Presidente :: Cecilia Velasco Martínez ceci@revistamarvin.com Publisher :: Manú Charritton manu@revistamarvin.com Editores :: Cecilia Velasco Martínez :: Humberto Polar hpolar@revistamarvin.com Coordinación Editorial :: Vicente Jáuregui vicente@revistamarvin.com Coordinador de contenido web: :: Carlos Jaimes carlos@revistamarvin.com Dirección de Arte :: Sandra González D. Diseño Gráfico :: Edgar Vixama Coeditor de música :: Vicente Jáuregui :: Jorge "Negro" Hipólito Coeditor de cine :: Juan Patricio Riveroll Coordinador de moda :: Esteban Arzate Administración :: Emmanuel Cortés Martínez :: Agustín Reséndiz Publicidad :: Tony Romay tony@revistamarvin.com PR y publicidad :: Delhy Segura delhy@revistamarvin.com Consejo Editorial :: Marisol Argüelles :: Gabriela Fenton :: Roberto Garza :: Camilo Lara :: Eliana Pasáran :: Humberto Polar :: Nacho Rettally :: Jaime Romandía :: Joselo Rangel :: Carlos Verástegui Colaboradores en este número:: Benjamín Acosta, Esteban Arzate, Fernando Benavides, Viviane Bulhosen Elias, Mariana Cerrila, Ingrid Constant, Andrés Díaz, el d1eg0, Cynthia Franco, Arthur Alan Gore, Carlos Gutiérrez, Óscar G. Hernández, Juan Carlos Hidalgo, “El Jergas”, Chico Migraña, Mildred Pérez, Juan Patricio Riveroll, Andrés Sánchez–Juárez, Rafael Toriz, Francisco Zamudio. Fotografía:
Carlos Álvarez Montero, Cynthia Franco, Arturo Lara, Daniel Patlán.
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Habíamos preparado con meses de anticipación nuestra edición sobre el Black Power para poder (¡finalmente!) rendirle un homenaje a nuestro guía espiritual Marvin Gaye. Pero Michael se murió y, una vez más, maldito destino, Marvin Gaye no estará en la portada. Alguien preguntará: ¿Por qué no ser originales y poner a Marvin Gaye en portada, sobre todo cuando Jackson ha estado en cuanta revista, portal o pasquín se ha publicado en los últimos dos meses? Es simple. La muerte de Michael Jackson, como la de Lennon, la Tercera Guerra Mundial o la Segunda Venida de Cristo, deben quedar registradas en nuestras vidas sin miramientos ni sutilezas. Sí, fue el Rey del Pop, el hazme reír de millones de cínicos y el ídolo de una generación que hoy no se siente cómoda en ningún género musical. Pero en Marvin no podemos dejar de anotar que fue, sobre todo, un músico. Y en ese rol, hizo cosas que hoy todos vemos como el pan de cada día y a veces no llegamos a dimensionar, pero no por ello dejan de ser abrumadoramente históricas. Una vez más, Marvin, perdónanos. M Humberto Polar.
Thalía Güido
Jamás imaginó estar aquí. Fanatismo, fe y devoción a la buena música y a las letras la trajeron hasta las puertas de Marvin, por lo que estará eternamente agradecida (a pesar de que la primera vez que vino se perdió). Actualmente estudia comunicación aunque nunca se dejará de preguntar: ¿Por qué no filosofía?. Entró en depresión cuando Michael Jackson murió ya que nunca le reveló la verdadera ubicación de Nunca Jamás y la dirección de Peter Pan, el niño de verdad. Tiene la sospecha de que la vida sabe a mandarina y una gran obsesión por la sopa de tortilla. Desde hace 20 primaveras sufre de dispersión extrema y de ser la tocaya de la cantante que se quitó la costillita…
Orlando Oliveros Nunca he sido bueno para describirme, no sé cuales son los calificativos adecuados para no sonar pretencioso, creo que melómano, cinéfilo, geek y necio son los adjetivos que mejor me quedan. Mi necesidad por tener “algo que ver” con los rubros mencionados me llevó a estudiar comunicación en la UNAM, y después de mucho trabajo, tiempo, y sobre todo necedad, he logrado mis objetivos. En estos tiempos he tenido la suerte de que los dioses del rock me hayan invitado a caminar por su sendero… ya va siendo tiempo de que inviten unos tragos.
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música_ 16Amanda Palmer. I’m not the one that’s crazy. 18 Afrika Bambaataa y la Zulu Nation o cómo se gestó el hip hop. 20¿Quién fue Marvin Gaye? 22Autokratz. Entrevista exclusiva. 24Gustavo Cerati para Latinoamérica. 26Yo la tengo: tan chick y tan popular. 28Arctic Monkeys. La evolución de los monos. 30El poder de la negrura. 326 grados. El Black Power en el rock. 42 En Portada Michael Jackson. La última leyenda del pop.
60 De Culto
El oscuro. Un reencuentro con Miles Davis.
66 Alter Ego
Signal de Luxe. Poniendo el ejemplo.
cine_ 52 El sótano
Viajes crónicos.
54 Expresión en corto. ¿El cine ha muerto? 62 De Culto
Hacer lo correcto en las calles de Nueva York: el cine de Spike Lee.
arte_ 56 Billy The Artist. Y el tiempo gira alrededor del arte. 62 De Culto
Abdul Mati Klarwein. El más famoso desconocido.
de fondo_ 36 El negro mexicano. 38 Black Power: una reivindicación incisiva. 40 El culto de ganja.
otros_ 6 Buenas Nuevas Noticias de música, cine, arte y moda. 14 Estilo J&B en Transilvania. 34 La Lógica del Perro La estupidez. 48 Moda Hit the road. Reseñas 68 Música 73 Cine 74 Libros 75 Cómics 76 Gamer 78 Dixo Dixit Y a ti, ¿dónde te agarró la muerte del Rey? 79 Links recomendados por “El Jergas” 80 El Pilón Si Dios fuera negro.
Una vez que hayas leido y disfrutado el contenido de esta edición, no me tires, mejor aprovecha mi papel reciclable, rólame o comienza a coleccionarme. M
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Cabo San Roque
Una lavadora polifónica con cadena de bicicleta es el instrumento principal de una agrupación que genera música con otros 40 artefactos sonoros en un interesante proyecto llamado Cabo San Roque. Ellos platicaron con nosotros sobre la historia y las curiosidades de esta peculiar agrupación.
Expresión en Corto
Los mejores filmes de la pasada edición de este festival en nuestra sección Más Más Más.
AlterEgo
Este mes en el podcast: Argenis Brito y Goldfinger Además, gana pases para las noches AlterEgo y entérate de quién será el DJ invitado que acompañará a Monopolar y Razz para llevar la fiesta a lo más alto en el AM.
Esencia Marvin
¡Que siga la fiesta! Entérate de quién será el grupo invitado y descubre cómo ganar entradas para nuestra próxima fiesta Esencia Marvin en El Imperial.
Marvin TV
Entrevistas exclusivas con Paté de Fuá.
Radio Marvin
No te pierdas nuestra programación musical. El rock en todas sus variantes y la música que quieres escuchar de lunes a viernes en Radio Marvin.
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as Trivi
TCM y Marvin te regalan el DVD Roger Waters—The Wall: Live in Berlin. Averigua cómo ganarlo.
Todo esto, más las secciones que ya conoces, noticias de interés, foros y regalos.
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s a n e bu vas nue Zoé
Vive Latino 2009 TXT:: Carlos Jaimes. FOT:: Cynthia Franco. Los pasados 27 y 28 de junio se llevó a cabo la décima edición del Vive Latino. Una celebración que dio inicio el sábado a mediodía con el rockabilly de Los Gatos en el escenario principal. Así comenzó una intensa jornada que nos trajo actos para recordar con bandas como Hello Seahorse!, Zoé, Monocordio, Disco Ruido, Los Bunkers, La Lupita, Ritmo Peligroso, entre muchas otras que dieron prueba del talento y la creatividad que existe en la escena rockera de nuestro país. Una vez más, la puesta de sol anunciaba el intenso cierre de la primera fase y una explosión de energía que en esta ocasión se dio a ritmo de La Castañeda. Para el día siguiente, el festival despertó con los acordes de The Satura en el Escenario Rojo, y aunque el clima aquel domingo no fue del todo amigable, la intensa lluvia que caía por ratos, fue sólo un pretexto para poder bailar sin inhibiciones con artistas y bandas como: Fidel Nadal, Los Caligaris, Silverio, Adanowsky, Guillotina, Yokozuna, Salón Victoria, Molotov o Los Fabulosos Cadillacs. La fiesta terminó cerca de la media noche con el ritmo de Fusible + Bostich en el escenario principal. Es importante destacar la actividad de la Carpa Intolerante, un escenario que dio cabida a interesantes proyectos alternativos como: Fractales, Los Dorados, Paté de Fuá, Alonso Arreola, Anita Tijoux, Jaramar, entre otros.
Depeche Mode
Yeah Yeah Yeahs
Lollapalooza alcanza la mayoría de edad
Lou Reed
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Para ver videos y más fotos de Lollapalooza 2009 visita: www.marvin.com.mx
TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: Cecilia Velasco. Hace 18 años, el inquieto Perry Farrell ideó hacer una gira por varias partes de EU para despedir a Jane’s Addiction, y quizá nunca se imaginó las dimensiones que su aventura alcanzaría. El verano pasado entrevistamos a Perry para hablar de sus muchos proyectos, y en esa charla todo indicaba que una presentación de Jane’s era imposible. Cuando supimos que la banda se reunía para cerrar el Lollapalooza 2009, fue una gran sorpresa sólo igualable con la noticia de que Tool también formaría parte del cartel. Luego de varios años de ausencia, los autores de “Stinkfist” demolieron el escenario. Su presentación hubiera sido perfecta con Maynard al frente como el alucinante frontman que es, y no recluido detrás de la potente batería de Dany Carey. Es imposible ver a todas las bandas y de hecho, la programación te orillaba a elegir entre Kings of Leon y Depeche Mode, Tool y los Yeah Yeah Yeahs, o Deerhunter y Lou Reed. Dentro de lo que vimos hubo de todo. Comencemos con la belleza coral folky que entregó Fleet Foxes, el desenfado veterano de Gomez, Vampire Weekend y su divertida manera de poner a bailar al personal, The Decemberist con una alineación tipo orquestal, los Arctic Monkeys estrenando material, o la peculiar inventiva de Andrew Bird. Es curioso que los actos más interesantes tenían poca audiencia, tal fue el caso del noise pop danés de los Raveonettes, el alucín sonoro que Deerhunter logra plasmar en vivo, así como el tremendo groove de Santigold. Mención aparte para la emotiva y potente presentación de los Silversun Pickups, así como para el show que Depeche Mode ofreció durante dos horas. Por otra parte, hay bandas que prometían mucho y se quedaron en el medio. Tal fue el caso de Animal Collective, quienes se aventaron media hora de improvisación desangelada. Bat for Lashes no lo hace mal, pero la voz de Natasha Khan juega muy cerca de Björk y Fionna Apple. Cold War Kids no lograron conectar con el público y Lykke Li sería mejor sin el dramátismo escénico que desentona con su música. Las opiniones sobre Lou Reed estuvieron divididas entre los amantes y los detractores del feedback. Los Killers atiborraron el escenario principal, pero a quién le importa esa banda cuando del otro lado Jane’s Addiction tocaba clásicos como “Stop”, “Been Caught Stealing”, y una versión de “Jane Says” con Joe Perry de Aerosmith en la guitarra acústica. Ahora que Lollapalooza cumple su mayoría de edad, cabe destacar que su alineación sigue siendo saludable en tanto ecléctica. Aunque ahora resulte anacrónico hablar de una “nación alternativa”, Lollapalooza se mantiene como el festival que reúne más bandas que representan esa nación gestada hace 18 años.
MÚSICA
BUENAS NUEVAS www.marvin.com.mx
TXT:: Ferver Isita Huerto.
Y todo empezó con un “Yo voy a Transilvania” Despegamos de México cargando nuestras maletas J&B y el kit de supervivencia Transilvania. Al arribar a Bucarest tuvimos la primer cena y precopeo. ¡La maratónica fiesta había empezado! Visitamos el castillo del Conde Drácula donde nos recibieron dos vampiresas y un buen cocktail para calmar nuestra sed sangrienta. Una vez conocido el castillo regresamos al jardín hasta que tres helicópteros nos llevaron a la gran fiesta J&B en el castillo de Cantacuzino. Ahí nos encontramos en medio de 400 personas de todo el mundo luciendo looks extravagantes y divertidos. La música arrancó con un grito y una excelente mezcla de electro-beats de Glass Candy. Los salones ya albergaban barras repletas de J&B y de diferentes espacios exclusivos para los bailes del interior en una fiesta tipo “la danza de los vampiros”. La gente no dejaba de brincar con los veteranos Gus Gus quienes desgarraban con sus voces pegajosas. La fiesta siguió hasta las 9 de la mañana. Cuando llegó el día regresamos a Bucarest donde asistimos a una cena de gala. Después, sin perder la actitud de fiesta, nos fuimos a celebrar la gran noche y terminamos en un casino apostando los últimos días del viaje para llegar “en vivo” al avión que nos trajo de regreso a casa. Gracias Diageo y J&B , espectacular!!!
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MÚSICA
FOT:: Arturo Lara
FOT:: Daniel Patlán
Cuarta Fiesta Esencia Marvin TXT:: Carlos Jaimes. El pasado 5 de agosto celebramos nuestra cuarta fiesta Esencia Marvin en El Imperial. En esta ocasión Bengala fue la banda estelar invitada, quienes hicieron rockear al público asistente con un playlist integrado en su mayoría por piezas desprendidas de su más reciente producción Oro, aunque no faltaron éxitos como “Carretera”, “Tírate” y “Abril O´neil” de su primer álbum. Diego y compañía ofrecieron una presentación que quedará para el recuerdo de estas fiestas, la voz del público se sumó en coro durante casi todo el show a las canciones que interpretaba la banda capitalina, que en su mayoría eran fans del quinteto. Por su parte, “El Jergas” de Reactor y DJ Mucsi de Syntheticrocks siguieron la fiesta con sus Dj sets que hicieron bailar a la comunidad, presente en ambos pisos del salón hasta las 3 de la mañana. La próxima fiesta se celebrará el 2 de septiembre. Esperamos nuevamente contar con la presencia de lectores, amigos y camaradas dispuestos a celebrar una nueva edición de Esencia Marvin.
Polar y Razz
Fiesta Alterego Marvin 10
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El pasado sábado 15 de agosto vivimos otra intensa noche de nuestras fiestas internacionales ALTEREGO en el club AM, junto a Líneas de Nazca, quien desde Berlín nos acompañó gracias al apoyo del tradicional vodka Smirnoff. La noche comenzó alrededor de las 11 de la noche con el DJ set de Razz y Monopolar, en modalidad Back to Back (b2b), quienes alimentaron de groove la pista mientras, minuto a minuto, la noche iba tomando color. Ya más avanzada la fiesta, Líneas de Nazca se hizo presente y fue armando la pista, comenzó suavemente con minimal hasta llevarnos al fervor del techno y del baile. Su set se extendió hasta las cuatro y media de la mañana, momento que Razz tomó el mando nuevamente y no perdonó a nadie. Sacó todo su arsenal de discos de techno y break beat para sacudirnos con un set demoledor hasta pasadas las 6 AM, hora en que debió terminar la fiesta. Cabe destacar que nadie se había movido hasta que Razz quitó la aguja del ultimo vinilo. Una vez más disfrutamos de una noche con música, fiesta y guapas bailarina ubicando a ALTEREGO como una de las fiestas con piso propio en la ciudad.
Para enterarte cómo, cuándo y dónde serán nuestras próximas fiestas de Alterego y Esencia Marvin, visita: www.marvin.com.mx
Blur “Welcome to the ParkLife” TXT:: Jorge “negro” Hipólito. FOT:: Bambol. Viernes 3 de julio, Londres Inglaterra, Hyde Park. Blur, la emblemática banda del britpop que fue nuestra portada en la edición julio-agosto, está por dar su segundo concierto en esta ciudad. Son las 8 p.m. y suenan los primeros acordes de la guitarra distorsionada que preceden a “She So High”. El momento ha llegado, tras 9 años de separación revive la leyenda con un concierto de más de dos horas en el desfilan los hits que los hicieron ser una de las bandas más importantes de los 90. “Girls and Boys”, “Parklife”, “Coffee and TV”, son algunos temas que nos recuerdan por qué hemos cruzado el Atlántico sólo para verlos. Así llega el momento del encore, y antes de “Song 2” y “The Universal” Damon agradece a todos los presentes. El final de la noche ha llegado. Cansados pero muy felices nos dirigimos a la puerta en busca de la estación del metro. Hoy hemos visto un concierto que dentro de 40 años seguramente será recordado como una gran y muy especial noche. Gracias Deb, gracias Ceci. Para leer esta nota completa, así como ver los videos y las fotos del concierto, visita www.marvin.com.mx
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CINE Ray Ban te invita al estreno de Tarantino Short Shorts Film México
Ray Ban te invita a ver antes que nadie, la nueva película de Quentin Tarantino, Bastardos sin gloria. Compra unos lentes Ray Ban Polarizados entre el 15 de septiembre y 10 de octubre en Kauffman Ópticas o Stanza Gafas de Sol y llévate una invitación doble para la premier de Bastardos sin gloria. Válido únicamente en el Distrito Federal y Guadalajara. Sujeto a disponibilidad.
