Revista Marvin 82:: el mundial

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Colaboran en este número:: Benjamín Acosta, Lenin Calderón, Natalia Cano, Érick Estrada, Arthur Alan Gore, Carlos Gutiérrez, Óscar G. Hernández, Juan Carlos Hidalgo, Andrés Ibarra “Chelito”, “El Jergas”, Üili Pimiento, Juan Patricio Riveroll, Rafael Toriz.

Fotografía: Synthia Franco, Nicole A. Klinckwort.

Marvin TV: :: Pedro Velasco pedro@lphantfilms.com :: Pablo Segovia pablo@lphantfilms.com

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VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD. Edición 82 correspondiente a: junio 2010. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.

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junio/2010

editorial

“El futbol le gusta a demasiada gente para no ser aprovechado de mil formas distintas”. Cuanta razón encierra este enunciado de Juan Villoro (Dios es Redondo, 2006). Aunque no estamos pensando en convertirnos en una revista especializada en futbol, el Mundial de Sudáfrica nos contagió lo suficiente como para hacer una edición que le rindiera culto al deporte más popular del planeta. Al final, esta fiesta contagia al mundo entero de anhelo, arrebato y pasión de una manera similar a la que un melómano, cinéfilo o sibarita siente cuando está frente al santo de su devoción. Para el medio tiempo, preguntamos a varios músicos sobre su afición al fucho, y ya sintiendo el silbatazo final entrevistamos a Band of Horses, Stone Temple Pilots, Cypress Hill, Emmy the Great, Camera Obscura, Chetes, Broken Social Scene, Rey Pila y Descartes a Kant. Esperamos que disfruten este número de Marvin y que, como dice Eduardo Engel y Patricio Navia, “!que gane el más mejor!”

Vicente Jáuregui

quiénes somos

Jorge Rizo Planeación de medios para campañas de derechos humanos junto con Naciones Unidas y ONG´s. Cohesión de organismos gubernamentales para programas sociales.

Locutor de radio para diferentes estaciones. Proyecto en línea www. lazycobra.net dedicado al análisis de publicidad y diseño en sus diferentes expresiones. Teórico y expositor en el fenómeno “zombie”.

Artemisa Her nandez Cronista y comentarista de música, apasionada y acelerada, de espíritu aguerrido y sonrisa fácil. A veces se tira al drama, (será porque está viva...), pero es capaz de reconstruirse en pocos minutos y salir adelante dispuesta. Como Pinky y Cerebro, a tratar de conquistar el mundo, con sus colores, su cara bonita y su cabeza llena de mariposas revoloteantes.

índice música

marvin.com.mx Marvin TV: Chetes

14 Rey Pila. Entrevista con Diego Solórzano.

16 Descartes a Kant. Segunda entrega de episodios bipolares.

18 Stone Temple Pilots. Entrevista exclusiva con Dean DeLeo. 20 Band of Horses. Cabalgata nocturna.

22 Camera Obscura. Matices de un mundo confuso y hermoso.

The Dears

24 The Dears. La armonía de pertenecer a una familia.

26 Cypress Hill eleva las raíces latinas.

28 The Libertines. De regreso a la guerrilla de Albión.

30 Emmy the Great. La Reina anti–folk.

32 Mundial metalero.

44 Broken Social Scene. El colectivo sigue creciendo.

Los Románticos de Zacatecas

48 en portada CHETES cine 54 EL SÓTANO Oda al cinematógrafo.

56 Karate Kid ¿Un atentado contra el clásico?

57 Profeta. El duro aprendizaje.

Más Más Más:

arte

El otro mundial.

Conoce más de esta singular selección que representa a cada país en la próxima justa mundialista.

58 Éramos Tantos vs Resto del Mundo Un homenaje al futbol desde el diseño gráfico

de fondo 34 El mundo es un balón 36 Rockeros y futbol 38 El lado oscuro del mundial

además

Lazy Cobra.

Un breve paseo por el mundo del diseño, la ilustración y la pintura.

¡Dios mío qué hago!

Conciertos, Exposiciones, funciones de cine y demás eventos en nuestra agenda.

6 Buenas Nuevas. Noticias de música, cine y arte.

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música

Esencia Marvin Sonex y Tito F DJ Set TXT:: Orlando “el chino” Oliveros. FOT:: Nicole A. Klinckwort.

El miércoles pasado se llevó a cabo una edición más de esencia Marvin, y en esta ocasión la banda elegida para desencadenar la fiesta loca fue Sonex, agrupación oriunda de Xalapa, Veracruz, que participó en la pasada edición del festival Vive Latino. La fusión entre son jarocho y rock embrujó a todos los asistentes creando una atmósfera que inmediatamente nos remitía a su ciudad natal.

Además de mostrar el impresionante dominio que tienen sobre sus instrumentos, Camil, Helio, Luis Felipe, Jerónimo y Daniel se han convertido en orgullosos portadores de la tradición musical y cultural del estado de Veracruz. Con un show donde el virtuosismo musical protagonizó la noche, hasta el zapateado tradicional fue ejecutado con la maestría suficiente para ganarles nuevos fans.

Cerró la noche Tito F, a quien además de haber escuchado en repetidas ocasiones con diversos proyectos musicales, en los últimos días lo hemos visto deambular por la ciudad con prominente barba.

El guitarrista y vocal de Molotov llenó el espacio del Imperial con un set que se alejó completamente de las fórmulas tradicionales, para explorar los terrenos sonoros de ritmos como el dub, hip-hop, new wave, y algunos acentos dark. Tito F no es un DJ cuyas mezclas prendan inmediatamente a la concurrencia. Se trata más bien de un cuidadoso seleccionador de piezas que llegan al inconsciente de los iniciados, de forma que, quien comprendió el lenguaje pudo encontrar el sentido y sabor de una noche que terminó con un peculiar ambiente. Para conocer a nuestro próximo invitado de honor y formar parte de este ciclo, estén pendientes de la edición número trece de Esencia Marvin en nuestra página web: www.marvin.com.mx

Tired Pony: Otro súper grupo Por alguna razón, de pronto se puso de moda que a los rockstars les diera por hacer súper grupos, y aunque generalmente acaben siendo proyectos fallidos (sobre todo en México), hay algunas excepciones como The Dead Weather, Audioslave, Them Crooked Vultures. Para arrancar las primeras olas de calor del verano, el vocalista de Snow Patrol, Gary Lightbody; la guitarra de Peter Buck de R.E.M.; el baterista Richard Colburn de Belle and Sebastian y el insaciable Scott McCaughey que toca con Young Fresh Fellows/Minus Five/R.E.M., se han reunido para fundar Tired Pony, una banda que lanzará el álbum The Place We Ran From para el próximo 12 de julio. El disco contará con invitados de lujo como Zooey Deschanel y M. Ward de She & Him, y Tom Smith de los Editors. En la página oficial de la banda ya se puede ver un adelanto del sonido inspirado en el alt–country de Wilco, Calexico, Lambchop, Palace y Smog, “las bandas que miran hacía la América oscura” remata Lightbody. Para darte un quemón de qué va esta interesante alineación. visita: tiredpony.com

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música

Si para el amor no hay edad, tampoco para las tornas Texto:: Raúl Bustamante | LifeBoxset.com • En LifeBoxset.com no pinchamos discos, pero sí te hacemos escuchar.

Siempre se ha dicho que la edad no importa, incluso conocemos decenas de bandas de rock legendarias que entre sus filas tienen a cantantes, guitarristas, bajistas o bateristas de más de 60 años de edad que aún lo hacen bien, muy bien. Pero un ejemplo que no mucha gente en México conoce, quizás porque aún no es lo suficientemente famosa en nuestro continente, es Ruth Flowers, la DJ de 69 años conocida en el mundo de la música electrónica como Mamy Rock.

La historia de esta abuela británica, que anteriormente se dedicaba a cantar, comenzó después de que asistió a un club londinense en el que su nieto festejaba su cumpleaños y donde ella, al contagiarse con la energía y vitalidad de lugar, decidió improvisar y pinchar algunos discos. Tal vez suena exagerado y algo disparatado, pero así fue. De hecho, fue tanto el apoyo que recibió que una de sus amigas la puso en contacto con Aurélien Simon, productor francés que le ayudó a pulir su estilo al mezclar canciones, así como agregarle el estilo de los lentes obscuros y la ropa brillante y llamativa.

La eterna discusión sobre si los Dj’s son o no músicos queda en segundo plano, pues lo interesante y realmente sorprendente es la forma en que alguien de 69 años puede convertirse en uno de los artistas más reconocidos y respetados, en este caso de las noches electrónicas de Francia, país donde Ruth Flowers ha desarrollado su carrera. Y aunque el plan de marketing que la rodea juega un factor importante, a todos nos queda claro que una abuela así de moderna, energética y “joven” es un claro ejemplo de la pasión por la vida y la música.

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cine

George Harrison desde Martin Scorsese TXT:: Artemisa Hernández En septiembre de 2007 se escucharon rumores acerca del documental de George Harrison que Martin Scorsese comenzaba a rodar. Después de casi tres años, Living In The Material World: George Harrison finalmente se encuentra en post–producción. El director de Goodfellas se alió con la viuda de Harrison, Olivia Arias, para definir el concepto del documental, que además de mostrar el tiempo que pasó con The Beatles, está centrado en el lado espiritual del músico fallecido en 2001. Entre algunas de las entrevistas que podremos ver destacan las de Paul McCartney, Ringo Starr, Eric Clapton, Eric Idle, Tom Petty, Yoko Ono y Phil Spector.

No es la primera vez que Scorsese lleva a estrellas de rock al cine, otros documentales que este reconocido director ha dirigido al respecto son The Last Waltz (The Band), No Direction Home (Bob Dylan), y la recientemente Shine A Light (The Rolling Stones), sumando el de George Harrison para estrenarse en 2011, tal vez conmemorando diez años sin la presencia terrenal del guitarrista de The Beatles.

Lo próximo de Tarantino TXT:: Sofía Márquez Moreno.

Tarantino siempre logra llegar al límite y resulta interesante saber qué trae entre manos. Por el momento, está confirmada la producción de Kill Bill Vol 3, con una historia que sucederá 10 años después del final y cuyo estreno se espera para 2014.

Por otro lado, Tarantino llevará a cabo el remake de la película de 1965, Faster Pussycat! Kill! Kill!, un clásico del cine de serie–B en el que tres strippers motociclistas buscan aventuras por el desierto secuestran y torturan a una pareja. Los nombres que han figurado para desarrollar el papel han sido Eva Mendes, la actriz porno Tera Patrick y hasta Britney Spears.

Además, corre el rumor de que Inglourious Basterds podría tener una precuela ¿Será que finalmente sabremos cómo se hizo el Teniente Aldo Reine la cicatriz en el cuello?

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Toy Story 3: Un estreno con nuevos personajes

Dentro de los cambios experimentados por el cine en los últimos años, Toy Story es todo un fenómeno que ya se perfila como un clásico del nuevo milenio.

La estética de animación 3–D por computadora, además de sus entrañables personajes cautivan a la gente sin importar su edad. Por esa razón, el estreno de la 3ra parte, programado para el próximo 18 de junio, ya se adivina masivo.

Con nuevos personajes que son revelados paulatinamente en cuatro pósters, la película trata sobre el ingreso de Andy a la universidad y las aventuras que la vida de adulto traen consigo. Lee Unkrich, editor de las películas anteriores y co–director de Toy Story 2, dirige esta nueva entrega, mientras Tom Hanks y Tim Allen volverán a encarnar la voz de los personajes de Woody y Buzz respectivamente.

arte

Museo del Chopo: de vuelta y remodelado FOT:: cortesía Museo del Chopo.

La espera ha sido larga, pero finalmente y luego de tres años y medio de retraso, el Museo del Chopo reabrió sus puertas el pasado 19 de mayo. El recién remodelado Museo Chopo llega con exposiciones de arte contemporáneo, sus acostumbrados talleres, conciertos y varias actividades más que ahora podrán llevarse a cabo con el nivel tecnológico que el arte contemporáneo demanda.

El nuevo edificio cuenta con seis galerías de 2 mil 238.5 metros cuadrados para exposiciones de artes visuales; un nuevo "Foro del Dinosaurio" con 216 butacas y un nuevo "Cinematógrafo del Chopo" para más de 132 personas. Estos espacios fueron construidos con clima, seguridad e isóptica adecuadas para sus presentaciones, además de equipos que permiten controlar iluminación, proyección y sonido en las salas.

Para celebrar la reapertura, las instalaciones se estrenan con el ciclo Apertura conformado por Afecto diverso / géneros en flujo curada por Karen Cordero, Defecto común / identidades en solución del fotógrafo José Antonio Rodríguez, y Efecto Drácula/ Comunidades en transformación curada por Víctor Zamudio.

Nace un nuevo Tamayo TXT:: Vicente Jáuregui.

Como parte de las celebraciones del Bicentenario, el Museo Tamayo inaugurará en agosto una sucursal en Atizapán de Zaragoza. Se trata de un ambicioso proyecto cuyo concepto es crear una caja abierta que se desdobla para invitar a los visitantes a entrar, explorar y conocer todas las partes de un museo. Las áreas de descarga y embalaje, de restauración y de bodega servirán como espacios culturales adicionales para que los visitantes entiendan el proceso por el que pasa una pieza de arte para llegar a su destino específico.

El arquitecto Michel Rojkind (seguro lo recuerdas como baterista de Aleks Sintek y la Gente Normal) de Rojkind Arquitectos –una firma mexicana que ha estado en los primeros diez lugares a nivel mundial–, partió de una peculiar idea para desarrollar el inmueble: los espacios culturales contemporáneos tienden a ser más protagónicos que el arte mismo, además de que “un edificio que se aprovecha de su entorno para distinguirse y transformarse de una forma simple a un símbolo potente, polémico, pero ideal para albergar este nuevo espacio”. De esa manera, su forma de cruz representa un híbrido entre funcionalidad y símbolo puro, pero desprovisto de cualquier interpretación artística. Aunque sin fecha de inauguración, se trata de un espacio al que vale la pena seguirle la pista.

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El mundial en 3D Llegó el turno de ver algunos partidos del mundial con la tecnología 3D. Sony compró los derechos mediáticos de 25 partidos del Mundial, y los usuarios de productos Sony como la pantalla 3D BRAVIA podrán ver el primer mundial de futbol en tres dimensiones. Además, el equipo de sonido surround permitirá vivir la experiencia de la máxima fiesta futbolera como si corrieras al lado de los jugadores.

Nokia nuevos modelos touchscreen Nokia siempre nos sorprende con gadgets diferentes que se antojan por eficientes e imaginativos.

Recién lanzó dos equipos pensados para que seas completamente feliz. Los nuevos modelos touchscreen Nokia 5235 y Nokia X6, son el mejor regalo que un melómano podría tener, ya que al tener la aplicación Comes With Music, puedes descargar desde tu teléfono o tu PC, de Nokia Music Store, más de 4 millones de canciones gratis incluyendo los clásicos y lo último tanto de las grandes disqueras como de las independientes, de manera que todos los géneros musicales, en inglés o en español, se hacen presentes.

Por si fuera poco, el Nokia X6, es WiFi y 3G, tiene memoria de 16GB, cámara de 5 MPX con lente Carl Zeiss y flash, con GPS guiado con voz de manera gratuita y muchas cosas más.

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Ctrus El balón del futuro El balón más avanzado de la historia llega en la víspera del mundial. Se trata del CTRUS, un balón futurista de sarrollado por AGENT, de diseño transparente que permite ver su esqueleto interior. Su chip GPS y RFID ayudará a los árbitros a tomar mejor decisiones, para evitar que las aficiones olviden la sensación de que el arbitro está vendido.

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A d i d a s e l z a pat o m á s l i g e r o La velocidad en el futbol nunca había sido tan importante. Pensando en esas situaciones Adidas creó el zapato F50 adiZero. Con la tecnología más avanzada y los materiales más ligeros, la cubierta SprintSkin crea una sensación de confort y ajuste dentro de la bota así como la ligereza y precisión al contacto en su parte exterior. La suela interna Ultra Ligth fue desarrollada para reducir el peso del zapato e incrementar la velocidad, y la externa Sprint Frame posee tachones triangulares que brindan una mejor aceleración y apoyo para los movimientos laterales.

Un m i l l a r d e f l o r e s s o b r e p a r í s Una tranquila mañana sobre las calles de París. Las casas de un pequeño barrio, pintoresco y apacible. Tonos azules que auguran un delicioso día en la ciudad. El sonido de un violín armoniza la salida de una mujer por una de las chimeneas de este escenario.

Un millar de flores rojas ascienden al cielo y complementan la fantástica armonía de esta pieza.

Así es como Kenzo promocionó su fragancia Flower. A través de una campaña que refleja la belleza del mundo exterior, una inteligente y fantástica forma de transmitir la esencia de Kenzo al ojo del espectador. Patrick Guedj, responsable de esta animación, se hace valer de un suave colorido en esta pieza, de la actriz japonesa Lika Minamoto y de la agrupación francesa Jill is Lucky para dar vida a la fragancia de Flower by Kenzo.

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Rey Pila

Entrevista con Diego Solórzano TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: OCESA-Sei Track.

son patriotas? El rock en tu idioma se murió hace mucho y además, fue la idea de alguien que dijo: “de aquí voy a sacar lana”. Como siempre, en este país somos patriotas cuando nos conviene. Cuando comenzamos a hacer las canciones de Los Dynamite en inglés, fue porque en ese idioma está la música que a mí me gusta. Yo nunca fui tan fan de los Caifanes o Café Tacvba, en ese momento a mí me gustaba mucho el Nevermind de Nirvana e hice las canciones intuitivamente con mis gustos personales.

La producción del disco está muy bien lograda, ¿te enfocaste mucho en cuidar el sonido?

Sí, eso es lo que más me gusta a mí. Como músico, hoy no puedes no clavarte en el sonido, en conectar pedales y experimentar con guitarras… creo que junto con la composición, eso es lo más importante. Yo le digo shoegaze a lo que hago aunque en realidad no lo sea, pero así le llamo porque todos los instrumentos, incluyendo los teclados, están pasados por pedales que forman una masa de sonido.

Yo le digo shoegaze a lo que hago aunque en realidad no lo sea.

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¿De dónde salió el nombre de Rey Pila?

Hay un cuadro de Basquiat que hizo con Francisco Clemente en el 84, juntos plasmaron frases sobre un lienzo y uno de los textos decía “King Batery”. Se me hizo cagado traducir batería como pila.

El disco tiene un sonido muy diferente a lo que hacías con Los Dynamite.

Antes escuchaba mucho la onda del Detroit rock–power, bastante Iggy Pop, Lou Reed, Television… son cosas que me siguen gustando muchísimo, pero a medida que vas creciendo evolucionas y comienzas a re– descubrir cosas viejitas como Marvin Gaye, Motown, Spacemen 3, My Bloody Valentine.

Ahorita disfruto mucho toda la onda del shoegaze… por otra parte también esucho Hawkwind, la banda de Lemmy antes de Motörhead, Erick Burdon… por eso el disco es súper setentero.

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¿De qué habla el disco?

No hay un tema en general, pero me comprometí mucho más con las letras. Con Los Dynamite era un chavito cantando de lo que veía, y ahora me parece más honesto cantar acerca de historias que a mí me parece deben tener un espacio para exteriorizarse, pero con una conciencia muy fuerte de lo que se está diciendo.

Los Dynamite fue una de las primeras bandas en cantar 100% en inglés y hubo algunas críticas –ahora cantas en inglés y español– ¿qué opinas de ellas?

La neta es que quienes piensan que no puedes hacer tus rolas en inglés porque eres mexicano están súper pendejos. No puedes juzgar así las cosas ¿por qué? Es como preguntarle a un pintor porque usa tanto cierto color. Si eres un crítico y quieres ser objetivo te puedes ir por otros lados, preguntar sobre cómo está grabada la música, cuestionar a qué se parece.

Además, ¿de cuándo para acá los críticos

Grabaste con Paul Mahagan (TV On The Radio, Yeah Yeah Yeahs, Liars, The National) en Nueva York, ¿cómo lo contactaste?

Sí grabé en Nueva York, pero hice toda la pre–producción aquí en México en mi casa. A Paul lo contacté por mail a través de la página www.breathingprotection.com en la cual también está Dave Fridmann (MGMT, The Flaming Lips). Le mandé dos rolas y le gustaron, después me pidó más y me dijo: “vamos a hacerlo”, entonces me fui a Nueva York para grabar diariamente durante un mes.

La pregunta obligada, ¿por qué se terminaron Los Dynamite?

La neta yo no me sentía contento como compositor, estaba muy limitado. Mucha gente dice que es caprichoso, y sí lo es, pero yo estoy en esto para hacer lo que me gusta, no para complacer a otras personas. Entre nosotros sigue habiendo una relación, pero en ese momento andábamos pensando en cosas distintas a nivel creativo y ya no había solución. M

Descartes a Kant Segunda entrega de episodios bipolares TXT:: Uili Pimiento. FOT:: Ana Tello.

Entre Guadalajara y el DF, entre shows en vivo y encerronas en el estudio de Intolerancia se está gestando el segundo material discográfico de la banda de Guadalajara, Descartes a Kant. Ya en su primera producción, Paper Dolls, misma que les abrió las puertas a importantes festivales como el Vive Latino, el Corona Music Fest o el South by Southwest de Austin, Texas, –donde compartieron escenario con Yeah yeah yeahs, Sonic Youth, Yo la Tengo y Explosions in the Sky, por mencionar algunos– se escuchaba un coctel de sonidos que pasan por el surf, noise, funk y swing, con arreglos carnavalescos, a una mezcla equilibrada entre composición y performance que lleva al escucha a niveles catárticos. Desde 2001 han estado presentes en la escena independiente, haciendo del contraste entre melodías y disonancia un estilo propio que puede ser tan dulce como siniestro. La dosificación del ruido de manera entretenida y cantable. En su andar entre los grandes y los pequeños foros platiqué con Sandrushka, cantante, guitarrista y letrista de la banda.

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Las nuevas canciones están enfocados en las filias mentales, las letras están basadas en enfermedades y anomalías sicológicas Sandrushka Petrova.

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¿Qué buscaron con los temas de este segundo disco? ¿De qué trata?

Sandrushka Petrova: Las nuevas canciones están enfocados en las filias mentales, las letras están basadas en enfermedades y anomalías sicológicas. Hablamos de enfermedades, pero no de las más supuestas y comunes. Por ejemplo, hablamos del síndrome de Peter Pan, de aquellos que se niegan a ser adultos. Musicalmente sigue presente –al igual que en el Paper Dolls– el contraste contextual. ¿Cómo fue el proceso?

Antes solía hacer primero la música y después hacía una letra que se me ocurría al respecto. Para este trabajo fue lo contrario, primero surgieron los textos y después los temas musicales que van de acuerdo a lo que estamos diciendo con palabras, por lo que se siente todo más amalgamado. ¿Seguirán los disfraces y maquillaje como parte del show? ¿Qué lugar tienen en el concepto de Descartes a Kant?

Por supuesto, el show visual va totalmente integrado a los temas de las canciones. Las bandas nos hemos dado cuenta que no solamente es tocar las canciones y ya. Hay que dar más. Nuestro show está basado en un concepto, no es nada más por disfrazarnos, pues perdería sentido. ¿Qué género no entraría su collage musical?

