Revista Marvin 70:: Versus

DEPECHE MODE

TOMA EL UNIVERSO YEAH, 3 VECES YEAH! EL

IMS SE PONE SALSA

PALABRAS CONTRA LA ESTUPIDEZ

¿ANÁLOGO O DIGITAL? LOS DOS

FIESTOPACK DE ANIVERSARIO

4

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6

8 años, 70 números...

Pre-pubertad en años humanos, casi tercera edad en años perrunos, definitivamente adultez en años editoriales.

Es muy difícil mencionar el propio cumpleaños sin caer en clichés. Cómo mencionar todo lo aprendido, todo lo que está por venir, los buenos deseos de quienes nos quieren, los dientes apretados de quienes no nos quieren mucho...

Sí, claro, los cumpleaños son un alto en el camino, un día de licencia para perder la cabeza y celebrar, un memorial de compromisos. Caeremos por supuesto en el cliché número 6: cumplir 8 años es un aliciente para mejorar con cada edición. O el cliché número 11: gracias a todos los escritores, fotógrafos, diseñadores, músicos y artistas que nos ayudaron a llegar hasta aquí.

En realidad la reflexión más importante de las miles que nos venimos haciendo es esta: una revista es un diálogo. La palabra escrita no existe sin alguien que la lea. Los diálogos sólo son divertidos si las partes se escuchan y se estimulan para la siguiente frase. Una revista es al final una exposición pública de ideas. Mientras tengamos la capacidad de plantear ideas honestas (no digo correctas o definitivas, digo honestas) habrá mentes honestas que lo agradezcan. Así es como los medios de comunicación debemos plantearnos nuestros ciclos vitales. Cuando la motivación no es el dinero fácil, o la alienación de la mente colectiva a través de la mentira, hacer una revista se vuelve una manera agradable de vivir.

Decía Freud que la mente sana es aquella que ama y produce sin conflictos. No podemos decir mucho acerca del amor, pero sí que hemos logrado producir 70 números de Marvin que nos enorgullecen (detalles más, detalles menos).

Gracias sinceras a cada uno de ustedes por 8 años de leer cada una de estas palabras y no dejarnos con la palabra en la boca. (Cliché número 4). M

8

música 20 Música Nueva

3 Dudes and a Mullet. Melodías de recuerdos y sucesos inesperados.

22 Instituto Mexicano del Sonido.

arte

62 Heriberto Yépez. Contra la estupidez.

68 Arte de culto

Flashazos del Tiempo.

El significado de ser sauce en México y en el mundo.

24 Thygerlaine. Las mejores historias, siempre ocurren de noche.

26 Natalia Lafourcade. El niño que todos llevamos dentro.

28 Yeah, Yeah, Yeahs. 3 veces Yeah!

32 Vs.

de fondo 38 Me opongo luego existo.

40 Barack Obama. El poder de la honestidad.

42 En Portada

otros

68 De Culto

12 Buenas Nuevas Noticias de música, cine y arte.

76 Alter Ego

18 Estilo

cine

50 Moda. Kit Fiesta.

34 6 grados. La era de acuario del rock..

Depeche Mode. Sonidos del universo.

Leslie “Les” Claypool. Maestro.

Miguel Toro. Diciéndolo todo en 4 beats.

54 El sótano. Una extraña odisea vialáctica.

56 Los Bastardos. Tras la huella indeleble del acontecimiento cinematográfico.

60 The Reader. ¿Una película más sobre el holocausto? No. 66 De culto

Versus film.

10 Felicidades Marvin

38 La lógica del perro. Brooklin Blues.

Reseñas 3x1 80música 85DVD de Música 86cine 88libros 90cómics 91educación 92 agenda 94 gamer 96 El pilón Walter Meyenberg

10 70 números de Marvin son cientos de miles de palabras. Por si fuera poco, aquí les van unas cuantas palabras más de los responsables de tantas opiniones a lo largo de estos años. El corazón y la materia gris de Marvin.

Nuestros apasionados, cerebrales, temperamentales, intolerantes y queridos colaboradores, quienes nos comentan cómo llegaron a Marvin y cuál ha sido su experiencia más gratificante al integrarse al equipo editorial.

Arthur Alan Gore Me integré el año pasado, o sea en 2008. Mi primer recuerdo emotivo fue durante un concierto en el Salón 21, honestamente no recuerdo ya de qué grupo, pero me encontré a Tony Romay, que estudió junto a mí la preparatoria y resultó que estaba trabajando en Marvin. Sin embarbo, no llegué a la revista por él, sino por otro entrañable amigo, El Chico Migraña, que me recomendó para escribir.

Me gustó que me dejaran hacer el artículo de Kurt Cobain y me dijeran: “ya no queríamos meter nada de él, porque siempre es lo mismo, pero tu texto es distinto”. Algo cagado es que cada que voy a la oficina me dicen “Alan” y no estoy acostumbrado, entonces no volteo. Casi todo el mundo me dice “Arthur” o “Gore”.

Andrés Sánchez–Juárez Conocí a Karen Ruiz en un café de La Condesa en el 2004 cuando era locutor en Radioactivo y le comenté que estaba interesado en colaborar. Me hablaron de Canal 22 para invitarme a hacer un programa especial de Madonna pues les había gustado mucho un artículo que escribí sobre ella en Marvin. El programa salió muy bien, alterné con Nicolás Alvarado y otros periodistas más.

Benjamín Acosta Compré un ejemplar con Quentin Tarantino en portada. Entre los colaboradores ubicaba a Francisco Zamudio. Le escribí para preguntarle con quién podía platicar porque me interesaba colaborar. Conocí a Ceci y entonces iniciamos en el 2004.

En un concierto del IMS en Pachuca había varias personas de la Ciudad de México, entre ellos el manager de San Pascualito Rey. Pensó que también me había lanzado al concierto porque reconoció mi nombre después de haber leído algo que escribí para Marvin. Se sorprendió de alguna forma al saber que vivía en Pachuca. Otra fue cuando entrevisté a José González, el músico argentino que vive en Suecia. Después de enviarle unos archivos pdf para que se diera una idea de la revista accedió de inmediato. Es la única entrevista que he hecho a través del Messenger.

Francisco Zamudio Los recuerdos se me escurren de la memoria, como gotas de lluvia estrelladas en algún oscuro parabrisas; pero tengo muy presente que al momento en que descubrí Marvin, inmediatamente quise colaborar aquí. Entonces me di a la tarea de hostigar a gente como Romeo Muñoz, Francisco Rosas (¡Tocayo, no sabes cómo te extraño!) e Ilan Katz, hasta que un día en Universal Music, los astros se alinearon y conocí personalmente a Paco Rosas, quien editaba la revista en aquel entonces. Charlamos unos minutos, no recuerdo si le dije que le mandaba algo, o él me pidió un texto... El chiste es que en octubre del 2002, si mi psique no ha muerto... comencé a escribir en Marvin.

Las entrevistas no son duelos de box, pero la experiencia más insólita ha sido mi round cuerpo a cuerpo contra los Babasónicos para una portada. Me mandaron a la lona con sus conocimientos de política social, aunque terminé reponiéndome casi del KO, y puedo decir que logré sacar un honroso empate. Aún cuando yo conocía a la banda desde que junto con unos amigos organizábamos conciertos de rock en un mítico antro llamado La Viuda, donde no iban más de 500 personas a ver al grupo (claro, antes del Jessico), desde aquella entrevista Adrián Dargelos me saluda súper bien.

11 Juan Patricio Riveroll Me acerqué a Marvin por primera vez en el segundo semestre de 2002 gracias a Ivonne López, gran amiga de la Universidad Iberoamericana de la que apenas salíamos titulados en Comunicación. Trabajaba en la editorial Bleu & Blanc, que por aquel entonces ya había creado Marvin por iniciativa de Ilan Katz, quien la bautizó y se convirtió en su primer editor en jefe.

Mi primer encargo fue una entrevista a Enanitos Verdes, en promoción de su disco Amores Lejanos. Fue un encargo porque yo lo que quería era colaborar en la revista, y dicha entrevista sería un primer paso. Luego de otras colaboraciones, poco después entre el editor Francisco Rosas y yo ideamos mi columna “Sótano”, interrumpida durante el año en el que estuve fuera de México para retomarla luego con Ceci Velasco y su equipo.

Experiencias insólitas no recuerdo ninguna, en cambio experiencias gratificantes hay muchas: creo que los números pasados de Marvin son un buen termómetro de lo que ha sucedido en el cine nacional independiente en estos últimos años. Por sus páginas han desfilado grandes cintas y grandes cineastas que en muchas ocasiones necesitan el apoyo de la prensa para hacerle frente a la cartelera. Cada una de esas experiencias es igual de gratificante.

Chico Migraña No recuerdo bien el mes, pero comencé a colaborar a principios del 2006.

Yo trabajo en una oficina de prensa y alguna vez llegó una Marvin a mis manos. Me enamoré de inmediato, era diferente. Cuando vino U2 al Estadio Azteca conocí a Ceci. Platicamos, le ofrecí escribir de metal, aceptó, y el resto son chelas, muchas fiestas, muchas alegrías y grandes recuerdos.

Lo más gratificante, sin duda, es haber viajado a Wacken, Alemania, acreditado por Marvin. Luego, ver algunos de los diseños con los que han vestido mis notas me ha sacado lagrimitas. El talento Marvin es inigualable.

Juan Carlos Hidalgo Agazapado en la discreción de la provincia, pasé largo tiempo dedicado a la lectura y la melomanía compulsivas, así que me forjé como lector disciplinado y voraz de todo tipo de publicación que tuviera que ver con música, arte y cultura. Trataba de conseguir la revista según lo que me permitía la incierta distribución, subrayaba aciertos, señalaba errores y todo lo compartía con Benjamín Acosta quien fue labrándose un lugar en los medios. En un momento llegó a Marvin y generosamente me invitó a colaborar. Tiempo después conocí a Ceci y pude sentir de cerca tanto su energía vital como el pleno convencimiento del proyecto. Desde que me trepé al barco durante los primeros dosmiles no he dejado de remar desde mi rincón y ayudar al capoteo de los mares editoriales.

Poco interesado en las figuras que encumbra la maquinaria, opto por estar a la caza del talento emergente.

Prefiero apostar por la vitalidad e impulsar sonidos vibrantes que llegan desde lugares diversos. Desde nuestra trinchera hemos empujado en el país a bandas como Beirut, de las que luego tantos otros hablan.

En Marvin he podido difundir literatura sin pasteurizar, señalar los haceres furiosos de artistas plásticos de aquí y allá, repasar la tradición para renovarla y pugnar porque la música concilie inteligencia con estética; pude apostar por Togo en el pasado mundial, plasmar mi mapamundi musical –para compartirlo– y hasta encontrar que tengo un homónimo lector de la revista gracias a la reciente visita de Radiohead. A fin de cuentas, estoy convencido de que no siempre la provincia es incurable: Pachuca no se parece a Manchester, pero igual rifa.

B U E N A S N U E VA S

BEIRUT/ 20 DE FEBRERO FESTIVAL VIVE LATINO LUNARIO DEL AUDITORIO NACIONAL TXT:: Pablo Segovia.

FOT:: Pedro Velasco.

El pasado 20 de febrero, Beirut ofreció durante una excesivamente breve hora y media, un concierto en el Lunario del Auditorio Nacional. Con una magnífica orquestación basada en secciones de aire, acordeones y ukeleles, la itinerante banda de Zach Condon deleitó al público con un viaje que arranca desde Europa del Este, con vientos balcánicos y zíngaros, para cruzar el “charco”, aterrizando en el D.F. con una ráfaga de sonidos tradicionalmente mexicanos. El concierto fue un dejarse llevar sin excesi-

va adrenalina, pero con un abandono total a los ritmos de una banda, no sé si original (dada la última tendencia del indie hacia las esencias del folk), pero sí tan arriesgada como espontánea.

TXT:: Carlos Jaimes.

Los próximos 16 y 17 de mayo se llevará a cabo en el Foro Sol la décima edición del festival Vive Latino. Consumado ya como uno de los más importantes en su género a nivel Latinoamérica, en esta ocasión el festival contará con la presencia de 60 bandas distribuidas alrededor de cuatro escenarios: los ya tradicionales verde, azul y rojo, y la nueva Carpa Intolerante; un foro alterno dedicado a propuestas de rock con sonidos más experimentales.

Este año, el Vive Latino presenta un amplio cartel integrado por bandas como: Los Fabulosos Cadillacs, Andrés Calamaro, La Lupita, Molotov,

Zoé, Fidel Nadal, Jaguares, La Gusana Ciega, Los Bunkers, Kinky, Nortec Collective, Hello Seahorse!, IMS, La Castañeda, Niña Dioz, Anita Tijoux, Adanowsky, entre otros.

Asimismo, el festival presentará otros elementos ya tradicionales a lo largo de sus escenarios, como el Tianguis Cultural del Chopo, el mercado gastronómico, áreas culturales de graffiti y exposición, y la exhibición de cortometrajes de nuevos cineastas latinoamericanos.

Más información en: www.vivelatino.com.mx www.ocesa.com.mx

DEVENDRA BANHART (MEGAPUSS) / CONDESA DF/ 6 DE MARZO

TXT y FOT:: Vicente Jáuregui.

“Se sienten muy mal, ahora vienen” comentaron algunas veces las chicas que coordinaban la conferencia de Megapuss, el proyecto alterno de Banhart y Greg Rogove. Al poco tiempo, ambos llegaron sonrientes con un look que les haría pasar desapercibidos en el centro de Coyoacán. “Hola, yo soy De12 | MARVIN

vendra, ¿tú cómo te llamas?” me dice Banhart en un español que asoma su origen venezolano mientas hacía una reverencia yogui (detalle que repite con cada uno de los ahí presentes).

Banhart se desparrama en un sillón despreocupado de que notemos su crudota: “Hagan las preguntas que quieran porque en quince minutos

voy a comenzar a vomitar” comenta a manera de chiste. Alguien le hace una pregunta en inglés, pero él contesta en español, dejando obsoleta la función del traductor. Lo más obvio sería pensar que Megapuss hace referencia a un fluido corporal, pero en realidad se trata de un juego de palabras: puss significa beso en sueco, así que el nombre de la banda significa “súper beso”. “Creo que la idea del proyecto es abandonarse para abrazar la pena… porque creo que las canciones no son muy buenas” (risas), “pero nos divertimos mucho, las canciones fueron escritas 15 minutos antes de grabarlas”. Más adelante, cuando alguien sugirió que su música era muy “exclusiva”, Devendra se puso serio y dijo: “el punto de la música es ser inclusiva, el punto de todo el arte es ser inclusivo, incluir a todo el mundo, por eso me da miedo cuando dicen la palabra exclusiva, si te refieres a que es súper exclusiva porque nadie conoce

nuestra música, entonces es súper exclusiva porque de verdad nadie la conoce”. La parte mística no faltó en la charla, pues cuando alguien le preguntó por México Banhart se aventuró a comentar: “Me quiero quedar aquí, aquí en el centro de México estamos arriba de una corriente de agua, todos los lugares, sobre todo las iglesias, los centros del gobierno, están construidas sobre cosas que eran sagradas para los indígenas… esa vibración se puede sentir, yo la puedo sentir ahora debajo del piso, hay una corriente muy fina, muy divina… eso es algo muy importante en una ciudad, que tenga cierto tipo de energía, seguro ustedes saben de lo que estoy hablando. Greg estuvo mucho tiempo viviendo aquí en Sayulita, de hecho escribimos una canción que se llama Sayulita para el disco”. Por último, Devendra prometió hacer la gira por Latinoamérica, y finalizó su cotorreo con un “gracias por permitirme aburrirte”.

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MÚSICA

INDIE–O FEST/ LUNARIO DEL AUDITORIO NACIONAL/ 5 Y 6 DE MARZO TXT:: Vicente Jáuregui.

FOT:: Cynthia Franco.

Se dice fácil, pero organizar un festival como el Indie­–O Fest durante cinco años seguidos tiene un gran mérito.

Por principio, su cartel siempre es arriesgado y demanda cierta iniciación.

Para la edición 2009, las ocho bandas se dividieron en dos días: el jueves escuchamos a Teletransportador de Guadalajara, Nos Llamamos (una buena propuesta que sufrió por un mal audio), Helio Sequence (por mucho la banda de la noche, en especial por la actuación del baterista Benjamin Weikel) y Clinic (quienes desde la prueba de audio se tomaron muy en serio lo de vestirse como doctores para rockear muy en la escuela de Frank Black).

Para el viernes, los venezolanos Jóvenes y Sexys abrieron el telón.

Después, Hello Seahorse! tomó el escenario para demostrar que una banda mexicana puede sonar y tener una propuesta tan buena o mejor que una extranjera. Después los ánimos cambiaron con el punk noise

de No Age, quienes dejaron claro que no hay edad para echar mano de la monotonía. Para cerrar llegaron Los Campesinos! directo desde Gales.

Valió la pena esperar una eternidad para escuchar las frenéticas rolas de Hold on Now, Youngster y We Are Beautiful, We Are Doomed.

Helio Sequence

Clinic

Hello Seahorse!

MARVIN PRESENTA:

ALTEREGO PARTY NO 6 CLUB AM/ 6 DE MARZO FOT:: cortesía Érick Sandoval.

La escena electrónica en la Ciudad de México, si bien no llega a los niveles de difusión y asistencia que tiene el rock, tiene unos pocos pero persistentes espacios. Uno de ellos es el club AM situado en la colonia Condesa. En nuestro deseo de expandir la cultura musical y proponer nuevos sonidos, Marvin está llevando a cabo una fiesta mensual en dicho club, llamada Alterego (como nuestra sección de música electrónica). El pasado 6 de marzo se realizó la sexta edición de esta fiesta en la que se

presentó, en su modalidad de DJ set, Monopolar. Este dúo transnacional está formado por Carlos Ramírez y Humberto Polar (nuestro editor tiene una carrera como músico electrónico, lo que lo hace un bicho raro entre la mayoría de los rockeros del equipo Marvin). Monopolar trae una experiencia de casi 10 años transitando entre el tech house y la electrónica de raíz minimalosa y percusiones negras. Se presenta con frecuencia en Europa (lo que explica que a nuestro editor lo veamos más en Skype que en su silla) y estarán actuando como

Monopolar

hosts de esta fiesta a lo largo del presente año, con otros artistas de entre lo mejor del minimal house local y algunos invitados internacionales.

Estén atentos al calendario de fiestas y a ganar invitaciones en nuestro website: www.marvin.com.mx MARVIN | 13

RADIOHEAD FORO SOL / 15 Y 16 DE MARZO BUENASNUEVAS www.marvin.com.mx

Música

Thom Yorke

Radiohead

TXT:: Carlos Jaimes.

FOT:: cortesía de OCESA/ Fernando Aceves.

Después de casi 15 años de espera, Radiohead regresó a nuestro país con un par de presentaciones los pasados 15 y 16 de marzo en el Foro Sol de la Ciudad de México. Durante estos conciertos, los ingleses cubrieron satisfactoriamente las expectativas del público mexicano. La banda elaboró una selección tal, que la base de ambas presentaciones se enfocó a su principal objetivo, promocionar su más reciente disco: In Rainbows. Sin embargo, en el primer concierto, el público asistente tuvo la oportunidad de escuchar canciones de álbumes como OK Computer y The Bends, muchos de ellos sencillos bien reconocidos por el público. Durante el segundo concierto, sus interpretaciones se en14 | MARVIN

focaron más en producciones como Amnesiac, Kid A y algunos lados B. Todo esto adornado por un juego de luces sincronizado con cada sonido desprendido por los instrumentos de Thom, Jonny, Ed, Colin y Phil.

Por su parte, el cuarteto alemán Kraftwerk, encargados de abrir dichas presentaciones, ofrecieron un sobrio setlist acompañado de un armonioso juego visual que dio muestra de porqué son precursores y referentes obligatorios de la escena electrónica actual.

Radiohead terminó su último concierto con un “have a nice life” en voz de Thom Yorke, para después interpretar “Creep”, y decir adiós a una multitud que guardará en su memoria estas actuaciones.

Visita www.marvin.com.mx y cuéntanos tus experiencas sobre este memorable concierto

Kraftwerk

Kraftwerk

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Música

PRIMER FIESTA ESENCIA MARVIN LOS DORADOS + SUAVE AS HELL/ EL IMPERIAL/ 11 DE MARZO

Suave as Hell

Los Dorados

Suave as Hell

Suave as Hell

FOT:: Érick Sandoval.

En Marvin estamos de fiesta: tienes en las manos nuestra edición número 70 especial de aniversario, y para festejar con nuestros lectores, colaboradores y músicos, el pasado 11 de marzo Marvin reventó con la primer Fiesta Esencia Marvin, un concepto que se repetirá un miércoles de cada mes en el Imperial (foro que escogimos por su calidad de audio) con las mejores bandas de la escena mexicana e internacional.

En nuestra primera edición, elegimos a dos de las bandas que figuraron en nuestro artículo de “Las bandas con futuro” (Marvin 67). La primera de ellas fue Suave as Hell, quienes interpretaron varias canciones de su álbum debut titulado Well, Well, Mr Whale, una colección de sonidos psicodélicos que rescatan el mejor pop de los 60 y 70. Además, también se aventaron algunas rolas de lo que será su si-

guiente producción discográfica. En el intermedio el ambiente del lugar estaba por incendiarse con la presencia de los Dorados, una agrupación que destila intensidad gracias a un rock experimental de excelente factura. La sorpresa de la noche fue cuando se Demián Gálvez, guitarrista de Los Dorados, anunció que Adrián Terrazas, (saxofonista de Mars Volta) estaba entre la audiencia con su saxo más que listo para el jamming.

El resultado fue un dúo de saxofones que improvisaron delirantes solos. Queremos agradecer a todos los lectores que fueron a celebrar con nosotros, así como a las dos bandas y a toda la gente del Imperial. No dejes de estar al pendiente de la siguiente fiesta Esencia Marvin. Visita www.marvin.com. mx para ver fotos y video de nuestra primer fiesta, y muy pronto los detalles de nuestra siguiente fiesta programada para el próximo 29 de abril.

Adrián Terrazas, saxofonista de Mars Volta

Los Dorados

Jorge “Negro” Hipólito

Los Dorados

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CINE

CORTOMETRAJES NOMINADOS AL OSCAR CINÉPOLIS DIANA/ 27 DE FEBRERO

New Boy

6ta EDICIÓN DEL FICCO

DEL 17 FEBRERO AL 01 MARZO Por sexto año consecutivo y ahora con nueva administración, se llevó a cabo el Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México. Con una programación de 180 películas de 44 diferentes países y 14 producciones de realizadores mexicanos, durante 13 días la Ciudad de México se llenó de cine. Dentro del festival, cabe resaltar el homenaje a Roberto Gavaldón; la retrospectiva sobre el extenso trabajo de William Klein; la revisión de Jacques Tati, así como una fina selección de la obra de F.W. Murnau. El país invitado de este año fue Malasia, nación que ofrece un cine de tintes ambivalentes. También se rindió un tributo a la obra documental de Craig Baldwin; así como una retrospectiva de Jean-Claude Lauzon. Dentro de las actividades del FICCO también hubo varias presentaciones musicales

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como la de Tijuana Sound Machine y Da Punto Beat en el Teatro Fru Fru, así como la de Megapuss (proyecto alterno de Devendra Banhart), en el Teatro de la Ciudad. Una verdadera lástima que Patti Smith cancelara su presentación.

TXT:: Pablo Segovia.

El pasado 27 de febrero se proyectaron los cortometrajes nominados a los Oscares 08/09 en el Cinépolis Diana.

La primera proyección correspondió a On the Line, producción alemana con una duración de unos treinta minutos, que narra una historia de culpa y remordimientos en el escenario de la vida cotidiana de unos grandes almacenes. De buena factura técnica, con una puesta en escena distante y fría, cuenta con unas excelentes interpretaciones de los actores principales, pero adolece de un final confuso, incluso equivocado por su excesiva ambigüedad.

El segundo, New Boy, un cortometraje irlandés de unos catorce minutos, concibe un relato de prejuicios raciales e inmigración en un aula de colegio. Se beneficia, sin riesgos estéticos, de la naturalidad y exactitud en la puesta en escena del cine británico, a la vez que de la verosimilitud de las interpretaciones de niños y adultos, que sin demasiada explicitud en lo visual, consigue una de esas historias sencillas, directas, que devuelven la sonrisa al espectador.

Toyland, segunda producción alemana y ganadora del Oscar, desarrolla durante unos quince minutos un cuento infantil con el trasfondo de la persecución judía durante la Alemania nazi.

Se trata de la superproducción entre

los nominados. Rodada con un gran despliegue de medios y una puesta en escena digna de mayores empresas, termina pecando de su propio exceso: una narración demasiado académica, una puesta en escena más propia de un largometraje, y una historia demasiado evidente, ambiciosa, y comprimida, que crea la sensación de un trailer con final feliz más que un cortometraje.

A continuación se proyectó The Pig de Dinamarca, que en unos veinte minutos narra la estancia de un anciano en un hospital, su fascinación por el cuadro de un cerdito, y los conflictos que ello le causa con su compañero de habitación. Cine escandinavo cien por cien, preciso, sobrio, crepuscular, para un excelente ejercicio de concisión narrativa. Una demostración que un cortometraje, en su minimalismo, puede convertirse en relato cinematográfico completo, con unos personajes bien definidos, tramas secundarias interesantes y necesarias, con humor, drama y un final, que no por inesperado, dejar de cerrar de manera satisfactoria la historia, y abrir un abanico de interpretaciones para el espectador.

La proyección se cerró con Manon on the Asphalt, nominada por Francia, con unos doce minutos de metraje, para la crónica sobre los pensamientos y recuerdos de una joven en su último estertor. Aquí se aventura una estética al margen de los canones, imbuida de la unión entre la poesía y la realidad cotidiana, para ofrecernos un ejercicio de vacua pretenciosidad, con unos personajes estereotipados, y una insufrible voz en off, que repite todo aquello que la imagen ya ha mostrado. Para un cortometraje, que por innecesario y denso, parecer durar una hora larga.

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ARTE

INSIDE OUT, EXPOSICIÓN DE ARTE SONORO LABORATORIO ARTE ALAMEDA/ 13 DE MARZO

FOT:: Benedicte Desrus.

Seis instalaciones que recogen el trabajo de los mejores artistas sonoros del mundo, conformaron la exposición Inside Out curada por Alan Litch, investigador, músico y crítico de arte autor de Sound Art: Beyond Music, Between Categories. La muestra forma parte de la edición Radar del 2009, y en ella podrás contemplar piezas nerviosas que emiten sonidos al tocarlas, pantallas que discuten a manera de sonidos e instalaciones interactivas.

Los artistas que participaron son Tom Kubli, Nadine Robinson, Manuel Rocha, Michael J. Schumacher, David Tudor y Sebastian Roux, todos ellos representantes de las expresiones sonoras que buscan nuevas maneras de aproximar el arte. Puedes visitarla hasta el día 3 de mayo.

Thom Kubli

FINAL NACIONAL RED BULL PAPER WINGS CALCOMANÍAS INSTITUTO POLÍTECNICO NACIONAL/ 19 DE MARZO Y BLACK BOOK

Aunque no lo creas, hay una competencia mundial de aviones de papel, y está en México por segunda ocasión auspiciada por Red Bull bajo el nombre de Red Bull Paper Wings.

El objetivo del evento es romper el récord mundial de distancia (58.84 metros), así como el de tiempo en el aire (27.6 segundos). Un total de ocho eliminatorias nacionales nos ayudaron a encontrar a los mejores pilotos de nuestro país. La final nacional fue el 19 de marzo en el Gimnasio Central del Instituto Politecnico Nacional (IPN).

La final mundial se llevará a cabo el 24 y 25 de abril del 2009, en el asombroso Hangar7 (ubicado en el aeropuerto de Salzburgo, Austria) donde dos pilotos representaran a nuestro país.

DOCTOR GARCÍADIEGO 5 DE MARZO Alguna vez te preguntaste ¿qué sería de cualquiera de nuestras ciudades sin calcomanías o sin graffitis? Atendiendo a esas interrogantes, La Gunilla Editores presentó el pasado 5 de marzo la exposición En Cajas, una muestra donde se recolectaron varias cajas intervenidas por artistas de la urbe. Posteriormente, también se llevó a cabo la presentación oficial de los libros Calco Manías y Black Book, un par de ediciones que compilan las expresiones de arte urbano más emblemáticas de nuestra ciudad.

MARVIN | 17

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Para el público en general, hay seis contenedores -réplica de teléfonos Nokia XpressMusic con audífonos- que se encuentran colocados en: el Parque México, el cruce de Av. Nuevo León y Ozuluama en la Colonia Condesa, el Parque Lincoln en Polanco, entre otros lugares.

Dentro de la iniciativa de reciclaje “Rockea y Cuida el Planeta” lanzada a finales del 2008, Nokia extendió una invitación a estudiantes de secundaria a participar en un Concurso de Reciclaje de Celulares durante los meses de enero, febrero y marzo.

kia puedes ue gracias No as ayudas q a h c ve ro p ¡a ntr loc Party mie disfrutar de B a tu planeta!

Las actividades tuvieron como objetivo concursar en la recolección de celulares, baterías y accesorios, buscando que los jóvenes conviertan el reciclaje en un hábito cotidiano. Para llevar a cabo la dinámica, Nokia instaló contenedores especiales en las escuelas participantes para hacer una colecta semanal. El premios para la escuela ganadora fue un concierto privado con tres bandas de rock.

En la tarea por integrar a toda la población a este esfuerzo por cuidar el planeta, Nokia también organizó un concierto gratuito con la banda regiomontana Kinky. El show se llevó a cabo el pasado 6 de diciembre en el Parque México de la colonia Condesa. A raíz del éxito de esa presentación multitudinaria, el siguiente 17 de abril Nokia traerá a México a la banda londinense Bloc Party, quienes vienen promocionando su más reciente producción Intimacy. Esta presentación se llevará a cabo en el Parque Alameda Poniente y será entrada libre. Para mayores informes, visita www.nokia.com.mx/musicalmighty.

Asegura tu entrada, Nokia y Marvin te regalan entradas para este concierto. Sólo hay 10 dobles, así que no te quedes fuera, entra a www. marvin.com.mx y descubre la trivia.

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Timex colección primavera verano 2009 Timex anunció el lanzamiento de su nueva colección primavera-verano 2009, un despliegue de color, funcionalidad y diseños para recibir a tiempo la primavera.

Dentro de sus innovaciones en la línea para hombres encontramos las líneas T Series™ Automáticos, T Series™ Chrono Tonneau, City Sport Chrono Color, R Series Premium, donde lo mismo predominan creaciones en piel y sobrias que modelos casuales y llenos de color fabricados a base de materiales versátiles y resistentes como el acero inoxidable y acero pavonado.

La línea para dama comprende lo modelos Timex SL Series™ Sol/Luna, Cristal Cushion, Cristal Cuadrado y Fashion – Rectangular, modelos con despliegues de tentaciones para la mujer fashionista y trendy.

MINI Cooper Convertible e y MINI Cooper S Convertibl Conducir a cielo abierto Con 5 caballos más de potencia, optimización de consumo y menor emisión de contaminantes llegaron a México los nuevos modelos MINI Cooper Convertible y MINI Cooper S Convertible. Con un diseño que refleja madurez, estos convertibles tienen mayor funcionalidad, cuentan con una tecnología de chasis moderna, motores más potentes, económicos y seguros. Además, cabe destacar sus formas nítidas que hacen del MINI Convertible un despliegue de aplomo y potencia.

La salida doble del escape, la salida de aire en la tolba y la luz antiniebla de dos piezas acentúan su carácter deportivo. La capota textil de estos convertibles destacan por un techo corredizo que abre y cierra en sólo 15 segundos. El mecanismo permite dos posiciones: se puede abrir en su totalidad o simplemente deslizarla hacia atrás hasta 40 centímetros, con lo que se logra un tipo de quemacocos. Una novedad de MINI es el reloj Always–Open, el cual cronometra el tiempo que se ha conducido con el techo abierto.

