

Ustedes hacen esto desde adentro, de corazón, por sus raíces colombianas.

Es imposible no hacerlo, porque imagínate, yo soy de la costa del caribe colombiano, naces y estás en los carnavales y en esas fiestas, hay mucho folclor y mucha rumba, cuando tú no te das cuenta ya tienes un tambor en la mano.

Entonces es imposible no tocar, yo creo que cualquier DJ de esos de México, si hubiera

nacido en la costa colombiana hubieran sido igual DJ’s, o además hubieran sido también músicos, es imposible no tener el ritmo en Colombia cuando naces allá. Yo lo que diría es que la cumbia, por haber nacido en Colombia se siente, se siente la raíz, así como cuando vas a Chicago y oyes blues, no es lo mismo que estar oyéndolo en otra parte del mundo.

Este ritmo los latinos lo traemos, lo sentimos y bailamos. Pero qué pasa cuando ves a público como el de hoy, gringos de Texas, bailando esta música.

Es súper interesante porque sin soundcheck, es plug and play y rock and roll como lo hicimos hoy, pues es como salga, es el feeling, “vámonos de reventón” como dicen en México, pero lo importante es la energía. Y pienso que hay como una estrategia, porque la música tiene dos condimentos chéveres, afloja un poco las caderas de la tercera canción para arriba, y tiene el punch del rock que hace que los hombres muevan la cabeza. Así que, mientras los hombres van moviendo la cabeza las mujeres van moviendo las caderas, entonces ahí se confunden y ya todos están bailando en la última canción.

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TXT:: Chico Animal MigraĂąa.

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“Son unos animales”. Es una de las tantas frases célebres que nacen de la ignorancia y son dirigidas como ataques al heavy metal.

Cuando en un concierto se crea un mosh pit (círculo de gente que va corriendo en sentido de las manecillas del reloj, golpeándose entre sí en el proceso, aunque sin una violencia real) o un slam (todos contra todos), la gente suele malinterpretarlo. Más o menos se entiende, la escena debe tener su parte de surrealismo dantesco, pero en realidad sucede porque los involucrados quieren que ocurre, y porque saben a lo que se exponen. No son pleitos, no son trifulcas tumultuarias, es una especie de ritual violento que acerca a los involucrados. La violencia guiada y controlada se manifiesta incluso en diversos deportes olímpicos, así que el calificativo de “animales”, sobra.

Es de animales la traición, el acecho por la espalda y el oportunismo.

Es de hombres el hablar de frente y sin restricción. Y el metal así es.

Por definición cultural, aunque no académica, el animal es en general la criatura que carece de racionalidad. O para decirlo más claro, lo que se supone que separa a los hombres de los animales es la capacidad de utilizar muchísimas más zonas del cerebro. Lo patético es que el ser humano lo ha utilizado para crear armas nucleares, religiones, gobiernos y sistemas sociales que promueven la estratificación, el racismo y la discriminación.

Los animales metaleros han luchado toda la vida contra esos estigmas. Muchas veces lo han hecho de manera semi violenta. Por ejemplo, que Gorgoroth diseñe un escenario con decenas de cabezas de borregos empalados, cuatro personas crucificadas y sangre real de animales muertos (de esa que se consigue en el rastro, con la que se hace moronga, por favor no confundir con los cuentos de hadas sobre rituales satánicos en el escenario) es violento.

Pero no por eso deben ser llamados animales.

Cuestionar la autoridad, ese ha sido siempre el lait motif del metal. Un líder religioso polaco llevó a juicio a un personaje llamado Nergal (cantante de Behemoth, una banda polaca de black metal) por “agredir los valores religiosos de los católicos”.

Lo llevó a juicio por romper una Biblia en el escenario. Lo estúpido de la situación es que por el tipo de legislación que existe en Polonia, se necesita que por lo menos dos personas denuncien el mismo acto. Y eso fueron, dos personas nada más lo acusaron y hoy se planea un juicio. ¿Quién será el animal en esa situación?

Es curioso, pero en varios géneros del rock, algunas figuras dedican sus vidas a proteger los derechos de los animales. Por ejemplo, Paul McCartney prohíbe que en su entorno laboral se consuma cualquier tipo de producto de origen animal. Y esto significa no sólo comida, sino que está prohibido llevar a los camerinos u oficinas sillones de piel. Algunos más han apoyado campañas de PETA, y sin embargo, esos mismos “grandes de la música” jamás se comprometen cuando se trata de hablar de las animaladas de la Iglesia Católica que cada vez más, demuestra que es un nido de corruptos e insensibles que aprovechan sus puestos para, entre otras cosas, abusar de niños. Ese tipo de cosas las denuncian en sus canciones los animales metaleros, aunque nadie les de difusión en los medios. Si Bono estornuda el mundo se cimbra, no vaya a ser que el gran señor irlandés se enferme. Pero si una banda iraquí debe exiliarse en Estados Unidos y solicitar estatus de refugiados políticos porque en su patria son perseguidos, sencillamente por tocar metal, a nadie le importa.

Es más animal e irracional romper una imagen del Papa Juan Pablo II y luego pasarse la vida pidiendo perdón por haberlo hecho (léase Sinead O’Connor) que gritar a los cuatro vientos “Fuck you God. Angel face of saintly love. I curse Christ that she suffers such… suffers such” (Jódete Dios. Cara de angel de amor santo. Maldigo a Cristo porque ella sufre tanto… sufre tanto). Es la historia es de una mujer que tiene los días contados y se niega a ser tratada porque su fe en Dios la salvará.

Obviamente muere y el creador de la canción la agarra con Dios. Es furia y es rabia, pero no es animal. Por lo menos tiene la decencia

de firmar lo que canta con su nombre (Peter Steele, Type O Negative) y no anda después arrepintiéndose de lo que dice. No se sabe si los animales sienten o no remordimientos, pero el acto O’Connor es pura hipocresía, y aunque esa es una condición humana, es de animales no tener el valor de sostener lo dicho y hecho. Es decir, ella fue sometida al escrutinio mediático por un acto rebelde, que en el fondo no fue más que una estratagema publicitaria.

Es de animales la traición, el acecho por la espalda y el oportunismo. Es de hombres el hablar de frente y sin restricción. Y el metal así es. Obviamente hay muchos animales en el medio. Algunos como Nikki Sixx se pavonean de haber pasado la noche de alguna navidad en el hospital, resucitando de la muerte (y es verídico) luego de una sobredosis de heroína, sólo para salir de ahí, llegar a casa e inyectarse una nueva dosis. Es de animales hacerlo, y es de animales creer que la anécdota, parte de su autobiografía, contada así, tiene la intención de ayudar a otros adictos. En fin, de todo hay en esta tierra. Pero la ignorancia es la madre de miles de desgracias, y llamar animales a los metaleros por ciertos rituales de comportamiento, sin conocer el fondo del asunto, es grosero, estúpido, y sí, animal.

Por cierto, ¿quién será más animal, una banda que se maquilla y deja crecer ciertos mitos a su alrededor (Kiss) que al final se sabe que no son ciertos, o una pseudo periodista (Patricia Chapoy) que difunde esos mitos en televisión abierta para evitar que la juventud mexicana sea corrompida por estos seres del mal? La respuesta se encuentra todos los días en el Canal 13 de su televisor. M

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Al limpiar el estiércol de la superficie, los escarabajos hacen de la Tierra un lugar apto para vivir. Ojalá hubiera un ejemplar que limpiara tanta música mierda de la faz del planeta.

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TXT:: Humberto Polar.

Ya me han preguntado varias veces por qué esta columna se llama La Lógica del Perro. Lo he tratado de explicar con sutileza mandando claves en algunos textos, soltando al viento explicaciones medio abstractas.

Pero ahora pienso que los tiempos no están para sutilezas. Estoy en estos días en la ciudad de Lima, donde por toda la avenida principal que corre paralela al Océano Pacífico hay letreros dando explicaciones sobre cómo comportarse frente al inminente tsunami que desaparecerá a mi ciudad natal, como lo pronosticó la simpática Santa Rosa de Lima en el siglo 17 sembrando el terror inconsciente en todos mis conciudadanos desde la escuela. El mundo se está cayendo a pedazos (o no, y todo es una escalada de paranoia mediática impulsada por la industria del gel antibacterial). Los tiempos son propicios para decir la verdad directa y a los ojos, para atar los cabos sueltos y pagar nuestras deudas emocionales antes de que se estrelle esta nave sinuosa en la que pasamos por la vida.

Terremoto en Baja, terremoto en Chile, la colonia Roma se hunde y la ciudad de Roma también. Es hora de confesiones liberadoras y sexo colectivo o por lo menos indiscriminado. Estoy hablando en serio.

En todo caso, lo que quiero decir es que tratar de explicar con sutileza el por qué esta columna se llama así, ya no tiene sentido. He de hacerlo directamente y sin curvas. Para los cuatro gatos interesados, aquí va la explicación: esta columna trata de reflejar el hecho incontestable de que, cuales canes caseros, los seres humanos pasamos por la vida esperando una migaja, una limosna, las sobras del festín cósmico, un guiño y una caricia en el lomo por parte del “orden superior”. Hemos hecho una transacción (lo que Hobbes prefiguró como el “contrato social”) con entidades supuestamente mayores que nosotros para no rebelarnos ni usar nuestra infinita capacidad de violencia y, dócilmente, mover la cola ante la idea del destino y andar con las orejas y el olfato erecto ante la siempre inminente posibilidad de que una pata de pollo resbale de la mesa de los amos para caer al piso y regalarnos un súbito y efímero festín. Del orden social, económico o político surge una paternalista

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croqueta que, lanzada al aire, nos proporciona un breve momento de excitación mientras saltamos a su encuentro dispuestos a destrozar a dentelladas a cuanto perro se nos atraviese, para luego mordisquearla onanistamente por horas y mover la cola sin explicación alguna ante cualquier olor, sonido o gesto que anticipe la próxima propina. ¿Así que de esto trata la columna? ¿No era una columna sobre música?

Bueno, sí. Pero también es una columna sobre lo que me gusta o me molesta de este mundo, en el que la música suena todo el tiempo.

Decidí nombrar así a mi columna porque tuve perros siempre, y siempre me pasé horas observándolos. Creí haber descubierto una pequeña verdad oculta en la inocente mirada, aparentemente cariñosa, de estos afables parásitos que hemos dejado entrar a nuestros hogares a cambio de... ¿de qué? Ah, sí: de cariño y una alarma temperamental y ruidosa que se dispara impredeciblemente. Una de estas acaba de arrancarle el labio inferior a Maradona, que no deja de hacer noticia por lo motivos más raros posibles.

Hace unos meses mi hijo decidió adoptar una gata, rompiendo con la tradición de perros que siempre hubo en mi casa. La gata rápidamente estableció sus reglas, marcó su territorio (sin ensuciar absolutamente nada), dejó claro que no está esperando que nadie la apapache ni va a apapachar a nadie. Su mirada es enigmática y profunda (súper cliché que se explica simplemente porque sus ojos son transparentes.

Los pescados también son enigmáticos, y los calamares más si los miráramos siempre a los ojos). Su indiferencia hace deliciosos los pocos momentos a la semana en que me agarra a cabezazos, su único gesto de interés hacia mí (ahora leo en el Internet que ello significa que me considera parte de su familia, cual gigantesco gato gordo y sin pelos). A su lado, veo a mi adorable perro como un taradito, para luego darme cuenta que es un aprovechador de temer. Hace tres semanas no veo a la gata y la extraño mucho. Es muy posible que esta columna cambie de nombre muy, muy pronto.M

Las batallas entre perros y gatos son legendarias, y para nadie es nuevo que el vencedor siempre es de especia canina, bueno, excepto en esta columna antes llamada la lógica del perro.

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TXT:: Rafael Toriz.

La naturaleza es tan difusa, tan sutil, tan intangible, tan infinita.

Robert Walser

A semejanza de un lagarto silente entre piedras hirsutas –como el jaguar cuando acecha en la jungla de la noche– la escritura repta sobre la página con el sigilo que anima a las bestias carnívoras. La indeterminación angustiosa de ser presa y cazador a un tiempo (hasta perecer devorado o madrugar a la víctima) es la misma que alienta al roedor de las palabras: un mamífero escuálido a merced de la seducción de la cobra y la rapacidad del halcón, símbolos perfectos para describir el mortífero veneno de la pereza y los delirantes aleteos del lenguaje.

Escribir sobre los animales, sin dejar de ser uno de ellos, es uno de las enigmas más estimulantes y conflictivos de la existencia. Siendo los herederos de un simio que se animó a bajar de los árboles para caminar la tierra, resulta intrigante comprobar que la capacidad de leer estas palabras se avenga con el lugar privilegiado que ocupamos en la cadena alimenticia: somos, por excelencia, el predador de predadores.

En cierto sentido el hecho de ser humano, es decir, un animal que habla, no es otra cosa que la sublimación de una fábula. La diferencia radica en que nuestros actos, a diferencia de los personajes de Esopo, suelen ilustrar terribles e intrincadas moralejas, que revelan una animalidad compleja y asesina, humana y esplendorosa.

El desconcierto, sin embargo, debiera ser minúsculo. Nuestras manos, después a todo, aún conservan la memoria de los tiempos en que fueron garras.

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Un reino fantástico

La historia de la vida es una cadena asombrosa de accidentes que sólo puede entenderse en el orden de lo alucinante o, si se prefiere, de lo real maravilloso. Pensar que hace algunas eras fueron los Grandes Reptiles quienes se paseaban orondos por el mundo es una experiencia sobrecogedora que, al menos personalmente, me hace sentir dichoso por saber que vivo en un planeta que antes contuvo dinosaurios, esos gigantes terribles –ahora sólo polvo, huellas y huesos dispersados por el viento– que nos recuerdan, como tan bien entreviera Stephen Jay Gould, que la vida es un salto impredecible que oscila entre el azar y el equilibrio.

Ante tal espectáculo resulta de lo más natural que nuestra especie, desde sus inicios, se haya visto fascinada por los seres con los que comparte el territorio. Desde las cuevas de Altamira y Lascaux, pasando por los bellísimos y extraordinarios bestiarios medievales –entre los que destacan el Physiologus, las historias naturales de Plinio, Claudio Eliano, Isidoro, Gessner, Johnston y Aldovandri– hasta los zoológicos y las programaciones del Discovery Channel, Animal Planet o la obra pictórica de Waldon Ford, nuestra relación con los animales ha pasado de la seducción a la estupefacción y de la identificación a la sorpresa. En los animales vemos un espejo de lo que somos, una fuente de alimento y, en ocasiones, la proyección de una esperanza, como demuestran los puntillosos estudios de sociobiología realizados con hormigas por el entomólogo E. O. Wilson. Los animales son la certeza de que la variedad del mundo es hermosa e insospechada, y que dicha diferencia es una riqueza de la que podemos nutrirnos en todos los aspectos.

atributo cuasi religioso, como sucede con los nahuales, que de acuerdo con distintas mitologías son el espíritu del animal que habrá de proteger al ahijado a su figura. De acuerdo con las historias que escuché en mi infancia, los nahuales son la piel que vestimos en las noches, cuando salimos de caza, por deseo de apareamiento o con la intención de realizar estropicios. La relación de los animales con la tierra, desde esta óptica, sólo puede resolverse en las palabras de George Bataille al decir que “la tierra al girar hace copular a los animales y al hombre y estos, a su vez, hacen girar a la tierra copulando”; una idea que, para nuestra sorpresa, no es sólo metafórica sino bastante literal.