Cualquier género que pareciera no tener relación con nosotros representa un reto. Lo transformamos o le damos otro sentido y lo integramos a lo que hacemos. Por ejemplo, en este disco tenemos algo de hip–hop, un estilo que en el anterior disco no te imaginarías que entraría, pero le damos otro sentido, no lo hacemos de la manera tradicional.

Define la ciudad de Guadalajara.

En cuanto a conciertos está corriendo a la gente, la siento muy apagada. La gente consigue la música por Internet, ya no son los tiempos en que hacías todo por conseguir un disco y te tomabas el tiempo. Ahora es como lo que venga y a ver que sigue. Parece que no importan los contenidos, como que es ir a echar desmadre, ponerse pedo y ya.

Define al DF. “Chido”, tiene muy buenos lugares, es caótico, acelerado y muy agresivo, pero a la vez nos gusta eso y nos inspira a la hora de tocar.

¿Qué prefieren de tocar en los grandes escenarios y qué prefieren de los foros pequeños?

De los chicos nos gusta la energía que se genera teniendo a la gente cerca, es única. Pero también nos gustan los grandes. Es diferente la experiencia, aunque estás más lejos de la gente. La escena se está poniendo las pilas y va mejorando, aunque algunas bandas están ansiosas por resultados inmediatos y piensan que por tocar en el Vive va a cambiar totalmente su vida y no es cierto. Creo que muchas bandas no disfrutan la experiencia misma de tocar y hacer arte… no debería ser tan mediático. ¿Qué lugar tiene la radio?

Cada vez menor, pues la gente prefiere bajarse las canciones.

Los medios ahora buscan lo que pasa afuera. Mi generación está abriendo una nueva brecha gracias al Internet, lo cual también genera una sobre exposición. Sin embargo, creo que en el momento actual de la música, hay más pros que contras. Me tocó ver a la generación de mi hermano, cuando tenía una banda, pero realmente no pasaba nada.

Alguna banda que admiren o que les guste.

Hong Kong Blood Opera, en la que Memo, nuestro nuevo bajista toca la guitarra, Clondementto, de la que Jorge nuestro baterista era miembro, los Vicente Gayo. Go-go Frenezí, otro proyecto donde toco con Cristy, nuestra nueva tecladista. ¿Que tal se hallaron tú y Dafne con los nuevos integrantes?

Muy contentas, de hecho toda la gente que ha pasado por DAK ha dejado algo de sí y hemos estado muy felices el tiempo que estuvieron. M No todas las buenas intenciones llevan a buenos resultados, el foro pequeño en el que los entrevisté no tenía el equipo ni el escenario adecuados para la presentación de una banda profesional. La pilas, habría que ponérnoslas todos los actores de la escena.

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Stone Temple Pilots No es grunge, es sólo rock and roll

TXT:: Natalia Cano. FOT:: Cortesía de Warner Music.

Después de su paso como vocalista de Velvet Revolver, los diversos enfrentamientos que Scott Weiland sostuvo con el guitarrista Slash (mismos que le costaron su salida del grupo), y sus tan conocidos problemas con las drogas y los productos para bajar de peso, el cantante anunció en 2008 el retorno de los Stone Temple Pilots, tras limar asperezas con los hermanos Dean y Robert De Leo. Ya desde 2007 se habían dado los primeros acercamientos entre Weiland y sus ex–compañeros, luego de que la esposa de Scott, Mary Forsberg, invitó a los hermanos DeLeo a una fiesta familiar privada.

Junto a Alice in Chains, Pearl Jam, Soundgarden y The Melvins, Stone Temple Pilots es una de las bandas sobrevivientes del

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grunge, género musical emergido a finales de la década de los 80, popularizado en los 90, y cuya máxima aportación fue haber redefinido el sonido del rock. La línea musical de los Pilots siempre se distinguió por sus toques psicodélicos marcados en cada en sus cinco álbumes (Core, Purple, Tiny Music…, No. 4 y Shangri-La Dee Da), y el estatus de Weiland como un showman sin duda ha forjado de personalidad a la agrupación originaria de San Diego. En entrevista telefónica desde Los Ángeles, el guitarrista Dean DeLeo habló con Marvin sobre el regreso discográfico de los Stone Temple Pilots –de título homónimo y del que se desprende el primer sencillo “Between the Lines”– y sobre el “segundo aire” que vive el cuarteto.

No sé si las nuevas generaciones entenderán o no el grunge, de hecho, no había escuchado esa palabra en diez años. La verdad es que para mí sólo es rock and roll” .

Dean DeLeo

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Algunas de las letras que escribió Weiland tratan acerca de la muerte de su hermano y su proceso de divorcio, ¿qué otros temas abordan en este disco?

Sí, tenemos un poco de todo en este disco, hay algunas historias que encajan con varias situaciones personales del grupo.

El diseño del nuevo disco es de Shepard Fairey “OBEY”, ¿qué significa la mano emitiendo el símbolo de “amor y paz”?

Escogimos el arte con base en uno de los trabajos de Shepard. Es un gran artista, y la imagen que aparece en el disco representa nuestra actitud de ahora, justo eso, simboliza “amor y paz”.

¿Recuerdas el primer ensayo que tuvieron los Stone Temple Pilots después de seis años de separación? ¿Dónde y cómo fue?

Dean DeLeo: Sí, claro que recuerdo el momento, pero olvidé las canciones (risas), ¡estaba muy entusiasmado! Cuando nos juntamos para tocar dije: “No recuerdo nada de esto”. La primera vez que nos reunimos tocamos “Vasoline”, estábamos en un cuarto en North Hollywood en donde solemos ensayar. Fue muy bonito, estábamos en un lugar muy familiar que yo no había visitado en años.

Antes de la reunión de los STP, tu hermano (Robert DeLeo) y tú probaron suerte con Army of Anyone, una súper banda con Richard Patrick (Filter, ex–NIN) como vocalista, ¿cómo fue la experiencia?

Soy un gran admirador de Richard Patrick, ¡adoro su voz! Creo que es uno de los grandes vocalistas de la escena rockera. Fue una gran oportunidad de estar en una banda, no sólo con mi hermano, también con él.

¿Cómo definirías este “segundo aire” que vive la banda?

Esta nueva etapa es trascendente.

Antes de llegar a esta segunda vuelta, el grupo tuvo que superar una crisis interna que los llevó a romper relación con Scott Weiland…

Bueno, somos cuatro personas las que conformamos este grupo, y por ende tenemos que llevarnos bien y entendernos más, no es “Scott Weiland contra nosotros”.

Hablemos del nuevo álbum, prescindieron del trabajo de Brendan O’Brien, un viejo cómplice de los STP y quien produjo sus cinco álbumes anteriores. ¿Por qué tomar las riendas ustedes? Don Was (productor de The Rolling Stones) estuvo muy cercano a este proyecto…

Sí, esta vez mi hermano y yo produjimos el álbum, pero Don Was representó una gran influencia a la hora de decidir en las canciones. Fungió más o menos como réferi en una pelea de box (risas).

¿Qué opinas de esa oleada de reencuentros de las bandas grunge como Alice in Chains, ustedes y ahora Soundgarden? ¿Será que los más jóvenes entenderán lo que representó el grunge para toda una generación?

No sé, pero esta “ola de reuniones de bandas grunge", como tú le llamas, no significa más que una gran oportunidad para tocar. No sé si las nuevas generaciones entenderán o no el grunge, de hecho, no había escuchado esa palabra en diez años. La verdad es que para mí es sólo rock and roll.

Craig Kallman, de Atlantic Records, comparó recientemente el sonido de los STP con Led Zeppelin, ¿qué te parece eso?

No sé si los demás están de acuerdo con ello.

Es una declaración muy fuerte (risas).

Vinieron a México por primera vez en 2008 al festival Motorokr, ¿qué recuerdas de aquella ocasión? ¿Planean regresar al país con su nueva gira? ¡Claro que vamos a regresar! ¡La pasé increíble en México, fue tan hermoso! Amo a México. Lo que más amo de ustedes los mexicanos son sus valores familiares. Vivo en Los Ángeles, y hay una cercanía con su cultura, y sé que muchas cosas giran en torno a sus principios. En verdad admiro mucho que sean tan apegados a ellos. M

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Band of Horses Cabalgata nocturna TXT:: BenjamĂ­n Acosta. FOT:: Christoper Wilson.

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Lo que podría clasificarse genéricamente como rock americano, habita en los terrenos de esta banda que fue concebida de alguna forma en Carolina del Sur y que desencadenó su crianza en Seattle. Infinite Arms (Columbia) es como se llama su tercer álbum, con el que continúan una tradición particular que se ha convertido en fenómeno expansivo.

Dentro de ese universo conocido como indie – entre las vastas llanuras del country alternativo y el panorama desértico del rock sureño– es donde aparece este quinteto liderado por Ben Bridwell, un artista cuya voz se ha comparado con la hipotética combinación entre Neil Young y Wayne Coyne de The Flaming Lips. “No sé qué decir cuando me comentan eso. Creo que en todo caso es un halago porque se trata de músicos que son respetados y que además me gusta lo que hacen”, explica el también letrista cuyo rostro barbado marca la pauta para la apariencia de los demás integrantes.

En el pasado orbita el legado de Creedence Clearwater Revival y su arrojo al fusionar el cosquilleo campirano con el rock; mientras que en estos días bandas como Iron & Wine o The Shins, encargan de escribir canciones impulsadas por el efecto que produce tanto la influencia del origen como el entorno.

“No le llamaría tradición porque entonces quizás hablaríamos de una especie de escuela establecida, hasta cierto punto rígida y con algo que huele a obligación. Nos sentimos orgullosos de nuestros orígenes, eso está claro, sólo que nuestra música siempre ha obedecido a la espontaneidad. Hacemos lo que sentimos, no sé qué parte sea la genética relacionada con nuestros gustos, y qué otra se vincule con el paisaje que observamos y escuchamos”, opina Bridwell, quien se prepara junto con sus compañeros para una extensa gira, algunas fechas como teloneros de Pearl Jam y otras de Snow Patrol, parte del itinerario con el que cruzarán Estados Unidos, Europa, Japón y Australia.

Si bien este guitarrista y cantante tiene fama de bromista durante sus encuentros con la prensa, parece que en esta ocasión el asunto va en serio. Infinite Arms podría en algunos momentos representar el cierre de una trilogía inexistente, o al menos una de la que Bridwell jamás ha hablado. Desde el primer sencillo “Compliments” hasta “Factory”, “NW Apt” y el melancólico road–trip que significa “Laredo”; aparentan ser piezas de conexión con los discos anteriores. Existen semejanzas tanto melódicas como líricas con respecto a Everything All the Time (2006) y Cease to Begin (2007). Entregas impecables editadas por Sub Pop, el sello que todo mundo distingue como el responsable de creer en Nirvana antes de la furiosa oleada grunge, y del cual Band of Horses se ha separado tras el término de su contrato por dos álbumes.

¿Podemos hablar entonces de estabilidad?

No tengo duda. Creo que gracias a esa labor creativa todos nos sentimos más identificados con las canciones desde el inicio, por la forma como nacieron y crecieron. ¿Cómo fue ahora el proceso?

Cada quien escribió por su cuenta y después compartimos el material. Yo estuve en una cabaña en medio del bosque. Ahí me refugié antes de enviar las canciones a los demás.

Más tarde nos reunimos en Alabama para dejar que las ideas tomaran su curso. Ese encuentro definió todo.

Estuve en una cabaña en medio del bosque. Ahí me refugié antes de enviar las En Infinite Arms trabajan de nueva cuenta con el productor Phil Ek. Originalmente se llamaría canciones a los demás.

Ben Bridwell.

Night Rainbows y es el primero del grupo

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editado por una compañía transnacional. El resultado es la consecuencia de un proceso de dos años de composición y grabación que tuvo como escenario unos estudios de Carolina del Norte y Alabama. Sobre 30 canciones inició la depuración por parte del quinteto en el que ahora participan de manera más activa el baterista Creighton Barrett, así como Ryan Monroe (en teclados y guitarra), Bill Reynolds en el bajo y el guitarrista Tyler Ramsey. Marvin entrevistó al líder de Band of Horses, quien nos contó sobre el proceso de composición de Infinite Arms.

Es la primera vez que las canciones surgen de un trabajo colectivo…

Ben Bridwell: Es una combinación entre canciones mías y otras que fueron compuestas por los demás, pero en las que todos colaboramos. Pero sí, por vez primera puedo decir que la cohesión del grupo ha llegado a ese punto. Este disco me gusta más por eso, porque refleja la esencia de la banda en esa medida.

¿Phil formó parte de ello?

Sí, sacó lo mejor de nosotros en el estudio.

Tiene el sexto par de oídos que necesitamos y exprime la parte emocional de los sonidos.

Sabe muy bien lo que quiere que salgan de las bocinas al momento de tocar un disco. ¿Este álbum es más potente?

Quizá esa potencia sea producto de la cohesión.

Pero la melancolía no se quedó afuera. ¿Cómo percibes su sonido?

Tal vez ahora sea menos rústico, pero sin perder la esencia. Trabajamos muy duro con y sin Phil porque sólo nos acompañó hasta la mitad de la grabación, así que del resto nos encargamos nosotros. Por eso es que también ahora todo el proceso se convirtió en un asunto verdaderamente grupal. Las circunstancias terminaron por unirnos más. M

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Camera Obscura

Matices de un mundo confuso y hermoso TXT:: Daniel Segundo. FOT:: cortesía de 4AD.

Recuerdo la primera vez que tuve contacto con los sonidos de esta banda formada en el año de 1996 en Glaswow. Fue en un compilatorio promocional de la discográfica independiente española Elefant con el tema “Teenager”. El título era perfecto para definir ese sonido ingenuo y adolescente que por muchos años ha cautivado a montones de personas. El grupo conformado por Tracyanne Campbell, Carey Lander, Kenny McKeeve, Gavin Dunbar, Lee Thomson y Nigel Baillie le ha dado un verdadero sentido a lo que se entiende como rock independiente, mismo que da muestra de cómo

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desde esa trinchera un grupo puede ser un fenómeno comercial.

Estos músicos ya no tan jóvenes, han pasado por distintos sellos independientes entre los que se cuentan, Quattro, Troubleman Unlimited, Andmoresound, la ya mencionada Elefant, y la más reciente, la prestigiada 4AD, con la cual editaron en 2009 su más reciente disco de estudio titulado My Maudin Career. Este año han estado girando por el mundo, tocando en festivales como Coachella y también en la Ciudad de México, donde tuvimos la oportunidad de charlar con Kenny McKeeve, guitarrista y voz del combo.

Gracias por la entrevista, ¿cómo les ha ido en estos últimos meses?

Muy bien. Y la verdad nos hemos dedicado a viajar, viajar, viajar y viajar. Hemos estado mucho en Estados Unidos. También hemos ido a lugares maravillosos como Japón, Nueva Zelanda y Australia. Nos encanta viajar. Como nosotros pensamos que hacemos “música fotográfica”, el conocer tantos lugares nos da después la oportunidad de hacer bonitas postales sonoras para nuestro público.

Creo que poner un nombre como indie es como poner nombre a un licor, es decir, nosotros siempre causaremos el mismo efecto embriagante nos llamen como nos llamen.

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Tendré que hacerles la pregunta que les han hecho tal vez mil veces pero es necesario, ¿qué hay sobre nuevo disco?

Como te digo hemos estado en una gira intensa que apenas estará terminando en junio, y antes de hacer algo más tenemos planeado darnos un descanso. Para nosotros es muy importante disfrutar lo que hacemos, y si no nos damos ese descanso, seguramente no haremos un buen disco por cansancio.

Sin duda nuestro mejor escenario, festival o estudio de grabación para los próximos meses serán nuestras respectivas camas (risas).

Cuéntanos un poco de la actual escena musical de Glasgow.

Por alguna razón, Glaswow siempre ha tenido una escena de música muy interesante a pesar de ser un lugar muy pequeño. Las bandas normalmente están conformadas por chicos provincianos como nosotros que tocan en pequeños pubs y de un momento a otro están tocando en grandes estadios.

Lo que pasa en Glasgow ha sido un poco una influencia para la estática que de vez en vez tiene la música en el Reino Unido. Creo que mucho del sonido de Manchester se lo deben al aacuñado en el rock de Glasgow.

A diferencia de nuestra escena local, creo que la nuestra es mucho más festiva y no es tan solemne, lo cual siempre le ha dado un respiro a tanto conservadurismo.

Uno de los puntos clave de la música en Glasgow, es que hay una enorme escena de música electrónica en comparación con el rock, que es minoritario.

Nosotros no entendemos muy bien lo que sucede con la electrónica de Glasgow hoy en día, respetamos mucho a quines la hacen, pero en nuestro caso estamos demasiado viejos para bailar (risas).

Bueno, ya que la electrónica no es lo suyo, ¿qué tipo de música están escuchando actualmente?

Nos gustan mucho las nuevas bandas norteamericanas que incorporan sonidos de blues y country. Por supuesto nos gusta mucho la música vieja; últimamente, no sé porque todos los de la banda estamos obsesionados con Frankie Valli, al grado de que tal vez lo odiemos pronto (risas). También nos gusta mucho El Perro del Mar; cuando estamos de gira procuramos conectarnos a iTunes y bajar cosas nuevas. Nos encantaría poder conocer un poco más de música latina, así que si alguien está interesado se lo agradeceríamos mucho. ¿Y cómo es un día normal en sus vidas?

Somos tan grises cuando no estamos en un escenario, así que fácilmente puedes imaginarnos alimentando palomas en un parque (risas). Una de las cosas que procuramos hacer en el tiempo libre para seguir unidos como banda y amigos, es tener un plan de ir al cine una vez por semana y después comentamos la película; en realidad ese es el único contacto que tenemos los integrantes de la banda cuando estamos en Glasgow. Es un buen equilibrio que nos permite no odiarnos mutuamente.

Ya que hablamos de cine, ustedes tienen un documental sobre el grupo. Háblanos un poco sobre él. ¿Documental? ¿Tenemos un documental?

Sí, eso creo, lo acabo de ver en la red ¡Ahhhh, lo siento! Claro, nuestro documental (risas). Pues básicamente es un repaso de lo que hemos vivido en esta última etapa con el último disco. En él pueden vernos hablando y tocando. Creo que de alguna manera es como un video de amigos que por supuesto ha sido extensivo a nuestros mejores amigos que son nuestros fans. ¿Cómo pude olvidarlo? De hecho este material estuvimos presentándolo hace poco aquí en México, en una ciudad que nos gusta mucho llamada Guadalajara. El filme se estrenó en Channel 4 del Reino Unido y es obra de nuestro manager y un periodista musical llamado Paul Morley. Si quieren verlo está en nuestra página oficial y en YouTube.

El término indie es algo que los caracteriza y tal vez los define como banda. ¿Qué significa este concepto para ustedes?

Pues para ser sincero nunca lo he tenido claro, y la verdad a veces no me gusta invertir mucho tiempo en pensar al respecto. Creo que por una parte es la manera en la que haces negocios con tu música, y por otro lado, la libertad que puedes llegar a tener con respecto a ser tú mismo. Creo que poner un nombre como indie es como poner nombre a un licor, es decir, nosotros siempre causaremos el mismo efecto embriagante nos llamen como nos llamen. Me da un poco de risa este “nuevo” concepto llamado hipster, el cual para nosotros es una manera de vender y etiquetar a la juventud como si todos fueran lo mismo y no hubiera diferencia de pensamiento o emociones entre ellos. En nuestro caso hacemos lo mejor que podemos y hemos tomado los caminos que hemos creído convenientes, si eso nos lleva a que nos pongan una etiqueta está bien, no importa, lo valioso al final es el resultado, nuestra música. Somos más que un grupo de subcultura. M

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The Dears

La armonía de pertenecer a una familia TXT:: “El Jergas”. FOT:: cortesía de Arts & Crafts.

Los canadienses ofrecieron tres fechas consecutivas en la Ciudad de México, mediante una especie de residencia en el Pasagüero, un experimento, según dicen. Están por entrar al estudio para grabar la continuación de Missiles (2008), y este paso por nuestro país les sirvió para estrenar doce temas inéditos que vendrán incluidos, según su página oficial, en el “disco de sus vidas”. Marvin tuvo la oportunidad de platicar con tres de sus miembros –una fundadora, Natalia Yanchak; el que regresa oficialmente después de ocho años, Rob Benvie; y el nuevo y prometedor baterista, Jeff Luciani–. Aquí lo ocurrido horas antes de que subieran al escenario.

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¿Cómo están chicos? ¿Cómo los está tratando México?

Jeff Luciani: El trato es genial.

No es su primera vez en México...

Natalia Yanchak: Es la tercera para mí, y primera para Jeff y Rob. Entiendo que están trabajando en un nuevo disco y que entrarán al estudio en cuanto termine su viaje por México...

Rob Benvie: Sí, este viaje es una clase de experimento, ya que los últimos meses hemos estado ensayando y haciendo arreglos al acto en vivo, combinando tanto la experiencia de componer en el estudio como la de tocar frente a una audiencia. Así que ahora nos encontramos en una fase un tanto extraña pero excitante en la que llevamos la nueva música a la gente, es por eso que escogimos al mejor público del mundo para esto, el de la Ciudad de México. Es un ejercicio interesante, no hemos tocado estos temas en vivo nunca antes, es una aventura para nosotros, esperemos que también lo sea para los que asistan. ¿Por qué tocar en tres fechas diferentes?

N.Y.: Queríamos tocar en un lugar pequeño, íntimo, y asegurarnos de que todo aquel que asistiera pudiera ser capaz de ver y disfrutar el espectáculo.

Cada uno de estos conciertos será grabado en video...

R.B.: Una de las cosas que queremos hacer con la grabación del nuevo disco es documentar todo el proceso, hacerlo claro y transparente, es por eso que también estamos muy al pendiente de actualizar el sitio web y de grabar mucho video y audio. Supongo que más adelante, cuando estemos listos, decidiremos qué hacer con todo ese material. ¿Dónde planean grabar este nuevo disco?

N.Y.: En Montreal, en un estudio llamado Mixart.

¿Quién les ayudará en la parte de la producción y mezcla?

N.Y.: Tenemos a David Schiffmann que mezclará el álbum y ayudará en las sesiones de grabación; y por otro lado a Tony Hoffer que nos ayudará a darle forma a las canciones y sacarles brillo. ¿Qué sonido tienen preparado para el disco?

R.B.: Creo que si conoces a The Dears, no te decepcionará, hemos estado trabajando mucho en sonar más ensamblados como banda. Es difícil definir a que sonaremos en una sola palabra porque aún estamos tratando con ello, sabemos que queremos ser muy ambiciosos con el rango de estilos musicales en que nos moveremos, creo que habrán algunas guitarras, cuerdas y un poco de voz (risas). Lo que mejor puede definir a The Dears es la voz de Murray y todo lo que la apoya, así que esperen canciones épicas.

varios aspectos para terminar el último disco, Missiles, y tú sabes, Murray es la mente maestra detrás de The Dears, nadie de nosotros duda de ello, lo que él quería era lograr una alineación de ensueño y lo que hizo fue acercarse a gente como yo y Roberto (Arquilla), quienes ya habíamos sido parte de esto, así como a Jeff Luciani a quien conocíamos por su buena reputación como baterista.

J.L.: Cuando comencé a tocar con The Dears, Murray estaba muy emocionado con esta alineación, era algo que de verdad deseaba mucho, el tener a Roberto y Rob de vuelta en la banda, y el oírlo hablar con tanta emoción de esto fue algo que me cautivó, así que acepté la invitación.

R.B.: Creo que The Dears es más que una banda, a veces pienso que es una familia, un gran proyecto que se convirtió en una familia.