Roger Waters The Wall: Live in Berlin
Del 3 al 11 de septiembre se llevará a cabo el Short Shorts Film Festival México en la Cineteca Nacional y 4 sedes del complejo Cinemex. Igual que los años anteriores habrá las secciones México Cine, México Video e Iberoamericana. Además, habrá muestras asiáticas, japonesas e internacionales, retrospectivas y programas especiales. En sus ediciones anteriores el Short Shorts Film Festival México ha presentado cientos de cortometrajes de todo el mundo, ha programado retrospectivas y homenajes a grandes directores como George Lucas, Carlos Carrera, Roman Polanski, Aki Kaurismaki, Christoffer Boe y Krzysztof Kieslowski. También ha proyectado largometrajes compuestos por cortometrajes de prestigiosos cineastas como Carlos Reygadas, Lucrecia Martel, John Woo, Ang Lee, Alejandro González Iñarritu, Alain Resnais, Wong Kar Wai, Takashi Miike, Steven Soderberg, Michelangelo Antonioni, Tom Tikwer, Christopher Nolan, Fatih Akin, Lukas Moodysoon, Alexander Aja, Francoise Truffaut y Peter Greenaway sólo por nombrar algunos. Por si fuera poco, Short Shorts Film Festival cuenta con un circuito universitario durante todo el año donde se presentan las producciones participantes del festival, y cuenta con un Tour Nacional por ciudades como Guadalajara, Monterrey, San Luis Potosí, Zacatecas, Puebla, Fresnillo y Toluca y un Tour Internacional en Nueva York, La Habana, Madrid, Sydney, Adelaide, Tokio, Melbourne, Buenos Aires y Vancouver. No te pierdas la oportunidad de ver los 200 cortos de la muestra durante el mes de septiembre.
This is It de Michael Jackson
A partir de julio, el canal de clásicos del cine TCM comenzó a proyectar contenidos musicales. Durante el pasado mes de agosto programó la legendaria presentación que Roger Waters hizo en 1990 a propósito del aniversario del la caída del muro de Berlín. El concierto contó con un coro de 100 participantes, 150 extras e invitados de la talla de Van Morrison, Sinead O’Connor, Ute Lemper, Cindy Lauper, Bryan Adams, Scorpions y Joni Mitchell, quienes dieron vida a clásicos como “Another Brick in the Wall”, “Mother”, “Goodbye Blue Sky”, “Hey You”, “In the Flesh”, “The Thin Ice”, “Is There Enybody Out There?”, “Run Like Hell” y “Comfortably Numb”. Si te lo perdiste en TV, Marvin y TCM te regalan dos ejemplares en DVD del concierto. Visita www.marvin.com.mx para conocer los detalles de la trivia.
Luego de un periodo de especulaciones por fin se anunció una sorpresa para el próximo Halloween: el 30 de octubre se estrenará This is It, una película que refleja los últimos momentos de Michael producida con el apoyo de los Beneficiarios de Michael Jackson, y que por el momento se está editando a partir de varias horas de ensayos y escenas de backstage donde muestra la preparación de Michael para una serie de conciertos en Londres. Con algunas escenas en 3-D, el film presentará una retrospectiva de su carrera, además de entrevistas con algunos de los amigos y colaboradores más cercanos a Michael. Los beneficios y lo recaudado por el lanzamiento de la película beneficiará el Michael Jackson Family Trust, entidad que el Sr. Jackson dejó estipulada en su testamento para recibir todos sus bienes y ganancias.
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ARTE
Antony Gormley Invade San Ildefonso
TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: cortesía del artista, Sean Kelly Gallery, New York and Jay Jopling / White Cube London. La reflexión en torno al cuerpo humano y su relación con el medio ambiente ha sido explorada por varios artistas a lo largo de la historia. Sin embargo, el uso de materiales como hierro, cemento, pan o cera han hecho del escultor británico Antony Gormley uno de los artistas ingleses más importantes de los últimos veinte años. Sus instalaciones son impresionantes en tanto son de carácter monumental y dramático, tal como lo atestigua la pieza Firmament, que con sus casi 2,135 elementos de acero y 1,238 esferas ocupará el patio principal de San Ildefonso. Detrás de sus grandes formatos anidan investigaciones sobre las masas, el cuerpo colectivo y su interrelación. Además, hay un interés por mostrar cómo es que el ser humano “se orienta espacialmente, cómo reacciona ante la desorientación, cómo se relaciona con la arquitectura y con el entorno construido”. Cabe resaltar que uno de los atractivos de visitar la exposición de Anthony es romper la división entre obra y espectador, ya que según explica, “nunca me he interesado en hacer estatuas (…) lo que trato de mostrar es el espacio en el que estuvo el cuerpo, no representar al cuerpo mismo”, en ese sentido el artista busca llegar al ser interior del espectador para que éste logre navegar los espacios dejando atrás una actitud pasiva, para finalmente fundirse con la obra. La exposición de Anthony Gormley estará en el Antiguo Colegio de San Ildefonso desde el 20 de agosto hasta el 1 enero del 2009.
La Fura dels Baus presenta Boris Godunov FOT:: cortesía de OCESA. Luego de cinco años de ausencia en nuestro país, regresa a México la compañía teatral catalán La Fura dels Baus para presentar su nuevo y frenético montaje llamado Boris Godunov, una reflexión en torno a la tragedia del terrorismo inspirada en los hechos reales que ocurrieron en el teatro Dubrovka de Moscú (23 octubre del 2002), durante una presentación del musical Nord-Ost. Ese día, terroristas chechenos que exigían la salida de las tropas rusas de Chechenia, mantuvieron a 900 personas como rehenes durante dos días y medio. Con la intervención de las fuerzas especiales rusas, el saldo mortal fue de 130 rehenes y 41 extremistas. La puesta en escena de la Fura intenta entonces mostrar lo que experimentaron los rehenes en el teatro de Moscú mediante un género conocido como docudrama. Con elementos muy sencillos como mesas y sillas, la escenografía que podremos contemplar en la Ciudad de México, rompe con la tradicional forma entre público y escenario. 23, 24 y 25 de septiembre, Teatro Metropólitan.
La década obscura: una aproximación a la cultura Gothic Rock TXT:: Arthur Alan Gore. En definitiva, no debe su nacimiento a la generación espontánea. El rock gótico tiene un origen, un padre y una madre que a la vez son la misma persona. El punk plantó la semilla, pero el tiempo se encargó de vestirlo de negro, de quitarle la rabia social y dotarlo de un carácter existencialista, fúnebre y plagado de nihilismo, tal como este texto lo apunta. Así llegamos al post punk ochentero, a Joy Division y la infección que Ian Curtis y compañía desatarían y que en la mejor tradición pandémica, comenzó a manifestar síntomas en casi todos los países del planeta. Pero primero fue Inglaterra, con sus The Cure, Souxsie, Bauhaus y Sisters of Mercy, criaturas a las que el historiador madrileño Fernando O. Paíno revisa en su “obscuro” texto. Plagado de anécdotas, datos inéditos y un archivo fotográfico deslumbrante, el libro resulta imprescindible para acercarse a un género musical que supera ya los 30 años de existencia y que, sin embargo, no ha parado de pintar de negro a la cultura.
O
MODA
BUENAS NUEVAS www.marvin.com.mx
con
de otoño
Se acabó el verano, pero llegan las colecciones de otoño/invierno. A continuación te presentamos algunas colecciones de importantes marcas como Camper, Nautica, LesportSac. Así digamos adiós al verano, hola al otoño.
Camper
reinventando sus clásicos Construida gracias a colaboraciones entre diseñadores, artistas, ilustradores, diseñadores de interiores, publicistas, la marca de calzado Camper (campesino), nos remite a la historia, la cultura y el paisaje mediterráneo, combinando métodos tradicionales con nuevas ideas estéticas para diseñar productos basados en la creatividad y la funcionalidad. Ahora con dos tiendas en la Ciudad de México (Perisur y Santa Fé), te presentamos algunos modelos de su divertida e irónica colección otoño/invierno.
LeSportSac
maletas para hombres La marca norteamericana LeSportSac, conocida por ser la quintaesencia de la moda casual en cuanto a mochilas de nylon se refiere, acaba de lanzar su nueva colección otoño/ invierno para hombre y mujer. Todos los modelos son tan prácticos como refinados y encontrarás una mochila adecuada para cualquier actividad, sean negocios, viaje o trabajo. Hay modelos y colores para todos los gustos, y por supuesto con los detalles que han hecho de LeSportSac todo un trendsetting en el mundo de la moda casual.
Náutica
prendas atemporales y clásicas El otoño se acerca y Náutica le da la bienvenida con su colección otoño/invierno, caracterizada por ofrecer gran calidad, personalidad y versatilidad. En su nuevo catálogo hay todo: los básicos con su clásica inspiración marítima, abrigos y chamarras para protegerte de las lluvias, camisas, blusas y vestidos rayados para ellos y ellas respectivamente. La colección carbon ocean ofrece diseños con colores oscuros y elegantes, ideales para disfrutar exteriores fríos gracias a sus fibras aislantes. Te recomendamos ver también sus accesorios que incluyen relojes y gafas para manejar o disfrutar del sol, otorgando seguridad ante los rayos ultravioleta y al volante.
Las Páginas Verdes Quizá alguna vez han buscado algún artículo que ademàs de cubrir cierta necesidad, respete normas ecológicas y de desarrollo sustentable. En respuesta a la creciente demanda del público consumidor por encontrar artículos que además de cubrir necesidades de vestido, alimentación y servicios, respeten normas ecológicas y de desarrollo sustentable, surgen Las Páginas Verdes, la primera marca social en México que promueve un movimiento de consumo responsable. Para ello, esta empresa lanzó en 2008 un directorio con más de 1700 productos y servicios sustentables de 1200 empresas disponibles en nuestro país. La cantidad de empresas sumadas a este proyecto ha ido en ascenso. Por ello, Las Páginas Verdes publicarán en octubre la segunda edición de este directorio, ahora con más de 2, 000 productos aptos para el consumidor que ha tomado la decisión de “enverdecer” sus compras. Actualmente, pueden visitar el sitio www.laspaginasverdes.com y encontrar una extensa lista de productos y servicios creados con la conciencia de un consumo sustentable.
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Una noche de fiesta
en Transilvania
Como ya es costumbre de J&B, cada una de sus fiestas se ofrecen dentro de parajes tan sorpresivos como exóticos. Primero fue Capadocia, luego Sudáfrica y ahora tocó el turno a Transilvania, un lugar que recibió a invitados de todo el mundo en una celebración muy especial: el castillo del Conde Drácula. Si hacemos la ecuación y sumamos el sofisticado sabor del whisy escocés J&B a la elegancia del mítico castillo, como resultado tenemos una fiesta con mucho estilo donde el slogan J&B start a party? alcanza un significado de dimensiones únicas e insospechadas.
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I’m nonte the o crazy… that’s TXT:: Mildred Pérez. FOT:: Martin Foster.
Quizá recuerdes al dúo que abrió el primer concierto de Nine Inch Nails en México, en el Palacio de los Deportes en 2005. Nadie parecía saber quiénes eran, pero aun así, la vocalista Amanda Palmer y el baterista Brian Viglione capturaron la atención de todos. Hoy la banda se ha separado, y el éxito de Amanda Palmer como solista va cual viento en popa. “Dresden Dolls está terminado por el momento porque Brian y yo estamos profundamente involucrados en nuestros respectivos proyectos, pero cuando nos separamos dijimos que no seríamos capaces de dejar de tocar juntos para siempre, así que sólo es cuestión de tiempo para que esto pase. Yo creí que la banda seguiría un buen rato y que tal vez yo haría cosas sola con las canciones que no llevaran batería, pero Brian y yo empezamos a chocar mucho. Así fue como surgió mi proyecto solista, digamos que creció orgánicamente de todo eso y no como el resultado de una cuidada planeación”. La pianista de Boston fue contactada por su colega Ben Folds, quien produjo su disco debut, Who Killed Amanda Palmer?. El álbum salió a finales del 2008 y tuvo tan buena aceptación que en Coachella 2009 Amanda ya tenía abarrotada la Gobi Tent. Al final de su acto, ella surfeó en brazos de sus fans de un extremo de la carpa a otro, todo para tomar un ukulele y cerrar su show cantando entre la multitud “Creep” de Radiohead.
da Amanda ñar. Aman engañar. n enga dejen No se deje No se más r más mujer una muje sólo una no es sólo no es ando cantando ito cant pianito su pian con con su sas. melosas. s melo iones canc cancione Ella acostumbra interpretar covers en sus shows, y el día que murió Michael Jackson no fue la excepción, pues esa noche en Los Ángeles, la mujer que durante un tiempo fue una estatua humana (de ésas que abundan por las calles pero que pocas veces notamos) hacía homenaje al Rey del Pop con un excelente cover de “Billie Jean”. “No paso mucho tiempo pensando en qué covers haré, es totalmente al azar. De pronto oigo una canción que me gusta y, si puedo sacarla en el piano, la canto en los shows”. No se dejen engañar. Amanda no es sólo una mujer más con su pianito cantando canciones melosas; todo lo contrario. Ella habla con sarcasmo del aborto, hace videos que las cadenas de televisión se niegan a transmitir, e invitó a grandes músicos como la chelista Zoë Keating, la multiinstrumentalista Annie Clark (St. Vincent), e incluso al coro Via Interfiecere Choir of Nashville, para colaborar en su álbum debut. “He estado hablando con Sara Quinn de Tegan and Sara y fantaseando acerca de hacer algo con ella, pero no suelo pensar mucho con quién quiero trabajar, me gusta que las cosas pasen por accidente, usualmente ésa es la mejor manera que pasan las cosas, así que prefiero permanecer abierta y, cuando vea a alguien talentoso, no dejar que se me escape”. Vale la pena escuchar este disco que ha tenido poca difusión (o nula) en México. Violín, chelo, guitarra, piano y batería son algunos de los instrumentos que se usaron para armar esta producción que no ha dado a Amanda un solo centavo de ingreso. Sin embargo, su adicción a Twitter la ha ayudado a estar en constante contacto con sus fans y, además, a lucrar con objetos como un ukulele (que subastó a 640 dólares), un vestido púrpura que usó para el video “Operated Boy” de Dresden Dolls (USD400), una guitarra de Guitar Hero usada en el video de la canción “Guitar Hero” (USD250), entre otros objetos tan insignificantes como una botella de vino vacía (USD320). Amanda Fucking Palmer (como se refiere a sí misma en Internet) ha ganado más de 19,000 dólares subastando objetos personales en Twitter, y comúnmente se reúne con sus fans, ya sea en la red o en la playa de Los Ángeles. Siendo amiga de Trent Reznor (Nine Inch Nails), no estaría nada mal que él fuera el productor de su siguiente disco, pero según ella, “realmente no me he puesto a buscar un nuevo productor porque aún no tengo un nuevo disco planeado, pero tengo un enorme respeto por Trent, por lo que ha hecho, por lo que está haciendo creo que él es increíble, así que definitivamente no rechazaría esa oportunidad (risas)”. Hace unas semanas lanzó un libro con el autor de Coraline, Neil Gaiman, que también se titula Who Killed Amanda Palmer?; en el podrás ver “retratos que llevo tomándome desde mis veintes, y textos que escribió Neil para complementar cada imagen”. No hay límites para Amanda Palmer, quien considera que su música “es muy extrema. Mucha gente se sorprende cuando ve lo normal que soy, pero creo que es la música lo que me da estabilidad. Y por otro lado, tengo un sentido del humor muy enfermo y soy muy sarcástica, amo el hecho de que puedo usar la música para explorar sentimientos extremos”. M
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TXT/ ILUST:: Cynthia Franco. “Entré a una tienda de viniles y ropa de hip hoperos. Conocí a Shine y comenzamos a platicar; entre sus amables y cultas enseñanzas me mostró un video de UTFO, prueba de que los pantalones aguados y esa onda de majaderías sin cesar no es el verdadero rap ni hip hop, eso era style y no mamadas”. (cuerpodeuva.blogspot.com) Las opiniones que a veces encuentro navegando blogs, provocaron mis ganas de contar la historia de esta figura clave en el desarrollo e internacionalización del movimiento hip hop, la música negra y hasta de géneros dancefloor como electro y techno. Afrika Bambaataa (llamémosle simplemente Bam) fue el primero en usar el término hip hop para englobar todos los elementos que ahora ubicamos como parte de esta cultura: el graffiti, el rap, el break dancing, el DJing. La chica que escribió ese blog tiene razón, pero estoy segura que no sabe que Afrika está detrás y en los orígenes de esa música que tanto le gusta y de ese style del que habla. El amor a la libertad y el interés por ser siempre innovador fueron los motores de Bam en su carrera, que nació a partir de que incorporó cajas de ritmos y sonidos digitales al rythm & blues y otras formas de música negra. Su atracción hacia este mundo comenzó alrededor de 1973, cuando escuchó a los DJs del Bronx, Kool DJ Dee y Kool DJ Herc, poner en fiestas discos del icónico James Brown. Con estos antecedentes, situémonos en Nueva York, 1975. En ese tiempo y lugar ocurrió una proliferación de DJs y batallas callejeras de soundsystems; el éxito de los exponentes se media por la variedad de música que presentaran a la audiencia. Este parámetro hizo que a Bam le colgaran el título de “Master of records”, pues sus sets incluían reggae, funk, jazz y hasta música africana, ritmos que venían de los vinilos que desde pequeño comenzó a coleccionar, además de break beats. Muchos de estos episodios eran registrados en cassette tapes que luego se vendían cotizadamente. Se trataba del Black Power tirando puñetazos como reacción al exceso de música disco, que había desplazado al sonido funk de principios de los 70, procedente de bandas como Parliament, George Clinton y Sly & The Family Stone. Bam era un singular guerrero de una pandilla del Bronx: los Black Spades; esto dio como consecuencia que una audiencia establecida lo siguiera. Poco después, los Black Spades comenzaron a desintegrarse mientras sus fiestas ganaban popularidad y entonces formó la Soul Sonic Force, con miembros de esa comunidad. Algunos b-boys (break dancers) y cantantes se le unieron, y sus mezclas llegaron hasta Manhattan. Bam estaba logrando erradicar la idea de que la violencia era generada sólo por la gente de color, al hacer que los ex pandilleros canalizaran sus energías hacia algo positivo, y con ello comenzó a ganarse el respeto que lo llevo a ser considerado “el padre del hip hop”.
