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Colaboran en este número Benjamín Acosta, Jorge Arias, Natalia Cano, “Chico Migraña”, Victor Hugo Cuenca, Erick Estrada, Arthur Alan Gore, Carlos Gutiérrez, Óscar G. Hernández, Juan Carlos Hidalgo, Andrés Ibarra Ríos “Chelito”, “El Jergas”, Alejandro Mancilla. Medi, Daniel Ocaranza, Jesús Serrano, Rafael Toriz, Regina Zamorano.

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EDITORIAL

mvn 89 / marzo 2011 / zoé / velocidad

Actualmente, decir velocidad es pensar en una cuestión que determina la manera en que habitamos y descubrimos el mundo. Lo que nació como una añoranza humana, con el tiempo se volvió realidad y ahora es una constante que nos desborda. Por ello nos pareció oportuno reflexionar sobre sus alcances, y aunque era importante aproximarnos de una manera crítica, la amplitud del tema permitió hablar de anfetaminas, Michael Ende, slow food, los graffitis de Banksy, la Matrix, Heidegger, speed metal, un rockódromo imaginario, teorías delirantes (la dromología de Paul Virilio) y un largo etcétera. Además, tenemos entrevistas con personajes tan dispares como pueden ser Robi Draco Rosa, Charlie Monttana, White Lies… o Zoé, quienes aparecen en la portada de Marvin por segunda vez. En aquel momento la banda nos presentó el EP The Room, un disco que ayudó a consolidar su carrera; ahora, varios años después, nos cuentan cómo el Unplugged que grabaron para MTV, sirvió como pretexto para invitar a varios amigos músicos y encontrar nuevas posibilidades para sus canciones.

Vicente Jáuregui

MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. 4, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

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contenido MVN mvn 86 89 / LOS marzo BUNKERS 2011 /- zoé GIRA /INSURGENTES velocidad 2010 / RECICLAJE

40 6 BUENAS NUEVAS. Noticias de música, cine y arte.

10 ESTILO Tendencias actuales.

11 GADGETS Lo último en tecnología.

48 MODA Energy Ligths.

Música

12 MÚSICA NUEVA. Bam Bam. Misión cumplida.

14 Macaco. 17 años explorando los sonidos del mundo.

16 Charlie Monttana. Simpatía por un diablo.

18 Robi Draco Rosa.

Culto a la muerte.

20 Peter Bjorn and John.

El encanto de lo básico.

22 Elbow. El arquetipo de una expedición sonora.

24 My unkle Snoop. Kiss the ring bi@t<h!

26 The Decemberists: ¡El rey ha muerto, viva el rock!

28 White Lies. En boca de todos.

30 La romántica rebelión de The Radio Dept.

32 Beady Eye. Sin mirar al pasado.

34 Speed Metal.

64 DE CULTO Una tarde en el Rockódromo.

Alejandro Mancilla @nosoymoderno

zoé

Desenchufan sus guitarras

CINE

52 Dejemos el cerebro fuera del cine.

54 Perras. Una dulce revelación.

56 Juego de Traiciones. la verdad expuesta.

66 DE CULTO Cámara rápida, cámara lenta. La velocidad en el cine.

ARTE

58 CÓMIC 58 Arturo Elena. Botero a la inversa.

68 DE CULTO Las trampas del graffiti.

DE FONDO

36 Speeeeeeeed: rock y anfetaminas.

38 Ahorita.

RESEÑAS

Música 70 / CINE 75 / LIBROS 77 GAMER 78 / LINKS 79 80 EL PILÓN Iván González Montoya.

Director de los IMAS.

Todas las mañanas, en la parada del autobús me encuentro a una chica buenísima a la que le gusta sonreír. Un día descubrí que estábamos escuchando una canción de The Smiths al mismo tiempo. Platicamos, y me invitó a ver Black Swan a su casa. Resultó que actúa en ella, se apellida Portman, creo. ¿Qué? ¿Tengo que decir la verdad? Bueno, escribo reseñas para Marvin y me gustan más los Love and Rockets que Bauhaus.

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A qué sonamos : :

¿A qué suenan las bandas que lees en esta edición impresa?

Escúchalas en esta sección.

BAJAN, BAJAN : :

Canciones, nuevos lanzamientos, descargas gratuitas.

Este mes, entrevista con Zoé.

Conoce cómo llevamos a cabo el shooting para esta portada.

Una sesión fotográfica con León Larregui y compañía.

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06

esencia marvin no. 22

ceci bastida y furland Otra noche de Esencia Marvin estaba por comenzar. La gente comenzó a formarse minutos antes de que las puertas de El Imperial fueran abiertas. Conforme avanzó la noche, el recinto ubicado justo donde la Condesa y la Roma se dividen iba perdiendo espacio por donde bailar o caminar.

Alrededor de la media noche, Ceci Bastida subió al escenario para presentar su producción Veo La Marea.

Canciones como “No me conocerás” y “Cuando vuelvas” fueron coreadas y aplaudidas, igualmente el cover que hicieron a la banda ochentera The Go Go’s: “This Town”. Cabe destacar la presencia de los músicos de Mood Fu, una banda de hip hop que vale mucho la pena ver en vivo.

El turno siguió para los chicos de Furland, quienes conquistaron y remendaron corazones rotos y otros enamorados con canciones del álbum Historia de la luz, y por supuesto con su ya clásico tema “Robot”.

Entre coros y suspiros se coronó esta segunda Esencia Marvin del año, como una gran noche donde la gente no paró de divertirse entre cantos y muchos aplausos.

TXT:: Artemisa Hernández. FOT:: Oscar Villanueva (OzCorp)

Kashmir regresa a México Confirmados en DF y Guadalajara

En el primer trimestre del año pasado, Kashmir abarrotó el Lunario del Auditorio Nacional durante tres días consecutivos en los que presentaron su sexto álbum Trespassers. La recepción del público tomó por sorpresa a los músicos, quienes lucían grandes sonrisas en las que se mezclaba incredulidad y emoción. Para aquellos que se quedaron de más o no pudieron ver a esta gran banda danesa, Kashmir anunció a través de sus cuentas oficiales de Facebook y Twitter, que este 2011 visitarán nuestro país por segunda ocasión. Ache Producciones ha confirmado la visita de los daneses a las ciudades de México y Guadalajara. El próximo 6 de marzo se presentarán en el José Cuervo Salón, mientras que en Guadalajara estarán el 5 de marzo. Aún no ha sido dada a conocer información sobre la venta de boletos para el concierto en esta ciudad, por lo que les mantendremos al tanto próximamente en www.marvin.com.mx

LA Cd Di ó Ss o ud ne df is ny ist t i ev mo

07

Cuando James Murphy anunció que This is Happening sería el último álbum de la banda, tanto fans como medios cuestionaron la declaración pensando que tal vez se arrepentiría. Pero Murphy es un hombre de palabra: hace unos días anunció el concierto final de LCD Soundsystem a través de un comunicado en el sitio oficial de la banda, mismo espacio que ocupó para compartir noticias acerca de los boletos y nuevas fechas de la despedida. Las entradas para el concierto de los neoyorkinos en el Madison Square Garden no sólo se agotaron, también los revendedores han hecho de las suyas. Murphy se enteró de ello y a través de la cuenta de Twitter de la banda ha ido informando su rabia, enojo y sorpresa para aquellos que intentaron vender un boleto de LCD Soundsystem en 1,500 dólares. Por tal motivo, cuatro nuevas fechas han sido agendadas en Terminal 5 en la ciudad de Nueva York para los últimos días de marzo. Por otro lado, la última presentación como LCD Soundsystem en un programa de televisión se llevó a cabo y significativamente el 14 de febrero en The Colbert Report, donde interpretaron “I Can Change” después de una breve entrevista donde Colbert cuestionó –como era esperadola separación de la banda. “Creo que es lo más correcto que puedo hacer, tengo 41 años, en cierto punto es algo vergonzoso […] antes de ser líder de una banda tenía una vida y hay cosas que quiero hacer, tengo trabajo en la disquera”.

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Arcade Fire De los suburbios a la pantalla grande

e s t r e n a ) s e n o a ú n

La noche de Pan Negro La noche del 13 de febrero fue inolvidable para Agustí Villaronga, el director, guionista y actor que ganó los Goya más importantes con Pan Negro, entre ellos película, director, actrices protagonista y de reparto (Nora Navas y Laia Marull), actriz y actor revelación (Marina Comas y Francesc Colomer), dirección artística, guión original y fotografía. Por otra parte, También la lluvia, de Iciar Bollain, sólo ganó tres, uno para Karra Elejalde (actor de reparto), música y dirección de producción. Buried empató también con tres: sonido, guión original y montaje. Por último, Balada triste de trompeta se hizo acreedora de maquillaje y efectos especiales. Como todos anticiparon, Javier Bardem ganó mejor actor por Biutiful.

( y

Premios Goya 2011

Destroza la crítica a Spider-Man, el musical

El año pasado, Spike Jonze dirigió el espléndido video homónimo de The Suburbs, y para todos los fans del director y de Arcade Fire, la mancuerna de trabajo no se quedó ahí, pues Jonze trabajó en un mini-film titulado Scenes From The Suburbs, el cual fue estrenado en el Festival de Berlín, el pasado 10 de febrero. El filme dura 30 minutos y fue escrito por Spike, Will y Win Butler, y aunque se trata de una película, no abandona la estructura tradicional del videoclip.

Ya es inminente el estrenó de la mega-producción al estilo Broadway, que llevará a uno de los superhéroes consentidos de la gran manzana a soltar telarañas en un teatro neoyorkino, pero ni un presupuesto altísimo (65 millones de dólares), ni música compuesta por U2 la han salvado de una serie de críticas más contundentes que los tentáculos del mismísimo Dr. Octopus. Al parecer el trabajo de dirección, a cargo de Julie Taymor –ganadora de un Tony por The Lion King– no apuntaló a un montaje que vino acompañado de varios accidentes laborales durante los ensayos previos. Para el crítico del New York Times, Ben Brantley, se trata de: "no sólo la más cara que jamás haya llegado a Broadway, sino que también puede estar entre una de las peores". Según su opinión, las camisetas alusivas deberían decir: “Vi SpiderMan y sobreviví" o “Vi Spider-Man y me dormí".

Retrasos constantes del estreno, problemas de reparto y una crítica devastadora amenazan con convertirse en los verdaderos enemigos del arácnido, e hijo predilecto de Marvel Comics, en su versión teatral. Para el crítico del Daily News, Joe Dziemianowicz: “parece que sólo 10 centavos del total del presupuesto han ido a parar a su confusa historia y a su diálogo sin gracia". TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

La Migra y Devendra Banhart

Vice Gallery

09

Choque entre arte y política en Rusia Un creador prófugo y varios encarcelados Aleksei Plutser-Sarno es un artista ruso que debe mantenerse en la clandestinidad debido a una persecución de estado. No pasa más de dos noches en el mismo sitio y trata de despistar a la policía enviando supuestos mails desde Tel Aviv (donde no estaba), y filtrando información mediante entrevistas que lo ubicaban falsamente en Estonia. ¿Qué hizo para despertar la cólera de las autoridades rusas? Pertenecer al colectivo de arte-acción Voina, que entre otras incursiones ha arrojado gatos vivos a expendios de McDonalds, para luego pintar un pene de 64 metros en un puente levadizo de San Petesburgo, que al funcionar apuntaba directamente a las oficinas del FSB (el departamento de seguridad).

Esta humorística acción no fue bien recibida e incrementó la persecución contra Voina (que quiere decir guerra), misma que lleva ya tres años, y durante la cual han sido arrestados y sujetos a juicio otros dos de sus miembros fundadores: Oleg Vorotnikov y Leonid Nikolayev, que podrían tener sentencias de más de siete años. El grupo también organizó una orgía en el Museo de Biología, considerándolo una representación simbólica de la campaña que llevó a Dmitri Medvédev al poder. Luego, en septiembre pasado, llevaron a cabo su proyecto más radical y audaz: “Revolución en el palacio”, que consistía en correr hasta autos de policía estacionados y volcarlos, como protesta ante la corrupción policial.

Vice Gallery trae en exclusiva "La Migra", una exposición colectiva que agrupa a más de 10 artistas contemporáneos de la escena “angelina”, reunidos por primera vez en el mismo espacio. La curaduría corre a cargo de Devendra Banhart, el músico mitad gringo mitad venezolano conocido por sus rolas en la onda del freak folk. Para la expo, Devendra invitó a un grupo de músicos y artistas plásticos, entre los que destacan Fabrizio Moretti, Beck y James Franco.

Vice Gallery abre la exposición de “La Migra” del 24 de febrero al 27 de marzo, con horarios de visita de lunes a viernes de las 10:00 a las 18:00 hrs., y los sábados previa cita.

Vice Gallery Mérida 109, Col. Roma México D.F.

A causa de ello, les negaron cualquier vinculo estético y artístico, y el colectivo fue considerado una banda criminal, pese a que Plutser-Sarno cuenta con una carrera como presentador televisivo y es autor de varios libros (algunos de ellos, compendios de obscenidades rusas). Desde entonces, dejó de usar celulares, recurre a Skype y cartas enviadas mediante intermediarios. Los artistas sustentaron la creación de Voina debido a la casi extinción de actos opositores en la última década y la complacencia del sector cultural.

Pese a todo, la solidaridad directa no fue tanta, ha sido mediante YouTube, LiveJournal y Twitter que han conseguido simpatizantes locales y extranjeros. Aunque a mediados de enero detuvieron a uno más de estos escapistas-creadores, al menos Plutser-Sarno sigue prófugo y disfrutando su vida entre las sombras –según ha declarado–. TXT:: Juan Carlos Hidalgo. FOT:: Sasha Krasnov.

Marijuanaman

Ziggy Marley de cantante a creador de superhéroes Tal parece que la veta creadora de uno de los hijos de la máxima leyenda del reggae no se queda en el campo musical. El más famoso de sus herederos ahora incursiona en el mundo del comic, creando un personaje a todas luces políticamente incorrecto. Marijuanaman es descrito como “un noble extraterrestre que llega a la tierra para entregar un importante mensaje y al mismo tiempo salvar nuestro planeta”. En esta aventura Ziggy no está solo, se hizo acompañar del guionista Joe Casey y el ilustrador Jim Mahfood. La historia será publicada por Image Comics a finales de abril y para el equipo de creadores se trata de un personaje que representa: “la esperanza del futuro… la esperanza de que utilizaremos todo el poder que el universo nos ha entregado para salvar el planeta”. Al menos nadie puede culparlos de tener malas intenciones. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

10 estilo y gadgets

EcoFest El festival de compras verdes más importante de Latinoamérica EL EcoFest es una celebración del medio ambiente que impulsa el mercado de productos y servicios sustentables, con actividades, música, talleres, clases y conferencias. Si quieres iniciar una vida más verde, pero no sabes por dónde empezar, aquí podrás encontrar alternativas de arte reciclado, productos de limpieza ecológicos, juguetes elaborados con cartón y pet, ropa hecha a partir defibras de algodón orgánico, muebles de materiales, paneles solares, artículos de belleza y cuidado personal entre muchos otros. Como el año pasado, EcoFest 2011 será un evento Cero Emisiones y Cero Desperdicios.

26 de marzo, de 10:00 a 19:00 hrs.

Fuente Xochipilli del Bosque de Chapultepec.

Ketel One Una segunda piel más inteligente Con 300 años de experiencia en destilación, el Brand Ambassador de KETEL ONE, Benjamín Novoa imparte clases de coctelería periódicamente.

La clase es seguida por la creación y enseñanza de distintos tipos de cocteles, y en esta ocasión la diseñadora de moda Alejandra Quesada y sus invitados pudieron disfrutar deliciosos cocteles de Ketel One. Diversión y responsabilidad, fueron los elementos para esta noche que sólo algunos pueden disfrutar junto con KETEL ONE.

Camper Colección primavera verano Este año, Camper nos promete una colección adecuada para disfrutar de un verano largo. Para ello está de vuelta Extraordinary Crafts, un concepto que combina versatilidad, flexibilidad y sofisticados colores de temporada. Esclop y Klick son dos nuevas líneas que exhiben todo el brío creativo de esta temporada.

Y para caminar, los Pelotas Skin, Atom Work y Atom Hidro, todos ellos zapatos extraordinarios para un verano extraordinario.

11

This Day La aplicación de Led Zeppelin Esta aplicación es el complemento perfecto para conocer a una de las bandas de rock más grandiosas de todos los tiempos.

Está disponible para iPhone, iPad y iTouch y contiene más de 5 mil datos sobre la banda, una guía con cada una de las canciones de estudio que grabaron, fotografías, trivias, un artículo exclusivo que describe su carrera y como bonus, un ring tone muy rockero y dos wallpapers. La aplicación es compatible con iTunes para que puedas escuchar tus tracks favoritos, al tiempo que descargas otros y te enteras de datos curiosos sobre tus canciones favoritas de la banda.

LG Electronics Reproductor 3D A parte de reproducir DVD y Blu-ray en tercera dimensión, el LG BX580 tiene acceso a YouTube, vía Wi-Fi y permite ver contenidos desde un disco duro externo, así como desde una memoria flash, gracias a su puerto USB. Además, con sólo presionar un botón puede grabar música de un CD a una USB o disco duro en formato MP3, y su ingenioso control remoto consolida los controles de diferentes aparatos en uno sólo gracias a la tecnología SimpLink. También, cuenta con acceso directo al sitio de Internet de “Gracenote”, que muestra en pantalla el nombre de la canción, álbum e la imagen del disco.

Motorola Flipout Un smartphone único y personalizable Sincroniza tus contactos, publicaciones, mensajes y fotos desde Facebook, MySpace, Twitter, correo electrónico personal y Last.fm. Con un teclado de cinco filas y diseño especial para las teclas numéricas, FLIPOUTTM incluye CrystalTalkTM PLUS, que mejora la calidad de la voz de la persona que llama, además de filtrar el ruido de fondo para lograr mejores conversaciones. Disfruta de las ventajas que brinda AndroidTM 2.1 con este equipo totalmente diferente a los formatos tradicionales de smartphones.

Trivia

Marvin y motorola te regalan un motorola flipout.

Para conocer la dinámica de la trivia, visita:

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12 MÚSICA nueva

MISIÓN CUMPLIDA TXT:: Andrés Ibarra “Chelito”.

En 2010, año emblemático para todos los individuos de este lado del planeta, estos regionautas se enclaustraron en una cápsula sonora (estudio de grabación para los humanos) de la mano de un astrofísico sueco-mexicano loco (o productor) que se hace llamar Martin Thulin, para dar testimonio auditivo de lo que la humanidad no ha dilucidado aún: la responsabilidad que tenemos todos y cada uno de nosotros sobre el futuro de la vida inteligente en el universo.

Una

de las experiencias más gratificantes para el melómano empedernido es encontrar de manera casual y aleatoria a una banda que le llena el oído. Este tipo de descubrimientos, poco usuales en tiempos de ultra conectividad, hacen que el espécimen descubierto adquiera un valor sentimental y sonoro sumamente grande. Ese es, en mi personal experiencia, el caso de Bam Bam. En 2008, un amigo regiomontano me pasó un CD de manufactura casera: “Son unos compas, los Bam Bam traen una onda bien tripeada”. Gustoso recibí el disco y lo archivé bajo mi esquematizado desorden, entre libros, películas y montones de ropa. Pasó algo así como un año y escombrando mi hogar descubrí una caja de CD blanca en la que una criatura de color morado lucía amistosamente monstruosa. Inserté el disco en el aparato que los hace sonar simplemente para tener un acompañante en mis tareas de limpieza. Después de veintinueve minutos y treinta y cuatro segundos, se habían convertido en mi nueva banda favorita.

Bam Bam es una extraña combinación de influencias; es una especie de hijo bastardo de Brian Wilson que fue raptado por alienígenas para ser iluminado con la verdad universal, pero que regresó a su ciudad natal por un buen kilo de machaca para evitar la sensación de añoranza provocada por estar a años luz de su tierra natal. Bam Bam es pop fino, es psicodelia y distorsión, es angustia terrenal y universal; y es, simple y llanamente, una banda singular en tiempos de singularidad.

El 29 de marzo de 2011 llegará a las estaciones de compra-venta de energía sonora (o tiendas) Futura Vía, el segundo álbum de estudio de una banda determinada a (en palabras de Mou, guitarrista y cantante de la banda) “concientizar a quien se deje sobre lo maravillosa y misteriosa que es la realidad, que no necesitamos de magia y superstición para hacerla ‘más especial’ y que antes de dejarte convencer por cualquier ideología extraña uses la razón para discernir entre la opción más probable, y un cuento de hadas que te haga más ligero el existir”.

Bam Bam 1, Walter Mercado 0 Futura vía es la galaxia que albergará nuestro sistema solar en 5 millones de años. Los científicos la llaman Milkómeda. La galaxia que va a resultar de la colisión de la Vía Láctea y Andrómeda. Para Mou, el reloj avanza, y la humanidad tiene que decidir entre el camino de las ideologías falsas o el de la razón: “Si queremos sobrevivir como especie se tiene que lograr ese ideal aunque sea parcialmente, de lo contrario vale madre todo. Lo malo es que tenemos muy poco tiempo para decidir por un camino o el otro. Como muchas grandes novelas, historias y películas (como 2001 de A.C. Clarke o Valis de P.K. Dick) Futura vía trata sobre la intervención extraterrestre en beneficio de la evolución humana. Eso que se ve en la portada del disco puede ser la representación gráfica de una inteligencia superior de origen extraterrestre”.

Tras haber sufrido el trauma de una de las extrañas coincidencias más traumáticas del universo (nacer), Mou y compañía tienen claro que lo suyo es hacer

música, y explotar el oficio que decidieron arropar hasta que el único legado posible de su existencia orgánica, sea un amplio volumen sonoro. La banda tiene también preocupaciones mortales, y su ideología terrenal se traduce “en una lucha diaria entre lo que uno es y lo que el mundo quiere que seas: una maquinita de hacer dinero. Porque si no lo eres te la pelas bastante para pasártela chido en el mundo. O más bien, para pasártela como te han dicho que es chido; y esto te lleva a cuestionarte cómo es ese pasártela chido y te puede llevar a la conclusión de que no se necesita tanta mamada para sentirte bien contigo mismo. Sobrevivir con lo básico. Todo lo que viene además de lo básico es una distracción de lo realmente importante”.

Predicando con el ejemplo…

Al preguntarle a Mou si desea que su visión sea compartida por el resto de la humanidad, y si esto es una misión, su respuesta es tajante: “ni por tantito es MI visión, es una visión que muchos grandes pensadores, filósofos y científicos han desarrollado y expuesto de formas mas claras y objetivas. Lo que me interesa es hacerme pensar a la hora de crear, y si por accidente esa creación le llega a alguien más y lo puede hacer pensar, cuestionar o dudar pues me doy por satisfecho. Mucha de la información que me meto a la cabeza es para eso, y hacer música es mi forma de contribuir a la humanidad. Un humilde esfuerzo, porque no dejan de ser canciones de guitarra y batería. Por más devaluadas que estén las canciones de guitarra y batería, es lo que escogimos hacer. O más bien, lo que mejor nos sale hacer; y uno debe usar las herramientas que le tocaron para mejorar el mundo. Ya sea una estupenda comprensión de las matemáticas, o un buen sentido del ritmo para darle a las maracas”.