N.Y.: Yo siempre hablo de esta banda como si fuera una familia, porque creo que debes tener una conexión emocional y espiritual con tus compañeros, una conexión similar a la que tendrías con hermanos que casi nunca ves. Sabes que no están ahí pero te sientes unidos a ellos.

Escogimos al mejor público del mundo para esto, ¿Cómo va a funcionar este regreso a The el de la Ciudad de México Dears, serán apoyo sólo para el acto en vivo Rob Benvie de The Dears o entrarán al estudio para el nuevo disco?

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¿Ya tienen título para el nuevo disco?

R.B.: No, aún está por definirse, pero no nos preocupa eso por el momento, la mayoría de los padres no nombran a sus hijos hasta que estos nacen. ¿Cómo fue el acercamiento por parte de Murray para que ustedes (Rob, Jeff) volvieran a la banda?

N.Y.: Bueno, me pidió que me casará con él, así que en realidad no me puedo ir. (risas) R.B.: Yo era parte formal de la banda hace ya un tiempo pero tuve que dejarla por razones personales, aún así nunca me separé totalmente de ella, siempre estuve cerca para servir como consejero de Murray, le ayudé en

R.B.: Desde el principio decidimos que todos ayudaríamos, que estaríamos tanto dentro del estudio como en el acto en vivo mientras dure lo que tenga que durar. Estamos juntos, muy unidos y con la moral en alto. ¿Cuantas canciones componen el nuevo disco?

N.Y.: Pues en estos tres conciertos tocaremos doce, pero en total hemos escrito alrededor de treinta a diferentes niveles de producción.

Una parte de hacer estas presentaciones en México es el propósito de probar las canciones en vivo, ya que comúnmente lo que haces es totalmente lo opuesto, primero las probamos en estudio y después nos ponemos a pensar cómo se traducirán en vivo. Veremos qué sí funciona y qué no. M

hay más de THE DEARS Puedes verlo en marvin tv

marvin.com.mx

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Cypress Hill Elevan las raíces latinas TXT:: Natalia Cano. FOT:: cortesía de EMI.

Cypress Hill empujó los límites musicales, y en su octavo álbum Rise Up, buscó demostrar que no es un grupo más de hip–hop.

Será por eso que, después de 24 años de carrera, B-Real, Sen Dog, DJ Muggs, y Eric Bobo exploraron en el espectro sonoro y se introdujeron, por primera vez, en sus orígenes latinos.

La banda californiana consentida de los rockeros en Estados Unidos no sólo invitó al estudio a amigos de la escena metalera de Los Ángeles, sino también a Pitbull y a Marc Anthony para grabar el tema “Armada Latina”.

Defensores de la NORML (Organización Nacional para la

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Reforma de las Leyes Relativas a la Marihuana) posición que se refleja en canciones como “I Wanna Get High”, “Legalize It” e “Insane In The Brain”, desde sus inicios, los Cypress Hill claman sustituir el consumo de alcohol en la sociedad por el de marihuana.

En entrevista telefónica, Louis Freese (a.k.a. B-Real) habló con Marvin sobre el proceso de producción de Rise Up, sobre la condición de los latinos en Estados Unidos (días después de la charla se dio a conocer la Ley Migratoria de Arizona) y dio su opinión sobre la legalización de la marihuana.

¿Por qué les tomó tanto tiempo hacer el nuevo disco?

B-Real: Todos grabamos discos individualmente: Sen Dog sacó un disco, Eric Bobo también lo hizo, DJ Muggs grabó tres o cuatro discos y yo también lance un álbum. Todos nos embarcamos en otros proyectos. Usualmente nos toma entre uno y tres años hacer un disco, así es como estamos acostumbrados a trabajar, sólo que ahora esto se alargó, y por eso pasaron seis años para terminar Rise Up. Tienen invitados tan variados como Tom Morello, Sergio Vega (bajista suplente de Deftones), Everlast y Daron Malakian (System Of a Down), y hasta Pitbull y Marc Anthony, ¿cómo se dio la participación de estos últimos?

Jim Jonsin, quien estaba produciendo una canción para este nuevo disco conocía a Pitbull, estábamos grabando la canción “Armada Latina” y nos sugirió invitarlo. Le llamó y él estaba disponible, vivimos en LA, así es que nos juntamos, le enseñamos la canción, compuso su verso y lo cantó.

Después se les ocurrió llamar a Marc Anthony para ver si quería participar, pero me pareció un disparate y pensé que no aceptaría jamás.

Una semana después vino e hizo la canción (risas). La experiencia fue "chida", amamos la música de Marc Anthony en todos los sentidos, obviamente es diferente a lo que hacemos. El hecho de que nos haya dado la oportunidad de venir a trabajar con nosotros es digno de respeto, porque nos conocen como “los rebeldes” y Marc es un chico suave, ya sabes, con clase. ¿Cuál consideras que es la condición social de la gente latina en Estados Unidos?

En algunos lugares en Estados Unidos, los latinos somos mayoría, así que la oportunidad seguirá dependiendo de cuánto empeño pongamos. Algunos no tienen las mismas oportunidades que otros, pero todo depende de qué tan fuerte quieras trabajar para ello, las condiciones no son la gran cosa, pero tampoco

son horribles, hay caminos que puedes tomar para mantenerte y hacer una carrera. Poco a poco empiezas a ver el levantamiento de la cultura latina en Estados Unidos. Creo que toda esta importancia de “los latinos” empezó a través del entretenimiento y ahora tiene un reflejo en la política. Tenemos a un alcalde latino en Los Ángeles (Antonio Villarraigosa), él es nuestro primer alcalde hispano en la ciudad, y demuestra que nuestra gente necesita a alguien que nos represente.

Cuando se trata de cualquier droga, siempre habrá un adjunto violento porque la gente que la vende tratará de cubrir su territorio y de eliminar a la competencia.

B-Real de Cypress Hill

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¿Cuál es tu opinión sobre la ola de violencia que se vive en la frontera norte de Estados Unidos y México causada por el narcotráfico?

Cuando se trata de cualquier droga, siempre habrá un adjunto violento porque la gente que la vende tratará de cubrir su territorio y de eliminar a la competencia. En México es aún más loco porque pelean contra la ley, y de eso no hay nada en los Estados Unidos. Pero no lo sé, tal vez la legalización de las drogas en México podría ayudar, pero al mismo tiempo se estaría peleando contra los criminales que están tratando de legalizar su operación. De cualquier forma, sabes cómo consiguieron su dinero, se pondría complicado, pero creo que no lastimaría mucho, aunque hay mucha gente inocente que termina en la cárcel.

Es una situación muy difícil de tratar porque no vivo en México, y no conozco las políticas de allá tan bien como las conozco en los Estados Unidos, pero sé que la gente hace mucho

dinero de ahí, es ilegal y por ende hay mucha violencia, aunque si la legalizan ésta se podría erradicar.

Es lo mismo que cuando se dispuso la “Ley seca” en Estados Unidos, muchos de los gángsters de “Moonshine”, (los llamaban “runners”), causaban mucha violencia entre ellos porque todos competían contra el otro para tomar el negocio, le robaban el cliente al otro y siempre se metían en líos, se mataban entre sí. En el minuto que todo se legalizó, la matanza terminó. Entonces, tal vez si la legalizan toda esa violencia se terminaría.

Fueron inmortalizados en Los Simpsons en el capítulo del “Homerpalooza”, ¿crees que su participación les permitió romper con los prejuicios que cargan los músicos de hip–hop?

Definitivamente porque Los Simpsons nos dieron proyección mediática. Fue muy “chido” porque ese programa es muy popular en la cultura estadounidense, y en el mundo. De hecho, haber sido parte de él nos hizo ser reconocidos por algo, ¡y eso se siente muy bien!

Este año regresan a Lollapalooza, será una ocasión de reencuentros, casualmente alternarán con Soundgarden, con quienes compartieron cartel en 1992…

Será la tercera vez que toquemos en Lollapalooza. Es grandioso porque ese festival nos introdujo al público alternativo, así es que será como una reunión, porque Soundgarden también estuvo en la primera edición del Lollapallooza en la que nos presentamos. M

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The Libertines De regreso a la guerrilla de Albión TXT:: Lenin Calderón. FOT:: Paolo Bidonè/ Broco

“...we’ll die in the class we were born But that’s a class of our own, my love” The Libertines, “Time for Heroes”

Hace poco más de un mes se anunció el regreso de los Libertines a los escenarios, al menos para los festivales de verano. A la fecha, la agrupación inglesa ya ha hecho showcases y ha tenido pequeñas presentaciones que confirman la noticia. Sin embargo, se reintegran a una escena musical que ellos mismos ayudaron a formar desde principios de los dos miles y seguramente alternarán con bandas a las que influyeron y de alguna forma u otra ayudaron a surgir. Más allá de todos los escándalos en los que se han visto involucrados sus integrantes –y que dificultan el reconocimiento de su trascendencia– el legado de esta agrupación es innegable, sobre todo si tenemos en cuenta que la llamada nueva escena del rock londinense giró, en un principio, en torno a ellos.

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En cierta forma y en el caso particular de los Libertines, la conformación de una escena musical es tan significativa como el estilo mismo de su música. Desde un inicio, la banda formada por Carl Barât y Pete Doherty en 1997 se movió en el circuito underground londinense. Aunque pasó poco tiempo antes de que la prensa musical –el New Musical Express en especial– se fijara en ellos, la fama de los Libertines continuó creciendo gracias a sus presentaciones en clubes nocturnos más bien decadentes y en fiestas clandestinas a las que llamaron Guerrilla Gigs, y que en más de una ocasión tuvieron lugar en el mismo piso que Barât y Doherty compartían. El carácter escondido de esas “tocadas” fue la esencia misma de esta escena londinense, ya que gran parte del público asistente eran menores de edad sin oportunidad de ingresar a un club.

Con el tiempo, estos chicos de 14 a 17 años dejarían de ser groupies y serían mejor reconocidos con nombres como The Cribs, The Others, The Paddingtons o The Rocks.

En un artículo de 2004 en el que la revista Fader intentaba adentrarse en la escena, Dominic Masters, vocalista de The Others, lo señalaba: “Pete nos puso frente a 4000 personas en la academia de Brixton cuando todavía nadie nos firmaba y muy pocos nos conocían”. Ese es el punto: The Libertines ha conseguido la fama mundial gracias al reconocimiento local de un público que terminó por tomar el escenario. Las presentaciones, fueran en lugares tan inéditos como las tuberías abandonadas del desagüe londinense o en infames antros como el Rhythm Factory, cuya mala fama hizo que la gente empezara a llamarlo Rhythm Smacktory (smack, es otro término para la heroína), eran con frecuencia fiestas de disfraces, lo que hacía más difícil distinguir quién pertenecía a las bandas que se presentaban y quién al público. Este ambiente generó un profundo sentimiento de pertenencia y logró romper las barreras que generalmente dividen al artista y su público, haciendo posible el intercambio de ideas y la retroalimentación entre estos.

El crew que acompañaba fielmente a The Libs y otras bandas en sus shows, The 853 Kamikaze Stage Diving Division, no hace sino recordarnos a otro grupo similar que apoyaba una escena igual de escandalosa aunque tal vez un poco más radical y, curiosamente, también londinense: The Bromley Contingent. A finales de 1976, la célebre sobriedad británica fue embestida por un puñado de bribones que, usando berridos y guitarrazos como estandarte, denunciaron no tener futuro al tiempo que pedían con ironía larga vida para su reina.

Los Sex Pistols escandalizaron al reino y también el grupo de inadaptados que los acompañaba a donde fueran. Los Sex Pistols terminaron con el estado soporífico, sinfónico y progresivo del rock en la segunda mitad de los 70, y del crew que les seguía fielmente el paso, surgieron nombres como Billy Idol, Siouxsie Siuox y, por supuesto, Sid Vicious.

Si Oasis es el sonido de los suburbios, los Libertines suenan como alguien que despierta dentro de un basurero, en esos mismos suburbios, tratando de adivinar el día en el que vive.

Pete Doherty

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Tampoco es un secreto el hecho de que los Libertines hayan sido comparados precisamente con los Pistols y con otras bandas del género como The Jam. Una vez más, no ha sido por su sonido punk o duro, sino por un estilo que enaltece la actitud Do It Yourself que ha contagiado a sus seguidores, inspirándolos a hacer música ellos mismos. Ahora, como nunca antes, vuelven a ser relevantes las palabras inquisitivas de Johnny Rotten con respecto al género que tanta fama le dio: “¿Por qué tiene que sonar bien? ¿Por qué tiene que ser bonito? ¿Por qué no hacerlo? ¿Por qué?” Ese es el secreto de los Libertines: ni su música suena tan bien, ni sus letras son bonitas o agradables. Todo lo contrario, las letras de Doherty expresan la desesperanza del individuo y la miseria de las masas, el culto al anti–héroe como la única alternativa en una sociedad ensimismada y cada vez más entregada al ego. La figura del loser se libera del sarcasmo que la introdujo a nuestra cultura popular y se convierte, más que en una en opción real, en una postura ideológica y política con un compromiso verdadero ante el problema de vivir acechado por una sociedad mediática que invade a la menor provocación nuestros espacios personales.

los propios medios. A pesar de que los tabloides, cuyos encabezados se han dedicado a seguir la pista de Doherty y sus escándalos, han perpetuado la mala fama que antecede a su nombre, el líder de los Libertines sabe –como el mismo Hitler– que no hay propaganda mala y se aventura a asegurar: “Si Oasis es el sonido de los suburbios, los Libertines suenan como alguien que despierta dentro de un basurero, en esos mismos suburbios, tratando de adivinar el día en el que vive”.

Las intenciones de Pete y sus libertinos tiene tintes no tan sombríos cuando afirman que hay que ir de la Albión (el nombre con el que los griegos se referían a la Bretaña) a la Arcadia (una ciudad real griega aunque inmortalizada por Virgilio como un lugar idílico y, por lo tanto, utópico). Ese es el carácter idealista de una banda nihilista que ha conformado un fan base que no sólo la perpetúa al escucharla, sino que le da continuidad al imitarla. M

He ahí la naturaleza escandalosa y rebelde de Pete Doherty y compañía en actos públicos y presentaciones televisivas. Ese es un poco el mensaje detrás de bañar con su propia sangre, ayudado de una jeringa con la que acababa de inyectarse, las cámaras de MTV durante una entrevista: combatir a los medios desde

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Emmy the Great La Reina anti–folk TXT:: Aixa de la Cruz. FOT:: cortesía de Sonicpr.

En 2007 se estrenó la película Juno con banda sonora de los Moldy Peaches. Si el filme, con su honestidad naïve y al mismo tiempo desafiante, fue un tremendo éxito, no lo fue menos la cancioncilla pegadiza de estribillo enrevesado –“I don’t see what anyone can see in anyone else but you”– que interpretaban los protagonistas, emulando al dúo original Dawson–Green. Probablemente fue aquella película la que trajo el movimiento anti–folk a las emisoras principales. Al menos en España, la música alternativa, eufemismo para todo aquello que no prospera en los 40 principales, llega últimamente al gran público por recomendación de cineastas populares.

Antony and the Johnsons se volvió de lo más “in” tras una película de Isabel Coixet, y es sólo un ejemplo.

En cualquier caso, la gran popularidad que los Moldy Peaches adquirieron en 2007 nos permitió conocer a otras figuras igualmente interesantes de la nueva escena folk neoyorkina como son Jeffrey Lewis, Adam Greene o Soft Black. Todos se resisten a la clasificación genérica y, en efecto, hay diferencias sustanciales entre ellos, pero predominan las grabaciones low–fi, los acordes básicos de guitarra, las letras irreverentes y las armonías más simples, compensadas con recursos vocales y rítmicos poco comunes. Por poner un ejemplo, en sus discos en solitario Kimya Dawson berrea, canta himnos de madrugada con el apoyo vocal de niños afónicos, superpone letras y juega con cánones a varias voces. Este movimiento se resiste a ser apodado, aunque la Wikipedia y otras fuentes ya los perpetúan como la generación anti–folk, que tuvo su equivalente en Gran Bretaña. Y allí, mucho antes de tener siquiera un single editado, Emma–Lee Moss, conocida por su nombre artístico Emmy the Great, se erigió como reina.

First Love (Close Harbour Records, 09), álbum que debe su título a la obra homónima de Beckett, es un debut contundente; trece melodías cándidas para camuflar un inventario de letras que, como pocos, impactan. Las

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estrategias que emplea Emmy en nada se parecen a las de Dawson pero ambas juegan con los contrastes. En First Love, el timbre claro de la voz de la autora es un arma de doble filo que sirve, sobre todo, para sembrar el desconcierto; contrapone tonadas inofensivas, casi plácidas, con temáticas poco comunes e imágenes agresivas. “MIA”, uno de los mejores temas del disco, es una tonadilla casi lánguida, de ritmo pausado. Si algo tienen en común los temas de este primer disco de Emmy the Great es que todos ellos son, por decirlo de alguna manera, meta–musicales; melodías en cuyas letras siempre suena otra canción y en las que, por consiguiente, las referencias y citas son constantes. Para conocer más sobre el sentido de estas referencias, sobre la gestación del disco y sobre ella, entrevistamos a Emmy the Great y estas fueron sus respuestas.

Has sido considerada representante del movimiento anti-folk. ¿Te sientes a gusto con ello?

Probablemente, hubiera contestado mejor a esta pregunta hace unos años, cuando aún existía un sentimiento tangible de comunidad entre los que podrían llamarse artistas anti– folk americanos, pero ahora creo que lo único que tienen en común es su propia dispersión.

Asimismo, los artistas británicos que podrían relacionarse conmigo y los que comparten la influencia de bandas americanas no sólo están dispersos, sino que han –hemos– evolucionado musicalmente también. De hecho, algunos de nosotros nunca hemos llegado a conocernos. En Reino Unido tuvimos la fuerte sensación de que la prensa estaba intentando crear un movimiento de lo que, en realidad, no eran más que una serie de relaciones de carácter personal. Pero no me quejaré, porque a todos nos ayudó mucho.

Naciste y pasaste tu niñez en Hong Kong.

Luego a los doce años te trasladaste a Londres. ¿Cómo afectó esto a tus canciones?

No estoy segura de haber tenido consciencia de mí misma hasta que nos mudamos aquí.

En entrevistas anteriores, la gente ha intentado deducir que mi pasión por “lo inglés” proviene

una suma de intereses que se limitaban a la música y los libros. El próximo álbum será más amplio, creo. Habrá influencias, pero más que enumerarlas probablemente escribiré acerca de lo que he tomado de ellas. No creo que vuelva a ser capaz de expresar lo que siento a través de nombres o referencias. El proceso se ha vuelto mucho más complejo.

Me gustaría que toda la gente que es experta en un campo compartiera sus reflexiones con el mundo.

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de mi condición de extranjera, pero yo creo que es casi lo contrario. Mi padre, que nació y creció en Wimbledon, sintió una afinidad tan grande por la cultura china que allí se casó y la hizo parte de su vida. Yo soy una especie de “imagen– espejo” de él. Siempre he sido de Inglaterra, incluso cuando no la conocía. Habiendo dicho esto, hay una parte de mí misma que no recuerdo hasta que no estoy de vuelta en Asia e incluso me siento un poco estadounidense, porque es la cultura norteamericana con la que los niños crecen en Hong Kong.

Tus letras son de carácter estrictamente narrativo ¿Hay una búsqueda deliberada de temas poco explorados dentro de la música folk?

Lo que dices es cierto, pero el proceso es inconsciente. Nunca me propondría ser la antítesis o el contraste deliberado de algo. Eso implicaría enfrentarme a figuras con las que espero no tener que ser nunca comparada.

Me remito a lo que he dicho antes acerca de que las mejores letras son esas que te permiten vislumbrar la realidad de alguien ajeno. Tristemente, aquello en lo que soy experta es la auto–reflexión, y por lo tanto, es sobre lo que escribo. Me gustaría que toda la gente que es experta en un campo compartiera sus reflexiones con el mundo. Tal vez haya también una actitud política en ser completamente honesto acerca de uno mismo, especialmente en el caso de una mujer joven.

Me gusta pensar que tengo la capacidad de hablar, por ejemplo, sobre cómo he albergado pensamientos peligrosos o autodestructivos y que este trabajo de introspección sirva para aliviar a alguien que sienta algo similar. ¿Podrías recomendarnos dos álbumes que hayas disfrutado últimamente?

Ay dios… The Boatman’s Call de Nick Cave y Waves de Patti Smith. M

Tus temas están llenos de referencias a iconos de la cultura pop, ídolos musicales e incluso citas literarias Nunca fue un proceso consciente. Me gustan las letras que te permiten adentrarte en la realidad de otras personas y cuando las escribí supongo que mi vida era por completo

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TXT:: “Chico Migraña”

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La etapa final de la Copa del Mundo se juega cada cuatro años, porque en ese tiempo se desarrolla la etapa clasificatoria. Cada confederación arregla sus eliminatorias para que previo a la cita final, sus representantes definan quienes ocuparán los espacios que se le otorgan a cada región.

Ahí la cosa no es tan democrática, porque Centro y Norte América sólo tienen tres lugares fijos con opción a un cuarto, vía repechaje. Sin embargo así ha funcionado desde años muchas décadas.

En el mundo del metal existe también una especie de copa mundial de bandas sin contrato discográfico. Eso sucede en el seno del Wacken Open Air, el festival más grande e importante del género. La W:O:A Metal Battle (Batalla de Metal de Wacken Open Air) ofrece al espectador una fase final que en el 2010 contará con veintiséis países. Veintidós serán representativas del viejo continente con países tradicionales en el metal como Alemania, Finlandia Reino Unido y España y algunos menos conocidos por su escena como Lituania y Grecia. Asia tiene dos bandas, una de China y otra de Israel y el continente americano manda a dos representantes de sendos países con gran tradición metalera, Brasil y México.

Sin embargo, el camino a Wacken es largo y tortuoso como eliminatoria mundialista. En México por ejemplo, las bandas deben inscribirse en un periodo determinado de tiempo. Una vez cerrado el ciclo, no se aceptan más solicitudes. Los requisitos que deben cumplir son básicamente que no tengan un contrato discográfico de alcance internacional vigente, que puedan tocar 30 minutos de material original y que, en caso de salir victoriosos, se paguen el viaje hasta Alemania.

2010 marcó el año en que sucedió la segunda edición de dicha batalla. A diferencia de la primera edición (27 bandas), esta vez se inscribieron 44.

El simple hecho de que una banda hubiera tocado ya en el legendario y casi sagrado escenario de Wacken debe haber influido en el ánimo de las bandas generación 2010. No es cosa del diario que una agrupación mexicana se pare por aquellos sitios, y lo haga además con mucha personalidad y carácter. Split Heaven, quinteto queretano fue la pionera, la que siempre será recordada como la primera agrupación azteca en formar parte del Wacken Open Air. Como consecuencia, o quizás no tanto, aunque los tiempos coinciden, hoy se trata de un conjunto de aspiraciones, alcances y manejos internacionales. Llegaron a Europa dos discos bajo el cinturón y hoy ya tienen un contrato internacional con Pure Steel Records para grabar y editar su tercera placa. Este logro no debe ser minimizado. El hecho de que el sello no sea de ligas mayores no significa que no tenga relevancia. En Europa los sellos discográficos suelen especializarse en sub–géneros muy particulares, y esa cualidad los hace ser importantes en el nicho al cual están dirigidos. No importa pues que no sea Universal o EMI o Sony, porque finalmente se trata de sellos que abarcan tantos géneros que suelen descuidar a bandas que no están en el llamado mainstream.