Es lógico que Bam luchara para enaltecer la cultura negra, pues siempre fue un apasionado de sus raíces. Y qué mejor forma de ser contestatario sin meterse en problemas con la ley sino través de su otra gran pasión: la música. La Soul Sonic Force creció al incorporarse a ella más DJs, rappers y artistas de graffiti: juntos convertían la ciudad en una fiesta de color y grooves frescos. Inspirado en sus estudios de historia africana, Bam rebautizó al grupo como Zulu Nation. Con la ayuda de personajes emblemáticos como Michael Holman organizador de gigs, productor y host de un piloto de televisión llamado Graffiti Rock, la voz del movimiento siguió extendiéndose, hasta que llegó a ser bien recibido por el público blanco en el club Mudd. El año de 1982 fue destacado: el fundador de Tommy Boy Records, Tom Silverman, se acercó a Bam. Esta asociación fue plataforma para darle otros alcances a la nueva escuela, por medio de la publicación de “Planet Rock”, la rola más sampleada en el mundo hip hop, que a su vez está creada a partir de un sampleo de “Trans-Europe Express” de Kraftwerk. Bam innovó una vez más nombrando como electro funk a lo que “Planet Rock” propuso. El nacimiento de esta etiqueta ayudó al desarrollo de otros géneros como el miami bass o el house, cuyo “padre” es Frankie Knuckles, un hombre negro. La influencia de Bam llego rápidamente a una primera generación de proyectos creados antes de 1986, que ahora conocemos como old school: Run Dmc, Public Enemy, y más tarde De La Soul y Stetsasonic. Lo que siguió fue propagar el mensaje de armonía y conciliación que esta naciente propuesta estética trajo consigo. No sólo el style, sino la carga política y social que encerró: en ocasiones Bam incorporaba a sus mezclas, discursos de los activistas defensores de los derechos afroamericanos Malcom X y Martin Luther King. Bam sentó las bases de un movimiento que ha evolucionado hasta convertirse en un estilo de vida representativo de la raza negra, por eso es importante no dejarlo en el olvido y pensar que antes de un Snoop Dog o un Puff Daddy, incluso de un Wu Tang Clan, hay un hombre de paz, un líder afectuoso (como su nick name significa) que cree en la intensidad del Black Power, lejos de reconocimientos masivos o cuestiones capitalistas. M
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aye arvin G M r e b m I reme g to me sin lack used to e feelin’ like b He had m thing to be e was th 2Pac
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Marvin le rinde culto a la persona en la que se inspiró su nombre: El Príncipe del Soul, uno de los más grandes y mejores cantantes de la historia, bendecido con una voz privilegiada y una vida apasionante. Su legado en la historia de la música se cuela en músicos de todos los géneros, y tributos a su memoria lo elevan a la cualidad de leyenda. Durante su vida cosechó varias pasiones que se reflejan aquí y allá en sus letras, tan profundamente autobiográficas: Carlos Castaneda, Malcom X, Mahoma, San Francisco de Asís, Jesucristo, el amor, y por supuesto la música. Marvin Gaye consiguió escribir un álbum tan profundamente íntimo, que su ex esposa consideró demandarlo por invasión a la privacidad. La historia de Marvin Gaye debe ser contada con toda la atmósfera trágica que merece. El próximo año se estrenará al menos una película sobre su vida. Parece difícil de creer: Marvin fue asesinado un día antes de su cumpleaños a manos de su propio padre, quien ya se había encargado de arruinarle la vida muchos años atrás. La infancia de Marvin Gaye fue otra historia más de sufrimiento, humillación y segregación racial (nació en 1939, en Washington, D.C.). En su orgullo no había nada más doloroso que recordar a su madre trabajar como empleada doméstica mientras que su padre se instaló en la comodidad de un desempleo permanente, tras la ira de un fanatismo religioso desproporcionado. La adolescencia le trajo complicaciones mayores, como ser el objeto de los ataques y el rechazo de su comunidad tanto por sus creencias religiosas como por su padre, que se atrevía a salir en público usando lencería y pelucas. Una confusión sexual temprana se cambió por una curiosidad natural que luchaba contra la represión de su religión. Para Marvin sexo y Dios eran lo mismo: lo prohibido, lo prometido y celestial. Al cumplir los 20 se casó con Anna Gordy, 17 años mayor que él. Ella era la hermana de Berry Gordy, dueño de la disquera Motown. Entre Berry y Anna Marvin encontró una suerte de padres sustitutos que le dieron un amor más explícito que el que había conocido de niño y la posibilidad de cumplir una de sus mayores ambiciones, tener mucho dinero. A mediados de los sesentas Marvin ya era una figura reconocida en el mundo del R&B gracias a su hermosa voz. En ese entonces grababa canciones que otros escribían para él y su imagen era una fantasía rosa: niño inocente, tremendamente guapo vestido en trajes blancos y cantando canciones románticas. “Mi sueño era convertirme en Frank Sinatra. Todas las mujeres querían irse a la cama con él. Él era el rey que yo aspiraba a ser”. Sin embargo, hacia los 70 Marvin descubrió en sí mismo el peso de otra de sus mayores influencias: el dolor de la voz de Billie Holiday. “Ella era más profunda que el sexo. El dolor que ella sentía era el de toda la humanidad. Los grandes
artistas sufren por la gente. El más grande artista fue Jesús, y el resto de nosotros sólo podemos imitar su perfecto sufrimiento”. La música de Holiday y Miles Davis inspiraron el lado más auténtico de Marvin en el álbum What’s Going On (1971), su obra maestra. Este es el primer y único álbum conceptual en la historia del soul. Marvin vivía encerrado en un mundo personal con la negación del fracaso de su matrimonio y una adicción devastadora a la cocaína. Un buen día, después de muchos años de no hacerlo, abrió un periódico y no pudo dar crédito a lo que vio. La inspiración de todo el disco son los horrores del mundo: la guerra de Vietnam, la pobreza, las drogas, la corrupción, el daño al medio ambiente. Sus producciones posteriores hablan de sus reflexiones sobre Dios y su visión del erotismo y la sensualidad. Marvin tiene mucha de la mejor música que hay sobre el deseo sexual, tema que tan fácilmente puede caer en la trivialidad. Estaba francamente inspirado por su segunda esposa, Janis Hunter, 17 años menor que él y con la que empezó una aventura cuando ella tenía poco más de 23 años. Marvin era un megalómano con un ego completamente desmedido. Tenía una tendencia marcada a hablar sobre sí mismo omitiendo sus defectos y exagerando sus cualidades. Sabía que no era bueno en el escenario: “después de ver a Michael [Jackson] bailar, uno entiende por qué en mis conciertos me quedo sentado en un banco”. Sin embargo las grabaciones que hay sobre sus conciertos en vivo sorprenden por la cualidad de su voz que compensan sus otras deficiencias. A principios de los 80 le sorprendió la innovación de la música de Prince, y ofendido dijo que el único príncipe de la música era él mismo. Irónicamente, después Prince fue pareja por algún tiempo de su hija, Nona Gaye. En alguna ocasión Marvin dejó plantada a la Princesa Margaret, en un evento de caridad de la realeza británica por un capricho y una pelea con su agente, y después de varios intentos de ella por hacerlo aparecer. Al día siguiente en todos los periódicos apareció la nota “Cantante de Soul desaira a la realeza”. Marvin se preguntó: “¿por qué un príncipe debe de disculparse con una princesa?”. En esta época Marvin ya tenía asegurada su cualidad de súper estrella. Su padre lo asesinó el 1 de abril de 1984. Tres años después ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll. M
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Entrevista exclusiva previa a su presentación en México Editado por el prestigioso sello parisino Kitsuné (Digitalism, Klaxons & Simian Mobile Disco) nos llega el nuevo disco de autoKratz titulado Animal, once cortes que despuntan tonalidades fuzzy listas para hacer estallar cualquier dancefloor del mundo. Para el 5 de septiembre y luego de haber rotado por decenas de clubs europeos y en festivales como Glastonbury, Lowlands & Pukkelpop, podremos escuchar en vivo el potente show de autoKratz en la Ciudad de México. Entrevistamos a David y Russell para que nos contarán de qué va su disco y qué podremos esperar de su show en México. ¿Cuáles son los discos que más han escuchado en los últimos seis meses? David: El último disco que realmente he amado es el de Crystal Castles. Todavía lo toco a morir. Russell: Fue hace un par de años que salió pero recién dos meses que descubrí a Sereena Maneesh y me voló la cabeza. Me encantan esas toneladas de ruido con una melodía adorable. En términos de música electrónica hay varias cosas como Proxy, Noob, Alex Metric…
Describe Animal en dos oraciones. R: Está inspirado en nuestras vidas, se trata de mostrar algo mucho más personal. Es muy diferente a cualquier cosa que hayamos hecho antes. Este disco está mucho más basado en canciones y está enfocado más en nosotros como personas y en nuestras vidas. Todavía hay agresividad y momentos fuertes, pero ciertamente hemos evolucionado –lo cual resulta incontrolable–. Hacemos música que nos suena fresca, esa es la cualidad que las canciones deben de cargar. No nos vemos sólo como una banda electro, somos una banda que puede escoger cualquier sonido que nos convenga para el significado de cada canción. No se trata de entrar en algún género o movimiento. ¿Qué podemos esperar de su presentación en vivo? D: La experiencia de autoKratz en vivo está llena de rock and roll electrónico energético. Nos aburrimos de músicos electrónicos sin rostro escondidos detrás de máquinas. Para nosotros el asunto es conectar con la audiencia y tratar de llevar la energía de la música a nuestra presentación. ¿Tienen expectativas sobre el público mexicano? R: He escuchado de varios amigos que han reventado y disfrutado al máximo en su país. No podemos esperar más para ir a México en septiembre. M
¿Qué podemos encontrar en su estilo musical? Es electrónico pero con muchas mezclas dentro… R: No tratamos de encajar en alguna escena o movimiento, sólo tratamos de hacer música honesta que nos haga sentirnos genuinamente excitados. Dejamos que nuestra composición corra salvajemente y no restringimos los arreglos que podemos hacer. No creamos ningún lazo musical entre nosotros, así que podemos tener electrónico, indie, pop, techno, cualquier cosa que nos emocione. Por lo tanto podemos lograr una variante que no ves en muchas otras bandas electrónicas. ¿Nos pueden dar algunas pistas de sus influencias musicales? ¿Tienen un pasado rockero? D: No necesariamente. Aunque sí crecimos escuchando a The Smiths y a Primal Scream, pero la música electrónica siempre ha jugado un rol mayor en nuestras vidas. R: Antes de autoKratz, ambos estuvimos en bandas indie, pero nos sentimos felices hasta ahora. Esta vez hemos hecho clic apropiadamente. ¿Por qué escogieron hacer el cover de una canción de Primal Scream? D: Ambos amamos Primal Scream, ellos hicieron un impacto masivo en nosotros. Discos como XTRMNTR y Evil Heat fueron muy agresivos así como profundos y hermosos. “Swástica Eyes” resulta una canción muy fuerte políticamente hablando. Su disco ha tenido muy buenas críticas en revistas especializadas, ¿cómo las reciben ustedes? D: Nuestra respuesta ha sido de emoción, estamos maravillados con la manera en cómo ha sido recibido. Nos sentimos orgullosos de haber creado un disco tan diverso y variado. Tiene muchos y diferentes niveles, pero a la vez amarra todo muy bien. Es un disco honesto acerca de nosotros como personas, creo que por eso ha funcionado. TXT:: Redacción Marvin. FOT:: autoKratz
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i t a r e c s o o n a v c i r a e t m s a u o g ra los latin pa
TXT:: Félix Jáuregui. FOT:: cortesía Sony BMG No cabe duda que en las dos grandes televisoras de México, además de tener una programación con un contenido de baja calidad, hacen un mal uso de la información. Hoy mismo, justo antes de empezar a escribir este artículo escuché la siguiente afirmación debido a la víspera del cumpleaños de Gustavo Cerati: “el disco Dynamo fue un fracaso discográfico”. Tal vez fue un fracaso en ventas debido al cambio de disquera, pero no precisamente discográfico; es verdad que las cantidades hablan sobre el impacto que tiene un disco, pero si un disco no vende tanto, no significa que sea un fracaso artístico, y además, como dijo Borges: “Exageran los encantos del sistema decimal”. Lejos de los números, Dynamo fue un verdadero paso en la creación sonora de Gustavo Cerati, resultó ser el disco más experimental de Soda Stereo, y uno de mis favoritos de Soda junto con los de Cerati como solista. ¿Cuál es el de ustedes? Si algo caracteriza la obra de este músico es que siempre hace una diferencia, siempre hay cierta evolución. En su primer LP con Soda Stereo (1984) podemos escuchar una influencia de The Police, hay un poco de ritmos de ska y reggae, Soda era una buena banda pero nadie imaginaba el legado que dejarían como grupo, y que continuaría su líder con la separación. Con el tiempo vino la madurez en las composiciones. Muchos de nosotros tenemos memorizado el “oh oh oh” del coro de “Nada personal”; “Cuando pase el temblor” aventura rock, reggae y sonidos andinos logrando una combinación muy afortunada; en “Juegos de seducción”, el acorde introductorio con cuerdas abiertas es muy característico del estilo guitarrístico de Cerati. Signos contiene el mega–éxito “Persiana americana” con una letra que habla sobre voyeurismo. Con el cuarto disco titulado Doble Vida, una vez más el éxito no tardó en llegar; si parte del sonido ochentero de David Bowie está presente en este trabajo es gracias a la producción de Carlos Alomar, uno de sus guitarristas. “La ciudad de la furia” es única, sin lugar a dudas es una de las mejores canciones del rock en español. Recapitulando, estos primeros cuatro discos mantienen una clara tendencia hacia los sonidos de los ochenta: baterías eléctricas, sintetizadores, guitarras con palanca, delays; en su momento pocos grupos se escaparon de alguna de estas cosas. El siguiente paso sería la consagración, Canción Animal es el álbum más roquero de Soda, contiene una de las canciones más coreadas en toda Latinoamérica. Dynamo y Sueño Stereo son los dos discos que más se acercan a la innovación, el primero rompe con los éxitos masivos ya acostumbrados pero gana mucho en lo musical: experimenta mucho con efectos de guitarra en la onda noise, hay programaciones, samplers, sitar y hasta una botella (escuchar el inicio de “Camaleón”). El segundo es quizá la mejor producción del grupo: el arte del disco es sofisticado, tiene un excelente sonido, grandes composiciones, los videos representan un cambio
profundo. Soda Stereo termina sin decepcionar como pocos lo han hecho, y todo en gran medida gracias a Cerati. Ya separado de su banda, Gustavo nos sorprende con Bocanada (1999) un álbum ecléctico, romántico, acogedor, seductor, sugerente, extenso; cada instrumento, cada arreglo, cada detalle quedó registrado en su justo lugar. Allá por 1992 ya había probado el alejamiento al publicar Colores Santos con Daniel Melero, un disco que permanece medianamente o casi olvidado, y que incluye el irresistible tema “Hoy ya no soy yo”. Al año siguiente vendría Amor Amarillo, muy emparentado con Dynamo. + Bien es la segunda incursión del músico en el cine (donde hay una escena en la que tiene sexo con Ruth, una de las primeras conductoras de MTV Latinoamérica, véanla en YouTube), ahí Cerati compuso toda la banda sonora para la película homónima, casi en su totalidad instrumental. Simpre es Hoy prueba con el hip-hop, de nueva cuenta con la electrónica, con los samplers, hay algunas reminiscencias del pasado. Si existe un trabajo criticable de Cerati es Episodios Sinfónicos. Sin duda tiene una gran labor detrás, pero hacer sinfónica “Persiana americana” o “Canción animal” me parece inconcebible, además de que resulta chocante escuchar otros temas con ese tratamiento; “Corazón delator” o “Verbo carne” (que ya originalmente venía con orquesta) encajan mejor en el concepto. En Ahí Vamos reside la intención de tener mayor presencia en los medios, tal vez hacer nuevos fans y complacer a quienes más añoraban a Soda; en general, percibo este disco un poco falto de sorpresas. Y ya nos espera su nuevo álbum, o al revés, nosotros lo esperamos. Con toda esta carrera cabe hacer la pregunta, ¿cuál es la importancia de Gustavo Cerati? Haber mantenido un buen nivel compositivo a lo largo de los años, tener una permanencia respetable, digna de un buen músico, crear un estilo propio en la guitarra; hallar la forma de que las palabras en español se ajustaran con la música e inventar una serie de frases que nos invitan al placer, que nos sugieren sexo implícitamente. ¿Es un genio? Muchos fans ingenuos lo han llegado a afirmar, pero no lo es. Le va mejor el título de maestro, tiene una gran habilidad y juicio al momento de auto producirse. Así mismo, en vivo se le ha visto y escuchado tener un control magistral de su voz y su guitarra. ¿Qué le falta? Su música tiene la barrera del idioma, si ha tenido audiencia en Estados Unidos ha sido latinoamericana. A los anglosajones no les interesan mucho las melodías cantadas en español, ¿qué hubiera sido de Santana si su música hubiese sido cantada totalmente en español? Sólo Shakira o Gloria Estefan triunfaron en español dentro de ese mercado. Y es que a él no le interesa cantar en inglés (y no estoy en contra de los grupos que quieren cantar en inglés), si no ya lo hubiera hecho; por lo que es muy respetable y admirable su aprecio por su idioma. ¡Cerati para los latinoamericanos! M
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TXT:: Juan Carlos Hidalgo. FOT:: Matador Records. De muy pocas bandas en la historia reciente del rock and roll se puede apuntar que le sobran motivos para que la consideremos admirable y poseedora de una congruencia total. Se trata de un trío del que casi siempre la prensa anota su lugar de fundación, cuando Hoboken, New Jersey, es un sitio poco peculiar, por decir lo menos, realmente no es lugar que aporte vibra o fantasía. Ira Kaplan y Georgia Hubley, marido y mujer, más James McNew han ido labrando una carrera de larga duración (comenzaron a mediados de los ochenta) que nos permite reflexionar acerca del porqué un músico se inserta en el rock: ¿busca fama, dinero, excesos de todo tipo? Nada más lejano a la postura de YLT, quienes están ahí por el compromiso con su música, por el placer que les causa crearla y compartirla. Son una agrupación que cuenta más bien con un selecto y conocedor conjunto de seguidores que se dan la oportunidad de asimilar una propuesta que con entera libertad, toma elementos del rock de garage, el pop o el noise para sus temas. Si a ello sumamos que no pretenden colgarse de un look impactante habremos de caer en cuenta de la comodidad y sencillez con que se mueven: no tienen que complacer a las masas, musicalmente pueden hacer uso de cualquier estilo que les convenga, no necesitan un gran aparato de marketing, ni gastan fuertes cantidades en imagen o parafernalia escénica. Pueden clavarse en largos segmentos de feedback, luego recurrir a un coro encandilante o subir la velocidad y fiereza. Se caracterizan por hacer las cosas a su manera y complacerse a sí mismos. La celebridad no les quita el sueño, se enorgullecen de ser personas comunes con talento musical al servicio del goce y el disfrute colectivo y propio.