Misión cumplida regionautas, han hecho de mi un creyente. Pocos discos hacen que en medio de tu cotidianidad sientas que estás en un lugar completamente ávido de ser explorado, y Bam Bam y su Futura vía lo logran de manera sublime.

Futura vía estará disponible a nivel nacional a partir del 29 de marzo. M

14 Música

17 años

explorando los sonidos del mundo TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

“Me

siento muy cercano al mar, al sol y la arena; encuentro mis canciones entreveradas con pasiones marineras y con viajes. De hecho, vivo muy cerca de la Barceloneta, y una y otra vez me acerco a la playa para que me cuente sus secretos.

Por otra parte, disfruto de que mi música tenga una conexión con Barcelona, una ciudad por la que pasa un sinfín de gente y muchas culturas han dejado su huella, aunque por supuesto que siempre estoy mirando hacia otras latitudes”, así se expresa Danny Carbonell, a quien el mundo conoce por uno de sus apodos “Macaco”, pues también se hacía llamar “Mono loco”; varios alter egos para un tipo que lleva 17 años de carrera; una sinuosa travesía que le ha llevado a explorar las posibilidades de la caja de eco a lo Mad Professor, las sonoridades orgánicas del África, la rítmica antillana, ciertos aires de rumba ligera y más recientemente, expresiones exquisitas del pop en una vertiente no banal ni vacua, como explica él mismo: “quisiera que mis temas pudiesen cobrar la misma naturaleza que los de Bob Marley, a quien admiro profundamente; escuchas las canciones a través de los años y parece que fueran escritas apenas ayer. Conservan una energía vital que se contagia, que se unta a la piel y que además abre la posibilidad de tocar temas que influyen sobre cualquier ser humano, sin importar bandera o época”.

una tierra de nadie: sus fieles seguidores del under abjuraron, mientras las masas no suelen tener gran memoria ni fidelidad. Ahora no le resulta sencillo consolidar un lugar propio y exento de juicios maliciosos, pero cuenta con un repertorio envidiable que hoy día le sirve para alegar a favor de sus temáticas y estilo compositivo.

Durante el camino ha editado seis discos; del debut El mono en el ojo del tigre (99) a dos obras logradísimas como Rumbo submarino (2001) y Entre raíces y antenas (2004), y los más asimilados por el público: Ingravitto (2006) y Puerto presente (2009). Este último alcanzó el disco de platino y su sencillo más representativo "Moving" batió récords en España (triple platino en descargas digitales, número 1 en ventas y ganó la nominación a los Grammy Latinos de 2009 como mejor canción alternativa). Debido al éxito, Macaco se halló casi en

¿Alguna concesión estratégica? Tal vez.

No soy fan de Ximena Sariñana, pero la encuentro más cómoda que nunca en “Mundo roto”, mucho menos impostada y más discreta; otra mexicana, Natalia Lafourcade, forma parte de “Mamá tierra”. ¿Serán las piezas que lo identifiquen por fin con los escuchas nacionales?. Eso piensa Macaco, pues la fiesta mexicana se llama Mensajes del agua (EMIMéxico, 2011) que resulta de una combinación de material de El vecindario con algunos de

“Siempre me ha gustado interactuar con músicos que amen la libertad, que se atrevan a probar formas distintas y que no entiendan de barreras físicas o musicales”. De allí se entiende la manera en que ha decidido celebrar 17 años de explorar los sonidos del mundo. En España editó El vecindario (EMI, 2010). En su patria se trató de una versión doble (20 temas + DVD) que establece sus ambiciones en “One Step”, canción en la que se acompaña de dos figuras africanas: Youssou N´Dour y Oumou Sangaré. Pero la cosa no para, ahí está su versión de “Monkey Man” (de Toots & The Maytals) con el norteamericano Michael Franti, para luego recetarnos canciones para distintas sensibilidades, como el homenaje a una banda insigne del rock hecho en Cataluña; Manolo García de El último de la Fila canta con galanura en “Seguiremos” y Bebe sigue callando bocas de propios y extraños en “Delaveraveraboom”.

los temas más emblemáticos de su trayectoria.

Ambos discos son una verdadera verbena de ritmos por los que se filtran las grandes pasiones de Dani: “Mis drogas son la montaña, el mar y la música, aunque estoy a favor de la legalización de las otras para que haya más control". Cercano a gente como Ojos de brujo, Amparanoia (Amparo Sánchez), Sargento García, P18, Brazuca Matraca, Dusminguet (hoy la Troba Kung-Fu), Muchachito Bombo Infierno, La Shica, le gustaría que en el futuro lo compararan mejor con Peret y “Gato” Pérez, dos figuras históricas de la rumba catalana.

Dos canallas de ley que amaban la libertad a ultranza. A fin de cuentas, Macaco es un artista sólido que va del hip-hop al flamenquillo y salta al carnaval sin desmerecer.

Macaco adelanta la llegada de un libro de poemas, en los que promete criticar a la prensa que no lo deja en pa z (pues su pareja es una actriz de renombre), pero no se atemoriza: “Si estuviéramos más tiempo pensando en que se cumplieran nuestros sueños en lugar de lamentándonos por las cosas, no tendríamos apenas tiempo para estar tristes. La ilusión, la alegría, las ganas de estar en movimiento… Eso es lo que hay que cuidar día a día”. No parece cansarse, disfruta intensamente su oficio: lleva 17 años abogando por la naturaleza, hace contrapeso a la discriminación y pugna por la preservación del planeta. Podríamos decir que se trata de un activista a causa cabal, pero me sabe a poco, prefiero señalar que tenemos delante a un gran músico… y eso no es cosa de todos los días. M

Macaco s e p r e s e n ta r á e n Esencia Marvin del mes de abril.

16 Música

Simpatía por un diablo TXT:: Arthur Alan Gore.

FOT:: Cortesía de Charlie Monttana.

A veces, Charlie Monttana le habla al vaso de whisky y no al entrevistador.

Son las 11 de la mañana, pero “El Vaquero Rocanrolero” ataca con furia una botella de Jack Daniel’s –su bebida favorita– que le pusieron enfrente. Su esposa, una muy sensual rubia de 22 años, no ha venido con él esta mañana, por lo que Charlie se descose presumiéndome la buena suerte que tiene con las mujeres. Sin embargo, su desparpajo me hace pensar que aunque su mujer estuviera con nosotros, él tampoco mediría sus palabras.

“Quizá mi franqueza me ha salvado: amo el olor de las sábanas después de una pelea, el aroma de la tanga de una chica. Esas cosas me inspiran a hacer canciones”, dice con esa voz aguardentosa que hemos escuchado salir por las bocinas del microbús o de la fiesta más fresa.

Sexo, alcoholes y rocanrol. No cabe duda que tengo a una estrella de rock delante de mí.

17

¿Cuándo te empezó a llamar el rock?

Charlie Monttana: Siempre. Vengo de la posguerra del 68, viví en la colonia Guerrero y fue en la banqueta de la calle Flores Magón donde se gestó el numerito. El olor de los vagos y del pachuli me atraía; la ropa parchada también. Eso tiene que ver con la forma en que comencé a crecer. Escuché a los Stones, a los Creedence y a Sabbath en la radio; me atraía ese sonido y empecé a tocar formalmente en 1983. ¿Cómo llegaste a V.A.G.O.?

Perro Muerto –mi banda de chavito– les abrió dos veces. Yo quería ser su staff, pero los V.A.G.O. eran muy conservadores y decían que yo estaba muy loco. No me dejaban ni ser su “secre”. Total, la banda era buena, pero no había un cantante líder. El guitarro hacía todo: cantaba, gritaba, se movía. Me integré después de que me invitaron a audicionar. Yo quería cargar los bafles, pero me pasó como al cantante de AC/DC (Bon Scott), que manejaba el camión, pero terminó como vocalista. ¿Quién te enseñó a cantar?

En un principio yo era bajista, pero me volví cantante porque no había quien lo hiciera. En Perro Muerto había un vocalista, pero se casó, se clavó en el Evangelio, y su nueva religión fue el problema.

Cuando entré a V.A.G.O. eran puros gritos. En el 85 u 86 hicimos un demo que manejó Piro –de Ritmo Peligroso–, él me dio unos tips y me mandó a la escuela de música.

Sigo cantando igual de feo, pero ya estuve en la libre de canto, en el INBA, y en otras escuelas que no me sirvieron de nada, pero sí me robaron mi dinero.

Después de V.A.G.O. y Mara, ¿por qué decidiste una carrera solista?

Mara tronó como en el 96. Entonces dije: “no cargaré con rótulos antiguos, yo soy Charlie Monttana y punto”. Me fui a Europa, donde viví tres meses en París. Fue una época de reflexión.

Allá iba a armar una banda en el rollo de Mano Negra, con marroquíes, españoles, chinos y argelinos, pero dije: “este pedo no es lo mío”. Me regresé a México y en ese momento realmente comencé con mi rollo. ¿Qué necesitas para componer?

Siempre tengo a la mano una guitarra, una pluma, un papel, una mujer y una botella. Todo eso hace que la música se me dé. ¿Cómo te ha ido con las mujeres?

Bien, y cuando me va mal, ha sido útil para escribir

una buena canción. Tengo un lineamiento. Amo que las mujeres estén un poco mal, prefiero a las perdedoras. También amo la historias decadentes; la gente está acostumbrada a escuchar historias bonitas en el 97.7, pero yo hago todo lo contrario. ¿Te iría igual de bien con las mujeres si no fueras una estrella de rock?

Siempre me fue bien, incluso antes de que tocara.

Tú sabes, cuando no eres un caballo purasangre, siempre te puedes exprimir los sesos y ganar algunas millas. A mí el rocanrol me atrajo desde siempre, pero si no fuera músico, de cualquier manera sería el novio de México. Mi vida siempre se dio entre el nihilismo y el hedonismo. Siempre me he manejado alrededor de una búsqueda por y para el placer. Yo no estoy en “pro” de las ballenas ni soy bandera de ni madres. No enarbolo boletos de ninguna índole. Sólo soy un cantante que intenta ser entretenedor. ¿Y te has enamorado?

Mil veces y varias me han roto la madre. Esa ha sido la ventaja. De las cosas más espeluznantes nacen canciones tan bellas que hacen llorar al público. Esa es la razón de hacer conciertos. Después llegas a tu casa, abres la puerta y cuando rechina parece que te está diciendo: “oooootra vez vienes solo, hiiiiijo de tu puta madre”. Pero, ¿qué haces? Platicas con tus muebles, metes una sopa al microondas y prendes la tele para que te acompañe. Dices: “no mames, me acabo de coger a 4 mil cabrones en el escenario y todas las chicas querían conmigo, pero regresé solo a casa”. ¿Y qué sigue? Pues platicar con el espejo o con tu gato. ¿El amor apesta?

A veces. Es chido que una mujer te acaricie bajo las sábanas, sentir su respiración pausada, que quiera todo contigo. Pero cuando el amor apesta es cuando te dice: “tú no eres nadie, no vales nada, nunca vas a encontrar a nadie que te quiera como yo, maldito cerdo”.

Bueno, cambiemos de tema, ¿qué es el rock urbano?

Es la placenta, es el rock padre y el rock madre.

Gracias a él existen las bandas que ahorita ponen en el radio. El rock urbano es la pobre madre canosa abandonada en un rincón. Es lo que nos ha mantenido vivos, sin el rock urbano Mecano nunca hubiera nacido.

Tu caso es especial porque estás en el urbano, pero también te respetan en el mainstream.

Tengo muchísimos amigos. Siempre que hay

cocteles echas el pisto con fulano o perengano. Por eso en el disco de duetos que sacaré están todos: Moderatto, Allison, Lora, o los Mägo de Oz que se acaban de trepar.

Nomás falta hip-hop, pero quitamos a Pato Machete porque no cupo (risas). ¿Qué te ha salvado de morir de un pasón?

La música misma. El rocanrol tiene la virtud de hacernos sentirnos bien, de importarle a alguien.

Claro que como 14 veces he tenido la inquietud de aventar la toalla y decir: “¡a la mierda!” En un disco de V.A.G.O. viene una rola que se llama “Suicida” y habla de que tenía un vaso con navajas y me quería reventar la madre por un pedo de amor que no valía la pena. Yo quiero morir en mi cama, ¡dormido como Benito Juárez! En el escenario no, sería deprimente que me sacaran como perro. M

Amo que las mujeres estén un poco mal, prefiero a las perdedoras.

El rocanrol me atrajo desde siempre, pero si no fuera músico, de cualquier manera sería el novio de México.

Yo no estoy en “pro” de las ballenas ni soy bandera de ni madres. No enarbolo boletos de ninguna índole. Sólo soy un cantante que intenta ser entretenedor.

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Robi Draco Rosa se presentará en el Festival Vive Latino.

C u lt o a l a m u e r t e La naturaleza errante de Robi Draco Rosa define la forma como el músico, compositor, guitarrista y productor de origen puertorriqueño ha conducido su vida: en un intenso viaje por diversos y enigmáticos lugares con pasión, aventura, misterio y algo de magia.

TXT:: Asle García. FOT:: Cortesía Status Media.

En

ese ir y venir por el mundo, “Draco Cornelius Rosa” (como también se le conoce) adoptó de México el culto a la muerte. Draco Rosa recuerda que se sintió tan identificado con el sentimiento que aquí se tiene hacia la muerte, que incluso adoptó fragmentos de los poemas de Jaime Sabines, “No es que muera de amor” y “Algo sobre la muerte del Mayor Sabines” en sus canciones “Llanto subterráneo”, “Para no olvidar” y su éxito noventero “Madre Tierra”, respectivamente, incluidas en la que es considerada su obra maestra, Vagabundo (1996).

Cuenta Draco Rosa, que fue Marusa Reyes – manager de Caifanes, hoy Jaguares– quien le ayudó a obtener los permisos para utilizar los fragmentos de la obra del poeta mexicano en dichas piezas.

Además de Jaime Sabines, otras de las influencias que adoptó en Vagabundo fueron William Blake, Arthur Rimbaud y Charles Baudelaire.

“La época de Vagabundo surge de mi lado más oscuro, pero después, no sé, el tema de la muerte uno se lo toma mucho más en serio, cuando se va perdiendo familia, a los amigos. Mucha gente a la que quería murió en la locura, y entonces esto se vuelve un poco más serio. Hoy en día estoy leyendo otras cosas, libros de cómo cultivar en mi finca, eso es lo que me interesa saber ahora”, nos platica Rosa, en entrevista.

El motivo para hacer tanto hincapié en ese álbum (su segunda producción solista, producida por Phil Manzanera) radica en que además de ser un álbum lleno de pasajes oscuros, muestra una metamorfosis sonora que después lo consagraría como uno de los músicos más grandes de América Latina, muy a pesar de cargar con un negro pasado: haber pertenecido a las filas de Menudo.

A lo anterior se suma el hecho de que Draco Rosa es ni más ni menos que el hacedor de los éxitos de Ricky Martin, “La copa de la vida” y “Livin’ la vida loca”, logro que si bien lo consolidó firmemente entre un sector de la industria discográfica, le valió ser desacreditado por un segmento de los escuchas rockeros.

"Con Ricky (Martin) me liga una hermosa amistad de muchos años, ¡es casi mi hermano! Mi vínculo con él llegó en un momento de fuerte crisis económica en mi vida, porque además había nacido mi primer hijo y no tenía dinero (…) Gracias a Dios que me llamaron porque todo fue fantástico, además de que me involucré las 24 horas del día, ese proyecto me ayudó a comprarme mi estudio”, agrega.

Si bien su trabajo con Ricky Martin le trajo grandes satisfacciones económicas y personales, actualmente Robi Draco descarta que se repita la mancuerna con su amigo y ex compañero en Menudo. “Puedo decir que trabajar con él no está en mis prioridades, dejé de producir para otros desde hace nueve años.

Estoy enfocado en mi música y en mi negocio como agricultor. Esa época ya quedó atrás”, señala.

Durante su etapa como compositor del astro del pop, Robi Draco adoptó los nombres de “Ian Blake” (inspirado en William Blake, uno de sus autores favoritos), “Draco Cornelius” y “Dolores del Infante”, como una forma de reírse de la industria discográfica.

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¡No analices mucho porque te pierdes, yo estoy perdido!

Robi Draco Rosa

“Siempre tendré dudas, pero sí titubeé cuando me ofrecieron el proyecto para producir a Ricky, aunque esto de los pseudónimos obedece más a restarle importancia a las cosas, sobre todo con una compañía discográfica. Si había que producir a una chica, entonces me convertía en chica. Crear estos personajes me permitía vivir dentro de la piel de un personaje imaginario, lo cual me resultaba muy productivo, me ayudaba a enfocarme, me creía que era otra persona para lograr el trabajo… hay un poco de locura en todo esto, ¡no analices mucho porque te pierdes, yo estoy perdido! (risas)”.

Su vida privada hace tiempo que transcurre sin sobresaltos. Ahora reparte su tiempo entre Los Ángeles y Puerto Rico, al lado de su esposa

Ángela Alvarado, y sus dos hijos (Revel Ángel y Rédamo Cícero). Actualmente Robi promociona su doceavo disco de estudio Amor Vincit Omnia (2009), un experimento sonoro que rinde homenaje a sus raíces boricuas.

“Estoy dedicado a la agricultura, a mi familia; por otro lado, uno hace música para compartirla. Es difícil porque, tú lees cualquier libro de negocios y dicen ‘no le cuente la veldad’. Siempre estoy caminando con una duda, pero sí, me interesa la agricultura. El hecho de que llegues a casa y que puedas tomarte una cerveza que estamos preparando en la finca, que te pueda dar una papaya fresca, ¡eso me pone! Todo es intenso y lleno de estrés, no quiero estrés en mi vida… ¡ya no!”, comenta Robi.

Aunque el acreedor a dos Grammy ha hecho canciones muy populares, también puede jactarse de tener grandes álbumes de rock, como el tan señalado Vagabundo (1996) y Mad Love (2004).

“Es lo que estaba comentando el otro día con un amigo, yo tengo un hijo de 14 años y otro de 9, si apago la música se dan cuenta, pero si pongo el click track ni se inmutan, ¡y mira que en casa se escucha mucha música! Yo seguiré haciendo canciones, pertenezco a otra generación, aquella que escuchaba discos enteros, ahora todo se deshecha con facilidad, porque está al alcance de todos, a nadie le importa.

Si le apagas al estéreo, te preguntan ‘coño, ¿por qué no pones música’, entonces pones cualquier cosa que tenga un beat, un groove y con eso juran que está sonando algo”. M

20 Música

El encanto de lo básico TXT:: Benjamín Acosta.

Lo

simple es lo máximo. Así podría resumirse la postura con la que el trío sueco concibió el sonido de su sexto álbum, Gimme Some, una apuesta lowfi de un grupo que insiste en buscar otras formas de hacer música en cada entrega… al menos eso es lo que dicen. Con una portada que a muchos consideran poco afortunada, encontramos una nueva colección de canciones de quienes se perfilaron internacionalmente con la pegajosa y relajada “Young Folks”, una carta de presentación que les permitió dar conciertos por todo el mundo durante un año y medio. Con el tiempo, Peter Bjorn and John han sabido sacudirse aquello del one hit wonder, con canciones como “Second Chance”, “Breaker, Breaker” y “May Seem Macabre”.

Por vez primera la banda trabajó con un productor, en lugar de seguir fielmente el manual del do it yourself. Su nombre es Per Sunding, personaje de la escena nórdica que perteneció a Eggstone, un grupo considerado como el padrino del pop sueco durante la segunda mitad de los ochenta. “Que te escuche alguien desde afuera para decirte cómo tocar o cantar es una ventaja que nos permitió sentirnos más cómodos. Por eso ahora, mientras grabamos, también hicimos otras cosas como beber, leer o jugar tenis”, explica el baterista John Eriksson acerca de los días que se concentraron en los Tambourine Studios en Malmö, la tercera ciudad más grande de Suecia.

“Per es muy tranquilo, tiene un gusto similar al de nosotros. Pensamos que fue capaz de sacar lo mejor de la banda dentro del estudio, y nunca sentimos que estábamos trabajando”, continúa el músico que comparte los créditos de la banda con Peter Morén (voz, guitarra) y Björn Yttling (bajo, teclados).

Los cambios en la manera de hacer música se han dado como parte del mismo viaje que ha tenido varias escalas. Y así como en Falling Out (2005) tuvieron como regla usar el mínimo de acordes en la guitarra, además estructurar un patrón más simple en la batería; en Writer’s Block (2006) trataron de encontrar un sonido que distinguiera cada canción con arreglos menos obvios. Después, lanzaron una edición en vinil de temas instrumentales reunida en Seaside Rock (2008), experimento que los instaló en el lado opuesto de los reflectores. “Ese momento representó algo fundamental. Necesitábamos un respiro para encontrar la manera de reunirnos de la forma más humana posible. Con ese disco lo logramos, aunque a las disqueras no les interesó”, confiesa Eriksson.

Mientras grabamos, también hicimos otras cosas como beber, leer o jugar tenis. John Eriksson

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Más tarde, en Living Thing (2009) optarón por la idea de maximizar los recursos, pero con tonalidades más oscuras. “Decidimos no envolver los sonidos como hacían la mayoría, sino dejar silencios”, explica el baterista. Fue así que consiguieron un descabellado híbrido de synthpop y otras experimentaciones propias de ese universo en constante expansión llamado indie.

Ahora, con Gimme Some (Cooking Vinyl) regresaron a los conceptos básicos de la música pop, sin tanto efectismo. En otras palabras, y de acuerdo con declaraciones de Eriksson, se trató hacer “un disco clásico de power pop”. Con un sonido un tanto ‘convencional’, algunas puertas quedaron entreabiertas para ventilar cierta influencia punk, pero en su versión acústica como lo hacía Violent Femmes, y con un dejo de saturación deliberada como WAVVES o Best Coast.

En esta ocasión, la única regla fue evitar una grabación que de pronto demandara algo más que guitarra, bajo, batería y voz. “Pusimos en práctica aquello de menos es más”, resume el dueño de las baquetas. “Quizás para el siguiente disco recurramos al concepto opuesto. Entonces veremos qué sucede”, continúa un poco en tono de broma.

Desde hace mucho ABBA dejó de ser la única referencia para la música pop hecha en Suecia.

En esa medida, Peter Bjorn and John comparten la escena contemporánea con Shout Out Louds, Concretes, El Perro del Mar y Lykke Li, cuyo álbum Wounded Rhymes (2011) fue producido por el mismo Björn Yttling. A esos nombres y por recomendación de Eriksson, se suman los de bandas como New Rose, Paper y Holiday For Strings; –en esta última Eriksson también toca la batería–.

La portada –que ha motivado más de un comentario en contra–, fue responsabilidad de Jonas Torvestig, diseñador sueco y amigo del hermano de John. La imagen continúa con el factor común de mostrar tres elementos. La idea surgió después de una sesión fotográfica donde los músicos posan con su dedo pulgar levantado, el resultado: una surrealista mano cortada con tres pulgares en señal de aprobación. De acuerdo con la apreciación del trío, la pieza visual embona como un reflejo de la crudeza sonora con la que plasmaron este álbum. Ambos elementos conducen la energía y el mood para marcar el ritmo con nuestros pies. M

22 Música

Alguna

vez me dijo mi madre que no todo es tan terrible, yo simplemente no le creí.