Sobre los Split Heaven, los alemanes escribieron en sus sitio oficial que “para el aferrado a los 80, México ha sido junto con Brasil una fuente constante de juventud en los primeros años de la nueva década.

Por supuesto no fuimos capaces de resistirnos a la fascinante escena metalera que existe ahí. Así pues firmamos con Split Heaven, una de las bandas más prometedoras de la región. El disco nuevo será editado probablemente en el último cuatrimestre de este 2010. También tenemos planeado un relanzamiento de su material pasado. Bienvenidos a bordo chicos. Ustedes serán nuestro primer barco de batalla mexicano con el cual lucharemos en beneficio de nuestra música”. Nada mal para un quinteto que había luchado contra todo y contra todos en un país donde el éxito suele ser aceptado cuando viene desde fuera.

Así, el 2010 trajo consigo una eliminatoria brutal. La final se llevó a cabo con 10 bandas en lo que será recordado como una tarde-noche de gran nivel.

Diversas propuestas se dieron cita en el escenario del mítico Circo Volador, y para la historia quedará por ejemplo el impresionante mano a mano que se aventaron (porque el sorteo así los colocó, uno tras otro) los chihuahuenses Orcus O Dis y los capitalinos Wrecker (primer y segundo lugar eventualmente, por cierto).

Hoy, Orcus O Dis es la banda que representará a México en el mundial de bandas de metal. A diferencia del futbol, los Orcus no juegan contra la historia y no tienen el respaldo/asedio mediático que la selección nacional. Llevan, eso sí, la bandera del metal nacional muy en alto.

Su humildad y entrega en el escenario sacaron lágrimas en algunas personas, le enchinaron la piel a otros y le callaron la boca a muchos más. Sin pretenderlo, que los ganadores vengan de Ciudad Juárez fue además un hecho importante. Una vez más el metal demostró que no es uin género que promueva la violencia y la negatividad. Los muchachos Orcus pusieron en su música todo el sentimiento que les genera vivir en la ciudad más satanizada de nuestra patria, y lograron un puñado de canciones con las cuales van a Alemania a contender, y no a pasear. ¿Quién ganará la copa mundial del metal? Bueno, habrá que ver participar a todos los conjuntos. Cada país tiene su propio proceso, pero al final todos y cada uno de los participantes llegan a Alemania como ganadores, porque fueron escogidos en sus países como lo mejor en el mundo del subterráneo. Suerte a Orcus O Dis, suerte a México, aunque este mundial no se transmita gratuitamente en pantallas gigantes en diversas plazas de la ciudad. M

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TXT:: Rafael Toriz.

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Pocas, un puñado apenas, son las experiencias colectivas que pueden comprometer cabalmente las pasiones de la mayor parte del globo, siempre tan segmentado, diverso y, pese a lo que sostiene el dogma de nuestros días, tan incomunicado. Ya sea que se trate de una catástrofe natural, una guerra en medio oriente o la vida disoluta de alguna celebridad –cómo le dejaron las nalgas a Britney, de qué color es el nuevo hijo de Angelina, o cuánta droga fue capaz de tolerar el modisto Alexander McQueen– es un hecho que la capacidad de convocar la atención de tantas personas de manera categórica le pertenece al deporte, y de entre ellos a uno en específico: el futbol, la única épica del presente que nos inunda de júbilo y plenitud puesto que pocas cosas en la vida son tan fantásticas, terapéuticas y baratas como patear una pelota.

Sin lugar a dudas el magnífico acontecimiento que representa el Mundial demuestra que en la Tierra existen intereses colectivos superiores al egotismo y que Dios, como demostrará Juan Villoro con afanes spinozianos, es injusto y redondo.

La cancha, el lugar de los milagros No es necesario ser Simon Kuper para afirmar que el futbol es una experiencia atmosférica y seductora en la que es posible ensayar una teoría antropológica para beneficio de todos los campos del saber humano; por algo el deporte de los once jugadores fue calificado en México por el mejor de sus cronistas como “el juego del hombre”. Nada como el futbol para demostrar que en el mundo secular aún hay lugar para evangelios, como sucede con el balompié, donde la metafísica celestial suele ser una constante peregrina (“la mano de Dios”, “el Ángel de las piernas torcidas”, “la Pata bendita”, etc.)

A su vez, el negocio gigantesco que produce cada cuatro años la justa mundialista se revela como una empresa maquiavélica de monstruosas dimensiones: el dinero que mueve el futbol, si bien no derrota a la industria petrolera o al mercado del narcotráfico, es un botín desmedido que ocasiona no sólo fiebres marketineras vomitivas reflejadas en la sonrisa estúpida de Joseph Battler, la pobreza de la liga mexicana (preocupada esencialmente por enriquecer particulares) o en el lamentable oportunismo de Pelé, incapaz de reconocer los logros de Lionel Messi, el jugador más grande del orbe que hoy por hoy estremece los estadios.

Al comprometer tantos campos de la experiencia –historia, política, filosofía, economía et al– resulta obvio que intentar aprehender la esencia del Mundial resulte imposible: el futbol es a un tiempo una idea y un sentimiento confrontados que resuelven sus diferencias a balonazos, aunque nunca se sublimen en una improbable síntesis dialéctica. Sólo bajo dicha óptica es posible entender que un talentoso delincuente como René Higuita haya podido desempeñar la misma posición que el papa Juan Pablo II, es decir, la de portero de las fauces del infierno. Y es que a diferencia de otros deportes el futbol es una práctica netamente democrática. El único pedigrí posible es el dado por el talento y la disciplina: una meritocracia que alcanza su cota máxima en el rugido del estadio extasiado por el gol.

Sin caer en rebuscadas intelectualizaciones que poco ayudan para comprender su dimensión mítica, es un hecho que los distintos aportes en la materia realizados por Valdano, Galeano, Villoro y varios otros han influido en la visión artística con que hoy se vive este deporte, una imagen lejana a la práctica barrial y popular –ya quisiera yo ver al mamón de Pepe Guardiola en un partido de las fuerzas básicas del

Cruz Azul para recitarle, además de una mentada, las palabras de Oscar Wilde (“el futbol es muy apropiado para niñas rudas, pero no para jóvenes delicados”)– que aludía inicialmente al sentimiento de pertenencia y comunidad, a la horda primigenia que vislumbra un horizonte compartido: derrotar a los otros. Al respecto Villoro ha escrito palabras de hierro: Los lances en la cancha sólo justifican en parte el estadio lleno. También están las camisetas, los escudos, los apodos, los estandartes, las viejas rivalidades. En los clásicos Flamingo-Fluminense, GuadalajaraAmérica, Boca-River o Barcelona-Real Madrid cristaliza como nunca esa noción de pertenencia, de ser parte de un equipo.

Cuando los héroes numerados saltan a la cancha, lo que está en juego ya no es un deporte. Alineado en el círculo central, los elegidos saludan a su gente. Sólo entonces se comprende la fascinación atávica del futbol.

Y es que no puede ser de otra manera, el futbol, como la poesía de Francis Ponge, posee la fascinación de los objetos sensibles; todo habita en los detalles y los matices: una gambeta, el pase lateral, una falta, el cabezazo o la improbable chilena hacen que la vida cambie de sentido en un instante y de súbito la suerte premie el esfuerzo con la victoria o destroce el alma con la derrota, tema que los mexicanos conocemos con sobrada suficiencia. Dentro de mi historia personal, guardo con un resabio particular los mundiales del 1986, 1990, 1994, 1998, 2002 y 2006, momentos que se vieron empañados oportunamente por nombres como desmemoria, cachirules, Rumania, Alemania, Estados Unidos y Argentina, bofetadas arteras que se vuelven más intolerables por una verdad evidente: todos esos partidos se pudieron haber ganado… pero se perdieron.

Ahora, en unos días, la cita con la historia será en Sudáfrica, un país herido como pocos y definido por la publicidad mundialista como un lugar de negros y animales, territorio que produjo a Charlize Theron, Nelson Mandela, algunos vinos y a escritores como Nadine Gordimer y J.M. Coetzee. Sudráfrica, desde luego, es un parche raído dentro de la pelota que habitamos.

Poco puede conjeturarse sobre el partido inaugural –si para algo sirven los mundiales es para demostrar que la estadística es una ciencia falible–, sin embargo, si a un poco de buen futbol se le suma la herencia guerrera de un Claudio Suárez, los punterazos de un Marcelino Bernal, el tesón de un Nacho Ambriz, el oportunismo de un Luis Hernández, la precisión de un Benjamín Galindo y la temeridad de un Jorge Campos no sería vano profetizar una victoria amparada en la mejor habilidad del balompié mexicano: poner los huevos, que pa’ eso están. En unos días más sabremos si finalmente, por vez primera, devendremos ave en picada cazadora o, por el contrario, seremos de nuevo la herida águila que cae.

Que empiece el tronar de dedos… el volado está cantado. M

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Nunca imaginamos que Marvin pudiera dedicar un número al fútbol. Pero cuando la idea ya estaba en el horno y el mundial a unos días de comenzar, investigar cuánto saben los músicos sobre futbol parecía un ejercicio divertido. Hubo quienes demostraron que son profesionales incluso a la hora de hablar de futbol, otros a quienes agradecemos su honestidad al declararse neófitos en la materia, y los que contestaron con la pasión que existe en un matrimonio cercano a celebrar sus bodas de plata. Las opiniones que vienen a continuación hablan por sí mismas, esperemos sean de su agrado.

Ex–bajista de La Barranca, periodista y creador del proyecto LabA. Actualmente está promocionando Suspendido, un álbum experimental que cuenta con la voz de Lo Blondo de Hello Seahorse! myspace.com/labaalonso

Equipos favoritos

Nacional: las Chivas. Del mundial: España.

El futbol en la niñez: Jugué mucho y, la mera verdad, era bueno. Primero estuve en una liga

infantil en donde fui portero hasta que me rompieron un dedo y cambié de posición pues ya tenía interés en tocar y no quería poner en riesgo mis manos. Luego estuve en la liga de Cuemanco y en la Tranviaria. En una fui delantero y en la otra lateral. Por supuesto que conforme tuve más tocadas tuve que irlo dejando pues llegaba crudo y pedo y pocas veces completábamos al equipo básico, ja. Ya luego vinieron los partidos en canchas rápidas y callejeras. Aunque hice mucho volley, basquet y tenis de mesa, el soccer siempre fue lo que más disfruté. Me parece que es un deporte en el que se combinan bellamente el arte, la inteligencia, la fuerza y la pasión.

El mundial: Espero que el mundial lo gane España, que Messi nos muestre que puede ser el mejor de la historia, que Francia no nos haga pasar una vergüenza contra ellos, que por lo menos empatemos en la inauguración, que Uruguay se deje golear por el Chicharito y, sobre todo, que los italianos olviden un poco el catenaccio para brindarnos momentos memorables. También espero que Televisa y TV Azteca se porten a la altura y que no nos atiborren de porquería.

Ha sido guitarrista de Santa Sabina, La Barranca y actualmente toca con San Pascualito Rey. Una vez pasada la distracción del mundial, terminará de editar su segundo disco solista. myspace.com/fractales

Equipos favoritos

Nacional: los Pumas. Del mundial: Inglaterra, Holanda o España.

El futbol en la niñez: Jugué (por supuesto) en los Pumitas y alguna vez tuve la oportunidad de jugar en el Estadio Olímpico durante el medio tiempo... y pedirle un autógrafo al Tuca cuando era jugador.

El mundial: México pasará con mucha suerte a la segunda ronda y después de ese partido

nuestros ‘Invictus’ (gracias a todo el dinero que la Federación Mexicana gana publicitando a estos héroes) se irán de paseo a Johannesburgo.

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Músico, creador del fut–rock, y de “Mexicanos al grito de fútbol”, tema oficial de la selección. myspace.com/joeljauregui Equipos favoritos Nacional: Monterrey. Del mundial: México.

Futbol en la niñez: Desde los cinco años yo andaba en los equipillos de la cuadra, en torneos.

El futbol siempre ha sido parte de mi vida cañón.

El mundial: El mundial va a dejar una gran derrama económica, el problema de en qué se use el billete es la bronca. Ojalá que se utilice para bien, es lo que esperaríamos de un país tan golpeado y de contrastes tan grandes.

Antes de que una parte del público mexicano que fue a verlos al Azteca se comportara con un hooligan promedio, pudimos hablar con los Arctic. myspace.com/arcticmonkeys

Equipos favoritos: Sheffield.

El futbol en la niñez: Sí jugamos, y tratamos

de seguir haciéndolo.

El mundial: Nos parece que Inglaterra puede tener un buen papel, tomando en cuenta

el grupo en el que le tocó. ¿Quién sabe? Parece que siempre llegamos a cuartos de final y perdemos. Lo único que esperamos es no ser vencidos por Estados Unidos, eso sí sería una pena, es un equipo que nunca nos ha gustado.

España pinta para como buen candidato para ser campeón. Los alemanes son también son una alternativa, no traen mucho equipo, pero nunca sabrás de lo que pueden ser capaces.

Con una trayectoria de 15 años, este músico ha pasado por bandas como Zurdok, Vaquero, y ahora lanza su tercer disco solista titulado Hipnosis. myspace.com/chetes123

Equipos favoritos

Nacional: el Monterrey. Del mundial: Brasil

Futbol en la niñez: De niño sí jugaba con mis vecinos, pero

luego me daban ataques de asma cuando corría y no tengo una condición física buena. Ahora no me interesa tanto jugar porque tengo varios amigos músicos que juegan y se han roto algún dedo.

El mundial: Aunque mucha gente me va a matar, creo que

deberían llevarse al equipo de Monterrey con todo y entrenador y tendría más posibilidades de ganar que la selección. (risas)

Directo desde Chile nos llega esta cantante que echa mano del poder del hip–hop. myspace.com/anitatijoux

Equipos favoritos: Chile.

El futbol en la niñez: Jugué un par de veces, debo decirlo, pero creo que no fui muy buena. Unas chicas me invitaron a participar en un par partidos pero debo ser franca: las otras chicas eran muy buenas yo solamente me reía. ¡Debo decir que no soy buena en absoluto!

El mundial: Estar con mi hijo y mi familia mirando mundial, con buena comida, risas y conversaciones. En realidad es una muy buena excusa para festejar todos juntos con la gente que amas.

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TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

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Acontecimientos de esta naturaleza –como mundiales y olimpiadas– se convierten en puntos de inflexión en la historia de los países organizadores.

Pero dada su importancia, también se desata una intensa campaña que pretende opacar u ocultar los problemas que vive la población o el escaso beneficio directo que tal acontecimiento trae consigo.

Son muchas e importantes las implicaciones socio–políticas que rodean al mundial de Sudáfrica. Es por ello, que convocamos a la Mtra.

Arcelia Flores Castro, Secretaria Técnica de la Comisión de Relaciones Exteriores del Senado de la República, y especialista tanto en asuntos parlamentarios como en la complejidad de los temas relativos al continente, para que profundizara en ciertos aspectos tan relevantes como poco difundidos de la actualidad africana. ¿De qué manera cambiaron las políticas públicas en Sudáfrica una vez que fueron elegidos como sede para el primer mundial?

Indudablemente han cambiado mucho. Como ejemplo baste referir que uno de los primeros temas puestos sobre la mesa, fue el de la inseguridad que se vive en el país africano; se han tomado medidas como que el Ejército de Sudáfrica y la INTERPOL trabajen de la mano para resguardar la seguridad de los 400.000 aficionados que se espera que asistan a la máxima justa de futbol en el orbe.

Un total de 41.000 agentes de policía estarán al pendiente de los asistentes a la justa mundialista, aunado a esto, cada uno de los 32 equipos participantes contará con la protección de dos aviones de caza cada vez que necesiten transportarse por la vía aérea de una sede a otra durante la competencia.

Se lanzó una campaña sobre cultura vial, ya que Sudáfrica es el país de África con más accidentes viales. Además, en 2007 Sudáfrica fue el país con el índice más alto de personas que vivían con VIH/SIDA, con una población de 5,700.000, lo que representa casi una sexta parte de la carga de mortalidad mundial. Alrededor del 18% de los adultos que habitan en Sudáfrica han contraído la infección por el VIH. Esta situación ha sido el motivo principal para que el Gobierno sudafricano de Jacob Zuma haya echado a andar uno de los más ambiciosos programas de políticas públicas en materia de salud y prevención del contagio del VIH/SIDA. ¿La realización del evento en verdad traerá beneficios de fondo para la población sudafricana?

Las denominadas sedes de juegos olímpicos y de mundiales de fútbol son tan peleadas hoy en día tanto por países de primer mundo como países en desarrollo, el prestigio, la atracción financiera, y la derrama económica que representan eventos de tales dimensiones son los factores principales por los que se pelea una sede de este tipo. El obtener una sede de una copa mundial o de unos juegos olímpicos es hoy en día una especie de premio y de negocio, ya que son miles de millones de dólares lo que se inyecta para la realización de estos eventos, lo cual conlleva en teoría una especie de multiplicador del capital a causa del estimulo del gasto social. Indudablemente será el tiempo el que diga cuáles fueron los saldos del mundial.

Ya entrado en el mundial, pensemos que si el beneficio automático es ver los partidos internacionales en vivo, esto no sucede para los sudafricanos.

Ellos pueden ver la publicidad por la Copa del Mundo, pero es poco probable que cuenten con los recursos monetarios para ver los juegos en un estadio. El puro precio del billete para el gran evento puede disuadir a la mayoría de los fanáticos del fútbol de África. Con 3 millones de entradas disponibles, se han vendido menos de 100.000 en todo África.

El Director general de la Copa Mundial FIFA 2010, Danny Jordaan, dijo que es la primera vez en la historia del Mundial que el país anfitrión no es cabeza de la lista de venta de entradas. Las entradas son inalcanzables para el promedio de la población sudafricana. ¿Qué efectos negativos ha traído consigo para el país?

Si bien es cierto que es una oportunidad para que la visión futura que se tenga no sólo de Sudáfrica, sino del continente africano en general, cambie de manera positiva, sus efectos negativos sobre las poblaciones y las ciudades son alarmantes, según denuncia la Organización de las Naciones Unidas.

Entre tales efectos negativos, la relatora especial de la ONU para la Vivienda, Raquel Rolnik, destaca desde la escalada de los precios de alquiler y venta, a la reducción de disponibilidad de viviendas sociales, pasando por el impacto en grupos vulnerables o expulsiones forzosas de residentes. Lo cual podría generar crimen y prostitución.1 Con el afán de dar una imagen al exterior de estabilidad y desarrollo se sacrifica el bienestar al interior de Sudáfrica, situación que en determinado momento tendrá que salir a la luz.

Todavía existen rezagos del Apartheid en el país, ¿puede un mundial ayudar a erradicarlos?

“Sudáfrica es un país que ha superado políticamente el Apartheid más no socialmente”2. Este es uno de los juicios más recurridos en Sudáfrica a pocos meses del la inauguración de la copa mundial de fútbol, lo cual, sumado al asesinato del líder ultraderechista Terreblanche, deja un perspectiva de persistencia en la problemática racial de Sudáfrica.

Paradójicamente, un ejemplo de la permanencia del Apartheid es el mismo fútbol. Durante el Apartheid, la federación blanca (SAFA), finalmente excluida de la FIFA en 1976 tras 14 años de suspensión, fue la impulsora de la desaparición del fútbol multirracial, y llevó a los patrocinadores y las organizaciones deportivas hacia una organización exclusivamente negra.

En los años de transición hacia la democracia, a principios de la década de los años 90, los clubes blancos empezaron a “mezclar” jugadores y los equipos formados por jugadores del mismo origen (descendientes de portugueses, griegos, etc) empezaron a desparecer.

Hoy en día los blancos han dejado completamente de lado el fútbol local y son seguidores del rugby y del cricket. Este sistema sigue vigente y contribuye a la separación de los deportes en función de las razas. Hoy en día las escuelas blancas siguen sin dar a sus alumnos la posibilidad de jugar el futbol mientras que en los townships, las escuelas no proponen ningún deporte porque no tienen recursos económicos. M

1 Disponible en www.exonline.com.mx/ 2 Collado, Eduardo. En Sudáfrica podría reaparecer el sentimiento del Apartheid. Versión electrónica, en eduangi.com/2010/04/06/en-sudafrica-podria-reaparecer-el-sentimiento-del-apartheid/ recuperado el 10 de mayo de 2010.

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Nada permanece. El cambio constante es el signo del universo.

Así lo ha entendido también el colectivo de Toronto, que siempre se ha comportado como un enorme taller en que entran y salen miembros, lo que confirma la intención de sumar energías y talentos. El conjunto ha sido pieza clave para hacer ver que la música canadiense es una de las más emocionantes del orbe.

Y además se han mostrado tan abiertos para apoyar las obras solistas de sus integrantes. De allí han surgido discos de Leslie Feist, Andrew Whiteman (Apostle Of Hustle), Kevin Drew, Jason Collet, Amy Millan y Evan Cranley (en Stars) y Emily Haines (Metric).

Habiendo editado álbumes tan brillantes como You Forgot It In People (02) y Broken Social Scene (05) hubiese sido cómodo apegarse a fórmulas exitosas, pero ocurrió todo lo contrario. Agregaron

nuevos miembros Lisa Lobsinger (Reverie Sound Revue), Sam Prekop (The Sea and Cake), Jason Tait (The Weakerthans) y Spiral Stairs (Pavement).

Kevin Drew y Brendan Canning –núcleo fuerte del colectivo– han dado otra vez en el blanco: coordinaron con gran sentido la entrega de 14 canciones (alrededor de una hora de música) que enfatizan que el indie aglutina elementos disímbolos: folk, shoegaze, melodías pop y lo que se pueda. Se trata de el indie como una forma de vida y una postura, no cómo un tipo de sonido. Casi parece que su quinto LP tira el anzuelo para caer en la broma: Forgiveness Rock Record (Arts and Crafts, 10).

Platicamos con Brendan Canning para sumergirnos en una obra donde la variación de intensidades parece ser el hilo conductor.

Veamos qué encontramos en el camino.

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¿Cuál es la principal característica o elemento que le atribuirías a este nuevo trabajo, qué es lo más interesante que encuentras en este nuevo álbum?

Brendan Canning: Quizá es la siguiente pieza de algo nuevo que ofrecemos justo ahora; no estamos lejos de la intensidad cuando nos enfocamos en la gran obra de la banda, tal vez somos un poco más directos y quizá no estamos tan poblados en distorsiones.

El título mismo parece ser una humorada, una especie de broma, ¿tanto temor le tienen a grabar algo tan convencional como un disco de rock?

Pues sí, es un título feliz, hay un poco de humor en el título del álbum, y no, no es que exista temor de grabar rock convencional, quiero decirte que nosotros pusimos muchos más elementos para lograr un sonido diferente en el álbum.

Suelen trabajar como un colectivo, como una gran fábrica, ¿esto se ha mantenido para este álbum? ¿Cómo organizan todo este trabajo?

Si, en efecto, aún continúa este proceso. Bueno, ¿cómo nos organizamos? Ciertamente hay un equipo de personas involucradas en todo el trabajo, que es grabado en Chicago y en Toronto; otro equipo grabó en Nueva York, en Seattle, otros más en Montreal. Así que requerimos cierta organización en cada álbum, en especial cuando realizamos el producto final al momento en que estamos grabando el disco. Es una enorme tarea.