Con once álbumes a cuestas y momentos tan afortunados en su historia, como cuando aparecen caracterizando a Velvet Underground (junto con su amiga Tara Key de la banda Antietam) en la película I shot Andy Warhol (96) es posible aventurar que ellos siguen preservando el espíritu original de aquello que se conceptualizó como indie. Viven en su mismo vecindario, no se sienten estrellas, están inmersos en el mundo del arte, son activistas políticos e interactúan frecuentemente con sus colegas. Un ejemplo de su modo de vida es la buena costumbre de participar en el maratón anual de beneficencia de la estación WFMU. Allí improvisan cualquier canción solicitada por la audiencia a cambio de una donación (en ocasiones les acompañan Hamish Kilgour de lo neozelandeses The Clean, y la cantante folk punk Lois Maffeo). En el 2006 editaron una compilación de dichas presentaciones ocurridas entre 1996 y 2003: Yo La Tengo Is Murdering The Classics. Sobre la senda de sus grabaciones encuentro entregas muy parejas en cuanto a calidad, cada cual tiene aristas interesantes. Tal vez alguna pese más por su gracioso titulo, como New Wave Hot Dogs (87), pero en trabajos como Painful o Summer sun hay una marcada pátina de autor, aun con los juegos experimentales. Nunca falta la parsimonia ni se agota su capacidad para provocar un gran estruendo, por ello no escasean quienes los ubican cercanos a Sonic Youth. Colaboradores de cineastas noveles e insertos en el mundo televisivo, cuando su música llegó a series como 24 o Buffy, la cazavampiros, también torcieron la pista de salida de Los Simpson. Cada uno de sus desplantes creativos está encaminado a difundir la estética sonora que van moldeando; así queda claro que difunden contenidos y no venden una imagen vacía e insustancial. Su peculiar sentido del humor se percibe desde el origen mismo del nombre, que hace referencia a un malentendido del mundo del béisbol: durante la temporada del 62, Richie Ashburn, jardinero de sus queridos Mets de Nueva York, chocaba constantemente con su compañero venezolano Elio Chacón, pese a que repetía tras los elevados: “I got it!, I got it!”, pero su co–equipero no hablaba inglés. De nada sirvió que aprendiera a decir “Yo la tengo”, porque terminó estrellándose contra Frank Thomas, quien no hablaba español, y tras la caída sólo le preguntó qué quería decir con eso de “Yellow Tango”. Actualmente Kaplan ya ni se molesta por explicar el origen del nombre, lo que en realidad le sigue sirviendo es que según él no hace referencia concreta a algo en particular, además de generar cierto efecto, como también ocurrió con su anterior entrega I am Not Afraid of You, And I Will Beat Your Ass del 2006. La pura frase trae consigo su gracia. Tras entregar Fuckbook, firmado como The Condo Fucks, su proyecto alterno, ahora presentan lo trabajado con su productor de cabecera Roger Moutenot, con quién ya vienen grabando juntos desde Painful (93), Popular Songs es un ejercicio de estilo de lo que es la banda, que alterna su lado luminoso con su parte estridente y áspera. El primer adelanto fue “Periodically Double or Triple“, con un toque vintage debido al órgano; luego la banda se puso a trabajar en lo visual y así adelantar el primero de 5 videos que tienen planeados. “Here to Fall” es el tema que abre el disco y el avioncito del clip representa el estado de caída inminente que la canción quiere reflejar. Trabajado entre su local en Hoboken y Nashville, para Matador (en México será editado por Arts&Crafts, N. De R.) su casa disquera, este duodécimo LP es la más valiente declaración musical que ha hecho la banda en su carrera. Doce canciones (como si fuera dedicada una para cada álbum) que son puro brío, energía evanescente que se funde con el tiempo y el espacio. “Avalon or Someone Very Similar”, “Nothing to Hide” y “And the Glitter is Gone” (que cierra la sesión) dan cuenta que Yo La Tengo no es una banda de un exabrupto, que lo suyo no es un estallido momentáneo, que su rock elegante y discreto a la vez ha encontrado su propio nicho en la galería de la música popular de nuestros días. M
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TXT:: Tony Romay. FOT:: EMI Music.
Humbug es el título del tercer disco de estudio de los monos más queridos de Inglaterra. Co-producido por Josh Homme (Queens of the Stone Age) en California, y James Ford (Simian Mobile Disco) en Nueva York, este álbum de diez tracks parece ser el parteaguas de su carrera, ya que se nota una evolución en su sonido, con más arreglos en la composición, más efectos en los instrumentos y con temas más tranquilos e introspectivos, tal vez influenciados por The Last Shadow Puppets, el proyecto alterno de su vocalista Alex Turner. Antes del lanzamiento mundial de Humbug, pudimos conversar con Matt Helders, baterista de los Arctic.
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Cualquier comentario de la crítica, ya sea positivo o negativo, procuramos no tomarlo tan en serio. ¿Cuál es la historia de Humbug? Empezamos a escribir las canciones a finales de verano del año pasado y las grabamos en dos partes a principios de este año. La primer parte de la producción estuvo a cargo de Josh Homme, grabamos en su estudio en Joshua Tree, California, lo que nos emocionó mucho, ya que fue muy distinto a como lo habíamos hecho en Sheffield, era un ambiente completamente distinto, más relajado. La segunda parte la produjo James Ford en Brooklyn, Nueva York, quien grabó nuestro disco anterior. El cambio de ambiente fue radical pero sentimos que nos sirvió mucho, fue productivo, aparte de que nos divertimos en la ciudad. ¿Cómo fue la experiencia de producirlo con Josh Homme en Joshua Tree? Fue increíble. No llevábamos nada más que unas cuantas guitarras, así que Josh experimentó con varios instrumentos y sonidos, acústicos y electrónicos, y en cuestión de minutos nos comenzó a grabar, fue muy rápido, nos tomó menos tiempo que con los discos anteriores, todo fluyó muy bien, Josh es muy bueno en lo que hace. ¿Qué hay de nuevo en este disco? Es algo diferente a lo que habíamos hecho antes. La forma como se compusieron las canciones, la grabación y producción hecha por alguien más y en otro estudio, hacen que se escuche diferente, es un sonido nuevo. También influyó el hecho de estar en el desierto por varios días, teníamos varias cámaras filmando las sesiones de grabación y nuestras experiencias mientras residíamos en Mojave Desert, todo esto siento que influyó en el sonido del disco. Parte de este sonido nuevo es porque se escuchan más teclados, hay menos distorsión y más arpegios y efectos en las guitarras, hicieron más arreglos en cada tema. Josh tuvo mucho que ver en cómo se ejecutaron los instrumentos, sobre todo las guitarras, él es un excelente guitarrista, nos aconsejó y nos hizo tocarlas de distintas formas para crear otros sonidos, con más arpegios, más solos, más efectos y otras cosas interesantes que no estábamos acostumbrados a hacer.
Las letras de sus canciones generalmente hablan de situaciones de la vida cotidiana. ¿De qué hablan en Humbug? Seguimos hablando acerca de la vida, de las experiencias que vamos teniendo, porque creemos que eso tiene mucho más sentido que hablar de otras cosas. A sus 23 años de edad han ganado ya varios premios y tienen el álbum debut vendido más rápido en la historia. Parece difícil pero cuando hay talento creo que no lo es tanto. ¿Ha sido difícil para ustedes lograr todo esto? Siempre intentamos hacer las cosas de forma creativa y probándonos a nosotros mismos a la hora de tocar o grabar. Probablemente sea difícil de explicar el por qué pasan otras cosas, como ganar premios y vender muchos discos, es algo que no está en nuestras manos, creo que simplemente es cuestión de suerte. ¿Qué piensas cuando los críticos dicen que son una banda sobrevalorada? Cualquier comentario de la crítica, ya sea positivo o negativo, procuramos no tomarlo tan en serio. Indudablemente, sus primeros fans los ayudaron a llegar a donde se encuentran ahora. ¿Tienen alguna relación cercana con ellos, o simplemente no saben ni quienes son? Pues no los conocemos bien porque son bastantes (risas), pero obviamente son muy importantes para nosotros, tratamos de estar siempre al pendiente de lo que están comentando y opinando de cada cosa que hacemos. Estamos muy agradecidos con ellos porque nos han apoyado desde el principio. ¿Qué piensas acerca de compartir música en línea y que la puedas adquirir gratis? Sinceramente no me agrada cómo funcionan ahora las cosas para poder escuchar y obtener música. Me gustaba como era antes, el tener físicamente el álbum, el hecho de tener que ir a comprarlo a la tienda, de ver el arte de la portada, de abrirlo y emocionarte por escucharlo canción por canción. Prefiero la forma vieja de comprar y escuchar música porque es más entretenida en varias maneras. La idea es escuchar el disco completo en orden, no sólo dos o tres canciones. Así es. Cuando hacemos un disco siempre lo pensamos distribuido en dos lados, la mitad de las canciones en el primer lado, y la otra mitad en el segundo, como un acetato. Así es como la gente debería estar acostumbrada a escuchar completamente un disco. ¿Qué influencias tuvieron en este disco y qué escuchan actualmente? Mientras estábamos en el estudio escuchamos música de artistas como Nick Cave and the Bad Seeds, Black Sabbath, T. Rex, cosas así. Josh (Homme) nos presentó la música de Roky Erickson que nos gustó mucho. De lo actual, me gusta el nuevo disco de Morrissey, es muy bueno. Pero ese lo escuché en otro momento, no cuando estábamos grabando, preferimos no escuchar nada de lo nuevo mientras lo hacíamos. Tienen muchos fans en México, ¿estamos contemplados en sus planes de gira? Justo de eso estábamos hablando ayer, a todos nos encantaría ir a tocar a México, esperamos ir para allá el próximo año. M
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TXT:: Chico MigraĂąa.
31 Negro es ausencia de color. Es también una declaración de principios, una negación de lo convencional y aunque parezca contradictorio, una esperanza de luz. Negro es el poder de la imaginación, del pensamiento, de la curiosidad. Es punto de partida y llegada, es el distintivo que jamás en la historia del metal ha sido desbancado. La historia de la humanidad es compleja, larga y repetitiva. Desde que Black Sabbath se metió en la negritud de los sueños macabros y creó el género más oscuro del rock, el negro ha sido elemento indispensable. Ha sido el color con el cual se ha identificado una ideología y una forma de vida. En el mundo de la moda suele ser sinónimo de elegancia; en el mundo de las guitarras distorsionadas es una especie de manto protector. El negro simboliza rebeldía, la no aceptación de las convenciones sociales impuestas normalmente desde fundamentos religiosas y de falsa moral. Es además un buen pretexto para meter la nariz, las manos y el intelecto en los lugares pantanosos que las sociedades suelen desestimar por considerar peligrosos o malignos. Rascar en la perversidad de la psique humana ha sido una necesidad que se puede rastrear hasta las más antiguas civilizaciones. Siempre ha existido la dualidad entre el bien y el mal, la luz y la oscuridad. Con la llegada, o mejor dicho con la imposición del cristianismo en buena parte del mundo occidental, buscar respuestas en esos pasajes sin luz se comenzó a ver como algo negativo. A las antiguas religiones se les llamó paganas y con el paso del tiempo, las traducciones de la Biblia más el desmedido poder de la Iglesia llamaron herejía a lo diferente. Con la modernidad, con los segundos cincuenta años del siglo pasado llegó el metal, y con él un sinfín de descalificaciones, injurias y desdenes por parte de las jerarquías religiosas, enmascaradas en todo tipo de perversas instituciones como gobiernos, sociedades de padres de familia, medios de comunicación y otros. El metal era sinónimo de ausencia de luz, y por lo tanto eje maldito, ente podrido, sol caído, oveja negra. Cuero negro, playeras negras, letras oscuras, imaginería macabra: el metal ha sido siempre metáfora, incisión escondida que ayuda a entrar en los lugares prohibidos, porque el conocimiento se encuentra en todas partes, incluso en aquellas donde la luz es parca o incluso inexistente. Desde la negrura como principio las bandas de rock duro han explorado senderos de magia y alquimia. El mundo se traga cuentos como la transformación de agua en vino pero pone el grito en el cielo cuando alguien habla de la muerte como liberación espiritual. La sociedad consume películas donde tripas, sangre, muertes, aberraciones y terror son la norma y lo llaman arte gore. Sin embargo cuando una banda explora esos mismos delirios violentos en contextos de rock pesado, las maquinarias de la censura rechinan de felicidad al echarse a andar. En el metal hay mucho más sustancia cultural que en cualquier sub género pop.
Tomando como ejemplo alguno de los grupos que vendrán a México en semanas próximas podríamos descubrir cosmogonías antiguas que no nos son familiares. La cultura es, de acuerdo a la Real Academia Española de la Lengua, “el conjunto de las manifestaciones en que se expresa la vida tradicional de un pueblo”. Y así de fácil, la vida se complica. Si la definición es válida, ¿por qué la persecución al metal? Una de las bandas que viene próximamente es Tiamat. Ese es el nombre de la diosa primigenia en la tradición babilonia, por ejemplo. Se la representaba como el océano, agua salada y caótica que estaba casada con Apsu, representado por el agua dulce, siempre calmo y pacífico. Fueron ellos quienes engendraron a los primeros dioses babilonios, y cuenta la leyenda que cuando fueron creciendo, con la inquietud típica de la niñez y la juventud, Apsu ya no los soportaba. En su mente, lo más práctico era matarlos a todos y así eliminar el ruido que no lo dejaba dormir. Tiamat se negó en principio, pero los jóvenes no quisieron correr riesgos y decidieron matarlo a él. Tiamat en ese entonces era joven y su instinto maternal era grande, pero poco tiempo después, con la madurez, ese sentimiento protector se transformó en una versión divina de la esposa vengadora. Decidió entonces castigar a su vástagos con la muerte. Ellos creían que la lucha sería inequitativa y que su única oportunidad radicaba en la fuerza y gallardía del joven Marduk, uno de los más valientes dioses nuevos. Tiamat quiso derrotarlo valiéndose de Kingu, su amante, pero perdió la batalla y la vida ante el bizarro jovenzuelo. Al final tuvieron que luchar ella y él, perdiendo la vida la madre de la creación. La mitología babilonia entonces concede a Marduk uno de los puestos más altos en su cosmogonía, aunque nunca se debería olvidar que con la muerte de Tiamat fue que se creó el universo y la tierra como los conocemos ahora. De la sangre de Kingu se crearon los humanos. El cuerpo de Tiamat fue partido en dos: con su parte superior se creó el cielo y con la inferior la tierra. De las lágrimas guardadas en sus ojos nacieron los ríos Tigris y Éufrates. Para efectos históricos, Tiamat es una banda negra, maldita, satánica. Sin embargo esta parte de su historia, la que en buena medida sustenta su concepto lírico, es poco conocida. Es más fácil culpar al negro y su ausencia de luz que adentrarse en las historias de la creación según los antiguos pobladores de la tierra. Porque su historia es muy parecida además a la de Cipactli en la cosmogonía mexica, pero la etiqueta negra la priva del glamour y la condena por siempre a la ignominia. De esa misma historia, la de Tiamat, surge algo de luz para entender otros conceptos oscuros y bandas. Marduk es una banda de black metal; Therion tiene una canción llamada “The blood of Kingu” (La sangre de Kingu) y si se le busca, aunque sea a tientas, la madeja de hilos interconectados terminaría por dar vida a una enorme prenda de conocimiento y cultura, una prenda negra mate pero llena de color y luminosidad. M
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TXT:: Francisco Zamudio.