En 1992 Midas Dekkers publicaría el polémico libro –exquisitamente titulado– Dearest Pet: On Bestiality, un estudio histórico sobre las relaciones sexuales entre humanos y animales, tema que implica dominios conflictivos en todos los campos de la experiencia.

Como era de esperarse la obra causó una aguda controversia que se vería agrandada por la reseña del filósofo utilitarista Peter Singer, reconocido pacifista y vegetariano que ha hecho suya la batalla por los derechos de los animales desde la publicación de su libro Liberación animal (1975).

En su opinión, que le costó violentas críticas, la sexualidad es un campo de experimentación tan vasto como singular, de ahí que señale la investigación de Dekkers como una obra para pensar, de nuevo, los conflictivos límites humanos entre lo normal y lo patológico, el tabú y la necesidad. De acuerdo con ellos en la historia de la humanidad el contacto sexual con burros, gallinas, ciervos, borregos, vacas, terneras, perros y otras especies ha sido tan continuo como negado, probablemente por la tradición La tierra al girar hace judeocristiana que desde siempre copular a los animales y al hombre concibió a la sexualidad como un y estos, a su vez, hacen girar acto estrictamente reproductivo, a la tierra copulando postura que se vería reforzada por la lógica occidental de separar al ser George Bataille humano de los animales.

La literatura, por ejemplo, ha hecho de los animales uno de sus leit motiv para ensanchar toda suerte de misterios. La obra de un autor como Spencer Holst ha demostrado que las bestias pueden ser también agentes de crueldad y ensoñaciones filosóficas geniales, en el orden de un absurdo lógico que nos provee la certeza de habitar una realidad extravagante. Uno de sus libros más entrañables, The language of the Cats, fue vertido a nuestra lengua por Ediciones La Flor, discreta editorial bonaerense abocada a publicar maravillas.

Otros autores, que van desde Kafka hasta Borges y de Highsmith a Arreola, han visto en las bestias una cantera inagotable para la representación fantástica de la imaginación, dotándolas de atributos sobre naturales que proyectan, como en las leyendas populares, las potencias arquetípicas del inconsciente. No otra cosa puebla la vasta y rica tradición de las narrativas orales, en las cuales los elementos de la naturaleza suelen desempeñar un papel fundamental en la cotidianidad de los individuos. Tal es el caso de los cuentos, adivinanzas y tradiciones de Veracruz, en donde la presencia de lagartos, cenzontles, mulas, cerdos, guajolotes, tlacuaches, monos y cacomixtles posee un

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Por desgracia este espacio es cada vez más breve y este tema abre un debate que, debo reconocer, ni en mis más torcidas especulaciones se me habría ocurrido tomar con seriedad (fuera de prácticas rurales, pornografía hardcore o exageraciones literarias). Todo lo que puedo decir ahora, aún aturdido por la argumentación de Singer, es que aprecio considerablemente su compromiso con la experiencia del pensar.

Con todo, lo único seguro es que los animales, ya sean concebidos como vasallos, amigos, fuente de inspiración o como amantes, poseen como nosotros una existencia que no comprenden, es decir, una vida que, como cualquier otra, está encaminada a su extinción. Probablemente ése sea el más preciado vínculo entre nosotros: saber, como Roberta Sparrow, que si “todas las criaturas de este mundo mueren solas” acaso podemos hacernos uno y el mismo en el instante solitario de la muerte. M (A Galleta, in memoriam). TXT:: Rafael Toriz.

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¿Cuál es el órgano reproductor del elefante?

– La pata, porque si te pisa te jode.

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TXT:: Arthur Alan Gore.

El Dios de la Música se daba un rock and roll por la tierra cuando se percató que la mala vibra, la actitud gandalla y “pasadez” de lanza era lo que rifaba entre las criaturas que poblaban la Tierra, de tal suerte que decidió barrer con todos y al puro estilo de la mafia siciliana, dejarles sentir su rigor.

Sin embargo, para no verse tan manchado y brindar la oportunidad de que algún integrante de su club de fans repoblara el planeta, le advirtió a su Noé (Gallagher) que debía poner manos a la obra en la construcción de una nave descomunal, en la cual habría de guardar a las especies musicales más extravagantes, estruendosas, experimentales y cool que se pasearan por el mundo. Debía además colocar pantallas de plasma, sistemas de sonido y aprovisionar un buen de cajas de whisky para hacer menos tediosa la espera, pues la Tierra se cubriría del enemigo número uno de los rockeros acostumbrados a no bañarse: agua limpia y cristalina.

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Noé, que era un bro sumamente solidario y jalador, no esperó a que el Dios del R&R se lo pidiera dos veces y en la friolera de 3 años tuvo lista la nave, cromada, provista de asientos de piel y suficientes caballos de fuerza como para sobrevivir a un tsunami, un diluvio y cuantos regaderazos hiciera falta, juntos.

–A propósito de caballos, es hora de pasar lista– dijo el fan de Dios –¡Band of Horses! ¡van pa’ rriba!

Desde Seattle llegaron los caballos independientes, galopando a su propio paso.

–¡Sopas! –se dijo Noé –la Deidad rockera me dijo que llevara únicamente una pareja de cada especie musical y estos caballos llegaron en banda.

Estaba a punto de regresar a dos, cuando se dio cuenta que un hipocampo había abordado la nave.

–Hello, Seahorse! –le gritó mientras agitaba la mano –este viene solo, así que se compensa.

Noé tuvo que sentarse, porque su nave comenzaba a poblarse de criaturas fantásticas, desde una Dragonforce, un Dragón Zaga y, como arriba no existía la discriminación, hasta La Dragón Vestida de Rosa Pastel.

–¡Primo! –le gritaron los Ratones Paranoicos a su congénere, el Modest Mouse –con esa mejor ni te juntes, que es amiga de lo ajeno y te da vajilla con tu cartera –le advirtieron mientras señalaban a la Ratt.

Mientras se abanicaba un poco, para que se le bajara el pasón, Noé escuchó aterrorizado The Sound Of The Animals Fighting. Un conato de bronca tenía lugar en la pista. Como siempre, los culpables eran las especies más rudas: la Pantera, los Scorpions, una tal White Snake (con quien el Dios del rock ya había tenido broncas cuando le bajó a su groupie Eva), la Steel Panther, los Gorillaz, Le Tigre, los Kings of Leon y unos monitos que eran también, As Tall As Lions. Y claro, el líder de todos, la Larva.

Para repeler la agresión, se dejaron venir Los Gatos, Los Rebel Cats, una Gusana que no ayudaba mucho porque estaba Ciega, la banda de los Echo and the Bunnymen, los Yardbirds, los Artic Monkeys, De inmediato apareció en la fila un Grizzly Bear acompañado de sus los Pericos y los Lagartos, comandados por un tal Morrison, su Rey de Reyes. Con escudos y toletes, lograron someter a los chicos rudos primos The Bears, bien provistos todos de varios six de cerveza. aunque al final terminaron bebiendo todos Noé se acongojó. En la mano izquierda en fraternidad. Los responsables fueron el sostenía una tabla de la cual estaba Vampire Weekend y los Bat for Lashes, unas sujeta la lista de especies rockeras y en la El olor de una conocida criaturas nocturnas y fiesteras que siempre otra, una pluma con la cual iba tachando hierba lo saludó de frente eran las últimas en dormirse. nombres. Sin apartar la vista de los osos (...) el Animal Collective, –¿Y yo puedo subir a la nave? –le preguntó (entre los que andaba un tal Joselo), y se había apoderado de a Noé un Tucán venido de Tijuana. debido a que escuchaba bastante música las tornamesas y estaba –¡Nel! ¡Que se ahogue! ¡Que se ahogue! en inglés y de repente se le escapan las mezclando las más –respondieron las especies rockeras, al frases, mientras pensaba en que llenarían psicodélicas piezas. unísono. Los Tigres y los Cardenales ya el jacuzzi de pelos, exclamó para sí: ¡Super mejor ni preguntaron.

Furry Animals!

En ese momento, la Tierra comenzó a temblar. Adentro de la nave se desató la fiesta, con música y las Antes de zarpar Noé le pasó revista a las especies más pequeñas, que primeras cervezas destapadas. Noé pensó que el movimiento telúrico habían acampado en un rincón de la nave donde no los pudieran pisar. se debía al poder de las bocinas, pero rápidamente divisó a lo lejos a Habían hecho buenas migas la Mosca Tse–Tsé, la Alien Ant Farm, la Cuca (racha), Los Piojos y The Beatles. los responsables de semejante sacudida. Les pasó lista: Finalmente la nave zarpó, porque el Dios del R&R provocó una gran tormenta que llenó de agua la superficie del planeta. Todos se balancean, –Dinosaur Jr. ¡presente! borrachos y drogados, al vaivén de las olas hasta que un tal Juan Perro –Elefant ¡presente! se mareó y vomitó por la borda.

–Tu primo bastardo y naquito Elefante ¡presente!

–Mastodont ¡presente!

–¡Epa, ca...! –gritó desde el agua un Reel Big Fish, con la cara –The Jesus Lizard ¡presente! embarrada de whisky digerido –¡Si serás A.N.I.M.A.L.!

Noé terminó de palomear a las descomunales bestias cuando se percató –¡Uf, por poco me toca! –dijo la Whale, aliviada. que el reven en la cubierta de su nave comenzaba a salirse de control. –¿Y tú por que lloras? –le preguntó Noe, desde la superficie de la nave, El olor de una conocida hierba lo saludó de frente, por no mencionar que a otra criatura. un colectivo, el Animal Collective, se había apoderado de las tornamesas –Porque me quiero subir con ustedes –dijo entre gimoteos un delfín. y estaba mezclando las más psicodélicas piezas. Además, las tachas Así, con el Dolphin’s Cry como fondo, nuestros amigos reventaron por 40 días y 40 noches hasta que Noé fue capaz de mandar primero a un mezcladas con bebidas energéticas rolaban alegremente. “¡Ah, caray! ¿Estaré alucinando?”, se preguntó el fan de Dios, mientras Eagle Fly Free y después a unos Black Crowes para comprobar que la observaba desfilar hacia el interior de la nave un tal Ziggy Stardust and tierra se había secado. the Spiders of Mars. A la par, en el cielo, observó el aletear de una Iron Y una vez en tierra firme, las especies sufrieron la más horrible de las crudas. M Butterfly. “¿Arañas de Marte? ¿Una mariposa de acero? ¡Rayos!”.

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¿En qué se parece un castor a una prostituta?

En que ambos construyen su casita con su colita.

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Sensibles, complejos y músicos de verdad.

TXT:: Juan Carlos Hidalgo. FOT:: Sony Music.

Una base rítmica que casi de "refilón" roza el krautrock; capas de teclados antiguos. Los segmentos se quiebran y hay bajones que dejan la voz casi desnuda y un recomienzo a un tempo distinto.

Ahí está el fantasma del Bowie glam, pero no sólo eso, Ben Goldwasser y Van Wyngarden han decido demostrar al mundo sus capacidades y sus verdaderos héroes. Lo que suena es “Flash Delirium”, una de las piezas clave de Congratulations, el tan esperado segundo disco de MGMT, que no es otra cosa que un agradable desplante en pos del culto musical y en sentido contrario a las expectativas comerciales.

Los artistas suelen ser tan grandes como lo son las afluentes de las que abrevan –unos los reconocen, otros los ocultan–. El caso es que “Time to Pretend” y “Kids” quedan ya a años luz de distancia, quienes esperaban una repetición de la fórmula y no sepan asimilar los cambios sentirán una honda decepción. Aquí no hay esa veta nerviosa y radiactiva del primer disco; dieron un paso de costado para pensar con calma el siguiente movimiento y antes que optar por una cuantiosa recaudación, prefirieron presumir de su oficio como músicos, de su habilidad y sobre todo de sus preferencias estéticas.

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Congratulations es una obra mucho más ambiciosa, arriesgada y completa que su antecesor Oracular Spectacular Tras moverse a Los Ángeles para grabar (igual lo hizo LCD Soundsystem) establecieron su cuartel en Malibu, a la orilla del mar, para aglutinar ese gusto por los Beach Boys más psicodélicos –a fin de cuentas una recurrencia un tanto manoseada y por fortuna menor– en alternancia con la obra de un gigante como Brian Eno, al que le dedican un tema y del que han dicho que no lo podrán igualar jamás. Pero la parte fundamental y que incidió puntualmente en el disco pasa por su gusto por proyectos experimentales como Silver Apples y Spacemen 3, banda que al partirse produjo por un lado a Spiritualized de Jason Pierce y Sonic Boom de Peter Kember, un aferrado a la electrónica extraña, colaborador de Yo la tengo, entre un sinfín de agrupaciones.

Un escultor sonoro de gran visión, Kember es un teórico total del arte; su concepción contempla que: “hay una fuerte relación entre la arquitectura y la música. La proporción, las dimensiones, son muy similares. Un amigo mío llevó a cabo una investigación en la catedral de Lourdes, su estructura fue construida utilizando proporciones que se encuentran, supuestamente desde Pitágoras, en la mayoría de la música”.

Ideas como estas permean en su trabajo, por lo que el productor sumó su delirante universo al de por sí abigarrado entorno de los "brooklynitas" paseantes.

“Brian Eno” tiene cambios de ritmo abruptos, filtraje de voz, un sentido casi teatral y hasta un ligero tufillo al progresivo de la vieja escuela. Sin dejar jamás de ser pop; en un ejercicio que una vez más subraya sus amplísimas posibilidades y maleabilidad. Hay monumentos pop, galaxias pop, freak pop y con creatividad se obtienen creaciones nuevas que resignifican su procedencia y abogan por la autenticidad del autor.

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Los MGMT saben lo que hicieron: darse a respetar como músicos.

Y eso ya vale por mucho.

TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Los MGMT saben lo que hicieron: darse a respetar como músicos. Y eso ya vale por mucho. No los tentaron las cifras grandes y prefirieron afirmar su personalidad. No en vano también optaron por una figura de la llamada corriente "Low Brow" del surrealismo pop para elaborar la portada. Anthony Ausgang es un artista que en su propuesta cita a Itchy y Scratchy de Los Simpsons y más atrás, a la tira cómica The life in Hell de donde surgieron originalmente estos personajes.

Hay algo importante que se dice del Lowbrow y que también puede aplicarse a las canciones de los neoyorkinos: continuadores de las provocaciones de Marcel Duchamp y compañía, han cuestionado las distinciones entre arte elevado y bajo, arte fino y popular, y finalmente entre cultura popular y cultura refinada. En cierto sentido, el "Low Brow" consiste en explorar y criticar esas distinciones, y es por eso que comparte similitudes con el arte pop de la década de 1960 y principios de los 70.