Esto fue antes de que me encontrara con el disco Leaders of the Free World de Elbow, una banda que desconocía hasta hace poco tiempo. ¿Puede la música llenarnos de esperanza, llevarse la miseria y a fin de cuentas… hacernos ver que no todo es tan terrible? Con Elbow todo apunta a una respuesta afirmativa. Con cuatro álbumes en su haber y uno más en puerta, estos ingleses han sido reconocidos como una de las agrupaciones recientes más importantes y auténticas. Por esta razón, no sorprende que también hayan recibido premios de la crítica como el Mercury Prize en 2008, por el álbum The Seldom Seen Kid. En este trabajo, Elbow demostró a la perfección el dominio de un estilo que Elbow, los recuerdos nostálgicos de la infancia se vuelven reales, nos permiten oler la tierra mojada ha trabajado durante más de una década. de las tardes de lluvia en las que jugábamos afuera, Son varios los elementos que dan vida a Elbow, mientras la melodía y las armonías logran sino y aunque son constantes no suenan repetitivos: provocarnos una sonrisa. Es como la sensación las armonías, el timbre de voz de Guy Garvey, de estar en Comala cuando uno lee Pedro Páramo, el protagonismo de las cuerdas y la recurrente o de vivir en el eterno momento Felliniano tras ver sensación de nostalgia, conforman la identidad Ocho y Medio o Amarcord. Tal vez cuando Charles del quinteto originario de Manchester. Desde Dickens escribió Great Expectations con elementos la aparición de su primer álbum Asleep in the de la novela picaresca y una historia que hablara de Back en 2001, no han escatimado en recursos y la ambición, jamás se imaginó que inspiraría una simplemente usan lo que necesitan para construir canción homónima con tal carga emocional. El tema su mensaje, es un hecho que son reconocidos por está incluido en el álbum Leaders of the Free World, y incorporar grandes ensambles de cuerdas en el sirve de soundtrack perfecto a la memoria de todos nuestros fracasos, y aquellos momentos álgidos en estudio y a sus presentaciones. los que contemplamos nuestras ilusiones estrelladas Lo que algunos han logrado a través del cine o contra el piso; es así que el disco llega casi a su la literatura, ellos lo hacen musicalmente, sus final, sin dejar un mal sabor de boca o una vibra coros abrumadores que predican esperanza y pesimista. Es Elbow simplemente recordándonos la optimismo son simplemente contagiosos. Con vida tal cual es.

El arquetipo de una expedición sonora TXT:: Jesús Serrano.

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No es que la música de Elbow sea melancólica u “oscura”, sino que apela a la sensibilidad humana, a nuestra capacidad por conmovernos ante lo bello

Cast of Thousands (2003)

Leaders of the Free World (2005)

The Seldom Seen Kid (2008)

Build A Rocket Boys (2011)

D I S C O G R A F Í A

Asleep in the back (2001)

Hoy en día, pocas agrupaciones son capaces de llevarnos a través de una expedición sonora como estos señores lo hacen. Guy Garvey y compañía entienden a la perfección el principio orgánico de la composición musical, trabajan siempre con armonías complejas y lentamente van sumando elementos sonoros que terminan evocando nostalgia en el escucha. No es que la música de Elbow sea melancólica u “oscura”, sino que apela a la sensibilidad humana, a nuestra capacidad por conmovernos ante lo bello, con pasajes de la vida que transcurren en nuestra mente. Elbow es la magdalena mojada en té con la que Marcel Proust construyó En busca del tiempo perdido.

El viaje sonoro que álbumes como The Seldom Seen Kid o Leaders of the Free World representan es innegable, ambos consiguen, llevar al escucha tema tras tema por un recorrido lleno de altibajos y emociones. Los elementos sonoros conviven de manera orgánica, funcionan como metáfora de un viaje que da la sensación de desplazamiento; ante Elbow, es imposible mantenerse indiferente.

Desde diciembre del año pasado se encuentra disponible en la red “Lippy Kids”, primer sencillo de Build a Rocket Boys, el nuevo material que estos ingleses se traen entre manos. Pareciera ser que en esta ocasión optaron por una balada, con un sonido sereno y de recursos limitados, con un video que los muestra a ellos cinco grabando en los Blueprint Studios de Salford, Inglaterra. El disco fue producido y mezclado por el tecladista Craig Potter, al igual que su disco anterior The Seldom Seen Kid. Sabemos que el panorama musical en la actualidad no es esperanzador, las sociedades actuales premian la banalidad y el entretenimiento burdo por sobre todas las cosas; muchas agrupaciones que carecen de propuesta y autenticidad ocupan espacios mediáticos considerables. Pareciera que las mejores bandas son aquellas que copian a los que imitan, las que reciclan y exprimen fórmulas o aquellas formadas por los raquíticos cadáveres de las “grandes leyendas”.

En este panorama, no podemos darnos el lujo de ignorar la música de Elbow.

Construyamos un cohete, muchachos. M

24 MĂşsica

Kiss the ring bi@t<h!

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No se puede hablar de hip-hop sin mencionar a Snoop Dogg, uno de los mejores MC que la costa oeste ha visto crecer. Aunque pocos saben que el verdadero nombre del ex residente de Long Beach, es Calvin Cordozar Broadus Jr., la mayoría conocemos “Gin & Juice”, “Beautiful”, “Who Am I (What’s My Name)?”, “Drop It Like Is Hot”, rolas que el tiempo ha convertido en clásicas.

TXT:: Medi. @delabuena

FOT:: cortesía EMI.

“The

Bigg Boss Dogg” es un claro ejemplo de lo que llaman tener “la chispa divina”, nadie es monedita de oro, pero Snoop es una de las celebridades que mejor le vibra a las personas. Casi nunca se habla mal de él, y como uno de los pachecos más “aceptados” a nivel internacional, rara vez alguien le prohibiría fumarse un toque. Snoop ha sabido usar el efecto como catalizador creativo para desarrollar una voz propia, con un sello gangsta que ningún otro rapero tiene. Su buen gusto y la gran calidad musical de su propuesta, lo han llevado a ser uno de los MC más exitosos, además de ser acreedor de la dirección creativa de Priority Records, una de las disqueras pioneras del movimiento gangsta rap, que lo acogieron desde sus inicios y hoy lo reconocen como uno de sus líderes.

Como muchos raperos más, Snoop comenzó su carrera en las calles y en medio de problemas legales. Ha sido arrestado por posesión de drogas y armas, incriminado por el asesinato de un miembro de una pandilla rival, e incluso estuvo baneado por un tiempo de Inglaterra. Como era de esperarse, estos hechos impulsaron su popularidad, y justo cuando fue puesto en libertad de su primer arresto, su carrera se disparó a la fama, cosa que además de afectar su vida modificó la historia del hip-hop.

Andre Romelle Young (uno de los padres del gangsta rap), mejor conocido como Dr.Dre, puso atención al flow de un joven Snoop, y lo invitó a colaborar en el tema principal del largometraje Deep Cover, además de una impecable aparición en The Chronic, disco debut de Dre., publicado por Death Row Records y distribuido por Priority Records, este álbum

ha vendido más de 3 millones de copias y es considerado uno de los discos más influyentes del G-Funk, así como una de las mejores producciones en la historia del hip-hop.

como Jay Z, Eminem, 2pac, Pharrell Williams, Ice Cube, Cypress Hill, R. Kelly, Kid Cudi; y ha participado en más de 15 películas, sin contar su propio reality show llamado Snoop Dogg’s Fatherhood.

Juntos, Snoop y Dre., despedazaron cualquier propuesta que se les pusiera enfrente, su estilo inconfundible construido por bajos pesados, sintetizadores y rimas envolventes, delineó una de las primeras explosiones masivas que experimentó el hip-hop; un estilo que ya se podía escuchar con la banda N.W.A (Niggaz With Attitude), pero que fue consolidado por Dre. en sus producciones posteriores: las rimas de los gángsters estaban por todos lados y se vendían como pan caliente.

El material que Snoop compone actualmente se encuentra un poco alejado de sus inicios, lo cual sugiere una evolución muy interesante, ya que ahora prefiere rapear sobre el amor, y no tanto de balazos y coscolinas. Aunque alejado de su sonido original, sus últimos álbumes son buenos en tanto se arriesgan a experimentar con distintos géneros y colaboradores.

Antes, sus producciones nacían de beats crudos y profundos, con sintetizadores sencillos y rimas agresivas de barrio; ahora se inclinan por la saturación de sintetizadores y por un estilo pop electrónico que juega con efectos en la voz. Malice in Wonderland es un ejemplo de este cambio en canciones como “Gangsta Love” y “Luv Drunk”, “Sexual Eruption (Sensual Seduction)” del disco Ego Trippin, o ahora con su nuevo sencillo “Wet” de Doggumentary, disco que se estrena el próximo 29 de marzo.

Después del éxito de The Chronic, “Tha Doggfather” lanzó su álbum debut Doggystyle, un disco que al debutar en primer lugar y permanecer varios meses en Billboard, abrió camino al hip-hop de la costa oeste. A pesar de todas las críticas recibidas por su contenido misógino y violento, rápida e inesperadamente se convirtió en cuádruple platino. El Gansta-funk estaba en su momento y el movimiento de los sellos discográficos se perfiló hacia esta nueva corriente musical.

A diferencia de todos los raperos de ese momento –que apostaban por un tono golpeado y agresivo–, Snoop logró ser más impactante que el resto con recursos suaves y frescos. Su voz se tornó reconocible para miles de seguidores de la ramificación gangsta, e igual que el Rey Midas, “Doggy Dogg” convertía en oro todo lo que tocaba.

Por ello ha trabajado con importantes figuras

Esta nueva producción se realizó en colaboración con Swizz Beatz, y según declaró Snoop para la revista Complex de Nueva York, cuenta con la presencia de Kanye West, John Legend, Gorillaz, David Banner, Daz Dillinger, entre otros. Ya podremos hacer un mejor juicio cuando el disco salga a finales del mes, por lo pronto confiamos en que valdrá la pena escuchar lo que una figura central del hip-hop tiene que decirnos.

Canciones recomendadas: Nuthin’ But a G Thing, Deep Cover, Lodi Dodi, Doggy Dogg World, Lil’ Ghetto Boy y Still D.R.E. M

26 Música

¡El rey ha muerto, viva el rock!

TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

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Soy

de los que creen que The Hazards of Love (09), el pasado, clavado y hasta progresivo disco de The Decemberists fue injustamente poco apreciado. Colin Meloy hizo un álbum barroco y excesivamente producido que le rondaba en la mente desde tiempo atrás (The Crane Wife (06) ya lo anticipaba), pero después de todo, ¿esperamos que nuestros héroes porten siempre el mismo traje y se tornen predecibles? El hombre fue por todas y exageró, pero ¿no es eso lo que se le perdona con reiteración y condescendencia a Sufjan Stevens y Rufus Wainwright?

El recibimiento del disco le caló bien hondo, y ahora conduce a su buque-banda hacia aguas profundas que lo remitan a otras eras y otras músicas. Ha buscado lo verdaderamente esencial a la hora de componer, y con ello honra a la mejor tradición folk rock.

Colin Meloy está de vuelta y trajo un mundo con mejor gusto y oído. Podría tener a The Decemberists en el pináculo de la música, pero no ocurre así: su arte es más apreciado en los circuitos universitarios, y forma parte del “ala intelectual” del rock, sobre todo por sus letras, abundantes en lo que el populo considera como palabras raras o incomprensibles. Su cancionero está plagado de referencias a la literatura –especialmente a la fantástica– y apreciaciones que de tan bien construidas, hasta podrían pasar por aforismos.

Ahora, en The King is Dead las cosas se han simplificado; la búsqueda fue para encontrar canciones sólidas, con buenos estribillos y ecos a la gente que lo ha influido. No en vano Peter Buck tocó en tres rolas para hacer cameos de R.E.M., tan es así que “Down by the Water” podría haber sido compuesta por el mismísimo Michael Stipe –lo que evidencia un alto nivel de solvencia compositiva– canción con el mismo esqueleto que el clásico “The One I Love”.

Pero más allá de lo conocido por los grandes públicos, habría otras dos grandes referencias a señalar: Drive-by Truckers –al momento de electrificar lo country– y Creedence Clearwater Revival –al resignificar el sonido del rock bayou–.

Con ellos en la memoria y el acompañamiento de la espléndida cantautora Gillian Welch en las voces (con el apoyo de su marido Dave Rawlings en los coros), han creado un robusto conjunto de canciones para apuntalar un álbum más accesible, pero igual de respetable que de costumbre.

El sexto disco de la banda de Portland muestra sus cartas desde los primeros acordes: “Don’t Carry It All” es campirana, silvestre en su lírica y tiene ese aroma a un pasado disfrutable y disfrutado. Y lo demás fluye como un río que corre paralelo a los campos de siembra. Pueden dedicar canciones a los meses de enero y junio para dejar que la gente exponga sus preferencias. Por su parte, “Calamity Song” es un medio tiempo como para cabalgar por las praderas. Me parece que la épica hace eclosión –con toda su vena irlandesa– en “Rox in the Box”.

Una maravilla de bolsillo que nos recuerda cuánto le debemos de justo reconocimiento al sonido de grupos como The Levellers o The Waterboys. En este punto dejemos que la exaltación del violín haga lo suyo, antes de destacarlo también en “All Arise!”.

Sin duda se sintieron plenos al jugar como locales –grabaron en una casa a la afueras de Portland– y remitieran lo elemental. The King is Dead se deja escuchar con gran placer, al tiempo que abre un huequito para acordarse de Enrique VIII, sin abandonar esas referencias culteranas que les han dado identidad.

Exigirles otro disco de proporciones históricas como Picaresque podría ser algo excesivo y severo; por ello, dejemos que este álbum nos dé todo cuanto tiene que ofrecer –que es bastante–. Aquellos que van en la misma ruta que Wilco encontrarán grandes satisfacciones. No siempre la belleza tiene que ser compleja y rara. Aquí las cosas no se han complicado de más y el respeto a las formas clásicas ha arrojado estupendos dividendos. Ya lo dijo una vieja piedra rodante: “¡Es sólo rock and roll… pero nos gusta!” Y bastante. M

Su cancionero está plagado de referencias a la literatura – especialmente a la fantástica– y apreciaciones que de tan bien construidas, hasta podrían pasar por aforismos.

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E n b o c a d e t o d o s TXT:: Artemisa Hernández

FOT:: Cortesía Universal

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De

unos años para acá, tanto los medios especializados como los mismos amantes de la música están a la caza de los próximos Radiohead o The Strokes, es decir, con la mira en un Cristóbal Colón que descubra el hilo negro de la música. Pero la realidad es otra, ya que difícilmente habrá alguna banda de igual impacto musical o social, al menos no si juzgamos a partir de los géneros que hoy mueven el mundo de la música.

La primera vez que escuché a White Lies alguien me comentó: “van a ser grandes”, cosa que no creí posible, ¿qué banda puede despuntar y ser “grande” de un momento a otro? Bastó que su primer disco To Lose My Life llegara para que además de ser señalados como los nuevos Editors, fueran comparados con Joy Division o Tears for Fears. Lo anterior reafirma que Inglaterra y gran parte del mundo esperan ese darky mood que rápidamente obtiene pulgares arriba, pero de una manera tan cómoda que resulta una buena fórmula para llegar a los cuernos de la luna. Claro, pero todo hype tiene un porqué: cuando alguna banda inglesa hace ruido alrededor del globo, siempre resaltan tres letras capitales: las siglas de la New Musical Express –NME–.

En 2008, Harry Mc Veigh, Charles Cave y Jack Lawrence-Brown no sólo cumplían veinte años, también hacían realidad lo que buscaban como banda: la NME los recomendó en su sección "Everyone's Talking About...", hecho que causó una vasta atención hacia el trío londinense que literalmente los puso en boca de todos. Para cuando To Lose My Life llegó a las tiendas, White Lies ya había pisado escenarios de festivales como T in the Park o el Reading and Leeds Festival, además de abrir algunos conciertos de Glasvegas.

El momento de brillar había llegado para White Lies, quienes aprovecharon los reflectores para cosechar el éxito en sus vidas. Durante casi dos años estuvieron de gira, y pudieron presentarse por primera vez en Coachella, Lollapalooza y SXSW. La ambición del trío fue una constante desde el principio, cuando su necesidad de ser escuchados los llevó a dejar su “banda escolar”, ese primer proyectó llamado Fear of Flying. Harry McVeigh, (voz y guitarra) nos habla al respecto: “Fue una transición, una etapa muy diferente de nuestras vidas, éramos muy jóvenes, estábamos en la escuela, teníamos quince años y mucho que aprender. Debíamos resolver cómo escribir, tocar y grabar nuestra música… finalmente lo logramos: Dejamos de ser Fear of Flying para convertirnos en White Lies. Se puede decir que maduramos”.

Después de tomarse unas breves vacaciones la banda regresó al estudio, en esta ocasión con Alan Moulder (NIN, Depeche Mode, Interpol) como productor de Ritual, su segundo álbum de estudio. “Estábamos listos para hacerlo y lo hicimos. Cuando llegamos al estudio ya teníamos algunos demos que grabamos en mi casa en Londres, por un largo tiempo no escribimos nada, pero una vez que empezamos todo fluyó. Fue idea de la disquera que Alan fuera nuestro productor, ya lo conocíamos y cuando nos hablaron de producirnos pensamos que era una idea fantástica. Nos fue muy fácil trabajar con él, creo que maduramos durante el último par de años, ahora somos más ambiciosos en cuanto a nuestra música, ese es el cambio más importante en nuestro sonido. Pienso que es algo loco, pero Alan Moulder nos ayudó a saber que Ritual es un proyecto ambicioso, tanto lírica como musicalmente”.

Alan Moulder nos ayudó a saber que Ritual es un proyecto ambicioso, tanto lírica como musicalmente.

Harry McVeigh de White Lies

Con temas como el amor, la muerte y la religión, White Lies ha conquistado los oídos y corazones de muchos, pero ¿de dónde viene la inspiración? Con tan poco tiempo para estar en sus casas, ¿en qué momento tienen espacio para el romance y para plasmar sus experiencias en las canciones?

“Charles es quien escribe la mayoría de las letras, Jack y yo también ponemos de nuestra parte, pero él es quien le da forma. Escribimos acerca de cosas importantes, experiencias, otras veces de asuntos muy personales.

Toda la música habla del amor, de estar enamorado, tener una relación. Es necesario poder hablar de ello, a pesar de no tener mucho tiempo para compartir con alguien. Hemos tenido buenas relaciones, aunque ya sabes, es difícil cuando te vas por un largo tiempo”.

Cuando le preguntamos a Harry si suele poner su nombre en el buscador para leer todas las críticas que se escriben de su música, después de atacarse de la risa nos comenta con gran honestidad: “sí, en realidad sí pongo mi nombre en Google y leo todas las reseñas que puedo, algunas pueden ser algo duras, pero todos tienen una opinión sólida. No me molesta, amamos a nuestros fans y ellos a nosotros, así que mientras ambos lo disfrutemos, no hay de qué preocuparnos”. M

30 Música

La romántica rebelión de

TXT:: Alejandro Mancilla.

A propósito del lanzamiento de su disco recopilatorio Passive Aggressive (singles 2000-2010) y de su primera visita a nuestro país, platicamos con Johan Duncanson, guitarrista, cantante y artífice que junto a Martin Larsson, conforma The Radio Dept, una de las bandas más interesantes y emotivas del panorama del rock independiente de los últimos años.

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Por lo general soy una persona tímida, la vida me parece una serie de TV en la onda de Curb Your Enthusiasm.

Johan Duncanson de The Radio Dept.

Al lanzar un disco retrospectivo, ¿qué memorias de los primeros años vienen a tu mente?

Johan Duncanson: Recuerdo a toda la gente pensando que sus estéreos y bocinas se iban a romper al sonar “Lesser Matters”. En esa época había un programa de radio de pop independiente en Suecia, y nosotros enviamos la canción, pero la gente de la estación nos regresó el CD porque pensaron que tenía un defecto (por el noise). Lo reenviamos con una recado que decía: “así es como debe escucharse, no es que tenga defectos: así es la música" ¿Y qué pensaron, que no habían entendido su música?

No, al contrario, para nosotros fue una gran satisfacción que pasara eso, fue la mejor reseña o crítica que alguien nos podía hacer sobre nuestro sonido.

Noto un sentido de rebelión romántica en sus letras, pero no sé como definirlo...

La verdad es que hay muchas cosas que me hacen enojar, y me gusta la idea de combinar ese tipo de letras, acompañadas de música que de primera impresión no suene agresiva. ¿Qué sabían de la Ciudad de México antes de esta visita?

Pues creo que es la ciudad más grande del mundo (es Tokio N. de R.), para mí es hermosa, he visto varias fotos de paisajes naturales de México y hay una variedad impresionante. Sé algunas cosas sobre su presidente, que es anti-aborto y está en contra de los derechos de los gays. Además de que se embarcó en una guerra contra la drogas donde han muerto muchos civiles inocentes. Sé que Morrissey ama tu país y que tiene un gran número de fans. También he escuchado que tienen una gran escena indie con la cual no estoy tan familiarizado, pero quizá lo estaría si me quemas un CD cuando vaya.

Desde sus inicios los han asociado con varias bandas de noise y de shoegaze. ¿Están justificadas esas comparaciones?

Sí y no. Cuando grabamos nuestro primer disco sí andaba bien clavado en el noise-pop y en bandas como My Bloody Valentine y The Jesus and Mary Chain; justo con esos artistas es que comparan nuestro sonido. Pero además nos relacionaban con otras bandas que no conocía, como Slowdive.

A veces, quienes reseñan los discos son muy flojos y se van con lo fácil. Yo también lo soy (ríe)… sólo cuando estoy grabando nuevas canciones es que ando activo.

¿Y sigues siendo muy fan de Pet Shop Boys?

Claro que sí. ¿Cómo no serlo? ¿Cuál es la mejor parte de estar en el grupo?

Además de las bebidas gratis, es la satisfacción de hacer algo de lo cual me puedo sentir orgulloso.

Por lo general soy una persona tímida, la vida me parece una serie de TV en la onda de Curb Your Enthusiasm o The Office. Otra de las cosas geniales es el hecho de viajar a otras partes del mundo. A veces, cuando nos ponemos a hacer canciones en mi departamento, pensamos que hace 10 años era un sueño la idea de viajar a México.

Cuando están juntos, ¿cómo ordenan sus ideas para crear las canciones?

La mayoría de las veces empiezo a grabar unas ideas y luego Martin las termina conmigo. Es bien interesante experimentar con los sonidos y de repente ver que ya tienes una canción completa. Me gusta hacer las cosas rápido porque tiendo a aburrirme facilmente. La experimentación nunca termina. ¿Qué bandas nuevas les gustan o podrían recomendarnos?