Además, la seguridad de estos autos ha sido reforzada con una novedosa barra antivolcaduras, colocada detrás de los asientos posteriores, fuera del campo de visibilidad del conductor.

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s e d u D 3 d a Mullet an

dos r e u c e r e d s a i d o l Me s o d a r e p s e in s o s e y suc TXT:: Carlos Jaimes. FOT:: cortesía Cuervo & Roll.

Cuando las cuestiones económicas, personales o de cualquier otro tipo se superponen a la esencia de alguna actividad, esta corre el riesgo de perderse en un camino con ciertos vicios del que difícilmente se puede salir. El caso de la música no es la excepción. 3 Dudes and a Mullet es un ejemplo claro de que al hacer las cosas por puro gusto, los involucrados pueden encontrarse con situaciones nunca imaginadas. Conocidos de la escuela y compartiendo obsesiones en común; Pony, Miots, Bueno y Fish empezaron haciendo música por diversión, piezas inspiradas en personajes fuera de lo tradicional como el Sr. Miyagi o los Goonies. A partir de su casual participación en el festival Vive Cuervo & Roll, en donde ganaron el tercer lugar, los “Dudes” han incursionado en la escena con un sonido fresco, agradable, y sobre todo, sin mayor pretensión que tocar. Platicamos en nuestras oficinas con 3 de ellos, esto fue lo que nos contaron.

21 ¿De dónde surge un nombre como 3 Dudes and a Mullet?

Pony: La primera vez que tocamos (en un festival escolar) ni siquiera teníamos nombre, estábamos a punto de que se abriera el telón, y la persona que nos iba a presentar nos dijo: “¿Qué onda, cómo los presento?” En ese entonces Fish tenía un mullet (corte de cabello) tremendo, nos volteamos a ver y dijimos: “somos tres y tú tienes un mullet, pues órale”.

Bueno: De hecho en esa ocasión tocamos como 3 chicos y una mula, porque así fuimos presentados.

Miots: Aunque la traducción literal sería 3 chicos y un salmonete.

Bueno: O un corte napoleónico (risas). ¿Empezaron tocando canciones propias?

B: Comenzamos tocando covers de temas de televisión, como el de Beverly Hills 90210 o el tema de Home Improvement.

P: Hay algunos videos de este material en YouTube, ahí nos encontrarán tocando temas como Las Tortugas Ninja, Thundercats…

B: Yo soy hermano de Pony y me integré al grupo despues, platicando y recordando algunas cosas de nuestra infancia.

Empezamos a tararear algunas canciones y decidimos: “¿Porqué no tocarlas de verdad?” ¿Cuál fue su experiencia en el Festival Vive Cuervo?

P: Al inicio nos inscribimos más bien por morbo, no queríamos ganar, fue sólo un impulso. De repente, un día Miots me llama y me dice: “mañana tocamos en El Imperial”.

M: Y como es un evento hecho propiamente para que toquen grupos, nos encontramos con muchísima gente, por lo menos para lo que estábamos acostumbrados que eran tocadas de 20 o 30 personas a lo mucho.

B: Y la recepción de la gente fue muy buena, hasta bailaban.

P: En la fase final, la gente cantaba los coros. Hasta nos aventaron un brassiere, ya después cuando nos bajamos, una chica se me acercó y me dijo: “es mío, devuélvemelo” (risas). ¿Qué están haciendo en este momento?

M: Vamos a grabar para la compilación del Vive Cuervo & Roll. Que ya meterte al estudio a grabar una canción es otra experiencia bastante interesante.

P: Otro plan que tenemos en mente es aprovechar esta ola que nos dio Vive Cuervo para así hacer otras cosas que también tenemos pensadas y que no sabíamos cómo empezar. ¡Nunca pensamos ser entrevistados por ejemplo! (risas). Ahora hemos empezado a sonar en la radio y nos gustaría crear discos, hacer pósters, en este momento estamos en fase de logística.

Con los avances de la tecnología, surgen nuevos formatos para hacer discos. ¿Ustedes qué preferirían?

M: A mí siempre me ha gustado el arte del disco, para mí sería increíble tener un disco propio en mis manos. Creo que es también porque pertenecemos a la vieja escuela, nos gusta mucho abrir un disco, ponerlo en el estéreo y escucharlo, aunque ya poca gente lo haga. Incluso un tiempo quisimos hasta sacar una producción en casete, pero resultaba muy caro.

B: Aunque la opción digital también es bastante viable, ya que nos importa mucho la imagen del grupo. Cuando nos invitan a tocar a algún lado, se hace un flyer de la tocada en donde estaremos, pero a nosotros también nos gusta sacar uno por nuestra cuenta. Últimamente ha existido un nacimiento constante de bandas que abandonan el esquema tradicional de guitarra, bajo y batería, para incluir en su estilo más secuencias con teclado, sintetizadores, y elementos electrónicos. ¿Sienten que existe una transición de género o es solamente un género aparte?

M: Yo siento que para 3 Dudes and a Mullet, incluir elementos como un sintetizador es sólo una herramienta más, que obviamente te sirve para trabajar con otros géneros. Lo que pasa es que nuestra influencia directa es el estilo rock pop de los años ochenta. Tratamos no de imitarlo, sino de incorporarlo a lo que hacemos.

B: También tratamos de despegarnos de cualquier estereotipo. A la gente en realidad le gusta muchas cosas: como podrías estar viendo una telenovela, después ves las noticias y después comes cereal, y justamente así es 3 Dudes and a Mullet. Un día nos gusta tocar la canción de inicio de Juego de Gemelas, de repente vemos un video de David Hasselhoff donde hay teclados y bailan increíblemente, queremos hacer eso también. No nos limitamos al género, simplemente tenemos los instrumentos y tocamos lo que queramos. ¿Cómo encuentran a la escena del rock nacional en estos momentos?

B: Yo siento que está teniendo un boom muy positivo, no sé si sea por copia o por inercia, pero mucha gente está teniendo bandas, otras están dándole pila a estas bandas. Algunas empresas están fijándose en el trabajo de los grupos, en lugar de gastar el dinero en Hummers lo gastan en la industria del rock. Se siente un ambiente mucho más musical a nivel nacional. Aunque siento que todavía está muy en pañales, pero va por buen camino.

M: También hay un boom de música y de disqueras independientes.

En cuanto a los grupos, hay cosas bastante buenas pero aún viviendo una etapa de transición, todavía hay mucha copia y muchas cosas suenan igual. Creo que falta resolver un poco eso, pero efectivamente va por buen camino. ¿Hasta dónde quieren llegar con este proyecto?

M: Yo creo que hasta ahora (más que llevarlo nosotros), lo hemos visto como hasta dónde nos lleva. La verdad todo nos ha llegado de a gratis, nunca nos hemos puesto a llamar a disqueras o a estaciones de radio.

B: Si moviéramos un dedo quizá ya estaríamos en otro lado (risas), pero es parte de la magia de la banda. Nos gustaría seguir con esto mucho tiempo más. Que la misma banda demande más tiempo de calidad, no por deber sino por gusto. M

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Instituto Mexicano del Sonido El significado de ser sauce en Mexico y en el mundo

TXT:: Redacción Marvin. FOT:: Jeff Antebi.

Por un lado está el IMS y por otro el MIS (Music Institute of Sound), lo cual sugiere que tienes muchos públicos.

Tengo una cosa bipolar ahí (risas). Cuando empecé a hacer lo del Instituto estaba fuera de México, primero salió en España, luego lo sacamos en EU, y allá me dijeron, “cámbiale el nombre”, y está bien para que lo puedan decir. Después salió en México y ya nos hemos hecho una historia aquí. En el disco pasado traté de hacer una cosa más universal, por eso se llama Piñata, quise hacer algo muy enloquecido que tocara muchos puntos, todos los nervios que siempre me han gustado y que reflejen de donde vengo.

Ahora encontré esta cosa de Ser Sauce, que puede ser un árbol frondoso, verde, una señal de fortaleza, pero que también significa que “soy salsa”, “soy soya”, “ya soy”… hay una serie de cosas que el disco tiene y al final es un poco dadaísta por su carácter medio errático. Me gustó mucho el título porque además de que puede leerse en cualquier lado, te remite a esta cosa envasada, negra, fea. Por otra parte, estuve escuchando mucho el Re de Café Tacvba, entonces quería que este disco tuviera varias de las cosas por las que ya he pasado y por las que me gustaría pasar. El disco empieza con cosas electrónicas, pasa por la cumbia, hasta que termina en mariachi.

Las letras le hablan al chilango y al mexicano en general, ¿cómo son recibidas en México y cómo en el extranjero?

Todos los chistes son lugares comunes, frases, calles, barrios, y si te vas al plano más personal se trata de las ex novias, de con quién hangeo, en dónde me pongo borracho, entonces en otros países no tienen ninguna referencia.

Hay lugares donde la referencia latinoamericana es Gloria Estefan. Si pusieras una cumbia, un cha cha cha o un merengue, jamás te dirían cuál es cuál, así como uno no sabe cuál es la música balcánica del este o del oeste.

Si quisieras hacerte una imagen de la clase media mexicana por medio de samplers sonoros que resguardan todo tipo de ritmos populares, pero con un aire cosmopolita, seguramente la música del IMS sería el referente inmediato.

Con presentaciones por todas partes del mundo y ahora tres discos editados, (Mejico Maxico, Piñata y el disco más reciente titulado Soy Sauce), Camilo Lara inició este proyecto sin muchas pretensiones más allá de la diversión misma, y ahora su IMS tiene un lugar en Coachella.

En EU, depende de la ciudad donde toquemos nos van a ver paisanos recién emigrados con una maleta de esperanza, o amantes del world music y entonces tocaremos junto a lo tamborileros de Burundi (que ya nos ha pasado), o en un festival de música electrónica de white trance (que también nos ha pasado). Lo curioso es que en ningún escenario nos sentimos cómodos, siempre digo: “nos va a ir pésimo, ¿por qué nos metieron?” ¿Y te ha ido pésimo alguna vez?

Sí, ha habido malas, pero en general han sido buenas porque acabamos riéndonos de todo y nos parece chistosa la situación. Y como tocamos de todo nos va bien. Digo, no es rock definitivamente, no tenemos el distor suficiente, tampoco es salsa, si nos pones junto a unos salseros somos unos inútiles, entonces somos Kraftwerk (risas), creo que nunca vamos a encontrar dónde tocar y ser plenamente felices. Tocamos en exposiciones de arte y nos piden que le bajemos, es como todo mal, ojalá se creara un movimiento de gente que no esté de acuerdo con ninguna de las tendencias.

Has mencionado que el IMS no es algo muy serio, sin embargo, ya vas en el tercer disco y van a tocar en Coachella.

No, pos ya a estas alturas sí es más serio (risas). No, en realidad lo único serio es publicar discos. Yo dije: “los voy a publicar y voy a tener una constancia”, odio a los grupos como Portishead que se tardan como nueve años en publicar un disco.

Me parece indignante, cuando sale el disco ya estoy en otra cosa (risas), me da mucha rabia que pase eso. No sé si haya un fan del IMS, pero como músico sí digo que quiero publicar regularmente, como hacen los autores que me gustan y que publican regularmente pase lo que pase. En teoría somos como un grupo de rock tipo los Ramones, ya al final creo que hasta tocaban bien (risas).

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No es que yo ahora sea mejor, pero las herramientas que tengo las sé usar un poco más que cuando empecé a tocar, ahora también puedo ir a un estudio mejor… Todas esas cosas hacen que toque más, que cante más, que haya más canciones, entonces por ese lado el IMS ha evolucionado.

Me gusta la idea de que con cinco o seis discos haya un retrato de la clase media mexicana, y que tenga sentido. Todavía no sé si vaya a pasar, pero eso espero.

Tus trabajos anteriores cuentan ciertas historias que parecen llenas de nostalgia. Aquí no me parece que pase eso.

Los samples tienen como otro enfoque… no quería quitarle el humor y sí le quería quitar un poco la nostalgia porque una de las cosas que siempre me dolieron… yo fui muy fan de Esquivel, me encanta, es parte de mi vida, fui muy amigo y lo quiero, pero odiaba que dijeran que hacemos música lounge, que a mí me remite a los peores escenarios de mi vida como esperando a un dentista. Al final es música “papel tapiz”. Entonces quise quitar nostalgia y la temporalidad a los samples, porque siempre terminaba sonando como de los 60 o 70. Entonces, quise sacar de contexto los samples y ponerlos en una situación dudosa de temporalidad, aunque habrá gente que seguirá diciendo que es música lounge.

Por ahí leía que este disco tiene un factor de inocencia impregnado.

Cuando haces música, a menos que hayas tenido una experiencia de educación desde temprano, la música que haces no te termina llevando a donde quieres estar. Lo único que lo hace es el ejercicio de hacer música, todos los grandes compositores lo hacen por oficio, y entre más canciones hagas mejor te irán saliendo, y eso es un poco la inocencia, al final el primer disco fue para mí una cosa medio inconsciente y así salió, ya ahora quizá

le quitaría la mitad de los tracks para hacer un disco menos atrabancado y más cerebral, lo cual lo convertiría en algo más aburrido… este disco tiene más rollo de composición, de preguntarse hacia dónde van las canciones. Se trata de un disco menos de experiencia y más de elaboración. ¿Cómo trabajas los discos?

En una computadora que le compré a Jonás de Plastilina Mosh hace como 12 años. Es un aparato que originalmente tenía la memoria de un USB, es una G2 o G3 que si la buscas ya ni existe, literal (risas), entonces aprendí a hacer música así, no uso MIDI’s, uso la versión libre de Pro Tools. Yo hago las cosas en mi casa y luego llego al estudio y es cuando todo mundo se vuelve loco porque es un desastre, nada está en tiempo… creo que como ejercicio de hacer canciones es la primera vez que me siento a hacerlas con estructura, cosa que debí hacer desde hace dos discos. Pero son unas por otras, el primer disco tiene sus gracias, y ahí sampleé cosas que ya no me atrevería a hacer por miedo. ¿Están preparando algo especial para Coachella?

Sí, estamos montando el nuevo disco con la banda porque antes sólo teníamos 45 minutos de show, se terminaban esos 45 y nos teníamos que ir corriendo.

De hecho un par de empresarios en EU no nos pagaron completo porque no tocamos una hora (risas), entonces ahora ya tenemos una hora. También compramos un aparato que se llama Lemur que te da la posibilidad de linkear muchas cosas visuales con lo auditivo, lo cual está increíble porque estamos montando un show con pantallas. También habrá vestuario, en general habrá más producción. Nunca nos habíamos tomado en serio ensayar, habíamos ensayado seis veces, ahora sí estamos ensayando, ¡ensayaremos otras seis! (risas) M

Hay más del IMS. Vélo en

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THYGERLAINE TXT:: Vicente Jáuregui.

FOT:: Víctor Deschamps.

LAS MEJORES HISTORIAS, SIEMPRE OCURREN DE NOCHE Para nada resulta sorprendente que los músicos generalmente van adoptando hábitos nocturnos conforme su carrera o el gusto por disfrutar la noche así lo sugiere. Pero pocas bandas pueden narrar que sus encuentros en after partys han sido con colegas del calibre de She Wants Revenge o Mars Volta. El caso de Thygerlaine es uno de ellos, y la historia de su disco debut, el EP Intruder (2007, Tetra Gamma Records) obedece a una fructífera vida noctámbula. Platicamos con los integrantes de Thygerlaine (Om, guitarra y voz; Luis, bajo y voz; Pío, guitarra; Pogo, sintetizadores y César, batería) y mientras nos contaron sobre el sonido del rock electrónico alternativo de su música, salieron a flote varias anécdotas memorables.

Platíquenme sobre los orígenes de Thygerlaine.

Om: La banda lleva como dos años, y la alineación actual lleva desde mayo.

Aunque cada quien tiene afinidad por ciertas bandas, lo que tenemos en común es un gusto por el rock alternativo, por llamarlo de alguna forma.

Yo la tengo con Smashing Pumpkins, Pogo con Air, por ejemplo.

César: Es importante notar cómo la banda ha ido cambiando, por no usar la palabra “evolución”, que es muy trillada. El proyecto comenzó con demos que hizo Pío en una computadora, cosas muy simples o minimalistas.

De ahí, Luis comenzó a trabajar con Pío, hasta que un día nos conocimos en una fiesta. Después vino la segunda etapa de comenzar a tocar los demos en vivo, lo cual añade la adrenalina que surge cuando tratas de tocar miles de arreglos, cosas complicadas. Luego decidimos grabar el Intruder, un EP donde nos replanteamos el sonido de la banda, quisimos que no tuviera tantos arreglos, pero sí el beat indicado para cada canción.

Ahora que ya se integró Om y Pogo, quienes no estuvieron en la grabación, queremos superar lo del EP, estamos haciendo canciones nuevas.

Sería una hipocresía no decirte que nuestro sonido nos suena “viejo”, entonces ahora estamos concentrados en poder lograr un gran disco que nos pueda gustar mucho. ¿Por qué eligieron trabajar con Mauricio Terracina como productor?

C: Una de las bandas que nos gustan en México es Zurdok, entonces con Terracina se dio una empatía muy natural. Una vez había una fiesta en mi casa, pero todos estábamos muy borrachos y hablamos porque él me

pidió una cerveza o algo así (risas). Creo que todas las bandas tenemos historias de grabaciones fallidas, lo cual está bien, muchas bandas se desesperan en ese proceso de encontrar su sonido, pero nosotros no caímos y antes apareció Terracina vía Toy Hernández (ex–Control Machete).

Al principio queríamos que Toy nos produjera, pero él nos dijo que nuestra música no era lo suyo y nos recomendó que habláramos con Mauricio, así que le enviamos un poco de música y le interesó, fue todo muy natural. ¿Cómo se dio la colaboración con Adrián Terrazas (saxofonista de Mars Volta)?

C: Es una historia muy buena. A Mars Volta los conocimos cuando vinieron a tocar al Circo Volador, luego vinieron a tocar al Corona Fest, hubo un alter party en el Camino Real donde Juan Alderete, el bajista de Mars Volta, nos introduce con Adrián Terrazas. Ese día Adrián estaba cenando con toda su familia, que es extensa, parecía la última cena (risas), pero fue una noche muy bizarra porque en otra mesa estaba Jorge Campos, Zague, Azpe (risas), y en esa situación extraña lo conocimos. Después, cuando nos fuimos a Monterrey a grabar el Intruder nos llama Adrián para decirnos que había escuchado los demos y que le interesaba grabar, entonces cuando regresamos a México lo invitamos y todo se dio muy natural, de repente Omi ya se iba a pasear con él (risas)… hubo muy buena empatía.

Está mal y bien que lo diga, pero nunca hemos ensayado con él, todo sale bien así. Él es muy exigente, muy duro, todo el día ensaya, no piensa más que en eso, entonces es interesante ver cómo se adapta con nosotros que no somos tan obsesivos.

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¿Qué tan difícil ha sido promocionar su música? Por ahí leí que los de She Wants Revenge hicieron muy buenos comentarios sobre su música.

Todos: ¡Todo ha sido por el alcohol! (risas) C: Creo que aunque musicalmente no tenemos mucho que ver con She Wants Revenge, ambos fuimos unidos por la parte nocturna. El día que vinieron a abrirle a Depeche Mode ellos querían fiesta, entonces le cayeron a mi casa y nos dijeron que les pusiéramos los demos (que eran horrendos y viejísimos) y les gustó lo que escucharon. Hablamos de tocar juntos, pero aún no se ha dado la oportunidad porque cuando regresaron a México vinieron a un concurso de bandas.

Pío: Ha sido una cuestión azarosa conocer a esta gente, puede ser el destino o lo que sea, básicamente nos hemos movido bastante en el círculo que llaman underground donde hay otras formas de promocionarse a parte de la radio. Como todos sabemos, es una mafia muy chistosa donde las cosas funcionan a partir de dos cerebros… si no les gusta a esas personas, el resto de la gente no tiene porque escuchar la música. Por eso hemos buscado alternativas como Internet… estamos planeando vandalizar la calle (risas).

C: Hoy nos toca una época complicada, la crisis económica afecta mucho al entretenimiento, los empresarios van a dejar de traer bandas internacionales, entonces la escena local debe tener una contra propuesta lo suficientemente interesante. Hoy los mexicanos ya no nos tragamos cualquier cosa, nos damos cuenta cuando una banda está mal ensayada o sólo está haciéndole al payaso, ahora ya nos traen muy buenas bandas internacionales y a partir de ellas tenemos un criterio de calidad, por eso a las bandas nacionales nos toca ofrecer shows con mucha calidad. ¿Qué bandas mexicanas les gustan?

C: Le Bucheretes, un power dúo de chicas. En lo personal también me gusta mucho como está tocando en vivo Ventilader, respeto mucho su propuesta, se quedaron como power trío y lo están haciendo muy bien.

Mar Lento tiene una buena propuesta. Hemos tocando con bandas que aunque no tengamos mucho en común como Simplifires o San Pascualito

Rey, las respetamos y nos gustan. El otro día tocamos en Guadalajara con una banda muy buena de rockabily que se llama Casino Slow Park.

También tocamos con Descartes a Kant.

Pío: El común denominador de esas bandas es que tienen muy buena actitud, llegas y en lugar de voltearte la cara se interesan por tu banda, te saludan y hay buena onda. Además, lo curioso es que en Guadalajara se siente mucho apoyo entre las bandas y eso falta un poco en el DF. Pogo: También aquí la gente prefiere ahorrar para ver a una banda como Radiohead que ir a escuchar una banda local, hay mucha desilusión y apatía. ¿En qué están trabajando ahorita?

C: Yo creo que ahora estamos depurando nuestro sonido. Tratando de simplificar los arreglos. Siempre pasa que uno quiere hacer cosas súper complejas, y de repente escuchas un disco de U.N.K.L.E y dices: “está increíble y a la par es muy sencillo”. Queremos hacer canciones en esa línea, que nos gusten mucho… muchas veces nos han cuestionado por qué hacemos canciones en inglés, pero pues así se dieron, y si ahora se dan en español, en francés, pues así será.

Marvin es una revista de culto, ¿a qué le rinde culto Thygerlaine?

O: Yo en lo personal a la música. Además de que me gusta tocar, soy amante de estar escuchando música todo el día.

Luis: Básicamente le rendimos culto a ser distintos, somos muy egoístas, siempre estamos depurando nuestro sonido, lo hacemos hacía nosotros mismos porque somos egocéntricos.

C: Una referencia de la banda es la noche. Le rendimos culto porque en la noche han pasado muchas cosas. Además es algo súper romántico, sensual, intenso.

Pío: También le rendimos culto a los momentos terribles y a los momentos geniales, ambos sirven para inspirarnos a hacer música.

Pogo: Yo en lo personal le rindo culto a una actitud combativa, que no tiene por qué ser agresiva ni nada, sino al contrario, es algo que te construye. M

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e Jáuregui. FOT:: cortesía de Natalia Lafo TXT:: Vicent urcade por Xi mena

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Sea por cuestiones amorosas o de cualquier tipo, todo ser dedicado a la creación llega a pasar por periodos donde es difícil seguir haciendo composiciones. Por esa razón, Natalia Lafourcade decidió irse de viaje hace tres años a Canadá para realizar una búsqueda interior. Afortunadamente, el destino le llevó a vivir en una casa llena de músicos que le mostraron géneros nuevos como el blues, el folk, cosas de world music y algunos beats africanos. También hubo una exploración en la tecnología y Natalia pasó horas jugando con loops y pedales de guitarra. En ese ambiente medio comunal se fue gestando Hu Hu Hu, su nuevo álbum de estudio. El título es una suerte de onomatopeya que si bien “no significa nada, significa todo a la vez”, ya que además es el nombre de una canción que Natalia compuso como regalo de cumpleaños para una amiga. Hubo mucha gente que inspiró y ayudó a Natalia a realizar las composiciones del disco, lo cual se puede notar en la renovación musical que presenta. Hace unos días, justo cuando Natalia festejaba su cumpleaños, nos abrió las puertas de su casa para hablar sobre su música y sobre cómo redescubrió al niño que todos llevamos dentro.

27 La primer rola que lanzas de tu disco se llama “Azul”. Dura como 6 minutos, habla de tus miedos y tiene varias partes…

“Azul” es una canción que habla de todos tus miedos y está dividida en tres etapas. Me di chance de hablar de esta lista de miedos que una vez hice y me hizo darme cuenta de todas las cosas a las que les tengo miedo. Cuando hice el disco instrumental tenía una canción con piano que no entraba en el disco, pero me encantaba su piano y su armonía, entonces un día todo se juntó solito, empezó a salir la letra rapidísimo, aunque ya la tenía medio en ideas. Entonces la canción habla del miedo a salir, a caerte en la calle, a la gente, a enamorarte, de que me vean desnuda (no literal, sino que se den cuenta de mis miedos), entonces “Azul” es una canción muy de una chiquitita que vive encerrada en su mundo.

La parte final de “Azul” es como flores de color azul, y ello representa lo que hago… Creo que mi peor miedo es levantarme un día y ya no saber tocar, olvidar cómo hacer canciones, sería lo peor que me podría pasar. Por eso en el video está la idea de salir corriendo con los peces, es como un niño, pero grande… ay sí (ríe).

Se nota que andas explorando otros territorios musicales, ¿qué andas escuchando en estos días?

Pues mi banda favorita es Fleet Foxes, no tenía el disco, pero me lo acaban de regalar hoy (el día de la entrevista era cumpleaños de Natalia N. de R.). Ando escuchando mucho a Robert Johnson no sé porque, ando en la onda del blues viejito. Likke Li me gusta muchísimo, es de mis favoritas actuales, Devendra Banhart con su nuevo proyecto que fui a ver hace dos días (Megapuss N. de. R.) y estuvo padrísimo. ¿Qué más? Vampire Weekend, Bat for Lashes. ¿Qué puedes decir de tu disco, cómo lo visualizas?

Yo lo visualizo como que es un dulce, súper mágico (risas). Te lleva por muchísimos lugares, por eso lo veo como un bosque, es como introducirte en una tarde de pic nic con tus amigos… es un disco súper honesto, me ha costado dos años terminarlo, para mí es muy fuerte, no sé lo que vaya a pasar, ojalá que toque mucho y vaya otra vez a miles de lugares con mi música… Me ha costado muchísimo, muchísimo, creo que es el disco que más me ha costado, como que el disco ha estado ahí, pero todo lo demás dice “espérame, espérame”. Se trata de un disco muy fácil, nada complicado de cortarme la vena ni nada, es súper pop, no como

el pop que generalmente tenemos en México, pero súper pop, súper digerible, es como un postre. Le tengo mucho cariño, las letras hablan de cosas que me han sucedido, cosas que le han pasado a gente cercana a mí. Es un disco agridulce, como un mango con chile piquín (ríe).

Platícame un poco el proceso de esos dos años haciendo el disco.

El disco lo trabajamos en varios lugares. La mayor parte de las canciones las compuse en Canadá, luego los demos los hice en el estudio de un amigo en la Condesa y el estudio de otro amigo en la Herradura, en mi casa, en Garage Band (un software de Mac, N. de R.) y en varias cosas. Luego para el disco en sí, nos fuimos a una casa en Morelos y nos llevamos bombos, bajos, guitarras, teclados, ollas, percusiones, vibráfono, todo lo que pudimos lo metimos en la casa. Nos encerramos como un mes y medio y diario hacíamos cosas.

Después regresamos para empezar a hacer los arreglos y para meter cuerdas, metales. Un chico que se llama Mario Santos me ayudó a concretar las ideas que teníamos.

Después el disco fue grabado en los estudios de Sony. Lo terminamos, lo entregué a la disquera y ellos me pidieron dos canciones extra que ahora estoy haciendo aquí, que es la casa donde ensayo con mi banda. Ahora tengo 13 canciones. No sé que pasará, si entran las otras dos pues ya serían 15.

Si pudieras reunir a los músicos que quisieras, vivos o muertos, ¿quiénes serían?

Juntaría… a los Beatles. Haría una fiesta para mis amigos con ellos tocando. Es como mi sueño imposible ver a los Beatles en vivo. Pero ya, imposible, jamás, sólo en DVD’s. ¿A qué le rinde culto Natalia Lafourcade?

A todo lo que me inspira para seguir haciendo música, a mis influencias musicales, a veces te sientes cansado y quieres tirar todo y piensas que por qué tiene que ser todo tan difícil y supongo que es lo mismo para todos, a veces te sientes estancado y en realidad no lo estás, entonces todas las cosas que te vienen a refrescar… afortunadamente ya tenemos YouTube y entonces te pones a buscar a los artistas para darte cuenta que también pasaron por lo mismo, y que hacen cosas hermosas que te hacen decir: “yo quiero estar en lo mismo”. M

Piratería Vs Comprar discos ¡Compren discos! (Ríe). A mí me encanta comprar discos, pero casi no lo he hecho, casi no tengo tiempo para ir a una tienda. La última vez que lo hice fue en Japón en una tienda independiente donde me metí a escuchar como tres horas. Pero normalmente estoy acostumbrada a que mis amigos me bajan cosas de mi iPod. En México es difícil obtener los discos que quieres, entonces cuando salgo aprovecho para comprar. Si la gente quiere tener la música gratis a mí me parece maravilloso porque la música es algo que no se debería vender, a veces la gente no tiene dinero para comprarla, pero también tener un video, un disco, todo te cuesta, todo mundo te cobra, es dinero que tiene que estar. ¡Es un tema difícil!

Felipe Calderón Vs El narco (Ríe) Siempre que se me hace una referencia política, lo odio… pero… no sé que decir. Más bien la onda es tú que aportas para que tu país pueda ser mejor.

Análogo Vs Digital Ahí no ¡análogo! No sé, es que ambos son útiles, nosotros combinamos aparatos viejísimos con cosas nuevas.

Soltería Vs Matrimonio ¡No pues soltería! Bueno, yo no tengo nada contra el matrimonio, pero la verdad es algo que veo bien lejos. Según yo la unión libre es la onda (ríe).

Independencia Vs Disquera Depende. No sé, independiente está bien padre, pero disquera también. Yo ahora tengo una disquera, con una manager y una oficina que te apoya y le pone mucha onda a tus cosas, pero también me ha tocado la independencia, vender playeras, discos, hasta cargar tus instrumentos en el metro en Japón. Creo que ambas cosas están bien, yo creo que es depende de lo que uno quiera, si quieres expresarte sin que nadie te diga qué hacer, pues entonces manéjate en el rollo independiente.

Hay más de Natalia Lafourcade. Vélo en

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veces TXT:: Arthur Alan Gore.

FOT:: Universal Music.

Hubo un tiempo en que la industria musical imponía sus propias reglas.

Nunca más. Los fanáticos de hoy en día son quienes mandan. De lo contrario, Radiohead nunca hubiera lanzado un disco sin precio o no se hubiera realizado un reality show para buscarle vocalista a una banda integrada por Gilby Clarke, Tommy Lee y Jason Newsted.

Yeah Yeah Yeahs sabe perfectamente hasta dónde llega el poder de la gente.

Por eso, la banda neoyorkina se vio en la necesidad de adelantar casi un mes la salida de su tercer disco de estudio, It’s Blitz, luego de que el material se filtrara misteriosamente a través de la red.

Desde Los Ángeles, California, esta es una de las interrogantes que más escozor le causa al baterista Brian Chase, durante la entrevista que sostiene con Marvin.

“Estamos muy emocionados por la salida de un nuevo disco, tenemos muchas ganas de que la gente escuche la nueva música que hicimos, pero este asunto de la filtración del disco me molesta”, asegura. “Es triste que no haya ningún tipo de restricciones acerca de mi música, que esté

disponible y al alcance de todo el mundo todo el tiempo”.