Así, música e imagen cuestionan y especulan gozosamente. Andrew VanWyngarden y Ben Goldwasser retomaron aquel viejo lema con que Walt Disney sustentaba sus películas: deja siempre al espectador con ganas de más. Y si nos remontamos al terreno del arte, qué mejor que seguir los consejos del platinado Warhol: abandonar la mejor fiesta en su punto álgido.

Congratulations (Sony, 2010) es una obra mucho más ambiciosa, arriesgada y completa que su antecesor Oracular Spectacular (08), aunque no contenga sencillos tan coyunturales y explosivos como los que los encumbraron. Hay una búsqueda formal que permite dedicar otro tema a un colega: “Song for Dan Treacy”, es para el líder de Television Personalities, un tipo que se hace odiar y amar con igual facilidad.

Andrew Vanwyngarden y Ben Goldwasser retomaron aquel viejo lema con que Walt Disney sustentaba sus películas: deja siempre al espectador con ganas de más.

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“MGMT ofrece una nueva visión musical y aporta al pop mundial su manera única de inspirarse en la música de las cinco décadas pasadas. Sensible y complejo”. VanWyntergarden Igual hacen un tema instrumental para aludir a lo que no querían convertirse. “Lady Dada’s Nightmare” puede tomarse como un homenaje al movimiento que creó Tristan Tzara, pero también como un guiño a esa diva artificiosa y ramplona que es Lady Gaga. VanWyngarden precisa sobre la canción: “me he encontrado pensando sobre Lady Gaga o Kanye West, y cuál es su meta última en el negocio y en la vida “.

éxito los han perseguido. En un momento eran un par de estudiantes de la Universidad Wesleyana de Connecticut, grabaron como pudieron un Ep, escuchado por Steve Lillywhite, antaño influyente productor (clave en el desarrollo de U2) y hoy día ejecutivo discográfico. Firmados por cuatro álbumes fueron catapultados por el engranaje mediático y el resto es historia.

Cuando requirieron de una voz femenina allí estaba Jennifer Herrera, vocalista de Royal Trux, para lograr así otros registros. El escucha se queda con la sensación de que cada canción ha recibido diversos tratamientos hasta alcanzar una riqueza notable de elementos. VanWyngarden lo cuenta de la siguiente manera: “es una colección de nueve viajes musicales de intensidad e imaginación inusuales y de enorme coherencia sonora y temática. MGMT ofrece una nueva visión musical y aporta al pop mundial su manera única de inspirarse en la música de las cinco décadas pasadas. Sensible y complejo”.

Así lo ha percibido el periodismo más serio; para Playgroundmag: “Es innegable que donde antes había imagen, marketing y ganchos irresistibles, ahora priman las canciones, las ideas y el sonido”.

Para ratificarlo ahí está “Siberian Breaks” con sus más de doce minutos de duración y la aventura casi spaghetti western del tema que abre, “It’s Working”, con un juego de percusiones de fondo ideal para las secuencias fílmicas de Tarantino y que además incluye un pasaje de un teclado haciendo las veces de clavecín.

Quizá no vendan más del millón de copias como con su debut, pero ganarán el respeto del gremio y de los verdaderos degustadores musicales. Después de todo, el vértigo y el

Arrojo y atrevimiento caracterizan a VanWyngarden y lo mejor es que la pareja de creadores se sigue divirtiendo; explorando instrumentos y maneras de hacer las cosas. A fin de cuentas registraron las mejores canciones de que fueron capaces; ellas les satisfacen y cumplen sus anhelos: “Hemos tenido mucha suerte de poder encontrarnos y trabajar con algunos de nuestros héroes musicales de siempre.

Es magnífico estar junto a estas mentes musicales tan extrañas y asombrosas”.

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TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: cortesía Prensa Dana.

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Basada en una historia real sobre el secuestro de dos hermanos que son filmados en un encuentro incestuoso, Daniel & Ana es lo suficientemente explícita para que cada agente pro–censura la convierta en un éxito, recordemos que “no existe tal cosa como la mala prensa” y al contrario, cintas como El Padre Amaro recaudaron millones en gran medida gracias a la polémica que su temática frontal suscitó.

A pesar de que la cinta sugiere buscar auge en el sensacionalismo, la Opera Prima del director Michel Franco parece guardar varias lecturas: la más obvia es que pretende generar morbo en los espectadores, en segundo lugar se le podría atribuir una intención de denuncia, de narrar el grado de sordidez al que puede llegar el mercado negro de la pornografía; pero si nos atuviéramos a lo que el propio Michel Franco comenta, en realidad se trata de un análisis psicológico de los personajes, de cómo una familia “perfecta” es desgajada con un terrible incidente y la comunicación entre sus miembros se colapsa de un día para otro. La película se estrena el 7 de mayo y será muy interesante ver las opiniones que genera. Por lo pronto, les dejamos una entrevista con Michel.

Escribiste el guión de Daniel&Ana a partir de una historia verídica. ¿Cómo te enteraste de este perturbador relato?

Michel Franco: La psicóloga que atendió a los verdaderos protagonistas me conocía desde antes y creyó que me podía interesar el caso. Creo que ella fue muy atinada porque lo que me contó me cautivó de inmediato y al poco tiempo ya estaba yo escribiendo el guión. La primera condición para hacerlo era que nunca iba a conocer a los implicados personalmente, al menos que un día ellos así lo quisieran.

Tu trabajo previo tiene una cierta denuncia. Has hecho cosas sobre el tráfico de órganos, piratería, corrupción. ¿Crees que la historia de Daniel&Ana vaya por ese rumbo?

En realidad en este caso me interesó más la psicología de los personajes, su parte humana, su condición como personas, los contrastes que tenemos como seres humanos. Es cierto que hay una parte de denuncia porque es un tema del cual vale la pena hablar, pero no es mi intención primera.

Por lo fuerte de la historia debió ser difícil hacer el casting para elegir los actores, ¿qué encontraste en Dario y Marimar para saber que ellos eran los buenos?

A Darío lo conocí desde que tenía 16 años, sé que es alguien bastante maduro, inteligente, con mucha cultura cinematográfica. Marimar es una actriz bastante más hecha, con experiencia y muy inteligente. Pero creo que lo importante fue que en el casting hubo química entre ellos.

Las escenas de la película son bastante explícitas y fuertes. ¿Esperas que haya censura? ¿Sientes que afectará a su lanzamiento?

Para mi será todo una sorpresa ver qué ocurre. Yo hice lo que tenía que hacer, y filmé lo que tenía que filmar, ni más ni menos. Lo que sí es que traté de ser lo menos agresivo posible con el público.

Presentaron la película en Cannes y leí que no tuvo críticas muy favorables…

Como siempre no a todo mundo le va a gustar parejo, pero en general a los medios más especializados como Variety, Le Monde, gustaron de la película y hablaron bien, otros no tanto, pero ya el hecho de estar en Cannes es una especie de certificación o aprobación de un comité muy exigente. Me gustó que tuvo buenas críticas tanto de franceses como norteamericanos, y cuando la presentamos en el Festival de Morelia funcionó muy bien. Creo que el boca a boca ayudará mucho también. M

Dirección y Guión : Michel Franco Productor: Daniel Birman Ripstein Reparto: Darío Yazbek Bernal, Marimar Vega, Josémaría Torre Hütt, Monserrat Ontiveros, Luis Miguel Lombana Género: drama Año: 2009 País: México

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A diferencia de los animales, las relaciones sexuales incestuosas son prohibidas entre los seres humanos, y ese morbo ha generado una industria cinematográfica clandestina.

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Renoir: “Los productores quieren que haga las películas que hacía hace 20 años. No, soy otro. Ya no estoy donde me creen estar.”

Welles: “También decía que un artista debe estar 20 años adelante de su tiempo. Y esto era mucho más difícil para un artista del cine, ‘porque el cine insiste en estar 20 años detrás del público’.”

En el caso de Orson este análisis se torna evidente. De entre los reconocimientos otorgados sobresalen los que recibió –o negó– por el conjunto de su obra, por su vida como cineasta y no por una película en particular. Luego de luchar contra viento y marea, encolerizado ante la desidia de la gente detrás del dinero –los ejecutivos de los estudios–, la gente del cine reconoce su trayectoria pero continúa sin dejarlo filmar. En 1970 el festival de Venecia, en 1975 el American Film Institute, en 1978 el gremio de críticos de cine de Los Ángeles, en 1983 los premios David di Donatello (la academia italiana de cine), en 1984 el gremio estadounidense de directores de cine, en 1985 el National Board of Review y una estrella en el Walk of Fame (en el 1600 de la calle Vine), pero el que resalta su (o)posición ante los capos del cine de su país es la entrega en 1971 del Oscar Honorario “por la superlativa versatilidad artística en la creación de imágenes en movimiento”. No acudió a recibirlo. En su lugar, su colega John Huston agitó la estatuilla al decir que se la entregaría a Orson en España, mientras que éste veía la transmisión televisiva en vivo desde una suite del Beverly Hills Hotel. Según Peter Bogdanovich, al oír esas palabras en boca de Huston irrumpió riendo y dijo: “¡Te estaré esperando John!” No quiso darles esa satisfacción, tan dolido estaba de remar contracorriente.

TXT:: JP Riveroll.

Orson Welles murió en 1985 a los setenta años. Desde 1973, año de F for Fake, su última verdadera obra cinematográfica, dedicó su vida como siempre al cine, pero esta vez y hasta su muerte, sin fortuna. Al parecer, ni una sola película con él como director percibió ganancias; en general reportaron pérdidas y, casi siempre, críticas adversas.

Hasta Citizen Kane, a su estreno, fue un fracaso tanto crítico como comercial, ignorado o vapuleado. Años después, en parte gracias a la atención que André Bazin le dedicó a su filmografía, poniendo en relieve los aportes técnicos de sus películas así como la profundidad de su discurso, Welles es reivindicado a pesar de continuar por una senda maltrecha, con los grandes estudios hollywoodenses como sus infranqueables antagonistas. Hoy Citizen Kane es considerada por gran parte del establishment cinematográfico mundial como la mejor película de la historia del cine y su director el más grande cineasta de todos los tiempos –es decir del siglo XX–, según una encuesta del British Film Institute realizada en 2002.

A la muerte de Jean Renoir, su amigo y contemporáneo, Welles acompañó al féretro con unas palabras escritas para el Times de Los Ángeles, en febrero de 1979. Además de considerarlo como “el más grande cineasta europeo y probablemente del mundo”, Orson recuerda la recurrencia del número 20 en su conversación con él:

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En el texto escrito en ocasión de la muerte de Renoir, recuerda estas palabras escritas por el francés en su exquisita autobiografía, Mi vida y mi cine: “Cuando pienso en la lucha sin frutos de la que mi vida se ha llenado, me sorprendo de mí mismo. Tantas concesiones humillantes y sonrisas desperdiciadas. Y sobre todo, ¡cuánto tiempo desperdiciado!”

Como si la historia quisiera ponerse al corriente, es casi una broma de mal gusto la manera en que su filmografía ha seguido su curso después de muerto, como escritor (nuevas versiones de viejos proyectos), como actor (por su voz o porque algún productor resucitó celuloide apolillado), hasta como director (de documentales alrededor de alguno de sus muchos proyectos fallidos a partir de su material). Y ahora, gracias a que alguien recordó la grabación de un cuento de navidad declamado por Welles poco antes de morir, cinco bobinas magnetofónicas originales se recuperaron de la casa de Las Vegas del autor, Robert X. Leeds, en diciembre de 2008, se restauraron químicamente y se digitalizaron. Drac Studios compró los derechos de Christmas Tails, editada originalmente por el mismo Leeds en un tiraje mínimo, se negoció un contrato con los herederos de Orson Welles, y así una película en 3D que mezclará imágenes reales de actores con animatronics y creaciones digitales viene en camino con su inconfundible voz como narrador.

Orson hace eco de Jean para terminar su texto-homenaje del 79. Demos de nuevo espacio a esas últimas palabras, palabras que jamás perderán vigencia: “A la pregunta, ‘¿Es el cine arte?’ mi respuesta es, ‘¿eso qué importancia tiene?’... Puedes hacer películas o puedes cultivar un jardín.

Ambos pueden clamar ser llamados arte como un poema de Verlaine o una pintura de Delacroix... Arte es ‘hacer’. El arte de la poesía es el arte de hacer poesía. El arte del amor es el arte de hacer el amor.”M

En el documental Grizzly Man, Werner Herzog muestra la crónica de la vida y muerte de Timothy Treadwell, un entusiasta de los osos tan radical, que decidió pasar sus últimos días conviviendo con ellos.

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TXT:: Vicente Jรกuregui. FOT:: Carlos ร lvarez Montero.

Aguilera de La Barranca- En su estudio, Guitarra Espanola

Lalo Tex de Tex Tex- estaciรณn del Metro Aculco

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Pato de la Maldita Vecindad - ColonĂ­a Roma. Gibson Les Paul Standard

55 El que no se ha identificado alguna vez con un póster de algún héroe de la guitarra, que arroje la primera piedra. Por alguna razón, la guitarra es el instrumento más popular, y la simple imagen de un rockstar posando con una Gibson Les Paul o una Fender Telecaster, tiene garantizado un efecto narcótico inmediato. A nivel internacional, existen cientos de documentos fotográficos que retratan este fenómeno, pero hasta hace unos meses, en México no existía alguien que reuniera a los guitarristas mexicanos (hombres y mujeres) más representativos en la escena del rock. La idea le surgió a Marco Cataño y al poco tiempo se puso en contacto con el fotógrafo Carlos Álvarez Montero (quien ha colaborado para Marvin en varias ocasiones). El resultado es el libro de Liros, un ambicioso proyecto que ya se antoja coleccionable por la calidad que promete. Cada guitarrista es presentado a manera de díptico con su guitarra favorita y en algún lugar que sea representativo en su historia como músico. La selección de los guitarristas es bastante incluyente y en las páginas del libro conviven rockstars de todas las escenas: desde José Manuel Aguilera, Alex Otaola, Alejandro Marcovich y Paco Huidobro, pasando por figuras del rock urbano como Lalo Tex, guitarristas surgidos en los 90 como Tito de Molotov, Jonás de Plastilina Mosh o chicas guitarristas como Ali de las Ultrasónicas. Según nos comentó Marco Cataño y Carlos Álvarez Montero, la edición estará lista a mediados del verano que entra. Para calentar motores, les presentamos una plática que tuvimos con ellos en una tienda de instrumentos del Centro Histórico.

¿Cómo nació la idea de hacer un libro con fotos de guitarristas mexicanos?

Marco Cataño: Todo comenzó con una obsesión o fijación de crecer con música. Soy guitarrista y crecí viendo los pósters centrales de revistas como Guitar Player o Guitar World, donde salían muchos guitarristas de talla importantísima. Las fotos me parecían impresionantes y en algún momento sentí que era interesante hacer algo similar con guitarristas mexicanos. La idea comenzó a crecer muchísimo en mi cabeza y luego me acerqué a Carlos, que es un gran amigo y fotógrafo.