Creo que una buena banda es Stornway. Me gustan Teengirl Fantasy, Wild Nothing, The Dream, la cantante country Taylor Swift, kim ki o... no sé, escucho mucha música. ¿Creen que en la actualidad se siga produciendo música original sin recurrir tanto a las influencias?

Sí, pero es algo bien subjetivo, porque un artista puede tocar un género especifico, digamos folk, pero él puede hacer su propia contribución y ponerle su estilo. Y además, no olvidemos que la cultura pop es mucho más que sólo música. ¿Dónde estaría Lady Gaga sin su parafernalia y si no pudiera comunicarse más allá de la música?

Si tuvieras que mencionar tus discos favoritos de toda tu vida... ¿Cuáles serían?

Es una pregunta complicada y peligrosa (risas).

Cuando contestas ese tipo de preguntas te arriesgas a que en algunos años cambies de opinión. Pero bueno, acá van algunos discos que amo: Nana April Jun - The Ontology Of Noise (2009) Brittle Stars - Brittle Stars (1999) Bathory - Bathory (1984) Alizée - Mes Courants Electriques (2003) Augustus Pablo – East of the River Nile (1977) D.A.F. - Alles Ist Gut (1981) Broadcast – The Ha Ha Sound (2003) Midi, Maxi & Efti - Midi, Maxi & Efti (1991) M

32 Música

Parece

TXT:: Daniel Ocaranza.

no muy distante aquel 28 de agosto del año 2009. La conflictiva banda británica Oasis se disponía a tocar su último álbum, Dig Out Your Soul, en el festival Rock en Seine, con la pretensión de mostrar algo que se podría comparar con el Second Coming de The Stone Roses, Beggars Banquet de The Rolling Stones o el Revolver de The Beatles. Francia fue el país testigo de la que, hasta ahora, ha sido la última pelea entre los hermanos Gallagher. Aquel altercado en backstage ahora parece poco creíble, cómico e infantil. Liam relata que Noel fue quien dio comienzo a la pelea. Discutiendo, “The Chief” arruinó una guitarra que Liam había recibido como regalo por parte de su esposa, Nicole Appleton, además firmada por su hijo, Gene; acto seguido, Liam regresó el cumplido a su hermano destruyendo una guitarra suya.

Al romperse los instrumentos parece ser que se arruinó también la conexión que poseían Liam y Noel Gallagher, quienes eran capaces de reunir a 250,000 personas en tan sólo dos noches, como hicieron en 1996 en Knebworth. Esa “química pagana” había sido agotada por interminables giras y días enteros de soportarse el uno al otro.

Después de años de mala comunicación, viajes en aviones diferentes y hospedaje en hoteles distintos, Noel renunció a la banda. Como lo describió Chris Sharrock, último baterista de Oasis, en entrevista con Q Magazine, se puso punto final a la historia de casi dos décadas de Oasis de un momento a otro: “Fui por algo de sopa, volví y la banda estaba terminada”.

Viendo la etapa de Oasis finalizada, Liam Gallagher mostró su inquietud por seguir sin su hermano. Decidió explotar su lado creativo, reagrupó a los músicos de Oasis, Gem Archer, Andy Bell, así como al mencionado Chris

Sharrock, lo cual originó uno de los debuts más esperados de este año: Beady Eye. ¿Por qué Beady Eye? Podría ser la primera pregunta que surge al escuchar el nombre. ¿Por qué no? Dice Liam. “No nos importa que a la gente no le guste. Ya lo entenderán. Acabarán llamando a sus hijos Beady Eye, (…) tenemos el ojo puesto en todas las putas cosas”. Los integrantes saben bien lo que quieren. Desean convertir su nombre en uno bueno haciendo buena música; además… queda al lado de The Beatles en las estanterías.

“Era importante no sentarse y pensar en el pasado” menciona Liam Gallagher, y es que según el cantante de 38 años, lo mejor fue hacer algo nuevo inmediatamente después de la ruptura de Oasis; dar paso al furor en lugar de a esa perturbación angustiosa por hacer algo nuevo. Fue así que entraron en los RAK Studios de Londres junto con el prestigioso productor Steve Lillywhite (quien ha trabajado ya con The La’s, U2, Morrissey) quien con su gran energía se encargó de enfocarlos, para que su primer álbum quedara en el punto exacto en el que querían.

Después de 12 semanas, Beady Eye dio por finalizada la grabación de su primer álbum. Trece canciones en total son las que forman Different Gear, Still Speeding, un álbum cuyo título podría traducirse como “Equipo diferente, sigue corriendo”, frase que parece ser un raudo guiño a Noel.

Durante noviembre y diciembre del año pasado, la banda decidió poner en la web dos singles no oficiales: el primero fue “Bring The

Light”, una tema de rápida melodía, rock ‘n’ roll sencillo con un piano estilo boggie de Jerry Lee Lewis, mismo que se pudo descargar de manera gratuita (aunque esa idea no gustara a Liam Gallagher). El segundo fue “Four Letter Word”, canción con duros riffs, que podría coincidir con cualquier cosa hecha por Oasis y que de nueva cuenta, la letra parece ir dedicada a Noel con frases como “sleep walk away the life if that turns you on”… ¿será esta la que detone una guerra de palabras entre los hermanos Gallagher? Además de regalar canciones se pusieron a la venta ediciones limitadas en vinilo de ambos temas, los que se agotaron en horas. El primer single oficial, “The Roller”, es un tema creado a los pies de John Lennon, donde “Instant Karma” es su inspiración obvia, palpable de manera perfecta en la distintiva voz de Gallagher.

Las influencias entonces parecen ser las mismas de siempre y como ejemplo está “Beatles And Stones”. Quizá ahora hay un poco de Elvis, Jerry Lee Lewis, Eddie Cochran, y a The Kinks cuando fueron ligeramente psicodélicos. Y así es como el guitarrista Gem Archer definió el sonido del álbum: “psicodelia es una palabra grande, hay momentos psicodélicos definidos ahí. Pero también hay anti-psicodélicos, canciones muy básicas, y un montón de piano de rock 'n' roll tomado de Little Richard y Jerry Lee Lewis. El sonido inteligente de The Who, The Kinks y los Stones está ahí, esa es la materia en nuestra sangre”.

Por otra parte, las letras de Different Gear, Still Speeding parecen no tener sentido para nadie, en especial para Liam Gallagher, quien totalmente convencido menciona (a MOJO Magazine) que no tiene idea del significado de sus canciones: "no soy bueno con las letras, digo lo primero que me viene a la cabeza”. Y remata diciendo no tener inspiración en nada: “no me voy a pasear por el parque, o a leer mierda de Oscar Wilde o cosas así”.

“Si Oasis fue Muhammad Ali, entonces Beady Eye es Sugar Ray Leonard” sentencia Gem Archer. La mejor descripción hasta ahora. Para saberlo habrá que escuchar el álbum debut de Beady Eye. Las opiniones vienen, van y vendrán; aunque eso no es algo que sea de mucha entidad para Liam Gallagher, que con su ya repetida frase: “Cómprenlo si quieren y si no, no me importa”, para cada nuevo álbum del que es partícipe, nos deja claro que sólo le importa consentirse a sí mismo con su música. M

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Liam Gallagher

Sin mirar al pasado

34 MÚSICA

A principios y mediados de los 80, cuando el movimiento hard core comenzaba a despuntar y el New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM) ofrecía al mundo algunas de las bandas más trascendentes de la historia; ciertos grupos decidieron mezclar ambos géneros, lo que al final derivó en la creación del speed metal. La mezcla era básicamente tomar del hard core la tremenda agresividad y velocidad, sumando a la fórmula la capacidad técnica y complejidad estructural de algunas bandas del NWOBHM. Era pues, tocar lo más rápido posible con elegancia, calidad y destreza.

Muchas bandas que hoy se entienden en otros géneros, hace veintitantos años eran consideradas speed. Para no confundirlas, hay que cerrar los ojos y viajar hacia atrás en el tiempo. Todo aquel que no vivió su adolescencia o adultez en los 80, tiene que valerse de la investigación documental. Los que sí vivieron esos años con plena conciencia, sólo deben tratar de recordar.

En aquel tiempo no había Internet, así que las etiquetas musicales duraban un poco más y se esparcían por el mundo gracias a las revistas especializadas. Así, bandas como Helloween, Metallica, Megadeth, Cacophony, X Japan, Angel Dust, Annihilator, Annihilation, Metalian, Muro, WarCry, Razor, Raven, Rising Force y Labyrinth entre muchas otras, dieron y dan forma a este género. Es quizás con el advenimiento del speed que se consolidó en el metal el concepto de dios de la guitarra, por ejemplo. La batería comenzó a tener mucho más preponderancia y el doble bombo, más que un lujo, se había convertido en una necesidad.

Pero no todo era velocidad, como ya se explicó, se requería de una capacidad especial para ejecutar los instrumentos. Además, era un género que surgió a la par de la explosión de bandas de pop metal como Bon Jovi y Def Leppard.

El mundo no sabía porque no era accesible comercialmente, sin embargo, fue una gran época por qué, con tal de opacar al otro, los guitarristas ofrecían elementos más trabajados y complejos que al final del día sólo hacían que el género creciera, y aunque fuera en el subterráneo, a la

sombra de Poison y Mötley Crue, el mundo, tuviera claro que el metal era muchísimo más que unos cuantos acordes distorsionados y una actitud estúpida.

A manera de tributo, cabe destacar aquí a uno de los pioneros del género, un guitarrista que revolucionó para siempre el concepto de su instrumento y los alcances que se podían lograr si se le dominaba bien. Jason Becker era un guitarrista estadunidense que estudiaba el trabajo de Nicola Paganini, y que cierto día se asoció con Marty Friedman (años después guitarrista de la alineación clásica de Megadeth) para crear música. Lo que surgió de dicha unión fue Cacophony, la banda que mejor enmarca el concepto de speed metal. Su estilo incluía impresionantes y veloces pasajes de escalas y arpegios que finalmente fueron y se mantienen como su estampa en el mundo del rock. Luego de una exitosa gira por Estados Unidos y Japón, Becker dejó Cacophony para buscar el éxito en una carrera solista.

tiempo le hizo perder el interés en la velocidad y los polirritmos, y actualmente se dedica a hacer música pop con especial atención a programas de televisión, en Japón. Es curioso que dos de los más grandes e influyentes guitarristas del speed metal hoy estén tan alejados de él. Ya sea por enfermedad o por decisión propia, con su partida el género perdió mucha de la fuerza que alguna vez tuvo. Larga vida al speed, el género separó a los músicos de metal del resto. M

Quizé el mundo no estaba listo para que un virtuoso de la guitarra tuviera su propia carrera, así que al poco tiempo se unió a la banda de David Lee Roth (ex Van Halen) para sustituir a Steve Vai. Apenas tenía 20 años de edad y por esos días comenzó a sufrir ciertos deterioros musculares.

Fue diagnosticado con Esclerosis Amiotrófica Lateral y al poco tiempo, incapaz de tocar la guitarra, se tuvo que alejar de los escenarios. Le dieron tres años de vida, y sin embargo hoy, a más de 20 años de aquel diagnóstico, postrado en una cama, incapaz de mover ningún músculo que no sean los ojos y sin poder hablar, sigue componiendo música. La manera de hacerlo es complicada para explicarse en este texto, baste decir que por medio de un innovador sistema de computadora, transforma en palabras y notas musicales los movimientos de sus ojos.

Terrible desgracia la de Becker: de ser uno de los guitarristas más talentosos y veloces de la historia terminó paralizado y luchando cada segundo por su vida. Pero por su sangre corre aún el espíritu del metal, y no se deja vencer.

Por su parte, Marty Friedman también tiene una historia curiosa, aunque no trágica. Luego de la desaparición de Cacophony, Friedman se unió a Megadeth. Con dicha banda grabó el que millones consideran el disco definitorio del speed/thrash metal, Rust in Peace, además del que a la fecha es el disco más vendido en la historia de la banda, Countdown to Extinction. Sin embargo, el paso del

TXT:: Chico Migraña.

El

árbol genealógico del rock pesado o metal es tan amplio que cuesta mucho trabajo ejemplificarlo. Sin embargo, siempre han existido algunas ramas mucho más grandes, sólidas y destacadas que las demás, es decir, algunos sub géneros son más importantes que otros, y entre ellos, el speed metal tiene un lugar especial.

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TXT:: Juan Carlos Hidalgo

“EN LA II GUERRA MUNDIAL, LOS SOLDADOS CONSUMÍAN M I L L O N E S D E A N F E TA M I NA S C O M O I N S T R U M E N T O S PA R A REALZAR LA ENERGÍA Y LA MORAL. EN 1960, UNOS 5 MILLONES D E E S TA D O U N I D E N S E S E N G U L L Í A N A N F E TA M I NA S BA J O L A S U P E RV I S I Ó N D E U N M É D I C O, Y 2 O 3 M I L L O N E S L A S C O N S U M Í A N C O M O ‘ PA S T I L L A S D E E M O C I Ó N ’ F U E R A D E L O S L Í M I T E S D E L A P R Á C T I C A M É D I C A” .

N I C O L A S R A S M U S S E N O N S P E E D : T H E M A N Y L I V E S O F A M P H E TA M I N E

ANTECEDENTES “Sacudía la cabeza, hacia arriba, hacia abajo y hacia los lados; sus manos vigorosas temblaban; caminaba rápido, se sentaba, cruzaba las piernas, las volvía a separar; se ponía de pie (…), todo el tiempo tomándome de las costillas y hablando, hablando”.

Estamos al interior de On The Road, pasaje de frenesí beatnik escrito por Jack Kerouac, que describe a la perfección los efectos del speed, un químico sintetizado por vez primera en 1887, pero que salió a la venta hasta 1932 como parte de un inhalador de bencedrina para combatir los resfriados, la fiebre del heno y el asma; eventualmente promovido mediante publicidad como un eficaz remedio para el sueño crónico o narcolepsia.

ROCK, MEGALOMANÍA Y ANFETAMINAS Podemos decir que el frenético avance de las anfetas se debió a tres factores principales: los fabricantes de pastillas ávidos de mercados, médicos recetadores del material y, por supuesto,

los militares estadounidenses que expusieron a millones de soldados a sus placeres y peligros.

Había que acabar con la depresión, la obesidad y la falta de energía, males que atentaban contra el American way of life; luego, durante los cincuenta, escritores beat como Kerouac, Gingsberg y Burroughs integraban la anfeta a la naciente contracultura, pero una década después se hizo evidente que no era maravillosa ni perfecta, y podía llevar a un individuo a su devastación, más aún si se combinaba con otras drogas.

Como parte de una anfetamínica leyenda negra podemos señalar tres momentos: durante la segunda guerra mundial, Adolfo Hitler se llegaba a inyectar hasta 8 veces al día (de allí su carácter y acciones); décadas después, en la guerra de Corea, las tropas descubrieron la combinación de heroína con anfetas y la llamaron speedball (luego sustituida por cocaína); un preparado de estos mató en 1984 a Wells Kelly, baterista de Meat Loaf. En medio se encuentra el genial jazzista Charly “Bird” Parker, quien descubrió otros efectos al mezclar café con bencedrina para desplomarse gradualmente.

Así las cosas, la relación entre los músicos de rock y las anfetaminas establece el entendido de que siempre hay un precio que pagar. Cuanto más consumes, más

necesitas y te conviertes en un paranoico al borde de la psicosis. No lo consiguió entender la cantante Dinah Washington, quien perdió la vida en 1963 después de ingerir un coctel con alcohol y sedantes. Tampoco el mismísimo Rey, que consumía grandes cantidades, primero para aguantar las giras, y luego para tratar de bajar de peso. A los 19 años, un muy joven Jerry Lee Lewis se presentó en el Wagon Wheel de Natchez, Mississippi; un antro repleto de traileros –que gustan de las anfetas para no dormir–, quienes tras un show incendiario le dejaron como propina 15 miligramos de bencedrina. A la postre, el piano del rocanrolero acabó en llamas. Durante una gira llamada Grand Ole Opry, Johnny Cash hizo amistad con los choferes que lo transportaban y terminó probando speed. Tanto el hombre de negro como Elvis y Jerry Lee, admiraban profundamente a otro músico que cayó abatido por la mezcla de anfetas y alcohol: Hank Williams murió a los 29 de un súbito ataque al corazón durante la Nochevieja de 1953.

Harry Shapiro, un investigador avezado en el tema, atribuye al consumo de esas “pildoritas mágicas” la manera en que los Beatles (casi sin dormir y comer) libraron el periódo de Hamburgo, la desenfrenada manera en que The Who actuaban sobre un escenario destrozándolo todo, o Hendrix prendía fuego a su guitarra en Woodstock. Agrupaciones

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aparentemente insulsas como los Everly Brothers, atravesaron por momentos de clavadez; nuestro multicitado Jerry Lee Lewis y su banda The Memphis Beat, fueron arrestados por posesión de 700 prellies, las que motivaron a que un grupo de northern soul tomara el nombre de Dexys Midnight Runners (en homenaje a la dexedrina). Las anfetaminas resultan muy eficientes para tocar, pero no para hablar: entre canción y canción, los vocalistas que las consumían tiraban largos e inconexos monólogos.

Esta compleja e íntima relación también ha sido expresada desde el punto de vista compositivo.

Podemos mencionar “Heres Come The Nice”, un éxito de The Small Faces donde cantaban: “Él sabe lo que necesito, siempre está allí cuando necesito anfetaminas”. He aquí una oda al dealer, mientras que los neoyorkinos The Fugs revisaban los efectos en “New Amphetamine Shriek”: “No voy a la cama, no necesito eyacular, porque me he colgado de las anfetaminas; si no quieres dormir ni coger, un montón de anfetaminas te tienes que meter”. Por su parte, Lou Reed grabó “Street Hassle” en 1978, sobre una chica que arrojan a la calle tras una sobredosis.

El ex Velvet Underground sabía como funcionaba la escena de New York, especialmente la Factory de Warhol, donde filmaban atascados de pastillas.

A finales de los sesenta y con un nivel de consumo

hasta el tope, el propio Frank Zappa participó en una campaña de prevención, con una aportación tan picante y lúcida como le era típico “Me gustaría sugerir que no consuman anfetaminas y les digo por qué: les afectará el hígado, los riñones y les pudrirá la mente; en general, esta droga los hará igual que a sus padres y a sus madres”.

Dos datos representativos sobre el consumo: el primero nos remite a las entrevistas que solía dar Lemmy, líder de Motörhead, donde confesaba que solía actuar a full de anfetaminas, pero subrayando que no le quedaban bien a cualquiera y la gente vulgar solía caer en el abuso; por otro lado, un concierto de Led Zeppelin en 1973, cuando un organismo médico de San Francisco refirió que de los 55 mil asistentes, probablemente 40 mil habían consumido algún tipo de speed, y ello había redundado en lo tenso, malhumorado y violento del público durante la presentación.

Durante el estallido raver de los noventa, las anfetaminas cobraron gran vigencia de nueva cuenta. Rassmusen ofrece una reflexión que permite esbozar el presente y hacer las veces de conclusión de un tema intenso y peligroso por igual: “En estos días, los estimulantes de tipo anfetamínico (…) vuelven a ser salvajemente

populares en los consultorios médicos y en la calle. (…) Diez millones de estadounidenses están tragando anfetamina mientras usted lee estas palabras, más de los que hicieron lo mismo en el auge de las ansias de velocidad”. M

“Una píldora te hace más grande, otra píldora te hace pequeño, pero si te inyectas anfetaminas, ni siquiera estarás aquí”.

G R AC E S L I C K Vocalista de The Jefferson Airplane

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TXT:: Rafael Toriz.

E S TA M O S C O N D E NA D O S, C O M O L A B E L L Í S I M A M O M O D E M I C H A E L E N D E , A L I B R A R L A BATA L L A C O N T R A L O S H O M B R E S G R I S E S, E S D E C I R , C O N T R A AQ U E L L O S AG E N T E S AU T Ó M ATA S Q U E AC E L E R A N E L M U N D O Y E S CAT I M A N E L T I E M P O.

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de algo podemos estar seguros dentro de la profunda indeterminación de nuestras temporalidades electrónicas –en donde todo parece extremadamente relativo–, es que la vida acontece al límite de velocidad, apenas en la eternidad que dura un parpadeo. Por razones que no alcanzamos a comprender (muy probablemente porque ni siquiera lo intentamos), vivimos inmersos en un mundo en el que la eficiencia, la rapidez y la concreción son la divina trinidad del evangelio moderno. Se trata de vivir al máximo, de sentirlo todo: recorrer países, fornicarse al mundo, actualizar el Facebook, expresarse en Twitter, escribir sobre el deadline y estar pendientes del reloj porque si la pizza tarda más de media hora en llegar, sacrilegio de sacrilegios, habremos perdido valiosos momentos dedicados al conspicuo arte de vivir rumeando.

Las sociedades contemporáneas, como bien atisbó Heidegger, viven consumidas por la idea del tiempo, un concepto lineal, teleológico y profundamente occidental que nos recuerda, a semejanza del conejo de Alicia, que vamos con prisa desaforada hacia ninguna parte, o en el mejor de los casos hacia la muerte, como bien señala el tic tac de pulsera con cada latido que sin pausa pero sin presa va drenándonos del cuerpo.

No es mi intención, como han hecho tantos americanos ridículos en otra de sus tantas ideas ridículas, proponer una ralentización de la vida de tono parecido al slow food y el slow motion. A estas alturas creo que cada quien puede hacer exactamente lo que se le pegue la gana, así muera atragantado o se estampe en la autopista por exceso de velocidad.

Lo que me interesa es describir al ser humano de nuestros días, que le ha ganado la carrera a James Dean, en aras de beberse la existencia de chingadazo para inhalar y hacer morder el polvo a la vida y a la muerte.

HUNDIR EL PIE EN EL ACELERADOR Ha sido el urbanista y teórico francés Paul Virilio (1932), quien se ha encargado de analizar las implicaciones de la velocidad, entendida como un flujo, como política y como un gran surtidor de significaciones, en la vida del hombre moderno.

Para Virilio cada tecnología inventa su catástrofe,

de ahí que haya sugerido en varias ocasiones la creación de un Museo del Accidente, cosa que realizó en una exposición en Japón en el año 2000. Dice Virilio: “El progreso y la catástrofe son el anverso y el reverso de una misma medalla.

Construir el Airbus A380 de 1000 asientos es hablar de 1000 muertos… Inventar el tren es inventar el descarrilamiento, inventar el avión es inventar el estrellamiento y el Titanic es inventar el naufragio del Titanic. No hay ningún pesimismo en esto, ninguna desesperanza, es un fenómeno racional. Y es un fenómeno ocultado por la propaganda del progreso”.

Virilio ha acuñado la dromología, es decir, la “lógica de la carrera”. Según él, no podemos entender la idea de territorio y pertenencia mientras no entendamos que todo está dado por la velocidad como medio (el caballo, el barco, los vehículos a motor, los aviones, el domino electromagnético, la revolución de los transportes en general). Y es que, obviamente, pensar en velocidad es pensar en vehículos, en eso que vincula lo uno con lo otro merced de una aceleración específica, como sucede con las dinámicas de las ciudades, animadas por extraños flujos intestinos.