Más allá del título también hay temas, como “All to All”, en que se acercan al techno–pop, ¿cómo es que surgieron?

Surgió en nuestro propio espacio, donde tenemos percusiones electrónicas; hicimos varias tomas en estudio, primero con el bongó, luego trabajamos con ellos, agregamos el piano, y así fue creciendo. La canción se fue dando gracias a Lisa Lobsinger, quien trabajó particularmente en este tema. ¿Logró un productor tan respetado como John McEntire de Tortoise controlar energías y personalidades tan energéticas y explosivas como las suyas?

Organizar las individualidades es una buena parte del trabajo; felizmente, esto no se salió de control, es la parte más dura del trabajo al momento de crear, finalmente él hace su parte y

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Cuando despiertas, lees los periódicos y te encuentras con tanta destrucción, a veces encuentras espantoso hasta dónde puede llegar la individualidad humana❞.

Brendan Canning

piensa como lo hace todo buen productor. Tiene una gran visión acerca de las canciones, de cómo lograrlas; es una gran persona, siempre escucha todas las ideas y trata de lograr el mejor sonido y escoge la mejor toma posible. Él genera todo un mundo de sonidos en el estudio; existe una gran interacción entre la banda y el productor.

En “World Sick” concentran un tanto su parte política, ¿de qué va el asunto en este momento?

Está llena de sentimientos y cuestiona cómo somos.

Cuando despiertas, lees los periódicos y te encuentras con tanta destrucción, a veces encuentras espantoso hasta dónde puede llegar la individualidad humana.

Es una queja de cómo está el mundo. ¿Han llegado al punto deseado con los arreglos y la instrumentación de las canciones?

Creo que hemos llegado a la idea que queríamos, tiene que ver mucho con la experimentación y la generación de ideas, estamos emocionados de cómo se escucha el sonido. Es la parte más emocionante que tiene que ver con los fans, cada canción logra un sonido diferente y es un experimento para lograr nuevas sensaciones y nuevas letras. A nuestras canciones siempre tratamos de sacarles brillo. ¿De qué trata una canción tan maravillosa como “Texico Bitches”?

Bueno, esta canción originalmente la pensamos cuando estábamos en otro lugar, cuando recién estábamos empezando Broken Social Scene, y salió la canción equivocada: “Texico Bitches” habla de dos muchachos ambiciosos, desbocados, y además con la obligación de pagar mucho dinero, y mientras tanto se ponen a “recortar” al mundo. ¿Cómo fue que decidieron hacer proyectos como This Book is Broken, que fue ampliado a película This Movie is Broken y dar cuenta de lo ocurrido en los últimos años en el seno del colectivo.

Eso se realizó por diferentes personas, no sólo por gente de la banda, más bien por personas que trabajan alrededor de la banda, amigos, fotógrafos, realizadores, gente que rodea la banda y es externa a ella pero que trabaja con nosotros, más bien fue idea de ellos y así fue como realizamos este proyecto primero periodístico y luego audiovisual. M

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TXT:: Vicente JĂĄuregui.

FOT::cortesĂ­a de Bunker producciones.

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Recordar es un ejercicio para el asombro. Hace apenas 15 años, el rock mexicano se definía por bandas capitalinas que buscaban una identidad nacionalista en su música. Pero en medio de ese terreno hostil, unos chavos de Monterrey rompieron el estereotipo de que una banda mexicana no podía sonar como una de Inglaterra, y de paso lograron que la ciudad del Cerro de la Silla fuera ubicada en la bitácora del rock. Mucho antes que Zoé popularizara un sonido emparentado con el britpop, los de Zurdok aventuraron tres discos que preludiaban un cambio en la manera de producir discos (cuando firmaron el primer contrato discográfico no tenían ni 18 años cumplidos). Después de casi 10 años los integrantes decidieron separarse y en 2005 Chetes y Maurizio Terracina formaron Vaquero, un proyecto fugaz que advertía lo inevitable: Chetes probaría el difícil camino de los músiåcos solistas.

Aunque Zurdok nunca fue una banda de convocatoria a nivel estadios, sí gozaba del prestigio suficiente para hacer unos tres discos más y, en ese sentido, lanzarse en solitario implicaba el reto de convencer y empezar de nuevo.

Con el apoyo de su disquera, Gerardo Garza mejor conocido como Chetes grabó Blanco fácil en 2005, un disco folky sabiamente producido por Ken Coomer de Wilco. Tres años después nos entregó Efecto Dominó que recuerda a Dylan, Brian Wilson y los Beatles.

El pasado 11 de mayo Chetes estrenó su tercer disco más netamente solista, en el que compuso, produjo, tocó casi todos los instrumentos, además mezclar y actuar como ingeniero de audio en varios tracks. Pero no es este modus operandi al estilo Prince lo mejor: sin dejar los terrenos del rock pop, Hipnósis desafía las estructuras de sus trabajos anteriores y nos entrega canciones donde los elementos orquestales no suenan forzados y por el contrario, animan la reinvención de manera afortunada. Pero dejemos que Chetes nos cuente cómo tomó las riendas de su carrera y logró hacer un disco redondo, que en momentos coquetea con Arcade Fire (“Arena”) y en otras hace un guiño a James Bond y a Paul McCartney.

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¿Cómo resumirías tu carrera musical?

Chetes: Crecí con música porque mis papás son músicos y desde niño comencé a aprender guitarra clásica. Después como a los 13 años comenzamos Zurdok, y en ese punto les dije a mis papás que no quería hacer una carrera normal porque ya tenía muy claro que me gustaba la música, entonces me apoyaron para hacerlo. Con Zurdok conseguimos un contrato con Universal e hicimos tres discos (Antena, 1997; Hombre sintetizador, 1999 y Maquillaje, 2001). Después hicimos Vaquero con Mauricio Terracina y Rodrigo Guardiola (también de Zurdok y el segundo ahora como baterista de Zoé). En el ínter yo comencé a componer otro tipo de música, se dio la oportunidad de lanzarme como solista y ahora, luego de dos discos estoy en un momento muy importante con Hipnosis, un disco que salió recién el 11 de mayo, que es como la culminación de todo lo que he aprendido en esto años. ¿Qué nos puedes decir de Hipnosis?

Es un disco muy personal, toqué todos los instrumentos, hice de ingeniero de audio,

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produje y mezclé… con este disco me siento muy seguro, se me abrió una puerta con el estudio que tengo. Siento que ahora puedo hacer cosas más interesantes porque tengo todo el tiempo y la tranquilidad para lograrlo.

Este es el disco con el que más me he ensuciado las manos porque todos los sonidos fueron hechos a mi gusto. ¿De donde surgió el título del álbum?

Primero compuse la canción y después de terminar el álbum me di cuenta que varias de las canciones como “La ciencia no es exacta”, “Eres lo que piensas”, “Memoria” tenían como tema central la psicología, así que pensé que el titulo Hipnosis encapsulaba muy bien el concepto.

“Arena” es la canción con la que presentas el disco. Es una canción larga y arriesgada, muy diferente a lo que habíamos escuchado antes de ti… ¿Cómo se convirtió en sencillo?

En este disco no pensé en sencillos, busqué un enfoque muy distinto. Al no tener a nadie que influyera en las decisiones de este álbum

todo fue muy espontáneo. “Arena” comenzó con una canción de rock pop tradicional con guitarras distorsionadas y cosas muy sencillas, pero de repente sentí que le faltaba algo, así que decidí meterle un final que rompiera para obtener un clímax. Al final la canción se hizo muy larga, son más de seis minutos y es una duración poco usada en sencillos, pero cuando comencé a mostrarla a amigos era la favorita entonces se quedó… me da gusto porque la semana que salió alcanzó el lugar 11 en itunes, lo cual me hace pensar que la gente lo tomó bien, no estuvieron viendo si era rock, pop o si era una canción larga, sólo les gustó y ya. ¿Habrá sorpresas para el show en vivo?

Pues de entrada es más divertido de tocar, tiene texturas y dinámica dentro de las canciones.

A mí me gusta tocar de la manera más directa que se pueda con el público, sin nada que nos divida, me late estar cerca con mi guitarra sin muchas distracciones, por eso me gusta que la parte visual sea simple. Ahora la producción es muy sencilla y todo se dará con lo que la música pueda producir en las personas.

Ahora me siento muy bien con lo que estoy haciendo y sobre todo, he tenido mucho más éxito sin Zurdok❞.

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Siento que ahora puedo hacer cosas mĂĄs interesantes porque tengo todo el tiempo y la tranquilidad para lograrloâ?ž.

ver la entrevista en video visita: www. in.com.mx

¿Cuál ha sido tu mejor y tu peor tocada?

Mis mejores tocadas o de las que más recuerdos tengo son en el Metropolitan… creo que es un lugar muy especial, he tenido 2 presentaciones como solista y han sido mágicas para mí… la peor tocada que yo recuerdo es una de las primeras con Zurdok cuando tocamos en un parque y había niños corriendo, perros, gente haciendo tamales y carne asada. Fue como una kermese de pueblo y nadie nos entendía el rollo. ¿Qué bandas te gustan actualmente de la escena mexicana y cuáles bandas de la vieja escuela?

Me gusta mucho Zoé, Zurdok y Jumbo, de las bandas viejas realmente ninguna. ¿En que géneros musicales no te ves componiendo?

Tengo la libertad de hacer lo siento en cada momento, no estoy seguro qué género soy, prefiero dejar las puertas abiertas y encontrar cosas que me prendan, yo creo que en todo tipo de género se pueden hacer cosas interesantes. ¿Qué sientes que te falta musicalmente hablando?

Aprender a escribir partituras y teoría musical en general, yo compongo todo de oído e intuición.

Si pudieras armar un dream team de músicos, vivos o muertos ¿a quién escogerías?

Me clonaría 5 veces para tener gente disponible para tocar y ensayar todo el tiempo que quisiera, serían mis esclavos y los pondría a ensayar 12 horas al día.

También invitaría a José Antonio “potro” Farías a tocar el piano.

Zurdok fue una banda que logró muy buenos comentarios por su calidad musical, ¿existe la posibilidad de una reunión?

Siempre hay posibilidades para todo, de hecho el grupo tuvo una reunión sin Maurizio Terracina y sin mí y fue un fracaso, yo lo veo como algo no tan probable, está muy caro el boleto para subirme a ese tren. Ahora me siento muy bien con lo que estoy haciendo y sobre todo, he tenido mucho más éxito sin Zurdok.

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Una de cal por las que van de TXT:: arena JP Riveroll.

“Hacer una película es vivir.” Esa intimidad entre el cine y la vida a la que Antonioni se refiere es lo que hace del cinematógrafo un elemento cultural grandioso, tan mágico y elocuente como el universo onírico que provoca un sueño: un reflejo en positivo del mundo en que vivimos, una fuga de una realidad desarticulada y caótica hacia un terreno que aspira a la perfección e inunda los sentidos de luz, de vitalidad constante. En La nuit américaine, el personaje interpretado por Francois Truffaut, el director de la película dentro de la película que a su vez es el artífice detrás del telón, lo deja en claro con una simple aclaración: “Ninguna vida privada marcha bien. Hay más armonía en el cine que en la vida, Alphonse. No hay atascos de tránsito en los filmes, no hay agujeros, no hay tiempos muertos. Las películas avanzan como trenes en la noche.

Y la gente como tú y como yo estamos hechas para ser felices en el trabajo, haciendo cine.”

Cuando la cámara empieza a correr, el sonido del celuloide al pasar frente al objetivo eleva el espíritu, inspira a crear, a lograr la mejor de las esculturas de tiempo que uno sea capaz de moldear. Cualesquiera que sean los obstáculos, a costa del aparato corporativo que controla el dinero, a pesar de todo y contra viento y marea, quien ha sido tocado por la musa del cine se irá de bruces hacia ese objeto y, si el impulso es verdadero, no se detendrá hasta ver proyectada la cinta en una pantalla por un proyector de 35 milímetros. O como prevé Bresson: “El provenir del cinematógrafo reside en una nueva raza de jóvenes solitarios que filmarán invirtiendo hasta su último centavo sin dejarse atrapar por las rutinas materiales del oficio”. Si es menester invertir tres o siete años en el proyecto, el cineasta –cinéfilo también en el mejor de los casos– hará lo propio, sobre todo si recuerda que con paciencia y salivita el elefante se cogió a la hormiguita, aunque en este caso sea al revés: en un descuido el elefante que significa el engranaje cinematográfico puede devorar a la ingenua hormiguita despistada y detener su camino hacia la sala de cine, el insigne destino de una cinta.

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Le mépris, exquisita muestra del genio de Godard, advierte desde el plano inicial: “El cine, dice André Bazin, sustituye ante nuestra mirada un mundo más en armonía con nuestros deseos. Esta es la historia de ese mundo”. Y ahí está 8 1/2 de Fellini o la “palenquera” sátira gabacha, State and Maine de David Mamet, cantando las alabanzas e invocando las vicisitudes de un mundo que hipnotiza, no sólo en la pantalla sino detrás de cámaras: la dinámica del plató es para muchos como una adicción, un placer comparable al sexo (quizá me exceda en semejante analogía en pos de la poética: vale). Los tejes y manejes del rodaje son una envidiable manera de ganarse la vida, con todo y las interminables horas extras, noches de poco sueño y tiradas, en ocasiones, de meses de intensa convivencia con las mismas personas que acaban convirtiéndose en una gran familia que se ama y se pelea, que llora de angustia o de felicidad, que celebra o se aflige ante el triunfo o la adversidad. El cine es un oficio que apasiona hasta la obsesión, que exige la primicia en la escala de valores de quien se atreve a pisar su exclusivo círculo de acción. Más celoso que cualquier mujer, el cinematógrafo clama entera dedicación, sin reservas y sin rezongar.

Para el espectador su esplendor es evidente. Dulcesitos como Airbag o Fear and Loathing in Las Vegas pueden convertir una tarde de domingo en un pleno placer lúdico de dimensiones psicodélicas, o una obra como Wild at Heart sería capaz de llenar de fuego el corazón de cualquier mortal. El alcance introspectivo, juguetón o analítico del cine no se puede menospreciar o subestimar: una película es un mundo paralelo, es vivir otras vidas, es viajar exterior e interiormente, es reflexión y recreación conjuntas. El estado de la industria cinematográfica es termómetro indicativo del estado del mundo. Es cultura de sano esparcimiento.

Hacer una película es vivir. M

Karate Kid

¿Un atentado contra el clásico?

TXT:: Erick Estrada.

Karate Kid 2010 se mantiene por sí misma la altura, sin grandes huecos y con momentos muy logrados Si este nuevo intento sobre una historia que muchos conocen de sobra (filmada hace 26 años) se convertirá en un clásico, eso no lo sabremos sino hasta después de un periodo de tiempo considerable, cuando veamos las verdaderas capacidades de Jaden Smith quien, al contrario de Ralph Macchio, puede ver su carrera catapultada y no enterrada después de interpretar al jovencito casi forzado a aprender artes marciales para defender su honor y quedarse con la chica. ¿Homenaje? Sin duda, con variantes considerables: Chan enseña kung fu, no karate; la edad del karate kid y la naturaleza de su apodo (en ésta versión le llaman así de manera despectiva). ¿Errores? El más notorio es tratar de mantener el nombre de la película original en un contexto en el que nada tiene que ver y probablemente (aunque suene contradictorio) la elección del director y del guionista (Christopher Murphey), escritor con la suficiente inexperiencia como para obviar guiños de la película original que provocaron que varias generaciones se encariñaran con ella.

Hasta ahora todo había transcurrido en el terreno de la especulación y casi en el de la ciencia ficción (que no deja de ser especulativa). Hubo quien incluso señaló el fatal atrevimiento de Will Smith y su esposa, Jada Pinkett Smith: profanar la memoria de Mr. Miyagi (Pat Morita) y plantear que Jackie Chan interpretara al mismo hombre. Nada de eso llegó a ocurrir.

El otro temor alrededor de esta nueva versión de Karate Kid era el nombre del director, Harald Zwart, un realizador sin películas decentes y sí varios intentos fallidos al respecto. Pues bien, pueden ustedes descansar. El peso de la pareja Smith en la producción, el empujón que China le dio al proyecto y las ganas de Jackie Chan de separarse de su papel como artista marcial para envolverse más en el de guía digamos, espiritual, un gurú o un sensei, hicieron (y se nota) que el señor Zwart siguiera instrucciones precisas y solamente midiera los tiempos después de gritar “¡acción!”.

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Karate Kid 2010 se mantiene por sí misma a la altura, sin grandes huecos y con momentos muy logrados (nadie pensaría que esta mancuerna actoral lo lograría, lo hace), pero de repente, en medio de tanto entrenamiento en la Gran Muralla para promoverla como un excelente destino turístico (recuerden que China co produce la película), se extraña el aura casi mística que emergía de situaciones banales y rutinarias, como ocurría en esa primera versión dirigida por John G. Avildsen, que entre otras cosas antes del primer niño karateka dirigió Rocky, una película que nadie en sus cinco sentidos ha pensado volver a filmar. M

Un profeta El duro aprendizaje TXT:: Erick Estrada. FOT::

Un profeta, la historia de un criminal analfabeto y casi insignificante, que con su sola presencia evidencia lo desgastado de las fórmulas mafiosas dentro de una cárcel.

Ahí encaja la poderosísima entrega de Jacques Audiard, escritor más que director, pero que conoce las delicadezas de la alta costura en el montaje, algo que le permite, como es el caso, confeccionar un filme desgarrador, crudo e hiperviolento sin caer en la lluvia de sangre y montaje acelerado de Quentin Tarantino, otro heredero de los abuelazos del cine gringo dedicado al crimen.

Audiard ha transitado ya las líneas de lo incorrecto en la legalidad, en la adquisición tramposa de datos e información (Lee mis labios, 2001) que luego adiciona con las relaciones de quienes abusan de otros, (De latir mi corazón de ha parado, 2005, la película que entregó antes que esta). Sin embargo, hoy y probablemente detectando la necesaria llegada de nuevos aires, nos presenta Un profeta, la historia de un criminal analfabeto y casi insignificante, que con su sola presencia evidencia lo desgastado de las fórmulas mafiosas dentro de una cárcel que, al contrario de los que muchos puedan pensar, no es sino una representación de nuestro mundo.

Los retratos del mundo criminal suelen ser tan atrevidos como tímidos y en esa falta de visión, en ese enfoque tremendista o limitado, se escapan muchas veces las sutilezas que han hecho que grandes mentes cinematográficas no solamente se ocupen de ellos, sino que lo hayan trasladado a las pantallas con inspiración poética. En la lista de quienes entienden ese mundo se acomodan las letras de Francis Ford Copola y Martin Scorsese, quizá los dos autores cinematográficos que consiguieron atraer lo mejor del cine negro a nivel estético y temático al final del siglo XX, procurando así que nuevos realizadores mamaran de sus montajes y sus guiones para hoy, con un mundo cambiado en demasía, dibujaran la transformación de esas estructuras.

No, Audiard no dice que el mundo exterior esté dominado por la criminalidad (aunque tampoco lo niega) y esa es la mayor aportación de Un profeta; la cinta usa a la cárcel para demostrarnos que aquí afuera, el dominio, el manejo de datos y cantidades, las relaciones personales, se realizan de la misma manera a como lo hacen las mafias encerradas.

Pone así bajo la mira nuestros propios escrúpulos y nuestras propias maneras; nuestros objetivos son cuestionados y de paso, la manera como los alcanzamos. Eso para arrancar, porque al desmenuzar el lenguaje de Audiar en la pantalla, nos encontramos con encuadres aparentemente vacíos y faltos de cocción, pero que sin embargo son reales y comunican en su silencio. Los cortes y el montaje le dan ese aspecto poético que muy pocos han podido recrear (volvemos a Tarantino, uno de esos pocos) sin caer en secuencias de humor involuntario. Audiard sabe lo que cuenta y por eso mismo llega a donde quiere.

La película es dura, contundente, profunda, pero no enredada y ni siquiera es pesimista. Eso sí, a quienes se les arrugue el corazón a la primera van a padecer la experiencia, pero lo agradecerán al final. M

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Éramos Tantos vs Resto del Mundo Un homenaje al futbol desde el diseño gráfico TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: Synthia Franco.

La emoción por el mundial de Sudáfrica está por todos lados y se patentiza en cualquier rincón del mundo. Lo curioso es que no sólo son los hinchas, esos aficionados de hueso colorado con insaciable sed de futbol, quienes desbordan un fervor cuasi religioso: escritores de renombre como Luis Villoro hablan de un Dios que es redondo a imagen y semejanza del balón, músicos de diferentes latitudes reparten su afición entre colegas y héroes del balompié, mientras artistas plásticos demuestran que la “cultura” no tiene porque estar peleada con los empeines prodigiosos del fucho.

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En esa sintonía se montó Éramos Tantos vs Resto del Mundo, una exposición autoproclamada “balompedestre” que se inauguró en el marco del corredor cultural Roma–Condesa en la galería o debiéramos decir, “estadio” Gurú. El asunto fue maquilado en el taller de creación gráfica de los hermanos Manuel y Christian Cañibe, quienes se encargan de sumergirnos en el mundo del futbol con un tono lúdico que deja entrever una intención humorística muy particular.

A través de carteles, gráfica, serigrafía y arte objeto, la muestra rinde tributo al deporte que más aficionados tienen en el mundo y que está por experimentar la fiesta mundial por antonomasia. Según los hermanos Cañibe, este homenaje busca redimir sobre todo al futbol de antaño, ese que nos empapa de nostalgia mediante dosis de heroicidad y honor a la vez que nos remonta a la niñez.

En el imaginario de este espacio retro se dan cita jugadores muy peculiares que capitalizan un encuentro que rompe con la temporalidad: John Lennon busca anotar de chilena. Acto seguido, Groucho Marx se mofa del patético intento mientras Luis Buñuel filma todo el numerito con su cámara surrealista; Einstein no pierde el tiempo y concentra una fórmula para colocar el penalti más razo, fuerte y colocado.

Entre las obras exhibidas destaca un tarot hecho con dibujos alusivos al futbol, donde un Cuauhtémoc Blanco engalana la postal con su peculiar festejo de gol. Además, hay un divertido altar dedicado al Atlas, equipo que lleva más de 50 años sin volver a ser campeón. En conjunto, el tarot está pensado para contener un poco el sufrimiento que quienes sufren mucho cada vez que la selección va a jugar, ya que permite que el aficionado pueda echar las cartas y conocer el resultado de antemano y evitar así el desgaste emocional de la derrota no prevista.

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Gurú se encuentra en: Colima 143 • Col. Roma Tel: 5533 7140 “Nos interesan los equipos como el Atlas, un ícono del sufrimiento y la fe que lleva 60 años de no ganar –como Zacatepec–, y cuyas aficiones sufren más de la cuenta” comenta Christian Cañibe, y remata con un: “yo le voy a Cruz Azul y en este momento irle a este equipo implica muchas cosas, yo estoy orgulloso de ellos”.

Cabe decir que la expo no es sólo para iniciados en el tema del futbol, y será un deleite no sólo para los aficionados, ya que es precisamente la habilidad para mostrar los elementos jocosos del deporte que más pasiones desata lo que permite el goce de feligreses y herejes por igual. M

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El

otro mundial

GRUPO A

¿Existe algo común entre el futbol, la música, el cine, la literatura y el arte? Responder que el fanatismo y la pasión sería pecar de simplistas. Como los músicos somos muy palos para las patadas pero aun así disfrutamos del futbol, armamos el “otro mundial”, un apartado imaginario de artistas que podrían representar ejemplarmente a los países de los equipos mundialistas. Muchas gracias a nuestro colaborador Juan Carlos Hidalgo, pues sin su ayuda, este artículo no existiría como tal.