¿Nunca se han preguntado por qué el rock es un deporte (Alex Lora dixit) casi exclusivo para nenes blancos? Ahora que recordamos el Black Power sónico, vale la pena apuntar que si se pudiese comparar al rock con un ser humano, este tendría una madre blanca… pero su papá sería absolutamente negro. El problema para validar la verdadera concepción del género fue desde siempre el asfixiante racismo que dominó la sociedad estadounidense tras la Segunda Guerra Mundial; conflagración marcada por la discriminación racial sufrida por los judíos a manos de los nazis, derrotados estos últimos por unos norteamericanos que en casa escondían el putrefacto y maloliente cadáver de su filosofía segregacionista. Bill Halley no inventó el rock and roll, con todo y su primerísimo lugar en las listas en 1955. Antes de él, Roy Brown, Fats Domino, Bo Diddley, Ike Turner y otros afroamericanos más, ya aparecían en los charts de los “race records” (grabaciones de raza), término sustituido por el de rhythm and blues a instancias de Jerry Wexler, un crítico musical de origen judío que trabajaba para la Revista Billboard. En dicho contexto, tuvo que aparecer el disc jockey radiofónico Alan Freed para rebautizar el rhythm and blues y la “race music” (música de raza negra por supuesto) como rock and roll, abriéndole la puerta al remolino que terminó por teñir para siempre la pálida tez de la Norteamérica de los 50. Finalmente, el níveo Dios de ojos azules impreso en las estampas le proporcionó a USA y después al mundo a un Rey llamado Elvis Presley, ese “blanco que cantaba como negro” según la filosofía mercantil de Sam Phillips, el dueño de Sun Records que lo firmó en julio de 1954. De ahí en adelante los blasones, la fama y las grandes bolsas fueron a parar a manos de los Presley, Lee Lewis, Hollys, Vincents y demás rocanroleros de piel clara. En tanto, los rocanroleros de color quedaron confinados lo mismo a un púlpito religioso como fue el caso de Little Richard, que a la cárcel como Chuck Berry, el verdadero “Rey del rock and roll” por todas las aportaciones que le heredó al género. Esto sin contar la crucifixión
mediática sufrida por Frankie Lymon un día de julio de 1957, al momento en que por televisión fue transmitido un programa donde osó sacar a bailar a una chica blanca. La gigantesca cultura mediática norteamericana no tuvo nunca espacio suficiente para el rock de color, y durante la siguiente década las cosas no mejoraron mucho. De hecho, el personaje afroamericano más representativo de esa época es para muchos el mejor guitarrista del género de todos los tiempos: Jimi Hendrix, quien primero tuvo que incendiar Inglaterra con su talento para después ser tomado en cuenta bajo su propio cielo. Eric Clapton, Pete Townshend y varios guitarristas británicos de aquella generación temblaron al oír a Hendrix, sin embargo, después de él no ha habido un representante afroamericano en el rock que sobresalga por sobre su contraparte blanca. Sí, Lenny Kravitz es una estrella pero su padre poseía una ascendencia ruso–judía; en efecto, Prince puede rockear muy bien, aunque su música está orientada a estilos mucho más bailables. También es cierto que en los ochenta los Living Colour y Hirax hacían metal, estos últimos extremo, o que en los 90 los P.O.D. consiguieron éxitos fuertes, o que Lajon Whiterspoon escupe navajas de rasurar cada vez que canta con Silverspoon… Pero todavía, gracias a ese acendrado etnocentrismo de tintes segregacionistas, donde se mostró desde un inicio a “esa música que rebaja al hombre blanco al nivel del negro”, influyó terminantemente en frenar las aspiraciones negras en materia de rock. Si el rock es rebelde y la sociedad mata a rebeldes tipo Martin Luther King, ¿será bueno hacer rock? En este nuevo siglo, la ascensión de un afroamericano al poder estadounidense, además del éxito de grupos como Bloc Party o A Band Called Pain, aparecen como una apuesta sólida, una que posiblemente permitiría a la comunidad negra norteamericana expresarse libremente y sin tapujos, en el mismo idioma que inventaron hace poco más de 50 años. M
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. TXT:: Humberto Polar
Mientras bajo del tren que me ha traído a Copenhagen, redescubro un aspecto recurrente de mi propia estupidez. Consiste en mi apego irracional a los dictados de los seres sin rostro que determinan el estado oficial de las cosas. En este caso, el verano. Nada menos parecido al imaginario del verano que el viento frío que me acaba de golpear. Y no tengo con qué protegerme: como oficialmente escribo esto en el verano de Europa (además en el mes más veraniego del verano, agosto) no uso chamarra ni nada parecido. No importa que en Alemania, de donde vengo hoy, haya sufrido de un frío paralizante: es verano, y en verano no se usa chamarra. Sí hubo en la semana pasada un par de momentos calientes que difícilmente alcanzan para llamar a éstos como “días de verano”. Los momentos fríos fueron muchos más. No traje a este viaje una chamarra y me sentaré en mi decisión, así terminé por contraer una gripe del primer mundo que haga que me pongan en cuarentena en el próximo aeropuerto que pise. Es una estupidez, por supuesto, y por ello escribo estas palabras. Quizás mi inconsciente está buscando una manera de resistir a los cambios climáticos, a la destrucción de la especie y por ello insisto en vivir un verano imaginario, aunque oficial. No soy el único: veo gente de pantalones cortos, playeras y sandalias, personajes locales que según entiendo visten así para atraer sobre sus cuerpos el poco sol que se digna en aparecer en esta época, en esta parte del mundo. Y de hecho lo disfrutan, agradecidos con la vida. ¿Por qué soy tan estúpido? Cuando viajo solo y paso mucho tiempo hablando conmigo mismo me hago este tipo de preguntas. Empiezo a mirar todo bajo esa óptica. Es decir, sé que los seres humanos seguimos en nuestro proceso evolutivo y por ello vamos aprendiendo en cada paso que damos. Está en nuestra genética. Todo lo que parezca un paso para atrás en este proceso califica como estupidez, pero mucha de ella es del tipo constructivo. A los pocos días de la muerte de Michael Jackson salió como noticia destacada
que el abuelo Jackson (a decir de la chismografía urbana, el causante de todos los trastornos de personalidad de su legendario hijo menor) lanzaría a los Jackson 3, el nuevo proyecto que repetiría el éxito de sus hijos, ahora con sus nietos. ¿No es esto realmente estúpido? Quien sabe. Pareciera que sí, pero no sabemos si los muchachitos cantan bien. No sabemos siquiera si son de raza negra. Se supone que sí. Probablemente Jermaine o Janet llamaron al viejo Joe y le dijeron por teléfono: “papá, qué estúpido eres”. Nunca lo sabremos. Probablemente, como también se apuró a declarar el abuelo, todo es una gran sarta de mentiras. Con lo cual, si es cierta esta versión, estaríamos ante un caso de extrema astucia de algún periodista amarillo con talento para generar clicks. Que a su vez, es un ejemplo de esta contradicción en términos que podríamos llamar “estupidez astuta”. Me explico: insistir en la mentira como alimento para la voracidad del ciudadano entrometido es a larga una gran estupidez, porque no hace sino degradar el nivel de discusión pública sobre la que una sociedad contemporánea debiera estar construida. Pero el periodismo no lo hacen filósofos sociales, sino gente que necesita cobrar un sueldo, que a su vez pagan personas que están, literalmente, en el “negocio de la comunicación”. Sí, es un negocio. Y como en el caso de mi relación con el verano, no voy a cuestionar a un negocio. Es como negar la existencia de Dios en el siglo XV: quedarías como un estúpido. Un amigo mío dedicado a la música publicitaria me busca en el chat y me cuenta sus más recientes sufrimientos: algún publicista ha decidido hacerle la vida miserable pidiéndole, por décima vez, “ajustes sutiles” en una música para un anuncio que en su forma real durará 12 segundos, llevará por encima la voz de un locutor de principio a fin y saldrá por los parlantes de un televisor de cualquier hogar mexicano, donde probablemente nadie notará su existencia. Ah, el poder. Causante de ejercicios de estupidez moderada como lo que acabo de contarles, o de aberraciones jocosas como las freedom fries. Debería de ir a comprar una chamarra. M
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“Aunque soy de raza Conga, yo no he nacido africano; soy de nación mexicano, y nacido en Almolonga”
37 El Negrito poeta No debería sorprendernos: en este país, acostumbrado como pocos no sólo a negar sino a tornar invisible la diferencia –me refiero a la legendaria y abyecta práctica del ninguneo–, hablar de la tercera raíz, es decir, de la africanía que conforma en gran medida nuestra identidad tanto biológica como cultural, resulta en el mejor de los casos una extravagancia y, en el peor, un descubrimiento. La historia del negro en México durante los casi quinientos años transcurridos desde la invasión española es la historia de una terrible injusticia. Fueron los inmigrantes africanos llegados al Nuevo Mundo en tiempos de la Colonia quienes construyeron edificios, puentes y ciudades y quienes trabajaron a lomo partido –junto con los indios– la tierra, los mares y hasta las minas, dando rostro, población y fundamento a la Nueva España. La deuda histórica, moral, política y sobre todo cultural que tenemos con los descendientes de aquellos hombres y mujeres es impagable por una razón categórica: pensar en “negros puros” como algo más allá de “nosotros” es un sinsentido porque la herencia negra nos habita plenamente. Ser mexicano es ser europeo, indígena y africano. Sólo una mente envenenada, resentida o sobre todo ignorante podría negar la presencia de un pueblo que ha dado, entre otras cosas, los sones, la rumba o el danzón en la música; la horchata, los moros con cristianos y los tostones de plátano en la cocina, y el pelo rizado, los dientes blanquísimos y los labios carnosos en la genética. La negritud en México, como en buena parte del mundo, ha sido un ritmo cardinal. El sabor de su presencia es una mezcla entre danza, sonrisas y alas. No debería sorprendernos: el mestizaje mexicano, maridaje reduccionista entre indio y español tan cantado por los delirios cósmicos de José Vasconcelos, vive y vivirá desgarrado mientras no integre de manera absoluta al continente trágico y maravilloso que nos ha legado, junto con su cultura, una manera alegre e infinita de ser en el mundo: vivir vibrando. Las raíces olvidadas A diferencia de países como Brasil, Colombia, Cuba, Panamá o Venezuela que cuentan por un lado con agudos problemas de inclusión social y racismo así como con un vivo interés y una hibridación cultural que los define neurálgicamente por el otro, en el caso mexicano la presencia negra ha sido soslayada fundamentalmente por ignorancia, al grado de que sea posible escuchar barbaridades y sandeces del tipo: “en México no hay racismo porque no existen los negros”. A estas alturas resulta vergonzoso que el único lugar del negro en buena parte del imaginario nacional siga siendo
el ribeteado por las travesuras de Memín Pinguín, los casi extintos recuerdos de Zamorita (mexicano por adopción y autor de la mágica “Bomboro quiña quiña”) o los ya lejanos temas entonados por Johny Laboriel, entre ellos “Melodía de amor”, que lo volviera estrella juvenil con Los rebeldes del rock. En 1946 el justamente célebre antropólogo tlacotalpeño Gonzalo Aguirre Beltrán, similar en importancia histórica a la figura que desempeñó Fernando Ortiz en la negritud cubana, publicaría la obra capital de los estudios afromestizos mexicanos. La población negra en México sería la piedra de toque y la develación de una realidad tan evidente como olvidada que, si hubiésemos leído con atención, nos habría hecho conscientes al respecto de la relevancia del México negro, su influencia como factor dinámico de la aculturación y la innegable supervivencia de sus rasgos culturales. En su opinión, durante los siglos XVI y XVII habrían ingresado al país aproximadamente 250 mil negros provenientes principalmente de Senegal, Gambia, Nigeria, Angola, el Congo y Costa de Marfil, aunque de acuerdo con la especialista Luz María Martínez Montiel la cifra habría ascendido hasta 800 mil debido al tráfico ilegal y la trata de esclavos clandestina. Lo cierto es que la presencia negra habría sido muy superior a la de los conquistadores peninsulares, en una proporción aproximada de diez a uno, con mayoría de hombres. México, nunca está de más repetirlo, posee un sustrato pluriétnico y multicultural apabullante. En este contexto vale la pena rescatar la figura del mítico Gaspar Yanga, negro cimarrón que lucharía contra el régimen español en el siglo XVI en pos de la libertad de los esclavos, originando así, en el año de 1630, el primer pueblo independiente del continente americano: San Lorenzo de los negros, denominado a partir de 1932 con el nombre de pueblo de Yanga a manera de homenaje al libertador. Actualmente Yanga es un territorio conocido por la intensidad de sus carnavales. En ese sentido, en el de los rituales festivos, la herencia negra no puede estar más viva en sitios como Veracruz, buena parte de Oaxaca, Michoacán y en la Costa Chica del estado de Guerrero. Baste mencionar al vuelo instrumentos musicales como la marimba, los tambores, las sonajas, el marimbol y sobre todo la tarima, estructura de madera con tablas ensambladas que se percuten con el zapateado en los fandangos, estilo de baile –aunque algunos dirían de vida– nutrido por tradiciones tanto españolas como africanas. La presencia en la cocina afromestiza también es remarcable en lugares como Yucatán, Campeche y Tabasco (puchero, churros, arroz con legumbres, etcétera).
Por otra parte el léxico de origen africano, particularmente de vocablos provenientes de las lenguas bantúes, es sencillamente abrumador. Palabras como Mocambo, Madinga, Mozomboa, chinga, cumbia, bamba, moronga, quilombo, marimba y zamba, entre otras vastas, son el presente de un pasado que no puede ni debe seguirse desdeñando. A su vez apellidos como Moreno, Pardo, Crespo o Prieto son reminiscencias de los primeros esclavos negros en América. Nuestra historia es también la de nuestros ascendientes africanos, como pueden recordárnoslo algunos de nuestros próceres más entrañables (o menos desprestigiados): José María Morelos, Vicente Guerrero y Lázaro Cárdenas. En tiempos como el presente, en que campea un “empoderamiento racial” que en mi opinión tiene más de simbólico e histórico para los Estados Unidos en lo particular que de político e ideológico en un sentido profundo para el planeta en general –conviene recordar que en su momento, como senador por Chicago, Barack Obama votó a favor del muro fronterizo que separa a México de los States– más que caer en una efervescencia mediática políticamente correcta en la que tendremos una influencia de facto limitada a las habladurías, convendría voltear a la tercera raíz que nos conforma para darle, de una vez por todas, reconocimiento y pleno espacio, a semejanza del acto valeroso que en su momento realizaran en México 68 los afroamericanos Tommie Smith y John Carlos al alzar su puño en alto con un guante negro y agachar la cabeza en señal de protesta durante la ceremonia de entrega de medallas de la prueba de los doscientos metros lisos (cabe destacar que por dicho gesto ambos atletas no sólo serían expulsados de sus respectivos equipos sino que jamás volverían a participar en una justa olímpica. Es sabido también que al regreso a su país habrían de ser amenazados, agredidos y segregados por mucho tiempo, sin el menor apoyo ni excusa del Comité Olímpico Internacional). Sólo me resta cerrar este texto con una cuarteta igualitaria del célebre Negrito poeta, pícaro trovador y dicharachero famoso por sus composiciones ingeniosas que habría vivido según el folclor nacional a finales de 1700 y principios de 1800: “Calla la boca, embustero, Y no te jactes de blanco, Saliste del mismo banco, Y tienes el mismo cuero”.
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la ultima leyenda del pop TXT:: Ingrid Constant. FOT:: cortesía Sony BMG / Kevin Mazur.
Después de la propagación viral de la noticia de su muerte llegó el bombardeo mediático. Todos hablaban sobre él. Nadie recordaba que tan sólo unos días atrás había sido (como ya era costumbre) blanco de las burlas. Después del shock y la explotación de su nombre, ¿qué sigue? La memoria de Michael Jackson se transformó rápidamente en un ícono de la cultura, en el símbolo de una época pasada que es inevitablemente mejor. Pocos tenían conciencia del tamaño abrumador de su fama o de la influencia que dejó en la música. Lo más doloroso fue la negación del regreso a la gloria. Se quedó a dos semanas de mostrarle al mundo con cuantas ganas esperaba la reivindicación, y lo iba a hacer con el mismo espíritu que guió su carrera: siendo el mejor en lo que hacía. Si Michael nació bajo el signo de varias malas estrellas, la peor fue ser un continuo estereotipo. Pasó de ser la encarnación del sueño americano a ser la más acabada celebridad, para después convertirse en sinónimo de extrañeza y de repulsión. Tras ver una y otra vez fragmentos de sus entrevistas, se repite un mismo sentimiento: soledad. A Michael no lo entendía nadie porque son pocos los que nacen con una sensibilidad tan grande que provoca dolor; con un talento tan remarcable que separa del resto de las personas. Michael Jackson fue y será por mucho tiempo el rey del pop, pero también el rey de los videos, de los bailarines, los escándalos, la filantropía, del misterio y las contradicciones. Michael Jackson fue el hijo enfermo de una sociedad intoxicada. Un padre abusivo y cruel, la presión por sostener a su familia y el éxito desmesurado de la noche a la mañana no son más que extensiones particulares de un panorama externo mucho más desolador. Cuando Michael era niño la segregación racial en su país seguía dictando que las personas negras no hicieran uso de restaurantes, bebederos públicos o lados de la calle reservados para los “blancos”. Posteriormente, su carrera profesional se confrontó muchas veces con el pequeño obstáculo del color de su piel, ya fuera negra o blanca. Si la misma pasión que lo condenó se hubieran dedicado a luchar contra los crímenes de odio por el racismo o el olvido completo al continente más pobre, quizá uno de sus mayores deseos estaría más próximo a volverse realidad: la idea de un mundo mejor. No olvidemos su agudo sentido histriónico, el mismo que lo llevaba a horas de incontables ensayos frente a los espejos para practicar cada mirada y movimiento.
Tampoco la dedicación a su público reflejada en los productos y espectáculos de la mayor calidad hasta en el menor de los detalles; o el poder extraordinario de su voz que al cantar opacaba a su persona real, tan tímida e insegura.