El músico se toma unos segundos para pasar saliva y explica, con el mismo tono serio: “Yeah Yeah Yeahs no somos la excepción, hoy en día la gente se está acostumbrando a que la música está a su alcance, sin medida, y por eso los discos se filtran. Todo este fenómeno ha obligado a que la industria se transforme y YYY no podemos mantenernos al margen”.

Sin duda, los YYY es un grupo representativo de una generación. La furia con que la vocalista Karen O le grita al micrófono, sus violentas sacudidas en escena y el metálico (que no metalero) sonido de guitarra, concebido en las entrañas de un garage, son algunos de los ingredientes que han generado al trío una popularidad desmedida entre los adolescentes.

Representan un referente musical y visual (porque la moda y peinados de los YYY son reproducidos hasta el cansancio en las calles) para una juventud acostumbrada a escuchar música en formatos digitales, a establecer relaciones sentimentales en el Messenger y a exhibir su intimidad de manera voluntaria en redes sociales como MySpace y Hi5.

...queríamos mostrar lo que era vivir y trabajar en el desierto, que representaba una experiencia nueva y salvaje para nosotros. Nos sentimos como en una película de Jodorowsky y todo eso está presente en el disco.

Brian Chase, baterista de los Yeah, Yeah, Yeahs.

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Al respecto, Chase reconoce que la explosión tecnológica que se ha vivido en la última década le ha posibilitado a las bandas de rock el desarrollo de una nueva forma de relación con sus fanáticos. Si antes un melómano tenía que esperar a que una revista le presentara, a través de una entrevista, los puntos de vista de sus músicos predilectos, ahora puedo leerlos de primera mano en un blog configurado por la estrella de rock. Así mismo, Internet ha permitido que los artistas vendan e incluso obsequien material auditivos y gráficos a sus seguidores, además de involucrarlos en promociones a través de las cuales algunos afortunados fans han compuesto canciones o dirigido videos para bandas como Sepultura, Beastie Boys o Radiohead.

–En ese contexto, hasta entrevistas como ésta pronto caerán en desuso...

“Sí” (risas), responde el baterista, “la tecnología también tiene una parte buena, a nosotros nos sirvió para darnos a conocer”.

Hasta el momento en que redacto este artículo, el MySpace oficial del trío cuenta con la nada despreciable cifra de 373 mil 793 amigos. Cuando sea leída la nota y el disco esté a la venta, la cantidad se habrá incrementado.

Los sonidos del desierto It’s Blitz! representa un rompimiento del grupo consigo mismo. Causará una honda decepción en quienes busquen en alguna de sus diez canciones la segunda parte de Maps. Sin embargo, les dibujará una enorme y retorcida sonrisa en el rostro (casi como si un tigre les diera un zarpazo debajo de la nariz) a quienes reconozcan que una banda de rock es un ser vivo que nace, crece, se desarrolla y eventualmente muere.

Existen muchas maneras distintas de gritar tres veces Yeah!

“Gran parte de este disco se alejó totalmente de lo que teníamos acostumbrados a escuchar a nuestra gente. Los elementos y la instrumentación no son tan crudos, y también tuvimos un acercamiento a lo electrónico, aunque haya sido en la forma en que nosotros entendemos la música electrónica. Nos gusta incorporar la tecnología a nuestra música por los colores que brinda. Teníamos muchas ideas y sólo fue cuestión de ponerlas en la mesa”, explica Brian.

itsblitz

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YEAH !

YEAH

YEAHS

Escuchar el álbum requiere de un ejercicio de imaginación. ¿Qué habrá pasado por la mente de este singular trío, que se alió con los productores Nick Launay y Dave Sitek y viajó hasta los bucólicos paisajes de Massachusetts? YYY se atrincheró primero en los estudios Long View, para después trasladarse, de acuerdo con las notas de producción, a Tornillo, Texas en donde se vieron rodeados por nada que no fuera desierto.

“Hicimos un par de videos tipo cortometraje para promover el disco. Se rodaron en el desierto en Texas mientras grabábamos el disco, queríamos mostrar lo que era vivir y trabajar en el desierto, que representaban una experiencia nueva y salvaje para nosotros. Nos sentimos como en una película de Jodorowsky y todo eso está presente en el disco”.

Si tuviéramos que decir en muy pocas palabras a qué suena It’s Blitz!, sería justo mencionar que no es un álbum guitarrero, sino bailable, aunque cargado de la misma profundidad que sus dos antecesores. “Runaway” es la parte oscura, desgarradora. “Dragon Queen” es el glamour. “Hysteric” es la dulzura del adiós. “Heads Will Roll” hará danzar a los esqueletos.

Sobre todo, cada vez es menos patente la ausencia del bajo. En lo que respecta a este álbum, gran parte se debe a la inclusión de los teclados.

El guitarrista Nick Zinner compró uno en eBay y muchas de las pautas compositivas se gestaron entre las teclas del viejo artefacto.

“Nunca he sentido que nuestra música tenga una especie de hueco por la ausencia de bajo, pero en este disco los teclados desempeñaron ese papel y el resultado me gustó mucho”, afirma el baterista.

Otro aspecto que distingue al álbum es la participación de otros músicos, como lo fue Tunde Adebimpe, el vocalista de TV On The Radio, además de la inclusión de instrumentos como un sax tenor y una trompeta.

Para cerrar la charla, nuevamente nos referimos a la filtración de su disco.

Para nadie es un secreto que el impulso que los formatos digitales han ganado en los últimos años acelerará la desaparición del disco compacto.

Brian se lo piensa un poco y responde: “La parte más pesada es que yo quisiera que las bandas puedan vivir de su música y para ello se necesitan tiendas de discos, pero cada vez esto se ve más complicado. Las bandas nuevas no pueden vivir de su trabajo espero que encontremos la forma de sobrevivir”. M

Yeah Yeah Yeahs. It’s Blitz!. Universal.

★★★★

TXT:: Benjamín Acosta.

Basado en una numerología que podría resultar tan sólo la absurda necedad de quien esto escribe, a It´s Blitz! le acompaña el último dígito del año cuando se apunta tres veces tres. Uno de los grupos más consentidos de Nueva York en la actualidad –integrado por la cantante Karen O, el guitarrista Nick Zinner y Brian Chase en batería– después de su segundo álbum, Show Your Bones de 2006, regresa con un sonido más cercano a la pista de baile. “Zero”, su primer sencillo, es muestra contundente de ello, el resultado de emplear más sintetizadores que nunca y siguiendo en la producción con Dave Sitek, guitarrista de TV On The Radio. Se trata de un álbum afortunado donde, además del dance que permea canciones como “Heads Will Roll” o la declaración techno que representa “Softshock”; también hay otras donde los guitarrazos yeahyeahyescos se asoman, tal como resulta en “Dull Life”, una de esas canciones energetizantes a las que no se les puede decir ‘no’ cuando de saltar durante un concierto se trata.

Algunos discos emparentados.

Franz Ferdinand: Tonight: Franz Ferdinand. Justo con el tercer disco del grupo sucedió lo mismo: surtió efecto el embelesamiento por la estética dance.

Missing Persons: The Best Of. Karen O ha declarado que es fan de Dale Bozzio, cantante que resulta casi una fijación para ella.

Donna Summer: The Journey. Lo mejor que pudo sucederle a esta cantante fue conocer al productor Giorgio Moroder para grabar “I Feel Love”.

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Vs TXT:: Chico Migraña.

No recuerdo siquiera que año sería. Probablemente 1984, fecha de publicación del material. La tienda de autoservicio se llamaba Aurrerá y a mí me encantaba acompañar a mi mamá, sentarme en la sección de zapatería y leer pasajes de un libro que se llama Nadie sale vivo de aquí, una escandalosa biografía de los Doors editada en 1981. Mi otro pasatiempo era pasearme por los pasillo de discos y ver las portadas. Años atrás, en esos mismos pasillos había descubierto a Kiss, y por esas fechas, un día que iba acompañando a mi papá, la imagen de John Lennon y Yoko Ono desnudos en Two Virgins le obligó a decirme que no me lo regalaría. Pero esa tarde mientras miraba los discos, perdido entre Raphael y Lupita D’Alessio estaba uno que traía un impresionante tigre cornudo con garras de metal, metralletas, tiras de apoyo tipo tanque y una feroz mirada. Se llamaba The Metallian y era la portada de una banda que se llamaba Judas Priest. El disco en cuestión era Defenders of the Faith, pero eso no importaba. En la parte trasera las canciones, traducidas al español, se llamaban con nombres brutales como “Rodarán algunas cabezas”, “Fuego al azar” y “Cómeme vivo”.

Así supe que existía una banda que se llamaba Judas Priest, porque el arte del LP era impresionante, lleno de detalles, colorido y grande. Y como esa existen millones de historias de millones de personas.

Cualquiera que haya vivido la era de los llamados acetatos recordará lo que fue ver por primera vez la portada del Born Again de Black Sabbath. Terrorífica, adentro traía el disco en su clásica funda de plástico, acompañada por una hoja que de un lado traía la foto de Gillan, Ward, Iommi y Butler, y en la otra cara, de fondo amarillo y con letras negras escritas con una macabra tipografía las letras de temas como “Molestando al sacerdote” y “Vuelto a nacer”.

Cualquier fan del metal sabe lo precioso y preciado que era tener en sus manos un Larga Duración (LP significaba Long Play). Era todo un ritual.

Comprarlo, llegar a casa y frotar el canto del disco contra los jeans para que el celofán se abriera delicadamente, mirar todo el detalle de la portada, voltearlo y leer cuidadosamente todos los créditos que venían. Luego había que sacarlo de su funda, ponerlo en la tornamesa, colocar la aguja y dejarse atrapar al tiempo que se repasaba de nuevo la portada, y en el caso de los discos importados, leer las letras, los créditos, agradecimientos, apodos y demás maravillas que cabían en el espacio de un disco.

Sí, el metalero es fetichista. Costó mucho trabajo aceptar el CD. Sin embargo, a pesar de que la industria se dedicaba a hacer discos sin chiste, las bandas de metal siguieron apostando por el arte, por hacer booklets llenos de fotos, con las letras impresas, con más arte que el de portada.

y Cualquier fan del metal sabe lo precioso Larga preciado que era tener en sus manos un todo Era ).

Play Duración (LP significaba Long ar el un ritual. Comprarlo, llegar a casa y frot el canto del disco contra los jeans para que … ente adam celofán se abriera delic

Es decir, la experiencia del LP no se había perdido del todo, simplemente se había compactado. Es por eso que cuesta trabajo imaginar a las bandas heavy aceptando sin condición las supuestas nuevas reglas del mercado, esas que sugieren que todo será digital, sin arte, sin dibujos, sin fotos enfermizas, sin letras, sin agradecimientos.

De la misma manera cuesta trabajo creer que los fans aferrados dejarán de sentir ese amor fetichista por el CD que los lleva en ocasiones a oler, acariciar, desprender la cobertura de celofán con cuidado.

Ni siquiera es un problema de edad, de estar pasado de moda o de no entender los cambios actuales. Se trata de arte, de no permitir que el futuro nos alcance, que las computadoras reinen, que el amor por hacer las cosas se transforme en una constante necesidad por entregar en menos tiempo, con menos calidad. Estar dentro del metal significa de cierta manera estar en contra de muchas cosas, los metaleros somos una especie de versus andantes, de seres que no nos adaptamos a la sociedad políticamente correcta y que nos rehusamos a aceptar que en un pequeño dispositivo digital se puede vivir la experiencia de la música y todas sus ramificaciones. La única ventaja de que la modernidad esté asesinando a la industria discográfica es que las bandas necesitan hacer más giras y más presentaciones para vivir de su arte, y eso al final se traduce en mayores oportunidades de verlos, vivirlos y sentirlos, como en los viejos tiempos. Esta historia, como la de la humanidad, se puede entender en una espiral dialéctica, en un círculo. Los conciertos de rock empezaron a ser importantes porque las bandas necesitaban salir a la calle y mostrar su arte, ya que las estaciones de radio jamás los programaban. Por eso muchas giras famosas llevan el nombre de un disco de la banda en cuestión, como Somewhere Back in Time Tour de Iron Maiden.

Sí, estar en el metal es estar en contra de muchas cosas, y en este caso concreto, de que un puñado de marcas de software nos digan que no volveremos a tener acceso a los vinilos y los discos compactos. Salir a correr o caminar con un Discman o iPod está bien, pero suponer que la música sólo será viable dentro de las computadoras, no. Ojalá con la ligereza que se habla de la muerte del disco, se hable dentro de unos años de la muerte de la idea de la tecnología digital como plataforma de salvación universal. Recordemos aquella sabia leyenda que acompañaba los LP hechos en México: “El Disco es Cultura”. M

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o Zamudio.

TXT:: Francisc

s/ ctiva: “Aquariu memoria cole su s de ga s la de is re se da a las pa ís durante inó por el pa a tonada pega o m un ad se n ot di br co ió se er , ec w ito dicho púlp del flower po mérica aman e ea sd ico rt de sm No , có cia u 69 m en rit de 19 –tanto co o n el espí cuya influ El 12 de abril ente atractiva número uno ía a la perfecció am de m t or su hi ad a ”, re nt in ir, ca ne Ha en l té en la Séptim una letra e musica Let the sunshi ndo la luna es fera gracias a aído del célebr ua ós tr “C at de ex tr s: a, ba es ca m al gi la te el a ér El Esta es ogas lis semanas. tes, y lo llevaba las estrellas. plano de las dr nas co dos años an ntro del aero el amor dirigirá y de , ” ondas hertzia as s ra la et je en San Francis r ia an “v po pl ó s ud aj lo nt vi a ve je rá ju sa ia a en gu un z m cia ra a audien de nces la pa mension. El poderosa–, pa 1968 ante un n Marte, ento o The Fifth Di co en up o do gr ad ea el br stival in l le al cia r ce agnitud: el Fe p Festival, swing espe Casa, y Júpite to de gran m del Miami Po r en tonaba con un to ev en uc , NY., ”, ro od ke ot rio pr La ua , do te Ac la Era de taba cocinan tion in Whi Michael Lang ido uarian Exposi e entonces es en el aura de nd Aq e es re rs ra An sp da pa ts de re n en ie en rio hasta mo liberta s días, y qu Art Fair, pres co do & o e ic nt nt ta us n ra M ta ció du is ck ea as ”. La alin ondo pacif e Woodsto 40 mil person paz y música usión al transf mbre oficial fu de al no as ca dí yo an s fr cu re , a “T ck en un incipios: de Woodsto publicitarios, claración de pr e los carteles a granítica de un en . ás impreso sobr 69 em 19 ad agosto de materializado as 15 y 17 de de la canción, te entre los dí en m al fin rió planetaria ocur

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El mundo observó la edificación de “La nación Woodstock”, un sitio donde “La armonía y el entendimiento, la simpatía y la confianza abundaron”, como reza la inmortal composición de James Rado, Gerome Ragni y Galt Macdermot.

Woodstock fue un éxito ideológico de magnitudes inesperadas. El último recurso del sistema para desacreditarlo (acusando al evento de ser una manifestación anti–norteamericana), se calcinó entre los pródigos dedos de Jimi Hendrix la mañana del domingo 17, mientras recreaba el himno de los Estados Unidos con su nívea Fender Stratocaster.

La Era De Acuario del rock había alcanzado el cenit emocional suficiente para marcar indeleblemente a la generación que acompañó en su lucha por hacer de este mundo un mejor lugar donde vivir.

Para desgracia de aquellos agentes del cambio, la idea de los festivales rockeros al aire libre prendió cual llamarada de etanol y cruzó el Atlántico hasta la oficina de Los Rolling Stones, una de las notables ausencias de Woodstock, quienes idearon un gran show en la Costa Oeste, gratuito, donde ellos serían las estrellas. Un amigo de la banda, Jerry Garcia, líder de Grateful Dead, quien sí había tocado en la granja de Bethel, Nueva York, les recomendó que trajeran a los Hell’s Angels, la mítica pandilla de motoristas que se encargaba de la seguridad de su grupo en sus múltiples giras alrededor de América. El sábado 6 de diciembre de aquel ’69, el Altamont Speedway Free Festival, arrancó bajo los abrasadores lengüetazos del malicioso sol californiano, cuyo calor destapó algunos candados de cera de algunas puertas del mismísimo infierno. Marty Balin, guitarrista de Jefferson Airplane, fue noqueado por uno de los de “seguridad”. Grateful Dead ni siquiera se subió al

improvisado entarimado a tocar, y todo comenzaba a pronosticar una desgracia mayor, la cual no tardó mucho en aparecer: mientas los Rolling Stones interpretaban “Symphaty for the Devil”, el demonio original concluyó que él no necesitaba ninguna clase de compasión, por lo que envió a uno de sus demonios para posesionarse de Alan Passaro, un “ángel” que apuñaló sin ninguna misericordia a un afroamericano de 18 años, Meredith Hunter, quien dicho sea de paso, tal y como se puede observar en la película del concierto, Gimme Shelter, desenfundó una pistola con oscuras intenciones (hay quienes afirman que su objetivo se llamaba Mick Jagger). La esperanzadora inocencia neoyorquina se fue por la atarjea de Altamont junto con la década y la sangre de Hunter. Los críticos denominaron a ese capítulo como “La muerte de la nación Woodstock”, y el último clavo del ataúd fue puesto por otro camarada de Mick, el ex beatle John Lennon, en su canción “God” (“El sueño ha terminado”), incrustada en su álbum John Lennon Plastic Ono Band, editado en 1970… 70, diptongo numérico de especial significado para quienes edificamos número con número Marvin, y no sólo porque nos permiten agregarle una vela más al pastel de cumpleaños, sino porque gracias a la revista, podemos comprobar neo–científicamente la “Teoría de los seis grados de separación”, leiv motiv de esta columna, la cual dicta que “cualquier persona en la tierra, puede estar conectado a cualquier otra en el planeta, a través de una cadena de conocidos que no tiene más de cinco intermediarios, conectando a ambas personas con sólo seis enlaces” (Frigyes Karinthy dixit). Así que… ¿están listos para conectarse a través de esta nueva Era de Marvin? Nosotros sí. M

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Son las 9 de la mañana, y hace un frío de 2 grados en la ciudad de Nueva York. Como lo he venido haciendo por los últimos 6 días, hoy también entro al Cafe Orwell, de Varet Street, Brooklyn, a tomar el café y la tostada que tengo presupuestadas y a usar el Internet gratuito, que una vez más no funciona muy bien. Hoy definitivamente no funciona, así que tomo de mi bolsillo la novela que estoy leyendo y me dispongo a terminarla. Se trata de Queer, de William Burroughs. Su título podría traducirse como “maricón”. O, más mexicanizado, “puto”.

Se trata de una fascinante novelita en la que Burroughs describe las pulsiones sexuales del protagonista por otro tipo que, quizás por indiferencia o por falta de apetito, no termina por corresponderlo a plenitud. La mitad de la novela sucede en la Ciudad de México y la otra en la corajuda república del Ecuador. En la introducción a su novela, Burroughs escribe: “México era básicamente una cultura oriental que reflejaba dos mil años de enfermedad y pobreza y degradación y estupidez y esclavitud y brutalidad y terrorismo físico y psíquico. Era siniestra y lúgubre y caótica, con el particular caos que tienen los sueños. Ningún mexicano conocía a otro mexicano realmente, y cuando un mexicano mataba a otro (cosa que ocurría

con frecuencia) era usualmente a su mejor amigo. Cualquiera que tuviera ganas de hacerlo cargaba un arma, y leí numerosas veces acerca de policías borrachos que, al dispararle a los habituales de un bar, eran a su vez abatidos por civiles armados. Como figuras de autoridad, los policías mexicanos estaban a la par que los conductores de buses”.

Conozco un par de mexicanos que deben estar saltando en sus asientos a punto de decirme que soy un gran cabrón por poner esto en una revista mexicana. Yo sólo traduje aquí un texto literario escrito por un gringo intoxicado hace más de 50 años. Si de denuestos al orgullo nativo se trata, recomiendo las palabras de Herman Melville acerca de Lima, mi ciudad natal, registradas en Moby Dick y que dejan al pobre puerto en el que nací al nivel del infierno, sólo que un millón de veces más aburrido.

Los norteamericanos suelen escribir muchas palabras ofensivas disfrazadas de reflexiones sociológicas acerca de los pueblos latinoamericanos. Es decir, ofensivas para nosotros, que tenemos un complejo de inferioridad a flor de piel con respecto a estos temas. Tengo un amigo californiano que se

pasa gran parte del año viajando en su coche, buscando playas para surfear. Es muy pobre pero no le importa. Si lo comparamos con los estándares de vida norteamericanos, es prácticamente un homeless. Hace poco estuvo por Baja California en su búsqueda de olas y experiencias sobre las que escribir, que además comparte con una lista inmensa de animales citadinos como yo con periodicidad casi diaria a través de e–mails insoportables, escritos con la arrogancia de quién sabe que, sea lo que sea que esté haciendo el lector, será incomparable a estar persiguiendo olas sin propósito alguno.

Luego de algunos mails en los que, en lenguaje budista–hippie tardío, se dedicaba a ponderar mamadas como los atardeceres o la sonrisa de los niños pobres, empezaron las reflexiones sobre la miseria, la corrupción policial y la peculiar costumbre de la mafia mexicana de decapitar a cuanto obeso deja de despertar sus simpatías. Al cabo de unos días, los e–mails se volvieron una franca campaña de desprestigio a la pobre y heroica playa mexicana. Según mi aterrorizado y gringo amigo, hasta el hecho de que las vacas sean negras y no se vean en las carreteras durante la noche es un anuncio del apocalipsis tercermundista que no debe ser desechado. Ahora todos sus mails traen la siguiente firma: ”It is no measure of health to be well adjusted to a profoundly sick society.

(Krishnamurti)” y por supuesto, ya huyó despavorido de nuestros predios y escribe desde algún estacionamiento californiano, donde prontamente será violado por alguna pandilla de Hell’s Angels tardíos o descuartizado por algún caníbal. O no.

Son las 11 de la mañana y sigo en el mismo café de Brooklyn, terminando este artículo.

Soy uno más de los miles de extranjeros que circulan por esta ciudad, algunos como turistas, algunos como trabajadores ilegales, algunos simplemente buscando la distancia necesaria para ver sus vidas desde alguna otra perspectiva y descubrir que, no importa cuál sea la perspectiva, la vida se sigue viendo enana e irresoluble. Pronto volveré a México y seguiré envuelto en los mismos problemas policiales, sociales, raciales, económicos en los que he vivido toda mi vida. Latinoamérica necesita una revolución en la que los primeros en ser fusilados sean gente como yo. M

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Me

opongo

luego

existo

Diatriba perm te contra progreso comoanen forma de vida.el TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Intro espacial (Un corte de Kubrick) Recordemos la larga secuencia inicial de 2001: Odisea del espacio; en ella unos homínidos primitivos buscan alimento y se preparan para la batalla.

Hay gritos, aspavientos y anticipos de furia, hasta llegar al momento en que uno de ellos lanza una quijada animal contra sus adversarios. El cineasta hace una toma cerrada del hueso mientras va por el aire y súbitamente corta a una nave espacial que surca el espacio. ¿Algún mejor ejemplo de elipsis? Siglos de pre e historia sintetizados en un breve recurso de lenguaje cinematográfico. De un estadio primigenio del hombre al tiempo en que realiza viajes espaciales. ¿La primera herramienta? Un simple trozo de materia ósea que con los años habrá de convertirse en una nave tripulada por una inteligencia artificial que amenaza con sojuzgar a sus creadores. .I ¿Triunfarán las máquinas o una nueva hibridación nos convertirá en un homo-tecno?

Inserto dialéctico Fundamentalismo religioso vs ciencia; dogma vs conocimiento; espiritualidad vs pragmatismo; lo material vs lo intangible; naturaleza vs artificialidad; poder organizado vs anarquía; sentimientos vs carnalidad; progresistas conversos vs globalifóbicos fanáticos; ciudadanos vs políticos y un inmenso etcétera.

La triada Kant–Hegel–Marx organizando el comportamiento de las estructuras a partir de un sistema de oposición permanente: a toda tesis vendrá su contra, su anti; luego habrán de colisionar para consubstanciarse en una síntesis (que es una nueva tesis) y comencemos otra vez.

Quizá sea atinada aquella percepción inherente a que la especie humana parte de un principio de oposición, una insatisfacción que lo lleva a la transformación constante. Arriban nuevas posibilidades, recursos y objetos que dividen opiniones: unos los aceptan con entusiasmo, otros los rechazan con antipatía. .II ¿Todo tipo de cambio es positivo en sí mismo?, ¿la aceptación o no de un nuevo objeto está supeditada a su utilidad o la trasciende?

La paradoja del Homo Sampler En su obra más reciente, Homo Sampler. Tiempo y consumo en la Era Afterpop, el ensayista Eloy Fernández Porta (Barcelona, 1974) insiste en su análisis de la sociedad de consumo, sus actuales paradigmas y sus contradicciones.

En el primero de tres grandes apartados, titulado UrPop o Ikea sumergida, reflexiona, entre otras cosas y un poco al estilo de los tecnotribalistas, sobre cuánto hay de primitivo en la sociedad digital. Tal revisión tiene como núcleo señalar las huellas de lo primitivo más allá de la modernidad y sus distintas manifestaciones en la sociedad del momento.

Nos encontramos en un estadio en que la creación contemporánea más que nunca mira hacia el legado ancestral de África, el autor apunta que cada década tiene a sus nuevos primitivos; si en los setenta fue el punk, en los ochenta hubo expresiones, como el hardcore, de carácter casi tribal. .III Fernández Porta se cuestiona: ¿por qué aceptamos con beneplácito ruidismos primitivos que nos regresan a periodos temporales y estados de ánimo dejados atrás hace mucho tiempo?

Escenarios de papel estereofónico El conflicto permanente entre quienes abrazan al progreso como forma de vida y sus críticos más encendidos se ve plasmado en dos industrias que se ven afectadas de distintas y contrastantes maneras: por una parte el libro electrónico y por otra la industria de la música.

Desde Gutenberg y su sistema de impresión serial, el libro no había enfrentado una transformación tan radical como la que representa su versión electrónica. Los expertos reunidos en la última edición de la Feria del Libro de Frankfurt, la más importante del mundo, llegaron a la conclusión de que para 2018, los libros electrónicos superarán en volumen de negocio a los editados en papel.

Ahí están el eReader de Sony que permite almacenar 160 títulos y pesa 260 gramos, menos que un best seller de tapa dura y el Kindle2, el e-book de Amazon, que puede leer textos en voz alta. La lectura se intercambia por la escucha, pero trae consigo un conflicto legal más: el pago por los derechos de audio.

Señalan los expertos que en 10 años el 95% de lo que leamos será digital, aunque no se considera que el papel como tal esté en riesgo de desaparecer.

Incluso diversos estudios de psicología cognitiva sostienen que el libro es el principal vehículo para un correcto proceso de aprendizaje Por su parte, un periodista norteamericano que manejaba información del Digital Music Forum East, un punto de encuentro de profesionales, no pudo evitar mostrarse perplejo ante la evidencia: dos terceras partes de los consumidores de música en EU sólo escuchan CD y radio. Dejando de lado las descargas legales o ilegales y por supuesto el streaming.

En un sondeo reciente, los consumidores mas jovenes musica aseguraron que preferian el sonido del vinilo, por su ”autenticidedad”, pero eso no significaba que tuvieran tornamesas... El factor del elemento cool quedo como parte de una pose...

Todavía no es momento de creer que todo ciudadano promedio se acerca a la música vía iPods, celulares y ordenadores. La industria musical todavía depende de los compradores de CD, mucho más numerosos que los que pagan por descargas, compran entradas para conciertos o adquieren objetos de merchandising (las otras fuentes principales de ingresos).

Por una parte, el régimen impuesto por la tecnocracia es implacable y se tornará más estricto, pero en ocasiones también se muestra como un espejismo, que distorsiona las tendencias reales de diferentes mercados e industrias.

Las posturas de Eco Al igual que como hiciera Umberto en Apocalípticos e integrados, a propósito de las tendencias de los medios masivos de la comunicación, a la eterna diatriba acerca de la avalancha de la novedad y su corte tecnológica también puede aplicársele el mismo esquema: por un lado están los apocalípticos –que reniegan de la revolución digital y subrayan sus aspectos negativos–, los integrados –al día del último ingenio e impulsándolo sin condiciones– y los despistados –la mayoría–, sin preocupación apremiante por tomar una postura (muchos de ellos ni siquiera están en posibilidad de tomarla).

Paréntesis fetichista Si es que entendemos como fetichismo a la devoción hacia los objetos materiales, podemos comprender cómo es que puede convertirse en una forma de creencia o culto prácticamente de carácter religioso.

Los fetiches son elementos importantes en todas las culturas primitivas de todo el mundo. De hecho, en su teoría de la evolución de la religión, De Brosses propuso que el fetichismo es el estado más primitivo de la religión, seguido por los estados de politeísmo y monoteísmo, representando una progresiva abstracción del pensamiento.

En el actual imperio del gadget es evidente cómo estos totems hi –tech hacen patente el desplazamiento de las relaciones entre las personas y Dios, para ceder su lugar a las relaciones entre las personas y los objetos materiales.

La avaricia desmedida aplicada en tiempos del capitalismo salvaje no hace sino convertir tanto al coleccionista como al acaparador de lanzamientos, en feligreses de un culto antiguo que muestra un rostro renovado, la cara mística o metafísica del materialismo.

Suicidal tendencies No siempre los estudios de mercado, las encuestas y los focus groups dicen la verdad. En un sondeo reciente, los consumidores más jóvenes de música aseguraron que preferían el sonido del vinilo, por su “autenticidad”, pero eso no significaba que tuvieran tornamesas o que ampliaran su colección de acetatos más allá de los heredado de padres y hermanos mayores.

El factor del elemento cool quedó como parte de una pose, pues se descubrió que había un abismo entre lo que contaban y su práctica real.

Sus declaraciones no coincidían con lo que había en sus reproductores personales, sus coches y sus casas.

Acerca de este debate abierto, el gran periodista Diego Manrique se burla de los que llama “cansinos profetas”, al abordar lo dicho por aquellos: “que proclaman la extinción de las discográficas, el fin del copyright, el eclipse del CD. Entiendo que son frases rotundas, que tienen garantizado el titular y que llenan de orgullo bíblico a sus autores. Los apocalípticos se deleitan extendiendo el certificado de defunción al CD, pensando que eso supone un golpe mortal a las odiadas disqueras”.

Antes de que pudieran reducir al mínimo el proceso, eliminar fábricas, almacenes, transportistas, vendedores y tiendas, además de recortar gastos y adelgazar plantillas, la vorágine de la música colocada en Internet dejó a la industria discográfica sin una estrategia clara para enderezar el negocio.

Un bit a modo de posible respuesta En el panorama actual, la galaxia Gutenberg se encuentra de cabeza, enfrentando un debate copernicano lleno de malentendidos y preguntas, y en el que vale la pena recordarle a todos los diseñadores de futuros, que no se trata de elegir entre “esto o lo otro”. Más bien una apuesta más segura será la de “esto y lo otro”. Un escenario en el que convivirán los soportes y costumbres por comodidad, calidad, fetichismo y hábitos acendrados.

Habrá quienes se regodeen en su realidad virtual y quienes busquen hacer de la vida en el siglo XXI una experiencia rústica y casi primigenia, pero beneficiándose de ciertos aspectos de la tecnología. En la pared de las cavernas del tercer milenio se insertará una pantalla de plasma.

Epílogo digresivo En ocasiones no se llega a una conclusión definitiva, como ocurre en la novela, género en que se es permitido especular, montarse sobre una digresión para darle vueltas al asunto; así que antes de poner punto final me apoyo en una frase del incendiario pensador francés Jean Baudrillard para dar una vuelta de tuerca más a una diatriba permanente que alimenta nuestro malestar ante la sociedad contemporánea: “Porque enfrentarnos a un mundo ininteligible y problemático, nuestra tarea es clara: debemos hacer a este mundo aún más ininteligible, aún más enigmático”. (La ilusión vital). M

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TXT:: Héctor Tajonar.