País Sudáfrica • J. M. Coetzee ESCRITOR Antes que por el Premio Nobel que ganó en 2003, la obra de este escritor sudafricano debe valorarse por ser una profunda reflexión acerca de las distintas formas del racismo y la manera en que lastra la existencia humana. Crítico del apartheid, su escritura busca ser universal más allá de abordar historias ocurridas en su natal Sudáfrica, donde conoció la vida rural en la provincia de Karoo –una región desértica– en la que pasó su infancia tras mudarse de Ciudad del Cabo, su lugar de nacimiento en 1940. Egresó de Letras y Matemáticas en la Universidad del Cabo y entonces inició un periplo que lo llevó a Londres (donde trabajo como programador informático), luego a Austin, Texas (donde se involucró en los archivos de Beckett) y posteriormente a Buffalo. Para cuando público Dusklands –primera novela– desarrollaba una carrera en la Universidad sudafricana que se prolongó hasta 2002, cuando se trasladó a Australia. Con gran fortuna ha recurrido a la recuperación memoriosa y la autobiografía (En medio de ninguna parte y La era de hierro). En Vida y época de Michael K cuenta la historia de un superviviente de la guerra civil sudafricana, y Desgracia trata de un profesor de literatura marginado del mundo por acoso sexual. Con ambas ganó el importante Premio Booker (83 y 99). Dos de sus obras han sido llevadas al cine. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

País Francia • Air MÚSICOS Como en los vinos, hay terruños que añejan bandas exquisitas. En un área menor a 15 kms., nacieron Jimmy Page, Erick Clapton y Jeff Beck; Nueva York ha criado leyendas como The Velvet Underground, Ramones o nuevos talentos como Interpol o los Yeah Yeah Yeahs. El barrio francés de Versalles no se queda atrás y es cuna de Daft Punk, Phoenix y Air. Desde ese suburbio parisino, Jean-Benoît Dunckel y Nicolas Godin reunieron la inventiva suficiente para amarrar las influencias de Jean Michel Jarre y Vangelis con Pink Floyd; su compatriota Serge Gainsbourg y hasta el krautrock de Tangerine Dream. En sus producciones se las arreglan para borrar la barrera temporal entre los sonidos vintage de los 70 con los pasajes más futuristas del synth–pop, hacen a Kelly ver las estrellas, promueven la ensoñación con el soundtrack de las Vírgenes Suicidas, componen la primera sinfonía de bolsillo, e imaginan un mundo de cohetes que permiten surfear. Sólo les reprochamos no haber recibido aún la apoteosis del público mexicano. TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: EMI Music.

País México • Café Tacvba MÚSICOS En un país que conmemoró su bicentenario con billetes que incluían sendos errores ortográficos, y donde la gente usa el escudo nacional como calcomanía en los parabrisas de sus autos para intimidar a los demás –haciéndoles creer que adentro viaja alguna autoridad– Café Tacvba es aire fresco. Son uno de los pocos garbanzos de a libra que, esporádicamente, aparecen en nuestra desoladora realidad nacional, dando identidad a generaciones variadas. Recién celebraron veinte años de su primer álbum, aunque sus presentaciones en lugares míticos como el 9 o el LUCC datan de los 80. Internacionales ahora, con colaboraciones que incluyen la producción musical, los “tacvbos” preparan un largometraje acerca de su historia que bien podría llamarse: Cómo dejar Cd. Satélite y convertirse en la “bandita”. TXT:: Lenin Calderón. FOT:: Ricardo Trabulsi.

País Uruguay • Cuarteto de Nos MÚSICOS Se trata de un grupo concebido en la imaginación, con un manager imaginario llamado como uno de sus discos, Emilio García, y a quien sus primeros conciertos los teloneó nada menos que otra banda imaginaria, Tuquito y sus Cowboys, integrada por los mismos músicos que el grupo estelar, que en México vio estallar su popularidad con el sencillo "La casa de Damián". El Cuarteto de Nos nada se toma en serio. Ni siquiera es cuarteto, porque son cinco sus integrantes. Se burlaron del prócer consentido de Uruguay, José Gervasio Artigas, con el tema “El día que Artigas se emborrachó” y con ello pusieron de manifiesto una contradicción del país: mientras que Artigas fue un personaje que luchó por la libertad, el disco en que se incluía su tema se convirtió en el primer álbum censurado después del término de la dictadura militar en el país, y la consecuente llegada de la democracia. TXT:: Arthur Alan Gore.

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EL otro mundial

GRUPO B País Argentina • Charly García MÚSICO Los argentinos creen en Maradona, pero también en Charly. Sin duda, es el músico más influyente de todos los tiempos en lo que a ese territorio se refiere. Arrogante a más no poder, prodigio que –en la mejor tradición de Mozart– comenzó a tocar el piano y escribir sinfonías antes incluso de tener relaciones sexuales, García representa además, ya sea con La Máquina de Hacer Pájaros, Sui Géneris o como solista, una fuente de creatividad inagotable. Es la estrella de rock por antonomasia, fue expulsado del ejército, interrumpió un concierto a los 50 minutos de haber salido sin devolver el dinero a su público, y se lanzó desde el noveno piso de un hotel hasta la alberca. Sus fanáticos le pasan todo por alto, porque un día Charly es capaz de golpear Björk (se cuenta) y al día siguiente ofrece un concierto de tres horas. TXT:: Arthur Alan Gore.

País Corea del Sur • Park Chan–Wook cineasta Old Boy (Siete días para vengarse) es un filme estremecedor no sólo por su relación con la violencia sino por la belleza que de allí puede emanar. Esta cinta –ganadora en Cannes 2004– le allanó el camino para convertirse en un cineasta de culto. Esta fue la segunda parte de su aclamada y casual trilogía de la venganza, que se completa con Sympathy for Mr. Vengeance (02) y Sympathy for Lady Vengeance (05).

Siempre polémico –unos lo aman, otros lo odian–, este nacido en 1963 se graduó de Filosofía de la Universidad de Sogang, antes de convertirse en una figura esencial del cine asiático debido a sus grandes dotes en el oficio: manejo de ambientes opresivos, una refinada estética narrativa no lineal, y mucha precisión en el trabajo actoral.

Tras ver sus películas nos sumergimos en la experiencia del dolor y su complejidad, ya que nos plantea la imposibilidad de ser comunicados directamente. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

País Grecia • Theo Angelopoulos cineasta Desde 1968, la mirada de este griego ha sido una constante reflexión cinematográfica acerca del cine mismo.

Con tomas largas y elaboradas, sus filmes son perspectivas estáticas, panorámicas de la Grecia provincial más sórdida. Sus temas giran obsesivamente en torno a la búsqueda de la verdadera identidad y el hallazgo de los orígenes de sus personajes. Otro artista recogido por el exilio durante años, Angelopoulos ha contado sin tapujos la historia moderna de Grecia en su trilogía y de paso ha hecho hincapié en el sentimiento encontrado de un pueblo atestado de contrastes sociales que se debate entre la grandeza de un pasado milenario, y la incertidumbre de un presente fracturado, belicoso y económicamente incierto. TXT:: Lenin Calderón.

País Nigeria • Tony Allen baterista Comenzar a tocar un instrumento a los ocho años tiene sus ventajas: a los 18 años puedes ser baterista y director musical de gente tan brillante como Fela Kuti, y la crítica podría reconocer que tu precocidad alimentó los primeros trazos del afrobeat. Nacido en Lagos, Nigeria en 1940, Tony Allen aprendió solo a tocar mientras escuchaba la música juju que su padre solía poner en casa (un estilo yoruba tradicional), y su curiosidad fue suficiente para mezclar la vena del jazz norteamericano con ese peculiar género nacido en Ghana bautizado como highlife. Después de grabar alrededor de 30 discos con Fela, Tony Allen creó su propia banda para emigrar a Londres y luego a París, donde reside actualmente. La residencia europea le permitió fusionar música electrónica, dub, R&B, rap y afrobeat, una deconstrucción que fue nombrada afropunk. Sus casi 60 álbums han hecho el suficiente ruido para que gente como Sébastian Tellier, Damon Albarn, Air, Charlotte Gainsbourg y Zap Mama lo hayan invitado a colaborar en sus discos. TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: World Circuit.

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EL otro mundial

GRUPO C País Argelia • Rachid Taha mÚsico Infancia es destino y este poderoso y beligerante músico nació en Argelia, en la ciudad costera de Oran, en el año 1958. Cuando tenía diez años su familia emigró a Francia, trabajó en una fábrica de Lyon y allí formó su primer grupo para dar cuenta de las desigualdades e injusticias.

Con los años ha cronicado con sus canciones la problemática de la Región del Magreb (en África del Norte), además de erigirse como un vocero de los migrantes y las tensiones por encajar en un país extranjero. Taha se mueve entre ambas culturas y ha logrado una potente mixtura entre rock, electrónica y música árabe.

En 1998 registró en París, ante un público de 15 mil personas en el estadio de Bercy, el disco 1, 2, 3 Soleils, donde lo acompañaron otras dos figuras magrebíes: Cheb Khaled y Faudel. Su obra –con más de una decena de álbumes–, reivindica el mestizaje como forma de vida, tal como lo expresó en la frase que también lo define: “nunca cambiaré mi carrera por causa de mi nombre, y nunca cambiaré mi nombre por causa de mi carrera”.

TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

País Eslovenia • Slavoj Zizek filósofo “El 11 de septiembre, con el desplome de las torres gemelas de Nueva York, es una manifestación real que confirma una faceta de la realidad virtual labrada sobre el imaginario colectivo de los norteamericanos. A través de la ficción cinematográfica”. Así son las ideas del filósofo y psicoanalista nacido en Liubliana en 1949. Figura mediática y estudioso de Lacan, cuyo pensamiento entrevera con el marxismo. Se ha distinguido como un prolífico autor que plantea un estudio minucioso de la cultura popular.

También se ha atrevido a polemizar acerca de problemas como el fundamentalismo, la intolerancia y lo políticamente correcto, siempre en el marco de la filosofía posmoderna. Animador del circuito académico internacional también funge como Director del Instituto Birkbeck para las Humanidades.

Estudioso lo mismo del cine Alfred Hitchcock y David Lynch que de la literatura de Kafka y Shakespeare, en su obra ha retomado a figuras incómodas como Lenin, Stalin y Robespierre. Destacan entre su amplia bibliografía: Todo lo que usted siempre quiso saber sobre Lacan y nunca se atrevió a preguntarle a Hitchcock, Estudios Culturales. Reflexiones sobre el multiculturalismo, ¡Goza tu síntoma! Jacques Lacan dentro y fuera de Hollywood, ¿Quién dijo totalitarismo? Cinco intervenciones sobre el (mal) uso de una noción, La Revolución Blanda y Bienvenidos al desierto de lo real. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

País Estados Unidos • Martin Scorsese cineasta ¿Quién mejor que él podría representar los ideales norteamericanos? Con sus épicas historias cinematográficas, ha realizado apologías de la sangre que se derramó para que la ciudad de Nueva York (Pandillas de Nueva York) –el ombligo cultural de Estados Unidos– pudiera ser fundada en la historia de un taxista (Taxi Driver) que decide hacer justicia por su propia mano en contra del sistema, Scorsese batalló más de medio siglo por llevarse un Oscar. Por fin, en 2007, la Academia se lo entregó por Los Infiltrados. Se trata de un thriller policíaco que, se dice, es la película ganadora al mayor honor cinematográfico en la que más veces se repite la palabra fuck… todo un símbolo norteamericano. TXT:: Arthur Alan Gore.

País Inglaterra • Thom Yorke mÚsico Con toda la parafernalia que gira a su alrededor, resulta difícil imaginar que hace veinte años Thom Yorke era un chico cuyo ojo paralizado le había ganado el mote de “salamandra”, y que su gusto por “ajuarearse” como anciano le hizo acreedor a severas palizas. Nadie sospechaba que su pasión por emular la guitarra de Bryan May pronto le sacaría de horribles trabajos como el de vendedor de trajes. La historia no podría ser más emblemática: una vez terminado su curso de Inglés y Arte en la Universidad de Exeter, Thom ya no podía aplazar su voluntad de convertirse en un rockstar. En cuestión de dos años el fenómeno de “Creep” le dio a probar las delicias del estrellato, y en lugar de posicionarse cómodamente y optar por repetir esa fórmula, su ambición como líder de Radiohead ha sido reivindicar la idea de que en el rock ya no puede ocurrir nada nuevo. Siete discos de estudio y uno como solista demuestran que es posible seguir sorprendiendo bajo el formato clásico de una banda de rock.

TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: cortesía de nastylittleman.com

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EL otro mundial

GRUPO D País Alemania • Kraftwerk mÚsicoS Y las máquinas llegaron ya. Lo que Isaac Asimov le hizo a la literatura, la banda alemana lo aplicó a la música. Sus discos Radioactivity (1975), Trans-Europe Express (1977) y The Man Machine (1978) permitieron que hoy en día podamos hablar de la existencia de un DJ Tiësto, un Rammstein, un Justice, un Alien Vampire y todas las derivadas y variantes de electrónica que te vengan a la mente. Kraftwerk fue pionera en la utilización de instrumentos, sonidos y técnicas que “robotizaron” irremediablemente la música. Si tuviéramos que hablar de unos Beatles en cuyo interior se tejen circuitos y cables, sin duda sería el cuarteto teutón que tuvo a bien formarse en 1970. Bandas como Radiohead les profesan una admiración extrema, no sólo por su sonido, sino por su deslumbrante puesta en escena, salida no de una novela, sino de una forma de vida ligada a la ciencia ficción. TXT:: Arthur Alan Gore. FOT:: EMI Music.

País Ghana • Osibisa mÚsicoS En el bullicioso Londres de finales de los años sesenta confluyeron tres nativos de Ghana: Teddy Osei (saxofón), Sol Amarfio (batería) y Mac Tontoh (trompeta) se aliaron con tres caribeños (de Granada, Antigua y Trinidad), para sumar finalmente al nigeriano Lasisi Amao (percusiones y sax tenor) a la alineación fundamental de una banda que picó piedra para el reconocimiento y difusión de la llamada (para bien o mal) música del mundo.

Durante la década de los setenta alcanzaron gran notoriedad internacional, pues su labor allanó el camino incluso para la llegada de figuras como Bob Marley, pero también se esparció por buena parte de África, donde se convirtieron en grandes estrellas. Poseen una trayectoria de largo aliento que consigna una veintena de discos, entre ellos Live at the Marquee (84), Criss Cross Rhythms (92), Celebration: The Best of Osibisa (94). Recurren a un sinfín de ritmos, intrincadas figuras de los metales y algunos cantos tribales. Aunque su activad hoy día es escasa, fueron el referente de más de una generación de músicos africanos. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

País Servia• Goran Bregovic mÚsico La clave de su éxito no es para nada un secreto, en especial para nosotros. Su música se relaciona con nuestras tradiciones y la sensibilidad de su lírica es propia de las cicatrices que, como pueblo, llevamos en la psique. Sus orquestas suenan a nuestras bandas de pueblo: los mismos instrumentos se usan en bodas y sepelios. Vida y muerte en un embriagante elixir que nos lleva del llanto a la risa. La pena de un pueblo desposeído y desplazado por conflictos incesantes se traduce en cánticos que a su vez, se convierten en borracheras y terminan en el olvido impuesto por la resaca. La capacidad para plasmar musicalmente la sensibilidad gitana, llevó a Bregovic a ser parte clave de los filmes de Emir Kusturika. Ahora, el balkan beat es todo un género que explotan desde Calle 13 hasta Gogol Bordello. TXT:: Lenin Calderón. FOT:: Lilly M.

País Australia • AC DC mÚsicoS Sydney, Australia, 1973. Nace una banda que como Pantera, Van Halen o los Stone Temple Pilots es ideada por un par de hermanos. Aunque poco parecidos físicamente, los hermanos Young acuerdan usar los tres acordes más efectivos del rock, adoptan el showing off y el menor de ellos no duda en usar un uniforme escolar para mermar los nervios. Tampoco tienen problema en decidirse por los Marshalls, las guitarras Gibson, y en construir su sonido alrededor de la escala pentatónica. La carretera al infierno es impredecible y el luto por la muerte de Bon Scott preludia el Back in Black, primer disco con la voz de Brian Johnson. El resto es historia: 17 álbumes de estudio, 150 millones de discos vendidos, intoxicación, suciedad, Rock & Roll Hall of Fame, la “Calle de AC/DC” en Leganés, España y la “ACDC Lane” de Melbourne, Australia. TXT:: Vicente Jáuregui.

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EL otro mundial

GRUPO E País Camerún • Les Têtes Brulées Músicos El nombre en francés de estos oriundos de Camerún significa “las cabezas ardiendo”, un nombre agresivo que contrasta con las versiones de pop easy listening que hacen de la música dance conocida como bikutsi (un género de Camerún que significa “pulso de la tierra”). De cualquier forma, su aspecto es muy distintivo e incluye disfraces llamativos, cabezas rapadas y cuerpos pintados cuya estridencia no es gratuita, ya que busca evocar los rituales de sacrificio del pueblo beti (habitantes del bosque tropical de Camerún). Sus letras generalmente tratan sobre temas sociales, como lo atestigua su primer LP Hot Heads (título que es una versión anglo del nombre galo de la banda). Un dato curioso es que acompañaron a la selección de Camerún al mundial de Italia, y en el país de la bota lograron cautivar nuevas audiencias. TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: William Farrington.

País Dinamarca • Lars von Trier cineasta En cierto sentido, Lars von Trier guarda cierta similitud con la arrogancia de rockstars con apellidos como Gallagher o Rose: luego de ser abucheado en la edición 2009 de Cannes, no dudó en autoproclamarse como el mejor director del mundo. Con tales desplantes, no es raro que cuando trabajó con otra víctima de la megalomanía como Björk –Bailando en la oscuridad–, las cosas hayan terminado en pleito irremediable. Sin embargo, la carrera de este personaje ermitaño es tan brillante como para balancear la cosa. Es uno de los fundadores del movimiento Dogma 95 –que enfatiza la trama mediante nulas modificaciones en la post–producción–, y la herencia de una educación comunista se adivina en cintas mordaces que buscan enemistar con la hipocresía y la doble moral. Su filmografía es basta y gusta de arrojar preguntas como cuchillos, estimulando al espectador a convertirse un ente activo ya que, como dice el mismo von Trier: si el cine sirve para algo, es para dejar abiertas las interrogantes, no para responderlas. TXT:: Vicente Jáuregui.

País Holanda • Cees Noteboom escritor No es fácil labrarse una carrera como escritor y mucho menos si se escogen los viajes como tema central, pues ello es considerado un subgénero de segunda importancia. Con todo un hándicap en contra, este nativo de La Haya ha llevado este tipo de obras a un nivel superlativo de calidad.

Ciudadano del mundo, viajero irredento, publicó su primer novela Philip en de anderen (un viaje de aventón por toda Europa) en 1954 y no ha parado. Traduce poesía y teatro, publica con asiduidad (su bibliografía rebasa las 30 referencias) pero fue con Rituales (1980) que le llegó un amplio reconocimiento internacional.

El día de todas las ánimas (1998) es un libro en que prosigue con su búsqueda novelística; sigue fiel a su lema: muévete o muérete. TXT:: Juan Carlos Hidalgo. FOT:: coterís Cees Noteboom.

País Japón• Haruki Murakami escritor Escribió Crónica del pájaro que le da cuerda al mundo, y es el culpable de que leer literatura japonesa se volviera cool.

Cuenta –en las contadísimas entrevistas que concede– que la revelación de convertirse en escritor le vino en medio de un partido de béisbol. Odia a los perros y ama a los gatos. Al igual que Stephen King, su mujer Yoko es su primera lectora, y es fanático de Lost y el jazz. Murakami escribe mitad real, mitad mundo onírico, con un ácido sentido del humor y un deslumbrante uso del lenguaje. Podría ser una estrella de rock por su popularidad entre los jóvenes, pero lejos de llevar una vida de excesos e interminables desveladas, se trata de un tipo deportista y conservador, al que le aburren las fiestas y los paparazzi le sacan ronchas. TXT:: Arthur Alan Gore. FOT:: Cedric Martigny.

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GRUPO F País Italia • Roberto Saviano escritor Tecleó un libro que le cambió la vida. Se trata de Camorra, un texto que otorgó un alud de éxito literario a Roberto Saviano, pero que fue también el culpable de que la mafia italiana lo amenazara de muerte. Por ello, el Ministerio del Interior de su país lo escolta las 24 horas del día y Saviano ya tuvo que abandonar Italia. Sin embargo, eso no hace que pierda el sentido del humor. Junto al rapero Lucariello escribió Cappotto di legno, una canción en la que se cuenta la historia del sicario que habrá de matarlo. Humberto Eco lo ha calificado como héroe y, a sus apenas 30 años, tiene que lidiar con la cara de escribir un libro incendiario. Italiano que se metió con la mafia. ¡Qué valor! TXT:: Arthur Alan Gore.

País Nueva Zelanda • Katherine Mansfield escritora Fue en muchos sentidos una verdadera rebelde. Nacida en 1888, tuvo una intensa vida dentro y fuera del círculo literario de habla inglesa y dejó el mundo a los 34. Su vida sentimental no conoció límites y se embarcó en relaciones con hombres y también con mujeres. Como escritora, tuvo la fortuna de formar parte en Londres del selecto grupo de literatos ingleses que incluiría a D.H. Lawrence y Virginia Woolf. Con el tiempo, Mansfield ha sido reconocida como una de las escritoras de ficción corta más importantes del periodo. Muchas veces, el tono de sus obras es anti–imperialista al señalar los abusos y la represión que los ingleses inflingían a tribus neozelandesas como la Maorí. Una mujer adelantada a su tiempo, escribió textos que, como Prelude, criticaron al imperio desde el imperio mismo. TXT:: Lenin Calderón.

País Paraguay • Miki Napout cantante Vaya que nos dio trabajo este país sudamericano, conocido por exportar más futbolistas que otra cosa. Quizá no posea gran presencia internacional con sus artistas, pero da señales de los jóvenes vienen empujando con fuerza y tratando de renovar una escena que se mueve con lentitud.

De talento precoz y formación clásica (pasó por el conservatorio), este nacido en 1983, ha buscado afianzarse a lo suyo: las canciones, tras un periodo en bandas convencionales de rock: Hernia y Eterna. A partir de 2008 emprende la ruta en solitario ciñéndose a piezas de corte intimista y casi acústicas. 11 de sus composiciones conforman su debut, Silla cable, campo y tereré (2009). Se trata de un músico que reconoce la influencia de figuras como Charly García y Andrés Calamaro pero también de Jorge Drexler y Kevin Johansen, como es evidente en temas como “Tanto para decir” e “Isla urbana”. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

País Eslovaquia • Juraj Jakubisko cineasta Todo mundo habla de Drácula, por lo que, en un arrebato de justicia vampírica de género, el cineasta eslovaco Juraj Jakubisko decidió rendirle tributo a la Condesa Elizabeth Bathory. Si bien la mujer, a la que toda una horda de darquis nacionales le ha plagiado el apellido para utilizarlo como nick en su messenger, se hizo famosa por haber asesinado a más de 650 doncellas con el objetivo de bañarse en su sangre para conservar la belleza eterna, Jakubisko la retrató como un personaje adorable, tierno… una mujer –como dijo él poco antes del estreno de su película– “demasiado inteligente y desafortunada como para nacer en la época equivocada”. El director es uno de los artistas que mejor ha sabido retratar la realidad de su patria –Bathory (2008) es, valga decirlo, la primera película que rueda en inglés– en trabajos como Post Coitum y See you in Hell, friends. Para un eslovaco, hacer un largometraje de vampiros casi equivale casi a gestar un proyecto costumbrista. TXT:: Arthur Alan Gore.