Una ciudad siempre se encuentra regida por diversos desplazamientos y sus aceleraciones particulares. El metro, el automóvil y el peatón configuran los distintos rostros de un mismo territorio. La Ciudad de México, por ejemplo, gracias a la temporalidad barroca que la habita –pasado y futuro, hipermodernidad y ruralismo, miseria y opulencia– es un motor extravagante en el que la velocidad es cualquier cosa menos una constante: todo se confunde entre múltiples accidentes que destruyen la experiencia urbana, y sin embargo la ciudad se mueve, repta, vuela o camina, pero siempre viaja en el tiempo, instaurando espacios heterocrónicos. Julio Cortázar escribió El perseguidor, uno de sus más grandes relatos, con esa idea de trasfondo.

Las mismas nociones de aceleración y velocidad han transformado antiguas categorías estáticas, como las del sedentarismo y el nomadismo. Si antes un viajero era aquel corsario que cruzaba los siete mares –con excepción de los grandes trashumantes mentales como el paseante de Königsberg, o ese discreto instaurador del microcosmos literario que fue Xavier de Maistre– ahora, según Virilio, “el sedentarismo y el nomadismo han cambiado de naturaleza. (…) El sedentario es aquel que se encuentra en casa en cualquier sitio, con el móvil, el ordenador, en el ascensor, en el avión o en el tren de alta

velocidad. Este es el sedentario. En cambio, el nómada es aquel que no se encuentra en casa en ningún sitio”; definición interesante en tiempos de mundialización, lugar en el que los objetos tecnológicos pueden prescindir de nosotros, es decir, de nuestra comprensión, pero donde con toda seguridad nosotros no podemos prescindir de ellos, no al menos desde la óptica en que entendemos la vida “conectados”.

Una de las grandes paradojas del mundo acelerado, aquel en el que no hay lugar para el respiro, la reflexión y mucho menos la asimilación, es que el tempo humano, medido con una suerte de metrónomo biológico, casi nunca está en correlación con esos grandes flujos energéticos que despiertan los vehículos contemporáneos.

El cuerpo humano en tanto animal, nunca podrá, en su corporeidad, alcanzar ya no digamos las aceleraciones de la luz o la fibra óptica, sino ni siquiera las de la máquina. Nosotros estamos condenados, como la bellísima Momo de Michael Ende, a librar la batalla contra los hombres grises, es decir, contra aquellos agentes autómatas que aceleran el mundo y escatiman el tiempo. Por naturaleza estamos llamados a vivir con freno, de lo contrario, pese a los delirios de los futuristas, hace tiempo que nos habríamos disipado.

Y para bajar un poco la velocidad, en este presente tan intenso, no se me ocurre otra cosa que citar unos versos de Manuel Maples Arce, estridentista enamorado de la máquina y la potencia a principios del siglo XX del que ahora sólo quedan estos hermosos huesos prehistóricos: “Yo soy un punto muerto en medio de la hora, equidistante al grito náufrago de una estrella.

Un parque de manubrio se engarrota en la sombra, y la luna sin cuerda me oprime en las vidrieras.

Margaritas de oro

deshojadas al viento.

La ciudad insurrecta de anuncios luminosos flota en los almanaques, y allá de tarde en tarde, por la calle planchada se desangra un eléctrico”.

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ATERRIZA SU VIAJE SIDERAL TXT:: Vicente Jรกuregui.

FOT:: Flavio Bizarri para Marvin.

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Hace alrededor de siete u ocho años me topé a León Larregui caminando en la Colonia Condesa. Sin pensarlo mucho lo detuve y le pregunté si me daría una entrevista. Un par de días más tarde me contaba las dificultades que la banda enfrentaba en esos momentos. Eran los días en que Sony les había extendido una carta de retiro "porque Rocanlover no estaba vendiendo lo suficiente". Muy probablemente, la disquera sigue dándose de topes. nvueltos en una nebulosa de fama y glamour, hoy es difícil imaginar que hace diez años Zoé era "la banda que no le caía bien a nadie". El quinteto originario de Cuernavaca parecía no prometer demasiado y su credibilidad era nula en los medios de comunicación. Quizá canciones hoy clásicas como "Asteroide", "Miel" o "Deja te conecto" sonaban demasiado brit pop para un público acostumbrado a los choros nacionalistas; lo cierto es que comenzaba un nuevo milenio y con ello un cambio radical en la manera de hacer rock en México… y ahí estuvo Zoé para conquistar a toda una generación. Con melodías beatlescas y un diseño sonoro de precisión inglesa, el momento en que MTV decidió programar el video de "Love" fue decisivo para la banda. De repente el público se triplicó, y desde ese momento la banda no ha parado de cosechar triunfos.

Con la llegada de Zoé, las letras inspiradas en la cultura popular paulatinamente fueron sustituidas por la ciencia ficción, las "señoritas cara de pizza" o las "paquita disco" ahora responderían al nombre de "Mrs. Nitro" o "Razor Blade", los "Dioses ocultos" renacerían en un tal "Reptilectric". Si en los noventa las bandas pregonaban el zapatismo

y eran políticamente correctas, las nuevas tribus urbanas surgieron introspectivas y el hedonismo confeccionaría un nuevo estandarte de estoperoles. Zoé fue la banda que surgió victoriosa. Un casco de astronauta destronaba el imperio del penacho.

En lo musical, la mancuerna Zoé-Phill Vinall vino a consolidar lo que Plastilina Mosh, Zurdok o Molotov iniciaron, es decir, la sintonía con el mundo global a través de un sonido indiferente a regionalismos. El virtuosismo cedió paso al diseño sonoro sofisticado, donde texturas y atmósferas se extienden elegantes. Como Placebo, Air o The XX actualmente, el minimalismo y la contención instrumental juegan un papel esencial en la producción de todos sus álbums.

Aunque su disco debut homónimo no es una obra redonda, para Rocanlover crearon su propio universo lírico y sonoro, plagado de metáforas e imágenes acerca de la muerte, el miedo, gogo dancers, plástico y parafina. Además de que "Dead" fue la canción más coreada de 2005, el EP The Room vendió 50,000 copias (algo inédito en México), y fue el trampolín que permitió llenar dos veces el Metropólitan. Para el Memo Rex (...)

Zoé adquiere tintes psicodélicos; coquetea directo con Bowie, The Cure y Pink Floyd en un disco conceptual de título kilométrico, donde los 14 temas están divididos en dos caras como en los acetatos.

Aunque es su disco más oscuro y complejo, tiene sencillos inmediatos como "No me destruyas", "Paula", "Vía láctea" y "Vinyl". Posiblemente el disco más orgánico y amarrado de la banda sea Reptilectric, arraigados en Tornillo, Texas, tuvieron el tiempo suficiente para mover cada perilla y experimentar de mil maneras.

Como la banda eléctrica que es, la noticia de que Zoé “desenchufaría” la parafernalia de su producción sonaba como un gran desafío. Para salvar las dificultades reunieron un gran ensamble, invitaron a varios amigos, y se pusieron a ensayar durante meses. El resultado es un Unplugged ambicioso en cuestión de arreglos y producción.

Dejemos que Zoé nos cuente cómo lograron transformar su viaje sideral.

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Con “Reptilectric” (…) un cuate nos dijo que éramos parte de la conspiración illuminati.

S urgie ron co sas to talmen te fresc a s y n u e vas... e s c o m o s i l a s c a n c i o n e s h u b i e r a n r e s u c i ta d o .

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Cuando Nirvana grabó su legendario Unplugged, Kurt Cobain comentó que se había sentido “desnudo” mientras grababa. ¿Ustedes cómo se sintieron?

León: Cada quien tuvo su propia experiencia. En lo personal yo me sentí un poco raro porque nunca habíamos tocado así, estábamos ahí sentados con toda la gente calladita (ríe). A parte, es un programa de televisión donde dicen "corre cámara, aplaudan" y todo era extraño. Pero ya habíamos ensayado bastante y desde un principio disfrutamos mucho las versiones que hicimos. Conforme fue avanzando la producción cada vez disfrutábamos más hacer versiones de canciones que ya conocíamos de toda la vida. Surgieron cosas totalmente frescas y nuevas... es como si las canciones hubieran resucitado.

Las canciones tienen arreglos muy interesantes. ¿Ustedes escribieron todo?

L: Nosotros ya teníamos nuestra versión del Unplugged, pero llegó Phil y lo cambió todo. Finalmente todo salió muy natural, porque los arreglos tienen que ver con los instrumentos que empezamos a usar, como el bajo, el ukulele. Fue algo muy divertido de hacer.

Sergio: Por eso era importante para nosotros que los nueve invitados fueran amigos músicos que admiramos y conocemos desde hace mucho, porque sabíamos que ellos íban a aportar muchísimas ideas. No buscamos músicos contratados sino gente con la que compartimos gustos. Cada quién iba sacando sus arreglos y Phil fue cotejando todo. Ángel: Cabe mencionar que no sólo son versiones acústicas, en realidad algunas son como nuevas canciones. “Nada” fue difícil porque tiene como seis capas que era complicado traducir. Rolas como “Soñé” y “Luna” se transformaron en otras canciones.

De hecho Phil aparece tocando…

S: Sí, tocó el arpa judía. Desde el principio lo sentenciamos que debía tocar algo.

Incluso tú León traes varios instrumentos.

L: Yo toco un pequeño sinte análogo que se llama Micro Korg, que es muy divertido de tocar. El otro es un robotcito de Chucho que reacciona con la luz, es un oscilador que genera frecuencias muy locas.

Rodrigo, ¿qué nos puedes contar sobre el documental Construyendo música de fondo?

Rodrigo: Nos involucramos con un amigo fotógrafo que estuvo todo el tiempo. Con todo lo que registró buscamos construir una historia de la evolución de los ensayos, con las rolas que no se quedaron… … ¿Como cuáles?

R: “Peace and Love”, “Rocanlover”, “Miel” que era bossa nova, “Razor Blade”… fueron varias. El documental es muy ameno y ligero, hay escenas muy divertidas con Chetes, Yamil, Denisse y Adrián Dárgelos. Cuando ves el docu y regresas a ver el concierto, entiendes más de dónde viene todo, el porqué de los instrumentos que usamos. Es el complemento perfecto para ver el concierto. ¿Qué han escuchado últimamente que nos recomienden?

Jesús: Grinderman, una banda alterna de Nick Cave. Sufjan Stevens. Siempre estamos buscando cosas nuevas que escuchar.

S: Yo ahora escucho bastante música vieja en mi casa, Nina Simone, Thelonious Monk; discos de blues viejito como John Lee Hooker, Robert Johnson, Muddy Waters.

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Donde haya rockstars –aunque no tengan que ver necesariamente con el rock– siempre habrá groupies. le expliqué mi versión –que no voy a contar porque también está medio rara– (risas). También pasó con “Reptilectric”, como es una rola medio bizarra, un cuate nos dijo que éramos parte de la conspiración illuminati (risas). El otro día me postearon algo muy chisotoso en Facebook. Alguien tomó los acetatos que sacamos, los puso al revés y supuestamente descubrieron que digo unas cosas bien oscuras, igual sí se escucha medio raro, pero no es algo diabólico ni lo pensamos así. (ríe).

Una pregunta que nadie se anima a contestar. ¿Existen las groupies en México?

L: ¡Pregúntale a Kalimba! (risas). Claro, yo creo que existen las groupies en todos los rubros y en todas la profesiones: en el futbol, entre los abogados.

Donde haya rockstars –aunque no tengan que ver necesariamente con el rock– siempre habrá groupies. ¿Han tenido alguna experiencia bizarra con sus fans?

L: No, de repente sí hay unas fans que aparecen en todos los conciertos y son kilómetros de distancia (ríe), pero nada más. Algo enfermo que dé miedo nunca.

León, supongo que mucha gente se acerca a comentarte sobre las letras. ¿Qué es lo más descabellado que has escuchado?

L: Me pasó con “Deja te conecto”. Llegó un fan y me dijo: “ya te entendí, estás hablando de que tu papá te metió no sé qué…” (risas). Ya después

¿Habrá gira para presentar el Unplugged?

L: Sí, estamos planeando montar una gira en la República Mexicana y en ciudades importantes, o donde se pueda. La idea es hacerlo como lo filmamos, que estén presentes todos los que grabaron... Adrián y Bunbury está medio difícil, pero los demás sí estarán en la gira. Fuera de México, es decir en Sudamérica, Estados Unidos y España, lo intentaremos hacer con menos gente, pero con otras versiones o con un resumen de lo que hicimos. M

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EL ABC DE ZOÉ Asteroide

Influencia

Rocanlovers

Antes de Reactor fue Radioactivo, estación que además de rehusarse a programar las rolas de Zoé, se mofaba de la letra de esta canción.

Pero como dicen por ahí: “rock que ríe al último, ríe mejor”.

Cuando la cantidad de grupos que imitan el sonido de una banda alcanza proporciones ridículas, se puede hablar de una influencia; y grupos nuevos que buscan sonar como Zoé, hay hasta debajo de las piedras.

Nombre con el que se identifican los fans de hueso colorado de Zoé.

Braulio

Jim Morrison

Personaje que un joven León Larregui interpreta en el video de “Se quiere se mata” de Shakira (Buscar video en YouTube).

Las comparaciones siempre son riesgosas, pero quien dijo que León Larregui es el Jim Morrison de la Condesa, simplemente no tiene perdón de Dios.

Cumbialectric

Kukulcán

Hace unos meses, Ezequiel León Moreno, a.k.a.

“El Basi”, se aventó el cover de “Reptilectric” en versión drum & bass naco-hipster (Buscar video en YouTube).

El personaje de “Reptilectric” es una reinterpretación moderna del mito de este Dios maya.

Damon Albarn Cuando Blur visitó México en 1999, terminaron de after en el Colmillo, antro donde León trabajaba y ocasionalmente se presentaba Zoé. Ese día fue uno de ellos. Al terminar el show, Damon Albarn se acercó a Larregui para comentarle: “no me gustó tu banda, tienen que trabajar mucho (…) no todo es sexo, drogas y rock and roll”.

EP En noviembre de 2005 salió a la venta el EP The Room. Con tres canciones y cinco remixes, este disco editado por Noiselab se convirtió en el primer extended play que obtiene un disco de oro en México (50,000 copias).

Fantasma El tono melancólico de “Fantasma” no es gratuito: la canción está dedicada y fue escrita a la memoria del padre de León, fallecido hace un par de años.

Lo Blondo Denisse de Hello Seahorse! fue la voz elegida para reforzar la parte coral del Unplugged de Zoé.

Marcelo Cunning Seudónimo de Juan Ramírez, DJ mexicano radicado en Nueva York que hizo una entrevista muy cagada a León. (Buscar video en YouTube con los tags: marceloteve, rockola, león)

Nick McCarthy En marzo de 2009, el guitarrista de Franz Ferdinand se aventó un palomazo en el Palacio de los Deportes en la rola “Human Space Volt” .

Ñoño El momento en que Ximena Sariñana se subió para hacer un dueto con Zoé en los Premios MTV LA 2008.

Odio Lo que sintió León al ser entrevistado por las cámaras de Milenio TV.

Gellkin Hammond

Paula

Nick que León utiliza en las redes sociales.

Ex novia de Larregui y modelo argentina, Paula Arriola es la musa detrás de esta balada.

Héroe de leyenda Zoé grabó una versión electro-pacheca de esta rola para el disco Hechizo, un tributo a los Héroes del Silencio.

Quito Fest En septiembre de 2008, Zoé viajó a Quito por primera vez, pero el concierto se canceló cuando uno de los soportes principales del escenario se colapsó por la lluvia.

Siddhartha Este músico y compositor tapatío tocó la batería con Zoé, luego de que Beto Cabrera fuera “secuestrado por una Yoko Ono francesa”.

Torito Lugar donde León pasó unas horas luego de ser detenido por el alcoholímetro.

Unplugged Entre las presentaciones desenchufadas favoritas de Zoé están las de Nirvana, The Cure, Illya Kuryaki and the Valderramas, Björk y Soda Stereo.

Vetusta Morla Banda española que grabó una magnífica versión trip hop de “Veneno”.

Weirdo Como han declarado en algunas entrevistas, esta canción de los Charlatans fue una gran influencia en los primeros días de la banda.

Xilófono Viejo colaborador y amigo de la banda, el músico y productor Yamil Rezc toca varias percusiones en el Unplugged de Zoé. Entre ellas destaca este instrumento pariente de la marimba.

Yo Camaleón Proyecto alterno de Jesús Báez con Ana Karla Escobar. Su primer sencillo se titula “No creo nada”, y el año pasado grabaron “Cucurrucucú Paloma” para el disco Bimexicano: Nuestros Clásicos Hechos Rock.

Zoé Nombre con que algunos Rocanlovers han bautizado a sus hijas (en serio).

48 Moda

FOTO: Gustavo Dueñas para Gustavo Dueñas Photo www.gustavoduenasphoto.com

MODA: REEBOK ZIGTECH ASISTENTES: Ines, Angelika y Bran VESTUARIO: Esteban Arzate MAQUILLAJE:Lauren García PEINADO: Olvido Herrería MODELO: Sarah Lisa para Queta Rojas www.quetarojas.com PRODUCCIÓN:Verónica Cabello y Delhy Segura ARTE: Gustavo Dueñas

Top: Piezas Nimisnequi para Fashion Lovers Leggings: Etre para Fashion Lovers Pulsera: Doble Sasch Pulsera Cuadros: Azure para Fashion Lovers Fajin: Guess

Tenis: Reebok ZIGTECH

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Top: Daniela Ferrari Collar: Victor Manrique para Fashion Lovers Aretes: Victor Manrique para Fashion Lovers Cinturรณn: Rapsiodia Pulseras: Caro Accesorios para Fashion Lovers Short: Reebok

Tenis: Reebok ZIGTECH

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Chaleco: Cassin para Bloom Collar candelabro: Caro Accesorios para Fashion Lovers Traje de Baùo: Guess Mano derecha: pulsera oro plata sasch, pulsera perlas Caro Accesorios para Fashion Lovers Mano izquierda: Pulsera serpiente Bloom, pulsera metal Guess, pulsera remaches Rapsodia Cinturones como calentadores: Sasch

Tenis: Reebok ZIGTECH

52 cine

TXT:: Erick Estrada.

Cuando la primavera comience a apretar (a fines de este mes), todos recuperaremos mucho de la juventud perdida en los meses de invierno. La piel podrá hidratarse de nuevo, y el calor nos hará pensar en esos meses previos al fin de cursos en la prepa. Quizá por ello mucha de la oferta cinematográfica para este mes sea intencionalmente juvenil (dirían unos), adolescente (dirían otros), aventurera (dirían los menos amargados). Por alguna extraña razón –que sin duda tiene que ver con la resaca de los infladísimos premios Oscar–, la cartelera mexicana se relaja y toma un descanso; el cine denso cede lugar para que la juventud (real o asumida) resurja con días más calurosos.

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No

sorprende entonces que una cinta como Soy el número cuatro haya esperado tanto para ser estrenada este mes en México. La propuesta es completamente juvenil, y aunque mucha gente diga que está en la onda Crepúsculo, no tiene nada que ver con ella. De entrada, en una sola de las secuencias finales de la película hay más sangre que en toda la saga crepuscular y, para rematar, la historia de un chico que resulta una especie de refugiado de otro planeta, tiene que ver más con la ciencia ficción, que con vampiros con protector solar. Hay acción, torsos al aire, rubias “inocenguapas”, y una heroína en moto roja termina por condimentar una oferta para adolescentes realmente entretenida. El director es DJ Caruso, que en Disturbia ya demostró que puede hablarle a los pubertos en su idioma, con esa rara mezcla de thriller a lo Hitchcock, pero con testosterona nueva. Aquí le quita peso al thriller y le entra a la aventura con fe y muchos trancazos. ¿Atractivo visual? Alex Petyffer para ellas y Teresa Palmer para ellos, y si no tienen suficiente, la cosa se complementa con Dianna Agron.

Sorprende menos aún que en las salas contiguas a donde se proyecte Soy el número cuatro, seguramente aparecerá Sucker Punch, una cinta a la que podríamos considerar la contraparte femenina.

Muchas chicas guapas con muchos golpes, saltos, espadas, fuego y buen sabor. ¿La razón?

Se hermana con la dirigida por Caruso a través de lo efectivo de su lenguaje. Si bien la de DJ se apoya en el lenguaje del videojuego de una manera notoria y poderosa, Sucker Punch (dirigida por Zack Snyder, un efectista que se las sabe todas en eso del malabar visual) juega del lado de la fantasía oscura, casi como Harry Potter, pero con muchas más acrobacias. Eso sí, la primera está basada en una novela y Sucker Punch es prácticamente autoría del señor Snyder, así que ya sabemos por

dónde camina la cosa (recuerden 300 o Watchmen y la cámara que nunca se queda quieta), aunque reconoceremos que el atractivo visual de Sucker Punch (Emily Browning, Jena Malone, Abbie Cornish y más) resulte hipnotizante para el público masculino y le dé un toque cautivador.

No es que el cine animado sea menor o esté solamente enfocado al público juvenil (aunque esa sea la idea de muchos, incluso ahora que tiene su propia categoría en varias entregas de premios), pero tampoco podemos decir que a los adolescentes no les guste, especialmente ahora que tenemos tan buenas apuestas.

Rango representa el turno de Gore Verbinski –autor de las tres Piratas del Caribe– con un reparto que ha provocado envidia: Johnny Depp, Timothy Olyphant, Abigail Breslin, Alfred Molina y Harry Dean Stanton. Lo que hemos visto hasta ahora promete bastante, y ese sabor a western, humor ácido e incluso violento (el guión es de John Logan, Gladiador) puede convocar más que el personaje central, un camaleón algo distraido. No perdamos de vista, sin embargo, que Johnny Depp le presta su voz a ese reptil, y que él mismo ya recitó los diálogos de un guión escrito por Logan, nada menos que en Sweeney Todd.

Saliendo del rollo adolescente (aunque no tanto porque los adolescentes también tienen rollos en pareja), también andará por ahí al rescate de los menos jóvenes El dilema, una suerte de comedia de enredos que quiere rascarle de repente a las conciencias de nuestros tiempos. El director es Ron Howard, que si algo sabe hacer bien es darle buen tono a los diálogos de sus actores (recuerden Frost/Nixon) o hacer de una apuesta casi paralítica algo muchísimo más fresco de lo que se esperaba (Cómo el Grinch se robó la navidad).

Esta vez hay conflictos casi adolescentes (un chico descubre que su mujer ve a alguien más y luego todo se complica en una comedia extraña), pero el reparto ayuda a que eso podamos sobrellevarlo quienes definitivamente ya estamos del otro lado.

En las fotos de anuario de la propuesta de Howard están Winona Ryder, Jennifer Connelly, Vince Vaugh, Kevin James y Queen Latifah.

El calor sube poco a poco. Es buen mes para dejar al cerebro fuera del cine. M

54 cine

Una dulce revelación TXT:: Jorge Arias.

FOT:: Artecinema.

Unas

son expertas bajándole el novio a la mejor amiga, otras solamente se divierten acostándose con cualquiera, todos sabemos cómo es y cómo debe comportarse una perra, pero, ¿eres capaz de ver su lado tierno? Aunque nos cueste trabajo creerlo, con apenas un promedio de edad de 15 años, las vidas de las adolescentes de esta película no distan mucho de la realidad que estamos viviendo actualmente.