Además de un político fuera de serie, Barack Obama es la personificación del sueño americano, el cual consiste en la libertad que permite a los ciudadanos de los Estados Unidos alcanzar sus metas de acuerdo con las habilidades y méritos de cada individuo, en igualdad de oportunidades. Al mismo tiempo, Obama es un ejemplo de lo que puede realizar un ser humano cuando define bien sus propósitos de vida y se decide lograrlos. Por eso, la historia de este hombre forjado en la adversidad es fascinante y aleccionadora para cualquier persona, no sólo para quienes se interesan en la política.

La honestidad ha regido la vida de Barack Obama. En ello se encuentra la clave de su éxito.

Honestidad ante sí mismo, su país y su tiempo; honestidad moral, intelectual y política. Ante todo, Obama es un hombre auténtico que posee y transmite congruencia entre pensamiento, palabra y acción. Si ello no es fácil a nivel personal, mucho menos lo es en el terreno de la política, lo cual lo convierte en un político excepcional a escala mundial. Además de su gran carisma, la honestidad que proyecta dota a su oratoria de una credibilidad inusual. Al estar sustentados en valores, sus discursos logran emocionar a propios y extraños. Más aún: la autenticidad de Obama transmite esperanza.

41 Ello explica que, contra todas las predicciones, Barack Obama haya derrotado a Hillary Clinton en las primarias del Partido Demócrata o que haya reunido a una multitud de más de 200 mil personas, en Berlín, para verlo y escucharlo.

(Cuando Cecilia Velasco me pidió este artículo, pensé titularlo Obama, rockstar de la política, pero desistí al saber que en el número 67 de Marvin se llamó a David Lachapelle el rockstar de la fotografía, y no quise que mi primera colaboración en la revista empezara con un fusil). Ello explica también que teniendo todas las circunstancias en contra, Obama se haya convertido en el primer presidente negro en la historia de los Estados Unidos, aunque en realidad sea mulato. Su triunfo no es resultado del azar sino de la perseverancia, aunada a una inteligencia brillante y a una voluntad inquebrantable. Además, claro, de una estupenda campaña política y de la idea genial de usar la Internet para recolectar dinero para su causa, lo cual revolucionó los métodos tradicionales de financiamiento. Obama rechazó el financiamiento público para su campaña, así como las aportaciones de los lobbyists, y aún así pudo recolectar 745 millones de dólares durante su campaña, frente a 347 millones de McCain, el candidato republicano, de acuerdo con los datos de la Federal Election Commissión al 31 de diciembre de 2008.

Después de una infancia y adolescencia llena de dificultades, Obama decidió iniciar la búsqueda de sí mismo con la determinación de llegar a ser un mejor ser humano, no sólo para beneficio propio sino también de los demás. Hoy se ha convertido en el hombre más poderoso del mundo y parece decidido a cambiar la manera de concebir y practicar la política en Washington, lo cual supone un reto aún mayor al de superar la peor crisis económica mundial desde la depresión de 1929. ¿Podrá lograrlo? Yes he can.

Barack Hussein Obama nació el 4 de agosto de 1961 en Honolulu, Hawai. Su padre, de raza negra, también llamado Barack Obama, nació

en Kenya dentro de una familia sumamente modesta; su intención de superarse lo llevó a obtener una beca para estudiar la universidad en Hawai. Su madre, Ann Dunham, de raza blanca, creció en Wichita, Kansas, y viajó a Hawai con su familia después de la segunda guerra mundial. Los padres del presidente Obama se conocieron cuando ambos eran estudiantes de la Universidad de Hawai, se casaron al poco tiempo y se separaron cuando Barack tenía dos años de edad. Su madre se casó en segundas nupcias con un indonesio, lo que los llevó a Yakarta.

Barack vivió en Indonesia de los seis a los diez años y después regresó a Hawai a vivir con su abuela materna. Fue ahí donde volvió a ver a su padre por única vez, en 1971.

Obama narra su biografía en Los sueños de mi padre. Una historia de raza y herencia, publicado en 1995, un año antes de su elección al Senado de Illinois, que diera inicio a su vertiginosa carrera política. El libro fue The #1 New York Times bestseller, y la versión grabada, leída por él mismo, obtuvo un Grammy. Su autobiografía –“un honesto recuento de una particular provincia de mi vida”, según el autor–, abarca desde la infancia de Barack hasta su matrimonio con Michelle, en 1992. En ella cuenta su viaje a Kenya para conocer a su familia paterna, así como la amarga realidad de la vida de su padre a quien apenas conoció; fue un viaje de auto-descubrimiento y de reconciliación con su herencia dividida. En su biografía cuenta también cómo pudo evitar el proceso autodestructivo al que conducen el alcohol y las drogas.

Obama tiene una sólida formación académica.

Estudió Ciencias Políticas en la Universidad de Columbia, en Nueva York, fue el primer director afro-americano de la Harvard Law Review y obtuvo el doctorado en Derecho con magna cum laude, en la Universidad de Harvard. Durante doce años dio clases de Derecho Constitucional en la Universidad de Chicago. Trabajó en un despacho de abogados, donde conoció a su esposa Michelle, y realizó trabajo comunitario

Para profundizar en el tema:

No dejes de leer los dos bestseller escritos por Barack Obama: Los sueños de mi padre. Una historia de raza y herencia, 1995.

La audacia de la esperanza. Reflexiones sobre cómo restaurar el sueño americano, 2006.

en los barrios pobres de Chicago hasta su elección como senador local en Illinois, en 1996.

En aquellos años trabajó en diversos proyectos legislativos en materia de ética, seguridad social y educación para niños de escasos recursos.

En 2004 fue elegido para ocupar un escaño en el Senado de los Estados Unidos, y se convirtió en el tercer senador afro–americano desde la abolición de la esclavitud en la Unión Americana.

En su segundo libro, titulado La audacia de la esperanza. Reflexiones sobre cómo restaurar el sueño americano, publicado en 2006 y también bestseller del New York Times, expone su concepción de la política y su experiencia en el Capitolio. En él explica la manera en que piensa transformar el ejercicio del poder en Washington. En congruencia con lo expresado en su libro, en su discurso de toma de posesión el presidente Barack Obama prometió iniciar la Era de la responsabilidad, basada en los valores fundacionales de la nación norteamericana: el trabajo, la honestidad, la valentía, la equidad, la tolerancia, la lealtad y el patriotismo.

“Rechazamos como falsa la dicotomía entre nuestra seguridad y nuestros ideales” —afirmó.

Dijo también que las mejores herramientas para enfrentar la actual crisis económica, así como los grandes conflictos mundiales son la esperanza y la virtud.

Ya sentado en la oficina oval de la Casa Blanca, Obama ha cumplido con sus principales promesas de campaña. Su primer acto de gobierno, de gran significado simbólico, fue reafirmar su compromiso de establecer un gobierno honesto y abierto. También anunció el cierre de la prisión de Guantánamo, la salida de Irak para agosto de 2010, las reformas en materia de educación, seguridad social, energía y combate al calentamiento global, así como las medidas para enfrentar la crisis económica. A pesar de que ya empiezan a salirle sus primeras canas, el presidente estadounidense Barack Obama parece decidido a ejercer el poder de la honestidad. Le deseamos éxito. M

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TRADUCCIÓN Y TEXTO:: Vicente Jáuregui.

FOTO:: cortesía de EMI.

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Son muchas las bandas que luego de tratar con varios nombres de significado rebuscado, aciertan en elegir uno por su simple y sencilla composición fonética. Hace más de treinta años, unos chavos de Basildon (un pequeño condado de Essex, Inglaterra) se aventuraron a bautizar a su banda con nombres como No Romance in China (1975 con Vince Clarke como vocalista, compositor y guitarrista, y Andrew Fletcher en el bajo), French Look (1979 con Clarke, Martin Gore y Rob Marlow) y Composition of Sound (1979 con Fletcher sustituyendo al fugaz Marlow).

Por fortuna, Gahan logró rehabilitarse completamente después de haberse aproximado peligrosamente a la muerte, mientras Martin dejaba los chupes a un lado. La ruptura con Wilder fue el detonante para decidir quedarse como power trío junto con Andrew Fletcher, una de las fisonomías menos expresivas del rock.

Con este formato iniciaron una nueva etapa en la historia de la banda, ahora guiada por un ritmo de trabajo menos demandante que anticipaba el lanzamiento de un disco nuevo cada cuatro años. En ese ánimo surgieron Ultra, Exciter, Playing the Angel y ahora estamos en vísperas del Sounds of the Universe, el 12vo disco de la banda, anunciado el 6 de octubre del 2008 en una conferencia de prensa que dieron en Berlín, y que podremos escuchar completo el día 20 de abril del 2009.

El círculo estaba por cerrase cuando Clarke descubrió a David Gahan covereando “Heroes” de Bowie, quien además de tener un estilo único, tuvo la ocurrencia de nombrar como Depeche Mode a la banda luego de hojear una revista francesa de modas sin siquiera saber el significado de las palabras (que dejando el plano literal sería algo así como “noticias de moda”). Así iniciaron un contrato hablado con el prestigiado sello inglés Mute, quienes no podían aún sospechar que tenían frente a sus ojos a una banda que eventualmente conquistaría el mundo, o las “masas” como ellos prefieren decir.

Las expectativas que ha generado su lanzamiento han sido alimentadas en gran medida por el lanzamiento de “Wrong”, un tema que retoma la estética de los ochentas, aquella donde era un axioma irrebatible grabar el estribillo con miles de tracks vocales. La letra de esta canción narra la experiencia de quien ha vivido siempre en el lugar incorrecto, pesimismo que contrasta con la actitud jovial que Depeche Mode ha dejado entrever en sus últimas declaraciones.

Como todo grupo, la historia de Depeche Mode no ha sido fácil. Ha sufrido la perdida de dos miembros muy importantes como Vince Clarke, quien prefirió el dueto Yazoo al lado de Alison Mollet, para después fundar esa bomba del synth pop conocida como Erasure y luego la renuncia de Alan Wilder, quien una vez terminado el Devotional Tour manifestó su poco aprecio por Fletcher, así como su enfado con el alcoholismo de Gore y la drogadicción que había desarrollado Gahan. En 1995 dijo adiós a la banda para formar su proyecto solista Recoil.

Marvin consiguió una entrevista exclusiva con Martin, Dave y Andy. En la charla, pudimos comprobar que el trío ha desvanecido las fricciones internas, y ahora conforman un grupo de trabajo contento de compartir algunos créditos en la composición de algunos temas. No olvidemos que hasta hace poco Martin controlaba al 100 % los temas de los discos.

Estos son los apuntes de la banda sobre la pared de sonidos vintage, que convierten al Sounds of the Universe en un parte aguas dentro de su carrera.

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¿Cuánto tiempo les tomó hacer Sounds of the Universe?

David Gahan: La primera vez que nos juntamos creo que fue en enero del 2008 o algo así. Fletch, Daniel, Jonathan y yo nos reunimos en casa de Martin, nos sentamos en el estudio para escuchar el trabajo que él estuvo haciendo, además, yo también tenía un par de cosas que había hecho, y entonces hablamos un tanto a la ligera al respecto… de hecho Ben Hillier, (productor del disco N. de R.) estuvo presente y se emocionó bastante con las ideas que él tenía sobre el enfoque y sobre la idea de que hubiera más ejecución en de nosotros en el estudio. El performance que sucede en el estudio no es como una reunión de nosotros para ponernos a improvisar, pero de vez en cuando una canción será estructurada alrededor de una línea de guitarra de Martin, o algo así, o sobre una melodía que yo cante, o que cantemos todos juntos, tú sabes, muy seguido esas cosas son el ancla de la que el resto de la canción estará construida. Yo creo que al principio, lo que ocurre es que lanzas un buen de material y entonces gradualmente todo se convierte en ir quitando cosas en lugar de añadir más.

Después cada quien se tuvo que ir con las canciones y mucho antes de que comenzáramos realmente a grabar, yo me fui directo a mi casa en Nueva York para comenzar a trabajar mi voz en las canciones de Martin. Me pasó que estaba muy inspirado por muchas de ellas, entonces quería dar algo a esas canciones con mi voz, por ello comencé a trabajar todos los días como si estuviera ensayando para un tour. Lo que descubrí después de un rato es que pude formar parte de las canciones, de repente comencé a olvidar sobre cómo se suponía que ellas debían de sonar y sobre cómo yo debía de sonar. Entonces pude usar sólo lo que yo tenía para contribuir a la canción, añadir algo y con suerte aumentar el sentimiento de las canciones.

Andy Fletcher: Creo que al final nos tomó entre 5 y 6 meses, lo cual es el tiempo usual para nosotros. Grabamos la mayoría del disco en Nueva York y algunas partes en Santa Barbara. ¿Ha cambiado la integración entre ustedes como personas con este disco?

DG: Personalmente, creo que mi interacción con Martin a cambiado un poco, me siento con más confianza respecto de mis ideas y también siento que esas ideas son realmente escuchadas y, tú sabes, muy seguido he sido testigo de que ellas adquieran vida, lo cual se siente muy bien.

Algunas veces es muy difícil para mí, cantando canciones de alguien más, tratando de interpretarlas, se vuelve un tanto truculento porque, por una parte, yo haré mi propia idea, pero por otro lado tengo sentado ahí al compositor de la canción, quien es muy meticuloso sobre cómo quiere que suene la canción, y sobre cómo quiere que se escuchen las notas que canto.

Para ser un poco honestos, he permitido que ése proceso ocurra, pero creo que en los últimos dos discos, y sobre todo en éste, como he dicho antes, me he sentido más confiado sobre lo que estoy dando al sonido, lo cual me ha otorgado la libertad de expresarme con una banda, y tú sabes, es siempre un compromiso el ser parte de una banda, pero de vez en cuando, lo que pasa en ese compromiso es que estarás placenteramente sorprendido por

otras cosas que ocurrirán si dejas fluir y no estás tratando de controlar las cosas todo el tiempo para ir en cierta dirección. Con Sounds of the Universe me di cuenta de que fui diferente con los demás, estuve mucho más unido y de alguna forma sin siquiera hablar se sentía que todos íbamos en la misma dirección en que queríamos ir con estas canciones.

AF: Ha sido una gran vibra y nosotros sentimos que nos llevamos muy bien juntos y yo diría que la atmósfera ha sido bastante estable, hemos sido muy creativos. Siendo honestos, no podríamos estar mejor.

Martin Gore: Creo que la atmósfera alrededor de la banda ha ido mejorando con el tiempo, somos un tanto famosos por no habernos llevado bien en varios puntos de nuestra historia pero eso ha quedado en el pasado. Nos llevamos muy bien cuando hicimos el Playing The Angel y creo gozamos mucho el tour, todos lo disfrutamos y fue placentero cuando terminó, pero lo dejamos con un poco de pesar, entonces creo que hemos continuando en esa vena.

Creo que todos somos mucho menos susceptibles sobre las cosas ahora, nos podemos sentar, reunirnos para ver los puntos de vista de otras personas para conceder ciertas cosas, y tú sabes, pienso que ahora tenemos un respeto general por el otro que tal vez no era tan predominante antes. ¿Cómo fue el proceso de grabación?

DG: Las técnicas que Martin y yo usamos son un tanto diferentes. Martin es mucho más tradicionalista en el sentido de que se va a sentar con una guitarra para desarrollar una idea, o se va a sentar al piano para sacar una idea, o para desarrollar las notas hacia donde él quiere ir. Además, él es un músico mucho más realizado que yo. Yo escribo en un modo muy diferente a él, hasta hoy yo continúo escribiendo con Christian Eigner y con Andrew Phillpott, lo cual significa estar trabajando juntos desde el tour del Playing The Angel, cuando escribimos y producimos juntos el Hourglass, entonces para mí ahora hay una suerte de continuación de eso, pero una vez que entramos al estudio las cosas se tornan distintas. Cuando estaba haciendo los demos de las canciones en las cuales yo contribuí para este disco, siempre tuve en la cabeza que no debía ser muy meticuloso acerca de cómo quería que fueran las cosas porque quería la contribución de quien quiera que fuera a ser el equipo de producción, y quería que Martin contribuyera con sus ideas esas canciones, entonces Martin fue muy… el aportó mucho para todas las cosas que yo tengo en este disco.

MG: Cuando las canciones “están de espaldas”, yo no creo que tú puedes realmente decir si una canción es mía o de Dave, porque todo pasa por el proceso Depeche y por la producción de Ben. Cuando Dave canta sus vocales y yo he puesto los coros y he tocado la guitarra, al final todo termina sonando como a nosotros.

AF: Tendemos a tratar diferente cada canción, la idea es tener para cada canción la mejor atmósfera posible, el mejor tratamiento posible que ajusta con cada canción, algunas veces lo hacemos bien y otras no. Ha sido muy interesante la adición de drum machines y sintetizadores vintage por parte de Martin, porque ha dado un giro creativo en el estudio, ya que cuando esas cosas llegan tú tienes que trabajar en una sintonía y de ahí sale algo siempre.

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MG: Creo que todas las canciones del disco suenan muy diferente, pero el factor de que yo he estado comprando tantos aparatos como cajas de ritmos análogas y varios sintetizadores en ebay, ha ayudado de varias maneras a dar forma al disco. Los paquetes con los aparatos llegaban diariamente y eso obviamente tuvo un impacto en la grabación.

AF: Hay diferencia entre las composiciones de Martin y las de Dave aunque todas las canciones hayan sido tratadas de la misma manera. Dave a estado mejorando mucho en el último… especialmente desde su último álbum solista se siente con mucha confianza en el estudio, realmente al final del día creo que podría ser bastante difícil distinguir cual es una canción de Martin y cual una de Dave. ¿Por qué eligieron a Ben Hillier para producir el disco?

MG: La razón por la cual escogimos a Ben para este disco fue porque disfrutamos tanto hacer el último y quedamos realmente satisfechos con el resultado, que sólo nos pareció una idea estúpida el considerar a alguien más si habíamos obtenido tan buenos resultados, además de haber disfrutado mucho el proceso.

DG: Bueno, yo creo que Ben realmente aprendió en Playing The Angel, y él estaba diseñado para este disco porque él sabe lo que puede sacarnos a cada uno de nosotros. Él sabe la mejor manera de sacarnos lo mejor, sabe mantenernos trabajando y con la energía fluyendo en el estudio, es muy musical como también lo son Luke y Ferg, de manera que ellos brindaron mucha sensibilidad a lo que hicimos. Ellos son muy, ya sabes, toda la

tecnología que hay y que usamos en este disco. Martin adquirió este nuevo fetiche de comprar cosas en ebay, creo que la mayoría de los aparatos, al menos todos los instrumentos como los sintetizadores análogos y las drum machines son lo que solíamos usar en los 80, él ha sido muy atinado al comprar todas esas cosas.

También usamos tecnología moderna en el proceso, Pero generalmente las cosas provienen de algo que ha sido generado o de un sintetizador análogo, de una guitarra, o de estrellar algo en el piso.

Algunas de las cosas viejas que solíamos hacer, mucho de ello lo hemos hecho una vez más para este disco.

MG: Ben es realmente sorprendente, es maravilloso lo que ha hecho con su vida. Cuando era un niño, aparentemente comenzó a trabajar con una orquesta, la microfoneaba cuando tenía 14 años, y después ha aprendido todas artimañas de la ingeniería. No sé donde aprendió toda la magia electrónica pero él es increíble trabajando con sintetizadores modulares. Él sabe exactamente lo que está ocurriendo todo el tiempo, de manera que estoy seguro que usa ese talento a su conveniencia. Creo que él es un tanto más listo que nosotros.

AF: Es inusual que Depeche Mode escoja dos veces al mismo productor, tendemos a movernos. En realidad lo que tiende a ocurrir es que el productor ya no quiere trabajar con nosotros de nuevo porque normalmente es el peor año de su vida, pero nosotros sentimos que Playing The Angel fue muy bien y no lo sé, sólo pensamos que sería bueno usar a Ben de nuevo, él estaba disponible y ha sido un éxito.

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“… Uno de mis miedos respecto Depeche Mode, sobre la banda, es que nos convirtieramos en una parodia de nosotros mismos, que comenzaramos a pensar que nos podemos refugiar en los trofeos del pasado para obtener otro, asi no funciona el arte. Siempre debes tratar de moverte hacia adelante para retar tus propias ideas …“ David Gahan

Somos una especie de Depeche Mode con una baja porque Alan dejó la banda hace un buen rato, y probablemente él era el mejor músico, entonces no hemos podido llenar su lugar, por lo cual necesitamos trabajar con un equipo de gente para cubrir lo que Alan hacía.

Estamos trabajando con Ben, pero tenemos a dos personas más en el equipo con quienes nunca habíamos trabajado así que seguro habrá un cambio.

DG: Nosotros realmente disfrutamos trabajar con él en Playing The Angel, definitivamente él nos dio la pauta que seguramente necesitábamos.

Es un esfuerzo en equipo, realmente lo es, lo he dicho antes pero lo diré una vez más: “tú sólo eres tan bueno como la gente de quien te rodeas, especialmente con una banda como Depeche Mode que ha producido mucho material a través de los años, siento que estamos en la posición perfecta para poder explorar ideas diferentes con otras personas.

Porque, sabes, uno de mis miedos respecto Depeche Mode, sobre la banda, es que nos convirtiéramos en una parodia de nosotros mismos, que comenzáramos a pensar que nos podemos refugiar en los trofeos del pasado para obtener otro, así no funciona el arte. Siempre debes tratar de moverte hacia adelante para retar tus propias ideas.

¿Cuáles son sus tracks favoritos del disco?

DG: Yo tengo mis tracks favoritos del disco en este momento, pero cambian todo el tiempo, creo que mi preferido ahora es “Come Back”, una canción que escribí con Andrew y Cristian, y que ha tenido un largo camido desde que era un demo, “In Chains” es otra que me gusta mucho, creo que es como una canción clásica de soul, tiene ese sentimiento impregnado, de hecho podría ser algo que Marvin Gaye pudo haber cantado como una especie de

canción souly. Tiene letras hermosas que fue increíble cantar, es también una de las canciones más demandantes para mí, fue difícil llegar a donde quería vocalmente hablando pero al final pude llegar ahí. De hecho, en las últimas dos semanas re hicimos las vocales. Al principio yo no quería re hacerlas porque pensaba que las tomas anteriores eran lo suficientemente buenas, cuando eso pasa generalmente no quieres tocar nada para no aruinarlo, pero entonces Ben dijo que le diéramos otra oportunidad para ver que pasaba, entonces en cuanto inicié a grabarla de nuevo supe que lo que estaba haciendo era mejor, se sentía mejor. A veces pasa que cuando estás de tour, una de veinte tocadas sientes que podrías hacer cualquier cosa, he llegado a sentir que puedo hacer lo que sea con mi voz y en esos momentos todo cae en su lugar, la magia comienza a ocurrir, debes de hacer mucho trabajo para llegar a ese punto pero vale la pena.

MG: En este disco tenemos tantos tracks que me es realmente difícil escoger favoritos. Realmente me gustan 14 de 15 de los tracks, lo que es un problema porque en algún momento tienes que lanzar el disco físicamente probablemente con no más de 11 tracks.

Estamos mezclando los tracks lentamente y ahora hemos mezclado seis de manera que es fácil tener en la cabeza las que están más frescas. Ahora terminamos de mezclar “Corrupt”, que pienso suena muy poderosa, y por el momento esa es la canción que más estoy disfrutando, aunque no era necesariamente una de mis favoritas antes, todo se debe a que hemos terminado de mezclar esa canción y suena realmente especial.

Hay algunas otras que son muy distintas para nosotros, más como easy listening (en una buena asepción de la palabra), medio spacey, quizá es algo como futuristic easy listening.

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AF: Supongo que a cada músico le gustaría decir que le gusta todo su álbum, si comienzas a decir que no te gusta todo el disco sonaría bastante raro, pero hay bastantes buenas canciones en este álbum y algunas de mis favoritas son: “Perfect”, “In Sympathy”, “Wrong”, “Fragile Tension”. ¿Cuál es el significado de estar en Depeche Mode en estos días?

DG: Es mi trabajo y es uno muy bueno, de nueva cuenta suena como un cliché pero ya sabes cómo es… quién sabe si en 30 años aún existirá la oportunidad de hacer el tipo de música que tú quieres hacer.

MG: Estoy muy feliz de estar en Depeche, he dicho bastante que nos estamos llevando muy bien, la atmósfera es siempre buena en estos días, no hay muchos días en los que tenemos una reunión y lleguemos quejándonos. Hay muchos aspectos alegres ocurriendo entre los miembros de la banda, es un gozo formar parte de todo el conjunto y creo que hemos hecho un gran álbum y creo que las ventas de boletos están yendo increíblemente bien así que todo se ve positivo para nosotros.

AF: Estar en Depeche Mode en este momento es muy bueno porque las vibras en la banda están muy bien, sentimos que hemos hecho un gran disco en un buen momento. M

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discografia

TXT:: Vicente Jáuregui.

Some Great Reward

Speak & Spell

Sire Records en EU Mute Records en Inglaterra Blackwing Studios, Londres.

5 de octubre de 1981 Disco debut cuyo título fue inspirado por un juguete preescolar didáctico. Seguramente, en esos años la mayoría de nosotros sólo estábamos en edad para aprender a deletrear, lejos de entender el manifiesto hedonista de “Just Can’t Get Enough”, una rola que sólo algunas radios underground del globo querían tocar (a pesar de su inofensivo sonido synthpop). La aparición de este álbum fue tan repentina como la de Vince Clark, quien compuso todas los tracks de Speak & Spell, a exepción de “Tora! Tora! Tora!” y “Big Muff”, un tema instrumental que nos remite al pedal fuzz más popular del rock.

A Broken Frame

Sire Records en EU Mute Records en Inglaterra Blackwing Studios, Londres 27 de septiembre de 1982 Con la salida de Clark, Martin Gore se veía forzado a descubrir su gran talento como compositor, cosa que demostró con “See You”, “The Meaning of Love” y “A Photograph of You”, tres temas que le llegaron cuando tenía 16 años, así como con el resto de los temas, compuestos especialmente para el disco. Si bien Alan Wilder no aparece en los créditos del disco, muchos consideran que fue en esta placa donde se integró como miembro oficial. Como haya sido, es el disco más olvidado por Depeche Mode, ya que hasta 1995, no quisieron tocar ninguno de sus temas aderezados con texturas darkwave.

Construction Time Again

Sire Records en EU Mute Records en Inglaterra The Garden, Londres 22 de agosto de 1983 Tercer disco producido al hilo por Daniel Miller. Se trata del primer disco alegadamente conceptual de la banda, pues su temática gira en torno al socialismo, un tema delicado para un disco que navega sobre beats mitad synthpop mitad industrial. El sencillo más memorable del álbum es el “Everything Counts”, donde los Depeche gritan a cuatro vientos sobre su desencanto con Mute records y con la industria discográfica en general. Candorosa situación para una banda que hoy recauda millones de euros sin comprometer su integridad artística.

Sire Records en EU Mute Records en Inglaterra Music Works, Londres/ Hansa Mischraum, Berlín 24 de septiembre de 1984 Aquí, la gran recompensa fue la avalancha de hits creados por Martin Gore: “People Are People” (que les permitió entrar al cerrado público de EU con su temática VS el racismo), “Lie to Me”, “Master and Servant” y “Blasphemous Rumours” (éstas últimas con títulos muy aventurados para su época) fungen como testigos atemporales de ello. Conocido también como el álbum de bodas, la censura del disco fue detonada no tanto por sus tintes industriales o por la estética andrógina–masoquista de la banda, como por su contenido lírico. Como dato curioso, Martin consideró que para capturar toda la melancolía de “Somebody” había que grabarla desnudo.

Black Celebration

Sire Records en EU Mute Records en Inglaterra Westside, Londres/ Hansa, Berlín 17 de marzo de 1986 Un disco adelantado a su tiempo, en su momento no logró el éxito comercial pesa a tener canciones tan buenas como “Black Celebation” (con una base rítmica reminiscente al tema de El Exorcista), “Stripped” (con un sample del motor del Porshe de Gahan), “A Question of Time”, “Fly on the Windscreen”, “A Question of Lust” (nótese que las baladas más tiernas y emotivas pueden ser cantadas por un chico apodado Gore). El título del disco hace alusión a una celebración religiosa arcana que celebra cuando un día negro ha pasado, y paradójicamente cobija un disco no tan oscuro en realidad.

Muchos críticos y fans consideran que este disco es un parteaguas, porque con él se siente una banda madura que subía el primer peldaño hacia una creatividad mucho más sofisticada y visionaria.

Music for the Masses

Sire Records en EU Mute Records en Inglaterra Studio Guilliame Tell, París y Konk, Londres 6 de octubre de 1987 Desde el riff de guitarra que abre el tema “Never Let Me Down”, se presiente estar frente a un disco sin momentos desperdiciados. Su éxito fue enorme y representó el asenso de la banda a las grandes ligas, ya que pasaron de tocar en clubes a dar conciertos multitudinarios; para las masas pues, como reza cínicamente el título del disco. Por primera vez, un productor distinto a Daniel Miller llamado David Bascombe, conocido por su trabajo con The Cure, metió mano y es muy probable que su manejo de los controles haya tenido que ver con lograr un sonido más “accesible” y “comercial”.

La popularidad que alcanzaron fue tan grande que ofrecieron 101 conciertos en EU, lo cual terminó siendo el primer documento audiovisual de la banda. Algunos tracks claves son “Stranglove”, un tema altamente bailable que muestra la genialidad de Wilder en los teclados; “Little 15” y su morbo minimalista; “Behind the Wheel”, una brillante composición que avanza de manera circular y “Sacred”, con un canto gregoriano que enfatiza la vena gótica y su vínculo con el baile.

Violator

Sire/ Reprise Records en EU Mute Records en Inglaterra Grabado en infinidad de estudios durante 1998 y 1990 19 de marzo de 1990 Violator es un clásico instantáneo, un referente obligado de la cultura pop de avanzada (whatever that shit means).

Por una parte, su música tiene un lugar reservado en las listas de los mejores discos de la historia, además de que ha sido uno de los discos más influyentes de la música electrónica, de modo que mencionarlo en una misma oración junto a maestros como Kraftwerk, está lejos de ser una letanía. Con Violator se originó una triada muy interesante: el prolífico talento de Martin Gore (todos los temas son de su autoría) como compositor, era sofisticado a una máxima potencia por la implacable producción de Mark Ellis, mejor conocido como “Flood”, mancuerna sonora conceptualizada visualmente con la icónica portada de Anton Corbjin. Sin pensarlo demasiado, crearon las dos canciones más populares en la historia de la banda: “Personal Jesus” y “Enjoy the Silence”. No conformes con ello, con “Waiting for the Nigth” anticiparon una balada que podría servir como soundtrack para cualquier película futurista. Abordaron finamente el fetichismo con los arreglos mínimal de “Blue Dress”, guiñaron un ojo a la perfección más dulce, nos dejaron ver su mundo desde una ilusión technopop con “World in my Eyes” y delinearon un “Halo” que anticipaba su status como visionarios. Qué decir de “Policy of Truth”, tan adictiva como un arponazo pudiera ser. Razón de más para mantenernos “Clean”.

Songs of Faith and Devotion

Sire/ Reprise Records en EU Mute Records en Inglaterra Grabado en Madrid, España, Hamburgo y Alemania durante 1992 22 de marzo de 1993 Un disco que refleja el periodo más oscuro de David Gahan, quien se fue a vivir a los Estados Unidos para adquirir un gusto por los sonidos del grunge. Las grabaciones fueron una verdadera pesadilla para la banda, pues Gahan estaba en un periodo de recuperación después de varios años de adicción a las drogas, y las sesiones de grabación fueron lentas y tortuosas.