Vida y obras Inicios Nació en 1958, fue el séptimo de nueve hijos en una familia muy pobre. La ambición y habilidad de Joe Jackson para los negocios fueron responsables del inicio de la carrera de Michael. Mientras los peores efectos del racismo seguían siendo válidos en Estados Unidos, en la música pasaba algo completamente distinto: la música negra dominaba el espectro pop. Así, Joe ideó formar un grupo con sus hijos: The Jackson 5. Después de giras extensas y muchos shows en lugares de poca monta, Joe consiguió un contrato con Motown, una de las disqueras más exitosas responsable del descubrimiento de Diana Ross, Marvin Gaye y Stevie Wonder. Basta con ver alguna de las grabaciones para descubrir el secreto del éxito de la banda: The Jackson 5 era prácticamente un grupo de cuatro hermanos haciendo coros para un verdadero prodigio. Su personalidad melancólica, evidentemente tímida y humilde, lo mismo que un sentimiento permanente de soledad se ocultaba tras una máquina completa de entretenimiento en los escenarios. Michael desarrolló muy pronto un sentido muy elaborado sobre lo que debe hacerse frente a una cámara o delante del público. Sus movimientos eran sumamente estudiados, pero nunca parecieron mecánicos gracias a un increíble talento innato para bailar y cantar. El mayor contraste que Michael tenía no era el cambio del color de su piel: era esa doble personalidad. Cada vez que habla sale de su cuerpo una voz casi patética, impotente. Cuando suena su música se escucha un monstruo multifacético de tremendo poder. Cuando cumplió 17 se separó de sus hermanos, aunque siguió escribiendo canciones para ellos hasta 1984. En 1979 se alejó de su mayor miedo: su padre. No son secretas las historias sobre el abuso físico y psicológico que Joe Jackson infringió a sus hijos: desde golpes hasta ensayos interminables y bromas prácticas que terminaron en pesadillas crónicas. Tampoco que Michael fue el que peor la pasó: la responsabilidad entera del show y las grabaciones descansaban sobre sus hombros. En la famosa entrevista con Oprah Winfrey (2003), Michael declaró que estar ante la presencia de su padre le provocaba vómitos.
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A través de mi En 1979 salió a la venta su primer disco oficial como solista: Off the Wall. El álbum vendió 20 millones de copias en el mundo. Contenía canciones del propio Michael, de Stevie Wonder y Paul McCartney. Por esa época, tras un accidente, Michael se enfrentó a una rinoplastia. El mal resultado lo hizo someterse a una segunda cirugía. Empezó la terrible dependencia a la cirugía cosmética.
música se que
Los 80 El cambio verdadero y el clímax de su carrera llegó en 1982 con el lanzamiento del que puede llamarse el mejor álbum pop de la historia: Thriller. Es el disco con más ventas en la historia de la música: más de 100 millones a lo largo del mundo (cifras antes de su muerte). Michael declaró que su meta era escribir un álbum donde todas las canciones fueran extraordinarias, inspirado en el Casacanueces de Tchaikovsky. La barrera racial se rompió por completo y todo tipo de personas alrededor del mundo compraron una copia. A mitad de los años 80 se le diagnosticó lupus y vitiligo. La última es una enfermedad de la piel que produce despigmentación. Las primeras apariciones de un Michael con la piel notablemente más clara se debían al tratamiento de las enfermedades y a mucho maquillaje; aunque se sabe que adquirió una relación patológica con su propia imagen, incluso (se rumora) con episodios de anorexia. El cambio final a una piel blanca nunca ha sido muy bien explicado; existen procesos químicos para el blanqueamiento de la piel, pero no con resultados tan dramáticos. En 1986 Michael empezó la espantosa relación con las publicaciones de chismes. Hoy se sabe que los primeros rumores de sus supuestas acciones extravagantes se originaron en su propia oficina de relaciones públicas.
Muerte: This Is It En el 2000 Michael apareció en el libro de los Récord Guinness como la celebridad que apoyaba más causas de beneficencia (39). En 2001 apareció su último disco, el poco memorable Invincible. El último golpe a su imagen pública llegó en 2003 con más acusaciones de abuso sexual contra menores. Después de un prolongado juicio en el que las supuestas víctimas se negaron a declarar, fue declarado inocente. Para ese entonces dejó de ser la leyenda del pop para convertirse en un irremediable objeto de burlas. Su comportamiento no ayudó, basta recordar el incidente del balcón (cuando mostró a su tercer hijo Prince Michael II “Blanket”), el uso de cubrebocas en público, más transformaciones faciales, etc. El mantenimiento de Neverland y la falta de presentaciones lo llevaron a una deuda estimada en 400 millones de dólares. Esa fue una de las razones por las que se anunció This Is It, la serie de conciertos en la London O2 Arena. Cuando se anunció la preventa el sitio colapsó pues no pudo sostener las 16 mil aplicaciones por segundo que se solicitaron. En 24 horas se tenía un registro de personas suficiente para llenar el estadio 50 veces: alrededor de un millón de personas para una sola ciudad. Algo similar sucedió el día de la venta real. En dos horas se vendieron 190 mil boletos, después del colapso de dos sitios que ofrecían preventa. Fue la venta de boletos más rápida de la historia. Ese mismo día las ventas de los discos de Michael aumentaron considerablemente, y en eBay se empezaron a revender los boletos por hasta 10 mil libras.
Decadencia En 1993 llegó la primera acusación de abuso sexual contra un menor en medio de la gira cuando estaba en la Ciudad de México. Terminó las presentaciones abruptamente. Días después de su muerte, el niño que lo acusó declaró que su padre lo obligó a mentir. La compensación a la familia del niño para evitar un juicio fue de más de 20 millones de dólares: el precio de su colapso. Poco tiempo después, Michael se volvió adicto a los analgésicos y los sedantes. Elton John y Liz Taylor lo llevaron a Londres para una rehabilitación lejos de la prensa que se había vuelto más incisiva que nunca. En 1994 se casó con la hija de Elvis, Lisa Marie Presley. Se pensó que el matrimonio fue un arreglo para apaciguar los rumores sobre su pedofilia y demás especulaciones de perversión. Ella dijo después que Michael hablaba largamente sobre su propia muerte, y le decía que intuía una similar a la de Elvis. Se divorciaron dos años después. En 1997 se casó con Debbie Rowe, madre de sus dos primeros hijos, Prince Michael y Paris. El matrimonio fue sospechosamente breve y ella no peleó por la custodia de los niños. Tras la muerte de Michael, ha hablado sobre los detalles del arreglo económico que sostuvieron, el carácter completamente asexual de su relación y el deseo enorme de Michael por convertirse en padre.
viviré por siempre michael jackson.
Los conciertos en la O2 Arena iban a romper el récord de más presentaciones en un mismo lugar, que sostiene Prince con 21 conciertos. Después de su muerte se publicaron escenas de un video que iba a aparecer en los conciertos y más detalles del mayor evento musical que nunca fue: una aparición sorpresa de Madonna, bailarines aéreos, un traje con 300 cristales Swarovski, vestuario diseñado por Christian Audigier (creador de las marcas Von Dutch y Ed Hardy), etc. La ceremonia funeraria pública se convirtió en un impresionante desfile de celebridades. En el “espectáculo” diseñado por Janet Jackson vimos a varios cantantes rendir tributo al rey caído. Las palabras de Paris Jackson, cortadas por el llanto, se convirtieron en un fenómeno de YouTube a las pocas horas. Semanas después del deceso siguen apareciendo teorías sobre su causa, el destino de su herencia y la distribución que tendrán los últimos minutos de video con sus ensayos. Desgraciadamente, Michael se llevó todos sus secretos a la tumba.
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cuatro juicios a un rey SI era negro
La bancarrota de Michael Jackson
Por más que su rostro se haya desteñido hasta quedar más blanco que el blanco, Michael Jackson fue irrenunciable y profundamente negro en lo musical. Una de las explicaciones sociológicas más oídas recientemente es que su legado real es ser el primer ícono universal que proviene de la raza negra. Ningún artista de pop negro había sido idolatrado a ese nivel antes por el planeta entero. De hecho, también se ha dicho que su obsesión por decolorarse no era producto del vitíligo sino de su deseo de estar por encima de cualquier raza. Raro, pero posible. Pero Jackson era negro de raíz. ¿Qué significa esto? El cliché nos dice que la característica suprema de la negritud musical es el ritmo, la cadencia, el síndrome del White Man Can’t Dance. En parte es cierto. Pero en los Estados Unidos, a diferencia de otras latitudes como el Caribe Negro o la misma África, hay dos rasgos adicionales: el blues y el jazz. Por blues definamos la estructura de 12 compases, tres acordes y una escala del blues. Ésta contiene una extraña y fascinante ambigüedad entre alegría y tristeza que la hace identificable. El otro elemento completamente norteamericano es el jazz. Aunque deriva directamente del blues, el jazz adoptó estructuras armónicas provenientes de compositores blancos de pop music de los años 30 y 40 como Cole Porter, George Gershwin, Irving Berlin o Vernon Duke. Al conservar sus sofisticadas secuencias de acordes pero subvertir las melodías a través de la improvisación, el jazz dio a la raza negra un vehículo de expresión de altísima elaboración musical que el rock nunca logró equiparar. Estos tres elementos están profundamente enraizados en la música de Michael Jackson. Quincy Jones, el mejor productor con quien trabajó, entendió que su amigo y discípulo quería hacer historia pero no lo llevó a fórmulas creadas por blancos para blancos. Jackson miraba siempre en sus raíces y Jones lo ayudó a que estas sonaran a una revolución. Y llegaron donde llegaron.
A pesar de que Michael Jackson llegó a vender más de 750 millones de discos en su vida (según la revista Billboard) y que en su carrera ganó más de 500 millones de dólares, desde el 2003 el cantante ha estado muy cerca de caer en bancarrota. Esta situación se hizo evidente cuando sus finanzas fueron investigadas durante el juicio en el que fue acusado por abuso de menores en 2005.
Humberto Polar Compositor, arreglista, guitarrista y productor de Pantamuzik
Mariana Cerrila Economista
En el 2003, la revista Forbes estimaba que Michael Jackson obtuvo, de 1980 a 2000, cerca de 327 millones de dólares por las ventas de sus discos, además de 175 millones de dólares generados por sus conciertos, videos, publicidad y mercadotecnia. Estas ganancias le permitieron adquirir activos de alrededor de 550 millones de dólares entre los que se encontraban: Neverland, las casas de Encino y Las Vegas, una participación del 50%, valorada en 450 millones de dólares, en el Sony/ATV, un catálogo de más de 4 mil canciones entre las que se incluyen 200 temas de los Beatles y su propio catálogo de música Mijac[1]. Pero debemos de considerar que el cantante se gastaba alrededor de 5 millones de dólares anuales en el mantenimiento y la seguridad de su rancho Neverland y 7.5 millones en gastos personales, como suites de hotel con un costo de 10 mil dólares la noche. Además, se estima que donó más de 300 millones de dólares a fines humanitarios, según el Libro de Records Guiness. Dichos gastos llevaron a Michael a contraer enormes deudas con Bank of America y Sony, utilizando el catálogo de los Beatles como colateral, principalmente. Su deuda ascendía a por lo menos 300 millones de dólares. Según J. Duross O’Bryan: “un mal mes en el 2003 llegó a tener 38 mil dólares en efectivo pero 10.5 millones en cuentas sin pagar”[2]. Michael Jackson logró evitar la bancarrota utilizando sus dos catálogos de música y el rancho de Neverland. Pero, se estima que actualmente las deudas del cantante superan su valor.
[1] Brett Pulley, “Michael Jackson’s Ups And Downs”, Revista Forbes, 2003, en www.forbes.com/2003/11/21/cz_1121jackson.html [2] J. Duross O’Bryan, “Neverland Accounting”, Revista Forbes, 2009, en www.forbes.com/2009/07/02 /michael-jackson-bankruptcy-opinions-contributors-king-of-pop.html
45 BLACK OR WHITE
Michael Jackson es inocente
Para entender un poco el problema sobre la pigmentación de Michael Jackson, hay que tener en cuenta lo siguiente: cuando una piel blanca es despigmentada con algún método (para manchas por ejemplo), no sufre tanto, ya que sus melanocitos se encuentran en la última capa de la dermis. La cantidad de estas células y su distribución determinan el color de piel de la gente. La piel negra los tiene en la primera capa y por ello su ataque es inmediato y mucho más severo.
Hablar de Michael Jackson es tratar de definir una personalidad complicada, de matices que afectaban los roles que ejercía en su vida. Me gustaría concentrarme en el primer síndrome que padecía: el “síndrome de Peter Pan” (la persona que nunca quiere crecer). Es a partir de ahí que se deriva el entendimiento de su personalidad. Dentro de la psicología, éste trastorno no se considera una patología. Sin embargo, la fijación por permanecer en la infancia se convierte en una neurosis, caracterizada por la inmadurez en ciertos aspectos psicológicos, sociales y por el acompañamiento de problemas sexuales. Como consecuencia, surge una deformación de la personalidad que puede ser vinculada a un enfoque ligeramente delirante de tipo paranoide. Por eso, entender su trastorno obsesivo es comprender que el daño recibido en su niñez no se elije: es el reflejo de una niñez violentada. Sin embargo, una persona que nunca quiere crecer no somete ni violenta a otros (y menos a un niño), porque precisamente un niño refleja lo que la persona transtornada desea vivir. Por ello, en el caso específico de Michael Jackson y sin poder hacer una evaluación exacta ni tratando de imponer un criterio, creo que era un ser humano que amaba genuinamente a los niños, sin una intención que llevase al abuso sexual. Creo poder descubrir en sus imágenes, en su manera de mirar y de hablar, una ausencia de lascivia hacia los niños. Por el contrario, expresa ternura, compasión y un lenguaje corporal que habla más allá de lo obvio. Por eso resulta fácil dejarse llevar por lo que tanto se dijo. En lo personal, no creo que su caso fue de pederastia, sino de un ser sin la intención de hacer daño.
Cuanto alguien sufre de una despigmentación puede haber problemas relacionados con el colágeno del organismo. La melanina, además de ser un determinante primario del color de la piel humana, recubre todas las células del cuerpo y su desbalance afecta directamente en la retina, la zona de la glándula adrenal y en la médula espinal. El combate a su producción natural puede afectar a todos los órganos, incluido el cerebro. Lo anterior puede desembocar en afecciones que provocan dolores intensos en distintas partes del cuerpo. De ahí que Jackson, luego de haber sufrido varias intervenciones en la piel, tuviera que ser sometida a tratamientos con poderosos analgésicos. Personalmente, dudo que Michael Jackson haya tenido vitiligo. Probablemente fue sometido a algún tratamiento por causas que particularmente desconozco, pero que pudieron haberse relacionado con problemas de pigmentación por acné o por daños causados por los rayos ultravioleta del sol. Cualquiera que haya sido el verdadero motivo, su piel ya estaba afectada, requería de atención personalizada y tratamientos intensivos que posteriormente modificaron su vida diaria al grado de adoptar conductas extravagantes. Martha Duchanoy Dermatóloga
Viviane Bulhosen Elias Psicoterapeuta Humanista y Trainer en PNL e Hipnosis Ericksoniana.
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Siempre quise hacer música que influyera a todas las generaciones.
Enfrentémoslo: ¿quién desea la
mortalidad? michael jackson.
Influencias Michael Jackson bebió de la hermosa tradición de la música R&B, gospel, soul, pop y funk que lo precedió: desde James Brown y Diana Ross hasta Paul McCartney y Frank Sinatra. Ya fuera para ser fabricador de tendencias en la moda, para un agudo sentido de los negocios, o para prenderle fuego al escenario, Michael dejó una huella profunda en incontables generaciones. Desde los únicos posibles herederos a su trono, Justin Timberlake y Usher, hasta otros fenómenos menores, Michael influyó directamente a artistas como Mariah Carey, Britney Spears, Rihanna, Pharrel Williams, NeYo, Janet Jackson, etc.
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Las esenciales “I’ll Be There” Del Third Album (1970), sale esta canción con ecos gospel y soul, después de varios sencillos bailables y dirigidas a un público adolescente (como “ABC”). Michael sorprende por una interpretación profundamente sentimental, casi imposible para un niño de su edad. Mariah Carey la “covereó” en su MTV Unplugged de 1992 y la cantó en el evento conmemorativo del 7 de julio, Mariah no pudo sostener sus vocales: se escuchaba claramente afectada . “Don’t Stop ‘Til You Get Enough” El primer y mejor sencillo de Off The Wall, su primer disco solista oficial. Encanta por un falsete exquisito (la primera vez que se escuchaba su habilidad para alcanzar tonos tan agudos), armónico con el contenido seductor de la letra. Michael probó su habilidad comercial. En el video vemos el nacimiento de otra de sus marcas registradas: mocasines negros con calcetines blancos. “Billie Jean” Michael consiguió el mayor éxito de su carrera con Thriller (1982). “Billie Jean” es quizá la mejor de sus canciones. El tema habla sobre una mujer que le dice que tiene un hijo suyo. Se basa en el incidente real de una fan enloquecida que le mandaba cartas, una foto de un bebé y una pistola para que ambos cometieran suicidio a la misma hora. El video fue el primero en ser transmitido de forma regular en MTV para un artista negro. En el evento del 25º aniversario de Motown, Michael la cantó, guante blanco en mano, y mostró por primera vez el moonwalk ante una audiencia de 50 millones de personas. Al día siguiente Fred Aistaire, uno de los mayores íconos en la danza y héroe personal de Michael lo llamó para felicitarlo.
“Thriller” La canción prácticamente se debe a su video: el cortometraje de 14 minutos. Michael concibió la idea basada en una de sus pasiones, las películas de terror clásicas. La coreografía resultaba problemática, porque la meta era lograr que un montón de zombies no se vieran ridículos.