Guillermo Ríos

Guillermo Ríos, director, guionista y reconciliador del teatro; capaz de escribir una obra teatral llena de emociones, trasladó a la pantalla grande uno de sus mejores trabajos, con el que logrará que diez colegialas te quiten el aliento por completo.

Con respecto a concientizar y al mensaje de Perras, G. Ríos respondió: “La película de ninguna manera pretende darle lecciones a nadie, lo que busca es mirar hacia adentro desde las emociones y a partir de ellas sale el contexto en el que se realiza la película. Lo que más nos espanta a lo papás es la sexualidad de nuestras niñas; porque las mismas historias, contadas en masculino, serían totalmente diferentes. Creo que los padres debemos preocuparnos por el universo que creamos para que estas niñas crecieran. No nacieron por generación espontánea, son producto de lo que estamos viviendo, de un país donde alguien está jugando fútbol, llegan y es asesinado, donde masacran niños, mueren quemados, etc. Pero sobre todo

me gustaría hacer hincapié en que Perras es una película para emocionar, para encontrarse en los sentimientos y en las entrañas de estas niñas, es una película de ternura”.

Pensar que Perras es un filme para niñas o una cinta más donde un grupo de adolescentes echa desmadre, sería un gran error. Aquí, su director nos regala más de una buena razón para no perderse este nuevo capítulo en el cine mexicano.

“Recuperamos el espíritu del cine, en el sentido de que en ese lugar vas a soñar. Las imágenes de Perras son hermosísimas, además, esta película puede ser el parte aguas en la vida de las niñas de 15 a 20 años. El trabajo de las chicas es hermosísimo y la fotografía es prodigiosa. El filme es capaz de reafirmar tu amor por la Ciudad de México, y por uno mismo”. M Director: Guillermo Ríos Guionista: Guillermo Ríos Fotografía: Juan Bernardo Sánchez Mejía Género: drama Reparto: Claudia Zepeda, Scarlet Jergal, Karen de la Hoya, Steph Boumelcroud, Kariam Castro, Eva Luna Marenco, Andre Pedrero, Denis Montes, Natalia Zurita, Alenka Ríos, Galilea Montijo.

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56 cine

Doug Liman

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la verdad expuesta TXT:: Jorge Arias

FOT:: Corazón Films.

Los

vericuetos de los agentes secretos, espías y demás personajes pertenecientes al mundo de los servicios de inteligencia, sobretodo norteamericanos, parecen irresistibles para Doug Liman, director y productor neoyorquino que está detrás de la saga Bourne, en la cual dirigió la primera de ellas y produjo las restantes. Liman también se encargó de dirigir Sr. y Sra. Smith, que a pesar de ser una ficción con poquísima fortuna narrativa y fílmica, de nuevo retoma a estos seres enigmáticos que llevan una doble vida en pos de servir a su país, que parecen sacrificar sus vidas privadas con tal de cumplir con sus escabrosos y clasificados deberes.

Es obvio que la casualidad poco tiene que ver con Liman y su nuevo filme Juego de traiciones, donde se narra el devenir del llamado plamegate, un caso que involucra a un periodista, una espía y, obviamente, al gobierno de los Estados Unidos.

Los protagonistas del escándalo son caracterizados por Naomi Watts y Sean Penn; cuya aparición en la pantalla grande ocurrió durante el pasado Festival de Cannes y ha captado la atención del público, no sólo por su gran actuación, sino por mostrar un tema que deja en evidencia al gobierno norteamericano y su presencia a nivel mundial.

Cosas de espías Juego de traiciones se basa en el libro titulado Fair Game, escrito por Valerie Plame. Ella fue oficial de operaciones de la CIA por 20 años, y durante su

ejercicio participó, entre otras cosas, en una misión que trataba de impedir la adquisición de armamento nuclear en Irak, sobretodo en definir el uso de unos tubos de aluminio adquiridos por aquella nación, que presuntamente serían utilizados para una centrífuga de enriquecimiento nuclear.

La historia de Valerie se complica justo cuando deja de ser una espía, pues como bien sabemos, el anonimato de estos seres es crucial en su profesión. Cada que un espía es descubierto debe forzosamente concluir su carrera, es un hecho lógico porque, aceptémoslo ¿quién demonios contrataría como agente secreto a una persona que es conocida a nivel internacional?

Como es natural en estos casos, suponemos, una vez que estás fuera del negocio debe ser casi imposible contar con un plan de retiro para ex espías. Seguramente Valerie notó esta situación, y antes de abrir los anuncios clasificados en busca de una nuevo empleo decidió aprovechar su escándalo: en 2007 Plame publicó un libro con su historia, y en el mismo año vendió los derechos fílmicos en algunos millones de dólares.

En Estados Unidos, las demandas son el pasatiempo nacional, es un hecho. Y desde tiempos remotos Hollywood se ha nutrido de estos escándalos para llevarlos a la pantalla grande. El caso de Valerie, para fortuna del director Doug Liman, puede ser el inicio de una serie de películas donde los ex espías salgan de su anonimato, cuenten historias de intriga internacional, y de paso obtengan un fondo de ahorro para el retiro. Como siempre, sólo el tiempo lo dirá. M

Titulo: Juego de traiciones/ Fair Game Director: Doug Liman Actores: Naomi Watts, Sean Penn, Ty Burrell, Bruce McGill, Sam Shepard.

Género: drama/ acción País: EUA Año: 2010

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botero a la inversa Un scanner de gran formato, rotuladores, un poco de funk, house y clĂĄsicos de los 80, es todo lo que Arturo necesita para desbordar talento sobre el papel. Nadie desdeĂąa la maravillosa Suite de Adobe y demĂĄs programas que nos permiten realizar verdaderas obras de arte, pero siempre se agradece un trabajo en donde un par de rotuladores, papel y una mano talentosa basten para entregar ilustraciones dotadas de realismo y personalidad.

TXT:: Angelika Barbeyto.

IMG:: CortesĂ­a de Arturo Elena

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Arturo

Elena, ilustrador Aragonés, es uno de los artistas más reconocidos en el mundo de la moda. Su obra, compuesta principalmente de mujeres y figuras estilizadas y elegantes, se caracteriza por realzar cada detalle de sus personajes, con efectos de luz, textura y movimiento. Se basa en las creaciones de prestigiados diseñadores para realizar sus obras. En un acercamiento de Marvin hasta España, Arturo nos platicó… ¿En qué trabajas actualmente?

Reviso el material fotográfico del que dispongo (revistas, libros, archivos de Internet) para ir tomando referencias de posturas, composiciones, escenarios, entornos, etc., que acabarán convirtiéndose en doce imágenes. Estas ilustraciones supondrán la base de unos eventos que una prestigiosa firma suiza de relojes llevará a cabo a finales de este año.

¿Cómo logras que conviva el realismo con el papel y prescindir de las herramientas tecnológicas?

Con mis respetos a quienes trabajan apoyándose en programas informáticos, a mí siempre me ha motivado más sentir que lo que plasmo sale directamente de mis manos; con esto no descarto las posibilidades de la tecnología, de hecho, en ocasiones recurro a Photoshop, en fondos sin elementos definidos, pero me decanto absolutamente por el acabado manual en mis trabajos.

Barcelona y Madrid, y viajaba con cierta frecuencia a París; incluso hubo una época en la que pensé en la posibilidad de Nueva York. Aunque ahora viajo bastante por compromisos profesionales, para vivir prefiero una ciudad no tan grande.

Zaragoza es una ciudad muy cómoda, ni pequeña ni grande, con todas las ventajas o servicios de una gran ciudad, pero sin sus inconvenientes.

Sé que disfrutas del cine ¿te gustaría o has pensado ver tus ilustraciones en la pantalla grande a 24 x segundo?

Me encantaría, ¡cómo no! Hace tiempo que ronda por mi cabeza, pero no sólo eso, me encantaría verlos en 3D, es decir, convertidos en muñecos y que fuesen artículos de colección.

¿Cuánto tiempo inviertes aproximadamente en cada ilustración?

Siempre que me hacen esta pregunta suelo decir que 52 años, que es la edad que tengo, puesto que aprender a dibujar como lo hago ahora ha llevado mucho tiempo, y sigo aprendiendo e intentando mejorar con cada nuevo trabajo. Cada encargo es un nuevo reto…

Cualquiera pensaría que para tener proyección internacional es necesario vivir en una ciudad como París, Tokio o Nueva York. ¿Qué te parece fascinante de Zaragoza?

Bueno, lo que dices tenía mucho sentido para mí en los comienzos de mi carrera. Durante años viví en

Siendo más realista, te diré que no hay un tiempo fijo para cada trabajo, varía dependiendo de la complicación de la ilustración. También es cierto que casi nunca invierto menos de una semana en cada trabajo, pero ha habido veces que he triplicado este tiempo.

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ME ENCANTARÍA VER MIS ILUSTRACIONES CONVERTIDAS EN MUÑECOS COMO ARTÍCULOS DE COLECCIÓN ¿Cuándo decidiste pasar del glamour de la pasarela a la rutina del pupitre?

En el 98, las sedes de Madrid y Barcelona del Istituto Europeo di Design me proponen llevar a cabo unas colaboraciones semanales para enseñar mi técnica. Entonces podía permitirme que fuesen largas o más intensas, pero con tanto trabajo tuve que reducirlas. Realmente, nunca he olvidado las pasarelas y creo que no puedo o debo desvincularme porque puedo ver lo que se llevará un año después, los looks y las tendencias, etc. Es para mí un referente informativo y un momento óptimo para mantener o hacer relaciones profesionales. ¿Al lado de quién te gustaría trabajar?

Me atraen creadores como Tom Ford, Stefano Pilati (Yves Saint Laurent), Frida Giannini (Gucci) o Miucia Prada (Prada). Me gusta colaborar con firmas que tengan productos de alta calidad, porque permite llevar a cabo la creación de imágenes atractivas. También en publicaciones que admiro, como Numéro ( Francia ) o Vogue (cualquiera de sus ediciones son fuente de inspiración constante para llevar a cabo mis imágenes).

Si tu trabajo tuviera que traducirse a música, ¿cuál sería?

Sobre todo techno, house, disco, funky (es el tipo de música que suelo escuchar cuando trabajo).

Especificando más te diría Pet Shop Boys, Lady Gaga, Madonna, Hotel Costes (Stéphane Pompougnac), mucha música disco de los 80, Aretha Franklin, Annie Lennox, mezclas y remezclas de los DJ’s actuales sobre temas de siempre... Les recomiendo mucho “Máxima FM” (www.maxima.fm), me anima para trabajar. M

64 de culto música

TXT:: Arthur Alan Gore.

El juez se prepara en la línea.

Apunta su arma hacia el cielo y dispara:

¡¡Arrrraancan!!

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“Ve al hipódromo por lo menos una vez a la semana y gana si es posible. Aprender a ganar es difícil, cualquier idiota puede ser un buen perdedor”. Charles Bukowski. Cómo ser un buen escritor.

Esta

es una carrera contra el tiempo.

Los competidores atizan sus caballos con furia, porque saben que únicamente aquellos que mantengan el paso podrán colarse entre los primeros lugares. El rock and roll no se mide en millas, pero sí en resistencia.

Señoras y señores, Chinese Democracy avanza muy despacio, pero muuuy despacio, cerca del jardín interior. Respira con dificultad. El animal está en pésima forma. Atrás quedaron los días en que era un rudísimo equino desbocado. “Goodbye Horses”, dijeron los Q Lazzarus, frase que a este espécimen le viene perfecto. Tal parece que la dieta que le recetaron, constituida por conflictos internos, excesos en el consumo de drogas y alcohol, además de un derroche de varios millones de dólares en una producción por la que desfilaron muchísimos músicos, hizo mella en su salud. El jockey Axl Rose exhibe también varios kilos de más. Sus lonjas llevan al caballo a un prematuro agotamiento. Pareciera que se tarda más de 13 años en estar listo para apretar el paso y cuando lo hace… es pura llamarada de petate.

Muy de cerca lo siguen los jóvenes corceles de Tokyo Hotel, que con su galope afeminado nos recuerdan mucho más a una linda yegua, que a un auténtico macho pura sangre. A toda velocidad rebasan a sus contrincantes. Aceleran, aceleran, tanto que desaparecen. Su fugaz presencia nos recuerda a otros viejos ejemplares de la vergonzosa raza de los one hit wonder como Creed, Milli Vanilli o toda la caballería de los Crash Test Dummies.

Pasaron tan rápido que como los cometas, apenas dejaron una tímida estela como recuerdo. ¿Pero qué es lo que vemos? Nevermind The Bollocks, Here’s The Sex Pistols, cabalgan ferozmente; Johnny Rotten está prácticamente saltando la valla.

Está rompiendo con lo establecido. No hay barreras que lo detengan. Hizo trampa, se cruza a través del óvalo interior de la pista… oh pero al hacerlo se acaba de “romper” una de sus patas, y aunque inmediatamente el equipo de emergencia se la entablilla, le es imposible continuar con una carrera que sólo duró tres años. Intenta volver cojeando, pero es demasiado tarde. Su intento por terminar la competencia no es más que un lucro descarado.

Nada más da lástima.

A toda velocidad aprietan por los carriles Radiohead, conducidos por Thom Yorke; y Pearl Jam, cuyas riendas dirige un experimentado Eddie Vedder. Sus corceles de más de dos décadas de edad mantienen un paso firme, auténtico y creciente; aprietan sin desesperarse. Van que vuelan para subirse al podium de las nuevas leyendas. No tropiezan, ni siquiera voltean a ver a sus adversarios para imitar sus estrategias. Les vale. Con el poder de sus pezuñas, Pearl Jam pisa el obstáculo Ticketmaster mientras que Radiohead opta por obsequiar sus relinchos por la pista de Internet, con excelentes resultados. Muchos conocedores apuestan por ambos que transitan por los carriles centrales. Radiohead – Pearl Jam – Pearl Jam – Radiohead… ¡Van nariz con nariz!

Entonces, igual que un bólido cruzan la pista a todo galope los dedos de Omar Rodríguez-López sobre el lomo de The Mars Volta... ¡Qué bár-baro!... ¡le va a salir fuego! ¡Muy cerca lo siguen los dedos de Matthew Bellamy trepado en Muse, ese imparable animal que parece venir del espacio exterior y no de un establo común y corriente.

Sube y sube por las listas de popularidad sin que nada lo detenga. ¡Qué diferencia con respecto a otros corceles como Portishead o la yegua Björk! No cabe duda que el paso de los ejemplares vanguardistas, elegantes, místicos y experimentales es distinguido. Sin embargo, no sirven para competencias de velocidad. Ni siquiera pareciera que competieran como los demás. Se trata de ejemplares de alta escuela, amaestrados para endulzar la vista y el oído con la delicadeza y hermosura de su caminar.

Se nos cae la baba de verlos porque son dignos de un desfile de la realeza.

Nuestra obligación es relatar lo que sucede en todos los rincones de esta pista, así que debemos dar cuenta de corceles como los Rolling Stones o El Tri, con jinetes que deberían entender que sus caballos no dan para más. Corren como lo hacían hace 40 años, sin proponer nuevas formas de competir. Están a punto de perder sus dientes. Sus crines lucen blancas y sus lomos apenas sostienen el peso de sus jockeys. Deberían dar paso a los nuevos ponys, como Arcade Fire o Austin TV, que sorpresivamente aceleran para alcanzarlos.

¡Pero qué le vamos a hacer! ¡La gente los quiere!

Muchos siguen llenando hipódromos para ver rodar a esas piedras y esperar un camión que los lleve lejos, muy lejos de aquí. Sabemos que más vale tomarse su tiempo, no les vaya a costar la vida correr demasiado. Recordemos a los fallecidos jockeys Kurt Cobain o Ian Curtis, que apenas habían entrado en la parte más sabrosa de sus respectivas carreras, cuando la fama de sus potros Nirvana y Joy Division, respectivamente, los tiró con resultados fulminantes.

Todas las competencias deparan sorpresas y esta podría no ser la excepción. A muy buen galope se avecinan animales como Zoé –cuyo jinete, León Larregui, por desgracia no suele salir bien librado de los antidopings–, Arctic Monkeys, Mastodon e inclusive la yegua Lady Gaga, a quien ¡no nos engañen! se dice que inyectaron con hormonas en algún laboratorio clandestino, porque fue caballo macho de nacimiento.

Se acercan peligrosamente. ¡Qué carrera, señores!

Hay que ver al jockey Damon Albarn, que lo mismo se monta en Gorillaz, The Good The Bad and The Queen, que en un viejo purasangre como Blur, a quien creíamos ya retirado de las pistas, pastando tranquilamente lejos de las competencias y encomendado a servir como semental. ¡Pero no! ¡Ya lo tenemos de vuelta!

La pista es un auténtico arcoíris: allá viene el corcel negro The Cure, el estrambótico percherón ZZ Top y por supuesto, la glamurosa yegua Gossip, a quien su sobrepeso no le impide volar sobre la pista y convertirse en una de las favoritas de las apuestas.

Inclusive el experimentado U2 se convierte en un pegaso que no duda en desplegar sus alas para competir con la juventud de Girls.

Los cadáveres de heroicos ejemplares como Elvis, Queen y Hendrix yacen sobre la pista, donde círculos de buitres discográficos sobrevuelan para llevarse su carne podrida, y venderla en infinitas reediciones e infames remixes para coleccionistas.

Nos acercamos a la meta. ¿Quién será el primero en cruzarla? ¡Todos aprietan el paso! La gente se pone de pie… ¡Será un final de fotografía! M

66 de culto cine

TXT:: Erick Estrada.

La velocidad no funciona igual en el cine. Basta imaginar la diferencia entre cámara rápida y cámara lenta. Por ejemplo, cuando vemos que en una película todo se mueve más rápido de lo acostumbrado, significa que fue filmada con la película corriendo lento; menos de 24 cuadros por segundo nos hacen ver que las cosas van aceleradas. Por el contrario, si las cosas se mueven lentamente es porque filmaron con la película corriendo a alta velocidad. Más de 24 cuadros por segundo permiten apreciar cada detalle de todo tipo de movimientos. La cámara rápida filmó con película lenta. La cámara lenta hizo correr la película rapidísimo. En el cine la velocidad proviene de otro planeta.

La

velocidad no funciona igual en el cine.

Basta imaginar la diferencia entre cámara rápida y cámara lenta. Por ejemplo, cuando vemos que en una película todo se mueve más rápido de lo acostumbrado, significa que fue filmada con la película corriendo lento; menos de 24 cuadros por segundo nos hacen ver que las cosas van aceleradas. Por el contrario, si las cosas se mueven lentamente es porque filmaron con la película corriendo a alta velocidad. Más de 24

cuadros por segundo permiten apreciar cada detalle de todo tipo de movimientos. La cámara rápida filmó con película lenta. La cámara lenta hizo correr la película rapidísimo. En el cine la velocidad proviene de otro planeta.

El conductor Un hombre misterioso a quien solamente conoceremos como “El conductor” (igual que la película) es citado en un estacionamiento. El actor

es Ryan O’Neal. Otros hombres malencarados, los gángsters de la película, lo rodean. Solamente quieren que suba al auto que está frente a él y conduzca. Quieren que lo haga lo más rápido que pueda. Quieren que maniobre a toda velocidad entre las columnas y los pasillos del estacionamiento.

Luego sabemos todo: los gángsters de la película quieren que “El conductor” se encargue del coche en el que escaparán. Piensan robar un banco... pero seguro hay una trampa. Quien ve la película sospecha de la chica, que aparece igual que el carrazo de “El conductor”: fugazmente.

El director de El conductor (1978) es Walter Hill, y la película es efectivamente una demostración casi perfecta de cómo se puede filmar una secuencia de presecusión a velocidades endemoniadas. Lo exigía el guión y era necesario para distinguirse de otra igualmente intensa, pero filmanda en espacios abiertos: la que aparece a la mitad de Contacto en Francia (1971) dirigida por otro grande: William Friedkin.

67

The Matrix The Matrix influyó más de lo que muchos quieren admitir. En el cine coló temas que antes eran considerados aburridos y poco vistosos, sus personajes podían resultar planos y nada coloridos, pelear en un lenguaje binario poco atractivo, pero los hermanos Wachowski dieron con la solución casi sin darse cuenta. Recurrieron al efecto visual conocido como bullet time o tiempo bala, influyó en su aportación al cine de ciencia ficción y aventuras.

La demostración visual del referido bullet time es una síntesis de la teoría de la relatividad, pero en una toma de 30 segundos. Si viajaras sobre una bala irías a su velocidad, mientras el resto del mundo se movería más despacio.

El conductor fue más rápida que Mad Max, no sólo por aparecer un año antes; lo es también porque en su caso la velocidad tiene que ser transportada al cerebro. Hay que reaccionar y pensar rápido, ¿la razón? La chica fugaz luce cada vez más sospechosa. El Trans Am que le asignan a “El conductor” es el coche popular más rápido de esos años, pero él debe serlo aún más con sus reacciones.

Conducir un auto a toda velocidad puede ser complicado, pero filmarlo y transmitir la velocidad a quien está en una butaca fija dentro de un salón, es aún más difícil.

Aunque podemos resumirlo con un el diálogo: –Policía: me gusta perseguirte.

–El conductor: pues estás en problemas.

The Matrix usó esa idea para que las peleas entre contrincantes binarios contaran con desplantes visuales. Esa “otra” velocidad convirtió a la cámara en un elemento aún más poderoso de lo que era. Jugando con las velocidades naturales, la cámara (o las 120 cámaras necesarias para registrar movimientos en bullet time) fue el instrumento necesario para registrar y un arma para derrotar: se convirtió en el descuartizador del tiempo. La cámara era además el ojo de un Dios computarizado que procesaba todo a una velocidad exagerada, y luego nos lo ponía enfrente con tres lentas tomas.

Además, el bullet time le dijo a todo mundo que para filmar películas de acción sin mostrarse avejentados, había que moverse muy rápido, actuar de prisa y responder velozmente.

Koyaanisqatsi Es todo un experimento. En su momento, la idea de manifestar el desequilibrio de la vida (significado del nombre de la película) a través de la modificación de la velocidad del mundo tuvo muchos adeptos.

Godfrey Reggio retrató al mundo urbano, al mundo rural, al mundo de los aires. Filmó lo que pudo siempre con la velocidad alterada, y el resultado es alucinante en la pantalla. Todos los errores están magnificados. Todos los huecos se agigantan.