Sin embargo, musicalmente hablando los resultados fueron más que buenos, pues Songs of Faith and Devotion destaca por canciones tan buenas como “I Feel You”, “Condemnation”, “In Your Room” o “Walking in my Shoes”. Si bien en un inicio los fans de la banda se sorprendieron por el sonido rocker, con riffs de guitarra como eje temático del álbum, la influencia de grupos como Nirvana era tan grande que el nuevo sonido que exploraba Depeche aquí, fue entendido como una progresión lógica. En cuestión lírica, se trata del disco más “religioso”, algo nada raro pues Martin Gore siempre ha manifestado su interés por el tema.

Ultra

Sire/ Reprise Records en EU Mute Records en Inglaterra Grabado en diversos estudios durante 1996 y 1997 14 de abril de 1997 Un gran regreso luego de cuatro años de receso. Ultra marcó un retorno a los sonidos sintetizados, aunque hay varias canciones donde las guitarras eléctricas de Gore imprimen un sello muy peculiar a las canciones, sobre todo en tracks como “Barrel of a Gun” (un tema de tintes fatalistas que recuerda al Songs of Faith and Devotion y que narra la experiencia de Gahan con las drogas); “Home”, con Martin cantando y tocando la guitarra con un dejo de optimismo; o “Useless” y una letra muy agresiva contra la salida de Alan Wilder.

Cabe destacar que todas la canciones del disco están continuadas entre sí de manera un tanto invisible, lo cual le añade cierto aire conceptual. La producción del disco corrió a cargo de Tim Simenon y merece una mención a parte ya que logró plasmar de manera impecable el sonido mitad sintético mitad orgánico del recién estrenado trío.

A pesar de no haber hecho una gira del disco, Ultra funcionó bastante bien a nivel comercial y marcó una nueva etapa en la historia de la banda.

Exciter

Sire/ Reprise Records en EU Mute Records en Inglaterra Grabado en varios estudios durante el 2000 y 2001 14 de mayo del 2001 Disco número diez que se lanzó luego de 20 años de existencia del grupo, pero que desgraciadamente representa el álbum más flojo en la discografía de Depeche Mode. Lo curioso es que la crítica lo recibió mucho mejor que los fans, pero siendo justos sí se trata de un álbum con pocos temas destacados, aunque hay canciones muy buenas como el sencillo “Dream On”, “I Feel Loved” y “Freelove” (según Gahan su mejor interpretación vocal junto con “Condemnation”). Lo cierto es que cuando salieron de gira para promocionar el disco, sus seguidores estaban desesperados por verles en vivo, así que los shows fueron tan buenos que Depeche Mode decidió editar una presentación en vivo en DVD titulada One Nigth in Paris.

Playing the Angel

Sire/ Reprise Records en EU Mute Records en Inglaterra Grabado en varios estudios durante el 2005 17 de octubre de 2005 Con una portada que muestra una criatura bautizada como “Tubby Goth” (el muñeco gótico) por los miembros de la banda, este magnífico álbum es el debut de David Gahan como compositor, ahí están “I Want It All”, “Suffer Well” y “Nothing’s Impossible” para atestiguarlo.

El disco abre con un sonido estridente en la mejor escuela industrial con el tema “A Pain That I’m Used To”. Después viene un corte medio épico titulado “John the Revelator”, con una letra que habla de un personaje tradicional inglés. A partir de una reflexión que reza, “sí quieres seguir así, sigue... pero por lo menos sufre bien” nació la potente rola “Suffer Well”. Para no olvidar la escuela gótica Martin Gore compuso “The Sinner in Me”.

Inspirada en el divorcio de Martin el primer sencillo del Playing fue “Precious”, una canción rítmicamente muy parecida a “Enjoy the Silence”. Originalmente titulada “Macrovision”, los ritmos medio africanos de la sexta rola del disco finalmente se editaron bajo el título “Macro”. En la vena trip hop navega “I Want It All” como preámbulo a la bizarrés de “Nothing’s Imposible”. Por último vienen la instrumental “Introspectre”, la belleza tremolar de “Damaged People”, “Lilian” y la emotividad de “The Darkest Star”.

Sounds Of The Universe

EMI ¿A qué suena el universo? Basta con guardar silencio para permitir que su voz se nos meta hasta lo más recóndito del cerebro. El nuevo disco de Depeche Mode, goza de una producción impecable, rebosa elegancia y sofisticación. Sin embargo, mantiene una explosión sonora constante, que ataca lo mismo con el característico grito de los sintetizadores de vieja factura, que con la guitarra de Martin Gore. De hecho, en un video que la banda subió a YouTube poco antes del lanzamiento de Sounds Of The Universe, se podía apreciar al músico experimentando con un tazón de fruta para arrancar nuevos gemidos a sus seis cuerdas. “Wrong”, el primer sencillo, destila poder y no tardará en convertirse en una de las imprescindibles en las presentaciones del trío inglés.

Las repeticiones de la palabra “wrong” machacan la conciencia y crean un efecto un efecto paranoide exquisito. “Fragile Tension”, en contraparte, se escucha como la balada melancólica y oscura en la que la voz de Gahan luce sus inflexiones más acrobáticas. Y hablando de cantantes, Gore hace lo propio en “Jezebel”, una de las canciones más místicas que haya compuesto Depeche Mode y en la que las alusiones mágicas están presentes en todo momento. A todo esto y más, suena el universo cuando nos prestamos a escucharlo. TXT:: Arthur Alan Gore.

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54 tricio Riveroll.

TXT:: Juan Pa

Alpha 5: ¿Cuál es el privilegio de los muertos?

Lemmy Caution: No morir más.

A5: ¿Qué transforma la noche en luz?

LC: La poesía.

Jean Luc Godard, Alphaville

Corría la segunda Era del cuadrante Vega cuando a VZ7-150, encargado de tareas que hoy le corresponden a historiadores, le fue comunicada su colaboración en un Conglomerado de Investigación que incluiría como tema la extinción. Al final de su vida, logradas las metas propuestas para él por el Conglomerado, se preparaba a dejar el detallado informe a su sucesor en dicha empresa, cuya expectativa de finalización se proyectaba tres generaciones adelante. De entre tantos volúmenes que dejaba en cientos de lenguajes y medios, dos voces resonaban aún, dos seres hablando uno con el otro bajo entonaciones de voz ajenas. Ignoraba si el original incluía imagen o sólo la banda sonora conservada. Al ser un documento que no logró esclarecer ni descifrar en años de estudio, escogió para este un espacio prominente. Quizá quien continuara sabría interpretarlo. Reza así: –El cine debería ser una herramienta visual, para mirar en vez de hablar. Pero la gente no quiere eso.

–Claro que lo quiere, es lo que se proyecta en las pantallas de todo el mundo.

–Lo que la gente llama cine es otra cosa, es la reproducción de otras cosas. Las películas de hoy se pueden contar verbalmente, se pueden resumir en palabras y música. El aspecto visual es lo de menos.

–¿Que sugerirías?

–(...)

–¿Qué prevés?

–Una catástrofe.

–¿Dentro del cine o en la vida en general?

–Es lo mismo, están íntimamente ligados. El cine es la vida y la vida es el cine.

–Yo creo que aún hay esperanza, esperanza en la metáfora, porque toda imagen es una metáfora. Y el cine, incluso hoy, es profético, predice y anuncia las cosas, más allá de que la película sea buena o mala.

–Sí, no excluyo la posibilidad de un futuro, pero cada día me parece más lejano, más improbable.

–Ese sentimiento es generalizado. La humanidad entera vaga con esos pensamientos en la cabeza.

–¿Eso querrá decir que la premonición tiene cierta verdad? Me cuesta trabajo creerlo puesto que raciocinios semejantes, generalizados también en su tiempo, han sucedido a lo largo de la historia de la humanidad sin cesar; el paso al año 1,000 y al 2,000 son sólo los ejemplos más obvios. Y aquí seguimos.

–Entonces ahí seguirá también el cine.

–El cine que reproduce, sí. Es más barato filmar el libreto teatral y reproducirlo en salas, televisores o monitores sin pagarle una y otra vez a los actores, sin

desplazamiento forzoso a una sala específica, etcétera. Ese cine tiene cierta garantía de permanencia. Es el otro, el cinematógrafo, el que tiene los días contados.

–Una idea apocalíptica...

–No es el apocalipsis de nada, sino sólo la extinción de un medio, lo cual es un proceso lógico y natural dentro del devenir cultural del ser humano. Es sólo que, de ser así, habrá nacido, se habrá desarrollado y habrá muerto en un lapso demasiado breve.

–Entonces así tenía que ser.

–Sí, por la fuerte carga económica que acarrea. En su propia naturaleza vivió siempre su verdugo, como sucede con cada especie que se extingue.

–Si tan solo la era digital hubiera llegado antes...

–Llegó cuando tenía que llegar, demasiado tarde, con el cine mundial y sus instituciones en plena corrupción, lo cual incluye al público.

–¿Y el cine del futuro?

–Hará siempre referencia al del siglo XX. –¿Un cine referencial?

–Algo así. Se juegan demasiados intereses dentro de la industria del cine como para que se dé un terreno fértil para la exploración hacia lo desconocido.

Las puertas han sido cerradas, con unos dentro de la gran fortaleza industrial y otros, unos cuantos, relegados a la periferia fuera de la muralla, entre festivales huecos y salas vacías.

Dio con la grabación gracias a la mención de la palabra “extinción”, aunque desde un inicio se dio cuenta que no era usada de manera convencional, sino análoga.

En un tiempo en que generaciones pasadas inmemoriales presenciaron la llegada de la realidad virtual, el cine, primero relegado a museos, quedaba ya apenas como recuerdo. VZ7-150 comprendía lo que era el cine, sin embargo palabras como “teatral” o “verdugo” quedaban fuera de su alcance, y al dar con ellas en alguna base de datos, los resultados arrojados eran tan vastos y difíciles de comprender que pedían a su vez una investigación propia cuyas proporciones él era incapaz de cumplir. Con “cinematógrafo” y tal acepción de la palabra “público” le sucedió algo similar, pero los resultados arrojados por éstos eran más simples, más fáciles de abstraer en un tiempo que no estropeaba el avance del Conglomerado. En su opinión, aunque lo expuesto en el diálogo se alejaba de la médula de la Investigación, tenía el potencial de un descubrimiento futuro interesante.

Murió en la coordenada OmegaMinus-7908654 cuando no era sabido aún que la galaxia estaba en peligro. VZ7-150R tuvo tiempo de escuchar la grabación entre tanta información para digerir, y la descartó. A su vez, poco antes de su muerte el Conglomerado de Investigación fue suspendido por la amenaza de una verdadera extinción humana. “Tanta vida desaprovechada” pensó. Y ahí, sumido en el silencio del espacio infinito, en recuerdo de VZ7150 escuchó de nuevo esa grabación que se salía del esquema dictado pero que al oído resultaba fascinante. M

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TXT:: Juan Patricio Riveroll. FOT:: Artecinema.

Luego del gran éxito crítico de Sangre (México / Francia, 2005), el segundo largometraje de Escalante ha desfilado también por una muy variada gama de festivales: de Cannes a Bratislava, de Sitges a Lima a Mar del Plata y Morelia. A partir de una nítida estética sin concesiones, Los Bastardos (México / Francia / EUA, 2008) explora un truculento episodio en la vida de dos jóvenes emigrantes mexicanos, ilegales en California. Con una fuerte carga metafórica y quizá profética, es al mismo tiempo un acertado y áspero retrato de ese secreto a voces que significa la cuestión migratoria entre México y E.U.A. Desde la antigua Constantinopla, a continuación las palabras del galardonado director en antelación al estreno el 17 de abril.

¿Qué haces en Turquía?

Amat Escalante: Lo mismo que haría en México. Escribir e ir a festivales de vez en cuando. Llevo un año aquí, que fue donde edité Los bastardos con Ayhan Ergürsel, editor de Nuri Bilge Ceylan, director turco de Distante (ganadora del FICCO 2004) y Climas. Ergürsel no sabe inglés ni español, así que la colaboración fue interesante, gracias a un traductor/ asistente. Es un editor muy visual e intuitivo y eso me ayudó. La idea era editar la película solo pero estuvo mejor con un editor profesional. ¿Cuánto tardó el proceso de Los Bastardos?

Alrededor de tres meses de montaje y cinco semanas de rodaje.

De las dos películas que has hecho, ¿hay una que te guste más?

No. Las dos me parecen diferentes. A Sangre le tengo mucho cariño por ser mi primera película y por haberme llevado a lugares a los que no esperaba llegar. Con Los Bastardos me parece que he avanzado en cuestiones técnicas y de aprendizaje con los actores, y me gusta porque creo que trata un tema superficialmente muy diferente al de Sangre.

¿Podrías hablar un poco sobre tus influencias?

Con Los Bastardos tenía en mente dos cineastas bastante diferentes, Sergio Leone y James Benning, un cineasta norteamericano que hace películas experimentales. Tiene una en especifico llamada Los, construida a partir de planos de tres minutos cada uno, en lugares del sur de California. Filmé Los Bastardos en locaciones parecidas a las que Sergio usó en esta película. Luego, el spaghetti western sale en la historia y estética de la película. Los planos amplios con cielo y el terreno duro con estos dos renegados modernos, que son los inmigrantes ilegales. Los créditos iniciales y finales de Bastardos me vienen de Naranja Mecánica: rojos con letras blancas y luego el cambio de colores.

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Parece haber cierta semejanza con el cine de Lisandro Alonso y Michael Haneke.

Los Muertos (Alonso) me gusta bastante; el manejo del tiempo y cómo el personaje se va moviendo hacia adelante. En Sangre sentí que el personaje principal estaba parado mientras todo sucedía a su alrededor. Con Los Bastardos quería hacer que mis personajes se movieran y tomaran acción.

Una última incisión en cuanto a influencias, que muy probablemente has de tener harta pero me da curiosidad: Reygadas. Siendo tan cercanos me imagino que los ponen juntos muy a menudo.

Es difícil para mí hablar de eso. Acaso trato de hacer las cosas menos parecidas a él para que luego no digan cosas porque trabajamos de manera cercana. Pero al parecer es difícil lograrlo. Creo que es inevitable porque los dos hacemos un tipo de cine similar y en México. Me influenció mucho en la manera de hacer una película. El modelo de producción. Lo demás es opinión de críticos. Ambos pensamos que ya con Los Bastardos terminarían las comparaciones y sí ha sido así con algunas personas pero también nos hemos encontrado con las comparaciones... Ha sido para mí súper chingón desarrollarme al lado de Carlos pero también ha sido difícil el tema de influencia y la etiqueta de su aprendiz.

En cuanto a Los Bastardos, ¿tienes relación con la comunidad mexicana en Los Ángeles?

Mi mamá es norteamericana, de East L.A., y mi papá de México. Crecí entre los dos países. Mi padre incluso cruzó la frontera por el desierto antes de que yo naciera para encontrarse allá con ella. Entonces es un tema que he tenido frente a mí desde siempre y yo mismo como persona soy la situación que traté de filmar. Dos países, dos culturas chocando y tratando de vivir juntas.

Te pones del lado de las víctimas, que a fin de cuentas son todos los personajes de la película por distintas razones, lo cual me parece un gran acierto.

Exacto. También quise poner a inmigrantes que no son víctimas como casi siempre salen en el cine.

Pero lo son de cierta forma. La situación los orilla...

Sí, claro. La idea era tener a dos chavos mexicanos como muchos que conozco, que son duros y aventureros. Pero la mujer también es la víctima superficial. ¿Hay un esfuerzo consciente de tu parte por alejarte de la estética digamos tradicional o te viene como algo natural esta ruptura formal?

Creo que natural, porque de hecho quería hacer una película más “convencional” desde el guión, con una historia qué seguir, con buenos y malos. Pero ya en el rodaje las cosas cambian intuitivamente todo el tiempo. Y me dejo llevar mucho por eso durante el rodaje, así que eliminaba planos o cambiaba partes de la historia. Por ejemplo, cuando en el parque los dos regresan al picnic y sólo está el adolescente acostado de borracho, ellos llegan con escopeta en mano. Eso se nos ocurrió ahí mismo. O planos largos que en el guión eran varias tomas. Las dejaba correr y luego en el montaje sólo usaba la toma larga.

Entonces a partir de un guión muy concreto improvisas cuando se da, bajo un guión técnico previo.

Así es, todo está muy trabajado desde antes. Quería hacer una película que fuera directa visualmente y manipular al público lo menos posible, pero creo que es imposible, porque aunque no edites nada ya es una gran manipulación poner a un público frente a una pantalla para ver algo que hiciste.

Sin embargo, de ahí viene esa inquietud de mostrarlo todo, sin adornos, sin música que modifique el drama y sin montaje que engañe al ojo. ¿Hay una filosofía consciente detrás de Los Bastardos? Es decir, ¿cómo se te reveló la trama? ¿A partir de ideas abstractas o de imágenes concretas que fueron construyendo las ideas que finalmente permean la película?

Desde lo abstracto. Quería filmar a dos hombres trabajando duro bajo el sol.

Luego tenía la imagen del episodio de violencia que sucede en la película y el contraste de esas dos imágenes fue la raíz. Luego ya me apoyé en películas de suspenso tipo film noir como las de Sergio Leone, que aunque están situadas en el oeste son películas de antihéroes. Justo hace unos meses estuve en un festival dedicado al film noir donde gané el premio del Jurado (XVIII Courmayeur Noir Film Festival). Eso me dio mucho gusto.

58 Hay una ética muy fuerte detrás —o de frente— de la película, es certera y directa aunque abierta a interpretación.

Era importante para mí dejar una sensación de ambigüedad con el punto de vista que podría tener yo como realizador de la película. La frontera es una división y quería romper con eso. No quería encontrarle un lado fácil a la película lo cual puede molestar pero también emocionar a un espectador aventurero y con ganas de reflexionar.

Creo que Los Bastardos es una película socio–política, mientras que Sangre es intimista o existencialista, no sé si estés de acuerdo...

Para mí Sangre es social también. Trata de algo que nos puede joder a todos.

Los Bastardos también creo que trata sobre un tema que si no se cura pronto puede salirse de control y chingarnos. En Sangre era consumir mierda por la televisión y con los alimentos y las consecuencias que eso puede tener en nuestras vidas, en Los Bastardos sobre lo que podría pasar cuando la desigualdad reina en el mundo y el dinero lo dicta todo. Vivir de manera ilegal en una zona de la tierra me parece absurdo.

Escuché que en el rodaje de Sangre tenías una copia del libro de Robert Bresson Notas sobre el cinematógrafo. ¡Teníamos dos de hecho! Se las pasaba al crew. Una de las copias está masticada por un perro que tenían en la casa donde se hospedaban. Lo leía y lo repasaba en tiempos de descanso, pero ya no lo hice con Los Bastardos. Me ayudó para Sangre porque es un libro algo dogmático y creo que es buena idea plantearte algunas reglas cuando estás empezando. ¿La idea de no usar actores viene únicamente de ahí?

No es tanto una “idea” para mí, es como surgió la cosa en su momento. Quería hacer una película con lo que me rodeaba en Guanajuato y entonces busqué a mis lados. El personaje principal de Sangre es literalmente mi vecino, por ejemplo. Me atrae trabajar con gente interesante. Honestamente al final de cuentas me vale si son actores o no. En Los Bastardos la mujer es actriz y el señor que los recoge para trabajar en el terreno es actor profesional. Una idea como ésta no se podría haber hecho con dos chavos que se dedicaran a la actuación. Eso me parecería una majadería casi. La mera idea de Los Bastardos es filmar a dos tipos que han trabajado toda su vida y que han cruzado la frontera por el desierto y que han vivido más de lo normal. Y actores entrenados simplemente no tienen el físico que se requiere para trasmitir estas ideas.

¿Ves cine de entretenimiento de vez en cuando, nunca, mucho...?

Bastante. De los 15 a los 23 años vi mucho cine de autor, aunque siempre cine comercial también. Ahora ya no tengo tanta paciencia para ver cine, ya sea de autor o comercial de Hollywood. Creo que hacer cine quita un poco ese entusiasmo de espectador que tenía antes. ¿Crees que un director de cine tiene cierta responsabilidad o sólo aquellos que la asumen, o quizá ninguno?

Creo que los que creen que la tienen son los que más me aburren. Hay muchos que se creen tan importantes que piensan tener una responsabilidad ante el mundo. Para mí eso es ser pretencioso. Hay películas de Hollywood que también hablan de cosas importantes y que son muy interesantes. Porque entonces tendríamos que dividir las películas de autor y las otras, pero a veces se mezclan, ¿y qué? La mayoría de la gente que conozco que le fascina el cine, incluyéndome, empezamos encantados por cine para “mentes simples” que transmitían pura emoción, como E.T. o Indiana Jones. Hay algo en ese tipo de películas que también habla directamente al espíritu humano. Que luego se exploten esas mismas ideas para sacar el máximo de dinero ya es otro tema. La primer película que me fascinó fue El Mago de Oz: ahora la veo y aún creo que es una obra de arte.

Tenia unos cinco ó seis años cuando la vi.

Finalmente, ¿cuándo y con cuántas copias salen en México?

El 17 de abril con 20 copias más o menos. ¿Tienes un siguiente proyecto en mente?

Un proyecto de cortometraje para un conjunto de 10 cortos de 10 directores que se hacen en conmemoración del centenario de la revolución mexicana. Y también estoy escribiendo mi próximo largometraje que filmaré totalmente en México esta vez. M

Ficha técnica Dirección: Amat Escalante Guión: Amat Escalante, Martín Escalante Producción: Amat Escalante, Jaime Romandía Compañías productoras: Mantarraya Producciones, Tres Tunas, No Dream Cinema, FOPROCINE, MCM Productions, Ticoman Dirección de fotografía: Matthew Uhry Montaje: Amat Escalante, Ayhan Ergürsel Dirección de arte: Gabriel Abraham Sonido: Raúl Locatelli Música: Ciril, Jazkamer, Kid606 Reparto: Jesús Moisés Rodríguez, Rubén Sosa, Fausto, Nina Zavarin, Kenny Johnston

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The Reader

¿Una película más sobre el Holocausto? No. TXT:: Ingrid Constant. FOT:: cortesía de Arte Cinema.

En 1995 se publicó la novela The Reader (Der Vorleser en alemán). La obra de Bernard Schlink se convirtió en best seller en Alemania, Estados Unidos y ha sido traducida a más de treinta idiomas. Al contrario de lo que sucede normalmente con las ficciones que tratan el Holocausto, la novela no se vuelca tanto sobre la culpa ante el exterminio de los judíos, sino que, en palabras del autor, el libro habla sobre la generación de la posguerra que tras una infancia ideal en la ingenuidad descubre los crímenes de la guerra: “en un momento dado, nos dimos cuenta de lo que nuestros padres, pastores y maestros habían hecho. Cuando amas a alguien que ha participado en algo terrible, se produce un conflicto”. El conflicto en la historia comienza justamente así. Nuestra naturaleza es tan caprichosa y la culpa tan escurridiza, que los pecados de nuestros seres amados nos alcanzan, nos quitan el sueño, nos cortan la felicidad.

Tanto el libro como la película han recibido el mismo tipo de críticas de parte cierta fracción de la comunidad judía. Ellos resaltan que el espectador o lector se coloca (casi de forma pasiva, o digamos, inconsciente) del lado del nazismo. La historia no se centra en la

condena de lo que se considera el crimen contra la humanidad por antonomasia, sino que se exploran causas a pequeña escala, lo que resulta infinitamente más interesante. Hitler y Goebbels han sido ya suficientemente retratados como las encarnaciones de la maldad pura. Pero, ¿qué motivó a todos aquellos miembros de la SS, a los pequeños, a los que nadie recuerda? ¿Qué pasa con aquellos que decidieron pasar toda su vida tratando de olvidar su afiliación al partido? Recordemos que tan sólo hace tres años el premio Nobel de literatura Günter Grass, quien había sido tan alabado por su condena al régimen nazi en novelas tan memorables como El Tambor de Hojalata, confesó que perteneció a la SS. Sesenta años después, sesenta años de silencio. La indignación fue tal, que muchos exigieron que se revocara su premio.

Lo que más puede aplaudirse de la película es precisamente aquello que ha provocado las críticas más severas. El sentimentalismo de poca monta se reduce casi al mínimo: no veremos escenas del exterminio, torturas ni asesinatos. A cambio, se nos introduce en las profundidades de un alma inocente y culpable a la vez; en la mente de alguien sumamente sensible y al mismo tiempo, deshu-

61 manizado. Aquí el horror del Holocausto sirve para ejemplificar lugares oscuros del ser humano: la sumisión ante la autoridad; lo que sucede cuando se ignoran las propias capacidades; el olvido; el orgullo; el silencio.

La producción Desde que el proyecto cinematográfico empezó, una extraña fortuna rodeó a la producción. En 1996 Schlink vendió los derechos de su novela, que a pesar de su brevedad, era perfecta para volverse un éxito en el cine. Originalmente, Anthony Minghella (director y guionista de El Paciente Inglés) iba a encargarse de la película. Fue hasta el 2008 que el equipo ganador de Las Horas, David Hare y Stephen Daldry consiguieron realizar The Reader. Daldry había probado su capacidad para dirigir desde el estreno de su brillante opera prima: Billy Elliot. Minghella fungió como productor, y nunca vio su sueño de dirigir la película. Ni siquiera pudo verla terminada: murió en marzo de 2008. Sydney Pollack, el otro productor (director de África Mía) murió dos meses después.

Sin embargo, la película se salvó de un desastre mayor: el protagónico lo había ganado Nicole Kidman, pero prefirió llevar su rostro inexpresivo por el Botox al fracaso en taquillas con Australia, y cuidar su embarazo. Fue así como llamaron a Kate Winslet para interpretar un personaje que debe envejecer más de 30 años durante la película. Todos sabemos que una vía atinada para las nominaciones al Oscar es lograr que mujeres hermosas luzcan espantosas, viejas o deformes. Funcionó. De entre todas las nominaciones que la película consiguió, lo más memorable será el premio de la Academia como mejor actriz para Kate Winslet. Ella también ganó el Globo de Oro como mejor actriz y mejor actriz de reparto en The Reader y Revolutionary Road.

Erotismo, libros y culpa El principio de la película es estremecedor. Se muestra la belleza de un fenómeno perturbador que tantas veces se olvida en la ficción, una de las más inauditas fuerzas del universo: un joven de 15 y su sexualidad latente, a punto de explotar. El personaje principal es Michael, un “prepo” cualquiera en la Alemania Occidental a finales de los años cincuenta. Este Lolito no intencionado conoce por accidente a Hannah, una mujer que le dobla la edad y con quien sostiene la más apasionada relación; de esas pocas en donde amor y sexo son equivalentes; donde no importa nada más en el mundo que el cuerpo del otro, el placer, la carne. Hannah no sólo está dispuesta a sacar al niño del letargo masturbatorio típico de su edad para enseñarle las artes amatorias.

Ella exige a cambio que Michael le lea. Y es aquí cuando a todos los amantes de los libros se nos encoge el corazón al recordar nuestras propias vertiginosas historias de amor en donde los libros también fueron protagonistas.

Las películas sobre libros o los libros sobre libros consiguen ese efecto inigualable de nostalgia. Lo que más puede criticársele a la cinta en este punto es el error explícito de que los personajes hablen, lean y escriban en inglés, cuando la acción se desarrolla en Alemania. Pero las actuaciones de Kate Winslet y David Kross (quien seguramente saltará a la fama pronto) nos hacen olvidarlo. Un viejo amigo decía en broma que a ciertas personas les gustan las “películas de arte” porque siempre hay desnudos frontales, al menos femeninos. The Reader no es la excepción. Aquí la desnudez no es gratuita ni desagradable: por el contrario, se crean atmósferas de intimidad hermosas.

Como también sucede a veces con esos romances memorables, todo termina abruptamente. Michael crece y no sabe nada de Hannah por años.

Pasa el tiempo y por azar es testigo de un juicio en contra de algunas

guardias de varios campos de concentración, y con horror presencia el testimonio de su amada. Entonces es como si la película se volviera otra. El idilio, los colores cálidos del verano y la sensualidad de la juventud se cambian en los siguientes minutos por varias escenas cargadas de amargura y verdadero pesimismo. Michael es el único conocedor de un secreto que hace de Hannah un personaje complejo y enigmático. Ese secreto los llevará a reunirse años después, a estar juntos, al menos en el pensamiento, durante varias décadas.

En realidad, la película transcurre en diferentes tiempos y la narrativa no es lineal. Michael adulto es personificado por Ralph Fiennes, que hace un trabajo remarcable al retratar la tristeza, el confinamiento que uno puede tener dentro de sí mismo. Michael es el depositario de la culpa de Hannah, pero simbólicamente, representa a su país, o mucho más allá, a la vergüenza que viene tras descubrir las inmundicias de las que el ser humano es capaz y responsable. Como en su caso el ejemplo es cercano y le golpea el rostro con su recuerdo, paga con una vida de silencio el crimen de su antigua amante. A muchos no les parecerá increíble que se recuerde toda la vida a un amor que duró unos cuantos días, unas pocas semanas. La brillantez de la película consigue crear una imagen nítida, una instancia de aquello que los alemanes se han servido en llamar Vergangenheitsbewältigung, la lucha para lidiar con el pasado. Como nos recordó el caso real de Grass y como nos hace concluir la película, no parece haber salvación para todos.

Preguntas que todos formulan Michael aparece al principio como un ser necesitado de amor, inconforme pero no lo suficientemente rebelde, lleno de energía y mucha autodeterminación.

Hannah se nos presenta como una mujer de costumbres y hábitos firmes, de esas a las que si las cosas no se hacen a su modo es mejor correr. Muchas personas califican el romance de abuso infantil, e incluso se tuvo que esperar a que el actor cumpliera 18 años para poder filmar algunas escenas.

Francamente, eso me pasó desapercibido. No se trata sólo de aquella materia intangible que le da tan buena estrella a lo prohibido, sino que en este caso, la diferencia de las edades se vuelve irrelevante. Michael y Hannah sufren otro síndrome que ha marcado a las historias de amor turbulentas: los cambios y revoltijos en los roles. El tiempo y la situación especial de Hannah hacen que Michael sea hoy su hijo–amante y mañana su padre–protector.

Así que Michael pasa una vida cuestionándose a sí mismo por qué el amor es como es y cómo puede librarse el espíritu de una carga que no le corresponde. A menos, claro, de que ese también sea un atributo del amor.

Mientras, Hannah pregunta abiertamente a los demás qué hubieran hecho en su caso. Ella está en un lugar más allá de la hipocresía, cegada y liberada al mismo tiempo por el orgullo. A ella no le resulta difícil saber que el tiempo es irreversible y que hay cosas por las que lamentarse no es suficiente. El mundo desquita sus ansias de juzgar apuntando el dedo, nombrando los hechos imperdonables. Los individuos olvidan sus propias culpas, miran hacia otros lados; otros más se autoimponen los castigos y soportan las penas.

En pocas palabras, The Reader es una gran película que vale mucho la pena ver. Esto no lo digo con frecuencia, pero se disfruta más a solas. A los más sensibles les arrancará varias lágrimas, y a los que estén cansados de ver películas como La Lista de Schindler encontrarán un gran pretexto para pensar de otra forma en el Holocausto, que aquí es entre otras cosas, un espejo de nuestra terrible debilidad. M The Reader/ La Duda Dirección: Stephen Daldry. Reparto: Ralph Fiennes, Kate Winslet, David Cross.

Guión: David Hare. País: EUA, Alemania. Año: 2008

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Contra la estupidez

Entrevista con Heriberto Yépez TXT:: Alan De Aquino. FOT:: cortesía de Heriberto Yépez.