Suena como un proyecto muy ambicioso en términos de producción.

MC: Sí, es bastante complicado. Comenzamos a platicar acerca de lo imposible que nos parecía la producción de un proyecto así, pero luego se nos ocurrió resolverlo de la manera en que Carlos hace su obra, es decir, con una serie de dípticos en donde se muestra en primer lugar el retrato del sujeto y en segundo un full shoot donde se aprecia un entorno representativo para él. Lo anterior es muy interesante porque te da una visión introspectiva de la persona retratada.

Carlos, ¿cómo desarrollaste ese trabajo de dípticos?

Carlos Álvarez: Cuando me fui a hacer la maestría a Nueva York mi forma de trabajo cambió. De estar haciendo producciones comerciales con luces, etc., tuve que salir yo solo a la calle, con un exposímetro, y tuve que hacer las fotos con luz ambiente, todo fue más austero y sencillo. Entonces un día le mostré a Marco esto que yo hacía en Nueva York, lo vio y me dijo: “esto es lo que tenemos que hacer”. El proyecto inicial se comenzó a antojar imposible, era una producción que requería mucho dinero, en cuestión de logística era una locura. Si nos hubiéramos quedado con la idea de hacer una gran producción con muchas luces, asistentes, etc, etc., quizá todavía ni arrancaríamos el trabajo, pero con este nuevo enfoque, en dos días ya estábamos tomando las primeras fotografías.

Desde un principio pretendimos que el libro fuera lo más incluyente posible, pues es un libro que trata sobre el rock mexicano y sus múltiples sub–géneros.

Pato de la Maldita Vecindad - Colonía Roma.

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Jonaz de Plastilina Mosh - Vista Panoramica de Monterrey desde su restaurante favorito, Gibson Flying V, Fender Stratocaster

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Lo que nos interesa es mostrar la iconografía del rock mexicano ¿Cómo y quiénes eligieron a los guitarristas?

MC: Los elegimos entre Carlos y yo. Arrancamos con una lista de los personajes obvios, los que tenían que estar y que todos podríamos nombrar. Cada uno de nosotros podriamos mencionar fácilmente a 20 guitarristas que cumplan con los criterios que sinteticen el hecho de ser famosos, de tener un sonido importante, de tener una carrera de cierto peso y de tener una buena imagen. Este punto es muy importante porque nos interesaba que ellos se mostraran como nosotros imaginamos a un rockstar a la mexicana. ¿Hubo más personas en el proceso de selección?

Sí, de hecho nos aconsejamos mucho de los propios guitarristas, ellos mismos recomiendan a sus colegas. Por otra parte están los “campeones sin corona” es decir, guitarristas que en su época fueron importantes e influyeron cierta escena y no tuvieron la fama de otros que sí salieron de gira o aparecieron en revistas. Obviamente también hay algunas chicas guitarristas y no faltan los talentos nuevos. Desde un principio pretendimos que el libro fuera lo más incluyente posible, pues es un libro que trata sobre el rock mexicano y sus múltiples sub–géneros.

CA: Se trata de un libro de autor, no pretendemos marcar cuál es la historia, no queremos asumir la responsabilidad de que algo es de cierta manera, lo que nos interesa es mostrar la iconografía del rock mexicano.

También es importante recalcar que es un libro de diseño y de fotografía.

La gente que disfruta de ese tipo de ediciones lo disfrutará, no es un libro exclusivo para guitarristas.

MC: Nos interesa mucho la presentación que tendrá, no podemos escatimar ahora después de un proceso con este. Nos aseguraremos de que tenga un buen papel, con tapas de pasta dura, buenos colores… pero no queremos que sea un libro caro, al contrario, buscamos que tenga el máximo de calidad a un precio súper accesible.

Galo de la Cuca - Estadio Jalisco. Gibson Les Paul Custom

¿Cómo eligieron las locaciones?

MC: Les pedimos que piensen en algún lugar que tenga una relevancia personal y que lleven su guitarra preferida. Casi todo se logra sin managers de por medio, cada quien llega por su lado, o nos vemos en paradas del metro o del camión, sin mucho glamour de por medio, y al final todo se logra con mucha sencillez. M

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Mejor que una lente panorámica de 360 grados, el camaleón enfoca y mueve cada ojo de manera independiente, lo cual permite una vista completa para cazar a sus presas.

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TXT:: Pablo Segovia. FOT:: cortesía del Palacio de Bellas Artes.

Desde el 17 de marzo hasta el 11 de julio se expone en el Museo del Palacio de Bellas Artes “El mundo invisible de René Magritte”, retrospectiva sobre el trabajo del pintor belga que reúne 150 obras seleccionadas de museos y coleccionistas privados de varios continentes, y que ahora se encuentran repartidas en las 5 salas del recinto. Dada la importancia de las piezas expuestas, así como la magnitud de la labor de investigación llevada a cabo –la gestión tomó 3 años– ha despertado una gran expectativa, ya que es la primer ocasión en que se logra hacer una remembranza del artista en Latinoamérica.

René Magritte (1898-1967) es uno de esos artistas cuyo legado artístico, el significado y sus diversas interpretaciones, terminan por borrar cualquier vestigio de la persona que las creo –algo contra lo que se rebelaron y triunfaron Dalí o

Warhol–. La obra del pintor belga fue asociada con ese estilo desde que lo descubrió en París durante 1927. No obstante, el ideal de rebeldía y transformación que supuestamente caracterizaba al movimiento llevaba en su misma esencia, la paradoja de terminar por representar la banalización contra la que luchaba. Si la escritura mecánica o la plasmación cruda de imágenes del subconsciente fueron en principio certeros y desestabilizadores ataques contra un sistema reaccionario y alienante, poco a poco, el elitismo de sus miembros, la falta de un sincero compromiso de muchos de ellos con la problemática de la realidad circundante, pero sobre todo la nula capacidad de reflexión y responsabilidad sobre las formas y contenidos que su mismo arte proyectaba, terminaron por convertir al surrealismo en otro bien de consumo para el sistema, con la misma capacidad de perturbar y desestabilizar que podría poseer la pornografía; en una palabra: el surrealismo se había banalizado.

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Las luchas internas que condujeron al fin del surrealismo como movimiento artístico hicieron que Magritte regresara a Bélgica en los años 30, alejándose de las primeras líneas de confrontación e innovación estéticas, pero manteniendo siempre un signo onírico y turbador, de manera que ahora figura como uno de los grandes pintores surrealistas.

Aunque inscrito en esa corriente, su gran aportación fue dotar de un tratamiento conceptual al surrealismo, esencialmente formalista, donde forma e imagen se imponían a cualquier interpretación sobre el contenido.

La pintura de Magritte se identifica con facilidad por sus formas y composición. Un estilo figurativo y académico traza objetos de la vida cotidiana (pipas, paraguas, manzanas, rocas, esferas, hombres con abrigo y bombín, etc.) en una paleta de colores vivos y artificiosos, creando imágenes accesibles a

los sentidos, pero ordenadas en una composición desnaturalizada que rompe la lógica de la percepción entre un objeto y su contexto, provocando un violento conflicto a la vista y en consecuencia al intelecto del espectador. Ejemplos de ello serían los paisajes nocturnos bajo un cielo de pleno día, El reino de las luces; los objetos en un contexto que rompían las reglas de masa y espacio, El mundo invisible, Mundo familiar, Cheque en blanco; las figuras humanas sin rasgos faciales de La gran guerra, El hijo del hombre; o sus famosos

La obra de Magritte estaba condenada a la banalización cuando Dalí y Warhol establecieron una nueva forma de entender el valor del arte a partir de la imagen del artista por encima de su obra.

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2 Página anterior: El beso (Le baiser) 1951 • Óleo sobre tela • 59.2 x 77.2 cm • Museo de Bellas Artes, Houston • Donación anónima.

Esta página: 2 La voz de la sangre (La voix du sang) 1959 • Óleo sobre tela • 116 x 89 cm • Museo de Arte Moderno • Fundación Ludwig, Viena.

Página siguiente: 3 El canto de las sirenas (Le chant des sirènes) 1952 • Óleo sobre tela • 46.4 x 36.2 cm • Colección Menil, Houston.

4 Las aguas profundas (Les eaux profondes) 1941 • Óleo sobre tela • 65 x 50 cm • Colección particular, Houston.

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hombres con bombín en Golconda. La obra de Magritte fue una influencias iconográficas más importantes del mundo occidental en sucesión de formas y composiciones con variaciones de perspectiva los últimos 50 o 60 años, el precio a pagar es haber vaciado esas o tamaño, que proponían siempre la mismas cuestiones al variar sólo imágenes de su principal característica, virtud, y genialidad, su sus términos, pero nunca su significado mismo. No hay que olvidar significado o, mejor dicho, el misterio de éste. que Magritte sufrió el suicidio de su madre El poderoso magnetismo y la accesible Regina a la edad de 13 años, y que el hecho El mundo invisible de René Magritte. visualidad de sus imágenes pictóricas –y de haber contemplado la recuperación del 17 de marzo al 11 de julio la multiplicidad de interpretaciones que cuerpo del río al que se arrojó, ha llevado a Museo del Palacio de Bellas Artes sugerían sus perturbadoras composiciones– varios historiadores a sugerir que Les amants hicieron de su trabajo algo asequible de ser fue inspirada en el trágico acontecimiento. despojado de su posible significado para ser aplicado a diversos y ajenos En la década de los 50, Magritte ya disfrutaba de un prestigio intereses en el cine, la música, la literatura, y sobre todo en la publicidad, internacional que duró hasta su muerte en 1967. Cuando Dalí y Warhol sin mucho escrúpulo ni respeto para con su creador original. Quizá, un establecieron una nueva forma de entender el valor del arte a partir epitafio adecuado para Magritte sería un cuadro suyo pintado en 1928, que de la imagen del artista por encima de su obra –según el culto a la representa una pipa sobre un fondo neutro con la leyenda en la parte inferior personalidad individual, la obra de Magritte estaba condenada a la del lienzo, que da título al cuadro, “Ceci n’est pas une pipe” (Esto no es una banalización. Si bien el pintor belga se ha convertido en una de las pipa). M

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La obra surrealista de René Magritte incluye situaciones extrañas donde leones, aves y equinos son parte importante de la composición.

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TXT:: Lenin Calderón.

Tras el suicidio de Ian Curtis, el 18 de mayo de 1980, las muestras de respeto que a manera de tributo le rindieron otros músicos no tardaron en aparecer. En sus álbumes Organisation y Boy, O.M.D. y U2, le dedicaron temas. The Cure le ofreció “Primary” en Faith, y New Order varios temas en sus primeros discos, logrando que a menos de dos años de su muerte ostentara un estatus de ídolo. Los músicos más emblemáticos de su época lo admiraron, reverenciaron y, al estremecerse con su partida, lo inmortalizaron artísticamente.

De Swans a Durutti Column, de Psychic TV a Luca Prodan, la lista de músicos que homenajearon o rindieron tributo a Curtis y su música es larga. La extrema sensibilidad plasmada en sus letras acabó en muchos sentidos con el arquetipo del rockero duro, en cuyo mundo rudo el más chimuelo masca tuercas; y ni hablar de cómo remató a la figura ya decadente del punk rocker violento, insurrecto y, en el mejor de los casos, contestatario.

La lírica de Curtis seduce hasta la introspección, obliga al recogimiento para entonces develar los espacios vacíos y los rincones oscuros de la existencia. El que haya expresado la fragilidad de su estado de ánimo (y de salud) esquizoide lo alejó por un momento de las masas por freak, pero lo acercó al final porque estas terminaron por convencerse de que el extraño al otro lado del espejo es cada uno de ellos. Curtis es el primero en una lista de músicos –que incluye a Morrisey, Cobain, Thom Yorke y Chris Martin– cuya delicada sensibilidad terminó siendo aceptada en un negocio que presume derramar testosterona.

El libro Touching from a Distance que publicó la viuda de Curtis en 1995, la película 24 Hour Party People (Michael Winterbottom, 2002), la tan aclamada bio–pic de 2007, Control, dirigida por Anton Corbijn y el hace–tiempo–esperado documental llamado simplemente Joy Division, confirman que su mito está cada vez más "vivito y coleando". Muy

probablemente, esto se debe a que la historia de Joy Division y su vocalista está repleta de esos signos que la convierten en una leyenda, generando así un mito fundacional de la historia del rock. El origen de la banda es en sí mismo un capítulo épico: Curtis, Peter Hook y Bernard Sumner coinciden en un concierto de los Sex Pistols en Manchester, al que acudirían no más de 100 personas, en 1976 y deciden comenzar la banda que en un principio llamaron Warsaw, en referencia a “Warzawa” del álbum Low de David Bowie.

Se dice que el primer contrato que firmó Joy Division con el dueño de Factory Records, Tony Wilson, fue escrito con la sangre de éste. Unknown Pleasures de 1979 fue el primer LP grabado por el sello y apenas su décima producción. El tiempo convirtió a Factory en punta de lanza para la escena que se conoció como Madchester y en su catálogo había bandas clave como The Fall o Happy Mondays. El mítico club nocturno The Hacienda surgió en 1981 como una rama más de la disquera.

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La producción de su primer EP An Ideal For Living, no producida en Factory, estuvo a cargo de Martin Hannet, quien experimentó abundantemente antes de llegar al sonido que deseaba para la banda. El uso de filtros digitales y efectos como el delay lograron que la voz de Curtis diera esa sensación de distancia y confinamiento que sus letras anunciaban.

Para su primer LP, Hannet incluyó sintetizadores y más filtros para crear fondos casi orquestales y romper con el tabú punk en cuanto al uso de tecnología, sentando sin querer las bases de lo que sería New Order. El diseño de los álbumes de Joy Division corrió a cargo de otro clásico de la época. El concepto gráfico de Peter Saville dio en el clavo: portadas minimalistas, conceptuales, apoyadas en colores y símbolos con significados enigmáticos. La intriga era reforzada por discos que no incluían fotos ni información del grupo, sentando las bases del culto al no-look, gracia heredada y procurada en adelante por el mundo indie.

La película que vio antes de morir, Stroszek de Werner Herzog, el disco que aún yacía en el tocadiscos The Idiot de Iggy Pop, y hasta la nota que dejó antes de colgarse en la cocina de su casa “en estos momentos desearía estar muerto. Simplemente, ya no puedo más”, son referencias que hacen de su deceso una cuestión de culto al tiempo que martirizan a su persona (je).

La lista se extiende largamente con detalles como el que haya muros con mensajes como “Ian Curtis está vivo”, “R.I.P. Ian Curtis. Camine en silencio” o “1956-1980” que vuelven a aparecer siempre que alguien los borra; o que se hayan robado la lápida de su sepulcro que, a petición de su esposa, llevaba grabada la frase “Love Will Tear Us Appart”. Sin embargo, el fugaz pero intenso legado musical de Curtis supera por mucho cualquier memorabilia o información que a manera de trivia se ha generado en torno a su vida.