Escaleras eléctricas, nubes pasajeras, olas contra acantilados; elementos que en Koyaanisqatsi se mueven rápido, pero de manera clarísima. Sí, esta película fue veloz en todo, desde su ascenso y su impacto hasta su trascendencia. El experimento que magnifica nuestros errores –sin ficciones y sin mayor truco que mostrar nuestra realidad a una velocidad distinta– ha sido reproducido, y a veces hasta copiado. Algunas escuelas trasnochadas lo siguen considerando un filme de vanguardia. Fue veloz. Veloz en dejar huella. Veloz en quedar en la historia del cine. Pero también veloz en pasar de moda. Su valor, sin embargo, permanece. ¿Qué tiene su velocidad extrema que hipnotiza? ¿Subraya acaso que hemos devastado al planeta a esa misma velocidad? ¿Será que debajo de la superficie anticipa el paso fugaz de la humanidad en el universo? Lo dicho. En el cine, la velocidad es de otro planeta. M

The Matrix influyó más de lo que muchos quieren admitir. En el cine coló temas que antes eran considerados aburridos y poco vistosos, sus personajes podían resultar planos y nada coloridos, pelear en un lenguaje binario poco atractivo, pero los hermanos Wachowski dieron con la solución casi sin darse cuenta.

68 de culto arte

En sus inicios, el graffiti se trataba de velocidad, adrenalina y subcultura; hoy, muchas veces se utiliza para anunciar refrescos o ropa deportiva.

Afortunadamente, todavía hay algunos artistas que no se dejan comprar.

El impulso de rayar Aunque desde épocas prehistóricas el hombre ha dejado rastros de su andar por grutas, monumentos, paredes y baños de bebedurías, se dice que los orígenes del graffiti, como movimiento artístico, fueron en Filadelfia en la década de los 60. Otros dicen que se gestó en Nueva Yok a principios de los 70, cuando cientos de chavos empezaron a taggear (firmar) dentro y fuera de los vagones del metro.

A lo largo de los años, los diseños evolucionaron hasta volverse intrincados, monumentales y multicolores. Muchos de los writers (artistas del graffiti) se metían en crew, o grupo, a los estacionamientos de los trenes en la madrugada y hacían obras de gran calidad en 30 a 40 minutos. La clandestinidad, el peligro y la velocidad eran los requisitos del arte. En ese entonces, la mejor recompensa era ver tu nombre recorrer la ciudad sobre algún vagón del metro; ni el dinero ni el estatus de “artista” importaban.

TXT:: Regina Zamorano.

A finales de los ochenta, era prácticamente imposible pintar vagones, debido a las medidas de seguridad y limpieza que las autoridades neoyorquinas de transporte habían instaurado. Los writers, expulsados de los subterráneos, comenzaron a explorar otros terrenos, como trenes de carga, túneles, bardas y paredes. Sin embargo, el ímpetu y la esencia del movimiento se diluyeron poco a poco.

El “efecto Banksy” Banksy —el famoso graffitero inglés que nunca ha revelado su identidad— empezó a pintar a mediados de los 90. Él mismo ha dicho que no era muy bueno, por eso decidió usar stencils (plantillas). Así, ahorraba tiempo y evitaba que lo atrapara la policía, pero muchos graffiteros, sobre todo de la vieja escuela, consideran que pintar con esa técnica es “hacer trampa”.

69

Sus obras denuncian los clásicos bemoles de la sociedad capitalista: la violencia, el consumismo, la alienación producida por los medios, el abuso de poder y la obsesión por el dinero, los cuales combate con smileys, ramos de flores, cabezas de mono, ratas y cielos azules.

Un crítico británico dijo que el trabajo de Banksy “le puede parecer increíblemente inteligente a los idiotas”, y eso duele. Es cierto que muchos de sus trabajos arrancan una sonrisa maliciosa, pero ¿quién pagaría casi 100 mil dólares por un stencil amarillo de la Mona Lisa, idéntico a lo que hacía Warhol? Pues hubo alguien que lo hizo. ¿Por qué?

Cuando Banksy apareció, nadie lo tomaba en serio, las ciudades mandaban limpiar sus murales y listo (algunas aún lo hacen). Sin embargo, en pocos años, gracias al misterio que rodea su identidad, a unas cuantas obras polémicas (pintar animales vivos con aerosol para exponerlos en Los Ángeles, por ejemplo) y a su creciente popularidad, los “idiotas” de Sotheby’s y sus clientes lo convirtieron en uno de sus productos favoritos.

Así, en 2006, el llamado “efecto Banksy” creó un frenesí por el street art (arte callejero) y desde entonces, sus obras y las de algunos artistas urbanos, como Space Invaders, Nick Walker o Adam Neate, se han vendido en mucho más de lo esperado, incorporándose de maravilla al mercado del arte contemporáneo.

Pero cuidado con el que trate de vender los graffitis de Banksy sin que a él le toque una tajada. La subasta por eBay de una pared con una de sus obras alcanzó los 400 mil dólares, pero a la mera hora, el artista se negó a autentificarla y la venta no prosperó. Su fortuna no es la única incongruencia con ser un “renegado” que no se identifica por miedo a que lo arresten. Cuatro años antes de ser un fenómeno comercial, en 2002, Banksy escribió “Cuidado con la basura” en las escaleras de la Tate Gallery, justo una noche antes de la ceremonia de entrega del premio Turner, otorgado anualmente al mejor artista contemporáneo británico.

Si Banksy piensa que el arte contemporáneo es basura, ¿por qué acepta formar parte de él en galerías, subastas y museos? Lo mejor fue cuando publicó en su sitio web una imagen que representaba a la gente comprando sus obras con la leyenda: “No puedo creer que compren esta porquería”. Quizá no, pero por lo visto sí puede embolsarse los billetes. No es el único que le ha vendido el alma del graffiti al diablo. Varios crews —123KLAN o TATS CRU, por ejemplo— botaron las latas y abrieron despachos donde atienden a clientes como Coca Cola, Adidas, Microsoft, etc. ¿Y la lucha contra la alienación, señores?

La princesa del metro No todo es intercambio monetario, aún existen graffiteros que conservan un halo de clandestinidad.

Uno de ellos es Princess Hijab, una artista anónima que raya los anuncios del metro de París. ¿Su arma? Un marcador negro. ¿Su objetivo? Pintarle a los modelos de ambos sexos una burqa —velo que usan las musulmanas— para dejar sólo los ojos y algunas otras partes del cuerpo al descubierto.

Nadie sabe si es adepta del Islam, ni siquiera si es hombre o mujer, pero al menos Princess Hijab no niega la cruz de su parroquia. Admite estar influenciada por No Logo, el libro de Naomi Klein, y para protestar contra el mercantilismo voraz,

raya los anuncios que recalcan los estereotipos actuales. Al mismo tiempo, la activista busca confrontar a la sociedad francesa —nacionalista por naturaleza— con la imagen del “otro”, el inmigrante, que espanta sólo porque es diferente.

Las fotografías del trabajo de Princess Hijab se han expuesto en Nueva York, Viena y otras ciudades del mundo, pero, sorpresa: sus obras son destruidas por los guardias del metro en pocos minutos y, obviamente, no están a la venta. M

El año pasado Banksy estrenó un documental sobre el mundo del graffiti titulado Exit Through the Gift Shop, el cual ha ganado 18 premios en distintos festivales de cine y documentales del mundo. Esta es una foto de un supuesto graffiti aparecido en Los Ángeles tras su nominación al Oscar.

70

Enjambre

Leitvox

Iron & Wine Delicado

Transition Kiss Each Other Clean

Independiente ★★★★★

Warner

★★★★★

El sol equivocado Molécula Records ★★★★★

Cuando conjugas letras un tanto misteriosas y hasta sexys, con influencias musicales heredadas del tontipop, el punk y el rock de los 80, el resultado es un disco como El sol equivocado, segundo material de Delicado (antes conocidos como Delicado Sónico) editado en CD y también en formato de LP de vinil.

“Asustar”, el track abridor, destaca por su melodía y esos brillantes sintetizadores finales; en “Dancing” apuestan por un rock lúdico por momentos obscuro; mientras que “Desierto”, uno de los momentos mejor logrados, es una canción techno, triste y bipolar. En este disco, la creativa sección rítmica tiene que ver más por el post-punk que con el technopop con el que se relacionaba al grupo en sus inicios, mientras que las vocalizaciones (antes su talón de Aquiles) no pueden ocultar que sus raíces siguen en el pop. Un buen disco producido por Lorenzo Lagrava, asiduo colaborador del Dr. Fanatik, personaje clave de la escena independiente defeña.

TXT:: Alejandro Mancilla.

Cuberbil: Camino para colorear. Dueto mexicano a medio camino entre The Cranes y el electropop español que pegó del 2000 al 2008.

Cielo: Un amor mató al futuro. El disco electropop de los ex-Silvania en su renacimiento post-shoegaze.

Stereo Total: Musique automatique. Lo-fi, punk y electropop en un combo kitsch de ensueño.

Si estás esperando que el cuarto disco de Iron & Wine (el primero tras su partida de Sub Pop) sea una continuación de esas atmósferas plagadas de folk intimista, seguro te llevarás una agridulce sorpresa (lo dulce o lo agrio depende de tus gustos, nivel de purismo musical y expectativas), porque ahora el proyecto personal de Sam Bean ha mutado, y se asemeja más al sonido de una banda de rock sureño con ganas de sonar en la radio. En este disco, la soledad continúa siendo el factor determinante de las letras, junto con algunas obsesiones bíblicas ("Me and Lazarus") musicalizadas con jazz, algo de funk y mucho soft rock. SI bien algunos temas conservan el estilo folkie (“Godless Brother In Love”), otras canciones se atreven a transitar por terrenos poco explorados por el artista (“Walking Far From Home”, el track abridor), con resultados que no dejan duda de que se trata de música bien elaborada, con letras interesantes y ejecuciones instrumentales más que correctas, pero que a veces no son suficientes para trascender (a menos que regreses a los años 70 y te pongas competir con The Eagles o quieras musicalizar un capítulo de Los Dukes de Hazzard). TXT:: A.M.

Elliott Smith: Either/Or. Una joya de fin del siglo pasado, que generó toda una legión de song-writers atormentados que hacían buenas canciones con elementos del folk.

Dave Matthews Band: Before These Crowded Streets. Ideal para manejar en una carretera soleada o ambientar un desayuno en Taco-Bell.

Calexico: Feast of Wire. El trabajo más aclamado con memorables temas como "Attack el Robot! Attack!" y mucha actitud de sensible mariachi indie-rocker.

Además de mostrarnos la funcionalidad del software que usó en la producción de este, su primer material, el músico y productor mexicano (Christian Cooley a.k.a Leitvox) nos presenta 12 canciones que evocan a los años 80, guiños al primer Air y evidentemente al trip hop. El viaje inicia con un breve intro ligado a la segunda canción (“Nostalgic Gravity”) que recuerda un poco a la voz de Brendan Perry en la canción “Spirit” de su ex-grupo Dead Can Dance (el lado pop de la banda) y continúa con “After Dark” y “Manic Love” (muy buena la voz de la cantante invitada, Cynthia Cordero). En realidad se trata de un disco de electrónica minimalista con estudiadas voces, y un beat que te puede dar el “bajón” si andas deprimido, pero que resulta agradable gracias a unos instrumentos acústicos ocasionales muy bien incorporados (como la guitarra ¿sintética? de “Remains of the Sun”, mi track favorito). El problema es que por momentos hay una frialdad aséptica que no deja fluir la emoción, a pesar de las buenas intenciones de tracks como “Evasion”. El disco se puede descargar gratis desde www.leitvox.com donde además de ver el estudio donde Cooley trabaja, conocerás a sus amigos de MySpace, entre los que destacan Kinky y ¿Sentidos Opuestos?. TXT:: A.M.

21 Hertz: Ocean in Time. Desde Suecia, este disco le trajo nuevos aires al trip hop de la década pasada.

Nuuro: All Clear. Desde Venezuela y NY, loops íntimos y divertidos, clavados en la alberca del pop.

Anoraak: Wherever the Sun Sets. Proyecto francés electrónico de programaciones, sintetizadores y tonos nostálgicos.

Anna Calvi

No Joy

Los Rayobacks

Anna Calvi

Domino Records ★★★★★

¿Aún se habla de shoegaze en nuestros días?

No lo creo. Ese estilo musical de los noventas fue mutando en diversas ramas y etiquetas que confunden. Hoy en día, los blogs de la red postean discos de slowcore, nugaze, noise pop… es complicado mantenerse al día en las corrientes musicales. Todavía se siente la enorme estela que My Bloody Valentine dejó hace casi veinte años, y aún encontramos jóvenes entusiastas que creen que pueden sacarle nuevos sonidos a su Fender Jaguar. Este álbum tiene a dos chicas que hacen pop ruidoso, pero seamos sinceros, no tienen el talento de Fionna Apple o de Shirley Manson, ni el encanto feminazi de las chicas de Le Tigre; más bien nos proponen algo que ya conocemos a la perfección. Guitarras en capas y tambores reverberantes a la Jesus and Mary Chain se repiten durante estos diez tracks. El resultado es aburrido, monótono y repetitivo, por suerte estas señoritas cargan con la bandera de cero pretensiones. A fin de cuentas, a este disco le sobra fuzz y le falta creatividad. TXT:: Jesús Serrano.

Qué guapa es Anna Calvi… me cae, con su cabello castaño y su piel que parece porcelana, tiene un aire vampírico tipo The Hunger, no Twilight.

Desde antes de la salida de este, su primer LP, el sencillo debut “Jezebel” se encontraba en los portales de música más importantes de la red, lo que la posicionó junto a talentos como Zola Jesus o Nicki and the Dove, en la lista de propuestas a seguir. ¿Es Anna Calvi una guitarrista más que capaz? Por supuesto. ¿Trae la escuela de lo que alguna vez fue la pareja más oscura del mundo (Nick Cave y PJ Harvey)? Sí, también. ¿Su música es intensa a ratos? Definitivamente.

Pero, ¿su LP termina por ser cautivante y conmovedor? Sinceramente no. El sonido de Calvi es hermético, con batería, guitarra con compresor y reverberancia, y algunos instrumentos de cuerdas, el único elemento sorpresa es la incursión de un armonio, instrumento de timbre muy característico y poco empleado en la música contemporánea. La mayoría de las canciones de este disco tienen un estilo y estructura muy similar, lo que termina por volverlo tedioso y repetitivo. Por otra parte, Calvi abusa de un estilo vocal que aunque ejecuta con éxito, vuelve las canciones predecibles y monótonas. El orden y la lógica universales no cambiarán tras escuchar este disco, sin embargo, se disfrutará si eres fan “de hueso colorado” de la música de PJ Harvey; de lo contrario y de la manera más atenta, sugerimos abstenerse. TXT:: J.S.

Best Coast: Crazy For You. Belthany Consentino no sólo comparte disquera con No Joy, también su sonido.

Triángulo de Amor Bizarro: Triángulo de Amor Bizarro.

Rápidos y ruidosos, el debut de estos españoles supera por mucho a su sucesor.

Ceremony: Rocket Fire. Mucho fuzz y feedback, esta banda junto con Oliver Ackerman (A Place to Bury Strangers), formaron Skywave a principios de siglo.

PJ Harvey: To Bring You My Love. El disco en el que Polly deja salir más sus raíces blueseras.

Nick Cave And The Bad Seeds: The Good Son. Blues y gospel conviven de manera críptica en este ejercicio del "Sr. Cueva".

Morphine: Cure For Pain. Los más oscuros del jazz y los más under del alternativo. La voz de Mark Sandman (q.e.p.d.) nos puede brindar grandes momentos.

Ghost Blonde

Mexican Summer ★★★ ★ ★

Pila de éxitos Prodisc

★★★★★

Tocan bien, son buenos músicos y hasta tienen cierta gracia en sus mash-ups. Además, no dudo que sea divertido su show en vivo, pero eso no quita la sensación de que esta “Pila de éxitos” se trata de un material innecesario que no aporta mucho a la escena musical del rock en México.

Además, el hecho de hacer combinaciones humorísticas en las que amalgaman canciones de Pixies, U2 y The Ramones (entre otros), con éxitos de dudosa procedencia (de Bronco a Timbiriche) no es algo nuevo. Ahora, si te parece genial escuchar “Blitzkrieg Bop” con la letra de “Pin Pon” (es un muñeco), este es tu disco. Una prueba de que la irreverencia no siempre es tan certera. TXT:: A.M.

Moderatto: En directo. Padres putativos de toda esa (de) generación de bandas "irreverentes".

Los Lagartos: Confesiones a Manuela. Otro de esos discos malísimos en los que parece que Facundo y Yordi Rosado hicieron las letras.

Veo Muertos: Huele a fresa. Rock energético con sabor a stand-up comedy.

71

El Guincho

72

Gil Scott-Heron / Jamie XX Enjambre Cold War Kids

Pop negro

Terrícolas Imbéciles ★★★★★

We're New Here XL Recordings ★★★★★

No pasó desapercibido el retorno del errabundo y decandentista cantante, regresado a la escena por Richard Rusell –hombre fuerte de la disquera–.

Volvió a la luz mediática tras capítulos de narcóticos y cárcel, I’m New Here casi puede considerarse spoken word, pero sus confesiones biográficas ahora son deconstruidas y remezcladas por uno de los geniecillos de The xx. Con el tratamiento obtiene un cariz de música esencialista, no hay agregados espectaculares, pero sí fragmentos de electrónica cerebral. Si acaso la vertiente más instrumentalizada y pop se manifiesta en “I’ll Take Care Of You”, ahora es la expresión mutante de una voz que proviene del ghetto, con un discurso que cobra un nuevo sentido al pasar por las bases y secuencias del avispado inglesito. Un álbum para pensar si la revuelta social puede emanar de una pista de baile (“Your Soul And Mine”) o las formas que puede tomar el soul en pleno siglo XXI (“My Cloud”). Hace muchos años, Scott-Heron anticipó las posibilidades del rap… una vez más ha sido catapultado hacia el futuro.

TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Gil Scott-Heron: The Revolution Will Not Be Televised. El disco que incluye el poema-canción beligerante al que le debe su notoriedad.

Kevin Shields/ Patti Smith: The Coral Sea. Una recreación de las palabras salvajes de Patti Smith desde el ambient.

The xx: xx. Aquí una remezcla de uno de los miembros del trío de Londres.

Pablo Díaz-Reixa creció en las Islas Canarias; donde pasa un montón de música africana y latina. Para él era normal estar rodeado de eso, antes que del rock anglosajón. Luego se mudó a Barcelona, donde obsesionado con tantas referencias, se hizo de un sampler y lo troceó todo; armó un rompecabezas apátrida siguiendo su noción de los ritmos tropicales, que parecen partirse en partículas. Alegranza (Discoteca Oceáno/ Young Turks, 07) se convirtió en un suceso internacional. Bien hacen quienes lo describen como un punto medio entre Animal Collective y la Fania All-Stars. Mucho tiene de carnaval futurista, pero para su siguiente álbum dio un severo golpe de timón. Se mudó a Berlín para grabar y componer en los famosos estudios Planet Roc. Decidió que la idea era igualar la calidad de audio de gente como Mecano y Brian Ferry.

Para ello encargó la mezcla a Jon Gass (Michael Jackson, Whitney Houston y Boyz II Men). A fin de cuentas, confeccionó una derivación mutante del R&B –un poco al estilo Dirty Projectors– y que en su estructura posee entre 80 y 100 pistas en cada canción; toda una urdimbre sonora que requirió de la masterización de Nilesh Patel (Daft Punk).

En la primera parte del disco se siente un toque latino y hasta caribeño, para luego encaminarse hacia ese terreno soul que tanto le atrae y recién visita. Por lo mismo, esta versión hi–fi tiene en “Soca del infierno”, “Novias” y “Bombay” sus mejores trazos. TXT:: J.C.H.

El Guincho: Alegranza. El disco que le dio notoriedad. ¡Que siga la fiesta!

Joe Crepúsculo: Nuevo ritmo. Otro freak que alucina retorciendo el pop y las melodías edulcoradas.

Extraperlo: Desayuno continental. También mediterráneos, también aman los ochenta; joya por descubrir.

Mine is Yours Interscope

★★★★★

Después de Robbers & Cowards (2006) y Loyalty To Loyalty (2008), el alma de punk y corazón indie de esta banda californiana, ha encontrado formas un poco más complejas para estructurar sus canciones, y contar esas historias agridulces que habitan su tercer álbum. Su cantante y letrista Nathan Willett, ahora no sólo busca en las crisis emocionales, también lo hace inspirado en el lado opuesto al valorar su vida en pareja. Así, entre la estabilidad y el “tocar fondo” surgieron las canciones de este disco reunidas bajo un título particularmente optimista y amoroso. Al mismo tiempo, el sonido se expande al mezclar instantes musicales donde la melodía tiene un peso específico. Con la producción de Jacquire King (Modest Mouse, Tom Waits, Kings of Leon) y grabado entre Nashville y Los Ángeles, plasmaron contrastes entre pasajes de instrumentación básica y otros más elaborados que tienen ese potencial de rock de estadio. TXT:: Benjamín Acosta.

James: Fresh As a Daisy - The Singles. En “Out of the Wilderness”, la voz de Nathan Willett parece rendir un homenaje espontáneo a Tim Booth.

The Killers: Day & Age. “Skip the Charades” se acerca al estilo de las baladas del grupo de Las Vegas.

Tapes ‘n Tapes: Outside. Sin tanto voltaje, entrega melódica para ser escuchada como postre del Mini is Yours.

73

Pearl Jam

Duran Duran

Ritual

Live on Ten Legs

All You Need Is Now

★★★★★

★★★★★

★★★★★

Desde que fue reconocida por la prensa británica como una de las mejores nuevas bandas de finales de los 2000, White Lies se convirtió en la apuesta del dark revival. El trío británico no cesa de explorar lo que en su momento quizás dejó pendiente el post-punk protagonizado por Joy Division o Echo and the Bunnymen, y más tarde recuperado por Interpol y Editors. Con un sonido más profundo, teclados que por momentos proyectan esa luz al final del túnel, es que el grupo londinense presenta su segundo álbum. Entre lo etéreo, cierta tensión dramática y una densa melancolía que apaga las estrellas de cualquier noche, aparece Ritual prácticamente como una extensión de su debut To Lose My Life (2009). Si acaso en “Peace & Quiet” decidieron activar sus encendedores, por eso no sorprende que Alan Moulder (Depeche Mode, The Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentine) sea el productor. TXT:: B.A.

A manera de cápsula del tiempo, una de las bandas que abanderaron el “sonido Seattle” en los noventa, recupera su determinación en vivo al seleccionar grabaciones de conciertos recientes. Así como en su momento editaron Live on Two Legs (1998), ahora decidieron la continuación de esa clase de registros llenos de energía. Además de clásicos grunge como “Jeremy”, “Alive” o “Yellow Ledbetter”, aquí se incluyen dos covers: “Arms Aloft in Aberdeen” de Joe Strummer & The Mescaleros y “Public Image” de PIL. Cada vez que escuchamos a Pearl Jam, y de manera particular la voz de Eddie Vedder en combinación con la guitarra de Stone Gossard, nos queda esa impresión de unrenacimiento constante… y esa perseverancia ha registrado un par de décadas que son celebradas en este disco. Las próximas ediciones especiales de Vs. y Vitalogy –dos de sus discos clave– y un documental dirigido por Cameron Crowe, también se suman a la fiesta. TXT:: B.A.