Cada vez que se tiene la oportunidad de enfrentar a un escritor como Heriberto Yépez, que utiliza la pluma como una escopeta, es decir, contra todo, contra todos e incluso contra sí mismo, es imposible no sentirse halagado y agradecido con él por su lucha incansable para exterminar la pendejez que nos gobierna.

Intrigado por su fulminante obra, tenía que buscar la forma de entrevistarlo, así que me dispuse hacerlo.

Al principio el motivo era hablar sobre su nueva novela Al Otro Lado (Editorial Planeta), la cual es un retrato sociológico de los conflictos fronterizos visto desde los ojos de un adicto llamado Tiburón.

Narrada de manera estupenda, su trama es perfecta para los que prefieren vivir bajo el “efecto”, que consentir la realidad.

Al final de su lectura, sólo podía pensar en: ¿Contra qué lucha Heriberto Yépez?

Contra mí mismo. Soy varios, y cada uno es demasiado contradictorio.

No soy un luchador sino una arena de lucha libre y cada grano de esa arena es una máscara o una cabellera. ¿Consideras la televisión un poderoso enemigo o un magnífico aliado?

Un magnífico aliado de las transnacionales y un poderoso enemigo de la inteligencia humana. La televisión tiene que ser expropiada. Pero por un gobierno profundo. No por un gobierno “hazmerreir”. En ese caso, que mejor le dejen la televisión a las transnacionales. ¿Crees que la cultura en México es ignorada por los malos salarios que provee?

La cultura es ignorada en México debido a que si fuese atendida, México, tal como es hoy, no existiría. No estoy de acuerdo con el Pentágono: México no es un “Estado fallido” como dijeron en su inexacto informe. México es una cultura fallida. Estamos cerca de nuestro fin. ¿Crees que los precios de los libros son justos?

No. Los precios de los libros se deben a la política irresponsable del gobierno, el pésimo sistema escolar (especialmente el universitario) que padecemos, las fotocopiadoras y los libreros que, sencillamente, no saben manejar bien sus negocios. Los libreros mexicanos son ineptos y las editoriales no son profesionales. No hay ‘lector’ porque tampoco hay ‘librero’, tampoco hay ‘editor’. A todos los niveles se toman las decisiones equivocadas.

Ahora que Obama está en el poder, ¿crees que mejorará la situación para los mexicanos tanto aquí como allá?

Ni aunque la Virgen de Guadalupe estuviese en la presidencia norteamericana, le iría bien a México, porque el problema de México es su población y su gobierno, no Estados Unidos o incluso las transnacionales, que lo único que hacen es aprovecharse, como lo haríamos tú y yo, de tener un vecino y cliente tan idiota como los mexicanos. ¿De haber podido hubieras votado por Obama?

Si hubiese sido negro, sí. Si hubiese sido hispano, no, porque Obama dice defender la responsabilidad personal y los hispanos somos una cultura que huye de la responsabilidad individual, así que como hispano en Estados Unidos no me hubiera convenido. Si hubiese sido un blanco, tampoco hubiera votado por Obama, porque Obama es un signo de la pérdida de poder de la cultura anglosajona blanca dentro de Estados Unidos. ¿A quién se debe culpar por los malos salarios además del gobierno?, ¿ a los jefes culeros, a los empleados dejados?

A los empleados. En México, pocas cosas se hacen bien. Me caen mal los gringos, pero si voy a mandar una carta a España, cruzo a California (Heriberto reside en Tijuana, N. de R.) para enviarla porque su sistema postal es excelente y más barato que el desastroso sistema postal mexicano. Y lo mismo si compro un aparato, o necesito un servicio para mi auto. O sea, los empleados mexicanos son ineficientes. No saben hacer nada bien. No digo que todos seamos así, pero sí la aplastante mayoría de todos nosotros. México es desesperante. ¿Te ha sido difícil sobrevivir en un mundo que está contra la cultura?

Trato de ignorar la realidad social en la medida de lo posible para no amargarme demasiado la vida. Por eso vivo leyendo o dando clases de filosofía, donde existe una realidad mucho más emocionante que las idioteces de Televisa o el catolicismo popular.

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Tijuana es una ciudad aparte. Cuéntame, ¿cómo es deambular por sus calles?

Peligroso. Tijuana es una ciudad sin ley. Está fuera de control. En Tijuana se conjuga el desmadre mexicano con la explotación norteamericana, es una ciudad resultado del encontronazo de dos culturas opresivas. Cuando salgo de Tijuana por unos días, pronto extraño este caos. Enseña demasiadas cosas sobre el ser humano. Hay que buscar vivir en las ciudades más conflictivas porque son las que entregan más enseñanzas. ¿Te agrada ser reconocido como una “promesa” entre los “jóvenes” escritores?

No. Porque promesa suena a otra promesa mexicana más. Ojalá un día escriba libros que a alguien le parezcan realidades y no puras promesas. ¿Qué preferirías, morir en el anonimato o ser un gran escritor mainstream?

Ninguna de las dos opciones me gusta, porque no soy ni uno ni otro. Ahora, si tuviera que elegir, elegiría ser un gran escritor mainstream, porque además de que me gustaría tener mucho dinero (es decir, la oportunidad de dedicarme exclusivamente a escribir y gozar la vida) ser un gran escritor mainstream no dejaría de significar que moriría en el anonimato, porque por muy mainstream que sea un escritor no lo conocen más de diez mil personas, una cifra ridícula en el contexto de la total humanidad.

Si pudieras plantear a México en otra situación, ¿cuál sería?

Quiero llegar a la presidencia. Lo primero que haría sería mandar asesinar a toda la cúpula del PRI, PRD y PAN, como una señal de que a partir de ahora se tomarán medidas serias, así que no quiero más de sus estupideces. México requiere un tirano como yo en el poder. Lo siguiente que haría sería reducir a cenizas las dos televisoras. Y como tercera medida, instaurar la pena de muerte para toda clase de crímenes. La cuarta medida sería replantear el sistema educativo, de primaria hasta la universidad. El segundo día, creo que llevaría las cosas más relajadamente.

Siento que te gusta conflictuar temas para escribir, ¿por qué?

Es muy fácil, verás. Vivo en Tijuana, conozco muy bien México y Estados Unidos, soy psicólogo y filósofo, bueno o malo, pero todo esto es parte de mi ser, entonces, a la hora de la hora, pienso esto: estamos en una situación gravísima, al borde del desastre total, entonces, por más que quiera relajarme, cada cosa que podamos analizar es parte de ese enorme problema en el que estamos metidos… Todo es un vastísimo conflicto. ¿Crees que los blogs son el futuro de las revistas?

Las revistas y periódicos se corrompieron. Colaboraron con su propia perdición. Perdieron de vista los intereses de las mayorías y la escritura de calidad. Si una revista o una editorial publica lo que se vende y también publica lo mejor escrito, es un exitazo. Pero si una revista o una editorial ya no publican lo que se venderá bien allá fuera ni tampoco saben elegir la literatura mejor escrita de su época, entonces, estarán en problemas.

Todo es más fácil de lo que parece. Sólo basta pensar un poco. No tener prejuicios. Ser prácticos. M

Heriberto Yépez es un escritor, psicólogo y filósofo radicado en Tijuana. En su obra podemos encontrar cuento, novela, ensayo y poesía. Algunos de los títulos más representativos son: Contra la Tele-visión, El Imperio de la Neoamerica, A.B.U.R.T.O, El Matasellos, por mencionar algunos. En sus publicaciones encontramos que son narradas con un sello irónico, estrategia que permanece inerte en una sociedad contradictoria. Quizá su obra es tan clara y concisa que incita al repudio del lector, ya que más de uno será golpeado por esa realidad, que ha negado. Esos golpes son los golpes de un alegato crítico.

Además de sus libros, Heriberto tiene un blog (www.hyepez. blogspot.com), publica una columna en el suplemento del diario Milenio, así como en diversas revistas donde ha forjado un temple de lector y verdugo.

Ha ganado varios premios de poesía y ensayo, además de ahondar en el campo artístico en un proyecto llamado Transconstrucción, que consiste en la modificación del espacio urbano, en tomar algo hecho para llevarlo hacia algo más. Actualmente, Heriberto es profesor en la Universidad Autónoma de Baja California en Tijuana.

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No siempre un concepto musical es propenso a ser encasillado. Cuando en la década de los 90 esa situación era la norma, algunas etiquetas comenzaron a ser populares. Así, términos como “alternativo” daban fe de una gran variedad de sonidos que al no ser del todo distinguibles, entraban en ese mismo crisol. No importaba que la mezcla tuviera tantos colores como la paleta de Salvador Dalí; si no era pop, rock o algo conocido, era alternativo. Aún así, algunas bandas y artistas desafiaron la tradición y crearon música totalmente fuera de cualquier caja conceptual.

Una de las personalidades musicales más eclécticas de tiempos recientes es Leslie Edward “Les” Claypool, mejor conocido a nivel masivo por su trabajo en Primus. Lo suyo es tan variado que incluso él encuentra problemático definir su música: “Mi gusto musical es tan variado que a muchos les cuesta trabajo saber qué demonios estoy tocando. Con la presentación del nuevo disco (Of Fungi and Foe), me preguntan cómo categorizo mi música, me lo han preguntado a lo largo de 20 años y la verdad no tengo idea. Por ejemplo, ¿cómo categorizas la música de Frank Zappa o la de Tom Waits?. No quiero que parezca que me comparo con ellos, es sólo que es muy difícil meter todo en una categoría cuando tus influencias son tan variadas.

Si uno no conoce bien a Claypool, lo más fácil es jugar al voyeurista y asomarse a su vida con la ayuda de Internet. Una vez dentro de su mundo no queda más que aceptar que perderse puede ser divertido. Ha dado vida a tantos proyectos tan diferentes, que cuesta trabajo llevar un orden mental. Él lo sabe, por eso al preguntarle por qué decidió bautizar los últimos dos discos que ha hecho con su propio nombre, contesta: “Bueno, había hecho cosas como Les Claypool and the Frog Brigade y Les Claypool and the Holy Mackerel (además de Oysterhead, Blind Illusion y otros), y luego de un tiempo mi agente estaba muy frustrado porque tenía todas estas bandas diferentes, así que un día me dijo ‘te voy a ofrecer como Les Claypool y tú ya te presentas a tocar con quien se te de la gana’. Desde entonces los discos se llaman solamente Les Claypool (risas)”. En ese contexto, otra aventura llena de peligros y curvas es descubrir con qué

personajes graba cada producción. Dentro de su gran capacidad para indagar en lo insospechado, su banda ha cobijado músicos y músicas de diversas extracciones. Para Of Fungi and Foe por ejemplo, el grupo consta de un chelista, un vibrafonista y marimbero, y una especie de baterista mutilado (no lo dejó usar platillos, sólo tambores e instrumentos de percusión más rudimentarios): “Yo amo el chelo, me parece un instrumento glorioso que me encantaría saber tocar”. Aclarados sus acompañantes, agrega: “obviamente estoy yo tocando mis bajos y mis whamolas (instrumento de una cuerda que él inventó) y otras cosas, pero irónicamente es un trabajo muy oscuro, salieron varios sonidos que son muy tétricos en sus tonalidades porque al no haber guitarra no hay nada que genere registros altos. Esto pasa especialmente al haber quitado todos los platillos de la batería. El sonido tiene una especie de aura noir. Yo soy un gran fan de Morphine, me encantaba ese sonido de sax, bajo de dos cuerdas y batería, era un sonido realmente muy oscuro. Suelo sentirme atraído a los músicos más por cómo tocan su instrumento que por los sonidos que provocan. Durante muchos años tuve conmigo por ejemplo a Skerik, un saxofonista asombroso, y yo no tenía intención de tener un saxofonista en mi banda, pero su forma de acercarse a su instrumento lo hacía aparecer ante mis ojos como si fuera el Adrian Belew del sax. Nunca pensé tener un vibrafonista y marimbero en mi banda, me cae que nunca busqué ese elemento en la música pero resulta que Mike Dylan es un verdadero monstruo en su instrumento y es por eso que me fijo más en cómo se proyecta él en su instrumento que en el instrumento en sí”. ¿Parece extravagante? Lo es. Claypool se cuece aparte, y aunque comercialmente hablando sus conceptos no han trascendido como para mandarle hacer una estatua, ha creado verdadero arte desde un instrumento muy básico, del cual por cierto se expresa de manera romántica y colorida: “Para mí el bajo ya no es un instrumento. Lo veo más como el lápiz que escogí para hacer bosquejos musicales en mi mente, digamos que yo escogí un crayón verde (su eterno bajo Carl Thompson es de ese color) para hacer mis bosquejos y sucede que ese

crayón es un bajo. Si tocara la guitarra o el piano o el acordeón, las ideas que saldrían de mi mente serían parecidas, simplemente la herramienta para expresarlas, el crayón, sería otro”.

Pero el mundo es redondo y en esa circunferencia siempre hay espacio para las sorpresas. Les Claypool, el bajista legendario, el creador de Primus, escritor de una novela y un largometraje, musicalizador de video juegos, músico que ha compartido estudio con Geddy Lee de Rush, Tom Waits y Benny Moré (al que llama “uno de los mejores músicos con los que me he topado en mi vida”) entre muchísimos más y que formó una banda con Stewart Copeland de The Police, prefiere ser un gran padre de familia y esposo antes que el rocanrolero más admirado.

“Para mí la familia es lo más importante, ¿cuál es el chiste de trabajar tanto si no tienes familia?

Creo que esa es la clave del éxito, tengo amigos que se mueren por tener una familia, y hacen giras y discos y ganan montones de dinero y siempre dicen que quisieran casarse y tener hijos pero no lo hacen porque están obsesionados con cumplir alguna meta, sea cual sea. En mi caso, mi familia es el gran premio”.

Leslie Claypool es entonces una personalidad con cierta extravagancia en su andar por el mundo, aunque jamás pierde el piso. Al preguntarle si se da cuenta de la trascendencia que tiene dentro del mundo de la música, convincentemente humilde contesta que “normalmente yo no creo que soy tan importante. Mis fans suelen ser muy devotos y claro, cuando salgo con ellos hablan muy bien de mí, pero cuando salgo a la calle la mayoría de la gente no tiene ni la más remota idea de quien soy (risas) así que no sé. Vivo en una comunidad rural en el norte de California y eso evita que vea mucho de lo que se dice de mí, estoy más bien pendiente de lo que pasa a nivel local”. Reírse de uno mismo es un arte, y Claypool lo domina a la perfección. Humildad directamente proporcional al tamaño de la leyenda, eso distingue a este monstruo creativo que nunca ha tocado en México, pero que asegura que ahora que sus hijos crecieron un poco más, “es cuestión de que alguien se comunique con mi equipo y yo encantado toco para ustedes, me atrae mucho la idea”. Ojalá algún día, maestro. M

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azo.

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TXT:: Fern

El cine independiente lo ha utilizado con gran éxito, creando verdaderas obras de culto.

Pero ha comenzado a filtrarse a los bajos mundos del mainstream… Es el digital.

A través de su historia, el cine ha vivido varias revoluciones o, por decirlo de otra manera menos pomposa, cambios tecnológicos drásticos. Siempre ha llegado algún ocurrente con un “juguetito” nuevo para cambiar el negocio. Así sucedió con la llegada del sonido, cuando grandes autores de ese tiempo, como Chaplin, al ver amenazadas una forma y una técnica que llevó años desarrollar, pataleaban y criticaban con gran fervor al nuevo cine sonoro. Después llegaron las cámaras de cine portátiles, y en ese entonces, aunque también hubo cierto recelo, el cambio dio lugar inmediatamente a movimientos contestatarios, cinemátográficamente hablando, por las ventajas y la libertad que esta nueva tecnología podía ofrecer. De este período surgieron nuevos lenguajes, tan trascendentes como los que aparecieron con la Nouvelle Vague en Francia (Godard, Resnais, Chabrol, Truffaut…).

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Ya se han visto las primeras señales y se calcula que en poco tiempo las salas cambiarán sus famosos proyectores de plato y rollos de película, por los de video de alta definición y discos duros.

En la actualidad, un cambio similar parece estar sucediendo ante nuestros ojos. El cine digital convence cada vez a más directores reacios para que volteen a ver los pros de sus cámaras. La tecnología post–análoga avanza a pasos gigantados, y cuando los fotógrafos están empezando a sacarle provecho a la última cámara, sale otra, con mejor definición, más ligera, con mejor cambio de velocidad, con lentes intercambiables Incluso, la misma proyección HD comienza a ser una llamativa opción para los exhibidores. Ya se han visto las primeras señales y se calcula que en poco tiempo las salas cambiarán sus famosos proyectores de plato y rollos de película, por los de video de alta definición y discos duros.

El caso es que todo esto sería anecdótico, si no trajera consigo cambios sustanciales en las formas de ver y de crear el cine mismo. No sólo se trata de una simple sustitución de formato, como ya lo han expresado en diversas ocasiones cineastas tan importantes como David Lynch (o Arturo Ripstein en nuestro país). Para muchos usar cámaras digitales significa, en pocas palabras, mayores posibilidades. Del mismo modo que las cámaras portátiles (que usaban película de 16 mm.) aligeraban sus movimientos, su traslado, su relación con el sujeto a filmar, las nuevas cámaras digitales funcionan casi en el mismo sentido liberador. Y para muestra, el extraordinario y logrado ejercicio Inland Empire (2006), una de las mejores y más pesadillescas películas de Lynch, lo que ya es mucho decir.

Pero tal vez el ejemplo más claro lo haya dado ya hace algunos años el movimiento Dogma 95, el cual hubiera sido imposible si no fuera por la aparición de mejores cámaras de video, que aguantaran el “agrandamiento” de la imagen que implica proyectarlas en una sala de cine de 35 mm. (aunque con completa alevosía no evitaban el grano reventado y la poca profundidad de campo).

Y aunque ahora está casi muerto el Dogma, dejó algunos clásicos de búsqueda e independencia, como Los idiotas (1998) de Lars von Trier, Julien Donkey-Boy (1999) de Harmony Korine, o The King Is Alive (2000) de Kristian Levring.

Pero el asunto no para en las películas independientes y raras. Cada vez más, Hollywood realiza grandes producciones en video. De Star Wars: Episode III – Revenge of the Sith (2005) de George Lucas, a Superman Returns (2006) de Bryan Singer. O las recientes dos partes de Che (El argentino y Guerrilla) de Steven Soderbergh, que están llegando a las pantallas este 2009 (aunque su premier mundial fue el año pasado), y que fueron filmadas con uno de los últimos juguetitos, la cámara RED, con la que por cierto se están haciendo varias películas en México. O el paradigmático caso del niño-adulto Robert Rodríguez, quien se divierte y regodea en lo digital (y hasta da clases de cómo hacer películas baratas en la versión en DVD de algunas de sus cintas). Ejemplos: la saga Mini espías, Once Upon a Time in México (2003), o su nueva franquicia en construcción Sin City.

En México también hay varios ejemplos, y aún con mayor razón, pues no contamos con los abundantes recursos del vecino del norte. Uno de los pioneros fue Arturo Ripstein con Así es la vida (2000), aunque ya existían casos anteriores, como el mismo Jaime Humberto Hermosillo. Y en las nuevas generaciones, gente como Rubén Imaz (Familia Tortuga y la próxima Cefalópodo), o incluso Gael García (Déficit), siguen experimentando en video. Y los documentalistas, ni se diga, como Juan Carlos Rulfo (Los que se quedan), Everardo González (Los ladrones viejos), Eugenio Polgovsky (Los herederos), o Yulene Olaizola (Intimidades de Shakespeare y Víctor Hugo), por mencionar sólo algunos.

Hasta el momento no se ha creado una cámara digital que supere a las de 35 mm. Pero las ventajas que ofrecen, como el poder revisar el material apenas minutos después, la facilidad en el almacenamiento del mismo, el no preocuparse si alcanzará el negativo, y por supuesto, el costo, hacen del cine digital una opción más que viable.

La pregunta es si seguirá siendo sólo una opción, o si con los años se convertirá en la única. M

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La marca francesa se ha caracterizado por la seguridad, diseño y alto nivel de equipamiento de sus vehículos. La compañía invierte en investigación y desarrollo enfocados a ofrecer la máxima seguridad a todos los pasajeros de un vehículo Renault. Clio 2009 ofrece bolsa de aire para conductor, cinturones de seguridad con limitadores de esfuerzo, faros de halógeno de doble óptica, tercera luz de freno y cuenta con una versión equipada que ofrece bolsa de aire para pasajero y frenos ABS de última generación.

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En su exterior cuenta con fascias pintadas completamente al color de la carrocería para todas las versiones. La cajuela se ve enmarcada por el rombo que caracteriza a la marca y se han incluido emblemas rediseñados. Cuenta con molduras laterales al color de la carrocería y un nuevo diseño de rines y tapones.

En su interior podemos encontrar materiales con excelentes acabados, para todas las versiones se están estrenando vestiduras y alfombras.

El tablero ha sido rediseñado, el cuadro de instrumentos tiene fondo en color blanco que le da un aire deportivo y juvenil. El botón para activar las luces de emergencia, el desempañador trasero y el del cierre centralizado se han reubicado.

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Clio tambiĂŠn ofrece faros antiniebla, luz de niebla trasera, alarma perimĂŠtrica, 2 cabeceras traseras regulables en altura y controles de audio en el volante para evitar distracciones. Cuenta con estĂŠreo CD/MP3 y 6 bocinas, cierre centralizado, espejos retrovisores, cristales y seguros elĂŠctricos, alarma a control remoto, rines de aluminio, volante regulable en altura, limpiador trasero, indicador de temperatura exterior, y computadora de viaje.

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Miguel Toro

diciéndolo todo en 4 beats El talentoso percusionista venezolano nos habla de su vida y sus proyectos desde Alemania

Miguel Toro está lleno de talento y alegría. Su carrera internacional ya ha despegado y estamos seguros que dará mucho que hablar, aunque en esta parte del continente no conozcamos mucho de su trabajo. Pero para eso es esta entrevista hecha en el Cafe 103 de Berlín, que puedes oir completa en www.marvin.com.mx donde además nos cuenta detalles de su vida, de la escena venezolana de los 80 y de su pasión por la salsa.

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Marvin: ¿Cómo empezaste en la música?

MT: La primera vez que me senté un tambor fue a los cuatro años, en el colegio. Yo estudié en un colegio Montessori, te estoy hablando del año 77 donde todos éramos hippies todavía, hasta mi viejo y yo sin siquiera saberlo. En el kínder se hacía en diciembre un grupo de música tradicional venezolana: parranda, gaita, etc. No le asignaron a nadie los instrumentos sino que los pusieron en el salón de música y cada quién se acercó al suyo. Yo naturalmente escogí el tambor. Empezamos a ensayar unas semanas, y en algún momento le dije a mi profesor que mi viejo me tenía en clases de percusión, lo cual era mentira, pero era para que no me sacaran de la cuestión y para que se viera todo un poco más serio. Entonces ese mismo día el profesor felicitó a mi padre por haber tomado la iniciativa de meterme en un curso de percusión. Mi padre no entendió nada, pero yo creo que él sabía que era mentira. Después mi viejo tomó en serio la cosa hacia la percusión clásica, en donde estudié piano, armonía, teoría, solfeo y después, como a los 12 años, me decidí por la batería. Lo hice porque yo viajaba mucho a Inglaterra, mi madre vivía en Brighton y su segundo esposo fue productor musical. Una vez tuve que ir a un estudio a ver un ensayo de una de las bandas que él estaba produciendo y sentí ese impulso al momento de ver al baterista. Claro, en la Inglaterra del año 78 no había percusión, lo que había era rock, heavy rock y pop rock, y cuando vi al baterista dándole esos guamazos redoblantes a los platillos pues dije: ‘¡Ya! Esto es lo mío’. Y hasta hoy en día sigo tocando el instrumento, me apasiona y me tiene la espalda vuelta un desastre (risas).

Y ahora estás en un punto en el que has hecho producciones bastante buenas, hay sellos que están interesados, pero estás en un campo muy particular que es el del dance music. ¿Cómo es que te encuentras a ti mismo haciendo dance music? ¿Es algo que llevas dentro, fue una coincidencia?

Yo creo que estoy ahí porque es lo que me interesa: yo no quiero que vayan a escuchar la música que hago, quiero que la vayan a bailar. En Venezuela estamos acostumbrados a eso, si tú te sientas y no te mueves, yo estoy haciendo algo mal, no eres tú el aburrido. Yo tengo que ver cómo resuelvo esto rápidamente, pararte de esa silla y que bailes.

¿Y vienes directamente a Berlín o pasas por otros lugares?

Primero fui a Nueva York, en donde estudié un año en el Drummer’s Collective, una escuela de jazz de Manhattan dedicada al bajo y la batería, fue un año de aprendizaje bestial y muy interesante, sobre todo para darme cuenta que Nueva York no es la ciudad en donde yo quiero vivir, pero la música es en donde me quiero quedar. Ahí estudié con gente impresionante, conocí mucha gente increíble, toqué en todo Brooklyn.

Te encontraste a ti mismo consiguiendo trabajos en entornos diferentes, en el jazz, en la cumbia, en la electrónica. De pronto no sabías lo que iba a venir pero ahora puedes subirte a un escenario y tocar prácticamente de todo. ¿A qué se debe eso?

MT: Creo que a nuestra falta de identidad en Venezuela durante los 70, 80 y 90. Ahora me imagino que ya hay mucha más identidad del venezolano. Pero en aquellas décadas, ser músico venezolano era ser aburrido en concepto.

Lo mejor era lo gringo. Pero a pesar de que

Es la ética del baile, que también existe en Colombia, y en la parte de Latinoamérica que tiene influencia del Caribe.

Lo que pasa con la música electrónica y sobre todo con el dance, es que existe para eso. Tengo ocho años viviendo aquí en Berlín y toqué con bandas de cumbia, bandas latinas y con bandas de jazz, como baterista, ahí me di cuenta de que a los alemanes les encanta bailar. Es un cliché de turista ese que dice que los alemanes son fríos y tiesos, si tú les das una cagada de música no te van a bailar, pero si tú tocas el nervio adecuado, te lo agradecen y te lo devuelven.

Eso lo vi con una banda de cumbia, Los Chicos de Trujillo. Había muchos amigos de Venezuela que me preguntaban: ‘¿qué pasó con el rock?”, porque yo antes tocaba rock, y les decía: ‘lo más rock que yo he hecho en mi vida es tener una banda de cumbia en Alemania, eso sí es rock and roll”. Montar con un instrumento y girar por todo Alemania tocando por cerveza, aparte tocando cumbias en español, nadie entiende un carajo. Ahí me di cuenta de que lo que quiero es poner a bailar; si no es para bailar, yo no quiero saber nada de esa banda.

78 ‘¿Tú qué haces?’ —soy músico— ‘¿Qué tocas?’.

Si tú dices que eres músico, hay una reacción secundaria y si además dices que eres latino o venezolano, tienes para hablar dos horas seguidas. Entonces hay una razón por la cual a uno lo respetan acá, no es un cliché.

Y obviamente es un país que le dio al mundo a Mozart, a Bach, a Beethoven, a Brahms, entonces hay una conciencia de que la música es algo importante Una apreciación de la música, que es importantísimo.

Venezuela está diez años atrás de todo el mundo, siempre hemos habido un grupo de gente que se ha sabido mantener al tanto de lo que está pasando afuera.

A mí me ayudó poder escuchar muchos tipos de música. Yo tenía un profesor de música que se llamaba Miguel Ángel Noya que me decía: ‘no es que tú seas un buen baterista, es que tú seas el mejor baterista para la banda en la que estás tocando, porque no importa que tú no sepas agarrar los palos, pero si para la música que tú estás haciendo suena bien, eres el mejor baterista para esa banda’.

Como Ringo Starr...

Exacto. ¿Quién cambia a Ringo Starr en Los Beatles?, si lo cambiaran no existen Los Beatles. Y todos estamos tocando desde hace miles de años los ritmos de Ringo Starr pero todo mundo dice que era una cagada, entonces no lo entiendo ni lo comparto. Pero al final eso es lo que te da como un ‘poder’ para entender cualquier tipo de música, porque de alguna manera la has escuchado en algún lado, entonces te es muy familiar.

Creo que la cuestión es entender la música que estás tocando y de qué está conformada.

Todo tipo de música se puede escribir, si tú sabes escribir música ya tienes gran parte de la carrera ganada, y el resto de la carrera es que tú tengas interés en hacerlo.

Me he dado cuenta, entrevistando a bastantes latinoamericanos que están en otros lados, que cuando tú eres dedicado allá, toda esta cosa del eclecticismo obilgado al que estás sometido es súper útil.

Por alguna razón, nosotros los latinos desde México hasta Chile, por lo menos aquí en Alemania, que es donde yo he vivido más tiempo fuera de Venezuela, somos respetados como músicos. A mí me ha pasado miles de veces estar en una fiesta y alguien me pregunta:

Platícanos de lo que estás componiendo ahora.

La música que yo estoy haciendo ahora se vio muy influenciada por mi relación con dos personas clave en Berlín: uno es Argenis Brito, venezolano, gran amigo y hermano de mi familia, él me dio los primeros chispazos para ver dónde tenía que meterme. Y el segundo fue Samim, quien me abrió el libro de cómo hacer música dance. De ahí en adelante, yo me puedo mantener solo con las dos piernas. La relación entre Argenis y Samim conmigo es de alimento recíproco, nos alimentamos mutuamente y así vivimos los tres. Yo creo que eso es clave, y lo que está pasando ahora es que a todo lo que yo aprendí de Samim, a nivel técnico, le estoy poniendo lo mío, y lo mío es mucha percusión, mucho ritmo quebrado sobre 4 x 4, con tiempos compuestos, pero todo contra el 4 x 4, lo cual lo hace muy interesante porque era lo que te platicaba, si te pones intelectual, como lo hace Matthew Herbert con su música, y la gente sigue bailando, entonces todo está bien. Es lo que hemos hablado sobre entender o no entender la música.

Lo que yo estoy haciendo ahora con mi música es todo ese aprendizaje que viene de haber trabajado con Samim durante año y medio, y mi conciencia de que en cuatro beats las posibilidades son infinitas y no se ha dicho todo lo que se puede decir. Yo no voy a decir todo, pero estoy seguro que tengo algo que decir que la gente no ha dicho todavía. Esa es toda mi conciencia de hacer música, yo se lo que estoy haciendo y tuve la suerte de encontrar gente que me abrió los ojos en el momento indicado, en el sitio indicado.

En este momento tengo dos releases en puerta, hay un tema llamado Ford, que hemos venido tocando todo el año pasado con Samim y a la gente le gusta, ojalá salga y la gente lo reciba con gusto. Y seguir haciendo música, hay un segundo proyecto para hacer un disco entero completo, y ese sí va a ser un poco más casero, estilo venezolano, de esos en los que nunca tienes el estudio pero tienes un micrófono y ganas de grabar. M

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Es un cliché de turista ese que dice que los alemanes son fríos y tiesos, si tú les das una cagada de música no te van a bailar, pero si tú tocas el nervio adecuado, te lo agradecen y te lo devuelven.

Oye la entrevista completa y música de este artista en www.marvin.com.mx Conoce el trabajo de Miguel Toro en: www.myspace.com/miguelalexistorogarcia.