El fugaz pero intenso legado musical de Curtis supera por mucho cualquier memorabilia o información que a manera de trivia se ha generado en torno a su vida.

Las letras de Curtis contienen aún la furia del punk con el que comparten el desamparo y el desencanto de una sociedad en crisis post–industrial, que marginó a su juventud a través del desempleo y el hacinamiento en vastas unidades habitacionales, ambientadas por el color gris del concreto. El ruido del punk se convirtió en la expresión más humana y su ira en el sentimiento más vívido. Canciones como “In A Lonely Place”, “She’s Lost Control” o “Isolation” enfatizan, a través de ritmos mecanizados y líneas de bajo repetitivas, el claustrofóbico espiral de desolación de las letras de Curtis. La aparente imposibilidad de Ian por “conectar” con el mundo exterior es toda una ironía porque la elocuencia de su lírica lo ha convertido en una voz, con tintes de estertor, capaz de comunicar el sentir de varias generaciones dentro y fuera del mundo de habla inglesa.

Justamente, es esta capacidad poética la que hace imposible comparar a Curtis con cualquier animal. Sólo la especie humana produce arte y sólo ellos, hasta donde sabemos, se privan de la existencia usando su libre albedrío. Se cree que las ballenas y los elefantes también se suicidan, pero no hay pruebas. A fin de cuentas, ninguna de estas especies contó con un individuo que, como Judas Iscariote, les mostrara el uso del botón de auto destrucción y los tentara a emplearlo. M

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Por muy extraño que parezca, sí hay animales que se suicidan. Se trata de los lemmings, una especie de roedores que se lanzan al mar cuando sufren de sobrepoblación.

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TXT:: Erick Estrada.

En los orígenes del cine (cuando era sólo un instrumento científico) los animales eran cosa de todos los días. De hecho, fue una apuesta sobre si los caballos despegaban las cuatro patas al correr lo que desató un experimento que descompuso fotográficamente el movimiento de los equinos, para ver cuál de los dos vaqueros se ganaba una botella de whisky.

Cuando se descubrió la capacidad de ensoñación del cine, esos animales fueron metáforas de miedos, depositarios de cariños difíciles de explicar, o el de talentos que quisiéramos usar a placer.

El cine y los animales han establecido relaciones a veces muy oscuras, otras completamente desquiciadas, bestiales, monstruosas, rabiosas, irracionales, pero que hoy, se han vuelto memorables.

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Las películas de desastres son una delicia. Recordemos al monstruo de monstruos, King Kong, paradigma de las películas de terror no por las posibilidades de escenas gore, sino porque así como se presentó la primera vez, se convirtió en modelo a seguir. Es el lenguaje de los sueños el que predomina en ella (como en cualquier buena película de terror–desastre), y el gorila se convierte en una metáfora de una líbido desatada en un sitio donde todo es recto y adecuado; horror de horrores.

Después están todas las que le aprendieron algo, como Los pájaros de Alfred Hitchcock, donde la masa de aves sustituye al gorila enojado y hace de la apasible vida humana, un infierno en vida.

Sumemos otra que hasta huele a fin del mundo, El ataque de las abejas asesinas, que desde un psicodélico punto de vista planteaba la posibilidad de la extinción de la raza humana gracias a las abejas. Verla mientras tus primas gritan de horror le consigue un sitio al lado de Tiburón. ¿Tiburón es una película de desastre? Basta ver cómo quedan al final los protagonistas y su pobre barco, el Orca, para seguir en tono. De todos modos, ese gigante blanco, la búsqueda de la muerte del capitán, su presencia ausente y los sueños que a muchos les ha quitado, son el paso ideal a nuestra siguiente categoría.

Una vez se le ocurrió a un griego que las historias con moralejas serían más fáciles de comprender si usaran animales para representar vicios o virtudes. Muchos animadores han creído lo mismo y tenemos así a Dumbo y su historia de superación, materialización casi perfecta de todo lo que Disney intentó antes y ha repetido después en cuanto a historias vigorizantes (mucho más que Bambi, claro que sí); continuamos con Mickey Mouse y su comparsa, que al lado de Lassie hasta le ayudó al Pentágono a concretar una que otra campaña de reclutamiento. En conclusión, con cosas como Liberen a Willy o similares, animales y cine infantil es algo que resulta algo aburrido.

La cosa se pone bestial cuando observamos a los que por de fault son animales, hagan lo que hagan… y por supuesto ahora nos ocupamos de los que hacen cine.

Alguna vez existió una bestia casi mítica llamada Stanley Kubrick que, como buen animal sabio, no dejaba ninguna cabeza tranquila antes, durante ni después de sus películas, instrumentos necesarios para entender mucha de la animalidad de los humanos.

David Lynch, que tampoco es un dulce cordero, dirigió alguna vez un dramón intenso llamado El hombre elefante. Además del nombre, se En el apartado de horror–aventuras hermana con el cine de Kubrick y el se ubica una historia hermana resto de la filmografía de Lynch en El cine y los animales de Tiburón, se trata de Moby Dick, el rollo de explorar qué tan animales han establecido relaciones a veces una enorme ballena blanca que pueden ser los humanos en el muy oscuras, otras completamente es metáfora bíblica y de la propia aspecto moral. muerte. Es la obsesión del capitán desquiciadas, bestiales, monstruosas, En el lado amable tenemos a El Ahab (Gregory Peck en una libro de la selva y Baloo, que puede rabiosas, irracionales, pero que hoy, actuación bestial) y una contraparte presumir de haber sido el primer se han vuelto memorables. de King Kong. Aquél es la amenaza hippie en la pantalla, enseñando de la líbido desatada, mientras que además a toda una generación a ésta es la muerte que amenaza seguir sus desenfadados pasos. cuando no la vemos, más que cuando sabemos dónde está.

Si Baloo es para niños, tenemos que mencionar la contraparte para Ben, la rata asesina es un caso similar, pues entre el roedor (inmortalizado adolescentes, la histórica Animal House, un resplandor orgiástico en el en “Ben”, la insufrible canción de Michael Jackson) y su extraño dueño, que se muestra, a veces a lo surrealista, los niveles de placer a los que suman una serie de muertes de tal magnitud que sólo podemos se puede llegar. No es un discurso moralista pues aunque a muchos identificar a una como los bajos instintos encarnados del otro. pueda parecer exagerado, Animal House es el retrato de una generación Agreguemos a Marabunta, esa fiebre de la jungla materializada en (la de los 70) que sumergiría al mundo en una fiesta interminable, y hormigas carnívoras que llenó la tele de documentales sobre los antes que las generaciones siguientes pagaríamos con cruda y varias crisis trabajadores insectos. económicas. Desde ese punto de vista, Animal House es representativa Este paréntesis lo cierra La mosca, en la que un científico loco se vuelve de un época muy particular. Revisarla es un gran ejercicio para darnos aún más desquiciado cuando amanece con cabeza de insecto y tiene cuenta si ahora, como especie dañina, somo más o menos animales que vomitar para poder alimentarse. A pesar de todo, es una gran que antes. Las películas que hagamos ahora al respecto contarán esa historia de amor pues su fiel novia lo quiere hasta el final; si de encarnar historia en el futuro. miedos se trata, ésta es el miedo a la ciencia por sobre todas las cosas, Eso es lo que nos gusta del cine, que más veces de las que creemos, se como Frankenstein. pone animal y no hay manera de amarrarlo. M

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Como en la literatura, el cine tiende a presentar a los animales con poderes y atributos que en la realidad no existen.

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TXT: Regina Zamorano Licea.

Enfermos. Asesinos. Torturadores. Inhumanos. Éstos son los apelativos con que ciertos espectadores, críticos y miembros de las agrupaciones defensoras de los derechos de los animales han calificado a los artistas que los incluyen en sus obras. No importa que el objetivo sea precisamente denunciar su maltrato, consumo masivo o cosificación a ultranza; la polémica es obligatoria, pues levanta múltiples dilemas éticos y morales. La cuestión tiene demasiadas aristas para analizarse a fondo en este texto, pero es inevitable hacer cuestionamientos básicos al enfrentarse a los procedimientos de los creadores. Algunos los sacrifican en sus obras, otros encargan a especialistas que los cacen, los más decentes los buscan ya muertos o los sueltan después de las exposiciones, y otros más, incluso, los crían ellos mismos. He aquí un brevísimo bestiario del arte contemporáneo. Estómagos sensibles, abstenerse. Échenle la culpa a Duchamp

¿Qué sería de los niños (y no tan niños) malos del arte contemporáneo sin Duchamp? Una vez más, el inventor del ready–made se erige como el padre permisivo de quien es irresistible seguir el ejemplo. Con sus piezas “Torture-morte” y “Sculpture-Morte” (ambas de 1959), que parodian a las clásicas naturalezas muertas, Duchamp plantea la muerte de la escultura y la pintura. “Torture…” es una planta de pie elaborada en yeso, mientras que “Sculpture…” se compone de un amasijo de verduras fabricadas en mazapán. Las dos están habitadas por moscas y otros insectos, “atraídos” por la descomposición de las materias. De esta manera, Duchamp proclamaba el agotamiento de esos medios, planteaba, una vez más, que era hora de incluir la realidad (cruda y dura) en el arte, al tiempo que resaltaba la cualidad orgánica de éste con un toque de ironía. Sí, las obras y los géneros se desintegran, mueren; sí, las moscas van a ellos como a la carroña. Y, siguiendo la cadena alimenticia del arte, hoy en día muchos artistas nutren sus obras de carne fresca y cadáveres.

Jinetes sin cabeza

Retomando esta idea de que la vida debe ocupar el lugar del arte, el artista griego Jannis Kounelis metió a 12 caballos en la galería L’Attico, en Roma, en 1969. Miembro del llamado arte povera, que en palabras de sus fundadores no busca ser un movimiento, sino una actitud, Kounelis creó así una obra efímera, que escapaba por completo a los caprichos del mercado. El año siguiente, Bjørn Nørgaard, un artista danés, ejecutaba y descuartizaba un caballo en los hielos de Islandia en protesta por la carnicería que se llevaba a cabo en Vietnam y la inanición en Biafra. Tras el sacrificio, pequeños pedazos del animal se metieron en frascos vacíos de mermelada.

La pregunta que asalta en primer lugar a cualquier ser sensible, ya no digamos humano y —en el apogeo de nuestra raza— pensante, es si era absolutamente necesario llegar a esta violencia, porque, francamente, no cambió nada en el destino de las víctimas de Vietnam... Por otro lado, ¿qué se necesita para aniquilar a un ser vivo? ¿Inconsciencia? ¿Sangre fría? ¿Una gran cantidad de indignación? Puesto ante la posibilidad de matar impunemente, ¿qué haría usted, querido lector?

67 Siguiendo la cadena alimenticia del arte, hoy en día muchos artistas nutren sus obras de carne fresca y cadáveres. segunda vez en 12 millones de dólares (la primera fue en 2004 por ocho millones), pero del poderoso escuálido ya sólo quedaba la piel estirada sobre un molde de fibra de vidrio, por lo que Hirst se ofreció a reemplazarlo con un nuevo espécimen australiano.

Cría cerdos

Licuar o no licuar, ésa es la cuestión

Otro artista danés, pero de origen chileno, Marco Evaristti, puso al público ante esa disyuntiva en 2003. En el Trapholt Art Museum, de Kolding, Dinamarca, instaló varias licuadoras con peces dorados dentro.

Los visitantes podían o no apretar el botón y triturar a los peces. El objetivo era obligarlos a cuestionarse entre hacer el bien o el mal.

Sorprendentemente, una persona encendió una máquina y mató a dos.

De inmediato, el grupo Friends of Animals denunció los hechos, pero, basándose en los testimonios de un técnico de la marca Moulinex y de un veterinario, la corte resolvió que los peces no habían sufrido y absolvió al director del museo. ¿Habría sido diferente si hubiera sido otro tipo de animal? Seguramente. La sabiduría popular dice que “Hasta en los perros hay razas”. ¿O acaso alguien ha levantado la voz para defender a las miles de moscas que murieron en el Insect-o-cutor —un aparato que electrocuta a los insectos— de la obra “A Thousand Years” (1990) de Damien Hirst?

Tiburones en escabeche

Damien Hirst, el enfant terrible por excelencia de Inglaterra, fue catapultado a la fama en 1991, gracias al patrocinio de Charles Saatchi (Santo patrono de los Young British Artists). Con carta blanca y presupuesto ilimitado, Hirst encargó a un pescador australiano que cazara un tiburón tigre, el cual luego puso en formol para crear una magna obra filosófica titulada “The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living” (“La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo”). Su exhibición en la galería Saatchi le valió la nominación al premio Turner. No se lo dieron hasta 1995, por su “Mother and Child Divided”, una tierna obra que exalta el amor maternal de una vaca y su becerro, ambos cortados por la mitad y expuestos en vitrinas.

En 2006, su ícono de 22 toneladas, “The Phsyical…”, se vendió por

Quizá las provocaciones de Hirst ya no causen más que un hastiado levantamiento de cejas, pero hemos llegado a la fábrica de Wim Delvoye. Igual que una granja del enajenante juego de Facebook, el sitio web del artista (www.wimdelvoye.be) —quien comparte iniciales con Walt Disney y utiliza la misma tipografía— nos lleva de la mano por su Delvoyeland. El ingenioso belga comenzó a tatuar cerdos en los 90, en su natal Wervik, como un simple pasatiempo; 20 años después, sus obras se vendían en más de cien mil euros. A principios del siglo XXI, Delvoye decidió ampliar su imperio. Compró una propiedad a la que bautizó Farm’Art, en China, donde las leyes son mucho más holgadas que en su país y puede criar sus propios cerdos, a los que anestesia para decorarles la piel. Los dibujos incluyen personajes de las películas de Disney, su “padre espiritual”; motivos que aluden a la muerte, como temibles calaveras, e inauditos íconos religiosos: vírgenes, cristos y cruces. Delvoye los contrapone al gusto para crear diseños surtidos destinados a “ponernos incómodos”; tan originales como sus anal kisses, impresiones realizadas con esa parte del cuerpo, simulando besos, en hojas membretadas de distintos hoteles. Wim ofrece sus obras vivas o puede esperar hasta que los cerdos envejezcan para dormirlos, curtir la piel y enmarcarla. ¿Qué va a llevar? ¿Orden de carnitas o chicharrón?

Buffet chino

Nacidos del boom del arte contemporáneo en China, dos artistas de Beijing, Sun Yuan y Peng Yu, se unieron a finales de los 90 para crear un colectivo que se ha destacado por desafiar los límites del arte. Baste decir que han trabajado con cadáveres de bebés, una cabeza de anciano, sangre y, claro, animales. Sus obras son perturbadoras porque, a diferencia de los autores que hemos mencionado, Sun y Peng demuestran una indiferencia total al sufrimiento de los animales, “el dolor es un concepto humano” han dicho. Para “Aquatic Wall” insertaron peces, langostas y otros especimenes en hoyos hechos en una pared de 70 metros de largo.