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GRUPO G País Brasil • Caetano Veloso músico La obra de Veloso –el Bob Dylan de Brasil– es valorada tanto por su trascendencia poética como por su relevancia musical. Surgido en Bahía, a mediados de los 60 y fundador del movimiento tropicalismo, que incluía teatro, poesía y música en plena dictadura militar, se ha mantenido como una figura emblemática de la vida artística de su país incluso en el exilio. Su música, ya desde los primeros años, es una sofisticada mezcla de pop, rock y de música popular brasileña que sólo agrupaciones como Os Mutantes han logrado asimilar y recrear. Inmortalizado a través de su música por Antonioni y Almodóvar, él es un sólido eslabón en la rica tradición musical brasileña y su voz aún señala, con gran dignidad, que el sonido de Bahía le dio identidad a Brasil en tiempos de la Colonia. TXT:: Lenin Calderón. FOT:: José Goulão.

País Corea del Norte • Mi-sook-Ri músico Sus raíces musicales están ligadas a lo clásico. De hecho y como marca la tradición cultural de oriente, desde niña domina instrumentos como el gayageum (con su compleja docena de cuerdas), el piano y el violín. Sin embargo, Mi-sook Ri se pasó del lado del pop comercial en un esfuerzo conjunto de varios artistas por inyectar un aliento de vida a la desfalleciente industria musical coreana de los años 90. Es por ello que su carrera, la cual ha arrojado sencillos cuyas traducciones no se diferencian demasiado de las canciones populares de occidente (algunos de sus hits son “Te amo” o “Promesa de amor”), es ante todo el resultado de un genuino acto de amor hacia su país. TXT:: Arthur Alan Gore.

País Costa de Marfil • Alpha Blondy músico Si existe un artista de reggae que conserve el valor contestatario del género, ese es Alpha Blondy. El llamado a unir conciencias y difundir las tradiciones y la palabra divina en los jóvenes se remonta a Jamaica a fines de los 50; tradición que este músico ha prolongado con vistas a darle un carácter más universal con discos en varios idiomas. Él es otro artista cuya realidad social lo llevó a tornarse más político. Poco a poco, se ha vuelto una figura humanitaria que divulga la paz, actividad valiosa en un país en el que el colonialismo francés e inglés dejaron como herencia odios y resentimientos, traducidos en sangrientas guerras civiles y arduas batallas contra regímenes militares en pos de la democracia. No por nada grabó “Cocody Rock”, en 1984, con los Wailers del mismísimo Marley. TXT:: Lenin Calderón. FOT:: Livepict.com

País Portugal • Antonio Lobo Antunes escritor Médico de profesión con especialidad de psiquiatría, vivió en África durante la guerra de Angola (70–73), episodio que ha sido recurrente en sus novelas. Es un hombre huidizo, prudente y sabio que una y otra vez es postulado al Nobel y no lo gana. Alterna la literatura y el periodismo, terreno en el que logra unas crónicas meditativas que son todo un deleite.

En su narrativa transitan fantasmales ecos del pasado; coexiste en ella una intimidad conmovedora con pasajes de la historia oficial. Ganador del Premio que entrega la FIL a las lenguas romances (2008) posee un inapelable corpus escritural, entre el que se hayan libros tales como: Fado alejandrino, Tratado de las pasiones del alma, El orden natural de las cosas, La muerte de Carlos Gardel, Esplendor de Portugal, Yo he de amar a una piedra y Ayer no te vi en Babilonia.

Nacido en 1942 y radicado en Lisboa, siempre ha tenido claro de que va su oficio: “Hay una maquinaria invisible detrás de cada página, que el lector no ve, y no debe verla, porque si la ve, el libro ya no es bueno. Y esa maquinaria sólo funciona gracias a una cosa: trabajo, elemento que hace creíble el relato, vertebrarlo, enlazar sus elementos, organizar la obra, porque si sólo hablamos de emociones en estado bruto, ¡vaya caos! ¿El duende?

Bah, sólo creo en el trabajo”. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

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EL otro mundial

GRUPO H País Chile • Anita Tijoux músicO Junto a otras dignas exponentes del género, como Actitud María Martha, Niña Dioz o La Mala Rodríguez, Anita dejó en claro que las chicas latinoamericanas del nuevo milenio han elegido el hip–hop como medio de expresión.

En su caso no podría ser de otra forma. Hija de dos exiliados del golpe de estado chileno que acabó con la vida de Salvador Allende en 1973, la cantautora nació en el año de 1977, fecha que le sirvió de inspiración para su segundo álbum como solista. Antes, la Master of Ceremonies (MC) participó con el grupo Makiza, que se separó definitivamente en 2004, debido a profundas diferencias entre ella y el resto de los integrantes sobre la manera de hacer música. Digna representante de Chile, que en carne propia heredó las consecuencias de crecer en el marco de una dictadura militar (se vio obligada a nacer en Francia como consecuencia del exilio de sus padres y no conoció su patria sino hasta 1983, en medio de unas vacaciones), orgullosa de su patria, Anita nos rima: “Mi búsqueda no fue para mí cosa de escenario/ Fue algo necesario/ Que marcaba ya mi fallo”. Las chicas ya no quieren divertirse, buscan pelea social. TXT:: Arthur Alan Gore.

País España • Ferran Adrià Chef Quién diría que en pleno apogeo de una época dorada para la cultura española (tenis, baloncesto, cine, futbol, automovilismo, entre otros) se podría elegir como una de sus figuras más representativas a un chef. Este hombre es un renovador histórico de la gastronomía y su restaurant–centro educativo y de investigación llamado El Bulli, es el cuartel general de tal revolución. Incluso Time lo incluyó en 2004 en su lista de los 10 personajes más innovadores del mundo.

Autodidacta de origen, se ha convertido en un apasionado de la relación entre comida y ciencia, de donde emanan sus platillos moleculares. Ha ido a fondo en lo que respecta a las nuevas tecnologías aplicadas a los guisos.

Este nativo del Hospitalet de Llobregat, Barcelona, ha apoyado las investigaciones en cuanto a los procesos alimentarios, la salud y la gastronomía desde una perspectiva social y cultural a través de la Fundación Alicia. En 2005, la Universidad Camilo José Cela de Madrid creó la Cátedra Ferran Adrià. La Universidad de Barcelona le ha nombrado en 2007 Doctor Honoris Causa por la facultad de Química. Muy lejos ha llegado el mejor cocinero del mundo y lo que le falta. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

País Honduras • Banda Blanca Músico En el 91 no todo fue Nirvana y Oasis, del imaginario de la música popular centroamericana surgió una canción de un ritmo peculiar –poco conocido hasta entonces– que después supimos se llamaba punta. “Sopa de caracol” fue grabada por un grupo cuyos orígenes se remontaban a los años 70, pero que seguían en la braga bajo el nombre de Banda Blanca, al que llegaron cuando el conductor de televisión Tony Low abrió un club nocturno llamado Garzas Blancas; los músicos acuñaron el nombre para convertirse en la orquesta del lugar.

Procedentes de San Pedro, Sula, mezclaron un poco de calipso y merengue con otros ritmos afroantillanos, como los garifunas, para consolidar –con otros colegas– el asunto de la punta, que también se cruzó con el rock.

Con su gran éxito bajo el brazo, el combo (8 músicos aproximadamente) recorrió América y llegó hasta España, presentándose en todo tipo de carnavales. Para seguir adelante editaron una serie conocida como Fiesta inolvidable, que abarcó 5 volúmenes y que cada año les redituaba grandes ventas y celebridad en la tierra de “El mágico” González. Todavía se mantienen activos, pero con apariciones esporádicas. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

País Suiza • Erik Truffaz Músico Rebelde. Nació en 1960, pero se alejó de los clichés de su generación. Desmarcándose del movimiento hippie, eligió la trompeta como instrumento y no la guitarra, además de abrazar al jazz como tierra de origen. Fusiona ese género con rock, soul, hip–hop y hasta drum ‘n’ bass, lo que le ha valido ser comparado en múltiples ocasiones con Miles Davis. También ha consquitado logros comerciales, como el disco de platino para Bending New Corners (1999). Truffaz no le tiene miedo a las etiquetas ni a la experimentación: es capaz de soplar al mundo entero con la fuerza de sus pulmones. TXT:: Arthur Alan Gore. FOT:: Jey Derathe.

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reseñas música 3x1

80 70

Crookers Walls Gepe

Tons Of Friends

Southern Fried Records ★★

Llega el tan esperado álbum debut del dúo italiano de electro, hip–hop y fidget–house: Crookers. Aclamados por su remix a “Day ‘n’ Nite” de Kid Cudi, este par de productores salen de la rutina de la remezcla en la cual se les encontraba a menudo, para hacerse acompañar a lo largo de veinte temas con invitados como Soulwax, Róisín Murphy, Miike Snow, Pitbull, Tim Burguess, Major Lazer, Kelis y muchos, pero muchos más.

Se trata de un disco largo, pesado, con temas que si no son escuchados en el momento preciso y con el humor adecuado, costará trabajo escucharlos por completo. Veinte canciones con veintiséis invitados suena muy espeso, y por momentos lo es, no suena como un disco en forma, le falta condensación y le sobra parecerse a una compilación. Sin orden, sin ganas de seguir un camino ni contar una historia.

Lo anterior no me impide reconocer que en el Tons of Friends hay destructores de pistas de baile: Kelis cantando sobre dubstep en “No Security”, o Royal T con la gran “Róisín Murphy”, o “Jump Up” donde participa el Major Lazer y todo ese sonido caracterizante de la “Mad Decent” son fieles pruebas de esto.

Este es un disco con un núcleo muy sólido pero bordes que no fueron tomados como sobrantes. TXT:: “El Jergas”.

M.I.A.: Arular. Debut de la sensacional Maya Arulpragasam.

Benga: Diary of an Afro Warrior. Puro dubstep de calidad. De mis favoritos.

Boyz Noize & Avalanche: Avalanche/ Lemonade.

EP que sacaron este par de monstruosidades de las tornamesas.

Walls

Kompakt ★★★★

Originarios de Manchester pero editados por la legendaria alemana Kompakt, Sam Willis y Alessio Natalizia, el par de músicos detrás de Walls, se conocieron en 2009 mientras el proyecto del primero –Allez Allez– remezclaba “Mr. No”, original del grupo del segundo – Banjo or Freakout–. Es en abril de 2010 que Walls saca su homónimo disco debut, dando a conocer su electrónica psicodélica elaborada a base de muchos pedales, secuencias que van moviéndose como el oleaje de alta mar y ambientes que parecen haber sido creados en sueños.

Este es un disco que ofrecerá un lugar común para aquellos que gustan de Animal Collective, Brian Eno y de aquella música que en cuanto suena se esparce e impregna el aire que le rodea como si se tratase de una fragancia. Se recomienda ampliamente escuchar a Walls al llegar a casa después de un arduo día en la ciudad, cerrar las cortinas, apagar la luz, darle play, tumbarse en la cama y cerrar los ojos.

El debut de Walls no se trata de una propuesta mesiánica ni de un hito dentro de la electrónica, pero sí se puede hablar de dos músicos con mucho talento que fabrican melodías hermosas en extremo. TXT:: “El Jergas”.

Audiovisión

Pantha Du Prince: Black Noise. Se trata de un DJ y productor musical alemán que hace electrónica ambiental.

Animal Collective: Merriweather Post Pavillion. El gran disco de este grupo de animales.

Brian Eno: Music For Airports. Sin más. Un disco elemental.

Fernando Milagros: Por su atención gracias. ¡Escuchai esto weón!

Pedro Piedra: Pedro Piedra. ¡Escuchai esto también weón!

Javiera y Los Imposibles: A Color. ¡Escuchai esto si quieres weón!

Quemasucabeza ★★★

Gepe es el principal exponente del folk andino de avanzada. A través de Gepinto y Hungría, dos títulos que para ciertos melómanos son de los álbumes más exquisitos de los últimos años, Daniel Ontiveros ha sabido hacerse de una privilegiada reputación como el cantautor más punzante y elegante de Sudamérica.

Audiovisión retoma las guitarras acústicas, los loops y sintes para hacer un disco etéreo y alegre, que lo acerca cada vez más a un Jens Lekman y lo aleja de la tradición compositiva de Víctor Jara. Audiovisión es un disco de calma y plenitud, donde Gepe agradece estar en el lugar y el momento que le ha tocado vivir. Sería interesante ver qué sucedería si este músico se despeina un poco y toma algún vericueto en el camino, sería sumamente interesante ver qué haría fuera de su zona de confort, alejado de sus amores y amigos, lejano a esa paz que tanto emana en este disco. Por lo pronto, no decepcionará a sus seguidores y encontrará una calurosa recepción en los oídos ávidos de folk en tu idioma. TXT:: Andrés Ibarra “Chelito”.

The National Kyte

Ratatat

High Violet

4AD / Beggars Group ★★★★

The National ha sabido hacer una carrera musical que va de la mano con el desencanto y el fracaso del american way of life. Sus discos, pequeñas joyas infravaloradas, son documentos sonoros que, a través de historias de desamor, reflejan la debacle americana minuciosamente.

Desde el excelente Alligator, la banda ha pulido y mejorado un sonido sumamente entrañable, similar por momentos a las mejores épocas de los Smiths y Big Star. Para su quinta producción, la banda sigue el esquema que les ha funcionado tan bien, cosa que se agradece y se condena: no tiene la fuerza de Boxer, ni la espontaneidad de Sad Songs For Dirty Lovers; pero, por otro lado, High Violet tiene una calidad lírica excepcional y la hecatombe épica de cada canción hace que el disco cumpla con las expectativas creadas alrededor de él. Sólo esperemos que la banda nunca U2é (dícese de aquellas bandas que repiten fórmula disco tras disco hasta desesperar al Dalai Lama). TXT:: Andrés Ibarra “Chelito”.

Tindersticks: The Hungry Saw. Complicado y aturdido 1.

Wilco: A Ghost Is Born. Complicado y aturdido 2.

The Smiths: Louder Than Bombs. Complicado y aturdido 3.

Dead Waves Kids

LP4 XL

★★★★

★★★

Más que remitirnos a su tierra natal, el sonido casi etéreo de esta banda originaria de Leicestershire, Inglaterra, parece salido de la escena islandesa de los últimos años. Ruiditos inocentes, instrumentos tocados al revés y contundentes (aunque escasas) baterías le dieron forma a su trabajo anterior, el EP Two Sparks, Two Stars (2008). El mismo pasó desapercibido por la mayor parte de la crítica, a pesar de contener un magnífico cover a “Solsbury Hill”, clasicazo de Peter Gabriel. Este año reaparecen con un LP en forma, compuesto por 12 tracks, de donde se desprende como primer sencillo “ihnfsa” (así, en puras bajas). Ahí les dejo de tarea encontrar acrónimos interesantes del track insignia de este trabajo. En general, Dead Waves es un disco “lindo” y melódico, aunque puede llegar a parecer monótono por momentos. Aún así, vale la pena darle una escuchada. TXT:: “el d1eg0”.

La esperadísima continuación de LP3. Ni más ni menos. Y a pesar de haber escatimado en creatividad para el título desde su trabajo anterior, este dueto instrumental neoyorkino ha hecho todo lo contrario al momento de decidirse (por fin) a editar todo el material que les sobró de su pasada visita al estudio.

Y es que si LP4 suena tan parecido a LP3 no se trata de una mera coincidencia, ni a una falta de ideas de este par de musicazos. Estos 12 tracks se grabaron durante la misma sesión del disco que editaron en 2009. Son los lados B, técnicamente. Guitarras estruendosas, sampleos y una colección de ruidos y melodías; y una vez más, Ratatat nos hipnotiza durante cada rola, especialmente con Bare Feast, con una increíble influencia de la música oriental.

Con su cuarto trabajo, Ratatat vuelve a aplicar la formula y recibe un resultado mucho más que positivo. TXT:: “el d1eg0”.

Kyte: Two Stars, Two Sparks. Imperdible. Cuatro rolas de excelente pop inspirador.

Múm: Go, go Smear the Poison Ivy. La inocencia de Islandia replicada en varios tracks me recuerda a uno de mis discos favoritos.

The Postal Service: Give Up. Parecería arriesgado poner como referencia un disco como éste, pero por momentos comparten el mismo espíritu.

Ratatat: LP3. Referencia obligada al haber sido concebidos en simultáneo.

Austin TV: Fontana Bella. Exponentes del post–rock instrumental de nuestro país que comparte texturas con el dueto neoyorkino.

Björk: Wanderlust EP. El remix que hace Ratatat a este sencillo de la islandesa es de esos que son mejores que la original.

reseñas música 3x1

71

reseñas música 3x1

80 72

UNKLE Foals The Go Find

Everybody Knows It’s Gonna Happen Only Not Tonight Morr Music ★★★

Si lo que buscas es una colección de canciones uniformes dispuestas para relajarte, la nueva entrega de The Go Find es ideal. La arquitectura sonora del belga Dieter Sermeus cumple con la expectativa que puede proyectar cualquier tarde soleada. Precisamente la pauta la marca el track inicial que le da título a este trabajo. Y es que “Everybody Knows It’s Gonna Happen Only Not Tonight” es una balada sin pretensiones, si acaso lo que consigue es flotar en el ambiente al tiempo de perfumarlo. Siempre se agradece la sencillez de The Go Find, aunque en ocasiones se critique la monotonía que en ocasiones envuelve su estilo. “One Hundred Percent” entrega una historia de amor plena de tolerancia, mientras que “Lottery Man” coloca sobre la mesa una de esas anécdotas en las que la cotidianidad muestra su mejor cara. Como sea, los once cortes que lo integran te obsequian 40 minutos de paz. Y no exageramos. TXT:: Benjamín Acosta.

Notwist: Neon Golden. Ambiente donde lo minimalista consigue llenarlo todo.

Lali Puna: Our Inventions. Partículas que desprenden cuentos cortos y desfragmentados.

Postal Service: Give Up. Techno revival tan pegajoso como adorable.

Total Life Forever

Where Did the Night Fall

★★★★

★★

Lo de Foals ha sido –y probablemente será– lidiar con el desenfado. Pero dentro de esa irreverencia mesurada existe un sistema que otorga balance a su sonido. Originaria de la ciudad británica de Oxford, la banda entrega un segundo disco en el que sus coros característicos se mantienen en un constante punto de algidez expresionista. Todo lo que despliegan esas guitarras que prescinden de distorsión, en contrapunto con un bajo que huele a los ochenta, y un inquietante ritmo que invita a mover el cuerpo: son factores en esta ecuación. A sus 24 años, Yannis Philippakis no tiene problemas cuando dirige a este quinteto.

Es así que, por fortuna, Foals no se toma tan en serio su trabajo. En cambio, entregan canciones de medio tiempo que evitan disolverse en las aguas de una “alternatividad” que produce clones. “Black Gold” suelta la rienda a los demonios que han sabido controlar. En el extremo opuesto aparece “Spanish Sahara” a manera de un réquiem que termina en una melodía, cuya belleza transgrede nuestros pensamientos. TXT:: B.A.

Nadie niega la oscuridad que desde un inicio ha cubierto la música de James Lavelle. No al menos cada vez que decide firmar como UNKLE. La noche aparece desde el título como un elemento seductor, como un factor que potencia los deseos.

Se trata de la quinta entrega y en la que se decide explorar los recovecos de la atemporalidad, la misma que tiene muchas posibilidades de aterrizar en lo inclasificable. Paisajes densos de una psicodelia que no se instala en el casillero de una época determinada (“Follow Me Down”); y algo que induce a la frontera de un estado alterado de conciencia (“Caged Bird”). Se trata de una serie de 14 temas que buscan "más allá de lo evidente". Tal como “Natural Selection” que es todo, menos un sencillo con arreglos que se digieran de forma inmediata. En Where Did the Night Fall no hay hip–hop, como ha sucedido en el pasado. Por el contrario, sus invitados aportan voces que, en algunos momentos, provocan su balance pop. En ese sentido “On A Wire” es una muestra perfecta para internarse en esta serie de cortes cuyos códigos provienen del brit–pop.

TXT:: B.A.

Talking Heads: Popular Favorites 1976-1992 / Sand In the Vaseline. No con la misma fuerza que marca a Vampire Weekend, pero hay algo de su influencia.

Mercury Rev: All Is Dream. Cuando la potencia no requiere del ruido.

Little Dragon: Machine Dreams. Confusión entre lo que creemos que existe y lo que es exclusivo de los sueños.

Massive Attack: Heligoland. Una muestra del cosmos que UNKLE decidió abandonar.

MGMT: Congratulations. Sin temor a la caída libre.

Impredecibles pero congruentes.

Clinc: Do It! Es desde la sombra cuando la inspiración se ilumina.

Warner

Surrender All

Gonzalo Blair Trans Am

Borderless

Independiente ★★★

Die Young Thing

Thrill Jockey

+1 Records ★★★

Hay discos que podríamos colocar en un estante etiquetado titulado “soundtracks para el Apocalipsis”. Y Thing tendría cabida ahí. Su áspera y aguerrida instrumentación, así como el riesgo que implica explorar los rincones ocultos (“Maximum Yield”), le otorgan ese carácter finisecular. Además, el uso del vocoder es parte de un panorama donde el tiempo se vuelve añicos y el trato humano parece ser asunto del pasado. Se trata de una banda que a lo largo de 15 años se ha dedicado a hurgar dentro de sí a partir de lo que conocimos como post–rock durante los noventa. Este trabajo oscila entre melodías que planean su vuelo sin contratiempos (“Interstellar Drift”) hasta actos que rozan la naturaleza suicida y en extremo estridente (“Heaven’s Gate”), o bien una lección que recuerda a Daft Punk (“Naked Singularity”). En suma, Trans Am se dirige a amantes de la sorpresa continua y de lo que en apariencia resulta impenetrable. TXT:: B.A.

Aunque nos encontremos con varios ejercicios similares, la mezcla de noise–pop con voces femeninas consigue en Blair un resultado conmovedor, grupo que conjugan los elementos que demuestran que el garage aún guarda sorpresas. De entrada, un título como Die Young para un álbum debut resulta a todas luces desafiante. Su presentación inicia con “Rampage”, atractiva por la crudeza de su sonido. Pero este grupo de chicas va más allá al combinar la ironía y el desasosiego de sus letras con suaves melodías que de manera intermitente aparecen en “Hearts”, y que de forma determinante ocupan una canción como “Kamikaze”. Mezcla de la estética de los noventa con detalles del rock and roll (“Hello Halo”, “Paris, France”), es lo que perfila la propuesta de Blair. Por momentos Die Young se inclina más hacia un lago en calma que a la bravura marítima; incluso en puntos intermedios, como sucede con la afortunada “Candy in the Kitchen”. En suma, este grupo nos provoca varias sonrisas. TXT:: B.A.

Tortoise: Beacons Of Ancestorship. Banda legendaria, escultora de piezas visibles por su sonoridad.

Mogwai: Young Team. No menos legendarios.

Persistentes en la épica que representa su música.