80 Los Aguakates

Novalima

música 3x1

Vicente Gayo

Los Aguakates Intolerancia

★★★★ La mejor virtud que puede poseer una banda que lleva el nombre de “Los Aguakates” es la frescura, con la facilidad de transmitirla a quien escuche su música. Los seis integrantes de esta agrupación explotan suavemente cada sonido posible de la gama de instrumentos ejecutados en esta producción, que van desde los tradicionales como la guitarra, la batería o la flauta hasta otros menos convencionales como el kazoo o el cavaquinho, dando lugar a piezas que, complementadas por las dulces voces de Leika Mochán y María Emilia, generan una atmósfera guapachosa y totalmente bailable. Este álbum incursiona en ritmos tropicales como la cumbia, la salsa, el funk o el reggae, ideales para llenarse de buena vibra. De esta forma, en este disco podremos escuchar rolas llenas de júbilo como “El Negrito” o “La Luna Nuez”, que nos remiten a los primeros trabajos de exponentes como Santa Sabina o Julieta Venegas. Así como muestras de la capacidad de improvisación en jam-sessions como “Sogno Morto/Wakaswing” o “La Despedida/ Callefunk”. Es importante destacar el notable trabajo en piezas como “La Caja de la Gloria”, un salsero cover a la original de Portishead que seguramente ni la misma Beth Gibbons esperaba escuchar cuando compuso esta canción. TXT:: Carlos Jaimes.

Amparanoia: Rebeldía con alegría. En 2004, Amparo Sánchez y su agrupación ofrecen una enérgica muestra de música fusión española denominada “mestizaje”.

Julieta Venegas: Aquí. El origen de una carrera que tomó cierto tiempo, pero que hoy rinde buenos frutos. ”Aprendo de mis pasos, entiendo en mi caminar”.

Santa Sabina: Santa Sabina. Cuando se juntaron las influencias del jazz y el teatro sobre la escena del rock nacional, surge una interesante historia narrada en voz de Rita Guerrero.

Coba coba Vicente Gayo

Producción Independiente

★★★ El primer disco de este cuarteto mexicano es, en todos los sentidos un trabajo sencillo, pero cuidado en cada detalle. El arte del álbum presenta un disco compacto transparente, igual que su caja, detallado por un color que da vida a la pieza. El bootleg, es una colección de gallitos de papel con algunas leyendas descubiertas una vez que el usuario los desdobla.

El playlist incluye en la parte de atrás un instructivo para volver a armar estas aves, para aquellos que no están familiarizados con la papiroflexia o con el arte de “armar gallos”.

Musicalmente, el sonido de esta placa es una merienda sonora que comienza con la preparación en una cocina y termina con una sorda melodía acompañada de los tradicionales cuchareos, hechos en el momento en el que se quiere dejar en el plato la menor cantidad de lo que en él había.

Con ritmos exactos y bien definidos, acompañados de guitarras distorsionadas y armoniosos diálogos sonoros entre primera y segunda voz, este disco proyecta un sonido rock, punk, con algunos elementos electrónicos característicos de una escena recurrente, no por ello fáciles de hacer. TXT:: C. J.

Los Dynamite: Greatest Hits. Los positivos resultados obtenidos al momento en que un dúo debuta con un disco de grandes éxitos.

Quiero Club: Wof. El otoño del 2006 fue testigo de la salida de un álbum pop-experimental altamente bailable con calidad happy-fi.

Foals: Antidotes. En 2008, esta banda lanzó once enérgicos antídotos contra el aburrimiento, producidos en compañía de Dave Sitek de TV on the radio.

Cumbancha

★★★★ La comida criolla es uno de los grandes orgullos peruanos, en su esencia concentra la sapiencia del mundo indígena con las aportaciones hispánicas y la tercera raíz, procedente de África. Del mismo modo el colectivo conocido como Novalima ha ido sazonando sus platillos sonoros, que en su tercera entrega han alcanzado una sazón gourmet.

Creado por los músicos, productores y DJ’s Ramón Pérez Prieto, Rafael Morales, Carlos Li Carrillo y Grimaldo Del Solar, ahora cobran una estructura más estable al sumar la percusión, alientos y las voces de Juan Medrano Cotito, Mangüe Vásquez, Milagros Guerrero, Marcos Mosquera y Constantino Alvarez.

Al acerbo afroperuano lo condimentan con pizcas de electrónica, reggae, dub, salsa, afrobeat, son cubano e incluso hip-hop, pues en Ruperto, participa el grupo cubano Obsesión, que no es el único invitado pues también está presente el español Gecko Turner en Tumbala.

La fortaleza del disco se encuentra en su tres primeros temas (Conchaperla, Libertá y Se me van) en donde los elementos folclóricos se funden con las formas y recursos contemporáneos. Un sabroso potaje electro– acústico elaborado con ingredientes traídos de diferentes tierras y épocas. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Radio Zumbido: Los últimos días del AM. Grabaciones de campo y electrónica rústica desde el lago Atitlán de Guatemala.

Gotan Project: Live. La versión en directo de los capos del tango electrónico Novalima: Afro. Otra probada de los guisos sonoros del este combo limeño y del mundo.

81 Junior Boys The Prodigy

Begone Dull Care Invaders Must Die Cooking Vinyl

★★★★ Irrumpen, entran por la fuerza, incurren en lo ajeno, te invaden, y lo hacen con mucha fuerza. Creí que el día en que veríamos a The Prodigy como en sus mejores años nunca llegaría, pero he aquí que han dejado atrás la separación del grupo y el golpe que Baby’s Got A Temper les propinó a su carrera.

Liam Howlett, Keith Flint y Maxim se encerraron en el cuarto de un hotel, hablaron, discutieron y se dijeron frente a frente lo que había que escupir. Ahora se les ve unidos y con muchas ganas de hacer que la generación que vió nacer al new rave conozca a uno de sus arquitectos, The Prodigy. Estos son tiempos de vehemencia, de furia, de coraje, y este trío trae consigo lo que parece ser la banda sonora perfecta para vivir un día en la ciudad: el Invaders Must Die. Beats a quemarropa, adrenalina desparramada a borbotones, hostilidad para el tímpano, salgan y pongan este disco en el reproductor musical, eso sí, sean advertidos de que cortes como “Invaders Must Die”, “Omen” (producido por Does It Offend You, Yeah?), “Take Me To The Hospital”, “Piranha” y “World´s On Fire” les dejarán zumbando los oídos.TXT:: “El Jergas”.

Sex Pistols: Never Mind The Bollocks Here´s The Sex Pistols.

The Prodigy con guitarras reemplazando los beats.

The Chemical Brothers: Exit Planet Dust. Iniciaron en los 90, a la par de The Prodigy Does It Offend You, Yeah?: You Have No Idea What You’re Getting Yourself Into. Habla bien de estos muchachos el que hayan sido elegidos para producir “Omen”.

Domino

★★ La verdad es que este dúo canadiense de electro pop nunca ha estado dentro de lo que se denomina el hype, lo que está de moda, lo que mantiene calientitos a los reproductores musicales; aún así sería una total certeza el decir que lo que hacen, está hecho con verdadero talento, son bien buenos en su cancha. Saben crear atmósferas, ambientes, corrientes de aire por las que se mueve una hoja, mareas por las que surcan de manera muy sutil los movimientos de cabeza y cadera. Los Junior Boys no crean música para la pista, se han mantenido al margen de ello desde su inicio, lo suyo es guiarte través de los tenues matices que se dan al terminar la fiesta o surgen en un domingo por la tarde.

Begone Dull Care es un magnífico ejemplo de esto, siguen en la misma línea pero lo hacen de manera segura y atinada, coquetean por momentos con el sonido de Prince, Daft Punk y Air. Si bien esto puede resultar un atributo positivo para los que apenas se adentran en Junior Boys, para los que les hayan seguido la pista desde el 2003, podrían ya estar en descontento por el poco riesgo que toman Jeremy Greenspan y Matt Didemus, quienes podrían estar llevando su nombre musical a la temible monotonía. TXT:: “El Jergas”.

Mermaid Sashimi

The Whitest Boy Alive: Dreams. Ejemplo inmediato dentro de mi cabeza.

Lo–Fi–Fnk: Boylife. Secuencias dulces desde Suecia.

Goldfrapp: Supernature. Electropop femenino, las ideas se complementan.

Cocteau Twins: Treasure. Texturas sonoras eternas elaboradas por la guitarra de Robin Guthrie y la voz de Elizabeth Fraser.

King Biscuit Time: Black Gold. El debut como solista de Stephen Mason tras dejar las filas de The Beta Band y llevándose consigo el aroma de la banda escocesa.

Juana Molina: Un día. Cada vez más densa, la artista argentina demuestra que su música todavía desconoce los límites.

Universal

★★★★ Escuchar al ex–cantante de Porter en su plan solista significa encontrarlo tal cual: solo y más reflexivo. Continúan las letras intrincadas, las historias que cada quien encontrará la mejor forma para entender. Pero además Mermaid Sashimi incluye por fortuna esos juegos vocales que colocan a la fonética por encima de la semántica. De entrada las secuencias que sostienen la atmósfera generada por “The Remains” produce escalofríos que se agradecen. “Nada” es una historia de amor tribal y surrealista cuyos arpegios insisten en continuar el viaje. Como escucha en estos casos, sólo te queda dejarte llevar aunque nadie te garantice el boleto de regreso. Sonidos juguetones y literalmente burbujeantes rodean a “Mermaid Sashimi” con una letra no menos delirante. “Goldfish” de igual forma está fabricada con ese material sonoro impredecible, con cambios que semejan actos malabaristas con cada uno de los instrumentos y que además atesoran un bajo a la New Order. La ruta apenas va a la mitad por lo que recomendamos lo compres para continuar. TXT:: Benjamín Acosta.

música 3x1

Juan Son

82

música 3x1

M. Ward

Hold Time

Varios

War Child presents: Heroes Vol. 1

Jimi Tenor & Kabu Kabu

4th Dimension Sakho

101 Distribution

★★

Merge Records

★★★

★★★

Ahora va de vuelta. Primero unos invaden y después otros tienden la mano a los desvalidos como producto de una intervención bélica. Politización al margen, este disco incluye reversiones de clásicos a cargo de artistas contemporáneos como parte de la organización War Child, una agencia de protección a menores que existe en el sur de Irak así como en Afganistán y República del Congo. Es obvio pensar que las ganancias que generen las ventas del álbum ayudarán al financiamiento de este organismo. Encontrarás la versión de “Transmission” (Joy Division) a cargo de Hot Chip; y el clásico de The Clash, “Straight to Hell” interpretado por Lily Allen acompañada ni más ni menos que por el mismo Mick Jones. Además, Franz Ferdinand reinventa en vivo “Call Me” de Blondie, mientras Estelle le añade su propio funk a “Superstition” de Stevie Wonder, Peaches pone en cintura “Search and Destruy” de Iggy and the Stooges, y Elbow impregna con más tristeza “Running to Stand Still” de U2. Por su cuenta, TV on the Radio no pudo evitar reversionar “Heroes” de David Bowie trasladándola a otra clase de penumbras. TXT:: B. A.

Siempre escurridizo, el finlandés Jimi Tenor no detiene su prolífica trayectoria discográfica y ahora no podía ser menos excéntrico. Si bien su música continúa con el coqueteo hacia algo que aparenta ser un cheesy lounge –que conste que no se trata de un pleonasmo–, de la misma forma juega con ritmos africanos que consigue embonar a sus intrincados arreglos. “Anywhere, Anytime”, el tema de apertura con una duración que supera los siete minutos, es un claro ejemplo de su estilo lúdico, desprejuiciado y absolutamente atemporal con el que continúa el disco. “Green Grass” es el destape total de una música que resulta extrañamente festiva para un nórdico que en un instante de locura visita las costas escandinavas creyendo que se encuentra de paseo por el Caribe. El mosaico que logra Tenor con el grupo nigeriano Kabu Kabu es tan delirante como hilarante –que conste que no se trata de un juego de palabras cacofónico–. Soul sicodélico como la estela afrobeat que dejó en el pasado con Joystone (2007). A manera de recomendación bizarra: “Hot Baby” tiene toda la marca de un tema que identifica una hipotética cinta porno de los años setenta. TXT:: B. A.

Help: A Day in the Life. Material exclusivo con las mismas finalidades de ayuda. En su momento una de las atracciones fue “How You See the World” de Coldplay.

Help: A Charity Project for the Children of Bosnia. The Stone Roses, Oasis y Radiohead fueron algunos de los pilares de este proyecto.

War Child: Hope. Editado en 2003, incluye a veteranos como Bob Dylan, David Bowie y Cat Stevens.

Fantastic Plastic Machine: Fantastic Plastic Machine Tomoyuki Tanaka, un japonés que le hizo ojitos a la rítmica latina y occidental.

Fela Kuti: Expensive Shit/ He Miss Road. Indiscutible amo y señor del afrobeat.

Señor Coconut: El baile alemán El teutón Uwe Schmidt se hizo pasar por un personaje caribeño para poner de cabeza la obra de Kraftwerk.

A mitad de camino entre el country y la americana electrificada más de la cuenta, Matt Ward filtra su voz de tal forma que se escucha con cierta suciedad deliberada. Salido de la escena de Portland, Oregon, Ward matiza sus canciones con una sonoridad multi-capa con la que agrega una calidez inusual cuando de elementos oldies se trata, como en el caso de “To Save Me” donde conserva una serie de acordes en el piano que remiten al rock and roll de Little Richard, pero con el swing contemporáneo con el que Ward proyecta una combinación melódica posterior que termina por cautivar –por ello que no sorprende que incluya el cover de Buddy Holly “Rave On”–. Y así como con “Blake’s View” la melancolía salta de pronto mezclada con la rondante muerte, “I’m A Fool To Want You” consigue una guitarra cuya densidad es capaz de hipnotizar ante el menor descuido. En este, el sexto álbum de Ward, aparecen invitados como Lucinda Williams, Tom Hagerman de DeVotchKa así como la cantante y actriz Zooey Deschanel de She & Him en “Never Had Nobody Like You”. TXT:: B. A.

Wilco: Yankee Hotel Foxtrot. Neo–country lleno de sutilezas y un arrojo extraordinario de diversas sonoridades.

Micah P: Hinson and the Red Empire Orchestra. Nostalgia absoluta con arreglos electro-acústicos donde la voz de Hinson es tanto el medio como el mensaje.

Elliott Smith: Either/Or. Las pinceladas de Smith transformadas en canciones representan todo un referente.

83

Frankmusik Cut Off Your Hands

Complete Me Universal Music

★★★

Uno podría pensar que una banda ubicada en la lejana isla de Nueva Zelanda tiene pocas referencias musicales, pero el caso de Cut Off Your Hands no es este. Ellos comenzaron pensando en el punk inglés de Buzzcocks y The Ramones, incluso han dicho que el productor Phil Spector ha sido un gran ídolo para ellos, pero acabaron haciendo post–rock. Después de cambiarse el nombre por la amenaza de una banda de Portland, lanzar dos EP’s y hacer una gira por Europa para empezar a ser conocidos, decidieron que Bernard Butler, co–fundador de Suede y productor de Duffy y Black Kids hasta The Libertines, sería el ideal para grabar su álbum debut.

En él, la voz de Nick Johnston por momentos podría ser parecida a la de Futureheads, aunque en los sencillos “Turn Cold” y “Still Fond” tanto la voz como la música suenan a The Smiths. En “Oh Girl” la guitarra podría sonar un poco a The Coral, o en “In The Name Of Jesus Christ” podría sonar a un Alex Kapranos en su modalidad baladita. En general podríamos decir que el disco es disfrutable, aunque el pero principal es que no hay una propuesta sólida que los haga sobresalir de los demás. TXT:: Andrés Díaz.

Si estuviéramos en los 80 y saliera una película de amor en la que un hombre comenzara a bailar en un corredor para demostrarle el amor a su pareja, “3 Little Words” de Frankmusik sería el soundtrack perfecto. Vincent Frank es la versión 10 años más joven de Jacques Lu Cont, aka Zoot Woman, productor del brillante Confessions On The Dancefloor de Madonna y del desafortunado Day & Age de The Killers, ya que aparte de haber trabajado con él en este álbum debut, su sonido se asemeja muchísimo a los orígenes de Lu Cont por los sintetizadores, que más que un homenaje a los 80, son una reinterpretación estupenda del sonido electro pop. En paralelo a su carrera solista, ha remezclado a CSS, Black Ghosts, Chromeo, Radiohead, entre otros muchos. Actualmente es pareja de Little Boots (ex Dead Disco) y ha posado para revistas gay a pesar de no serlo, ya que lo hizo una vez para crear conciencia en la bulimia entre la comunidad homosexual. A pesar de que una vez puso en su MySpace que renunciaría a la música porque se emborrachó por sentirse muy solo y aislado por su propia música, Frankmusik demostrará con este disco que el electro pop siempre tendrá nuevos aires y que se puede reinventar.

Próximamente tendrá un proyecto alterno más comercial, del cual avisó que nadie sabrá que él es la mente creativa. TXT:: A.D.

The Futureheads: The Futureheads. A pesar de que en el Corona Fest no sonaron tan bien, son una buena banda.

Franz Ferdinand: You Could Have It So Much Better. Un muy buen segundo disco.

White Lies: To Lose My Life… Ellos son la respuesta inmediata a unos Killers en decadencia, Editors y Joy Division.

Little Boots: Arecibo. Su sencillo “Stuck on Repeat” fue la canción gratuita más descargada de iTunes del Reino Unido Calvin Harris: I Created Disco. Digamos que Frankmusik redondeó el sonido de Calvin.

Ladyhawke: Ladyhawke. Esta chica neozelandesa retoma el electro pop con guitarras actuales.

You And I

IAMSOUND Records

★★★

I Love Your Glasses Eureka Records

★★★★ Al escuchar el nombre de esta banda, posiblemente alguna chica que esté clavada en los cosméticos dirá; ¡pero si es mi color favorito de maquillaje!; esto se debe a que el nombre proviene de un color que utiliza la marca de cosméticos MAC. Pero también es el proyecto de Lourdes Hernández, quien nos da una cara distinta a la escena española. No, no es un electro pop feliz, sino una excelente aproximación al folk americano combinado con algo más contemporáneo como Wilco o Bright Eyes. La voz, con un acento inglés envidiable, resalta en la grabación haciéndola omnipresente, algo que no había percibido desde Mazzy Star, pero no llega a opacar las guitarras acústicas, violines o piano. Por el contrario, en conjunto, crean un disco delicioso para el escucha, en el que no sentirás el flujo de los tracks por la cadencia general. Resalta “Cigarettes”, “They Don’t Believe” y el exquisito cover de “Girls Just Wanna Have Fun”. Promotores: ¡Tráiganla lo antes posible! . TXT:: A.D.

Hello Seahorse!: Hoy A Las Ocho. Buena banda, aprobada por Pitchfork.

Joanna Newson:Ys. Tienen un gran parecido en la voz.

Feist: The Reminder. Una de las mejores vocalistas del colectivo Broken Social Scene.

música 3x1

Russian Red

84 Dat Politics

The Boy Least Likely To

Mad Kit

The Law of the Playground

música 3x1

Le Butcherettes

Kiss & Kill EP

Cos Records

Too Young to Die

★★★

★★★

El término “independiente” está muy mal usado hoy en día, incluso se está convirtiendo en el término “alternativo” que se usaba en los 90. Creo que este EP es un muy buen ejemplo de la idea que está detrás del término independiente, ya que fue producido y grabado a nivel casero, donde con apenas 16 minutos (de los cuales una gran parte son diálogos) convence a cualquiera con su actitud en la interpretación, cosa que muchas bandas dizque rudas quisieran tener. La crudeza de la voz y batería de este dueto tapatío de chicas, nos hacen recordar aquellas primeras épocas del punk en que las canciones eran cortas y al grano, ya que ninguna de éstas pasa de los 3 minutos. Por un lado tenemos cierta influencia blues en “Honey Honey”, y en otras del punk con el excelente sencillo “I’m Queen” o “For Your Bleeding”. Este disco captura la esencia de cuando escuchaste por primera vez un riff de adolescente, en que los oídos se llenaban de electricidad y emoción. Habrá que seguir de cerca a estas chicas. TXT:: A.D.

Este es un álbum dedicado para aquellos que aprecian el trabajo de Dat Politics, todos a quienes les gustó su trabajo anterior deben de escucharlo. El cuarteto francés cuya música ha llegado a ser clasificada como música concreta, nos trae su nuevo álbum titulado Mad Kit, el cual te hace bailar de principio a fin. El sonido de Dat Politics contiene el constante uso de efectos que podrían recordarte a los video juegos de los años ochenta, además, se puede notar su tendencia “artsy” de experimentación constante y una cierta hiperactividad en la propuesta que haría pensar que los miembros de la banda tienen déficit de atención, podría decirse que vieron mucha televisión y jugaron muchos videojuegos cuando eran niños, no me sorprendería ver a alguno de ellos con una famosa playera que diga: “Si los videojuegos realmente nos afectaran estaríamos comiendo píldoras en cuartos obscuros con música repetitiva”.

Se pueden disfrutar las combinaciones de música para niños con noise en el track “Mad Kit”, así como sus samples perfectos en el resto del álbum (especialmente en los tracks “Huff & Puff” y “Bad Dream Machine”). TXT:: Diego de Regil.

Así como la música de muchas bandas se nos queda en la cabeza antes de conocer su nombre, The Boy Least Likely To parece llegar en ese estilo, cuenta con numerosos soundtracks y comerciales en el Reino Unido que han ido escalando a nuestros oídos desde el 2003. Este dúo inglés compuesto por Pete Hobbs y Jof Owen comienza a hacer música en el 2002 y edita su primer 7 pulgadas en el 2003 con su propia disquera To Young to Die y su primer álbum llamado The Best Party Ever en 2005. Ahora regresan con su segundo disco titulado The Law of the Playground, el cual puede darles el paso a la luz pública. Canciones con tintes de folk y coros muy pegajosos con vocales desentendidas y fáciles de digerir, en algún momento parecería que estás sentado en una caricatura del Bayou (en canciones como “Saddle Up” o “Whiskers”) y por momentos nos da ese toque psicodélico estilo Donovan (en tracks como “Every Goliath Has Its David”, “I Box Up All The Butterflies” y “When Life Gives me Lemons”). De cualquier manera es difícil imaginar su música sin dibujar una sonrisa involuntaria, si una mañana soleada pudiera ser convertida a mp3 sonaría como The Law of the Playground. TXT:: D.R.

Juliette & The Licks: Four on the Floor. Una mezcla entre la actriz y el personaje de Mallory Knox.

Veruca Salt: American Thighs. Gran banda grunge cuyo nombre se inspiró en la película de los Oompa-Loopas.

The Breeders: Pod. El disco más crudo e influenciado por Pixies.

Crystal Castles: Crystal Castles. Una influencia directa del sonido de Mad Kit. Atari: Pacman: Compañía de video juegos que inspiró a Dat Politics. Recomiendo Pac man.

Little Tikes: Compañía de juguetes para niños, recomiendo los carritos de plástico.

Donovan: Catch the Wind. La psicodelia de Donovan sigue teniendo vigencia.

Belle & Sebastian: Storytelling. Maestros de la elegancia para narrar historias en canciones.

Tips on How to Play Banjo: YouTube. Para entender un poco de lineamientos folk visita: www.youtube.com/watch?v=aiODsLYE-Ys.

Independiente

★★★★

Marvin y Discoteca te regalan dos discos de Dat Politics y The Boy Least Likely To. Visita nuestra sección Más Más Más en www.marvin.com.mx para enterarte de los detalles.

85

Kaiser Chiefs Jethro Tull

Live At Ellan Road Universal

★★★★★ El año pasado, los Kaiser Chiefs hicieron realidad el sueño de cualquier banda, ese por el cual te arriesgas a cincelar las huellas dactilares en tu instrumento día a día, mientras actividades como dormir o comer se vuelven palabras de un diccionario que cae al piso, tras pasar por el agujero de la bolsa rota de un pantalón… Triunfar en tu propio terruño. Y lo hicieron la tarde del 24 de mayo, mientras el sol se ocultaba dejando llamas grises en las nubes, abrazados por un típico crepúsculo inglés, con canciones tipo “Ruby”, una de las más coreadas por esa multitud que logró colgar el letrero de sold out a las afueras del Ellan Road Stadium; “Everyday I love you less and less”, “I Predict a Riot” “Never Miss a Beat” o “You Want History”, para la cual invitaron al rapero Mark Ronson a tocar el pandero y hacer coros. El cantante Ricky Wilson, vestido de gala con un traje negro y camisa amarilla, a la cual se anudó una fina corbata de satín en tonalidades color plata, la cual por cierto cayó al suelo conforme transcurría el show, dejó en claro mientras subía por el andamiaje de luces y tiraba el micrófono desde una considerable altura, que los Chiefs pasan por su mejor momento, no así el estadio, ya que para el 12 de julio, los dirigentes del Leeds United Futbol Club, anunciaron que lo venderían para afrontar sus deudas. Bueno, nada es perfecto. TXT:: Francisco Zamudio.

Tina Turner: Rio 88. Rock y estadios de fútbol (Maracaná), una combinación 100% explosiva. Vol I. Oasis: Familiar To Millions. Rock y estadios de fútbol (Wembley), una combinación 100% explosiva. Vol II: Soda Stereo: El Último Concierto. Rock y estadios de fútbol (River Plate), una combinación 100% explosiva. Vol. III.

Vespertine Live At Royal Opera House

Jack In The Green: Live In Germany Between 1970–1993

★★★★★

★★★★

¿Es un triunfo para quienes construyen sonoridades pop (de popular), ser recibidos en recintos dedicados exclusivamente a las manifestaciones más culturalistas del sonido?, ¿o un retroceso, observándolo con la afilada mirada punk de resistirnos a ser absorbidos por el stablishment? Si dejamos fluir la tinta del optimismo sobre el papel de las conquistas que las manifestaciones juveniles han obtenido en las últimas décadas, por supuesto, resulta gratificante observar a Björk hacer una entrada triunfal, tocando con sus manos una gigantesca caja de música, mientras desde el cielo descienden en caída libre sobre su cabeza, cientos de papelitos blancos traspasados por una estela de luz blanca. En efecto, conforme transcurre el show, corres el riesgo de caer hipnotizado por el péndulo sónico que la “Niñacisne” hace ondular frente a nuestro sistema nervioso, mientras va de “Pagan Poetry” hasta “Cocoon”, “Hidden Place” y otras canciones invocadas de uno de los mejores discos en su carrera. Ideal para abrir las compuertas de la ensoñación y tomar impulso hasta conseguir elevarte por los aires en etéreo viaje por el subconsciente. TXT:: F.Z.

“El futuro se desvaneció ayer”, dicen los poetas malditos. Y un ejemplo brutal de dicha sentencia llega ahora a nuestras manos, representado por la figura que Ian Anderson ha hecho desfilar por la televisión alemana, en un periodo de tiempo que atrapa entre sus afilados dedos poco más de veintitrés años. Del irascible músico que lanza dardos envenenados con la mirada, tras una o dos entradas en falso antes de interpretar “Nothing is Easy” en 1970, y que además de eso abandona el escenario a media rola, supuestamente aquejado por un dolor físico; hasta ese gentil hombre que interpreta la harmónica a ritmo de blues para “So Much Trouble”, en tanto que dos de sus músicos se observan tras él, vestidos con un ridículo disfraz de minero. ¿Nos ablandamos mientras envejecemos?

Por fortuna el rock es inmortal, y canciones tipo “Aqualung”, “Locomotive Breath”, “Thick as a Brick” o “Too Old to Rock and Roll, Too Young to Die”, se escuchan tan flamantes, universales, y endemoniadamente actuales como al momento de su edición original, sin importar los cabellos de menos y los kilos de más. ¡Cátedra de rock progresivo! TXT:: F.Z.

Björk: Vessel. De cómo dejar registrado en un documento audiovisual, tu propio proceso evolutivo. Capítulo I. Björk: Live At Shepherd’s Bush Empire. De cómo dejar registrado en un documento audiovisual, tu propio proceso evolutivo. Capítulo II. Björk: All Is Full Of Love De cómo dejar registrado en un documento audiovisual, tu propio proceso evolutivo.

Capítulo III.

Big Brother & The Holding Company: Hold Me, Live In Germany. De cómo una región geográfica puede encapsular un futuro que hasta el día de hoy es presente, pero mañana se habrá transformado en el pasado. Vol I. Big Country: Live In Germany ’95. De cómo una región geográfica puede encapsular un futuro que hasta el día de hoy es presente, pero mañana se habrá transformado en el pasado. Vol II. Jungle Rot: Live In Germany. De como una región geográfica puede encapsular un futuro que hasta el día de hoy es presente, pero mañana se habrá transformado en el pasado. Vol II.

Universal

Eagle/JM Distribuidores

dvd música 3x1

Björk

86

cine

Knowing (Presagio)

Dirección: Alex Proyas Reparto: Nicolas Cage, Chandler Canterbury Guión: Ryne Douglas Pearson, Juliet Snowden País: EUA Año: 2009 Un thriller dramático repleto de acción y efectos especiales, que aborda la historia de un profesor de astronomía viudo que abre una cápsula del tiempo que ha estado enterrada durante años en el colegio de su hijo. En ella encuentra una serie de predicciones, algunas futuras y otras ya sucedidas, que lo llevan a pensar que su familia jugará un rol especial en el futuro cercano del planeta. Acorde con el pensamiento apocalíptico de estos años inciertos, Knowing se suma a la creciente oferta de cintas de ciencia ficción de una manera un tanto superficial cuya pretensión es el certero entretenimiento muy al estilo de Nicolas Cage, quien al parecer pierde cada vez más interés en papeles serios y se aboca más al cine taquillero. Proyas, el director egipcio de la cinta, viene directamente de los comerciales publicitarios y los videos musicales, teniendo ya una reputación de rellenar los huecos en el guión de una película con acción visual y efectos especiales, como es el caso de I, Robot (2004) o Dark City (1998).

TXT:: Juan Patricio Riveroll.

El Carnaval de Sodoma

The Haunting in Connecticut (Extrañas apariciones)

Dirección: Arturo Ripstein Reparto: Marta Aura, Carlos Cobos, Fernando Luján, Alejandro Camacho Guión: Paz Alicia Garciadiego País: México Año: 2006

Dirección: Peter Cornwell Reparto: Virginia Madsen, Elias Koteas, Martin Donovan Guión: Adam Simon, Tim Metcalfe País: EUA Año: 2009

Digamos que es un Ripstein diluido, sin la sordidez de muchas de su cintas y sin la densidad de imagen y de trama que suele poner en la pantalla. El Carnaval de Sodoma mantiene un tono casi festivo, siendo quizá lo más cercano a algo parecido a la comedia por parte de su realizador. Basado en la novela de Pedro Antonio Valdéz, la adaptación a cargo de Garciadiego narra varias historias dentro de un burdel en el que se visten para la ocasión del carnaval anual en un ambiente que colinda con el barrio Chino del centro del Distrito Federal. La distribuidora Filmhouse lleva intentando lanzar este título a la cartelera desde hace algunos meses, siendo un reto mayúsculo tomando en cuenta la reputación del cineasta y la fiereza de la cartelera. Aunque sin duda alguna, es de sus cintas menos sobresalientes, puede atraer o por lo menos no repeler a un público más amplio que en otros casos en los que el producto es mejor pero el público es mucho menor. TXT:: J.P.R.

Aunque parezca difícil de creer, la gente detrás de esta cinta argumenta que está basada en una historia real...

The Haunting in Connecticut juega alrededor de las terribles experiencias que una familia tiene con las fuerzas oscuras del mundo sobre natural. Al mudarse a Connecticut, pronto se dan cuenta que la casa victoriana a la que llegaron tiene una historia perturbadora: no sólo funcionó como funeraria mientras actos inconcebibles ocurrieron, sino que también resulta que el hijo del dueño es clarividente, sirviendo como mensajero demoniaco al proveer una puerta para entidades espiritistas que quisieran cruzarla. Ahora Jonah, el clarividente, regresa para desatar un nuevo horror en la inocente familia Campbell.

Siendo la primera película del director, el truculento género del cine de terror sufre una embestida más con esta cinta, que amenaza con dejar helado al público con el cartón de palomitas a medio comer. TXT:: J.P.R.