“Beat It” Michael Jackson concibió el álbum Thriller como una sucesión ininterrumpida de buenas rolas. Para conseguir el sentimiento rocker en “Beat It” invitó al legendario Eddie Van Halen a tocar la guitarra, quien contribuyó con un solo bastante memorable.
“Bad” En 1987 sale Bad, álbum largamente producido que esperaba superar el éxito de Thriller. Martin Scorsese dirigió el video “Bad”. Muchos criticaron el look de niño malo que parecía demasiado sintético. Se dice que la canción se planeó para que fuera un dueto con Prince. “Man in the Mirror” Después de la letra empalagozona de “We are the world” y “We are here to change the world”, graba esta canción, mucho más sincera y con la misma orientación de cambio y conciencia social que seguiría con “Heal the world” o “Earth song”. “Voy a empezar con el hombre en el espejo. (...) Si tú quieres hacer del mundo un mejor lugar, mírate a ti mismo y después haz el cambio”. Su interpretación vocal es madura y emocional, en contraste con un coro gospel en el fondo. En el video se mostraron imágenes de eventos históricos, como los asesinatos de John y Robert Kennedy, e imágenes de la Madre Teresa, Martin Luther King, John Lennon, Gandhi, etc. “Black or White” Esta fue la mejor canción del álbum Dangerous (1991). El álbum deja atrás el sonido ochentero y experimenta con un pop más adulto. Slash interpretó la guitarra. El video muestra a un hombre preocupado por aclarar las concepciones erróneas sobre su transformación física. Alaba la diversidad étnica, que jamás debería de usarse para etiquetar a las personas. “Scream/Childhood” El sencillo doble del disco HIStory: Past, Present and Future, Book I (1995). “Scream” es un dueto junto con su hermana Janet, un verdadero grito de enojo contra la prensa que lo acosaba tras los escándalos de pedofilia. “Childhood” es en sus propias palabras la canción más honesta que escribió jamás, y la que mejor lo describe. La letra es dolorosamente autobiográfica. “Number Ones” Durante 30 años de carrera como solista, Michael logró varios éxitos con muchas otras canciones que vale la pena escuchar. Este disco incluye varias de las mejores que no vienen en esta lista, como “Smooth criminal”, “Dirty Diana”, “The way you make me feel”. El álbum es lo mejor que hay para escucharlo en conjunto antes de que salga a la venta una compilación de tributo definitiva. Quizá se incluya ahí el sencillo de su último álbum Invincible: “You Rock My World”, canción que no le hace justicia a la talla de su leyenda.
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Hit
the d a ro ro.
Monte s Ă lvarez
FOT:: Carlo
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2009
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Björk
The Lemonheads
música 3x1
Dinosaur Jr.
Voltaic Warner
★★★★ A los cuarenta y tres años y diecisiete después de la disolución de The Sugarcubs, Björk nunca ha dejado de estar presente en el candelero electrónico y experimental del rock de vanguardia. Voltaic es la expresión revivida del tour que siguió a la aparición de su álbum Volta (2007). A diferencia de la mayor parte de los artistas —grupos y solistas—, que en sus representaciones en vivo se limitan a reproducir en forma más o menos pusilánime cada una de las notas y sonidos sin arriesgar nada, la multifacética hada de los avatares sónicos y visuales nos demuestra que aún es posible escuchar rolas como “Wanderlust”, “Earth Intruders”, “Innocence” y “Declare Independence” del mencionado disco precedente, además de clásicas como “Hunter” y “Pagan Poetry” con variaciones interpretativas diferentes que incluso superan a las originales. El disco salió a la venta en diferentes formatos como CD, DVD y vinil. TXT:: Andrés Sánchez–Juárez.
Björk: Volta. El preludio y la base de su gira mundial. Animal Collective: Merriweather Post Pavillion. Faltaría escucharlo en vivo. Kim Gordon: Mon & DJ Olive. Las mujeres en la vanguardia experimental.
Varshons
Farm
Jagjaguwar
The End Records
★★★
Desde hace varios álbumes que la banda liderada por John Mascis nos ofrece lo “mejor” de su producción. En el caso de su décimo disco Farm, se percibe claramente una continuación de su precedente Beyond (2007), pero con una diferencia en cuanto a los riffs de guitarra que emergen en varios de los tracks del álbum que, para delicia de los amantes del rock clásico gabacho, producen ecos reminiscentes de los años setenta, esos que recuerdan la escena de arena–rock setentero, poblada por grupos que realizaban continuas giras por todo el territorio norteamericano como Black Oak Arkansas y Lynyrd Skynyrd. “Said the People” y “I Don’t Wanna Go There” son un claro ejemplo de ello. Dos composiciones de Lou Barlow, “Your Weather” e “Imagination Blind” complementan las diez rolas escritas por J Mascis. Música que oscila entre lo flamante y lo descarado. TXT:: A.S.J.
Varshons es el título de la novena producción de la banda oriunda de Boston MA, y primera desde la publicación del homónimo The Lemonheads del 2006. En este disco todavía se conservan rastros de sus orígenes punk de principios de los noventa post Hüsker Du. La mezla de pop, punk y country– rock se expresan a lo largo de los once cortes en los que su recuperado frontman Evan Dando, Vess Ruhtengurg (bajo) y Devon Ashley (batería) rinden homenaje a sus ídolos y responsables de su inspiración musical como Leonard Cohen, Townes van Zandt, G.G. Allin y The Green Fuzz. Como sorpresa empaquetada cuentan con una muy fresca colaboración de dos famosas: Lyv Tyler hace los coros en la rola de Cohen “Hey, That’s No Way To Say Goodbye”, y la top model Kate Moss presta una cadenciosa y sugerente voz de pasarela popera en “Dirty Robot”. “Layin’ up With Linda” de Allin en la voz barítono de Dando cierra brillantemente el disco. TXT:: A.S.J.
Sonic Youth: Daydream Nation. La fascinación por el noise. Black Flag: Damaged. El sabor del hard core punk está presente. The Breeders: Title TK. ¿Un equivalente de género femenino?
Neil Young: Neil Young. La influencia universal del country rock. Hüsker Du: Zen Arcade. Imposible ignorar su impacto. Cowboy Junkies: At the End of Past Taken. Una correspondencia más alternativa.
★★★★
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Radiokijada
Bitte orca
New Sounds From Black Perú Month of Match Music
★★
★★★
★★★
Entre guitarras acústicas, armonías a medio camino de la síncopa y el juego vocal hombre–mujer, Bitter Orca resulta ser una grabación no lineal, una serie de canciones que llevan en sí un relato que decide tomar atajos para saltar al lugar menos esperado. Pop avant garde con alardes caprichosos y eventuales concesiones melódicas. Si el minimalismo de temas como “Stillness is the Move” y “Two Doves” genera un ambiente donde los laberintos atenúan su trazo; casos como “Temecula Sunrise” y “Remade Horizon” –y sus voces entrelazadas– evocan el lado menos ‘fácil’ del cubismo sonoro que David Longstreth, líder de esta banda que procura matizar con cada grabación. Sí, un disco tan deliberadamente fracturado como envuelto en guiños de un pop intelectualizado tanto en su lírica como en su estructura musical. Pop excéntrico que busca –y encuentra– válvulas de escape que impiden sofocarse. TXT:: Benjamín Acosta.
Una vez agotado Gotan Project —junto con la oleada que replicó la mezcla de tango con beats programados— ahora el experimento involucra un laboratorio enclavado en el Perú más recóndito. Desde la raíz africana es que Radiokijada elabora lo propio. Si bien en su EP Agua E’nieve (2008), se hizo evidente la fusión percusiva entre el peruano Rodolfo Muñoz con la ingeniería secuencial del suizo Christophe Müller; ahora han producido un disco que podría considerarse más ‘orgánico’. Lejos de continuar con el aderezo que significa un toque dance, New Sounds From Black Perú arroja un pronóstico reservado, tradicional incluso. Es así que, a mitad de camino entre Lima y París (la ciudad en la que Müller reside), optaron por colocar en pausa el mestizaje para trastocar su sonido con lo exquisito que representa la negritud que va desde la hipnosis percusiva de “Qué lindo suena” al jazzy de “S.O.S.” . TXT:: B.A.
Sea por simple inquietud, por probar otra cosa o algo cercano al permanente desasosiego, Jack White prolonga el impasse de los White Stripes y de paso el de Raconteurs. También decide mantener su guitarra dentro del estuche. Ya el nombre del proyecto es el desencanto de una de las catapultas de un rock denso, especialmente oscuro y divertidamente malicioso. Con el mismo White en la batería, Alison Mosshart (The Kills) haciéndose cargo de la voz principal, el bajista Jack Lawrence (The Raconteurs) y Dean Fertita (Queens Of The Stone Age) en la guitarra; The Dead Weather debuta –y se despide a la vez, quizás– con un disco elaborado en tres semanas al tiempo de estrenar Third Man Studio, la nueva trinchera de grabación del omnipresente White. Como parte de la estridencia y pesimismo bajo control, destacan “Hang You From the Heavens” y el dramático Hammond que imprime en “I Cut Like a Bufalo”, el clímax en esta entrega. TXT:: B.A.
Andrew Bird: Noble Beast. Canciones equipadas con un blindaje que las protege de lo superficial Devendra Banhart: Smokey Rolls Down Thunder Canyon. Sofisticadas lecciones para incipientes cantautores Grizzly Bear: Veckatimest. Banda sonora para melancólicos atardeceres dominicales
Up, Bustle & Out: Istanbul’s Secrets. Coctel que hace de la globalización su principal ingrediente Novalima: Coba Coba. Tradición y modernidad, raíces afroperuanas entreveradas con dub y hip hop. Bomba Estereo: Blow Up. Desde Colombia, dub folklórico y hip hop bullanguero que mantiene el ánimo en lo más alto.
Sonic Youth: Daydream Nation. Cuando las guitarras están bien afiladas y la desilusión sale a flote. Yeah Yeah Yeahs: Fever to Tell. Instantes de crudeza, furia y poder. The White Stripes: White Blood Cells. La furia del dueto en su máximo esplendor
Domino
Horehound Warner
música 3x1
The Dead Weather
The Dirty Projectors
70Candy God Help The Girl
música 3x1
Múm
Stranger
Diablito Records/ Warner Music México
★★ Es impresionante ver lo mucho que ha avanzado la industria musical independiente en México. Ha encontrado diversas maneras para seguir adelante a pesar de todos los problemas que aquejan a la industria nacional e internacional. Candy es un grupo más que se une a la gran camada de bandas independientes de la ciudad de México, un trío de punk wave (como ellos se definen) integrado por Valentina (bajo y voz), Héctor V. (batería) y Michael K (guitarra y voz) quienes tratan de llenarnos el oído con su disco debut Stranger que, digamos, es un buen primer paso. El disco fluye sin mayor problema en sus aproximadamente 30 minutos de duración, los 10 tracks nos muestran una banda con bases musicales firmes y muchas ganas para tratar de destacar en este medio tan difícil. Me brinca mucho la cuestión del idioma, creo que hubiera sido muchísimo más interesante escuchar Stranger en español, por otra parte, me suenan a una mezcla entre Bloc Party y Client sin la intensidad de los primeros ni la cadencia y sensualidad de las segundas. Lo cual de haber sido combinadas de la manera adecuada habrían dado como resultado un disco excelente. Habrá que darles una oportunidad, quizás escuchándolos en vivo cambiemos de opinión. TXT:: Orlando “Chino” Oliveros.
Bloc Party: Silent Alarm. Demoledor primer disco de esta banda londinense y quizá la banda internacional que he visto más veces. Client: Client Going Down. Es inevitable recordar a las sensuales integrantes de este trío electroclash. Arctic Monkeys: Whatever People Say I am, That’s What I’m Not. Furioso disco debut de los muchachos originarios de Sheffield.
God Help The Girl Matador
★★★★ El creador de Belle and Sebastian (Stuart Murdoch) es un tipo de otros tiempos; sencillamente, no pertenece a esta época. Su pop de orfebrería me hace compararlo con un anticuario, alguien que ama las cosas del pasado por sobre las novedades. Ahora su particular perspectiva lo hace convocar a distintas vocalistas, con tal que no se parezcan a Celine Dion, para elaborar lo que será la música de una película del mismo título que comenzará a rodarse hasta el próximo año. Apoyado en dos recreaciones de temas de antaño (“Act of the Apostle” y “Funny Little Frog” de The Life Pursuit), resulta el disco con la más pura esencia de la banda en muchos años. Un trabajo lleno de pasajes orquestales, tratamientos a lo spaghetti western y pinceladas jazz, que conviven con momentos de music hall y rock pop oldie. El álbum toca la historia de una joven llamada Eve, recién salida de un manicomio y en procesco de encarar una nueva vida. En tema hay detalles interesantes, como la participación de Neil Hannon de Divine Comedy en una canción que le es ideal: “Perfection as a Hipster”. Destacan también Catherine Ireton y Brittany Stallings en canciones tan acariciantes como aterciopeladas. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.
Belle and Sebastian: The Life Pursuit. Para recordar las versiones originales. The Divine Comedy: Casanova. El álbum más logrado y popular de Neil Hannon, un elegante vocalista. Au Revoir Simone: Still night, Still Light. Un trío de ninfetas cantando para sublimar el espíritu.
Sing along to songs you don’t know Morr Music
★★★★ Ratificando lo que parece ser el sello distintivo de la música islandesa, regresa Múm con su quinto albúm de estudio. Después de su aclamado Go Go Smear the Poison Ivy del 2007, la banda repite la fórmula: elementos electrónicos mezclados con instrumentos tradicionales –y hasta poco convencionales–, juegos vocales y letras naíf. Un sonido que encuentra el punto de equilibrio entre orgánico y sintético, que va de lo simplemente “bonito” a lo definitivamente etéreo. Parece fluir como un río, muy probablemente porque el agua resulta un tema recurrente en esta producción. Desde el primer track “If I Were a Fish”, nos invitan a sumergirnos en las atmósferas subacuáticas que crearon para esta producción. Sin perder ese toque experimental, Sing Along to Songs You Don’t know pasa como agua –tal vez para disguto de los fans de hueso colorado–, haciéndolo el álbum más digerible de la banda. TXT:: el d1eg0.
Amiina: Kurr. Álbum debut de quienes empezaron como músicos de apoyo de Sigur Rós. Entre Ríos: Entre Ríos. Si buscamos un símil en la música latinoamericana, estos argentinos tienen más que suficientes semejanzas. Múm: Go Go Smear the Poison Ivy. La prueba a superar autoimpuesta por esta banda.
71 Nouvelle Vague
George Harrison
3
Let it Roll: Song by George Harrison
★★★
★★★
¿Existe en México alguna banda de covers con el mínimo chispazo de originalidad? Como sea, este disco es ideal para desterrar el lugar común. Nouvelle Vague son de Francia y su nombre aplica por mera osmosis nacionalista, no por aguna coherencia estilística con la corriente cinematográfica. Su interpretación de canciones de bandas clásicas de hardcore, new wave, punk, goth synth es bastante digna, aunque requiere una apertura al eclecticismo, al menos la suficiente como para poder escuchar el “Too Drunk to Fuck” de The Dead Kennedys despojado de su furia hardcore. Luego de haber versionado temas de los Buzzcocks, Blondie, The Cramps o Joy Division, estos hijos de la postmodernidad (como buenos franceses) llegan con un tercer álbum donde Martin Gore les ayuda con las vocales de “Master and Servant”. Ian McCulloch de Echo And The Bunnymen hace lo propio con “All My Colours”. Por lo demás, encontrarás a los Talking Heads, Simple Mind, The Sex Pistols o The Police reinterpretados bajo tonalidades de bossa nova, country, bluegrass y reggae. TXT:: Vicente Jáuregui.
A unos días de la remasterización digital de toda la discografía de los Beatles, EMI music lanzó Let it roll, una compilación de que reúne 19 traks del beatle que siempre fue opacado por la dupla Lennon–McCarthy. Si bien los años de George con el cuarteto de Liverpool le permitieron demostrar sus dotes como compositor y arreglista (“Something”, “While my guitar gently weeps” o “Here comes the sun” por mencionar las que aquí se incluyen), fue hasta la disolución de la banda (con su consecuente carrera como solista) que pudimos reconocer el talento del beatle más enigmático en una proporción más clara. Su talento como guitarrista se muestra en este disco: si bien nunca fue un virtuoso tipo Page, Clapton o Beck, la belleza y emotividad que hay en su fraseo “minimalista” nos recuerda que muchas veces, menos es más. La magnífica edición del booklet hacen de Let it Roll: Song by George Harrison un artículo de colección para los fans, mientras la selección de las canciones lo convierten en una buena oportunidad para introducirse en el trabajo de un músico fascinado con la cultura oriental. TXT:: V.J.
Depeche Mode: Some Great Reward. Los coqueteos sadomasoquistas de “Master and Servant” son llevados a los terrenos del country sin abandonar totalmente su carácter oscuro. The Sex Pistols: Never Mind the Bollocks, Here’s The Sex Pistols. La ignominia contra la realeza británica es azucarada con un recetario de repostería francesa. Tuxedomoon: Solve Et Coagula: The Best of Tuxedomoon. La melancolía de “In a Manner of Speaking” primero fue covereada por Martin Gore, y ahora por Nouvelle Vague.
The Beatles: Abbey Road. El disco que para muchos representa la obra cumbre de los Beatles y que incluye la composición de Harrison “Something”. The Beatles: The White Album. Incluida entre las mejores 500 canciones de la historia, “While my guitar gently weeps” fue inspirada en una lectura del I Ching y tiene una participación de Erick Clapton en la guitarra. George Harrison: Live in Bangladesh. 14 años antes de Live Aid, Harrison ya hacía enormes conciertos destinados a la pobreza y la hambruna del “tercer mundo”.