Sonic Youth: Daydream Nation. Con “Heaven’s Gate”, Trans Am se acerca a la gloria de la estridencia.

Liz Phair: Exile in Guyville. “!Arriba ellas!” Era el grito de combate. Algo que inspira a Blair.

Hello Seahorse! Hoy a las ocho. Mezcla juguetona.

Canciones que rebasan los clichés.

The Ropes: What They Do For Fun. Voz femenina al frente de un muro de guitarras.

★★★

Si bien en los últimos años se han dado algunos importantes ‘booms’ en Latinoamerica con respecto a la constante mejora de la calidad en las producciones independientes, Borderless o Sin Frontera es un claro ejemplo de ello. Gonzalo de la Torre ha escrito y compuesto su primer álbum en la ciudad de Bogotá con 10 cortes que nos harían disfrutar una carretera o una velada nocturna de primer nivel. Con un estilo principalmente pop, la voz de Gonzalo luce impecable, la realización del disco es muy buena y realizada por él mismo. Este primer material nos muestra su clara intención de penetrar tanto en el mercado sajón como de habla hispana.

Los temas de Gonzalo hablan de experiencias tanto personales como críticas hacia ciertos status sociales y sobre la tensión política global por diversidad étnica. Aunque es un cantante esencialmente pop, Gonzalo cita entre sus mayores influencias a Guns N’ Roses, Metallica, Michael Jackson (el maestro de canto de Michael, Seth Riggs, ha elogiado la voz de Gonzalo) y Caifanes.

El disco incluye un excelente cover de Thompson Twins y ha sido nominado en Los Angeles Music Awards. TXT:: Nacho Retally.

Michael Jackson: Thriller. Una gran influencia para Gonzalo.

Guns N’ Roses: Use your Illusion 1. Baladas como “Don’t Cry” y “November Rain” son definitivas en su formación.

Caifanes: El nervio del volcán. Las letras de denuncia de el último disco de la banda liderada por Saúl Hernández han tenido eco en Gonzalo.

reseñas música 3x1

73

reseñas música 3x1

80 74

Jaguar Love Delorean

Crystal Castles

Hologram Jams Fat Possum ★★★★

Tan sólo por el electrizante, ezquizoide y furioso cover de un clásico de clásicos como es “Piece of my Heart”, que interpretara Janis “la bruja blanca del blues”, deberíamos prestarle la atención debida a esta banda en la que militan dos de los ex–miembros de The Blood Brothers (Johnny Whitney y Cody Votolato).

Como si fuera un viejo eslogan de bolígrafo, Jaguar Love no sabe fallar. Así lo demostraron en su disco debut, y con su segunda acometida siguen sin desperdiciar un segundo. Ellos van a los suyo, que es rockear con toda intensidad y fiereza. De su lado presumen de una de las voces más andróginas y agudas de la escena contemporánea, así como de la manera de vitaminar su hacer con programaciones.

Un disparo de escopeta que da en el blanco; así de contundentes son. No pretenden revolucionar nada sino desbordar la catarsis a punta de riffs y tamborileo desbordado. Para ir todavía más a la segura, pusieron detrás de los controles a John Goodmanson, firmante de trabajos para bandas como Los Campesinos!, Death Cab for Cutie y Nada Surf. Distorsiones, chirridos y vértigo. Ya se sabe, es puro rock and roll… pero nos gusta. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Dinosaur Jr.: Farm. En el guitarreo hacen escuela, sólo que la banda de J. Mascis prescinde de teclados y secuencias.

Janes Addiction: El ritual de lo habitual. Por todos lados se percibe el olor de la camarilla de Perry Farrell.

Patrick Wolf: The Conqueror. Se emocionó tanto con la banda que se la llevó de gira como abridores.

Subiza

Arts & Crafts ★★★★

Crystal Castles (II) Polydor Ltd ★★★

Los Crystal Castles vuelven a la escena en este 2010, y lo hacen con una nueva producción discográfica. Con un título homónimo, esta banda originaria de Ontario, Canadá, ha dado un giro completamente radical en este segundo material: atrás ha quedado la furia en las vocales desgarradoras de Alice Glass, y Ethan Kath olvida a momentos esos sampleos de videojuegos para dar paso a sonidos y ambientes más house.

Crystal Castles cuenta con 14 canciones que en 50 minutos, aproximadamente, se muestra la evolución musical de este par. Seguramente, los tracks de esta producción serán utilizados hasta el cansancio en las pistas de baile alrededor del mundo. TXT:: Orlando Oliveros.

Bloc Party: Flux. Banda inglesa que ha coqueteado insistentemente con la música electrónica, este disco es una excelente muestra.

MSTRKRFT: The Looks. Primera producción discográfica de este combo electrónico canadiense.

Ratatat: Classics. Otra agrupación que emplea sampelos de videojuegos, y tercera producción de estos neoyorquinos.

Delorean es uno de los grupos más infravalorados de la escena musical actual: con 10 años tocando en diferentes lugares, tanto en España como en el extranjero, y 4 excelentes producciones discográficas (Delorean 2004, Metropolitan Death EP 2005, Into the Plateau 2006, Ayrton Senna EP 2009) habían logrado cierta aceptación en algunos círculos pero no la difusión masiva que lograrán con Subiza.

Los Delorean siempre han sido amos de la pista de baile, su sonido anteriormente se encontraba en la delgada línea que divide al rock de la música electrónica, las líneas de bajo y los riffs de guitarra se hacían presentes de una manera más natural y contundente, en Subiza han decidido dar paso a las paredes de sonido creadas por sintetizadores y procesadores de audio, obteniendo un disco más apegado a la música electrónica. Las guitarras aún siguen ahí, sólo que en Subiza se da más protagonismo a otros sonidos. En definitiva, un excelente disco que pondrá a Delorean en la mira del mainstream. TXT:: O.O.

Yeasayer: Odd Blood. Aclamado segundo disco de este trío neoyorquino.

Miike Snow: Miike Snow. Primera producción discográfica de esta agrupación sueca.

LCD Soundsystem: This Is Happening. El nuevo y estruendoso material de James Murphy.

dvd de culto

Youth in Revolt La última estación Brothers

Passion Dirección: Jean-Luc Godard Reparto: Isabelle Huppert, Hanna Schygulla, Michel Piccoli, Lászlo Szabó Guión: Jean-Luc Godard, Jean-Claude Carrière País: Francia, Suiza Año: 1982 Dice Colin MacCabe, el apasionado biógrafo de Jean-Luc: “Para mí, es la obra más grande y hermosa de Godard. Es una de las grandes obras de la modernidad europea.

Lo que queda es la cámara, pero la cámara debe ser despojada de todas sus reglas, todas sus historias, a fin de que cumpla su misión histórica de permitirnos ver el mundo”. Como corolario a la celebración dçel cine, esta es una fina muestra de lo que éste es capaz de hacer cuando su autor ama su oficio deliberadamente, cuando el cineasta se compromete de manera íntima con el medio que le da cobijo, sustento material y espiritual. En esta suerte de ensayo cinematográfico en el que la narrativa toma el asiento trasero y la idea detrás de la imagen cobra preeminencia, distintas historias se entretejen en abstracto: una huelga, un matrimonio, un negocio, el rodaje de una película en serios problemas económicos, una actriz y su entorno. La composición de la imagen, de cada cuadro filmado y cada cuadro pictórico recreado, se desborda con lo que bien podría llamarse Belleza, Estética. Un sutil acertijo en rompecabezas, una sincera reflexión en torno al cine.

Una obra maestra. TXT:: JP Riveroll

Director: Miguel Arteta Reparto: Michael Cera, Portia Doubleday, Jean Smart, Mary Kay Place Guión: Gustin Nash basado en la novela de C.D. Payne País: EUA Año: 2009 Nick Twisp es la pesadilla viviente de cualquier adolescente. Producto de una familia disfuncional, a punto de cumplir dieciséis años y casto no por devoción, sólo le queda aferrarse a la idea de que probablemente no sea el adolescente más miserable en el mundo. La chica de sus sueños Sheeni tiene novio, un adonis perfecto, carismático, sensible e imposible de vencer. Ante la necesidad de sorprenderla, Nick decide crear un alter ego: François Dillinger (un personaje salido de una mala película francesa y que no es más que la visión de un chico bueno sobre lo que es ser un chico malo), le da instrucciones sobre cómo la rebeldía puede enamorar a Sheeni.

Esta comedia de adolescentes con hormonas rampantes liderada por Michael Cera (Juno), no pretende ser otro Guardián entre el centeno, por el contrario: sin entrar en dramas enseña una de las lecciones más apreciadas por los americanos: la importancia de ser uno mismo.

TXT:: Sofía Márquez Moreno.

Director: Jim Sheridan Reparto: Jake Gyllenhaal, Tobey Maguire, Natalie Portman Guión: David Benioff Pais: EUA Año: 2010 Las cenas familiares son momentos cruciales para resolver los problemas entre ellos. El día que Tommy salió de la cárcel, la familia Cahill se sentó a celebrar y al mismo tiempo despedir a Sam, su hermano que iría a una misión en Afganistán.

Luego de declararlo desaparecido en combate, su hermano Tommy comenzó a acercarse a sus sobrinas y a su cuñada Grace, con la idea de protegerlas y alimentado por un sentido de responsabilidad.

Sam estaba sufriendo las torturas de extremistas talibanes y después de un incidente terrible que lo dejó psicológicamente devastado, logró ser rescatado y volver a casa pero como una versión catatónica de lo que era antes. Brothers es un melodrama familiar que plantea cómo reinsertarse a la sociedad, cuando uno ya no se reconoce ni a sí mismo, ni a su familia y las únicas personas que han visto el fin de la guerra son las que han muerto en ella. TXT:: S.M.M.

Director: Michael Hoffman Reparto: James McAvoy, Christopher Plummer, Helen Mirren, Paul Giamatti Guión: Michael Hoffman basado en la novela de Jay Parini País: Alemania, Rusia, Reino Unido Año: 2009 En su último año de vida, el célebre novelista ruso Leo Tolstoy estaba enfocado en divulgar el movimiento Tolstoyano, que promulgaba el celibato, la no violencia y el desprendimiento de lo material. Tratando de balancear su vida de fama y fortuna con el compromiso pacifista que ha adoptado pone en segundo plano a su familia. Aunque su esposa Sofya conoce que sus defectos son los valores que él predica como propios, ella no cree en el poder profético de su marido y lucha ante Vladimir Chertkov, el líder del movimiento utópico por conservar lo que le pertenece a su familia. La última estación es un drama histórico, pero también una biopic divertida donde el padecer de una familia aristócrata se mezcla con los intereses de un grupo de personajes movidos por las pasiones y narrad con la sensibilidad de un novelista ruso del siglo XIX. TXT:: S.M.M.

reseñas CINE

75

reseñas libros 3x1

80 76

¡Empatamos Pilar!

Juegos de Futbol ¿Y el futbol dónde está?

Dios es redondo

El fondo del cielo

Varios autores Ed. Terracota

Ángel Cappa Ed. Ficticia

Juan Villoro

El terreno de juego literario resulta ser un campo cerrado en el que suelen repetirse alineaciones hasta el cansancio. Los dueños del balón no corren riesgos y apelan por titulares indiscutibles; son escasos los chances para nuevos valores. Es loable que la gente de Terracota apueste por la cantera, por renovar el cuadro, aun cuando estos jugadores todavía ni muestran todo su potencial.

He aquí una veintena de escritores tentaleando –con mayor y menor fortuna– ese galimatías que es el futbol, a partir del cual plantean cuentos de distintas naturalezas, pretensiones y alcances. Varios de ellos apelan a un costumbrismo poco ambicioso y los menos realizan algún drible narrativo en pos de la jugada perfecta, una de alcances cósmicos.

Queda de manifiesto que aquí lo que vale la pena es el tema, el recrear su efecto en espectadores, gente aledaña a los futbolistas o la feligresía de los hinchas. Por allí andan anécdotas argentinas, niños que idolatran al peruano Claudio Pizarro, además del triste pasaje entre porteros mexicanos, cuando tras ser vapuleados por Alemania (0-6) en Argentina 78 y recibir tres goles cada uno, el segundo exclamó al llegar al vestidor al final del partido: ¡Empatamos, Pilar!. TXT:: J.C.H. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

El nuevo entrenador de River Plate es un pensador y un poeta del balonpié al estilo Jorge Valdano. Pero a veces sus ideas no alcanzan a ser plasmadas en la cancha. Aun así es un deleite leer como es que brinda al soccer un grado casi artístico y sublima su naturaleza, para hacerla ver algo muy superior a un simple juego donde 22 hombres corretean tras una pelota. Hay algo mítico y simbólico en el calcio, algo a lo que Cappa accede con facilidad.

Ojalá y varios de los entrenadores que dirigirán en el mundial leyeran este libro y así tendríamos la certeza de ver arrojo y valentía sobre las canchas sudafricanas. ¿Cuántas veces nos quejamos que prime exclusivamente el negocio? Ya lo dice otro hombre sabio, César Luis Menotti, en el prólogo: “El espectáculo está tan deteriorado que se hace imposible entender lo que ocurre en el juego. Hoy hablar de fútbol equivale a determinar desde el marketing cuántas camisetas puede vender Beckham”. Ante las amenazas que se ciernen sobre este deporte–pasión, el nacido en Bahía Blanca y estudioso de la filosofía propone: “Aprobar la diversión como una posibilidad deseable, y el intento de jugar bien como el respeto que merece el público”. TXT:: J.C.H.

Editorial Planeta Es inevitable pensar en una película de corte épico al leer las miles de anécdotas y sucesos importantes que Juan Villoro plasma en las páginas de Dios es redondo.

Apasionado del deporte más popular del planeta y seguidor del recién ascendido Necaxa, Villoro nos narra con increíble precisión, detalle a detalle, los momentos que han hecho del futbol el deporte favorito del planeta, las hazañas logradas por los héroes al final del encuentro (los 60 segundos del último minuto son fundamentales).

Villoro realiza un pequeño homenaje a los grandes actores del fútbol, Ángel Fernández (la voz que influyó en su pasión), mientras Pelé, Maradona y Zidane tienen capítulos que muestran desde su acenso al paraíso de las canchas hasta su despedidas de ellas. Al adentrarnos en Dios es redondo se develan una gran cantidad de misterios: son puestas al descubierto las dos marcas deportivas que dominan y deciden en el deporte de las patadas, se pone de manifiesto la verdadera personalidad los árbitros —estigmatizados en el papel de villanos—, pero sobre todo muestra el poder social y psicológico que tiene sobre sus miles de seguidores. TXT: Orlando “el chino” Oliveros.

Jorge Valdano (Compilador): Cuentos de Futbol.

Afortunada antología realizada por uno de los pocos ex–futbolistas con sensibilidad literaria y buena cultura.

Nick Hornby: Fiebre en las gradas. Nadie mejor que un inglés para recrear la vida de un hincha.

Jorge Valdano (Compilador): Cuentos de Futbol 2.

Tras la buena fortuna del primer volumen, optaron por prolongar la pesquisa y mantener rodando el balón entre los lectores.

Félix Fernández: Guantes blancos (Las redes del futbol). Un acercamiento a los poderes obscuros que mueven a este deporte. Ángel Cappa: Hagan juego. Conversaciones de nivel con distintas figuras del panorama internacional del futbol.

Eduardo Galeano: El futbol a sol y sombra. Figura del pensamiento latinoamericano, el uruguayo se da tiempo de ir a las entrañas históricas del futbol y remontarse al principio del placer que provoca.

Cesar R. Torres: ¿La Pelota No Dobla? Ensayos filosóficos en torno al futbol. ¿Qué futbol queremos? ¿Qué queremos del futbol? Son las preguntas eje de este libro.

Juan Villoro: Los Once de la Tribu. Apasionante libro de crónicas donde el futbol, el rock y el arte juegan un papel importante.

Víctor Hugo Morales: Hablemos de Futbol. Analistas, periodistas, jugadores, directores técnicos, etc., hablan de lo que más les apasiona: el futbol.

cรณmic

77

reseñas GAMER

78

Red Dead Redemption Distribuidor: Rockstar Games Género: acción–aventura Fecha de salida: mayo 2010 Consolas: PlayStation 3 y Xbox 360 Clasificación: M

TXT:: Carlos Gutiérrez.

Las mentes maestras de Rockstar han lanzado un juego de proporciones épicas, en donde los eventos se llevan a cabo en el viejo oeste a principios del siglo XX, y justo en el momento en que la Revolución Industrial estaba despegando. El juego es la continuación de Red Dead Revolver de 2004, en donde se cuenta la historia de John Marston en sus trayectos en el sur de los Estados Unidos y el norte de México. Los ambientes son abiertos a la exploración y muy variados. Se trata de una obra maestra en donde los duelos de pistolas están a la orden del día en una historia muy emocionante.

Sabías qué... El juego incluye un modo multijugador en línea para hasta 16 personas. La Revolución Mexicana hace su aparición en algún momento del juego

Alan Wake Distribuidor: Microsoft Género: aventura–suspenso Fecha de salida: mayo 2010 Consolas: Xbox 360 Clasificación: M

Los creadores de este título, tienen en su haber la creación de uno de los juegos más recordados: Max Payne. Pero desde hace cinco años que están detrás de este espectacular juego en el que nos ponen en los zapatos de Alan Wake, un escritor de novelas de suspenso que se muda al tranquilo pueblo de Bright Falls, sólo para darse cuenta que tendrá que luchar por sobrevivir y despertar de la pesadilla en la que se ha convertido su vida. El juego ofrece la suficiente acción y suspenso para provocar que la piel se ponga como de gallina.

Sabías qué... El Lamodo música de unlajugador compuso contará PetriconAlanko 29 misiones, e incluye de laslacuales canción solamente “War”16deserán la banda indispensables Poets ofpara theelFall. jugador.

Originalmente, Aunque la mayoría también de las ibamisiones a salir para PC a cabo con los humanos Terran, algunas pocas será con los Protoss. En el modo multi–jugador en línea, se podrá elegir cualquiera de las tres razas. se llevan

TXT:: “El Jergas”.

Goal.com tinyurl.com/2bmvqnt*

¿Que cómo nos irá en el mundial? Bueno, pues según este análisis de Goal.com, la Selección Mexicana de Fútbol se quedará en la fase de grupos, dándole el pase a octavos de final a Francia y Uruguay. Revisen ustedes mismos un análisis del grupo A de Sudáfrica 2010. ¿Para qué son los pronósticos sino para desafiarlos? *La dirección de este link ha sido reducida debido a su longitud.

Futbolísticamente Incorrecto

Soccer Juggle

futbolisticamenteincorrecto.blogspot.com

wildstyledesign.com/soccer

Análisis a fondo de partidos tanto de El Tri como de la liga nacional son el principal atributo de este blog hecho desde Culiacán, Sinaloa, ciudad de Los Dorados.

Futbología

Página para practicar deporte de oficina.

Domina el balón con un clic y el movimiento del mouse. Adictivo.

Mauricio Muñoz www.behance.net/axcan

futbologia.com.mx

Los Cazagoles cazagoles.net

Librería especializada en fútbol. Hay desde biografías, filosofía, preparación física, hasta el libro que reúne todos los álbumes Panini de 1970 a 2006. Incluye compra en línea y tienda física, y su catálogo reune cerca de 500 libros.

Pura irreverencia, crítica y humor en este blog futbolero, que no pierde la seriedad al ofrecer datos estadísticos e informativos. El tono de la plática es como el que tendrías con los amigos de la cuadra. De mis favoritos.

Mauricio realizó un diseño con motivo de la asistencia de la Selección Mexicana al mundial del 2010. Entre sus diversas aplicaciones se encuentran: playera, póster, wallpaper, empaque y tenis. El protagonista principal es el Dios Quetzalcóatl, y puedes pedirlo directamente con el autor. Esperemos que tenga razón y “hagamos historia”.

Descubre otros sitios de interés en nuestra sección Más más más. Visita www.marvin.com.mx

reseñas links

79

Ricardo Blanco director de comunicacion de YouTube latinoamerica ¿Cómo nació YouTube? ¿Qué hace YouTube México?

YouTube nace en un garage en 2005, y pensar en eso significa que somos una compañía de tecnología, no somos productora, ni generamos contenido pues todo lo suben los usuarios, y lo único que ponemos son tutoriales. Somos como un programa que desde un inicio funcionó bastante y que tuvo tanto éxito que en 2006 Google vio el potencial y nos compró. Lo curioso es que a pesar de que hay oficinas con técnicos y muchas personas trabajando, en realidad todo está pasando afuera en servidores, en computadoras, en la red, etc. Lo que hacemos en YouTube México es tratar de generar un sentido local, si tú vas a youtube.com. mx podrás ver algo muy diferente a si no tecleas el “mx”. Pensamos en lo que el público mexicano busca, nos interesa saber qué contenidos le gustan y de esa manera hacemos que se pueda sentir cierta localidad. ¿Cuántos videos se suben diariamente en YouTube?

24 horas de video por minuto, es decir, 60 días por hora. Para que me entiendas un poco, es como subir 135,000 películas de Hollywood. Cada día son más de mil millones de videos los que ve la gente, y al interior de YouTube ya hay alrededor de 1700 años de video. ¿Cómo sondean cuáles son los videos más vistos?

Con un algoritmo de YouTube. Pero la relevancia la dan los mismos usuarios a través de vistas, comentarios, de compartirlo con otras personas. Obviamente el término de búsqueda, el título, los tags ayudan a rankear un video.

U

bicados en un confortable penthouse con una impresionante vista de la Ciudad de México, Marvin platicó con Ricardo Blanco, director de comunicación de YouTube Latinoamérica, un tipo amable que durante media hora respondió a todas nuestras preguntas. El espacio es reducido y prometemos publicar la entrevista completa en la sección Más, Más, Más de www.marvin.com.mx ¿Cuál es tu función en YouTube?

Llevo la gerencia de comunicación de YouTube América Latina.

Mi trabajo es mejorar cada día la comunicación que tenemos con los usuarios, cada seis meses nos planteamos evitar que puedan quedar dudas o cosas al aire. Mi función es explicar cómo funciona la plataforma en Brasil, Argentina, Chile, etc., reunirme con los generadores de contenido, con disqueras.

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¿Por qué bajaron el video de M.I.A.?

Es difícil hablar de casos específicos. Nosotros no tenemos el control del contenido, quien tenga el derecho autoral previamente debió leer las cláusulas de no violencia, no desnudez, etc., pero sólo la persona que lo subió y que tiene las herramientas puede bajarlo, incluso puede decir que esté disponible en ciertos países y en otros no, o catalogarlo sólo apto para mayores de 18 años, pero esa es una decisión del usuario, no nuestra. Las cosas funcionan al revés, nosotros damos la herramienta para que se genere más y más. ¿Cómo le haces para que tu video pueda ser fácil de encontrar?

Hay varios tips. Número uno los títulos, la descripción del video. Tienes que poner los tags adecuados para que tu video sea identificado con facilidad, ponerte en la categoría que te corresponde. Si tienes un lanzamiento, hacerte publicidad por Internet no es caro, y tú decides exactamente a qué ojos quieres llegar.

Ahora, si estás generando mucho contenido te conviene ir a www. youtube/partners entras y aprietas un botón amarillo y es como levantar la mano y decir: “hey, yo quiero ser socio de YouTube”. Nosotros entramos al sitio y evaluamos, si es popular, si tienen muchas vistas, si va con los lineamientos de la comunidad, si es original. Nosotros siempre estamos buscando partners porque al final, si ellos ganan, nosotros ganamos. M