Es la primera vez que esta banda, sinónimo de glamour en los 80, graba de manera independiente y seducidos por la idea de lo que llegaron a representar hace 30 años. Para emular aquellas glorias llamaron a Mark Ronson, quien se encargargó de una producción que por momentos parece haber conseguido el objetivo. Fue así que All You Need is Now pretende un estilo como si fuera el sucesor del emblemático Río (1982). Es obvio que jamás volverá a ser lo mismo, y que las reglas del universo obedecen a un tiempo específico, pero tampoco podemos negar que en canciones como “Blame the Machines” o “Being Followed”, la voz de Simon LeBon, combinada con el teclado de Nick Rhodes y el bajo de John Taylor imprimen algo muy cercano a los días en que el new wave y el new romantic eran los consentidos. Más que un disco egocéntrico, se trata de una entrega que supera lo que han hecho en los últimos 15 años. TXT:: B.A.

She Wants Revenge: She Wants Revenge. Herencia de Bauhaus combinado con la parte más ligera de Nine Inch Nails.

The Horrors: Primary Colours. Para visitar el lado estridente de la noche.

Muse: The Resistance. Matthew Bellamy no se queda atrás con el dramatismo en su interpretación.

Joe Strummer & The Mescaleros: Streetcore. En 2003, el ex The Clash grabó la canción que ahora retomó Pearl Jam. Public Image Limited: Greatest Hits So Far. La vida continuó después de Sex Pistols para John Lydon.

Pearl Jam: Ten. A veinte años de su magnífico primer álbum.

Spandau Ballet: Gold. “To Cut a Long Story” se llama la colaboración new romantic del grupo, antes de hacerse famosos con la azucarada “True”.

A Flock of Seagulls: The Best. Baladas de techno pop y canciones de medio tiempo que rebotan en la memoria.

Human League: Bery Best Of. Con elegancia, estos británicos entregaron en los 80 algo más que su conocida “Don’t You Want Me”.

White Lies

Fiction / Geffen

Universal

S-Curve Records

Pilaseca

74

Nax

Napoleón Solo Mi suerte cambió Independiente ★★★★★

Born in Blues Independiente ★★★★★

Napoleón Solo en la Ópera Terrícolas Imbéciles ★★★★★

La cantante mexicana Nax presenta su primer EP titulado Born in Blues, cuyo sentido musical gira en torno al blues –como base– pero con fusiones de hip-hop, R&B, pop y ligeros tintes de jazz con estilo fresco y moderno. Sus letras nos muestran la postura de una mujer decicida a crecer, de alguien que supo “perder para ganar”. La melancolía es parte fundamental de la música de Nax, y sabe conducirnos bien por sus líneas musicales entre esos escollos y callejones de la vida real, como un domingo gris donde al final alguien te hace una llamada y te saca una sonrisa (para quienes gustan de esas emociones cotidianas). El arte del disco llama la atención desde su portada, ya que en ella conviven influencias de arte japonés, art nouveau y pinceladas kitsch. Este EP de siete canciones –más un bonus track en video de la canción “Deja”– fue producido por Zazkuash y cuenta con la participación de importantes músicos, los cuales lograron un trabajo musical que complementa la voz de Nax. TXT:: Víctor Hugo Cuenca.

Van-T: Van-T. El hip-hop mexicano de vanguardia viene bajo el sonido de VAN-T, con quien también participa con Nax. Ardnaxela: Telecine de la tarde. La sensualidad de una musa puertorriqueña, de una mujer amante del pop-rock.

Betsy Pecanins: Sones. Blues y corazón con más de treinta años de carrera, Betsy es un ícono del blues en México.

Napoleón Solo debuta en el circuito del pop rock español con el disco titulado Napoleón Solo en la Ópera, un álbum de larga duración precedido por Será maravilloso, EP que adelanta la dulzura musical que ahora nos presentan. Con Eric Jiménez, batería de Los Planetas y Lagartija Nick, dos grupos que comparten línea editorial rockera iberoamericana con los jóvenes en cuestión, Napoleón Solo logra un exitoso debut lleno de melodías sesenteras y sicodélicas empapadas de pop, siempre acompañadas de una voz en falsete propiedad de Alonso Díaz, la cara del grupo. Estos cuatro tipos granadinos tuvieron la gracia y talento de refrescar el sonido de una escena española, que de pronto podría verse sin una banda que pudiera tener el tamaño para abrazar el estandarte que la representa, cuando Los Planetas decidan dar un paso atrás.

Se recomienda prestar atención a piezas como “Lolaila Carmoa”, “Explota y hola”, “Qué tal”.

TXT:: “El Jergas”.

Los Planetas: Súper 8. Son de Granada y producidos por Fino Oyonarte, justo como Napoleón Solo.

Lagartija Nick: Hipnosis. Un debut producido también por Fino Oyonarte.

Banda de Turistas: El retorno. Grupo de jóvenes bonaerenses muy talentosos.

A Pilaseca los recordamos por su facilidad de entrar en un género tan impredecible como el funk, para intepretarlo de forma suave, sin pretensiones ni poses, y sumarle algunos acentos rap, hiphop y electrónicos. Ahora, la suerte y el estilo de esta agrupación originaria de San Miguel de Allende, Guanajuato, cambia para dar paso a su tercera producción, un disco grabado en Boss Studio (Querétaro) y producido por Thom Russo, quien ha colaborado con artistas y bandas como Audioslave, Eric Clapton, Macy Gray y un largo etcétera. Con Mi suerte cambió, Pilaseca conserva esa base funk característica que ahora coquetea descaradamente con ritmos como el ska y el latin jazz. El resultado: un disco con muchos estados, de ánimo, romántico y reflexivo en esencia, pero que antes de llegar al bajón recuerda que vida sólo hay una y lo más conveniente es invertirla en pasarlo bien. Sonreir y bailar, vaya. Puristas del funk: absténganse inmediatamente. Ahora Pilaseca ha aumentado el sonido de los metales y también le entran a la balada, con lo que el sonido de este disco podría darles la impresión de abarcar todo y no apretar nada. Amantes de todo tipo de música: bienvenidos, aquí hay varios ritmos y combinaciones, además de reverencia a temas que van desde el amor (“Belong”, “Te puedo amar”), al desamor (“La rueda”, “La perra sin sonrisa”) pasando por crisis existenciales (“La fuerza”, “Aquí no es”) y un poquito de estupefacienes (“Cocaine”). ¿Por qué no?. TXT:: Carlos Jaimes.

Inspector: Alma en fuego. Ska, amor y desamor en una de las producciones más reconocidas de esta banda mexicana.

Panteón Rococó: Ejército de paz. En algún momento de su carrera se transformaron en referente obligatorio del ska mexicano a nivel internacional.

Los músicos de José: Chicotito Groove. Un viaje instrumental guapachoso, divertido y kabuleador el que nos regaló esta chilanga banda.

75

No Distance Left To Run

Director: Dylan Southern Reparto: Blur País: Reino Unido Género: documental musical Año: 2010 Después de 10 años de ausencia en los escenarios, los miembros de Blur limaron asperezas y en 2009 se reunieron para hacer una gira de verano. En el ínter, el cuarteto se reencontró con la música y la amistad que originalmente inspiró a la banda a principio de los años 90.

Este documental presentado por Ambulante en México, describe cómo el vínculo infantil entre Damon Albarn y Graham Coxon fue el punto de confluencia creativa de la banda, y ahonda en las razones por las cuáles se fue deteriorando a medida que Blur ganaba popularidad, hasta llevar al grupo a una separación que parecía definitiva. Bajo la lente de Dylan Southern, este documental es imperdible para cualquier fan de Blur, pues además de mostrar la sanación de la banda, nos hace partícipes de su emotivo triunfo en Glastonbury 2009.

Hidalgo

La historia jamás contada

Operación delfín The Cove

Director: Antonio Serrano Reparto: Demián Bichir, Ana de la Reguera, Cecilia Suárez País: México Género: drama Año: 2010

Director: Louie Psihoyos Reparto: Ric OBarry, Hayden Panettiere, Isabel Lucas País: EUA Género: documental Año: 2009

Del director de Sexo. Pudor y Lágrimas, llega en formato DVD esta polémica cinta estrenada al año pasado a propósito del manoseadísimo Bicentenario. Como todos sabemos, esta película muestra un lado oscuro de Hidalgo que ni la misma moral relajada de Elba Esther Gordillo hubiera aprobado para los libros de la SEP (léase mujeriego, bebedor, tahúr, pero también amante del teatro, la ciencia y las artes), y en ese sentido hace honor a su título. Como toda película que pretende ser taquillera, Hidalgo encuentra a su archienemigo en el párroco de Torres Mochas, tiene a la morrita guapa personificada por Ana de la Reguera, quien por cierto luce un escote anacrónico, pero delicioso. Como la película palomera que es, hay que verla sin prejuicios y con la consigna de divertirse sin cuestionar demasiado.

Si al terminar de ver esta película te quedas con ganas de más, el DVD incluye material extra con un detrás de las cámaras, así como la edición de locaciones, pruebas y ensayos.

Ganadora del Oscar en la categoría de Mejor Documental, esta cinta nos revela la siniestra realidad en que vive uno de los animales más inteligentes de todo el mundo. En el Parque Nacional de Taiji en Wakayama, Japón, se esconde un terrible secreto: todo indica que existe una gran devoción por los delfines, hasta que un grupo de activistas liderado por el conocido ex entrenador de delfines Richard O ‘Barry, se embarca en una peligrosa misión encubierta. Tomando al toro por los cuernos, lo que comenzó como una sospecha termina en una revelación siniestra, trágica y cruda. La matanza anual de delfines en Japón es un crimen silenciado internacionalmente por un puñado de dólares, y los culpables viven amparados por la enorme industria pesquera, desplazados por un poder que rebasa la capacidad ética de las autoridades responsables.

reseñas cine

Blur

76

El beso de la sirena negra La pesca de la trucha en América

El enemigo declarado

Jesús Ferrero Siruela

Nada mejor –para lector y escritor– que acometer una novela cobijada por la estructura clásica del género negro, y después tener el placer de trastocar sus convenciones con matices que proceden del erotismo y la violencia. Así, lo que parece partir de una experiencia totalmente clásica –en la que el detective resuelve el misterio– deviene en una intriga mucho más compleja que bordea por el sadomasoquismo y el incesto. Por si fuera poco, Agata Blanc no es una investigadora que pertenezca al vulgo, todo lo contrario: es una mujer ilustrada en pos de hallarse a sí misma.

Ferrero ha decidido auscultar las maneras en que la aristocracia se relaciona con la perversidad y transgrede las convenciones. Ambientada entre París y Madrid, se plantea como una historia culterana y snob, que precisamente por tales calificativos potencia su atractivo. En el texto hay nutridas referencias a autores, lugares, platillos y costumbres que pertenecen a la alta cultura –no en vano Blanc se traviste de Marcel Proust–.

Refinadas maneras, látigos y deseo procaz, Ferrero hace que sus personajes lo apuesten todo tratando de mostrar casta de clase y sed de venganza. Una novela flaneur que trata –en su obsesión por Lewis Carroll– mostrarnos cómo la pasión se experimenta desde el otro lado del espejo. Es intrigante y eficaz por igual.TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Juvenal Acosta: El cazador de Tatuajes. Aquí quien cae al abismo es un hombre, también obsesionado con las densidades del deseo.

Javier Blánquez y Omar Morera: Loops. Una historia de la música electrónica.

Jesús Ferrero: Las experiencias del deseo: Eros y Misos. Por este ensayo el autor mereció el Premio Anagrama de Ensayo.

Richard Brautigan Jean Genet

Errata Naturae Hace muy pocos meses se cumplió el centenario natal de uno de los escritores más iracundos y furiosos de la historia. Genet llevó una vida repleta de tropelías y sucesos límite: se libró de una cadena perpetua, sobrevivió siendo ladrón y sus páginas pasionales se nutren de su homosexualidad. He aquí los textos políticos de quien fuera uno de los vagabundos más inteligentes del siglo XX. Una aventura editorial loable por donde se le mire, y que una vez más reafirma el espléndido oficio de una de las independientes españolas más propositivas. Nos topamos de frente con un amante de la revolución y la libertad, un transgresor de todo tipo de fronteras. Lo mismo sigue al Partido de las Panteras Negras, que defiende a los inmigrantes en Francia o denuncia masacres populares en Líbano. ¡Qué fortuna leer en español este cúmulo de artículos, entrevistas, prefacios y discursos! Puede decirse que por su pensamiento los conocerás; este es un encontronazo brutal con un hombre poliédrico e insumiso. Se ha dicho que aquí se halla su testamento ideológico y vital. ¡Menuda herencia hemos recibido! TXT:: J.C.H.

Fernando Vallejo: El desbarrancadero. Por polémico e incendiario, pertenece al mismo bando que Genet.

Jean Genet: Diario del ladrón. Novela en clave autobiográfica de sus precoces y delincuenciales años.

Jerry Rubin: Do it! Escenarios de la Revolución. Un clásico del pensamiento anarquista de los sesenta (aunque su autor luego se hizo empresario). Fue creador del movimiento yippie.

Blackie Books

La desafortunada vida de este autor le llevó a afirmar: "recibí suficientes electroshocks para iluminar un pueblo entero", dado que lo metieron a un manicomio por apedrear una comisaría pensando que obtendría comida caliente y gratuita. Sobrevivió casi de milagro, hasta la publicación de esta novela en 1967, con la que contribuyó al estallido de la contracultura y vendió más de 4 millones de ejemplares.

Una maravilla de la que el escritor argentino Rodrigo Fresán ha contextualizado como "el eslabón perdido entre la marihuana be-bop de la literatura beatnik y el ácido folk-rock del Dylan más visionario". Escrita durante unas vacaciones en las montañas rocosas, el título poco tiene que ver con su contenido. Entre campirana y lisérgica, se trata de una obra esquiva que permite a Brautigan especular sobre todo lo que lo rodea, de lo superficial a lo más denso, pero sin perder su toque delirante. La novela resulta tan extraña, que podría tratarse lo mismo de un viaje emocional y espiritual a través de una época idealizada, que de un extenso poema en prosa, humorístico y melancólico a la vez. Debemos celebrar que por fin se consiga en español. TXT:: J.C.H.

Lawrence Ferlinghetti: ¿Qué es la poesía? El poeta californiano dijo de Brautigan: "creo que estaba más en sintonía con las truchas de América que con las personas".

David Foster Wallace: Infinite Jest. Al momento de dejarse llevar por la digresión, Foster sigue muy bien las enseñanzas de Brautigan.

Richard Brautigan: Un detective en Babilonia. En clave paródica de la novela negra clásica, siempre con lo desparpajado del escritor.

78

Need for Speed: Hot Pursuit

Calificación: 5/5 Distribuidor: Electronic Arts Desarrollador: carreras Género: carreras Género: E (para todo público) Consola: Xbox 360, PS3, Wii, iPhone/iPad, PC Numero de jugadores: hasta 16

La industria del entretenimiento está reiniciando algunas de las franquicias más populares, sucede en el cine, la televisión y por supuesto los videojuegos no se podían quedar atrás. Need for Speed nunca se ha caracterizado por ser un simulador de autos, sino por ofrecernos raciones groseras de velocidad. Los anteriores Hot Pursuit le añadían un ingrediente sumamente explosivo: las persecuciones.

En lugar de hacer una tercera entrega, sus creadores decidieron reiniciar la franquicia y ofrecernos uno de los mejores juegos de velocidad disponibles a la fecha. A diferencia de Gran Turismo 5 o Forza Motorsport, Hot Pursuit es un juego tipo arcade, es decir que la física de los autos y los ambientes no son tan realistas, pero a cambio ofrecen una experiencia de juego que llenará de adrenalina a los asiduos a las carreras. El juego ofrece dos modalidades principales: correr a cargo de poderosas patrullas en nombre de la ley, o huir en veloces automóviles y romper las reglas de tránsito. Ya sea que decidas ser un policía o un delincuente, el objetivo es el mismo: correr a las más altas velocidades para capturar o escapar. Todos los autos están basados en contrapartes reales y sufren daño que puede afectar el desempeño posterior. Los policías suelen tener patrullas más fuertes y un arsenal que incluye asistencia por aire para detener a los perseguidos. Por el contrario, los que huyen tienen bajo las llantas algunos trucos como tirar aceite en el pavimento. Aparte de los modos de historia, Hot Pursuit ofrece modos en línea y un sistema llamado AutoLog, que permite saber si nuestros amigos son mejores que nosotros, y de ser el caso, retarlos al momento para demostrarles quien es el rey del asfalto. TXT:: Carlos Gutiérrez.

Killzone 3

Calificación: 4/5 Distribuidor: SCEA Género: acción en primera persona Clasificación: M (Para mayores de 18 años) Consola: Xbox 360, PS3, PC Numero de jugadores: 1 a 8

Sony no escatima en la producción de grandes títulos para el PS3.

Prueba de ello es su más reciente juego, la tercera entrega de una de sus franquicias más poderosas: Killzone 3. Sev, el héroe de la exitosa segunda parte está de regreso, y la historia continúa exactamente donde terminó Killzone 2. Desafortunadamente es la narrativa el punto más débil del juego, ya que no tiene la fuerza ni la coherencia necesaria. Pero ahí terminan las decepciones, ya que Killzone 3 mejora con respecto a sus antecesores con una experiencia de juego abrumadora, en la que mete a los jugadores en los zapatos del personaje. No se trata solamente de caminar y disparar, sino de meterse en la mente de Sev y en los detalles que se encuentran en las atmósferas, los niveles y hasta en las armas propias y de los enemigos. También destaca lo visual; gráficamente es de los mejores juegos disponibles en cualquier consola, con mejores y más variados niveles estamos ante un deleite visual que aparte de entretener, sirve para presumir nuestra consola. El modo de historia es bueno, pero muchos jugadores regresarán por los tres modos multijugador, que elevan por mucho el replay value. Killzone 3 no será el mejor juego disponible para el PS3, pero lejos de ser malo, se perfila como uno de los mejores títulos de acción de 2011.

TXT:: Carlos Gutiérrez.

Book by Its cover

Inspire First

www.book-by-its-cover.com

www.inspirefirst.com

Un blog hecho desde Nueva York por un ilustrador que colecciona libros, y que un buen día se dio cuenta que contaba con una selección digna de ser compartida con el mundo.

Uno más de los eternos e infaltables blogs de diseño gráfico e ilustración que siempre hacen falta a la hora de inspirarse.

Bava

Apartment Therapy Mission

bava.mx

www.apartmenttherapy.com

Un esfuerzo hecho desde la Ciudad de México a cargo de Sebastián Franco. Bava es un catálogo en línea de bandas iberoamericanas que buscan compartir la música que hacen, a través de una plataforma que recuerda a last.fm. El valor único y diferenciador de Bava es que ayuda a que las bandas independientes se den a conocer.

Página que puede salvar su departamento. Aquí recibirán muchos consejos para mejorar la belleza de su hogar. Hay desde floreros, sillones y cojines, hasta consejos en limpieza y arquitectura.

Cosafina

Bikini Fetish

www.cosafina.org

bikinifetish.tumblr.com

Blog español con un excelente gusto en arte y diseño. Encontrarán sólo productos atractivos para el ojo. El título lo dice todo.

No podía faltar y un Tumblr en la ronda de este mes, y qué mejor que Bikini Fetish ahora que se avecina la primavera. Es hecho desde Nueva York por la coreana Tiffany. Joya.

Idioma: inglés

Idioma: español

Idioma: español

TXT:: "El Jergas".

Idioma: inglés

Idioma: inglés

Idioma: inglés

79

80 EL PILÓN

Como es costumbre en esta sección, cada mes presentamos a un personaje que tras bambalinas apoye la escena musical mexicana, sea como productor, manager, mecenas, etc. Este mes entrevistamos a Iván González Montoya, Director de los Indie-O Music Awards, los premios que el próximo 13 de abril celebran su cuarta edición en el Teatro de la Ciudad.

TXT:: Vicente Jáuregui.

¿Quién es y qué hace Iván González Montoya?

Nací y crecí en varios países, lo que me hace apátrida de cierta forma. En un rincón del clóset tengo guardado un título de Ciencia Política, el cual no tuvo nada que ver con mi encuentro y empatía con alguna parte de la filosofía anarquista. Me dedico a las artes y a la ciencia, al pensamiento crítico y a la promoción cultural. ¿Qué novedades encontramos en esta edición 2011 de los IMAS? La inclusión del género Folclore/ Popular, el regreso de la categoría Mejor Programa de Radio y la alianza con Unión Fonográfica Independiente (UFI) de España. ¿Qué es el premio UFI? Es un premio que como mencioné anteriormente, nace este año a raíz de la alianza establecida con esa institución. Hemos hecho una sección recíproca y ambos países intercambiarán premios; en esta ocasión diversas disqueras de la escena española registraron alrededor de 25 obras producidas en 2010 y nuestro panel de jurados votó por ellas. A mediados de este año los premios UFI abrirán un espacio para nosotros y allá votarán por cualquiera de las bandas que se registraron en esta nueva edición de los IMAS. ¿Qué tanta respuesta tuvieron ahora que las bandas pueden inscribir su obra?

Hubo más de 150 bandas registradas; a los proyectos que fueron dados de alta por las disqueras independientes se les unieron producciones sin ningún tipo de vínculo a la industria. En ese sentido, parte del objetivo se cumplió, aunque todavía falta un largo camino por recorrer para llegar a nuestro ideal: que la presencia artística no provenga sólo de las grandes ciudades del país. ¿Por qué cobrar a las bandas que dan de alta sus discos?

Básicamente es una ayuda que recibimos para cubrir gastos logísticos implicados, entre otros, con el registro de obras.

Después de este tiempo, ¿qué han aprendido en el proceso de organizar cuatro ediciones?

Entre observaciones y aprendizajes: la escena se concentra en las grandes ciudades y es difícil para las otras plazas figurar en los escenarios principales, falta apoyo institucional privado y estatal para proyectos de cultura, mayor convergencia y unión entre las distintas disciplinas artísticas (y al interior de la escena musical), reflexión crítica sobre los caminos que se deben tomar para promover el arte. Hay un escepticismo constante –lo cual en algún sentido es bueno aunque provenga de un lugar malo– y la vieja guardia del mundo musical en México no ha aceptado del todo el nuevo contexto tecnológico y comunicacional. Todavía hay personas que tiran proyectos hacia atrás y no existe una noción de compañerismo para darle fuerza a todas las iniciativas que surgen a lo largo de los años.

La ceremonia 2011 se acerca, ¿qué nos puedes adelantar?

Para los que no están del todo familiarizados con los IMAS, les recuerdo que este es un espacio de convergencia, promoción, apoyo y difusión cultural.

Más allá del espectáculo, la ceremonia es un punto de encuentro de artistas, promotores, periodistas, locutores, programadores, etc. Este año será parecido al anterior: habrá algunas colaboraciones en vivo, se entregarán 25 plumas, y previo al inicio de la ceremonia se proyectará un documental de la sección Sonidero de Ambulante. ¿Cuál es tu apreciación de la escena nacional actual?

Pareciera que cada vez hay un público más abierto a nuevas propuestas estéticas, y si bien el rock sigue siendo una fuerza predominante, poco a poco se empiezan a escuchar nuevos sonidos. Me gustaría que cambiara esa perpetua hostilidad de ciertos sectores hacia ciertos géneros; el día en que el público mexicano no sea hostil con una banda telonera, será cuando esté todo bien. M