Ahí atrapadas, las criaturas experimentaron una lenta muerte por asfixia.

Algo similar, pero aún más repulsivo sucedió en “Curtain”, donde 400 Kg. de langosta, 30 Kg. de rana toro, 30 Kg. de víboras, 20 Kg. de anguilas, todas vivas, fueron colgadas una sobre otra para formar una cortina inmensa donde sufrieron la misma suerte. Al final, la pregunta resulta la misma: ¿Es necesario matar a fuego lento cientos de animales para demostrar que nuestro consumo voraz es reprobable? ¿Quiénes son las verdaderas bestias de nuestra sociedad? M

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A pesar de que para muchas personas los cerdos son asociados con lo sucio, se trata de animales inteligentes, nobles y sí, ¡limpios como pocos!

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TXT:: Humberto Polar.

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Rolf Laumer es hijo de padre alemán y madre peruana. Excepto un par de años en la adolescencia, se crió y vivió toda su vida en Alemania. Siendo alemán, sus rasgos faciales son marcadamente sudamericanos. Un día, a los 12 años y empezando su estadía en un internado, los chicos le preguntaron su nombre. Él dijo: “Rolf” y sus compañeros le contestaron “pero tu cara no es de Rolf, te vamos a poner otro nombre”. Así que le pusieron Nu, una derivación de Nuhatsu, un ícono del skateboard de rasgos japoneses.

Hoy en día Nu es la identidad de un enigmático y talentoso compositor y performer de música electrónica basado en Berlín, que está vinculado como residente al mítico Bar 25 y a prestigiosos sellos como White, Our Vision y Pantamuzik.

Armé una banda llamada Viertelheimat, que significa cuarto hogar. El nombre es porque estaba una amiga de Vietnam, un amigo de USA, otro alemán y yo de Perú, así que esta banda era nuestro cuarto hogar. ❞ ¿Cómo inicias tu camino en la música?

Nu: Como a los 13 años, estaba obsesionado por tocar varios instrumentos y estuve en una banda en aquel internado. Componía en guitarra, trataba de tocar batería, piano, cantar (o gritar más bien). Me compré un minidisc y grababa absolutamente todo lo que sonaba y documentaba las visiones que tenía y trataba de tocar en guitarra.

Como tocaba muy mal todo, el minidisc era lo que me permitía hilar ideas y componer sobre algo que había tocado antes. Era muy obsesivo por documentarlo todo. ¿Cómo influye tu traslado a Berlín en tu manera de ver la música?

Cuando vivía en Frankfurt e incluso el tiempo que pasé en el Perú, me interesaba el deep house monotonal, que era la música que más oía en los clubes a los que iba en Frankfurt.

Esa es la música que empecé a componer, más melódica. Cuando llego a Berlín empiezo a recibir influencia del techno y del minimal que era omnipresente aquí. Yo tenía una percepción del techno quizás un poco prejuiciosa, a mí siempre me gustó la música suave y algo lenta, y Berlín me “ensució”, me hizo un buen lavado de cabeza y me hizo apreciar el techno.

¿Estudiaste ingeniería de sonido con la ambición de producir tu música o para dedicarte a esa profesión?

Mi visión era bastante grande cuando decido entrar a estudiar. Yo quería ser un sound designer y para hacerlo tenía que estudiar primero o ingeniería o 3 años en la escuela de música. Elegí la ingeniería, y finalmente obtuve mi diploma en Sound Design para películas.

Me interesan mucho los efectos especiales, la creación de frecuencias y sonidos que pueden existir con imágenes y lograr efectos emocionales en el espectador, el surround, todo eso me interesaba muchísimo. Al graduarme me dediqué con un amigo a montar un estudio y en ese trajín ya perdí el impulso de trabajar en películas, porque empecé a componer y ver un camino para mi música. ¿Cómo te involucras en la escena del dance en Berlín?

Aquí es donde decido empezar a tocar en vivo, a través de amigos que estaban activos en la escena. Quería tocar en vivo aun cuando no sabía hacerlo, así que fue a punta de insistir.

Armé una banda llamada Viertelheimat, que significa cuarto hogar. El nombre es porque estaba una amiga de Vietnam, un amigo de

USA, otro alemán y yo de Perú, así que esta banda era nuestro cuarto hogar. Tocamos muchísimo, pero todo autogestionado.

Aprendimos que nadie te va a llamar a tocar sino abres tú mismo un lugar en la escena, organizando tus propias fiestas, creando un grupo de seguidores, tocando mucho y logrando que la gente te siga por tu música.

Esa lección me quedó para siempre gestar mi espacio en la escena de Berlín y hacerme siempre presente.

Ahora tienes muchos proyectos diversos que empiezan a salir con consistencia...

Ahora me estoy concentrando en terminar producciones sin pensar tanto en el género... tengo cosas que suenan distintas aunque son música electrónica. Hay tanta música que he hecho y además que mis amigos han hecho que quiero impulsarla en un proyecto llamado Audioakupunkture. He empezado a sacar cosas en diferentes sellos, me está yendo bien. Pero ahora me interesa más impulsar la difusión de las cosas, que no se queden guardadas. Es difícil Berlín. Por un lado, es una ciudad muy abierta a todo tipo de música. Por otro lado, tiene que ser algo bueno precisamente por todo lo que hay. Para mí lo más importante es tomar las decisiones sobre la música que quiero sacar o tocar, impulsar mi sonido y el de mis amigos. Eso es lo bueno de no ser tan visible o tan “exitoso”, que te da mucho campo para experimentar y eso es lo que más me entusiasma. M

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El platillo más peligroso del mundo, originario de Japón, es el Fugu o Pez Globo, ya que si el chef no limpia bien los órganos tóxicos, el comensal podría morir en menos de una hora

reseñas música 3x1

80 70

Pavement Dag för Dag

Nada Surf

Quarantine the Past Matador Records

If I Had A Hi-Fi MarDev Records ★★★

El ejercicio de la apropiación. La experiencia que significa adueñarse de lo ajeno para transformarlo. Ningún artista está exento a la tentación que implica tomar lo de otro para imprimir lo que su autor no contempló. “Enjoy the Silence” de Depeche Mode aparece como la segunda escala de If I Had A Hi-Fi, un álbum que contiene una carga lúdica, generosa y desprejuiciada. La banda neoyorquina eligió una serie de canciones que le resultan favoritas como escuchas y músicos para replantearlas desde la trinchera de su estilo guitarrero. En un estudio de grabación en Austin, Texas, el grupo dejó listo en tres semanas este álbum que contiene –con excepción del cover ya mencionado– temas no muy populares.

“Love Goes On” (The Go-Betweens), “Love and Anger” (Kate Bush), “The Agony of Laffitte” (Spoon) y “Question” (Moody Blues), son algunos ejemplos de su gusto personal.

La selección sorprende también al incluir “Evolution” de la banda española Mercromina.

TXT:: Benjamín Acosta.

Bryan Ferry: Dylanesque. El dandy ex–Roxy Music se regocija con la poesía de Bob Dylan.

Patti Smith: Twelve. Una docena de recreaciones.

De Tears for Fears a The Rolling Stones.

Peter Gabriel: Scratch my Back. El otro lado de Radiohead, David Bowie y Arcade Fire, entre otros.

★★★★

Una banda que se mantuvo fiel a su carácter indie, envuelta con guitarras que parecían desafinadas en medio de una estructura polimorfa, desarticulada, casi atonal. Stephen Malkmus y su equipo resistieron el posible embelesamiento que producía la tentación de subirse al tren del grunge en los albores de los noventa. En todo caso, Pavement se situó en la frecuencia de los Pixies (“In The Mouth A Desert” es una canción que de manera fehaciente lo demuestra). Desde su debut Slanted & Enchanted (1992), el camino se delineó con claridad: melodías que a pesar de su nula complacencia resultaban llamativas. A propósito de su reunión, a más de diez años de la edición de su último disco de estudio –Terror Twilight (1999)–, el grupo californiano vuelve a la carga para hacer una extensa gira y reencontrarse con su público. De ahí que la aparición de este compilado que reúne 23 canciones remasterizadas, represente un buen pretexto para revalorar la carga pesada de su noise pop. Se incluye desde la más popular “Cut Your Hair” hasta cortes no tan conocidos que dibujan la geografía sonora del quinteto de Stockton. TXT :: B.A.

Flaming Lips: Transmissions from the Satellite Heart.

Desde el garage, el fruto de ese otro rock made in USA. Dinosaur Jr.: Where You Been. Un viaje al lado opuesto del grunge.

Pixies: Doolittle. Cuando la brújula indicaba la ruta hacia Boston.

Boo

Haldern Pop Records ★★★★

De la creciente escena sueca recomendamos escuchar con atención a Dag för Dag, dueto integrado por Sarah y Jacob Snavely. Su nombre puede traducirse como “día por día”, un dueto que gusta del factor de lo impredecible para ofrecer canciones que contrastan entre sí. De la intensidad de “I am the Assassin” y “Hands and Knees” –que nos hace recordar a Lush– a los senderos tapizados con hojarasca musicalizados por la melancolía que despiertan “Silence as the Verb” y “Traffic Jam”. La implosión continúa concentrando su efecto a través de “The Leather Of Your Boots” y la furia desatada por “Animal”. En resumen: el sol de medianoche provoca un inusual arcoiris que acompaña una tormenta no prevista. Es así como podría antojarse el paisaje sonoro diseñado por Dag för Dag. Dentro de Boo encontrarás un pop oscuro y potente con intervalos de languidez extrema. La apuesta es clara: dirigirse hacia los recovecos de la noche para interrumpir el sueño de los duendes.TXT:: B.A.

My Bloody Valentine: Loveless. El paradigma del shoegaze y el encanto del ruido.

XX: XX. El ángulo en el que convergen silencios y suspiros.

The Kills: No Wow. Dinamita para todo aquello que se acerque a lo cursi.

Clorofila

Corridos Urbanos Nacional Records

Torreblanca

Defensa EP

Independiente★★★

Relayted Jagjaguwar

★★★★★

Jorge Verdin, alias Clorofila y ex–integrante del ya extinto o separado –como lo quieran tomar– Colectivo Nortec, se aventura en el ámbito solista con Corridos Urbanos. En este álbum, Verdin demuestra que hace tan buena música que al escucharla sientes que algo se retuerce dentro de ti. Resulta increíble cómo la escuela Nortec sigue siendo tan prolífica aún diez años después de su creación, y este disco es prueba fidedigna de que en México tenemos uno de los más grandes talentos de la electrónica mundial.

Clorofila tiene la gran habilidad de convertir lo que pareciera una canción del tan afamado y controvertido género del corrido norteño, pero transformado en una secuencia de beats tan fina como bailable. Sin embargo, este lado más cercano a la fiesta es sólo una de las facetas de Corridos Urbanos. También podemos encontrar la no tan aclamada, la de electrónica para escuchar tumbado en el sillón o manejando por la ciudad hasta altas horas de la madrugada.

Tracks recomendados: el primer sencillo “Baby Rock Rock”; para el baile, “Arriba el novio”; la indispensable con bebida refrescante en mano, “4:15 am”; y por último, la que tiene el mejor título, “Naked Ladies”. TXT:: “El Jergas”

Juan Manuel Torreblanca ha venido actuando ya desde hace tiempo como músico de soporte para el acto en vivo de Natalia La Fourcade. Ahora con el lanzamiento de Defensa EP, comienza un viaje musical con su propia banda, a la que ha bautizado con su apellido: Torreblanca. El estilo por el que incurre es, como podría intuirse, un rock pop vestido con saxofones, acordeones, flauta y piano, una suerte de música clásica pasada por un proceso de actitud.

Son cuatro temas los que comprenden este breve EP; “Defensa”, el tema que le da título y primer sencillo, es una linda pieza que transcurre a lo largo de acordes de piano y tamborazos precisos; en este pequeño extracto, Juan Manuel cuenta además con la colaboración de la ya mencionada Natalia La Fourcade en “Largo”, canción de ritmo lento que parece mecerte al sonar de este par de voces privilegiadas.

A través de su twitter –@torrewhitey– JMT explicaba los infortunios y las dificultades que tenía para distribuir Defensa, el cual sólo podía conseguirse en contacto directo con el artista.

Afortunadamente ya se puede encontrar en cualquier librería–cafetería de El Péndulo.

Búsquenlo, el formato físico merece estar entre su colección, es uno de los mejores empaques y arte que he visto en este año.

TXT:: “El Jergas”.

Tijuana Sound Machine: Tijuana Sound Machine.

Proyecto conformado por Bostich y Fussible.

Latinsizer: Ritmo 55. El otro seudónimo de Pepe Mogt.

Matías Aguayo: Ay Ay Ay. Electrónica sudamericana fina y dulce.

Natalia La Fourcade: Hu Hu Hu. Gran disco que sigue dando de qué hablar.

Julieta Venegas: Otra cosa. Nuevo disco. Otro éxito.

La Banderville: Seminuevo de manzana. ¡Subiendo como la espuma!

★★★★★

Gayngs

Piensen en un solo de saxofón de Kenny G. Ahora imagínenlo acompañado de la fantasmagórica voz de Justin Vernon, haciéndola de corista del más allá. Así suena “The Gaudy Side Of Town”, el track abridor del disco debut de Gayngs. Perfecta introducción a un viaje musical como pocos. En Relayted todo suena extrañamente familiar y, al mismo tiempo, completamente nuevo. Con tanta gente involucrada el sonido no podía ser modesto.

El grupo está liderado por el productor Ryan Olson y los miembros de Solid Gold Zack Coulter y Adam Hurlburt, y cuenta entre sus invitados con el mencionado Vernon, su guitarrista de Bon Iver, Mike Noyce; Michael Lewis (saxofonista de Andrew Bird), Ivan Howard de Rosebuds y… mucha gente más.

Relayted es un recorrido difícil de describir.

La descomposición armónica de “False Bottom” poco a poco va trasformándose en una canción formal que podría vivir en el Odd Blood de Yeasayer. La elegante voz de Coulter se encarga de recordarnos constantemente a Brian Ferry en la inigualable “No Sweat”. La épica “Faded High” hace olvidar el sonido con el que empezó el disco. Un disco difícil de adjetivar, aunque decir que es imprescindible es bastante certero. TXT:: Rodrigo Rothschild.

Roxy Music: Siren. Brian Ferry es una especie de héroe de matiné rindiéndose a las tentaciones del sexo opuesto.

George Michael: Ladies & Gentlemen: The Best of George Michael. Sutileza, sensualidad y cursilería.

Solid Gold: Bodies of Water. Atmósferas tan melancólicas como bailables.

reseñas música 3x1

71

reseñas música 3x1

80 72

The Kissaway Trail Fang Island CocoRosie

Sleep Mountain Fang Island Grey Oceans

Sargent House

Bella Union ★★★

Las hermanas Bianca (Coco) y Sierra (Rosie) Casady se dedican a unas artes obscuras musicales todavía semi–ocultas para el gran público –y celebro que sea así–. Su magia y misterio deben reservarse para iniciados, para aquellos interesados en mitologías sonoras que provocan sobresalto e incertidumbre.