The International (Agente Internacional)

Dirección: Tom Tykwer Reparto: Clive Owen, Naomi Watts, Armin Mueller-Stahl Guión: Eric Singer País: EUA, Alemania, Inglaterra Año: 2009 Owen en otro de esos papeles de pistolero implacable, ahora juega el papel de un agente de la Interpol quien junto con la fiscal de distrito están determinados a que la justicia recaiga sobre uno de los más poderosos bancos del mundo. Descubriendo actividades ilegales que incluyen lavado de dinero, venta de armas y la desestabilización de gobiernos alrededor del mundo, estos héroes contemporáneos persiguen su investigación hasta Berlín, Milán, Nueva York y Estambul. Al encontrarse a la mitad del mundo llevados por una tenacidad que pone sus vidas en peligro, se dan cuenta de que el banco en cuestión no se detendrá con nada en su financiamiento del terror.

El momento de su estreno no puede ser mejor en este mundo globalizado en el que la economía mundial está al borde de la depresión. El timing es perfecto para la última cinta del cineasta alemán Tom Tykwer (Run, Lola, Run, 1998, Heaven, 2002, Perfume, 2006). TXT:: J.P.R.

87 Velvet Goldmine

Joy Division Happy-Go-Lucky

Dirección: Todd Haynes Reparto: Ewan McGregor, Christian Bale, Jonathan Rhys Meyers, Toni Collette Guión: Todd Haynes País: Inglaterra, EUA Año: 1998

Dirección: Mike Leigh Reparto: Sally Hawkins, Elliot Cowan, Alexis Zegerman Guión: Mike Leigh País: Inglaterra Año: 2008

Más de veinte años después de que el glam–rock llegara a su fin, Todd Haynes le hace un brillante eco generacional en esta joya del cine británico repleta de piruetas temporales.

Del nacimiento de Oscar Wilde al ajetreado curso de acontecimientos que arrojan a una estrella en ascenso a la desesperación y la decadencia. Un musical en el mejor sentido del término, situándose justo entre Pink Floyd The Wall de Alan Parker y Control de Anton Corbijn. Haciendo de la ficción su peldaño, Velvet Goldmine mima lo que pudo haber sido un David Bowie aniquilado por su propia fama en el punto más alto de su energía musical.

Digamos que si alguien quisiera tele– transportarse a los días en que Bowie transformaba el rock en pop, Velvet Goldmine sería el mejor salvoconducto: implica una ventana estética a un mundo olvidado, regresándole el significado a la revolución–después–de– la–revolución que significó la década del setenta. Engulle varias generaciones aprovechando las posibilidades liberadoras del lenguaje cinematográfico en una soberbia alegoría de lo que ya fue. TXT:: J.P.R.

Desde Vera Drake (2004), el veterano Mike Leigh se mantuvo fuera de la pantalla para regresar con una cinta que, como su nombre lo explica a la perfección, hace de la levedad y el buen humor sus principales aliados, conjugándose estos en una chica fuera de lo común que vive una vida feliz y relajada y que, por lo mismo, incomoda a quienes no la entienden como es. Acostumbrado al efectismo y las vueltas de tuerca, el espectador avanza con la película con un vago presentimiento de que algo sucederá con ese personaje demasiado bueno para ser cierto, mientras poco a poco se comprende que ese es justamente el tema a tratar: la posibilidad de una vida sencilla sin preocupaciones ficticias. La extravagante y adorada Sally Hawkins hace el papel de Poppy, el alma y el corazón de una película cuya intención es pasar un buen rato frente a la pantalla. Pasarla bien junto con cierto comentario social o quizá hasta filosófico, de una manera inusualmente ligera para el realizador británico que por lo general escarba en temas de una seriedad seca y dramática al mismo tiempo. TXT:: J.P.R.

Director: Grant Gee Director de fotografía: Grant Gee Guión: Jon Savage País: Reino Unido Año: 2006 Director: Tim Burton, Joel Schumacher Reparto: varios Género: acción País: EU Año: 2009

A partir del 20 de marzo, Warner Home Video trae de regreso las primeras cuatro películas de Batman en la colección Batman: Antología 1989-1997. Se trata de un verdadero documento de colección en formato Blu-ray™, la mejor tecnología para disfrutar del video. La antología, además de incluir las películas Batman (1989), Batman Returns (1992), Batman Forever y Batman y Robin, incluye más de 18 horas de contenido adicional como son documentales de los directores Tim Burton y Joel Schumacher, varias escenas eliminadas y los espectaculares videos musicales de Prince, Smashing Pumpkins, Jewel, Seal, Souixsie and the Banshess, entre otros. Por si fuera poco, habrá una copia digital de Batman: la película que les permite a los compradores una descarga sencilla, no transferible, de la versión completa de la película en su iPod o en su computadora.

Hace más te treinta años, en 1976, cuatro jóvenes ingleses provenientes de un Manchester post-industrial en decadencia, asistieron a un concierto de los Sex Pistols, un show que eventualmente les llevó a formar Joy Division. Hoy, su sonido post punk adquirió una vigencia y es una gran influencia para miles de bandas en todo el planeta. Éste DVD lanzado en México por Ambulante, es un documento que despejará todas las dudas sobre la trágica historia de la banda, pues recoge testimonios de todas las personas cercanas a Ian Curtis, como son los miembros de la banda revelando el legado que Joy Division ha dejado en su camino. Además, podrás disfrutar de los magníficos extras que incluyen la videografía de la banda.

Cabe destacar el trabajo del director Grant Gee, quien ha a dirigido numerosos cortometrajes, incluyendo Found Sound (1997), 400 Anarchists (2002) y Mr. Fred Zentner´s Cinema Bookshop Was Here (2005). Sus documentales sobre bandas como Radiohead y Gorillaz – Meeting People Is Easy (98) y Demon Days: Live at the Manchester Opera House (2005), respectivamente– recibieron nominaciones al Grammy para Mejor Video de formato largo. Joy Division es su última entrega.

dvd cine

Batman: La Antología 1989-1997

88

Mi antología

libros 3x1

La muerte de Amalia Sacerdote

El Perro

Benjamín Prado Andrea Camilleri

RBA Libros La novela negra ha logrado nutrirse de diversos elementos para conseguir mayor densidad y solidez; hace tiempo que ha dejado de ser vista como un subgénero de menor importancia y en buena medida se debe al trabajo de largo aliento de escritores como el italiano Andrea Camilleri (1925).

Apartándose de la saga que protagoniza su detective Montalbano, este prolífico autor y guionista, instalado en el circulo de la popularidad, ha fraguado una obra sin investigadores privados y lo que es más, en la que aquellos encargados de las pesquisas no están muy interesados en resolver gran cosa.

Nos encontramos en Palermo y Amalia Sacerdote, hija de un poderoso político de derecha, ha sido asesinada. El principal sospechoso es Manlio Caputo, hijo de un diputado de izquierda. Michele Caruso, director de la RAI, se halla entre la espada y la pared, pues lo que se divulgue en sus noticiarios será crucial para una compleja red de intereses criminales, políticos, financieros y periodísticos.

En Sicilia, cuna de la mafia, la corrupción es una forma de vida que todo lo controla, desde la pasión y el deseo al poder público y financiero. Camilleri no tiene contemplaciones a la hora de mostrarnos que todo está podrido y apesta. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Francisco González Ledesma: Una novela de barrio. La excelente novela que ganó el primer concurso RBA y ambientada en una Barcelona que está desapareciendo.

Andrea Camilleri: La forma del agua. Primera incursión del detective Montalbano y que le traerá fama y fortuna a su autor.

Andrea Camilleri: El curso de las cosas. El nativo de Porto Empedocle en su faceta de novelista histórico.

Ed. Universidad de las Américas El poeta se pregunta y busca en sus versos las respuestas. Observa el mundo y lo exprime en esencia de palabras. Se deja empapar por la existencia, que una vez seca, se transforma en papel.

Vive la propia vida como si de un asunto ajeno se tratara y se convierte en otros muchos al momento de ejercer su tarea.

Si algo hay en la poesía de Benjamín Prado (Madrid, 1961) es su capacidad para establecer un diálogo fraterno y directo con el lector, que logra que cada confesión parezca venir de una persona a la que se conoce desde hace mucho tiempo: “Abro los ojos y tú ves un jardín/ miro la noche y para ti estos versos son esa noche”. Quiso el destino que se diera a conocer como un autor de narrativa, de hecho sus novelas son muy celebradas, pero también es ensayista y biógrafo, es por ello que en su obra existen múltiples referencias a otros autores y músicos, que representan otra de sus obsesiones: “Las piscinas vacías siempre me hacen pensar en Brian Jones”. Memorable también es su poema “Mi vida se llama Bob Dylan”, un acto de total feligresía.

Casi desconocido en México como poeta, debemos agradecer a la UDLA la aparición de esta antología personal que contiene material de 7 libros, entre los que se encuentra Cobijo contra la tormenta (95) y Todos nosotros (97). TXT:: J.C.H.

Benjamín Prado: Raro. El resquebrajamiento de una familia que se entrevera con un fan que persigue a Dylan y diversas referencias: Kurt Cobain, Raimond Carver y George Foreman.

Benjamín Prado: Nunca le des la mano a un pistolero zurdo. Alguien desaparece y su vida es evocada a través de canciones, anécdotas y vínculos diversos con la cultura pop.

Joaquín Sabina: El hombre del traje gris. Prado escribió en coautoría la canción “Cuando aprieta el frío” en aquel disco del 88.

Varios autores

Se trata de una publicación muy peculiar que prácticamente carece de ilustraciones (excepto por el logotipo que va cambiando de número a número) y que dedica sus páginas a la creación (cuento, poesía y textos híbridos). Se compone de textos breves que en cada edición abordan un tema en particular (el más reciente está dedicado a la ciencia).

Coordinado por el escritor Yuri Herrera, El Perro reúne a colaboradores de México, España, Colombia y California, en su mayoría (aunque desfilan también de otras latitudes). En sus páginas confluyen autores de prestigio con talento emergente. Tal combinación distingue al proyecto, como es evidente al consignar que este “can científico” trae en portada al talentoso Bef e incluye al panameño Carlos Oriel Wynter (de trascendencia internacional) junto a nóveles como Julio Romano y Alejandro Bellazetín.

De esta entrega (que ya circula en librerías) recomendamos el texto “Bienaventurados los mansos” del tapatío Antonio Ortuño, uno de los mejores creadores en el panorama actual de nuestra literatura.

El perro es excéntrico, un raro canis que vaga por las calles del mundo para ladrar sus historias. Aquí la rabia se concentra en las ideas antes que en las imágenes. Un trabajo más que recomendable. TXT:: J.C.H.

Yuri Herrera: Trabajos del Reino. La primera novela de un escritor nómada, cuyas conexiones son californianas, tuzas y colombianas.

Bernardo Fernández: El ladrón de sueños. Ciencia ficción en estado puro de parte de este chilango nacido en 1972 y espléndido monero.

Antonio Ortuño: Recursos Humanos. Todos odiamos al jefe pero algunos llegan al crimen como vía de desquite; una novela ágil y demoledora, finalista además del Premio Herralde.

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cómics

Digital Cómics

TXT:: Óscar G. Hernández.

Las tecnologías digitales han influído en el mundo del cómic de manera directa, sobre todo en los procesos de producción y difusión. Los medios digitales llegaron como una herramienta que permitió acelerar de manera total su creación, edición y publicación. Por otro lado, con el nacimiento del Internet y su instalación como uno de los medios de difusión por excelencia, los creadores comenzaron a encontrar un medio económico y masivo para difundir su obra. Hoy día es prácticamente imposible pensar en una publicación importante en el medio del cómic que no se encuentre en Internet.

Este boom digital, al igual que en otras expresiones artísticas ha dado espacio a una generación que se ha planteado cómo crear cómics exclusivos para los medios digitales, sin caer en la animación. De aquí el surgimiento de los famosos E-Comics, más popularizados como Webcomics.

En el universo del noveno arte no existen signos de distanciamiento con el medio digital ni razones para cuestionarlo. Se utiliza y se le aprovecha como a cualquier otro instrumento. Existen creadores que dibujan y escriben sus cómics de manera tradicional sólo para publicarlos en Internet, otros los procesan y difunden de manera totalmente digital, finalmente tenemos a los híbridos que mezclan ambas herramientas. Para este número te presentamos a los principales cómics que se han creado o difundido de manera digital que ya se les rinde culto. Iniciamos con Busted Wonder ganadora al premio Collen Dorans 2007, seguimos con The Perry Bible Fellowship ganadora al premio Eisner. Finalizamos con la serie The Right Number de Scott McCloud.

Busted Wonder Kieron Gillen, Charity Larrison

http://bustedwonder.com/ En Busted Wonder encontraremos una historia cargada de magia y color. Es el camino de la infancia al encuentro con la fantasía. Con una trama bien estructurada que se va tejiendo a un ritmo lento para después crear un estallido alucinante y maravilloso, los personajes del Busted Wonder despiertan esa intriga que sólo es capaz de generar la magia. La genialidad de este cómic reside en la capacidad que tiene para hacer que el lector se identifique con todo lo que ocurre en la historia. Es una especie de respuesta a esta forma de ver la magia que se ha creado actualmente desde la aparición del exitoso Harry Potter. Aquí es más un encuentro con la madurez y la dificultad de ver el mundo de otra forma, con todas las consecuencias que esto implica. Este cómic ya se ha hecho acreedor al premio Collen Dorans Creators 2007 y realmente vale muchísimo la pena leerlo, fue creado para publicarse únicamente en Internet.

The Perry Bible Fellowship Nicholas Gurewitch

http://www.pbfcomics.com/ Posiblemente una de las tiras más premiadas en el mundo de los webcomics es The Perry Bible Fellowship. Ha sido ganadora al Premio Ignatz 2005, y en el 2006 del Web Cartoonist’s Choice Award por cómics destacados el 2006/ 2007 y por supuesto del cotizadísimo premio Eisner. Es una de las tiras más polémicas y controversiales del Internet, cargada de sarcasmo y burla constante, se ha ganado un sin número de lectores gracias a su irreverencia. Sus dibujos pueden ser muy elaborados o muy simples, al igual que sus temas. Sin embargo, una vez que comiences a leerla sin duda será difícil detenerte.

The Right Number Scott McCloud

http://scottmccloud.com Scott McCloud es uno de los autores que se ha instalado como el principal teórico, creador e investigador sobre la teoría del cómic moderno. Con miles de lectores en todo el mundo y con sus libros traducidos a diversos idiomas es lectura obligada para todo aquel que quiera meterse en los aspectos creativos y técnicos del noveno arte. Ha teorizado muchísimo sobre el papel de los cómics digitales y la mejor forma de aplicarlos. The Right Number es una muestra soberbia de su técnica y capacidad creativa, su trama es simple y compleja al mismo tiempo, genera un suspenso que muy pocos son capaces de lograr. La inonvacion de los usos de McCloud radica en aplicaciones novedosas de forma de lectura como es el zoom. Con éste, nos mete de lleno a su universo como si realmente atravesáramos las viñetas. McCloud es uno de los autores de culto que por ninguna razón debes dejar de leer.

En el mundo de las ilusiones.

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Diplomado de Iluminación Arquitectónica en la Cd de México

En el marco de la exposición Delirios de Razón/ Delirium of Reason, que exhibe parte del trabajo fotográfico de David LaChapelle, se presenta en el Colegio de San Ildefonso el taller “En el mundo de las ilusiones”. Una actividad dirigida al público en general, en donde los participantes podrán realizar su propia composición al estilo de las fotografías de LaChapelle.

Para la elaboración de estas piezas, el taller cuenta con diferentes ambientaciones, una de ellas, llena de color, acompañada de piñatas y figuras de caricaturas, que alude a la tradición mexicana. Otra consiste en un collage de etiquetas de diversos productos, que hace alusión al consumismo.

De igual forma se tiene instalado un escenario con muebles y adornos que hacen referencia a la sala de una familia excéntrica. Asimismo, los participantes podrán lucir una apariencia similar a la de los modelos empleados por el fotógrafo, ya que tiene a su disposición vestuarios y accesorios como vestidos, sombreros, pelucas y alhajas, dispuestos para su libre uso.

Cabe señalar que cada fotografía que los participantes tomen la podrán llevar a casa.

En el mundo de las ilusiones estará abierto al público los sábados y domingos de 12:30 a 15:30 horas. La cuota de recuperación es de $30.00. El Antiguo Colegio de San Ildefonso, se ubica en Justo Sierra 16, Centro Histórico. TXT:: Carlos Jaimes.

Con el lema “La luz es materia y material”, se llevará a cabo del 21 de abril al 25 de junio, en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México, el cuarto Diplomado Internacional Diseño de Iluminación Arquitectónica.

Un curso ideal para aquellas personas interesadas en cuestiones referentes a la iluminación y su distribución en el espacio arquitectónico. Asimismo, los asistentes podrán conocer la relación de la luz con la salud y el cuerpo humano.

Este diplomado contará con el respaldo y la colaboración de reconocidas asociaciones dedicadas al diseño y la iluminación como: la Profesional Lighting Designers Association, la International Association Lighting Designers, la Konstfack University College of Art Carfts de Estocolmo, Suecia, y la Hochschule Wismar University of Technology, Bussines and Design de Alemania. De igual forma, se impartirán conferencias de reconocidos diseñadores de iluminación mexicanos como: Enrique Quintero López, Elías Cisneros Ávila, Victor Palacio Pastrana, Sergio Anaya García, entre otros.

Este diplomado será impartido a través de sesiones de cuatro horas los martes y los jueves, y de seis horas los sábados. Los participantes deberán cubrir 126 horas de teoría y práctica.

Los interesados pueden inscribirse vía correo electrónico a: educacion_continuaarq@yahoo.com. mx o dia08_unam@yahoo.com.mx. TXT:: C.J.

Este es un curso enfocado a interesados del dibujo que aún no están involucrados profesionalmente en esta materia. Se trata de una introducción al dibujo como herramienta para la forma y el ambiente que nos rodean a partir del conocimiento de principios básicos como: perspectiva, manejo de proporción y aplicación de luz y sombra.

Esta actividad hace énfasis en el desarrollo de la observación y la comprensión de las formas, así como su representación bidimensional.

Los objetivos principales de este curso son: entender la estructura básica de la forma y los principios de su representación mediante el dibujo; plasmar en el papel lo que se observa, mediante el uso de técnicas elementales de trazo y valoración tonal; la creación de una carpeta personal para cada participante con el fin de desarrollar un propio estilo de representación gráfica.

Dibujo para principiantes tiene una duración de 27 horas y se impartirá a partir del 28 de abril: los martes de 18:00 a 21:00 horas y viernes de 16:00 a 19:00 horas, en la Universidad Iberoamericana, ubicada en Prolongación Paseo de la Reforma 880, edificio G, P.B. col. Lomas de Santa Fe. Más información en: www. diplomadosibero.com. TXT:: C.J.

educación

Dibujo para principiantes

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agenda abril teatro

música EL OTRO YO Lugar: Hard Rock Live Fecha: 3 de abril Costo: $220

EL CORAZÓN A GAS Lugar: Foro La Gruta Fecha: todos los domingos, 18:00 hrs.

Costo: $ 150

BLOC PARTY Lugar: Parque Alameda Poniente Fecha: 17 de abril Costo: entrada libre

SILVERIO Lugar: El Imperial Fecha: 3 de abril Costo: $120 FABULOSOS CADILLACS Lugar: Palacio de los Deportes Fecha: 14 de abril Costo: $260 – $700 FRIENDLY FIRES Lugar: Pasaje América Fecha: 16 de abril Costo: por confirmar

BLOC PARTY DJ SET Lugar: El Imperial Fecha: 17 de abril Costo: por confirmar

arte COLECCIÓN DE SPENCER TUNICK Lugar: Centro Cultural Universitario Tlatelolco Fecha: a partir de abril Costo: entrada libre RIVERS OF THE WORLD Lugar: Paseo de la Reforma Fecha: hasta el 28 de abril Costo: entrada libre EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA NIRVANA/ FERNANDO MONTIEL Lugar: Museo archivo de la fotografía Fecha: todo abril Costo: entrada libre REMEMBRANZAS DE LO COTIDIANO. LA VISIÓN DE GEORGE MILLAR Lugar: Museo archivo de la fotografía Fecha: hasta el 6 de junio Costo: entrada libre ESTACIONARTE 09 Lugar: Galería Torre del Reloj Fecha: del 23 al 27 de abril Costo: entrada libre

cine LA SOLEDAD Lugar: Cineteca Nacional Fecha: Del 1 al 26 de abril PROGRAMAS DOBLES El secreto de la pirámide, La vida privada de Sherlock Holmes, Milk, Slumdog Millionaire, ¡Socorro!, El Submarino Amarillo, El hombre lobo, El Hombre lobo en Londres, Jean de Florette, Manon del manantial, Si te dicen que caí, El rey pasmado, Tirano Banderas, Lisístrata, ParísTombuctu, R2 y el caso del cadáver sin cabeza.

Lugar: Cineteca Nacional Fecha: Del 1 al 26 de abril PRIMEROS FILMES 7 años, 13 m2, ¡Barakat!, Todo está perdonado, El nacimiento de los pulpos, En las cuerdas y La cabeza de mamá.

Lugar: Cineteca Nacional Fecha: Del 19 al 26 de abril

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SFIV cuenta con varios modos de juegos: Arcade Mode

Street Fighter IV Distribuidor: Capcom Género: peleas Consola: Xbox 360 y PlayStation 3 Fecha de salida: febrero 2009 Clasificación: T

★★★★★ En 1991, un juego invadió las arcades del mundo para cambar la historia de los juegos de pelea, creando una escuela que al día de hoy se rige, al menos en sus bases, a lo que cimentó a inicios de los 90: Street Fighter II había nacido. Las versiones para consolas de este popular título se convirtieron en el juego más vendido por Capcom en toda su historia hasta el 2008.

Hoy llega el siguiente capítulo de la serie con una jugabilidad que nos hace recordar al viejo SFII con algunas implementaciones de SFIII, pero dosificado con unos visuales en tres dimensiones que te dejarán con la boca abierta. El nuevo rey de los juegos de pelea en 2D ha llegado.

Lo primero que notaremos es que, a pesar de contar con gráficas en 3D, la acción se lleva a cabo en 2D. Todo es arriba, abajo, izquierda y derecha.

Simple, sencillo y muy efectivo. SFIV regresa al esquema clásico de seis botones, tres para patadas y otros tres para los puños, cada botón se divide por su fuerza (débil, medio y fuerte). La combinación del gamepad y los botones son en gran parte los culpables de que nuestros dedos se ampollen, pero la gratificación de humillar al oponente con movimientos especiales, no tiene precio. La primer novedad en el aspecto de la jugabilidad la encontraremos de inmediato con los llamados Focus Attack, que al momento de activarlo, se absorben los golpes adversarios, que sí causan daño aunque la energía perdida se recupera paulatinamente, y cuando se libera el ataque funciona como counter. Las posibilidades de usar este tipo de ataque son muy amplias, ya que puede usarse en todo momento, incluso para cancelar algunos movimientos. La segunda gran novedad en el sistema de juego son los Ultra Combos, movimientos que activan secuencias visualmente atractivas, y destructoras para el oponente. TXT:: Carlos Gutiérrez.

Es para uno o dos jugadores y es el clásico modo de historia donde vemos los propósitos de cada peleador para entrar al Torneo Mundial de Peleas, contado, al principio y al final, con dibujos animados estilo animé. Lo más interesante es que resulta posible activar la funcionalidad de Arcade Fight Requests, que al estar en línea nos permite ser retados por cualquier persona de Xbox Live o PSN (de acuerdo a la consola). Es casi lo mismo que cuando estábamos en las arcades y llegaba alguien para meter su moneda y retarnos un par de rounds. Lo único que se extraña es la cara de humillación del oponente por cometer dicha osadía… en mi caso sería la cara de victoria de mi oponente por quitarme la oportunidad de seguir jugando. Por supuesto, este sistema se puede desactivar para no ser molestado.

VS Mode

Nada se compara con la experiencia de invitar amigos a echar la reta y rolar los dos controles para combatir uno a uno seleccionando personajes y escenario. Se puede ajustar el handicap de los peleadores, para hacer más parejo el combate. Una sola persona puede jugar en este modo contra el CPU, pero pierde todo sentido.

Network Battle

Se puede participar en peleas ranqueadas entre jugadores sin que afecte el ranking, y aceptar o mandar invitaciones para tener encuentros violentos cara a cara con amigos conectados. Las peleas que tuvimos, en su gran mayoría se llevan a cabo con muy poco, casi nada, de lag. Depende mucho de la conexión entre ambas personas, pero Capcom se las ha ingeniado para llevar en línea uno de los juegos más rápidos y completos de combate uno a uno.

Challenge Mode

El lugar para romper récords de tiempo, sobrevivir a la mayor cantidad de enemigos posibles con una sola barra de vida, y aprender los movimientos y combos de los personajes mediante pruebas de habilidad.

Training Mode

Nada como un poco de práctica para refrescar la memoria o para aprender el sistema de juegos. Indispensable en juegos de pelea.

El apartado gráfico simplemente se tiene que ver para creer. Las capturas del juego no le hacen justicia al detalle de los personajes. Las animaciones fluyen con naturalidad y el estilo de Daigo Ikeno, diseñador del juego, aparenta como si los personajes estuvieran trazados a mano. No hay detalle que no esté perfectamente sincronizado, incluso cada frase de victoria se sincroniza con los labios de los peleadores, ya sea en inglés o japonés.

Hacía mucho tiempo, un juego de peleas no tenía esta calidad. Los disfrutarán los novatos en el género, como los viejos conocedores de Street Fighter. TXT:: C.G.

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Entrevista con Collin Ferris, Gerente de Producto de Capcom

Resident Evil 5 Distribuidor: Capcom Género: acción Consola: Xbox 360 y PlayStation 3 Fecha de salida: marzo 2009 Clasificación: M

★★★★ La saga de Resident Evil se ha ganado a millones de jugadores alrededor el mundo, tan sólo hay que mirar los números. Al 29 de febrero del 2008, la franquicia había vendido 34.5 millones de juegos, así que es difícil pensar que Capcom dejará la franquicia pronto. Es así que llega Resident Evil 5, el primer juego para la actual generación de consolas y que hereda muchas similitudes de Resident Evil 4, abandonando un poco el género de terror y suspenso, en favor de la acción en tercera persona.

En el juego comienzas como Chris Redfield, quien originalmente apareció en el primer Resident Evil. Sin embargo, ahora Chris nunca estará solo, sino que una mujer de nombre Sheva Alomar lo acompañará durante toda la campaña. Los dos protagonistas de RE5 pertenecen a la unidad la Alianza para la Seguridad contra el Bioterrorismo (BSAA, por sus siglas en inglés).

La primera vez que le des una vuelta a RE5, sólo podrás elegir a Chris, pero como suele hacernos Capcom, una vez terminado, Sheva estará en una nuestra disposición. Es muy importante hacer mención que el juego, aunque disfrutable en solitario, está pensado para jugarse en parejas en modo cooperativo en línea, a pantalla dividida o conectando dos consolas.

Resident Evil 5 es muy parecido a Residente Evil 4. ¿Qué novedades encontraremos, con respecto a la entrega anterior?

CF: Las principales mejoras son obviamente las nuevas gráficas, que son posibles gracias al hardware de la actual generación de consolas, pero también el modo cooperativo es algo en lo que nos tratamos de enfocar y que la gente lo está haciendo en línea actualmente. Sin embargo, no quisimos limitar a que sólo se pudiera jugar el modo cooperativo en línea, sino que implementamos una pantalla dividida o usando dos consolas con el system link. ¿Qué tal el modo de un jugador?

El modo de un jugador es tan bueno como el cooperativo, aunque personalmente prefiero el cooperativo porque me da oportunidad de jugarlo con amigos. Pero aún así, hemos implementado una gran inteligencia artificial que te ayudará en el juego a resolver los problemas que vayas encontrando.

Los fanáticos de la serie, que son muchísimos, se sentirán contentos de batallar con los zombies de toda la vida, de contar con un inventario limitado, de curarte con aerosoles y hierbas y de no poder disparar mientras se mueven. Sin embargo, se ha dejado un poco de lado el factor suspenso por un enfoque de más acción y siendo honestos, eso no es malo.

¿Por qué la serie pasó de ser horror para convertirse en un título de acción?

Básicamente el cambio fue por la historia, es decir, conforme se iba progresando en los primeros juegos nadie sabía lo que estaba por suceder.

Ahora todo el mundo lo sabe y probamos un poco de eso en Resident Evil 4.

Hoy los personajes están preparados con armas y otras cosas para hacer un juego de acción.

Los niveles están muy bien diseñados, dándole un seguimiento a la acción de manera constante. Además, se le ha puesto especial énfasis al combate mano a mano, incluso ahora hay pequeños combos que mezclan armas de fuego, blancas y puños y patadas.

¿Los jugadores primerizos disfrutarán el juego?

Totalmente, incluso hemos puesto entre las pantallas de carga, pequeños textos con la historia de Resident Evil que seguramente serán de utilidad.

Además, actualmente, ¿quién no conoce Resident Evil?

Visualmente, RE5 luce impresionante. Se trata de uno de los juegos mejor detallados hasta la fecha; los efectos de iluminación y las texturas en alta resolución logran recrear ambientes atractivos y al mismo tiempo capturan el temor de dos héroes que tratan de descubrir el virus que ocasiona que la gente se vuelva zombie. RE5 es un gran juego, pero no esperes terror, en cambio encontrarás acción, mucha acción. TXT:: C.G.

¿Por qué deberíamos de comprar Resident Evil 5?

Porque es el mejor juego creado (risas). No, bueno, en realidad es un título fantástico y es el que se ve mejor en este momento, además se ha integrado muy bien la historia con la jugabilidad y será del agrado de los fanáticos de Resident Evil, así como de los nuevos jugadores que entren a este universo por primera vez. TXT:: C.G.

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g r e b n e y e Walter M Bienvenido al pilón, si eres de quienes leen las revistas de atrás para adelante, pues esta es la primera sección que te encuentras, de lo contrario es la última, en ambos casos estás en el espacio donde cada mes entrevistamos a alguien que destaca por estar detrás de los escenarios apoyando distintas manifestaciones artísticas.

Walter Meyenberg inició su carrera en la música, ha pasado y conoce lo difícil que es desarrollar cualquier tipo de proyecto en nuestro país.

Promotor y creador de conceptos hasta la realización de cada uno de los proyectos.

Desde hace unos años, decidió dar una vuelta de tuerca para dedicarse a promover y desarrollar espacios culturales y recreativos como el Cine Abierto Condesa, la Botica o el Salón Conde, por mencionar algunos.

Su trabajo se genera en The Toilettes Design Studio, (thetoilettesdesign.com) un despacho que ha creado imágenes y conceptos únicos. Su gusto y facilidad para relacionarse con la gente, lo han hecho la persona ideal para lograr el toque especial de infinidad de lugares que van desde hoteles, hasta restaurantes, galerías y antros.

Aquí lo que comentó para Marvin. ¿Quién es y qué hace Walter Meyenberg?

Músico de profesión, ahora empresario, siempre comprometido con el trato humano y las relaciones.

Formar parte de un despacho de diseño implica desarrollar conceptos, ¿qué les interesa mostrar a ustedes?

Entender lo que los clientes quieren transmitir; nuestro trip es comunicar en imágenes lo que la banda tiene en la cabeza.

Uno de los slogans que más nos llaman la atención es el de “elegancia casual”. ¿cómo lo definirías?

Algo así como José Luis Rodríguez “El Puma “ comprando en un Deli. ¿Qué es lo que más te gusta de tu chamba? ¿Qué lo que menos?

El trato con la gente y que hago lo que quiero.

Que se llama trabajo.

Nos gustaría saber tu opinión de la escena musical en México.

Pobre, triste y estancada ¿Qué haces cuando no trabajas?

Escucho música, cocino y planeo un nuevo proyecto.

Platícanos tus planes a futuro.

Crecer como persona y tener tiempo libre. M