Peacefrog
EMI music
You Can Have What You Want Gnomonsong
★★★★★ La primavera trajo este gran disco que amenizará perfectamente cualquier estación del año. Y es que la voz de Jason Quever –quien se convirtió en huérfano a temprana edad–, un órgano que resalta en más de una canción, guitarras acústicas y mucho reverb crea una atmósfera placentera para el escucha. Esta producción (grabada análogamente) te llevará a los rincones del folk psicodélico, donde podrás resguardarte con bellas canciones como “Once We Walked Into the Sunlight”, “Dictator’s Lament”, sobresaliente por su alegre esencia pop, “Future Primitive”, primer sencillo del álbum, y otros más melancólicos, como “The Machine Will Tell Us So”, “You Can Have What You Want” y “The Void”, que sin duda será uno de tus temas preferidos. Ésta es la tercera producción discográfica de Papercuts, proyecto de Quever donde, entre otras personas, destaca la colaboración de Alex Scully (Beach House). Uno de los discos más agradables del año TXT:: Mildred Pérez.
Casiotone for the Painfully Alone: Answering Machine Music. Papercuts hizo el cover de “Baby, it’s You”, tema que puede encontrarse en este excelente disco. Beach House: Devotion. Uno de los mejores discos del 2008 según Pitchfork, del dúo al que pertenece Alex Scully. Papercuts: Can’t Go Back. Con este álbum podrás disfrutar de la más pura esencia de la melancolía de Quever.
música 3x1
Papercuts
Straw Dogs
The Arcade Fire: Miroir Noir
Los herederos
dvd
Carriers
Dirección: Sam Peckinpah Reparto: Dustin Hoffman, Susan George, Peter Vaughan Guión: David Zelag Goodman, Sam Peckinpah País: Inglaterra, EUA Año: 1971 A manos de quien regresara la bravura, la fuerza y la sangre al género del western (dejando de lado el idilio del viejo oeste para refugiarse en lo despiadado de los hombres y la tierra), en Straw Dogs quedan vestigios del género a pesar de suceder en la Inglaterra actual. Si en The Wild Bunch (1969) y Pat Garrett & Billy the Kid (1973) los protagonistas son grupos de hombres, en ésta son parejas quienes hacen frente a la adversidad (ya sea a la defensiva como en el caso del personaje de Hoffman), huyendo o en busca de recompensa a las profundidades del norte de México. Lo aterrador del mundo de Straw Dogs la emparenta con el thriller de suspenso o con el cine de horror, sacando a relucir los más oscuros miedos del espectador, quien se vuelve aquí una víctima más. En sus películas, Peckinpah propone siempre una ética anclada en el anguloso mundo de sus personajes, que la defienden hasta el final sin que sepamos a ciencia cierta si semejante manera de actuar es en verdad la correcta. Un cine de acción incómodo, brusco y agresivo como sólo “Bloody Sam” era capaz de hacer. TXT:: Juan Patricio Riveroll.
Director: Vincent Morisset Género: Documental/Concierto País: Canadá Año: 2009
Dirección: Eugenio Polgovsky Género: Documental País: México Año: 2008 Los niños del campo mexicano comienzan a trabajar desde pequeños. Los herederos es un retrato de sus vidas y de su lucha diaria por la supervivencia. Entre sus actividades de campesinos y pastores caminan largos trayectos para cortar leña, tejer, hacer ladrillos, migrar con sus familias para trabajar en las cosechas, acarrear agua, tallar y pintar madera para hacer alebrijes. Al heredar las herramientas y las técnicas de sus ancestros, estos niños también han heredado la miseria. Generación tras generación permanecen cautivos en un ciclo de pobreza. “Por la coherencia autoral de la propuesta, que con su precisa utilización de recursos narrativos, da una mirada digna de la pobreza sin una grandilocuencia moralista”, el jurado del Festival de Documentales de Santiago de Chile le otorgó el muy merecido premio a esta cinta verdaderamente imprescindible. Desde Trópico de cáncer (2004) Polgovsky demostró convicción, calidad y rigor cinematográfico al componer una bellísima obra llena de contradicciones. TXT:: J.P.R.
Dirección: Alex y David Pastor Reparto: Lou Taylor, Chris Pine, Piper Perabo Guión: Alex y David Pastor País: EUA Año: 2009 En 1347 una epidemia en Europa acaba con 35 millones de habitantes. En 1918 la gripe española se convierte en el virus más letal de la historia. En 2009 hay una nueva pandemia que deja el orbe casi vacío a excepción de unos cuantos sobrevivientes y otros tantos enfermos que se convierten en carriers que traen el virus dentro: una amenaza letal. La premisa de Carriers puede dar una idea cabal del suspenso que permea a lo largo de una cinta, inscrita dentro del género de 28 days/weeks later (2002/2007) o de Outbreak (1995), aprovechando el brote de gripe porcina o influenza que se dio en nuestro país para expandirse rápidamente por el mundo. Escrita y dirigida por dos primerizos hermanos españoles, Carriers promete un rato denso de angustia ante la pantalla grande en un septiembre difícil para la cartelera comercial. Quizá sea un buen antídoto homeopático para hipocondríacos y paranoicos. TXT:: J.P.R.
Miroir Noir no es un video de concierto cualquiera, probablemente porque Arcade Fire se ha esforzado por no ser una banda cualquiera. Dentro de los incontables grupos que han aparecido en esta primera década de los dosmiles, ninguno ha alcanzado el nivel creativo e interpretativo que el conjunto de Montreal nos presume en este documental/concierto de aproximadamente 70 minutos. Por otra parte, muchos podrían pensar que se trata de la agrupación más sobrevaluada de los últimos tiempos. Éstos deberían de darle una oportunidad a este DVD. De la mano de Vincent Morisset y su tocayo Vincent Moon –de LaBlogotheque–, compartimos el viaje desde la grabación de Neon Bible hasta la gira del álbum. Lo mismo podemos encontrar a la banda tocando “Neon Bible” amontonada en un elevador o a Win y Regine en otro elevador tocando “Windowsill”, que la interpretación, irónicamente llena de energía de “Power Out” y la transición a Rebellion (Lies). En la edición especial, ésta radiografía tiene un segundo disco que contiene una compilación de presentaciones en televisión. Se trata de un DVD indispensable en la videoteca de cualquier fan de la banda, pero sobre todo, en la de cualquier detractor de Arcade Fire. TXT:: “el d1eg0”.
74
libros 3x1
Temporada de caza para el león negro
Una luna
Tiempos de fuga
Martín Caparrós
Tryno Maldonado
Anagrama Como si fuera un miembro de la noevelle vague tentaleando con el cinema verité, el zacatecano Maldonado (1977) hace un acercamiento realista y llano a una pareja de gays que se encuentran en el centro de la vorágine del arte contemporáneo mexicano. Uno de ellos es un narrador sin nombre y el otro sólo es conocido por su apodo. “Golo” es la gran estrella que el mercado nacional ve surgir, ascender vertiginosamente a la fama y estallar, tras un comportamiento freak y una toxicomanía crónica. Maldonado cambia completamente de registro, después de un estilizado debut con Viena roja (mucho más ambiciosa) ahora da cuenta de los conocidos y manoseados excesos y manías que abundan en el mundo del arte: sexualidad extrema, impostura, fiestas dionisiacas interminables y una existencia compungida entre el vacío y la creación. Ecos y estrategias de otros escritores presentes en esta breve novela lastran su estructura y desdibujan al autor, quien aún se halla en pos de su voz literaria definitiva. Hay tiempo para que la consiga y más si continúa con la diosa fortuna de su lado, ya que este libro obtuvo una mención en el Premio Herralde de Novela 2008. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.
Tryno Maldonado: Viena roja. Primera incursión –mucho más arriesgada- de este joven autor. Mario Bellatín: El gran vidrio. Avezado en lo experimental resulta una influencia decisiva en Tryno. Daniel Sada: Casi nunca. La novela ganadora del Herralde 2008 escrita por un esteta consumado.
Almadía ¿Es el destino lo que determina nuestra vida? ¿Existe la voluntad o somos despeñados de manera irremediable por ella? Inscrita en el género conocido como novela fantástica, el brillante escritor gallego Ramón Caride nos cuenta los misterios de tres historias paralelas enlazadas en un final inesperado e inexplicable, todo ello animado por las inagotables posibilidades de lo sobrenatural. Con más de 30 libros publicados, la pluma de Caride concibe aquí personajes desazonados, víctimas del nihilismo propio de quien sospecha ser víctima del azar. Ganadora del premio Risco de novela fantástica en 2003, Tiempos de fuga posee varios atributos: por un lado es tan intrigante como sesuda, y su carácter “analítico” está inscrita en la narrativa del análisis psicológico literario, muy recomendable para quienes disfrutan de personajes como Raskolnikov (Crímen y castigo, Dostoievski) o Gregorio Samsa (La metamorfosis, Kafka). Con escenarios variopintos que sirven como óleo de lo insólito, Tiempos de fuga fue traducida al castellano por Xoán Fuentes Campo para la editorial mexicana Almadía. TXT:: Vicente Jáuregui.
Anagrama Este escritor argentino vivió muchos años en el exilio (París, Madrid), donde se convirtió en uno de las grandes figuras del periodismo narrativo, alcanzando la altura de un Kapúscinski o Capote, según apuntó el diario La nación. Enviado por la ONU a un complejo recorrido que lo lleva de Moldavia a Liberia, pasando por Barcelona y otras muchas ciudades en un periodo que abarca un solo ciclo lunar (de ahí el titulo), el hombre, antes que el escritor, debe enfrentarse con historias extremas de migración que, como suele ocurrir, rebasan las pretensiones de la ficción. Los dramas humanos que las historias rebelan le llevan a superar el documento que debe entregar al organismo internacional y nutrir el texto con sus certeras y agudas reflexiones de viajero, de periodista irredimible y de un ente sensible que al toparse con ìel otroî también se pregunta por su lugar en el mundo. Este hiperviaje tiene un anecdotario alucinante: mujeres embarazadas vendidas por su maridos para ejercer la prostitución, países que llevan 15 años sin luz eléctrica y agua potable, gente que pierde a todos sus familiares y documentos y se encuentra varada en una tierra que no es la suya, niñosñ soldados que no ansían las paz, sino encontrar una nueva guerra que los acoja. Caparrós entrega un libro contundente y fortísimo que constituye en sí mismo una experiencia de vida a través de la escritura. TXT:: J.C.H.
Ramón Caride: El futuro robado. Seis historias de Caride sobre los hermanos Said y Sheila, traducidas al castellano. Franz Kafka: La metamorfosis. El mundo fantástico del escritor austriaco que cambió la historia de la literatura es una gran influencia para Ramón Caride. Jonathan Swift: Los viajes de Gulliver. Un enigmático personaje de Tiempos de fuga reafirma la vieja tesis hermenéutica: “¿Acaso un niño puede siquiera entender los viajes de Gulliver?”.
Martín Caparrós: A quien corresponda. El cronista de viajes más importante de la lengua española, aquí en su faceta de novelista. Cees Nooteboom: Mokusei. Otro autor que hace del viaje su esencia narrativa; una obra en la que el maestro holandés se atreve con Japón. Ryszard Kapuzcinski: Viajes con Heródoto. Un homenaje al primer reportero de la historia, mientras el autor se interna en la india.
Ramón Caride
Afroamerican Comics
75 TXT:: Óscar G. Hernández.
Durante el movimiento blaxploitation de los años 70 y 80 aparecieron diversos cómics sobre la cultura afroamericana. Su empuje creció a la par de la música y el cine. Surgieron diversas publicaciones donde los afroamericanos fueron protagonistas. El papel de los personajes de color que antaño eran utilizados como clichés, sería relegado poco a poco. Sin embargo, a pesar de todo este boom, los cómics que se consagraron fueron pocos. En su mayoría pertenecieron a las grandes editoriales como Marvel Comics; que visionariamente lanzaron a dos personajes que se colocaron en el gusto del público tanto de color como blanco; consolidando la igualdad racial en el mundo de las historietas. Con la llegada de un presidente de color a los Estados Unidos y la muerte del antiguo Capitán América, se ha desatado una gran polémica en el universo de los superhéroes de Marvel, donde se habla de la aparición del Capitán América negro. Se cree que si los Estados Unidos tienen ahora un presidente afroamericano lo correspondiente es que el defensor del sueño norteamericano sea de color. Para este numero te traemos los superhéroes icónicos de la cultura afroamericana: Black Panther y Luke Cage ambos popularísimos en los años 60 y 70. También te presentamos el número de colección de Spiderman donde aparece el actual presidente Barack Obama.
Spiderman, Toma de posesión Stan Lee – Jack Kirby
Marvel Comics Sin duda el suceso histórico más importante de este nuevo siglo es el ascenso al poder de un presidente de color en la llamada nación más poderosa del mundo. Finalmente, después de siglos de lucha por la igualdad se logra y reconoce el triunfo de la población afroamericana. Marvel, la editorial que más se ha ocupado de retratar los hechos relevantes de la nación vecina, en la que sus protagonistas son participes constantes, no dejó pasar este hecho. Por esa razón lanzaró un número de colección del Hombre Araña donde el protagonista principal es el presidente Barack Obama. En este número, el Hombre Araña y el presidente norteamericano se enfrentan a un enemigo clásico del universo Marvel. El argumento es muy simple y en realidad vale la pena revisar este número por su valor histórico, ya que sin duda será una pieza que los coleccionistas de cómics querrán tener. La Marvel se suma al festejo del triunfo demócrata con esta edición, que hoy día es considerada como representativa del cambio que llega a la Casa Blanca.
Black Panher Stan Lee – Jack Kirby
Marvel Comics El primer superhéroe de color en aparecer en los cómics fue Black Panther, su éxito en la comunidad de color fue inminente. Tiempo después, con la aparición del movimiento social de lucha por la supremacía negra conocido como Black Phanters reducirían su nombre a Phanter, aunque en la actualidad recuperaría el nombre completo después de superada la tormentosa lucha de igualdad racial en los años 60 y 70. Este superhéroe originario de una pequeña nación africana luchó hombro con hombro con los principales superhéroes y se consagró como un defensor de la igualdad y la justicia. Cada vez que Black Panther luchaba, los dibujantes rasgaban sus ropas para mostrar que era una persona de color quien se encontraba detrás del disfraz. En México se haría popular por sus apariciones con los 4 Fantásticos, Los Vengadores, El Hombre Araña y los X-Men. Ya ha sido anunciada la producción de la película de éste superhéroe que seguramente vera su aparición en las carteleras en los próximos años.
Powerman, Luke Cage Jhon Romita
Marvel Comics La historia del personaje Luke Cage fue basada en la vida de los afroamericanos pobres y relegados de los años 70. Condenado a prisión por un crimen que no cometió; fue en la cárcel donde adquirió sus superpoderes para después probar su inocencia. Es uno de los superhéroes más controvertidos de la editorial Marvel por su origen callejero y su lenguaje como de las bandas del barrio. Trabajaba como mercenario al mejor postor aunque sólo por causas justas; después su cargo de conciencia era tan fuerte que terminaba por no cobrar. Luke Cage es quizás el superhéroe más popular en la defensa de los derechos de igualdad. En la famosa serie Civil War será uno de los principales oponentes a la supresión de derechos. Entre los principales fans de este superhéroe está Nicolas Cage, que de ahí tomó su nombre artístico. La banda de rock Powerman 5000 también inspiró su nombre es este superhéroe. Los Simpsons no lo dejarían pasar de largo y lo incluyeron en uno de sus capítulos. Por supuesto, será llevado a la pantalla grande de la mano del famoso director John Singleton.
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Guitar Hero 5 Distribuidor: Activision Consolas: Xbox 360, PS3, Nintendo Wii Fecha de salida: septiembre 2009 Clasificación: T Género: musical Por ahí dicen que no hay quinto malo y Activision parece apoyar esa teoría al lanzar la quinta versión de su popular franquicia Guitar Hero. Después de cinco juegos y varias expansiones, ahora hay más y mejores canciones de bandas legendarias así como nuevos modos. El GH5 es el primer juego que permite utilizar cualquier combinación de instrumentos: lo mismo se puede jugar con tres guitarristas, dos bateristas y un vocalista que con cualquier otro arreglo. Además, tiene nuevos modos de juego tan dispares que servirán para diferentes estilos de jugador. El contenido descargable de Guitar Hero World Tour es compatible con el GH5, y en cuanto a la variedad de canciones, incluye 85 tracks de artistas como Bob Dylan, Coldplay, Iron Maiden, The Killers, Muse, Santana, The White Stripes, Tom Petty, entre otros. TXT:: Carlos Gutiérrez.
The Beatles Rock Band Distribuidor: Electronic Arts Consolas: Xbox 360, PS3, Nintendo Wii Fecha de salida: septiembre 2009 Clasificación: T Género: musical Por primera vez, el histórico repertorio de The Beatles estará disponible en formato digital (y de manera legal) por medio de este videojuego. Como parte de la serie Rock Band, podrás ponerte en los zapatos de Lennon, McCartney, Starr y Harrison para tocar o cantar prácticamente toda la discografía completa del cuarteto de Liverpool. Como parte de las mejoras que presenta este juego, está la habilidad de poder utilizar hasta tres voces para cantar los coros. Además, si se dicen verdaderos fanáticos de la banda estoy seguro que no se podrán perder grabaciones nunca antes lanzadas para ningún medio, donde John, Paul, George y Ringo platican entre las sesiones de estudio grabadas en Abbey Road hace más de 40 años. Este juego será un homenaje histórico a la mejor banda que ha pisado la tierra. TXT:: Carlos Gutiérrez.
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