Para su cuarta entrega han dosificado un arsenal de juguetes y artefactos para privilegiar el piano, las bases programadas y los juegos de voz. Aun así, no puede decirse que hayan perdido el toque de barroco maligno que es el sello de la casa. Para sorpresa de propios y extraños han grabado lo más cercano a una pieza bailable, claro, siguiendo la línea mutante. Por otra parte, el tema “Fairy Paradise” trae la fantasía a planos terrenales.

Aunque residentes recientes de Nuevo México, han pasado por Buenos Aires, Melbourne, Berlín, Nueva York y París para grabar distintos segmentos de los once temas incluidos. Jugueteando con sus capacidades de intérpretes clásicas y sus nociones de hip– hop freak, se dan a la tarea de seguir contando fábulas alucinadas. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Es interesante ver cómo las combinaciones de las bandas actuales son lo más alucinadas posibles. Podía suponerse que en la ebullente escena de Brooklyn –acaparando la atención y creatividad– que darán muy pocos interesados en los pasajes sinfónicos y la guitarra de aire, pero no es así.

En este debut es como si un guitarrista intenso pero menos bizarro que el de Ratatat, se diera una encerrona con gente de Gang Gang Dance o The Walkmen. El resultado serían –de necesidad– canciones mutantes, quebradizas y retorcidas, donde los recursos de la mezcla contemporánea se usaron para abrir espacio a los juegos guitarrísticos.

Cada pieza tiene subidones por aquí y allá; coros tribales, teclados locos y esa atracción por la épica –tan presente, tan peligrosa–. Una agrupación más que proviene de la Escuela de Diseño de Rhode Island, cuyo enfoque musical va por la disonancia, la variación de intensidades y la fragmentación. Partieron de la idea de “hacer música para gente que le gusta la música” y en el camino desprecian muy pocas cosas. Con todas las demás hacen una amalgama que apuesta por la energía –casi heroica– que nos hacen sentir y celebrar. TXT:: J.C.H.

Con el próximo disco de Arcade Fire apenas a unos meses de ver la luz, las teorías del “compló” y el “sospechosísmo” nos llevan a pensar si no habrían filtrado el material con otro nombre para medir el impacto entre la gente.

Las coincidencias en sonido, orquestaciones e incluso en el timbre de voz –ese ya es el colmo– nos mueven hacia un caso de desdoblamiento de personalidad o clonación.

Ya desde su primer disco estos daneses no ocultaban cual era la cruz de su parroquia y la siguen presumiendo, utilizando como suyos esos coros casi eclesiásticos, la búsqueda de una épica turbocargada y un desparramamiento total de la energía.

Como en el cine, ¿alguna segunda parte fue buena?; como en el drama, ¿hay a quien le gustan los imitadores? Con todo, no faltan aquellos que les encuentran atributos diferenciadores, pero seguro gracias a mucha buena fe y una enorme lupa auditiva. Sí, las canciones son buenas; las melodías efectivas.

Consiguen su cometido, pero siempre como si el material fuera ajeno y ello es un pesadísimo lastre. Al menos entregan una versión singular de “Philadelphia” de Neil Young. Resulta una botana gourmet mientras esperamos el plato fuerte –y original– sazonado por los canadienses. TXT:: J.C.H.

Vermillion Lies: Separated by Birth. Otro dueto con orientación al dark cabaret.

CocoRosie: Adventures of Ghosthorse and Stillborn.

Probablemente su mejor trabajo a la fecha; al menos el más completo y ambicioso.

The Tiger Lillies: 7 Deadly Sins. La imaginería de cabaret sangriento revisa el ámbito pecaminoso.

Les Savy Fav: Let’s Stay Friends. Otros guitarreros salidos de la misma escuela.

The Buried Life: Reality de MTV. El sencillo “Daisy” fue usado para musicalizar los comerciales de la serie.

Gang Gang Dance: Saint Dymphna. Quitándole a Fang Island al guitarrista obsesionado con Brian May, la cosa andaría por aquí.

Seabear: We Built a Fire. Fábulas folk para niños perdidos a cargo de un vecino islandés.

Frightened Rabbit: The Winter of the Mixed Drinks.

Unos escoceses obsesionados también con la épica aplicada al rock.

Arcade Fire: Funeral. La fuente original de este extraño fenómeno de apropiación.

Sub Pop

★★★★

★★★★

Zoey Van Goey The Radio Department Jonsi

The Cage Was Unlocked All Along Chemikal Underground ★★★★★

Las tierras altas jamás nos han decepcionado, nunca su geografía menos su cultura y música.

Generación tras generación se siguen dando allí agrupaciones de gran poder evocador y que con un guiño nos transportan a otro plano sensible.

Paul Savage, 50 % de The Delgados, se mantiene atento a lo que ocurre en su terruño y el buen tacto le lleva a firmar para su propio sello a una banda que es toda calidez y cuya primer placa –autoeditada– merecía mejor suerte.

Los de Glasgow –sello de garantía– han logrado hacer sentir con sus canciones que se puede: “ser sin ser y esa inexistencia, esa inercia, será placentera, suplirá todo lo que necesitemos, nos entenderá mucho mejor que la vida, siempre tan confusa e impredecible”. Tanto entusiasmo no es para dejarlo pasar de largo, si a alguien le hicieron tanto bien algo deben de tener; este es el anzuelo que les tiro. Apoyados por Mr. Belle and Sebastian (Stuart Murdoch) en “Foxtrot Vandals” nos hacen flipar con el recuerdo de 10,000 Maniacs, que se acompaña de un puñado de canciones obnubilantes: “Sweet Hearts in Disguise”, “Two White Ghosts” y “Cottong Covering”, entre ellas. Ya lo intuyeron, aquí el indie–pop y el folk desparraman estilo y elegancia. TXT:: J.C.H.

The Delgados: Hate. Uno de los buenísimos discos del dueño de Chemikal Underground.

Belle & Sebastian: The Life Pursuit. Un antes y un después en la saga escocesa de la música.

10,000 Maniacs: Our Time in Eden. Natalie Merchant cantaba –y canta– como diosa; su banda hizo del folk una joya preciada y preciosa.

Clinging To A Scheme Labrador Records ★★★

Go

XL Recordings ★★★

Jonsi camina siempre con el corazón en la mano. Con Sigur Rós, creó la banda sonora perfecta para el alma, disectando sensaciones a través de atmósferas etéreas que han llenado lo más profundo de nuestras rutinarias almas en pena.

En esta ocasión, el líder de los hobbits islandeses toma el pedregoso camino solitario para presentarnos Go, una colección de canciones en la que deja atrás los balbuceos para parlar el idioma de las hamburguesas y McGiver, también conocido como inglés. El saldo es sumamente positivo, Go es un disco que podría haber sido una colección de canciones de alcoba, sin embargo, gracias a los arreglos de Nico Muhly y a las colaboraciones de su galán Alex Somers, los nueve introspectivos temas adquieren una densidad y textura sónica exquisita. TXT:: “Chelito”.

Sigur Rós: (). El paréntesis musical que los colocó a dos pasos del Olimpo sonoro.

Jonsi & Alex: Riceboy Sleeps. La primera co-producción de la pareja.

Múm: Sing Along To Songs You Don’t Know: Los hobbits vecinos y su nueva producción.

Regresan los mejores exponentes del pop etéreo sueco de los últimos años con su muy esperada tercera placa. Quizá el peor enemigo de esta banda ha sido la intermitencia, pues mucho tiempo ha pasado desde el excelente Pet Grief de 2006. En un 2010 plagado de excelentes propuestas dentro de los géneros entre los que se mueve esta banda (shoegaze, twee pop, electrónica) es difícil saber qué tanta repercusión pueda tener dentro de los ávidos tímpanos del respetable.

Podemos asegurar que esta placa no decepcionará a quienes la esperan con ansia.

Encontramos de nuevo todos los rasgos de sus bandas predecesoras (Saint Ettiene, My Bloody Valentine) y todos los ganchos pop están ahí. Quizá la diferencia más evidente es que ahora se trata de un disco más ambiental y reiterativo de la banda. Un buen álbum para empezar a disfrutar el horario de verano: para lamentarnos cuando nos tenemos que levantar y sigue siendo de noche y para salir al “reventongo” en la noche y tener al sol y la luna bailando al unísono. TXT:: “Chelito”.

The Jesus and Mary Chain: Darklands: La obvia influencia.

Beach House: Teen Dream: Pop etéreo de las grandes ligas.

Pet Shop Boys: Actually. La influencia oculta.

reseñas música 3x1

73

reseñas música 3x1

80 74

Madame Recamier

La Banderville Danny Elfman

Chocolate

Los Manejadores ★★★

El seminuevo de manzana Los manejadores ★★★

Con un sonido fresco, amigable y totalmente digerible se da a conocer Madame Recamier, autora de los temas que conforman Chocolate, un álbum compuesto de 8 canciones de melodías sencillas y bien trabajadas. Las cálidas tonalidades de la voz facilitan la interacción, las letras de los temas son mágicas –algunas de ellas en inglés–, y Madame nos habla del amor desde un punto de vista efímero, fugaz e interesante.

El track número dos titulado “Pam Pam track" es la muestra de un pop–indie muy bien llevado en cuestión de secuencias y tiempos.

El disco explora dentro de una gama de sabores dulces, por momentos sorprende con arreglos folk, guitarras divertidas y amenas.

El bajo y el piano son frecuentes, su sazón es como un aderezo perfecto en esta obra pensada para abrir brechas con un firme primer paso. El trabajo de producción es muy loable dentro del proceso indie, no hay mucha experimentación, sin embargo, dentro de los limites de cada tema hay cierta exploración y se siente la intención por aportar algo más allá de un simple verso. TXT:: Beto Rojas.

Natalia Laforucade: Hu Hu Hu. Belleza, precisión y ritmo conjuntan sonidos dentro de un bosque imaginario.

Lily Allen: The Fear. Sin duda la referencia más clara y directa a los tonos de voz transparentes y suaves.

Cat Power: The Greatest. Amor, soledad y angustia en canciones que son como tatuajes al corazón.

Sin lugar a dudas, La Banderville es uno de los grupos revelación de la escena actual mexicana. Nacidos en Satélite, ellos son Sofía, Cachi, Daniel, Ana y Dany. La banda suena a esa melancolía articulada desde un concepto basado en el desamor y la desconfianza. “A la distancia” es el tema que les ha abierto las puertas dentro de la escena nacional.

El disco cuenta con colaboraciones de muchos amigos, lo cual le da una esencia de amabilidad y amistad. Torreblanca, músico de Natalia Laforucade, es uno de ellos.

La voz principal transita en registros graves y tiene ciertas distorsiones, resalta por su sonido claro, con melodías que se apoyan en los coros, cosa que es un acierto ya que ese tejido coral va marcando los tiempos adecuados. Los arreglos son elementos clave en los temas, ya que son el contorno perfecto a un crucigrama musical contundente. Los miembros del grupo son virtuosos al momento de la interpretación, y la producción es muy sencilla, con matices por momentos endebles y sin sentido.

TXT:: B.R.

El Otro Yo: TRAKA TRAKA. Pasión, propuesta y misticismo en el sonido.

Secret Machines: Now Here is Nowhere. Virtuosismo diluido en pequeñas partes.

Los Daniels: Se renta cuarto para señoritas. Toma 1 explosión, toma 2 dinámica, toma 3 acción.

Alice In Wonderland OST Walt Disney Records ★★★

Danny Elfman es el músico de cabecera de Tim Burton, en su haber está haber creado el clásico tema de la serie animada The Simpsons, ganador de un premio Emmy por la banda sonora de Batman, y nominado constantemente al Oscar por su colaboraciones con diversos cineastas. En está ocasión, Elfman y Burton volvieron a trabajar juntos en la nueva versión del cuento clásico de Lewis Caroll Alice in Wonderland, producida por los estudios Disney.

El resultado es sobresaliente, de nueva cuenta Elfman nos tiene al borde del asiento de manera inconsciente al estar viendo la película (o consciente al escuchar el soundtrack), y las sensaciones son instantáneas con el transcurrir de los 24 tracks.

Definitivamente, Elfman ha vuelto a realizar un trabajo excepcional, el cual seguramente será recompensado con múltiples premios en los próximos meses. TXT: Orlando “El Chino” Oliveros.

Danny Elfman: Beetlejuice OST. Segunda hilarante colaboración entre Burton y Elfman.

Danny Elfman: Edward Scissorshands OST. La conmovedora historia de Edward y la excelente música de Elfman lograron una cinta memorable.

Danny Elfman: Batman OST. Impactante banda sonora ganadora de un Grammy.

Iron Man 2 Hombres de Mentes

Food, Inc. The Last Picture Show Dirección: Peter Bogdanovich Reparto: Timothy Bottoms, Jeff Bridges, Cybill Shepherd, Ellen Burstyn, Randy Quaid Guión: Larry Mc Murtry (basada en su novela), Peter Bogdanovich País: EUA Año: 1971 Un escritor recuerda su infancia, un director la adapta al cine.

Juntos traen de regreso una época perdida: Estados Unidos a inicios de la década del cincuenta, justo antes de perder la inocencia, poco después de intervenir en otra guerra mundial. Un tiempo olvidado que simboliza el fin de la pubertad norteamericana; The Last Picture Show se adentra en Texas, en un poblado de mínimas proporciones –pueblo chico, infierno grande–.

Con un elenco cargado de futuro, filmada en blanco y negro con soberbia belleza, el relato casi místico del descubrimiento sexual en plena pubertad inunda la pantalla. Relaciones maltrechas en el fango del descontento pelean por sobrevivir; matrimonios aguantan estoicamente el paso del tiempo o se desintegran, siendo la infidelidad la mejor válvula de escape. Y entre tanto, la amistad entre dos adolescentes se desvanece. Llega la guerra en Korea y el pueblo sigue, si bien la única sala de cine es forzada a cerrar sus puertas gracias a el advenimiento de la televisión. Acompaña al repertorio Hank Williams como protagonista de la banda sonora, reviviendo con su voz el tiempo que se ha quedado atrás. Valga la nostalgia para recordar. TXT:: JP Riveroll.

Director: Robert Kenner Guión: Robert Kenner, Elise Pearlstein, Kim Roberts Género: documental País: EUA Año: 2008 Ahora que la población infantil mexicana alcanzó el primer lugar mundial en obesidad, no estaría de más echar una mirada a este documental que se estrenará en cines el 14 de mayo. Porque, ¿cuánto sabemos de la comida que compramos en el supermercado y servimos a nuestras familias? En Food, Inc. el director Robert Kenner intenta develar la verdad oculta sobre la industria de alimentos en Estados Unidos, exponiendo un trasfondo mecanizado que, con el consentimiento del gobierno, ha permanecido escondido.

Si bien lo expuesto en la cinta sólo arroja datos a partir de un estudio aplicado en EUA, no olvidemos que mucho de lo que comemos en México proviene de allá y el costo que representa para nuestra salud y para la economía del país es alarmante.

Director: Grant Heslov Reparto: George Clooney, Jeff Bridges, Ewan McGregor, Kevin Spacey, Robert Patrick, Stephen Root, Stephen Lang, Rebecca Mader Guión: Peter Straughan Género: Comedia País: EUA Año: 2009 The Men who stare at goats es el título original de esta película dirigida por Heslov.

Desgraciadamente, en México lo “tradujeron” como Hombres de Mentes. Hubiera sido más divertido recurrir a una traducción literal y entonces se llamaría Los hombres que miran a las cabras.

Dicho lo anterior, digamos que esta cinta cuenta con un gran elenco y una trama bastante divertida –es una especie de película dominguera, pero lejos de ser un churro–. Sintetizando un poco, el guión trata sobre un reportero (Ewan McGregor) en Irak que se encuentra con una descabellada historia cuando conoce al soldado Lyn Cassady (George Clooney), quien clama ser miembro de un escuadrón especial de soldados jedis, unidad que emplea el poder mental y todo lo paranormal al enfrentar sus misiones. Según Cassady, hay un nuevo ejército cambiando la forma en que se pelean las guerras, pues una legión de “Monjes Guerreros” con poderes psíquicos inigualables puede leer los pensamientos del enemigo.

Director: Jon Favreau Reparto: Robert Downey, Jr., Gwyneth Paltrow, Don Cheadle, Scarlett Johansson, Sam Rockwell, Mickey Rourke, Samuel L. Jackson.

Género: Acción/Aventura País: EUA Año: 2010 Con un reparto magnífico llega este clásico de Marvel a las pantallas de cine. Robert Downey Jr. personifica por segunda vez a Tony Stark –además de su obvio alter ego Iron Man–.

Para comenzar, un aliciente que agradará a los seguidores del cómic es la introducción a la cinta de el “Capitán América” y “Los Vengadores”. Por otra parte, la musa de Woody Allen mejor conocida como Scarlett Johansson añade un toque de sensualidad en el papel de la Viuda Negra.

Ahora que el mundo sabe que el multimillonario Tony Stark es Iron Man, las presiones por parte del gobierno, la prensa y la opinión pública para que comparta su tecnología con el ejército se torna implacable. Sin embargo y pese a ello, Tony es reacio a develar los secretos de la armadura de Iron Man porque teme que esa información pueda caer en manos indeseables.

Con Pepper Potts (Gwyneth Paltrow) y James “Rhodey” Rhodes (Don Cheadle) a su lado, Tony forja alianzas nuevas y se enfrenta a nuevas y poderosas fuerzas.

75

reseñas CINE

dvd de culto

reseñas libros 3x1

80 76

Enemigos públicos

Historia argentina

El fondo del cielo

Dublinesca

Michel Houellebecq / Bernard-Henri Lévy Ed. Anagrama

Enrique Vilas–Matas Ed. Seix Barral

Samuel Riba se ha quedado sin la prestigiada editorial que era su proyecto de vida, su relación matrimonial está en jaque y, por si fuera poco, el dilema de la sobriedad lo atosiga –un sueño le anticipa que terminará bebiendo–. En pos de iniciativas que le lleven a la reinvención opta por viajar a Dublín en Bloomsday para rastrear todos los fantasmas joyceanos posibles. Es momento de enterrar a la gran puta de la literatura y decretar que la Galaxia Gutenberg está muerta también.

Vila–Matas se aleja de los escritores que ya no escribieron más para transfundirse en un editor que nunca lo hizo. La vida como literatura y viceversa continúa siendo la fuente de la que bebe el conspicuo catalán, que ha armado gran revuelo no sólo por abandonar Anagrama, sino por el parecido del protagonista –Samuel Riba– con Jorge Herralde, precisamente su ex–editor. El arte de ficcionar en estado puro por donde se le vea. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

James Joyce: Ulises. La gran novela devenida en fiesta popular irlandesa y pretexto para que Riba realice un salto inglés definitivo.

Samuel Beckett: Malone Muere. La figura del amigo de Joyce pulula de forma fantasmal a lo largo de la novela.

Eduardo Lago: Llámame Brooklyn. El autor aparece camuflado como uno de los amigos del protagonista.

Escasos libros poseen un comienzo tan contundente como este: “Querido Bernard: todo, como se suele decir, nos separa, excepto un punto fundamental: tanto usted como yo somos individuos bastantes despreciables”.

Quien dice esto es Houellebecq, el feroz novelista, autor de La posibilidad de una isla, y ni consigo mismo se muestra tibio y complaciente. “Nihilista, reaccionario, cínico, racista y misógino vergonzoso: sería hacerme un honor excesivo encasillarme en la poco apetitosa familia de los anarquistas de derecha; fundamentalmente, sólo soy un patán”.

Su compañero de intercambio epistolar es un intelectual de reconocido prestigio. BernardHernry Levi se inserta en las huestes de la intelectualidad con causa; responsable e ilustrada, erudita y dada a la buena vida.

Para este hombre siempre hay un móvil justificable, mientras el otro ha renunciado –aparentemente– a casi todo y se refugia en Irlanda. El intercambio de epístolas fue por medio del ordenador. Dos personalidades lucidas y polimorfas intercambian ideas y planteamientos sin abstenerse de ser mordaces y sarcásticos. Un libro de esos que ya casi no hay en estos días. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Bernard–Henri Levy: Las aventuras de la libertad. La historia de la intelectualidad francesa del siglo XX. Michel Houellebecq: El mundo como supermercado.

Un libro de ensayos que contribuyó a situarlo en el centro de la vorágine del pensamiento contemporáneo.

Lucie Ceccaldi: L’Innocente. Escandalosas declaraciones de la propia madre de Houellebecq, acusándolo de falsario, mercenario, mentiroso y canalla, entre otras lindezas.

Rodrigo Fresán Anagrama

Cuando se dice que los libros jamás concluyen definitivamente de escribirse, pareciera una vaguedad o un desplante del ego del autor, pero siempre hay excepciones, como está obra de Fresán, que con el tiempo ha ido creciendo mediante agregados, correcciones y por la vitalidad misma de las historias originales que lo conforman. Además, se trata de una primera entrega en la que el autor tuvo la capacidad –no se sabe que tan consciente– de plasmar en un sólo volumen las distintas líneas narrativas que después habría de explorar como novelista.

Publicada su primera versión a principios de los noventa, supuso un deslumbrante debut debido a la erudición (una especie de Borges pop) y recursos de –en aquel entonces– un escritor emergente.

Al tratar de entenderse a sí mismo (fue secuestrado a los 10 años, creció entre el exilio y el recuerdo) va desmenuzando distintos episodios de la saga nacional a la que debe su nombre, retales que van del pintoresquismo gaucho a instantáneas de la dictadura.

La guerra de las Malvinas, Perón, represión, futbol y los devaneos del rock argentino… todo confluye en el primer drible escritural de un estilista. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Ray Loriga: Lo peor de todo. Otro apasionante debut que traza cierto vinculo generacional entre autores latinoamericanos e hispanos.

Bob Dylan: Lyrics. Fresán fue el encargado de llevar a cabo la magna tarea de traducir y adaptar a Mr. Zimmerman.

John Cheever: Esto parece el paraíso. Este escritor norteamericano es muy apreciado por Rodrigo y su aliento sopla sobre la obra del argentino.

reseĂąas cĂłmic

77

reseñas GAMER

78 TXT:: Carlos Gutiérrez.

Super Mario Galaxy 2 Distribuidor: Nintendo Género: Plataformas en 3D Consola: Nintendo Wii Clasificación: E Fecha de salida: mayo 2010

El plomero más famoso del mundo está de vuelta al mundo que lo vio nacer: el de los videojuegos.

Ahora renace en el Nintendo Wii, donde veremos su magistral regreso gracias a la secuela del exitoso Super Mario Galaxy. El sistema de juego en 3D mantiene la innovación y exploración de los mundos, del primer juego, pero con muchas novedades como nuevas galaxias que conocer y diferentes retos a lo largo de la aventura. Yoshi, el gracioso dinosaurio, aparece de repente para acompañar a Mario. El juego es muy colorido a nivel visual, y en términos generales, es apto para todas las edades.

Sabías qué... Este juego se anunció en el E3 de 2009 y cuenta con los diseñadores Yoshiaki Koizumi, además del multi–galardonado Shigeru Miyamoto, creador de Mario Bros y pilar de Nintendo. Por otra parte, se trata del segundo juego en 3D en donde se puede jugar con Yoshi.

StarCraft II Distribuidor: Blizzard Género: Estrategia en tiempo real Consola: PC y Mac Clasificación: NR Fecha de salida: 2010

Aunque no hay fecha definitiva para este juego, todo indica que será durante 2010 cuando los millones de fanáticos de todo el mundo le podrán disfrutar. En una visita a las oficinas de Blizzard en Irvine, CA; pudimos meterle mano al modo de campaña y nos encontramos con un juego muy parecido al primer StarCraft, pero con suficientes innovaciones en la jugabilidad como para dejar enganchado a cualquiera. Ahora se pueden actualizar las unidades en un Laboratorio de investigación y contratar mercenarios en una Cantina.

La acción es muy rápida y la estrategia para lograr los objetivos es casi infinita. La campaña se centra en los Terran, quienes se verán enfrentados a los Protoss y en algunas ocasiones contra los horribles Zerg.

Sabías qué... El modo de un jugador contará con 29 misiones, de las cuales solamente 16 serán indispensables para el jugador. Aunque la mayoría de las misiones se llevan a cabo con los humanos Terran, algunas pocas será con los Protoss. En el modo multi–jugador en línea, se podrá elegir cualquiera de las tres razas.

TXT:: “El Jergas”.

Style Boost Idioma: inglés

A continuación, para celebrar el tema de esta edición de Marvin, una compilación de animales en Twitter:

www.styleboost.com Como siempre y como ya es tradición en esta sección, un blog de arte, fotografías, tecnología, tendencias, proyectos, publicidad, fondos de escritorio, moda y un infinito etcétera. Amo el diseño de Style Boost. Directo a bookmarks.

@ARCTICMONKEYS Sin introducciones

reseñas links

79

@ChemBros

Cuando de hacer electrónica, los Chemical Brothers son unos verdaderos “animales”. ¿O no?

@gorillavsbear

Sonidero TV Idioma: español www.sonidero.tv

Blog de música indie.

@helloseahorsemx Autores de “Bestia”, éxito instantáneo.

Gran blog especializado en una sola cosa: rock en español. Cómo le hacía falta a la red uno de este tipo. Te mantienen al tanto de lo nuevo que hay en la escena nacional e internacional, y por si fuera poco, cada mes regalan una compilación de grupos a los que hay que ponerles atención.

@patomachete

Ex-Control Machete. Ahora se pasea con su Contrabanda.

Besti–blog

@MurdocGorillaz No es un animal, pero twittea en nombre de un grupo de primates.

@snoopdogg Fo´shizzle my nizzle.

Idioma: inglés

www.besti-blog.blogspot.com El blog de Rob Da Bank, inglés, DJ, locutor, gurú musical, creador del Bestival, digger musical y exitoso hombre de negocios, es sin duda un blog que TIENEN que visitar. Hay entrevistas, MP3 de regalo, videos y lo más fresco del ámbito musical a su alrededor.

@theerealfdhc Felix Da Housecat.

@60tigres

Grupo regio de rock electro.

Descubre otros sitios de interés en nuestra sección Más más más. Visita www.marvin.com.mx

80

Andres Ibarra “Chelito” Coordinador de los Indie-O music Awards

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l 26 de mayo se llevará a cabo la tercer edición de los premios Indie–O, un encuentro que busca galardonar lo más destacado de la escena independiente mexicana.

Bandas, medios de comunicación, fans, managers y un largo etc., se darán cita en el Teatro de la Ciudad para descubrir a los ganadores de este año. Entrevistamos a Andrés Ibarra –mejor conocido como “Chelito”–, parte nodal en la edición de los Indie–O Music Awards, para que nos contara los por menores de la ceremonia.

¿Cómo nació la idea de hacer los premios Indie–O? La premiación surgió ante la necesidad de reconocer a toda una escena que no se veía reflejada en otras premiaciones o en otros espacios. De repente, nos tocaba ver que el artista “revelación” era un viejo lobo de mar con todo un equipo de management atrás de él. También ante la firme creencia de que la mejor manera de incentivar a una escena es reconociendo año tras año a sus actores más destacados.

Van por la tercera edición, ¿qué han aprendido en el proceso?

Hemos aprendido muchísimo. La lección más valiosa ha sido que la premiación debe adaptarse a lo que sucede allá afuera, debe mutar y saber reconocer en dónde se puede mejorar y qué oportunidades se deben aprovechar. Algo muy valioso es saber que poco a poco estos galardones van adquiriendo un peso específico muy importante, y esto se debe a que los Indie–O no le deben nada a nadie, y por ello, son un ejercicio muy noble. ¿Qué tanto han cambiado sus criterios para considerar a una banda como independiente?

El criterio es muy claro para nosotros este año: es independiente toda banda que no tenga el apoyo de ninguna de las cuatro disqueras trasnacionales. En años pasados éramos más laxos con esta definición, lo que generaba un debate muy valioso del cual aprendimos mucho.

Para esta ocasión decidimos hacer una distinción más clara, y creo que los resultados arrojados son sumamente positivos.

animalia

A fin de cuentas, el tan mentado término indie ha adquirido un sinfín de valoraciones importantes de considerar y respetar. ¿Qué tanto los ganadores adquieren cierta proyección?

La relevancia y legitimidad de una entrega de premios va de la mano con los años que se lleve realizando. A tres años de haber arrancado, creemos que tanto las bandas como los medios galardonados han adquirido poco a poco un papel más relevante, que de alguna manera les ha redituado en más tocadas, más interés mediático y más oportunidades de crecimiento. Paso a pasito, pero ahí vamos.

Cada vez hay más jurado…

Creemos que es mejor tener a más de 180 jurados (que representan de alguna manera todo lo que sucede alrededor de la República Mexicana) a tener sólo una especie de “grupo selecto” que tenga la tarea de legitimar todo el trabajo de la industria independiente. Más visiones, más pensamientos y más perspectivas hacen que los Indie–O Music Awards 2010 sean realmente un espacio único dentro de la industria. ¿Cómo te gustaría imaginar los premios Indie–O en 5 o 10 años?

Me gustaría verlos como una institución plenamente establecida, como un referente obligado en nuestro país. También me gustaría verlos acompañados de más premiaciones e instancias que reconozcan a todas las bandas que existen allá afuera, y que hubiera un vínculo institucional/gubernamental entre artistas, premiaciones, medios, etc.

Se cree que el gato es el animal más independiente, sin embargo, es la tortuga el animal que nace para jamás tener contacto alguno con su madre: sale del cascarón para arrojarse de inmediato al mar.